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#4

JULIO MMXII

ENTREVISTAS a RODRIGO DE LA SERNA Y RUTH KING. ADAPTACIONES. 35 AÑOS DE STAR WARS. CRITICAS, NOTICIAS. ADELANTOS y MÁS.


#4 dirección pablo natta — jefe de redacción lionel alisi — redacción kevin álvarez, lihué capdevila, federico schmukler, cristian pereyra, raquel canderle, pipi papalini, maru p. vallejos, gisela alloco, gabrielle vargas, federico paez, gonzalo moncalvillo, maría ines stilp — página web cristian pereyra — diseño nico tobares.


NEWS ON THE MARCH! ADELANTO POSSESSION LA RUTA DEL CINE EN CÓRDOBA CRÍTICAS TIM BURTON, TRADEMARK ADAPTACIONES MISMA HISTORIA, DISTINTOS LENGUAJES ESTRENOS CONTADORES HACIENDO CINE CHARLA CON RUTH KING STAR WARS EL UNIVERSO DEL ÉXITO PHONE, HOME 30 AÑOS DE E.T. ENTREVISTA A RODRIGO DE LA SERNA


noticias

ROBOCOP

JURASSIC PARK 4

Viendo el reparto que está consiguiendo MGM para el remake de Robocop, todo apunta a una buena película de ciencia ficción que unirá las preguntas clásicas del género en cuanto a robótica y humanidad, según dijeron el toque gamberro de la película de Verhoeven (la segunda fue dirigida por Irvin Keshner, director de El Imperio Contraataca), siendo ésta vez Jose Padilha el director. Según podemos leer en THR, Hugh Laurie (House) está en negociaciones para ser el villano de la cinta, malvado millonario y presidente de OmniCorp, empresa responsable de la creación de Robocop. Junto a él recordamos que aparecerán Gary Oldman como el científico que consiguió convertir a Alex Murphy en la pesadilla de los delincuentes y Samuel L. Jackson, un magnate de las comunicaciones. Joel Kinnaman será Alex Murphy/Robocop.

Tras las dos primeras entregas, quizás la tercera no fue todo lo que se esperaba de ella, sobre todo por la ausencia de Steven Spielberg, que se limitó a ser productor ejecutivo. Ahora parece que la cuarta continúa adelante y como ya confirmó Spielberg, él mismo estará bastante metido en la película, aunque seguramente no como director (nada confirmado) ya que viendo la agenda del Midas de Hollywood, con proyectos que se le acumulan y otras responsabilidades como la quinta entrega del Dr. Jones, parece muy improbable. La noticia hoy es que ya tenemos guionistas para la película, nada más y nada menos que Rick Jaffa y Amanda Silver, responsables de la atractiva El Origen del Planeta de los Simios. Buena elección para unir criaturas/animales con una buena historia. Dentro de poco sabremos más del proyecto, que sigue su curso, y comenzamos a saber director y actores.


MONSTERS INC. 2: TRÁILER EN ESPAÑOL LATINO La idea es tan, pero tan buena, que ya no sorprende que haya salido de las usinas creativas de Disney Pixar: en lugar de hacer una secuela de la exitosa Mosnters Inc., uno de los productos mejor logrados de la factoría, el año que viene se estrenará una precuela, o sea, lo que pasó antes de que Boo se encontrara con Sulley y Mike Wazowski. "Desde la primera vez que un chico se fue a la cama, en todo el mundo los niños aprendieron que hay monstruos escondidos en sus roperos. Lo que no saben es que estos monstruos no siempre fueron así de atemorizantes. Tuvieron que ir a la universidad primero", dice la voz en off del relator en el primer tráiler de Monsters University, mejor conocida como Monsters Inc. 2. Lo que sigue después de eso es un par de escenas imperdibles, típicas de las fiestas descontroladas en los campus de universidades yanquis, y por lo que deja traslucir la música, ambientada en la década de 1980. Seguramente no sabremos en esta oportunidad qué pasó con Boo, pero la espera de más de una docena de años (a la Argentina llegará recién en junio de 2013) bien vale abrir un crédito a una historia destinada a ser un éxito dentro de dos inviernos.

ROBERT PATTINSON MENOSPRECIA LOS GUIONES DE CINE ACTUALES Robert Pattinson, la estrella de la saga Crepúsculo, que interpreta el papel principal en la nueva película de David Cronenberg, Cosmópolis, aseguró que le llamó la atención lo bien escrito que estaba el guión de la cinta en comparación con la mayoría de los que recibe. "Me pareció muy particular desde el principio (el guión de Cosmópolis). Está muy bien escrito. Muchos guiones son una basura y piensas qué puedes hacer para que suenen mejor, pero con éste, no tienes más que recitarlo. Incluso el peor actor del mundo podría leerlo y sonaría genial", declaró a Total Film. Pattinson, que saltó a la fama interpretando al vampiro Edward Cullen en la saga Crepúsculo, afirmó que quiere utilizar su fama para hacer películas con bajo presupuesto, que de otro modo no podrían hacerse. "Cuando consigues el éxito de forma tan rápida tienes que pagar por ello de una forma u otra. Yo quiero ayudar a mantener la industria del cine, que es lo que me gusta y me interesa", declaró. El poco poder que tengo me encantaría utilizarlo para que algunos proyectos que jamás se hubieran hecho de otra forma, salgan adelante y ¡salgan bien!", añadió.

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noticias

prometheus 2 Acabamos de ver Prometheus la película, pero ahora es inminente una segunda parte Prometheus 2. A la película le ha ido bien en las sala de los cines, siendo solo superada en la taquilla por Madagascar 3, por lo que el director Ridley Scott comentó que le gustaría explorar un poco más en el mundo de Prometheus. El final de incógnito de la película, nos deja abierta una historia con muchas posibilidades de su continuación.

oficial: sony pictures cierra acuerdo de distribución con uip para argentina Sony Pictures Releasing International y United International Pictures (UIP) cerraron un acuerdo de sub-distribución de material fílmico para la Argentina que se hará efectivo a partir del 1 de Julio de 2012. En el marco de este acuerdo, la primera película de Sony Pictures Releasing que será distribuida en Argentina por UIP es El Sorprendente Hombre Araña.

reposiciones y descubrimientos El circuito de los cineclubes de la ciudad permite volver a ver películas que pasaron fugazmente por la cartelera comercial, como 35rhums o El Topo, o reencontrarse con la obra del cineasta británico Terence Davies. Los cineclubes de Córdoba no están interesados en replicantes. Tampoco en superhéroes. Menos aún en las comedias de medio pelo que rellenan las pantallas oficiales semana tras semana. Un buen ejercicio para sopesar su función es imaginar un año sin cineclubes. El cine y su diversidad viven en estas pantallas “marginales”.

pizza, birra y cortos A todo el público que le gusta disfrutar de cortometrajes se lanza la 7º edición del Festival Nacional de Cortometrajes que se realizara el 12,13 y 14 de Octubre.


ADELANTO

El reconocido director Ole Bornedal trae a la pantalla grande “The Possession” (2012), una cinta basada en hechos reales publicado en un artículo en el New York Times, que cuenta la historia de una familia que se vio involucrada con una caja de madera que en realidad era un contenedor de un Dibbuk, un espíritu maldito que parasita y devora el alma del ser humano que posee. En el reparto tenemos a Jeffrey Dean Morgan, Kyra Sedgwick, Grant Show, y a la joven Madison Davenpor, como la hija poseída.

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ENTREGA Nยบ 3

LA LINTERNA MรGICA C I NE C L U B


Invierno es una palabra que rima con muchas otras. Sobre todo con frío, con sobretodo. Pero también con té, con fuego, con torta-en-el-horno, con fiaca y con cine. Frío, si no es de sierras no es frío y hay que animarse a las sierras con frío. Si mezclamos todo y se agita un poco explota el cocktail Cineclub La Linterna Mágica: una equilibrada combinación de sierras frías y buenas películas.

