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INDICE. 1) FAUVISMO 2) EXPRESINISMO 3) CUBISMO 4) DADAISMO 5) SURREALISMO 6) EL ABSTRACCIONISMO 7) EL POP ART 8) EL BAUHAUS 9) KITSCH 10) LAND ART 11) COMIC 12) MANGA 13) GOTICO MODERNO 14) COMIC DURO


FAUVISMO.

El fauvismo fue un movimiento básicamente pictórico francés, de muy corta duración, el cual revoluciono el concepto del color en el arte contemporáneo Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent Van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico. Su técnica es a base de grandes manchas de colores puros muy contrastados, con temas que nos recuerdan las derivaciones del impresionismo y postimpresionismo: intrascendentes, cotidianos, paisajes, retratos, etc., influidos por los arabescos y kimonos japoneses.

El fauvismo fue una conclusión de la revolución estética que posteriormente llevo al impresionismo, el cual transformo el arte de finales del siglo XIX con sus fulguraciones en luminosas manchas de color, generalmente colores primarios. Su jefe es Henry Matisse, quien substrajo la importancia de la estructura interna del cuadro, designada por el equilibrio, el ritmo y la pureza, con lo que se aparte del impresionismo. Intentaban dar una visión del mundo alegre llena de colorido, algo irreflexivo. Matisse tituló Alegría de vivir uno de sus lienzos.

La Raya Verde – Henry Matisse A continuación encontraremos unas de las más grandes obras del fauvismo, donde como encontraremos las características ya dichas anteriormente.


El puente de Londres – André Derain

Charing cross Bridge – Abdré Derain

La Danza – Henry Matisse

La catedral de San Pablo desde el Támesis - André Derain

En cuanto a la historia del Fauvismo en arquitectura hay muy poco que decir, pero a pesar de todo, hemos realizado una sustracción del arte fauvista, su significado y sus intereses, para regalarles a ustedes imágenes de lo que sería arquitectura fauvista.

Localidad de la boca – Argentina

Groenlandia


En cuanto a la fotografía, nos corresponde desglosar las imágenes encontradas, buscando así características del fauvismo, porque como tal, no es un movimiento fotográfico, entre los ejemplos encontrados están los siguientes.


JardínBotánico – Eloy Valenzuela

BeautifulColors – P1onero.

Por el lado de la literatura, nos ha sido imposible encontrar textos fauvistas, aunque hay varios títulos de Matisse quien también se dedicó a este arte. Ahora bien en la cinematografía, tampoco hemos encontrado muchas referencias, es difícil debido a la época en la que se desarrolló el fauvismo, pero como ya les he dicho, para encontrar el fauvismo en diversas artes, se debe ir a la esencia de los títulos investigados y ver si se puede relacionar con, en este caso, el fauvismo. Fauvismo en Bogotá. En cuanto al fauvismo en Bogotá, podemos encontrar en cuanto a fotografía imágenes, como la vista anteriormente, del artista Eloy Valenzuela, hay una gran variedad de imágenes que retratan el jardín botánico con colores muy vivos por parte de Valenzuela.

En cuanto a la arquitectura encontramos lo siguiente:


Esta es una estructura encontrada en la Calle 69 con carrera 11, en el sector de chapinero de la ciudad de Bogotá, es una estructura donde podemos evidenciar fácilmente los colores vivos e intensos, a pesar de no ser manchas, es el contraste entre los colores lo que ha hecho que esta construcción entre en la denominación de fauvista. Referencias Bibliográficas: Arte Contemporáneo, por Ana Riutort Historia del Arte Universal de los Siglos XIX y XX vol. 2 por Ana María Preckler. Base de datos Océano Saber. www.arteespana.com

EXPRESIONISMO.


El expresionismo es de una u otra manera la evolución del Fauvismo, sus técnicas son similares aunque en el expresionismo dominan los colores fríos, además los temas tratados son distintos, por un lado el fauvismo trabajó, retratos, paisajes, bodegones etc., en el expresionismo los temas serán más sociales, todo lo que en el fauvismo era alegría de vivir en el expresionismo se convierte en drama. El movimiento lo integran dos grupos: El puente, formado por Ernst-Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluft, Eric Heckel, y, posteriormente, Emil Nolde, y Otto Mueller; y El jinete azul, en el que interviene OskarKokoschka, Vasili Kandinsky, que lo dirige, Franz Marc y posteriormente, AugustMacke y Paul Klee. El arte expresionista pretende reaccionar contra el modernismo, pero conserva una gran carga simbolista; trata de expresar los problemas más profundos y existenciales del ser humano, la soledad y la angustia. El expresionismo, es tan elocuente al mostrar los sentimientos y las emociones, que olvida por completo la representación de la realidad objetiva, se aleja de todo aquello real y empieza a divagar en la suprarealidad, es decir todo aquello que no existe pero que representa la inconformidad del artista. Revela el lado pesimista de la vida, todo esto debido al momento en el que nace esta corriente artística, donde el mundo se sumergía en la alineación, la cara oculta de la modernización, el aislamiento, la masificación y todos aquellos cambios que tendría que soportar esta corriente artística. Entre los artistas mas representativos del expresionismo encontramos a EdvardMunch, quien fuese el creador de la obra mas representativa del expresionismo (el grito), su obra esta regida bajo la búsqueda de la figura humana, muestra también la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.


A continuación encontraremos algunas de las obras de arte más representativas del expresionismo.

Madonna – Edward Munch

Sertig Valley – Ernst Ludwig

Vampiro – Edward Munc

Street Scene in Berlin – Ernst Ludwig


Esto fue en cuanto a la pintura, por el lado de la fotografía, nos sucede exactamente lo mismo que con el fauvismo, debemos encontrar fotografías que tengan las características analizadas en el movimiento, nosotros encontramos las siguientes referencias.

El aviador – WeinoldFelix

Madre e hija en comedor – FinbarReilly

Por el lado del cine expresionista encontramos la primera película de Drácula, donde muestra muchas deficiencias del momento, además de ser algo meramente sentimental y con mucha nostalgia. También encontramos otros títulos como Metropolis de Fritz Lang, El gabinete del doctor Calligari y El Testamento del Doctor Mabusse. Arquitectónicamente, el expresionismo se basó en edificios donde se encuentre distorsión, fragmentación, o la manifestación de una emoción violenta. Además arquitectónicamente buscan: 1. la novedad, originalidad y el visionismo. 2. La profusión de los esquemas y trabajos en maquetas. 3. Soluciones hibridas, no simplificables a un solo concepto.


4. Temática romántica de los fenómenos naturales, como, montañas, grutas, rayos, cristales etc. 5. Uso del potencial creativo del artesano. 6. Cercanía al estilo gótico, romántico y rococó. 7. Simbiosis entre cultura occidental y oriental. 8. Concepción artística de la arquitectura.

Casa De Chile – Fritz Hoger

JornUtzon – Opera de Sidney

En el expresionismo es difícil encontrar textos que representen lo que se quiere, pero podemos nombrar una representante su nombre es The Von Harbou Referencia Bibliografica: www.artehistoria.com Arte contemporáneo por Ana Riutort editorial: Firma Press. Expresionismo Aleman.


CUBISMO. Fue el crítico Vauxcelles quien acuño el término. Es un estilo muy francés (aunque no sean franceses todos sus cultivadores), en el que dominan la austeridad en el color, que tiende a los grises, y las formas geométricas. El cubismo, que se generaliza hacia 1912 y tuvo sus teóricos de Jean Metzinger y Albert Gleizes, es una reacción contra los estilos puramente coloristas y agitados, y se basa en una esquematización de la realidad, que presenta inmóvil, reducida a formas geométricas, que ignora la perspectiva tradicional para dejar ver lo que esta ocultaría. En cuanto a pintura, es muy intelectualizada que intentaba crear algo con valor en sí mismo, actitud que también inspira a la pintura abstracta. Solían utilizar el mismo modelo varias veces, generalmente una naturaleza muerta. La pintura cubista atraviesa dos fases: analítica y sintética. En la primera se partía del natural, y mediante una extrema simplificación se llegaba a la composición del cuadro; en la segunda se partía de una cierta forma, de una composición que le parece bella al artista, y a la que se adaptan, deformándose, los objetos. Los principales exponentes son: Georges Braque (1882-1963), que empezó como fauvista. Entre sus obras esta: Paisaje del estanque, la musicienne, el velador negro etc. Juan Gris, destaca sobre todo por cultivar un cubismo sintético intelectual: La mesa, tablero de ajedrez etc. FernandLeger, cuya obra constituye una especie de mundo poblado de robots. Robert Delaunay incorpora dinamismo y riqueza cromática a su obra, de espaldas al estatismo característico del cubismo puro; crea así el orfismo o simultaneismo: la torre Eiffel. También encontramos a Jacques Villon y, en algún momento de su evolución pictórica, María Blanchard. Ahora veremos algunas de las obras más importantes del movimiento. Autorretrato realizado por Pablo Picasso. (Izquierda)


A la derecha: una obra llamada las señoritas de avignon igualmente de Pablo Picasso.

