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 CHON


‘Pleno al 15’

15 meses, 15 núm eros. ✠ Alguien dijo alguna vez que la

Se han vestido con camisas de

llorar o reír. Lo repudiado o lo anhelado.

mús ica despierta los sentidos.

cuadros sobre ajados vaqueros rotos

Y en eso estamos. Sólo el tiempo

Pues a mí de jovencito me debió de

en rebeldía. Han sentido el ‘quejío’ y

adoquinará el trayecto o barrerá las

levantar bruscamente de mi sueño

el a‘ lma negra’ de la voz humana. El

piedras del viaje. Un viaje acuestas con

porque me despertó todo y, además,

rasgueo sureño de una guitarra y

la mochila de anéc dotas compartido

los sentidos. Es lo que tiene el

el soplido funky de una trompeta o

con todos vosotros, compañe ros de

amanecer masculino. Alguna bella

saxofón al agitado compas de mis pies.

recuerdos y conciertos; camaradas de

melodía madrugó en mi conciencia

Las mismas que alargaron mis patillas

alegrías y cervezas. Copilotos de la

somnolienta y es la que me ha venido

(las de mi rostro) mientras escuchaba

mejor ruta, gracias a todos. A Robert

acompaña ndo durante el transcurso

a Elvis. Esas que alzaron los cuernos

Johnson que con/por él comenzó todo.

de mi infancia primero, adolescencia

de mi mano con ritmo frenét ico y

A Muddy Waters, que lo continuó.

después y madurez, para finalizar. O

metálico. Aquellas que oí en grandes

Al patrón Nacho ‘Mahou’ por la

para empezar, porque en el final el

aforos y pequeño s garitos lúgubres

oportunidad que me brindó (¡bravo

principio tiene sentido. Esa banda

de olor y sudor a rock. Las notas

remero, dale a los remos, que nunca

sonora no es otra que la mús ica

musicales, tantas y diversas, que...

se diga que nos vencieron!). A toda

rock, pero sería un desagradecido

¡que me parta un rayo australiano!,

la tripulación de esta publicación . A

si no derribo diques musicales, si no

han provocado mi manifiesto

todas las bandas que han aparecido en

amplío gén eros y destruyo barreras

despertar repleto de curiosidad y

RockON. A la familia Osorio Gaspar

estilísticas. No lo voy a ser. Todas las

complicidad.

por sus traducciones y conocimientos

tendencias que en mí́ alborecieron

✠ Todo ello llevó, irrevocablemente,

musicales. A mis amigo/as (imposible

precozmente, además del R’n’R, me

a tomar una drás tica decisión vital:

nombrarlos a todo/as) y a mi

han acompaña do como escudero

a un lado u otro del escenario. Me

familia. A mis padres y hermanas. Y,

fiel a caballero y como gasolina

posicioné por la más cobarde y menos

especialmente, a Marisa... la luz que

necesaria a motocicleta. Así ha sido

arriesgada. De ahí, admirar aún más

me guía .

desde el principio, desde siempre.

a los mús icos, por su trabajo diario

✠ Muy agradecido a los nombrados,

✠ Beethoven aseguraba que la

y porque desde la barrera se ve todo

los ausentes, los lectores y, sobre

mús ica constituye una revelación más

más fác il. Todo. Con los año s y la

todo, a la mús ica, que me hizo ser

alta que ninguna filosofía. Cierto, se

experiencia uno no sabe aún -no es

persona. Ese arte que entra por los

reveló para conmigo como ninguna

consciente- del camino elegido. No

oíd os y va al corazón, el más directo.

otra doctrina.

sabe si caer en el arrepentimiento

Por el cual hoy ofrecemos este

✠ Esas notas musicales que izaron el

o soña r que en la otra vida ha

suplemento extraordinario como

más til de mi guitarra han recorrido

permutado a intér prete/ejecutante.

resumen armón ico de estos úl timos

los algodonales del blues. Han entrado

Si creer con vehemencia en la

quince meses tripulando esta nave.

en la eucaristía del gospel y han

reencarnación como codiciada excusa

La nave ChopperON y su larga vida

iluminado la bola de espejo. Han

o imbuirse en la indiferencia más

al R’n’R. Suerte.

calzado ‘Doc Martens’ mientras

evidente como hecho real. Qui lo sa?

pisaban cuadrí́c ulas de piso damero.

✠ El camino es largo y tiempo hay de

 CHON

Ramón González Araújo


Tripulación Patrón y remero: Nacho Mahou Piloto: Javi Arias Comodoro: Adriano García Autor del suplemento especial: Ramón González Araújo

ChopperON es una publicación On Line de

H4Y 111Ø71VØ Comunicación Creativa info@chopperon.es

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Daniel Paredes 619 724 887 publi@chopperon.es

04 Rock Sureño & Harley-Davidson. 09 De cómo nació el género musical: R’n’R. 12 31 años de la muerte de Elvis Presley. 16 Especial Deep Purple. 20 AC/DC: el retorno esperado. 24 Ten Years After Now. 26 Guns N’ Roses. 28 Mitch Mitchell. 30 Relentless 7, la nueva aventura de Ben Harper. 32 Entrevista a Jeff Espinoza, cantante de Red House. 36 Grateful Dead. 38 Motos y rock, dos mundos conexionados. 42 Comúsica’09. 44 Los Reyes del K.O., el funky-blues español 50 Simple Minds-U2, algo más que en común. 57 Nuevo libro sobre Rick Rubin, productor musical. 58 Chickenfoot, nuevo supergrupo de Joe Satriani. 60 Entrevista a The Chesterfield Kings. 64 La vida galopante de John Belushi. 66 Especial AC/DC. 74 The Stooges, su última biografía. 76 Them Crooked Vultures. 78 Les Paul. 80 Entrevista a F. Pardo, guitarrista de Los Coronas. 86 J. Brockman, miembro de Echo & The Bunnymen. 88 Nuevo disco de la Jeff Scheetz Band. 90 Led Zeppelin, 1969/2009.

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#1 Junio08 Rock Sureño & Harley-Davidson

Guitarras

confederadas,

arde el sur E

Lynyrd Skynyrd. Fondo: primera bandera confederada.

n agosto de 2003 la revista Rolling Stone declara a Duane Allman como el segundo guitarrista –de cien, tras Jimi Hendrix- más importante de todos los tiempos. 32 años antes yacía en la carretera este icono del rock sureño. Y con él su moto: una Sportster. Harley-Davidson y el rock. El rock y Harley-Davidson. Un binomio en estado puro desde los inicios del rock más pantanoso hasta nuestros días. El centenario de la legendaria marca motorística acogió, como no podía ser de otra manera, al grupo del recordado guitarrista fundador de uno de los más

influyentes conjuntos de southern rock de la historia, The Allman Brothers Band. Duane, junto con su hermano Gregg, crearon a finales de la década de los 60 del siglo pasado la banda que impregnaba su apellido de jazz, country, R’n’R, blues en lo que vendría a ser con los años un estilo con denominación de origen puramente USA bajo una mezcla de diferentes tendencias y géneros. De tal coctelera y de la infinita capacidad de improvisación nace ‘At Fillmore East’, uno de los mejores directos del género. Cogiendo el testigo de la banda de Georgia y añadiendo un nuevo componente musical

k-kamera.com

airbrushbydavid.com

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Izquierda: Portada del disco disco de Lynard Skynyrd Street Survivors Derecha: Black Crowes a toda vela.

edwardcoryell.com

a dicho estilo, el hard rock, los Lynyrd Skynyrd dedican en ‘Free Bird’, uno de sus más representativos temas, al tristemente fallecido Duane toda la herencia, el sentido y el sentimiento de lo que es una balada sureña. Si los Allman Bros. hacían guiños musicales al jazz, Lynyrd Skynyrd lo hace al rock sureño más duro. La potencia sónica es debido, en gran parte, a la conjunción extrema de sus tres guitarristas principales, circunstancia poco común en el mundo del rock. En clara respuesta a Neil Young y su tema ‘Alabama’, los de Florida componen con su archiconocido ‘Sweet Home Alabama’, alegato de la

condición confederada. Seis años más tarde de la pérdida de Duane en un trágico accidente aéreo fallecían, avatares irónicos del destino, Ronnie Van Zant, a la sazón cantante de los Lynyrd Skynyrd. Y con él su guitarrista. Y con él su corista. Y con ella su manager. Pero no moría la esencia que les hizo entrar en 2006 en el Rock and Rock Hall of Fame. En pleno auge del punk y explosión del pop, surgen grupos exponentes de la tradición sureña para combatir la superficialidad ochentera de la MTV. Entre ellos, los tejanos ZZ Top , un trío de barbudos que se dejaCentro: Harley decorada con motivos sureños. Derecha: Blackfoot en directo, su punto fuerte.

deanguitars.com

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#1 Junio08

VH1 / Film Magic

ZZ Top, conocido como The Little Ol’ Band from Texas, formado en 1970 en Houston, Texas. Los miembros del grupo son Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería). Todavía conserva sus miembros originales 38 años después.

ban acompañar por rubias oxigenadas y customizadas Harleys, deben parte de su éxito precisamente a los clips televisivos y a la inclusión de sintetizadores para dar forma a su genuino y característico rock. Originarios de la misma ciudad que les da nombre, Black Oak Arkansas se apuntan al show bussines americano haciéndolo suyo en sus propios conciertos gracias, en gran par-

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te, a la actitud de Jim ‘Dandy’, su festivalero excéntrico vocalista. Menos juerguistas escénicos y más en línea a los Skynyrd se presentan los Molly Hatchet, asistentes a la convención mundial del 2004 de Harley-Davidson. Tomando el nombre de una meretriz que decapitaba a sus clientes, alcanzaron el éxito con la misma fórmula de hard rock y rock sureño que años antes ideó Van Zant pero ahora añadirían el boggie rock con su sello particular. ‘Highway Song’ supuso para Blackfoot lo que ‘Free Bird’ para Lynyrd Skynyrd. De misma sonoridad, melodía y velocidad la belleza de esta balada confederada consigue lanzar a la fama al grupo con su solo de guitarra. Rock sureño en estado puro. Y duro. Coetáneos a estas bandas surgen también desde Florida en 1972 Outlaws, clásico entre los clásicos. Y con ellos, tres años más tarde, los 38 Special en los que se acusa su tendencia AOR pero sin olvidar la sonoridad sureña que caracteriza al hermano de Johnny y Ronnie Van Zant, Donnie, líder de unos de los grupos southern más respetados en la actualidad. Actualidad marcada por ‘Warpaint’ último disco de reciente lanzamiento (marzo del 2008) editado por el mejor grupo sureño surgido en la pasada década: The Black Crowes, donde nos retrotraen a su época más dorada. La banda de los hermanos Robinson (Chris, vocalista y Rich, guitarrista) no sólo son la esperanza sino el presente y futuro de un género estigmatizado, amén de sus continuas desgracias, por miles de fieles seguidores hermanados en un sentimiento común. El sentimiento con olor a gasolina, sabor a cerveza y baile de rock. El rock sureño.


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#2 Julio08 De cómo nació el género musical: Rock and Roll

On the rock again Aprovechando el reciente alumbramiento de ChopperON nos sumergimos con este número en el nacimiento del género que más gusta para rodar. Para escuchar y para vivir. Una forma de vida. Oh, Yeah!

C

uenta la leyenda marinera inglesa que durante siglos al vaivén hacia delante y detrás de los barcos en la mar se le denominó con el término rock por su bravía dureza, siendo roll su movimiento lateral deslizante. Cuenta, sin embargo, otra leyenda en su acepción más libidinosa y de contenido y contexto morboso que en slang (argot americano) refieren de este termino al concepto mismo del acto sexual. Otros orígenes remontan su significado más místico al entorno religioso del gospel allá por la década de los 40 del siglo pasado. El rocking era ritmo que imprimían en sus cánticos grupales. En efecto, grumetes avispados, marineros de primera y remeros de la carretera… estamos hablando de la procedencia genérica y terminológica del estilo musical más importante de la historia, del tipo de música por antonomasia: el Rock ‘n’ Roll. Nosotros nos apropiaremos con la libre traducción de contonearse y rodar. Mola más. De la fusión de ritmos de diversa procedencia estilística como el Rhythm and Blues, el country, el swing y, fundamentalmente, la aceleración de los doce acordes básicos del

blues nació la métrica musical del rock. Lo que coronaría al olimpo a artistas blancos de alma y corazón negro surgió a finales de los años 40. Si bien Elvis Presley reinó durante décadas y décadas conviene retrotraerse tiempo antes para entender y conocer el devenir de esta música de negros para blancos. El R’n’R nació como sinónimo de ruptura con los géneros musicales anteriores, como imposición generacional ante una sociedad norteamericana enclavada en el rancio puritanismo. Nació porque los jóvenes lo quisieron. Los negros y los blancos. La reivindicación de nuevas inquietudes se plasmaron en esta nueva música. Musicalmente su aportación era la derivación de los doce acordes bluseros como estructura básica en un tempo dinámico y enérgico de 4/4. La base rítmica con la batería como elemento preponderante adquiría mayor poder y presencia. Además, la guitarra -antes el saxofón- era protagonista constante tanto en la melodía como en los ‘solos’, sustituyendo en la mayoría de los casos a la armónica y el piano a diferencia del blues. Con estos elementos sumados a unas líricas claramente explícitas alusivas al sexo la  CHON


Chuck Berry, para muchos, el creador del R’n’R. El padre de todo.

El incendiario piano de Jerry Lee Lewis. Uno de los precursores más polémicos que conquistaron la fama en el rock.

Fats Domino (abajo a la derecha) con su grupo The Vibrators alcanzó el éxito en la década de los ‘50.

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El malogrado Buddy Holly, autor de ‘Peggy Sue’, éxito llevado a la gran pantalla.


#2 Julio08

‘c o r re c a m in B o D idd ley, e l

o s’ de l ro c k

✠ “Mucha gente

taxati vamente el fiel

Thing’, ‘Cadillac’,

no por celebridad sino

piensa que yo inicié

reflejo de los inicios y

‘Mona’ y ‘I´m Man’;

por necesidad. Lo que el

este negocio, pero

el camino del rock . Y,

entre otros, ha influido

dinero dio a otros se lo

el R´n´R estaba aquí

precisamente, uno de sus

a multitud de artistas

quitó al gran Diddley.

mucho tiempo antes de

orígenes está ligado a

contemporáneos.

Pero lo que no dio a otros

que yo llegara. Nadie

la figura recientemente

Músico que con el paso

permanecerá para los

puede cantar esa clase

fallecida de Bo Diddey.

del tiempo agranda el

anales de la historia en

de música como la

El músico negro cre ador

panorama del rock .

el carisma de los millones

gente de color. Yo lo

de mítico ‘Roadrunner’,

Rendimos un humilde

de fieles seguidores de uno

sé.” Esta afirmación de

copiado hasta la

tributo aquí al rockero

de los padres fundadores

Elvis Presley destaca

saciedad, ‘Pretty

que murió sin re tirarse

del R’n’R.

juventud desfloró rápidamente y convirtió al Rock en su referente de cabecera. Artistas noveles, grupos de la nada y ganas de tocar, campaban a sus anchas por las emisoras radiofónicas. Así salieron los primeros artistas blancos -Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Eddie Cochran, los Everly Brothers, Bill Haley- y negros-, Chuck Berry, Little Richard, Ike Turner, Bo Diddley, Fats Domino-… mucho 10 CHON

antes de Elvis Presley. En los años 40 canciones pinchadas en las radios incluían en sus textos y títulos el término rock. ‘Good Rockin’ Tonight’ de Roy Brown en 1947 y dos años más tarde ‘Rock The Joint’ de Jimmy Preston son unas de las primitivas y precursoras. Entrados en la década del rock, los 50, los disc-jockeys norteamericanos amenizaban con la primera canción de rock en llegar al


Nº1 en los charts: ‘Rock Around The Clock’ que supuso la consagración de sus intérpretes, Bill Haley And His Comets. Como también lo fue en ese mismo año, 1954, ‘That´s All Right (Mama)’ para el artista en ciernes y futuro Rey del Rock, Elvis Aaron Presley, Elvis ‘Pelvis’ el verdadero icono musical de este género. Si hasta ahora el peso artístico, escénico o interpretativo recaía en el cantante (Little Richard y su piano en ‘Tutti Fruti’, Jerry Lee Lewis y su piano en ‘Great Balls On Fire’ o Elvis Presley y sus caderas en ‘Jailhouse Rock’ son un ejemplo), con la sabia nueva como Chuck Berry el verdadero protagonismo a finales de los 50, y sobre todo a comienzos de los 60, lo adquiere ahora y para siempre el instrumento amplificado de seis cuerdas que cambió el rumbo del rock: la guitarra. ‘Maybellene’ es considerado el primer y verdadero R´n´R con guitarra eléctrica. A él le siguieron ‘Johnny B. Goode’ y un guitarrista de la banda de Berry, Jimi Hendrix. El resto es historia. Desde Memphis, Nueva Orleans hasta Chicago las grandes compañías discográficas se frotaban las manos. RCA había fichado a Elvis, ‘el baile del pato’ de Berry hacía furor, guitarras eléctricas se vendían por doquier… el rock triunfaba. El mundo cambiaba. Y mientras tanto, las carreteras atisbaban en su horizonte más lejano todo un paraíso sonoro por explotar, descubrir y rodar. Viajando para rockear. Rodar para eso. En un mundo libre, como diría el espíritu indomable de Neil Young. A la máxima motorista de ‘Live To Ride’ añadimos ahora -y más que nunca- la proclama rockera por excelencia del ‘Long Live R’n’R’. Por los siglos de los siglos. R’n’R: Por las siglas de las siglas. Amén.

THE DETALLES ES UNA SELECCIÓN

DE TROZOS DE GLORIA, ENCUADRES DE RASGOS QUE CONFIEREN PERSONALIDAD A LAS MOTOS DEL ESPECTÁCULO, EN INGLÉS, ‘SHOW BIKES’. Las fotos han sido realizadas desde finales de 2008 en Rosmalen hasta 2009 en Castellón. Las cámaras de ChopperON ha retratado por varios países europeos los mejores Bike Shows. De las motos transformadas hemos realizado una selección de los detalles más curiosos. Esperamos que lo disfrutéis en 2010. Pídelo en PDF (DIN A-3) a info@chopperon.es 11 CHON


#3 Agosto/Septiembre08

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31 años de la muerte de Elvis Presley

Los que controlan el

negocio

Cuando Elvis insistía en que unos pocos controlaban el ‘cotarro’ no sabía la magnitud de sus palabras. Hasta tal punto que ‘Taking Care Of Business’ obsesionó su círculo más intimo. TCB significó a lo largo de su trayectoria su modus vivendi en todos sus comportamientos, profesionales o personales. “Los que se hacen cargo del negocio” era el pensamiento de Presley de que todo iría no sólo perfectamente sino, además, se haría a su estilo.

Elvis Presley a los mandos de una Triumph, tenía buen gusto para las motos, incluyendo las inglesas.

El estilo de vida de El Rey.

A

l morir Elvis Presley hicieron inscribir en su tumba a golpe de martillo y cincel con letras fundidas en oro las tres siglas que significaron en su vida toda la filosofía que representaba el pensamiento único de un artista volcado en lo suyos y en él mismo. Todo ello firmado con un rayo, símbolo de rapidez e inmediatez, como a él le gustaba hacer las cosas.

TCB quedó grabado también en su anillo, en los collares de sus chicas (en su versión TCL, ‘Tender Loving Care’), en los regalos de sus propios empleados y hasta en su avión privado. Esta forma de vida, al más puro estilo del far-west con tintes mafiosos, era el estilo inconfundible que hizo de un hom-

bre que pasara a la historia por sus extravagancias, su patriotismo y camaradería con los suyos. Amante de la familia tradicional yankee y rompedor de reglas tradicionales americanas en su propia contradicción anidaba un comportamiento que le hizo ser único. Su afición a las armas le llevó a límites insospechados. El Rey era el mayor músico coleccionista de armas del mundo. Aún cuelgan pistolas en Graceland, su museo-vivienda que le vio morir. El mismo vaquero rockero que entró en el Despacho Oval y le regaló en su visita sorpresa a Nixon siete balas de plata; además de un Colt-45. Salió con una chapa de Agente Federal. Aquel cuyas novias eran agasajadas con revólveres desagradecidos; esos mismos que eran disparados en las habitaciones de los hoteles en los que Elvis, de espíritu pacificador pero con cinturón negro en karáte, se hospedaba en sus giras. Con todo y con ello, hizo de su vida su forma de ser bajo un estilo y un sello ge13 CHON

Contrapicado de El Rey sobre una Harley, su marca favorita de motos. Todavía en Graceland se puede ver algún modelo suyo peculiar.