En junio cortaron la cinta para inaugurar la 5º Temporada con nada más ni nada menos que El Ambulante, premiadísimo y recomendadísisimo documental argentino dirigido por Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurkovich. El ciclo propuesto “pone en foco obras que muestran el proceso, las condiciones, las contradicciones, los miedos, y las pasiones del "hacer cine"”. Me gusta la idea. Un reflejo que se repite en el espejo como un pasillo infinito. Cine sobre cine. Y tiene un poco de ese morboso encanto del mago explicando el truco de magia, levantarse de la butaca y ver qué hay detrás de la pantalla, lo que no se ve, o como dicen en La Linterna Mágica, “lo que queda fuera de campo: el cine por dentro”. Como no podía ser de otra manera, el recorrido del ciclo “Cine haciendo cine: la realidad de la ficción” está trazado por siete películas distribuidas entre junio y julio. La cita es los viernes a las 21 bajo el techo de la Casa Azul en Río Ceballos, a menos kilómetros de Córdoba de lo que parece en el mapa.

En una ciudad serrana, en un centro cultural, en una pantalla, en la oscuridad, desde la butaca invitan a disfrutar el cine a “cualquiera que pueda soltar los prejuicios y abrir los ojos con curiosidad”. La programación se puede consultar en la página de facebook, junto a un álbum con los ciclos que se vinieron programando con pulmón constante y paladar exquisito en estos cinco años. Pósters muy enmarcables y colgables para cualquier pared dispuesta. La casa le recomienda a los cinéfilos urbanos una cata de celuloide en Río Ceballos, que en medio de las sierras el cine está más cerca. Cineclub La Linterna Mágica Casa Azul (Salta 55, a mts de la terminal de Río Ceballos) La Linterna Mágica

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EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD Un mundo para explorar Una película dirigida por John Madden (Shakespeare enamorado y La Mandolina del Capitán Corelli), nos lleva en esta ocasión a la India, acompañando a un grupo de ancianos ingleses con problemas físicos o emocionales que van a pasar sus últimos años en este exótico país. Al llegar al hotel, al que han anunciado como el mejor, se encuentran con una serie de eventos que ayuda a que entre algunos de ellos se desarrolle una gran amistad, aunque puede que algo más.

Para ver este film no necesitamos grandes conocimientos previos, solo ir, sentarse frente a la pantalla y dejarse llevar. Escrito de una forma majestuosa, no solo resulta creíble si no que te lleva con la historia. Los actores son muy buenos y hacen de esta película, valga la redundancia, una gran película. Cabe destacar que tiene una fotografía que acompaña a cada acción, creando un mundo paralelo, un mundo en donde se mete, indaga y se saca a la luz viejos secretos.

Es una gran película para ver, para valorar la edad y el tiempo que tenemos. Los personajes se enfrentan a situaciones que de alguna manera los remontan al pasado y reflexionan sobre como a veces una simple elección puede cambiar tu mundo. Una película increíble, que utiliza todos los medios con los que un director cuenta para poder meterte en la historia. A la vez muestra una sociedad que está inmersa en el mundo actual, pero que lucha por mantener sus tradiciones.

Un film plagado de reflexiones, momentos cómicos y no tanto, un mundo exótico que te llega con los colores y hasta es posible sentir el ambiente. Una reflexión de la película: todo saldrá bien al final y si no sale bien es que no es el final. Así que vean este hermoso film, déjense llevar por el director hacia este país y sobre todo “Bienvenidos al Exótico hotel Marigold”. Alloco Gisela


SOMBRAS TENEBROSAS Muchas risas y poca sangre Nuevamente Tim Burton estrena una película que nos adentra en su alocado mundo gótico y tenebroso. Como es costumbre, también está protagonizada por su íntimo amigo Johnny Depp, quien interpreta a Barnabas Collins: un joven adinerado que es maldecido, convertido en vampiro y enterrado en una fosa durante dos siglos. Cuando logra escapar en plena década de los 70’, deberá descubrir el cambio que se produjo durante su ausencia, darle la gloria a sus herederos y vengarse de quien lo encerró por años. La película, como el título lo denota, conjuga lo oscuro y lo tenebroso. La actuación divertida de Johnny Depp consigue que sea una parodia burlesca del conde Drácula. Collins es otro personaje creado por el dinámico actor que deja su toque Depp como a todos los que interpreta, con sus extravagantes gestos como firma. Por momentos la película es bastante entretenida y te sorprende con chistes que sacan una sonrisa, pero en otros se vuelve predecible, pudiendo imaginar lo que está por suceder. Ni hablar que parte de la historia cuenta cómo el protagonista busca a su verdadero amor que le fue arrebatado en el pasado. Pero aun así, vale la pena ir a verla. Aunque sea otra cinta más sobre vampiros, ésta es bastante original y tiene el inconfundible sello de Burton, reconocible a simple vista y que además, se dio el gusto de sacar su lado cómico para hacernos reír. Kevin Álvarez

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BLANCANIEVES Y EL CAZADOR Blancanieves y el cazador quizás sea la mejor película adaptada al género de aventuras fantásticas que se sale del cuento clásico de Disney. Es una película llevada a lo épico de la guerra entre la Bruja y Blancanieves. La adaptación hecha de uno de los relatos de los Hermanos Grimm, incorpora elementos nuevos a la historia pero no nos saca del cuento original, sino que aportan y hacen más dinámico al relato sin irse de la historia que todos conocemos. Algo muy interesante son las visiones contrastadas que el director da en los personajes: desde cómo ve la Bruja al Espejo y cómo lo ve su hermano, hasta la mirada de Blancanieves hacia el bosque (movedizo, inquieto, acechante) y cómo lo apreciamos nosotros también como espectadores (quieto, seco). En el film aparecen en escena trolls y hadas (que producen con su aparición el…) quiebre entre los momentos de tranquilidad y acción. Es una perfecta combinación entre los personajes naturales y los efectos diseñados digitalmente. Kristen Stewart (Crepúsculo) interpreta a una Blancanieves activa, dispuesta a vencer a la Bruja y a liberar a su pueblo de la oscuridad en la que se encuentra. Si dejamos de lado a la chica que se enamora de un vampiro y un hombre lobo, en el

film Kristen interpreta muy bien a esta nueva Blancanieves guerrera que tiene un romance con un apuesto cazador personificado por Chris Hemsworth (Thor). Sin dudar Charlize Theron es quien se lleva todos los aplausos en su interpretación de la malvada bruja Ravanna, convirtiéndola en una madrasta psicópata y obsesionada por su imagen quien es capaz de hacer de todo por tener el corazón de Blancanieves en su mano. Los enanos pasan a un segundo plano, creo que se desaprovecharon mucho ya que podrían haber tenido una mayor participación en la historia, como sucede en el cuento clásico.Además está muy bien logrado el efecto de hacerlos enanos, recordando que son actores comunes y que se usó la misma técnica empleada en El señor de los anillos para hacer a los hobbits. Con respecto al amor, podemos rescatar algo que solo vemos en esta adaptación y no en las dos anteriores: este film plantea el amor entre Blancanieves y un simple cazador, algo totalmente contrario a lo que vemos en el clásico de Disney y en Espejito Espejito, en donde la protagonista se enamora de un apuesto príncipe que tiene un castillo y fortunas. Creo que es una película entretenida y que quien vaya a verla va a pasar un buen momento de acción y aventuras. Federico Páez


MADAGASCAR 3

Después de aventurarse por el África, Alex y sus secuaces emprenderán el camino hacia su lugar de origen: el zoológico de Central Park. Pero para poder volver tendrán que escaparse de la intrépida Frances McDormand, una trabajadora de Control de Animales que hará lo imposible por atraparlos, aunque con la ayuda de un circo de Europa lograrán lo que tanto desean. Aventurarse a esta película de animación para niños (y no tanto) es algo de lo que no se arrepentirán. Madagascar 3 viene plagada de chistes y gags visuales que no te dará tiempo de respirar para seguir con la risa y no es necesario ver las dos anteriores para llevar el hilo de esta tercer historia. Madagascar 3 nos lleva al mundo del circo y de los artistas estrellas.Aunque después de un tiempo ya no son tan estelares, con ayuda de Alex podrán volver a serlo. Es increíble como la historia realmente introduce a la vida de circo y como fluyen las relaciones entre todos los personajes que la historia nos presenta sin dejar nada en el aire.

