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ABOUT THIS CATALOGUE Manzur Kargar, an up-and-coming artist from Berlin, Germany was born in Kabul, Afghanistan. He was moved to Germany at a very young age and was raised in West-Berlin. He studied Fine Art and Painting in Braunschweig at one of the most prestigious Universities for painting in Germany. Our paths crossed first in 2000 and Berlin (Germany) was boiling of excitement and anticipation. The new millennium and the fact that Berlin was once again the capital Manzur Kargar and Christian Hohmann of Germany and still the largest construction place in all of Europe had magnetic powers for all creative people. Musicians, performing and visual artists alike were moving to Berlin. And so were we. Our gallery in Hamburg had been running successfully for a few years at the time and we wanted a new challenge and so we started planning the opening of a gallery in Berlin, which happened in 2001. In the process we met many artists and one of them was Manzur Kargar. What made Manzur stand out was the fact that he was little impressed by the hype and the anxiety that was going around town. Unlike most other he had lived in West-Berlin long before the wall came down and he knew Berlin in and out before the new wave of people came to the city to re-discover it. When most artists tried to compete over who would be the craziest, most disturbing and provocative, Manzur simply wanted to create good paintings and he did. Unimpressed by any trends or new techniques he was working in his own personal style and success proved him right. Since then Manzur has re-invented himself and created a completely new style, influenced by the advertising world around us. In his early work he depicted Roman-Greco mythology and created very contemporary paintings based on the ancient cultures. His recent work is a strong departure from the historical content. Bold, provocative and sexy is the new language of his passionate paintings. His inspiration is the media and advertising world around us. While his earlier work depicted the gods and goddesses of Antiquity, we find that his new work depicts the icons of our Modern times. Beginning of 2010 Manzur moved temporarily to Los Angeles to finish a new series of paintings and before these paintings have to go back to Europe we had the opportunity to show them in our gallery in Palm Desert for the unveiling.


MANZUR KARGAR CIRCULUM VITAE born in Kabul/Afghanistan moved to Germany, West-Berlin since 1985 musician and composer in various band projects 1988–91

studied painting at the HBK Braunschweig (University of Fine Arts)


studied painting at the HdK Berlin (University of Fine Arts)

since 1996 lived and worked frequently in Los Angeles and New York 2006

cofounder of the project space BEAT. contemporary art gallery lives and works in Berlin

© Henrik Drescher

PUBLICATIONS 2007 2005 2001 2000 1998 1996 1995

Manzur Kargar - Faces, large-sized calender Manzur Kargar, solo catalogue Manzur Kargar, solo catalogue Paravent-Projekt, group show catalogue Manzur Kargar, solo catalogue Casus Belli, group show catalogue Herrschaft des Schönen II, group show catalogue Herrschaft des Schönen I, group show catalogue

PROJECTS 2006 – 08 2006 2004 1999 1998

BEAT. Contemporary Art Gallery (temporary project space), Berlin PAIN & PIXELS, photography and painting on industrial banners MOMAK-project, world wide virtual museum of afghan artists Olymp, interior design of a hotel suite with seven oil paintings on plastered, coloured walls and 40 hand-painted ceramic tiles, Campo Tures/Italy Göttinnen, complete wall design of a staircase with 24 oil paintimgs private collection, Essen/Germany


SOLO EXHIBITIONS SINCE 1996 (SELECTION) 2009 2007 2006 2005 2003

2002 2001 2000 1997 1997

WHITECONCEPTS, Berlin, Berlin, D STADTLADEN BeBerlin, Berlin, D BEAT. Galerie, Berlin, D BEAT. Galerie, Berlin, D MENDO, Amsterdam NL MENDO, Amsterdam NL Gallery Kohinoor, Karlsruhe D Plattform 45, Hamburg D Galerie Bongartz, Hannover D Showroom Galerie Bongartz, Hannover D Galerie Eikelmann, Düsseldorf D Galerie Eikelmann,Essen D Galerie Eikelmann,Essen D