Velador – Braque Braque

La mujer en el espejo – Leger

El candelabro –

La mariposa en la rueda – Leger.


En el cine el cubismo tiene importantes títulos como por ejemplo “La mesa del Rey Salomón” de Buñuel, también podemos encontrar otro título llamado rayuela de Julio Cortázar. En la literatura encontramos obras como “Zona” de Apollinaire, “Tragedia” de Vicente Huidobro. La arquitectura del cubismo tiene las siguientes características: Está en contra de: la arquitectura que es demasiado utilitaria Arquitectura que es demasiado materialista Arquitectura que carece de belleza espiritual Arquitectura que no es lo suficientemente teórico decoración y ornamentos adicionales

el Cubismo reclama: La arquitectura debe ser más poética La arquitectura debe ser más expresiva Arquitectura debe ser más dramática La arquitectura debe ser más artístico (del pensamiento artístico y la abstracción se hará cargo de la práctica)


Kovarovic – Joseph Chochol

Neklanova – Joseph Chochol

En Bogotá encontramos el siguiente ejemplo de un edificio ubicado en la calle 114 con autopista norte, donde podemos ver varias de las características anteriormente dichas del cubismo.

Referencia Bibliográfica: www.artespana.com http://dossierdearte.wordpress.com/ Arte contemporáneo de Ana Riutort editorial Firma press.


FUTURISMO. El movimiento se inicia en Italia con la publicación, en 1909, del Manifiesto Futurista, debido al poeta Marinetti, y alcanza a la pintura al año siguiente. Su ideal es el vértigo y la velocidad como expresión concentrada de la sociedad industrial. Su poética es la belleza del maquinismo. Tiene su centro en Turín. Piensa que todo movimiento concentra su energía en unas líneas maestras que son las que hay que representar. Es la antítesis del cubismo, pero afín al orfismo (simultaneismo) y rayonismo ruso. Idealiza al hombre nuevo, invencible, capaz de dominar al mundo ajeno a la tradición sentimental y mojigata. Esta agresividad lo hizo grato al fascismo. Los principales pintores futuristas son: Giacomo Balla: Dinamismo de un perro sujeto por una correa; UmbertoBoccioni, carga de lanceros; Carlo Carra, Manifestacion intervencionista y Gino Severini, Bailarina Azul.

Dinamismo de un perro sujeto por una correa Carga de lanceros Giacomo Balla

Boccioni


Manifestacion intervencionista – Carra Carlo, Izquierda Bailarina Azul – Gino Severini, Derecha

El futurismo es una parte muy importante de la vida del ser humano, pues todos soñamos con el futuro, así que es sencillo encontrar cine de futurismo, podemos encontrar películas como Tron, Terminator hasta el mismo Matrix. Por el lado de la literatura podemos encontrar a un autor considerado como el más grande futurista de su época, Julio Verne, quien fue reconocido en gran medida por que muchas de sus predicciones desquiciadas hoy las vemos como algo común, entres sus títulos más importantes están: Robur el Conquistador, Una Ciudad Flotante y como olvidar Cinco Semanas en Globo, o mejor aún De la Tierra a la Luna. Hay otro gran autor del futurismo, es más el escribió la carta futurista, documento en el cual se dan las características básicas del futurismo, él es Filippo TommassoMarinetti. Por la arquitectura podemos decir que el futurismo baso su arquitectura en las siguientes características: -

Lineas largas horizontales que sugieran velocidad.

-

Construcciones que evidencien movimiento y urgencia.

-

Fuertes contrastes.

-

Uso de materiales avanzados.

-

Formas dinámicas.

Entre los ejemplos podemos encontrar las siguientes obras de arquitectura:


Diseño futurista – Norman Foster

YasuhiroYamashita

DADAISMO. El dadaísmo surge con la intención de acabar con todo lo anteriormente visto en el arte, con aquellos códigos que llevaban la línea del arte, el cómo debería ser todo. Es un movimiento que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Es toda una forma de vida, donde se rechaza cualquier tradición o esquema anterior. El dadaísmo desea mostrar una realidad con defectos, una realidad donde el caos prime sobre el orden, donde la libertad del individuo sea la base del mundo, donde no haya esquemas, donde no haya la mínima muestra de universalidad, es algo nuevo y atrevido, que no piensa en la lógica, que siempre estará en movimiento y obviamente se alejara de todo aquello que muestre inmovilidad. El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo. El dadaísmo a diferencia de todos los demás movimientos, no nace para ser el contra de otro movimiento, debido a que fue creado por miembros de diferentes escuelas, lo que hace el dadaísmo es cuestionar toda clase de arte anterior a la primera guerra mundial. En pintura encontramos autores como Max Ernst con obras como las siguientes:


Un encuentro de amigos – Max Ernst

Castor y la contaminación – Max Ernst


LoveParade – Marie Picabia

La noche en España – Marie Picabia

En la literatura del dadaísmo encontramos los siguientes expositores de este movimiento artístico: Johannes Theodor Baargel. (El Rey Rojo) Hugo Ball. ("Manifiesto inaugural de la primera velada Dadá") Emmy Hennings. (Die letzteFreude) Herwarth Walden. (Menschen, Glaube, Vulgar Expressionismus) En cuanto al cine encontramos un título muy interesante ManRay. El dadaísmo no incursiono mucho en la arquitectura pero de igual manera encontramos las siguientes construcciones dadaístas.

Marcel Duchamp, Orinal al revés.


El Surrealismo.

Es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias. es el movimiento artístico nacido en Francia después de la I Guerra Mundial. Lo definió André Breton en su manifiesto de 1924. Tiende a representar, abandonando toda preocupación estilística, la vida profunda del subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El arte surrealista es inmediato, irreflexivo y está despojado de toda referencia a lo real.

Surrealismo: Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas... A continuación encontramos algunos de los mas importantes participes del movimiento surrealista:

Philippe Soupault. Nace el 2 de agosto de 1897 - París; 12 de marzo de 1990) fue un escritor y político francés, uno de los impulsores del dadaísmo en Francia e iniciador del surrealismo. Tras el surgimiento del movimiento dadaísta iniciado por Tristan Tzara en 1916, participa activamente, junto a André Breton y Louis Aragon, en la difusión del mismo. En 1920, con Breton fundan el surrealismo, aunque es expulsado del grupo seis años después por mostrarse contrario a su organización. Vivió en Túnez y, durante la II Guerra Mundial, fue preso por los nazis; una vez liberado en 1943 se estableció en Argel. Al terminar el conflicto se marchó a vivir a Estados Unidos, retornando más tarde a Francia. Entre sus obras destacan Los campos magnéticos (1920) que elaboró junto con Bretón, inicio del movimiento surrealista. Del mismo año es su obra poética Rosa de los Vientos. De las novelas destacan El buen apostol (1923) y Las últimas noches de París (1928). De su incursión en el terreno de los ensayos es singular Guillaume Apollinaire (1928). Con Memorias del olvido, en la década de los ochenta del siglo XX, finalizó su amplia producción.


Eugène Grindel (Saint-Denis, 14 de diciembre de 1895 - 18 de noviembre de 1952), conocido como Paul Éluard, fue un poeta francés que cultivó de manera significativa el dadaísmo y del surrealismo. Una vez puesto en marcha el surrealismo, se convierte en una de sus figuras más importantes, aportando al mismo obras como

Morir de no morir (Mourir de ne pas mourir) (1924), Les dessous d'une vie ou la pyramide humaine (1926),

Capitale de la douleur (1926; Capital del dolor)

La libertad o el amor (1927),

La vía inmediata (La vie immédiate) (1932),

La rose publique (1934),

La evidencia poética (1937)

Curso natural (Cours naturel) (1938).

En 1930 escribe en colaboración con André Breton La Inmaculada Concepción, un curioso libro de poemas en prosa en el que imitan varias enfermedades mentales, en la vena del método paranoico-crítico de Dalí. Éste sedujo a la mujer de Éluard, Gala, provocando en el poeta una depresión que le llevó a desaparecer de la vida pública durante varios meses.