Si bien Madagascar 3 no tiene comparación con su primera entrega, esta vez se han redoblado las apuestas en cuanto a puesta de escena y se ha dejado un poco de lado el efecto 3D. Si bien está presente no es esencial para el relato del film, lo cual enfatiza más la historia. Creo que en esta tercera parte los directores pusieron todo su empeño en que llegue con claridad el mensaje de la película: muchas de las respuestas sobre las preguntas que nos hace la vida misma las llevamos adentro nuestro, pero a veces necesitamos el empujón de un amigo para poder verlo con claridad.El final es un poco predecible pero nos deja con una sensación de tranquilidad y con ganas de cumplir nuestros sueños. Si tenés ganas de volver a reírte con tu niño interior, esta película es una excelente excusa para hacerlo.

Algo que debo remarcar es el personaje del antihéroe presente en casi toda la historia, que nos da esa sensación de escapatoria todo el tiempo de los animales y nos da ganas de que la venganza sea cruel contra esta persona que les quiere arruinar el viaje.

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TIM BURTON, TRADEMARK

Ayer los de la Warner le dieron a Tim una scooby galleta y le prometieron que si sigue haciendo “lindas pelis” le van a alargar la correa. No es pecado que una película arranque de manera convencional o que inyecte una dosis de previsibilidad al espectador. El mismo Hitchcock dijo una vez que lo importante no es evitar empezar con un cliché, sino sencillamente no dirigirse irremediablemente a uno. Inclusive llega a ser admirable cómo en ocasiones, pasados sólo cinco minutos de proyección uno ya puede determinar quién es el autor de un filme, sin necesidad de introducciones o créditos. Pero apoyar el mentón en la mano y resignarme a no ser sorprendido por ciento trece minutos desde la segunda escena no era lo que tenía en mente cuando saqué la entrada para Sombras Tenebrosas.

El mismo registro actoral de siempre (Jonhy Depp ya puede salir en pantalla con una media en la cabeza), la habitual banda sonora que recorre una tangente escalofriante a pesar de las intervenciones “setentosas” y una trama que fuerza un conflicto tan insostenible como obsoleto, son los principales cráteres de la “nueva” y simpática película del creador de emblemas como “Eduardo Manostijeras”. Es desilusionador, pero luego del cuarto chiste elemental que se desprende del anticuado vocabulario de “Barnabas”, del empacho de un recurso tan pobre y conveniente como el hipnotismo para sortear obstáculos y del hecho de poder predecir acertadamente el final del relato a mitad del recorrido, no tengo otra que llegar a la conclusión que Tim Burton, en esta ocasión, se explota a sí mismo como si fuera una fábrica de cotillón para Hallowen con especialidad en dentaduras plásticas tipo vampiro.


Pero bueno, a tomar nota: si nos preguntan en la calle y no queremos ser indiscretos o irrespetuosos contra el condecorado director californiano, diremos que es un film que lleva la marca de agua de su autor en cada plano, que desde el vestuario y la escenografía se da una muy buena adaptación de la década del setenta en los EEUU, que la empatía por personajes oscuros pero ingenuos sigue siendo un rasgo inconfundible de su cine y ciertamente los efectos especiales están tan prolijos y verosímiles como de costumbre. Y sobre todo, podemos aclamar con una media sonrisa que la película “entretiene”. O sea, algo que hacemos para pasar el rato hasta que llegue el turno a cosas más importantes. Y, lastimeramente, en eso se ha convertido la producción de un cineasta que hace veintidós años solía distinguirse por su estética visual y narrativa, incomodar y en ocasiones hasta generar replanteos en los espectadores. Sus películas ya no generan más que “entretenimiento”.

Salimos de la sala con una amiga y nos fuimos a comer. Hacía bastante frío y la charla derivó en cómo los taxistas siempre se quejan del clima y que yo esperaba que el sábado estuviera más templado para poder ir a la cancha sin tanto abrigo. No discutimos sobre lo que acabábamos de ver; ni siquiera pensé en “Sombras” hasta el momento de escribir esta crítica. Obvio que para Burton no es nada, tiene prestigio, tiempo y dinero para repuntar cuando quiera. Sinceramente sólo espero que alguien lo libere a él del sarcófago.

Pipi Papalini

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A DA PTA CI ON ES

Distintos LENGUAJES, misma HISTORIA Últimamente la pantalla cinematográfica se ha llenado de adaptaciones: desde videojuegos (Resident Evil), cómics (Batman), anime y manga (Dragon Ball), hasta libros (El señor de los anillos, Harry Potter). Estas producciones surgen de adaptar lo anteriormente nombrado siempre y cuando sean historias que aseguren el éxito de la película.


Hace un par de años lo que abundan son las adaptaciones de cómics. A lo largo de la historia hay una lista sin fin de superhéroes que han llegado a la pantalla grande como Batman, X men, Iron Man, Capitán America, El Hombre Araña, Hulk, Thor y la última tan exitosa Los Vengadores. A la hora de ver una película adaptada siempre se suscita el mismo interrogante: “¿la película será mejor que el libro?”, “el cómic es mejor que la peli”, “la historia del videojuego no estuvo bien adaptada”. Hay que tener claro que cuando vemos una de estas películas, estamos frente a la visión de un director y un guionista acerca de un universo adaptado. Hay que saber ver a la película como tal y dejarla un poco aparte de donde fue adaptada, lo cual también depende del grado de fidelidad que se busca.

Podemos distinguir 3 grados de fidelidad: Adaptado de: son las adaptaciones fieles, se toma el conflicto, la historia, los personajes, los espacios y tiempos. Se pueden agregar o suprimir personajes siempre y cuando no pierda el sentido de la historia. El señor de los anillos en sus tres entregas es un ejemplo de este tipo. Basado en: en este tipo de adaptaciones se toma el sentido de la obra, la idea y el tema. Se busca lo esencial como conflicto y personajes principales. Resident Evil se puede considerar dentro de este tipo de adaptación, ya que toma los personajes principales en la historia del videojuego, los elementos claves como la corporación Umbrella y el conflicto del videojuego Versión libre de: este es el último tipo de adaptación, aquí se toma solamente algo de la historia a adaptar, puede ser un personaje y darle otro significado, se puede tomar la anécdota o la sub trama.

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BATMAN “Del cómic a la pantalla grande”

Desde hace mucho tiempo las tiras cómicas entretienen con su mundo de fantasías, de héroes y villanos a adultos y jóvenes. En el siguiente texto haremos un recorrido por la historia de un héroe que cuenta con varias adaptaciones y está presentando su nueva aparición en los cines.

Por siempre Batman

Corría el año 1938 y la editorial DC Cómics había lanzado uno de los personajes más conocidos de la marca: Superman. Debido a esto, Bob Kane recibió de su editor, Vincet Sullivan, el encargo de pensar un nuevo superhéroe. Así, en el año 1939, nació Batman de la mano de Bob Kane y Bill Finger, realizando su primera aparición en la historieta titulada El extraño caso del sindicato químico, en la revista Detective Cómics número 27, luego obtendría su propia revista en 1940. Con el paso de los años, debido a su personalidad, villanos y aventuras, Batman se fue convirtiendo en uno de los personajes emblemáticos de DC cómics, siendo un ícono cultural para mucha gente.

¿Cuál es su historia?

La identidad secreta de Batman ha sido siempre Bruce Wayne, un empresario multimillonario que después de ser testigo en su niñez de la muerte de sus padres, jura venganza y, tras someterse a un entrenamiento físico y mental, se dedica a combatir el crimen en ciudad Gótica. La muerte de sus padres fue lo que le hizo falta a Bruce Wayne para dar paso al caballero de la noche.