GROUP EXHIBITION SINCE 1996 (SELECTION) 2008 2007 2006 2005 2004 2003 2002 2001

2000 1999 1997

BS-VISITE, Braunschweig, D 1 JAHR BEAT., Berlin, D SUMMERBEAT 06; BEAT., Berlin, D 5 Years of MENDO; MENDO, Amsterdam, NL SUMMER EXPO; MENDO, Amsterdam, NL SUMMER EXPO; MENDO, Amsterdam, NL REPEAT II Künstlerhaus Bergedorf, Hamburg D BLICK ZURÜCK NACH VORN Plattform 45, Hamburg D REPEAT I Galerie im Turm, Berlin D GERMAN PAINTERS Hart Gallery, Palm Spring CA “…BLÜH’ IM GLANZE…“ Galerie Bongartz, Hannover D TROJA; TRAUM UND WIRKLICHKEIT Landesmuseum Braunschweig und Landesmuseum Bonn D GEGEN-STAND-HIGH-TECH Vienna Art Center, Wien AUS LAST SUPPER Galerie Eikelmann, Essen D PARAVANT PROJECT Galerie Eikelmann, Düsseldorf D NEW YORK NEW YORK Galerie Arke, Dortmund D Participation at art-fairs in Los Angeles, Frankfurt, Köln, Karlsruhe and Berlin


BUTTERFLIES | 80“ x 96“ | 203 x 244 cm | oil on canvas | 2010


“The Images Find Me“ An interview with the painter Manzur Kargar CH: When we met approximately 15 years ago, the theme of your paintings was Greek mythology. What was your fascination with that topic? MK: I believe it is related to my heritage and to the fact that – having been born in Afghanistan and raised in Germany – I had difficulties finding my own identity as a young artist. Although I received my art education in Germany and learned to appreciate the local art traditions, I could never really connect to them. While trying to find my own authentic “language,” I arrived at Greek antiquity. As we all know, Greek antiquity – with its philosophers and mathematicians like Plato, Aristotle, Diogenes and Pythagoras – is the foundation for the European way of thinking (and consequently the way of thinking for all Western civilization) to this day. What was crucial to me was that Greek antiquity represents the gateway from the Orient to the Occident, and the myths and artistic and aesthetic manifestations in all their contradictory beauty suited my mindset. I felt comfortable in antiquity – there I could be “free,” and so it had a great influence on my earlier work. CH: A few years ago there was a sudden change in theme and you began to develop an entirely new series: large-scale, beautiful, contemporary faces interspersed with geometrical patterns. What prompted you to depart from your previous (and extremely successful) style and when exactly did that occur? MK: It was around the end of 2000 or beginning of 2001. I don’t know why, maybe it was the new millennium. One day I had just finished a painting from the series “Graces.” I sat down and lit a cigarette and suddenly I knew: This would be the last painting I would paint in this style. From then on everything had to change. Back then I had no idea in which direction it would develop, but I was certain that everything I had to say about antiquity I had already said. There was nothing more to say. Everything else would have been redundant. The fact that these paintings were very successful couldn’t influence my decision. Having dealt with things from the “past” for so long, I had the sudden urge to give way to the world of the here and now. In my studio I found a photograph that I had ripped out of an Italian fashion magazine. It depicted the face of a model that looked very “cinquecento” [CH: Italian for “five hundred,” a term used to describe the style of the Italian Renaissance of the 16th century] and originally I had wanted to use it for one of my female antiquity figures. I stretched a massive canvas and decided to fill it

Oreaden | oil on canvas | 59” x 47” | 1990


with a detailed view (only eyes, lips and nose) of this face. And there it was. It was classic and contemporary at the same time. I created an entire series of faces of models from all kinds of magazines, ads, etc. To offset the radicalism and closeness of these large faces, I added a layer of geometrical figures in contrasting colors. That created a distance to the faces, and the compositions were decentralized. With these “Close-Ups” I could finally paint faces where nobody asked: “Who is that?” Furthermore, I had a never-ending source of images for my paintings within this world of fashion and advertising. It was splendid! Neiraden | oil on canvas | 59” x 47” | 1990

CH: The “Faces” were your leap from antiquity into the 21st century. What happened then?

MK: While searching for more imagery for the “Faces,” I immersed myself deeper and deeper into the imagery of today’s media world, mostly advertising. Suddenly I discovered the wealth of motifs, stories and ideas the advertising world has to offer. Omnipresent and accessible to anyone, you don’t have to search, you simply find. This was followed by a period where I approached my “image conception process” very experimentally and which resulted in the “Zapping Series.” Every evening I would videotape the commercial breaks (that other people would find annoying), replay them and then photograph the TV screen randomly without any specific purpose. This way, hundreds of photographs with all kinds of subjects were created: sometimes wiggly, sometimes blurry, but always surprising. Then I made a selection of photographs that I deemed “paintable.” These images were then executed in oil on small-size canvasses (15” x 15”). The absurdity that images which would only show for split seconds on TV would be recreated in the slow process of oil painting, which could take days to complete, created the special appeal of these works. Everyday items like chocolate, cars, skin lotion, etc., were depicted on the canvas and this added a new dimension. The paintings of the “Zapping Series,” which were always presented “en bloc” as a wall installation, were somehow familiar to the viewers but at the same time it confused them, which played right into my intentions. CH: Does that mean that you are very critical of the media/advertising world and its picture overkill? MK: Not really. Rather, I am fascinated. Its glamour and seductiveness that interests me and inspires my work. Great art always has something to do with seduction. The church paintings of the Renaissance (the cradle of painting) had the purpose of seducing people to believe. Up


