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Revista de arte cubano · No.24 · 2017


Carlos Quintana Sin título (Tríptico). 150 x 150 cm. Óleo sobre lienzo. 2017.


ÍNDICE Equipo EDITOR Y DIRECTOR · Ximo Sánchez DIRECCIÓN DE ARTE · Kiko Girbes ASESORES EDITORIALES · Magaly Espinosa Antonio Correa Estela Ferrer FOTOGRAFÍA · Ximo Sánchez Youri Luis Mendoza DISEÑO GRÁFICO · David Vega Oficina c/ Archiduque Carlos, 82 · 46014 Valencia · España Teléfono: +34 636 967 947 info@cdecuba.org www.cdecuba.org Colaboradores en la redacción de este número: Maikel José Rodríguez Calviño, Michel Pérez, Gustavo Pita Céspedes, Fernando Almaguer, Hortensia Montero, Héctor Antón, J.J. Ortiz, Estela Ferrer, Loliett M. Delachaux, Carlos Gámez, Virginia Alberdi, Daniel G. Alfonso, Evelyn Pérez, Yenny Hernández Valdés, A.A. Rodríguez. Publicidad España: +34 637 644 397 info@cdecuba.org CdeCuba Magazine revista de arte y cultura cubana, es una publicación del Grupo Siranga Impresión: LaImprentaCG ISSN 2603-7068 Depósito Legal: V-0259-2009 Portada CdeCuba Magazine No.24 Lianet Martínez

2 Un fluir de provocaciones | Lianet Martínez Texto: Maikel José Rodríguez Calviño

8 El instante perfecto | Ernesto Crespo Texto: Michel Pérez

14 El sendero del zen | Juan Miranda Texto: Gustavo Pita Céspedes

20 Sobre cómo se manifiesta el vacío | Alexander Molina Texto: MSc. Fernando Almaguer Rodríguez

26 Magnetismo elocuente | Richard Somonte Texto: Hortensia Montero

32 Digamos que hablo de pintura | Frank D. Valdés Texto: Héctor Antón

38 Creador de mundos | Arián Irsula Texto: J.J.Ortiz

44 El secreto de la liebre | Michel Chailloux Texto: Estela Ferrer

50 Por debajo del horizonte | Robin Pau Texto: Loliett M. Delachaux

56 Pobre Peter Pan | Miroslav de la Torre Texto: Carlos Gámez

62 Retratos de Dorian | Dorian D. Agüero Texto: Virginia Alberdi

68 Apuntes en el momento exacto | Andrey Quintana Texto: Daniel G. Alfonso

74 El arte de la demostración | Michel Armenteros Texto: Evelyn Pérez

80 Creatividad esbozada | Rosmery Sanabria Texto: Yenny Hernández Valdés

86 Genealogía del no lugar | Alberto Alejandro Rodríguez Texto: A.A. Rodríguez

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SIRANG

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Lianet Martínez

UN FLUIR DE PROVOCACIONES Texto por: Maikel José Rodríguez Calviño

“No hay barrera, cerradura ni cerrojo que puedas imponer a la libertad de mi mente.” Virginia Woolf

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afas monumentales ensambladas con objet trouvés; inquietantes rostros femeninos, vertidos al lienzo, de fuerte sabor picassiano o surrealista. Una cama esponjosa que semeja un lecho de piedras; un enorme biberón erizado de púas. Cuerpos erotizantes ejecutados con pigmentos, trozos de nylon y polvo cerámico; un billete de veinte pesos presidido por la efigie de un mártir anónimo, vacuo, inamovible. Tótems, maquetas, un nido imposible, sartas de piedra bruta, esferas monocromas que remiten a la fecundidad intelectiva, a la gestación de la idea… La obra de Lianet Martínez Pino (Cienfuegos, 1993) destaca por una marcada versatilidad y un afán provocativo que ubican cómodamente a esta joven artista en la amplia relación de núbiles creadores enfrascados en modificar el rostro del arte cubano más actual. Egresada de la Academia de Artes Plásticas San Alejandro en el 2012, Lianet ha concebido, con apenas veinticuatro años, tres muestras personales e integrado varias muestras colectivas organizadas dentro y fuera de Cuba, al tiempo que cursa sus estudios en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad de las Artes (ISA). Durante conversaciones previas a la escritura de estas palabras, Lianet se definió a sí misma como una provocadora nata que suele y prefiere fluctuar entre diversos procedimientos y manifestaciones. Por consiguiente, no supedita la idea a una técnica específica; antes bien, subordina las herramientas al concepto, casi siempre mediante una promiscuidad fáctica que puede ser constatada en el amplio número de dibujos, acrílicos sobre lienzo, pinturas matéricas, collages, assemblages, performances y fotografías producidos hasta hoy. Sin embargo, es en el campo de lo escultóricoinstalativo donde ella ha concebido sus propuestas más interesantes. De todas, llaman poderosamente mi atención dos, aparentemente antagónicas, que abordan temáticas vinculadas con la identidad cubana y el discurso de género. En primer lugar encontramos Persisto (2013), pieza que nos muestra a la artista envuelta en una horca que se alarga y rodea su cuerpo a manera de crisálida. Aquí, el instrumento de reprimenda y muerte encorseta y coarta pero, al mismo tiempo, es transformada en nueva piel que garantiza la metamorfosis. Heredera de un ejercicio de auto-representación fotográfica que introdujeron/desarrollaron en el arte cubano de los ochenta/noventa aristas tan reconocidas como Marta María Pérez Bravo y


REPORTAJE

Persisto. FotografĂ­a digital. 2013

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LIANET MARTÍNEZ

Nido. Instalación. La Habana. 2017

Cirenaica Moreira (y que actualmente continúan otras más jóvenes, entre ellas Aimée García, Lidzie Alvissa, Lisandra López Sotuyo y Yanahara Mauri), Lianet somete a escrutinio las formas en que la cultura occidental, patriarcal y androcentrista, concibe y trata a las mujeres. Violencia física y simbólica, visualización de lo femenino como objeto de deseo para la mirada masculina y auto-represiones inculcadas por la praxis cotidiana están presentes en esta obra que nos propone la vivisección y desmontaje de arquetipos sexistas y discriminatorios operantes en gran parte de las sociedades actuales. 4

Por su parte, en Al filo de… (2015), Lianet, escultora atrevida y monumental, se acerca a lo histórico/epopéyico mediante un gigantesco machete, símbolo indiscutible de lucha e identidad para la nación cubana. Histórica y culturalmente asociado al mambí o al Embelobobo (atributo particular de Oggún, oricha del monte, la guerra, los metales y la fragua), esta herramienta de trabajo, devenida arma blanca, es manipulada y resemantizada por la artista, quien transformó la acerada y peligrosa hoja en un ventanal de aluminio, elemento muy utilizado en la arquitectura doméstica cubana.


REPORTAJE

Al filo de... Escultura monumental. ISA, La Habana. 2015

El visionaje de la realidad a través del pasado histórico y de la tradición, o la apertura de nuevos puntos de mira a la renovación y la inventiva, cuentan entre las propuestas de esta pieza interactiva, ensamblada al filo de la vida o de la muerte, de la existencia misma del cubano actual, definida muchas veces por una cotidiana precariedad que nos hace improvisar y reciclar objetos y procedimientos en aras de la supervivencia diaria. Lianet Martínez es una versátil creadora cuya carrera debemos seguir muy de cerca. Osada, inquisitiva, polifacética y pluritécnica: sus manos no paran de trabajar, investigar y

proponer zonas intelectivas o sugerentes obras cargadas de belleza y significados. Si bien actualmente se debate entre varias aguas, al tiempo irá perfilando una poética centrada en las manifestaciones que mejor domina. Es muy probable que a su afán creativo, a su impulso por dejar huellas, debamos agradecer en el futuro más de una pieza memorable. Por el momento, que continúe explorando, provocando, seduciéndonos, tal y como lo ha hecho hasta hoy.

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Ángel Ricardo Ricardo Ríos De la madures a la podredumbre. 240 x 230 cm. Óleo sobre lienzo. 2017.


Elvis Céllez Cuba dice. 135 x 145 cm. Acrílico sobre lienzo. 2014.


Ernesto Crespo EL INSTANTE PERFECTO Texto por: Michel Pérez

“Aquí la eternidad que fue un instante.” Enrique Bunbury

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a repetición de una escena o elemento nunca genera imágenes idénticas cuando estas imágenes son construidas por la mano, sólo los procedimientos mecánicos de copias lo hacen. En la obra de Ernesto Crespo se maneja el concepto de repetición de esta manera sutil que genera imágenes ligeramente diferentes en aras de abarcar un espacio mayor de la realidad. Una obra que se debate entre el cine y la pintura, precisamente en el centro de estos dos lenguajes, logrando mostrar algo que la pintura por si sola no puede permitirse: el paso del tiempo. Esta ha sido la principal inquietud de Ernesto en su corta pero prolifera carrera y de esta idea simple han surgido otras, como consecuencia natural. Por poner un ejemplo, Ernesto se preguntaría: ¿es la pintura solo un objeto del presente?, y para esto hay una respuesta natural: se necesita tiempo para hacerla, algo así como una sucesión de presentes una acumulación de instantes, un deseo de abarcar la realidad material tal y como la conocemos, como la vivimos. En este punto Ernesto se debate entre dos secuencias de tiempo, la que necesita para hacer la obra y el fragmento de realidad que ha seleccionado para representar, dos espacios-tiempo diferentes e irreconciliables, como Funes el memorioso de Borges que trató de enumerar cada uno de sus recuerdos y lo descartó por considerarlo una labor interminable. A diferencia de Funes, Crespo tiene la capacidad del pensamiento y de olvidar lo que no es importante.


