Miradas al Arte CAC-UNAH 2020

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Miradas al Arte 2020 D.R. © 2020 Rector: Dr. Francisco J. Herrera Dirección General: Olga Joya Coordinación general: Joel Barahona y Grecia Osorio Diseño Gráfico Editorial: Lía Vallejo Imagen de portada: Ezequiel Padilla Ayestas. Detalle de “Sueño Americano 13” (2015), óleo sobre lienzo. Colección de la UNAH. CENTRO DE ARTE Y CULTURA UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE HONDURAS Edificio entre 2da y 3ra avenida de Comayagüela, 7ma calle, frente al Parque La Libertad. Teléfono: (504) 2216-5100 EXT. 101005 cac@unah.edu.hn www.cac.unah.edu.hn Todos los derechos reservados / 2020

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La actividad expositiva del CAC-UNAH en el año 2020 la iniciamos con dos hermosas exposiciones: la primera fue inaugurada en el mes de diciembre del 2019, titulada “Gastronomía y Naturaleza” del Instituto de Investigación en Arte y Tecnología de la Animación de la Universidad de Salamanca, con la curaduría de la Dra. Concha Sáez del Álamo, artista, investigadora y profesora de la Universidad de Salamanca. La muestra resume la relación entre el hombre, su entorno y la cultura alimentaria, vista y representada desde el arte. A través de 51 piezas y sobre un lienzo elaborado a base de la técnica del reciclado de papel, los artistas utilizaron la impresión y el color para abordar los temas relacionados con la cultura alimentaria, su impacto en la naturaleza, su procesamiento y consumo y su impacto en el ambiente. La segunda exposición, “Excéntricos” de Rafael Cáceres es una de las más vistosas e innovadoras en la producción de este magnífico artista que se reta a si mismo cambiando de material, de técnica y tema de investigación. La novedad de la exposición es que surge de un proceso de experimentación de Cáceres a través de una residencia artística en la “Casa Taller Sindamanoy”. La colección consta de 26 piezas inspiradas en el universo cosmogónico de los mayas, convirtiendo el cuchillo ceremonial, conocido como “excéntrico”, en el icono que ilustra, inspira y resume esa visión del mundo maya. Paralelamente fueron utilizados en la museografía de las salas, los colores propios de los espacios ceremoniales del mundo maya, el corinto y el verde acua. La exposición fue curada por Ernesto Rudrico Argueta y Santos Arzú Quioto.

…Y llego la pandemia

La pandemia irrumpió en nuestra cotidianeidad, interrumpiendo las exposiciones presenciales y puso a prueba la capacidad de resiliencia de nuestro entorno en general y de la UNAH en particular. Desde el Centro de Arte y Cultura de la UNAH iniciamos un proceso de digitalización de algunos de los productos que hasta ahora habíamos estado entregando a nuestro público, como los Arte-Foros que son espacios de discusión de distintos temas relacionados con el arte y la cultura local y nacional. Probablemente nuestro mayor logro fue el nacimiento de la Galería Virtual de las Artes (GAVIA) como espacio alternativo que nos permitió retomar las exposiciones nacionales e internacionales que nos han mantenido conectados a nuestro público hasta el día de hoy.

Nace la GAVIA...

Los procesos de digitalización y virtualización en el siglo XXI se nos presentan, como un entorno para la creación, la cooperación e intercambio, pero también como un espacio de oportunidades en donde existen nuevos medios de transmisión de bienes culturales e intelectuales. La Universidad Nacional Autónoma de Honduras (UNAH) inició el año 2000, con la aprobación de los lineamientos de la Cuarta Reforma Universitaria, una reestructuración para afrontar

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los nuevos desafíos de la globalización y la competitividad sistémica incorporándose a los nuevos espacios virtuales. Como parte de ese proceso de reforma y producto de la pandemia Covid-19, la institución vio la necesidad de acelerar la incorporación a la virtualidad del patrimonio artístico que posee y colocarlo a disposición de la comunidad universitaria en particular y de la sociedad hondureña en general. Las plataformas digitales especializadas en la cultura plantean un nuevo paradigma en las actividades y espacios que se desarrollan dentro de las instituciones culturales, lo que implica una resignificación de sus funciones y prácticas culturales que, ahora extrapoladas al espacio virtual, aspiran a seguir fomentando la experimentación artística, el diálogo y la conexión entre los productores culturales y el público. En este marco el Centro de Arte y Cultura de la UNAH presenta la plataforma “Galería Virtual de las Artes de la UNAH” (GAVIAH–UNAH) a través de su equipo multidisciplinar y con la colaboración de otras unidades de la universidad. Este esfuerzo busca crear puentes de conocimiento y comunicación, ser un espacio capaz de reunir imágenes y textos especializados sobre el arte y la cultura hondureña y conectarlos a nivel global. Esta es una invitación al público a interactuar con el arte y la cultura nacional a través de una herramienta activa – interactiva que permita borrar fronteras a la imaginación y al conocimiento. La plataforma que les presentamos ofrece dos grandes áreas que el usuario puede visitar y que estarán constantemente alimentadas: la primera es el área permanente de la Colección de Artes Visuales de la UNAH, cumpliendo una función de repositorio para que artistas, investigadores y público en general puedan apreciar las obras, acceder a información y generar investigación a partir de ellas. Para ello se han diseñado espacios de intercambio a través de nuestros Arte-Foros. La segunda área es la de las Exposiciones Temporales, que está dirigida a generar espacios abiertos para que los artistas puedan mostrar sus propuestas de una forma más amplía, accesible a nivel nacional e internacional y manteniendo, como ha sido hasta ahora de manera presencial, un acompañamiento a la labor del CAC–UNAH. Al igual que la primera área estará acompañada de Arte-Foros de presentación, análisis e intercambio con el público, de los artistas que presentan sus obras. Aprovecho este espacio para hacer un reconocimiento especial a todo el equipo del CAC-UNAH quienes permanentemente trabajan para que nuestro centro sea un espacio de referencia en el rescate, investigación y puesta en valor del arte y la cultura. Quiero reconocer particularmente el trabajo tesonero de Nadia Cáceres y Joel Barahona de la unidad de Artes Visuales, quienes han tomado desde la creación del CAC-UNAH la responsabilidad de velar por la organización, museografía, restauración, investigación y sistematización de toda la colección artística de nuestra universidad y, paralelamente, de las exposiciones temporales, resguardándolas y diseñando las museografías oportunas. A nuestras expertas en comunicación, Grecia Osorio, y en diseño gráfico, Lía Vallejo, baluartes fundamentales en el diseño y montaje de la GAVIA. Nuestro agradecimiento especial a nuestros colaboradores: Paúl Martínez (Artista de la fotografía y Director de la Fototeca Universitaria), Miguel Romero (Artista y profesor de la Facultad de Humanidades y Artes) y a Julio José Méndez (Historiador del Arte y profesor de UNAH-Valle de Sula). A nuestras autoridades universitarias, a los artistas y a todo nuestro público, muchas gracias. Olga Joya Directora del Centro de Arte y Cultura UNAH

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EXPOSICIÓN TEMPORAL EN SALA

Instituto de Investigación en Arte y Tecnología de la Animación de la Universidad de Salamanca (ATA) Diciembre 2019 - Marzo 2020

Estas obras son una reflexión sobre la cultura alimentaria de la sociedad, las relaciones con la naturaleza y los diversos modos de representación a través del arte. Por un lado, los mecanismos que se ponen en marcha ante la experiencia artística y la vivencia gastronómica están relacionados directamente con el placer y el deleite del individuo. Por otro, el mundo de la gastronomía, asociado a la gestión de los recursos naturales y las materias primas, ofrece un campo de acción crítico, similar al artístico, en torno al uso y abuso del complejo alimentario en el mundo contemporáneo. Y aunque el arte y la gastronomía no participan del mismo fundamento, ya que difieren en su finalidad y procedimientos, sin embargo, son campos de estudio estrechamente relacionados, ya que ambos son ciencias experimentales que trabajan sobre los vínculos del ser humano con su entorno. La práctica artística hace hincapié en las estructuras visuales como experiencias de conocimiento, mientras que la practica gastronómica pone interés en el estudio de diversos componentes culturales en torno a la función del alimento y las esferas de su representación. Ambos dominios son de gran interés para conocer las diversas respuestas del ser humano ante experiencias que pueden llegar a ser tan significativas. De hecho, ambas prácticas ayudan a los seres a ser más humanos, a pensarse como humanos, a posicionarse en el mundo, porque la práctica de estas actividades permite alcanzar, más allá de estados de bienestar, formas de pensamiento y de vida diferentes. Concha Sáez del Álamo Comisaria de la exposición Gastronomía y naturaleza. Artista, Catedrática e investigadora del Instituto Universitario de Investigación en Arte y Tecnologías de la Animación (ATA) de la Universidad de Salamanca