to modern times, every work of art was basically meant to seduce – seduction in the sense of a promise or an ideal that we can strive for but in reality never reach in a lifetime. The spotless and slick surfaces were used to present to us a pure and paradise-like world. The same exact concept is used in advertising. Only the purpose has changed. For me as a painter, the “surface” is naturally of interest. How did Nietzsche say it in Birth of Tragedy? “The Greeks were superficial…as a result of their depth.” Which brings us back to the Greeks. CH: Is it safe to say that you see yourself as a painter at Illuminated Face I | oil on canvas | 59” x 59” |2004 heart? In a world where we are flooded with images (movies, TV, internet, magazines, billboards), even the art has evolved. Photography has a much greater significance than ever before. What does it mean to you to be a painter in a world of photography? MK: First and foremost, I feel I am an artist. Painting is my medium. For me there is no other technique to express myself adequately. I think as a painter and I love to paint. Which doesn’t mean that I don’t appreciate or admire other more “contemporary” techniques. In my artistic education during the late 1980s in Germany, there was literally an ideological war of the disciplines. If you were a painter, you were automatically against photography, video art, installations or conceptual art, and vice versa. On the one hand, artists repeatedly declared the demise of painting, while on the other hand the painters claimed to work in the only true master discipline, referring to hundreds of years of tradition in art history. As a young artist, I defended my role as a painter on this battlefield with passion and strong belief. Today I feel this “battle” is pubertal and unnecessary. A strong video installation can inspire me much more than a badly executed painting. (Thankfully, these discussions don’t take place much anymore among the younger generation of artists. There is a much more relaxed coexistence of the disciplines nowadays.) Of course I always ask myself the question: What purpose can a canvas – stretched on wooden bars, painted with oil colors – still serve in a world that is geared toward fast repro-


ductions? But it is exactly a painting’s non-reproducible, unique character that is its strength. The media and advertising world cannot make use of paintings for its purposes. For that, painting is too cumbersome. A painting can only work on a white wall in a quiet room without any distractions. To me, painting – as well as the viewing or contemplation of a painting – means to retreat from the flood of aggressive and hectic image overkill. It is a way of meditation and concentration. If I can manage to sensitize the viewers’ perceptions and enable them to see, even if just for a moment, then I have contributed much already as a contemporary painter. CH: This also works for me. Every time I look at your paintings, I need to pause for a moment. I see fragments of images that look familiar, even though I can’t say why or where from, and they melt together with other fragments that appear very foreign in that context. What feelings would you like to evoke with your paintings and what message would you like to convey? How do you choose the subject matter as you develop your composition? MK: Basically, I would like to create paintings that are free of predetermined content. I don’t have a “message.” David Lynch once said in an interview: “If you (as an artist) have a message, write a postcard or an e-mail.” I thought that was to the point. In the first place, I want to arrange form and color on the canvas. However, I am not an abstract painter. I am interested in the figurative, the human figure, volume, space and the interplay of foreground and background. In my current series, “Splendid,” I try to approach the subject as open-mindedly as possible. The media world offers me a never-ending supply of colors and forms. Through the Internet, they are immediately accessible. About a year and a half ago, the computer replaced my sketchbook. Before I start working on a large painting, I spend many hours, or even days, on the computer arranging subjects of any kind to create a composition that works for me. When it comes to the selection of images, I leave it up to chance. The images find me. I only have to assemble them into a “proper and complete entity.” Then, during the process of painting, there are other things happening. I work on a painting and drive it forward until it surprises me. The seemingly random assembly of various objects and images suddenly makes sense during the painting process. What sense that might be, I am not entirely sure of myself and that is the beauty of art… The interview with Manzur Kargar was conducted by Christian Hohmann

