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DOCENCIA PARA LA CONSTRUCCIÓN DE CONOCIMIENTOS EN ARTES CREATIVAS Documento de trabajo Nº 6 IDENTIFICACIÓN Nombre del curso: Docencia para la construcción de conocimientos en Artes Creativas Horas totales: 10 Número de participantes: 30 Requisitos: Cursos base / Docencia para la construcción de conocimientos en Ciencias Exactas / Docencia para la construcción de conocimientos en Artes Creativas


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(Tiempo aproximado: 60 minutos)

 De forma individual y en silencio, leen los documentos que se les anexa.  Terminada la lectura se agrupa en pares y comentan lo leído.  El relator les invitará a compartir sus ideas en plenaria.

¿Qué es el arte?

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Seguramente todos los ensayos que acompañan a éste abren su introducción diciendo que no es posible definir el arte, que no se lo puede encerrar en una única definición por más amplia que esta sea. Pero el intentar descubrir cómo y dónde surge puede ser un buen punto de partida. Cada artista desde su punto de vista puede expresar qué es el arte y cada ser humano también puede expresar desde su punto de vista de observador/contemplador su opinión sobre qué es arte y qué no. Por ejemplo Andy Warhol dijo que el hacer dinero es arte y trabajar es arte y los buenos negocios son las mejores artes. Que este juicio sea o no válido dependerá de nosotros receptores ya que el arte también reside en quien recibe la obra, quien interpreta lo que esta nos entrega. Incluso, según Osear Wilde, el arte es el modo más intenso de individualismo que el mundo ha conocido. En la antigüedad, y hasta el Renacimiento, el arte significaba destreza, como dice el escritor francés Paul Valéry, «La palabra ARTE primeramente significó manera de hacer». En las primeras definiciones de arte encontramos no sólo las bellas artes, sino también estaban incluidos los oficios manuales. Las primeras clasificaciones no separaron las bellas artes de los oficios, sino que se dividieron según su práctica, las que requerían esfuerzo 1 Laura Pettinari, “¿Qué es el arte?”. UADE, agosto 2008. Disponible en http://diegolevis.com.ar/ entretenimiento/alumnos/pettinari.pdf

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Mucho recorrimos hasta las clasificaciones del arte de hoy en día. El término Bellas Artes se comenzó a utilizar en el siglo XVIII. Charles Batteaux indicó cinco: pintura, escultura, música, poesía y danza, y luego incorporó la arquitectura y la elocuencia. Esta lista fue modificada a lo largo de los últimos siglos de la historia moderna, perdiendo la elocuencia pero agregando al cine y a la fotografía. Incluso se dice que el noveno arte es la historieta, aunque algunos autores la toman como un puente entre el cine y la pintura. ¿Qué sucede entonces con la televisión, la moda, la publicidad, los videojuegos? Creo que del modo como la pintura o la música son un arte instalado como tal en el inconsciente colectivo, sólo lo que hagamos hoy, como espectadores y como artistas, hará que estas nuevas manifestaciones sean incluidas en alguna de las ramas del arte contemporáneo. ¿El arte miente?

