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China Taiwán Hong Kong


1. Introducción al cine de China, Hong Kong y Taiwán

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2. El cine de la China continental

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2.1 La Quinta Generación

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Zhang Yimou · Chen Kaige · Tian Zhuangzhuang 2.2 La Sexta Generación

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Jia Zhangke · Otras películas y directores 2.3 Otros directores

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Feng Xiaogang · Jiang Wen

Índice

2.4 Otras películas disponibles en la Mediateca de Casa Asia

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3. Cine de Taiwán

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3.1 La Nueva Ola del cine de Taiwán

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EdwardYang · Tsai Ming-liang · Hou Hsiao Hsien 3.2 Nuevas generaciones en el cine de Taiwán Taipei 21 · The Most Distant Course 3.3 Otros directores

China Taiwán Hong Kong

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Chu Yen-ping · Ang Lee 3.4 El cine de la Diáspora

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Wayne WANG 3.5 Otras películas disponibles en la Mediateca de Casa Asia

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4. Cine de Hong Kong

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4.1 Cine clásico de Hong Kong

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King Hu · Inoue Umetsugu 4.2 Primera Ola del cine de Hong Kong

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Tsui Hark · Yim Ho · Ann Hui 4.3 Segunda Ola del cine de Hong Kong

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Clara Law · Stanley Kwan · Laurence Lau · Wong Kar-Wai 4.4 Cine independiente

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Fruit Chan · Keneth Bi 4.5 Nuevos directores del cine de Hong Kong

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Derek Kwok · Wong Ching-Po · Stephen Fung · Edmond Pang 4.6 Géneros cinematográficos

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John Woo y el heroic bloodshed · Stephen Chow y la comedia hongkonesa · El noir hongkonés (Johnnie To · Wilson Yip · Stanley Kwan · Derek Yee) 4.7 Otros directores y productores

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Joe MA · Peter CHAN 4.8 Otras películas disponibles en la Mediateca de Casa Asia

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China Taiwán Introducción al cine de China, Hong Kong y Taiwán Aunque políticamente unidas por un mismo país, el cine de China, Hong Kong y Taiwán tiene, tradicionalmente, escasos puntos en común. El control gubernamental del cine chino no puede compararse con la libertad de creación del cine taiwanés, ni con la comercialidad del que antaño fuera el Hollywood de Oriente: Hong Kong. Aun así, los nuevos tiempos de expansión global nos traen trabajos en los que no es extraño ver a las tres cinematografías uniendo fuerzas para realizar superproducciones de explotación internacional. La gran mayoría de estas películas se producen en mandarín, a diferencia de las realizadas actualmente en Hong Kong, que suelen ser en cantonés. Las películas continentales suelen doblarse cuando se proyectan en Hong Kong. Taiwán, donde también se habla predominantemente el mandarín, constituye uno de los principales centros de exportación para la producción cinematográfica de la China continental.

Hong Kong

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Del cine chino se conoce únicamente la punta del iceberg. Es fácil confundir esta cinematografía con la producción de cine de autor que se ve en festivales de todo el mundo, o con aquellas producciones que, gracias a su componente artístico y exótico, han traspasado las fronteras de Occidente. Pero lo que realmente se estrena en Occidente sólo equivale a un 1,49% de toda la producción china anual. Pongamos un ejemplo: en el año 2007 la industria del cine en China obtuvo un récord histórico con 402 películas producidas; pues bien, sólo 6 se estrenaron en España. Sin embargo, si bien el número de producciones nos aleja, hay dos datos que nos acercan “relativamente” a China: 1- durante cinco años consecutivos ha aumentado la producción de películas chinas; en España, año tras año, crece también el número de películas chinas estrenadas, y 2- analistas del gobierno chino coinciden en que sólo una minoría de grandes producciones, realizadas por nombres conocidos en China e internacionalmente como Zhang Yimou o Chen Kaige, representaron la mayor parte de los ingresos de la taquilla; en España, de las cerca de 40 películas chinas estrenadas desde 1988 hasta 2008, un 40% fueron de estos mismos directores. Aun así, China es un país afortunado dentro de Asia: Corea del Sur ha despertado y, sin embargo, no se estrenan sus películas en nuestras pantallas; por otro lado, sólo una mínima parte de películas indias llega a nuestro país, y Hong Kong, pese a haber vivido una época de esplendor durante los años 80, actualmente su producción ha caído drásticamente. En esta guía, repasaremos las principales olas cinematográficas que ha vivido China: pasando por la Quinta Generación con Zhang Yimou y Cheng Kaige a la cabeza, abordaremos la llamada Sexta Generación, con Jia Zhangke como su máximo exponente y algunas otras obras de significativa importancia, y acabaremos con algunos nombres de directores que, aunque no enclavados en ninguna de las generaciones mencionadas, sí son de relevancia en el actual panorama del cine chino (Feng Xiaogang y Jiang Wen).

El cine de la China continental

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La Quinta Generación

A mediados de los años 80 surgieron, provenientes de la recién restaurada Academia de Cine de Pekín, una generación de directores rebeldes, antisistema y en contra de la ya casi extinta “revolución cultural”, críticos con ciertas realidades de la tradición china y, sobre todo, con una estética visual rompedora. En 1988 una modesta producción china titulada Sorgo rojo se alzaba con el Oso de Oro del Festival de Berlín. Ése fue el inicio de todo: el descubrimiento de una cinematografía a la que no habíamos tenido acceso hasta ese momento y el nacimiento de una nueva ola de directores que configuraban un nuevo panorama artístico que desafiara las convenciones, tanto en el plano político (enfrentándose en muchas ocasiones a la censura a través de historias con un alto contenido metafórico), como en el estrictamente creativo, mediante la modernización de un sistema fílmico nacional. El color se convirtió en la base constitutiva de todo un sistema autoreferencial cargado de simbología que, al mismo tiempo, sirvió para introducir al espectador en una perturbadora experiencia profundamente sensitiva y emocional. Se le denominó plastic expression y se encontraba presente en las dos películas fundacionales del movimiento, Tierra amarilla (1984) de Chen Kaige y Sorgo rojo (1987) de Zhang Yimou. Pronto, tanto Kaige como Yimou, se convirtieron en los estandartes de este nuevo cine chino que se abría paso en Occidente sin dificultad, gracias a la aceptación inmediata por parte de la crítica especializada y a su consideración en el seno de los más grandes festivales internacionales.

Tierra amarilla (Chen Kaige, 1984)

Sorgo rojo (Zhang Yimou, 1987)

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ZHANG Yimou La casa de las dagas voladoras (Zhang Yimou, 2004)

Es quizá el mayor exponente de la llamada Quinta Generación y el director chino más reconocido internacionalmente y el más alabado en su país (no en vano fue el director de la espectacular ceremonia de inauguración de los últimos Juegos Olímpicos celebrados en Pekín). Sus primeras películas oscilan entre cuatro ejes que generan los conflictos de sus historias: la tradición, la tierra, el deseo y la muerte. Pero si algo ha caracterizado a este realizador es su capacidad para mutar y adaptarse sin aparente dificultad a cualquier tipo de estilo, cosa que ha expresado en múltiples ocasiones: la necesidad de reformularse a sí mismo, de ensayar nuevos géneros. Así, en él hemos visto desde la tradición e inmovilidad de Sorgo rojo o el impresionante retablo histórico-fílmico que es ¡Vivir!, a la movilidad, cámara en mano, utilizada en Keep Cool, fomentando poco más tarde el renacimiento del wuxia, con films como Hero o La casa de las dagas voladoras y alcanzando el pleno barroquismo esteticista con la más reciente La maldición de la flor dorada.

La linterna roja Año: 1991 Con: Gong Li, He Caifei, Cao Cuiden Género: Drama

Ni uno menos Año: 1999 Con: Minzhi Wei, Huike Zhang, Zhenda Tian Género: Drama

Tras la muerte de su padre, una joven de 19 años es forzada a casarse con el señor de una poderosa familia: un hombre de 50 años que ya tiene tres esposas, cada una de las cuales vive en una casa independiente dentro de un gran palacio. La linterna roja consiguió el León de Plata en el Festival de Venecia de 1991, una película donde el peso de la tradición alcanza su grado máximo de representación y opresión en la pantalla.

Esta es la historia de Wei, una joven de 13 años en un pueblo rural, que realiza las labores de profesora durante la ausencia del maestro titular. Wei percibirá una remuneración cuantiosa si a la vuelta del profesor Gao, ninguno de los 28 alumnos que tiene la clase ha abandonado sus estudios. Cuando uno de ellos decide buscarse la vida en la gran ciudad, Wei iniciará una incansable persecución para llevarle de vuelta. Con actores no profesionales, Yimou nos muestra de manera realista y casi documental la pobreza y el analfabetismo de la vida rural y las grandes diferencias económicas y culturales de China.

Hero Año: 2002 Con: Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung, Zhang Ziyi Género: Wuxia Si hay un género por excelencia en la cinematografía popular china, ése es el wuxia: películas de época, en las que se escenifican combates, ya sea cuerpo a cuerpo (artes marciales) o con armas blancas (sobre todo espadas). Tras el éxito de Tigre y Dragón de Ang Lee, Yimou le sigue a la zaga y realiza Hero, en la que mezcla comercialidad y cine de autor con tanto acierto que transforma una simple aventura en verdadera épica, y logra conectar con las audiencias de todo el mundo ofreciendo un espectáculo visual y auditivo sublime y poético.

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La búsqueda (Riding Alone for Thousand of Miles) Año: 2005 Con: Ken Takakura, Shinobu Terajima, Jiang Wen, Jiamin Li Género: Drama Vuelve Yimou a sus territorios temáticos de siempre, a la exploración de los sentimientos humanos y a la filmación casi documental de la realidad que acompaña a los personajes. La búsqueda es la historia de un japonés, un pescador que debe expiar las culpas del pasado ante su hijo, antes de que éste muera. Para ello, se embarcará en un viaje a una cultura desconocida pero emergente. Deberá desplazarse a la provincia china de Yunnan para concluir el sueño inaca-bado de su hijo Kenichi y lograr así su perdón.