Parca y H-D de la policía. Elvis siempre ha simpatizado con la ley y el orden.


#3 Agosto/Septiembre08

E E lv is P re s ley,

l Re y de l TCB

Extraordinario. Alguien fuera de lo normal, el orden y lo diario. Así era El Rey. Le al. A los suyos… y los suyos a él: TCB Visceral. Todo él era vísceral, pasión y fer vor. Inconfundible. Elvis no se confundía con lo establecido: personalidad, estilo, música y vestimenta. Sexy. Su movimiento al bailar, sus fotos, su imagen, su escena… todo era sexy en el tiempo que vi vió. Popular. El músico más exitoso de la historia según el Libro Guinness. Rey. El monarca del rock . Nadie, hasta hoy, le ha destronado. El ce tro permanece a su lado y pertenece a él. Escénico. Encima del escenario era único y diferente. Un animal escénico. Sensible. Por su amor materno, a su familia... del rock pasó a las baladas que sólo él sabía entonar. Lúdico. Di versión en escena y extravagancia, estridencia… lo definían. Exito. Alcanzó la fama viniendo de la nada. ‘El sueño americano’ hecho re alidad. Yace en el jardín de Graceland, donde falleció prematuramente a los 42 años.

nuino con carácter indomable hasta el final de sus días. Ya en sus principios era diferente en sus comportamientos respecto al resto. En sus bailes pélvicos ya se rebela potencialmente a su manera a pesar de la negativa de los productores a reproducirlos en directo en la televisión norteamericana. Craso error, aquello significó la histeria colectiva de las masas que lo solicita en cada representación escénica. 14 CHON

El autor de más de cien discos de oro, un hombre blanco con afecto por la música negra en la América conservadora, luchó contra todo desde el inicio de su carrera. Sus raíces musicales encontraron cobijo en el country, blues, Rhythm ‘n’ Blues de Memphis, lugar al que llegó con su familia para vivir en casas de bajo alquiler en los barrios más pobres. Se convirtió en el más rico de la ciudad. Y de su país.


Las siglas TCB eran una constante en su vida. Toda la filosofía mafiosa que adquiría el significado de las mismas se representaba en todo su contexto y esplendor con sus allegados y su personal en nómina. Era El Rey para todo. No sólo del rock. De tal manera, se convirtió a lomos de su H-D en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la Historia. Taking Care Of Business no era sólo entender la vida con un estilo propio. Era, aún más, la propia vida entendida como tal. La vida de El Rey. Para mal o para bien, porque él estaba por encima de todo eso. Del bien y del mal.

Curiosidades: @ @

Es gemelo de Jesse Garon que nace muerto. Con 10 años recibe como regalo de cumpleaños su

primera guitarra.

@

En sus primeras actuaciones con movimiento

de pelvis, le aconsejaron que volviera a su antigua profesión, conductor de camiones.

@

Por su primer triunfo con susodicho movimiento

instó al público femenino a visitarle en los camerinos. Siempre odió el apodo ‘Elvis The Pelvis’,le parecía infantil, aunque le encantaba moverse de esa forma.

@

Con tan sólo 20 años firmó un contrato

multimillonario con RCA sin precedentes similares en la industria discográfica y al año siguiente ganó su primer Disco de Oro (un millón de copias vendidas).

@

Globo de Oro por Mejor Documental en 1972 a la

filmación ‘Elvis On Tour’.

@

Ese mismo año entra en la Historia por ser el

primer artista en vender en su totalidad la taquilla de los cuatro conciertos consecutivos que ofrece en el Madison Square Garden.

@

…y al siguiente año, ídem: ‘Elvis: Aloha From

Hawaii’ es el programa televisivo más visto del mundo: más de mil millones de espectadores lo vieron.

@ @

En total grabó 75 álbumes y más de 30 películas. Su último concierto fue el 26/7/1977 en el

Market Square Arena de Indianapolis.

@

Descansa e ternamente no en un camposanto

sino en el jardín de su casa Graceland, lugar que se ha convertido en el monumento más visitado tras la Casa Blanca.

@

Su nombre no tiene patente alguna. Su viuda

nunca ha conseguido el propósito de ser la única persona en la Tierra con el derecho de explotar comercialmente el nombre/marca con denominación de origen Elvis Presley.

@ •@

k

Nadie, hasta hoy día, ha cobrado su seguro de vida. Es el persona muerta que más ingresos genera

tras su fallecimiento, sólo superado en 2006 por Kurt Cobain. Año tras año su legado es eterno. El legado de EL REY DEL ROCK.

15 CHON

+info www.elvis.com


#4 Octubre08

Mahou

S

urgidos de la psicodelia sesentera más progresiva y alzados -bajo el cobijo de un sinfín de músicos- en el culmen del rock más potente, Deep Purple tiene el honor de haber cimentado las pautas de la corriente más dura del universo del rock. De una de las mentes compositivas más grandes del siglo XX nació el hard rock al amparo de otras bandas británicas como Led Zeppelin o Black Sabbath. Ritchie Blackmore, el genial guitarrista y alma máter de la banda, cofundó en 1968 una de las formaciones musicales más importantes de la historia. El pentagrama púrpura ha sido base didáctica y pedagógica como fuente continua de inspiración para principiantes, virtuosos y curiosos del legado prolífico de su música. Hoy ya sin Blackmore la banda toma otros derroteros musicales y escénicos. Si en un principio la base de sus shows en vivo era la total improvisación de sus miembros -debido a gran parte por sus dotes y virtuosismo instrumental- así como la constante búsqueda estilística de la fusión del rock con la música clásica, psicodélica y hasta jazzís16 CHON


Especial Deep Purple

El eterno legado de la

Saga Púrpura Celebrando los cuarenta años en la carretera la legendaria formación británica se acercó este mes a tierras hispanas para deleitar a sus incondicionales en la edición XXV Big Twin de Castellón (foto de apertura). Aprovechamos este acontecimiento para dar un repaso a la trayectoria de una de las bandas más longevas e importantes de la historia del rock duro. Como una piedra.

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tica, aderezado todo ello con la potencia sónica de la típicas jam sessions de los 70; hoy en día todo aquello queda en el mejor de los recuerdos. Aún así, se puede ver (y oir) la influencia del, todavía hoy, mejor ejercicio de estilo de lo que es una banda en directo. Carretera tienen a sus espaldas. Tiempos atrás quedan las huidas en helicóptero con la policía a sus talones por incendiar, romper y alterar el escenario en plena filmación televisiva. Los mismos en los que los mástiles de seis cuerdas crujían en rotura para regocijo de su atónita audiencia o aquellos en los que las luchas internas de egos eran diarias. Ya los Purple no tienen entre sus filas las excentricidades y genialidades de Blackmore, dando paso a la estabilidad grupal con el correcto y previsible Steve Morse. La tónica por la perfección no sólo afectaba a su música sino también a sus músicos. Las habituales disoluciones, cambios, retornos y peleas han sido constantes entre sus miembros... pero actualmente todo aquello ha pasado a mejor vida y la estabilidad anida en el seno de la banda. Quizá por ello echemos de menos mejoras en sus


#4 Octubre08

Especial Deep Purple

Lo in disp e n s a

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17.

@ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @ @

ble

‘Hush‘ (Shades of Deep Purple, 1968). Mk I (formación I). Producción: Derek Lawrence ‘Child in time‘ (In Rock, 1970). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Speed king‘ (In Rock, 1970). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Black night‘ (single, 1970). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Strange kind of woman‘ (Fireball, 1971). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Smoke on the water‘ (Machine Head, 1972). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Highway star‘ (Machine Head, 1972). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Lazy‘ (Machine Head, 1972). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Woman from Tokyo‘ (Who do we think we are, 1973). Mk II. Pr: Martin Birch. ‘Burn‘ (Burn,1974). Mk III. Pr: Martin Birch. ‘Mistreated‘ (Burn,1974). Mk III. Pr: Martin Birch. ‘Stormbringer‘ (Stormbringer,1974). Mk III. . Pr: Martin Birch. ‘Soldier of fortune’ (Stormbringer,1974). Mk III. . Pr: Martin Birch. ‘Gettin’ tighter‘ (Come taste the band, 1975). Mk IV. Pr: Martin Birch. ‘You keep on moving‘ (Come taste the band, 1975). Mk IV. Pr: Martin Birch. ‘Knocking at your back door‘ (Perfect strangers, 1984). Mk II. Pr: Nick Davis y Roger Glover. ‘Sometimes I feel like screaming‘ (Perpendicular, 1996). Mk VIII. Pr: Roger Glover y Deep Purple.

composiciones, nuevos aires, hits y bríos que antes eran constantes. Ya sucedió en cada formación (Mk). Cada uno aportaba su propio sentimiento interno, solapando la democracia del combo. Vivimos el cambio del pop a la psicodelia; del rock progresivo a la clásica pasando por el hard rock; del funk a los medios tiempos, de las baladas al soul, del blues improvisado a... hoy en día: el rock, sin más pretensiones. El saber estar y el formalismo de Deep Purple es su mejor valedor en esta sosegada década sin transición.

Todos sabemos que Gillan ya nunca fue el mismo tras su operación de garganta en los 80’s, que el sonido del órgano Hammond B3 de Lord ya no luchará con la Stratocaster de Blackmore, que la sensual voz de Coverdale ya no acompaña a los agudos gritos de Hughes o qué hubiera sucedido si hubieran permanecido

Satriani y Bolin mayor tiempo... pero también sabemos a tenor de su actual puesta en escena que la formación del 2008 cumple a la perfección con la herencia asociada al legado de su nombre: Deep Purple, padres del hard rock y cuna de una infinita cantera de excelsos músicos. Los mismos que anta18

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ño forjaron a golpe duro de púa el mejor álbum en directo más vendido de la historia (‘Made In Japan’, 1972) y se encumbraron como “la banda más ruidosa del mundo” (Libro Guinness de los Récords, 1975). Por lo que de aquí a la eternidad cual nueva y fresca brisa en horizontes lejanos con humo en el agua, cabalgue a golpe bravo de pegaso el reguero interpretativo de unas de las mejores bandas escritas con mayúsculas letras (púrpura) en la enciclopedia mundial del rock.


Las formaciones (Mk’s) @

Mk I (1968/1969) Ritchie Blackmore (guitarrista),

Jon Lord (teclista.), Ian Paice (baterista), Rod Evans (vocalista.) y Nick Simper (bajista).

@

Mk II (1969/1973–1984/-1989-1992/1994 ) La

banda, definitivamente, explota redireccionando su sonido al hard rock por decisión de Blackmore y también en gran parte por sus nuevas incorporaciones: entra al micrófono Ian Gillan por Tommy Bolin, (Mk IV) supuso un (distinto) nuevo aire con sus infinitas dotes en la guitarra. Sólo grabó un L.P. dejando sello.

Evans y al bajo Roger Glover por Simper. Mark II es la formación clásica más afamada y con más éxito en su repertorio.

@

Mk III (1974/1975) David Coverdale sustituye a

Gillan y Glenn Hughes, que le acompaña a la voz, a Glover. La tendencia funky-soul supera al , hasta ahora, hard rock convencional llevándolo a terrenos desconocidos y, no por ello, menos poderosos.

@

Mk IV (1975/1976) Blackmore se marcha para

fundar Rainbow y entra por él Tommy Bolin, que viene del mundo del jazz. El maestro Jon Lord revolucionó la música de los 60’s incorporando a su técnica influencias de música clásica.

@

Mk V (1989/1992) Gillan, que estrena su Ian Gillan

Band, deja el puesto al cantante de Rainbow Joe Lynn Turner. También entran, de nuevo, Blackmore (Bolin, muere por sobredosis) y Glover. Coverdale abandona para fundar Whitesnake. Hughes, luego, se uniría a otro maestro de riffs, Tony Iommi , en Black Sabbath.

@

Mk VI (1994/1994) El virtuoso genio de la guitarra

Joe Satriani reemplaza a Blackmore en plena gira mundial de 1994, pero no graba ningún disco.

@

Mk VII (1994/2003) Steve Morse (ex Dixie Dregs

y Kansas) toma el puesto a Satriani, que tras exitosa carrera en solitario crea el G3 junto con Steve Vai y Eric Johnson. Años después formaría Chichenfoot.

@ Para muchos la mejor formación de la Saga Púrpura vino de la mano de Coverdale y Hughes. Lazó al estrellato a ambos. ‘Smoke on the water’; Significado de un himno: La banda huyó de las llamas en pleno concierto de Frank Zappa en Montreaux. Su letra fue escrita al instante en una servilleta a golpe de riff Izda. El momento.

Mk VIII (2003/actualidad) El organista de Colosseum

II, Rainbow, Gary Moore, Whitesnake, Ozzy Osbourne, Electric Light Orchestra, Fastway y G3, entre otros, Don Airey se incorpora al grupo en lugar de Lord, que reactiva su carrera en solitario con diversos proyectos personales de música clásica. El único miembro que ha permanecido siempre en Deep Purple es Ian Paice, cuyo instrumento nunca ha tenido sustituto a sus baquetas. 19 CHON

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#5 Noviembre08

N

o son americanos. No son ingleses. Son de una isla; de un lugar en el fin del mundo. Vienen a saltitos como los canguros de las antípodas, su lugar de procedencia. En efecto, los mejores rockeros son australianos. Rompieron moldes con su estilo hace ya más de 30 años. Fórmula que aunque es menos secreta que la de la Coca Cola y con un compás más típico que un todoterreno (4x4) AC/DC se marca, fuera de su arquetípico sonido, unas cuantas licencias en su nuevo disco. Un par de canciones sin ‘solo’ de guitarra, líneas funky en el bajo/rítmica, una balada (¿?) y ¡ojo!... hasta Angus tocando la slide. ¿Alguien dijo que siempre hacen lo mismo? En Black Ice podemos confirmar claramente que siguen su patrón al pie de la letra, pero también nos sorprenden con métricas y canciones hasta ahora desconocidas. El disco suena a una vuelta a los 80’s, alejándose al retorno de sus orígenes de su predecesor Stiff Upper Lip (2000), producido por George Young, hermano mayor 20 CHON


Rock AC/DC: el retorno esperado

2

La misma fórmula

Tras 8 años en silencio y con más de 200 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera regresa a la actualidad con su nueva grabación -Black Ice (Columbia)- la banda de hard rock más grande de todos los tiempos. Y con gira mundial que pasará por España el próximo año. ¡Continúa la corriente de alto voltaje! de los guitarristas. Esta vez Brendan O’Brien se ha hecho cargo de todo. El mejor productor de la pasada década -bajo su batuta han desfilado Pearl Jam, Bruce Springsteen, Velvet Revolver, Red Hot Chili Peppers, Black Crowes y Aerosmith, entre otroshan dejado su sello dando carácter a la banda con mezclas y mastering inhabituales en los australianos redirigiéndolos a una producción impecable. Cliff Williams adquie-

re la presencia de antaño. Las bases rítmicas golpean como nunca. Phil Rudd se sale de su línea típica y nos regala algún que otro redoble de calidad (‘R’n’R Dream’ con charles durante la toda la reproducción acompañando a unos coros en segundo plano que hacen un sonido estereofónico eficaz). Incluso los punteos de alto voltaje dejan paso a los estribillos más pegadizos. Hasta Jonna, alejando su histrionismo en los agudos, canta como cuando

procedía de Geordie. Aunque el carisma de Brian Johnson es evidente, hay que decir que todos los temas los han firmado Malcolm y Angus Young en detrimento del cantante. Bien es cierto que se echa de menos punteos poderosos y enérgicos de sus inicios; no obstante, se suple la deficiencia con eficientes arreglos (‘She Likes R’n’R’) y hasta apropiados efectos sonoros (delay de la voz final en ‘R’n’R Dream’). Su primer sencillo ‘Rock

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‘n’ Roll Train’ es el típico corte marca de la casa que bien podría haber salido de Blow Up Your Video (1988). Contiene líricas sexuales explícitas y dobles sentidos al igual que el resto del CD. Ahondan en esa línea retro ochentera con ‘Money Made’ que incluye unas guitarras ‘americanizadas’ con final en fade out (inusual en ellos) de similitudes con Who Made Who (1986), al igual que ‘Skies Of Fire’ rememora el Flick Of The Switch (1983).


#5 Noviembre08 La divertida y festiva ‘Anything Goes’ la hubiera firmado el mejor Bon Jovi, puesto que es un rock comercial potente y facilón, directo a la radio fórmula para ser un hit hermano de ‘You Shook Me All Night Long’ (de su obra maestra de 1980 Back In Black). Aunque Malcolm gira más hacia el pop que al hard rock dotándolo de un cadencioso ritmo con agradables armonías. Y cuando creíamos todos que el guión principal seguiría los patrones de los 80’s nos encontramos con la joya de ‘Stormy May Day’. Un corte al más

AC/DC: el retorno esperado

puro estilo zeppeliano en consonancia por su intro/ outro con ‘In My Time Of Dying’ del doble Physical Graffiti (1975) donde Angus nos regala bluseras notas en clave de slide (¡!) siendo reticente al punteo solista. Lástima. Sin embargo, nos recuerda al southern-rock más duro de sus amigos los BlackFoot donde la voz de Brian está a la altura y en su lugar: melódica, de timbre sutil lleno de feeling y hasta grave en sus postrimerías… como en sus inicios con la banda. Chapeâu. La sorpresa viene en la línea del bajo y de la gui-

tarra de acompañamiento. Un guiño al funky más rockero (¿Mk III/IV de Deep Purple?) firman para la posteridad una muy pegadiza ‘She Likes Rock ’n’ Roll’. Perfecta definición de la combinación guitarras/bajo. Junto a ella, la tendencia de música negra les acerca a reminiscencias bluseras en ‘Decibel’, con un punteo antiguo, limpio, libre de saturación en otros cortes… sonando a la etapa de Bon Scott. No obstante, también hay cabida para los años 90. ‘Skies On Fire’ o ‘Smash N’ Grab’ bien podrían entrar en los crédi-

tos de The Razor’s Edge (1990). Así, Ballbreaker (1995) resucita con ‘War Machine’, track en el que definitivamente se suelta Cliff Williams y la Gibson SG del pequeño genio Angus. Instrumento que también sobresale en ‘Big Jack’ de estribillo al uso. Pero si hay algo que siempre ha caracterizado a AC/DC son sus riffs. En Black Ice los hay de todo tipo: potentes (‘War Machine’), melódicos (‘Decibel’), facilones (‘Rocking All The Way’, muy rockera), básicos (‘Spoilin’ For A Fight’, ¡qué bajo!), similares: ‘Wheels’ = ‘Given

Los [cinco] Pilares de la Tierra... australiana

Típica estampa habitual de AC/DC en su puesta en escena. Parte del show consiste en que Brian, aficionado a las Harley, alce en hombros a Angus en pleno ‘solo’ de guitarra.

Malcolm Young (guitarra

Angus Young (guitarra

Brian Johnson (voz).

rítmica). Líder absoluto de la

solista). Maestro de los

Tuvo la desgracia y fortuna

formación. Fundó AC/DC en

riffs y reconocido fan de

de sustituir a uno de los

1973 en la ciudad de Sydney

Chuck Berry, viste de

exponentes máximos del R’n’R,

aunque su procedencia es

colegial debido a la urgencia

Bon Scott. Dejó boquiabiertos

escocesa. Los Young vinieron

para ensayar durante su

a público y crítica con su álbum

de Glasgow, de ahí su afición

etapa académica. No para

debut. Back In Black se ha

a las gaitas. Lleva el peso

quieto en escena. El motivo,

convertido por derecho propio

del grupo tanto en lo musical

añadido a su adolescente

en el álbum más vendido de

como en la composición.

timidez, era el pánico a ser

la banda. Y gran parte del

Baluarte indispensable

agredido por la audiencia

mérito es del bueno de Jonna.

en la base rítmica. Es un

ante semejante guisa –

El mejor relevo que ha habido

metrónomo tocando, digno

compaginaba más disfraces-.

en una banda de rock ha

de estudio para cualquier

Al final ha creado escuela con

firmado muchos de los grandes

aprendiz de guitarra que

multitud de imitadores. ¡Ah!...