Un héroe distinto

Batman a diferencia de otros héroes no tiene súper poderes, solo su inteligencia, destreza y fortuna… además de una serie de aparatos que utiliza para combatir el crimen. A diferencia de Superman, Batman con su vestuario oscuro representa aquello en que la nación llegaría a convertirse si el mal lograra salir victorioso. Batman no tiene el espíritu de una organización del gobierno ni es un justiciero sino un vengador que se rige fuera de la ley en el marco de ciudad Gótica poniendo a raya a los criminales que quieren tomar el control total. A lo largo de su historia Batman ha tenido un sin fin de villanos de diversas características pero que en más de una ocasión logran cierta empatía con el espectador. Muchos de estos presentan aspectos contrarios a la personalidad y comportamientos del héroe, teniendo en común una serie de historias trágicas que los condujeron a la vida delictiva. Batman es un héroe muy distinto si lo comparamos con Superman, ambos de DC cómics, es por eso que cito un extracto de una entrevista realizada por Semanario Bamba a Omar Geiser, especialista en cómics, anime y manga: En cuanto a Superman y Batman, se los pudo ver juntos en varias ocasiones, pero también son muy distintos. Esto es simple, “Superman” es la manera de hacer las cosas pensando siempre en hacer el bien y tiende a resolver los problemas como puede, enfocándose en el bien nunca en el mal.“Batman”, piensa en el bien, pero tiene una parte más oscura, además es inteligente y se toma su tiempo para resolver los casos. “Superman” mezcla mucho los sentimientos cuando pelea o cuando resuelve algo,


pero “Batman” es objetivo, frío, calcula las cosas; de hecho muchos de los enfrentamientos de “Batman” lo hacen pelear contra su objetividad, decidir quién vive y quién no. Con las pruebas que el “Guasón” le pone a “Batman” se puede apreciar esto de “Batman van a morir por tu culpa”. “Superman” va y se enfrenta al enemigo sin pensar en las consecuencias de lo que está haciendo, y su enemistad con “Lex Luthor” ronda siempre sobre lo mismo: la criptonita, la envidia de Luthor por no tener poderes en contraposición con la amistad que tuvieron en algún momento. La unión de “Batman y Superman” viene de que son un complemento, cada uno tiene lo que el otro no.

Las adaptaciones

Batman ha tenido varias adaptaciones de los cómics a la pantalla grande, pasando por diversos directores y estéticas. En 1989 y 1992 estrenaron las primeras dos adaptaciones de Batman, tituladas Batman y Batman: Vuelve, estuvieron a cargo del director Tim Burton. En estas dos primeras entregas Batman fue interpretado por Michael Keaton, en Batman el villano de turno era el Guasón, aquí interpretado por Jack Nicholson. Mientras que en la secuela eran el pingüino, Gatubela y Max Shreck. En 1995 y 1997 estrenaron las adaptaciones del director Joel Schumacher en la cual se cambió la estética de las dos películas anteriores.

En Batman por siempre, en la cual se presentaba a Robin, la interpretación de Batman estuvo a cargo de Val Kilmer. En esta ocasión los villanos de turno eran Dos caras y El acertijo. Con respecto a la entrega de 1997 titulada Batman y Robín, aquí se presentó a Bati chica, volvió Robín y un Batman interpretado por George Clooney, los villanos fueron Dr. Frío, Hiedra Venenosa y Bane, y se implementó en estas entregas cierto grado de humor y latiguillos por parte de Batman y los villanos. Las últimas dos adaptaciones hasta el momento fueron bajo el mando de Christopher Nolan y se titularon Batman: Inicia y Batman: El caballero de la noche. Batman: Inicia presenta a un héroe protagonizado por Christian Bale al igual que la secuela y cambia nuevamente la estética presentando distintos personajes y poniendo en el juego nuevamente a grandes villanos como el Guasón, Dos caras y en esta tercera entrega a personajes como Bane o Gatubela. Estas entregas a diferencias de las anteriores presentan a un Batman más oscuro en el sentido de que es más violento y está dispuesto a todo para ganarle al mal que acecha a Ciudad Gótica, mientras que los villanos son más crueles y carecen de humor picaresco. Esto se puede apreciar si se compara las distintas interpretaciones del Guasón, por un lado, en Batman y por el otro, en Batman: El caballero de la noche.


En cuanto a ciudad Gótica, la ciudad que nos sitúa Christopher Nolan es más realista, está más ubicada en una posible actualidad y no repleta de estructuras oscuras y góticas como ocurre en las 4 entregas anteriores. En El caballero de la noche ciudad Gótica tranquilamente se podría comparar con, por ejemplo, New York.

Christopher Nolan con sus entregas lo que hace es presentarnos el origen de Batman y de villanos como El Guasón, Dos caras. Contarnos un nuevo relato que no tiene nada que ver con las películas que vimos anteriormente, pero si tienen relación con historias y caracterizaciones que se han podido apreciar en los diversos cómics. Ahora nos queda apreciar la nueva entrega Batman Asciende, capítulo que completa y sirve de cierre en esta trilogía comandada por Christopher Nolan. Lionel Alisi

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ELEFANTE BLANCO Género: Drama Duración: 115 minutos Reparto: Ricardo Darin, Martina Gusman, Jérémie Renier Director: Pablo Trapero

CUANDO LOS CHANCHOS VUELEN Género: Comedia, drama Duración: 98 minutos Reparto: Sasson Gabai, Ulrich Tukur, Manuel Cauchi Director: Sylvain Estibal

Este prometedor film de Trapero con una nueva participación de Darín, narra la historia de amistad de dos curas, Julián y Nicolás, que tras sobrevivir un intento de asesinato por parte del Ejército durante su trabajo en Centroamérica, se asientan en una barriada de Buenos Aires para desarrollar su apostolado y labor social. Allí conocen a Luciana, con quien lucharán codo a codo contra la corrupción, mal endémico de la zona. Su trabajo les enfrentará a la jerarquía eclesiástica y a los poderes gubernamentales y policiales al arriesgar su vida por defender su compromiso y lealtad hacia los vecinos del barrio.

Esta película Coproducida por Francia, Bélgica y Alemania, narra la historia de Jaafar, un pescador palestino pobre que no suele tener mucha suerte con las redes. De vez en cuando, algún pez microscópico que no despierta la admiración en el mercado y, sobre todo, miles de latas de conservas y botellas de plástico pescadas todos los días. Después de una tormenta en el mar, Jaafar ha perdido todo, solo le queda un cerdo barrigón. Tratara de vender la impura bestia para empezar una nueva vida, pero intentar sacar provecho de un cerdo en Gaza no es la tarea más fácil del mundo.

UN SUCESO FELIZ

PROMETEO

Género: Comedia, drama Duración: 107 minutos Reparto: Louise Bourgoin, Pio Marmaï, Josiane Balasko. Director: Rémi Bezançon

Género: Suspenso Duración: 126 minutos Reparto: Noomi Rapace, Charlize Theron Director: Ridley Scott

Otra coproducción Francia-Bélgica, en el marco de una nueva edición de “Les Avant Premières” que nos cuenta la historia de una pareja de jóvenes profundamente enamorada, que lleva la típica vida de solteros sin hijos, hasta que ella queda embarazada. Entonces se verá cómo el embarazo y la llegada de este nuevo ser cambiará completamente su vida cotidiana e incluso amenazará con transformar este feliz acontecimiento en un verdadero calvario. Una visión íntima, sincera y llena de ternura sobre lo que significa ser padres.

Precuela de la recordada película "Alien, el octavo pasajero". Con Prometeo, Ridley Scott ha creado una nueva fábula futurista, en la que un equipo de exploradores descubre una pista para descifrar los orígenes de la humanidad en la Tierra, situación que los lleva a emprender un emocionante viaje, a bordo de la nave espacial Prometeo, hacia los rincones más oscuros del universo. Ahí, deberán librar una aterradora batalla para salvar el futuro de la raza humana.

