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N첫mero 3

Artistas hablando de

Artistas

Walter Crane - William Morris - Maxfiel Parrish - Futurismo - entre otros


LUCES, CÁMARA... ¡REACCIÓN!

A

l César lo que del César y a Daniel lo que es de Daniel. Por esos avatares y caprichos del destino y de las computadoras, el editorial que había sido escrito por Daniel Tassara y que iba a acompañar la presente edición desapareció como por arte de magia de la bandeja de correo electrónico y es irrecuperable hasta el momento. Las disculpas del caso y este intento desesperado de suplir un texto que, por primera vez, era escrito por un alumno.

pixélicos de April Greiman, pasando por el obsesivo orden de la escuela De Stijl, el juguetón encanto de Lester Beall, el vintage clave de Tom Purvis, la marca registrada de Milton Glaser y los arrebatos ornamentales de William Morris. Todo, como siempre, bajo la mirada atenta de un grupo de alumnos que empiezan a experimentar en el arte del diseño y que ponen todo de sí para lograr una edición atractiva tanto en lo visual como en lo narrativo.

¿Qué nos depara esta nueva edición de CREARTE, la revista de los alumnos del Taller de Diseño Gráfico 1 de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas? Pues un menú exquisito de tonalidades, cromatismos, combinaciones, ritmo y movimiento. Desde la religiosidad profana de Eric Gill hasta los devaneos

Lo que empezó como un experimento se ha convertido en una sana costumbre que, ciclo tras ciclo, empieza a consolidarse como parte de los objetivos académicos de un curso que ha sido diseñado para que los alumnos aprendan pero, sobre todo, para que tanto él como el profesor se diviertan. El profe

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Alarc贸n

Villanueva

Manuel Hugo


WALTER CRANE EL ARTE A TODO COLOR Por: Manuel Villananueva


“Walter Crane impuso una nueva moda en el arte grabado gracias a sus estudios en Japón”

F

ue un ilustrador victoriano, diseñador, poeta, maestro, socialista y pintor cuya defensa de libros de imágenes de color asequibles ayudó a influir en el aspecto de la literatura infantil británica del siglo XIX.

los libros para niños, y uno de los primeros exponentes del libro de imágenes a color.

Desde una temprana edad, mostró gran interés por el arte gracias a la influencia de su padre, Thomas Crane, quien fue un famoso pintor de retratos Reconocido y famoso artista y pinturas. Por otro lado, fue conocido como un reformador aprendiz del famoso diseñador de la sociedad, de nacionalidad y grabador William James Linton inglesa, nacido en Liverpool, por tres años (1859 – 1862). Crane fue uno de los ilustradores victorianos más populares de Durante su vida ilustró

innumerables obras con sus grabados inimitables en madera, pero su arte no se limitó tan solo a la ilustración gráfica, sino también incluye relieves en yeso, mosaicos, vitrales, alfarería, empapelados y diseños textiles. Un elemento fundamental en su carrera como artista consistió en el estudio de impresos coloreados de Japón, cuyos métodos fueron imitados y expuestos en una serie de libros infantiles con los que inició su carrera como artista y, de esta manera, implantó una nueva moda en el mundo del arte grabado. Jugó un papel pionero y fundamental en el desarrollo del modernismo (término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX) y fue uno de los máximos exponentes del Arts & Crafts (movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas, e incluso en el diseño de jardines), cuyo objetivo era reformar las artes decorativas.

La naturaleza era una de sus mayores inspiraciones y, en muchos de sus cuadros, ésta queda reflejada mediante colores claros, alegres y totalmente llamativos como el amarillo, el rojo, el naranja y el verde. Éste cuadro es uno de los más conocidos y coloridos que posee y es titulado como “La princesa”, realizado en el año de 1894.

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Objetivos

lograría con la educación y no con la revolución.

Deseaba elevar al diseñador al status de los pintores y arquitectos a la vez que producir objetos bien diseñados y asequibles a todos los niveles sociales. Utilizó su arte como estandarte de la causa socialista y dedicó muchas horas, trabajo y energía al Gremio de los trabajadores de Arte, y a la Sociedad de Exhibición de las Artes y de los Oficios.

En el año 1892, publicó el libro “Las demandas del arte decorativo”, donde sostiene que el arte no puede prosperar en un mundo en donde el poder y la riqueza están tan mal distribuidos. Luego de vivir por unos años en la India, en 1907, Crane publica “Impresiones de la India”, en donde critica severamente la forma en que dicho país estaba siendo gobernado por los ingleses.

Su Ideología En diciembre de 1884, Walter Crane se une a la Liga Socialista y, a pesar de tener una ideología marxista, estaba convencido de que el socialismo se

Marigold - Walter Crane (1897)

Fue nombrado a tiempo parcial Director de Diseño en la Escuela de Arte de Manchester de 1893 a 1896 y fue nombrado director de la Royal College of Art desde 1897 hasta 1898.

“Los artistas trabajan mejor y más libremente sin una referencia directa a la naturaleza, y deben haber aprendido las formas que usan con el corazón”

El movimiento artístico Arts & Crafts (Artes y oficios), se desarrolla en Ingalterra y Estados Unidos a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. Abogaba por la supremacía del ser humano sobre la máquina.

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Valdivia

Ricse

Rodrigo


William Morris “La verdadera base del arte reside en la Artesanía”

Por: Rodrigo Ricse


Artesano profesional

M orris nació el 24 de marzo de William Morriscerca Fue artesano, impresor, poeta, escritor, activista 1834 en Walthamsow, de un La ideología de Williams era Londres, Perteneciente a una británico, político,diseñador fundador del movimiento Arts and Crafts. totalmente socialista lo llevó a familia acomodada. buscar que el arte fuese parte de En 1848 inició su educación en el los objetos cotidianos, pero su Marlborough College la comorris ynació el 24 denegativa expresion humana de la lo alegria a la industrialización pletó en el Exetermarzo College de la a que sus diseños fuesen parte de 1834 enllevódel trabajo” y lo consideró Universidad de Oxford, donde es- extremadamente costosos, reduciWalthamsow, cerca esencial del bienestar humano. dad, en cantidades limitadas y tudió arquitectura, arte y religión. endo a sus clientes a únicamente ciertamente costosos, puesto que de Londres, dentrogente Laadinerada ideología de Williams era En esta época conoció a su futura trataba de revestir objetos de uso esposa, clase de Jane una Burden, familiade acomodada. lo llevó a Las totalmente creaciones desocialista: William Mordiario con estas cualidades. Con obrera, cuyo pelo cobrizo piel ris ybuscar de la Kelmscott Press eran En 1848 inició su yeducación que el arte fuese parte de el libro la Story of Glittering pálida eran considerados por Mor- objetos hermosos, de gran calien el Marlborough College los objetos cotidianos, pero su Plain, Morris establece el estilo ris y sus amigos como la máxima definitivo para todos sus libros, y la completó el Exeter negativa a la industrialización lo expresión de la bellezaen femenina. consistente en el diseño de los Morris repudiodeel concepto de College la Universidad llevó a que sus diseños fuesen bordes y las iniciales que lo car“Bellas y su compañia se de Artes” Oxford, donde estudió extremadamente costosos, acterizaron. basá en el ideal del gremio mearquitectura, arte y religión. reduciendo sus clientes a dieval, en el que los artesanos En 1890 Funda la Kelmscott En esta época conoció únicamente gente adinerada diseñaban y ejecutaban su obra. a su Press, una imprenta privada de Definio el esposa, arte comoJane “la expresion futura Burden, de Las creaciones de William altísima calidad, proyecto que humana la alegria delpelo trabajo” clase de obrera, cuyo cobrizo Morris y de la Kelmscott Press Morris guardaba desde temprana y lo considero parte esencial del y piel pálida eran considerados eran objetos hermosos, de gran edad haciendo libros totalmente bienestar humano. artesanales. Tomando como por Morris y sus amigos calidad, en cantidades limitadas asesor tipográfico a Emery Waltcomo la máxima expresión y ciertamente costosos, ker, quien había escuchado en una de la belleza femenina. puesto que trataba de revestir conferencia sobre tipografías y Morris repudió el concepto de objetos de uso diario con estas editorial. Entre 1890 y 1898 salieron de “Bellas Artes” y la compañia cualidades. Con el libro The esta imprenta 53 libros, el primer que fundó se basa en el Story of glittering plain, Morris libro editado fue The Store of ideal del gremio medieval, establece el estilo definitivo para the Glittering Plain en 1891, en en el que los artesanos todos sus libros, consistente en 1896 crea según muchos su pieza maestra The diseñaban y ejecutaban su el diseño de los bordes y las obra.Definio el arte como “la iniciales que lo caracterizaron.