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Andrés Talavero. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Carmen Borrego. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Tania Blanco. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Narcisa Vicente. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Salim Maya. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Tania Blanco. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Carmen Borrego. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Gema Climent. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Antonio Navarro. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Antonio Navarro. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Concha Redondo . Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Narcisa Vicente. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Concha Gay. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Salim Maya. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Jorge García. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Fernando Evangelio. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Concha Redondo . Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Rita Del Río. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Concha Gay. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Florencio Maíllo. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Gema Climent. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Gloria Reguero. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Maria Dolores Mula. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Maria Dolores Mula. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Eva Cabrero. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Florencio Maíllo. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Gloria Reguero. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Jorge García. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Andrés Talavero. Técnica mixta, 60cm x80cm

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Sonia Cabello. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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María José Román. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Carlos Perez. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Marvi Blasco. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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María Jesús Soler. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Marvi Blasco. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Muriel Roca. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Rita Del Río. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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María José Román. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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María Jesús Soler. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Muriel Roca. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Carlos Perez. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Mónica Jorquera. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Mónica Jorquera. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Eva Cabrero. Técnica mixta, 80cm x 60cm


Fernando Evangelio. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Tomás Hijo. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Tomás Hijo. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Matilde Gómez-Osuna. Técnica mixta, 80cm x 60cm

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Matilde Gómez-Osuna. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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Sonia Cabello. Técnica mixta, 60cm x 80cm

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EXPOSICIÓN TEMPORAL EN SALA

Rafael Cáceres

Febrero 2020 - Marzo 2020 Los artistas cuando estamos frente a una obra que nos conmueve, inmediatamente sentimos que las palpitaciones se aceleran y pasamos por diferentes estadios de acercamiento y contemplación. Sin duda “Excéntricos”, de Rafael Cáceres es una exposición extraordinaria. Dependiendo de la sensibilidad y/o interés nos acercamos al conjunto donde la totalidad de las piezas que está bajo estructura museográfica nos brinda una visión macro… percibimos que no hay fisura; esto lo logra solventemente “Excéntricos”. …El descenso a los detalles es fascinante, técnica impecable, alarde de dominio de materiales que ha ido acumulando y perfeccionando el maestro Cáceres por años. De este dominio técnico él ha logrado obtener el mejor provecho en este proyecto de grandes proporciones. La arcilla es la materia prima para “Excéntricos”, pero al final se volvió una excusa inmejorable para plasmar el concepto del artista y su proceso investigativo que solo lo da la lectura, el aprender/desaprender, el arriesgar, salir de zonas de confort, y aprovechar al máximo el bagaje de conocimientos y brindarse sinceramente a su propio proyecto de vida. Esta experiencia de residencia artística en Casa Taller Sindamanoy ha dado frutos palpables... Subir a la montaña nos permite contemplar y contemplarnos. Esto… apenas comienza… Santos Arzú Quioto Artista plástico Honduras

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Rafael Cáceres. “Yacer”, (2019). Terracota esmaltada, 244cm x 122cm

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Rafael Cáceres. “Rueda de mi vida”, (2019). Terracota esmaltada, 55cm x 55cm

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Rafael Cáceres. “Hijo del rayo (Hacha de obsidiana)”, (2019). Terracota esmaltada, 65cm x 46cm

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Rafael Cáceres. “Convergencia”, (2019). Terracota esmaltada, 40cm x 64cm

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Rafael Cáceres. “Hunab Ku (El centro de toda galaxia)”, (2019). Terracota esmaltada, 54cm x 22cm

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Rafael Cáceres. “Sol y luna”, (2019). Terracota esmaltada, 40cm x 40cm

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Rafael Cáceres. “Intelecto”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 14cm

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Rafael Cáceres. “La ternura del guerrero”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 40cm

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Rafael Cáceres. “Rey Jaguar”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 40cm

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Rafael Cáceres. “Hipocampo”, (2019). Terracota esmaltada, 90cm x 25cm

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Rafael Cáceres. “La máscara (Hija del rey)”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 30cm

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Rafael Cáceres. “Junta”, (2019). Terracota esmaltada, 81cm x 10cm

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Rafael Cáceres. “Mecal (Cargador)”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 25cm

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Rafael Cáceres. “Corazón verde”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 54cm 70


Rafael Cáceres. “Vertebral (Lado a lado)”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 46cm

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Rafael Cáceres. “Serpentina de obsidiana”, (2019). Terracota esmaltada, 65cm x 26cm

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Rafael Cáceres. “Cinteotl (Dios del maíz)”, (2019). Terracota esmaltada, 50cm x 15cm

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Rafael Cáceres. “Caprichos”, (2019). Terracota esmaltada, 60cm x 54cm

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Rafael Cáceres. “Obsidiana”, (2019). Terracota esmaltada, 65cm x 40cm

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Rafael Cáceres. “Estado (Estados de ánimo)”. Terracota esmaltada, 40cm x 21cm

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Rafael Cáceres. “Levis (Levitación)”. Terracota esmaltada, 66cm x 30cm

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Rafael Cáceres. “Ajawab (Señor de Xibalbá)”. Terracota esmaltada, 86cm x 52cm

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Rafael Cáceres. “Rizo (Vida ondulante)”. Terracota esmaltada, 56cm x 20cm

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Rafael Cáceres. “Comunicación excéntrica”. Terracota esmaltada, 122cm x 244cm

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EXPOSICIÓN VIRTAL PERMANENTE

COLECCIÓN DE ARTE MODERNO MESTIZAS, HÍBRIDAS Y MÚLTIPLES: LAS OBRAS DE ARTE MODERNO HONDUREÑO EN LA COLECCIÓN PLÁSTICA DE LA UNAH Desde un espacio periférico, una sociedad multicultural y un entorno sociopolítico violento y excluyente, la modernidad artística hondureña entretejió un conjunto de experiencias plásticas híbridas que se encargaron de reflexionar sobre las diversas identidades del pueblo y el arte hondureño. Las y los artistas modernos hondureños transitaron en torno a las preocupaciones que alimentaron la producción plástica moderna en la región latinoamericana, a pesar de no haberse podido consolidar en círculos artísticos de vanguardia. La tensión entre lo moderno y lo tradicional, las derivas identitarias, la experimentación plástica desde el espectro cromático y el autoexamen antropológico, así como la constitución de tiempos y espacios posibles, fueron algunas de las motivaciones que desencadenaron las poéticas del arte moderno nacional. Acopiando, transformando y asimilando las experiencias artísticas regionales, el arte moderno hondureño conformó un lenguaje propio que se organizó desde la constitución heterogénea de su sociedad. El corpus de obra moderna que conforma la colección plástica de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras recoge, en su variedad de manifestaciones, las experiencias de esta etapa de producción híbrida del arte hondureño. La necesidad de experimentar y mover los límites de lo artístico a partir de los referentes culturales propios se manifiestan en la prolífica y diversa obra de Arturo López Rodezno, quien se conecta a través de las formas y las búsquedas estéticas con el muralismo, la antropofagia brasilera, el constructivismo universalistan de Joaquín Torres-García y la obra del guatemalteco Carlos Mérida. Por su parte, Teresita Fortín nos transporta a espacios históricos y nos trae personajes de la identidad nacional, que se tornan cotidianos y se vuelven íntimos a través de la simplificación vigente en sus trazos pictóricos, que rememora las formas de sus maestros Max Euceda y Pablo Zelaya Sierra. Los movimientos realistas y cubistas de España e Italia se enraízan en Honduras a través de la producción artística de Max Euceda y Moisés Becerra, quienes en sus cuadros imprimen las dinámicas cromáticas locales que se conjugan con expresiones culturales y/o identitarias de la nación para organizar sus propias formas de representación plástica. Por su parte, Álvaro Canales nos enfrenta con una proyección 87

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magnificada y a su vez humanizada del contexto moderno, a través de su estrecha relación con los grandes maestros del Muralismo mexicano: baja del caballo al semidiós de la nación y transporta el fuego del progreso y la educación en medio de la guerra y la alienación obrera, proyectando así nuevas nociones de pasado y futuro para Honduras. En este sentido, la producción artística moderna que conforma esta exposición, desborda todo intento de categorización tradicional dentro de la historia del arte, de modo que, en esta empresa, es necesario volver sobre las formas en que se articularon los circuitos de la modernidad a lo interno de Latinoamérica y su relación con las metrópolis europeas. A su vez, este corpus de obra ofrece múltiples líneas para repensar las maneras en que se construyeron las nociones de identidad hondureña y los espacios de enunciación desde donde se fueron articulando. Julio José Méndez Historiador, Maestro en Estética y Arte

Arturo López Rodezno. “Sin título”, arte textil (Ca. 1970), 127cm x 72cm

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Arturo López Rodezno. “Sin título”, arte textil (Ca. 1970), 121cm x 72cm

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Arturo López Rodezno. “Motivos mayas”, impresión offset (sin fecha), 45cm x 20cm

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Arturo López Rodezno. “Las bañistas”, mural al fresco (1943), 249cm x 300cm

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Álvaro Canales. “Liberación”, acrílico sobre pared (1978), medidas variables.