CHEN Kaige

TIAN Zhuangzhuang

Es uno de los primeros exponentes de la Quinta Generación de cine chino. Su primera película, Tierra Amarilla (1984), rodada con Zhang Yimou como director de fotografía, fue una de las mayores influencias para posteriores generaciones por su calidad visual y la forma elíptica de su narración. En 1993, Kaige consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su película más conocida internacionalmente: Adiós a mi concubina. Se dice de Chen Kaige que en su adolescencia, en plena Revolución Cultural, se vio obligado a delatar a su propio padre y ese hecho lo marcó de por vida, siendo las relaciones padrehijo (profesor-alumno; maestro-discípulo; etc.) uno de los temas principales de sus películas (El rey de los niños, Life on a String, Together). En el año 2005 el director también fue tentado por el glamour del wuxia y realizó La promesa, un film donde la parafernalia visual y los efectos digitales desbordaron una historia que prometía mucho más. Eso sí, la majestuosidad que Kaige impregna a sus trabajos sigue intacta. Tierra amarilla Año: 1984 Con: Wang Xueqi, Xue Bai, Liu Quiang Género: Drama Chen Kaige afirma que el arte y el comercio no son contradictorios, y pone como ejemplo esta Tierra amarilla, título emblemático de la Quinta Generación que narra la odisea de un soldado comunista enviado al “campo” en plena Revolución Comunista para recoger canciones populares que ensalcen el espíritu revolucionario. Pero no existen, la realidad es mucho más dura, y en el seno de una familia campesina descubrirá cuáles son los verdaderos cantos de la población rural: canciones sobre lo duro del trabajo y sobre el sufrimiento. Adiós a mi concubina Año: 1993 Con: Leslie Cheung, Zhang Fengyi, Gong Li, Lu Qi Género: Drama romántico Su obra más conocida en Occidente, Adiós a mi concubina fue nominada a dos Oscar y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Adaptación de la novela homónima de Lilian Lee, la película cuenta la historia de dos actores de la Ópera de Pekín, la de la mujer que se posicionará en medio de ambos y a la vez, en paralelo, la propia historia política y social durante décadas de cambio de la China del siglo XX. 10

Nacido en China en 1952, Zhuangzhuang perteneció a la Quinta Generación de directores chinos (compañero de Zhang Yimou en la Academia de Cine de Pekín). Sus comienzos como operador de cámara dejaron paso a títulos como El ladrón de caballos o La cometa azul, que retrataban de forma fiel, casi de manera documental, muchas de las realidades de su país. Prolífico en los años 80, en los 90 Tian se posicionó tras las cámaras donde ejerció las veces de productor y de mecenas de algunos de los artistas que luego fueron reconocidos en la llamada Sexta Generación de directores chinos. Sus últimas producciones, Primavera en un lugar pequeño o The Go Master, nos devuelven al Tian Zhuangzhuang de los inicios, pero con historias más intimistas y personales.

The Blue Kite (La cometa azul) Año: 1993 Con: Tian Yi, Zhang Wenyao, Chen Xiaoman, Lu Liping Género: Drama Una de las películas representativas de la Quinta Generación, censurada por parte de las autoridades chinas por su crítica social y política. La cometa azul describe las penalidades de una familia en Pekín, y también las de sus vecinos y amigos, quienes, durante las décadas de los años 50 y 60, tuvieron que vivir y sufrir un período especialmente turbulento y agitado, tanto política y como socialmente. El ladrón de caballos Año: 1986 Con: Daiba, Dan Jiji, Drashi, Gaoba Género: Drama

Primavera en un lugar pequeño Año: 2002 Con: Hu Jingfan, Wu Jun, Bai Qing Xin Género: Drama romántico Una de las películas más intimistas del director, donde los espacios cerrados y sofocantes sirven de descripción perfecta para las almas de sus protagonistas. En 1946, en un pequeño pueblo al sur de China la primavera está al caer, y al igual que florece la naturaleza, sentimientos enterrados surgirán en el seno de una familia cuando llegue un visitante del pasado: amor, pasión, lujuria… todo se pondrá en juego para cuestionar el significado de la amistad, el honor y la confianza.

La segunda película de Tian Zhuangzhuang, después de On the Hunting Ground (1984), es un reflejo de la realidad filmada que describe la obra de este director. Rodada en los remotos bosques del Tíbet, nos cuenta la historia de Norbu, un pobre montañés que se ve obligado a robar un caballo para mantener a su familia. Cuando se descubre su delito, expulsan a la familia de la tribu, lo que les lleva a un duro peregrinaje por las nevadas montañas. Todo un espectáculo de fotografía y color, rodado en tono semidocumental y con actores no profesionales. Una magnífica película.

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La Sexta Generación

Con la Quinta Generación llegando al final de su reinado, una nueva hornada de cineastas despuntaba en la Academia de Pekín: la de aquellos alumnos graduados que debutaron tras las cámaras entre 1993 y 1995. Rebeldes, eclécticos y antisistema, estos directores conformaron lo que pasó a llamarse la Sexta Generación de directores chinos que, a diferencia de la anterior, presenta una perspectiva más individualista y antiromántica, y presta más atención a la vida urbana contemporánea. Muchas de sus películas reflejan la desorientación y los aspectos más negativos de la incorporación de China al sistema capitalista moderno. Rodadas de forma rápida y barata, con tomas largas, cámaras en mano y sonido ambiente (lo que produce una sensación de documental), la producción de la Sexta Generación se parece más al cinéma vérité que al cine ornamentado de sus antecesores. Muchas de estas películas son producciones conjuntas, en ocasiones financiadas por productoras extranjeras. Algunos directores y sus obras más representativas son Wang Xiaoshuai (La bicicleta de Pekín), Zhang Yuan (Beijing Bastards, East Palace, West Palace), Jia Zhangke (Xiao Wu, Unknown Pleasures, The World, Naturaleza muerta) o Lou Ye (Suzhou River).

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JIA Zhangke

Jia Zhangke es uno de los realizadores más significativos del panorama independiente chino actual y por tanto el máximo exponente de la Sexta Generación. No hay trabajo suyo que no se proyecte en algún festival internacional importante, y muchas de sus obras han ganado premios tanto en Oriente (Festival de Pusán, Asian Film Awards), como en Occidente (Festival de Cannes, Venecia o Berlín). Con menos de una decena de largometrajes de ficción y varios documentales, su obra supone una lúcida aportación sobre los cambios que tienen lugar en el mundo globalizado y sus efectos. Son películas profundamente contemporáneas, que intentan retratar las mutaciones de la sociedad china al mismo tiempo que se producen. Después de sus primeras tres películas rodadas en su ciudad natal y tachadas por la crítica de demasiado localistas (Pickpocket, Platform y Unknown Pleasures), Zhangke se lanza al mundo con The World, obra que le abre las puertas del mainstream de la industria del cine chino, a la vez que le conduce directo al centro del panorama internacional del cine (ganó el León de Oro en el Festival de Venecia en el 2004). De aquí, al estrellato.

Placeres desconocidos Año: 2002 Con: Wei Wei Zhao, Wu Qiong, Tao Zhao, Qing Feng Zhou Género: Drama/Comedia En la ciudad industrial de Datong, China, dos amigos en paro, Xiao Ji y Bin Bin, pasan el rato fumando cigarrillos y paseando en motocicleta. En un mundo cada vez más cambiante, los dos amigos, incapaces de afianzar sus relaciones sentimentales y su lugar en el mundo, tendrán que tomar una decisión sobre sus vidas.

The World Año: 2004 Con: Tao Zhao, Chen Taisheng, Jing Jue, Jiang Zhong-wei Género: Drama The World está ambientada en el parque temático World Park de Pekín, que recrea monumentos turísticos de cualquier lugar del mundo: es un espacio ‘falso’, descontextualizado, en el que se nos muestra a seres ‘reales’, sobreviviendo e intentando desarrollar sus vidas. Jia Zhangke nos muestra con The World una metáfora de lo que el capitalismo moderno puede traer consigo: la destrucción de las identidades dentro de un mundo universal de cartón piedra, el mundo de la mercantilización.

Naturaleza muerta Año: 2006 Con: Tao Zhao, Lan Zhou, Han Sanming, Ma Lizhen Género: Drama romántico A través del seguimiento de las distintas fases de construcción de la presa de las Tres Gargantas, somos testigos silenciosos de un paisaje que se difumina progresivamente ante nuestros ojos y en el que dos personajes irán en busca de sus orígenes, uno para sacarlo a la superficie, otro para sepultarlo para siempre. Naturaleza muerta es el tributo de Jia Zhangke a esa China olvidada y desguazada, nostalgia decrépita de un modelo sociocultural en ruinas, que está dando paso a la China del progreso y la industrialización.

Still life (Jia Zhangke, 2006)

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Otras películas y directores de la Sexta Generación La ducha Director: Zhang Yan Año: 1999 Con: Jiang Wu, Jiayi Du, Pu Quanxin Género: Drama

Zhang Yan es quizás el director más sencillo y humanista de todos los que conforman la Sexta Generación. Sus películas, aunque con el mismo afán de retratar la realidad china, muestran ciertas dosis de esperanza y a través de la comedia siempre ha acometido historias amables (quizá por ello se le ha acusado entre la crítica de director de ‘fácil consumo’). Como lo es La ducha, una comedia maravillosa, repleta de buenos sentimientos. Cuenta el regreso al hogar de Daming, el hijo mayor del señor Liu, quien regenta unos típicos baños públicos. Se trata del trabajo que ha hecho toda su vida, y que Daming no quiere seguir, razón por la que marchó a Pekín. La vuelta a casa le sirve para disfrutar de unos días inolvidables, con su padre y con Erming, un hermano retrasado mental a la vez que le hará enfrentarse con el futuro inminente y sus responsabilidades ante él. La película obtuvo un sinfín de premios, entre ellos la Concha de Plata al Mejor Director en el Festival de San Sebastián. La bicicleta de Pekín Director: Wang Xiaoshuai Año: 2000 Con: Cui Lin, Li Bin, Zhou Xun, Shuang Li Género: Drama El joven director Wang Xiaoshuai es uno de los más destacados de la Sexta Generación. Después de que sus primeras cuatro películas (The Days, Frozen, So Close to Paradise y The House) sufrieran las presiones (“secuestros”) de la Oficina China del Cine, pudo por fin mostrar su talento al mundo cuando La bicicleta de Pekín ganó el Oso de Plata y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín en 2001. Un drama bello y desgarrado donde dos adolescentes se disputan la posesión de una bicicleta moderna. Esta lucha de ambos sacará a relucir las contradicciones, necesidades y miserias de la sociedad china actual que se debate entre las tradiciones y los valores éticos ancestrales y el creciente materialismo consumista de una nueva sociedad capitalista.