M

Works of Geoffrey Chaucer este ilustrado por Sir Edgard Movimiento Arts and Crafts Burne-Jones, de una bella enMorris y sus seguidores Este movimiento surgió en el cuadernación de piel blanca, con atacaron la esterilidad y año 1861, cuando el diseñador tipografías y diseños decorativos fealdad de los productos inglés William Morris fundó la realizados por Morris hechos a máquina, dedicando Asimismo, Morris crea tres tipoempresa Morris, Marshall, & su actividad a la producción degrafías: Golden Type esta inspiraFaulkner. Argumentando que la tejidos, libros, papel pintado y das en las romanas venecianas de verdadera base del arte residía mobiliario hecho a mano. en la artesanía, Nicolás Jonson y dos góticas Troy Type y Chaucer Type o llamada 10


PRODUJO OBRAS DECORATIVAS TALES COMO ESCULTURAS, TRABAJOS EN METAL, VIDRIERAS Y ALFOMBRAS. ESTOS PRODUCTOS FUERON APRECIADOS POR SU BELLEZA NATURAL En 1890 Funda la Kelmscott Press, una imprenta privada de altísima calidad, proyecto que Morris guardaba desde temprana edad haciendo libros totalmente artesanales, tomando como asesor tipográfico a Emery Waltker, a quien había escuchado en una conferencia sobre tipografías y editorial. Entre 1890 y 1898 salieron de esta imprenta 53 libros, el primer libro editado fue The Store of the Glittering Plain en 1891, en 1896 crea según muchos su pieza maestra The

Works of Geoffrey Chaucer, ilustrado por Sir Edgard Burne-Jones y de una bella encuadernación de piel blanca, con tipografías y diseños decorativos realizados por Morris. Asimismo, Morris crea tres tipografías: Golden Type, inspirada en las romanas venecianas de Nicolás Jonson, y dos góticas: Troy Type y Chaucer Type, o llamada también Ornaments. William Morris falleció el 3 de octubre de 1896; Sin duda tuvo una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

En la imagen de la izquierda se puede ver el tapiz “El carpintero” (1888) uno de los tapices más famosos. Así como los diversos tapices que creó como la imagen del centro y de arriba, en donde en algunos casos transfiere las imagenes a muebles como la imagen de la pagina anterior.

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Canitrot

Salas

JoaquĂ­n Alonso

S


Maxfield Parrish

Por: JoaquĂ­n Salas


Nacido el 25 de julio de 1870 y fallecido a los 95 años de edad, Maxfield Parrish le dedicó más de medio siglo al arte, aportando mucho a la pintura y la ilustración . Lute Players

Maxfield Parrish fue un reconocido pintor e ilustrador norteamericano, encuadrado en la Edad Dorada de la Ilustración. Nació en Philadelphia, Pennsylvania, y desde niño comenzó a dibujar por su cuenta. Fue bautizado con el nombre de Frederick Parrish, pero luego adoptó el apellido de soltera de su abuela materna, Maxfield, como su nombre central, que se acabaría convirtiendo en su nombre profesional. Estudió en el Haverford College y en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Desarrolló una carrera artística que abarcó más de medio siglo, la cual ayudó a formar la Edad de Oro de la ilustración y las futuras artes visuales americanas. Recibiendo el encargo de ilustrar el Mother Goose in Prose de L. Frank Baum en 1897, su repertorio incluyó muchos proyectos prestigiososo como los Poems of Childhood de Eugene Field (1904), así como trabajos tradicionales como Arabian Nights (1909).

Los libros ilustrados por Parrish son objetos muy codiciados por los coleccionistas. Obtuvo también muchos encargos de populares revistas en las décadas de 1910 y 1920, incluyendo Hearst’s, Colliers, y Life. Fue también uno de los favoritos de los anunciantes, incluyendo Wanamaker’s, Edison-Mazda Lamps, Fisk Tires, Colgate y Oneida Cutlery. En la década de 1920, Parrish abandonó las ilustraciones y se concentró en pintar. Los desnudos andróginos en entornos fantásticos eran un tema recurrente. Continuó en esta línea muchos años, viviendo confortablemente de los beneficios obtenidos en la producción de láminas y calendarios. Una de sus primeras modelos fue Kitty Owen, en los años 20. Lurgo, otra de sus favoritas, Susan Lewin, posó en multitud de

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Cinderella

trabajos y fue empleada en el hogar de Parrish muchos años. Parrish posó para un gran número de figuras masculinas – y ocasionalmente femeninas - (ver Potpourri, 1905). In 1931 declaró a la Associated Press: “He acabado con las mujeres sobre rocas”, y en su lugar optó por focos sobre paisajes. Aunque no fueron tan populares como sus primeros trabajos, sacó provecho de ellos. Usaría a menudo modelos de los paisajes que deseaba pintar, usando varias iluminaciones antes de decidir la visión preferida, la cual fotografiaría como una base para la pintura (como, por ejemplo, The Millpond). Se instaló en Cornish, New Hampshire, y pintó hasta los 91 años de edad.

The reservoir at villa falconieri frascati, Riverbank in Autumn, Adam, Garden ofallah

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¿Cómo veían el futuro en el pasado? o mejor dicho, ¿Qué significaba para ellos hablar del futuro, en este caso, del futuro artístico? Transguedir los conceptos pasados, lio en el la pintura, movimiento, entre otras cosas significó para el Siglo XX el futuro del arte.