éxitos de AC/DC gracias al

desee aprender ritmo y

además, es uno de los mejores

poderío vocal de su peculiar

compás musical.

guitarristas de la Historia.

timbre.

22 CHON


The Dog A Bone’ (del Back In Black)… en fin, de toda condición. Son sus señas de identidad. Ya en el ocaso del disco se presenta el corte homónimo que le da título a la publicación, ‘Black Ice’, conteniendo escalas de guitarras en línea a los Black Sabbath. Dan fuerza al tema al cambio de tonalidad con una melodía que nos retrotrae en sus giros de ritmo a ‘Down Payment Blues’ de Powerage (1978) en versión 2008. Un tema muy rítmico y potente para finalizar. Hard rock, pop, hard southern-rock, blues rock,

R’n’R... en definitiva: ROCK con sello AC/DC, ¿qué más se puede pedir de una banda fiel a sí misma que lleva ‘haciendo lo mismo’ más de tres décadas? Respuesta: ¡Virgencita, que se queden como están! Aunque más bien habría que cuestionárselo a los millones de seguidores que desde sus inicios llenan los aforos de todos sus conciertos aclamándoles -precisamente con/por su fórmula- como la mejor banda de hard rock de la Historia. Que tiemblen sus Satánicas Majestades que los reyes del ‘cotarro’ ya están de vuelta. Nunca mejor dicho.

Black Ice @ El hielo negro refresca tu mente y te parte como un rayo. Un rayo electrizante que llega a España el próximo 31 de marzo a Barcelona y el 2 de abril a Madrid. @ Las entradas ya están agotadas, como el público después de una de sus actuaciones. @ Además, nos regalan a los oídos (y vista) una remasterización de una de las mejores noches de su magnífica carrera. Aquella inmortalizada en el coso madrileño de Las Ventas un 10 de julio de 1996. @ Bajo el título de ‘No Bull. The Director’s Cut’ la edición actual para DVD y Blue Ray se presenta remozada y customizada acústica y visualmente -añadiendo extras, of coursepara deleite de sus incondicionales feligreses. Todo ello en alta definición y calidad digital. @ Ya tenemos, pues, entretenimiento para este año y el venidero. ¿Acabados? Já.

Phil Rudd (batería). Su

Cliff Williams (bajo). La

fuerte pegada, potencia en

pulsación que imprime a

la caja y bombo, su habilidad

las cuatro cuerdas de su

en el ritmo con los aéreos

instrumento hace de Cliff la

y charles hacen de Phil

combinación perfecta con

una pieza indispensable e

batería y guitarra. Sin ese

insustituible. Angus dijo:

sólido elemento no serían

“Nunca se verá en AC/DC

lo mismo. No realiza ni una

un ‘s olo’ de batería”. Ni falta

nota de más ni una de menos.

que hace. Escucharle sólo

Perfecto en ejecución. Canta

en la duración de un tema

de manera perfecta los coros

es un placer y equivale a

al unísono con Malcolm.

muchos de los paupérrimos

Nunca sobresale ni defrauda,

y decepcionantes ‘s olos’ de

pero da un sentido musical

otros camaradas suyos. Tras

perfecto en armonía, compás

su marcha en los 80’s regresó

y ritmo como pocos bajistas

para no marcharse jamás.

de rock a una banda.

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Foto promocional de su nuevo álbum con la banda al completo para la ocasión.

23 CHON

La dupla que formaron Bon Scott (R.I.P.,, ‘Rock In Peace’) y Angus Young ha quedado para la historia del R’n’R como uno de los mejores binomios cantante/guitarrista de siempre.


#6 Diciembre08

Ten Years After Now

Una década después… sin Alvin Lee.

T

ienen el honor de haber participado en el mayor concierto de la historia (Woodstock, 1969); de hacer blues con una banda de blancos británicos, cuando sólo unos pocos se atrevían (John Mayall y Eric Clapton los más osados) pero fusionándolo con ritmos rockeros más progresivos; de alzar al Olimpo a su guitarrista de siempre,

Alvin Lee; de crear legiones de seguidores y, fundamentalmente, de haber conseguido conservar su música a lo largo de los años con mucha dignidad y más oficio. Si el rock es actitud, lo que pudimos ver sobre el escenario madrileño de la Sala Caracol en su último concierto en la capital es más de lo que muchos de sus colegas 24 CHON

El grupo se presenta en España sin su mítico líder pero con un Joe Gooch como aceptable sustituto. ChopperON ha estado allí para comprobar el estado de la vigente agrupación. de edad pueden demostrar. Gracias, todo hay que decirlo, a la buena predisposición de su nueva adquisición, Joe Gooch. La banda regresaba a Madrid después de su última visita al lado de otros míticos del blues, Canned Head, hace ya dos años. Una década después

sin Alvin Lee (ironías del destino) se nos presenta la nueva formación. Con una limitada puesta en escena, la fuerza y la compenetración de Ten Years After Now sobre la tarima se pudo disfrutar durante momentos que recordaban a sus mejores jam-sessions, con medleys como


Su h isto ria ...

De la mano de ot ras band as pre cursoras de un a sonor idad que com bin ab an difere ntes es tilos y género s Alvin Lee dec idió funda r allá por 1967 Ten Ye ars After con Leo Lyons al bajo, Ric Lee a la batería y Ch ich Ch urch ill a los tec lados. Se consagra ron con ‘Ten Ye ars After ’ (1967), ‘Unde ad ’ (1968), ‘Stonedhenge’ (1968) y ‘Ss sh’ (1969). Su fue rte era el direct o, lo que les sir vió pa ra pa rticip ar en19 69 en el fes tiv al de Wo odsto ck y en el de la isla de Wrig ht, un año des pués. Evo luc ion aron hacia el roc k más innov ador pa ra ev ita r ca er en el rev iva l blues de su épo ca . Le s funcio nó y tri unfa ron, su dec adencia vino en los 80/90’s, ren ac iendo años después hasta la ac tua lidad .

Cartel conmemorativo de la banda autografiado especialmente para ChopperON.

‘Smoke On The Water’ y tributos a Hendrix o Cream entre otros clásicos de la década de los 70. Toda una lección y repaso musical. Sonaron a Steppenwolf, a los Doors, a épocas bélicas contra el Vietnam sobre superficies pacifistas embarradas, a sublime improvisación… a auténtica banda sobre el escenario, pero sin Alvin Lee. En su lugar, un joven

Gooch simultánea labores de guitarrista y vocalista. Clava los temas; ambición no le falta. Le ayuda, sin embargo, la poderosa base rítmica de los veteranos músicos que le respaldan. Tanto como para marcarse un increíble duelo setentero bajo/guitarra como ya no se estila. Cayeron sus clásicos uno a uno hasta llegar a ‘I’m Going Home’ y la reducida, que no por menos poderosa,

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‘Love Like A Man’ mejoró el sonido y la acústica de los primeros temas. El ‘solo’ de batería lo puso ‘The Hobbit’. Noche de cerveza y aromas embriagadores entre colegas reinaban ya a esas alturas, en una sala que disfrutó a raudales de sus dos horas de show. Y enfrente, ROCK en mayúsculas. Comparaciones y parecidos aparte, Joe cumple su función. Da alegría juvenil a una banda que había caído en el olvido discográfico en los años 90. Ahora disfrutamos del trabajo aportado por 25 CHON

el guitarrista/vocalista en su reciente publicación ‘Evolution’ (2008) y de sus anteriores ‘Now’ (2004) y ‘Roadworks’ (2005) como miembro estable de los Ten Years After Now. Tras sobrevivir a la moda revival del bluesrock absorbiendo todo tipo de influencias (desde el acid-rock hasta el hard-blues pasando por el rock más básico), una nueva etapa se abre a la banda que ya saboreó la gloria y el éxito en el pasado. Esperamos y deseamos ahora que sea para largo.


#6 Diciembre08 Guns N’ Roses

Saliendo del infinito l E

n 1979 la crítica cinematográfica norteamericana, harta de esperar, se mofaba del interminable rodaje de la película ‘Apocalypse Now’ rebautizándola como ‘Apocalypse When?’ La intrahistoria de la

en expectación, pasará a la leyenda como el disco más demorado y costoso de la industria discográfica. Paradojas de la vida son incluir en la portada alusiones a la democracia en una agrupación donde reina la dictadura.

nes de euros invertidos, infinidad de músicos, colaboraciones (Brian May, Dave Navarro...) y la ilimitada paciencia de su audiencia han quedado atrás, para presentar su octavo álbum definitivamente. O el primero de Axl en solitario con Después de 15 años de retraso, la banda que la patente de cautivó el rock, Guns N’ Roses -refundada la banda. Ni sus antojos y con nuevos miembros- saca al mercado, caprichos en la batería por no exento de polémica, el disco más caro y sonar como el postergado de todos los tiempos. Chinese ‘Nevermind’ Democracy ya está aquí. (1991) de Nirproducción y estreno Evidentemente, las vana (fichó a su prodel tan esperado últi- comparaciones no se ductor Andy Wallace mo disco de la banda han hecho esperar. para ello) ni la marcha angelina –o más bien Slash, Stradlin, Mc- de sus antiguos compala banda de Axl Rose, Kagan y Cía. huyeron ñeros han amilanado al único miembro de los del coto del Sr. Rose. díscolo frontman. originales- puede pa- La lucha de egos entre El sonido industrial recer similar a la filma- cantante/guitarrista de excesivos arreglos se ción de la obra maestra terminó con este últi- apodera de unas grade Ford-Coppola. mo formando Slash’s baciones compuestas Plagado de infor- Snakepit, primero, y desde hace años a petunios hasta la fecha Velvet Revolver, des- sar de sutilezas como la y derrochando todo pués, en compañía de guitarra española en la tipo de medios, al igual otros gunners. arítmica ‘If The World’ que el filme, ‘Chinese Más de cuatro pro- o las partes orquestales Democracy’ (Geffen, ductores, 14 estudios de ‘Madagascar’; en2008), sobrevalorado de grabación, 15 millo- trecortada de samples 26 CHON

de anteriores discos cosidos de proclamas de Luther King. ´The Was A Time’ suena a nu-metal al igual que la que titula el disco y el corte ‘Shackler’s Revenge’ de simulado punteo a lo Steve Vai. El álbum contiene ramalazos hardroc-


letargo

keros de la saga ‘Use Your Illusion’ aunque no llegan a su nivel y los temas se quedan a medio camino por el desfase temporal. Repiten la técnica de estirar la voz como un chicle, modulándosela en el corte ‘IRS’. Aún así,

el carisma de los gunners revive en la balada ‘Street Of Dreams’. Y qué decir del creador de la obra… pues que mantiene el tipo. Si así no fuera vergüenza daría después de tanta parafernalia. Aunque tiene algu-

nas excepciones, todo tiempo pasado fue mejor… anticipamos que ni por asomo es ‘Appetite For Destrution’, ni está Slash (se echa de menos el sonido directo de su ampli), ni poseen la frescura y la garra de los 27

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CHON

de antes, pero hay que reconocerles que con los tiempos que corren que sigan haciendo rock -cargado de secuenciadores, compresores y procesadores de efectos- es todo un mérito. Mercenarios incluidos.


#6 Diciembre08 Obituario rockero

Los tambores de

Hendrix

M

itch Mitchell fue uno de los precursores en la combinación estilística entre el jazz y el mundo del rock. Creó escuela en los años 60 y pasó a la posteridad por ser parte integrante de la banda del icono del rock por excelencia y mito de la guitarra eléctrica, Jimi Hendrix. Con su batería construía ritmos inusuales por aque-

llos tiempos. Marcó tendencia y participó como miembro activo de la primera banda de blancos liderada por un negro: The Jimi Hendrix Experience, el power-trio más afamado de la época. Tocó, además, con John Lennon, Keith Richards, Eric Clapton, Jack Bruce, Jeff Beck, Mick Taylor... y com-

El otrora baterista de The Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell, nos deja para siempre en plena gira con su enésimo proyecto, Hendrix Experience Tour.

partió cartel junto con nuestros citados en RockON, los Ten Years After -entre otras figuras- en el multitudinario y mítico festival de Woodstock de 1969. Fue el concierto más largo y famoso de Jimi Hendrix. Mitchell colaboró incesantemente en otros proyectos, tras el fallecimiento del malogrado genio, para llevar su lega-

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do a todos los rincones. Le sobrevino la muerte estando aún en activo y en plena gira de su última aventura, Hendrix Experience Tour, junto con otro de los músicos de Hendrix, Billy Cox. 38 años después volverá a reunirse con su jefe esté donde esté… de momento, aquí, los tambores de Hendrix han dejado de tronar.


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#7 Enero09 Relentless 7, la nueva aventura rockera de Ben Harper

Implacable Benito Sorprendió al mundo en los 90 con su particular apuesta enfocada a la interpretación de diferentes estilos a camino entre el folk, soul, blues, gospel, country, reggae, R’n’B y… el rock, del que se reinventa con Relentless 7, lo nuevo del artista californiano.

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E

l siete parece que es el número fetiche. Siete días tardó en grabar su anterior trabajo de su gira de siete semanas. En París se selló por medio de un 16 pistas analógico (resultando ser 15 al final) el disco con la onda acústica que da paso al jack enchufado directamente al rock para la nueva implacable aventura del mesías contemporáneo,

Ben Harper; la enciclopedia musical norteamericana. Si en ‘Lifeline’ (2007) apostaba junto con los Innocent Criminals por la grabación primitiva de un soul de concepción contemporánea empastado de raíces blues, country y gospel, ahora el cantante y guitarrista norteamericano se atreve en Relentless 7, su actual banda de

rock, a demostrarnos una vez más que su capacidad musical no tiene límites en una industria obsesionada por los charts, ventas y superflua comercialidad. Por encima, con líricas comprometidas, su música impecable e implacable. En ‘White Lies For Dark Times’, previsto para mayo, aparecerán títulos como ‘Number With No Name’, el particular blues de apertura, la setentera ‘Fly One Time’ (no pierde ni un ápice de su intimismo), ‘Lay There & Hate Me’, ‘The Word Suicide’ o la marchosa ‘Boots Like These’ (poderosa batería y soberbio Mozersky). Es rockera 100%. Toda una garantía en directo. ‘Skin Thin’ es una preciosa balada con su sello habitual. El corte ‘Up To You Now’ ofrece, además de lo usual, una guitarra a lo The Edge de U2. El wah-wah suena en ‘Keep It Together (So I Can Fall Apart)’ dando un cariz rockero al Asher Lap Steel de Harper, que

repesca en la despedida con ‘Faithfully Remain’. “Música rock sin arrepentimiento”, como adelanta su líder. La banda ya está girando por USA. Sólo esperamos ansiosos su paso por el Viejo Continente y, en especial, España. Felicitemos, pues, a l’enfant terrible de la tierra de Ray Charles, Curtis Mayfield, Jimi Hendrix, Marvin Gaye, Prince, Aretha Franklin, Jeff Buckley y Otis Redding-entre sus notables influencias- que en esta última década no ha tenido competidor alguno pero sí una fiel tropa de aficionados y la mejor crítica a una música que rebosa creatividad, emotividad y personalidad. La misma para ganarse nuestros mejores deseos en esta recién estrenada singladura. Su decena de álbumes así le avalan. Pero ahora guarda para sí un as en la manga: su trío de jotas. Esperemos que no se marque un farol. Las cartas ya están echadas.

Las ‘jotas’ de Ben Ben Harper: voz y guitarra slide Jason Mozersky: guitarra Jesse Ingalls: bajo y teclados Jordan Richardson: batería 31 CHON

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#8 Febrero09 Entrevista exclusiva a Jeff Espinoza, cantante de Red House

“Red House

proviene de la historia del blues” E n las distancias cortas Jeff Espinoza se muestra como en el escenario. Sincero y simpático. Es directo y no elude compromisos. Su humildad no anula una personalidad bañada de conocimientos. “Lo bonito de la música es que nunca dejas de aprender”, dice. Es psicólogo y ama la lectura, le gusta aprender. Y eso, después, lo regala. Jeff, ¿qué andáis haciendo ahora? “Estamos seleccionando los temas del próximo álbum. Hemos grabado en los estudios de Carlos Sartorius, que acaba de editar un disco fantástico de blues primitivo británico en el que hemos participado. Ha sido una buena experiencia, con buena onda. Vamos a colaborar con Lou Marini (ex Frank Zappa y Blues Brothers) y tendremos colaboraciones especiales que, de momento, no puedo adelantar nada. Con la website

nueva (www.redhouse.fm) colgaremos nuestras actuaciones y se podrán adquirir nuestros trabajos. Tenemos, también, proyectos paralelos en cine. Ahora estamos haciendo una serie de dibujos animados. Estamos abiertos, no tememos nada a la hora de experimentar. Dedicamos más a mejorar siempre, ese es el reto para todos”. Con el nuevo disco, ¿seguiréis la temática de la carretera que habéis mantenido hasta ahora como en ‘On The Road’, ‘Driving’ y ‘Hooked On The Road’? “Puede ser… no lo sé. ‘Hooked On The Road’ la compuse en California para un amigo camionero, como mi padre. Con su camión de 18 ruedas fuimos a la carretera. Me explicó su jerga de radio de camioneros. Decía que no podía dejar esa vida a pesar de echarle muchas horas. Estaba enganchado a la carretera. Tomé la frase

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de él para mi canción. Él estaba enganchado a la carretera y tú al blues… “Sí… yo busco la profundidad de las cosas. El blues es música que cuenta algo. Esa es nuestra experiencia, componer canciones de muchas situaciones. Tantos viajes, giras…a veces le digo a Simón: ¿cuántas veces crees que hemos dado la vuelta a la Tierra? Hemos pasado por México, Argentina, USA, Francia, Inglaterra y, sobre todo, España”. Como cantante, ¿cuáles son tus influencias? “Muchos cantantes desde Ray Charles, Sam Cooke, Wilson Pickett, Otis Redding, Aretha Franklin, Robert Cray hasta Neil Young. Me gusta mucho la música gospel. También el country y el folk… raíces americanas. Yo escucho mucha música, al igual que

Junto con Francisco Simón, uno de los mejores guitarristas del país, integra una de las bandas más respetadas del blues continental. Más de 10 años y 4 discos llevan a sus espaldas. Y mucha carretera. Mucha… con cruces de caminos. En uno de ellos coincidimos con Jeff. Todo un personaje, un tipo genuino.

Simón. A través de mi hija escucho cosas nuevas”. Díme, Jeff, ¿cuál es la procedencia de vuestro nombre, la canción de Jimi Hendrix tal vez? “En parte, pero también de los garitos donde tocaban los bluesmen en el sur de USA. En los orígenes, existían sitios donde los afroamericanos ya eran libres pero con un apartheid que los separaba. Sitios donde sí podían cantar, beber, bailar… estaba Robert Johnson y todo ese tipo de música. Nuestro primer disco es un homenaje a todo eso. Estábamos en deuda con las figuras del blues”. Como hizo Eric Clapton en ‘From The Cradle’ (1994), un homenaje desde la cuna. En los directos tiráis mucho de repertorio de esas figuras, pero en los discos echáis mano de vuestro propio repertorio… “Sí, porque la gente en directo quiere escuchar algo familiar. Empezamos haciendo 50% de cada cosa. Haciendo homenajes, claro. Siempre sale Johnny ‘Guitar’ Watson, Blues Brothers, algo tipo Memphis, del Delta del Mississippi, Chicago…¡blues!” Es decir… que bebéis más de las aguas pantanosas del Delta del Mississippi que del Delta del

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#8 Febrero09 Entrevista exclusiva a Jeff Espinoza, cantante de Red House

Jef f n o s ate n dió ,a p o r la s 3 F ’s ( Fa u to g rafió y b r in dó m ily, Fr y.. . p o r la ie n ds & rg a v ida F a n s) a C h opp e rON .