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Suzhou River Director: Lou Ye Año: 2000 Con: Zhou Xun, Jia Jongshen, Hua Zhongkai Género: Drama romántico

El río Suzhou atraviesa Shanghai con su rastro de suciedad, caos y pobreza, pero también es un punto de encuentro de nostalgias y recuerdos: el recuerdo de un tiempo en el que los protagonistas fueron felices, quedando este sentimiento tan arraigado en sus interiores que casi se convierte en el único impulso motor que los empuja a seguir adelante. Lou Ye es uno de los directores más interesantes de principios de este siglo, con su particular forma de rodar (que deambula entre el “vídeo casero” y el documental o cinéma vérité). De nuevo, un director que retrata la megalópolis de Shanghai inmersa en el proceso de la globalización a través de una historia de amor loco. Blind Shaft Director: Li Yang Año: 2003 Con: Li Qiang, Wang Baoqiang, Wan Shuangbao Género: Drama Li Yang es uno de esos jóvenes directores perteneciente a la “generación urbana” (como también se llama a la Sexta Generación). Blind Shaft fue su sorprendente ópera prima y la película que con más saña, virulencia y sagacidad ha hurgado en la realidad china contemporánea. Es una película dura, un terrible dibujo de la corrupción, del aprovechamiento y de la picaresca por parte de todos sobre la buena voluntad de las gentes que vienen de las zonas agrícolas y que se desplazan hacia las zonas industriales y mineras. El último viaje del juez Feng Director: Jie Liu Año: 2006 Con: Li Baotian, Yang Yaning, Lu Yulai, Tingliang Li Género: Drama Merecedora del Premio Horizontes en el Festival de Venecia, El último viaje del juez Feng, filmada con la complicidad de actores no profesionales, es una mirada nostálgica y herida hacia una China con los días contados, la de las minorías étnicas, aquélla en la que por no pasar, ni pasó el progreso. En el cantón de Ninglang, en la provincia sureña de Yunnan, dos hombres y una mujer surcan a caballo caminos imposibles para impartir la justicia en pueblos remotos. Es un viaje por el presente que nos lleva a realizar un viaje al pasado. 17


Otros directores

FENG Xiaogang Sin duda, podríamos considerarlo el director comercial por excelencia del cine chino. Cada película suya es un éxito de taquilla de la China continental. Nacido en 1958, en Pekín, Feng Xiaogang queda anclado en medio de la Quinta y de la Sexta Generación. Comienza su andadura cinematográfica en 1993 con dramas y comedias urbanos, hasta que, en el año 2003, consigue uno de los éxitos más sonados de la cartelera china con Cell Phone. A partir de aquí, todo serán éxitos para este director al que podríamos considerar como el Steven Spielberg chino: en 2004 produce y dirige la cinta de acción A World without Thieves, en 2006 se atreve con una adaptación de Shakespeare, The Banquet, y en 2007 se corona definitivamente entre la crítica y la taquilla con The Assembly, proyectada en el BAFF ‘07 (Festival de Cine Asiático de Barcelona) en su sesión inaugural.

A World without Thieves Año: 2004 Con: Tian Yi, Zhang Wenyao, Chen Xiaoman, Lu Liping Género: Drama Presentada como film inaugural del Far East Film Festival de Udine (Italia) en 2005, A World without Thieves se convirtió en uno de los grandes éxitos en su país. La cinta, una road movie que acontece en un tren, narra la odisea de una pareja de ladrones de guante blanco que decide proteger a un pueblerino cargado de dinero que regresa a su ciudad natal de los ataques de los muchos ladrones que, como ellos, han cogido el mismo tren. Una verdadera joya. The Banquet Año: 2006 Con: Zhang Ziyi, Ge You, Daniel Wu, Zhou Xun Género: Histórica/Drama La épica marcial continúa reclutando realizadores entre los cineastas chinos de primera fila. A los que ya han recibido su bautismo en el género (Ang Lee, Zhang Yimou, Chen Kaige…) se les une ahora el realizador Feng Xiaogang, en una preciosa historia de amor, desamor y espadas. Una libre adaptación de Hamlet ambientada en la China del siglo X y protagonizada por la cada vez más internacional Zhan Ziyi.

The Assembly (Feng Xiaogang, 2007) The Banquet (Feng Xiaogang, 2006)

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JIANG Wen

Es el rostro por antonomasia del cine chino. El actor más reconocido y popular de su país y uno de los directores importantes de hoy día, además de productor y guionista. Nació en Pekín en 1963. Estudió interpretación en la Academia Central de Teatro. Poco después, comenzó su carrera en los escenarios de teatro y en el cine, donde se dio a conocer internacionalmente por su papel protagonista en Sorgo rojo de Zhang Yimou. Aunque ha ejercido su carrera sobre todo como actor, vale la pena resaltar sus trabajos como director, pues son una muestra representativa de buen cine: tras el excelente relato iniciático que supuso In the Heat of Sun (1994) ambientada en la Revolución Cultural, llegó después la archipremiada Los demonios en mi puerta (2000) y más tarde The Sun also Rises donde tuvo que lidiar con pesos pesados de la actuación como Joan Chen o Anthony Wong. Los demonios en mi puerta Año: 2000 Director: Jiang Wen Con: Jiang Wen, Jiang Yihong, Teruyuki Kagawa, Yuan Ding Género: Drama bélico Durante la ocupación japonesa de China, en un pequeño pueblo de campesinos el ejército deja bajo custodia a dos prisioneros. Se ordena al pueblo que los tenga bajo vigilancia hasta que los recojan el próximo año. Los líderes del pueblo se reúnen para interrogar a los prisioneros e intentar acomodarlos. De naturaleza expresionista y con una excelente fotografía en blanco y negro, la película está basada en un hecho real ocurrido durante la II Guerra Mundial. Llena de sarcasmo y ferocidad, el film recrea un espacio febril impregnado de violencia y miedo con una cámara que machaca como una ametralladora imágenes avasalladoras al borde de lo enfermizo. Una de las mejores películas dirigidas por Jiang Wen, sino la mejor. 20

Keep Cool Año: 1997 Director: Zhang Yimou Con: Ge You, Jiang Wen, Jiao Gang. Li Baotian Género: Comedia/Drama Keep Cool (Mantén la calma), se sitúa en la mitad de la carrera de Zhang Yimou como director y está basada en una novela de Shu Ping, autor también del guión de la película. A través del enfrentamiento entre un joven vendedor de libros (Jiang Wen) y un maduro ejecutivo (diferentes edades y clases sociales), nos damos cuenta también de las distintas Chinas que se dan con la entrada del capitalismo. Ritmo vertiginoso, cámara en mano, planos inclinados y estética pop son las raras características de esta película, unos recursos poco habituales en su director más cerca en esta ocasión del videoclip que de la narrativa pausada de La linterna roja. Green Tea Año: 2003 Director: Zhang Yuan Con: Jiang Wen, Vicky Zhao, Fan Lijun, Zhang Yuan. Género: Drama romántico Con la fotografía siempre impresionante de Christopher Doyle y la destacada interpretación de Vicky Zhao realizando dos papeles a la vez, Green Tea se degusta tranquila y reposadamente: el pobre Jiang Wen se verá atrapado entre la desenvuelta estudiante de máster Wu Fang con la que se encuentra de día y la desinhibida y provocadora Lang Lang, a quien ve en un bar por las noches. Nuestro protagonista está convencido de que es la misma persona, ¿será cierto? Carta a una mujer desconocida Año: 2004 Director: Jinglei Xu Con: Huang Jue, Jiang Wen, Jiao Huang, Lin Yuan Género: Drama Dirigida por un auténtico fenómeno de masas en su país, la también actriz y cantante Jinglei Xu, Carta a una mujer desconocida es la sensible adaptación de la novela de mismo nombre de Stefan Zweig, y que ganó la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián en 2004. La acción transcurre en Pekín en 1948, donde un hombre (Jiang Wen) recibe una misiva anónima de una mujer que dice haber estado enamorada de él toda su vida.

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Otras pel铆culas del cine de la China Continental disponibles en la Mediateca de Casa Asia La Quinta Generaci贸n Sorgo rojo (Zhang Yimou, 1987) JuDou (Zhang Yimou, 1990) Shanghai Triad (Zhang Yimou, 1995) El rey de los ni帽os (Chen Kaige, 1987) Life on a String (Chen Kaige, 1994) Together (Chen Kaige, 2002) The Go Master (Tian Zhuangzhuang, 2006) La Sexta Generaci贸n Xiao Wu / Pickpocket (Jia Zhangke, 1997) Platform (Jia Zhangke, 2000) Shanghai Dreams (Wang Xiaoshuai, 2005) A Sigh (Feng Xiaogang, 2000) Assembly (Feng Xiaogang, 2007) The Sun also Rises (Jiang Wen, 2007)

Assembly (Feng Xiaogang, 2007)


Cine de Taiwán

Taiwán se ha caracterizado siempre por un cine diferente de autor, con propuestas arriesgadas que no encajaban en los patrones de Hong Kong o de China, debido a la libertad política del país y a la ayuda de capital occidental. Fue a partir del año 1982 y con el estreno de la película In our Time (modesta producción de 4 episodios, uno de ellos firmado por Edward Yang) cuando se produce el nacimiento de un nuevo cine de Taiwán, alejado de las propuestas más comerciales que provenían de Hong Kong. Es a partir de aquí que abordaremos el repaso del cine taiwanés: a partir de esta Nueva Ola de los 80 y sus principales directores (Edward Yang, Hou Hsiao Hsien y Tsai Ming Liang), y pasando por las nuevas generaciones de directores del panorama actual. Sin embargo, no podíamos olvidar a dos directores taiwaneses que, no clasificándose en ninguna ola concreta, tienen el beneplácito de crítica y público: Ang Lee por un lado, quizá el director taiwanés más reconocido internacionalmente; y por otro Chu Yen Ping, poco conocido por la crítica occidental pero cuyas películas comerciales gozan del favor mayoritario del público taiwanés.