Arquitectura, la n e , o c fi rá G En el Diseño as ramas tr o n e y ra tu ra ite también en la L ajo consigo un tr o m s ri tu u F l E del arte. e se estaban u q s a e id s la a cambio radical n del arte. ió c a z li a re la teniendo sobre cual puede la e d n ió c lu o v Causó una re e actual. agradecer el art

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l Futurismo fue un movimiento vanguardista del siglo XX que tuvo su aparición en Italia, y que finalizó, aproximadamente, en 1915. El escritor italiano, Filippo Marinetti, en 1909, publica Manifesto Futurista, con lo que da inicio al Futurismo. Tuvo una rápida expansión, con lo que se llegó por el resto de Europa y los Estados Unidos de América. Abarcó el nivel artístico en todas sus ramas. Entre sus máximos exponentes se puede encontrar a su autor, Filippo Marinetti (literatura); Henry Van de Velde y Josef Hoffman (arquitectura) y Otto Eckmann y Moser Koloman (diseño gráfico). Romper el pasado… El Futurismo, como su propio nombre lo dice, rechazó todas las

Carrá. Caballo y Jinete. Se observan líneas sin un orden marcado y un novedoso uso de colores.

1909: Marinetti. Manifiesto Futurista.

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1910: Boccioni.Manifiesto Técnico de la Pintura

tradiciones, valores e instituciones ya arraigadas y buscaba romper con el pasado y el academicismo. Logró acabar con lo popularizado basándose en la idea de incorporar el movimiento y la velocidad a las diversas expresiones artísticas. Además, buscaba reflejar al mundo el dinamismo, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas; es decir, todo lo que fuese moderno. Entre algunos temas que trató a profundidad se encuentran la metrópolis, la luz, la energía, los ruidos mecánicos, la búsqueda del placer en la ciudad, entre otros temas que recién se proponían en la época. Además de las ya mencionadas exaltaciones de lo original y las estructuras de movimiento, se pueden encontrar las vibrantes composiciones de color, el divisionismo, la abstracción, la desmaterialización de objetos y la multiplicación de posiciones de un mismo elemento. Igualmente, se puede rescatar la generación de ritmos mediante formas y colores; la utilización de colores resplandecientes; las transparencias. Además, se pueden observar diversas modificaciones particulares en cada “tipo” de arte anterior a este movimiento.

1910: Boccioni. Le Cittá che sale

1912: Duchamps. Desnudo bajando por la escalera nº2.


Pintar el futuro… En la pintura, se tienen representantes como Boccioni, Russolo y Carrá. Las pinturas de estos personajes trataban e indicaban la posibilidad de usar el arte como medio para captar los aspectos plásticos como no plásticos de un entorno que era reconocido más como dinámico que como estático.

“No queremos representar la impresión óptica o analítica, sino la experiencia psíquica y total.” - Boccioni En el Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista, Boccioni afirma que “por medio de la persistencia de las imágenes en la retina, las cosas que están en movimiento se multiplican y resultan distorsionadas, sucediéndose unas a otras como vibraciones en el espacio a través del cual pasan”. Boccioni

resaltó como fundamento esencial el sistema de división de colores que los neoimpresionistas habían desarrollado. Exígete, innova… En 1914, Sant’Elia publica el Manifiesto de la Arquitectura Futurista. Propuso un nuevo tipo de metrópolis, en relación con los nuevos materiales y las invenciones estructurales de la ingeniería. Su rechazo de las líneas horizontales y verticales, de las formas voluminosas y estáticas, y su reclamo de una arquitectura de hormigón armado, hierro, cristal, textiles y todos aquellos sustitutos de la madera, el ladrillo y la piedra que permitan m a y o r elasticidad y ligereza.

En el Diseño Gráfico La novedad es el nuevo uso tipográfico, pues se le da un sentido plástico y estético. Con el Futurismo la letra deja las cajas, toma formas circulares, verticales: la letra toma cierta forma figurativa, de manera que resalte el contenido de la imagen gráfica. La letra ya había adquirido una cierta paridad jerárquica con la imagen, gracias a la labor experimental de algunos arquitectos modernistas (Van de Velde, Berlage, Behrens) y de diseñadores gráficos preocupados por el tema (Eckmalln, Bernhard, Moser). Ahora asume una entidad pictórica. Para ellos, la forma de la tipografía debía enfatizar el contenido escrito, huyendo además de las normas establecidas por la tradición sobre la armonía.

1914: Sant`Elia. Manifiesto 1914: Carrá. IntervenFuturista de la Arquitectura. tionist Demostration

1916: Balla. La Guerra

1926: Russolo. Impressions of Bombardment

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Simplicidad

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1917 1932

utopia

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Piet mondrian

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"Hay una vieja y una nueva conciencia de la epoca. La vieja se dirige hacia el individuo. La nueva se dirige hacia lo universal. El conflicto del individuo y lo universal se refleja en la guerra mundial, asi como en el arte actual."

El objetivo de la naturaleza es el hombre, el objetivo del

hombre

es el

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... un mundo 21


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e Stijl , que en holandes significa estilo, fue una revista

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l movimiento de Stijl era considerando como

L

os ideales esteticos, el lenguaje formal y las

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a esencia del Stijl puede describirse a traves de su

dedicada a las artes plasticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg que surgio en 1917 y duro hasta 1931. Esta revista iba a reunir un numero de artistas que compartian ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como organo difusor de este nuevo arte. Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las mas influyentes de su tiempo ya que tenia la finalidad de lograr un estilo valido, que sustituyera lo individual por lo universal.

theo van doesburg

Los

ideales

de Stijl abarcaron practicamente todo, ellos pretendieron

configurar la totalidad del

mundo en el que se desarrolla la vida del ser humano

una variante del arte abstracto, que era caracteristico de la modernidad. Este nuevo arte no pretendia ser reproductivo ni ilustrativo, tal como la habia sido el arte tradicional, este queria ser comprensible a partir de si mismo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproduccion figurativa. Su racionalismo formal estaba basado en un amplio programa artistico, que a partir de los elementos fundamentales de las artes plasticas, pretendia configurar un nuevo mundo ideal. Para Stijl el arte era un catalizador que debia lograr un estado de armonia ideal, por esto el ideal de Stijl siempre estuvo orientado hacia la realizacion de obras en todas las artes.

intenciones de los artistas que conformaban el Stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de Mondrian, titulado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura�. En este trabajo Mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular, sino como ja forma de expresion adecuada al mundo ideal.

intencion universalista, expresaba la belleza pura, y por ello debia utilizarce exclusivamente formas puras. Uno de los ejemplos mas ilustrativos se aprecian en la obra de Mondrian, donde combinaba su configuracion abstracta a traves del equilibrio, utilizando los colores primarios y las lineas rectas, las cuales forman rectangulos que equilibran las apreciaciones entre espacio y tiempo, reposo y movimiento en las relaciones que guardan las superficies entre si.

Es aqui donde el ideal de la armonia absoluta se concretiza.

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Los ideales de Stijl abarcaron practicamente todo, ellos pretendieron configurar la totalidad del mundo en el que se desarrolla la vida del ser humano. Sus artistas trabajaron como arquitectos, decoradores de muebles, artistas graficos y escenografos, los cuales produjeron una gran cantidad de obras.