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Moisés Becerra. “Luchemos”, óleo sobre lienzo (1971), 80cm x 100cm.

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Álvaro Canales. “Retrato de Francisco Morazán”, óleo sobre lienzo (1975), 87cm x 117cm.

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Estudiantes de la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) bajo la dirección de Arturo López Rodezno. “Mural del dios Baco”, mural al fresco (1978), 417cm x 161cm.

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EXPOSICIÓN VIRTUAL PERMANENTE

LA CREACIÓN ESCULTÓRICA EN HONDURAS Y LA COLECCIÓN DE LA UNAH La UNAH posee una de las más importantes colecciones de arte del país. Aunque esta se ha desarrollado caóticamente, desde sus inicios el Centro de Arte y Cultura (CAC-UNAH) se ha dado a la tarea de estudiarla sistemáticamente, y conciliar criterios que permitan su crecimiento con una visión artística más amplia e inclusiva de prácticas artísticas contemporáneas. El número de esculturas es mucho menor que el de pinturas, pero en esto no está sola. Este mismo fenómeno se da en todas las colecciones hondureñas públicas y casi todas las privadas1. El estudio sistemático de esta colección puede transformar la desventaja numérica de la escultura en una gran ventaja para el estudio del arte hondureño. Los esquemas históricos desde los que se ha analizado la historia de nuestro arte están basados en la literatura y se han centrado en la pintura2. Ello ha significado que las periodizaciones que del arte hondureño se han hecho no responden a la naturaleza misma de las obras, sino a la idea de generaciones—es decir, se han concentrado en la biografía de los autores, y no tanto en sus convicciones y praxis. Estos esquemas históricos son más difíciles de romper desde la pintura, pues ésta ha sido más estudiada y se ha escrito mucho más acerca de ella. Desde el estudio de la escultura podemos comenzar a reescribir la historia del arte hondureño con esquemas que respondan más a las formas, estilos, y agendas mismas de las obras, y quizás esta nueva periodización sirva para entender con nuevos ojos a las otras disciplinas visuales como la pintura. Estudiar la escultura en este momento es por ende una tarea menos laboriosa, pero también más prometedora, sobre todo porque ahora por primera vez en la historia las artes visuales giran alrededor de una concepción de sí mismas en las que lo escultural predomina sobre lo pictórico3. Viendo la colección de escultura de la UNAH lo primero que salta a la vista es que hay bastantes esculturas para espacios públicos. Las estatuas del Padre Reyes (de Mario Zamora), de José Cecilio del Valle (de Obed Valladares), de Ramón Rosa, y varias otras más, participan del constante crear y recrear de la identidad de nuestra institución, y dialogan con otras obras que le dan forma a nuestro sentido de identidad histórica, y a nuestras ciudades como espacios al servicio de nosotros los ciudadanos. Estas obras son parte de la carga simbólica de nuestra nación, y transmiten ésta a las nuevas generaciones que se forman en nuestros campus. Esto es tal y como debería de ser: la gran universidad pública del país invierte en obras de arte hechas para ser vividas por el público más amplio posible.

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La escultura como arte público es de enorme importancia para nuestra nación desde la época colonial, y desde esa época podemos hablar de conjuntos esculturales que tienen usos y agendas específicos en la vida diaria y simbólica de nuestra sociedad. Su papel va desde la adoración católica de imágenes dentro y fuera de las iglesias, el conjunto escultórico de Morazán, Cabañas, Valle, Reyes, la libertad y las 4 estaciones con el que se introduce la idea de los próceres de la nación de Rosa y Soto en la segunda mitad del siglo XIX4, los conjuntos escultóricos abstractos y figurativos de la paz tutelada de Carias, y el revisionismo histórico que permea a obras y acciones más recientes5 . Nuestra relación con dichas imágenes no es neutral, y en varias ocasiones los personajes representados y su forma de ser recordados han sido violentamente rechazados6. El otro gran grupo en la colección de esculturas de la UNAH es el de esculturas de autor. Las esculturas de autor no son hechas para satisfacer la visión de sus patrocinadores (como es el caso de las obras públicas), sino que son obras hechas primordialmente para satisfacer la visión y necesidades del artista. Las obras públicas responden así a la lógica del mecenazgo, mientras que las obras de autor responden a la lógica del libre mercado. Es justo antes de la guerra fría que las esculturas de autor se vuelven parte importante de la obra de ciertos escultores. Artistas como Samuel Salgado, Roberto M. Sánchez y Mario Zamora son un claro ejemplo de ello. Se insertaron tanto como les fue posible en el arte público, y sus esculturas de autor fueron terreno fértil de experimentación que además les generaron ingresos entre una obra pública y otra. Sin embargo, no es sino hasta que Obed Valladares y Jesús Zelaya entran en escena que las esculturas de autor para el mercado privado se vuelven más la norma que la excepción7. Las obras de autor que están en la colección de la universidad fueron adquiridas primordialmente de dos formas: como premios de las bienales, o como adquisiciones directas. Es de notar que todas las obras de arte contemporáneo en la colección de la UNAH han sido adquiridas bajo la tutela del CAC. Antes de la creación de este centro, la colección de escultura es figurativa, incluso heráldica en ocasiones, poética en otras, para después tornarse más íntima, reflexiva, y sobre todo socialmente más crítica. Este es tan sólo el comienzo del proceso de curaduría de esta colección. El estudio comparativo de esta con otras tanto públicas como privadas, así como la creación de una base de datos de artistas y sus obras que sea inclusiva y elaborada con un criterio curatorial sereno y ampliamente debatido con artistas, historiadores, y con representantes de otras disciplinas, son necesarios pasos a dar para desde estos espacios continuar generando visiones del arte hondureño cada vez más críticas y certeras.

Miguel Romero Artista plástico Honduras

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Mario Zamora. “Porque la libertad ha recobrado el imperio del orbe. Circa ”, relieve en bronce (1970), 500cm x 300cm.

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Luca Angelli. “Busto de José Trinidad Cabañas”, talla directa en mármol (1881), 77cm x 79cm

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Luca Angelli. “Busto de José Trinidad Reyes”, talla directa en mármol (1881), 77cm x 79cm

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“Busto de Jorge Fidel Durón”, escultura en marmolina (1993), 170cm x 100cm x 100cm

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“Busto de Ruth García Mayorquin”, escultura en marmolina y concreto (1980), 150cm x 50cm x 50cm

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Obed Valladares. “Escultura Doctor Ramón Rosa”, escultura en marmolina (1980), 200cm x 100cm x 100cm

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Obed Valladares. “Estatua de José Cecilio del Valle”, talla en marmolina (1970), 200cm x 100cm x 100cm

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Obed Valladares. “Maqueta para la escultura, José Trinidad Reyes”, talla en marmolina (1989), 15ccm x 15cm x 46cm

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Mario Zamora. “Estatua de José Trinidad Reyes”, escultura en bronce (1990), 200cm x 100cm x 100cm

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Edwin Josué García. “Ana María”, talla en madera (2012), 27cm x 36cm x 165cm

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Jesús Zelaya. “Melodía en nuestras manos” , talla directa en madera (1988), 54cm x 90cm x 170cm. Ganadora de la categoría en Escultura de la I Bienal de Artes Plásticas UNAH-1989

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Orlando Roque Santos. “El arca (de la serie Cubo Earth)”, técnica mixta con materiales reciclados (2014). 30.5cm x cm x 82 cm x 168 cm Ganadora de la categoría en Escultura de la III Bienal de las Artes Plásticas UNAH- 2014

Darío Rivera. “Hermano contra hermano de la serie los durmientes”, terracota con acabado en frio (2014). 25cm x 33cm x 68cm Ganadora de la categoría en Escultura de la III Bienal de las Artes Plásticas UNAH- 2014

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Jorge Oquelí. “Semilla Aérea”, Técnica mixta (Carbón, mezcal y raíces), (2011). 110cm x 150 cm

Miguel Ángel Romero. “El Cusuco”, técnica mixta con materiales reciclados, (2016). 80cm x 120cm x 50cm Ganadora de la categoría en Escultura de la IV Bienal de las Artes Visuales de la UNAH-2016

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Alex Geovanny Galo. “Yellow submarine”, Instalación/técnica mixta, modelado en arcilla, (2016). 150cm x 150cm. Ganador en la categoría de Instalación en la IV Bienal de las Artes Visuales de la UNAH-2016

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Marcio Arteaga. “Arteria Urbana”, técnica mixta con materiales reciclados, (2014). 65cm x 114cm.