Francisco Simón: Premio al Mejor Estilo por el ‘Guitar Institute of Tecnology’ de Hollywood, Cal.

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Manzanares? “Sí [risas], hacemos un poco de todo. ¡Hay tanta buena música! En el último disco fusionamos con cajón flamenco y sale El Chojin, el mejor rapero de España”. Entonces, ¿sigue Red House la senda que ha abierto la Vargas Blues Band con la fusión del flamenco y el latin blues… aprovecháis ese filón? ¿No intentáis emular a tu antigua banda? “Red House es Red House. Tenemos identidad propia. Hacemos realmente la música que nos interesa. No tiene nada que ver una banda con la otra”. ¿Qué similitudes/ diferencias encuentras entre tocar con Francisco Simón y tocar con Javier Vargas? “Obviamente, estoy mejor con Simón. Tenemos el mismo concepto musical. Con él existe espacio, dinámica y alma. Con Javier, que es un gran guitarrista, eso no ocurría. Tenemos que tocar en grupo, somos una banda. Es como un equipo de fútbol, si alguien tiene el balón todo el rato cansa a los demás. Nosotros cuidamos los detalles. Simón es un gran arreglista y también tiene

su espacio para destacar en directo. Tenemos un público delante y no tocamos para nuestros egos. Queremos entretener y que el público se divierta. El público nos da mucha energía”. Hay grupos de blues que fusionan como vosotros. Ahí están Los Reyes del K.O., 3000 Hombres y otros grandes como vuestro amigo Ñaco Goñi, ‘El Hijo de Sonny Boy Williamson’, así como tú eres ‘El Hijo de Anthony Quinn’, por cierto, ¿de dónde viene el apodo? “Hace muchos años estaba tocando en un sitio y había una mujer guapísima sentada al lado de unos amigos míos. ‘¿Quién es ese?’, preguntó. ‘¿No lo sabes?, es el hijo de Anthony Quinn’, dijeron. Después del con-

cierto me la presentaron y ella me preguntó si era el hijo de Anthony Quinn. Miré a mis amigos, riéndose todos, y yo no dije nada. Al contrario [risas], esa noche no dije nada”. Curiosa forma de ligar. En el blues, a parte, se habla de vivencias, sentimientos, desgracias y… borracheras. La parte canalla de la vida. Cuéntanos la historia de la canción ‘Skunked’ (borracho), ¿cómo surgió? “Es una colaboración con Velma Powell, que hace un papel increíble. Realmente cantamos al mismo tiempo, improvisando, hablando entre los dos. Velma tiene actitudes de actriz. Ella es fantástica. La grabación fue en dos tomas. Se grabó y fue lo definitivo. Fue muy

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divertido, hubo mucho feeling”. ¿Para cuándo el salto a Estados Unidos? “Es complicado. Nadie nos conoce allí, aunque ya hemos tocado. Queremos grabar más discos. A lo mejor con un éxito contundente para tener más nombre… es una carrera de larga distancia. Lo que tengo claro es que vamos a seguir haciendo la mejor música que podemos y de la mejor manera. Sacando lo mejor de nosotros mismos”. Nos alegra saber que hay Red House para largo. Por último, Jeff, ¿Harley-Davidson o Chevrolet? [N.R. Aparece un Bel-Air del 57 en su última portada]. [Risas] “Pues… he decirte que Simón tiene moto. Nuestra banda tiene mucha conexión con las motos. Tenemos muchos amigos motoristas”. Espinoza se muestra orgulloso de que Red House es su banda definitiva. Un californiano orgulloso de pertenecer a una de las mejores formaciones de blues de toda Europa. Una banda que en cualquier garito de la península puede compartir contigo no sólo una gran dosis de cerveza sino también de buena música. Esa que deja resaca.


#8 Febrero09 Película y obituario rockero

El mundo del cine otorga reconocimiento al flowerpower más hippie filmando la historia de los lisérgicos Grateful Dead.

Pantalla grande para muertos agradecidos L

a carrera de la formación de San Francisco nunca ha sido llevada a la gran pantalla, pero sí mucho antes, hace años, ha sido objeto de varios documentales. El más importante, quizás, el dirigido por el propio líder de la banda, Jerry García, quien en la música hippie tuvo a su gran pope. ‘The Grateful Dead Movie’ se estrenó en 1977, cuando el flower-power era ya un solo recuerdo en las extintas

mentes oxigenadas de LSD. Bill Graham los universalizó en su cartelería. Compartieron ‘cartel’ con lo más granado de los años 60/70, entre ellos Bob Dylan, Jefferson Airplane y Neil Young que prestarán su colaboración en la banda sonora de un largo que podría dirigir Oliver Stone, realizador que ya filmó la historia de The Doors. Todo ello bajo la supervisión musical del mítico ‘dead’ Bob Weir (voz y guitarra rítmica).

Acompañando a García en sus aventuras psicodélicas estuvo su músico Merl Saunders, recientemente fallecido. El teclista, tristemente, no podrá visionar la historia en cine del grupo que abarca el período más exitoso, de 1967 a 1977, años en los que alcanzaron fama y reconocimiento mundial. Aportó su particular sonido de órgano Hammond B3 allá donde tocó. Fue solicitado por Tom Fogerty, B.B. King y Miles Davis,

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entre otros grandes. Justamente, provenía del jazz y nunca alejó esa faceta de la banda de californianos más hippies. Agrupación que en un futuro próximo tendrá reconocimiento cinematográfico como es de rigor. O debería serlo. Es seguro que los muertos agradecidos, Merl & Jerry, lo estarán. Sus fieles seguidores, los ‘deadheads’, ya lo están. Agradecidos aunque les roben los ojos para no verlo. Aunque les roben la cara.


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#9 Marzo09

En un universo paralelo el binomio motos/rock es equivalencia de rebeldía y libertad. Rockeros rebeldes seducidos por el motociclismo hay muchos. Aunque no están todos los que son, aquí son todos los que están. Estos son los tubos de escape que rugen R’n’R…

Motos y rock, dos mundos conexionados.

Cuando el se subió a una

rock moto E

l mundo del rock y todo lo que conlleva puede concebir muchas particularidades sobre el reflejo de la juventud, su propia rebeldía y sus correspondientes inquietudes. Una de las singularidades más comunes entre esa desobediencia juvenil es la fina línea que separa el mundo de la música

rock con el motociclismo. Dos formas de vida unidas por un axioma común, aquel que relaciona la libertad con la rebeldía. El mismo que les encadena con el eslabón de la fuerza y el motor de la velocidad sobre el escenario. El rock y las motos, dos movimientos rebeldes. Dos vidas paralelas conexionadas.

La analogía, que por consabida no deja de fascinarnos, sucumbe año tras año a generaciones de jóvenes con espíritu de libertad. La misma que los primitivos rockeros plasmaban en sus composiciones allá en los años 50, germen de todo lo que vino después. Diferentes géneros estilísticos han cantado odas al universo motociclista. En eso, músicos de distinta naturaleza con el devenir de los tiempos comie-

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ron millas. Y polvo en el camino. El fabricante era lo de menos; las dos ruedas, lo de más. Desde las Triumph a las Vespas, desde las Harley-Davidson a las Lambrettas, desde las Norton a las Buell… desde los inicios a hoy. Desde el rock sureño al rockabilly, desde los mods a los heavys, desde los rockers a los bluesmen, desde los hippies a los grunges… desde el principio hasta nuestros días. Amén de


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#9 Marzo09 Motos y rock, dos mundos conexionados.

sus luchas y aficiones, el rock -como tal- se subió, sin saberlo, a una moto desde el mismo instante en que nació. Es cierto, todo hay que decirlo, que las motos vinieron antes que la música rockera, pero ya atisbaban los primeros motociclistas que a ese rugido del escape le acompañaría otro que no por menos atronador sería más rítmico, melódico y armónico: el rugido del rock. En las primeras composiciones del R’n’R, y ya an-

tes en las líricas del blues, la carretera y sus rutas era caldo de cultivo para el pentagrama. ‘Rute 66’, ‘Highway 61’, ‘Crossroad’, ‘Highway To Hell’, ‘On The Road Again’, ‘Highway Song’, ‘Roadrunner’, ‘Hit The Road, Jack’, ‘Highway Star’, ‘Death Alley Driver’, ‘Roadhouse Blues’… se convirtieron por derecho propio en clásicos, Eso derivó en que los intérpretes se dejaran seducir por la sensación del espíritu independiente e indomable más allá del

escenario. Se montaron en una moto y no se bajaron jamás. Algunos perecieron en el camino y nos legaron esa filosofía por la que lucharon. Duanne Allman fue uno de ellos, al igual que Berry Oakley de los Allman Bros. Band. Enterraron su inspiración musical en una carretera, junto a su motocicleta. Autopistas atascadas de héroes destrozados, como diría Bruce Springsteen. Desde el aire cayeron figuras como Stevie Ray Vaughan. Pero

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no todos tuvieron fatal desenlace con el motor. Gene Vincent, rockabilly y dueño de una Triumph, fue mito del rock de los 50. El autor de ‘Be-Bop-ALula’ salvó su vida de un accidente de tráfico que se llevó a su amigo Eddie Cochran. En esa terna sobrevivieron ilustres rockeros/moteros. Elvis Presley y Bo Diddley, entre ellos. Harlistas como Lou Reed. Billy Joel a lomos de su Guzzi y Loquillo enganchado a la 74 Electra Glide del emporio de


Milwaukee. Son motociclistas del rock como Steppenwolf o Bono de U2, admirador del motorista folkie Bob Dylan. Otros más recientes, ilesos entre los hierros, aún dan guerra. Es el caso de Billy Idol, fanático motociclista, superviviente de su propia moto y su propio sino. Algunos, los más atrevi-

dos, han llevado su pasión por el motor hasta límites insospechados. Ediciones especiales en dos ruedas son compatibles en customización con las seis cuerdas de sus instrumentos… tanto monta, monta tanto. Y montando sobre sus motos se presentan sobre las tablas del escenario. Judas Priest son habituales en ese jue-

go. Rob Halford, su líder, es un seguidor de las custom negras más atrevidas. Bandas como ZZ Top les siguen en afición. La iconografía motera pintada en portadas de Mötley Crüe, el ejemplo que va más allá de la propia tarima escénica. Música ruda para motos duras… como Glenn Tipton de los Judas Priest.

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Como Geoff Tate de los Queensrÿche. Como Jimi Hendrix, en su día. Como Cozy Powell (Rainbow, Black Sabbath, Whitesnake). Como Bon Scott. Como Kid Rock. Como tantos y tantos. Engloban, todos ellos, una larga lista que rebosa bujías sincopadas al mejor ritmo para rodar. El ritmo con patente de rock motorista.


#9 Marzo09

Sal贸n de Instrumentos Musicales y Ac

Dando la nota

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ccesorios

E

l Pabellón de Cristal de la Casa de Campo (Madrid) acogió el pasado febrero a fabricantes, distribuidores, proveedores, marcas y tiendas de música para deleite de los asistentes, cada vez más numerosos. Entre lo más ofertado, las guitarras. De todos los modelos. Taylor triunfó con los suyos. El sonido del blues crudo sonó a la perfección en esa madera. La tripulación de Fender probó sus clásicas Stratocaster y no defraudaron. Como la P.A. (Public Adress) demostrativa que había en el exterior del recinto. Así deberían sonar muchos equipos. Acústica perfecta. ProTools

Asistimos a Comúsica’09 para ver las novedades del sector musical. En su tercera edición la expectación y asistencia ha sido muy positiva por parte de profesionales y público. Tecnología punta y afinada. ¡Ay, qué gustito pa mis orejas! y Logic sobre Apple exponía Microfusa. Universal Effects ha traído este año las últimas novedades en efectos sobre el escenario. Vimos los cajones de flamenco de Pepote, el luthier. Alhambra expuso sus guitarras españolas. También Bosco y sus PRS. Kawai y sus teclas. Se puede tocar y se puede oír. Todo se puede probar. Comúsica 2009, que se consolida año tras año, afinó en empresas dedicadas al montaje de escenarios,

efectos sonoros y luminosos, grabación digital... pero, quizás, abandonó instrumentos que no son únicamente guitarras. Se echó de menos marcas de prestigio como Gibson, Korg, Vox o Ludwig y modelos de alta gama, clásicos y sofisticados, instrumentos de viento, más órganos y pianos, baterías, bajos, armónicas, etc. Aunque la feria está creciendo y puede mejorar con visos a afianzarse en Europa. Esta edición abría sus

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puertas, por primera vez, al público en general. Bien hecho, acercando la música a la calle, más allá de la propia industria. Todo un acierto. Además, las editoriales se han sumado a la cita con publicaciones del sector. Nuestros mejores deseos para próximas ediciones al Salón patrio del mundo de los instrumentos que nos hacen emocionar con cada nota. Que se note y que sea todo un referente. Suerte y... a dar la nota.


#10 Abril09 Los Reyes del K.O., el funky-blues español

Una noche en…

Chicago de Compostela µ Nacho Manzano Merino

C

on una hora de retraso comparecieron tras su gira alemana Los Reyes del K.O. en la sala madrileña Gruta’77 el pasado 5 de marzo. Regresaron al escenario madrileño desde su residencia berlinesa con la ilusión puesta en mostrarnos lo grabado en el ‘Live In Berlin’, su excelente última producción. La banda de blues gallega más internacional toma su nombre de las veladas boxísticas en las que tocaban y se percibió en el recital porque salieron a por todas. Noqueando a las primeras de cambio. La compenetración de los jóvenes talentos Marcos Coll y Adrián Costa, junto con su originalidad y madurez artística hacen de Los Reyes del K.O. una forma-

ción con un futuro prometedor. Realizan una música apta para todos los públicos, antigua y moderna, sin perder identidad. Mezcla de tradición e innovación. ¿Blues con scratching en España? Existe… y manufacturado desde Galicia. Vinieron con ganas y se notó. El feeling entre el público y los músicos es cada vez más constante en sus directos. No en vano, Costa tiene dotes de entertainer. El ‘Garfunkel del blues’ con cada vez más tablas- es todo un showman. Colmado de matices negros en su bizarra voz lleva el groove en las venas. Esta vez sacó su dorada Gibson Les Paul De Luxe para todo el concierto. Pedazo de concierto, puntualicemos. Al estilo Blues Brothers,

por la guisa y la fiesta, comenzaron con la marchosa ‘I Feel So Good’, un blues de Big Bill Broonzy para continuar con sus habituales ‘I’m On The Wonder’, una pieza zydeco (música cajún de emigrantes franceses) de Clifton Chenier en la que Costa está sublime y la rítmica ‘Fucked Up Again’, de cosecha propia. Llevaron a su parcela particular el clásico cubano ‘La Paloma’ con gracia y salero.

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Mike Bloomfield y Albert King se apoderan de Adrián en cada nota de su guitarra. Pero no todo en ellos suena a blues. Soul tradicional con sabor a Otis Redding, Wilson Pickett, James Brown (su gran influencia) y, hasta Michael Jackson se suman a la fiesta. La versión del ex Jackson Five ‘The Way You Make Me Feel’ está rebosante del mejor R&B americano. Rebajado de

Promocionando su último disco en Madrid, ‘Live In Berlin’, Los Reyes del K.O. nos regalan uno de los mejores shows del año rezumante de funky-blues, soul y R&B. Una noche de música más negra que el carbón. Pero del bueno, del dulce. Toda una velada edulcorada de buena música.


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#10 Abril09 velocidad la interpretación resulta exquisita. El tema sirve para abrir un medley funky que incluye el celebérrimo ’Ain’t Nobody’s Business’ y el ‘solo’ de doble pletina scratch de Omar. Marcos exhaló con clase su Blues Harp diatónica de Hohner (del luthier Musical Estebaranz), como si en cada soplido se le fuese el alma de Little Walter, Junior Wells o del mismísimo Sony Boy Williamson. Luego se exhibió con la Cromonica. Junto

Los Reyes del K.O., el funky-blues español con su micro vintage estilo Bullet -para amplificar su armónica- emplea eficazmente las técnicas distintivas del blues como el bending y el vibrato. Hace de la particularidad su estilo. Cuando procede alarga la nota hasta el extremo y aguanta al máximo como los grandes. Tampoco reniega de la velocidad en la inspiración (respiratoria y musical) pero sin caer en la pomposidad del sonido exornado del virtuoso John Popper de

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los Blues Traveler. Quien no recuerde el ‘Boogie Funk’ de Freddy King o el ‘Born In Chicago’ de Paul Butterfield ellos nos los hacen imaginar magistralmente. ‘I Got To Go’ engancha a la audiencia que coreó a tope el estribillo. En estas, siguieron tocando y tocando con el ambiente alegremente cargado. Ya en los bises se soltaron con ‘That’s Alright’ de Jimmy Rogers. Se cerró el show con la intervención rapera del ex Super Skunk ‘El Tío Calambres’ acompañándose de los efectos hendrixianos del ampli de Javi Vacas y el ‘solo’ de batería de Carlinhos. Un final de altura convertido en pura fiesta. Como todo el concierto.

Los vencedores del ‘Berlin Blues & Jazz Award 2006’ experimentan sin temor, pero con respeto. Eso, con maestría, deriva en el resultado de una obra digna, arriesgada, divertida y respetada con creces. Todo ello con mucho gusto y atino. Y esto, definitivamente, nos complace. Música fusión de emigrantes. Gallegos y mozambiqueños. Raperos, Dj’s y bluesmen. Empastada de soul por los cuatro costados; a caballo entre un repertorio tradicional que abarca desde las haba-

neras de Cuba hasta el rap de Public Enemy, mientras recorre los algodonales de Mississippi bajo ritmo sureño. Honesta y original. “El blues es fusión pura”, como reivindica Adrián. Son uno de los pocos grupos españoles que rehúsan de lo-que-hace-todo-elmundo y apuestan por algo siempre distinto. Una banda diferente con música de siempre. Algo para minorías, que, al fin y a la postre, les hace ser tan buenos. Lo que todos pensábamos

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que iba ser una agradable noche carabanchelera se convirtió, por sorpresa, en una de las mejores veladas del año desde Chicago de Compostela. Mucho boogie-boogie, R&B, funky, blues tradicional, soul sureño… música negra, sin prejuicios. Sin etiquetas. Sin morriña. Todo eso sobra para una música OK que te deja KO. Y ellos, los Reyes, como máximo exponente. ¡Larga vida a la monarquía! La monarquía (gallega) del mejor funky-blues del reino español.


#10 Abril09

Los Reyes del K.O., el funky-blues español

Sobre el ring #

Adrián Costa (voz y guitarra): El santiagués posee un timbre especial en su voz idóneo para la interpretación de música negra, especialmente el sou1 y el blues, pero en sus adentros el James Brown que se exterioriza le convierte en un frontman potente en el entorno del funk. Toca la guitarra al estilo blues antiguo, sin demasiados efectos. Sonido pulcro y pisando bien las cuerdas, como Albert Collins y Albert King.

Domina como pocos el escenario. Además de la guitarra, sabe tocar el bajo y batería. # Marcos Coll (armónica y coros): Autodidacta con su instrumento, el ‘Sonny Boy de Vidán’ comenzó a tocar en grupos con tan sólo 14 años para erigirse como uno de los mejores armonicistas actuales. El sonido libre de saturación del Sr. Coll, limpio y añejo, es su mejor carta de presentación. Ha tocado con la Tonky Blues Band y

‘Coll Vs. Costa’

‘Home Made Blues’ ‘Hot Tin Roof’

(2002). Su ópera prima producida por el gran armonicista madrileño Ñaco Goñi. Excelentes temas interpretados con un estilo personal y un enfoque muy particular. La mejor revelación para una banda con un futuro que acababa de empezar y atisbaba ya una formidable trayectoria musical. El primer combate.