La Nueva Ola del cine de Taiwán

En efecto, con el estreno en 1982 de la película In Our Time se produce una ruptura con el cine más comercial que procede de Hong Kong. A partir de entonces se dota a la producción taiwanesa de un mayor acercamiento con la realidad social de su país. Así, temas como la alienación urbana, la quiebra del estamento familiar o los fracasos sentimentales, entre otros, serán el modelo a seguir. Estos esquemas se refuerzan aún más cuando en 1987 se publica el Manifiesto del cine taiwanés, firmado por un total de 53 cineastas (entre ellos Hou Hsiao-Hsien, el mismo Edward Yang o Tsai Ming-Liang) en el que confirman los mismos postulados. Por encima de todo, el intento de aunar y conciliar la tradición y la modernidad en su cine: recuperar la memoria histórica y reivindicar la identidad propia de un país supeditado a los vaivenes e intereses políticos de cada época.

Millenium Mambo (Hou Hsiao Hsien, 2006)

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Tsai MING-LIANG

Edward YANG Decía Edward Yang que Taiwán y los Estados Unidos comparten una especie de falta de unidad ética que los hacen estar desarraigados. Y ese desarraigo precisamente es lo que define la trayectoria vital y profesional de este director. Nacido en Shanghai, tras la victoria del comunismo, la familia de Yang se traslada a Taiwán. De allí, el realizador se forma académicamente en los EE UU, donde también comienza sus primeros trabajos. Así, cuando regresa a Taiwán, Yang es consciente de su cultura más occidental que oriental. Entre Taiwán y Edward Yang se desarrolla entonces una historia de amor y desamor, como muchas de las vidas que narra en sus películas. En 1982 dirigiría uno de los cuatro segmentos (‘Expectation’) que conformaban la película coral In our Time. Sería el paso previo antes de realizar sus siguientes largometrajes entre ellos, A Confucian Confussion, Taipei Story o Mahjong. En el año 2000 el Festival de Cannes le premiaría con el galardón de Mejor Director por la que sería su última película, Yi Yi, su trabajo más logrado y reconocido internacionalmente. Desgraciadamente, poco después de recibir el premio, a Yang le diagnostican un cáncer, lo cual truncó su carrera cinematográfica. Muere en los Estados Unidos a los 59 años de edad en el año 2007.

Yi Yi (Edward Pang, 2000)

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Tsai Ming-liang (Malasia, 1947), junto con Edward Yang y Hou Hsiao-hsien, es uno de los más importantes valores en el cine taiwanés de la Nueva Ola, merecedor de multitud de galardones en los más prestigiosos festivales. Ming-liang nos retrata en cada una de sus obras una agonizante y desoladora sociedad altamente industrializada e impersonal después del “milagro económico” de Taiwán. Sus temas preferidos son la soledad y el sexo. “No hay nada más real, porque es cuando la gente puede ser como realmente es; cinematográficamente son para mí las situaciones más interesantes” (comenta MingLiang). Eso es su cine: retratos de vida con sabor amargo en larguísimos planos silenciosos.

Yi Yi Año: 2000 Con: Wu Nien-Jen, Elaine Jin, Issei Ogata, Kelly Lee Género: Drama Cada miembro de una familia prototípica de Taipei se hace preguntas acerca del significado de la vida. Amores, desamores, deudas de juego y crisis espirituales forman un retrato de la sociedad del Taiwán contemporáneo. Además del reconocimiento en el Festival de Cannes, Yi Yi también obtuvo el premio a la Mejor Película Extranjera en los Premios de la Crítica de Cine de Nueva York en 2001.

The Hole Año:1998 Con: Lin Kun-Huei, Lee Kang-Cheng, Lin Hui-Chin Género: Drama/Musical/Fantasía Enmarcada en un cambio de siglo que aparenta el inminente Apocalipsis, y bajo la incesante y enfermiza lluvia de Taipei, el director nos invita a ser espectadores de las posibles últimas horas de dos individuos cuya única relación es el agujero que conecta el techo de uno con el suelo del otro. Con un tono ambiguo y fantástico, el director intercala, entre esas extensas tomas características suyas, pequeños fragmentos musicales que confieren un mayor ritmo a la narración. Goodbye Dragon Inn Año: 2003 Con: Lee Kang-Cheng, Tien Miao, Chen Shiang-Chyi Género: Drama Un viejo cine a punto de despedirse de su público y una antigua película de artes marciales son los protagonistas mudos de un filme que es una mirada nostálgica a tiempos pasados. Fantasmas escapados de la pantalla (como los actores Shih Chun y Miao Tien, que observan con nostalgia la película que protagonizaron hace cuatro décadas) se cruzan por la sala con personajes que buscan sexo en la oscuridad. El sabor de la sandía Año: 2005 Con: Lee Kang-Cheng, Chen Shiang-Chyi, Lu Yi-Ching Género: Musical Primera película estrenada en España del director taiwanés que obtuvo tres premios en el Festival de Berlín en 2005. Este musical sexual (erótico, que no pornográfico) con un final que no deja indiferente a nadie, se sitúa en un Taipei futuro con recortes importantes en el suministro de agua, que hacen que los precios y el consumo de sandías se disparen como cohetes. 29


Hou HSIAO HSIEN

Son pocos los autores que han llegado a alcanzar el grado de prestigio que posee en la actualidad la figura de Hou Hsiao Hsien, rey indiscutible del cine de vanguardia. Desde que en 1989 el director consiguiera reclamar las miradas internacionales ganando el León de Oro en Venecia con A City of Sadness, Hou consigue los elogios más enfebrecidos por parte de la crítica acreditada en los festivales más importantes donde asiduamente presenta sus filmes y en los que alcanza numerosos galardones. Sin embargo, el cine de Hou también tiene sus detractores, y la mayoría simplemente lo desconocen, ya que, de las casi veinte películas que conforman su filmografía tan sólo se ha estrenado en nuestras pantallas El maestro de marionetas (1993), Millennium Mambo (2001) y Three Times (rebautizada aquí como Tiempos de amor, juventud y libertad, 2005). En realidad, si queremos adentrarnos en el entramado metafórico que se esconde detrás de los films de Hou Hsiao Hsien, también debemos tener unas nociones básicas acerca de la historia de Taiwán, ya que la mayoría de los filmes se centran en períodos concretos del devenir político y social del país.

El maestro de marionetas (Hou Hsiao Hsien, 1993)

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Hombres buenos, mujeres buenas Año: 1995 Con: Annie Shizuka, Lim Giong, Jack Kao, Vicky Wei Género: Drama histórico. Con este film, Hou cierra su trilogía de la historia de Taiwán, iniciada en 1989 con A City of Sadness y seguida en 1993 con la colosal El maestro de marionetas. El director utilizó grandes planos-secuencia para esta película que se narra en dos tiempos: el de una joven acosada por un hombre que no deja de enviarle por fax hojas de su propio diario robado, y la historia de la protagonista de la película que está rodando esta misma joven, situada en la época llamada del “terror blanco” hacia 1949 y la persecución a los comunistas. Al final, la vida de una y de otra (persona real, personaje ficticio), se acabarán mezclando de tal manera que el espectador no sabrá quién es quién. Adiós, sur, adiós Año: 1996 Con: Hsi Hsiang, Jack Kao, Hsu Kuei-Ying, Annie Shizuka Género: Drama Con Adiós, sur, adiós, Hou continúa su camino de exploración en torno a la historia taiwanesa, pero esta vez desde una perspectiva contemporánea. Su lente se aproxima a la modernidad para mostrarnos los itinerarios de una serie de personajes a la deriva, que subsisten a través de negocios poco productivos. Hou se interna en los bajos fondos para extraer de ellos todo el desencanto de la sociedad de su país, inmersa en el desconcierto de los nuevos tiempos. Millenium Mambo Año: 2006 Con: Shu Qi, Jack Kao, Tuan Chun-Hao, Chen Yi-Hsuan Género: Drama romántico Millenium Mambo se ha erigido como un hito generacional de la vanguardia contemporánea. Hou capta de manera crítica el espíritu de estos tiempos que nos ha tocado vivir. El masivo crecimiento de las grandes urbes, unido a la integración de las nuevas tecnologías en nuestra realidad cotidiana ha creado también una inflexión en la forma en que establecemos las relaciones personales. La incomunicación y la falta de horizontes de la juventud es el retrato que hace Hou a través de los ambientes y de las luces de neón de las discotecas ultramodernas de Taipei.

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Nuevas generaciones en el cine de Taiwán

Las nuevas generaciones de cineastas nacidos en Taipei optan por un naturalismo vital en sus películas. Protagonizadas por personajes que expiran realidad, se alejan de los conformismos del art cinéma buscando experimentar con los géneros comerciales, insuflándoles una creatividad que refleja la experiencia cotidiana de la isla. Jóvenes directores que conocen a la juventud taiwanesa actual de primera mano ofrecen unos temas cercanos y a la vez atractivos para el público joven al que van dirigidas. Sus películas se acercan a temas como el sexo o la homosexualidad sin tabúes y sin mala conciencia, y ofrecen una visión fresca de las interrelaciones postadolescentes desde el prisma de un nuevo cine taiwanés. Taipei 21 Año: 2003 Director: Alex Yang Con: Ling Meng-Chin, Tsai Hsin-Hung, Toshimitsu Fujii Género: Drama romántico Alex Yang afronta una etapa de desorientación en su país metaforizando a través de sus protagonistas (una pareja en crisis) el futuro que está por llegar, una época de cambios situada en una cotidianeidad reconocible.