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EXPOSICIÓN VIRTUAL PERMANENTE

SUEÑO AMERICANO Ezequiel Padilla Ayestas Febrero 2020 / Marzo 2020

Únicamente una cosa pone a los seres humanos en movimientos migratorios peligrosos e indefinibles: el desaliento. El desaliento es, en definitiva, el responsable de que millones de personas pasen por la indignidad de abandonar sus tierras, sus profesiones, sus seres queridos y la mayoría de los casos, sus vidas. “El sueño americano” contemporáneo, al margen de estrategias y discursos políticos vacíos, se vincula directamente y como todos ya sabemos, con la ruta mortal gobernada por “la bestia”. Mire Mendoza!, me comenta el Maestro Ezequiel, “el sueño americano está ahí, …toda una confusión, …algo indefinido… pero está ahí, está ahí presente siempre entre las personas”. Ezequiel Padilla Ayestas, fiel a sí mismo, permanece desde hace más de 4 décadas como una de las escasas voces verdaderamente críticas en las artes de nuestro país. Su obra siempre ha optado por diálogos elevados en lo más alto de la estética, lanzada como puñados violentos de gritos intencionalmente cargados de elementos de tipo irracional y que, por tanto, exige de nosotros una dosis de subjetividad y una mirada más imaginativa al momento de enfrentarnos a ella. Ezequiel destaca, sin duda alguna, como uno de los artistas más coherentes y comprometidos en la investigación psicológica de esa conciencia y estado de alienación y confusión que la sociedad contemporánea en general y la hondureña en particular padece. Su exploración de “El Sueño Americano” transcurre como una prolongación y una búsqueda de tensiones entre lo absurdo y las estructuras más organizadas e inamovibles. Su maestría en el uso de los recursos plásticos contrapuesta a los resultados de la confrontación con esta ruta irracional, desemboca en geometrías evocadoras y enfrentadas, definidas por brochazos sinceros y transgresores creando imágenes que abruman la conciencia. Estas geografías psicológicas agrupadas bajo el título de esta magnífica muestra, nos presentan espacios y tiempos que no cesan de confrontarse, cruzarse o fundirse y nos invitan a investigar, descubrir y recomponer nuestra ubicación, para definir de esta manera, si estamos en búsqueda de la entrada a un sueño americano o por el contrario, en búsqueda de la salida próxima a esa pesadilla utópica regresiva. Darwin Mendoza Curador de la muestra

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 3”, óleo sobre lienzo, (2015). 82cm x 92cm. 118


Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 2”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 12”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 4”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 92cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 6”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 13”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 7”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 92cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 8”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 10”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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Ezequiel Padilla Ayestas. “Sueño Americano 11”, óleo sobre lienzo, (2015). 92cm x 82cm.

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EXPOSICIÓN TEMPORAL VIRTUAL

A 100 AÑOS DE LA BAUHAUS UNAM Cuautitlán, Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual Octubre 2020 - Enero 2021

Bauhaus como escuela de arte, diseño y arquitectura, se erige gracias al pensamiento contemporáneo en un hito dentro de la aplicación, historia y enseñanza de estas disciplinas. Las ideas de su fundador Walter Gropius, sobre una institución donde la voluntad y el espacio creativo convergieran para darle al mundo un respiro; sentando las bases de un nuevo modelo de enseñanza sobre las artes, apartado del modelo tradicional de aprendizaje, se consiguió a pesar del camino tormentoso que atravesó la entonces nueva escuela de la Bauhaus, los problemas políticos en los que se involucraron sus miembros y el cambio de sede de sus instalaciones. A pesar de estas contrariedades hoy en día la Bauhaus se presenta como un sueño, como un anhelo aspiracional de cada escuela, institución que imparte arquitectura, arte y diseño (en cualquiera de sus variantes) y es también un querer ser como para cualquier estudiante y profesional de alguna de estas disciplinas. La fotografía como herramienta de información, comunicación, arte y diseño, no pasó desapercibida dentro de la Bauhaus; influida en una primera instancia por el suprematismo y constructivismo soviético; la fotografía que se cultivó en la Weimar, Dessau y Berlín, tuvo también el cobijo de la vanguardia Dadaísta. En este sentido se puede afirmar que la Bauhaus fue un crisol para la creación con la cámara y la elaboración de imágenes fotográficas, los puntos de toma, collages, reflejos especulares, fotomontajes, múltiples exposiciones, efectos en la toma y el positivado, fotografía publicitaria y subjetiva, así como el registro de las actividades al interior de la escuela fueron los denominadores comunes que tuvo la fotografía en la Bauhaus, siendo un signo característico del quehacer artístico y de diseño de esta escuela Alemana. Esta exposición fotográfica, rinde un homenaje a la actividad creadora de la cámara fotográfica en la Bauhaus; se pueden apreciar ejemplos de fotografía

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típica de las vanguardias del Siglo XX, de Moholy-Nagy y de Peterhans, pero sobre todo se integran fotografías con un estilo netamente Bauhaus, la gran mayoría de los estilos de creación fotográfica se hayan presentes en esta muestra que rinde tributo a esta escuela, a sus estudiantes y profesores que con sus ideales han marcado la historia de todas las instituciones del mundo entero que dedican sus esfuerzos a la enseñanza del arte, la arquitectura y, el diseño. MAV Edgar Osvaldo Archundia Gutiérrez Jefe de Sección Académica de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual Universidad Nacional Autónoma de México

Andrea Giselle Juárez Navarro. “Alas de libertad”, fotografía digital blanco y negro (2019). 1772px x 1181px

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Monica Araujo Contreras. “Eiffel”, fotografía digital en blanco y negro (2018). 6000px x 9000px

Alma Karen Fuentes Carbajal. “Arriba”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 591px x 886px

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Karen Téllez. “Introspectiva”, fotografía digital en blanco y negro (2018). 1181px x 1772px

Miguel Ángel Becerra. “Especulante”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 1181px x 1772px

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Miguel Ángel Alvarado Quintana (MoMo). “l’escalier”, fotografía digital en blanco y negro (2017). 1181px x 1772 px

Alan Leyva Torres. “Nachhall”, collage digital (2020). 1181px x 1772px

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Andrea Vélez Jiménez. “Intermitente (Fotograma 16)”, Escanografía (2020). 1181px x 1772px

Daniel Cebada Sánchez. “Mujeres DCV”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 3072px x 4608px

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Lilia Patricia Garrido Velázquez. “Fotograma”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 1181px x 1772 px

Andrea González Rodríguez . “Fotomontaje”, fotomontaje digital (2019). 1181px x 1772px

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Carlos Yafté Godínez Lora. “Fotomontaje”, fotomontaje digital (2019). 1369px x 1772px

Yamil Itzel Valle Saldaña. “Jaula”, fotografía digital en blanco y negro (2019). 1181px x 1771px

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Darién Emmanuel Ramírez Hernández. “Existiendo”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 45000px x 3000px

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Araceli Mendoza García. “Personajes”, fotomontaje digital (2019). 1181px x 1771px

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J. Diego San Vicente Hdez. “Treppen”, fotografía digital en blanco y negro (2018). 5867px x 8830px

Mónica Pérez Madrigal / Monse Carreño. “Montaje”, montaje digital (2019). 3300px x 5736px

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Itzel Ameyalli Cancino Huerta. “Problema de 7 patas”, fotomontaje digital (2020). 1296px x 864px

Carmen Nohemi Villa Espinosa. “Untergrundbahn”, fotografía digital en blanco y negro (2019). 2102px x 1181px

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Luis Daniel Padilla Navarrete. “Konstruktivismus und Perspektive”, fotografía digital en blanco y negro (2019). 2362px x 1575px

