REVISTA DANZA EN ESCENA Nº 50 (JULIO 2021) | Cristina Casa y Ion Agiretxe

Page 1

DANZAENESCENA Revista de La Casa de la Danza

Nº 50 JULIO 2021

CARLA FRACCI ROBERT COHAN LIAM SCARLETT JESÚS CARMONA

CRISTINA CASA & ION AGIRRETXE Principal y solista de la CND DEE

1



SUMARIO

DANZAENESCENA Revista de La Casa de la Danza

Nº 50 JULIO 2021

4

EDITORIAL: Revista 50 Perfecto Uriel

6

PORTADA: Cristina Casa y Ion Agirretxe Sergio Cardozo

13 XXV Aniversario Convocatoria Nacional de Danza de Castellón Iván Magán 20 Jóvenes figuras para el siglo XXI: Damián Torío Charo Yubero

CARLA FRACCI ROBERT COHAN LIAM SCARLETT JESÚS CARMONA

CRISTINA CASA & ION AGIRRETXE Principal y solista de la CND DEE

1

DANZAENESCENA Nº 50_JULIO 2021 EDITORA: Mila Ruiz COORDINADOR: Perfecto Uriel CONSEJO DE REDACCIÓN: Víctor M. Burell, Nelida Monès, Joaquim Noguero y Mila Ruiz. COLABORADORES: Sergio Cardozo, Alaister Macaulay, Manuel Hidalgo, Paloma Sainz-Aja, Orlando Taquechel/ Artburst Miami, Rafael Molina, Pilar Pérez Calvete, Iván Magán, Teresa Laiz, Marta Carrasco, Charo Yubero, José Luis López Enamorado y Fredy Rodríguez. FOTOGRAFÍA: Luciano Romano, Jacobo Medrano, Sergio Cardozo, Alba Muriel, Jesús Vallinas, Marian Borges, Javier Pulpo, Elia Rodière, Maral, Marcos Domingo, Alfredo Ayarza, Luis Falduti, Santiago Barreiro, Bill Cooper, Paul Kolnik, Festival de Jerez, Royal Ballet, New York City Ballet, CND y Ballet Nacional del Sodre. MAQUETACIÓN: Liosmar Ruiz leoruizmartinez@gmail.com DIRECCIÓN: Casa de la Danza, c/Rua vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja) MAILS: Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto Uriel: casadanza@casadeladanza.com (Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores) Fotografía de portada: Gabriel Asensio Castañeda

24 Jesús Carmona se corona como mejor bailarín del planeta Danza En Escena y Danzaria 26 El Festival de Jerez se plantó ante el Covid y ganó Marta Carrasco 28 ENTREVISTA: Robert Cohan Rafael Molina y Pilar Pérez Calvete 34 Liam Scarlett Alastair Macaulay 41 Adiós a mi maestra de danza José Luis López Enamorado 43 Leyendo flamenco Orlando Taquechel / Artburst Miami 46 Carla Fracci Manuel Hidalgo 48 La Ribot, distinguida creadora Paloma Sainz-Aja 51 CRÍTICA: Frágil Paloma Sainz-Aja 52 Arte e Historia de las Castañuelas I Parte Teresa Laiz 55 La tira de Fredy y libros recomendados 56 D.I.D. 2021 y XVIII Aniversario CDE La Casa De La Danza Danza En Escena


4


Editorial

Revista 50 La revista “Danza en Escena” celebra su número 50 y coincide con el XVIII aniversario de la apertura de la Casa de la Danza de Logroño. Nadie daba un duro por esta modesta revista cuando en España existían varias publicaciones en papel con reconocida trayectoria. Conseguimos hacernos un hueco gracias a la colaboración desinteresada de periodistas, fotógrafos, críticos y un sin fin de colaboradores que se fueron uniendo trimestre a trimestre. Fuimos creciendo en páginas y contenidos hasta que en 2008 llegó la gran crisis. Dejamos el papel y nos tomamos una siesta sabática. La cosa duró poco y Mila Ruiz, ferviente amante de la danza y parte elemental de esta revista desde los orígenes, pensó que podíamos seguir editando en digital. Y así se hizo. Hemos visto desaparecer prácticamente la totalidad de las publicaciones que otrora fueron pilares fundamentales del periodismo de danza. Hoy muy poco se escribe de danza salvo las críticas en los periódicos, y no siempre. Triste panorama que no hace sino evidenciar el escaso interés, por no decir nulo, que la danza despierta donde tiene que encontrar apoyo y cuidado. Me gustaría ser optimista pero, después del tiempo bregando en este valle de lágrimas, cada día que pasa veo con más claridad el olvido institucional en el que la danza va sumergiéndose o la van sumergiendo. Esta celebración también pone un acento especial en el nuevo camino comenzado con la publicación de cuentos infantiles y juegos pedagógicos. Este nuevo proyecto ayudará, sin lugar a duda, a crear más afición entre nuestros jóvenes estudiantes de danza. Seguimos abriendo vías de difusión para la danza pero ahora en el territorio infantil. Cuentos y juegos pedagógicos que ayudarán a crear afición entre los más pequeños. Gracias a todos por vuestras colaboraciones. Sin vosotros esta aventura no hubiera sido posible. ¡Por muchos años más! ¡Por otros 50 nuevos números!

Perfecto Uriel DEE

5


Cristina Casa y Ion Agirretxe Dos bailarines españoles de excepción Por Sergio Cardozo

Cristina Casa, Jacobo Medrano

Ion Agirretxe, Jacobo Medrano

6


ENTREVISTA → Cristina Casa y Ion Agirretxe

Cristina y Ion, Ion y Cristina, forman parte del colectivo “Amigos de Honor” de la Casa de la Danza de Logroño, nombrados en el Día Mundial de la Danza en 2018, cuya madrina de honor fue la Gran Dama del Flamenco Merche Esmeralda. CRISTINA CASA, es madrileña y se formó en la escuela de María Larios y África Guzmán, se graduó y comenzó a bailar con tan solo 15 años. Luego compaginó su formación y representaciones en Estados Unidos, Londres, además de participar en galas especiales y ganar varios premios y reconocimientos. ION AGIRRETXE, nació en San Sebastián y comenzó el mundo de la danza con las danzas tradicionales vascas, allí se inició en el ballet con Mentxu Medel para luego realizar la carrera en el Conservatorio Mariemma de Madrid. Participó en el proyecto Europa Danse y bailó en otras agrupaciones y proyectos coreográficos como La Mov, Goyo Montero, entre otros. En el año 2008 ambos ingresaron al Corella Ballet en España, donde se conocieron y ahora comparten su vida también como matrimonio. Ambos llevaban bailando en el Royal Ballet de Flandes desde 2012 y en 2016 se integran a las filas de la Compañía Nacional de Danza de España dirigida por José Carlos Martínez. Cristina fue ascendida a Primera Bailarina en 2017 y Ion a la categoría de Solista en 2018. Hasta llegar a la actual madurez de sus carreras, han interpretado innumerables papeles protagónicos, tanto del ballet de repertorio y propuestas contemporáneas, además de haber recibido premios y reconocimientos nacionales e internacionales.

¿Nos podríais compartir cuáles fueron vuestros inicios en el mundo de la danza? ¿Y cuál el momento en que decidís abrazarla como profesión? Cristina - En mi caso empezó muy naturalmente, vi a unas niñas salir de bailar de una academia y le dije a mi madre ¡quiero hacer eso! Desde ese momento me uní a la danza inseparablemente. No sabía que era una profesión, simplemente era parte de mí, no concebía mi vida sin bailar. Poco a poco iba avanzando y mis profesoras le iban recomendando a mis padres el subir un escalón más. Nos dimos cuenta todos, que para bailar y dedicarme a la profesión había que irse de España. La primera vez que salí de Madrid fui sola a Nueva York. Y ya no paró, había empezado mi camino al extranjero. Ion - Tengo unos recuerdos maravillosos de cuando era muy pequeño, donde en aquellos tiempos, sin YouTube, ser autodidacta era bastante difícil, yo lo fui gracias

a todos los vídeos que grababa mi padre. Comencé en la danza tradicional vasca a los cuatro años, y sin que nadie me enseñará empezaba a aprender y a imitar lo que hacían los (dantzaris), bailarines mayores, era muy divertido. Cuando mis padres me apuntaron en un grupo de baile ya me sabía los bailes y solía querer más y más. Jamás me imaginé en aquellos tiempos que llegaría a bailar profesionalmente. En aquellos inicios, ¿recordáis un momento o persona en especial, que os motivara para adentraros más al mundo profesional? ¿Tuvisteis apoyo desde vuestras familias? Cristina - Recibí ayuda y consejos de mi profesora María Europa Guzmán que me habló de lo duro de la profesión y confió siempre en mí y mi constancia. Recuerdo con cariño a Gabriella Foschi, que también fue una buena guía. Mis padres y mi hermana siempre estuvieDEE

7


Cristina Casa con Marcia Haydée

Lorca Massine ensayando con Jon Agirretxe, Alba Muriel

ron allí apoyándome, dispuestos a lo que necesitara. He sido muy afortunada en ese sentido, he tenido el mayor apoyo que puede uno tener. Ion - Cuando a los once años comencé a hacer ballet, mi profesora Mentxu Medel nos inculcó el amor y el respeto hacia la profesión, me di cuenta de lo delicado, bonito y sacrificado que era este mundo de la danza, ella fue la que me dio el impulso para poder salir de casa bien joven y dedicarme en profundidad a esta actividad profesionalmente, siempre con la ayuda y apoyo constante de mi familia.

Ion - No es una profesión fácil, salir muy joven de casa, dejar a la familia... El esfuerzo y la disciplina son dos pilares que jamás debemos olvidar, pero la constancia, la inteligencia y el respeto son los tres valores más importantes, a mi parecer que nunca debemos olvidar.

Habiendo tenido distintos caminos en la formación, además de las tan repetidas cualidades de esfuerzo y disciplina ¿qué otros valores consideráis que debe tener alguien que quiera dedicarse a esta profesión? Cristina – Fundamentalmente, ser muy fuerte psicológicamente, porque hay gente que va a intentar no ponerte las cosas fáciles y ahí debe estar tu muro, tu lucha y tu experiencia personal, esto Marcia Haydée me lo explicó muy claro, es algo que no se me olvidará. Otros valores, supongo que como en otras profesiones, solo que esta tiene el añadido de lo físico, y a veces, puede ser peligroso. Además, en el arte, no tenemos una regla para medir lo correcto o lo incorrecto, lo bello o no de las cosas y quizás por eso que se hace todo tan subjetivo.

8

Sabemos que os conocisteis como compañeros de trabajo, ¿nos podríais contar cuándo surge la chispa para decidir compartir también vuestras vidas como pareja? Cristina - Surge en la Compañía de Ángel Corella, que fundó en España allá por el año 2008. Ion es lo mejor que me ha dado mi profesión. Empezamos como amigos y nos dimos cuenta con el tiempo, que estábamos hechos el uno para el otro. Ion - Fue algo muy inesperado, que empezó con un café de amigos en una gira en Mérida, me pareció una chica muy sonriente, feliz, educada y muy madura, que me hacía reír mucho y que congeniámonos muy bien en nuestra forma de pensar. Desde aquel momento han pasado 11 años, y nuestra felicidad no ha hecho más que crecer y madurar en todos estos años, me siento muy agradecido de poder tener a mi lado a una gran mujer como la que tengo a todas horas del día.


Cristina Casa y Ion Agirretxe, Sergio Cardozo

Cristina Casa y Ion Agirretxe en Bosque de la Danza (Logroño), Marian Borges

¿Qué momentos o emociones siente una pareja como vosotros, compartiendo un mismo escenario, en una obra o interpretando un paso a dos? Cristina - ¡Es lo más bonito que se puede sentir y vuelvo a ser afortunada! ¿Sabes lo que es bailar sabiendo que él está para ti? Es la mayor sensación de libertad, es una química especial. A veces los ensayos son complicados pero el resultado es el mejor. Ion - Es una sensación única, mágica, inolvidable, de mucha sensibilidad que pocas veces suele pasar. La confianza entre una pareja a la hora de trabajar es algo que muchas veces es contraproducente, pero a la hora de salir a escena esa confianza ciega en quien quieres se transforma en algo muy especial, el respirar cada movimiento y cada mirada, es como si fuera una persona, como si fueran dos gotas de agua que se fusionan en un todo.

Ion - Interpretar “El Molinero” del Sombrero de Tres Picos de Leonid Massine en su centenario. Ha sido algo que me ha dejado marcado para el resto de mi vida, el aprendizaje, la sensibilidad, la fuerza y la sabiduría que transmitía Lorca, el hijo del gran coreógrafo Leonide Massine, fue espectacular, la intensidad de sus ensayos, y cada consejo que recibí en aquella experiencia me fueron, son y serán muy útiles para el resto de mi carrera como bailarín y como persona para la vida normal.

De todos los roles que habéis interpretado, ¿cuál o cuáles recordáis que han marcado vuestras vidas y vuestro desarrollo, sea en lo personal o profesionalmente? Cristina - Hay algunos muy especiales, pero creo que los que más, son “Kitri” de Don Quijote, en mi regreso a España con José Carlos Martínez, al que no conocía personalmente, y “Aurora” en la Bella Durmiente de Marcia Haydée. Los dos me han marcado personal y profesionalmente. Los dos surgieron en mi etapa en Bélgica, yo había admirado a Marcia ya hacía años por su forma de bailar y que me escogiera para ese papel fue una experiencia de aprendizaje tremenda, y Don Quijote me pilló bailándolo en Amberes, en la versión de Fadeyechev, cuando recibí la invitación para bailar en mi país de nuevo.

Después de haber transitado por varias compañías de gran formato, y compartido con muchos compañeros durante tantas horas, ¿cuáles serían las condiciones que consideráis primordiales para encontraros a gusto o motivados en un trabajo de estas características? Cristina - Valoro mucho la seriedad, y no es que sea una persona seria, todo lo contrario, pero me gusta diferenciar bien lo que es zona de trabajo. Está claro que para estar motivados un buen repertorio ayuda mucho, los procesos de creación que teníamos en Bélgica eran muy enriquecedores, teníamos de 4 a 5 programas anuales. La contratación de los bailarines también es muy diferente en otros países, eso es algo a tener en cuenta, y por supuesto el momento de reinsertar a esos bailarines al mundo laboral ya que han representado a una Compañía Nacional, por ejemplo; son personas preparadas con un alto nivel de disciplina, responsabilidad y conocimientos a veces incluso carreras universitarias. Todo esto nos puede ayudar a fijarnos en otros modelos para poner a la danza en España a la par de otros países vecinos. Ion - A todo el mundo le gusta tener un trabajo que le apasione, en nuestro caso tenemos la suerte de poder trabajar en lo que nos gusta, y en lo que soñábamos en DEE

9


10


ENTREVISTA → Cristina Casa y Ion Agirretxe

llegar a ser y que nunca supimos si lo conseguiríamos. Trabajar con gente mayor que tú, tanto en edad como en rangos, te hace abrir los ojos como platos, respetarles y poder absorber la mayor información posible en poco tiempo, aprender de ellos, querer llegar a ser como ellos tenerlos como referentes. En cuanto a estar a gusto y motivados, considero que la buena armonía, buena educación y respeto entre compañeros es fundamental, y más aún cuando entras muy joven en las compañías de ballet de todo el mundo. Mi vivencia después de pasar por varias compañías es muy positiva, no parar nunca de aprender y motivarme día a día con aquellos que tenía como referente a emular, ha sido el mayor aprendizaje. Ser inteligente, saber escuchar y observar, creo que son tres cosas primordiales en nuestro trabajo para seguir creciendo como bailarín y persona. ¿Qué significó para cada uno, poder volver a bailar en vuestro país, precisamente en la Compañía Nacional de Danza, después de haber tenido que emigrar por falta de oportunidades? Cristina - Personalmente admiraba a la CND desde pequeña, yo quería bailar de todo y en esos momentos no se hacía clásico así que me tuve que ir, como la mayoría de los jóvenes bailarines españoles. Volver a la CND en mi época más madura ha sido increíblemente bueno, estoy agradecida por ello y es cerrar un ciclo, darlo todo por esta compañía, en la que yo creía que nunca iba a pertenecer y ahora estar aquí trabajando día a día.