The Most Distant Course Año: 2007 Director: Lin Lin-Jie Con: Kwai Lunmei, Mo Zi-Yi, Jia Xiao-Guo. Género: Drama Tres vidas cruzadas. Tres personas que huyen de su mundo y de sí mismas. Ninguno de los tres se conoce, pero sus vidas acaban por confluir en algún punto. Tan meticulosa y preciosista como las grabaciones de uno de sus protagonistas, esta película transcurre con un sentido del ritmo propio, muy taiwanés, haciéndonos degustar cada instante como si, de alguna manera, nosotros también pudiéramos ser protagonistas de ella.

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Otros directores Ang LEE Chu YEN-PING A pesar de que las miradas internacionales se posen en el cine más intimista y de autor de Taiwán (básicamente en los discípulos de esa Nueva Ola), el público taiwanés también disfruta en sus carteleras con películas comerciales. Es aquí donde nos topamos con Chu Yen-Ping, el llamado Spielberg de Taiwán, puesto que es el rey del cine más desenfadado y comercial que se estrena allí, muy al estilo de las películas de acción de Hong Kong. Ha trabajado con los grandes actores del género (Jackie Chan, Andy Lau, Sammo Hung) y su carrera se centra en los géneros más populares: acción y artes marciales (Isla de fuego, Pink Force Commando, Dragon Attack), wuxia (The Assassin Swordsman, Flying Dagger) o la comedia (Funny Family, A Home too Far). Shaolin Popey Año: 1994 Con: Vivian Hsu, Jimmy Lin, Hilary Tsui Género: Acción/Artes Marciales/Comedia Mezcla de comedia romántica para adolescentes con escenas de acción y artes marciales, en la que dos niños, aprendices de un Templo Shaolin, ayudarán a un joven estudiante de secundaria a iniciarse en las artes de la lucha para así ganarse el corazón de la joven hija del director de la escuela y enfrentarse a su rival, pretendiente también de la susodicha muchacha. Kung Fu Dunk Año: 2008 Con: Chen Bo-Lin, Charlene Choi, Eric Tsang, Chu Yen-Ping Género: Fantasía/Acción/Artes marciales Película basada en un famoso manga japonés llamado Slam Dunk, y es, podríamos decir, la versión ‘baloncestística’ del Shaolin Soccer de Stephen Chow. Rodada entre Taiwán y la China continental, el film retrata la caída y la posterior recuperación y auge de una estrella del baloncesto. Romance, deportes, acción y fantasía. 34

Ang Lee se mueve con igual soltura entre Oriente y Occidente, cabalgando entre dos de las grandes potencias mundiales del cine, la de Hollywood y la de Hong Kong-ChinaTaiwán. Nacido en Taiwán y formado allí académicamente, en 1978 se traslada a EE UU para acabar sus estudios. Como consecuencia de su formación híbrida, también su trayectoria cinematográfica lo es: Lee es capaz de absorber como una esponja los géneros en los que se mueve, demostrando su habilidad de sacar provecho a su universo creativo. Es un director versátil y cambiante, como lo demuestran sus trabajos que van de un género a otro sin problemas: la comedia costumbrista (Pushing Hands, 1991), la tragicomedia sobre el choque cultural (El banquete de boda, 1992), el relato de aromas orientales acerca de la confrontación generacional (Comer, beber, amar, 1994), el melodrama literario de época (Sentido y sensibilidad, 1995), el drama diseccionador de la sociedad americana (La tormenta de hielo, 1997), el homenaje al western (Cabalga con el diablo, 1999) o su redefinición de acuerdo a los cánones actuales (Brokeback Mountain, 2005), la recuperación del género del wuxia (Tigre y dragón, 2000), la reconversión en imágenes de un cómic de superhéroes (Hulk, 2003) y el thriller histórico-erótico (Deseo, peligro, 2007). Pushing Hands Año: 1992 Con: Bin Chao, Victor Chan, Lester Chan, Fanny De Luz Género: Comedia/Drama Primera película de Ang Lee producida enteramente en Taiwán. En los inicios de su carrera, Lee estaba interesado en profundizar en los conflictos migratorios, en aquellas personas que deben dejar atrás su país natal y aprender a vivir en una nueva cultura. Así le ocurre al anciano profesor de taichi protagonista de Pushing Hands cuando se va de Pekín a vivir con su hijo, su nuera americana y su nieto a un suburbio de Nueva York. El abuelo se irá distanciando cada vez más de su familia, al sentirse como un pez fuera de agua en la cultura occidental.

El banquete de boda Año: 1993 Con: Dion Birney, Jeanne Kuo-Chang, Winston Chao Género: Comedia/Drama Simon y Wei-Tung son una pareja gay que vive junta y feliz en Nueva York, aunque las presiones de los padres taiwaneses de Wei-Tung, fieles a sus tradiciones, le impelen al matrimonio. Para complacer a sus padres, el joven prepara un matrimonio de conveniencia con una chica china que necesita el permiso de residencia. Tung, como casi todos los personajes del universo de Ang Lee, se debate entre dos contrarios: el amor que siente por sus padres a quien no quiere decepcionar, y el ocultamiento de su homosexualidad.

Comer, beber y amar Año: 1993 Con: Lung Shihung, Wang Yu-Wen, Wu Chien-Lien Género:Comedia/Drama El título en inglés del film Eat Drink Man Woman traducido literalmente como “Comer, beber, hombre, mujer”, alude a la naturaleza esencial del ser humano que se nutre y realiza por medio de la comida, la bebida y el amor, en un contexto marcado por la ritualidad que se hereda durante muchas generaciones. Fue la primera película que Ang Lee filmó en Taiwán (sólo ha rodado 3 en su país en toda su carrera; el resto en los EE UU). La película de 2001 Tortilla Soup dirigida por María Ripoll es un remake de ésta.

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El cine de la Diáspora Diáspora: dispersión de grupos étnicos o religiosos que han abandonado su lugar de procedencia originaria y que se encuentran repartidos por el mundo, viviendo entre personas que no son de su condición. The Princess of Nebraska (Wayne Wang, 2008) ©Magnolia films

Se ha calculado que más de treinta y cinco millones de personas étnicamente chinas se encuentran repartidas por todo el mundo. La llamada Diáspora China data desde incluso antes del siglo XIX (sobre todo hacia el sudeste asiático) y es de origen muy diverso, pero sobre todo de generaciones de colonos de Hong Kong y del sur de China. Al margen de la diversidad de sus orígenes, los chinos de ultramar comparten un sentimiento de unidad y de identidad muy fuerte, así como un absoluto amor y lealtad hacia su madre patria. No es raro pues, que el cine haya querido reflejar los sentimientos, frustraciones, preocupaciones, crisis de identidad, etc. y que los directores chinos hayan querido profundizar en las realidades de sus compatriotas emigrados (así lo hicieron Ann Hui, Ang Lee, Edward Yang, y, por supuesto, Wayne Wang).


Wayne WANG

Al igual que su nombre (el padre de Wang le puso Wayne como homenaje a su actor favorito americano John Wayne), la vida y trayectoria de este director se hallan permanentemente entre su amor por los Estados Unidos y, a la vez, por su lugar de origen, Hong Kong. Nacido y crecido allí, Wang se traslada con 17 años a California para estudiar cine y televisión. Casado con la actriz y Miss Hong Kong, Cora Miao, Wayne Wang fija su residencia entre San Francisco y Nueva York, desarrollando íntegramente su carrera en los Estados Unidos. Pero nunca olvidó China, como lo demuestra prácticamente toda su filmografía: durante 20 años de carrera Wang ha sido el retratista por excelencia de las experiencias de los chinos que viven en América. Sus temas favoritos: el sentimiento de pertenecer a una comunidad, la crisis de identidad, la pérdida de las raíces, la familia y las relaciones entre padres e hijos. Chan is Missing (1982) y Dim Sum: A Little Bit of Heart (1985) fueron los inicios de su carrera cinematográfica y las películas que establecieron ya su reputación. Su mayor éxito o película más conocida es El club de la buena estrella (1993).

Cómete una taza de té/Eat a Bowl of Tea Año: 1989 Con: Cora Miao, Russell Wong, Victor Wong, Eric Tsang Género: Drama romántico/ Comedia. Ambientada a finales de los años 40, cuando las autoridades americanas abrieron las puertas a la entrada de mujeres chinas a los Estados Unidos, esta película plantea una serie de historias de la comunidad chinoamericana. El contraste cultural entre el país de origen y el de adopción, el descubrimiento de cómo funciona ese nuevo mundo y el estatus de marginación voluntaria son algunos de los ejes de esta fresca comedia étnica. El club de la buena estrella Año: 1993 Con: Kieu Chinh, Tsai Chin, France Nuyen, Lisa Lu, Wen Ming-Na Género: Drama Película que lanzó a la fama internacional a Wayne Wang, y que es una adaptación del bestseller de Amy Tan, que también participó en el guión. En poco más de dos horas se describe la vida de ocho mujeres de origen chino. El personaje central es June, una joven chinoamericana que, a la muerte de su madre, hereda su puesto en el club que da título al film. A él pertenecen también sus tres tías y sus respectivas hijas. Una tras otra, estas mujeres irán desgranando sus vidas, sus frustraciones y esperanzas, hasta conformar un vasto mosaico en el que se reflejan de paso más de cincuenta años de la historia de China y Estados Unidos. La caja china Año: 1997 Con: Gong Li, Jeremy Irons, Maggie Cheung, Michael Hui Género: Drama La historia de un británico, integrado totalmente en Hong Kong, hechizado por esta ciudad y enamorado de una hongkonesa desde hace 10 años. Un relato de amor y muerte enmarcado en el Hong Kong de finales del siglo XX, a punto de dejar de ser una colonia británica para entrar a formar parte de la China continental. Wang quería atrapar ese momento de transición: un momento de cambio de identidad (¿o no?) para Hong Kong y de posible vértigo e inseguridad para sus ciudadanos.