(2004). Segundo trabajo rodeados de las mejores figuras bluseras de nuestro país (Tonky de la Peña, Juli ‘El Lento’ Celina Yebra, Ñaco Goñi, Emiliano Juarez, Edu ‘Big Hands’ entre otros). Grandes tributos a Junior Wells, Leadbelly, M. Morganfield. Blues y soul de alta calidad sellado en España.

junto a figuras mundiales de la talla de Mick Taylor (ex Rolling Stone), Tom Jones o Buddy Miles (The Band of Gypsys, de Jimi Hendrix). # Javier Vacas (bajo): Ha pasado por Vacazul, 3.000 Hombres, Chocolate Blues Express, Los Coronas, Sex Museum y tantas formaciones que hacen de ‘El Vacas’ uno de los mejores bajistas de R’n’R de este país. Todo un peso pesado.

#

Carlinhos (batería): Baterísta mozambiqueño que ofrece el toque étnico a la banda pero fiel a los parámetros de la música americana de siempre. Cumple sobre el escenario. # Omar (programación, samples, scratches): Dj sevillano con estilo propio en programación, electrónica, samples y el uso del scratching. ‘Scratcho Man’ es uno de los pocos en incorporar sonidos sampleados en el blues nacional.

‘Live In Berlin’

(2006). Como auténticos gallegos emigraron y establecieron su sede en Berlín, donde grabaron su tercer larga duración. Incluye versiones y temas propios. Colaboran: Sax Gordon Beadle, Guitar Crusher, Herb Hardesty y Christian Rannenberg, uno de los mejores pianistas contemporáneos. También les produce.

(2008). Su último disco y primer ‘directo’. Colaboran los mismos músicos que en su anterior CD. Tiene 12 canciones llenas de punch. ‘Live In Berlin’, repleto de buenas selecciones y buen gusto, ha sido todo un éxito hasta ahora, con una estupenda crítica y una mejor aceptación de público. Una joya.

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#11 Mayo09 Simple Minds-U2, algo más que en común.

Sin Límites

Vivitos N

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i el timbre de voz similar entre Paul Hewson (Bono) y Jim Kerr -en sus inicios los confundían como a Santiago Auserón y a Pau Donés- ni el éxito musical de U2 y Simple Minds lo han evitado. Tampoco las comparaciones entre sus guitarristas, Charlie Burchill y Dave Evans (The Edge). Ser combativos irlandeses o escoceses reivindicadores mucho menos aún. Quizás por ello, por no poder disimularlo, nacieron desde un principio mútuas afinidades entre ambas formaciones anglosajonas. Ni tan siquiera la sombra de un futurible Premio Nobel de la Paz (en la terna con el judío/católico Dylan) ni las fotos con el Papa, ni el apoyo mediático a Obama, ni las ayudas a la África hambrienta, ni el respaldo a Amnistía Internacional junto a Jim, ni mucho menos los conciertos benéficos han convertido al ‘mesías’ Bono en redentor de sus letras y su particular destino: un simple músico -buen mú-


& Coleando sico- ejerciendo su trabajo. Lo mismo que Kerr. De la presencia en el ‘Live Aid’ del 85 en compañía de U2 a la lucha por las causas (in)justas. Sus triunfos con las mujeres famosas -ex de Patsy Kensit (Eighth Wonder) y Chrissie Hynde (The Pretenders)no ha eclipsado su carrera artística. Ni ha cerrado puerta alguna. A lo más, ha sido un acicate para relanzarla... aunque se quedase en el intento. Involucrados fervorosamente en el compromiso político y en letras combatientes para la paz las dos bandas nunca han hecho renuncia explícita de ello. Todo lo contrario. Fueron adalides de la música activista y reivindicativa. U2 escribió su canción protesta ‘Sunday Bloody Sunday’ por la famosa matanza en el Domingo Sangriento de Dublín de 1972. Luego su líder quiso reivindicar el mensaje pacificador del tema. Simple Minds cantó ‘Belfast Child’ sin perder su identidad gaélica y ’Mandela Day’ contra

Todas las comparaciones son odiosas. Aunque no siempre. Simple Minds y U2, dos grupos hermanados, combinan actualidad con sendos lanzamientos discográficos. De la mano para no perderse. Y para no perder la tradición. Por norma, el trébol escocés comparte güisqui en las tierras altas. Irish & Scotch Whiskey!

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#11 Mayo09 el apartheid al líder sudafricano. Bono dedicaría la letra de ‘Pride (In The Name Of Love)’ al también líder negro Martin Luther King. Grabó ‘New Years Day’ (“El oro es la razón de las guerras que financiamos”) y los de Glasgow ‘Street Fighting Years’ en memoria del músico Víctor Jara. Independientemente de la fe religiosa o el partidismo político que pudieran tener o no tener, he ahí la cuestión, lo que verdaderamente (nos) importa es su música. Lo asegura Jim: “En nuestros pasaportes dice que somos músicos” y lo ratifica con sorna Bono: “En realidad somos una banda de R’n’R. Si la gente que acude a nuestros conciertos en lugar de gritar ‘Yeaaah!’ empezara a murmurar ‘Ooohmm’, o a rezar el rosario, sería terrible”. Bono y Cía. llegaron al Top 1 con menos de una década de existencia musical. Jim Kerr y los suyos lo mismo. En los 80 lo demostraron. Era el estrellato de la década prodigiosa. Su década. U2 se reinventó con la electrónica en ‘Pop’, pero era ya 1997 y un producto de masas; Simple Minds con su rock clásico en su último disco ‘Black &

Simple Minds-U2, algo más que en común.

White 050505’, hace cuatro años. ‘Kiss The Ground’, de este álbum, evoca al Bono más intimista en un medio tiempo típico de los U2. Al igual que ‘Face In The Sun’, (‘Cry’, 2002) con un melancólico Jerr al más puro estilo del cantante irlandés. Acordes similares a The Edge en ‘New Sunshine Morning’ en la guitarra de Burchill sobrevuelan este compacto. Demasiados paralelismos que dudan de la casualidad, pero el destino y el talento les unió sobre mismo escenario compartiendo repertorio en el Rock Werchter Festival (Bélgica) en su edición de 1983. Ambos coquetearon juntos en terrenos adversos. Y triunfaron. Saltaron del pop al rock -y nuevamente del rock al pop- con el devenir de los tiempos y hasta de los ingresos. A mayor comercialidad rockera, mayor caja registradora. Una relación cuanto/ cuando menos cuantitativa como cualitativa. Unos llenaban estadios y otros discotecas. Los injustamente infravalorados Simple Minds una de las mejores bandas de pop/rock de la historia presentes en el concierto de ‘Harley-Davidson 100th Anniversary’- ya 52 CHON


lo hacía antes, cuando su pose glam dio paso al rock multitudinario de correligionarios en la Ciudad de la Luz. El mero hecho de estar ahí les confiere, con el paso de las décadas, como el mejor ejemplo de perseverancia en la idea de satisfacer su propio trabajo. Con la diferencia en que los escoceses no han mantenido íntegra la formación de sus músicos como sí lo ha hecho la banda de Dublín desde su fundación allá en 1978. En esta vida paralela, U2, con 170 millones de CD’s vendidos y 22 Grammys a sus espaldas, acaba de editar ‘No Line To Horizon’ regresando a sus orígenes gracias, de nuevo, a los productores Brian Eno y Daniel Lanois, que llegan a firmar temas, y con un ‘The Edge’ más clásico. De la grabación destacan la potente ‘Stand Up Comedy’ , en línea al rock de Buckcherry o Primal Scream que está calcada de riffs ralentizados de ‘Immigrant Song’ (Led Zeppelin) y la majestuosa ‘Breathe’ (“las canciones están en nuestros ojos, vamos a llevarlas como una corona”). Simple Minds hace lo propio este mes de 53 CHON

mayo con ‘Graffiti Soul’,“estilísticamente un álbum de R’n’Roll vibrante que está repleto de energía”, según su líder. Hasta comparten discográfica: Universal. El tour mundial ya está en ruta. Para los dos. Siempre para los dos. Todo comenzó, hace exactamente treinta años atrás. En plena eclosión post-punk Simple Minds, herederos de Roxy Music y Ultravox, publicaba el 1 de abril de 1979 ‘Life In A Day’, su primer vinilo. Un imberbe y maquillado Jim Kerr cantaba a la recién estrenada hornada de la New Wave un álbum de pop electrónico en la onda de Joy Division, The Cure y otras corrientes británicas de finales de los 70 como David Bowie, su principal influencia y del que tomaron para sí el nombre del grupo, extraído de su rockera ‘The Jean Genie’. Ese mismo año, aunque publicasen en 1980 ‘Boy’ su álbum debut, el que se haría llamar como la marca de audífonos Bono-Vox (buena voz en latín para su desconocimiento) junto con un baterísta que apenas sabía tocar, un espigado y feucho bajista que a la postre se ligó a la diosa más de ébano de la pasarela, y un


#11 Mayo09 guitarrista contrario a tocar blues como todo aprendiz de su época para sustituirlo por los ‘reverberados’ armónicos en eco con estilo propio, deciden bautizarse como el avión-espía de USA abatido por los rusos en los 60 para convertirse en la banda más importante de Irlanda y arrasar al mundo. Ambición conseguida. La misma intención en Escocia, amén de los tradicionalistas en faldita y sin calzones, tenía el combo de Kerr. La diferencia estriba en

Simple Minds-U2, algo más que en común.

que mientras en la cima del éxito U2 se regusta y disfruta de ello, Simple Minds no supo o no pudo sobrellevarlo. Desistió. Y eso que las mieles de la fama las saboreó antes que los dublinenses. “El dinero no puede comprarme” alegaba la banda en ‘This Is Your Land’, mientras los irlandeses se convertían en producto de consumo para masas. Bajo un cielo color rojo sangre por las guerras de esa década y enarbolando la Bandera Blanca, U2 presenta su primer disco en directo en 1983. Disco explícito para un grupo polémico. Un año antes ve la

luz en la discografía de la agrupación escocesa ‘New Gold Dream’ -quien no vea afinidad entre Burchill y The Edge que escuche por YouTube la versión desde Paradiso, Amsterdam 2005 -. Les sacó de Glasgow y les descubrió para el mainstream, a pesar de su sonido ecléctico pero comercial. Fue el paso de la New Wave al New Romantic. Alcanzaron su premio brillante (‘Glittering Prize’) con esta publicación. Érase una vez, en ese mismo sendero, sale ‘Once Upon A Time’ y su single ‘Don’t You Forget About Me’ (un himno generacional), primero, y ‘Live: In The City Of Ligth’ (un plástico imprescindible de los 80), después. Era el tiempo que tocaron el cielo. Firmaron

una rockera ‘Ghostdancing’ como si la hubieran hecho los de Irlanda. Así colaron 5 discos en el número 1 de las listas británicas. La mezcla de rock épico con la electrónica, y hasta la música de baile, la llevan haciendo los escoceses hace más de 30 años. Siempre en paralelo, es cuando en 1987 U2, bajo la exquisita producción de Eno y Lanois difunden su formidable trabajo americano, ‘The Joshua Tree’. Sorprendió por su sonido mesiánico con texturas folkies de blues repletas de rock y R&B. En menos de cinco años, se marcan un innovador elepé de vanguardismo extremo en comparación con el anterior citado. Fue ‘Achtung Baby’, para muchos su me-

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+info www.U2.com


jor trabajo aunque no reflejase todo la filosofía y el espíritu primigénico de la banda. Simple Minds, que llegaron a ser un grupo de masas cuando U2 aún era un grupo de misas, ya experimentó semejante variación estilística. ‘I Travel’ de ‘Empires & Dance’ (1980) podría pertenecer a este disco o incluso al ‘Pop’... y tantos otros. Recientes y antiguos mientras compartían productores como Jimmy Iovine y Steve Lillywhite. El rock les ha vuelto a unir. Hoy en día revivimos todo esto. U2 con ‘Magnificent’ , de su último trabajo, puede sonar a cualquier tema de los escoceses de mediados de los 80. Por su parte, Simple Minds con el single ‘Rockets’ de su

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rutaleon66@ono.com


#11 Mayo09 próximo ‘Graffiti Soul’ entraría perfectamente en los créditos del último disco de sus compañeros musicales. Y así seguirá siendo, siempre. Esa es su aventura. Viviendo su propia crónica, su música, su vida... en un día. Un día bonito. Vida en un día; una vida real, verdadera. De telediario (‘Waterfront’ con Andrés Aberasturi), de emisora (‘Love Song’ con José María García) y de cine (‘Don’t You Forget About Me’ en ‘El Club de los 5’, ‘Shake Off The Ghosts’ en ‘Excalibur’, ‘Hold Me,

Simple Minds-U2, algo más que en común.

Thrill Me, Kiss Me, Kill Me’ en ‘Batman’ y ‘Rattle And Hum’)… en todos los órdenes de la vida. ¡Viva la vida! Porque la comparación por odiosa que sea es otra historia. Como Coldplay. Pero ellos siguen en estado de gracia. El cartel de los grandes festivales como el de la Isla de Wight (www.isleofwightfestival. com) para este año es el ejemplo que lo constata. A pesar cambios de giro -y de gira-, el misticismo religioso, lo nieguen o lo confirmen, ha flotado en la música y letras de la banda irlandesa. Siempre ha

estado ahí. Sobre el árbol de Josué o sobre el asfalto dublinés. Sin todo eso no hubieran elaborado la obra maestra del año 1987. Habría que preguntarle a Bono, entonces, si sólo son una banda de R’n’R. Con rosarios o no. Con glosarios ‘Pop’, rock; ‘War’, paz; ‘Gloria’... ¡Santifícate! Como rezan sus colegas escoceses. Oníricas melodías doradas para la eternidad. Eso sería. Sin línea en el horizonte, sin límites ni etiquetas musicales. Porque lo seguirán haciendo, contigo o sin ti. En cualquier caso, hay que agradecerles tanto a los

hijos del trébol como a los escoceses de mentes simples la continua metamorfosis musical, esa perenne capacidad de transmutación, la tenaz inspiración creativa y la valiente apuesta tecnológica en su trayectoria para aparcar sus inquietudes religiosas, ideologías personales y ambiciones políticas. El resultante, a la vista está, ha configurado una discografía de vértigo en el mundo entero a lo largo de los años con una música sin confines que sigue viva. Muy viva: ‘Alive And Kicking’, como diría Jim Kerr.

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#11 Mayo09

Nuevo libro sobre Rick Rubin, productor musical.

El gurú de la mesa La trayectoria de uno de los mejores productores musicales del mundo, Rick Rubin, es la excusa perfecta de Jake Brown para la publicación del libro ‘In The Studio’, a la venta en agosto.

R

ick Rubin ha sido una pieza clave en la producción discográfica de estas últimas tres décadas marcando una influencia como pocos en la industria musical internacional. Su absoluto protagonismo en la mesa de sonido ha modelado la

elaboración de las mejores grabaciones de las bandas más importantes del rock y del rap de la actualidad. Rubin, el orondo y barbudo mandamás de Columbia, es uno de los productores más solicitados mundialmente. Por su mano ha desfilado un sinfín de figuras de diversa índole. Y a todas las ha llevado a la fama. Los que ya estaban encumbrados han pedido consejo al gurú de la producción musical. Un bagaje que le ha servido para definirle como “el mejor productor de cualquier género” según la revista Rolling Stone (incluyendo a

Martin Birch, Quincy Jones y tantos otros, añadimos nosotros) alcanzando los premios más prestigiosos del oficio a pesar de su carácter insurrecto, conocido por no tener prejuicios en los trabajos aceptados para cobrar la minuta. Que se lo digan a AC/DC, quien la mayor parte de su labor en ‘Ballbreaker’ la realizó Mike Fraser. Pero eso es tan sólo un ejemplo. Estas historias, y otras muchas anécdotas, saldrán a la luz el mes de agosto con la publicación de la biografía autorizada ‘In The Studio’ (ECW Press) escrita por Jake Brown tras tres años de investigación. Una manera directa y sugerente para acercarnos a uno de los personajes más influyentes y emblemáticos de la industria discográfica.

Producciones fetiche

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‘Ritchie Blackmore’s Rainbow’ Ritchie Blackmore’s Rainbow ‘Licensed To Ill’ Beastie Boys ‘Raising Hell’ Run D.M.C. ‘Blood Sugar Sex Magik’ Red Hot Chili Peppers ‘American Recordings’ Johnny Cash ‘Wildflowers’ Tom Petty

‘Ballbreaker’ AC/DC ‘Toxicity’ System of a Down ‘Live At The Grand Olympic Auditorium’ Rage Against The Machine ‘Out Of Exile’ Audioslave ‘Rock And Roll Jesus’ Kid Rock ‘Death Magnetic’ Metallica


#12 Junio09 Nuevo supergrupo de Joe Satriani

Chickenfoot

Rock con pedigrí

Giandomenico Ricci

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l tequila les unió. Cabo Wabo, la marca embotellada propietaria de Sammy Hagar, ex de Van Halen, ha sido el causante de la formación de un nuevo supergrupo. Chickenfoot es el resultado de unir la guitarra de Joe Satriani, la voz de Sammy Hagar, el bajo de Michael Anthony (Van Halen) y las baquetas de Chad Smith (Red Hot Chili Peppers). Hagar montó hace años un garito en el que poder dar rienda suelta a sus aficiones: rock y trago duro. Su música, y otras más, se podía escuchar en la emisora de radio de apelativo similar: Cabo Wabo Radio. Aunque el nombre del imperio de Hagar originariamente viene de la canción compuesta por su ex grupo, él desde Fresno (Baja California, USA) se dedicó a repartir tequila en la Cabo Wabo Cantina. Mientras, para no aburrirse tocaba en su propio club con los amigos. En una de

esas noches se unió Joe Satriani. La química del tequila y la del escenario provocó la posibilidad de un nuevo combo sin Eddie Van Halen a las cuerdas. Se apuntaron Chad Smith y Michael Anthony. El buen rollo y el feeling de esas jams desembocó en la grabación de su primera producción musical. El disco homónimo del grupo saldrá a la venta el próximo 5 de junio. En su single presentación, ‘Soap On A Rope’, la base rítmica es soberbia, con Smith como protagonista principal. Tiene ramalazos de Rage Against The Machine (en la intro del ‘solo’ de guitarra) y también, por supuesto, de Red Hot Chili Peppers. La sombra alargada de Van Halen tiñe la grabación. Mucha compenetración y mucho R’n’R. Satriani se amolda perfectamente a las composiciones del grupo y, en especial, a la voz de Hagar, espléndido como siempre.

Nace una superbanda. Quedaos con el nombre: Chickenfoot –pata de pollo-. Es la combinación perfecta entre Sammy Hagar, Joe Satriani, Michael Anthony y Chad Smith. Casi nada. Su primer álbum (‘Chickenfoot’) sale este mes y nos visitarán en julio. Avisados estáis. El genial guitarrista le da una dimensión progresiva al rock clásico de los Van Halen, aportándoles un sonido actual sin dejar de perder ese halo rockero de siempre. Un rock que bebe de raíces clásicas (el cantante certifica que la línea musical de Chickenfoot estará cercana a los Led Zeppelin) pero con óptica de futuro. Nada menos que la guitarra de Satriani para demostrarlo. La banda, que ha cambiado las patas de gallo por las de pollo, llegará a Madrid el próximo 1 de julio. El Palacio de los Deportes será el escenario adecuado para la

presentación de su primer -y esperemos que no sea el último- disco. En directo hacen guiños a Deep Purple (‘Highway Star’) por el paso de su guitarrista en esa banda. También a los primeros Montrose de Hagar con ‘Bad Motor Scooter’, sobre una intro de pedal steel de Sammy que suele regalar un posterior duelo guitarrístico con Joe. Una de las mejores apuestas del tour para los bises con alguna que otra sorpresa más. Expectación de sobra ya hay para ver en escena a estos pollos. Así que, más les vale que no metan la pata.