Ion - Nunca piensas en llegar a bailar en la Compañía Nacional de tu país, fue una oportunidad increíble el poder trabajar con alguien que llevabas años teniendo como referente como es José Carlos Martínez, el Bailarín Estrella de la Opera de París. Era un proyecto que nos llamaba mucho la atención, queríamos seguir aprendiendo, motivarnos con cosas nuevas, coreografías diferentes, nuevos maestros… Después de pasar algunos años en la Compañía Nacional de Bélgica, una compañía con gran intensidad de trabajo, magníficos bailarines, muchísimas creaciones nuevas al año, nos vino muy bien volver a casa y poder estar cerca de nuestras familias. Quizás una pregunta obligada, ¿cuál es vuestra opinión sobre el estado de la danza en España, que sigue estando tan poco valorada dentro de las artes? Cristina - Bajo mi punto de vista el problema es de base, hay tres factores importantes. El primero, la falta de un teatro para la Compañía, factor que denota que no se valora la danza y con ello el arte. El Segundo, que las compañías nacionales no se nutren de sus conservatorios y sean instituciones independientes, habiendo escasos vínculos artísticos entre ellas, de tal manera que pudieran sus alumnos avanzados participar en producciones y ser conocidos para una futura audición y así minimizar la fuga de talento. El tercero, es el poco conocimiento que hay sobre el esfuerzo que conlleva una actividad de élite en la danza, valorada precariamente en muchos sentidos. DEE

11


Ion y Cristina, Amigos de Honor de La Casa de la Danza 2018, Sergio Cardozo

Ion -Llevamos años con la misma historia, seguimos estando a la cola de toda Europa y por mucho que nos esforcemos, trabajemos y llevemos el nombre el este país por el mundo, si los que debieran apoyarla no le dan la importancia educativa, cultural y artística que tiene, no llegaremos a la altura en la que se encuentran compañías del resto de Europa. Tenemos mucha afición, y mucha gente cualificada, tanto Maestros de baile, como bailarines y coreógrafos, hay muchísimo talento en este país. Estamos en un momento pandémico mundial donde todos los trabajos se han visto perjudicados, ¿cómo os ha afectado la pandemia en el vuestro? Cristina y Ion - Está siendo un año atípico y muy duro tanto física como mentalmente. Es verdad que hemos tenido la suerte de poder bailar algo más que el resto de las compañías europeas y agradecidos por esa parte, pero con muchísimo respeto hacia lo que está ocurriendo y no dejar de ser conscientes de lo que ha sido y es el virus. Esperemos que poco a poco volvamos el ritmo normal dentro de lo que cabe y se puedan seguir viendo los teatros llenos y no con aforo limitado. Mientras tanto nos toca respetar y cumplir todo lo que esté en nuestras manos para cuidar a la gente que está alrededor nuestro.

12

Para finalizar, algún deseo, mensaje o comentario que nos querríais dejar para nuestros lectores, y que no haya atinado a preguntar. Cristina - Deseo que las generaciones venideras se encuentren con un lugar mejor para la danza, y que se haya logrado un gran teatro nacional para hacer que sus sueños se conviertan en realidad. Ion - Básicamente decir que, tanto la música como la danza, son dos artes muy terapéuticas, y que los que tenemos la suerte de disfrutarlas a diario, lo debemos hacer con corazón, convicción y muchísima pasión, somos nosotros los que subimos a un escenario y transmitimos nuestros sentimientos a todo un teatro lleno, debemos ser muy honestos con nuestro trabajo y autocríticos a la hora de trabajar para que más tarde el público disfrute del espectáculo, sigamos amando la danza. EL PUEBLO QUE BAILA, NUNCA MUERE...


XXV Aniversario Convocatoria Nacional de Danza de Castellón Por Iván Magán Fotos de Jesús Vallinas

La Convocatoria cumple su 25 aniversario y para nosotros, como para muchos, el tiempo se paró en 2020 y repetimos la 24 edición. Este año estamos preparados para cualquier escenario y decididos a llevar a buen término este proyecto. No podrá ser la gran fiesta de la danza que siempre ha sido, pero concursantes y jurado volverán a estar con nosotros en Castellón.

Miembros del jurado año 2021

DEE

13


Eva López Crevillén y Lienz Chang

ÁFRICA HERNÁNDEZ – ARTBALLET En este 25 aniversario de la Convocatoria Nacional de Danza de Castellón quiero dedicar unas palabras a todas aquellas personas que han hecho posible este evento. En 1996 estaba trabajando sola en un aula cuando irrumpió en la sala una mujer italiana con una gran melena, preguntando por mí: ”Me llamo Gabriella Foschi y necesito tu ayuda. Me gustaría que bailaras en la Gala del Día Internacional de la Danza”. Desde entonces decidí apoyar y colaborar en el proyecto. En 1999 junto a Mirco Fila creamos la Asociación ART BALLET, y pasamos a bailar con nuestro grupo semi-profesional en alguna Gala y a ser colaboradores hasta el momento actual. Quiero dar las gracias al equipo organizador, miembros del jurado, bailarines profesionales, compañías, candidatos, entidades colaboradoras, regidores, técnicos, fotógrafos, y a todas las personas que han hecho posible que este proyecto haya salido adelante y continúe a lo largo de todos estos años. Pero mi especial agradecimiento, por su incansable trabajo y pasión por la Danza, y por dejarme ser partícipe todos estos años. Gracias de todo corazón

14

EVA LÓPEZ CREVILLÉN Mi primer contacto con la Convocatoria fue como bailarina invitada a participar en la Gala de clausura de la IV Convocatoria en el año 2000. Para mí se convirtió en un compromiso ineludible. El entregado público, la pluralidad de artistas de calidad de distintos estilos de danza y en diferentes etapas de su carrera, la pasión que demostraban Gabriella y sus colaboradores me impedían faltar. Se vivía un ambiente único porque la danza y su verdadera esencia, su valor artístico, eran el centro. En la escena se reunían fuertes personalidades. Al otro lado, en el patio de butacas, un público capaz de valorar lo verdaderamente importante en este arte. Más adelante participé como docente. Ello me permitió conocer otros aspectos de la Convocatoria. Lo que me resultaba más valioso de este concurso y lo diferencia de otros es que, si bien se exige a los participantes un nivel acorde al estudio riguroso de la danza, se antepone el descubrir talentos y ofrecer les experiencias formativas .Desde hace unos años soy miembro del jurado. Gracias a ello he podido conocer la enorme labor que realiza la Asociación Terpsícore y he podido compartir puntos de vista con reconocidos profesionales de todos los estilos de danza y de distintas procedencias, lo que ha resultado enormemente enriquecedor e interesante. Los veinticinco años de esta Convocatoria Nacional son un ejemplo de entrega constante. Gabriella ha conseguido movilizar a instituciones y personas a favor de este evento, cohesionando a una comunidad que persigue que la danza ocupe el lugar que le corresponde dentro del panorama cultural. MARIBEL GALLARDO Haciendo un breve balance de los más de veinte años que me unen a la Convocatoria Nacional de danza de la Ciudad de Castellón, dirigida por Gabriella Foschi, pienso en cómo empezamos hasta donde hemos llegado y lo que nos queda por hacer. Acudí pensando que era un certamen más, pero salí sobrecogida al contemplar el maravilloso proyecto para el que ella había apostado y luchaba a penas sin recursos. Un certamen que reúne a las disciplinas de Danza Clásica, Contemporánea, Danza Española y Flamenco con importantes premios en cada disciplina y el Premio Fundación Dávalos-Fletcher, un jurado de alto prestigio cuya implicación va más allá de una mera puntuación. A lo largo de los años el apoyo


ARTÍCULO → Convocatoria Nacional de Danza de Castellón

a los jóvenes talentos con la concesión de becas han dado sorprendentes resultados. En el Ballet Nacional de España al cual pertenezco desde el año 1981 siendo primera bailarina emérita y maestra repetidora, parte del elenco, primeros bailarines, solistas y cuerpo de baile han sido becados en el certamen gracias al acuerdo entre el BNE y la Asociación Terpsícore. Después de tantos años sigo con ilusión e implicación en este proyecto porque como artista me mueve la inquietud, el apoyo moral y artístico a uno de los certámenes más importantes y significativos de nuestro país. Mi agradecimiento a Gabriella por su confianza y por tanto esfuerzo para que el Certamen hoy siga siendo una realidad. JAVIER LATORRE Es la cita obligada, esperada y disfrutada. El lugar del reencuentro anual con amigos y amigas, compañeros y compañeras, alumnos y alumnas, familia!!! El concurso donde los miembros del jurado, más que deliberar, se enriquecen, aprenden y comparten experiencia y conocimientos. La ciudad donde se encuentra ese precioso Teatro Principal y ese palco desde el que uno se reconcilia con la Danza, se recarga de ilusión y de ganas con la ilusión y las ganas de esa legión de locos y locas inconscientes que vuelan sobre el escenario año tras año. Todo eso y mucho más es la Convocatoria Nacional de Danza de Castellón, el más fiel escaparate de lo que será la Danza del futuro en este país. Son 15 años, y espero sean muchos más, formando parte de ésta maravilla puesta en pie por mi querida y admirada Gabriella Foschi con el imprescindible apoyo de la Fundación Dávalos-Fletcher y un equipo de incondicionales maravillosos que han conseguido poner a Castellón en el mapa dancístico internacional y que merecen el reconocimiento y el agradecimiento de todos y todas los y las que vivimos de, por y para la Danza. Gracias, Gabriella. ANTONIO NAJARR0 La Convocatoria Nacional de Danza celebrada en la ciudad de Castellón ha sido siempre un punto de encuentro muy importante para el desarrollo del arte en el mundo de la danza en nuestro país. Mi colaboración en dicha convocatoria como artista invitado así como jurado en varias ocasiones me ha hecho descubrir jó-

venes talentos en el mundo de la danza, y eso es muy necesario para nuestra profesión. Un escaparate donde se muestren las nuevas ideas y talento coreográfico e interpretativo de los jóvenes intérpretes de danza. Por todo ello quiero agradecer y felicitar a Gabriella y a la Asociación Cultural Terpsícore por su esfuerzo y lucha por mantener año tras año la convocatoria con ilusión y entrega. PATSY KUPPE Cada año espero con ilusión poder reencontrarnos en “la Convocatoria Nacional de Danza Ciudad de Castellón – Fundación Dávalos-Fletcher”.Es una excelente plataforma para jóvenes talentos, una oportunidad para medirse con otros bailarines/as y ser vistos, no solo por los miembros del jurado si no por muchos profesores y profesionales del mundo de la Danza. Creado por Gabriela Foschi, hace 25 años, con un sin fin de esfuerzos y un enorme trabajo desinteresado (y no siempre reconocido), este concurso es la combinación de su amor por la Danza y su pasión para los concursantes. Ella quería un concurso diferente, que reuniera la danza clásica, contemporánea, española y el flamenco en la misma noche. Este encuentro culmina en “la Gala final”, un espectáculo donde disfrutamos del arte y trabajo de ex-concursantes y grandes figuras de la Danza actual. Los concursantes, tanto los premiados como algunos de los no premiados, obtienen becas y estancias en cursillos, escuelas y compañías. Estas experiencias pueden abrirles muchas puertas hacia un futuro profesional en España y también fuera. En este sentido he de resaltar el compromiso y la implicación de todos los miembros del jurado. Para mí ha sido un gran honor el poder formar parte de este evento como jurado durante tantos años y de poder aportar mi experiencia personal, junto a otros profesionales de la danza a los que tengo enorme aprecio. Cuando sigo las trayectorias profesionales de algunos concursantes, echo la vista atrás, recuerdo sus comienzos y me doy cuenta de la importancia que ha tenido este concurso en un momento de sus vidas. Deseo fuertemente que este 25 aniversario se pueda celebrar y que los jóvenes bailarines puedan otra vez sentir la magia del escenario y que todos podamos disfrutar de nuevo de nuestra gran pasión que es LA DANZA. DEE

15


VIOLETA RUIZ Desde 2015 empecé a formar parte como jurado en este Certamen junto a Manuel Segovia y en representación de IBÉRICA DE DANZA compañía que codirigimos, porque me llamó muchísimo la atención y me la sigue llamando la pasión y energía que Gabriella mantiene después de tantos años y la lucha que ello supone. Como quien acabara de empezar cada año y a pesar del desgaste que la organización supone y la sensación que podría ser el último por agotamiento, cada año de nuevo consigue un cierre triunfal. Su energía inagotable, su fiel equipo y sus acertadas estrategias han hecho del Certamen de Castellón en su larga trayectoria un referente en dar oportunidad a los bailarines más destacados en las diferentes disciplinas del mundo de la Danza. Está demostrado con el paso de los años que el nivel de los bailarines que se presentan en el Certamen de Castellón es muy alto y ello les facilita el acceso directo a ser invitados por compañías nacionales e internacionales de renombre tanto para cursos como para formar parte de estas. La implicación de todo el mundo, tanto de su equipo como de los maestros y jurado en una energía de grupo y pasión, y el nivel de los bailarines, me engancharon, y a pesar de que nunca me ha gustado formar parte de un jurado, lo hice por todo ello y volveré a éste, mientras sea invitada… IVÁN PÉREZ Gracias a esta plataforma, la Convocatoria de la Danza Premios “Ciudad de Castellón” y Premio “Fundación Dávalos-Fletcher”, una cantidad innumerable de jóvenes bailarines han podido alcanzar sus sueños desde hace ya 25 años. Yo tuve esa oportunidad con tan solo diecinueve años cuando me ofrecieron la beca del Nederlands Dans Theater2. La repercusión de tal impulso

16

fue espectacular y me permitió lanzar mi carrera hacia alturas inimaginables. Ahora soy director artístico del Dance Theatre Heidelberg en Alemania, compañía en la que, y no por casualidad, trabaja una de las bailarinas que conocí a través de la Convocatoria, Andrea Muelas. Demostración de un ciclo vital que espero siga nutriendo el panorama de la danza europeo durante al menos 25 años más. JOAN CLEILLÉ Hace justamente veinte años que participé como concursante en la Convocatoria. Recuerdo perfectamente los nervios, el silencio palpable en el auditorio mientras bailaba en el escenario, la emoción de la entrega de premios... Durante los siguientes años, volví a visitar la Convocatoria como bailarín invitado en la gala, como coreógrafo, como juez... Hoy, veinte años después, escribo estas líneas desde Escocia, donde dirijo una de las compañías de danza contemporánea más destacadas del Reino Unido, el Scottish Dance Theatre. Oportunidades como la Convocatoria son esenciales para que jóvenes bailarines puedan desarrollar su carrera, ensanchar sus horizontes artísticos y entablar sus primeros contactos profesionales... No se trata de un concurso con ganadores y perdedores, sino de una oportunidad para el aprendizaje y el fomento del talento. La Convocatoria es una fiesta, una celebración del poder y la esperanza que sigue viva en los cuerpos y las almas de jóvenes bailarines y bailarinas. Así pues, que siga la fiesta!


ARTÍCULO → Convocatoria Nacional de Danza de Castellón

JORDI VILASECA La Convocatoria de Castellón fue un lugar mágico, de reconciliación con la Danza para mi y definitivo para mi carrera profesional. Mi paso por el conservatorio fue lleno de experiencias muy duras y muy lejanas a la metodología, pedagogía y empatía óptimas para hacerme amar la danza.