El club de la buena estrella (Wayne Wang, 1993)

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Otras películas del cine de Taiwán disponibles en la Mediateca de Casa Asia Nueva Ola del cine de Taiwán Café Lumière (Hou Hsiao-Hsien, 2003) I Don’t Want to Sleep Alone (Tsai Ming-Liang, 2006) Otros directores y nuevas generaciones del cine de Taiwán Fantasy Mission Force (Chu Yen-Ping, 1982) Fishing Luck (Tseng Wen-Chen, 2003) Keeping Watch (Cheng Fenfen, 2007) Wayne Wang, director referencia del cine de la diáspora china Blue in the Face (1995) Anywhere but Here (1999)

Café Lumière (Hou Hsiao-Hsien, 2003)


Cine de Hong Kong

Desde que Hong Kong acogiera en 1896 su primera proyección cinematográfica, ha sido el centro neurálgico del cine asiático hasta hace bien poco. Como colonia británica, se benefició de grandes dosis de libertad política y económica, cosa que favoreció a su cine, que también tuvo la influencia de numerosos cineastas chinos exiliados. Durante décadas Hong Kong fue el tercer país con una industria cinematográfica potente (por detrás de India y Hollywood) y su influencia llegó prácticamente a toda Asia del Este. Gracias a la mezcla de originalidad y comercialidad, en Occidente el cine proveniente de Hong Kong llegó como material de culto, sobre todo su cine de acción y artes marciales que forma parte ya de su corriente cultural y que ha sido imitado durante mucho tiempo. A pesar de la crisis que la industria sufrió a mediados de los años 90 (agudizada por la devolución de la isla a China en 1997), hoy en día Hong Kong mantiene todavía su identidad distintiva en materia cinematográfica.

Umetsugu), pasaremos por la Primera Ola de Cine Hongkonés de principios de los 70 (llamada también Nueva Ola) con Tsui Hark y Ann Hui como estandartes; abordaremos en los años 80 la denominada Segunda Ola con sus directores más representativos; repasaremos también los principales rasgos del cine independiente de los 90, también llamado ‘realismo independiente’ y los nuevos talentos que están surgiendo en la actualidad en el cine de Hong Kong.

Nuevamente, realizaremos un repaso por la cinematografía hongkonesa a través de las olas cinematográficas que se han ido generando a lo largo de los años. Así, sin olvidarnos del cine clásico de Hong Kong de los años 50 y 60 (hablaremos de King Hu y de Inoue

Para terminar nos detendremos en dos figuras dentro de la cinematografía hongkonesa que por su particular hacer son difíciles de clasificar en los anteriores apartados: Peter Chan y Joe Ma.

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Además de este repaso cronológico, se hace indispensable, cuando hablamos de cine hongkonés, realizar una subdivisión genérica: es decir, en el cine de Hong Kong existen géneros cinematográficos genuinamente hongkoneses y que no podemos obviar. Así, hablaremos de John Woo y su heroic bloodshed, de la comedia cantonesa de Stephen Chow y del nuevo renacer del cine negro de Hong Kong con Johnnie To a la cabeza.

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Cine clásico de Hong Kong King Inoue HU UMETSUGU Considerado por la crítica especializada como el Akira Kurosawa chino, fue prácticamente el inventor del género wuxia. Su filmografía se reparte entre Taiwán, Hong Kong y China. King Hu, de la mano de los grandes presupuestos de la productora Shaw Brothers, haría renacer en los años 60 el género wuxia, tan famoso en las novelas, pero ahora llevado a la gran pantalla y con una espectacularidad nunca antes vista. King Hu es considerado el cineasta más influyente del cine chino contemporáneo. Su influencia se ha dejado ver en las siguientes generaciones de cineastas que le han hecho homenajes en diversas películas como Tigre y Dragón de Ang Lee o La casa de las dagas voladoras de Zhang Yimou. Entre su filmografía, cabe destacar, además de las películas reseñadas aquí, una de sus primeras cintas, la obra maestra Sons of Good Earth, así como Dragon Gate Inn, Legend of the Mountain o Raining in the Mountain.

El musical hongkonés Los años 60 fueron los años dorados de los grandes estudios cinematográficos de Hong Kong. Compañías como Catia o Shaw Brothers funcionaban al estilo de sus homólogas americanas, ofreciendo superproducciones populares en glorioso technicolor. Entre los géneros estrella de la época, se encontraba el musical. Habitualmente dirigidas por el japonés Inoue Umetsugu, conservan intacto todo el candor y ritmo del momento de su estreno. Aunque siendo japonés de nacimiento (nació en Kyoto en 1923) y habiéndose labrado en Japón una carrera como escritor, guionista y director, Inoue Umetsugu firma en 1967 un extenso contrato con la Shaw Bros que lo ataría a Hong Kong durante mucho tiempo, y en donde se le asociaría inevitablemente con el musical. Además de las reseñadas, entre sus obras citamos a The Millionaire Chase, Young Lovers, Hong Kong Nocturne o King Drummer.

Come Drink with Me Año: 1966 Con: Cheng Pei-Pei, Yueh Hua, Ching Siu-Tung, Chang Hsi Género: Acción/Thriller

Hong Kong Rhapsody Año: 1968 Con: Chen Hung-Lieh, Chin Ping, Lily Ho, Peter Chen-Ho Género: Musical romántico

Un grupo de bandidos secuestra al hijo del gobernador para exigir la liberación de uno de los miembros de su banda. Quizá la obra más famosa de King Hu, proyectada en Cannes y en el Hong Kong International Film Festival revolucionó el género wuxia, ya que en ella King Hu consiguió reunir múltiples recursos: un cuidado sentido del ritmo, elementos acrobáticos, y música y coreografías extraídas de la Ópera de Pekín.

Una de las películas más bellas y bien realizadas de la filmografía de Umetsugu. Un romance musical a caballo entre la comedia y el drama, donde Peter Chen interpreta a un mago playboy que verá cómo su vida cambia tras hacerse cargo de una joven cantante, la hija de uno de sus compañeros magos que acaba de fallecer. En medio, un anciano millonario que también empieza a sentir un paternal interés por la joven.

A Touch of Zen Año: 1969 Con: Bai Ying, Billy Chan, Roy Chiao, Chang Ping-Yu Género: Acción/Wuxia

We Love Millonaires Año: 1971 Con: Barry Chan, Chen Yi-Ling, Chin Han-Hsieh, Chin Wen Género: Musical romántico

Una de las películas más influyentes de la historia del cine chino, considerada una de las mejores cintas en mandarín de todos los tiempos. La historia de un joven artista que vive con su madre y conoce a una revolucionaria perseguida por el ejército. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1975.

Un grupo de jóvenes dependientas de Hong Kong sale a la caza de un millonario y pescar así un buen partido. Para ello, se hacen pasar por chicas de alta sociedad, mientras sueñan con unas vidas de lujo y romance. ¿Cómo casarse con un millonario al estilo de Hong Kong? Naturalmente.

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Primera Ola del cine de Hong Kong A finales de los años 70 y principios de los 80, las grandes compañías que hasta ahora habían dominado el panorama cinematográfico, como la Shaw Bros, comienzan su declive. Coincide con la emergencia de una nueva generación de jóvenes directores provenientes del mundo de la televisión que tienen una nueva forma de contar las cosas. Los realizadores de esta Primera Ola tienen, sobre todo, una cosa en común: están anclados en la realidad y su forma de contarla se acerca mucho más al documental o al docudrama, mostrando historias cotidianas de una manera llana, sencilla, cruda e incluso cercana a la denuncia social.


Tsui HARK

Tsui Hark nació y se crió en Vietnam, en los años turbulentos de violencia y miseria, lo que marcaría su visión del cine. En 1966 emigra a Hong Kong con 14 años recién cumplidos y allí se impregna de la cultura pop del país, tomando poco más tarde un avión que le llevará a Texas para estudiar cine. Ocho años después regresa a Hong Kong y pasa a formar parte del imperio televisivo de los poderosos hermanos Shaw. Cuando, a mediados de los años 80, el cine de Hong Kong deja atrás las viejas películas de artes marciales y busca nuevos horizontes, Tsui Hark es el encargado de remover por completo los cimientos de una cinematografía que apenas había evolucionado durante la última década, renueva los antiguos géneros más comerciales y crea otros nuevos a partir de experimentos y combinaciones de talentos en los que nadie antes había creído. Su larga trayectoria como productor y director ha pasado por tocar prácticamente todos los géneros cinematográficos: seriales de televisión (Gold Dagger Romance), comedias (Pekín Opera Blues, Shanghai Blues, Working Class), artes marciales (Green Snake, Érase una vez en China, Swordsman), thrillers y dramas (No juegues con fuego/Dangerous Encounter), cine fantástico (Una historia china de fantasmas) o el wuxia (Butterfly Murders, Zu, Guerreros de la montaña mágica, Siete espadas).

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Swordsman Año: 1990 Con: Brigitte Lin, Jacky Cheung, Samuel Hui Género: Wuxia/Acción Swordsman fue un proyecto personal de Tsui Hark pensado para ser dirigido por el veterano del género King Hu, pero quien apenas pudo completar un par de secuencias. Ayudado por compañeros de la Nueva Ola (entre ellos Ann Hui y Ching Siu-Tung), Hark pudo terminar a tiempo la película, dirigiendo él mismo las escenas principales, supervisando la concepción estilística y dotando al cine de espadas de una nueva concepción nunca vista hasta el momento. Cuando un rollo de papiro que contiene valiosos secretos sobre artes marciales le es robado al emperador, éste envía un ejército en su búsqueda. The Blade Año: 1995 Con: Xiong Xin-Xin, Moses Chan, Valerie Chow Género: Acción/Drama The Blade es una versión de autor de la gran One-Armed Swordsman de Chang Cheh en la que Hark se adentra en el art-house, con nuevos efectos visuales. En un mundo medieval, sucio y violento, On se embarca en una búsqueda de venganza, para matar al demonio volador, experto en kung fu que mató a su padre. Épica, drama y pocas concesiones a la galería. El tiempo no espera/Time and Tide Año: 2000 Con: Nichols Tse, Anthony Wong, Wu Bai, Candy Lo Género: Thriller/Acción/Drama Una cinta de acción de concepción vanguardista que arriesgaba tanto en su fondo como en su forma y que fue recibida entre vítores por crítica y público. Nicholas Tse, Wu Bai y un excelente Anthony Wong protagonizan el film, uno de los trabajos más sólidos del director, pese a su carácter pseudoexperimental. Una cinta multiétnica y con un enrevesado argumento que enfrentaba entre sí a mafiosos y policías de todas las nacionalidades.