Silvia Lucero Rivero Jiménez. “N’arrête pas la musique”, fotografía digital en blanco y negro (2020). 1772px x 1181px

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Lourdes Montserrat Arzola Covarrubias. “Amor en su máxima expresión”, fotomontaje digital (2020). 1772px x 1181px

Andrea Sánchez Rodríguez. “Fracciones sobre el dominio del tiempo y baile”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

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Mishelle Arely Aguilera Santos. “DCV Fotograma”, fotograma (2019). 1772px x 1181px

María Andres Ulises Cruz Rivas. “Kiosko en la Santa”, fotografía digitall (2020). 1772px x 1181px

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Linda Jacqueline Arellano Godínez. “Ritmo”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

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David Fernández Sánchez. “Make Up”, fotografía digital (2020). 1524px x 1173 px

María Guadalupe Robles Ruíz. “Mirada infinita”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

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Jesús Abraham Esquivel Luis. “Heartbeat”, fotografía digital (2020). 1080px x 720px

Valeria Morales García. “Movimiento De Venus”, fotografía digitall (2020). 1772px x 1181px

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Angélica Azucena Cruz Soto. “Desde el cielo”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

Azalía Candia. “Reacción”, fotografía digital (2019). 1800px x 1200px

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Lilian Anayatzín Peréz Hernández. “Peón”, fotografía digital (2020). 1800px x 1200px

Amina Lietza Gil Ordaz. “New York In You”, fotografía digitall (2020). 2560px x 1440px

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Diana Gabriela de la Cruz García. “Correr”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

Zaira Janeth Hernández Prieto. “Eterno retorno”, fotografía digital (2020). 2560px x 1620px

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Mario Francisco Severiano. “Bucle”, fotografía digitall (2020). 5184px x 3456px

María Atonantzin López Noguez. “Marea”, fotografía digital (2020). 9000px x 6000px

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Rodrigo Fernández Rosales. “Mareacósmica”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

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Estrella Guadalupe Escobar Salazar. “Navegando”, collage digital (2020). 1799px x 1378px

Salvador Salas Zamudio. “Deslizamiento en la línea horizontal”, fotografía digitall (2020). 10802px x 7200px

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Osvaldo Archundia-Miranda Rivera. “Reflejo especular”, fotografía digital (2020). 1772px x 1181px

Luisa Fernanda Martínez Díaz. “Perséfone”, fotomontaje digital (2020). 4500px x 3000px

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Diego Pedro Martínez González. “Inspiración”, fotografía digital (2020). 591px x 886px

Andrés Hernández Galicia . “Una mañana”, collage digital (2019). 35000px x 51000px

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Luis Omar Martínez Díaz. “Fotograma”, fotograma (2019). 6000px x 9000px

Ricardo Nambo Sánchez. “Incertidumbre”, fotograma digital (2020). 1843px x 2560px

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Teresa Vianey González Olvera. “Continuidad”, fotografía digital (2020). 591px x 886px

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EXPOSICIÓN TEMPORAL VIRTUAL

DÍA DE LA BICICLETA Francisco Alvarado-Suarez Octubre 2020 - Enero 2021

DECONSTRUYENDO EL TIEMPO EN UNA SOLA TOMA La fotografía ha sido desde su creación hacia mediados de la segunda década del siglo XIX, una perfecta ventana al pasado. De hecho, cuando en el año 1826 Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) logró captar la primera imagen fotográfica conocida, la realizó fijando su cámara desde la ventana de su estudio para congelar para la posteridad el paisaje de tejados visto desde ella, perfecta metáfora que nos permite en nuestro presente admirar ese pasado congelado en el tiempo. Visto así, la fotografía entonces será siempre una imagen intemporal que congela siempre un acontecimiento pretérito, que ha pasado de manera fugaz o lenta, según sea el objeto, personaje o hecho registrado en esa imagen fotográfica. El avance de la tecnología desde ese primer paso del año 1826 hasta el presente, permite al fotógrafo moderno unir en una sola toma la sucesión de eventos que se suceden frente a su cámara, lo que Francisco Alvarado-Juárez ha logrado plasmar en la serie titulada Día de la bicicleta: deconstruyendo el tiempo en una sola toma. Efecto visual que asombraría a los artistas de la fotografía de antaño que trabajaron sus imágenes en película y que debían en otras épocas lograr a través de una exposición múltiple -con otros resultados-, el montaje visual logrado por el artista en la presente colección. Veinticinco fotografías componen esta presentación de una serie mucho más extensa que el artista Alvarado-Juárez comparte con la comunidad universitaria, la sociedad hondureña y el mundo del arte en general. La cámara sostenida a mano viendo hacia la orilla del río Hudson en Manhattan, Nueva York, la opción de captura panorámica ha permitido al artista detener en una sola imagen el paso de ciclistas, quedando fragmentado en distintas secciones que parecieran dividir también el tiempo (presente, pasado y futuro), la toma fotográfica se convierte en una especie de banda visual en donde queda registrado espaciotiempo; el espacio, que ocupa el ciclista en una tira vertical según sea su posición frente al lente de la cámara; y el tiempo, que tarda también en recorrer ese espacio. El artista entonces

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deconstruye el tiempo en bandas visuales en cada una de las fotografías que componen esta serie, paisaje visual que rompe nuestra tradicional concepción de la fotografía y nos enseña el cómo las nuevas tecnologías permiten dinamizar la creación fotográfica sin transgredir su esencia estética-documental. Un cotidiano paseo en bicicleta en un espacio público el artista Alvarado-Juárez lo transforma en una ventana de diálogo entre la función documental de la fotografía y su aspecto filosófico y de interpretación según sea quien observe la imagen, su creación hace que el documento visual -que es la fotografía-, se convierta a la vez en página abierta que se enriquece con las múltiples miradas del espectador y su apreciación del arte, viendo como el tiempo se construye o se deconstruye en el registro que el artista nos comparte en esta serie fotográfica captada en un espacio con una geografía e interacción social muy distinta de la nuestra. Paúl Martínez Fototeca Nacional Universitaria UNAH

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #5”, fotografía digital. 1500px x 694px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #1”, fotografía digital. 1500px x 545px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #2”, fotografía digital (2019). 1500px x 487px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #3”, fotografía digital. 1500px x 485px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #6”, fotografía digital. 1500px x 495px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #4”, fotografía digital. 1500px x 726px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #5”, fotografía digital. 1500px x 694px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #7”, fotografía digital. 1500px x 524px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #9”, fotografía digital. 1500px x 527px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #13”, fotografía digital. 1500px x 463px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #8”, fotografía digital. 1500px x 527px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #10”, fotografía digital. 1400px x 706px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #11”, fotografía digital. 1200px x 766px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #15”, fotografía digital. 1500px x 552px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #18”, fotografía digital. 1500px x 551px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #19”, fotografía digital. 1500px x 448px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #22”, fotografía digital. 1500px x 511px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #20”, fotografía digital. 1200px x 863px. Cortesía del artista.


Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #23”, fotografía digital. 1500px x 526px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #25”, fotografía digital. 1500px x 504px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #27”, fotografía digital. 1500px x 509px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #31”, fotografía digital. 1500px x 511px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #32”, fotografía digital. 1500px x 515px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #34”, fotografía digital. 1500px x 666px. Cortesía del artista.

Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #35”, fotografía digital. 1500px x 483px. Cortesía del artista.

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Francisco Alvarado-Suarez. “Desconstruyendo el tiempo en una toma. Toma #21”, fotografía digital. 1500px x 784px. Cortesía del artista.