Louis Aragon: Poeta, novelista y ensayista francés, nacido en París en 1897. Después de sus primeros estudios en el Liceo Carnot , ingresó a la Universidad de Paris donde estudió Medicina. Gran amigo de Breton y de Soupoult, fundó con ellos la revista "Littérature" en 1919, liderando el movimiento dadaísta y surrealista. En su primera colección de poemas "Feu de joie" 1920, fomentó el propósito de los Dadaístas para oponerse a los valores tradicionales de las instituciones. Su adhesión al Partido Comunista en 1932, le hizo romper con Bretón y los surrealistas para convertirse en un gran defensor del realismo socialista. Durante la guerra militó en la resistencia francesa contra el nazismo, sirvió en el frente como auxiliar médico y publicó su famoso poema "Liberté" en 1942. Su obra también encierra el amor por su esposa Elsa y la gran herida de no haber sido reconocido por su padre. Desde 1955, desengañado de sus ideales políticos, se dedicó por completo a la literatura, añorando el tiempo de su juventud surrealista. Falleció en Paris el 24 de diciembre de 1982.

A partir de 1925 aparecen actitudes políticas y sociales dentro del surrealismo, provocadas por el estallido de la guerra de Marruecos; se producen entonces los


primeros contactos con los comunistas que culminarían en 1925 con la adhesión al Partido Comunista por parte de Bretón. Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer número Aragón, Buñuel, Dalí, Elouard, Max Ernst, Yves Tanguy y Triztan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Bretón. Por su parte Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Bretón, continuaban participando con interés en la exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Bretón en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. Las disputas continuaron a través de los años, entre aquellos surrealistas que no veían por qué habían de ser comunistas y concebir el surrealismo como un movimiento puramente artístico y los más adeptos a Bretón. En 1929 Bretón publica el Segundo Manifiesto Surrealista en el que condenó entre otros intelectuales a los artistas Masson y Picabia; en 1936 expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Elouard. En 1938 Bretón firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por una Arte Revolucionario Independiente. El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía ssí como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al asamblaje de objetos incongruentes como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural pintado en París en 1926.

La pintura en el surrealismo.

El surrealismo es una forma de soñar, y de parar esos sueños en instantes eternos para que los demás disfruten de ellos. Dalí el mayor genio de toda la historia y máximo representante de esta tendencia nos muestra buen ejemplo de su delirio onírico. Yo como humilde admirador de este genio me atrevo a mostraros algunas de mis obras en las que se puede apreciar la influencia dalidaniana.

Artistas:


René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1°Marqués de Dalí de Púbol (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Ejemplos de la pintura en el surrealismo:


La Literatura en el Surrealismo:

La literatura surrealista partió, así, de una profunda y sistemática investigación del subconsciente. André Breton, Louis Aragon yPh. Soupault fueron los primeros impulsores de esta “búsqueda”, y para ello fundaron en París la revista i. A la vez proliferaban otros autores surrealistas en Estados Unidos (Man Ray, Marcel Duchamp, Francis Picabia) y en Alemania (Max Ernst, Hugo Ball). En 1921, Breton y Soupault firmaron conjuntamente la que se considera obra fundacional del surrealismo literario, Los campos magnéticos. Posteriormente Breton escribió elManifiesto del surrealismo, la primera obra cuyo objetivo era definir con precisión el movimiento y cohesionar sus hasta entonces difusos postulados. Poco después la revistaLittèrature fue sustituida por La Révolution Surréaliste, que ganó peso y se convirtió en el principal foco de expresión del movimiento.


Este trabajo pronto expresó las señas identitarias del surrealismo, a saber: una enorme vocación libertaria expresada a través de innovadoras técnicas literarias como la “escritura automática”, así como un gusto por los procesos oníricos, por el humor corrosivo y por las escenas eróticas. La así llamada “escritura automática” no era más que una técnica consistente en dejar el texto tal y como había salido del interior del escritor, sin corregirlo posteriormente ni revisarlo para buscar cualquier tipo de cohesión racional. No obstante, el surrealismo seguramente sea el movimiento literario más difícil de categorizar y resumir. El propio Breton fue cambiando su modo de concebirlo una vez que el movimiento se fue desarrollando, y terminó por asumir que el surrealismo era, por encima de todo, un movimiento revolucionario, luego no era de extrañar que fuera también cambiante. Las primeras obras basadas en la “escritura automática” no tuvieron una buena acogida entre el público, que las consideraba demasiado confusas. La progresiva participación de otros artistas -fundamentalmente pintores- en el propio movimiento trajo nuevas influencias a los escritores, que empezaron a incluir la edición en sus textos en busca de una mezcla entre lo racional y lo automático, creando una suerte de “literatura collage” que abrió la puerta a nuevos desafíos

En España, la llamada generación del 27 produjo algunos libros influidos por el surrealismo, como Poeta en Nueva York de Federico García Lorca, Sobre los ángeles de Rafael Alberti, y Espadas como labios de Vicente Aleixandre. También se pueden mencionar algunos de los libros iniciales de Luis Cernuda así como algunos poemas ocasionales de Pablo Picasso.

Artistas:

Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, ibídem, 18 de agosto de 1936 ) fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX.


Obras Literarias: Impresiones y paisajes (1918)  Libro de poemas (1921)  Poema del cante jondo (1921)  Oda a Salvador Dalí (1926)  Romancero gitano (1928)  Poeta en Nueva York (1930)  Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935)  Seis poemas galegos (1935)  Diván del Tamarit (1936)  Sonetos del amor oscuro (1936)

Benjamin Péret (Rezé (Loira Atlántico), 4 de julio de 1899 - París, 18 de septiembre de 1959). Fue uno de los poetas surrealistas franceses más importantes e influyentes. Su poesía y sus relatos escapan a todos los parámetros antes conocidos en la literatura. Su influencia puede apreciarse, en el ámbito latinoamericano, en poetas consagrados como Octavio Paz, César Moro, Enrique Molina y Enrique Gómez Correa. Su obra, lamentablemente, es aun un tanto desconocida.

Obras literarias: Escritas en Español

1. Los Tesoros Del Museo Nacional de México. Escultura Azteca. Con 20 fotografías de Manuel Álvarez Bravo. México D. F.: Ediciones Íbero-Americanas, 1943. 2. Los Sindicatos Contra La Revolución. En colaboracíon con G. Munis. Barcelona: FOR (Fomento Obrero Revolucionario), circa 1960.


Algunas de sus principales obras en Frances:

E Passager Du Transatlantique (ilustrado por Hans Arp, Collection Dada-Au Sans Pareil, 1921). Au 125 Du Boulevard Saint-Germain (ilustrado por Max Ernst, Editions de "Littérature", 1923). Immortelle Maladie (frontispicio de Man Ray, Editions de "Littérature", 1924 ). Il Était Une Boulangère (Simon Kra-Editions Du Sagittaire, 1925). 152 Proverbes Mis Au Goût Du Jour (en colaboración con Paul Éluard, Editions Surréalistes, 1925). Dormir, Dormir Dans Les Pierres (dibujo de Yves Tanguy, Editions Surréalistes, 1927). Et Les Seins Mouraient... (ilustrado por Joan Miro, Marsella: Les Cahiers Du Sud,1927). Le Grand Jeu (con un retrato del autor por Man Ray, NRF-Gallimard, 1928; prólogo de Robert Benayoun, Gallimard-Collection Poésie, 1969). De Derrière Les Fagots (Ilustraciones de Pablo Picasso y de Salvador Dalí, Librairie José Corti, 1934). Je Ne Mange Pas De Ce Pain-La (Editions Surréalistes, 1936). Je Sublime (Editions Surréalistes, 1936). Trois Cerises Et Une Sardine (GLM, 1938; Editions Syllepse-Collection Les Archipels Du Surréalisme, 1999). Au Paradis Des Fantomes (Collection "Un Divertissement"-Parisot, 1938).


La Fotografía en el surrealismo.