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Yim HO

Ann HUI

Yim Ho es uno de los directores más famosos de Hong Kong de los años 80, considerado el líder de esa Nueva Ola o Primera Ola de cineastas. Se inició con la realización de programas televisivos hasta que empezó su carrera como director de cine en 1978 con The Extras. Pero su película más aclamada por la crítica no llegaría hasta 1984 con Homecoming, un film que no dejó indiferente a nadie, pues fue uno de los primeros, sino el primero, en mostrar los diferentes sentimientos (simpatías y antipatías) en las relaciones entre la China continental y Hong Kong. Kitchen Año: 1997 Con: Jordan Chan, Tomita Yasuko, Karen Mok, Law Kar-Ying Género: Drama romántico Basada en la famosa novela japonesa del mismo título de Banana Yoshimoto, Ho realiza su propia y particular versión, esta vez situando a los personajes en Hong Kong y, en cierto modo, radicalizándolos. Así, Jordan Chan es Louis, una peluquera que vive con su madre transexual. A la muerte de un allegado, se hacen cargo de la pequeña Anggie que está emocionalmente trastornada y que no hace nada más que dormir en la cocina. Entre las tres formarán un núcleo familiar, hasta que de nuevo la tragedia vuelva a aparecer en sus vidas. A West Lake Moment Año: 2004 Con: Lim Ying, Chen Kun, Yan Xiang, Zhang Yue Género: Comedia romántica Es la última película realizada por Yim Ho. Esta vez, el director deja el drama de lado y se embarca en una comedia romántica al uso en la China actual: Zhou Xou trabaja en una cafetería y se debate entre tres posibles pretendientes. Relaciones modernas entre chicos y chicas, con muchos momentos slapticks, pero siempre con el punto de vista realista y un poco amargo de su director.

Ann Hui (nacida en el norte de China y de madre japonesa) es una de las realizadoras más representativas del cine de Hong Kong. Pertenece a la Nueva Ola de Hong Kong (que eclosiona a finales de los años setenta), ingeniosamente definida por el cineasta Allen Fong como una “generación que tuvo suerte”: nacida tras la guerra, en un periodo de auge cultural y económico, alimentados de cine (la única diversión de la época) y los primeros en estudiar cine en el extranjero (concretamente en Londres) y en aprovecharse del desarrollo de la televisión. Y ahí fue donde Hui realizó sus primeros pasos como directora, aunque previamente ya se había impregnado de la maestría de King Hu, con el que estuvo trabajando como ayudante de dirección. Ahora lleva una polifacética vida entre la actuación, producción, dirección y escritura cinematográfica. Boat People Año: 1982 Con: Andy Lau, George Lam, Jia Meiying, Season Ma Género: Drama Aunque Ann Hui debuta en el cine en 1979, no llama verdaderamente la atención hasta 1982 con esta Boat People, un film duro sobre la huida en las barcazas y la vida de los refugiados vietnamitas que sería políticamente muy contestado desde algunos sectores por su negativa visión del régimen comunista del país vecino. Tercera película que, en cierto modo, cierra la trilogía sobre Vietnam, que había empezado con From Vietnam, y continuado con The Story of Woo Viet. Como curiosidad comentar la actuación de un jovencísimo Andy Lau, su primera película en cine después de una larga etapa televisiva. July Rhapsody Año: 2002 Con: Anita Mui, Chacky Cheung, Lam Kar-Yan, Eric Ko Género: Drama En 2002, Ann Hui regresa al género del melodrama por la puerta grande. Un profesor ve peligrar la estabilidad de su matrimonio cuando una joven estudiante se enamora de él. Indeciso entre el deseo y la voluntad de mantenerse fiel a su pareja, todo cambiará cuando su mujer le pida tiempo para cuidar a un ex profesor de ambos y ex amante de ella. Ocho nominaciones en los Hong Kong Film Awards de 2003. The Postmodern Life of my Aunt Año: 2006 Con: Chow Yun-Fat, Siquin Gaowa, Zhao Wei Género: Drama Penúltima película hasta el momento de Ann Hui que nos introduce en la vida de una mujer de mediana edad que vive en un apartamento de Shanghai. Pronto descubriremos muchas de las rendijas o mentiras en las que se sustenta una vida, la suya, extraña, pero feliz. Su encuentro inesperado con un estafador (Chow YunFat) y con su hija, a la que abandonó de niña, serán los detonantes de su particular viaje de retorno.

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Segunda Ola del Cine de Hong Kong Además del cine de acción con sus tiros y ráfagas de metralletas, a finales de los 80 en Hong Kong también se desarrolló un cine mucho más personal e intimista. Una serie de directores que habían aprendido de la labor de aquéllos de la Primera Ola de los años 70 (ya que fueron sus ayudantes de dirección) y que procedían del mundo de la televisión, comenzaron a exponer la realidad de esos momentos desde otros ángulos y perspectivas y empezaron a formular un cine mucho más experimental e introspectivo. Hablamos de directores como Stanley Kwan, Wong Kar Wai, Lawrence Lau, Clara Law, Mabel Cheung o Jacob Cheung, entre otros. Son cineastas que responden a motivaciones sociales y que se preocupan por mostrar lo marginal, lo decadente, lo desagradable. Chungking Express (Wong Kar-Wai, 1994)


Clara LAW Clara Law, junto a su compañera Mabel Cheung, representa la aportación femenina realizada a esta Segunda Ola de realizadores de Hong Kong (el papel que hizo Ann Hui en aquella Primera Ola). Nacida en Macao, Clara emigra a Hong Kong con apenas 10 años. Graduada en Literatura Inglesa, comienza su carrera en la televisión como el resto de sus compañeros a la sombra de los realizadores que marcaron la Nueva Ola en los 70. Tras sus tres años de estudio en Gran Bretaña, Law regresa a Hong Kong y debuta con la comedia agridulce The Other Half and the Other Half. A partir de aquí, un tema centraría todos sus trabajos: la diáspora, la migración, la huida, la inestabilidad y el sentimiento de desazón y extrañamiento de saberse en un lugar ignoto. De ahí que sus largometrajes estén plagados de seres que viajan, que abandonan su lugar de origen para intentar labrarse un futuro mejor (Farewell China, Luna de otoño, The Reincarnation of Golden Lotus, La Diosa del asfalto, Floating Life). The Reincarnation of Golden Lotus Año: 1989 Con: Eric Tsang, Chan Lap-Ban, Ku Feng, Chiao Chiao Género: Drama Curioso melodrama erótico, tercera película de la realizadora, donde todavía se ven sus titubeos detrás de la cámara, pero con un discurso que apuntaba ya a sus temas favoritos: la presunta liberación de los personajes de un pasado que subyuga. En este caso, un discurso de liberación femenina mediante la traslación de una novela erótica datada en la Dinastía Ming, a la China de la Revolución Cultural. Farewell China Año: 1980 Con: Maggie Cheung, Tony Leung Ka Fai, Hayley Man Género: Drama Farewell China muestra la cara más sombría del hecho migratorio en la piel de un joven chino que marcha a Nueva York para encontrar a su esposa, exiliada un tiempo atrás. Su viaje emocional a través de las calles de la Gran Manzana se salda con los encuentros con varios compatriotas que mostrarán los diversos perfiles de la inmigración. 54

Stanley KWAN

Stanley Kwan nace en 1957 en Hong Kong. Antes de graduarse en Ciencias de la Comunicación, comenzó su carrera en la televisión. Su primera película, Women en 1985, protagonizada por Chow Yun-Fat, obtuvo un gran éxito de taquilla. En ella, ya se descubrían dos rasgos característicos de la filmografía de este director y productor: su cuidado estilo narrativo y unos personajes perdidos en sus propias emociones, personajes con un conflicto interior que los lleva a la apatía (sobre todo, personajes femeninos). Otros éxitos del director: Rouge, Full Moon in New York, Red Rose White Rose, Center Stage, Everlasting Regret. Full Moon in New York Año: 1990 Con: Sylvia Chang, Maggie Cheung, Josephine Koo Género: Drama Encantadora atmósfera para este film situado en Nueva York, en el que Stanley Kwan explora (como tantas veces) el interior y los sentimientos de las mujeres: en esta ocasión, una especie de cruce de caminos de tres mujeres: una joven actriz taiwanesa no muy estable en sus relaciones, una próspera mujer de negocios pero inestable en su sexualidad y una recién casada que tiene que lidiar con su nuevo estilo de vida americano. Rouge Año: 1997 Con: Leslie Cheung, Anita Mui, Emili Chi, Kara Hui, Liu Chia-Yung Género: Drama romántico En los años 30 una pareja de enamorados, cuya historia de amor imposible, opta por el suicidio. Pero él no cumple con su promesa. Cincuenta años después, en el actual Hong Kong, el fantasma de la novia traicionada aparece de nuevo. Desidia existencial en esta película bautizada como de culto, aunque sólo sea porque en ella aparecen juntos dos actores fallecidos como son Anita Mui y Leslie Cheung.

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Laurence LAU Nacido en Sudáfrica en 1949, estudia cine en los EE UU y comenzó como asistente de dirección para Tsui Hark en Hong Kong. Motivado siempre por la sociedad del momento y sus ambientes más marginales, Lau tiende a poner a sus personajes a prueba en situaciones conflictivas, sobre todo, las jóvenes generaciones de Hong Kong enfrentadas a problemas sociales como las drogas, el sexo, el amor, el aborto, la prostitución, etc. Consigue su primer éxito con Gangs en 1988, su ópera prima, un crudo y violento paseo por el mundo de las tríadas. Otros trabajos: Queen of Temple Street, Lee Rock, Gimme Gimme, Besieged City, My Name Is Fame, City without Baseball… Gangs Año: 1988 Con: Ricky Ho, Lau Chi-Tat, Eleven Leung, Ma Hin-Ting Género: Acción/Thriller Gangs, la primera película de Lawrence Lau, está rodada casi como un docudrama y es un crudo retrato de la juventud hongkonesa: una juventud sin esperanza y asfixiada en los ambientes de las tríadas. My Name Is Fame Año: 2006 Con: Lau Ching-Wan, Huo Siyang, Fruit Chan, Gordon Chan Género: Comedia/Drama Bajo la apariencia de una comedia inofensiva, se esconde un melodramático retrato sobre el actual mundo del espectáculo en Hong Kong. La película narra el declive de la que fue una gran estrella, que ahora realiza papeles de segunda categoría y acaba siendo agente de actores de tercera fila. Lau Ching-Wan está espectacular y en la película también vemos multitud de cameos de actores, directores y productores que se interpretan a sí mismos.