Iván Delgado

IVÁN DELGADO Mi experiencia personal en este gran concurso supuso un antes y un después, no solo para mi carrera profesional. Aquel fin de semana cambió mi vida entera. Conseguí unas becas que me llevaron a estudiar en las mejores escuelas y con los mejores maestros/ as que pude llegar a tener. Una de las escuelas donde pude estudiar, fue en el London Studio Center y a continuación en el English National Ballet School, donde me pude graduar en 2009. Desde entonces he bailado en numerosos países, he trabajado con diez directores distintos y he pasado por ocho compañías diferentes: English National Ballet, Scottish Ballet, New English Ballet Theater, Corella Ballet, Carmen Roche Ballet, Matthew Bourne’s New Adventures, Staatstheater Nürnberg y actualmente soy principal con Mon Premier Lac des Cygnes en Paris. Jamás olvidaré mi paso por la Convocatoria, y mucho menos, las cosas que logré a consecuencia de mi participación. Por siempre agradecido, ¡GRACIAS!

El Concurso de Castellón me hizo pertenecer a esta familia de concursantes abriéndome y ofreciéndome todo un mundo profesional por delante. Fue una experiencia preciosa. No la recuerdo tanto como un concurso sino como una gala o como un lugar donde la danza y la expresión se daban cita y me sentí fuerte y libre. Gabriella Foschi se convirtió en la “mia mamma” de la Danza, confió en ese chico alto y delgado, de 19 años, sin una técnica todavía adecuada, que se presentó con 3 coreografías/variaciones suyas porque ningún profesor quiso realizarle una para él, pero con un “encanto especial”. Su confianza, cariño, amor por la danza y el arropo que me ofreció durante las jornadas que se celebraba el Concurso, me hizo confiar en mi mismo, venirme arriba, desconectar del peso de saber que el Conservatorio al que pertenecía había decidido no representarme y finalmente ganar el Concurso en la Especialidad de Danza Contemporánea y Premio del Público. Ahora, desde la perspectiva de muchos años y de toda una carrera profesional como intérprete, coreógrafo y director de mi propio Proyecto de Danza, me hace una ilusión enorme participar en este artículo y dar peso y letra a este valor, coraje y amor a la profesión que Gabriella y todas las personas que hacen posible el Concurso de Castellón tienen desde hace muchísimos años. Una institución y una bonita plataforma y trampolín al mundo profesional. DEE

17


ALEIX MAÑÉ Para mí la convocatoria de Castellón fue un punto de partida. Un despegue. Me presenté por libre, me aprendí una variación de Remansos de Duato por YouTube que luego tuve que mostrarle para tener el visto bueno. Creé para mí mismo un par de “solos” más, me grabé y lo mandé. A partir de ahí todo fueron alegrías. 1er premio en el concurso, una beca para NDT2 donde aprendí muchísimo, un curso de verano inolvidable para todos, se gestó también mi contrato con la CND bajo la dirección de Duato tras presentarle este solo, volver a la Convocatoria como artista invitado en las Galas en varias ocasiones a lo largo del desarrollo de mi carrera, y el nexo siempre fue ella, Gabriella, que desde que me recogió aquel primer día en la estación de autobuses después de un viaje de toda la noche solo, no ha parado de mostrarme su cariño, su tesón, su fuerza y su alegría en todo lo que hace. Verla en acción siempre fue para mí más que inspirador. No miento si digo que somos ya un ejército enorme los que la queremos admiramos. Y yo soy uno de esos afortunados. Gabriella, gracias siempre. DÉBORA MARTÍNEZ Hay instantes en la vida que definen tu rumbo por completo y el concurso de Castellón fue uno de ellos. En 2007, sentía mi futuro profesional con mucha incertidumbre; terminando mis estudios de danza en el Institut del Teatro de Barcelona y pensando qué posibilidades tendría profesionalmente. Para mí, el concurso de Castellón supuso una puerta abierta dónde elegir varios destinos y becas además de poder mostrar el trabajo y la pasión hacia danza. Pero sobretodo encontré mi sentido y mi forma de expresarme en la vida, reforzando una vez más que todo esfuerzo te acerca a tus sueños. Fue un impulso de amor a mi profesión que mantengo y agradezco cada día. Hoy soy bailarina Solista del Ballet Nacional de España. Soy y estoy donde quiero estar y con muchos sueños por cumplir. DEBORA MAIQUES Bailarina y Coreógrafa en el Ballet de Basilea. El concurso de Castellón marcó el inicio de mi carrera como bailarina profesional, dándome ese impulso tan difícil de conseguir, pasar de ser estudiante a tener un contrato profesional. La beca me hizo explorar, conocer y reafirmar. Gracias a esa beca en la CND2, donde todo empezó, llevo 20 años bailando profesionalmente. ¡Gracias Gabriela y equipo! A por 25 años más.

18

Lidón Patiño

LIDÓN PATIÑO Era el evento del año. A mis compañeras de la academia de danza y a mí nos encantaba ese fin de semana en Castellón porque se llenaba de Danza, de magia y de una sensación preciosa. Cada año vi artistas maravillosos, muchos de ellos hoy grandes amigos y compañeros que me siguen inspirando. Con 17 años me fui a vivir a Madrid, en dos años acabé mi carrera de Danza Española en el Conservatorio Profesional de Danza Comandante Fortea y me presenté por libre a la Convocatoria. Fue una experiencia única, me curtió, me hizo aprender que pase lo que pase hay que seguir trabajando duro, con disciplina y dedicación. Fue un honor recibir varias becas de estudio, entre ellas la beca que me otorgó Javier Latorre en su escuela en Córdoba. Estuve allí estudiando durante un curso completo y fue realmente enriquecedor. Estoy muy agradecida. Gabriella ha estado trabajando duro año tras año, para que los sueños de muchos jóvenes puedan encaminarse y convertirse en una vivencia. Gracias de todo corazón por haber hecho de esta Convocatoria un punto de referencia de la danza; un lugar donde los artistas sienten que forman parte y por hacernos vivir experiencias que nos han llenado el alma año tras año. Que siga siendo así. Con admiración.


ARTÍCULO → Convocatoria Nacional de Danza de Castellón

EMILIO MORALES No tengo memoria de cuando empecé a asistir a los Premios de Danza de Castellón, lo que sí recuerdo muy bien es cómo ese encuentro me atrapó desde el primer momento. Lo que más aprecio año tras año, es la sensación de entrega y ayuda tanto del equipo organizador como del jurado hacia todos los jóvenes que se presentan, cosa que no ha cambiado en todo este tiempo. Grandes profesionales haciendo realidad los sueños de los participantes. He tenido la suerte de encontrarme con ellos por muchos teatros del mundo y recordar esos momentos vividos en Castellón. Me vienen a la cabeza esas noches tan maravillosas que he pasado junto a mis “compañeros de palco” África y Mirco, disfrutando de las Galas, de las cenas y de los cafés con tantos profesionales de la danza que allí se reúnen. Sin lugar a dudas todo es el resultado de una apasionada de la danza: Gabriella Foschi, una persona a la que todos le debemos mucho, y que algún día, la historia de la danza en nuestro país reconocerá. He colaborado desde el principio en la medida que he podido, siempre con el apoyo moral o económico, y sin duda lo seguiré haciendo hasta el final. Creo enormemente en el proyecto, y en la labor tan maravillosa y altruista de todos los que lo forman. Feliz 25 aniversario. JESÚS VALLINAS Buscando nuevas actuaciones, un día fui a un concurso en una ciudad cercana a Valencia en la que nunca había estado. Desde entonces, no ha habido un año que no fuera a Castellón y al concurso que otorga los Premios Ciudad de Castellón y el Premio Fundación Dávalos-Fletcher, dirigido por Gabriella. Se ha convertido en una cita imprescindible en todo calendario de danza que se precie. Allí se pueden ver a los jóvenes que sin duda formarán parte del futuro dancístico español. Y saben que allí recibirán el trato y la ayuda que se merecen, tras arduos sacrificios por mostrar su talento en escena. La ciudad de Castellón y el mundo de la danza en general le deben un reconocimiento a esta iniciativa, que aumenta el prestigio cultural de esa región en unos años muy difíciles para las artes escénicas. Gracias por contar conmigo, Gabriella… ¡y que dure!

Lorien Ramo y Marina Mata

IVÁN MAGÁN UCEDA Yo nunca he vivido ninguna convocatoria pero he de decir que estoy muy ilusionado y con muchas ganas de continuar con este proyecto que es tan inspirador, vital para las pasadas, presentes y futuras generaciones de bailarines. Cuando Gabriella Foschi se puso en contacto conmigo, entró en mi vida como un tornado de fuerza y vitalidad. Yo ya hacía tiempo que había dejado de bailar, vivía en la Comunidad Valenciana trabajando de profesor en varias escuelas. Sumergido en un círculo de pocas variantes más, ella me envolvió con toda su fuerza, cariño, respeto y enorme confianza, haciendo tambalear esas variantes .Con toda mi admiración a todos y todas los profesionales de la danza, que habéis hecho realidad estos 25 años, en especial, a Gabriella y a los que habéis participado en esta publicación dándole una visibilidad que no tendría viceversa. DEE

19


Jóvenes figuras para el siglo XXI Damián Torío, un madrileño en el Sodre de Uruguay Por Charo Yubero

Damián Torío

20


ENTREVISTA → Damián Torío

Damián Torío, nacido en Madrid, comienza su formación en 2005 en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, donde se graduó con mención de honor en el 2012. Durante su formación como bailarín, participó en varios cursillos de verano, entre ellos The School of the American Ballet Summer Course. Formó parte del cuerpo de baile de la compañía Barcelona Ballet, dirigida por Ángel Corella. En 2013, con 19 años, llegó a Montevideo para sumarse al Ballet Nacional del Sodre en Uruguay, donde integró primero el cuerpo de baile y ahora es uno de los solistas. En el 2019 fue presentado como bailarín principal de la compañía. Desde entonces ha participado en todas las producciones de la compañía, tanto en roles solistas como principales. En estos años ha trabajado bajo las órdenes de Julio Bocca, Igor Yebra y en la actualidad de María Noel Riccetto.

Ser bailarín es una de las profesiones más duras que existen, ¿por qué decidiste ser bailarín? Cuando empecé a bailar, empecé aprendiendo baile moderno, y era lo más divertido que había hecho. Me encantó desde la primera clase que fui a ver. Después mi profesora me dijo que tenía condiciones para presentarme a la audición del conservatorio para estudiar danza profesionalmente, y aunque lo tuve que pensar, decidí ir, y de a poco me convertí en bailarín. No fue algo que decidí de la noche a la mañana, pero según iba aprendiendo y mejorando, con el tiempo me di cuenta de que ésta era mi vocación.

¿Te habías imaginado que algún día llegarías a ser

bailarín, o tenías otras metas? Como cualquier niño, no tenía claro nada de nada. La vida era un juego, y aunque a parte del colegio iba a una academia de música, al empezar en el conservatorio de danza las demás actividades dejaron de interesarme. La idea principal era ser bailarín, pero supongo que si no hubiera podido darse la oportunidad, cualquier otra meta habría estado relacionada con las artes. ¿Tu familia ha puesto algún impedimento por que quisieras ser bailarín de ballet? No, nunca. Mis padres siempre fueron muy abiertos en darme la libertad y el apoyo de ser quien soy, y orgullosos de haber llegado a donde estoy ahora.

Tras tu formación y tus primeros años profesionales en España, ¿qué es lo que te decidió para salir a trabajar fuera? De siempre en el conservatorio nos enseñan que para vivir de la danza lo más seguro es que vayamos a tener que salir de nuestro país. Tuve la suerte de trabajar en Barcelona con Ángel Corella, aunque por poco tiempo. Cada compañía tiene un director con gustos diferentes, y en cada compañía hay un repertorio distinto que puede gustarte a ti o no, entonces hay que probar en muchos sitios y para eso hay que salir de España por desgracia. Primero fue Barcelona, ahora estás en Uruguay, ¿dónde te imaginas en un futuro? Ya llevo ocho años en Uruguay, y con la pandemia y todo lo que iba pensando cada vez que viajaba para visitar a mi familia en estos años no sé muy bien donde, pero seguro en Europa. El poder viajar en cualquier momento del año, aunque sea durante dos días a España, ya sería un gran regalo, asi que cualquier lugar que me dé eso estará bastante bien. Todos tenemos ídolos que nos inspiran cada día, ¿puedes decirnos cuales son los tuyos? No tengo ningún referente, ya que me gusta bailar siendo yo y dando lo mejor de mí mismo. Pero te diría que soy fan de todos los coreógrafos y repositores, por la pasión con la que consiguen sacar lo mejor de todos los bailarines. DEE

21


Damián Torío en Carmina Burana

Damián Torío en Lankedem de El Corsario

22


ENTREVISTA → Damián Torío

¿Qué es lo que más te gusta de ser bailarín profesional? Ésta es una pregunta difícil, pero te diría, que lo que más me gusta de mi profesión, es cuando sucede ese momento mágico en el que te toca bailar algo que te encanta y los ensayos para esa obra suman para mejor y todo termina siendo un éxito, en el sentido en el que toda esa temporada es fantástica y no hay ningún altibajo ni bajón, todo es para arriba, y la satisfacción de que todo fue bueno y uno lo dio todo, te llena. ¿Cómo es el día a día de un bailarín profesional? ¿Cuál es tu día más duro de la semana? Es una rutina como otra cualquiera. Tenemos un horario que empieza con un calentamiento, luego ensayos, una pausa para el almuerzo y después más ensayos. Incluso la época de funciones se termina convirtiendo en rutina. No sabría decirte cual es mi día más duro de la semana, depende de muchas cosas, de los ensayos que tenga en ese día, del gimnasio, de la clase de calentamiento, de si tengo que hacer otras cosas en ese día, no sé, te podría decir que el lunes porque cuesta arrancar de vuelta, pero todo depende. Aunque estás todavía iniciando tu carrera profesional, habrás tenido mejores y peores momentos en los escenarios. ¿Cuál ha sido tu momento más feliz? No sé si hubo alguno así como el más feliz, pero disfruto mucho cuando bailo con amigos cercanos, con los que tengo confianza, y si la obra lo permite, poder hacer un poco el “tonto” para pasarlo mejor en el escenario y tener luego anécdotas para recordar de las funciones.

¿Qué rol es el que más te ha gustado interpretar hasta el momento? No te puedo decir solo uno, son muy distintos todos. El primer rol que me dejó huella fue Paul de Hamlet Ruso, pero también me encanto Lankendem en El Corsario, Romeo de Romeo y Julieta y des Grieux de Manon. Los luché, pero terminé disfrutando mucho de ellos. ¿Cómo te describirías a ti mismo en una sola frase? Diciendo un poco de todo, creo que soy bastante profesional en mi trabajo, me considero perfeccionista y ordenado, sarcástico, un poco quejica, y por supuesto tengo una personalidad que muchos consideran difícil, así que soy de tener pocos amigos, pero los que tengo son de lo mejor.

La carrera profesional de un bailarín suele ser

bastante corta. ¿Te has planteado hacia dónde vas a enfocar tu carrera después? No lo he pensado, pero me gustaría seguir en el mundo de la danza. Soy bastante meticuloso, así que seguramente de repositor o ensayador me podría interesar mucho. ¿Algo que quieras añadir y que se nos haya pasado por alto? Y mandar un saludo a todos los que lean esto y otro en especial a mis padres, mi hermano y a mis maestras Rosa Naranjo y Marisa Martínez que sin ellos no estaría donde estoy ahora. DEE

23


Jesús Carmona se corona como mejor bailarín del planeta Por Danza en Escena/Danzaria

Los premios Benois de la danse, considerados los Óscar de la danza, vuelven a hablar español en esta edición de 2021. Pero, ¿qué son los Premios Benois de la Danse? El Premio “Benois de la Danse” fue promovido por la Asociación de Danza Internacional en Moscú en 1991 para reconocer los trabajos coreográficos e interpretativos de los artistas de la danza en todo el mundo.