REPORTAJE

Vista del estudio del artista en el ISA. La Habana, 2017

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ERNESTO CRESPO

Ansiedad. 15 x 30 cm c/u. Óleo sobre lienzo. 2014

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REPORTAJE

Después de la lluvia. 50 x 95 cm c/u. Óleo sobre lienzo. 2017

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Reinier Luaces El dolor tambiĂŠn puede ser hermoso. 160 x 125 cm. Mixta sobre lienzo. 2017.


Alejandro GarcĂ­a ÂżGusteremmo la comedia del uomo senzaun soffio di misticismo? 180 x 110 cm. Mixta (pan de bronce) sobre lienzo. 2016.


Juan Miranda EL SENDERO DEL ZEN Texto por: Gustavo Pita Céspedes

“El silencio es el único amigo que jamás traiciona.” Confucio

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nos trazos de pintura que recuerdan la silueta de un hombre, emergen en una franja de color que insinúa una galería, ante unos ventanales de luz que sugieren cuadros… La paleta del pintor Juan Miranda es un coágulo de preguntas: ¿Qué es el Hombre? ¿Qué es la obra artística? ¿Qué es el arte? Tres matices de un único cuestionamiento: ¿qué es el Ser? Yo conocí a Juan en el ISA cuando era un joven en la aurora de la vida que tenía el crepúsculo en la mirada y parecía hecho de bondad. Ahora sé que una obra como la suya sólo podía surgir de una mirada como aquella. Una obra de claridades crepusculares en las que se entremezclan esperanzas e incertidumbres, como en el lienzo de la temporalidad, donde se reafirma de instante en instante la existencia. En ella, las ideas, esbozadas fugazmente, parecen impacientes por desencarnar de su corporalidad de imágenes, pero no para dejarse atrapar en las tinieblas del concepto. El espíritu medita libre en ese impasse crepuscular, a un tiempo de nacimiento y de muerte, en el que se percibe la pulsación del Todo y la Nada. Y más allá de cualquier condicionamiento y realización como alguien, el Hombre busca fundamentalmente ser. Construcciones que compiten con féretros en la carrera de la eternidad. Nubes como telarañas que nos envuelven cuando tratamos de franquear el umbral del futuro. Un ilegible islote de palabras entre el océano de lo inefable. Paisaje evanescente de certezas que conducen a lo mismo sobre el ardiente subsuelo de la posibilidad. Castillos como piras que nos legan la belleza del humo. Fuego, aire, agua, madera, metal, tierra, sangre, luz, oscuridad. Creación omnipotente que manipulando los elementos somete a su ley la destrucción misma… Hija, como el propio Hombre, de la Historia, una obra como la de Juan Miranda transpira piedad. Piedad de las madrugadas que cantan la promesa de un día más de vida. Piedad de los ocasos que, entre el ruido y el silencio, trasmutan el afán en comprensión.


REPORTAJE

El misterio del silencio. 95 x 90 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2017

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JUAN MIRANDA

Barrancas. 50 x 70 cm. Acrílico sobre papel. 2016

Sin título. 50 x 70 cm. Acrílico sobre papel. 2016

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REPORTAJE

Paisaje del alma 1. 19,5 x 22 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2017

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Katerine de la Paz Desconfiar del agua. 100 x 100 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2017.


Danuel Méndez Sin título. 160 x 190 cm. Óleo sobre lienzo. 2015.


Alexander Molina

SOBRE CÓMO SE MANIFIESTA EL VACÍO Texto por: MSc. Fernando Almaguer Rodríguez

“Todo subsiste y sin embargo nada pertenece a nadie.” Roland Barthes

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a imagen es la mayor de las paradojas, la satisfacción de semejante necesidad consiguió manifestarse como el distanciamiento absoluto y progresivo de la permanencia animal. Una observación similar de tal paradoja, sólo nos puede conducir a la experiencia transitiva del vacío, a su manifiesto incómodo; hay un esfuerzo notablemente doloroso por huir de la imagen y, aunque no se alcanza la experiencia sin una delicada textura imaginal, debido al deseo latentemente de testificar, se han lanzado ya algunos al alcance de semejantes cimas. Populus es una de esas aproximaciones donde el artista Alexander Víctor Molina propone la resignificación del testimonio, ciudad, sin lugar, aglomeraciones humanas sin evidente ritmo del espectro sémico, populus sin acto cívico, deslegitimidad de la función épica de la imagen. Su obra salta a niveles superiores en próximas piezas, nos conduce por un sendero paralelo al ordinario afán de ver y reconocer, porque narrar es hacer Historia, y ésta, es el mayor testimonio imaginal que hemos construido. Molina puede ampliar la certeza estética de sus ideas artísticas, reduciendo las funciones vitales de la imagen, hasta conseguir su hibernación, con ello nos avisa de cuan expuestos hemos estado. Creo que en Sobre como se manifiesta el vacío en un espacio lleno, pueden conseguirse las mejores revelaciones de todo cuanto este artista intenta exponer; en el video surgen bruscas inmersiones acuáticas de un madero desde cuatro puntos simétricamente opuestos, el resultado inicial cumple con las leyes físicas..., luego llegan las leyes de carácter estético que nos obligan a esperar, entonces contamos con el tiempo y las antípodas; lo lleno físico se vacía para hacer surgir lo metafísico y viceversa, el espacio delgado entre lo uno y lo otro; Alexander completa los resortes necesarios para establecer el silogismo, aquel antiguo método de plantear axiomas, finalmente queda la imagen de la no-imagen, la cual hiberna en nuestras mentes como las burbujas que producen las repetidas inmersiones del ordinario madero…, se logra el resultado inesperado, la Fe; aquella acción es parte del esfuerzo humano, es inmanente su presencia que alcanza exponenciales proporciones ontológicas.


REPORTAJE

Populus. 60 x 100 cm. Óleo sobre lienzo. 2016

Otra de sus obras, en este caso un tríptico titulado: Pacífico 1945, parece continuarla misma busqueda estética; en las piezas se evoca la historia sin la monumental herramienta de la imagen, no hay ciudades desbastadas por el caos que termina, pero, ¿qué ha terminado acá? Asegura nuevamente el artista las antípodas como la amniosis donde se cría lo humano, el Mar, la fecha (1945), efímeras huellas en el agua, próximas a desaparecer, bastan para traer de un golpe toda nuestra memoria, nuevamente el testimonio de lo absoluto. Una vez más la reducción de las funciones vitales de la imagen, hibernación mediante una economía de recursos visuales, confiando en la memoria del perceptor el artista sólo ejerce una pequeña presión sobre los resortes nemotécnicos

y lo logra, el significante viaja distancias memorables para hacernos llegar, desde la no-imagen, a un hecho histórico jamás expuesto en la obra, entonces podemos decir que nos enfrentamos al reposo inaudito del que hablaba Baudelaire; imagen sin vector lógico, lógica del suceso histórico sin narración de hechos, sólo dubitativas formas que interrumpen la cadencia natural del oleaje, sin embargo sospechamos macabras manipulaciones al margen de lo visible, debajo del agua algo del trato falso e irónico de la “Guerra Fría” se manifiesta con irracional ímpetu. Finalmente Alexander a comprendido que suprimir el exceso de exactitud es quizás, la virtud más adecuada para el arte contemporáneo.

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ALEXANDER MOLINA

Pacífico 1945. Óleo sobre lienzo. 50 x 75 cm. c/u. 2016

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REPORTAJE

Sobre cómo se manifiesta el vacío en un espacio lleno. (stills). Video en loops. 2017

Caída libre # 1. 70 x 100 cm. Óleo sobre lienzo. 2016

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Alan Lacke 25 de noviembre. 64 x 53 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2016.


Ernesto GutiĂŠrrez Moya Sin tĂ­tulo. 60 x 45 cm. Dibujo sobre cartulina. 2017.