De Stijl se desarrollo en tres etapas:

L

a

primera finaliza con la separacion de algunos colaboradores y el ingreso de Rietveld (creador de la silla roja azul) que aporto con su diseno una proyeccion de la estetica De Stijl en tres dimensiones. Tambien en esta etapa exponen en la Galeria de Leonce Rosenberen Paris.

Pura abstraccion y simplicidad

L

a segunda etapa abarca el

periodo apartir 1921 a 1925. Se elimina el uso de columnas, simetria, y repeticion de elementos (en fachadas). Llevando al estilo al Neoplasticismo (bautizada asi por Mondrian). Con nuevas consignas referidas a la arquitectura se va cerrando cada vez mas el estilo.

principios esteticos y en 1924, deja de contribuir con sus articulos en el periodico por sus diferencias con Van Doesburg, quien se aleja del grupo en 1925.

L

Las

rayas

estan de

La influencia del Stijl no solo abarco las areas de la pintura o la arquitectura, sino tambien la industria de la moda. Un ejemplo muy reciente de ello, es el nuevo lanzamiento de la marca Nike. Este empresa tomo estilos que dejaron huella en la historia del diseno y los plasmaron en unas muy originales zapatillas, de edicion limitada.

moda

En la Revista Van Doesburg sera el vocero del Constructivismo, pero para 1923 naceran sus diferencias con Mondrian,al querer incorporar la diagonal (surgiendo asi el Elementalismo). Mondrian considero esto como una traicion a sus

a tercera y ultima etapa de De Stijl abarca de 1925 hasta su fin en 1931. Stijl combino elementos del Constructivismo y el Suprematismo, esta tendencia llego hasta la Bauhaus y otros grupos, de quienes tambien se nutrio para lograr un lenguaje especifico.


Salinas

Chafloque

Felipe Amador

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E R I C

Por Felipe Chafloque


Estudiante del Theological Colle Técnicas y Artes de Londres, Eric famoso escultor y dibujante, pero al diseñar y crear el famos

N

acido el 12 de febrero de 1882 en Brighton, Inglaterra, Gill se inició en el mundo de las artes bajo la tutela del tipógrafo y albañil Edward Johnston, el cual se reflejó en la pureza y severidad de su trabajo. Este siempre se caracterizó por dejar de utilizar elementos superfluos y aplicar métodos más abstractos de representación, siendo calificado como Neo-Bizantino y Anti-Naturalístico. Gill empezó su instrucción a los 17 años de edad, continuando su educacion en Londres, dentro de la Escuela Central de Artes de la capital de Inglaterra. Es aqui donde conoce a su tutor, el ya mencionado tipógrafo Edward Johnson. Esta educación en Londres fue básicamente relacionada a la escultura y el grabado en madera. También se tomó el tiempo para realizar diseños, su área de trabajo se realizaba mayoritariamente en portadas de libros, donde trabajaba dibujando y tallando en madera para diseñar las cubiertas de libros, entre los que se destacan The Four Gospels.

Durante su convivencia en Ditchling, Sussex, durante los años 1907 y 1924, Gill vivió rodeado de una comunidad de artistas y su fervor religioso se vio reflejado en su trabajo. Juntándose con otros artistas que compartían su misma creencia, formó el Gremio de San José y Santo Domingo. Entre los artistas que lo acompañaron estuvieron David Jones, Philip Hagreen, Hilary Pepler y Edward Johnston. La religión y el erotismo: polémicas inspiraciones

Como escultor, jamás se mantuvo alejado de sus raíces religiosas, aunque también el erotismo formaba gran parte de ella, algo que Gill jamás tuvo miedo de combinar. Esta combinación de gustos le trajo a Gill numerosos problemas, no solo con la crítica, sino con la sociedad en la que vivió (y las siguientes generaciones hasta la actualidad). Esto se

debió a que Gill solia mostrar figuras religiosas en pinturas donde el contenido sexual era implícito, lo cual era completamente inaudito para una sociedad en la que la imagen de sacerdotes o personajes bíblicos e históricos es completamente sagrada. Este aspecto de las obras de Gill se siguen discutiendo hasta en estos días. Gran parte de esta polémica se debe también al hecho que Gill fue una persona sexualmente activa, practicando y desarrollando su vida sexual de modos poco ortodoxos, generéndole una muy mala reputación. Volviendo al ámbito artístico, con el tiempo Gill en empezaría a mejorar sus tecnicas tanto en la escultura como en grabado en madera. Pero su mayor reconocimiento no lo lograría en ninguno de estos ambitos. Llegaría el momento en el que deja por un tiempo la escultura y comenzaría a diseñar tipos para imprenta solamente después de una gran labor de persuasión ejercida sobre él por Stanley Morrison, ya que como él decía la tipografía no era su campo de actuación y no tenía ninguna experiencia sobre el tema. Inicios en la tipografía El primer tipo que diseñó, que más tarde se conocería como el tipo de fuente de nombre Perpetua, tardó cinco años en convertirse en realidad ya que para Gill era difícil resolver los problemas que se presentaban en la creación de tipos para producción mecánica. Charles Malin, un grabador que Stanley Morison introdujo en el proyecto, fue el que resolvió estos problemas y Perpetua, después de algún cambio en su diseño, fue editada por la corporación Monotype en 1929. Aunque durante su vida activa diseñó otros tipos de letra, sus dos más conocidos serian Gill Sans y Perpetua. Como punto aparte, se puede decir que Gill pertnecio a un movimiento, el cual no fue artistico. Junto con algunos otros artistas y personalidades, fundó el movimiento distributista. Esta doctrina se enfocaba en la política y economía, siendo uno de sus postulados más importantes, el de hacer de dominio publico las propiedades privadas directamente relacionadas con medios de producción y manejo de recursos. Gill Sans: el trabajo que lo puso en la historia Tomando como inspiración el trabajo de Edward Johnston, Gill logra desarrollar la famosa fuente Gill Sans, en la cual creó un tipo de letra tomando como base las antiguas formas de letra románicas, la cual era poco

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ege de Chichester y de la Escuela de c Gill se convirtió en un renombrado y o su mayor logro lo hizo como tipógrafo, so formato de escritura Gill Sans. común cuando se hablaba de Sans Serif.Pero probablemente lo que lo hacía más característico era el hecho de no ser una fuente “mecánica” (o sea que todas las letras no partían del mismo diseño) sino que le daba una diferente “personalidad” a cada letra. Aún a pesar de ser una fuente de letras distintas, lograban entenderse con completa armonía cuando se utilizan en conjunto, lo cual le dio mucho mayor prestigio al trabajo de Gill. Es con el Gill Sans que Eric Gill logra combinar sus conocimientos de escultura y los combina con sus recién adquiridos conocimientos provenientes de su formación en la tipografía (en la cual fue prácticamente persuadido de hacer). Él logró encontrar el punto medio entre el uso del grabador para la creación de letras y la estructuración de las mismas a través de formas curvas y diagonales que aprendió al hacer figuras en esculturas y dibujos eróticos, en los cuales siempre se involucraban formas humanas. Es así que a Eric Gill se le atribuye comúnmente el hecho de que él dotó de humanidad a la era de la máquina, brindò caracteristicas jamas vistas a las letras. Cuando falleció en Noviembre de 1940 debido a un cáncer de pulmón, Gill esculpiò una lapida en la cual indicaba que èl fue un escultuor. Ciertamente, esto brinda cierta paradoja a su vida y obra. Gill es mayoritariamente reconocido por la creación de una famosa fuente, pero él mismo quiere ser recordado por su trabajo en la escultura, debido a que fue su interés inicial (y probablemente único en el mundo de las ates), siendo después forzado a realizar trabajos de tipografia.