Jesús Carmona, Marcos Domingo

24


ARTÍCULO → Premios Benois

El nombre del premio es en honor a Alexandre Benois (1870-1960) cuyo trabajo consistió en defender todas las artes; fue crítico de arte, pintor, libretista y escenógrafo. Aunque ruso, proviene de una familia francesa siempre vinculada con las artes escénicas. En los primeros años la ceremonia de la entrega de estos premios se realizaba el Día Internacional de la Danza, el día 29 de abril, fecha elegida en honor al reformador de la danza Jean-Georges Noverre (1727-1810); y las categorías eran solamente las de interpretaciones, tanto femeninas como masculinas, elegidos por determinados papeles protagónicos realizados durante ese año. Tiempo después se ampliaban las categorías a mejor coreógrafo, luego aparecieron los premios de honor, y en la actualidad también lo reciben los compositores o diseñadores de las puestas en escena. Poco a poco van sumándose más nombres latinos en las listas de nominados y premiados (Argentina, Cuba o México), aunque en general se reconoce su trabajo fuera de sus propios países, tal cual ha sucedido con los ganadores y nominados españoles a lo largo de la historia en la entrega de estos premios. Lo que más tristeza causa a los amantes de la danza, que apenas sean noticia en sus propios países. Hasta el año 2021 ocho eran los nombres españoles con tal reconocimiento. Coreógrafos, bailarines y bailarinas que en muchos casos tuvieron que dejar España para demostrarle al mundo entero su talento y su arte. El universo Benois cuenta con: Lucía Lacarra 2003 (en Alemania), Tamara Rojo 2008 (en Inglaterra), Alicia Amatriain 2016 (en Alemania), Ángel Corella 2000 (en Estados Unidos), Joaquín De Luz 2009 (en Estados Unidos), Fernando Romero 2011(en España), Nacho Duato 2000 (en España) y José Carlos Martínez 2009 (en Francia)

Los Premios Benois, en este año pandémico, han vuelto a resaltar la valía de un bailarín español. Un bailarín flamenco, por segunda vez en la historia, ha sido distinguido como “mejor bailarín de la temporada” por su espectáculo “The Game”. De nuevo el baile flamenco colocado en la cima de la cultura intercontinental. Jesús Carmona (Barcelona 1985) formado a las órdenes de grandes artistas flamencos: María Magdalena, Manolete, El Güito, Antonio Canales o Eva Yerbabuena formó parte del Ballet Nacional de España durante un lustro, llegando a la categoría de primer bailarín. Como coreógrafo, desde que en 2006 creara El Silencio de la Luna, ha sido un continuo manantial de propuestas. En 2010 deja el BNE y se pone al mando de sus propios proyectos: Cuna Negra & Blanca, 7 balcones, Ímpetu, Equilibrio, Amator, El Salto y The Game por el que ha obtenido este reconocimiento Benois de la Danse. Jesús Carmona tiene en su haber múltiples galardones: Premio Desplante (2012) en el Festival Internacional de Cante de las Minas de la Unión, Latín UK Award (LUKAS) 2018, Premio Ojo Crítico de Danza (2019) un reconocimiento de Radio Nacional de España y es, además, Premio Nacional de Danza a la Creación (2020) “Ahora tengo la suficiente seguridad en mi discurso artístico como para seguir descubriendo nuevas posibilidades en el flamenco y la danza española” reconoce Jesús Carmona. Desde estas páginas de “Danza en Escena” vayan nuestras más sinceras felicitaciones también para Amandine Albisson (Mejor Bailarina) y Yury Possokhov (Mejor Coreógrafo). Y por supuesto nuestro reconocimiento a los finalistas Jon Vallejo (España), Alberto Velázquez (Cuba), Wu Husheng (China) y Paul Marque (Francia). Nuestra admiración y respeto por seguir en sus carreras haciéndonos disfrutar de este bello arte. DEE

25


El Festival de Jerez se plantó ante el Covid y ganó Por Marta Carrasco

El Festival de Jerez 2021 ha sido el más accidentado desde su creación, y por supuesto el motivo no iba a ser otro sino el Covid. Suspendido en sus habituales fechas de febrero y marzo, fue el último de los grandes festivales que “in extremis” se llevó a cabo en Andalucía en el año 2020 antes de la pandemia y el confinamiento. Este año las fechas han sido del 6 al 22 de mayo. Este año Jerez se tenía que dar el gusto de volver, pero para hacerlo debió mudarse al mes de mayo, y aún así ha podido mantener la programación casi íntegra, gracias a los esfuerzos de Isamay Benavente, la directora del certamen y del teatro Villamarta, y sobre todo de los artistas. Y así, con un cartel que simbolizaba el abrazo frente a tanta mascarilla, Jerez ha celebrado las bodas de plata de este festival que como todos los años y ya viene siendo habitual, basa en el Baile el fuerte de su programa. El balance, pese a las limitaciones de aforo ha sido de seis mil espectadores en sus treinta y dos espectáculos. Lo que sí ha perjudicado el Covid ha sido los famosos cursos que todos los años atraen hasta Jerez a cientos de alumnos, sobre todo extranjeros. En esta edición de 2021 la cifra ha mermado considerablemente con un total de 20 cursos y talleres con 315 alumnos procedentes de 32 países, aunque en su mayoría eran extranjeros residentes en España. La novedad de este año ha sido poder seguir por streaming nada menos que trece espectáculos y alguno de los cursos.

26

Mercedes Ruiz

Además, el festival ha celebrado un encuentro que ha reunido a 470 profesionales del sector del flamenco, en su mayoría programadores, managers, productores etc, jornadas que han sido las primeras de esta índole que se han llevado a cabo en el certamen. El festival dió el “do de pecho” con el estreno absoluto de Eva Yerbabuena y la obra “Al igual que tu”, un espectáculo intimista, donde la bailaora vuelve rotundamente a apoderarse de la escena y que dejó una magnífica impresión. A destacar y mucho en esta obra, la música de Paco Jarana y su guitarra. Sólo una guitarra para una obra intensa que llenó todo el escenario. Bravo. Y junto a ella hay que destacar a otros artistas, muy fieles a Jerez, como Joaquín Grilo, José Manuel Álvarez, Juan Carlos Avecilla, Mercedes Ruiz, La Moneta, María del Mar Moreno, el Ballet Flamenco de Andalucía, David Coria y David Lagos, o el nuevo proyecto de Ángel Rojas. Mención aparte merece el regreso de todo un clásico, “Medea” de la Compañía de Antonio Márquez con la dirección artística de Javier Palacios, que supuso, al mismo tiempo, ver en escena no sólo al titular de la compañía sino también al magnífico Currillo de Bormujo, quien curiosamente bailaba junto a su hija Alba.


Eva Yerbabuena

laora ha creado un intimista espectáculo que obtuvo un rotundo éxito en Jerez, con poemas de Foucauld, Pessoa, Cesar Vallejo..., y músicas diversas todo muy bien hilvanado, como cada propuesta de la bailaora sevillana. Muy intenso y generosamente interpretado. Otro estreno absoluto a destacar fue el de Florencia Oz e Isidora O’Ryan, una deliciosa e interesantísima propuesta de dos mujeres que se turnan en el baile, el cante y la música. Una de las grandes y agradables sorpresas del festival de este año y que hay que tener muy en cuenta. El estreno absoluto de Eduardo Guerrero cumplió con las expectativas y le sigue colocando en la primera división de los creadores actuales. Estevez Paños regresan a la escena con su siempre cuidados espectáculos que se salen de la norma general, en este caso “Silencios”, con la colaboración de Juan Kruz de Garaio Esnaola. Espectáculo a caballo de la performance de estos dos artistas que nunca dejan indiferente. Rocío Molina volvió a triunfar en Jerez con “Al fondo la riela”, obra que ya lleva un buen recorrido y que crece de forma magnífica. Cada vez que se ve parece un estreno. A destacar también la presencia de Andrés Marín con “Carta blanca” y de Jesús Carmona, flamante Premio Benois de la Danza con “El Salto”, dos hombres en su mejor momento creativo y de interpretación. Mención especial para María Pagés y su “Paraíso de los negros”. Desprendida de su habitual elenco, la bai-

Un festival que en esta edición también ha presentado espectáculos de cantaores como José Valencia, Arcángel o Jesús Méndez, o un ciclo de guitarra con Antonio Rey y en el que ha brillado la de una de las pocas mujeres que en el flamenco interpretan este instrumento como es Antonia Jiménez, o el arpa flamenca de Ana Crismán, que cada día se “cuela” por fortuna en más programaciones. Y una propuesta singular, la de la cantaora Melchora Ortega, que con “Flamencas de película” interpretando a La Memole y acompañada por Las Consombrero, nos ha querido decir sin tapujos y con éxito, que con el flamenco se puede hacer mucho más, incluso hasta el humor sin perder un ápice de compás. El 25 cumpleaños del festival de Jerez no se olvidará. Ha sido como ir contra los elementos, o mejor dicho contra la pandemia. Con cambios de aforo casi cada semana y con un público que ha resistido y unos artistas que se han volcado. Como decía un letrero en español en un cerradísimo durante muchos meses teatro en Bruselas: “La Cultura es segura”, y es que hemos sido la envidia de Europa por haber sabido mantener nuestros teatros abiertos y Jerez por fin cumplió sus bodas de plata. DEE

27


Sir Robert Cohan, el artista Graham que no se quedó en la sombra de Martha Por Rafael Molina y Pilar Pérez Calvete Entrevista a Robert Cohan vía Zoom. Miércoles 23 octubre 2020

Robert Cohan

28


ENTREVISTA → Robert Cohan

Robert Cohan, maestro, bailarín, coreógrafo, un gigante de la danza contemporánea del siglo XX, ha fallecido el 13 de enero de 2021 a la edad de 95 años. Su carrera se desarrolló especialmente entre los Estados Unidos y el Reino Unido. Perteneció a una de las primeras generaciones de la Martha Graham Dance Co., formando parte de la compañía entre los años 1946 y 1957. En 1969 deja Estados Unidos y se muda al Reino Unido para dirigir el London Contemporany Dance Group. En 1991 tuvimos el honor de recibirlo en Sevilla, donde impartió clases de técnica Graham dentro de los “Cursos para profesionales” del extinto Instituto del Teatro. Hasta entonces, todos los maestros Graham con los que yo había estudiado: Carl Paris, Tim Wengerd y Armgard von Bardeleben pertenecían a la generación de bailarines “Graham” del período 1975-1983, por lo que conocer y tener la oportunidad de tomar clase con Robert Cohan fue un regalo ya que él conoció y perteneció a la generación decisiva para el desarrollo de la técnica y la coreografía de Martha Graham. En 2020, Rafael Molina, becado por la Fundación Fullbright para estudiar en la Martha Graham Dance School, ex bailarín de la Martha Graham Co. 2 y fundador de Graham for Europe, organización establecida en París, además de profundo conocedor de la técnica Graham, entrevistó a Robert Cohan (Bob) pocos meses antes de su muerte. A continuación, os ofrecemos de la mano de Rafael Molina un resumen de la entrevista que tuvo la oportunidad de hacer a Robert Cohan el 23 de octubre de 2020. (Pilar Pérez Calvete, 2021)

Bob recuerda su primera clase de Graham en la primavera de 1946. Comenta que tuvo una epifanía y supo que eso era lo que iba a hacer el resto de su vida y que iba a seguir el ejemplo de Martha. Todo fue muy rápido. En junio de ese mismo año asistió al curso de verano y poco después, en otoño, Martha le invitó a formar parte de la compañía. Formó parte de la generación clave de los años 40 y 50 del siglo XX formada por un sólido grupo de solistas, entre los que estaban Yuriko, Pearl Lang, Mary Hinkson, Ethel Winter, Helen McGehee, Linda Hodes, Bertram Ross y David Wood, y que colaboraron con Martha Graham a todos los niveles. Ellos contribuyeron a la creación de los principales papeles del repertorio, eran los que demostraban en las clases para Martha y enseñaban en importantes instituciones.

También aportaron su personalidad y su inteligencia al trabajo y a la labor coreográfica y pedagógica. Nunca se preguntaron qué era la técnica Graham; era lo que hacían con Martha. Nunca se preguntaron si tenían legitimidad para enseñar; Martha les había enviado. Si el entrenamiento llegó a convertirse en una técnica que podía enseñarse sistemáticamente y adaptarse de diferentes maneras, fue gracias a ellos. Le dieron forma, pues Martha no siempre recordaba lo que había hecho. Ella estaba ocupada todo el día coreografiando y dejándose llevar por su inspiración. Bob y los colegas que se encargaban de demostrar para ella solían ordenar lo que Martha había hecho, normalmente improvisado, poniéndolo en cuentas y haciéndolo lógico para el resto de la clase. Resulta muy valioso hablar con alguien de esa generación para captar la esencia del trabajo de Graham y DEE

29


la filosofía que hay detrás de la práctica. Muy pocos siguen vivos. Fueron testigos del proceso creativo de Martha Graham al perfeccionar su técnica. Ellos comprenden profundamente que la técnica no se creó desde cero como un todo, sino que derivó de lo que Martha aprendió en Denishawn y que estaba en continua evolución. La técnica Graham nació porque Martha tenía que formar a la gente de su compañía para que hiciera lo que ella quería en sus coreografías. Así que la fue inventando sobre la marcha. Bob insiste en que “… no se podía separar su enseñanza de su coreografía, la técnica era la coreografía. Ahora la técnica se ha separado de la coreografía”. En aquella época, Martha daba clases todos los días y lo suyo no era una técnica en el sentido estricto de la palabra, ni siquiera le interesaba la técnica, le interesaba la danza. La clase no estaba completamente preparada, algunos de los ejercicios eran como ahora, pero no todos. Martha, como explica Bob más adelante, simplemente respondía a lo que los alumnos necesitaban, que es la base de la pedagogía. Si algunos alumnos no hacían bien alguna parte del ejercicio, ella lo desmontaba y hacía otro. Bob se pregunta: “¿Cuáles son los límites de la técnica Graham? No lo sé. No hay ninguno … está cambiando, como debe ser”. No obstante, él hizo una precisión que considero brillante y que podría resolver el dilema con el que un profesor de Graham se encuentra al tener que mantener la tradición a la vez que mantenerla viva y actualizada. A menudo se dice que está bien cambiar la técnica ya que Martha la cambiaba todo el tiempo. Bob dice que no deberíamos usar la palabra “cambio”. Martha “inventaba” siempre, no “cambiaba”. Martha estaba trabajando en sí misma, haciéndose más intensa, más creativa, más Martha. Algunos lo veían como “cambio” pero ella estaba inventando. Bob también dejó claro que reordenar el material no representa un cambio. Pienso que siempre es importante preguntar a un profesor sobre la experiencia de su primer día enseñando. Como era habitual en aquella época, le pidieron a Bob dar una clase en el último momento y así fue como acabó delante de un grupo de alumnos.