La fotografía en la época de las vanguardias Desde sus principios y a lo largo del siglo XIX a la fotografía le fue asignado el papel de retratista de la sociedad industrial y burguesa, sin que por ello dejaran de hacerse otro tipo de fotografías, cercanas al fotoperiodismo, de paisajes o científicas, llegándose a plantear el inevitable paralelo de la pintura con la fotografía y demás artes plásticas, especialmente la pintura. Sería en 1900 con el llamado movimiento pictorialista cuando se formuló claramente el propósito de equiparar la fotografía a la pintura, donde ya se daba la manipulación, son las llamadas “impresiones nobles” que transformaban el positivo en una obra única, pero el pictorialismo no iba más allá de un intento de alineación de la fotografía con la pintura (1). Esta tendencia se mantendrá hasta después de la Primera Guerra Mundial en que la fotografía se empiece a considerar como elemento de un lenguaje plástico. Son años en los que surgen varias tendencias para la utilización de la fotografía, con planteamientos y fines distintos, pero que tienen en común la idea de que la imagen lumínica es algo diferente que no tiene por qué imitar la pintura y que expresa perfectamente lo que es el siglo XX, que parece arrancar tras la Gran Guerra. Es un lenguaje nuevo que reconocen todos los “ismos” vanguardistas, es la expresión de la modernidad, totalmente identificada con los Estados Unidos, donde destacan figuras como el alemán Stielglitz o Steichen, que supieron dar el paso para abandonar la fotografía decimonónica por una fotografía directa y libre. Hay que resaltar en este aspecto el papel pionero de los futuristas italianos que, antes de la Gran Guerra, comenzaron a utilizar la fotografía en su vertiente vanguardista. También anterior a la Primera Guerra Mundial fue la vertiente vorticista y las llamadas “schadografías”, obra de Schad que fueron ensalzadas por Tristan Tzara como expresión dadaísta. El mismo Tzara haría el prólogo en 1922 de la exposición de los doce “rayogramas” que presentó Man Ray bajo el título “Les Champs déliciux”. En el mismo ámbito estaba Laszlo Moholy-Nagy, que denominó a sus obras fotogramas. Este tipo de fotografías de Schad, Man Ray o Moholy-Nagy, vienen a ser lo que Talbot denominó en 1839 “photogenic drawings”, esto es una imagen negativa obtenida por la impresión directa de objetos colocados encima de la superficie fotosensible sin el intermedio de la cámara.(2)


El modelo soviético también es punto de visión para las vanguardias europeas, como es el caso del constructivismo, que tuvo gran acogida en Alemania y que recurre con gran frecuencia al fotomontaje. A este uso del fotomontaje se opone la “Nueva Objetividad”, cuyo principal componente es Albert Renger-Patzch, que no quiere recurrir a ningún trucaje sino que pretende únicamente expresar lo que se ofrece a la vista, a través de la capacidad selectiva de la cámara. El grupo californiano f/64 surge casi simultáneamente buscando en la obra la precisión y la nitidez, precognizando lo que será la fotografía pura.

La temática de las fotografías surrealistas Si el movimiento surrealista estuvo interesado por renovar la psicología, la filosofía, la etnografía, la antropología y por supuesto, la sociología(5), no es extraño que encontremos en sus fotografías estos temas; así es que habiéndose convertido la fotografía en uno de los vehículos más eficientes y presentes en el proyecto surrealista, el movimiento acabó asumiendo el medio fotográfico no sólo con un carácter artístico, sino también con otros aspectos divulgativos- para ilustrar sus revistas o libros(6)-, como retratístico de los miembros del movimiento, como medio para conocer otras culturas lejanas, etc. Podemos entonces encontrar numerosas fotografías de las calles de París, unas que no se diferenciarían de cualquier otra fotografía, y otras que aprovechan acontecimientos que marcan la introducción en la vida cotidiana, de fuerzas irracionales, así como de elementos captados por la cámara al azar, resaltando de este modo la azaridad de las cosas y estableciendo con ello un vínculo con la escritura automática. Tenemos también numerosas imágenes que muestran objetos cotidianos pero que, al presentarse descontextualizados, llegan a alcanzar otras dimensiones, lo cual no implica que se trate de imágenes menos multidimensionales que las manipuladas, ya que se rompe igualmente la asociación normal, como ocurre con las pinturas y las fotografías de Magritte, cuyos enigmas dependen de las interrelaciones de simples objetos y las asociaciones que ellos despiertan. Brassaï también utilizó imágenes sin trastocar, en las que pretendía encontrar, sin ninguna intervención, las figuras ocultas que yacen en cada imagen mental. La fotografía se convierte así en la materia prima, en el punto de partida de las mutaciones y las transmutaciones de los objetos.


Artistas: Brassaï, pseudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fue fotógrafo húngaro conocido por sus trabajos sobre París, ciudad donde desarrolló su carrera. Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Universidad de las Artes de Berlín. En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert. El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.


El Abstraccionismo. El arte abstracto es el estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.


La Pintura en la abstracción. Pintura abstracta o abstracción pictórica es el arte abstracto en pintura. La no utilización de la pintura figurativa (término opuesto al de pintura abstracta) es un fenómeno artístico propio, pero no generalizable, de lo que estéticamente se define como arte moderno y cronológicamente como contemporáneo en los siglos XX y XXI. Histórica y formalmente se ha desarrollado en distintas posibilidades técnicas y denominaciones estilísticas: la abstracción geométrica (cubismo abstracto orfismo, rayonismo-,suprematismo, constructivismo soviético, constructivismo holandés –neo plasticismo, De Stijl- concretismo), la abstracción cromática (sincromismo), la abstracción lírica, la abstracción sintética, la abstracción analítica, la abstracción cinética (arte cinético), el surrealismo abstracto, el informalismo (expresionismo abstracto, abstracción constructiva, tachismo, pintura matérica, action painting), la abstracción post pictórica (minimalismo, color field, hard edge) y cualquier otro movimiento derivado, incluyendo los denominados abstracción figurativa y no figurativa (expresiones que, respectivamente, son un oxímoron y una redundancia, pero que tienen uso bibliográfico). En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. Artista: El Ruso Wassily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.


La Literatura en la abstracción:

El arte pictórico es muy normal que se hable o se trabaje sobre bases surrealistas o abstractas. Todos conocemos muy diversos modos de expresión artística y los aceptamos como formas de expresión. ¿Y en la Literatura? Pues usted puede si lo desea y cree que de esa manera se va a expresar mejor, explorar caminos cercanos a la literatura convencional. Si que se le pide que se consecuente con sus trabajos, que usted entienda realmente lo que va a crear, porque solo así podría conseguir que su trabajo le trascienda o no. En todo tipo de representación artística, y la literatura lo puede ser, se exige un cambio de marco, explorado por el autor, mantenido para crear estilo personal, originalidad, capacidad de expresión para poder llegar de alguna manera a su interlocutor.

La Arquitectura en la Abstracción: Como la pintura es una consecuencia abstracta de la escultura y la escultura es una consecuencia abstracta de la arquitectura, así la arquitectura ha sido una consecuencia abstracta de los elementos vegetales de la naturaleza originada de la evolución de necesidades intrínsecas a la vida humana primitiva. Fueron los pintores los primeros en librarse de la imitación y de los conceptos tradicionales y preconcebidos de la forma. El cubismo y el futurismo, así como las obras de


pintores dedicados a la escultura como Picasso o Matisse llevaron a la escultura moderna a una creciente libertad frente al objeto, abandonando la austeridad de lo imitativo hasta las más extremadas consecuencias. Las nociones de masa, volumen, peso, estabilidad, son abolidas en favor de texturas transparentes, vaciadas y de planos curvos, replegados que rompen o detienen la luz; en su intento por expresar, con lógica severa, el ritmo continuo del universo. Sería unos años mas tarde con el constructivismo ruso, con la necesidad de monumentalidad, cuando se empiezan a borrar las fronteras entre la escultura abstracta y la arquitectura propiamente dicha; la arquitectura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes, generándose una nueva expresión; sin memoria, asimétrica y abstracta. Algunos síntomas recientes abonan la hipótesis de la existencia de un rebrote maduro de la abstracción en ámbitos minoritarios pero significativos de la cultura arquitectónica, tras la definitiva derrota de la figuración postmoderna que, sobre todo en los años ochenta, hizo verdaderos estragos, convirtiendo la tarea del proyecto en una especie de baile de disfraces esperpéntico e inconsistente. Una vez concluida aquella etapa, el panorama cultural parece ir recuperando un cierto equilibrio, e incluso se podría conjeturar, que la abstracción empieza a ser la tendencia dominante en la arquitectura actual. Hay corrientes que aseguran que nunca se podrá alcanzar una arquitectura abstracta, alejada de las normas dominantes en el humanismo, abandonando elementos racionales, sistemáticos y metódicos, expresando la esencia caótica y multidimensional del presente, con su heterogeneidad radical de referencias, con su superposición de fragmentos, con su dinamicidad. Ya que, tanto un pensamiento estrictamente cartesiano y racional, como una doctrina opuesta basada en la intuición esencial, son falsos. Todo pensamiento debe incluir la razón y la intuición como procesos básicos y complementarios.