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CD Track-list:

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‘Avenida Revolution’ ‘Soap On A Rope’ ‘Sexy Little Thing’ ‘Oh Yeah’ ‘Runnin’ Out’ ‘Get It Up’ ‘Down The Drain’ ‘My Kinda Girl’ ‘Learning To Fall’ ‘Turnin’ Left’ ‘Future In The Past’


#12 Junio09

The Chesterfield Kings

“Los Stones son la mejor ‘P

hysedelic Sunrise’ aglomera en sí mismo todos los estilos por los que The Chesterfield Kings han caminado durante años. Rock, sonido mod, psicodelia, garage, blues, pop, sixties… confluyen en las composiciones de la banda de Greg Prevost (cantante) y Andy Babiuk (bajista) líderes por derecho de la formación de Rochester (Nueva York). El día 18 de junio sobre el escenario de la Sala Heineken nos presentarán su

Llevan tres décadas de puro R’n’R. Ahora presentan ‘Phychedelic Sunrise’, un disco de garage con toques de psicodelia, la maquinaria típica de los Chesterfield Kings. En una entrevista exclusiva nos lo contó Greg Prevost, su cantante. nuevo material en directo, lo que a ellos le gusta hacer. Un concierto suyo es pura fiesta musical para una banda entregada a su público. De estos temas, y más, hablamos con su líder. Hola, Greg, felicidades por vuestro nuevo álbum.

Buen disco. Nos ha gustado vuestro clip ‘Up and Down’, un fantástico tema en la línea de los Rolling Stones de Mick Taylor. También nos recuerda a New York Dolls el corte ‘Stayed Too Long’. ¿Son canciones imprescindibles

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en vuestro set-list de esta gira? ¿Cuáles son las que conforman vuestro cartel principal? “Gracias por comprender lo que estamos haciendo. Ambos temas son los principales. Acabamos de colgar el corte ‘Up And Down’ como single 45’ en Wicked Cool”. ¿Qué temas enganchan más y son los mejores de vuestro show de este último álbum? “Como mencionaste anteriormente, ‘Up And Down’ y ‘Stayed Too Long’ y también material de ‘Phychede-


banda de la historia” lic Sunrise’, ‘Dawn’ y ‘It’s Outasite’ “. Contadnos, por favor, la historia de ‘Spanish Sun’, ¿qué concomitancias tiene con nuestro país y cómo surgió? Por cierto, ¿os gusta España? “El tema es totalmente acerca de España. Una vez estuvimos en una zona desértica en el centro del país, sin ningún sitio donde ir y el sol era como una gigantesca naranja... ¡calor! Estupendo. Esta canción está inspirada en España y su maravillosa gente. Amamos España y su

gente. ¡Gran país, fue muy guay visitarla! “. Para el público que os desconoce, dadles un motivo de peso por el que deben de asistir a vuestro concierto madrileño. “¿Una razón? Si la gente le gusta el R’n’R esto es lo que hacemos”. ¿Seguís afirmando en el 2009 que The Chesterfield Kings es un grupo anclado musical y estilísticamente en el año 1966? “No. Ese era el caso de la banda original. Surgimos como una banda de R’n’R.

Se puede decir que estamos anclados en 56, 66, 68, 70, 71, 72, 73, 74, 77 y 2009”. Alguna vez habéis declarado que en los 70 hubo mucha basura, a excepción de bandas como New York Dolls y pocos más. ¿No consideráis ningún aporte más a una década tan influyente en la música? “Personalmente, yo vivo mi vida entre 1956/1973”. Por cierto, Greg, ¿qué tal fue colaborar con Johnny Thunders? ¿Qué recuerdos guardáis? “Era un gran tipo. Fue una

estupenda y maravillosa experiencia”. ¿Sus Majestades Satánicas acabaron al morir Brian Jones? “Mi etapa favorita de los Stones es la de Mick Jagger y Keith Richards. Esto significa TODAS las etapas. ¡Los Rolling Stones mandan, coño! Su nuevo álbum es demoledor”. ¿Son los Rolling Stones definitivamente la banda más grande de todos los tiempos? “¡¡Obviamente!!”. Dínos, Greg, ¿qué signi

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#12 Junio09

fican The Ramones para vosotros? “Una gran banda. Eran amigos nuestros”. Siendo unos apasionados de The Beatles, si tuvieras que escoger un tema, el mejor para vosotros, ¿con cúal os quedaríais? Por cierto, ¿qué tal fueron las ventas del libro de Andy sobre los instrumentos de la banda de Liverpool ‘Beatles Gear’? “Mi canción favorita de los Beatles es ‘Revolution’. El libro de Andy se vendió y se está vendiendo muy bien”. Dada la tendencia habitual que tenéis al tributo de clásicos como los Stones, Beatles, Hollies, Bea-

The Chesterfield Kings

ch Boys, Kinks, Yardbirds, Creedence Clearwater Revival y otras menores y desconocidas para el gran público debido, fundamentalmente, a vuestra melomanía, ¿es The Chesterfield Kings una banda de tributos? “Sí... ¡un testamento del R’n’R!”. ¿The Chesterfield Kings es una banda que debería haber nacido en Gran Bretaña si no fuera por el surf?, ¿qué hacen unos chicos de la Costa Este practicando la ‘ola británica’? “No estoy totalmente de acuerdo. Me gustan bandas como Grand Funk y Black Oak Arkansas, las cuales

no son bandas exactamente británicas”. ¿Robaréis del Boss a Steve Van Zadt para vosotros? ¡Ya lleva muchos años en la E-Street Band!, ¿no merecería un cambio? “Steven ha tocado con nosotros. Lo hemos intentado, pero él es su propio Boss”. ¿Qué os pareció su trabajo junto con Adam Clayton de U2 y Jason Bonham? “Es un trabajo muy bueno. Steven siempre está en lo más alto”. ¿Qué bandas seguís y escucháis habitualmente? “The Rolling Stones, New York Dolls, The Stooges, Frank Sinatra y

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Muddy Waters”. ¿Qué tal va tu revista ‘Outasite’ de temática de los años 60? “Simplemente, no va. Ahora escribo cosas sucias”. Por último, Greg, ¿algunas palabras al público madrileño de cara a vuestro próximo concierto del día 18 de junio? ¿Os gusta Madrid? “¡Madrid rockea!, ¡Madrid manda!”. Muchas gracias por vuestra atención y nos vemos en vuestro concierto madrileño en una inolvidable noche de los Chesterfield Kings. Suerte y... ¡larga vida al R’n’R! “¡Claro que sí!”.


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#12 Junio09

‘Como una moto. La vida galopante de John Belushi’

La trepidante historia de un Se publica en España la biografía de uno de los grandes cómicos americanos, John Belushi, alma máter (y gemela de Dan Aykroyd) de los Blues Brothers, la banda de su vida que ha pasado a la historia.

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hermano del blues ‘C

omo una moto. La vida galopante de John Belushi’ (Ed. Papel de Liar) es la biografía escrita por el mismo autor de ‘Todos los hombres del presidente’, Bob Woodward, que se adentra en la inmortal figura del Blues Brother más cachondo y juerguista. Belushi murió a los 33 años víctima de una sobredosis, nexo que le sirve al autor para describir la fatalista vida de otro juguete

roto. A partir de ahí arranca el relato. La azarosa trayectoria del cantante y cómico ha sido minuciosamente desdreñada por Woodward, perfeccionista nato en sus investigaciones. Aunque en contra tenga a los familiares, a los que acusa de su actitud pasiva por la decadencia del actor estadounidense. John Belushi, se ha convertido con el transcurrir de los años en una gran fuente de la mercadotecnia por ser un icono norte-

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americano post mórtem. Su imagen enchaquetada junto a Dan Aykroyd es la que sugestiona a un profuso número de seguidores, copistas e imitadores. Siempre nos quedará el delirante y desternillante sketch de la parodia al cantante Joe Cocker en el programa de TV del que era habitual,‘Saturday Night Live’. La versión original norteamericana, la que le popularizó.


#13 Julio/Agosto09 Especial AC/DC

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Carretera al averno

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C/DC había sacado desde su fundación cuatro discos de estudio y uno en directo cuando decidieron dar el salto mundial. La banda había tocado ya por toda Australia, Escocia e Inglaterra, pero les faltaba el ‘sueño americano’ por cumplir. Por aquel entonces, finales de 1978, estaban agotados tras su exitoso tour presentando por todo el mundo ‘Powerage’ y su primer directo ‘If You Want Blood, You’ve Got It’. Una gira fatigante y larga, ardiente y extenuante, un camino al éxito agotador. Un caos. Todo ello lo vio así Angus Young, su lead guitar, y así lo vivió el grupo. Fue un viaje al infierno cuya referencia daría premonitoriamente título al siguiente álbum: ‘Highway To Hell’, que, ironías de la vida, supuso el último disco de Bon Scott, fallecido tras una monumental borrachera el 19 de febrero de 1980. El cantante escocés, precisamente, haría su mejor trabajo en su álbum póstumo. Un disco enfocado al mercado yanquee que

‘Highway To Hell’ supuso la lanzadera cambió muchas cosas. que pasaría desde mundial de AC/DC Para empezar, dejaron de ese mismo instante que hasta entonces contar con el hermano maa la posteridad. no había tenido. El yor de los Young, George, Las sesiones de graálbum premonitoy su partenaire Harry bación comenzarían en rio de lo que vendría Vanda en la producFlorida con Eddie Kradespués, con una ción musical. Más mer, producción exquisita y bien, los jerifaltes proun enfoque más comercial arrasó en ductor de Atlantic, su discográfica, que había 1979. Ahora, 30 años después, celes obligaron colaborado lebramos la creación de una de las a prescincon Led Zeppemejores grabaciones de la música dir de sus lin, The Beatles, rock. Esta es la carretera que serviKiss y Jimi Hendrix, les llevó a la sombra de Satán, cios. entre otros. Malcom, el donde brinda Elilíder a la sombra de la banpícaramente gen a Robert John ‘Mutt’ da, no lo vio claro. La idea Lange, productor espe- su legendario era buscar a alguien que cialista en hard rock. cantante, ban a respetara el espíritu AC/ Fue quien les renovó Bon Scott, vender- DC, su sonido primitivo las ideas para dar el que este se correc- de blues y boogie rock pero salto definitivo a la mes tamente. Pero dándole un giro comercial cumbre. El nuevo les faltaba el camino al éxito. cumplimaterial añadía, empuje definitivo Tomaron las de Villadiería 63 además del ritmo para luchar en una in- go con Kramer (“no estaba años frenético de la dustria tan competitiva y en el lugar correcto ni en el banda, nuevos componentes co m e rc i a l e s con vistas a posicionarse en todo lo alto. No fue pasajero. Desde Atlantic vislumbraron el potencial. Sus directos, llenos de fuerza, enganchaban al público y los discos empeza-

peculiar como la norteamericana. Todos entendieron, la banda incluida, que necesitaban un hit mundial. Lo que no sabían es que no fue un solo hit, sino una decena de ellos. 10 éxitos engarzados el uno al otro, que se tradujo en una grabación 67

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momento adecuado”, declaró el norteamericano años después) y ficharon al sudafricano Lange, que a cargo de los mandos las ideas del grupo quedaron satisfechas. No era muy famoso por entonces (sus credenciales eran los Thin Lizzy, Boomtown Rats y Out-


#13 Julio/Agosto09 Especial AC/DC laws), pero, obviamente, lo sería después. Era un riesgo que corrían los australianos puesto que Lange no había llevado un grupo con tanta potencia pero era conocedor del sonido FM. Debía de complacer al personal de Atlantic, por un lado, y al propio grupo, por otro. Lo logró. Los hermanos Young ya habían escrito material para el álbum. Tan solo había que meterse en el estudio. Las grabaciones frenéticas en escasas semanas de sus anteriores trabajos se acabaron en 1979. Se grabó, remezcló y finalizó en Londres durante varios meses. Un trabajo hecho a conciencia para eliminar fallos, prisas y canciones desechables. Algo que no tenía ‘Highway To Hell’, una colección de éxitos de principio a fin. Se le dio más importancia a las melodías, coros, estribillos y a la voz de Scott; el diablo personalizado: nunca sonó así y cantó tan bien. Aunque gran parte del mérito fue de Lange que le enseñó a respirar y a cantar desde el estómago. “Me enseñó a cantar notas en vez de gritar, hay más melodías y acompañamientos vocales para realzar el sonido. ¡AC/DC cantando armonías!”, reconoció Bon antes de morir. La duración de los

temas, además, se redujo, los punteos de Angus fueron precisos y el número de cortes exacto: solo 10. Fueron 42 minutos de puro rock, ritmo, melodía y potencia. La quintaesencia de los australianos. El vinilo constituyó un cambio en la trayectoria de la formación. Se reinventaron con un rock comercial, melodías pegadizas, coros más presentes, ricos

misma altura. No hay recordings (arreglos), overdubs (sobregrabaciones), pedaleras, ni efectos. Tan sólo una grabación multi-track (varias pistas) en la que cada instrumento suena a la perfección. Logran un sonido real que con pocas notas las redoblan en armónicos con un resultando muy bien empastado. AC/DC en estado puro.

acordes, riffs demoledores y punteos más breves. Cierra la obra maestra ‘Night Prowler’, un blues desgarrador como epílogo que la banda tenía en mente desde hace años. El single presentación ‘Highway To Hell’ se convirtió en un himno para generaciones y para ellos mismos. Todo un documento histórico del rock. El resto de temas mantienen la

La portada de la publicación tuvo su polémica. Bob Defrin fue el Director de Arte encargado de ello. La primera idea presentaba a la banda haciendo auto-stop sobre una carretera en el desierto, pero a los muchachos no les gustó. En su edición australiana incluyeron el mástil de una guitarra con la foto del combo. Esa fue la portada que desearon, la

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original, pero borraron las llamas que aparecían para su edición americana y, por ende, la definitiva que todos conocemos. El título del álbum, también, sufrió controversia y malestar. Se les sugirió el cambio y no claudicaron ante las presiones. ‘Highway To Hell’, se editó finalmente el 27 de julio de 1979. Irrumpieron al Top 20 en su primera semana, su mejor estreno en las listas de todo el mundo. El 4 de agosto actuaron por primera vez en el Madison Square Garden neoyorquino. Luego, se comerían América. Lo consiguieron, por fin. El long-play significó el camino a la tierra prometida. El viaje al averno de Bon Scott, quien saldó sus deudas con Satán tocando en una banda de rock. Un fin de ciclo inconmensurable, pero también significó lo que sería la campanada del triunfo, el inicio de una nueva etapa para AC/DC. La etapa de Brian Johnson que comienza en 1980 con ‘Back In Black’ (‘vuelta en negro’, por el luto hacia su anterior cantante en homenaje particular), el álbum de rock más vendido de todos los tiempos. Desde entonces nadie lo ha superado.


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#13 Julio/Agosto09

© Diego Sinova

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ocas cosas hay que hacer en esta vida para marcharse tranquilamente al otro barrio. Conocer España (y sus tradiciones) y asistir a un concierto de rock son las principales. Las indispensables, mejor dicho. El pasado 5 de junio los rockeros AC/DC consiguieron hacerlas realidad. Pero, lo que es mejor, su realidad se convirtió en la de 55.000 vidas que morirán tranquilas, las que asistieron en Madrid a la presentación de su último álbum ‘Black Ice’. Cuando hace meses editaron el disco los más pesimistas se inclinaron por la posibilidad real de contemplar el último tour de estos amantes de nuestro país. Eso mismo llevan diciendo de los Rolling Stones hace años y ahí siguen en la brecha. Esos pesimistas cayeron seguramente en el arrepentimiento al ver lo que ofrecieron AC/DC en su última visita a la capital. La puesta en escena de la actual gira sobrepasa con creces a su anterior, ‘Stiff Upper Lip Tour’. Ha ganado en consistencia, luminotecnia y belleza plástica. Durante dos horas escasas –supieron a poco- la banda australiana arrasó sin contemplación el Estadio

Especial AC/DC

Hágase la luz, hágase el sonido…

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¡hágase

AC/DC! El grupo de los hermanos Young maravilla a la capital de España con un soberbio concierto enchufado de alto voltaje. Una de sus mejores giras en años.

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Vicente Calderón. Angus Young, su guitar hero, hace años que no tocaba tan bien. Cuando Belcebú inventó los riffs le eligió a él como profesor sabiendo que el infierno no es un mal lugar para estar. El ‘solo’ de guitarra de ‘Let There Be Rock’ nunca ha sonado tan bien y diferente, tan heavy y bluesy a la vez. Aunque la masiva audiencia tuvo que esperar lo suyo para deleitarse de la Gibson SG. Con ‘Shoot To Trill’ es cuando empezó a soltarse. Nos regaló uno de los mejores punteos del repertorio. Angus, con los años y las giras, ha sabido dosificar sus fuerzas, las cuales salen a relucir en el último tercio de sus shows. Ahí, en esa parte del concierto, es cuando echa toda la leña a las calderas. En la noche madrileña se hizo la luz con medio millón de vatios. Con un ferroviario cortometraje de animación y el público animado empezó el espectáculo. Abrieron con el ‘tren del R’n’R‘ y 200.000 vatios de sonido. ‘Big Jack’, ‘Anything Goes’, ‘Black Ice’ y ‘War Machine’ completaron los temas de su último disco. Quizá en la elección debería haber entrado ‘Stormy May Day’, por el morbo de ver al pequeño genio tocar la slide.


© Diego Sinova

#13 Julio/Agosto09

Especial AC/DC

Todo se solucionó con los clásicos que cayeron uno tras otro. Del ‘Hells Bells’ (el alarido final de Brian Johnson ya no es el mismo pero nos resarció con su afinación final al estilo blues en ¿la mejor canción de rock de siempre?, ‘Highway To Hell’) al ‘Dirty Deeds Done Dirt Cheap’ (de su malogrado y adorado segundo cantante, Bon Scott) pasando por ‘Shot Down In Flames’ (como antaño el público botando), ‘The Jack’ (con striptease incluído acompañado del coreo de los parroquianos), ‘T.N.T’ (¡esas llamas a toda pantalla bajo su logo!), ‘Thunderstruck’ (un clásico de los 90, su década menos prolífica, pero indispensable ya en directo), ‘You Shook Me All Night Long’ (la mejor canción comercial de la banda), ‘Back In Black’ (del disco más vendido), ‘Whole Lotta Rosie’ (fantástico punteo con un final alargado como nunca)… hasta el delirio del estadio bombardeado con ‘For Those About To Rock (We Salute You)’. Fue el colo(c)fón de un recital grandioso, ensordecedor, brutal, potente, directo y rockero. Como son ellos. Sin aditivos. Una banda que alterna (AC) y continua (DC) majestuosos temas con lecciones del rock. 72 CHON


El público, además, es partícipe. Jóvenes entusiasmados, abuelos fanáticos, madres rockeras y chavalería de toda edad. Decenas y decenas de ‘cuernos rojos’ iluminaban el recinto. Su merchandise es más que puro marketing. Un rayo de logo, un rayo de luz, es una religión; como su música. Los cañones y los fuegos de artificio, al final, dieron paso al silencio de una noche semi-lluviosa. Las campanas que doblaban por Bon Scott sonaron una vez más. Pero esta vez fue especial. Scott lloraba en la noche madrileña. A pesar de las adversidades, regó con rock de alta corriente/voltaje una inolvidable velada. Lucharon contra todos los elementos. Rayos, trenes, campanas, cañones, llamaradas… nada se interpone ante ellos. Ofrecen un gran espectáculo; único. Así que, no dejes pasar el último tren de tu vida. La locomotora ya está en marcha. No pierdas la oportunidad de presenciar su grandioso show. Asistir a un concierto de la banda de los hermanos Young es una experiencia más que religiosa. Es una experiencia musical y visceral. Su fórmula es fácil. Esto es así y así funciona. Dios hizo la luz y el sonido. AC/DC hizo el rock. 73 CHON


#13 Julio/Agosto09

“The Stooges. Combustión espontánea. Un instante de eternidad y poder”

Sangre de iguana, historias del punk La primera biografía en castellano de los Stooges se acaba de editar en nuestro país. Un pormenorizado relato bañado en sobredosis y rock narrado por el periodista musical Jaime Gonzalo.