30

Robert Cohan, Bob y Rafael Molina

No tenía ningún título ni formación pedagógica. Desde luego, no era fácil enseñar sin preparación, pero él aprendió rápidamente. Él sabía perfectamente lo que estaba haciendo. Bob, más adelante, enseñó en diferentes lugares y ciudades de Estados Unidos, incluyendo la prestigiosa Julliard School. Cuando Batsheva de Rothschild formó compañía en Israel, le ofreció el puesto de director que él rechazó pues no quería mudarse a tiempo completo allí, pero sí que colaboró con la compañía yendo varias veces para entrenar a los bailarines y coreografiar para ellos. La razón para que dejara Estados Unidos y se estableciera en Inglaterra fue el filántropo Robin Howard que se había convertido en el mecenas de la danza moderna a tiempo completo. Llevaba coreógrafos americanos de danza moderna: Martha Graham, Alvin Ailey, Alwin Nikolais, Merce Cunningham, Paul Taylor. La compañía Graham había dejado profundamente impresionado al público inglés, habituado a las compañías de ballet y que nunca habían visto trabajos contemporáneos con un gran grupo de bailarines atletas encima del escenario. Robin quería desarrollar la danza contemporánea en Gran Bretaña y eligió implantar la técnica Graham porque pensaba que era la más completa. Bob no podía estar más de acuerdo. Enseñó a diario durante 10 años tanto en la escuela, The Place, como en la compañía, London Contemporary Dance Theater. Las dos estuvieron financiadas por Robin y finalmente recibieron algunos fondos del Arts Council. La misión que Bob asumió implicaba mucho más que la creación de obras y entrenar una nueva generación de artistas de la danza. Necesitaba construir una au-


ENTREVISTA → Robert Cohan

Robert Cohan, Carmen Pizarro (1991) Fuente CIRAEA (AAIICC)

diencia para la danza contemporánea desde cero. Hasta el momento no había más que ballet y Laban. Laban no tenía una práctica de actuación y era principalmente académico. Recorría el país enseñando en clases abiertas, haciendo demostraciones de la técnica y mostrando alguna coreografía. Bob y el trabajo de Graham no fueron muy bienvenidos en el Reino Unido. Algunos británicos sentían resentimiento hacia los “americanos que creían saberlo todo y que veían a decirles lo que había que hacer”. Además, la técnica Graham tenía la mala fama de ser perjudicial para el cuerpo, en parte debido a razones políticas y por la resistencia de los seguidores de Laban, expertos en kinesiología. Por supuesto, replicaba Bob, si no estás entrenado hay cosas que pueden dañar. También algunos habrían preferido que Robin hubiera traído a alguien de la danza postmoderna americana (Judson Church), en lugar de Graham. Bob no tenía

nada en contra de ese movimiento en sí mismo, incluso lo considera muy motivador para algunos, pero tenía sus dudas acerca de dónde habrían llegado y qué es lo que habría sobrevivido. Bob empezó enseñando técnica Graham estricta porque es lo que Robin le había pedido, pero tenía muy claro que tenía que permitir que esto fuera cambiando según lo que necesitaran los bailarines porque ahora estaba dirigiendo una compañía. Su objetivo era hacer buenos bailarines, no bailarines de Graham. Dejó de utilizar el término ‘Graham’ y lo llamó ‘basado en Graham’. Su enseñanza se conoce ahora como ‘Método Cohan’. Más allá de las cuentas, del ejercicio, de los pasos, de la forma de la técnica, yo quería saber qué buscaba, cuál era su verdadero objetivo educativo. Él se describe a sí mismo como un profesor obsesionado con la base. Si no eres capaz de hacer un plié en primera posición que él considere correcto, no está dispuesto a ir más allá. De manera que las clases de su compañía DEE

31


Robert Cohan, The place

parecían como las de un nivel elemental porque “no tiene que ver con lo que haces, todo tiene que ver con cómo lo haces”. Y esto se lo enseñó Martha. De hecho, la considera la mejor profesora del mundo y asegura que fue ella quien le enseñó a bailar. Le pregunté cuáles son las señales que muestran que un bailarín se ha formado debidamente en Graham. Sin dudarlo, respondió: “saben quiénes son y saben en qué cuerpo bailan. Si conoces tu cuerpo, puedes controlarlo. Es el cuidado que tienes con tu propio cuerpo, es la atención a los detalles. Si yo te estoy dando un movimiento, espero que tú vas a saber cómo generar ese movimiento en sí mismo. No quiero que imites la forma externa del movimiento, que, aunque esté ahí, no es lo importante” Su carrera como artista de la danza fue tan polifacética como la de Martha. Fue bailarín, pedagogo y coreógrafo. Me habló de proceso artístico, en especial del de coreografiar, de la vulnerabilidad, de la importancia del trabajo y de la fe necesarios para recorrer este camino. El artista nunca sabe lo que está haciendo y si todo va a valer la pena. Explorará y tomará ese riesgo. Él dijo: “No saben lo que están haciendo. Ninguna idea. Tienen una intención. Tienen una motivación dentro de ellos. Tienen corazonadas. Tienen olores, crean colores. Tienen la intuición de que ése es el camino.” Si tú pararas

32

a Bob en mitad de una coreografía, él no sabría cómo continuar porque el hilo se habría roto y ya no sabría cómo volver otra vez atrás. Recuerda que Martha lo expresó de la siguiente manera: “Yo soy un testigo de mi trabajo” A lo que Bob añadió: “…si no eres testigo de tu obra, no es arte. Porque estarás manipulando, esto es manipulación, es lo que hacen los artistas comerciales” Hacia el final de la entrevista, Bob Cohan comenta que aconsejó a un joven bailarín de The Place muy apasionado con la técnica Graham que fuera a la Escuela de Martha Graham en Nueva York porque lo que podía aprender en Reino Unido estaría “bastardeado”1. Me gustó la elección y comenté: “Bastardeado, ¿cómo podía ser de otra manera?” Dijo, lo que parecía ser la palabra perfecta para finalizar nuestra entrevista: “Esto es lo que hice. Esto es lo que todos hicieron. Fui y encontré lo que quería y supe que era lo que iba a hacer el resto de mi vida. Aquí estoy”. Bob nunca pretendió dar una clase pura de Graham. Hizo honor al legado Graham a la vez que seguía su propio camino y, al hacerlo sirvió al arte de la danza hasta su muerte. Bibliografía: Obituary, Robert Cohan. Dance Europe. February/March 2021 pag. 53 Enlace de interés: https://www.grahamforeurope.com

1

Bastardear: apartar algo de su pureza primitiva.


ARTÍCULO → La danza hoy

DEE

33


Liam Scarlett Por Alastair Macaulay, historiador británico y crítico artes escénicas Fotografías por Royal Ballet y New York City Ballet

Liam Scarlett, Bill Cooper (2014)

34


ARTÍCULO → Liam Scarlett

Asphodel Meadows (Royal Ballet) coreografía de Liam Scarlett, Bill Cooper

I El coreógrafo Liam Scarlett, de treinta y cinco años de edad, murió, repentinamente, el viernes 16 de abril de 2021. (Se ha aceptado que la causa fue suicidio aunque en el momento de escribir este artículo, no se ha confirmado tal). El impacto de su muerte ha provocado oleadas de emociones complejas más allá del mundo de la danza. Gran parte de la carrera de Scarlett terminó efectivamente en 2019-2020 por motivos de una investigación ambigua que concluyó con una opinión dividida del Royal Ballet Covent Garden. Por un lado, la compañía anunció que no se habían encontrado evidencias que corroboraran las acusaciones contra Scarlett. Por otro lado, la compañía ponía fin a su relación con él. Otras compañías también se apresuraron a cancelar sus contratos con él. Sin embargo, las primeras personas que lo conocieron en el siglo pasado me han asegurado que muy pocos conocen los detalles de su muerte. No debemos asumir, como muchos han hecho, que “Cancel culture” fue el factor determinante. Murió en su ciudad natal, Ipswich, Suffolk. Scarlett saltó a la fama internacional a los 24 años con el estreno mundial de su “Asphodel Meadows” (2010), coreografía con música de Francis Poulenc, en Covent Garden. El Royal Ballet se equivocó en ese momento al afirmar que Scarlett era la persona más joven en coreografiar para la compañía pues Christopher Wheeldon había hecho “Pavane” a los 23 años en 1996. “Asphodel”, creada para un conjunto mucho más grande, fue un logro notable para cualquier persona de su edad. Edward Villella, director artístico del Miami City Ballet, lo vio entonces e inmediatamente le encargó a Scarlett la coreografía de “Viscera” para su compañía en 2011; y luego un segundo, “Euphotic” (2012). Estos fueron los primeros trabajos de Scarlett para una compañía estadounidense. En 2012, Scarlett se convirtió en coreógrafo residente del Royal Ballet en Covent Gar-

den. Antes de cumplir los treinta años, había creado ballets para K-Ballet, San Francisco Ballet, New York City Ballet, American Ballet Theatre, Norwegian National Ballet y Royal New Zealand Ballet. Poco después de su trigésimo cumpleaños, en 2016, coreografió el ballet completo “Frankenstein”. Esto le convirtió en el coreógrafo más joven en presentar un ballet completo en el escenario de Covent Garden. Siguieron otros estrenos hasta 2019, cuando surgieron acusaciones de conducta sexual inapropiada que le llevaron a un escándalo, una investigación y, en marzo de 2020, el informe que terminó su relación con la compañía del Covent Garden. Su muerte ocurrió el viernes 16 de abril de 2021. Ese mismo día, el Royal Danish Theatre anunció la cancelación de su “Frankenstein”. Con mucha firmeza, este anuncio de Copenhague revivió las acusaciones sexuales/morales vertidas contra Scarlett en 2019-2020. En palabras del director danés Kasper Holten, “El comportamiento ofensivo es inaceptable en el Royal Theatre, también por parte de los artistas invitados. El bienestar y la seguridad de nuestros empleados es una prioridad para nosotros. Por lo tanto, no deseamos interpretar las obras del coreógrafo en cuestión por el momento, por lo que “Frankenstein”, prevista para la primavera de 2022, ha sido cancelada”. La redacción era mucho más inequívoca que la de la compañía de Covent Garden los años anteriores. Cabe señalar que bailarines y admiradores del trabajo de Scarlett lo recuerdan con intenso afecto y lealtad. Muchos de ellos durante su vida lo ensalzaron como uno de los más grandes. Aunque nunca compartí ese grado de admiración por su trabajo (hice la crítica de al menos seis de sus estrenos mundiales para el “New York Times”), no había duda de las inmensas habilidades organizativas de su trabajo, su sofisticada estructural y su atractivo visualmente decorativo. DEE

35


III

Frankenstein, coreografía de Liam Scarlett para Royal Ballet

II Una característica que pareció excepcionalmente curiosa durante la vida de Scarlett se vuelve mucho más conmovedora ahora: su fascinación poética por la muerte. Tres de sus obras tomaron título de los diversos reinos mitológicos de los muertos. “Asphodel Meadows” (2010) fue la obra que inmediatamente se dio a conocer en Royal Ballet. Aunque se trataba de una creación sin argumento, solo danza, las “asphodel meadows”, de su título, forman parte del inframundo griego. “Acheron”(2014), su primera creación para New York City Ballet, también fue sin argumento. El río Acheron es uno de los ríos que atraviesan el inframundo griego. Su obra final para el San Francisco Ballet fue “Die Toteninsel” (2019). El título significa “la isla de los muertos”. Su primera creación para el Miami City Ballet, de nuevo sin argumento, fue “Viscera” (2011). La palabra “viscera”, que significa tripas, generalmente se refiere a las entrañas de los muertos. Su “Sweet Violets”(2014) para Royal Ballet abordó los asesinatos sexuales del Londres de Jack el Destripador. El propio Scarlett conservó ese aspecto de querubín: mejillas sonrosadas, cabello rizado, comportamiento juvenil. Sin embargo, su mente seguía girando alrededor de la muerte incluso en los admirados títulos de ballets sin argumento. Es posible que las contradicciones en su carácter nunca se puedan resolver ahora.

36

La muerte de Scarlett plantea muchos e importantes problemas. Lo más importante ha sido esa evidente inquietud por la forma en que muchas compañías de danza parecen silenciar escándalos o crisis que supuestamente afectan a una variedad alarmante de asuntos sexuales, heterosexuales y homosexuales, adultos y menores, a ambos lados del Atlántico. ¿Fue realmente “independiente” la investigación que en 2020 Royal Ballet encontró que “no había asuntos que perseguir” sobre Scarlett? ¿Y en qué grado? ¿Qué “independencia” real hubo en la investigación, en el New York City Ballet 2018, que encontró que las acusaciones contra Peter Martins “no estaban corroboradas”? Scarlett y Martins han sido dos de los muchos artistas masculinos que han dimitido o han sido destituidos de sus puestos en los últimos años y, sin embargo, en ningún caso la compañía en cuestión ha dado una explicación satisfactoria. En el New York City Ballet, Amar Ramasar y Zachary Catazaro fueron readmitidos después de los cargos que se les imputaron en la demanda de Alexandra Waterbury en 2018, aunque Catazaro decidió no volver a unirse a su antigua compañía. En 2020, el juez del caso Waterbury retiró los cargos contra ambos hombres. Dado que, por lo tanto, es posible que esos dos, y algunos otros, fueran realmente inocentes de las acusaciones que los defenestraron, ¿no es hora ya de que las compañías de danza establezcan sistemas de responsabilidad? Estos deberían funcionar de varias maneras. ¿Deben las instituciones de danza establecer y publicar las reglas de comportamiento a las que exigen que se ajusten sus bailarines y su personal? ¿Y deberían explicar igualmente por qué están cortando el contacto con ciertos artistas? Sin embargo, las respuestas no son sencillas. El anuncio del 23 de marzo de 2020 del Royal Ballet “no había asuntos que perseguir” hizo muy poco para aclarar los rumores que rodeaban a Scarlett. Por otro lado, el anuncio de Holten, del 16 de abril de 2021, fue mucho


ARTÍCULO → Liam Scarlett

El Lago de los cisnes, coreografía de Liam Scarlett, Bill Cooper

más específico sobre el “comportamiento ofensivo” y la preocupación del Royal Danish Ballet por “la seguridad y el bienestar de sus artistas”. Si Scarlett todavía estuviera vivo, su reputación se habría manchado definitivamente. Holten tiene contactos cercanos con Covent Garden, donde trabajó durante años a principios de este siglo. ¿Por qué la compañía británica no dijo nada sobre el comportamiento de Scarlett mientras que la danesa lo calificó de “ofensivo”? Esto nos lleva a debatir sobre lo que ahora se conoce como “Cancel culture”. Primero, debe establecerse que esto se presenta de dos formas: las compañías que realmente cancelan sus contratos con artistas individuales y, por otro lado las voces, en publicaciones o redes sociales, que exigen el fin del arte para esos artistas cuyo comportamiento se considera lesivo y/u ofensivo. Yo mismo escribo en las redes sociales. Después de escribir sobre la muerte de Scarlett, recibí respuestas muy contrastadas. Aquí hay dos de ellas. La primera: “Si en su comportamiento realmente se aprovechó de sus jóvenes estudiantes, entonces debería haber habido consecuencias. “Cancel culture” no es peligroso, pero la depredación sexual, especialmente de menores, sí lo es”. El otro (escrito por alguien que ha expe-

rimentado el cese de primera mano): “Creo que la lección es para las organizaciones, especialmente para las compañías de ballet pues salvar las apariencias no es más importante que la salud de los bailarines, o la escuela de donde se han nutrido durante muchos años. Yo mismo he tenido la experiencia de “Cancel culture” y he pensado en el suicidio. Conozco a otros con la misma vivencia y los mismos pensamientos suicidas. Es un problema grave. Los directores deben tomarlo en serio”. La palabra “vergüenza” se ha utilizado mucho desde la muerte de Scarlett. Probablemente vergüenza era algo que él había llegado a sentir. Ahora otros también quieren que las organizaciones que lo castigaron sientan vergüenza y quienes usaron las redes sociales para expresar indignación también sientan vergüenza. El coreógrafo Alexei Ratmansky, escribe emocionado sobre el talento de Scarlett y sobre las compañías que han cancelado su trabajo “¿Cómo es posible que todo el mundo del ballet, todos nosotros, le hayamos dado la espalda a un talento tan asombroso, empujándolo a morir tan joven? Vergüenza y tristeza. RIP Liam” ¿Deberíamos llamar a esto «cultura de la vergüenza»? Debería darte vergüenza; y a usted; y a usted; y a usted. Sin embargo, muchos de nosotros hemos pasado gran parte de nuestras vidas tratando de deshacernos DEE

37


Sara Mearns y Adrian Danchig-Waring en Acheron de Liam Scarlett. Paul Kolnik

del daño causado por la vergüenza. El viejo y agresivo puritanismo está siendo reemplazado por uno nuevo, no menos agresivo, y la gente de todos lados es considerada digna de vergüenza. ¡Qué difícil es para cualquiera de nosotros estar seguro de lo que es correcto! Siento tristeza por quienes amaban y admiraban a Scarlett; siento pena por aquellos a quienes ahora se les culpa por provocar su muerte. Entre las acusaciones contra Scarlett se encuentran informes varios de comportamientos sexualmente inapropiados con hombres jóvenes y niños. (Dado que no se formularon cargos legales en su contra, debemos presumir que es inocente). Puede que valga la pena reflejar lo que han cambiado los valores culturales. Una cultura anterior, la de los antiguos griegos, aprobó la pederastia -relaciones sexuales entre adultos y adolescentes- que incluso ha sido llamado «el principal modelo cultural para las relaciones libres entre ciudadanos» por los historiadores. No quiero sugerir que la cultura griega fuera mejor que la nuestra, o que la nuestra la haya superado por completo. Los griegos utilizaron la vergüenza y el ostracismo, pero de otra forma. Cuando el filósofo Sócrates fue juzgado y declarado culpable, fue por corromper las mentes, que no los cuerpos, de los jóvenes y por no creer en los dioses de Atenas. Se suicidó de una manera que ha sido largamente admirada desde entonces.