Richard Somonte MAGNETISMO ELOCUENTE

Texto por: Hortensia Montero

“Culminan las montañas en pico y los pueblos en hombres.” José Martí

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a filiación al plano bidimensional en la obra de Richard Somonte defiende su lealtad al dibujo y la pintura, asumida con una intensa y exitosa dedicación desde sus primeros trabajos, que han ido evolucionando hasta alcanzar una mágica interpretación del paisaje, que ha sido asumido de diversas maneras, en sus sucesivas etapas. Su quehacer nos remite a expresiones geométricas, que lo convocan en su desarrollo, a la configuración de montañas, permeadas del magnetismo que evoca el entorno cromático de sus auténticas creaciones. Su trayectoria denota una proyección afianzada en el poder simbólico de los atributos utilizados en la aprehensión de un imaginario, cuya construcción pictórica está matizada por metáforas, apoyadas en la experimentación, que distingue la concepción y la estructura formal de sus composiciones. Su coherente proceso evolutivo dentro del paisaje describe su trayectoria marcada por la concreción de una cosmovisión signada por la búsqueda de efectos táctiles y visuales, que lo conducen al contrapunteo visual de superficies diversas como recurso inspirador de sus inquietudes formales, sin perder el equilibrio compositivo. Argumenta su proceso creativo desde la influencia que ejercen los diversos factores sociales y culturales que le circundan. Crea estructuras pictóricas, las cuales revelan la sedimentación de sus experiencias vitales en un peculiar universo individual. Heredero del patrimonio visual del paisaje, su discurso estético se centra en la magia de composiciones con una iconografía distintiva, colmadas de colores y apoyados en su empatía con el expresionismo abstracto. El enlace de los elementos abarca todo el área real del soporte, dando lugar a un nuevo espacio conceptual. En su trayectoria, Tres árboles alineados, 2015, tinta sobre papel, constituye una formalización estética de acento retiniano. El resultado es un agradable conjunto de proyección lineal, apoyada en la técnica del puntillismo, resuelta magistralmente con el color verde, rojo y azul, que logra involucrarnos emocionalmente. Dotado de un vital afán creativo, su dominio de las técnicas pictóricas se aprecian en Montaña y nube, 2016, en óleo sobre madera, en la cual combina los recursos gestuales de la pintura desde una postura que asume la percepción de la realidad. Tal parece que la nube se apoya sobre una elevada montaña, lo que provoca una ilusión visual notable en lo escarpado de la elevación. Demuestra cómo sus presupuestos estéticos constituyen hitos en su discurso creativo, asumido desde elementos simbólicos, con independencia del lenguaje empleado y los referentes utilizados.


REPORTAJE

Montaña #48. 200 x 300 cm. Óleo sobre lienzo. 2017

Montañas constituye una representación tridimensional ejecutada con óleo sobre ladrillo para referenciar una modalidad novedosa dentro de su discurso. Su agudeza artística entabla un vínculo novedoso cercano a la escultura, que delata la creciente búsqueda y la experimentación constante de su relación con el entorno. Los diversos lenguajes asimilados por el artista -quien los transforma y adapta a su propia forma de hacer- constituyen diferentes enfoques estilísticos. En su ejecutoria contrasta la unión de atractivas formas sujetas al sentido del ritmo y la economía tonal de los colores, mediante ingeniosos recursos

y sugestivas texturas. Valiéndose de artilugios constructivos, apoyados en la geometría, coloca formas visualmente opuestas, que provocan el sentido dinámico del conjunto en el espacio gráfico. El diseño estricto de sus realizaciones se colma con el acabado perfeccionista y pulcro garantizados por una técnica avezada y una formación magistral. Su imaginación y el equilibrio logrado en el manejo de las formas, que van más allá de un propósito decorativo, consigue un efecto especial.equilibrio logrado en el manejo de las formas, que van más allá de un propósito decorativo, consigue un efecto especial. 27


RICHARD SOMONTE

Montaña y nube. 29 x 42 cm. Óleo sobre madera. 2016

Tres árboles alineados. 33,5 x 46 cm. Tinta sobre papel. 2015

Su relación con el entorno reafirma su sentido de pertenencia en una impronta que se nutre de la realidad, expresada con la vivacidad del color, la espontaneidad de los trazos y el carácter de los contrastes, elementos que conforman su estilo. Erige su poética con sencillez, sin negar el rigor, la creatividad y el afán innovador de su lenguaje. Cada obra se va estableciendo durante el acto creativo en una experiencia significativa, traduciéndose de hecho, en un acto de expresividad formal. Bajo estas estrategias temáticas, 28

asume una poética personal con una proyección universal, abordada con el reflejo intimista de una visión introspectiva. Intenta apresar y traducir a un código accesible la presencia del paisaje desde la exteriorización de su personalidad y de su poética. Su proyección vital denota una vocación humanista y su quehacer refleja los subterfugios y desgarramientos propios de la creación artística, que lo define con un trabajo a tono con la riqueza y variedad que ofrece la plástica contemporánea. Del arte de plasmar el entorno vital ha hecho su sello inconfundible.


REPORTAJE

Montañas. 30 x 18 x 13 cm. Óleo sobre ladrillo. 2014

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Napoles Marty Sin tĂ­tulo. 47 x 41 x 28 cm. Yeso, madera, grafito y pintura. 2016.


RamĂłn Williams Nap of the hollow giant. FotografĂ­a digital. 2016.


Frank D. Valdés

DIGAMOS QUE HABLO DE PINTURA Texto por: Héctor Antón

“Eso es lo que mata a un hombre: la falta de cambio.” Charles Bukowski

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los “conceptualistas radicales” les cautiva la imagen y vender productos “anti-comerciales”. A los masajistas visuales les priva que un críticoescribano miope, pagado e inexperto en el maquiavelismo plástico, “revele” las “capas filosóficas” que “ocultan” sus lienzos. Si lo político es un arma de lucha, el apoliticismo es una lucha entre bastidores con diversas armas, según el travestismo del francotirador. Como esos hijos bastardos que se aferran a un hogar indeseable, Dubossarsky & Vinogradov intuyeron que la solución no estaba en culpar a la tutela ideológica, habitual en la remota Unión Soviética. Este binomio moscovita satirizó esa paradoja de amor-odio, que simbolizaron estos enemigos íntimos en el ocaso de la guerra fría. Como siervos susurrándole al oído del amo: “Déjanos entrar en tus dominios y virarlo al revés, durante ese margen temporal en que tú no estarás”. Frank David Valdés (Matanzas, 1988) es un artista surgido en el transcurrir sacrificial de la Revolución Cubana. Entonces ya era difícil inculcarles a los “herejes de cuna”, ese complejo de culpa que los mantendría en el puño de una lealtad incondicional al giro sociopolítico que benefició o perjudicó a sus padres. Para el Frank David adolescente, solo existía la insurrección del color y las formas que rondaban su cabeza, junto al delirio del abuelo anclado en sueños imposibles. De nada sirvió que Frank bebiera en las fuentes referenciales del “Nuevo Arte Cubano”. Poco le incitaban el legado antropológico de Juan Francisco Elso, José Bedia o Rubén Torres Llorca; la performatividad de Arte Calle, Arturo Cuenca o Tania Bruguera. Más bien diríamos que lo impactó la figuración agresiva y seductora de Antonia Eiriz o un artista contestatario al estilo de Tomas Esson, un ejemplo donde la marca formal suplanta al efectismo del ademán insolente. La ilusión de estudiar en el Instituto Superior de Arte implica un capricho vanidoso y una distinción a los ojos de la Historia. Cuando Frank David Valdés matriculó en la Facultad de Artes Escénicas, percibió una explosión romántica fuera de casa. Ese paisaje como un “estado de ánimo” que fascinó a Tomás Sánchez y a Flavio Garciandía, le devolvió la fe en la añorada hiperrealidad natural de su infancia. Aunque entró al ISA, los modismos académicos no le trastornaron su visión precoz del arte. La pintura de Frank David no es afirmativa. Ni tampoco se nutre de la misma pintura, a la manera del apropiacionismo vulgar que se alimenta de sus referentes más cercanos. La pintura de Frank David dialoga con el diseño gráfico, la poesía, la filosofía o el cine. Esta muta del neo-expresionismo al pop o hacia la abstracción pospictórica, sin que prevalezca el compromiso a un canon estético.


REPORTAJE

Conteo regresivo. 180 x 150 cm. Óleo sobre lienzo. 2017

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FRANK D. VALDÉS

El medallista disperso. 60 x 50 cm. Óleo sobre lienzo. 2014

Aparentemente simulacral, epidérmica o frívola, esta obra que apenas comienza nos sorprende con agudas conjeturas. De pronto, el contenido relega al derroche cromático a un plano secundario. La seriedad nunca solemne desplaza a la trivialidad nunca ausente en piezas que podrían figurar en un catálogo exigente de arte conceptual. Entre razón y pasión, solo quedaría jugar con los falsos ideales. El medallista disperso (2014) finge encarnar una fusión simbólica entre arte y deporte. Aquí la victoria no es una presea ni el triunfo un hallazgo en el desierto de lo real. La 34

imagen muestra a un rostro con una estrella en la frente, llenando el lado visible de un corazón con las arterias abiertas. El rostro del cuadro denota el cansancio de los excesos y su resaca decadente en el momento del goce. La mirada del personaje tal vez refleje un ego enajenado por un triunfo rotundo o pírrico. Quizás ya no le importe lo que ocurra a su alrededor, pero ese Consumismo Hipnótico lo ha transformado en el vacío de la nada que fue. Lo alto y lo bajo son las dos caras de una moneda cayendo al suelo.


REPORTAJE

La filosofía del diabético, de la serie El oficio hace al artista. 140 x 140 cm. Óleo sobre lienzo. 2015

La filosofía del diabético (2015) implica otra lección de Consumismo Hipnótico. Una mandíbula abierta y colorida se burla del espectador que aspira a colmar sus afanes estéticos en conocidos y desconocidos. Una dentadura con sus piezas sarcásticamente afiladas incapaces de morder a los intrusos, pretende en vano compensar la sed fashion de quienes la observan, conscientes de ser observados. ¿Quién es el seductor? ¿Quién es el seducido? El arte de consumir arte deviene antropofagia para buitres, quienes desfilan por una alfombra roja imaginaria.