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he Stooges. Combustión espontánea.Un instante de eternidad y poder (1965-2007)’ lanzado por la Editorial Discos Crudos contiene un gran valor documental gracias al trabajo de su autor incluyendo entrevistas, anécdotas, listado de sus grabaciones, material gráfico y todas las letras de la banda de ‘la Iguana’ en inglés y español. Los Stooges se formaron en USA en el año 1967. Con una línea musical parecida a sus coetáneos Velvet Underground de Lou Reed y bajo la influencia de The Doors editaron su primer disco en 1969. Fueron anticipadores del punk rock por aquella época, acuñado como proto punk, del que emergieron de la escena de Detroit como también los MC5. Llamaron la atención con su potente directo y

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sonido crudo. Pronto se fijaron en la banda otras como Sex Pistols o los Ramones, claramente punkarras, o la formación de Roy Loney -quien está en la actualidad girando por España para presentar su último trabajo, ‘Got Me A Hot One’- los californianos Flamin’ Groovies. David Bowie los contrató y saltaron a la fama, precisamente, por el garage rock y el punk que estilaban. Las desavenencias entre sus compañeros y la adicción a las drogas fueron la causa de la disolución del grupo en 1974 -aunque se reunieron en el 2003- y de la carrera en solitario de su líder, Iggy Pop. Los ‘padrinos del punk’ editaron únicamente cuatro álbumes en estudio, uno en directo y años después un DVD. A partir de ahí, y durante 300 páginas, Jaime Gonzalo nos empapa por completo en la historia de esta polémica agrupación que pasó por mil y una vicisitudes. Durante todo el relato afloran los sentimientos de grandeza, la sed de poder, el juego de la manipulación, la exageración estilística y la personalidad de una

figura peculiar en la historia del punk rock. James Osterberg, a la sazón Iggy Pop, está presente aún cuando no lo está. Su personalidad, tan atrayente como repudiable en alguna de sus manifestaciones, recoge multitud de anécdotas y más fotografías. Sus compañeros de batallas sufrieron sus excentricidades y le acompañaron durante el periodo que se narra en el libro, que va desde su creación hasta su disolución y, después, hasta el año 2007. Suficiente tiempo como para cultivar una trayectoria especial, de la que podremos disfrutar con su lectura precisamente ahora, que se publica el último trabajo discográfico del cantante: ‘Preliminaires’, una oda a la chanson francesa grabada con temas jazzísticos, referencias vocales a Tom Waits y Leonard Cohen y un puñado de buenas canciones que se apartan de la línea de los Stooges, pero de fácil escucha. Además, el libro de Gonzalo sale a la luz con la reciente actualidad del fallecimiento de Ron Asheton, guitarrista de la banda, hace escasas semanas.


#14 Septiembre09

Them Crooked Vultures

s e r t i u b s Lo leva

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espués de la moda de las reuniones (véase Heaven & Hell) ahora toca la formación de supergrupos (léase Chickenfoot). Pues bien... llega el turno para Them Crooked Vultures, que integra al venerado John Paul Jones al bajo y teclados junto a Dave Grohl (Nirvana y Foo Fighters) a la batería y Josh Homme (Queen Of The Stone Agey, Eagles Of DeathMetal y Kyuss) a la voz y guitarra. El mítico bajista/teclista quiso reflotar su banda de siempre, pero Robert Plant, tras su reciente éxito en los pasados Grammys con Alison Krauss, no estuvo por la labor. El último trabajo discográfico de John Paul data del 2001 (‘The Thunderthief ’). Ya en 2007, con la reunión en el O2 londinense de Led Zeppelin, Grohl intentó tomar posesión de las baquetas que finalmen-

o l e u v l e n nt a te ocupó Bonham Jr. Desde entonces el contacto con el bajista de una de las mejores formaciones de la historia ha sido continuo. Finalmente, se les ha unido al proyecto el cantante y guitarrista Josh Homme y han grabado en Los Ángeles los tapes y masters finales. ‘Nobody Loves Me And Neither Do I’ es el single que presentarán como cabecera del que será su álbum debut, ‘Never Deserved the Future’, que saldrá antes de finales de año. Them Crooked Vultures tienen influencias de alt-rock, stoner, blues, progrock y hard rock y semejanzas a bandas como Kyuss, Tool, Yes, Foo Fighters y, por supuesto, Led Zep o Queen Of The Stone Age. Poseen una apabullante y poderosa base rítmica. No es de extrañar si en la batería se encuentra Grohl y a las cuatro -seis, ocho y hasta diez- cuerdas está

Jones. Sin contar su aportación al piano y teclados. El power-trio ya está actuando por diversos países como USA, Holanda y Bélgica. En estas presentaciones les acompaña a la guitarra y coros Alain Johannes (ex Eleven, Spinerette y Queens Of The Stone Age). Según Jim DeRogatis del Chicago Sun Times, respecto a su primer directo del pasado 9 de agosto en Chicago, “el hecho de que el cuarteto nunca perdiera ese impulso directo o el rugido arenoso del blues hizo de la música una experiencia mucho más hard rock que un cerebral estudio de virtuosismo musical. Dejaron probado una de las cosas más raras del rock: un supergrupo que no sólo merece ese apelativo sino que incluso es más grande que la suma de las partes individuales”. Lo visto por su MySpace no deja indolente a nadie. La química entre ellos hace

saltar chispas. Mero ejemplo de ello es ‘Scumbag Blues’, una composición al estilo Cream, con sabor a los 60, en la que prevalece la línea de bajo de Jones. Parece mentira, por contra, que un sexagenario componga piezas como ‘Caligulove’ y suenen tan frescas y actuales. O como la excitantemente moderna ‘New Fang’ o como... bueno, esta vez no haremos una crítica musical del disco, eso lo dejamos a los ávidos oídos de los seguidores y melómanos en general. Entre los que incluimos maliciosamente a sus ex compañeros Jimmy Page y Robert Plant (¿se estarán tirando de los pelos contemplando cómo el que repudiaron en su día sigue haciendo hard rock de gran altura?). Si es que hay que darle la razón a David Coverdale (Whitesnake) para entender que la sabia nueva a veces viene bien. Sólo a veces, porque ejemplos de dino-

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saurios rockeros en plenas facultades haberlos haylos. Lo que está claro es que hay una gran expectación mundial por conocer más sobre el nuevo supergrupo. Tanto en fechas de un posible tour mundial como del futuro de la banda, teniendo en cuenta los proyectos paralelos de sus integrantes.

John Paul Jones sale de la inactividad. Se une a Dave Grohl y Josh Homme para volver a pisar los escenarios como miembro de una banda desde 1980, año de la disolución de Led Zeppelin. Them Crooked Vultures es su próxima aventura, el presente de una leyenda viva.

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En cualquier caso, estaremos atentos y ansiosos ante su primer lanzamiento; el del regreso de un mito del rock. Los buitres, pues, sobrevuelan el globo dirigible y la carroña musical lo observa con pavor. ¡Morralla temblar, aves rapaces vienen a atacar!


#14 Septiembre09

Les Paul

Leo vs. Les A

gosto del 2009 quedará en la memoria colectiva de los muchos aficionados y profesionales de la música como el mes que pasará a la historia por ver morir a Lester William Polsfuss (Les Paul) y celebrar los 100 años del nacimiento de Clarence

Leonidas Fender (Leo Fender). Los dos inventaron las dos guitarras eléctricas más emblemáticas de todos los tiempos. Les Paul se asoció al fabricante Gibson para crear el instrumento que lleva su nombre y Leo Fender fundó su propio imperio para inventar

Coincidencias -Los dos nacieron y murieron en USA. -En agosto nace Leo Fender. El mismo mes muere Les Paul. Fallecieron de ancianos (superaron los 80 años de vida) y vieron, gracias a la versatilidad de sus instrumentos, infinitos géneros musicales que van

el modelo Stratocaster, quizás la guitarra eléctrica por antonomasia. El dúo de luthiers formó la terna de ilustres creadores que incluye Adolph Rickenbacker, inventor de la guitarra eléctrica moderna junto con George Beauchamp.

desde el jazz hasta el blues, rock, pop, reggae, heavy metal, punk, southern... y un sinfín de estilos. -En los años 50 crean sus míticas guitarras. Fueron de las primeras de cuerpo sólido, lo que les convirtió en pioneros en la materia. -Ambos han pasado a la posteridad como ilustres

Diferencias -Les ganó 3 Grammys por su música. Fue precursor en técnicas guitarrísticas y efectos sonoros como el Tape Delay y Phasing. Pertenece al Salón de la Fama del R’n’R. Leo, que no era músico profesional, no sabía tocar ningún instrumento. -Crearon un diseño de guitarra totalmente diferente entre sí. Uno, la Gibson Les Paul, estaba inspirado en el cuerpo de la guitarra española; el otro, la Stratocaster, era una derivación de modelos anteriores como la Telecaster. -Uno trabajó para la casa Gibson (y anteriormente en Epiphone) y el otro creó su propia compañía aunque después la puso en venta. -Les Paul puso nombre a varios modelos de

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Muere Les Paul, prestigioso luthier de Gibson, en el mismo mes del centenario de Fender, creador de la mítica Stratocaster. Dos figuras esenciales en la trayectoria de la música.

inventores. -Los modelos más apreciados de ambas marcas son los fabricados durante la década de los 50. Hoy en día la tecnología no ha podido desbancarlos. -Los modelos Les Paul y los de Fender de alta gama generan un elevado coste en el mercado.

Gibson. En el caso contrario, Fender Co. customiza sus instrumentos a músicos. -Fender inventó el primer bajo eléctrico producido en masa, el Precision Bass. Fue el precursor del Jazz Bass (o J-Bass) copiado hasta la saciedad. Los bajos de esta patente son reconocidos mundialmente mientras que la elaboración de instrumentos con sello Les Paul se centra únicamente en guitarras. -Leo se volcó en la investigación de instrumentos (además de guitarras y bajos diseñó pianos eléctricos como el Fender Rhodes), amplificadores y pedales de efectos. Les desarrolló uno de los primeros sintetizadores y la grabación multi-track, el famoso multipistas, siendo un gran avance para la industria musical.

+info www.lespaulonline.com


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#15 Octubre09

Fernando Pardo, guitarrista de LOS CORONAS

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ernando Pardo es un guitarrista singular. No toca para el lucimiento de una banda. Él es una banda. Tampoco se luce para un vocalista, él toca como un vocalista. Su cercanía nos llamó la atención y nos pusimos en contacto. Es uno de los pocos músicos españoles accesibles, perfeccionista y humilde, pero lleno de ambición. Los Coronas crecen cada día, como Fernando. No tienen metas ni se las proponen. Llevan así dos décadas, haciendo surf sobre los escenarios, currándoselo a diario para sobrevivir. “Queremos ser como los viejos bluseros: vivir para tocar y tocar para vivir”, de este modo es como les gustarían que les recordasen, como un grupo en que cada uno de sus

“Vamos al grano, quien no se lo curra se queda fuera del grupo” © Los Coronas

Exigentes, canallas y rockeros. Además, hacen música surf cañí. Así son Los Coronas, que estrenan disco y gira por todo lo grande, como son ellos. La caña de España. 80 CHON


miembros tocó hasta el día antes de morir. No se andan con rodeos: aseguran que el peor músico suele ser el que marca el progreso de la banda. ¡Pero es que ninguno de ellos es manco y todos se superan a diario! Los Coronas no son una banda de versiones propiamente dicha porque poseen oficio y estilo propio, pero interpretan como nadie los clásicos instrumentales del R’n’R. Incluso reivindican el ritmo como leif motiv, su excusa para ligar. Escuchar su música es como vivir en una banda sonora de Morricone punkrockeado o Tarantino, pero con acento hispano. Tienen aroma castizo a cabra caló, sabor a salitre californiano y gusto a Spaghetti-Western. Ellos se venden como una mezcla bizarra entre los Dead Kennedys y una corrida de toros. Pues eso. Para colmo, los va promocionando Steve Van Zandt (de la E-Street Band, la banda de Springsteen) por la tierra de Clint Eastwood, uno de sus ídolos. Sí, este es su año. Han tocado en el FIB con gran acogida. Ahora están presentando su último disco, el séptimo, ‘El baile final de los locos y los cuerdos’, un compendio de canciones 81 CHON


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surferas en clave cañí que ha supuesto un cambio en su trayectoria. Es la excusa perfecta para ir a México con su trompeta. Y, entretanto, bailan la ola española. Con todo el lío van y nos atienden, encima de buen rollo. -Antes de nada, felicidades por vuestra inclusión en un proyecto en el que aparecen bandas como Motörhead, Iggy Pop, Offspring, Red Hot Chili Peppers y los Ramones, entre otros. Dinos, Fernando, ¿cómo surgió la idea de colaborar en este disco? (NdR: ‘Vans Off The Wall-The Album’ es el CD/DVD publicado por Emi y la marca de zapatillas Vans con la música de los mejores grupos de punk, surf y metal, que incluye, además, exhibiciones de 16 de los mejores skaters españoles). “Muchas gracias, la idea surgió por su parte y

Fernando Pardo, guitarrista de LOS CORONAS

¡¡para nosotros ha sido un auténtico honor!!” -¿Qué tal está yendo la gira actual?, ¿qué respuesta tenéis de público y crítica de ‘El Baile Final’? “Muy bien, la gira va a ser larga y aún está creciendo, es probable que dure hasta el verano que viene. La respuesta del público lleva siendo muy buena desde hace tres o cuatro años, gracias a ella hemos podido crecer en popularidad y aspiraciones. La respuesta de la crítica musical es la que ha cambiado con este último disco. Hasta que no hubo interés por el grupo por parte de Steve Van Zandt para su sello no se nos tomó demasiado en serio, imagino que era sobre todo por ser un grupo instrumental”. -Hacéis dos fantásticos covers como ‘Libertwango’ de Piazzola y el medley ‘Jinetes radioactivos’ de Stan Jones y de Kraftwerk.

También nos ha gustado el tema ‘Big Wave Riders’, suena fresco, potente y divertido. ¿Son de las canciones indispensables en estos directos? ¿Cúal es vuestro set-list habitual en la gira? “Por supuesto que tocamos estas canciones en los conciertos, son parte fundamental. Solemos tocar entre 15 y 25 canciones, dependiendo del tiempo que tengamos. Un 60% son temas propios y el otro 40% son versiones de clásicos del R’n’R instrumental o adaptaciones de canciones de cualquier tipo al rollo instrumental surfero”. -Vuestras influencias son diversas. Van desde B-52, Ventures, Chet Atkins, Elvis Costello, Booker T & MGs... pasando por Morricone, Stray Cats, Dead Kennedys... hasta Paco de Lucía, Peret, Los Chichos y Faemino & Cansado. ¿En cúal

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de todos los estilos os sentís más cómodos? “Con un poco de cada uno. Llevamos tanto tiempo oyendo música de todo tipo que hemos acabado siendo una extraña mezcla en la que entra casi de todo y aún así sonamos de forma personal y reconocible. Hemos sido capaces de rocanrolear un pasodoble, después de eso todo es posible”. -No te falta razón y ante eso de ser una banda meramente instrumental, ¿cómo reacciona la gente ante un grupo sin vocalista, acaban tarareando las canciones como el Himno de España? “Jugamos con el ritmo, ponemos la batería en el centro y todo gira alrededor suyo. A las chicas les gusta el ritmo,


los baterías buenos y bailar, y nosotros vamos a por eso a por las chicas, a hacerlas moverse y que lleguen hasta la primera fila. Si las chicas se mueven, el mundo sigue vibrando con su latido más simple y nuestra música funciona, así de sencillo. ¡¡La tías molan!!”. -Ya te digo. Cambiando de tema y país, el público mexicano al tener la música fronteriza más cercana y familiarizada que el español, además de ese toque texmex surfeado, ¿responde mejor? “Mucho mejor. En España el R’n’R ha sido durante años algo de adolescentes, en México es algo mucho más general y amplio. Aquí, por lo general, todo tira al pop. El R’n’R ha sido bas-

tante minoritario, casi marginal, aunque creo que está cambiando. Los residuos del franquismo ya prácticamente han desaparecido”. -Con la poca tendencia a la música surf que hay en España, pocos grupos y menos discográficas... ¿sois valientes, ricos o suicidas? “Lo hacemos todo a nuestra bola, somos como un negocio familiar que ‘trabaja el rock’ porque le gusta, porque es suficientemente rentable y porque es un modo de vida que te tiene en constante movimiento. Una buena manera para sentirte vivo y buscar continuamente superarte, aunque de vez en cuando las pasemos putas con la pasta”. -Señala lo más positivo y gratificante de hacer música surf en este país después de tantos años. “Hacer música es lo fundamental, el estilo es casi lo de menos. Aunque llevamos un montón de años

aún no tenemos una visión muy clara de lo que hemos hecho, necesitamos otros cuantos más para lograr una buena perspectiva. En un par de discos te diremos qué ha sido lo más positivo y gratificante. Por ahora todo va bien, no hay queja”. -Hasta la entrada de un trompetista teníais claro que vuestro estilo eran las bandas de los 60 americanas, con la incorporación de Evgeni Riechkalov el combo suena a surf cañí... ¿habéis encontrado vuestro estilo definitivo? “No sé si definitivo, pero este es personal y nos gusta. Nos hemos alejado un poco de la ortodoxia surfera para empezar a ser una banda con estilo propio, a ver adónde nos lleva”. -En alguna ocasión habéis anhelado otra sección de viento como un saxofón. Empezásteis de cuarteto,

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ahora sois quinteto, ¿vendrá un sexteto con saxo? “No creo, demasiados vientos, antes meteríamos unos palmeros o unos congueros. Ritmo, ante todo ritmo, ¡¡como la Fania de Johnny Pacheco pero en surfero!!”. -¿Qué tal fue la experiencia de tocar por primera vez en un festival tan diferente a Los Coronas como es el FIB?, ¿entendió el público guiri vuestra apuesta? “Sí, lo pillaron de puta madre. Para ellos fue como echar un polvo rápido con un desconocido al que no volverían a ver, divertido y con la máxima entrega. En nuestro MySpace hay fotos y se ve que la entrega del público fue mayor a otros conciertos que solemos dar en España”. -¿Qué hace un ucraniano tocando acordes que valdrían como B.S.O. de ‘Curro Jiménez’? ¿Cómo fue eso de incorporarlo al


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Fernando Pardo, guitarrista de LOS CORONAS

n iente s s e r na i se io n os Coro oc i u j er ¿L et en p u otras? safío d izae n d s una mayor orga cas o l , a l es e Va bien Javi V nte “ ie re el das? odo ent os sufic traarca e t m e e m s d n o e m est qu nas do a te r el nda. A y e cil- y yo. Y cia y ga a que to s s á f e ba cia o r n uel ó copl espués experie recer pa ección. L e po s eso de la a exigen sas”. a c r d u ch rf ¿Se tros d ada jar y a la pe yor reto n prog hay mu las exc con o? c a o p é b s u d a o e r l r a v a is g oe on a nive gar pa e un tocá te a ás se h s el m unci , per men ar más d ? “Sííí, y le f ronas e tiempos upo ha poco lu erto que nido m e o i o r e st s Es c o de so fuera d de e cuartet ctament ha- C último o cada g os de¿ p ) t N ii o s fe os com ado per que no uy l momen igual. alma a un equ (Peavey el mot y s r m to lo u integ to el rol venido luso s o un re cuerpo y er, via- potente , ¿cúal e bía otro a s o a ? c c id da ju ta. Nos h dado in úsi- s amos en para cre onocer España que no h ra much c l c u e i r e, a cía f os ha ay l como m de d grupos llarnos, garnos vo? “Po es que que sol e o le ,n co el os ad bien ir de niv n músi ela l , desarr e paso, p verd otente d . De cua a l r u u í c d b a u ña sp a su ocar con e la es erte j nte... y, ”. co lo meno ilizar aq nos apa a”. s i d a d e n T d g t o cos. vatorio iga a p n vi último lo cua- mos u nera ya uier cos a r g r l e la stro n só tra la quier ma on cualq ierta po cons ica te ob e a s t u a l V s n . c t náis os casi ya de c restigio eis e demue r las i t s sovié as”. s g o a a l m so rab la il yp mp ene áis las p ómo co iones y cos g días, e ación, t res heGoz d, fama salís en s a s, o -¿C romoc scográfi a- tro penetr os debe itual larid ras cosa onciert u l p b i r p m y a d a , t s c o h s ca gira mientos andas p o c eas clara tónica gía de Entre o (Los abéis to ig n o m b a l a d ó l u i os yh visi odo nB lanz uestras ¿Es use x M ¿No va chos. tra met preferim y tele adio3) ente co kets, v e S n o o .? c R co vues n? “Sí, com del K. O iemp ás de ecientem Straitja taría, n t s e o a l ó c i le s m po us os ac or Reye grab lo así, en necesita ue- d ndy & L tista os g Glenn Los e q “ r r a , hace no. El qu rra o se ro a S on qué a aborar? hite u W l c a u C o e r d ¿ o c g o l s al ás, Tony J Young, o se rupo. E on la m o e p d , l c tiem ra del g gente s a mpbell cía, Nei n Cale, a g e e l a a l da fu porque n ser co ero C co de Lu ing, Joh Cale... p d a le s vece cas sue ercana, ru- P ris Sppe llo, JJ o e c g h t C un Cost que te muy e d s i o n Elv o ge r músic o e el p 84 CHON


a Los Coronas a Fernando Pardo: Guitarra David Krahe: Guitarra Roberto “Loza” Lozano: Batería Javier Vacas: Bajo Evgeni Riechkalov: Trompeta Discografía a’El baile final’ (2009) a’Surfin’ Tenochtitlan’ (2006) a’Caliente Caliente’ (2004) a’The Vivid Sounds Of...’ (2003) a’Gen-U-Ine Sounds’ (1996) a’Los Coronas’ (1995) a’Tormenta’ (1992)