“El artista no es un tipo diferente de persona, toda persona es un tipo diferente de artista”. Eric Gill 27

El impacto de la marca Gill Sans El Gill Sans, trabajo más famoso de Gill, es utilizado por numerosas empresas y corporaciones como letras de sus logos. Esto debido a la reputación que ha adquirido Gill con el tiempo. Esta letra alcanzó tal grado de Aquí se puede observar los logos de reconocimiento la BBC, United Colors of Benneton que se convirtió y la página de citas e-Harmony utilizando la fuente de este artista. inmediatamente en el legado de este artísta que que nunca pudo lograr ser recordado como escultor.


Arostegui

Maynetto

Alejandra Fiorella


Tom Purvis e Sin la complejidad de los planos y los detalles y con la combinaci贸n de muchos colores, Tom Purvis nos deleit贸 con su peculiar estilo, 煤nico y muy reconocido hasta.

Por Alejandra Maynetto

g a t n i V


Volviendo a vivir...

Un pasado que perdura

UN POCO DE HISTORIA

T

om Purvis (12 de Junio de 1888 – 27 de Agosto de 1959) fue un pintor británico y cartelista comercial. Nació en Bristol, hijo de marinero y artista marinos TG Purvis. Estudió en Camberwell School of Art y trabajó durante seis años en la empresa de publicidad de Mather y Crowther antes de convertirse en un diseñador freelance. Purvis se caracteriza por haber desarrollado un estilo atrevido de dos dimensiones, en la cual utiliza una gran cantidad de planos de colores vivos eliminando los detalles. Desde 1923 hasta 1945 trabajó para el Purvis LNER bajo la dirección del Gerente de Publicidad William Teasdale y luego su sucesor, Carlos Dandridge, que tanto le permitió una considerable libertad en sus diseños. Durante su tiempo en la Purvis LNER ha producido más de 100 carteles, alrededor de 5 y 6 por año o una cada dos meses. Él gozaba de un estatus muy alto en el departamento de publicidad de la LNER y fue uno de los principales diseñadores que participaron en la elaboración de los afiches y gráficos para el estilo reconocible de LNER. Purvis era tan importante para LNER que le pagaron un anticipo de, aproximadamente, £ 450 por año para llevar a cabo su trabajo. Se concentró en retratar a los balnearios que fueron los destinos de vacaciones de los viajeros y las actividades de ocio que


para los proveedores de equipo de caballeros ‘Austin Reed y para la Feria de Industrias Británicas. En 1930 ingresó a la Compañía Industrial de Artistas, un grupo que buscaba presionar a la industria para mejorar los niveles de formación para los diseñadores gráficos y proporcionar una gama más amplia de empleo para ellos. En 1936 se convirtió en uno de los primeros diseñadores para la Industria. Abandonó el diseño de carteles después de la Segunda Guerra Mundial para pintar retratos y cuadros religiosos.

se puede disfrutar allí en los carteles para LNER. un fuerte elemento de trabajo. Purvis mostro en muchos carteles a las mujeres en trajes de baño con los brazos desnudos y las piernas bastante subidas de tono, algo verdaderamente impensable para la época. Además de carteles individuales, también produjo dos series de seis carteles, los cuales, al unirlos, formaban una sola imagen. Además de su trabajo para la LNER, Purvis también diseñó carteles

¿QUÉ ES EL VINTAGE?

“un momen-

to del tiempo al que todos quisieran pertenecer, volver, sentir, vestir o usar...”

Hasta ahora, la expresión ha sido utilizada para representar toda suerte de inclinaciones estéticas alternativas; entre ellas, la de sentir un placer al contemplar viejas fotografías con imágenes de personajes del pasado en actitud seductora, pero ¿qué es el vintage?, ¿una moda?, ¿una estilo?, ¿una tendencia? o un momento del tiempo al que todos quisieran pertenecer, volver, sentir, vestir o usar; bastante difícil de de-

finir, ¿quizás es por eso que atrae tanto?, esa sensación de inmortalidad tan escasa en estos tiempo, ¿será eso lo que nos hipnotiza?. Es complicado ponerse a descifrar los efectos que causa el vintage en las personas, lo único que está claro e interiorizado es que es algo novedoso, con onda y estilo que se refleja desde el amor a la fotografía, del cine y del arte hasta la instauración increíble de tiendas de ropa usada que siguen esa onda del estilo. No se puede dejar de lado su efecto en la publicidad y en el diseño gráfico actual, que gracias a la combinación armoniosa de colores y siguiendo patrones de antigüedad, se logra crear diseños maravillosos. Lo que es imprescindible mencionar, es que hoy en día todo se mezcla, todas las tendencias se fusionan con aspectos juveniles que dan origen a nuevos estilos como lo es el vintage.


Berrospi

Berrospi

Bladimir


TAMAテ前 Y PESO JUSTO

Emil Ruder

Por Bladimir Berrospi

El uso de las dimensiones, el espacio y la forma para lograr la eficiencia


El estilo internacional de escritura, conocido también como estilo tipográfico suizo, proveniente de un movimiento progresista y caracterizado por la utilización de la grilla y palabras sin serif (sans-serif) para seccionar y acomodar adecuadamente cada elemento presente en la página; así como para dar mayor claridad y eficiencia a las publicaciones, tuvo entre sus más grandes defensores a Emil Ruder, tipógrafo y diseñador grafico suizo, que sostenía que el uso de demarcaciones que organizaran las secciones de las página (grillas), la correcta jerarquización de los espacios y contenidos, y la omisión de la serif en los textos era requisito indispensable para que las comunicaciones fuesen claras.

Emil Ruder (1914-1970) fue, además de tipógrafo y diseñador, escritor y editor contribuyente de Typografische Monatsblätter. Su más grande publicación fue Emil Ruder : Typopgraphy, un manual de tipografía básica originalmente editado en alemán y luego traducido al inglés y francés, que se convirtió en un texto base para el diseño gráfico y la tipografía en Europa y América del Norte.

La grilla es la malla de columnas y filas separadas por espacios llamados gutter, utilizados para dar respiro y espacio al diseño, por lo que los elementos no se ven demasiado juntos. Los cruces y cuadros imaginarios ayudan a delimitar los lugares en los cuales se ubicarán las diferentes piezas de la composición. Esto permite establecer rapidamente una idea general de disposición y jerarquía.