En cierta ocasión, el novelista Norman Mailer se dirigió a un extravagante de la Factory warholiana y le obsequió un piñazo en el estómago. “¿Y por qué haces eso Norman”, le preguntó otro actor de reparto? “Por usar sacos rosados”, contestó Mailer. Y nos preguntamos: ¿dónde localizar la gestualidad pictórica de Frank David Valdés? En un nocaut fulminante o en los sacos rosados. Aquí radicaría el secreto de una épica sentimental, donde Francis Bacon y Charles Bukowski pudieran estrecharse las manos en el estruendo de una pelea de boxeo. 35


Luis Miguel Rivero Untitled. 54 x 73 cm. Ă“leo sobre lienzo. 2017.


Kmilo Morales Serie Marea baja. 23,7 x 34,7 cm (c/u). Acuarela sobre papel. 2017.


Arián Irsula

CREADOR DE MUNDOS Texto por: J.J. Ortiz

“Eran sólo ellos. Un cosmos completo que no necesitaba testigos.” Álvaro Ancona

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rián Irsula es un creador de mundos, un creador de superficies de naturaleza abstracta, un estudioso de la cosmología, la geografía y la cartografía. Un alquimista de imágenes. Arián prefiere no buscar motivos para pintar más que en su pintura, así construye imágenes que luego amplía, disecciona, fragmenta. En ese hallazgo que se propone este joven creador, vemos como nos lleva a un mundo creativo, transitando por el camino de encontrarnos con obras que no son perceptibles a simple vista por el ojo humano, pero es Irsula López, quien con su propuesta estética nos da la posibilidad de ver más allá de toda superficie, pues el minucioso trabajo, casi artesanal, nos da ese acercamiento a superficies muy elaboradas desde una gestualidad informalista o dripping, al uso de técnicas convencionales como acrílico sobre lienzo u otras más experimentales como la descomposición de materias, fórmulas y reacciones químicas. En esta búsqueda minuciosa, siempre estará presente su oficio de fotógrafo, y es ahí donde el artista nos acerca a su particular manera de redimensionar imágenes, elemento de gran importancia en su obra, ya que representa uno de los objetivos fundamentales, que es despertar la interrogante en el espectador en cuanto a la escala. Un elemento microscópico puede ser interpretado como un mapa o una superficie de miles de kilómetros de longitud. Arián Irsula López, sabe conmover a todos los que acuden a su encuentro, los envuelve de esa magia que tiene para pintar y nos sentimos identificados con su propuesta.


REPORTAJE

Vista de Irsula Studio. La Habana, 2017

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ARIÁN IRSULA

Puzzle Act. Dimensiones variables. Acrílico sobre lienzo. 2017

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REPORTAJE

Puzzle Act. Dimensiones variables. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2017

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Dayron Gallardo AllĂĄ donde la sombra se arma de flechas de oro. 220 x 140 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2016.


Luis López del Castillo Sin título. 160 x 96 cm. Óleo sobre lienzo. 2016.


Michel Chailloux EL SECRETO DE LA LIEBRE

Texto por: Estela Ferrer

“¿Hay algo qué hacer? Me parece que vivo siempre en la misma escena.” Abilio Estévez

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i Michel Chailloux no me hubiera mostrado su producción en retratos y piezas de su muestra personal Momento grato en la galería Carmen Montilla de La Habana Vieja, hubiera creído que desde el inicio su obra se había encauzado por las sendas del paisaje. Michel Chailloux (Holguín, 1983) realiza una pintura que se desancla de la retórica gastada de “signos nacionales”, para abrazar, desde los códigos del expresionismo, una narrativa fresca, insólita, colmada de entuertos y dicotomías visuales. Destaca su quehacer dentro del tejido de las poéticas artísticas actuales al hacer convivir en el espacio pictórico múltiples figuras que obedecen al absurdo. Se inserta Chailloux a través de su singularidad, en la hornada de artistas emergentes que vienen impulsando el desarrollo del paisaje en la isla en los últimos años. El contraste figura/fondo La tradicional composición aquí puede ser olvidada ya que los fondos tienden en mayor medida a la abstracción provocando en el espectador inquietud, ambigüedad, la sensación de hallarse en un ambiente extraño, enajenante. Dentro de esta narración el color ofrece una gran singularidad a su obra toda. Permite a Chailloux otorgar a las figuras un halo teatral que las muestra inamovibles, como congeladas, presas de una atmósfera de ensueño. El carácter teatral se hace evidente en Atalaya, donde asistimos a la perenne vigilia de un personaje que nos resulta completamente amorfo. El suspense se acentúa por la paleta escogida: verdes y amarillos intensos usados acertadamente a la hora de dar las luces. La relación tripartita Objetos, figuras humanas y paisaje conviven dentro del cuadro. En ocasiones también animales y en cada caso el protagonismo cambia. Los roles mutan en una suerte de juego sin fin donde no en pocas ocasiones la prominencia de la mancha y la pincelada suelta delatan su gusto por las texturas y las bondades del material. Entre una pincelada en ocasiones más relamida o que puede imitar la realidad del paisaje se mueve Michel, llevando en cada pieza más al límite las relaciones que pueden crearse entre todos los personajes. Existen juntos en un espacio ficcional que desafía a toda lógica. Las figuras femeninas pueblan el lienzo o se convierten en simples espectadoras de una acción entre animales como ocurre en Brega. Son relaciones pobladas de fantasías, rarezas que operan a todos los niveles internos de la pieza al hacerla orgánica, críptica y, a la vez, generar una sensación de extrañamiento.


REPORTAJE

En las montañas del universo. 141 x 172 cm. Óleo y esmalte sobre lienzo. 2017

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MICHEL CHAILLOUX

Dibujos y Bocetos. 50 x 70 cm. Carboncillo sobre cartulina. 2017

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REPORTAJE

Brega. 200 x 300 cm. Óleo y esmalte sobre lienzo. 2017

Del boceto barroco a la síntesis Su estudio compositivo se aprecia en los bocetos donde comienzan a tomar forma en las figuras planteadas las relaciones entre los diferentes personajes. Por lo general son más barrocos y a medida que realiza el cuadro la síntesis aflora, al igual que se modifican la ubicación o dimensiones de las figuras en el plano. Sin embargo, desde el boceto mismo ya la subversión mayor de su trabajo es tangible. Chailloux nos ubica en medio de la nada y en ese paraje que nos es ajeno sitúa una cabina de teléfono a la usanza londinense ya abierta, junto a una ensarta de peces y coloca un cielo turbulento de fondo. En ese propio gesto destruye toda linealidad en las dimensiones espaciotiempo. Por tanto, la descontextualización se hace evidente

a varios niveles: el primero, la propia de la representación física de los personajes que son despojados de su apariencia tradicional al tener un aspecto pétreo; el segundo, la divergencia entre las actividades que realizan y finalmente la descolocación que propician las atmósferas oscuras marcadas por la luz cenital que aporta un contenido dramático. En la poética de Michel Chailloux nos entregamos como hechizados a las paradojas del absurdo que nos plantea. Nos sumergimos en el limbo, y nos hacemos cómplices del silencio de la liebre y del pez muerto en el secadero. En las montañas de su universo, ese que dibuja, bifurca e ilumina a voluntad todo es posible porque la realidad no es otra que la que nace como resultado de sus caprichos o quizás, de los dictados de la liebre que guarda sus secretos. 47


Carlos Zorrilla Pasto. 150 x 250 cm. Ă“leo sobre lienzo. 2018.


JosĂŠ Luis Lorenzo Serie Tumultos. Dieciocho y mĂĄs. 70 x 100 cm. Grabado sobre cartulina. 2016.


Robin Pau

POR DEBAJO DEL HORIZONTE Texto por: Loliett M. Delachaux

“Lo acusaban de ser irreal, de no tener los pies en la tierra.” Ricardo Piglia

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odo hombre afronta una disyuntiva personal entre lo que ve y lo que yace al margen de su propia mirada. Supongamos que lo primero, metafóricamente hablando, es lo que se proyecta por encima del horizonte, todo lo que resulta “cómodo” al ojo humano desde cualquier ángulo. Lo segundo, lo que no vemos, queda por debajo, como el Sol justo después de ocultarse; con una luz tenue, prácticamente inexistente. Asumimos que está, lo sabemos a ciencia cierta; pero no logramos percibirlo. Como si todo lo que somos capaces de entender quedara encerrado en el encuadre de una imagen, mientras el universo confabula a nuestras espaldas. En mi opinión, las obras de Robin Sánchez Pau (joven artista de Artemisa, nacido en 1997) son una síntesis formal y conceptual de este fenómeno tras bambalinas, una opinión sensata sobre la imposibilidad de aprehender la realidad tal cual. Revisando su emergente trayectoria creativa he descubierto una obra compuesta por paletas azules y rosáceas que refuerzan los valores estéticos de ese “instante maravilloso”, donde concilia personajes anónimos en paisajes atemporales. Construye todo el tiempo realidades enigmáticas, escenarios psicológicos que parecen estar más dentro de nuestra mente, que a la altura de nuestros ojos. La delicadeza del ejercicio académico resulta en una especie de calma inquietante que nos obliga todo el tiempo a querer ver más allá de lo representado. Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna –decía Guillaume Apollinaire– (...) después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna. En Robin Pau la lectura del mundo es la de una realidad que nos supera. Indiscutiblemente se percibe en su novel carrera el peso de la tradición; la angustia de las influencias dirían algunos. De la literatura romántica quizás sus insondables historias. De las corrientes plásticas o del cine emergente a finales del siglo XIX sus más logradas atmósferas. Sin embargo, su mérito no se halla ni el tema ni en su virtud plástica, sino en el modo de congeniar ambos para hacernos “sentir” con la pintura, superando el mero acto de la observación y de la comprensión humana. Aunque lo anterior pareciera una postura crítica sobre el romanticismo a lo Baudelaire, en Robin Pau lo que persiste es una intención transgresora en cuanto a su manera de evidenciar la realidad. Lejos de encajar en una tendencia modernista, diría que su trabajo pertenece a un discurso contemporáneo ya que nos hace ver la imagen como una construcción mínima e inconclusa. De ahí que sus pinturas no nos obliguen a mirar sino a sentir; a buscar lo que es imposible de representar, esa parte que transcurre por debajo del horizonte.