Eastw o acritu od? “Los dos y d”. sin -Cho pperO blicac ión o N es una mont n-line pu- cribe las a demá ones d letras d Rusty s e e dicad de la mayo ? “Se ca, a a C res qu ellos, que b , o u llama n e l n w a v s a a a c e e que r u a mos y espete nosotros y n néis m ltura cust músi- l espera , pero ll om as e mo ndo ot de tod lo que n o. Así s por enc s “Ahora ocicleta a , ¿te- M dé desde o im ha ,d lg s n la vez ie apren isfrutamos a dos guit o, pero en uno? in ntras tan ce 15 año s a d y t s t . rr emos” re los o se trume a do -A v guimo . ntales un m istas hemo s ” ¿Los er, una e s . P o t n a e r t n B ó a in. Fe Shad SA T finali lecció c r o z h e n ws o ar n u mos q Boys? los B ... 72, un nderbolt ando: , ue no , os agrade p each a Du 6 l s e 5 Fictio ¿’Airbag’ na gir 0 del atend media cati n’? “ o a á . i s M ‘ R d P o e os de Lo o u n s ul ‘Pulp los 70 ad de e deseamos chas graci Fictio s Shadow p Vespas a , n d m s s n , el va ’ “. u e y her -¿Los mano os 60 y ent rias de l tour y m cha suerte ca y la Coronas s s r é uch e mi xito Ha Le Ma on m ns 85 rleys, Gu s nacio s español os años cañí d ejor band la úni- R 0 MK es e i nale zzi a e 1 “Eso s todos los de surf Ta 00 RS, L III, BMW bras par s. ¿Alguna nters pa uen a nu tiem mb am -Si tu a bien, la v pos? lksw ién furgo brettas... “Gracias a estros lec latores? netas agen, vosotr nos ve filma vieráis que erdad”. y o V M s m o , i ción a o o n s por a tro bu elegir is an v lo bie de entre t e hí y a er si l n”. el des un vídeo- a charros. n montón iguos p asarcli ie D ría o d Tarifa rto de Alm p de Albe avid es el e cahi r , ción escog ¿qué loca e- siempre to García jastro lizaería de Alm tos cu ha estado -Alix y ería”. is? “Desier to res stomizada entre mo-¿Qué taura s, ah más S director no de ndo un F ora está os gu ergio ord T l 70 s Leon orie o C ta -Por ó 71”. lint ( cierto una mald , Fernand ad), ¿quié o... n es-

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Jake Brockman, miembro de Echo & The Bunnymen

El motorista teclista que cayó en la Isla de Man J

ake Brockman teclista de la legendaria banda de post-punk Echo & The Bunnymen, falleció el pasado 1 de septiembre como consecuencia de un accidente de tráfico. Brockman, de 53 años, rodaba en su motocicleta cuando chocó contra una ambulancia en la Isla de Man, lugar mítico entre los seguidores al motor de las dos ruedas circunscrito a la Corona Británica. El músico inglés, que además era técnico de sonido de la cadena pública inglesa BBC, tenía pasión

Echo & The Bunnymen, una de las legendarias formaciones del Liverpool de los 70 pierde a su teclista, Jake Brockman. Era aficionado a las motos y a la carretera, donde lamentablemente perdió la vida. por las motos clásicas y de estilo vintage. En el momento del accidente, que tuvo lugar en la carretera de Ballaugh que va a la villa Kirk Michael, en la unión con Orrisdale, pilotaba su BSA M23 negra del año 39. El que fuera conocido como el ‘quinto Bunnymen’ asistía al Manx

Grand Prix 2009, que se celebra en la isla del 21 de agosto al 3 de septiembre. La mala suerte o un mal de ojo parece aliarse a este grupo musical después de la muerte, también por accidente de moto, del baterista Pete De Freitas exactamente hace veinte años. De Freitas sólo contaba

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con 27 años de edad. Aunque no fuera miembro originario del combo, creado en 1978, Brockman caló hondo entre sus compañeros. Comenzó como músico de sesión y acompañamiento en conciertos para, definitivamente, hacerse miembro de pleno derecho en 1989, con el lanzamiento de ‘Reverberation’ al año siguiente. Un trienio después cambiaron el line-up debido los resultados negativos y a la mala crítica recibida. Ian McCulloch, el lí-

+info www.bunnymen.com


der fundacional, se unió a Will Sergeant en 1978 para dar rienda suelta a sus aficiones musicales y universalizar la ciudad de Liverpool sin que se relacionara con The Beatles. Era la época dorada del postpunk británico. Bandas como Simple Minds, The Cure, Joy Division y, los también de Liverpool, OMD… nacidos de los estertores de un género anti-sistema (término tan en boga hoy en día) brotaban de los pubs ingleses por doquier. Una de estas bandas era Echo & The Bunnymen. Su sonido, influenciado por la americana Velvet Underground, era oscuro, típico de la época. Muy inglés. Un estilo pop rock enclavado dentro de la New Wave. Luego evolucionaron y se hicieron fuertes en el terreno bala-

dístico. McCulloch, llevaba la voz cantante -nunca mejor dicho-, Sergeant se hizo con las seis cuerdas y el resto… a tocar. Aunque fue-

presentativas. Todas pertenecientes a sus mejores años: los 80. La década de ‘Lips Like Sugar’, la canción más tarareada de ellos, su

ra con una caja de ritmos, luego sustituída por las baquetas de De Freitas. Así, más de treinta años, llenos de cambios de integrantes, discos y giras. ‘Cocodriles’, ‘Heaven Up here’, ‘Porcupine’ y, especialmente, ‘Ocean Rain’ (con grandes temas como ‘The Killing Moon’ o ‘Thorn Of Crowns’) son, quizás, sus obras más re-

icono y testamento musical. Versionada por Smashing Pumpkins, entre otros. La participación de Brockman en el tema fue crucial debido a ese toque suyo de piano que aportó consistencia a la grabación. El influjo de los músicos presentes en el pasado Festival BBK de Bilbao llenó y llegó a bandas como U2 y Coldplay, que los citan

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entre sus notables influencias. Pese a los continuos cambios de formación la banda de Ian McCulloch sigue en activo, problemas y vicisitudes a parte. En la actualidad tienen previsto editar un nuevo disco, ‘The Fountain’ para el 12 de este mes, y tocar como cabeza de cartel en el 29 Festival Zaidín Rock de Granada. Su último lanzamiento discográfico, ‘Siberia’, data del 2005. Una grabación con muy buena crítica entre sus seguidores. Fue la obra postrera en los teclados de Jake, el motorista. ‘Los hombres conejo’ pierden teclas para su futuro, aunque siempre supieron sobreponerse con oficio y valentía. Por eso la magia de la banda sacará inexorablemente algún conejo de la chistera, seguro. Con repercusión y, sobre todo, eco.


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Nuevo disco de la Jeff Scheetz Band

L a úl t im a e Jef f d n ió c a c li b pu a n d s a le B z t e e h c S b añad a a l me rc ado o más s ic de l ro c k c lá g a n te . ro f re s c o y a r n t o de Un c o n ju ue c a n c io ne s q l ne re ju ve ne c e o. géne r

Desenmascarado D

e entre los más de 42.000 discos presentados a la ronda final del JPF Music Awards ‘Behind The Mask’ ha sido nominado entre los primeros diez candidatos al premio de mejor álbum de rock 2009. Casi nada. Nosotros corroboramos el hecho. Nos parece un grandísimo disco, de en-

tre lo mejor del año. Y es que el noveno álbum del norteamericano Jeff Scheetz no va a dejar indiferente a nadie. Detrás de la máscara que esconden las etiquetas hay una bestia parda de la guitarra. El CD ha logrado captar la esencia cruda del rock clásico y en la grabación flota esa vibración inerte

de los grandes álbumes de los 70. Aquella que intuyeron artistas como Hendrix, Led Zeppelin y tantos grandes de antaño. Todas esas influencias las notamos en ‘Behind The Mask’. Pero Scheetz, el hombre sin máscara, va más allá de la pura reivindicación musical. Ataca varios estilos sin perder

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elegancia y atrevimiento. Hará las delicias tanto a los aficionados ‘hardrockeros’ al blues poderoso como a las jam bands. Todo ello con sabor contemporáneo. Al contrario que muchas grabaciones del género ésta, con diferencia, no suena añeja. Quizás el enfoque que le da a su guitarra determi-

+info www.jeffscheetzband.com


na el sonido final que le hace diferente. Ahí radica su éxito. Con el tema de apertura, ‘Wellcome Home’, nos lo deja claro. Bienvenidos a casa... el hogar del blues. Aquel en el que conviven emergentes guitarristas como el imberbe Scott McKeon. El tema que da título a la publicación rejuvenece las mejores jams de Ten Years After. La intro de ‘Spinny Norman’ recuerda a Stevie Ray Vaughan y a su hermano Jimmie, el ex líder de los Fabulous Thunderbirds, pero luego se adentra en una especie de sutil prog-rock. Y eso merece un reconocimien-

to. ‘Like You Are Alive’ no deja de ser una balada al uso donde la interpretación vocal es grandiosa, pero la guitarrística es superior. Esa manera de tocar bajo la influencia de Satriani con tanta personalidad sólo es alcanzable por muy pocos. ‘Killing Time’ es otra balada, pero con voces dobladas y fantásticos coros que embellecen el resultado final. En esa línea, ‘Hallelujah’ es un medio tiempo que se desembuelve entre Cinderella, Bon Jovi, Tom Petty o Jon Strong y que acaba con una acústica en clave marroquí. ‘Be My Friend’ sorprende con su

pegadizo funky rock. Tiene una banda que le cubre los espacios con eficacia pasmosa. Matt Waddill, el vocalista, está presente con su bajo durante todos los temas. Es de agradecer que se escuche este instrumento tan claro y nítido como debiera de ser... y lo es. Kent Burnham está soberbio con la percusión. Marca un ritmo que lleva a toda la banda tras él. Jim Riley, de los Rascal Flatts, hace una colaboración especial con su batería. Pero...¡basta ya de hablar del disco! Lo dicho, Jeff Scheetz ya está desenmascarado. Algunos dirán que simplemente es

un álbum de blues y rock sin más. Tras una segunda escucha no pensarán lo mismo. Los recordings, la base rítmica, los fraseos, la métrica musical... todo lo que aporta la Jeff Scheetz Band a las composiciones anula el hecho de convertirlo en un simple disco. Es más que eso. Un álbum elaborado, versátil, valiente y original, con visión al pasado más ilustre.”Una vuelta atrás, cuando la música era real y verdadera” reclaman. Nosotros lo constatamos. Lástima que figuras como Jeff Scheetz sean tan poco (re)conocidas en España.

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Bonneville General Álvarez de Castro, 23CHON [91] 594 44 10 bonneville@telefonica.net


ExtraEspecial

Led Zeppelin, 1969/2009

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Nadie en la historia de la música rock ha logrado condensar, fascinar, influir y transmitir lo que una joven banda formada a orillas del Támesis alcanzó desde su fundación en 1969. Nadie ha superado a Led Zeppelin, jamás. Ni siquiera 40 años después.

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ExtraEspecial

Led Zeppelin, 1969/2009

S

i en una enciclopedia musical hubiera que imprimir únicamente una letra del alfabeto escogeríamos de entre todas la ele, sin lugar a dudas. Si a ello habría que añadirle un nombre sería, irrefutablemente, el asociado a la banda de rock más grande jamás inventada: Led Zeppelin. No somos pretenciosos ni sectarios. Aunque suene dogmático es así. El legado de esta formación está ligado intrínsecamente a la propia universalidad de la banda. Gracias, entre otras cosas, a su amplío volumen de ventas (más de 300 millones de discos), su fama mundial (reconocidos en cada rincón del planeta), su calidad artística (sin comentarios) y su eterna leyenda (que sigue creciendo). Pioneros de un estilo y puntales de la escena rockera internacional, reinaron durante años la cima de un universo destinado a pocos los elegidos. Circunstancia por la que firmaron una de las páginas más grandes escritas nunca antes en la historia de la música del siglo XX. Remontémonos al 17 de enero de 1969. Led Zeppelin publica su primer disco sin ningún single promocional ni difusión radiofónica masiva. Paradójicamente, el álbum -sin nombre- logra vender con gran éxito sus primeras copias, manteniéndose en el Top 100 durante 73 semanas consecutivas. Los cronistas de la época festejaban fervorosamente el nacimiento de la nueva agrupación y el futuro prometedor que se les auguraba, pero aconsejaban un impulso diferente que les permitiera acaparar el mercado y la industria musical. De este modo, John Mendelsohn de la ‘Rolling Stone’ escribía: “Me parece que si van a llenar el vacío dejado por Cream, tendrán que encontrar un productor, una casa discográfica y un material digno de su talento colectivo”. Dicho y (no) hecho. Mantuvieron el mismo productor, puesto que disponían del mejor: Page, guitarrista, compositor y fundador de la escisión de Yardbirds, el 92 CHON


gérmen musical de Led Zeppelin. Conservaron, además, el mismo mánager puesto que, también, sacaron provecho del mejor, con permiso de Brian Epstein. Peter Grant, el ‘quinto miembro’, era quien les encumbró. Firmó con Atlantic Records un contrato de cinco años y un adelanto de 200.000 $, la mayor cantidad pagada a una formación novel. Consiguió que sus músicos cobrasen el 90% de la recaudación bruta de cada concierto además de su sueldo, algo inusual para la época. De igual manera, provocó años después que el gobierno inglés les considerara como producto mercantil de primer orden y parte sustancial de la mejora de la balanza de pagos británica, a pesar de “ser una imagen negativa para la juventud”. Cuatro décadas después, su frontman Robert Plant recibiría el título de Sir de manos de la misma Corona Británica que le repudió con anterioridad. Con la crítica musical norteamericana ‘amordazada’ por la vergüenza, Led Zeppelin empezaba a triunfar. Tres giras americanas en un mismo año. No cambiaron el nombre de la banda, ideado por Keith Moon (baterísta de The Who), en contra de las presiones de la familia Von Zeppelin (descendientes del inventor del dirigible) toda vez que la portada de su primer LP mostraba un zepelín en llamas. El Hindenburg, el mismo que ardió en la realidad. ‘Led Zeppelin I’, conocido así mundialmente, confirmó lo que en los Yardbirds se intuía: una capacidad infinita de superación, unas especiales dotes técnicas y una dilatada experiencia acumulada en una única persona, Jimmy Page. Ello contribuyó a que el nuevo experimento, elaborado en tan sólo 30 horas de estudio, triunfase. Se grabó sin grandes recursos, con una producción sencilla pero eficaz. Como técnica microfónica para la grabación, Page situó dos micros (uno delante del ‘ampli’ y otro de ambiente) para transmitir in situ la energía 93 CHON


ExtraEspecial

Led Zeppelin, 1969/2009

de la banda. Quedó así para la posteridad. A diferencia de lo que la gente piensa, el guitarrista utilizó una vieja Fender Stratocaster y no su mítica Gibson Les Paul’59 habitual. No hay que olvidar, sin embargo, el contenido del disco. Inmenso y soberbio para un debut. Fue el que estableció las bases y presentó la maquinaria musical para lo sucesivo. Mientras tanto, en su país de origen la respuesta a su estreno discográfico fue favorable con diferencia. Había material digno de su talento colectivo. En los dos continentes. Estando así las cosas, Plant cantando y Page tocando las seis cuerdas prosiguen la grabación de discos respaldados, con gran peso en la banda, por John Paul Jones (multiinstrumentista) y por el baterísta más influyente de su época, John Bonham, Bonzo. Los cuatro componían, arreglaban y escribían por completo. Son, todos ellos, los que fecundaron para el segundo plástico himnos como ‘Whole Lotta Love’ y ‘Heartbreaker’, entre otros. Siguieron la tendencia de su antecesor en grabar homenajes al blues tradicional endurenciéndolos a destajo y sin piedad. Su segunda aventura discográfica se selló también en 1969, año de muchas giras, lanzamientos, promociones y excesos. Aún así, no pararon. Publicaban disco por año hasta 1972, fecha clave para tomarse un respiro mientras editaban ‘Houses Of The Holy’ (1973). Y entre todo ese tiempo moldearon y esculpieron ‘Since I’ve Been Loving You’, ‘Inmigrant Song’, ‘Black Dog’, ‘Rock And Roll’, y la, posiblemente canción más bella del rock, ‘Stairway To Heaven’. La más conocida del grupo inglés, perteneciente al vinilo sin título y nombre de grupo. Sólo la imagen del Ermitaño del Tarot era su reclamo y referencia para la portada. Lo que, en principio, parecía un suicidio de ventas significó la mejor estrategia de márketing soñada: el cuarto disco más vendido de la historia de la humanidad. Más por contenido que por continente. Nos referimos al conocido como ‘Led Zeppelin VI’ 94 CHON


(1971). Aunque eran años de contrastes. Atravesaron del blues al hard rock más incipiente mientras flirteaban con el folk más innovador junto con temas de nuevo cuño mucho más artísticos. Senda que encaminaron con ‘Physical Graffiti’ (1974), una obra maestra de la composición, arreglos y creatividad. Más abundante que sus anteriores, el doble LP, concebía al grupo más orquestal que nunca. Simboliza el cambio y un giro de rumbo, ya atisbado en ‘Led Zeppelin III’ (1970). Eso era nexo diferenciador con la competencia. Una banda versátil, sorprendente, imprevisible... una banda genial. Única. En 1976 retomaron la idea de producir material en el mismo año para los lanzamientos de ‘Presence’ -patentado bajo mucha presión y con el vocalista enfermo- y ‘The Song Remains The Same’, este último es, en realidad, la filmación de la película registrada para la ocasión. Fue su primer directo, extraído de su larga gira americana de 1973 finalizada en el Madison Square Garden (NYC), de donde se grabó. Tras tres años de descanso y antes del póstumo ‘Coda’ (1982), ‘In Through The Out Door’ (1979) sale al mercado como último capítulo musical de una banda desintegrada, tristemente, en 1980. Año del fallecimiento de Bonzo, motivo de la disolución definitiva hasta la última reagrupación el 10 de diciembre del 2007. Fue en la misma ciudad donde se inició todo. Su propio hijo, Jason, se uniría al resto de los miembros para dedicar homenaje póstumo a Ahmet Etergün, cofundador de Atlantic, la discográfica que les presentó en sociedad hace cuarenta años. Los que hemos venido disfrutando con deleite canción a canción, letra a letra, paso a paso... de aquí a la eternidad. Izados, como no podía ser de otra manera, por la alargada e infinita escalera del rock en dirección directa al cielo. Donde tocados por una varita mágica se alzan entre las alturas, sobre el resto, con humilde magnificencia para siempre jamás. 95 CHON


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MusicON  

Suplemento especial fuera de serie. La música que nos gusta.

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