Air France | Oil on canvas | 47” x 47” | 2004


FLOWERS | 80“ x 96“ | 203 x 244 cm | oil on canvas | 2010


„Die Bilder finden mich“ Ein Interview mit dem Maler Manzur Kargar CH: Als wir uns vor ca. 15 Jahren kennengelernt haben, da war das Thema Deiner Malerei die antike, griechische Mythologie. Was war Deine Faszination an diesem Thema? Manzur Kargar: Ich glaube, das hatte etwas mit meiner Herkunft zu tun, und mit der Tatsache dass ich, geboren in Afghanistan und aufgewachsen in Deutschland, als junger Künstler Schwierigkeiten hatte, eine eigene Identität zu finden. Ich hatte zwar meine künstlerische Ausbildung in Deutschland, habe die hiesigen künstlerischen Traditionen sehr zu schätzen gelernt, fühlte mich ihr allerdings nie richtig verbunden. Auf der Suche nach einer eigenen, authentischen "Sprache", landete ich bei der griechischen Antike. Wie wir alle wissen, bildet das Antike Griechenland mit ihren Philosophen und Mathematikern, wie Platon, Aristoteles, Diogenes und Pytagoras etc. die Grundlage für das Europäische Denken (und somit das Denken der gesamten westlichen Welt) bis zum heutigen Tag. Für mich war allerdings entscheidend, dass das antike Griechenland das Tor zwischen Orient und Okzident darstellte und seine Mythen und nicht zuletzt seine künstlerichen und ästhetischen Erscheinungsformen in all ihrer widersprüchlichen Schönheit meiner Mentalität sehr entgegen kamen. In der Antike fühlte ich mich wohl, dort konnte ich endlich "frei" sein. Also übte sie einen großen Einfluss auf meine frühere Arbeit aus.

Artemis, Demeter & Amphridite | oil on canvas | 47” x 79” | 1999

CH: Vor einigen Jahren kam dann ploetzlich der Bruch mit diesem Thema und eine ganz neue Serie entstand. Grossformatige wunderschoene, zeitgenoessische, Gesichter durchsetzt mit geometrischen Mustern. Was war damals der Anlass, mit dem bisherigen (und extrem erfolgreichen) Stil zu brechen und wann genau war das? MK: Das war so Ende 2000 / Anfang 2001. Ich weiß nicht warum, vielleicht das neue Millenium. Ich habe eines Tages ein Bild aus der "Grazien" Serie fertiggestellt, mich hingesetzt, eine Zigarette angezündet, es betrachtet und wußte: Das ist das letzte Bild, das ich so gemalt habe. Ab jetzt muß alles anders werden. Damals wußte ich nicht genau in welche Richtung es sich entwickeln würde, aber ich wußte genau, dass das was ich zum Thema Antike sagen konnte, gesagt habe. Mehr gab es nicht mehr. Alles Andere wäre nur eine Wiederkehrung des ewig Gleichen gewesen. Dass diese Bilder sehr erfolgreich waren, hat meine Entscheidung nicht beeinflussen können. Nachdem ich mich so lange mit Dingen aus der "Vergangenheit" beschäftigt hatte, hatte ich