La Fotografía en la Abstracción: La Fotografía abstracta significa la abstracción de la fotografía. No significa la abstracción de los objetos que están en la fotografía; esto es ocioso decirlo, dado que no existe una fotografía que no implique abstracción. El tema del que se trata aquí es la abstracción de la fotografía como medio y cómo puede reducirse ésta a sus elementos intrínsecos. Sin embargo, en el proceso de abstracción se renuncia a algunas características que siempre han sido típicas de la fotografía y que, de hecho, son las que, desde el principio, la han convertido en un vehículo. Una de estas características, por encima de todas las demás, es su ¿clara afinidad con la intacta realidad¿, como expresó con brevedad y precisión Siegfried Kracauer en 1960 (1). ¿Es un sacrilegio la fotografía abstracta? La abstracción de la fotografía reduce el medio, originalmente orientado hacia el objeto, a sus componentes básicos y la despoja de sus características accidentales, no esenciales. Pero, ¿cuáles son las características esenciales y no esenciales de la fotografía? ¿Por qué hay necesidad de diferenciarlas? ¿Por qué hay que someter a semejante proceso a este eficaz medio de comunicación visual? ¿Y por qué se le priva de lo que evidentemente es su medio más importante de lograr un efecto, medio que ha garantizado su impacto e importancia hasta este mismo día? A muchos de los que han hecho estas preguntas la fotografía abstracta les sigue pareciendo un error, una especie de ¿género incierto, ni arte ni fotografía¿, citando al fotógrafo alemán del Neue Sachlichkeit, Albert Renger-Patzsch (2). Es significativo que, bajo el régimen fascista, las obras de arte abstractas, la fotografía inclusive, se consideraban entartet, degeneradas, eran prohibidas o se las relegaba a lo marginal, considerándolas carentes de importancia para el sistema. Parecían extranjeras, subversivas.


El Cine Abstracto: El cine abstracto es un subgénero del cine experimental, consistente en una oposición al cine convencional al representar solo la noción o una relación a una representación completa. Lo anterior puede aplicarse en cualquier campo, en los guiones de los personajes, en las características del reparto o incluso en los objetos a utilizarse dentro de un filme; sin embargo muchos casos de abstracción en el cine se han vuelto comunes en el cine regular. La abstracción se ha convertido en un hecho común en cualquier filme aunque con el tiempo había caído en desuso la producción de películas netamente abstractas, para principio de la década de 1990 resurgió una nueva ola de filmes abstractos sustentándose en el cine experimental que le ha dado un nuevo desarrollo. El cine abstracto comenzó a existir casi al tiempo del cine común. Algunas de las primeras imágenes en movimiento abstracto que han sobrevivido son las producidas por un grupo de artistas alemanes que trabajarían en los primeros años de la década de 1920, este movimiento se denominaría como cine absoluto. Personas como Walter Ruttmann, Hans Richter (artista), Viking Eggeling y Oskar Fischinger presentarían diferentes enfoques de la abstracción en movimiento: como una analógica a la música, o como la creación de un lenguaje absoluto de la forma, un deseo común a principios del arte abstracto. Ruttmann escribió de su trabajo cinematográfico como "pintura en el tiempo." Más adelante entre se destacarían artistas como Robert Wiene, Fernand Léger y Dudley Murphy (considerados como algunos de los pioneros del cine experimental ), Abel Gance, Orson Welles entre muchos más. Existe toda una tradición de cine abstracto con la que habitualmente identificamos el cine experimental. Comprende mayormente los trabajos de Walter Ruttmann, Viking Eggeling, Oskar Fischinger, Len Lye, Harry Smith, los hermanos Whitney, Jordan Belson, Chris Larkee y Bärbel Neubauer, entre muchos otros. Pero de todos quizás el más conocido es el trabajo de Norman McLaren. A menudo las abstracciones en el cine buscan cambiar una forma para variar el sentido, aunque llegaran a mostrarse imágenes sin ningún significado obvio en escena, serían estas las que nos llegarían a dar alguna sensación o representación con algún valor.


El POP ART. Fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.


La pintura en el POP ART: Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968). Artistas: Billy Apple, ONZM (su nombre de nacimiento es Barrie Bates en Auckland, Nueva Zelanda en 1935) es un artista cuyo trabajo está asociado con el de Nueva York y las escuelas británicas de arte pop en la década de 1960 y con el arte conceptual movimiento en la década de 1970. Ha colaborado con artistas como Andy Warhol y otros artistas pop. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Nueva Zelanda, Te Papa Tongarewa (Nueva Zelanda), Auckland Art Gallery / Toi o Tamaki (Nueva Zelanda), el Christchurch Art Gallery / Te Puna o Waiwhetu (Nueva Zelanda), la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda) y el SMAK / Stedelijk Museum voor Actuele Kunst Peter Thomas Blake (Dartford, Inglaterra, 25 de julio de 1932), pintor inglés contemporáneo. Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956). Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.


El Bauhaus El Bauhaus era una escuela influyente del diseño fundada en 1919 por el arquitecto, Walter Gropius. La escuela fue participe del origen de la palabra alemana " Hausbau ", que significó la construcción de un objeto. Bauhaus sugiere amor a la construcción así como la reconstrucción, él también se identifica con el


Industrial. El Bauhaus comenzó una revolución en la educación del arte que sigue siendo de una manera una Influencia hoy, de un curso del arte de los estudiantes en la escuela a los objetos diarios tales como una silla. " El Bauhaus creó los modelos y fijó los estándares del diseño industrial del actual día, él ayudó a inventar la Configuración moderna, él alteró la mirada de todo de la silla que usted se está sentando adentro a los pae sus

La Pintura en el Bauhaus: Se desarrolló por los pintores de la Escuela de la Bauhaus. Comienza cronológicamente con Lyonel Feininger (1871-1956) y Johannes Itten (1888-1956). Feininger Fenstaher practicó el cubismo y obtuvo excelentes resultados en la técnica de la xilografía. Johanes Itten desarrolló en la Bauhaus sus experiencias vienesas centradas en las propiedades de los materiales, que le llevaron incluso a profesar religiones extremoorientales, y a promulgar su teoría de los materiales y la textura. Asimismo, partiendo de la teoría de los colores y las formas de su maestro, Hölzl, Itten desarrolló una teoría general del contraste como base de expresión creadora. Durante el período de Weimar la Bauhaus fue mucho más romántica, con la integración en la escuela de Georg Muche (1920), Paul Klee y Oskar Schlemmer (1921), y de Vasili Kandinski (1922). Otros pintores asociados a la escuela pictórica de la Bauhaus son Gerhard Marcks, Laszlo Moholy-Nagy y Lothar Schreyer.

La Literatura en la Bauhaus: Lo mejor de la Bauhaus Un estudio en profundidad de este movimiento crucial en el arte y la arquitectura El Archivo de la Bauhaus - Museo de Diseño de Berlín posee la más importante colección de la Bauhaus de hoy en día. En su amplio inventario se encuentran documentos, obras de taller procedentes de todas las áreas del diseño, material de estudio, planos y maquetas arquitectónicas. El Archivo de la Bauhaus está dedicado al estudio y la presentación de la historia de la Bauhaus, incluyendo la nueva Bauhaus en Chicago y la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de


Diseño) en Ulm. Este libro, basado en la extensa colección del archivo, descubre este monumental movimiento en arte y arquitectura a través de la obra de sus representantes más importantes, incluyendo a Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinskyy Paul Klee.

La Fotografía en el Bauhaus: Junto a la enseñanza de la tipografía, las materias Publicidad y Creación de espacios adquieren también categoría de asignatura en 1925, a las que se homologa asimismo la escritura (esporádicamente impartida desde la fundación de la Bauhaus), dándole carácter obligatorio para el primer y segundo semestre, bajo la dirección del ex alumno Joost Schmidt. De la tipografía, la publicidad y la creación de espacios se ocupa el también ex alumno Herbert Bayer. La entrada de Moholy-Nagy significó un notable impulso para la definitiva impostación de la tipografía como materia disciplinar obligatoria (que, por supuesto, compartió Gropius), habitualmente practicada en su anterior etapa constructivista, en Hungria, participando de un movimiento que en la Unión Soviética había refundido y objetivado algunos de los propósitos futuristas experimentando brillantemente con la tipografía desde sus cimientos comunicativos y formales. El peso teórico de László Moholy-Nagy fue determinante. Desde su incorporación al claustro de profesores buena parte de los ideales teóricos bauhansianos respecto de la aplicación del arte a vehiculos o productos de consumo público, tuvieron una feliz adecuación gracias al hombre "más atento y vivaz, aquel que hizo circular las ideas", en opinión de uno de sus colegas.