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EXPOSICIÓN TEMPORAL VIRTUAL

EXPODEMIA Horacio Lorca

Octubre 2020 - Enero 2021 La fotografía es una disciplina artística de un poco menos de dos siglos de existencia, lo que en comparación a otras artes le hace ser una novel profesión aún en constante transformación. Arte que desde sus tempranos inicios fue creado en base a criterios estéticos y prácticos, más que documentalistas o testimoniales, razones que al pasar de los años han ido variando, constituyéndose la fotografía en nuestro presente en un válido documento histórico y social. La primera fotografía que se tiene conocimiento fue realizada el año 1826 por Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833), quien más que un artista experimentando formas de crear arte, era más bien un litógrafo francés buscando la manera de grabar planchas de impresión para facilitar procesos de impresión, por lo que la fotografía al menos en sus primeros años de existencia como arte, basaba su práctica en la reproducción de paisajes urbanos, naturaleza o retratos de todo tipo, registros que por lo complejo y tardado de su realización, tenían una estética y cuidada composición que buscaba retratar la belleza del mundo decimonónico. La plancha de peltre cubierta de betún de Judea que Niépce utilizó para crear ese primer registro fotográfico difiere considerablemente de los modernos sistemas digitales de registro fotográfico del presente, pero se basaba en lo que conocemos como cámara fotográfica y nunca imaginaría el litógrafo francés que en el siglo XXI para captar fotografías se podría prescindir del sistema convencional de la cámara y un aparato telefónico móvil realizaría esa misma función. Así han sido creadas las imágenes fotográficas del artista Horacio Lorca en la muestra Expodemia que ahora se comparte con la comunidad universitaria y la sociedad hondureña: un teléfono celular ha sido el vehículo para registrar lo retratado. Y así como es distinta la técnica de captura fotográfica de la muestra Expodemia, también lo es la temática de su registro. Solemos asociar la fotografía al registro de la belleza, la exuberancia o los paisajes tan fantásticos que parecen irreales, no estamos acostumbrados a apreciar como objetos de registro a la pobreza, la exclusión y aquellos seres que la sociedad humana relega al abandono. En este 2020, la tercera encíclica del papa Francisco llama a soñar como una única humanidad, pensamiento noble inspirado en la frase de san Francisco de Asís Fratelli Tutti (Hermanos todos), e insta a construir un mundo más justo y fraterno en sus relaciones cotidianas, en la vida social, en la política y en las instituciones. Nobles ideales que las imágenes de Expodemia contradicen al mostrarnos ese mundo excluido y oculto ante

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nuestros propios ojos que la sociedad misma se encarga de ignorar. El uso de un teléfono móvil para realizar este registro fotográfico facilita en parte su realización, ya que por las dimensiones del mismo, es más práctico de manipular y ubicar en posiciones para encuadrar la imagen que por las dimensiones y características de una cámara fotográfica convencional son más difíciles de realizar. Las imágenes han sido captadas entre el año 2014 y el presente 2020. Lo que demuestra la triste realidad de muchos compatriotas que lejos de elevar sus condiciones de vida al paso del tiempo, ven agravarse sus problemas y acrecentarse la cantidad de hermanos hondureños que son orillados a esos extremos, máxime en este terrible año en donde una epidemia ha venido a golpear a naciones prosperas y pobres por igual, acelerando procesos de deterioro social que la muestra Expodemia nos muestra y nos hace el vehemente llamado a reflexionar y buscar cambiar esa injusta y terrible vida que hermanos hondureños y hondureñas están condenados a sobrellevar. Paúl Martínez Fototeca Nacional Universitaria UNAH

Horacio Lorca. “Sin título”, (2018) fotografía digital. 6279px x 10667 px. Cortesía del artista.

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Horacio Lorca. “Sin título”, (2018) fotografía digital. 10667px x 8000px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2014) fotografía digital. 7117px x 4850px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2018) fotografía digital. 10667px x 8000px. Cortesía del artista.

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Horacio Lorca. “Sin título”, (2020) fotografía digital. 10667px x 8000px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2017) fotografía digital. 8092px x 5058px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2017) fotografía digital. 10667px x 8000px. Cortesía del artista.

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Horacio Lorca. “Sin título”, (2019) fotografía digital. 10667px x 8000px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2018) fotografía digital. 9175px x 6846px. Cortesía del artista.

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Horacio Lorca. “Sin título”, (2019) fotografía digital. 10667px x 5696px. Cortesía del artista.

Horacio Lorca. “Sin título”, (2018) fotografía digital. 2560px x 1920px. Cortesía del artista.

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EXPOSICIÓN TEMPORAL VIRTUAL

ETERNO RETORNO Roberto Flores Bermúdez Octubre 2020 - Enero 2021

A través del tiempo, el Parque Arqueológico de Copán ha sido uno de los sitios en Honduras que mayor cantidad de registro fotográfico se haya realizado de él. Desde frágiles placas de vidrio realizadas en las expediciones de finales del siglo XIX por el Museo Peabody de Arqueología y Etnología de la Universidad de Harvard, hasta incontables registros en los modernos sistemas de fotografía digital del presente. Pareciera que todos sus ángulos, esquinas y detalles hubiesen sido registrados ya sea en soportes de emulsión sensible (vidrio o película) o en sofisticados y complejos sensores electrónicos de fotógrafos de todas las regiones del mundo. Excepcional es entonces encontrarnos en este vasto registro documental un material que nos haga ver a la antigua ciudad maya de manera diferente. Las imágenes de Roberto Flores Bermúdez de Copán nos hacen admirarla como si fuese la primera vez, no en balde tituló a la muestra Eterno Retorno. Un regreso a la visión original del sitio, realizado también en el eterno blanco y negro, imagen monocroma que también nos remite a los inicios de la fotografía en la primera mitad del siglo XIX. Flores Bermúdez dejó a un lado el registro de la elaborada piedra esculpida que ha hecho célebre mundialmente a Copán, centrándose en la humilde piedra de cantera que una a una le da cuerpo a sus imponentes templos. Piedra humilde que una vez fue magma líquida salida de las mismas entrañas de la tierra, convertida en toba volcánica hace milenios y depositada en las canteras cercanas al valle de Copán, riqueza pétrea que el arquitecto maya descubrió como materia perfecta para edificar sus creaciones y el escultor como soporte inmejorable para plasmar sus obras. Ahora, un artista visual contemporáneo las hizo modelo central de su registro fotográfico. Las características físicas de la toba volcánica le permitieron al artista de Copán inmejorables condiciones para su tallado, tanto en la forma rectangular que se le dio en las canteras para levantar edificios, como en el perfecto acabado que permitió se le dieran a sus prodigiosas esculturas, repletas de intrincados relieves y complejos diseños. Flores Bermúdez quiso en sus fotografías unir este maravilloso material pétreo con la profusa vegetación que por siglos cubrió la antigua ciudad maya y que ahora se han vuelto parte misma de sus estructuras. Los majestuosos árboles que crecen en el Grupo Principal de Copán en medio de sus principales templos y estructuras o las raíces que atraviesan sus graderías y cimientos se han vuelto parte del paisaje visual del sitio arqueológico y aparecen

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en este registro visual como protagonistas, nacen en la tierra sagrada de la ciudad, brotan a través de sus venerados templos y retornan en otro punto a la tierra de la cual emergieron antes: Eterno retorno que nos remite a la misma concepción dual de la existencia para nuestras sociedades prehispánicas: luces y sombras, blancos y negros, inicio y final, partir y retornar. La colección nos invita precisamente a ese retorno a los orígenes. Primero a volver a encontrar nuestras culturas ancestrales, cuyo mayor exponente es la eterna ciudad de Copán; segundo, admirar nuevamente la magia del blanco y negro: en especial las aperturas de diafragma cerradas para dar mayor enfoque a toda la escena captada; y por último, el siempre presente formato cuadrado de la película 120 mm cuya exacta y estética forma le imprimen siempre a la creación fotográfica una elegancia especial. La alternancia de raíces y estructuras pétreas como centro de las imágenes fotográficas nos remiten también a la eternidad de estas materias, siempre en constante contienda por su propia existencia: la raíz por recobrar su espacio perdido y la piedra por mantener en pie la edificación a la cual pertenece. Vestigios de un pasado de gloria, la selva densa e impenetrable que cedió ante la civilización que le conquistó y ocupó su lugar. Estas fotografías nos enseñan la constante contienda por el espacio entre naturaleza y sociedad, la raíz que busca su espacio donde aferrarse y las hileras de piedra que van cediendo su lugar desordenándose en el proceso, muestra perfecta de la coexistencia de opuestos cada uno buscando siempre su Eterno retorno a los orígenes, la naturaleza tomando centímetro a centímetro su antiguo lugar, las edificaciones humanas sosteniéndose dignas ante el embate de los elementos. Orden y continuidad, resistencia y discontinuidad, la raíz en su Eterno retorno a su espacio natural, la piedra manteniendo incólume su posición de sostén de la estructura. El cuidado orden que impone la mente humana a cada una de sus creaciones es desbaratado por el avance de la naturaleza al abrirse espacio entre este orden de piedras construyendo los templos mayas: Eterno retorno al orden original de la naturaleza. Cálculos conservadores señalan que del Grupo Principal de Copán sólo conocemos parcialmente el 30% de su traza externa. El 70% restante se conserva todavía como montículos cubiertos aún de profusa vegetación. Esa cubierta verde e indómita es el modelo central del presente registro fotográfico, selva densa que ha ganado espacios en el sitio y que ha sido parte de su paisaje visual desde casi un milenio atrás que ha quedado en registros escritos y visuales de distintos exploradores que le han recorrido. Desde el abandono paulatino de la ciudad en el transcurso del siglo IX a.C. la naturaleza fue cubriendo nuevamente las edificaciones erigidas por los antiguos habitantes de la ciudad. Los primeros cronistas españoles describieron una maravillosa ciudad cubierta de una densa selva, los viajeros y exploradores que en los subsiguientes siglos la describieron igual hicieron constar esta profusa vegetación que se apoderaba de este antiguo espacio sagrado. Las fotografías presentes bien pudieran ser un detalle de las elaboradas ilustraciones que Frederick Catherwood (1799-1854) realizó en la primera mitad del siglo XIX y que hicieron célebre al sitio de Copán y otras ciudades mayas. Catherwood registró imponentes