plötzlich ein großes Bedürfnis die Welt aus dem Hier und Jetzt in meinen Arbeiten einfliessen zu lassen. In meinem Atelier fand ich ein Foto aus einem Italienischen Modemagazin, das ich irgendwann einmal herausgerissen und mitgenommen hatte. Darauf war ein Modelgesicht abgebildet, das sehr "cinquecento" aussah, und das ich ursprünglich für meine weiblichen Antikenfiguren verwenden wollte. Ich spannte eine riesige Leinwand auf und entschied mich eine Detailansicht (nur Augen, Mund und Nase) dieses Gesichts formatfüllend auf diese Leinwand zu bringen. Und das war es. Es war klassisch und zeitgenössisch zur gleichen Zeit. Ich machte eine ganze Serie mit Gesichtern von Models aus allen möglichen Magazinen, Werbeanzeigen etc. Und um die Drastigkeit und Nähe dieser großen Gesichter zu brechen, legte ich eine Schicht mit farblich abgesetzten und geometrischen Figuren darüber. Somit wurde eine Distanz zu den Gesichtern geschaffen und die Kompositionen "dezentralisiert". Mit diesen "Close Ups" konnte ich Kate | oil on canvas | 39” x 32” | 2007 endlich Gesichter malen, bei denen keiner fragt "wer ist das?" Ausserdem stellten die allgegenwärtigen Bilder aus der Werbe- und Modewelt für mich eine unendliche Ressource von Bildvorlagen dar. Das war großartig. CH: Die "Faces" stellten für Dich also den Sprung von der Antike in die Welt des 21 jahrhunderts dar. Wie ging es dann weiter? MK: Auf der Suche nach weiteren Vorlagen für meine Faces geriet ich immer tiefer in die Bildwelt der heutigen Medien, vor allem der Werbung. Plötzlich entdeckte ich, welche Fülle an Motiven, Geschichten und Bildideen die Werbung zu bieten hat. Omnipräsent und für jeden zugänglich. Man muss nicht suchen, man findet. Es folgte eine Phase in der ich sehr experimentell an meinen "Bildfindungsprozessen" herangegangen bin. Die "Zapping Series". Ich nahm allabendlich vor dem Fernseher die (für andere Leute störenden) Werbeblöcke auf Video auf, spielte sie dann ab und fotografierte den laufenden Bildschirm ohne einer bestimmten Zielsetzung. Es entstanden hunderte von Fotos mit allen möglichen Motiven. Mal verwackelt, mal unscharf, aber immer überraschend. Danach machte ich eine Auswahl von Fotos, die ich für "Malbar" hielt. Diese Bilder wurden dann auf kleinformatige Tafeln (15.75" x 15.75") in Öl gemalt. Die Absurdität, dass Bilder, die nur in Zehnteln von Sekunden über unseren Bildschirm flimmerten, in den langsamen Prozess der Ölmalerei, dessen Fertigstellung Tage dauern kann, übertragen wurden, machte den besonderen Reiz dieser Arbeiten aus. Allgegenwärtige Dinge wie , Schokolade, Autos, Hautcreme usw. auf Leinwand gebannt bekamen somit eine andere Dimension. Die Bilder der "Zapping Series", die ich immer en Block, als Wandinstallation präsentiert habe, kamen dem Betrachter zum Einen irgendwie


"Vertraut" vor, zum Anderen waren sie gleichzeitig auch irritiert. Was meiner Intention sehr entgegen kam. CH: Heißt das, dass Du der Bilderflut der Medien/ Werbewelt sehr kritisch gegenüber stehst? MK: Eigentlich nicht. Eher fasziniert. Ihre Glamurösität und ihre Verführungskraft ist das, was mich interessiert und meine Arbeit inspiriert. Große Kunst hat immer etwas mit Verführung zu tun. Die Kirchenbilder der Renaissance (die Wiege der Malerei) hatten die Aufgabe, die Menschen zum Glauben zu verführen. Bis zur Moderne war im Grunde jedes Kunstwerk als Verführung gedacht. Verführung im Sinne einer Verheißung, einem Ideal, dessen Erreichbarkeit im realen Leben nicht möglich ist. Die Makellosigkeit und die glatte Oberfläche wurden benutzt, um uns eine reine, paradiesische Welt vorzuführen. Das Gleiche geschieht heute in der Werbung. Nur ist ihre Intention eine Andere. Für mich als Maler, ist die "Oberfläche" von Natur aus von großem Interesse. Marlborough | oil on canvas | 47” x 47” | 2004 Wie sagte schon Nietzsche in "Die Geburt der Tragödie"?: "Die Griechen waren oberflächlich... aus Tiefe!" Womit wir wieder bei den Griechen wären... CH: Kann man sagen, dass Du Dich im Grundsatz als Maler verstehst? In einer Welt in der wir von Abbildungen regelrecht bombardiert werden (Kino, Fernsehen, Internet, Magazine, Werbetafeln) hat sich auch die Kunst gewandelt. Photographie hat einen viel groesseren Stellenwert als jemals zuvor. Was bedeutet es fuer Dich in dieser Welt der Fotos ein Maler zu sein. MK: In erster Linie fühle ich mich als Künstler. Die Malerei ist mein Medium. Für mich gibt es keine andere Disziplin, in der ich mich adäquat ausdrücken könnte. Ich denke als Maler und ich liebe es, zu malen. Was nicht heißt, dass ich andere, "zeitgenössischere" Ausdrucksformen nicht bewundere und zu schätzen weiß. In meiner künstlerische Ausbildung in den späten 1980er Jahren in Deutschland wurde ein regelrechter ideologischer Kampf der Disziplinen in der Kunst geführt. Wenn man ein Maler war, war man automatisch gegen Fotografie, Videokunst, Installationen oder Konzeptkunst. Und umgekehrt. Auf der einen Seite wurde immer wieder der Tod der Malerei postuliert, auf der anderen Seite behaupteten die Maler, in der Königsdisziplin der Kunst tätig zu sein und verwiesen auf die Jahrhunderte alte Tradition der Malerei. Als junger Künstler habe ich auf diesem Schlachtfeld meine Rolle als Maler mit Inbrunst und vollster Überzeugung verteidigt. Heute empfinde ich diesen Kampf als pubertär und überflüssig. Eine starke Videoinstallation kann mich mehr begeistern als ein