Artistas:


László Moholy Nagy (Bácsborsard, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su labor en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Moholy (nacida Schulz), a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa. Gerhard Marcks (Berlín, 18 de febrero de 1889 - Burgbrohl, 13 de noviembre de 1981) fue un pintor y escultor alemán, adscrito al expresionismo. Desde 1919 trabajó como maestro de forma de la Oficina de Cerámica que él mismo ayudó a construir en la Bauhaus. En sus inicios estaba interesado en los animales, aunque rápidamente se volvió al estudio de la figura humana, que le fascinó para el resto de su vida. Desde 1925 trabajó en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas) de Burg Giebichenstein, donde estuvo hasta 1933, año en que fue declarado "artista degenerado" por los nazis, que destruyeron alguna de sus obras. En 1943 su estudio de Berlín fue bombardeado y casi todas sus obras fueron destruidas. Después de la Segunda Guerra Mundial volvió a ejercer de profesor de escultura en la Landeskunstschule de Hamburgo.

http://www.artespain.com/movimientos-artisticos/movimiento-artistico-bodyart.html


http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_04_05/pop_art.htm http://www.pucpr.edu/facultad/pperez/101/arte_surrealista.htm http://www.slideshare.net/Robertosanti/corrientes-artisticas http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_conceptual http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/idea-art-190 http://www.ciber-arte.com/movimientos/conceptual.htm http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/abstraccionismo.htm http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

Arquitectura kitsch. La palabra Kitsch tiene origen alemán y viene de kitschen que significa hacer muebles nuevos con partes de muebles viejos. Tiene que ver con lo contrahecho, con lo poco auténtico y, según A. Moles, "tiene un pensamiento ético subalterno, una negación de lo auténtico". Es complicado referirse al Kitsch (o a huachafo), porque inevitablemente la palabra tiene una fuerte carga peyorativa. En Lima, señalar que algo es huachafo equivale a un insulto. Pero está ahi, en todas partes y tiene mucho que ver con lo pop, con la cultura de masas y con una cierta estética de fácil consumo. Se ha hablado incluso de un "estilo Kitsch" que tiene ciertas denotaciones contraculturales, porque busca oponerse al arte culto y a los valores tradicionales. Frank Lloyd Wright (Oak Park, Illinois, 8 de junio de 1867 - Phoenix, Arizona, 9 de abril de 1959), arquitecto estadounidense, fue uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX conocido por la arquitectura orgánica y funcional de sus diseños. Tras abandonar su carrera de ingeniería en Wisconsin al fallecer su padre, Wright se va a Chicago, donde la oficina de los arquitectos Adler y Sullivan le contrataron para trabajar con Sullivan durante 6 años como delineante jefe, hasta que en 1893, abandona por un altercado que tuvo con él y abrió su propio estudio de arquitectura. En estos años diseñó la Casa Winslow, en River Forest, Illinois, la primera de la famosa serie de viviendas de pradera.


Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio existente hasta entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Obras más importantes 1893-1894. Casa William H. Winslow, (River Forest, Illinois) Casa para Isabel Roberts (River Forest, Illinois) 1900. Casa en Prairie Town, para la revista Ladie's Home Journal (proyecto). 1901-1902. Casa William G. Fricke (Oak Park, Illinois).

Arquitectura:


Frank Lloyd Wright

Fotografía kitsch

Esta relación comienza pasado la mitad del siglo XX, cuando la fotografía se adosa a las demás artes, siendo considera como una de ellas, y comienza a trabajar con elconceptualismo, al igual que otras técnicas. En este punto, vale hacer una revisión y volver atrás un poco, para citar el tema de la autenticidad de las obras; este concepto se asocia a una valoración estética y filosófica, y su criterio designa la originalidad, elemento al cual se asocian los orígenes y caracteres autóctonos de cada sociedad, concebidos en el folclore [14]. Walter Benjamín, puntualizó en lareproducibilidad técnica de los medios artísticos, y expuso a este hecho una pérdida del aura, lo que apela a la perdida de la unicidad y autenticidad de la obra, se puede decir que este hecho de la modernidad, se ve reflejado en como la invención de la fotografía despoja a la


pintura de la función representativa, por lo cual, esta comienza a emigrar a otros campos de estudio, tal como “el arte abstracto” o “no figurativo”, con lo cual viene unido a una situación de crisis del arte en el siglo XX[15]. Para establecer de este modo la relación entre el fenómeno del kitsch, he seleccionado una serie de fotógrafos que constituyen sus obras dentro de la estética de lo kitsch, y que por ende dejan de manifiesto la condición hibrida presente en las sociedades latinoamericanas; dentro de sus propio espectro social. Las temáticas son variadas, y abordan el kitsch desde distintos puntos, ya sea, a través de su contenido, a través de la propia estética fotográfica. Importante es recalcar que las imágenes corresponden a trabajos que explicitan la temática kitsch dentro de su propuesta estilística, y en donde la utilización, ya sea de modelos o de una producción, conlleva una reflexión que tiende a calificarse de contemporánea, por su carga irónica y en algunos casos hasta burlesca, claras con sus pretensiones criticas y artísticas. A continuation los enumero:

• Daniela Rosell • Luis Molina-Pantin • Marcos Lopez • Nelson Garrido • Penna Prearo • Vik Muniz


Daniela Rosell

Luis Molina-Pantin


Pintura kitsch

Foxhounds and a Hunt terrier on a Bench

Deg Edgar B de clase, gas 1871 aile.

literatura kitsch


Es en la primera década del siglo XX que kitsch se convierte en un término internacional que implica la noción de inadecuación estética. Por ejemplo, una estatua griega reducida al tamaño de una chuchería, o un auténtico Rembrand colgado en el ascensor de la casa de un millonario, muestran dos extremos: el del arte auténtico reducido a significar riqueza y el del patente no arte vestido de prestigio estético. El kitsch se asocia al desarrollo del mercado de consumo masivo, tanto así que los teóricos e intelectuales lo ven como el hijo natural de la modernidad. Lo kitsch aparece en la historia en el momento en que la belleza en sus diversas formas es distribuida socialmente, igual que cualquier otra comodidad sujeta a la ley del mercado, de la oferta y la demanda. Oscar Wilde dijo que la naturaleza solía imitar al arte; en el siglo XIX algunas puestas de sol llegaron a parecer pintadas por Corot. Hoy a la naturaleza no le quedaría otra elección que la de imitar las reproducciones en color, ser más bella que una postal. Fue en 1917 el dramaturgo y poeta alemán Franz Wedekind escribió que “lo kitsch es la forma contemporánea de lo gótico, rococó, barroco" (221). Esa fue la primera vez en que la esencia de la modernidad se identificaba como kitsch.

Land Art o Arte Terrestre


es una expresión artística que trasciende, por su monumentalidad, los soportes utilizados habitualmente por los artistas como el lienzo o la madera. Igualmente los espacios en que tradicionalmente habían sido utilizados para la exhibición de obras de arte, museos o galerías, se convirtieron en escenarios naturales como playas, islas, ríos y otras veces puentes, edificios, etc. Los cuales, dentro de su contexto natural, son alterados mediante el empleo de las más diversas técnicas y materiales. por razones de la monumentalidad, como parte inherente del “Land Art”, se hace imposible su traslado a los espacios tradicionales de exhibición y es en ese punto que entra a jugar la fotografía, muchas veces firmada y limitada, y los videos como elementos principalísimos de coleccionismo y divulgación. hablamos del “Land Art” lo estamos haciendo de un arte que utiliza la naturaleza para transformarla, pero no desde un ángulo crítico desde el cual mostrarnos el uso violento e indiscriminado al que el hombre somete a la naturaleza. No, la realidad es impresionarnos con la aprehensión de un paisaje majestuoso y natural, alterado de diferentes maneras y donde lo ecológico y su preservación no sólo no es tenido en cuenta, sino que en ocasiones se ha señalado al “Land Art” como responsable de posibles daños contra la flora y la fauna en los lugares donde han sido hechas sus “instalaciones”. Por razones obvias el “Arte terrestre” es un arte efímero y cambiante que, como ya hemos visto, se llega a él a través de su interdependencia con la naturaleza y donde lo importante reside en la visualización del paisaje como objeto transformado por el artista.

Land art fotografia El Land Art es una forma artística cuyas representaciones cambian el paisaje, o bien crean una paradoja en el mismo. Suelen ser obras monumentales pero a la vez efímeras en las que tan sólo una documentación adecuada hace que se pueda tener constancia de ellas.


Como ejemplo Christo, artista al que se clasifica en esta tendencia, y que cubre grandes superficies, tales como edificios o islas con grandes lonas. Christo financia sus proyectos vendiendo después documentación gráfica en forma de documentales de las enormes instalaciones que de otra manera no habría constancia. El cine aquí es usado en su forma documental, y participa del mismo espíritu que la fotografía, es la huella que dejan las instalaciones lo que nos queda filmado.