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estructuras rodeadas también de una majestuosa selva que envolvió la ciudad, sus litografías siguen siendo maravillosas obras de arte que aún inspiran a artistas contemporáneos a mirar de nuevo el sitio de manera diferente, y la presente colección de fotografías es una prueba de ello: Eterno retorno. Paúl Martínez Fototeca Nacional Universitaria UNAH

ROBERTO FLORES BERMÚDEZ Biografía

Roberto Flores Bermúdez ha sido un apasionado de la fotografía, es miembro fundador del Instituto Hondureño de Fotografía, ocupando en el presente su presidencia. También participa activamente en distintas fundaciones cuyo quehacer gira alrededor de la cultura y el arte en el país y ha tenido una larga trayectoria como miembro del servicio diplomático de carrera en Honduras desde el año 1977. Abogado y notario de profesión, ha sido catedrático en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras y en la facultad adjunta de la School for International Service de American University, Washington DC. Integración centroamericana, derecho internacional público o desarrollo e inversión en Honduras han sido temas que ha expuesto en universidades y organizaciones diversas en Europa, Estados Unidos, Asia y países de la región centroamericana. Estudió fotografía en Bélgica en distintos cursos y talleres artísticos en los que destacan los conocimientos impartidos por la fotógrafa belga Vita June. Ha expuesto en distintas exhibiciones colectivas de fotografía en Bruselas y Tegucigalpa.

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Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

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Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Templo 16 y Estela P”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Templo 11”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

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Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Templo 11”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Templo 22.”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

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Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Patio Oriental”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis, Templo 11”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

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Roberto Flores Bermúdez. “Parque Arqueológico de Copán, Acrópolis”, fotografía digital, formato 35mm (2019). 970px x 970px. Cortesía del artista.

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EXPOSICIÓN TEMPORAL

2DO. SIMPOSIO INTERNACIONAL DE ESCULTURA EN PIEDRA “MOVIMIENTO LA ROCA” CANTARRANAS 2020 Diciembre 2020 - Marzo 2021

La colaboración artística en equipo no es una dinámica ajena entre las y los artistas, ya sea desde su formación, colaborando en equipos durante su trabajo social en la Escuela Nacional de Bellas Artes o en el esfuerzo conjunto en eventos como los distintos simposios que se han estado realizando desde inicios del siglo XXI. Además de poner su creatividad a prueba durante el evento, también se constituyen como foros para la transmisión de ideas y técnicas entre artistas. Estos simposios tienen como antecedentes el Taller Latinoamericano en 1997, el simposio internacional “Arte para todos” que se realizó en el 2004, teniendo como sede Tegucigalpa. Esto dio pie a diferentes simposios especializados en Escultura en diferentes comunidades dirigidos por artistas como Fausto Tabora, Darío Rivera, Adonay Navarro entre otros. Cantarranas, ha sido sede en las últimas ediciones de simposio de escultura en piedra, en el 2019 y 2020 respectivamente. La existencia de canteras de roca de gran calidad, que con anterioridad los artistas locales y la comunidad han utilizado, tanto de forma artística como utilitaria, así como también una gran gestión cultural que desde varias décadas su comunidad ha realizado, han ofreciendo un ambiente propicio para su realización. En las dos versiones del simposio de escultura realizados en Cantarranas han acudido a la convocatoria 29 artistas, tanto internacionales como de diferentes partes del país, dispuestos a compartir sus conocimientos y trabajar de forma colaborativa con otros y la comunidad que los alberga. En esta edición las y los participantes, buscan con sus temas, la reflexión sobre la situación ambiental, la relación de la humanidad con su entorno y su interior.

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CANTARRANAS: CUNA DE LA CULTURA, EL COLOR Y EL BUEN SAZÓN

La iniciativa de desarrollo cultural en el municipio de Cantarranas nació a principios de los años 90 con la Asociación Cultural Cantarranas quienes fundaron el “Festival de Alimentos y Juegos Tradicionales en Vías de Extinción Dolores Guzmán de Borjas”. Posteriormente en el año 2004 el Licenciado José Edilberto Borjas Guzmán como Presidente del Consejo Local de Cultura impulsa la realización de los primeros dos murales de Cantarranas en la Casa de la Cultura. A partir del año 2006 con la llegada del nuevo Alcalde Municipal Ing. Francisco Gaitán Agüero creyente de la cultura como pilar importante del desarrollo, impulsan nuevas ideas de proyectos culturales. De esta manera el artista Javier Espinal y Edilberto Borjas con el apoyo decidido del Alcalde Municipal inician el año 2016 el “Guancasco de Muralismo por el Mundo de Cantarranas” coordinando el evento el Ing. Marco Antonio Guzmán Zelaya Vicealcalde Municipal. Durante el primer Guancasco se crearon 26 murales inaugurados en el Festival de Alimentos y Juegos Tradicionales en Vías de Extinción de ese año. Durante el II Guancasco se aumentó a 56 murales la Galería y Cantarranas comenzó a figurar como destino turístico en diferentes medios de comunicación nacionales e internacionales, incrementando sus visitas y consolidándose como un ejemplo de desarrollo económico a través del arte y el turismo al instaurarse como la Galería a Cielo Abierto más grande del país y convirtiéndose en el “Pueblo Selfie” de Honduras. En el III Guancasco de Muralismo del 2019 se llega a 126 murales. En el 2018 se impulsa el proyecto “Simposio de Escultura en Piedra de Cantarranas” liderado por los artistas Darío Rivera, Adonay Navarro y Marlon Bernhard que permitió agregar esculturas en piedra en el municipio; en el Segundo Simposio del 2020 se aumentó el Jardín Escultórico a 40 esculturas de piedra y metal con obras de artistas de España, Costa Rica, Guatemala, El Salvador y Honduras. El desarrollo turístico cultural del Pueblo Selfie de Honduras ha sido logrado gracias al apoyo permanente de la población de Cantarranas, los artistas, la Corporación Municipal y los amigos de Cantarranas como el Instituto Hondureño de Cultura Interamericana (IHCI), la Asociación de Municipios de Honduras (AMHON), la Galería Nacional de Arte, el Centro de Arte y Cultura de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras.

Ing Marco A. Guzmán Regidor Municipal de Cantarranas

Artistas y equipo organizador del Simposio en Cantarranas (2020). Fotografía de Grecia Osorio.

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Darío Rivera. “Templo y morada (sukkot)”, talla directa sobre piedra (2020). 120cm x 130cm x 370cm

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Salvador de la Mancha. “Monumento a las desaparecidas en memoria de Berta Cáceres” talla directa sobre piedra (2020). 160cm x120cm x 80cm

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Julio Cesar Hernández. “Woh – (Rana)”, talla directa sobre piedra (2020). 150 cm x120 cm x 54 cm

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Miguel Ángel Núñez. “Vendedora de flores” talla directa sobre piedra (2020). 61cm x 68cm x 11.58cm

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José Manuel Rodríguez Trigueros. “fósiles 3.1”, talla directa sobre piedra (2020). 200cm x 150cm x 100cm

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Felipe Flores. “Eco- Sistem” talla directa sobre piedra (2020). 99cm x 99cm x 270cm

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Marlon Bernhand. “Atalaya” talla directa sobre piedra (2020). 190cm x 130cm x 33cm

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Arianka López. “Longevidad” talla directa sobre piedra (2020). 145cm x 72cm x 48cm

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Pedro Pablo. “Simiente” talla directa sobre piedra (2020). 140cm x 90cm x 100cm

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Miguel Ángel Núñez. “Vendedora de flores” talla directa sobre piedra (2020). 61cm x 68cm x 11.58cm

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Ángel Antonio Ramírez Pastrana. “El sapo”, talla directa sobre piedra (2020). 190cm x 130cm x 33cm

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Angelina Cordón. “Contracorriente” talla directa sobre piedra (2020). 140cm x 100 cm x 115 cm

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Oscar Eduardo Hernández López. “Espíritu” talla directa sobre piedra (2020). Dimensiones variables.