schlecht gemaltes Bild. (Zum Glück finden diese Debatten unter den Jüngeren Künstlergenerationen nicht mehr so statt. Es herrscht ein viel entspannteres Nebeneinander vor) Natürlich stelle ich mir als Maler immer die Frage: Was kann ein auf Holzkeilrahmen aufgespannte Leinwand, die mit Ölfarbe bemalt ist, in unserer hochtechnisierten Welt, die auf schnelle Reproduktion und Vervielfältigung ausgerichtet ist, noch leisten? Aber gerade das Nicht-Vervielfältigbare und der Unikatcharakter der Malerei ist ihre Stärke. Sie kann nicht von der Medienwelt und der Werbung für ihre Zwecke vereinnahmt werden. Dafür ist die Malerei zu sperrig. Ein gemaltes Bild kann nur auf einer weißen Wand in einem ruhigen Raum, ohne Ablenkung funktionieren. Für mich verkörpert die Malerei, das Malen, sowie als auch das Betrachten eines gemalten Bildes, eine Art Rückzug von der agressiven Hektik der auf uns niederprasselnden Bilderflut. Es ist eine Form der Kontemplation und Konzentration. Wenn ich es schaffe, mit meinen Bildern den Betrachter in diesen Zustand zu versetzen und somit seine Wahrnehmung -wenigstens für einen Moment- zu sensibilisieren, habe ich als zeitgenössische Maler schon viel gleistet. CH: Das gelingt Dir bei mir sehr gut. Wenn ich Deine Bilder betrachte, dann muss ich innehalten. Da sehe ich Fragmente von Bildern, die mir vertraut vorkommen, obwohl ich nicht genau sagen kann, woher und sie verschmelzen mit anderen Fragmenten, die in diesem Kontext ganz fremdartig sind. Welchen Eindruck moechtest Du mit Deinen Bildern erzeugen und welche Aussage haben sie? Wie waehlst Du die Motive waehrend Du Deine Kompositionen entwickelst? MK: Im Grunde möchte ich Bilder schaffen, die Frei von festgelegten Inhalten sind. Ich habe keine "Message". David Lynch sagte einmal in einem Interview: Wenn Du (als Künstler) eine Message hast, schreib eine Postkarte oder eine Email. Das fand ich sehr treffend. Mir geht es in erster Linie um das Arrangieren von Form und Farbe auf der Leinwand. Allerdings bin ich kein abstrakter Maler. Mich interessiert das Gegenständliche, die menschliche Figur, Volumen, Raum, das Wechselspiel von Vordergrund und Hintergrund. Bei meiner aktuellen Serie "Splendid" versuche ich so frei wie möglich an die Sache heranzugehen. Die Welt der Medien bietet mir eine nie zu versiegen scheinende Fülle an Farben und Formen. Über das Internet sind diese sofort Verfügbar. Vor ungefähr anderthalb Jahren hat der Computer meinen Skizzenblock ersetzt. Bevor ich ein großes Gemälde beginne, verbringe ich mehrere Stunden oder Tage damit, am Rechner Motive jeglicher art kollagenhaft zu einer funktionierenden Bildkomposition zu arrangieren. Bei der Auswahl der Motive lasse ich dem Zufall freien Lauf. Die Bilder finden mich. Ich muss sie nur zu einem "richtigen Ganzen" zusammenfügen. Beim Malprozess finden dann wieder ganz andere Dinge statt. Ich arbeite solange an einem Bild, treibe es soweit voran, bis es mich selbst überrascht. Das scheinbar willkürliche Zusammenbringen der verschiedenen Bildobjekte bekommt über das Malen plötzlich einen Sinn. Welchen, darüber bin ich mir selbst nicht im Klaren und das ist das Schöne an der ganzen Sache... Das Interview mit Manzur Kargar wurde gefuehrt von Christian Hohmann



PILLS | 78 ¾“x 98 ½“ | 200 x 250 cm | oil on canvas | 2008 19


SHOOT | 78 ¾“ x 98 ½“ | 200 x 250 cm | oil on canvas | 2009 21


SEARCHING FOR MULLAH OMAR | 78 ¾“x 98 ½“ | 200 x 250 cm | oil on canvas | 2008 23