REPORTAJE

Neblina IV. 45 x 35 cm. Óleo sobre cartulina. 2017

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ROBIN PAU

Estelas. 45 x 65 cm. Óleo sobre lienzo. 2015

En el año 2015 Robin Pau mostró en la galería Los Oficios de La Habana una serie titulada 8 cuadros por segundo como resultado de su tesis de graduación de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. El espíritu de este conjunto de piezas evidenció un aspecto esencial de su obra: la medida del tiempo. En dichas pinturas éste transcurre de manera cautelosa, impasible; sus personajes, generalmente de espaldas al público, parecen siempre esperar algo. Incluso cuando ha pintado un tren en movimiento o una figura huyendo, el tempo es ralentizado, como si hubiese reducido al mínimo los 24 fotogramas de un filme. La narrativa en sus lienzos evidencia la intención de un artista que ha aprendido a medir la espera. Por otro lado, cuando pienso en el ejercicio creativo de Robin Pau quisiera creer que de alguna manera nos salva, a los espectadores, sobre lo que Juan José Saer entiende en El Entenado como “soledad del recuerdo”: 52

En eso se revelan iguales muerte y recuerdo: en que son, para cada hombre, únicos (...) y los hombres que creen tener (...), un recuerdo común, no saben que tienen recuerdos diferentes y que están condenados a la soledad de esos recuerdos como a la de la propia muerte. Las historias inconclusas, las expectativas prolongadas, la luz y el color que bañan el entorno en cada obra, también hablan de una cierta nostalgia; de esos rincones en los que cada uno de nosotros hemos ido a guardar las huellas de nuestro paso por el mundo. Aun cuando Robin Pau ha dado sus primeros pasos en el mainstream del arte con verdades ya expuestas; su aguda exploración estética y su interés por desentrañar lo real pudieran conducirlo, con el tiempo, a nuevos horizontes, a nuevas experiencias, desde donde le será posible abordar las más recónditas complejidades del ser humano.


REPORTAJE

Horas blancas. Sin título. 20 x 21,5 cm. Óleo sobre cartulina. 2017

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Yuri Santana Perfume. 75 x 115 cm. Ă“leo sobre lienzo. 2016.


Juanma García The Weapon. 84 x 122 cm. Acrílico sobre lienzo. 2017.


Miroslav de la Torre POBRE PETER PAN Texto por: Carlos Gámez

“¡Cierto: mucho he llorado! El alba es dolorosa.” Arthur Rimbaud

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P

ara quienes sentimos la vitalidad de una isla pueden ser contrastantes los espacios de representación de la realidad, las miradas desde la que se establecen las imágenes de/para la reflexión, y las mediaciones entre el espectador y la obra de arte. Sin embargo, cada vez puede ser más común asimilar el Otro desde el reflejo de nuestra ficcionalidad. Las obras de arte contemporáneo de la generación joven de estudiantes del Instituto Superior de Arte (ISA) traen un aura semejante a su propia referencialidad, es decir, coexisten con su pasado a partir de la deglución del mismo y la asimilación de sus principales vitaminas. Así las obras de Miroslav de la Torre Kozorev (Camagüey, 1992) tienen como referencialidad innegable a la generación cubana de los 50´ y 60´, con Antonia Eiriz, Ángel Acosta León y Humberto Peña, junto a Francis Bacon como espacio obligados de partida, que terminan en Pedro Pablo Oliva. Las preocupaciones de este grupo de artistas, los jóvenes, se concentran en presupuestos sociales y políticos de pensamiento. Son cimas desde las que proponer un acto de fe, la disposición de ayudar a su contexto con la asimilación de lunares. Cada una de sus voces parte de la experiencia del pasado de nuestro país, de los procesos creativos que han movilizado la realidad vivenciada; para pretender -en otra temporalidad ahora- incidir desde flancos semejantes. Las series de pinturas de Miroslav de la Torre de los últimos dos años (2016-2017) consideran al expresionismo abstracto, el bad painting, y la nueva figuración como espacio de movimiento, como diálogo factural que expone con su propia crudeza visual, un guiño de realidad constatable. Los cuadros permiten expolear con la sinceridad de una metáfora desgarradora, la denuncia de una anécdota verificable por todos los ojos de una sociedad silenciada. Nada más proscripto que una generación irreverente, que se levanta en la Historia subrepticia, y con su voz, crea un coro de silbidos desacompasados.


REPORTAJE

La muerte de Martí en la Guerra de la Última Alianza. 180 x 130 cm. Óleo sobre lienzo. 2016

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MIROSLAV DE LA TORRE

Las prédicas de Parabacón. 130 x 200 cm. Óleo sobre lienzo. 2017

Cada pieza de Miroslav es el sueño fraccionado de un aspirante a lo eterno, por eso los títulos hacen alusión a personajes de la literatura, de la Historia de la pintura, de la cultura universal. Los utiliza cual kamikazes, son el escuadrón de avanzada de una idea claramente apócrifa, alterna a toda parcialidad confesable, pues nada más ruidoso que sus personajes en medio de la nada, amontonados sobre lingotes de deseos insatisfechos, de insalubridad, de espacios marginales. En su obra Las prédicas de Parabacón hay una consistencia

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ideo-temática que propone, como en el resto de sus pinturas e instalaciones, un despertar del sueño eterno. Como su nombre lo demuestra, otra vez estamos frente al atrio de quien promulga una verdad, ya no estamos en la tierra de Nunca jamás, ya no tenemos a Peter Pan que nos retiene en su mundo idílico. Ahora, frente a la cruel realidad temporal, se nos viene encima este discurso, la prédica de un pastor que promete paraísos insospechados, pero lo cierto es que el puente dimensional ya cerró.


REPORTAJE

La Asamblea de Guáimaro y la creación de los anillos de poder. 117 x 185 cm. Óleo sobre lienzo. 2016

Los colores y la figuración que utiliza el artista en sus últimas series perciben un cambio al llegar a esta pieza, puede sentirse la ironía de quien lo lee, y junto a ella, el espacio de provocación que todo isleño trae consigo bajo la manga. Las prédicas de Parabacón convierte el cómic y el pastiche en sustrato de una imaginación culturalmente intertextual. No podemos observar la pieza y dar la espalda a una generación que ha crecido con la ausencia de figuras oníricas y gurús infantiles, estos autores pertenecen a

una lógica de creencia que necesita tres dimensiones. La producción plástica de Miroslav de la Torre convence a quien la vive, deprime a quien la entiende, reta al demagogo Peter Pan a demostrar su camino al paraíso. Sin máscaras y con la morbosidad de quien disfruta el dolor, sus pinturas e instalaciones vuelven a la visualidad nacional, para decirnos hoy: se acabó la magia Tinkerbell.

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Lagunas (2016-2017) parte de una investigación sobre Documentos “Desclasificados” de la CIA que abordan cinco (5) hechos históricos de relevancia que se han originado de las relaciones políticas entre Estados Unidos y Cuba desde 1959 hasta la fecha, y que han sido eventos neurálgicos en la Historia contemporánea de ambas naciones, como son: El Embargo, La Invasión a Playa Girón, La Crisis de los Misiles, La Operación Mangosta y El derribo del Avión de Barbados.

Jesús Hdez-Güero Lagunas. Serie #1: El Embargo. 100 x 70 cm c/u. Acrílico sobre lienzo. 2016.


Yoxi Velรกzquez Pata de elefante. Performance. 2012.