Land art arquitectura A lo largo de los últimos siglos el arte ha acogido en su amplio seno corrientes de todo tipo. Muchas de esas corrientes han resultado plenas de creatividad y otras han caído en la mera anécdota, más valiosas por la propuesta en sí que por los resultados. Quizá cada comienzo lleve a muchos artistas (un término que ha perdido su significado) a replantearse formas y modos de representación. Se están produciendo unas modificaciones muy profundas en los viejos canales del arte con experiencias estéticas no artísticas producidas por la nueva comunicación que contrastan con las ya tradicionales de la publicidad y los medios de comunicación de masas. La idea de la contaminación y mezcla entre las referencias tradicionales y las propuestas innovadoras definirá en lo sucesivo la frontera de la nueva sensibilidad.


Se pretende así reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, haciendo alusión incluso al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día, un paisaje que juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, el land-art puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional en cuadros y esculturas. El paisaje es parte fundamental de la obra e que indica muchas veces el que hacer. El arquitecto dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra proseguirá este diálogo. Así podrá surgir esta transformación que permite esta experiencia artística, recuperando valores ancestrales y comunicando ideas, pensamientos y sensaciones.

para intervenir a esta escala en la cual el hombre pueda apropiarse del territorio, es importante que el arquitecto entienda el lugar en el cual va a trabajar desde una perspectiva general, dejando una marca o huella del hombre con los elementos a la escala de este, determinando el paisaje a su medida; es ahí donde se percibe la cercanía con la arquitectura y el paisaje. Existe una relación estrecha entre la arquitectura de espacios públicos y el landArt. Al igual que el arte de paisaje, la arquitectura de espacios públicos debe ser concebida para el hombre como espectador y expectante, provocando y


generando situaciones que alteran la postura del hombre frente al paisaje y la naturaleza mediante la percepci贸n de sensaciones.

Exponentes del land- art 1. Empleo de materiales naturales:

- Tierra (Robert Smithson, Michael Heizer) - Madera (Nils Udo, Gary Rieveschl) - Piedra (Richard Long, Carl Vetter, Alan Sanfist) 2. Artificio y contraste:


- Telas (Christo) - Pararrayos (Walter de Maria) - Aparatos y m贸viles en los que intervienen las fuerzas naturales tales como el fuego, el agua o el aire (Susumu Shingu, Walter de Maria)

El movimiento (Richar hamish Fulton)[1] La editorial Tecnos dentro del sello Metr贸polis (Grupo Anaya) ha publicado El inconsciente 贸ptico, de Rosalind Kraus; Las moralidades posmodernas, de Lyotard, y Control remoto, de B谩rbara Kruger.

pintura "Land Art" (Arte Terrestre)


Thomas Kneubühler’s “Electric Mountains”

Spiral Jetty, 1970, by Robert Smithson

Christo and Jeanne-Claude: Surrounded Islands (1983)


pintura comic Es evidente que todo dibujante siempre toma referencias para dibujar lo que sea, el caso es que a veces esas referencias directamente se vuelven guiños o homenajes como en este caso a las grandes obras de la pintura (y alguna escultura). He encontrado un gran repertorio de estos ejemplos por ahí en los bastos mundos de interés, siempre es interesante ver este tipo de detalles. También la portada del número 218 iba a remedar un cuadro clásico, ahora sí, de Rubens, pero al parecer los motivos religiosos son a menudo un problema para DC (recordemos la marcha de Rick Veitch de La Cosa del Pantano cuando le censuraron el número en que Swampy se encontraba con Jesucristo) y finalmente se publicó una de esas portadas genéricas tan olvidables. La portada desechada:

Y para terminar con la sección dedicada a Dalí (todas las imágenes sobre este pintor y algunas más pueden encontrarse en Modern Arf (Fantagraphics, 2005) de Craig Joe) y con el artículo, vamos con una portada delrecientemente fallecido Jim Mooney para Star Spangled Comics #79 (DC, 1948):


Burne Hogarth: el miguel ĂĄngel de los comic Dicen que Burne Hogarth fue el primer artista de comic en dibujar de forma completamente adecuada la anatomia humana, no se si es cierta, pero es evidente que su forma de dibujar el fĂ­sico de Tarzan lo convierte en la imagen definitiva del personaje, por no hablar del juego que le saca a la frondosidad de la selva para crear un decorado barroco y estilizado:


La muerte del capitán Marvel. Cagoen mi estampa, me lo leí ayer y me enfrasqué tanto en la lectura que al final casi se me salta una lagrimilla que reprimí porque soy así de macho. Tan sólo añadir que doy gracias a Diox o quién sea por este tipo de joyitas que hacen que se renueve mi fe en el cómic como herramienta para entretenerme. Jan Fabre, Piedad


Fotografía comic

Arquitectura comic El arquitecto en cómic Mucho se ha escrito sobre la arquitectura en el cómic y existen muchos arquitectos de cierto calado profesional que viven del cuento, del cómic mejor dicho (Manara, Miguelanxelo Prado, JMV, Schuiten etc.) Pero lo que relata este post es cuándo y cómo aparece el arquitecto en el mundo del cómic. Superhéroes o supervillanos


Muchas

veces

pensamos

que

deberíamos

tener

superpoderes para poder cobrar las facturas o para entregar las cosas a tiempo, la superentregabilidad, por ejemplo, pero encontrar un super arquitecto, el architectman no ha sido de interés ni por la DC ni por la Marvel, lo más parecido es un supervillano, qué esperabais, su nombre Angle Man (El hombre Ángulo) visto por primera vez en Wonder Woman (2 serie) n 179 (mayo 2002), su arma, una Escuadra, mágica claro, y no la usa para clavarla en los ojos de sus

adversarios sino para forzar el espacio y las relaciones espa ciales, alterar la gravedad y modificar las percepciones, a lo Miralles vaya. Todo y que no dicen que sea arquitecto, dicen de Ángelo Bend (Angle Man) que era “un pícaro guapo, impecablemente vestido y de verbo fácil convertido en ladrón de alquiler supremo”, lo que decía, un arquitecto. Así sin superpoderes o sin escuadras o cartabones mágicos, tenemos a Mister X de Dean Motter (publicado el 2008 por Dark Horse Comics) con la difícil misión de salvar a Radiant City. Batman, todo y que se vista de negro, y tenga gadgets no podemos considerarlo arquitecto, y seguramente la construcción de la Batcueva la hizo sin licencia de obras. El mundo del cómic superheroico no ha sido proclive a utilizar en su alter ego al arquitecto, supongo por el hecho que cuando recibieran la llamada para salvar el mundo estarían de entrega. Han sido más propensos al periodismo, Superman (Clark Kent) o fotógrafo de prensa, Spiderman (Peter Parker), profesiones muy cercanas también a los Autónomos. Otras profesiones muy utilizadas en el mundo


del cómic son los policías o militares en general como Linterna Verde (Hal Jordan), Flash (Barry Allen), Martian Manhunter, Capitán América (Steve Rogers) o también científicos con mucha pasta o con buena o mala suerte en sus experimentos como Hulk (Bruce Banner), Mister Fantastic (Reed Richards), Ironman (Tony Stark), Atom (Ray Palmer), Blue Beetle (Ted Kord). Abogados como Daredevil, por lo de la justicia es ciega. Estos entre los más conocidos, pero también podemos encontrar Prostitutas, Mantis (Mandy Celestine); Secretarias Liberty Belle, Catwoman (Selina Kyle) en la película, pero azafata en el cómic, y hasta una maestra de primaria, La Cazadora (Helena Bertinelli). Por otra parte, en buena cantidad de historias de estos superhéroes aparecen un sinfín de villanos promotores con el afán de construir véase ciudades, complejos hoteleros o mundos distintos si cabe. Por suerte están allí los superhéroes para impedirlo y dejar sin trabajo a arquitectos anónimos.

Manga literatura Muchos consideran al manga como parte de la literatura japonesa, si bien hay opiniones interesantes al respecto, desde ambos puntos de vista, lo que es indudable es que el manga es una manifestación artística que ha sabido cautivar mentes y corazones, atravesando diversas fronteras, y sus artistas han sabido expresar profundas emociones a través del diálogo y el dibujo.