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ABRIR PUERTAS Y VENTANAS Género: Drama Duración: 98 minutos Reparto: Martina Juncadella, Ailín Salas, Maria Canale Director: Milagros Mumenthaler Esta coproducción Argentino-Suiza narra la historia de tres hermanas, Marina, Sofía y Violeta. Las tres viven en la vieja y amplia casa de su abuela, Alicia, con quien se criaron desde chicas. Alicia falleció hace un par de meses y esta pérdida pone en evidencia la relación entre las tres hermanas. Un estado de incomunicación, de ocultamiento y de mentiras se apropia de la casa, que se tiñe de una atmósfera cada vez más densa. Cada una afronta el duelo a su manera. A Violeta parece no importarle nada y decide irse con un hombre mayor. Frente a esta nueva ausencia, que reactualiza la de Alicia, Marina y Sofía reaccionan de maneras muy distintas. Etapa de cuestionamientos, de afrontamientos y de búsqueda, el período de un duelo que les toca vivir allí a Marina y a Sofía. El tiempo pasa y las cosas, poco a poco, se van acomodando. La muerte de la abuela y la partida de Violeta van quedando atrás.

EL SECRETO DE ALBERT NOBBS Género: Drama Duración: 113 minutos Reparto: Glenn Close, Mia Wasikowska, Jonathan Rhys Meyers Director: Rodrigo García Con 3 nominaciones al Oscar por sus actuaciones y su maquillaje, “El secreto de Albert Nobbs” llega auspiciosa y prometedora, se adentra en la vida, las pasiones y las ilusiones de una mujer oprimida por la sociedad en la que vive, pero que devela su necesidad de disfrazarse y cambiar su identidad por una situación traumática del pasado. Glenn Close encarna uno de los papeles más jugados y osados de su carrera y se convierte así en lo mejor de la película. El relato se centra en una mujer que se hace pasar por un hombre para poder encontrar un trabajo y sobrevivir en la Irlanda del Siglo XIX, tras lo cual se verá inmersa en un inusual triángulo amoroso.

EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD

EN FUERA DE JUEGO

Género: Comedia, Drama Duración: 122 minutos Reparto: Maggie Smith, Bill Nighy, Judi Dench. Director: John Madden

Género: Comedia Duración: 103 minutos Reparto: Diego Peretti, Chino Darin, Fernando Tejero Director: David Marqués

Del Reino Unido nos llega casi desapercibida, este película que parada sobre grandes actuaciones, sobresale con una pequeña gran historia, que camina junto a un grupo de jubilados británicos que deciden contratar su retiro a la "menos costosa" y aparentemente exótica India. Atraídos por anuncios publicitarios del recién restaurado Hotel Marigold y motivados por visiones de una vida de ocio, llegan a descubrir que el palacio es un cascarón de lo que alguna vez fue. Aun cuando el nuevo entorno es menos lujoso de lo que habían imaginado, serán transformados para siempre por sus experiencias compartidas, descubriendo que la vida y el amor pueden recomenzar cuando dejas de aferrarte al pasado.

A la medida de su curriculum, Diego Peretti encarna a un médico solitario y poco sociable que ha crecido odiando el fútbol. Su tío acaba de sufrir un infarto, y cuando va al hospital donde está internado para visitarlo, éste le explica que el Real Madrid está interesado en un joven al que entrena y representa, Gustavo-César (Ricardo “Chino” Darín), y que hay un representante español que pretende quitárselo. El entrenador le hace chantaje emocional a Diego: debe ir a España para dejar las cosas claras haciéndose pasar por el representante del jugador. Obligados por las circunstancias a compartir la representación de Gustavo-César, Javi (Fernando Tejero) y Diego iniciarán un camino lleno de giros, sorpresas, mentiras, picardías y estrategias varias, que cambiará para siempre sus vidas.

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CONTADORES HACIENDO CINE

CHARLA CON

RUTH KING


Ruth King ríe. Mucho.

Ríe cuando llega a clases, cuando filma, lanzó carcajadas durante toda esta entrevista y es muy probable que se tiente al leerla. Pero una vez que traspasamos la barrera de risotadas, leitmotiv de flores y remeras de los “Red Hot”, se nos revela una mujer que intriga por sus energías y una personalidad que brilla hasta levantar sospechas. Su niñera fueron los VHS y su “handy” una de sus mejores compañeras. De Paraná, Entre Ríos, arribó con referentes filosóficos como Nietzsche para encauzar una carrera que ya le valió clasificar como finalista en el concurso internacional de cortos “Make It Short”, entre otras cosas. Zoom hacia un verdadero fenómeno energético, una chica clown que no sigue más protocolos que los que le imponen sus sentidos y cuya felicidad rebalsa la cordura. Ruth: Yo tengo algo que por un lado es re lindo y por otro me re caga la vida, que es que soy cien por ciento sincera, soy una pelota de sinceridad (…) si yo estoy enojada o algo me molesta no puedo aparentar que no me está molestando y a su vez si estoy feliz no puedo aparentar que no estoy feliz (…) Obvio que hay veces que estoy triste, hay un montón de cosas que me dan bronca, pero eso no opaca la felicidad porque uno puede ser una persona triste y alegrarse por algunas cosas, pero va a seguir siendo alguien triste. Yo soy una persona feliz y si por ahí siento tristeza, no dejo de ser feliz. Pipi: Claro, vos no te haces un planteo al estilo “a mal tiempo buena cara”, sino que considerás que hay que ser feliz hasta en las circunstancias más adversas por el sólo hecho de sentir el malestar. Partir del sentimiento como un acontecimiento de “felicidad”.

Ruth: De una. Aparte yo creo que todos vinimos a esta Tierra para ser felices. La gente siempre se busca una misión o algo y yo siempre les digo: tu misión es ser feliz, ¿para qué vas a vivir la vida si no sos feliz? O sea, ¿para qué vas a tomar un café sin azúcar? ¡No lo tomes si está feo! (risotada atronadora) Además soy así porque tengo mucha paz adentro mío. Yo me acuesto a la noche y está todo bien. Todo bien. Y me despierto y me encanta que haya todo un día por delante, por ejemplo. Pipi: En ese sentido pienso que realizás cosas bastante coherentes con tu personalidad, con tu forma de vida. Moldeás todo lo que filmás con una estética optimista, no ingenua, pero si optimista ¿Vos sentís que tenés un estilo delineado o no? Ruth: No sé, a mí me gusta trabajar con lo surrealista (…) Porque para las cosas simples está la vida y yo tengo el cine para hacer otras cosas. Hace un rato hablábamos de que los artistas viven un cincuenta por ciento “acá”, en éste mundo, en el presente y un cincuenta por ciento en SU mundo. Creo que volvemos a eso cuando digo que, si yo ya vivo “acá” ¿para qué entonces filmar más de este lugar, si yo me quiero ir más “allá”? Por ahí si vos querés hablar de un estilo mío, me gustan esas cosas que no las podés ver “acá”, capaz que ni siquiera las podés imaginar “acá”(…) Para mí hacer arte es “expandirse” y no sólo me refiero al cine, sino desde hacer un dibujo a sacar una foto: es