Dorian D. Agüero RETRATOS DE DORIAN Texto por: Virginia Alberdi

“Era una vaca antojadiza, pero hermosa como ninguna otra...” Roberta Iannamico

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L

a obra de este pintor que se presenta es inquietante. Más que por la evidencia, por las corrientes subterráneas que se advierten en su figuración. No faltará quien lo clasifique como un ejemplar del arte joven que se realiza en Cuba. Pero ese término es insuficiente e impreciso. Jóvenes como él, como los que irrumpieron en el panorama de las artes plásticas de la Isla en los albores del siglo XXI toman muy diversas direcciones y no siempre atinan a cantar con voz propia. Este creador se afirma desde su originalidad; posee el dominio de instrumentos muy precisos, sobre todo, sabe muy bien lo que pretende comunicar. Es inquietante, insisto, por su perspectiva temática, y más aún, por la forma en que es capaz de trasmitir al espectador un mundo de imágenes problemáticas sin que por esto tenga necesariamente que adelantar respuestas. Este artista es joven no por su edad ni compromiso generacional, sino por la propia naturaleza de un arte en primera instancia altamente disfrutable para la retina y la sensibilidad, pero a fin de cuentas lúcido y cuestionador. Dorian D. Agüero (Las Tunas, 1989), graduado de la Academia de Artes Plásticas de Las Tunas y posteriormente de Licenciatura en Diseño Escénico en la Facultad de Artes Escénicas en Universidad de las Artes (ISA) en La Habana, ha transitado por el grabado con éxito, así como obras de carácter instalativo, pero la pintura le identifica ampliamente y en ella pone de manifiesto su visión de la sociedad. La creación de este artista, no resulta para nada complaciente ni facilista, todo lo contrario, tras una visualidad colorida ofrece su panorama del mundo circundante con una fuerte carga de ironía. Con la presentación de un universo poblado por reses (vacas y toros), el artista elabora la metáfora de los seres humanos como animales de corral, en un mundo que lógicamente es un espacio de apacentamiento de puros elementos vivos en espera de ser guiados o conducidos en provecho o al antojo de quien los controla, y los presenta de manera satírica ocupando espacios en la sociedad y en la vida cultural. Pero, cuidado, estos animales también pudieran ser y de hecho lo son el anverso de una presunta mansedumbre. El imaginario que nos ofrece Dorian, por su carácter traslaticio, induce también a pensar cómo cada uno de los retratos, porque en definitiva este es el género pictórico en el que halla una mayor cercanía, se nos presenta una operación desmitificadora, mediante la cual nos rebelamos contra ciertos patrones éticos y estéticos que secularmente nos han querido imponer.


REPORTAJE

Star Sistem, Lady I. 150 x 135 cm. Óleo sobre lienzo. 2015

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DORIAN AGÜERO

Las tres Marías, llenas de gracias. 140 x 200 cm. Óleo sobre lienzo. 2014-2015

En el arte cubano existe un precedente en la obra de Rafael Zarza (La Habana, 1944), un incisivo y crítico pintor y grabador que se destaca por haber poblado telas y papeles de toda una sociedad vacuna, en la que incluye personajes literarios y populares. Otro caso de bestialización del individuo, se aprecia en la obras de Tomás Esson Raid, uno de los iconos de los ochenta. En el arte universal otros importantes creadores han sentido especial atracción por el mundo taurino. Si desenredamos la madeja, el hilo nos llevaría a Francisco de Goya, pero ya se sabe que la trama del arte es infinitamente sucesiva y a Dorian Agüero, evidentemente, esto no le preocupa. 64

Dorian emplea una figuración neoexpresionista, que en ocasiones va desdibujándose hasta alcanzar obras muy próximas a la abstracción, pero en su casi totalidad impregnada de un cromatismo intenso, agresivo con una fuerte influencia del pop art. No deja de ser curioso el hecho de que el pintor haya escogido ejemplares de la ganadería vacuna como base de su iconografía. En el contexto cubano estos animales han sido tanto un oscuro objeto del deseo -en los tiempos actuales marcan un ansia de consumo inversamente proporcional a su posibilidad de acceso en “el mercado legal”- como de símbolo de distinción entre quienes se dedican a su cría: los ganaderos


REPORTAJE

Catrina. 150 x 200 cm. Óleo sobre lienzo. 2015

en nada se parecen a los agricultores, visten y se comportan de una manera diferente en el ámbito rural; quizás por esto las vacas (y los toros) de Dorian pecan también por orgullo y distinción de su linaje. Entre las obras que se destacan y llaman poderosamente la atención tanto por su técnica, como por el sentido en que ha logrado captar al personaje con toda precisión está Catrina, una pieza ejecutada en óleo sobre lienzo en gran formato en la que el color penetrante del tocado y del maquillaje dan fuerza a esta hermosa soldadera, tomada de la iconografía de los años de la Revolución Mexicana, hermana de los personajes de los grabados de Posada o los murales de Diego Rivera, pero

instalada ya en el bestiario de Dorian, con todo el esplendor del pop. En otras piezas de marcado carácter paródico, hace alusión a referentes del arte universal asimilados por el prisma de su lúdicro sentido de la apropiación. Como en Wharhola, donde emplea un texto para hacer un guiño desde al personaje a un Andy Warholl revisitado. Pero de nuevo, cuidado! Dorian Agüero solo se parece a sí mismo y eso basta para que ocupe un lugar en la visualidad contemporánea cubana.

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Serones Proyecto Grรกfica Interactiva. De la serie Hospedero, Arena I. Prototipo de videojuego. Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana. 2017.


Pedro Vizcaíno Sin título. 120 x 180 cm. Mixta sobre lienzo. 2010.


Andrey Quintana

APUNTES EN EL MOMENTO EXACTO Texto por: Daniel G. Alfonso

“No confíes mucho en los colores (en la belleza).” Virgilio

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l presente texto es una deuda que tenía pendiente con el artista y, a su vez, con el panorama de la pintura joven cubana. Siempre he sido un gran defensor de esta manifestación en el contexto cubano y, ahora, sigo su apoyo desde otros territorios; eso sí, nunca abandonaré a esa generación de artistas que en su momento me siguieron y apoyaron en los proyectos expositivos que se me venían a la mente. Entre ellos tuve la oportunidad de trabajar con la obra de Andrey Quintana, un creador que comencé a descubrir en el año 2015 cuando organicé la exposición No le temas a los colores estridentes durante las muestras colaterales de la duodécima Bienal de La Habana. Este fue el momento exacto en el que mi interés por conocer más de su quehacer inicia. El trabajo de Andrey ha cambiado, se ha metamorfoseado. Asimismo, me atrevo a confirmar que su proceso ha dado una vuelta de tuerca que ni él mismo se lo imagina. Si hacemos un repaso a su producción tenemos que hacer mención a su serie de Exacerbación (2013), donde ya nos comienza a hablar de un lenguaje pictórico que lo va a ir caracterizando hasta nuestros días. Es entonces que podemos detectar los colores empleados, sus tonalidades bien estridentes, temas cutes (que nos recuerda a fiestas, espectáculos, etc.) pero que a su vez nos hace analizar, reflexionar y repensar el camino transitado por la pintura cubana contemporánea; del mismo modo nos estamos enfrentando a un creador que no le tiene miedo al lienzo, en cada una de sus composiciones apreciamos la libertad con la que Quintana concibe los cuadros. Detonaciones (2014) marca nuevas búsquedas en su quehacer y en el universo plástico del arte cubano, Andrey rescata y maneja la técnica del puntillismo (en soporte pictórico y escultórico) y “nos habla -según la crítica de arte Shirley Moreirade un mundo en crisis utilizando para la ocasión el color como bandera. Subvierte los códigos visuales asociados al dolor y la violencia; y en una voluntad de tornar más incisivo su discurso se permite dialogar sobre un tema sumamente triste desde una imagen estéticamente bella”.


REPORTAJE

De la serie Bombing. 120 cm diámetro. Acrílico sobre lienzo. 2017

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ANDREY QUINTANA

De la serie Alive. 135 x 135 cm. Acrílico sobre lienzo. 2017

De la serie Alive. 150 x 150 cm. Acrílico sobre lienzo. 2017

Es con una de las obras de esta serie que Andrey forma parte del proyecto curatorial (First project) exhibido durante la pasada edición de la Bienal de La Habana, una pieza que expresa sus inquietudes del momento, sus sentimientos con el panorama artístico que le rodea y sus experiencias más íntimas durante el proceso de creación. También, nos está hablando de un vocabulario que le hace diferente con sus coetáneos y su gusto por estudiar a artistas como Seurat, Umberto Peña, Tomás Esson, Ensor, entre otros. Su camino, bien trazado, continua con la experimentación formal, conceptual y estética. Andrey Quintana siempre tiene pensamientos novedosos para trasladar a su lienzo en blanco. En sus búsquedas por nuevos temas, su creación aumenta y crece; nacen así series en las que convierte casquillos de balas en su instrumento de trabajo para la creación y representación de personajes a través del retrato. En Alive (2015) sus actores son extraídos de su subconsciente y del imaginario cultural cubano y, en Gunshot (2017) son héroes, políticos y músicos sus protagonistas.

Asimismo, a través de la técnica del dripping -bajo la influencia de Jackson Pollock- ha logrado crear un cúmulo de obras que son deleite para nuestros ojos; primero en Bombing (2016-2017) comenzó a experimentar logrando como especies de estudios/bocetos con altos valores estéticos, donde el chorreado, las texturas y los empastes son bien visibles para el espectador y, paralelo, luego de ver sus resultados finales se ha enfocado en su serie Animales en expansión (2016-2017). Aquí sigue el mismo procedimiento anterior sin embargo debemos detener nuestra mirada y así detectamos una fauna pictórica que ha creado el artista en cada lienzo intervenido. Desde que lo conocí y comencé adentrarme en su universo creativo pude detectar a un artista que sabe lo que desea y que tiene una marca personal en las prácticas artísticas cubanas contemporáneas. Sus arte se basa en la experimentación, su caminos seguirán creciendo y su obra completa la historia de la pintura cubana en la actualidad.