38

Ryoichi Hirano y Marianela Nuñez en Asphodel Meadows, The Royal Ballet 2019. Bill Cooper

“Cancel culture” ¿realmente es peligrosa? Algunas voces en las redes sociales se han apresurado en aceptar lo peor del comportamiento que llevó al desplome a Scarlett en el Royal Ballet. De manera santurrona y agresiva, algunas personas, sin inmutarse por su reciente muerte, han denunciado todo silencio sobre su comportamiento como un síntoma del favor otorgado automáticamente a personas de raza blanca y masculinas, a personajes poderosos, que son culpables de abuso sexual, y depredadores, ignorando lo que sea que Scarlett haya hecho y a pesar de la declaración de 2020 del Royal Ballet. También se han presentado quejas de las compañías que siguen encargando obras de arte a personas moralmente defectuosas. (Tengo mi propia “Cancel culture” cuando escucho a todos esos nuevos puritanos, vengativos y censuradores: los bloqueo.) ¡Tengamos sólo arte de los sinceros! ¡Tengamos más arte de aquellos que son tan sinceros como nosotros! ¡Que no haya arte de pecadores para nosotros! Muy pocas personas saben realmente lo que ocasionó el hundimiento de Scarlett en el Royal Ballet (yo también he escuchado muchos rumores, pero son solo rumores), y aún menos personas conocen las circunstancias que le llevaron a su trágica muerte. Estoy de acuerdo en que hay hombres blancos poderosos que son abusadores sexuales y cuyo comportamiento dañino está encubierto por el sistema. Sus víctimas sufren, pero no tengo la información suficiente para calificar a Scarlett como uno de ellos.


ARTÍCULO → La danza hoy

Frankenstein, coreografía de Liam Scarlett para Royal Ballet

IV

El final de la carrera de Scarlett, aunque no para todo el mundo, como coreógrafo en 2019-2020 se atribuyó en gran medida a la posibilidad de que su comportamiento con los bailarines y los estudiantes de danza pudiera haberlos molestado o dañado. Pero, ¿qué pasa con las coreografías de Scarlett ahora que está muerto? Ya no puede hacerles, a los artistas de la danza, lo que sea que haya hecho. Por lo tanto, es posible que ahora sus ballets puedan remontarse sin causar una ofensa moral. Esto enfrenta a la “Cancel culture” con una elección importante. ¿Continuarán las compañías de danza cancelando los ballets de Scarlett porque de alguna manera están contaminados por su comportamiento sexual y social? ¿O intentarán ahora remontar sus ballets, tanto en memoria suya como porque los ballets merecen un renacimiento? Sin embargo, vale la pena señalar que no todas las compañías pusieron fin a sus compromisos con Scarlett en 2019-2020. En octubre de 2020, viajó a Múnich para presentar su “With a Chance of Rain”(2014) para el Bayerische Staatsballett. Maggie Dowdney, bailari-

na británica, ha escrito que su comportamiento fue estrictamente profesional, y que impresionó a todos por haber aprendido de sus errores y feliz de tener la oportunidad de seguir adelante. El Royal New Zealand Ballet también anunció que repondría su «Sueño de una noche de verano»(2015) en la Navidad de 2021. Es posible que haya habido otros compromisos de 20202021 que aún no hayan salido a la luz. El domingo 18, dos días después de la muerte de Scarlett, el Bayerische Staatsballet transmitió su “Paradigma”, un programa que incluía “With a Chance of Rain” de Scarlett, con estas palabras: “El Bayerisches Staatsballett dedica este stream al coreógrafo recientemente fallecido Liam Scarlett. (1986-2021)”. El Ballet Real de Nueva Zelanda anunció: “Esta compañía tuvo el privilegio de trabajar con Liam cuando creó su hermosa producción de “El sueño de una noche de verano” en 2015. Fue un placer trabajar con él. Nos inspiró a todos para dar lo mejor. Estamos realmente orgullosos de reponer “El sueño de una noche de verano” en Nueva Zelanda esta Navidad, pero las actuaciones serán agridulces, sabiendo que Liam no volverá a estar con nosotros para compartir la magia». DEE

39


Marianela Núñez y Vadim Muntagirov en Lago de los cisnes de Liam Scarlett para Royal Ballet

¿Cómo responderán otras compañías de ballet para celebrar el logro internacional de Scarlett como coreógrafo? Es evidente que la reposición del trabajo de cualquier coreógrafo después de su muerte es una labor muy compleja. Pero supongo que hay bailarines y escenógrafos que trabajarían para Scarlett Trust, si se creara una, y creo que algunos de ellos querrían hacerlo. Scarlett fue muy admirado y querido por muchos de sus colegas. Lamento no haber compartido la misma opinión que ellos y que muchos otros tienen de sus coreografías. Espero poder ver las cualidades que otros encontraron en su trabajo. ¿Qué van a hacer las compañías de ballet, sobre todo el Royal Ballet, del que fue artista residente 2012-2019, con sus ballets ahora que Scarlett ha muerto? Durante la investigación sobre sus presuntos delitos 2019-2020, el Royal Ballet nunca retiró su producción de “El lago de los cisnes” (2018), que fue lo último que se bailó antes del cierre de marzo de 2020. De alguna manera, después de la investigación, la compañía consideró oportuno anunciar la cancelación de la reposición en 2020 de su “Symphonic Dances”(2017) mientras que continúa con su “Lago de los cisnes”.

40

¿Por qué? Una de las razones es que es más fácil mantener su «Lago de los cisnes» sin que él regresara a ensayarlo. Otro factor fue que la puesta en escena era tan extremada y llamativamente cara que la compañía no podía afrontar cancelarla también. Para aquellos que lo encontramos muy irresponsable, esta permanencia en el repertorio es desagradable. Para quienes lo admiraran, su regreso será un consuelo. Estos son solo algunos de los problemas desconcertantes que surgen de la muerte de Scarlett. Dejemos que nuestras compañías de danza procedan ahora a mejorar las condiciones en las que los artistas con problemas pueden causar problemas a otros. Ha habido acercamientos para mejorar. Ojalá Scarlett hubiera recibido un asesoramiento eficaz; espero que todos los bailarines heridos por el abuso moral y físico reciban asesoramiento y ayuda. Que el dolor y la conmoción causados ​​por su muerte lleven a un clima más sano y amable dentro y alrededor de muchas compañías.


ARTÍCULO → La danza hoy

Adiós a mi maestra de danza Por José Luis López Enamorado

Hace muchos años ya, entré en el fantástico mundo de la danza para procurar difundirlo ampliamente a través de un poderoso medio de comunicación llamado televisión. Yo siempre fui aficionado a este arte pero no solo me sentía atraído por nuestra danza española, también me interesaban las otras danzas que forman parte de otras culturas y que eran desconocidas por el gran público. Trabajaba entonces en el Departamento de Programas Musicales de Televisión Española y echaba en falta la presencia, en las parrillas de programas, de esos otros géneros tan interesantes como llenos de historia; eso es, el Ballet Clásico, la Danza Contemporánea, la Danza Oriental, la Danza Butoh o el Break Dance o Breakin. Nunca Televisión Española se había detenido en diseñar un programa que se ocupara de estas ausencias. Por fortuna se incorporó al Departamento como Director del mismo, un buen profesional, inteligente realizador, Enrique de las Casas quien reparó en este aspecto −tal vez mis sugerencias fueron escuchadas− y me encargó la preparación de un proyecto de espacio que atendiera a la Danza en todos sus estilos, en todas sus manifestaciones culturales. Para ello iba a contar con la asesoría de una gran maestra, Ana Lázaro, que por aquel entonces ocupaba la Cátedra de Danza recién creada en la Escuela Superior de Arte Dramático y Danza. Corría el mes de febrero del año 1977 y lo que nació como una experiencia para cubrir un trimestre de emisión, con trece programas de media hora de duración cada uno, se convirtió en una extraordinaria experiencia que duró hasta diciembre de 1981 con un total de 178 emisiones. Ana Lázaro se asomó a las pantallas de Televisión Española allá por 1960 ofreciendo unas clases con nociones básicas de ballet y breve introducción en la historia de la danza. Ana pues, estaba interesada en el medio televisivo como difusor global de este arte tan desconocido entonces.

Ana Lázaro profesora

Nunca entendí el criticado trato que recibió Ana por parte de profesionales del mundo de la danza en España. Está claro que el programa La Danza tenía muchos pretendientes, muchos querían participar en la selección de contenidos pero ninguno, que yo sepa, se ocupó antes de plantear un proyecto interesante y factible. Yo tenía perfectamente diseñados los intereses del espacio y cómo y en qué medida debían ser contemplados sus contenidos. Encontré un apoyo absoluto en Ana Lázaro que era la otra parte fuerte del espacio: asesorarme en estilos, capacidad de trabajo, y colaboraciones posibles. Siempre defendí su presencia en el programa La Danza y juntos llevamos a cabo una buena labor. Gracias a que la danza en todos sus géneros tenía una ventana abierta semanalmente en televisión, se crearon nuevas compañías y las ofertas de nuevos montajes coreográficos nos llovían. Han grabado para la danza −entre muchos otros− en danza española: María Rosa, Rafael De Córdova, José Antonio y Luisa Aranda, Alberto Lorca, Manuel Vargas, Ballet Los Goyescos, José Granero, Silvia Ivars, Mario Maya, Merche Esmeralda, Luisillo, Blanca del Rey, Antonio del Castillo, Carmen Mora, Goyo Montero, Fernando Belmonte. En danza clásica: Luis Fuente, Trinidad Sevillano, Ana Lázaro, Luis Ruffo, Juan Tena, Ballet Alexia, Christian Uboldi, Alicia Alonso, Alberto Méndez, Anton Dolin y John Gilpin, Paolo Bortoluzzi y Luciana Savignano. En danza contemporánea: Ramón Solé, Lorenzo Godoy, Ramón Oller, Ballet Heura, Anatol Yanowsky, Maguy Marin y su Ballet Theatre de L’Arche, Vittorio Biagi y Helene Diolot, Amelia Boluda y el Ballet Contemporani de Barcelona, Gloria Mandelik, Carl Paris, Carmen Senra… DEE

41


ARTÍCULO → Adiós a mi maestra de danza

La danza

Un importante elenco, sin duda, compone la historia del espacio La Danza pues, además, se atendió a la producción ajena para ofrecer diferentes ballets europeos, clásicos y contemporáneos, agrupados en ciclos. También pudimos ofrecer las grandes obras del Ballet Clásico interpretadas por las mejores compañías de danza: “Concierto barroco”, “Sinfonía en do” y “Apolo y las musas” de Balanchine, “Cascanueces”, “Coppelia”, “La rose malade” y “Cyrano de Bergerac” de Roland Petit, “Espartaco” de Leonid Jacobson, “Giselle” de Jules Perrot y Jean Coralli; “Adagio Hammerklavier” de Hans van Mannen y ciclos dedicados a Rudolf Nureyev, Karen Kain, Paul Taylor y la danza contemporánea de Cuba. Todo ese recorrido lo hemos trabajado Ana Lázaro y yo juntos, sin reparar en horas de trabajo y conviviendo en los estudios de danza hasta encontrar el modo más auténtico de mostrar la danza a los espectadores. Esta gran maestra de la danza, nacida en Lisboa pero con doble nacionalidad, portuguesa y española, ha fallecido a los 87 años de edad. Era una buena amiga y mejor persona, la profesional de la danza que me enseñó a descubrir y amar este arte tan sublime como complejo y sufrido. Excelente amiga con la que seguí la trayectoria pictórica de su padre, Bonifacio Lázaro, portugués y amante de España cuya extensa obra está distribuida por los museos de Portugal y de Extremadura. Ana fue una creadora indiscutible de coreografías y de bailarin@s también porque insuflaba en ell@s la formación progresiva y equilibrada en busca de cuerpos perfectos. Hemos estado en contacto frecuente y pudimos conversar por última vez hace unos pocos días. Su ahija-

42

Ana con Anton Dolin en el plató de La Danza

do Miguel Ferrer me notificó el pasado 24 de abril su fallecimiento después de apagarse, poco a poco, en los tres últimos días de su vida. Como dice Miguel, “ha entrado de puntillas y delicadamente en otros mundos donde seguro, como ha hecho durante toda su enriquecedora vida, no parará”. Adiós querida Ana, recordaré tu obra coreográfica para nuestro espacio La Danza y lo haré partiendo de dos grandes creaciones: “Take Five” un maravilloso y electrizante solo bailado por Elisa Morris y “Paso a dos de amor” con Virginia Valero y José Cáceres sobre el Andante del “Concierto para violín y orquesta” de Mendelsshon. Que Beethoven guíe tus nuevos pasos para que se mantenga viva tu creatividad con movimientos y pinceladas. Echaré de menos tu cariño, tus consejos y la humildad con que transmitías tus conocimientos. Saluda a Anton Dolin, seguro que te espera. Un beso enorme de tu alumno de danza,


Leyendo flamenco Por Orlando Taquechel / Artburst Miami

“¡Viva!” de Manuel Liñán. Un ejemplo del uso del travestismo en el circuito mainstream del flamenco.

“Enseñar a bailar es compartir el respeto al flamenco. Y compartir respeto y conocimiento es también generarlo” afirmó hace apenas unos días la bailarina y coreógrafa Eva Yerbabuena en un mensaje dado a conocer por sus redes sociales.

bailarín, coreógrafo y dramaturgo flamenco Fernando López Rodríguez (Madrid, 1990), transforma una monumental tesis doctoral en un relato que revela y reivindica esa “otra historia”, la de los coprotagonistas marginales.

Escribir sobre el arte flamenco es también compartir respeto y conocimiento. Algo que consiguen dos libros publicados recientemente y tienen objetivos muy diferentes, pero igualmente importantes: uno existe para facilitar el primer encuentro y el otro para descubrir un aspecto poco conocido. Estas dos obras de obligatoria lectura para los interesados en el baile flamenco – de ahí este comentario – son de fácil adquisición en línea, incluso en formato digital.