Como dice en su libro Diego Levis, «Arte y computadoras», «La imagen (...) cumple un papel importante como medio para reproducir simbólicamente la realidad, una realidad en la que siempre se han entremezclado lo real materia y lo imaginario», en cuanto que cada artista decidirá qué reflejar y qué no y de qué modo lo hará, compartiendo con nosotros esa porción de su mundo. Esta decisión puede ser consciente o inconsciente, buscada o hallada por casualidad. Una obra puede surgir de la memoria del artista, de su imaginación o de su visión de la realidad y por más que intente ser objetivo, nunca llegará a serlo, ya que la naturaleza de la obra implica la interferencia de la persona. Ningún mensaje es inocente. Esta acción del artista sobre la obra es la que hace que algunos como Claude Debussy digan que «el arte es la más bella de las mentiras», o como dice la frase de Pablo Picasso: «El arte es una mentira que nos acerca a la verdad». Estas «mentiras» de las que hablan ponen en evidencia la claridad con la que los artistas manipulan la realidad y su visión de ella, de manera consciente, llevando una carga ideológica, intereses, intenciones y puntos de vista. Quien no sea consciente de esto está en riesgo de perder el contacto con la realidad compartida y perecer ante una enfermedad psíquica. Con respecto a esto, dijo Osear Wilde: «Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad; si lo hiciera, dejaría de ser artista». El arte en sí es el espejo de la realidad vista con los ojos del artista, y esos ojos son sus vivencias, sus experiencias, que marcan su mirada y lo llevan a enfatizar cosas que, tal vez, si nosotros hubiéramos estado en el momento de la creación no hubiéramos percibido. Incluso podemos citar hablando del tema a Francois Mauriac, quien dijo que «El artista es mentiroso, pero el arte es verdad». Citando una vez más a Pablo Picasso, «Sabemos hoy que el arte no es la verdad. El arte es una mentira que nos permite aproximarnos a la verdad, al menos verdad concebible. La pintura debe encontrar el medio de persuadir al público de que su mentira es la verdad».

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Hugo de San Víctor (s. XII) las clasificó: lanifium, armatura, navigatio, agricultura, venatio, medicina y theatrica. La poesía no aparece porque era considerada un tipo de filosofía o profecía. Tampoco aparecen la pintura ni la escultura porque solo estaban las siete más importantes y la utilidad de las artes visuales era algo marginal.

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mental solamente (liberales) y las que exigían un esfuerzo físico (vulgares). Pintura y escultura eran vulgares, e infinitamente inferiores que las liberales. Ya en la Edad Media, Ars eran solamente las artes liberales: gramática, retórica, aritmética, lógica, geometría, astronomía y música y eran enseñadas en la Universidad. Las artes mecánicas fueron clasificadas en el siglo XII en ars victuaria (alimentar a la gente), lanificaria (vestimenta), architectura (cobijo), suffragatoria (medios de transporte), medicina (curar), negotiatoria (intercambiar mercancías), militaria (defenderse del enemigo).


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Sensatez y Sentimientos Algo que es aceptado casi por toda la sociedad es que no hay proceso artístico sin ser humano. Podemos observar simios creando herramientas, “ideando” soluciones para un problema, incluso pintando cuadros, pero no podemos explicar el proceso de creación artística sin el hombre. Esto nos lleva a la pregunta: ¿El arte proviene del mundo de la razón o del corazón? El carácter racional del ser humano es lo que nos identifica del resto de los animales. Entonces: ¿implica que el arte proviene de la mente? Definitivamente el arte no podría ser el mismo si no fuéramos seres racionales. Honoré de Balzac fue muy categórico al declarar: “El arte nace en el cerebro y no en el corazón”. ¿Entonces como explicamos el sentimiento de los artistas que recurren a sus sentimientos y sentidos para compartirlos con nosotros, como resume Julia Cameron (en su libro “El camino del artista”) “El arte es una acción del alma y no del intelecto”? En mi opinión el arte no existiría de no ser por la mente humana, pero el arte es el canal por donde los artistas comparten sus sentimientos, se abren para mostrarnos su mundo interno. Ese intelecto que nos lleva a querer compartir, trascender con nuestro arte es con el que muchos artistas incluso luchan. Esa sensibilidad que muestran los artistas es también un obstáculo que deben superar al momento de afrontar el resto de la vida. Van Gogh incluso decía que el único momento en que se sentía vivo era cuando pintaba, y que arriesgaba su vida por su trabajo y que ya había perdido la mitad de su razón. Es que, como dijo Anne Tucker, “todo arte requiere coraje”. Coraje para expresar y distinguirse del resto. Lo expresó muy bien Henry Ward Beecher: “Todo artista moja su pincel en su propio alma, y pinta su propia naturaleza en sus pinturas”. Las restricciones de la sociedad son las que muchas veces los artistas deben transgredir, sobre todo hoy en día, para que su obra sea relevante. Es por eso que los niños, que no son conscientes de esta presión por “transmitir”, ni de lo que la sociedad espera de ellos al hacer arte, son más libres al momento de pintar, o actuar o cantar o cantar o cualquier otra actividad relacionada con el arte. “Todo niño es un artista. El problema es cómo mantenerse siendo niño una vez que se ha crecido”, dijo una vez Picasso. Contó el artista Howard Ikemoto: “Cuando mi hija tenía siete años, me preguntó un día que hacía en el trabajo. Le dije que trabajaba en la universidad, que mi trabajo era enseñarle a la gente a dibujar. Me miró fijo, incrédula y dijo: “¿Quieres decir que se olvidaron?”. Del arte mucho se puede hablar y uno se puede extender hacia todos los aspectos de la vida, ya que nos impregna en todo momento y lugar. Nos alcanza en todos lados, sobretodo hoy que tenemos una oferta artística (sobre todo para nuestros ojos y oídos) que nos invade queramos o no. Uno de los puntos que me acerca en particular al arte es la conexión, los puentes que crea entre nosotros. En este mundo de hoy, más individualista que nunca, el arte nos conecta, nos acerca. Y es mi intención dedicarle las últimas líneas de este ensayo a realizar una declaración sobre ese aspecto del arte. En mi opinión, el arte es la suma de la mente del artista, sus experiencias y su mundo interno expresado de manera que nuestra mente, nuestras experiencias, nuestro mundo interno se conecten con las suyas. Es por esto que el arte nos reconforta y nos hace sentir que tenemos un lugar a donde pertenecemos.