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REPORTAJE

De la serie Sobrevuelos. 150 cm diámetro. Acrílico sobre lienzo. 2017

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Daniel Madruga En silencio. 200 x 160 cm. Carboncillo y รณleo sobre lienzo. 2017.


Lancelot Alonso Serie Delirio. 200 x 150 cm. AcrĂ­lico sobre lienzo. 2014.


Michel Armenteros

EL ARTE DE LA DEMOSTRACIÓN Texto por: Evelyn Pérez

“La plástica actual es como una máquina que sigue funcionando después que se paró el motor.” Gerardo Mosquera 1

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n Cuba, a través de los años, el movimiento plástico ha intentado realizar un arte sin restricciones, mediante el trabajo con lenguajes y metodologías desarrolladas en todo el mundo occidental. Asimismo, estos elementos renovadores han avalado el papel ético de la producción artística y un cuestionamiento crítico de lo social. Estas características han permitido que las artes visuales cubanas se hayan definido por el marcado interés en reflexionar acerca de polémicas inmediatas que han estado afectando al ser humano –cubano-. Querer discursar sobre libertad, sociedad y resistencia en estos tiempos de postmodernidad, se vuelve casi una utopía. No obstante, Michel Armenteros no se detiene ante nada y asume los imperativos propios del arte contemporáneo. Su quehacer plástico recién comienza a encumbrarse, pero su obra se encuentra matizada por códigos del collage y el estilo de algunas revistas que van de los 50’s a los 70’s. Las propuestas de este creador no se apegan a una corriente de las artes plásticas específica, más bien absorbe de las grandes figuras y movimientos del arte universal, logrando establecer diálogos entre estos y pequeños elementos de la idiosincrasia cubana. Su obra, desde sus comienzos, ha discursado en torno a una perspectiva reflexiva y crítica, lo que ha permeado su constante cuestionamiento sobre las relaciones entre el hombre y el universo, así como las polémicas de carácter existencial que los rodea. Asimismo, Armenteros pretende crear un ambiente propicio para tocar temáticas cuestionadoras del contexto nacional, siempre desde una perspectiva más íntima. Amén de su juventud, produce una obra en diferentes soportes artísticos de la cual fluye un alto nivel de plasticidad.

1 Mosquera, Gerardo. Crece la yerba. En: ARTE. Proyectos e ideas. Universidad Politécnica de Valencia. Abril, 1993. Pág. 171

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REPORTAJE

Sin título. 80 x 60 cm. Acrílico y collage sobre lienzo. 2017

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MICHEL ARMENTEROS

SerieVigilia. Sin título. 40 x 60 cm. Acrílico sobre lienzo. 2016

En el caso de la pintura, realiza interesantes composiciones donde se ven reflejadas los experimentos con disímiles mezclas de colores y, a su vez, lograr ciertas tonalidades que ayudan a enriquecer la visualidad de cada pieza. Su afán por superarse, le permite la constante experimentación con nuevas temáticas, elementos cognoscitivos y diversas mezclas de colores, lo que contribuye a enriquecer su producción pictórica. Sus collages resultan bien sorprendentes, sobre todo por el refinamiento con que los trabaja, lo que deviene una trascendencia de la experiencia 76

sensorial a través de la práctica visual y la fuerza expresiva que emana de cada una de sus piezas. Este joven creador, en su búsqueda por lograr síntesis y perfección, realiza una obra dotada por un alto nivel simbólico, evidenciando las pautas de su pensamiento estético. Su creación se vuelca en un santiamén de estructuras compositivas que lleva lo ordinario y mundano de la cotidianeidad humana por los caminos del arte.


REPORTAJE

Sin título. 120 x 100 cm. Acrílico y collage sobre lienzo. 2017

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17.(SEPT) [By WeistSiré PC]™ es el resultado de la colaboración entre los artistas Julia Weist y Nestor Siré, proyecto que analiza estrategias sociales creativas que se han desarrollado en Cuba en ausencia de la conectividad a Internet. Este dúo presenta obras creadas para, y también sobre, el más significativo de estos fenómenos: el Paquete Semanal, una colección de medios digitales de 1TB, agregada semanalmente y distribuida por todo el país, a través del intercambio de archivos persona a persona. El desarrollo de este trabajo fue el comienzo de una ambiciosa asociación y durante el año siguiente la pareja viajó miles de kilómetros juntos, reuniéndose en última instancia con los distribuidores principales del Paquete en cada provincia de Cuba. La pieza central de la exhibición ARCA es un súper servidor de 72 TB que da acceso a un año, o 52 semanas, del Paquete Semanal. Este trabajo es el único archivo a gran escala del Paquete en existencia y su construcción y despliegue se diseñó en torno a las restricciones legales y logísticas del clima político actual. Acompañando la exhibición, se presentará WeistSire PC [Matriz] un catálogo de contenido del Paquete, libre para que el público lo copie. Para crear este “paquete legal” los artistas enviaron miles de correos electrónicos en los que se solicitaban los permisos de distribución a los titulares de los derechos de autor del contenido correspondiente a la semana del 8 de agosto de 2016 del Paquete Semanal, a fin de que los visitantes al museo pudieran copiar libremente estos materiales, respetando las leyes de derechos de autor de los Estados Unidos.

Néstor Siré & Julia Weist 17.(SEPT) [By WeistSiré PC]™. Queens Museum, New York. En colaboración con ETRES Agencia Publicitaria y OMEGA Matriz del Paquete Semanal.


Rosmery Sanabria

CREATIVIDAD ESBOZADA Texto por: Yenny Hernández Valdés

“El dibujo, denominado también esbozo, es la quintaesencia de la pintura.” Miguel Ángel

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o es costumbre en aquellos que nos interesamos por el universo artístico, detenernos en el proceso de trabajo que los artistas llevan a cabo para la concreción final de la obra. Sin embargo, en cada uno de los períodos en los que se divide la Historiografía del arte, los bocetos de muchísimos artistas se han conservado a lo largo del tiempo como fuente verídica y material de consulta para la posteridad. Precisamente, el boceto, el dibujo, el borrador, la idea, el bosquejo, el apunte, el croquis y muchas más, son palabras utilizadas para designar esas primeras etapas creativas de conceptualización que desarrolla el artista. Ese momento inicial, escalón primero para la materialización y explote de una idea, muchas veces llega a adquirir tanta fuerza como la obra de arte misma. Ello sucede así en el trabajo de la joven artista Rosmery Sanabria (La Habana, 1992), egresada en el año 2011 de la Academia de Bellas Artes de San Alejandro, en la especialidad de pintura. Ha sido principalmente a través de esta manifestación que ha ido forjándose un camino en el contexto artístico nacional. Cuando se revisan los dibujos que realiza esta artista, cierto aire cubista se aprecia en ellos. Sus trazos, en ocasiones fuertes y gruesos, en otras desenfocados y ágiles, hacen recordar personajes picassianos, cuyas angulaciones geométricas definían el corpus de la pieza. Pero también hay en esos dibujos una remembranza a las obras de la artista norteamericana Margaret Keane, cuyos personajes de mirada impactante y ojos grandes la hicieron famosa en las décadas de los años cincuenta y sesenta del pasado siglo. En verdad, Rosmery Sanabria no se concentra solamente en el primer plano del rostro de sus personajes, sino que los contextualiza en medio de una escena realista. Sin embargo, y es en este sentido en el que se entabla un maridaje artístico con la obra de Keane, la Sanabria le confiere particular interés a la expresividad facial de los rostros que esboza, cuya mirada resulta siempre profunda e intensa, y en ella encierra más de lo que realmente nos devela la escena abocetada. La artista norteamericana expresó a propósito de sus pinturas: En sus ojos se esconden todas las preguntas y respuestas de la humanidad. Yo quería que otras personas vieran esos ojos también. Quiero que mis pinturas te lleguen al corazón y te hagan gritar: ¡Haz algo! En concordancia a ello están los bocetos que nos propone Rosmery. Y es interesante cómo desde el mero proceso del abocetado, del borrador con manchas y notas, esa intensidad puede apreciarse. Pero más interesante aun es seguir de cerca ese trabajo procesual y ser partícipe de cómo


REPORTAJE

Boceto preparatorio para obra en lienzo. 2017

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ROSMERY SANABRIA

Bocetos preparatorios para obras en lienzo. 2017

el dibujo va cobrando color y líneas más definidas, hasta convertirse en una obra al óleo con total independencia de ese primer acercamiento que resultó ser el boceto. Un aspecto interesante a destacar va en esa línea, y es que muchas veces el esquema inicial y la obra resultante funcionan como dos piezas autónomas en su visualidad, mas semejantes en su discurso; sin obviar asimismo que ambos gozan de calidad seriamente lograda. La artista en su proceso de trabajo va variando la imagen según incide en ella. De ahí que muchos de estos bocetos presenten borraduras o tachaduras e, incluso, anotaciones sobre posibles tonalidades a emplear o elementos a disponer en el plano, muy distantes de la pieza lograda en el lienzo finalmente. Por otro lado, predomina en su línea de trabajo el recurso de la figura femenina, por momentos sola como punto de 82

inflexión, y en otros acompañada; siempre con un matiz autorreferencial desde una postura inconsciente, según palabras de la propia artista. Ese aire feminista, de actitud excitante y perturbadora al unísono, es palpable en cada hoja borrador. La mujer como centro discursivo, arrabalera e imponente, autoritaria o paciente, elegante como dama o como cortesana, adquiere una fuerza exquisita redondeada en la expresión de la mirada. Refleja así una postura que conduce a la desidia y al desenfreno, y a la vez la presenta con cierto tono de inocencia y tranquilidad. El boceto es una herramienta que le permite a Sanabria ir moldeando esas ideas que bullen en su interior. A través de éste, plasma líneas de un sendero aun desenfocado, pero en el que ya pueden previsualizarse las estructuras conceptuales y técnicas fundamentales del posible resultado final.