PARA LOS DUMMIES DEL FLAMENCO, UNA INICIACIÓN CON CARIÑO Los libros para dummies, nacieron en idioma inglés en 1991 y cuentan con una serie en español desde 2010. Pero hay que tener cuidado con la traducción al español del término en itálicas, porque no debe entenderse como “un libro para tontos”, sino “para inexpertos”. La soltura amable de la pluma de Rodríguez Palop hace que “Flamenco para dummies” sea recibido además como una iniciación llevada a cabo con cariño.

“Flamenco para dummies” (243 pp. Grupo Planeta, 2020), de la periodista especializada en flamenco María Isabel Rodríguez Palop (Llerena, Badajoz, 1973), ofrece una excelente introducción básica al arte flamenco, dentro del diseño informal con toques de humor impuesto por “la colección de libros prácticos más leída del mundo”. Por su parte, “Historia queer del flamenco: Desvíos, transiciones y retornos en el baile flamenco (18082018)” (336 pp. Editorial EGALES, 2020) del joven

El libro tiene el atractivo adicional de contar con un prólogo del reconocido flamencólogo Francisco Zambrano Vázquez que alerta al lector sobre su contenido, organizado en 13 capítulos: “lo que se sabe de los orígenes del flamenco, su historia, sus protagonistas y su geografía, así como la filosofía del flamenco y de los flamencos. Y también aprenderá acerca de las formas y los estilos que componen el frondoso árbol del flamenco, repartido en los frutos del arte de sus tres disciplinas: el cante, el baile y el toque”. DEE

43


Portada del libro “Flamenco para Dummies” de María Isabel Rodríguez Palop. (Grupo Planeta, 2020)

Las secciones que hablan en específico del baile son dos. En el capítulo 4 (Los protagonistas I) se dedica espacio a cinco artistas “clásicos”: Carmen Amaya, Farruco, Antonio el Bailarín, Antonio Gades y Cristina Hoyos. En el capítulo 5 (Los protagonistas II), aparecen diez “artistas de hoy, imprescindibles de mañana”: Juan Manuel Fernández Montoya Farruquito, Jesús Ortega, Sara Baras (así, sin tilde), Eva la Yerbabuena (¡con itálicas!), Joaquín Cortés, Antonio Canales, Rafael Amargo, Isabel Bayón y Patricia Guerrero. Al presentar a cada uno de ellos, Rodríguez Palop responde dos preguntas, ¿quién fue? y ¿por qué es representativo? para después mencionar influencias. En los cinco primeros agrega un breve anecdotario, menciona algunas de sus grandes obras y nos dice a donde ir “para saber y ver más”. En los otros, solo menciona algunos de sus últimos trabajos. Pero hay tantas otras cosas que aprender con el libro, que incluso si piensa que lo único que le va a interesar es el capítulo 13 donde aparecen los “diez trucos para hacer creer a los demás que sabes de flamenco” usted sentirá la necesidad de regresar por más.

44

“Asistir a un espectáculo flamenco también conlleva ir a comulgar con muchos otros factores que surgen alrededor del evento” dice María Isabel Rodríguez Palop. Javier Pulpo

LO QUEER APARECE AL MIRAR CON OTROS OJOS Queer es una palabra con una evolución semántica que va del insulto a la aceptación como término global, concepto y nomenclatura, pero López Rodríguez no quiere duda alguna al respecto y proclama abiertamente en la contraportada del libro: “lo queer de esta Historia es mi mirada, que intento desviar para hablar del cuerpo y desde el cuerpo, abandonando debates bizantinos sobre purezas e impurezas…” El libro está organizado en tres partes, “Emergencia y desvíos del género (1908 – 1975)”, “Transiciones y nuevas identidades (1975 – 2008)” y “Reactivación y circulación del tablao en tiempos de crisis” (2008 – 2018)”, e incluye una bibliografía temática y una galería de imágenes a color. Como anfitrión de excepción – con conocimiento de causa e información de primera mano – López Rodríguez nos presenta a tantos personajes interesantes que uno acaba reprochándole a los editores la ausencia de un índice onomástico que permita el reencuentro rápido del lector con cada uno de ellos.


ARTÍCULO → Leyendo flamenco

Portada del libro “Historia queer del Flamenco” de Fernando López Rodríguez (Editorial EGALES, 2020)

“Lo queer de esta Historia es mi mirada”, afirma Fernando López Rodríguez. Elia Rodière

Es el caso con Enrique el Cojo (1912-1985), un bailaor ajeno a la “normatividad masculina” – según “Los diez mandamientos del baile flamenco puro masculino” (1951) de Vicente Escudero – que López Rodríguez califica “paradigma de lo queer” y tiene una aparición memorable en la película “La Carmen” de Julio Diamante que data de 1975. Es inmediata la necesidad de hacer una pausa en la lectura y buscar la escena online. “Historia queer del flamenco…” es ese tipo de libro

estuvo programada para presentarse en el Arsht Center durante la cancelada edición 2020 de Flamenco Festival.

Sin olvidar a alguien ya conocido y admirado en Miami como Manuel Liñán. López Rodríguez nos habla de su cercanía a la primera presentación de su puesta en escena más reciente titulada “Viva!” al abordar el travestismo en el circuito mainstream del flamenco. “Viva!”

Pero lo más hermoso de la experiencia de leer a María Isabel Rodríguez Palop y a Fernando López Rodríguez es que ambos son grandes conversadores y sus libros quedan en la memoria como algo que te ha contado un amigo entrañable. Un amigo con el que quisieras reencontrarte cuando puedas viajar a España, una vez terminada la pandemia. ArtburstMiami.com es una fuente sin fines de lucro de noticias sobre teatro, danza, artes visuales, música y artes escénicas. DEE

45


Carla Fracci Por Manuel Hidalgo

Carla Fracci La Sylphide, Luciano Romano (1985)

46


ARTÍCULO → Carla Fracci

Carla Fracci

Es difícil escribir sobre una artista profundamente admirada cuando hace tan poco ya no está entre nosotros. Por otro lado, es bueno que las emociones por esta pérdida estén a flor de piel para pasarlas al papel. Se puede repetir que Carla Fracci es un ícono, una leyenda, la última diva del ballet, una de las más grandes Giselles de la historia. Que hizo pareja memorable con Erik Bruhn, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, Vladimir Vasiliev, Paolo Bortoluzzi. Que fue estrella absoluta de La Scala, la Ópera de París, el Royal Ballet, el American Ballet Theater, el Ballet de Stuttgart. Que hizo únicas sus interpretaciones de Aurora en La Bella Durmiente, de Julieta, de Swanilda en Coppelia, de Cenicienta, de Odette-Odile. Que después de dejar de bailar estos ballets, continuó ofreciendo su gran Arte como la Reina Madre en El Lago de los Cisnes, la Ninfa en La Siesta de un Fauno y en otros papeles. Que Alicia Alonso, a la que la unió una bella amistad y una gran admiración, creó para ella Desnuda Luz de Amor, estrenada en La Habana. Mucho se ha escrito y se va a escribir sobre esto. Prefiero abandonarme a la honda impresión que me causó verla en el Teatro García Lorca durante un Festival de Ballet de La Habana. En el firmamento de grandes artistas hay algunos que permanecen aún más alto, como rodeados de un raro halo de luz, que los mantiene en una clase aparte, donde realmente es imposible hablar de cuál es mejor que otro, ya que el estilo distintivo de cada uno es su sello de grandeza. Aun poseyendo una técina depurada, ellos la hacen totalmente invisible, y uno presencia la manifesitación de la esencia misma de la danza, donde querer encontrar un despliegue de giros, extensiones, saltos y equilibrios, es un pecado. Y en esa esfera luminosa estaba esta bailarina italiana, aquella noche maravillosamente acompañada por su

elegante partenaire, el gran Paolo Bortoluzzi, en el Pas de Deux de “La Sílfide y el Escocés”. Puede parecer producto del entusiasmo y la admiración el que se diga que una bailarina no tiene peso y que parece literalmente volar; pero lo que sí es cierto es que muy pocas han logrado ese grado de etereidad y ligereza que las muestra como seres del aire más que como criaturas atraídas a la tierra por la fuerza de gravedad. Y por primera y única vez en mi vida, después de admirar este hipnotizante efecto en la Alonso, pude ser testigo del milagro al ver desde las primeras filas de platea la Sílfide de Carla Fracci, cuya imagen aún me viene a la memoria como una leve nube que apenas se posaba sobre el escenario. Unos días más tarde volvimos a llenarnos de su Arte cuando fue Giselle, también junto a Bortoluzzi, en otra memorable interpretación de este ballet, sólo comparable con las más importantes que se hayan podido ver. También gran actriz, bordaba cada detalle, cada matiz de la interpretación, donde todo tenía un profundo significado dentro de un estilo único, que culminaba en el primer acto en una conmovedora “Escena de la Locura”. Como la wili del segundo acto, nuevamente esa presencia espectral, etérea, sublime. Otro de aquellos días de noviembre, tuve el privilegio de conocerla personalmente. Estaba sentada en uno de los palcos del teatro, y el contraste entre su piel blanquísima, el negro de su vestido y el castaño oscuro de su largo cabello, evocaba la imagen en un camafeo de un siglo pasado. La que había sido maravillosa Sílfide y excelsa Giselle me saludó tendiéndome la mano con una suave sonrisa en la mezcla de esa sencillez y elegancia natural propias de las grandes. El mundo ha perdido a una inmensa artista; pero su luz y su legado permanecerán mientras haya un ser humano sensible en ese planeta. DEE

47


La Ribot, distinguida creadora Por Paloma Sainz-Aja

Hace ya treinta años de 13 Piezas Distinguidas, la primera serie de solos de La Ribot estrenados progresivamente en Madrid entre 1993 y 1994. Cargadas de teatralidad, tuvieron en su momento buena acogida tanto por parte de la crítica como por parte del público.

La Ribot 1997

48


ARTÍCULO → La Ribot

María Ribot Manzano (Madrid, 1962) es considerada una de las artistas españolas más innovadoras de la creación coreográfica. Es Premio Nacional de Danza en el año 2000 y Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016, otorgadas por el Ministerio de Cultura del Estado Español. Los proyectos de esta coreógrafa, bailarina, realizadora y artista plástica parten del cuerpo, del movimiento y de sus inicios en la danza para generar conceptos que se ven plasmados a través de otras prácticas y medios. Absolutamente multidisciplinar, su trabajo incorpora interpretaciones en directo, el vídeo, la palabra, el lenguaje gestual y la creación de instalaciones. Estudió ballet clásico (1975-1984) en Madrid con Víctor Ullate, Carmen Roche y otros grandes maestros como Luis Fuentes, y posteriormente danza contemporánea en Cannes y Colonia. En 1985 crea su primer trabajo Carita de Ángel. Un año después funda junto a Blanca Calvo la compañía Bocanada Danza (19861988), pionera de la danza contemporánea en Madrid y plataforma de experimentación de diversos artistas. A partir de 1991 comienza a trabajar con el nombre de La Ribot presentando su destacado y conocido trabajo 13 Piezas Distinguidas. Con estas piezas consigue situar a la danza contemporánea en el campo del arte contemporáneo. Constituyen pequeños solos donde La Ribot se presenta desnuda, tienen una duración máxima de siete minutos y son mostrados en espacios no convencionales de la danza, como museos y salas de exposiciones. La segunda serie, Más Distinguidas 1997, se estrena en el ciclo Desviaciones, programa de danza contemporánea organizado junto a Blanca Calvo y José A. Sánchez. Danza, performance y arte visual forman parte del universo creativo de La Ribot. De gran importancia en su trayectoria fue la creación de la Asociación UVI-La Inesperada, cuyo objetivo era dar cabida a proyectos de investigación vanguardistas de danza. Still Distinguished es su tercera serie de piezas distinguidas, que presenta en París en el año 2000. Su obra Panoramix constituye una versión de sus 34

Piezas distinguidas creadas hasta el momento, que se estrenó en la Tate Modern de Londres en 2003 y posteriormente pudo verse en el Reina Sofía de Madrid y el Centre Pompidou de París. En 2011 lanzó la cuarta serie de Piezas distinguidas, PARAdistinguidas. La obra en vídeo de La Ribot está presente en colecciones tanto públicas como privadas internacionales, como es el caso del Centro Pompidou. Another Distinguée, 2016, es la quinta y hasta el momento última serie de Piezas distinguidas. Danza, artes plásticas y arte de acción son comunes en el trabajo de esta bailarina madrileña. Inicialmente comenzó a crear sus Piezas distinguidas bajo las siguientes premisas: que tuvieran una duración de entre 30 segundos y 7 minutos, que partieran del silencio y usaran el cuerpo desnudo. El uso del desnudo, como ella misma explica, es siempre ajeno a cualquier intención expresiva o erótica. En La Ribot, la desnudez responde a la constante indagación del acercamiento al cuerpo, como ya lo hicieron en su momento los integrantes de la Judson Dance Theatre, Yvonne Rainer y Steve Paxton sobre todo, en los años 60, tan representativo de la danza posmoderna estadounidense. La desnudez de La Ribot impulsa la danza de la inmovilidad. También interesante resulta el paralelismo entre la relación que establece La Ribot con los objetos en sus Piezas distinguidas, y los ready made de Marcel Duchamp (1887-1968). En este sentido, los objetos que tienen un uso común, son descontextualizados y contextualizados a través de otros medios, lo cual hace que se conviertan en obra de arte. Los objetos que se van repitiendo en sus piezas, como sillas de madera o cartones escritos, son como herramientas de escritura para el cuerpo en la creación coreográfica. Implican la perpetuación de los objetos desafían lo efímero de la danza. La Ribot establece el mismo nivel para objetos, textos, canciones, el cuerpo desnudo, acciones, espacios y la danza como lenguaje. Nada es más importante que el resto. DEE

49


La Ribot 2000

Característico de las piezas de La Ribot es la quietud, la danza clásica como lenguaje expresivo de su cuerpo, la fragmentación, el juego con los objetos, el humor, el suelo, el llanto y la caída. La Ribot es siempre cosmopolita y sugiere una forma de trabajo más cercano a la del escultor o pintor que a la del bailarín. Danza, artes plásticas y dispositivo escénico. Tres elementos que entrelaza de una manera siempre admirable. En relación con el tratamiento del humor, las piezas de La Ribot adquieren un compromiso de mensaje directo al espectador y en muchas ocasiones el humor es de vital importancia. Por ello, recuerda a la corriente de principios del siglo XX: Dadaísmo. En Dadá el humor es una herramienta que devuelve la vitalidad, anula las jerarquías y el artista no pierde su distinción. “No hay más representación, sólo presentación. No hay más magia, sólo realidad. No hay más sorpresas, sólo percepciones variables. No hay más declaraciones, sólo ambigüedad. No hay más estabilidad, sólo desequilibrio. No hay más teatralidad, sólo plasticidad.” La Ribot. Londres, Septiembre de 1999. (La Ribot, 2002: 30). El trabajo de La Ribot es enigmático y siempre imponente sobre la escena. Artista fascinada por la imagen y el cine, sus trabajos de cámara mayoritariamente consisten en una toma única donde el montaje se da a través del movimiento. Para La Ribot la cámara es una extensión de los sentidos. La imagen en movimiento es consecuencia de la cámara en movimiento, con la

50

La Ribot se vende

diferencia de que la cámara no se ve; sí los movimientos. Los vídeos de La Ribot nos transportan atrás en el tiempo, a Study in Choreography for Camera, 1945, de Maya Deren (1917-1961), considerada madre del cine underground en Estados Unidos. La Ribot es una artista que se ha distinguido por ser capaz de crear una nueva escritura coreográfica, cuestionando los límites espaciales, temporales y conceptuales de la danza. Se puede decir que es una de las artistas más representativas de la nueva danza europea, también nombrada como danza experimental, danza conceptual, no-danza o danza minimalista. En este sentido, La Ribot ha sentido siempre el impulso de despojar a la danza de sus accesorios; de ahí que sus creaciones jueguen únicamente con el cuerpo desnudo y los objetos. Con su obra, La Ribot nos ha ido enviando mensajes críticos de la sociedad en la que vivimos. Destaca, y rescato, su gran apuesta por la acción real, más que por el movimiento. Sus Piezas distinguidas demuestran su gran valor como proyecto artístico interdisciplinar. Ha sido capaz de concebir y desarrollar un nuevo lenguaje coreográfico donde se han cuestionado los límites conceptuales de la danza.