Manual de diseño tipográfico

En su , Emil Ruder señala cómo las personas creamos líneas imaginarias por las cuales nos guiamos al momento de ver una página. Así mismo, la interpretación que les demos varía según el punto en el que estén colocados: dirigen la vista hacia un determinado punto y marcan el orden por el cual no guiarnos en el proceso de identificación y comprensión del contenido.

legible

La regla de un texto , para Emil Ruder, era un incondicional, una regla que se debe seguir por encima de otra para lograr un entendimiento eficiente.

cantidad de texto

La presente no debe ser mayor a la que el lector pueda hacer frente fácilmente. Esto se sustentaba en la afirmación de que líneas que contuvieran más de sesenta caracteres eran difíciles de leer.

Esquema de direcciones con figuras presentado por Emil Ruder.

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palabras

espaciado

Las y el entre líneas están estrechamente vinculados y tienen una influencia importante en el logro de la lectura sin esfuerzo y su entendimiento.

orden

El , así como la adecuada jerarquización de los tamaños de letra presentes en la composición, para lograr un acomodo adecuado del contenido en la página, está permitido mientras no se utilice un tipo de letra diferente que distorsione la percepción del conjunto como un todo equilibrado. Ejercicio del manual de tipografia destinado a desarrollar el sentidode proporciones.

irregularidades

prohibidas

Las y la utilización de letras se está restringido para evitar que se presenten problemas de comprensión de texto. Todo intento por infringir las normas dictadas va en contra del logro de una correcta tipografia.

lectura sin conflictos

El conseguir una a través de un texto ordenado, sin problemas de distribución, es la premisa por la cual se debe guiar una composición. Para ello se debe dar una forma visible y una naturaleza perenne a las palabras.

eliminación

perturbaciones

La de las y el logro de una tipografía equilibrada, son los objetivos finales que se buscan conseguir con todas las anteriores premisas.

"Corresponde al diseñador-tipógrafo (...) seleccionar, estructurar esta masa de materia impresa, para que el lector pueda discernir rápidamente lo que sea de interés para él." Emil Ruder

Estilo Suizo

El Estilo Tipográfico Internacional o fue la corriente de diseño resultante del uso de las herramientas mencionadas anteriormente. Este estilo prioriza la legibilidad, el orden y la limpieza en cada pieza visual a través del uso de sectores matrices previamente definidos, la experimentación con tamaños y formas de tipografías adecuadas y la reducción de los elementos visuales decorativos a su mínima expresión.

racionalidad

objetividad

La sensación de y la en el resultado final son las características que deben resaltar notablemente en la composición terminada.

En su Manual de Diseño Tipográfico, Emil Ruder da un esquema que ilustra y da un mejor entendimiento de las formas en cómo vemos y organizamos los elementos. 39


Vela

Montes

Gianfranco


Pieter Brattinga 2

Notable diseñador gráfico y empresario, Brattinga fue un gran pionero del diseño gráfico europeo que pasara a la historia por su notable visión empresarial en la industria gráfica, influyendo y apadrinando a casi la totalidad de diseñadores y artistas gráficos neerlandeses.

Gianfranco Montes Vela Lima, 2010


Desde “con papá” hasta “conmigo”.

UNA MIRADA AL GENIO... Más que un diseñador gráfico, Brattinga fue un gran visionario que propulsó a escalas altísimas la Industria Gráfica, convirtiéndose así en uno de los padres del diseño gráfico.

N

acido en Hilversum, Países Bajos, en 1931, Brattinga estuvo desde muy pequeño en contacto con el diseño debido a que su padre poseía su propia imprenta, la “Steendrukkerij de Jong & Co.”, la cual se especializaba en la impresión de afiches. Ahí, el joven Brattinga, ya con 20 años, empezaría a trabajar, dedicándose a dirigir los diseños de la empresa de su padre como Jefe Gráfico. Así, diseñadores como Willem Sandberg, Dick Elffers, Wim Crouwel, Gerard Wernars y Benno Wissing, serían a los que Brattinga asistiría, siempre asesorándolos.

Y en ese proceso, diría que veía su tarea de imprenta no como la reproducción, sino más bien como la producción de las ideas del diseñador, fundamental para poder llegar a una pieza gráfica perfecta. Paralelamente, Brattinga se dedicaría también a hacer sus propios diseños, los cuales expondría durante su estadía en la casa impresora de su padre. Serían en total alrededor de ochenta exposiciones; todas, realizadas por él mismo. Sus exhibiciones incluían una amplia y variada temática, así como un buen uso de medios gráficos, los cuales consistían en tipografías, pinturas, fotografías, realizaciones industriales, entre otras más.

“Veía su tarea de imprenta no como la reproducción, sino más bien como la producción de las ideas del diseñador”. Durante ese tiempo, Brattinga también se dedicaría a realizar numerosos catálogos -denominados Kwadraatbladen- sobre diseño, en los cuales resaltaría su buen gusto y su amplio conocimiento del tema, lo que le generaría la aceptación no solo del público, sino también del círculo de prestigiosos diseñadores de su país. Es así, que tras el arrollador auge

Dar y educar Pieter Brattinga escribiría en 1970 la que es quizá su obra más ilustre: Planning for Industry, art & education. Aquí, en sus 191 páginas llenas de ilustraciones más que de palabras, plasmaría sus conceptos e ideas en cuanto al diseño gráfico, dejando en claro que él apuntaba hacia una Industria Gráfica poderosa y, sobre todo, profesional. Lo cierto es que su libro tuvo una gran aceptación por parte de los demás diseñadores de la época, quienes se inspirarían en él para empezar con sus propias imprentas y compañías gráficas de manera profesional. Pero anteriormente ya había escrito otros libros más, como A History of Dutch Poster 1890 1960, con Dick Dooijes en 1968. Además, saldría publicado el libro Pieter Brattinga designer for people, que escribiera su amigo Genevi’ve Waldman.

+ Afiches realizados por Pieter Brattinga en la imprenta de su padre, entre 1951 a 1974.

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También realizaría un documental con su buen amigo Ad Petersen en 1975, titulado Sandberg.

*


+ “El hombre detrás de la Posterijen, Telegrafie en Telefonie (P. T. T.)” es un afiche realizado en homenaje a Pietter Brattinga por su extraordinario trabajo para dicha compañía que data de 1960. A la derecha, diseño realizado por Pieter Brattinga que fue publicado en la exposición de Breda (Holanda, Países Bajos) en 1994, que contiene información del artista gráfico Ger Dekkers en una caja de cartón con doce tarjetas de metal con insertos fotográficos a color de los trabajos de este.

de su prestigio, parte a Nueva York, Estados Unidos, donde será profesor y director de Comunicación Visual en el Instituto Pratt, de 1960 a 1964. Al regresar, Brattinga, con ya 33 años, empesará con su propio estudio de diseño, llamado For Mediation Internacional; sin dejar, claro, de trabajar en la imprenta de su padre, la cual por ese entonces era ya muy conocida tanto en Países Bajos como en Bélgica, Luxemburgo y Alemania. Es de ese modo que se encargaría de importantísimas exposiciones artísticas, como las realizadas en el prestigioso Museo Kröller-Muller, ubicado en el Parque Nacional Hoge Veluwe, en su país natal. También realizaría sellos para la Posterijen, Telegrafie en Telefonie (PTT) y de las señalizaciones del metro de Amsterdam. Con lo recaudado en esos trabajos, Brattinga iniciaría su propia imprenta gráfica, ofreciendo así plataformas internacionales de primer nivel a diseñadores y artistas gráficos extranjeros. Su prestigio crecería rápidamente, y para 1966 funda junto a Nico Hey y Bob McLaren la Art Directors Club Netherlands, en la cual se mantuvo a la cabeza por varios años. Esto, y sumado al hecho de que tres años antes, en 1963, se había asociado con la International Council of Graphic Design Association, le traería un prestigio nunca antes visto dentro de la sociedad de diseñadores y artistas