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El arte se nutre de la realidad y dentro de sus fronteras existe la posibilidad de ir más lejos. En este apartado se propone una reflexión sobre una de las cuestiones fundamentales del arte actual: la consideración de este como una actividad intelectual relacionada con la inteligencia y el saber. Toda manifestación artística es una actividad discursiva, pues implica un discurso del artista y genera algún tipo de discusión. La relación entre arte e inteligencia revela la dificultad para delimitar qué debemos considerar obra de arte. Pero, ¿que es arte? Es primero una palabra que sugiere tanto la idea como el hecho de que el arte existe; sin ella, podríamos preguntarnos en primer lugar si el arte existe en realidad. Es un hecho que no todas las sociedades cuentan en su lenguaje con ese término. Sin embargo el arte se hace en todos los sitios. Por ello se trata asimismo de un objeto, aunque no de un objeto cualquiera. El arte es un objeto artístico. En el terreno de las artes plásticas la opinión común todavía considera como «arte» a los géneros o disciplinas clásicas: pintura, escultura, arquitectura. Pero tendríamos que atender al hecho que la proliferación de procedimientos de producción de imágenes característica del siglo pasado: fotografía, diseño, publicidad, medios de comunicación, cine, comic, video y técnica digital han transformado de manera profunda y desde hace ya bastante tiempo esa situación. En la actualidad, una de las respuestas frecuentes es: «todo puede ser arte». Desde el inicio del siglo XX, el arte ha ampliado sus límites hasta el punto que se pone en duda la idea misma del arte. Prácticamente cada artista, cada movimiento artístico, cada critico e historiador del arte y cualquiera interesado en el tema, tiene su propia definición del quehacer artístico. ¿Podríamos decir que algo sea artístico o no? De acuerdo con José Jiménez «es imposible fijar unos limites previos, establecer una “norma” que diferencie a priori entre arle y no arte. Arte es hoy un conjunto de prácticas y actividades humanas completamente abierto. Intentar fijar limites es como querer poner puertas al campo»3. El arte, con su trascendencia social y cultural, es ante todo el resultado de propuestas individuales que sólo alcanzan su culminación cuando son asumidas como propias por otros individuos, que les dan nuevos y muy diversos sentidos. Si se sigue a Jiménez, hay que tener en cuenta que la teoría es siempre una interpretación, una construcción interpretativa. Esto supone que se elabora en el lenguaje y desde el lenguaje. Es en éste un aspecto fundamental: un tópico vacío que se resiste a desaparecer es el que afirma que «el arte se basta a sí mismo», que posee tal grado de inmediatez en su transmisión que no necesita de ningún «apoyo» externo Pues bien, esto no sólo no es así hablando del arte contemporáneo; tampoco lo ha sido nunca. Todas las prácticas y actividades artísticas han estado siempre ubicadas en contextos culturales e históricos muy concretos, que determinaban sus límites y horizonte; el perfil de esos contextos se ha establecido siempre desde el lenguaje, a través de construcciones interpretativas, teóricas. El arte nunca se bastó «a si mismo», como pretende 2 En “La apropiación en las artes plásticas actuales”. Carlos Hernández Marmolejo, UNAM, México, 2009. Disponible en http://es.scribd.com/doc/51685457/La-apropiacion-en-las-artes-plasticas-actuales