REPORTAJE

Boceto preparatorio para obra en lienzo. 2017

La ejecución de apariencia fácil, rápida y no terminada, con un predominio manifiesto de la línea suelta y la gestualidad, con particular interés en la expresión fisonómica, resume a grosso modo la técnica de Rosmery Sanabria en sus bocetos. Son siempre excitantes, táctiles y atiborrados de percepciones equívocas que incita a pensar en diferentes rumbos constantemente. Estos experimentos abocetados están en franca armonía con el legado que las vanguardias artísticas dejaron. La experimentación como método cultural ampliamente desarrollado por los artistas fue entendida y trascendida cual suceso central de los procesos creativos en las artes. Siendo así, el boceto alcanza la categoría de obra en sí misma, en el sentido en que lo procesual de la creación endorsa un pasaje en función de hallar la esencia de la futura

obra de arte. Todo ello comienza a gestarse desde el boceto como idea primigenia, pues es consustancial a su cualidad experimental. La artista desarrolla entonces una praxis creativa doble desde el esbozo y la pintura tal cual; y es en ese camino que experimenta, hace bocetos, realiza esquemas intelectuales, acumula dibujos y más dibujos como pruebas de ensayo y error. Picasso afirmaba atinadamente Yo no busco, encuentro; y es así que sucede en la producción de dibujos de Rosmery Sanabria, en la que se manifiesta la puesta en práctica de las palabras del pintor español.

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Orlando Almanza Close up de una historia tropical. 2017. 80 x 132 cm. Ă“leo sobre lienzo.


Drácula con peluca y uñas postisas. 100 x 100 cm. Óleo sobre lienzo. 2017


Alberto Alejandro Rodríguez GENEALOGÍA DEL NO LUGAR Texto por: A. A. Rodríguez

Nuestro carácter está determinado aún más por la ausencia de ciertas experiencias que por lo que hemos vivido. Nietzsche

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l hombre es solamente un punto en el espacio, una locación.” (Kant). Si tergiversáramos solo un poco esta idea, podríamos decir que una locación, espacio arquitectónico define la forma física de ser, el comportamiento y la manera de desenvolverse en dicho entorno y para con otros, del hombre. Ahora no se trata de establecer categorías de tipos de espacios o tipos de personas según los distintos espacios que pueblen. Sino de atravesar sitios aun hoy día recientes, en ocasiones con un objetivo intelectual claro, otras desde una especie de curiosidad intuitiva. Una búsqueda que pretenda a modo de sentencias abiertas, conformar una imagen capaz de mostrar fenómenos y sistemas que determinen la comprensión y abordaje de nuestro entorno, así como del espacio y tiempo a este asociados. Por ejemplo Genealogía del no lugar, una serie de dibujos que comienzo a realizar en el 2016. Paisajes hasta cierto punto románticos, donde el claro oscuro a líneas deviene en una suerte de frialdad, parte primordial de la obra. En 1993 el antropólogo francés Marc Auge introduce dentro del campo de la etnología y la sociología el término del “no lugar” a través de su libro Los no lugares. Espacios del anonimato. Antropología sobre la modernidad. Concepto que intenta describir de alguna manera el comportamiento que ha ido adoptando la sociedad. A través de los diferentes espacios en los que la misma realiza las distintas actividades de la cotidianidad o construye su realidad inmediata mediante la interacción entre las personas mismamente, así como con el propio lugar en que estas se puedan encontrar. El estudio de dicho término ha precisado ocuparse de los contextos presentes, de las circunstancias de la actualidad. A raíz de lo cual se encarga Auge de ponerle nombre a la otra parte no profundizada por la antropología con relación a los lugares. Hasta entonces (1993) los antropólogos se habían ocupado exclusivamente del estudio de lo que se denomina como Lugares Antropológicos, espacios concretos, geográficamente bien definidos y que poseen fundamentalmente tres características comunes: son identitarios, relacionales e históricos. Identitarios porque tienen sentido de unidad para aquellos que los habitan, definen a un grupo, cultura o región como propia y diferenciada del resto, compartiendo características y rasgos con los que se identifican y de los que forman parte. Relaciónales, porque ser miembro de un lugar antropológico implica un desarrollo grupal que no es estático; sino que se sostiene en base a un discurso y a un lenguaje peculiar que dinamiza formas de hacer, de actuar y de reunirse. Y por último históricos ya que por


REPORTAJE

Genealogía del no lugar. 70 x 100 cm. Tinta sobre cartulina. 2016-2017

ellos transcurre el tiempo, sus pobladores viven en la historia y conciben la duración de su estancia en dichos lugares, que suelen ser antiguos y tener la capacidad de añorar tiempos pasados como mejores. En el contexto actual de cambios donde los espacios se confunden y se camuflan, las identidades se inventan y las relaciones son casi nulas, los lugares tradicionales ya no son suficientes para hacernos una idea de lo que pasa en el mundo. Los ámbitos impersonales más significativos son ahora, según Auge, los no lugares pero no como contraposición a su homónimo (el lugar antropológico) sino como complemento perfecto de éste. Los no lugares serían zonas

efímeras y enigmáticas que crecen y se multiplican por todo el mundo moderno; las redes de comunicación, los massmedia, las grandes superficies comerciales, las habitaciones de hotel y de hospital, los campos de refugiados, los cibercafés, aeropuertos o estaciones de trenes... se muestran como lugares de paso, ahistóricos e impersonales, que se vinculan al anonimato y a la independencia porque aparentemente ni son ni significan nada, al menos no para aquellas personas que los visitan provisionalmente. Pero ni los lugares ni los no lugares existen siempre en forma pura, pues según el autor del texto: “el primero no queda nunca completamente borrado y el segundo no se cumple nunca totalmente…” 87


ALBERTO ALEJANDRO RODRÍGUEZ

Genealogía del no lugar. 70 x 100 cm. Tinta sobre cartulina. 2016-2017

Genealogía del no lugar supone no una ilustración de las ideas antes expuestas, tampoco una lucha contra años de estudios sobre etnología o antropología. Pero sí pretende empujar al límite la idea de no lugar de un concepto reservado a la sociología, a una terminología que pueda descansar fácilmente en el campo de la filosofía existencial, específicamente como recuento del carácter de la moral individualista e impersonal del hombre de la sociedad actual. Además de hacer notar una pequeña brecha dentro de la categorización de los espacios urbanísticos. En el mundo contemporáneo, sabemos existen locaciones destinadas a facilitar el desarrollo interpersonal y por consiguiente el progresivo avance de la sociedad. 88

Contamos con los lugares antropológicos, los no lugares y otros. Las ruinas, estructuras que alguna vez fueron un todo, pero que se han derruido parcial o completamente debido a circunstancias x. Pero que de igual manera encuentran cabida dentro de la categorización a la que pertenecen los otros dos conceptos. Luego, qué sucede con los emplazamientos arquitectónicos también existentes y bien delimitados en los que la interacción del hombre es absoluta y completamente nula, es decir, no representan un punto de encuentro identitario, ni un campo de estudio sobre el pasado o siquiera un lugar de transitoriedad.


REPORTAJE

Genealogía del no lugar. 70 x 100 cm. Tinta sobre cartulina. 2016-2017

Espacios arquitectónicos que en algún momento fueron comenzados a estructurarse con una idea bien clara de cuál sería su razón para existir y su puesto dentro de la sociedad y que antes de alcanzarlo fueron echados de lado. Espacios que se comienzan a construir pero no se terminan, ya sean por razones sociales, económicas o políticas, más en cambio permanece en su sitio, no como ruina, lugar o no lugar sino como algo más. Un verídico signo de frialdad, indiferencia e impersonalidad de los tiempos que corren. Este trabajo representa la búsqueda y despliegue de lo que a mi parecer supone, de forma radical, cómo debiera ser reconocido el término de no lugar; por su existencia de

de forma pura y no ligado o entrecruzado formando una parte homóloga de un todo. Sitios sin la suficiente relevancia como para cuestionarse su lugar dentro de la historia de la humanidad, más en cambio, ocupan un punto físico dentro de la sociedad y por consiguiente de la historia. Locaciones de extraña cualidad, la capacidad de mostrar y convertir en poesía el carácter indiferente de la sociedad de hoy.

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CdeCuba Art Magazine No.24 (December 2017)  

Lianet Martínez, Ernesto Crespo, Juan Miranda, Alexander Molina, Richard Somonte, Frank D. Valdés, Arián Irsula, Michel Chailloux, Robin Pau...

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