KNIFES | 78 ¾“ x 78 ¾“ | 200 x 200 cm | oil on canvas | 2009 25


CHOCOLATE | 59” x 78 ¾“ | 150 x 200 cm | oil on canvas | 200 27


MILK | 47 ¼” x 59” | 120 x 150 cm | oil on canvas | 2009 29


BUBBLES II | 47 ¼” x 59” | 120 x 150 cm | oil on canvas | 2009 31


TALIBAN’S NIGHTMARE | 47 ¼” x 59” | 120 x 150 cm | oil on canvas | 2009 33


SHIMMERING | 43 ¼” x 59” | 110 x 150 cm | oil on canvas | 2007 35


BUBBLES I | 43 ¼” x 59” | 110 x 150 cm | oil on canvas | 2007 37


BUGS | 43 ¼” x 59” | 110 x 150 cm | oil on canvas | 2007 39


SPAGHETTI | 43 ¼” x 59” | 110 x 150 cm | oil on canvas | 2009 41


BULLETS | 47 ¼” x 47 ¼” | 120 x 120 cm | oil on canvas | 2007 43

ICE CUBES | 80“ x 93“ | 203 x 236 cm | oil on canvas | 2010 44


FLOWERS II | 72“ x 53“ | 183 x 135 cm | oil on canvas | 2010 47


FIRE | 72“ x 53“ | 183 x 135 cm | oil on canvas | 2010 49

Painting as a Medium Reflections on the Work of Manzur Kargar Contemporary painting is and has a problem. This problem has to do with painting itself, as well as with the word “contemporary”. The idea of being contemporary is a wavering notion determined by social circumstances. Yesterday’s contemporary ideas stand aloof today. What used to be “out” is now in fashion. Painting is not spared this inconsistency. Still, it manages to create an underlying, durable film on which all forms of fine art currently develop and have developed. Along with sculpture, painting remains the determinative element of art. It has substantially influenced our idea of what art is, and what it can and should be. Painting has therefore become an essential component of civilization and has helped to form our understanding of the world. This is also the background of Manzur Kargar’s work. His work is not only painting as a medium, but also medial painting. With painting as a medium, it’s contemporary art which mediates in the process of coming to terms with the reality that lies beyond the painted structures and expressions on the canvass. The hypothetical question, “What would van Gogh have painted if he could have watched television?” and the possible answer illustrate the concept of painting as a medium more clearly. Manzur Kargar’s work goes a step beyond with medial painting – and even further by having it play a double role. The picturesque quality of his works attracts immediately, yet questions itself at the same time. The portraits of women’s faces create a layer which establishes the painting’s background – although they are much more than that – and are images taken from the media world. As photographs in magazines, these pictures influence our present perception of beauty as painting did in the past. By transposing these photos into the realm of painting, Manzur Kargar compares the significance of ideals in modern media with those of classical painting. As a result, he deconstructs both issues – the emptiness created by media pictures and the fulfilment of painting as a doctrine. The media image refers only to itself, although it pretends to represent something. The doctrine of classical painting, though, was the school which taught us how to represent the world. With abstract painting modern art crossed paths, so to say, with media imagery. Painting used abstraction to separate itself from representing the world, the best example being the geographic forms shown in concrete painting. This style of measurable lines and shapes creates the foreground of Manzur Kargar’s pictures. The raster structure, in the fashion of concrete painting, makes a clear reference to the technical raster of printed photos. Yet in a paradoxical reversion, the raster also allows the faces behind it to become picturesque portraits. With his transposing, Manzur Kargar challenges the photo-


CHERRY CIRCLES | oil on canvas | 79” x 79” | 2008

graphic representations to take on a new function: to be depicted - a recourse to the classical subject of portrait painting. A delicate tension then arises as we continue to perceive the faces as pictures from the media. However, in looking close-up we see that the concrete patterns themselves display a picturesque structure. This contradicts concrete-abstract painting, where there is no trace of the hand to be seen. By laying a pattern over an image, the roles of each are displaced – if not nullified. The pattern becomes a medial image, while the media image turns into a classical portrait. This transformation is what distinguishes the medial painting of Manzur Kargar - art which is well aware of its means. Thomas Wulffen, translated by Karen Kargar