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gestar algo que capaz entienda solamente yo pero que me hace crecer. Porque cuando una obra se concreta yo tengo algo más en mi vida y a mí me ayuda. Personalmente me encanta que muchos no entiendan las cosas que hago, porque esa es mi intención. Yo por ahí soy re egoísta, porque a mis cosas las comparto con todo el mundo, pero no son para todo el mundo. Pipi: Sí, sos egoísta con las cosas que hacés. Te gustan principalmente a vos y eso es lo que te importa. Pero por lo menos sos sincera hasta en ese punto, no les vendés otra cosa a los demás ¿Hubo algún momento puntual en que decidiste estudiar cine? Ruth: ¡Sí, cuando me enteré que existía la carrera! (cascada de carcajadas) ¡Porque yo no sabía que se estudiaba, o pensaba que se estudiaba en otro lado, como en Hollywood! Después me enteré por un amigo de mi hermano que podía aprender acá en Córdoba y me vine. De todas maneras si tu pregunta es algo así como “¿En qué punto te diste cuenta que amabas el cine?”, yo creo que no sé, que eso viene con uno, más allá de estudiarlo. Bueno vos no cursaste conmigo primer año, pero me acuerdo que el primer día un profesor nos dijo: “Chicos, acá se es bueno o no se es bueno. Y espero que los que no son buenos se den cuenta rápido para dejarle lugar a los que son buenos”. Y en realidad nadie le hizo caso y sigue habiendo un montón de tontos dando vueltas, pero yo me lo tomé en serio. Por ejemplo, reconozco que soy una actriz del orto y por eso no estoy haciendo ningún taller de actuación dónde le estaría ocupando el

lugar a otra persona que lo podría hacer genial. Entonces es como que podés aprender miles de cosas, miles de efectos, pero el arte no se aprende, el arte lo haces vos, VIENE con vos. Entonces, por ejemplo, yo trabajé en este corto (refiriéndose al proyecto que participó del concurso) con gente que jamás estudió cine y que nunca en su vida tocó una cámara y fue maravilloso: la vida que le pusieron, las ideas que les salían fue algo grandioso. Yo sé que tener a esas personas al lado mío fue mil veces más productivo que tener a alguien que “estudió cine”. Pipi: Porque vos lo sentiste así, entonces te sirvió y supongo que eso es lo que cuenta. Ruth: Sí, a ver, es como la gente que estudia para cantar bien un montón de años y de repente vos vas por la calle y te encontrás a alguien que canta bellísimo, que se te desgarra el corazón de como canta y te dan ganas de gritar “¡Loco, ¿qué haces acá en la calle?!”. Entonces por ahí yo creo que la gente nace con eso. Yo no te estoy diciendo que tengo un don, pero yo sé que nací para hacer cine y más allá que lo haga bien o mal, me hace feliz (sonríe tanto que sus dientes encandilan) Pero a su vez hay gente para todo y el cine está bueno porque no le cierra las puertas a nadie. Vos ves que hay Directores, hay Productores, Eléctricos y Directores de Fotografía y todos cumplen un rol. Yo en esta ocasión trabajé hasta con contadores, o sea ¡contadores haciendo cine! Y ellos desde su profesión a mí me ayudaron muchísimo. Pipi Papalini, Junio 2012.


EL UNIVERSO DEL ÉXITO Hace mucho, mucho tiempo… en una galaxia no muy lejana el joven George Lucas tenía la ambición de crear un universo donde héroes y villanos se enfrentaran por la liberación de una república. Ese sueño se llamó La guerra de las galaxias. Te invitamos a recorrer 35 años de historia.


El comienzo En la década del ‘70 fue cuando comenzó a gestarse este proyecto en la cabeza del director George Lucas. Lucas Film tenía un pre-acuerdo con Twenty Century Fox para hacer La guerra de las galaxias pero todo dependía de un guión definitivo, un presupuesto “razonable” y que el Consejo de Administración confiara en el proyecto. Pocos meses después de que se filmara American Graffiti en 1973, Lucas escribió un boceto al que tituló The Journal of the Whills, en el que se relataba el entrenamiento del aprendiz C. J. Thorpe como comando espacial a manos del legendario Mace Windy. Al pensar que esta historia sería demasiado difícil de comprender, redactó un tratamiento de trece páginas al que llamó The Star War y que consistía en una especie de remake de la película La fortaleza escondida, dirigida por Akira Kurosawa. Para 1974 ya se había extendido dicho tratamiento a un guión en el que se incorporaban elementos como los Sith, la Estrella de la Muerte y un joven llamado Annikin Starkiller como personaje central. La segunda versión fue muy simplificada e introdujo al joven héroe, llamado ahora Luke, en

una granja; además, convirtió a Anakin en el padre del protagonista y en un sabio caballero Jedi, e incorporó la Fuerza como un poder sobrenatural. En la siguiente versión, Lucas eliminó al personaje paterno y lo reemplazó por un sustituto llamado Ben Kenobi. En el otoño de 1974, Lucas reclutó a Ralph Mc Quarrie para que lo ayudara a visualizar la galaxia, trabajo que se prolongó casi una década. Al comenzar 1975, Mc Quarrie le presentó cinco ilustraciones a George Lucas. Los bocetos captaron el aspecto y las sensaciones que el director esperaba mostrar en la pantalla y esto ayudó a Alan Ladd Jr. para convencer a los miembros de Twenty Century Fox en darle luz verde al proyecto. Una cuarta versión fue terminada en 1976, siendo la definitiva para comenzar la etapa de rodaje. Al principio, el film se nombró Adventures of Luke Starkiller, as taken from the Journal of the Whills, Saga I: The Star Wars. Durante la producción, Lucas cambió el apellido de Luke a Skywalker, simplificando el título a StarWars. La primera entrega de StarWars se conoció como Una nueva esperanza, la cual se estrenó en los cines el 25 de mayo de 1977…pero éste era solo el comienzo.

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En el año 1980 se estrenó el segundo film de StarWars titulado El imperio contra ataca, pero en orden cronológico la quinta entrega de la saga. El imperio contra ataca estuvo a cargo de Irvin Kershner. Esta entrega junto a El regreso del Jedi son las únicas en no ser dirigidas por el creador de la saga, cuentan con un guión basado en una historia de George Lucas y escrito por Lawrence Kasdan y Leigh Brackett. La película fue un éxito en las críticas siendo calificada como la mejor entrega de Star Wars. El film recaudó más de 538 millones de dólares en todo el mundo convirtiéndola en el más taquillero de 1980.La película se sitúa tres años después de la destrucción de la "Estrella de la Muerte", Luke Skywalker, Han Solo, Leia Organa y el resto de la alianza rebelde son perseguidos por Darth Vader y las fuerzas de élite del Imperio Galáctico. En esta entrega se desarrolla la historia de amor entre Han y Leia, y por otro lado Luke aprende más sobre los caminos de la fuerza de la mano del maestro Yoda. Con Han y Leia capturados por el Imperio, Luke luchará contra Vader en una confrontación increíble en donde se descubre el secreto que une a DarthVader con Luke Skywalker: la famosa frase “soy tu padre”.

En la época en que se empezó a escribir el Episodio VI, en 1981, en ese entonces conocido como La venganza de los Jedi pero posteriormente titulado El regreso del Jedi, muchas cosas habían cambiado. La producción de El imperio contra ataca se había tornado estresante y costosa, pasando Lucas por momentos muy delicados en su vida personal. Desanimado por esta situación, decidió que no haría más películas de Star Wars, mencionando incluso públicamente que la serie había concluido en una entrevista ofrecida a la revista Time en mayo de 1983.Los primeros guiones de Lucas para este nuevo capítulo se remontan a 1981 y muestran a DarthVader compitiendo con el emperador por la posesión de Luke Skywalker. En el segundo guión, que consiste en una versión mejorada del original, Vader se convierte en un personaje simpático. El guionista Kasdan fue contratado para encargarse del libreto final, siendo el responsable de que el villano principal se redima y quede desenmascarado en las últimas escenas. Adicionalmente, este cambio en el personaje habría de proporcionar un precedente para la historia trágica de Darth Vader, la cual se convertiría en el eje argumental de las precuelas de Star Wars producidas décadas después.