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JIMÉNEZ. Jase. Teoría del arte. Tccnos, Madrid, 2002, p Si

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Introducción a la Teoría del Arte de José Jiménez


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hacer creer un planteamiento místico y positivista, a la vez. Por el contrario, las obras y propuestas artísticas siempre se han acompañado de una retórica (en el sentido positivo de la palabra) de acompañamiento, de un lenguaje, cuya función no es explicarlas, sino situarlas en un contexto de sentido, de significación. Recordemos a los modernos, Klee, Kandinsky, Mondrian, Malevich, etc. Véase imagen 1.2 4.

1.2. “Cuadrado Negro” de Kasimir Malevich

Jiménez afirma que «la experiencia del arte es algo enteramente individual, como la del amor o la de la soledad. «Una flecha que lanza un individuo al poner en obra una propuesta, y que sólo llega a su destino si algunos de sus sentidos alcanzan a otro individuo, que se apropia de ellos y los recrea. Lo demás es mediación: a veces una autentica barrera, otras, realmente iluminadora»5. Así lo ilustra la siguiente imagen6:

“Fountain” de Marcel Duchamp

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“Cuadrado negro”, 1923-1929. Kasimir Malevich hizo distintas versiones de su obra más emblemática, aquella que elegiría como estandarte para su entierro. El suprematismo, un arte dominado por el ideal absoluto, daba definitivamente la espalda al objeto y propugnaba la reducción de la forma a cero.

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16 JIMÉNEZ. Op. Clt. p. 11

«Fountain». Este ready-made fue presentado en 1917 por Duchamp a la exposición inaugural de la Society of Independent Artists (creada a imagen y semejanza del Salón des Independants parisino). La sociedad tenía, como su homóloga francesa, el lema *Ni jurado, ni premios*. Pero el lema no llegó ni a la inauguración ya que esta pieza no fue admitida. El seudónimo R. Mutt proviene del nombre del fabricante al que fue encargado el urinario (J.L. Mott Iron Works) y de una popular tira cómica del momento (Mult and Jeff). En el mundo del arte hay numerosos ejemplos de la construcción de un personaje para uno mismo. Podríamos decir que parle importante de la actividad artística ha sido la construcción de la identidad pública del propio artista.

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Con este ejemplo, se puede afirmar que los ready-made son, ante lodo, un signo de la expansión de la tecnología en la vida moderna. Son objetos «ya hechos», «disponibles». Con ello se socava la concepción tradicional de la actividad artística como una «creación» de la nada, con todo su trasfondo idealista y religioso.

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Aspectos establecidos como el simbolismo narrativo, la corrección anatómica, el modelaje escultural y la unidad del material fueron puestos en duda en el siglo XX. Los escépticos y cínicos preguntaban: ¿que es arte? ¿Que convierte algo en arte? ¿Que es un artista? Marcel Duchamp contestó a todas estas preguntas, no como teórico sino mediante una demostración irónica.

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