Saint

Seiya

Saint Seiya o Caballeros del Zodiaco es una obra del maestro Masami Kuramada publicada en Japón entre 1986 y 1991 y que, ademas triunfó en las pantallas de televisión La primera serie de Saint seiya se transmitio el 11 de Octubre de 1986 en la television japonesa, originalmente constaba de 52 capitulos pero se volvio tan popular que se extendieron a 73. Despues le siguieron otras dos series "saga de Asgard y de Poseidon". Cinco jovenes vestidos con armaduras especiales, pelean para proteger a Athena y al mundo de las fuerzas malignas, con artes marciales, golpes espectaculares y toneladas de acción. La historia tiene la peculiaridad de combinar varias mitologías (tema bastante utilizado por los escritores y mangakas japoneses), y aqui podremos encontrar rasgos de la mitología Griega, Romana, Japonesa, Escandinava , etc...

fotografía manga


Literatura gotica moderna La literatura gótica es el origen y la predecesora de la -más modernaliteratura de terror, y muchas veces ambas se confunden por sus muchas características comunes. De hecho, no puede decirse que existiera la novela de terror hasta la aparición del terror gótico y, estrictamente hablando, la primera novela gótica fue El castillo de Otranto (1765) de Horace Walpole y la última Melmoth el errabundo (1815) de Charles Maturin. Entre estos autores el género se desarrolló con obras como Vathek de William Beckford (1786, originalmente en francés), Los misterios de Udolfo de Ann Radcliffe(1794), Las aventuras de Caleb Williams de William Godwin (Londres, 1794), El Monje de Matthew Lewis (1796) y Manuscrito encontrado en Zaragoza de Jan Potocki (1805). Dentro del subgénero narrativo denominado novela, es preciso distinguirla de la narración popular fantástica del folklore y de los cuentos tradicionales de aparecidos, porque se desarrolla fundamentalmente desde fines del siglo XVIII a la actualidad y posee características distintas asociadas al movimiento estético conocido


como Romanticismo. En algunos manuales de literatura se hace referencia a la novela gótica también como novela negra, 1 si bien este término puede dar lugar en la actualidad a equívocos. Las características de este género pasan por una ambientación romántica: paisajes sombríos, bosques tenebrosos, ruinas medievales y castillos con sus respectivos sótanos, criptas y pasadizos bien poblados de fantasmas, ruidos nocturnos, cadenas, esqueletos, demonios... Personajes fascinantes, extraños y extranjeros, peligro y muchachas en apuros; los elementos sobrenaturales pueden aparecer o sólamente ser sugeridos. La ubicación elegida, en tiempo y espacio, respondía a la demanda de temas exóticos característica delmedievalismo, el exotismo y el orientalismo. En efecto, esta literatura -fundamentalmente hablamos de narrativa, aunque también puede hablarse de poesía- tiene su sustento en la ambientación poderosamente bañada de romanticismo: paisajes tenebrosos, bosques oscuros, ruinas y castillos con sus mazmorras y sótanos, criptas, fantasmas y demonios, etcétera. En ese mundo oscuro los escritores sitúan a sus personajes y les hacen vivir aventuras peligrosas, muchas veces rodeadas de elementos sobrenaturales. No en vano, la literatura gótica es también una clara predecesora de otros dos géneros más recientes: la literatura de ciencia ficción y la literatura fantástica. Como decíamos, esta literatura es propia del romanticismo y es fácil entender que entre los adheridos a esa corriente tuvieron un éxito tan claro, aficionados como eran los románticos al medievalismo y el exotismo de sociedades más primitivas, cuando el mundo se dirigía hacia el urbanismo, la técnica y la industria al amparo de la Ilustración. El siglo XVIII fue testigo del nacimiento de esta literatura con El castillo de Otranto(Horace Walpole, 1765), Vathek (William Beckford, 1786), Los misterios de Udolfo (Ann Radcliffe, 1794), o Las aventuras de Caleb Williams (William Godwin, 1794). Curiosamente, la literatura gótica más conocida y citada no es la anterior, que podríamos definir como ejemplos canónicos del género. Fue el siglo XIX el que produjo las obras más famosas, si bien se separaron -a veces de forma clara- de las características básicas de las anteriores. Así, La abadía de Northranger, de Jane


Austen, Cumbres borrascosas de Emily Brontë, Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley o las muchas obras de Edgar Allan Poe son citadas demasiado frecuentemente como los ejemplos máximos de la literatura gótica, cuando son en algunos casos novelas de terror, de ciencia ficción o meras parodias del gótico canónico. Posteriormente, la literatura gótica siguió inspirando y llenando de contenido mitológico muchas obras de ciencia-ficción, terror y fantasía. Sin este antecedente no se entenderían los cuentos de Lovecraft, las obras de Tolkien o el cine de Tim Burton, por citar tres ejemplos dispares de lo muy presente que este goticismo se mantiene en el arte más reciente.

Arquitectura gotica moderna Sin duda el tipo de arte y arquitectura principal en la Comunidad de Valencia y Baleares es el gótico. Junto con Cataluña comparten el esplendor del llamado "Gótico Mediterráneo" de fuerte personalidad diferenciada con respecto al gótico castellano contemporáneo. Aunque la arquitectura gótica clásica francesa se asocia instintivamente a ambientes más norteños, nubosos y poco luminosos, en el mundo mediterráneo, marítimo y soleado floreció una arquitectura gótica particular y distinta. Esta arquitectura gótica aragonesa y mediterránea comparte con el gran gótico europeo las estructuras abovedadas con crucería, pero la disposición espacial es muy diferente. Este hecho diferencial se explica por la influencia clásica (romana) que sufren estas fábricas en el orden estructural y de tratamiento de la luz. Los espacios no pretenden ganar alturas deslumbrantes sino crear espacios abiertos. A pesar de esa amplitud se compartimentan los edificios en múltiples capillas que permiten celebraciones simultáneas.


Pintura gotica moderna Se resumir siguientes claves expresivas:

puede el estilo

gótico

moderno

en

las

- Retorno a la fuerte sensación opresora de la sociedad medieval, entendiendo que la sociedad actual oprime igualmente y que el ser se vuelve oscuro para mantenerse en las tinieblas y poder moverse por ellas con cierta libertad. El estilo gótico es ante todo una rebeldía interna que no acepta la idea del “bien” establecido por la sociedad. Se retoman también las armas y utensilios medievales, entre otras cosas. - La oscuridad, el predominio del negro, la noche y las tinieblas. Los personajes también visten de negro para integrarse a la atmósfera de misterio y magias ocultas. Esta oscuridad es el medio compatible con el personaje gótico quien gracias a ella se desenvuelve. La luz amplia y abierta es un enemigo que pretende reducirlo. La luz es como una verdad directa que el personaje gótico rechaza para buscar en las tinieblas su verdad de un modo personal.


- La Rebeldía interior frente a la sociedad alegre y conforme se expresa con un fuerteSentimiento Negativo ante la vida entendida como expresión de dolor, muerte, opresión, marginalidad, soledad, derrumbamiento y tragedia. De algún modo es una llamada de atención hacia la existencia de estos elementos que también constituyen la vida. No se desprecia la muerte, sino al contrario, la muerte es atractiva y sensual. El dolor exalta la existencia. - Fuerte Sensibilidad física de los personajes y provocación de sensaciones relacionadas con el cuerpo. Ésta se representa y exterioriza por medio de heridas, sangre, marcas de materiales en la carne, ornamentos peligrosos (que pueden causar heridas), así como de metamorfosis humanas hacia seres fantásticos nuevos y mágicos. El artista gótico tiene una sensibilidad muy aguda (siente con fuerza sus experiencias) y por eso es tan expresivo. - Las mujeres góticas tienen un papel fundamental en este estilo. La mujer gótica, rodeada de magia, es sensual, atrevida y peligrosa. Pero también triste, trágica y profundamente herida.

Artistas Góticos ANNE STOKES - Gran artista inglesa ilustradora. Galería. VICTORIA FRANCÉS - Artista valenciana. LUIS ROYO - Estilo es entre heavy, gótico y fantasias, ligado al estilo cómic de guerreros y combate. DAVID HO - Artista japonés que usa más los medios digitales.


comic duro pintura Benjamin Gudel es un artista contemporáneo dibujante de cómics e ilustrador. Su estilo de cómic es seguidor del estilo de Frank Miller. Características: -Líneas gruesas y a veces con ruturas bruscas. - Colores tétricos, tierras, oscuros y potentes en sangre, barro, noche y personajes. - Mucha fuerza en el dibujo, los encuadrs, los motivos y los personajes. La vida está intensificada por las circunstancias que la rodean. Gudel hace un impresionante retrato de la vida moderna en ciudad, de los personajes cosmopolitas y genera un gran mundo de sensaciones potentes.


BibliografĂ­a http://textoscriticos.blogspot.com/2007/11/kitsch-en-la-fotografalatinoamericana.html http://arquitecturadefpaisaje.blogspot.com/2008/08/land-art.html http://lengua.laguia2000.com/literatura/literatura-gotica http://oubeos.hekate.es/historias-de-terror/57-pintura-gotica-moderna.html http://www.freakarq.es/el-arquitecto-en-comic/

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