“Brattinga dio un aporte tremendamente significativo a la Industria Gráfica, uniendo el arte con el lado empresarial”. gráficos de la Benelux. En 1971, inicia con su buen amigo, Dick Bruna, la Mercis, compañía gráfica que tendría un gran éxito en la tierra del Sol Naciente -siendo él el gerente general hasta 1995-. Fue así que en 1988 le es otorgado el premio Henri por su trabajo y perfeccionamiento de los métidos gráficos dentro de la Industria Gráfica. Como si no fuera poco, ese mismo año recibe el honroso título de “Ridder van Orde van Oranje-Nassau” (Caballero de la Orden de Orange-Nassau) de manos de la propia corona neerlan-

desa, proveniente de la casa real de Nassau. También ganaría ese mismo año el premio Graphic Cultural Awards. La verdad es que Brattinga dio un aporte tremendamente significativo a la Industria Gráfica, uniendo el arte con el lado empresarial. Así, sería llamado “cosmopolita” y “ciempiés” por los críticos, debido a su notable labor. Finalmente, murió en la tranquila villa de Kootwijk (Berneveld, Países Bajos), el 8 de julio de 2004, a la edad de solo 73 años.

*

Entre la realeza Para la celebración de las bodas de plata de la reina Juliana I de los Países Bajos (1909 - 2004), en 1962, a Pietter Brattinga le fue encomendada la tarea de realizar los sellos correspondientes que serían usados en las cartas de invitación y durante la celebración misma tras el arrollador auge de su carrera gráfica en los Países Bajos, pues su nombre se encontraba ya en boca de todos los neerlandeses. Y a la familia real le gustó tanto el trabajo realizado por Brattinga, que le sería nuevamente encomendada, en 1971, la rigurosa tarea de realizar los sellos para la celebración del sesenta aniversario del príncipe Bernhard de Lippe-Biesterfeld (1911 - 2004), consorte de la reina Juliana I y padre de la actual soberana neerlandesa, la reina Beatrix I (1938). * 43


Dorca

Dorca

JosĂŠ Augusto


Milton Glaser Conoce al genio creador del mĂ­tico logo de la Gran Manzana

Por: Jose Dorca


I

MG

Milton Glaser, el representante más famoso de la escuela norteamericana de diseño gráfico.

T

rabaja en New York, donde nació en 1929 en el seno de una familia de inmigrantes húngaros, y donde fue durante veinte años el alma del célebre The Pushpin Studio, estudio de diseño que Glaser fundó -junto a Seymour Chwast- en 1954, tras haber estudiado el arte del grabado en Italia, en la ciudad de Bolonia, en la escuela de Giorgio Morandi. También fue educado en la High School of Music and Art y en la Cooper Union Art School de la que posteriormente fue su director. Y gracias a una beca a Fulbright, tuvo la oportunidad de ingresar en la Academia de Bellas Artes en Bologna, Italia. Glaser actúa en todos los campos de la comunicación visual con una sensibilidad que lo lleva a extenderse desde el Art Nouveau hasta el lenguaje narrativo del cómic. Es autor de carteles publicitarios y portadas de revistas, ilustrador de libros y diseñador de juguetes, creador de logotipos e inventor de caracteres alfabéticos. Es famoso por su perfil del cantante Bob Dylan, para el cual, como recuerda el propio Glaser en su libro titulado Graphics Design, se inspiró en un autorretrato recortado sobre el papel del pintor francés Marcel Duchamp. Glaser añadió al simple perfil masculino un elemento gráfico muy particular: la forma y el color del cabello, que le fueron sugeridos por la tradición decorativa árabe. De esta extraordinaria combinación surgió un estilo muy especial, que muchos consideran típicamente “americano”, cuando en realidad es fruto de una experiencia cultural muy compleja. El logotipo de la ciudad de Nueva York es uno de los gráficos más famosos, reproducidos y copiados de la historia. La frase “I Love NY”, en el que un corazón rojo sustituye a la palabra “Love”, fue creado en 1973 por este extraordinario diseñador. 46

Diseñó también el logo de la DC Comic, conocido como el DC Bullet


Arriba: El legendario logo de Nueva York. Derecha: Afiche de 1970 para la division de computadores de RCA. Abajo derecha: El archifamoso perfil del cantante Bob Dylan.

Además de ser conocido por ser el creador del logotipo de la ciudad, fue también, junto con Clay Felker, el co-fundador de la revista New York Magazine en 1968, de la cual fue presidente y director de diseño hasta 1977 –publicación que se convirtió en modelo para las revistas citadinas, estimulando un sinnúmero de imitaciones- y encargado de rediseñar los periódicos Washington Post, La Vanguardia (Barcelona) y O Globo (Rio de Janeiro). En 1974 fundó Milton Glaser, Inc. (Manhattan) donde continúa actualmente produciendo una increíble cantidad de trabajos en muchos campos del diseño. A sus 76 años, es personalmente responsable del diseño e ilustración de más de 300 afiches para editoriales, teatro, música, películas, asociaciones civiles y diversos productos y servicios. En 1975 realizó la imagen gráfica y decoración de los restaurantes en el World Trade Center (New York), al igual que el diseño del Observatorio y la Exhibición Permanente que se exhibía en las Torres Gemelas. También ha diseñado numerosos proyectos arquitectónicos como el Sesame Place, un parque educativo en Pennsylvania (1981-83), y la lista continúa. Su obra está expuesta de forma permanente en lugares tan importantes como el MOMA (Museo de Arte Moderno de New York), el Museo de Israel (Jerusalén) y el Smithsonian Institute (Washington, D.C.). Precisamente, entre los muchos premios merecidos a lo largo de los años, Glaser recibió en el 2004 el Lifetime Achievement Award del Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum, por su extensa, profunda y significativa contribución a la práctica contemporánea del diseño.

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Cáceres

Sánchez

María Fernanda

S


Crousillat

Wu

Luis Alberto


Debido a su creatividad e innovaciones, Neville Brody ahora trabaja con varias marcas de mucho peso e importancia en el mundo, entre ellas BBC, Sony Playstation, The Times (Londres), Nike, Apple, Microsoft, MTV (Europa), Philips y The Guardian.