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Yeiner Agüero Alemán. “En reposo”, talla directa sobre piedra (2020). 230cm x 80cm x 50cm

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Adonay Navarro. “Proyecto “x” (serie híbridos), ” talla directa sobre piedra (2020). 330cm x 56cm x 56cm

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Kathy Munguia. “Una somos” talla directa sobre piedra (2020). 220cm x 124cm x 82cm

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CATRINAS Y CATRINES Octubre 2020 - Enero 2021

El día de muertos es quizá la festividad más importante que se celebra en México y que es ya reconocida como una celebración que traspasa las fronteras e identifica el sentir de los mexicanos sobre su concepto de la vida y de la muerte. Una catrina y un catrín son personajes nacidos del ingenio del dibujante, caricaturista y grabador José Guadalupe Posada, representan a ciudadanos de elevada posición social que han olvidado sus orígenes humildes, así tenemos que estos encumbrados ciudadanos solo regresan a sus raíces a través del proceso de morir. La muerte es entonces aquello que unifica al ser humano, ricos, pobres, de cualquier color de piel y cabello son lo mismo en el instante de morir, de pasar a ser solo huesos y calaveras. La muerte entonces es un hecho democrático: es pareja con todos, no distingue a nadie, ni colores, ni creencias. La idea de la muerte en la imagen fotográfica, es una constante: una fotografía representa algo que ya ocurrió, que ya pasó; un suceso irrepetible que solo se conserva gracias a la superficie bidimensional de una foto. La fotografía entonces atrapa un evento que no volverá a ser; un momento detenido en el tiempo y el espacio dentro de los límites horizontal y vertical de la imagen, en donde se haya contenido la esencia de la muerte. Así la muerte y la fotografía van de la mano, son cercanas y próximas, democráticas, ahora todos tenemos una cámara acoplada en nuestros teléfonos móviles y si algo tenemos seguros es que vamos a morir algún día. Catrinas y catrines es una muestra fotográfica en donde se celebra este culto al día de Muertos, es una colección de imágenes que captura esta idea de lo efímero del paso del ser humano por la tierra, pero que a través de la fotografía este puede permanecer quieto en una toma fotográfica, quedarse atrapado en el justo momento de apretar a fondo el botón del obturador de la cámara y transformar la muerte en algo perdurable. Esta exposición presenta el particular punto de vista de cada autor, la interpretación personal de lo que significa y representa la muerte se haya plasmado en cada toma; la idea de la muerte puede ser mostrada de diversas maneras: tristeza, melancolía, oscuridad, color, luz, alegría, festividad, añoranza.

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En el día de muertos esperamos que el ser que partió, nuestra madre y padre, hermanos fallecidos, vengan del más allá a visitarnos, a convivir con nosotros en la tierra; la fotografía entonces se convierte en este elemento que une a vivos y muertos, representa miméticamente lo que pasa frente al objetivo de la cámara, convierte el presente en pasado e inmediatamente transforma este tiempo en algo muerto, en memoria visual de quien ve, mira y observa lo que se haya en la superficie de cada imagen mostrada en Catrinas y catrines.

MAV Edgar Osvaldo Archundia Gutiérrez Jefe de Sección Académica de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual Universidad Nacional Autónoma de México

Hanna Martínez Franco. “Ailhyn”, fotografía digital (2020).

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Erika Osorio López. “Espera”, fotografía digital (2020).

Erika Osorio López. “Tocado”, fotografía digital (2020).

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Alejandro Gerardo Muñoz Pérez . “Siempre Juntas”, retrato en blanco y negro (2020).

Alejandro Gerardo Muñoz Pérez . “Soledad eterna”, retrato en blanco y negro (2020).

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S. G. Orozco Chávez. “Dead Hommies”, fotografía digital (2020).

S. G. Orozco Chávez. “La belleza de la muerte”, fotografía digital (2020).

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Mendoza Mascote. “Reflejo”, fotografía digital (2020).

Mendoza Mascote. “En el juego”, fotografía digital (2020).

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Samira Fernanda Soto Rostro. “Manos y huesos”, fotografía digital (2020).

Samira Fernanda Soto Rostro. “Nada que perder”, fotografía digital (2020).

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Samanta Elizabeth Arvizu García. “La muerte inocente 1”, fotografía digital (2020).

Samanta Elizabeth Arvizu García. “La muerte inocente 2”, fotografía digital (2020).

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Martha Casandra Lozano García. “Recuérdame 1” De la serie “Recuerdame”, fotografía digital (2020).

Mendoza Mascote. “En el juego”, fotografía digital (2020).

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Martha Casandra Lozano García. “Recuérdame 3” De la serie “Recuerdame”, fotografía digital (2020).

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Pamela Mendoza Verduzco. “Transcendencia”, fotografía digital (2020).

Pamela Mendoza Verduzco. “Abuba”, fotografía digital (2020).

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Pamela Marín Pérez. “Cansado”, fotografía digital (2020).

Pamela Marín Pérez. “Solo”, fotografía digital (2020).

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Osvaldo Archundia Gutiérrez. “Xandú 2”, fotografía digital (2020).

Osvaldo Archundia Gutiérrez. “Xandú 2”, fotografía digital (2020).

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Maricruz Angeles. “Solum”, fotografía digital (2020).

Maricruz Angeles. “Amor mater est”, fotografía digital (2020).

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María Teresa Escamilla Gómez. “Cuezolli”, fotografía digital (2020).

María Teresa Escamilla Gómez. “Somatl”, fotografía digital (2020).

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Lucero Ramírez Ortiz. “Flores encontradas”, fotografía digital (2020).

Lucero Ramírez Ortiz. “Sueño profundo”, fotografía digital (2020).

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Karla Angélica Vázquez Benítez. “Frágili”, fotografía digital (2020).

Karla Angélica Vázquez Benítez. “Elegancia mortal”, fotografía digital (2020).

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Lesly Rodríguez. “Soberana”, fotografía digital (2020). 234


Lizeth Jaqueline Ramírez Gracia. “María Guadaña”, fotografía digital (2020).

Lizeth Jaqueline Ramírez Gracia. “Brillar después del final”, fotografía digital (2020).

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Lesly Rodríguez. “Mirada”, fotografía digital (2020).

Hanna Martínez Franco. “Taciturna”, fotografía digital (2020).

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Juan Rosales Espino. “Esperando la muerte”, fotografía digital (2020).

Joyce Fuentes Mendoza. “Ilumíname otra vez”, fotografía digital (2020).

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Jesús Edmundo Bravo Hernández. “El declive de las flores”, fotografía digital (2020).

Jesús Edmundo Bravo Hernández. “El florecer de la muerte”, fotografía digital (2020).

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Isolda Acevedo Saavedra. “Retrato de cualquier de nosotros”, fotografía digital (2020).

Isolda Acevedo Saavedra. “Percepción viva”, fotografía digital (2020).

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Grecia Janette Cuevas Castillo. “¡Mírame!”, fotografía digital (2020).

Grecia Janette Cuevas Castillo. “Te espero”, fotografía digital (2020).

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Emiliano Barrera Guevara. “Lleno de rosas”, fotografía digital (2020). 241


Emiliano Barrera Guevara. “Hambre de rosas”, fotografía digital (2020).

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Gabriela Gamboa. “Observando la muerte”, fotografía digital (2020).

Gabriela Gamboa. “Covid”, fotografía digital (2020).

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Luisa Fernanda Rosillo Zaldívar. “Inocencia 2”, fotografía digital (2020).

Luisa Fernanda Rosillo Zaldívar. “Una mirada”, fotografía digital (2020).

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Emmanuel Ruiz Martínez . “Quietud”, fotografía digital (2020).

Emmanuel Ruiz Martínez . “Iris”, fotografía digital (2020).

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Alexandra Estefany Bravo Morales. “La muerte llega”, fotografía digital (2020).

Alexandra Estefany Bravo Morales. “La muerte se va”, fotografía digital (2020).

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Claudia Eugenia Gómez García. “Tradición”, fotografía digital (2020).

Claudia Eugenia Gómez García. “A la espera”, fotografía digital (2020).

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Brayan Uriel González Becerra. “Vicios de un muerto”, fotografía digital (2020).

Brayan Uriel González Becerra. “Rabia y tristeza mortal”, fotografía digital (2020).

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Erika Vianney Teofilo Ontiveros. “Penumbra”, fotografía digital (2020).

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