Toda historia tiene un principio Llegado el año 1993, George Lucas anunció que se encargaría de hacer las precuelas de StarWars. El proceso de redacción de esta nueva historia se enfocó en un tono trágico a nivel general, ya que se examina la transformación de Anakin Skywalker en un ser cruel y despiadado. Se consideró que debía comenzarse una larga historia que abarcaría la infancia de Anakin concluyendo con su trágica muerte. En 1994, Lucas comenzó a escribir el primer guión titulado Episodio 1: El comienzo, luego titulado Episodio 1: La amenaza fantasma. Tras el debut en cines de dicha película, George Lucas anunció que consideraría si sería el responsable de dirigir también la segunda parte, en la cual ya había comenzado incluso a trabajar. El borrador original del Episodio II estuvo terminado tan sólo semanas antes de que comenzara su rodaje. Para revisar el escrito, Lucas contrató a Jonathan Hales quien previamente había colaborado con él en la serie de televisión Las aventuras del joven Indiana Jones. Como aún no había pensado en el subtítulo oficial de la película, a manera de broma Lucas lo llamó La gran aventura de Jar Jar. Cabe señalar que el concepto de Ataque de los clones surgió cuando Lucas se hallaba escribiendo el guión de El imperio contra ataca. En un inicio, el personaje de Lando Calrissian era un clon que provenía de un planeta habitado solamente por clones, lo cual originó la Guerra de los Clones mencionada brevemente por Obi-Wan en Una nueva esperanza. A partir de esto, Lucas desarrolló una estructura alternativa en torno a un ejército de milicia clon proveniente de un planeta distante, el cual atacó a la República pero fue vencido por los caballeros Jedi. Así, los elementos básicos de la trama original se convirtieron en el eje del Episodio II, con el nuevo aporte de que todo

el acontecimiento relatado había sido enteramente manipulado por el mismo, hasta ese momento, senador Palpatine. Finalmente, en el año 2005 llegó StarWars Episodio III: La venganza de los Sith, el último capítulo en estrenarse pero en orden cronológico el tercer episodio de la historia. La trama describe una época en la que los Caballeros Jedi se han esparcido por toda la galaxia dirigiendo un ejército clon masivo para enfrentar a los separatistas galácticos, tres años después del inicio de las Guerras de los Clones. El canciller Palpatine fue secuestrado y el maestro jedi Obi-Wan Kenobi, acompañado de su aprendiz Anakin Skywalker, son enviados a rescatarlo en una misión donde también deben deben eliminar a los líderes separatistas Conde Dooku y General Grievous para concluir el conflicto galáctico. Después de ser rescatado, el canciller inicia una amistad con Anakin, en la que pretenderá convencerlo de que existen más beneficios en el Lado Oscuro de la fuerza y no en el iluminado de la misma. La Orden Jedi empieza a sospechar de la amistad entre el canciller y Anakin e intenta averiguar los verdaderos objetivos de Palpatine. Cuando el canciller se descubre como el siniestro Lord Sith Darth Sidious, los destinos de la Orden Jedi y de la República Galáctica se encuentran expuestos ante un inminente peligro.

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Star Wars Episodio I: La primera en llegar al 3D Un largo Proceso de Creación Desde el estreno de El regreso del jedi todo el público ya fanático de la primera trilogía tuvo que esperar 16 años para disfrutar el comienzo de la historia y el pasado de Darth Vader en La amenaza fantasma y años después cerrar el círculo con El ataque de los clones y La venganza de los Sith. El proceso de armado de La amenaza fantasma comenzó en 1994 cuando George Lucas, creador de todo el universo Star Wars, se puso a escribir lo que sería el Episodio I. En el momento en que creó los Episodios IV, V y VI, sabía a grandes rasgos cuáles serían los argumentos de los Episodios I, II y III. Éstos, estaban destinados a establecer los conflictos, los personajes y la acción dramática de las últimas partes de la historia. De hecho George Lucas dice: “el argumento de la nueva trilogía determina el trasfondo de las demás” y agrega: “ese trasfondo lo empecé de una manera muy rudimentaria cuando escribí la primer trilogía y ya había cosas que tenía en claro como por ejemplo que había un personaje llamado Anakin Skywalker, que Anakin vivía en un pequeño planeta y era descubierto por los Jedis. Sabía de dónde venía cada uno y cómo llegaban, tenía pensado puntos aislados de la historia pero las escenas y otros personajes no”.

El episodio I llevó cinco años en producirse, la historia se remonta a más de treinta años antes de Una nueva esperanza y gira en torno a Anakin, Obi WanKenobi y Padme Amidala. Ésta entrega a diferencia de los últimos episodios, se centra en el origen de lo que vimos en Una nueva esperanza, es por ello que los vestuarios, las armas, naves, arquitectura tienen un aspecto más “antiguo” o si se quiere “natural” como se puede apreciar en el planeta Naboo, es decir, no tiene la forma imperial que veríamos tiempo después. Por otra parte, en el Episodio 1 también abundan las coreografías de peleas y enfrentamientos de espadas láser. Es la primera vez que el público veía a la Orden Jedi y sus enfrentamientos con los Sith. En esta entrega un tema puntual que toca George Lucas es el equilibrio entre el bien y el mal. Podemos ver que la búsqueda de este equilibrio fue un tema que dominó el proceso de redacción al mismo tiempo que Lucas organizaba un relato con muchos personajes, argumentos y tramas secundarias: “StarWars es un equilibrio de diversos personajes y diversas historias” dice Lucas y agrega: “escribir el relato es práctico, pero para construir escenas hace falta interacción, gente hablando entre sí o no habría dramatismo. Anakin tenía que tener una madre, Obi Wan un maestro y Darth Sidious un aprendiz. Todos tienen que tener a alguien que los influya”. Lionel Alisi


Teléfono, mi casa- (phone, home) resulta ser una traducción libre de la frase más famosa, en su versión original, de la película que en el mes de junio pasado cumplió 30 años. Esta producción fue dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por un ser de otro planeta. ET logró ser una de las películas que generó ternura en el espectador hacia un cuasi maestro Yoda con pizcas de amor y desconocimiento de la maldad. Este extraterrestre con cabeza grande y ojos saltones convirtió a su historia en la tierra en una de las películas más representativas de ciencia ficción. El relato planteó un mundo imaginario que llegó a todos e incluso insertó en la sociedad la fantasía de que las bicicletas puedan volar, un niño pueda cuidar a un ser de otra galaxia y forjar con él una amistad imposible de separar. Un 11 de junio, pero de 1982, llegó a las salas cinematográficas de Norteamérica y fue, según su director, un amigo imaginario de su infancia el que llegó a ser uno de los personajes que integra una de las películas más taquilleras de la historia. Se tenía pensada una segunda parte de la cinta que contaría cómo Elliot y sus amigos eran secuestrados por malignos alienígenas para salvarse luego gracias a la ayuda del simpático

extraterrestre. El título hubiese sido E.T. II: Nocturnal Fears, pero después de pensarlo y analizarlo Spielberg no lo permitió. También existe una curiosa relación estrecha entre el mítico maestro Yoda y el tierno extraterrestre, consecuencia de la amistad entre los directores. Yoda aparece en una escena de “Halloween” y similares seres con un gran parecido a ET se exponen en Star Wars Episodio 1: La amenaza fantasma. Los estudios Universal, con motivo de estos treinta años de historia y de patrimonio cinematográfico, en los próximos meses lanzarán una edición Blu-ray de la cinta donde estará el largometraje tal cual se emitió aquel 11 de junio de 1982. Todo aquel cinéfilo, sin dudarlo ni un minuto, estará adquiriendo la remasterización de esta gran producción. María Inés Stilp

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Entrevista exclusiva para Celuloide con

RODRIGO DE LA SERNA


Durante el mes de junio la obra teatral Lluvia Constante visitó la ciudad de Córdoba con la actuación del Rodrigo de la Serna y Joaquín Furriel en el teatro Real.

Rodrigo bienvenido a la ciudad de Córdoba, ¿Con qué se va a encontrar el espectador al ver Lluvia constante? Muchas gracias por el recibimiento ya que siempre es grato volver a una ciudad tan querida y en esta oportunidad, presentando Lluvia Constante en el Teatro Real, una obra teatral que venimos transitando con Joaquín hace un año con una temporada muy buena en Buenos Aires en el teatro La Plaza. Por otro lado, tuvimos la suerte de ser elegidos para el Festival Iberoamericano de Teatro en Bogotá y luego empezamos la gira nacional. Así que estamos acá en Córdoba ofreciendo esta obra que ya la conocemos bien y la tenemos transitada. ¿Tiene un valor agregado hacer la obra considerando que fue seleccionada para el festival Iberoamericano de Bogotá? Por supuesto, nos llenó de orgullo el reconocimiento. Hay un comité que viene al país a ver obras teatrales y elige cuales viajan. Representar a nuestro teatro, al teatro argentino con esta obra tan querida es un orgullo.