CRÍTICA → Frágil

Frágil Por Paloma Sainz-Aja

Mercedes Pedroche Artificios y leopardos 36º Festival Madrid en Danza Teatros del Canal. Sala Negra, Madrid 20 de Mayo de 2021 Artificios y leopardos

Dirección, textos, coreografía e interpretación: Mercedes Pedroche. Asistente de dirección: Martina Novakova. Mirada externa: Pablo Messiez. Espacio sonoro original: Vidal, Borja Ramos. Escenografía y vestuario: Mercedes Pedroche. Diseño Iluminación: Cía. De la Luz. Iluminación y coordinación técnica: Inés de la Iglesia. Concepto escénico: Mercedes Pedroche, Felipe Caicedo. Mercedes Pedroche lleva años demostrándonos que su trabajo es firme y convincente. Artificios y leopardos es la pieza que presenta en el festival de danza madrileño en su 36 edición. La Sala Negra de los Teatros del Canal se llena con este solo de movimientos precisos que evidencian un perfecto dominio corporal en un espacio escénico limpio y ordenado. A través de una poderosa música original que va llenando el alma, Mercedes Pedroche se mueve como un leopardo enjaulado, con toda su potencia física, con toda su belleza, pero encerrada ente dieciséis pies de micrófono situados exactamente a la misma distancia unos de otros dibujando una matriz cuadrada. Al lado de cada uno de ellos descansan un bote de talco, unas rodilleras y una botella de agua, elementos todos ellos que adquieren gran protagonismo por culpa de la muy acertada iluminación, que ofrece poesía y quietud sobre el escenario. La propuesta de Pedroche es majestuosa a través de una idea que ella misma nos traslada. Qué pasaría si, un buen día, comenzaras a vivir tu vida desde el prin-

cipio, con los mismos pensamientos, el mismo dolor, el mismo placer, todo igual. Vivir las mismas sensaciones una y otra vez. Inspirada en El mito de Sísifo de Albert Camus y el amor fati de Nietzsche, Artificios y leopardos hace reflexionar al espectador. En el ensayo de Camus, Sísifo representa el esfuerzo incesante e inútil del hombre. Quizá la vida del hombre es insignificante y no posee más valor que el que cada uno le da o cree que tiene. La capacidad de elección del hombre frente a su propia existencia. A través de ese momento mágico en el que se inicia una danza improvisada entre Pedroche y una persona del público, la pieza, también hace sentir. Pedroche lo consigue. Consigue introducir al espectador en la obra, haciéndolo partícipe de sus reflexiones. Consigue con facilidad que nos sintamos libres. Y, ante todo, consigue hacernos ver que, a pesar de la imagen de fortaleza que refleja un leopardo, a pesar de que uno pueda subir la montaña con la piedra cargada una y mil veces, uno se puede sentir sumamente frágil únicamente por verse atrapado. Pero ella consigue romper esa matriz perfecta y cuidadosamente dispuesta, y alcanzar la libertad. Y si en ¡Danzad, danzad malditos! de Sidney Pollack la miseria se convierte en humillante espectáculo, sin duda Pedroche consigue con la danza todo lo contrario, romper con esa vida encerrada en una jaula, haciendo que el público baile libremente en el escenario bajo la fuerza de una Janis Joplin en los oídos, que viene que ni pintada como cierre del espectáculo. DEE

51


Arte e Historia de las Castañuelas I Parte Introducción. Prehistoria y Edad Antigua (I) Por Teresa Laiz

Las castañuelas primitivas se encuentran en todos los continentes, incluso todavía hoy se usan en algunas de sus antiguas formas (Portugal, India, Filipinas, etc.). Sin embargo, en España es donde más han evolucionado, quizás debido a su riqueza folklórica. A diferencia de otras civilizaciones donde los dos elementos estaban sueltos, en la crúsmata ibérica iban sujetos por un cordón pasado a través de agujeros. Con la aparición de las orejas (parte superior de la hoja donde están los orificios para pasar el cordón), a finales del s. XVIII, las castañuelas se fijarán en el pulgar, hasta entonces colocadas en el dedo corazón (forma habitual para bailar la jota) o sujeta por una cuerda a los tres dedos de la mano o cogidas con la mano

52

como pasa con los crótalos. Al estar sujeta al pulgar, se tienen los cuatro dedos restantes de la mano con los que poder tocar y lograr un mayor virtuosismo. Debido al nuevo modo de fijación en el dedo pulgar y al auge que tomó la seguidilla más la aparición del bolero, se empiezan a perfilar los bailes de la escuela clásica española. Hacia 1740, el bolero accede a los salones elegantes. Es cierto que el bolero, como las demás danzas españolas, tomó con el paso de los años nuevas formas creándose nuevos pasos y figuras, pero la danza bolera siempre se baila con castañuelas desde entonces.


ARTÍCULO → Arte e Historia de las Castañuelas

Bolero. Grabado s. XVIII. Museo Municipal de Madrid.

Los avances del siglo XVIII hacen un siglo XIX fructífero y el siglo XX lleva las castañuelas a su perfección técnica. En la actualidad, se sigue acompañando con castañuelas la danza folklórica, la danza barroca, la escuela bolera, la danza clásica española o estilizada y algunos palos del flamenco, pero son las castañuelas de concierto las que están tomando protagonismo en nuestro siglo. PREHISTORIA Y EDAD ANTIGUA Los orígenes de la castañuela se remontan a la prehistoria. Es lógico pensar que fue uno de los primeros instrumentos musicales creados por el hombre para acompañar al baile, siendo éste de carácter rítmico y uno de los medios de expresión artística más primitivos. Nace del chasquido de dos piedras. Es un idiófono, o sea, un instrumento que suena por sí mismo.

Castañuela del Cromañón

El precedente más antiguo de lo que hoy conocemos como castañuelas se sitúa en el Paleolítico, y fue hallado por arqueólogos rusos entre 1952 y 1964 en Mezin, Ucrania. Se trata de unos brazaletes formados por aros de marfil, los cuales, al chocar entre sí, producen un sonido armonioso, que probablemente fueron utilizados para acompañar las danzas rituales del hombre de Cromañón. Posteriormente, podemos encontrar testimonios del uso de este tipo de instrumentos en las civilizaciones egipcia, china, cartaginesa o griega.

Castañuelas egipcias (580-1090 a.C.) Museés Royaux d’Art et d’Histoire.Bruselas.

Terreñas DEE

53


Flautista y bailarina con crótalos.Pintado en un plato. (600 a.C.) British Museum.Londres. Dionisio está tocando una lira, dos sátiros están bailando y llevando el ritmo con sus crótalos (krotala). Los sarmientos de vid adornan la escena. Figuras sobre cerámica griega de Ática pintadas en rojo, atribuída al pintor Brigos. 500-450 a.C.

En excavaciones realizadas en Egipto se han encontrado ánforas pertenecientes al año 3.000 A.C. en perfecto estado de conservación debido al clima seco y hermético de las tumbas. Están decoradas con escenas de hombres y mujeres que danzan llevando en la mano dos palos levemente torcidos: la más primitiva de las castañuelas. Con resonancias eróticas … Durante las ceremonias religiosas y fiestas en honor a Isis y Baco, se tocaban unos instrumentos en forma de falo. De hecho esos instrumentos serían pronto calificados de “Krotalon”, del griego “Krotos”, que significa ruido. Por otro lado, hemos de considerar que en ninguna de las traducciones de la Biblia aparece dicho instrumento. Sólo en la versión inglesa “Revised Standard”, figura una sola vez la palabra hebrea “Menaaeim”, traducida respectivamente en inglés por “castanets”, con el vocablo “sistra” al margen (del latín “sistrum”: badajo, matraca), aunque es presumible que después de la segunda destrucción del templo, al prohibirse toda intervención de instrumentos musicales, en el culto de Jehová, de haber existido la castañuela en cualquiera de sus formas, hubiera desaparecido definitivamente.

54

KROTALON. Cerámica griega. Krótalos. Grecia. S. V a.C. Terracota


La tira de Fredy Rodriguez

LITERATURA INFANTIL

Cuentos de Danza y Música Inés Turmo Moreno Carlos González Martínez

La historiadora y bailarina Inés Turmo Moreno se reúne con el músico e investigador Carlos González Martínez para crear una serie de cuentos infantiles sobre la historia de la Música y de la Danza en España. La colección, que por el momento comprende tres títulos (Petronila no sabe bailar pero el trovador le va a enseñar, La princesa aragonesa enseña la pavana en la corte inglesa y Nebra corre al carnaval de los Caños del Peral) pretende acercar al público infantil a la Danza Histórica y a la Música Antigua, basando sus historias en personajes célebres y ornamentando el discurso con comedia, rimas y maravillosas ilustraciones.

Cuentos de Danza y Música Inés Turno Moreno y Carlos González Martínez La historiadora y bailarina Inés Turmo Moreno se reúne con el músico e investigador Carlos González Martínez para crear una serie de cuentos infantiles sobre la historia de la Música y de la Danza en España. La colección, que por el momento comprende tres títulos (Petronila no sabe bailar pero el trovador le va a enseñar, La princesa aragonesa enseña la pavana en la corte inglesa y Nebra corre al carnaval de los Caños del Peral) pretende acercar al público infantil a la Danza Histórica y a la Música Antigua, basando sus historias en personajes célebres y ornamentando el discurso con comedia, rimas y maravillosas ilustraciones.

Dalila en Baile de Máscaras y Las siete familias del Ballet (juego pedagógico) Mila Ruiz y Milla Bioni NPQ Editores Este cuento infantil, primero de una serie que se escribirán con temática de ballet y danza, se publica para crear una colección de literatura infantil y juvenil desde la Casa de la Danza. Es un cuento escrito por la riojana Mila Ruiz y muy bien ilustrado por la maravillosa ilustradora brasileña Milla Bioni. Un cuento para ser leído por los padres pero que no caduca y que seguirá despertando el interés en los jóvenes estudiantes de danza que ya saben leer. Se puede conseguir en la propia editorial o enviando un email a casadanza@casadeladanza.com Recordando los famosos juegos de cartas de las familias, también desde la Casa de la Danza, se produce este atractivo juego aprendiendo detalles de la Historia del Ballet. Un juego indicado para todos aquellos estudiantes jóvenes que practican ballet. Se puede jugar en familia. Cuenta con unas ilustraciones preciosas del ilustrador colombiano Xavier Ruiz. Se puede conseguir en:casadanza@casadeladanza.com

Colorea la danza Isa Bascuñana Ediciones Andanzas Colorea la danza, es un libro para colorear que hace un recorrido por la historia de la danza. Cuenta con ilustraciones de danza española, clásica y moderna. Los niños y niñas se entretendrán coloreando y al mismo tiempo conocerán bailarines y obras; diferenciarán estilos de danza y apreciarán la evolución de la danza y del vestuario a lo largo del tiempo. Colorear la danza cuenta con un índice de ilustraciones donde el lector podrá consultar quienes son los bailarines que aparecen retratados, e información esencial sobre las coreografías existentes. DEE

55


D.I.D. 2021 y XVIII ANIVERSARIO CDE LA CASA DE LA DANZA Actividades

Por Danza En Escena

Celebrar un aniversario siempre es motivo de alegría. En este caso celebramos 18 años de la apertura de la Casa de la Danza en Logroño, su mayoría de edad. Realmente un hito histórico dada la poca relevancia que la Danza tiene en nuestro país. Estoy seguro de que muchos nunca pensaron que esta criatura, nacida del entusiasmo y la necesidad de dar visibilidad a la danza, llegaría a cumplir estos hermosos inviernos. Inviernos porque fue un mes de febrero cuando el entonces Alcalde de Logroño, Don Julio Revuelta cortara la cinta y abriera la puerta de la primera Casa de la Danza de España. Dieciocho años después seguimos siendo la única Casa de la Danza dedicada a la difusión de este arte en toda España. Para la ocasión se programaron diversos actos que de manera constante se han ido presentando a los medios de comunicación de la región, a uno o dos por mes. Hemos sido capaces de llevar una exposición de Fredy Rodríguez “Los 32 fouettés me dan risa” de norte a sur de La Rioja. También, en colaboración con el proyecto “Mujeres en el Arte en La Rioja” presentamos una exposición de gran formato de bailarinas del mundo. Una colección de 11 lienzos de gran tamaño obra del pintor Luis Guinea Escudero (Luisón). Todo esto ha sido posible gracias a la colaboración establecida con la Fundación Bankia La Merced. En tema de exposiciones también hemos celebrado el arte flamenco. Los “21 Flamencos para el siglo XXI”

56

desde el patio interior de la Biblioteca de La Rioja, han sido un punto de descubrimiento para muchos visitantes y con ello hemos mostrado un ramillete de grandes del flamenco. Ha sido un semestre cargado de actividades. Se han presentado libros en diferentes espacios de la ciudad. De la mano de Alicia Gómez Linares se presentó la trilogía “Historia de la Danza Contemporánea en España” editada por la Academia de las Artes Escénicas de España. Una maravillosa recopilación histórica desde los últimos años de la dictadura hasta nuestros días. Entrañable y emocionante fue la presentación del primer cuento infantil, con temática de danza, escrito por una riojana, Mila Ruiz, e ilustrado por la brasileña Milla Bioni y que fue presentado en la Biblioteca de La Rioja, unos días después también en la Biblioteca Rafael Azcona. Un acto en el que además se presentó un juego pedagógico basado en el famoso juego de las familias. Su título “Las 7 familias del Ballet” con ilustraciones del artista venezolano Xavier Ruiz. Es sin duda alguna el primer paso de este nuevo camino en la vía de la edición y creación de literatura y juegos, con temática especifica de danza, para la infancia.


ARTÍCULO → Actividades Casa de la Danza

Ilustraciones de "Las 7 familias del ballet"

El Día Internacional de la Danza nos pilló en plenas celebraciones. Fruto de una campaña de difusión internacional pudimos conseguir 16 donaciones que se tradujeron en 16 nuevos árboles plantados en el Bosque de la Danza de Logroño, en su XII aniversario. Un acto al que acudió el mismísimo Alcalde de Logroño acompañado de miembros de todos los partidos políticos que componen el Consistorio. Hubo palabras amables y agradecidas, entusiastas y animadoras que son de agradecer. Fue, en suma, un acto muy sencillo en el que contamos con la voz del tenor Antón Armendáriz y un grupo de bailarines de la Asociación Riojana de Swing. La pandemia COVID19 nos lo puso difícil para realizar todos los actos previstos y algunos se han quedado pendientes. Para el segundo semestre del año tenemos la presentación del libro “La Escuela Bolera Sevillana, la familia Pericet” de Marta Carrasco, la inauguración de una exposición de trajes, bocetos y fotografías

del diseñador navarro Iñaki Cobos, la entrega de los cuatro galardones “Amigos de Honor” de la Casa de la Danza, el cursillo de ballet clásico para el mes de julio, que será impartido por la maestra Anael Martín y la ex bailarina solista de la CND Aída Badía, y ya para terminar el año, en el mes de diciembre, tendremos la III Gala Biloba, con el apoyo de la Consejería de Educación Cultura y Deporte del Gobierno de La Rioja, en la que entregaremos el galardón a la pareja de bailarines compuesta por Filipa de Castro y Carlos Pinillos, Primeros bailarines de la Compañía Nacional de Bailado de Portugal y para la que contaremos con un nutrido grupo de primeros bailarines que acompañarán a los galardonados. DEE

57