Malerei als Medium Überlegungen zum Werk von Manzur Kargar Zeitgenössische Malerei ist und hat ein Problem. Dieses Problem hängt sowohl zusammen mit der Malerei an sich und dem Wort ,zeitgenössisch'. Denn Zeitgenossenschaft ist ein wandelbarer Begriff, der durch die gesellschaftlichen Umstände bestimmt wird. Was gestern zeitgenössisch war, steht heute abseits. Was damals nicht en vogue war. ist heute angesagt. Oie Malerei bleibt davon nicht unberührt, und dennoch bildet sie im Rahmen der Bildenden Kunst eine dauerhafte Folie, auf der sich die gegenwärtige Kunst in ihren unterschiedlichsten Formen und Varianten entwickelt und entwickelt hat. Neben der Skulptur bleibt Malerei das bestimmende Element der Kunst. Sie hat unsere Vorstellung, von dem was Kunst ist, sein kann und zu sein hat, wesentlich beeinflusst. Dadurch ist sie bestimmender Teil der Zivilisation geworden und hat unser Verständnis von Welt mitbestimmt. Das ist auch der Hintergrund für das Werk von Manzur Kargar. Es ist nicht nur eine Malerei als Medium, sondern eine mediale Malerei. Mit der Malerei als Medium sollen jene Prozesse zeitgenössischer Kunst auf den Begriff gebracht werden, die sich abseits der Leinwand malerischer Strukturen, Ausdrucksformen und Prozesse bedienen. Mit der hypothetischen Frage: Wie hätte van Gogh gemalt, wenn er Fernsehen hätte sehen können? Und der rnöglichen Antwort darauf, wird das Konzept der Malerei als Mediurn verdeutlicht. Manzur Kargars Werk dagegen ist eine mediale Malerei und das in doppelter Weise. Seine Werke bestechen durch einen malerischen Ausdruck, der sich zugleich selbst in Frage stellt. Denn die Porträts von Frauengesichtern, die den Gemälden als eine Folie dienen, und dennoch weit mehr sind, sind Abbildungen von medialen Schönhei ten. Diese Bilder als Fotografien beeinflussen unser Bild der Schönheit, wie es in der frühen Vergangenheit die Malerei getan hat. In der Transponierung dieser Fotos in den Raum der Malerei rekurriert Manzur Kargar auf die Vergleichbarkeit von Vorbildfunktionen im medialen Bild und der klassischen Malerei. Damit aber dekonstruiert er bei des, die Lehre der Malerei und die Leere des medialen Bildes. Denn das mediale Bild verweist nur noch auf sich selber, während es vorgibt, Abbild zu sein. Die Lehre der klassischen Malerei aber war die Schule für die Abbildbarkeit der Welt. Mit der abstrakten Malerei dagegen betrat die moderne Kunst sozusagen den Weg des medialen Bildes. So wie dieses entfernte sich die Malerei mit der Abstraktion von der Abbildung der Welt. beispielhaft vorgeführt in der konkreten Malerei. Sie bildet deshalb auch zu Recht den Vordergrund der Gemälde von Manzur Kargar. Oie Rasterstruktur dieser Art der konkreten Malerei ist einerseits eine Referenz an das technische Raster von gedruckten Fotos, andererseits lässt sie in paradoxer Umkehrung die Gesichter dahinter zu malerischen Porträts werden. Damit mu-


ILLUMINATED FACE 2 | oil on canvas | 59” x 59” | 2008

tet Manzur Kargar den fotografischen Abbildern in der Transponierung eine andere Funktion zu: im Rückgriff auf den klassischen Topos des Porträts werden sie zu Abbildern. So entsteht eine delikate Spannung, weil wir diese Gesichter dennoch immer noch als mediale Bilder wahrnehmen. Dagegen weist das konkrete Muster in der Nahsicht eine malerische Struktur auf, die ebenfalls im Widerspruch zu einer konkret -abstrakten Malerei steht, die jede Handschrift verleugnen will. In der Überlagerung von Abbild und Muster werden so die Funktionen der jeweiligen Ausdrucksformen verschoben, wenn nicht aufgehoben. Das Muster wird zum medialen Bild, während sich das mediale Bild zum klassischen Porträt wandelt. Eine derartige Wandlung ist das Kennzeichen der medialen Malerei von Manzur Kargar, die sich ihrer Mittel sehr bewusst ist. Thomas Wulffen


SADE | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 54

EYE LASHES | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 55

STRAWBERRY | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 56

BUTTERFLIES II | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 57

RIHANNA | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 58

ORCHID | 24“ x 24“ | 61 x 61 cm | oil on canvas | 2010 59

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Manzur Kargar - Splendid  
Manzur Kargar - Splendid  

Christian Hohmann Fine Art presents the work of Manzur Kargar. New paintings from the series "Splendid"