El viernes 15 de Junio a las 15hs en el hotel Sheraton se realizó una conferencia de prensa con los artistas hablando acerca de la obra, declaraciones que ofrecemos a continuación junto a una entrevista en exclusiva que realizamos con Rodrigo de la Serna para Celuloide junto a los colegas de Las rosas 107.3.

Lluvia constante es una obra de 95 minutos que requiere de una entrega y trabajo actoral muy fuerte ¿El trabajo que realizaste en Contra las cuerdas te ayudó a poder desarrollar tal entrega que requiere la obra? Sí, el entrenamiento de boxeo me ayudo mucho para esta obra que tiene mucha demanda física y emocional intensa. Son 95 minutos de pura adrenalina donde a los personajes les pasa de todo. Lluvia Constante es una gran tragedia contemporánea y todo eso lo dosificamos usando algo de humor. Esta obra se podría decir que tiene mucho entre líneas sobre el capitalismo y la sociedad ¿Es lo que vos elegís a la hora de hacer personajes que tengan otros mensajes y te enriquezcan como actor? Uno como actor me parece tiene varios pilares y es importante hacer una denuncia de la realidad que estamos viviendo. Esa es una parte importante de este oficio y hay que respetarla siempre. Pero no hay que dejar de tener en cuenta que hay otros niveles, uno también es un entretenedor. Una cosa

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no es menos noble que la otra. Entretener es un sano y noble oficio pero si uno puede invitar a la reflexión sobre la sociedad que estamos viviendo e inclusive sobrecosas más profundas que no tengan que ver con un marco social, como cuestiones existenciales, cosas más intimas del ser humano. Por ejemplo, esta obra habla de la amistad, de la lealtad, de la traición, del abuso, todas cosas que trascienden cualquier coyuntura social. Por otro lado, estas preparándote para Tiempos compulsivos con un personaje mitómano. Así es, estoy haciendo de un mitómano. Realmente es un personaje con mucho riesgo pero creo va a estar muy divertido porque un personaje así te permite mucho juego. Espero poder hacerlo bien, dentro de 3 semanas comenzamos a grabar y estamos repitiendo la experiencia de trabajar con las personas que trabajaron en El puntero. ¿El panorama para el 2013 ya lo viste? Ya cerré para hacer una obra de teatro nueva con el mismo productor de Lluvia Constante. La obra teatral es Amadeus. Minutos más tarde en un salón del hotel Sheraton se realizó la conferencia de prensa con Joaquín y Rodrigo respondiendo las preguntas de la prensa. Joaquín comenzó expresando: Me pone muy contento regresar a Córdoba luego de 7 años, hoy con Lluvia Constante. Una obra que disfrutamos mucho de hacerla ya que fue un encuentro muy potente profesional y personal el que tuvimos. Es una obra muy demandante tanto para Rodrigo como para mí en relación a los personajes y a la puesta de Javier Daulte, uno de los mejores directores de Argentina. Para nosotros venir a Córdoba es un lindo desafío porque hay mucho público acostumbrado a ver teatro y estudiantes de teatro con muy buena formación.


Luego un colega preguntó: ¿Sienten la misma sensación del primer día que hicieron la obra a hoy? A esta pregunta Rodrigo comentó: no sé si las mismas sensaciones pero siempre hay una adrenalina y una inquietud, sobre todo lo que te plantea la gira. En Buenos Aires quizás estábamos medio cansados. Joaquín interrumpe y agrega: en Buenos Aires hacíamos unas 6 funciones semanales y esa rutina te termina agotando. Rodrigo continúa: ésta es una obra muy particular porque hay momentos que la cuarta pared no existe y Joaquín comenta: Lluvia Constante no es una pieza pasiva en donde como espectador te sentás en la butaca a ver la obra, nosotros estamos todo el tiempo integrando al público. La obra requiere cierto compromiso del público, por ejemplo, quese imaginen las cosas que nosotros estamos hablando y se entiendan algunos conflictos.Ésta es una obra de teatro en donde el espectador es un actor esencial para que esto suceda. Luego nuestro colega de Las rosas 107.3 comentó: algunos periodistas de Buenos Aires han encontrado críticas a la sociedad y otros periodistas cuestiones existenciales que viven los personajes. Cada uno puede tener su propia mirada acerca de la obra teatral. Cualquier buena obra de teatro siempre va a tener eso, va a tener distintos niveles, distintas capas. Hay un marco de denuncia en esta obra o por lo menos de observación de una sociedad que se está yendo cada vez más a un extremo que extrapola a las personas y genera desechos no solo materiales sino también sociales. En la obra hay por un lado un nivel que habla de las decisiones imposibles que tienen que tomar estos dos personajes, dos policías de la gran

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metrópolis y luego un nivel más universal que habla de la traición, de la amistad, del abuso, de la relación del dominador y dominado. Pero también hay otro nivel y es que estamos entreteniendo. ¿Qué método eligieron para la construcción de los personajes? Preguntó una colega del periodismo televisivo cordobés. Daulte nos pidió que nos memoricemos toda la letra, que lleguemos al primer ensayo con la letra sabida y empezar a trabajar en el montaje. Por cómo trabaja Daulte en su propio montaje él va definiendo las características de los personajes. Daulte no es un director que pida mucho al actor, que trabaje por afuera del ensayo sino que en el trabajo que fue haciendo fue potenciando las características propias de nosotros dos como actores y complementando esas particularidades que tenemos. Entre otras cosas, el sostén en la obra es el vínculo de los dos personajes, lo demás son anécdotas, respondió Joaquín Furriel y Rodrigo de la Serna agrego: básicamente el desafío más grande era cómo dos actores que prácticamente no se conocían en un mes y medio pudieran armar un vínculo de toda la vida. El eje, creo que muy acertado por parte del director fue armar y estrechar yese vínculo, porque si no está la obra no existe. Por otra parte se pregunto a los integrantes de Lluvia Constante ¿La relación que tienen fuera de escena se ve reflejado en los personajes, en la madurez de la obra? Rodrigo rápidamente respondió: sin duda fue mejorando mucho, la obra sigue profundizándose y ganando dimensión. En cada función que hacemos encontramos novedades y eso hace que mejore muchísimo, increíblemente la obra sigue creciendo. Por eso también el disfrute de seguir haciéndola, vamos descubriendo cosas nuevas y en cuanto más nos conocemos nosotros dos en el escenario,

siempre si sucede algo, el otro acompaña y tratamos de que este dueto se potencie. Para mi del primer ensayo hasta ahora siempre tuve la sensación de que todo lo que ocurra era para que el relato se potencie para el público, expresó Joaquín y agrega: la obra no es pretenciosa ni tiene ninguna idea rara y creo eso un gran acierto del autor, además tiene ritmos parecidos a la filmografía de Tarantino en relación de que empieza, se corta, va para el pasado luego vuelve para el presente y todos elementos similares, por eso el espectador se tiene que comprometer porque va armando ese rompecabezas al ver la obra y al final se queda ah, mirá como terminó esto, no imaginé que termine de esta manera… pero termina así. Para finalizar la última pregunta que surgió en el salón del hotel Sheraton fue: algo constante en la obra es la lluvia ¿Qué significado tiene? Cuando se desata la tragedia empieza a llover. Al principio arranca entre risas, mira esto y lo otro, se muestra el vínculo, como son ellos dos y cuando empieza a llover es cuando todo se empieza a embarrar.La lluvia es un factor desencadenante del conflicto porque muchas de las cosas que suceden también suceden por la lluvia y a la vez va complicando todo, respondió Joaquín Furriel y Rodrigo de la Serna expresó con respecto a esto: la lluvia lo que hace es complicar todo y afectar las decisiones personales de los personajes. Nota: Lionel Alisi Fotografía: Lihué Capdevila


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Celuloide — Julio 2012