N

acido en Londres, Brody estudio en Hornsey School of Art y después en London College of Printing (LCP), donde ahora enseña. Fue muy creativo desde los inicios de su carrera, cuando todavía estaba en la universidad se unió a Rocking Russian donde creaba carátulas de discos y de ahí se traslado a Stiff Records haciendo lo mismo en 1980. Mientras trabajaba en Stiff Records, Brody rompió muchas de las barreras del diseño innovando y creando nuevos estilos que lo llevaron a convertirse en el director artístico en Fetish Records, una marca independiente donde Brody llegó a producir sus proyectos más notables. En 1981, Brody se convirtió el director artístico de una de las mas notables revistas públicas The Face, y en 1986, se pasó a la revista considerada la biblia en cuanto a el estilo del hombre y estilo de vida, Arena. En Abril del 1988, el V&A Museum en Londres presento una exhibición con los trabajos más notables para acompañar su primera monografía, “The Graphic Language of Neville Brody” la cual se convirtió rápidamente en el libro de diseño gráfico más vendido en el

Carátula del best seller de Brody “The Graphic Language of Neville Brody”

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mundo, su primer best seller. La exhibición se esparció extensivamente en Europa y Japón. El Neville Brody Studio cambio de nombre a Research Studios en 1994, coincidiendo con su segunda publicación por Thames y Hudson. Research Studios ahora tiene una notable presencia en Paris, Barcelona, Berlín y Nueva York. Esta cadena trabaja una extensa variedad de conocidas e importantes marcas como por ejemplo BBC, Sony Playstation, The Times (Londres), Nike, Apple, Microsoft, MTV (Europa), Philips y The Guardian.

“The Graphic Language of Neville Brody se convirtió rápidamente en el libro de diseño gráfico más vendido en el mundo, su primer best seller”


En contacto con la fama

Panel de Enemigos Públicos por Neville Brody

La compañía Research studios de Neville Brody tambien ha tenido varios clientes en Hollywood, ya sea para paneles de películas o afiches y tarjetas de presentacón de estas mismas. Aparte de hacer las caratulas para la famosa secuela de Ocean’s, tambien ha trabajo en Public En emies. la película con Johnny Depp que estrenó el año pasado, en el 2009.

Carátula Caratula de Ocean’s Eleven y Ocean’s Twelve por Neville Brody

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Werner

Bergelund

Gabriel


l i r p n A a m i e r G a c M e s a L sólo " o tr o l á p iz!”" Por: Gabriel Bergelund

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eñ o n s i d o un

s i e siente S n , ó l o z a q r u o e di c c r t o a p . e m ” i e o l c er n

A

pril Greiman es una diseñadora gráfica y artista que nació en Estados Unidos en 1948. Es reconocida por ser de los primeras diseñadoras en incorporar la computadora como herramienta de diseño. Comenzó sus estudios en el Kansas City Art Institute a finales de los sesenta para completarlos en la Kunstgewerbeschule de Basilea con el influyente Wolfgang Weingart. En aquellos años Weingart comenzaba a poner en cuestión algunos de los principios que habían inspirado la metodología del Movimiento Moderno como el estricto uso de la retícula o la intocable pureza del espacio bidimensional. A mediados de los setenta Greiman comenzó a trabajar para el Taxi Project del Museum of Modern Art en Nueva York diseñando las publicaciones y demás elementos de promoción. En 1976 se trasladó a Los Ángeles para colaborar con el California Institute of Art donde conoció al fotógrafo Jayme Odgers y se interesó por la fotografía experimental

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y el trabajo con computadoras. Greiman creó una iconografía muy particular en sus impresos para el California Institute of Art, plenamente relacionado con lo que después se conocería como New Wave, una corriente que definitivamente rompía con las corrientes más académicas del diseño gráfico. Su concepción del diseño concibe la página como si esta fuera un espacio tridimensional donde la tipografía, la fotografía y el resto de los elementos conviven sin jerarquías y en un complejo orden. A partir de 1984 comienza a utilizar la computadora personal en su trabajo, utilizando imágenes en baja resolución y tipografía bitmap, una forma de trabajo que puede relacionarla con otros creadores europeos como Terry Jones. También destacan los trabajos en gran formato que ha hecho utilizando las nuevas tecnologías, insertando con ellos al Diseño Gráfico en el entorno urbano. Así mismo ha editado varios libros como: Something from Nothing; Design Process e Hybrid Imagery: The Fusion of Technology and Graphic Design entre otros.


e n e i b

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“Profeta o blasfemo” David Carson ha sido considerado como un dios del diseño por los jóvenes y las nuevas generaciones, pero también es visto como un traidor al diseño por los diseñadores más conservadores.

Por: Jesus Cuzcano


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Su Carrera La carrera de David carson ha consistido en varias etapas, ya que no solo se dedicaba a diseñar revistas para culturas underground. Aparte de esto, redactó libros en donde encontramos una de sus obras más conocidas: “El fin de la impresión: el diseño gráfico de David Carson”, el cual fue publicado en 1995. Posteriormente, durante los años 90’0 y el nuevo milenio publicaría más libros como: “La vista segunda: diseño gráfico después del fin de la impresión”, “Fotografiks: un equilibrio entre la fotografía y el diseño hasta la expresión Gráfica que evoluciona de contenido”, “Cultura Surf: la historia del arte de navegar”.


La época Carsoniana Los 90’s fue la década del auge del estilo de carson, ya que em este tiempo se interesó por la nueva escuela de tipografía y eso sirvió para la inspiración de muchos diseñadores jóvenes de la época. Además, de también ser considerado uno de los diseñadores más famosos del mundo. En el sentido en que todos podían haber escuchado de él alguna vez. En el 200 abrió un estudio personal en Charleston, posteriormente en 2004 se convirtió en director creativo de gibbes y diseño el especil de “Exploración”. Carson no tardó en ser reconocido y a partir de 1998 hasta el 2004, ha ganado ya 170 premios de los cuales puedo mencionar: Mejor diseño de conjunto, Portada del año, Premio a mejor uso de la fotografía en diseño gráfico, Diseñador del año en 1998, Diseñador del año 1999, maestro de la tipografía y el premio al Diseñador gráfico más famoso del planeta. (abril del 2004)

La actualidad En los últimos años, Carson se ha diversificado hacia el cine y la televisión para anuncios directos y videos. Dirigió los anuncios de lanzamiento de las tecnologías de Lucent y se asoció con William Burroughs en el cortometraje de Carson, “The End of Print”. También colaboró con la Harvard Business School, John Kao profesor en un documental titulado “El arte y la Disciplina de la Creatividad”. David diseñó la campaña de marca en todo el mundo para Microsoft en 1998, así como la publicidad de Giorgio Armani en todo el mundo (Milán). Él ha aparecido en los anuncios de aprobar Apple Computers, monitores de Samsung y varias empresas de papel. Carson arte ha dirigido y diseñado Surfer, Skateboarding, Snowboarding, Cultura Beach, revistas y Pistola de Rayos. Él tiene una extensa lista de clientes internacionales: Nine Inch Nails, Toyota, Mercedes Benz, Banco de Montreal, Microsoft, Quiksilver, Meg Ryan, David Byrne, Bush, Pepsi y Xerox. El trabajo de David sigue siendo impulsado por la intuición, con más énfasis en el material de lectura antes de diseñar, y siempre experimenta con formas de comunicarse en una variedad de medios.


Huari

Dioses

Jackeline Marleny


Lafosse

Tassara

Daniel Alfredo


Liza

D’Ugard

Katherinne Milagros


CreArte 3  

Revista del Taller de Diseño Gráfico 1 de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC). Lima - Perú

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