The Besieged City (Lawrence Lau, 2007)

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Wong KAR-WAI

Dice Wong Kar-Wai que su cine es un viaje en tren que, como todo viaje, consta de origen, paradas intermedias y destino. La mutación natural de ese esquema, de esa relación causa-efecto, es del punto de partida del cual brotan sus películas. Huido de Shanghai en 1963, en los albores de la Revolución Cultural, se inicia en el mundo de la televisión en el ámbito de la producción y el guión. Después de trabajar a sueldo y de ejercer de freelance, no siempre acreditado, para películas de otros, en 1988 decide ponerse él detrás de la cámara y dar vida a un guión propio. De aquí surge As Tears Go By, un thriller de gángsters atípico y alejado de las convenciones estilo John Woo, y con un Andy Lau que parece más un poeta enamorado que un matón. Pero Wong, siempre ha mantenido a lo largo de su filmografía una relación extremadamente distante con los paradigmas estructurales del cine hongkonés. Discípulo de Antonioni y de Godard, no se aviene a la formulación de los esquemas tradicionales del cine de sujeto-verbo-predicado y desarrolla un discurso fílmico propio y especial que agrada o desagrada de forma radical. Con Wong Kar-Wai no hay término medio.

Chungking Express Año: 1994 Con: Brigitte Lin, Tony Leung Chiu Wai, Faye Wong, Takeshi Kaneshiro Género: Drama

Ashes of Time Año: 1994 Con Brigitte Lin, Leslie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Jacky Cheung Género: Drama/wuxia

Happy Together Año: 1997 Con: Tony Leung Chiu Wai, Leslie Cheung, Chang Chen Género: Drama romántico

Deseando amar Año: 2005 Con: Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Siu Ping-Lam Género: Drama romántico

Tercera película de Wong Kar-Wai, que dio una dimensión internacional a la carrera del director y donde se retratan dos historias en paralelo. En esta radiografía de la alienación urbana del hombre contemporáneo, se dan ya las características de su cine más personal: la inestabilidad de planos, la vibración de la cámara y los saltos de encuadre. Fue la primera película estrenada en nuestro país del director.

Ashes of Time es la incursión personal al género wuxia de Wong Kar-Wai. El público del momento, esperando ver piruetas y acción a mansalva, se sorprendió al ver una película sofisticada y no lineal, contemplativa, intimista y sentimental. Supuso un nuevo fracaso de taquilla, obligando al director a olvidarse definitivamente del cine de género.

Merecedora del premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1997, Happy Together fue la primera película en la que Wong Kar-Wai realizó un despliegue enorme en cuanto a la producción ya que se rodó entre Taipei y Buenos Aires. Happy Together, es un fascinante tratado sobre la colisión de dos cuerpos que buscan infructuosamente esa cosa llamada felicidad, hasta descubrir que el resultado del choque no es sino soledad, desdicha y anómala armonía.

Li-Chun (ella), y Chau (él) son engañados por sus respectivos marido y mujer; en su dolorida soledad, encuentran el uno en el otro la comprensión y el estímulo para ser fieles, a pesar de que los otros no lo sean. Deseando amar es la segunda de la aparente trilogía que forma con Days of Being Wild y 2046, que explora el “tema” por excelencia en el cine de Wong KarWai: la ilusoria representación del tiempo, como un rincón subjetivo de autoreclusión, donde el ser humano se encuentra entre el pasado y un futuro dudoso, es decir, en un presente donde le es imposible vivir.

Ashes of Time (Wong Kar-Wai, 1994)

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Fruit CHAN Fruit Chan nace en 1959 en China, pero con 10 años se traslada a Hong Kong. Este hecho, aunque común entre muchos cineastas de la época, le marcó profundamente y desde ese momento mantuvo una relación de amor-odio con la ciudad que lo acogió, cosa que se transmite en sus películas. Después de estudiar en el Hong Kong Film Centre y de trabajar como asistente de dirección, Chan dirige su primera película en 1993, Finale in Blood, un psicodrama en el que el joven realizador ofrece un oscuro retrato del Hong Kong de los años 20. Pero su reconocimiento vendría con su siguiente film Made in Hong Kong (1997) que recibió premios tanto en festivales internacionales como en su propio país. A partir de ese momento, todo fueron elogios: Hollywood-Hong Kong, Longest Summer, Little Cheung, Public Toilet… hasta llegar a la que, aunque brevemente, se estrenó en nuestras pantallas, Dumplings (2004). Dumplings (Fruit Chan, 2004)

Durian Durian Año: 2000 Con: Qin Hailu, Mak Wai-Fan, Biao Xiao-Ming, Yung Wai-Yiu Género: Drama “Ganarse la vida en Hong Kong es muy duro”: dice una de las protagonistas de esta película, una joven mujer proveniente del norte de China, y que esperando a que Hong Kong le proporcione una vida mejor, acaba en las redes de la prostitución. Hong Kong es, en este caso, como la fruta del durian (maloliente y duro por fuera pero dulce por dentro): una ciudad extremadamente dura y cruel, pero que acaba atrapándote cuando vives en ella.

Cine independiente También conocido como “realismo independiente de Hong Kong” aparecido hacia mediados-finales de la década de los 90, el cine independiente está compuesto por directores que, apartados de las grandes superproducciones y de los grandes estudios o productoras, realizan sus propios, particulares y experimentales proyectos personales. Buscan financiación para sus proyectos al margen del marco meramente comercial, y sus historias responden a una crítica social, a veces muy irónica y no amparada bajo ninguna ley moral. El máximo exponente de este grupo de realizadores es Fruit Chan, entre otros como Keneth Bi o Nelson Yu.

Keneth BI

Kenneth Bi es hijo de dos legendarias estrellas de los estudios de la Shaw Bros: Ivy Ling-Po y Chin Han. Se graduó con honores en cine y teatro en la Universidad de Canadá, y de vuelta a Hong Kong, su carrera no se ha limitado a dirigir, sino que ha sido actor, compositor, escritor y montador de diferentes películas. Tiene tres films como director: A Small Miracle, su ópera prima, Rice Rhapsody y The Drummer.

Rice Rhapsody Año: 2000 Con: Sylvia Chan, Martin Yan, Mélanie Laurent, Tan LePham Género: Comedia/Drama

Sylvia Chan hace aquí el papel de una madre que ha criado a sus tres hijos. Una madre fuerte y luchadora, que ve cómo sus hijos la van decepcionando, al no cumplir sus expectativas, sobre todo cuando descubre su homosexualidad. Aclamada como una de las 10 mejores películas de los años 2004-2005, Rice Rhapsody ahonda, de forma amable, en algunos de los temas candentes en la sociedad china actual: la homosexualidad, las presiones sociales hacia una mujer de mediana edad y las relaciones siempre difíciles entre padres e hijos. 61


Derek KWOK Es una de las jóvenes promesas del cine de Hong Kong en la actualidad. Derek Kwok comienza su carrera como guionista en el año 2000 colaborando en la realización del guión de Skyline Cruisers que dirigió Wilson Yip. Pero lo que le ha llevado a estar en el punto de mira de la crítica mundial han sido sus dos únicos trabajos como director: The Pye-Dog (2007) y The Moss (2008).

Nuevos directores del cine de Hong Kong El panorama en Hong Kong está en continua evolución. Su historia cinematográfica nos ha demostrado que cuando se agotan las viejas fórmulas, la presencia de nuevos realizadores, con nuevos formalismos e intenciones, vuelve a inyectar a su cine de novedosas inquietudes. Por otro lado, y desde el punto de vista de la producción, cada vez habrá más presencia de coproducciones panasiáticas que buscan rentabilizar los nuevos proyectos en un mayor mercado potencial.

The Pye-Dog Año: 2007 Con: Eason Chan, Lin Yuan, George Lam, Eric Tsang, Man Chun-Fai Género: Drama/Thriller La historia de amistad entre un niño y el bedel de su colegio (en realidad un gángster al que le habían ordenado su secuestro) está plagada de un insólito realismo mágico, capaz de mezclar la comedia amable con el cine de tríadas. Sin duda, una de las cintas imprescindibles de este año del cine made in Hong Kong.

Wong CHING-PO Wong empezó trabajando como asistente de dirección en la televisión, y como entusiasta del arte visual, pronto comenzaría a dirigir videoclips y anuncios para la televisión. Fundó su propia productora y desde entonces ha trabajado como escritor, diseñador de arte, compositor, director de fotografía y director en diferentes películas. En 2003, codirigió su primer éxito y su primera película independiente, Fu Bo, film que acudió a numerosos festivales y que le ganó el respeto de la industria. Mob Sister Año: 2005 Con: Lawrence Cheng, Karena Lam, Anthony Wong, Alex Fong Género: Drama/Thriller La hija de un jefe de las tríadas hongkonesas llega a lo más alto del escalafón mafioso cuando su padre muere a manos de un asesino desconocido. Los problemas llegarán cuando se descubra quién fue el asesino y por qué lo hizo. 63


Stephen FUNG

Fung nació en Hong Kong, hijo de Julie Sek-Yin, una famosa actriz de la compañía Shaw Brothers. Criado a medio camino entre Hong Kong y Michigan, donde estudió diseño gráfico, su carrera en el cine empezó de adolescente con la interpretación y, como el resto de los iconos de la nueva generación, su fama subió como la espuma. Además de una exitosa carrera como cantante y después de su participación dirigiendo el segmento My Beloved en la película coral Heroes in Love, Fung realizó su debut en la dirección con muy buenas críticas en 2004 con Una mafia de locos (Enter the Phoenix) a la que siguió House of Fury en 2005.

Heroes in Love Año: 1989 Con: Charlene Choi, Gloria Cheng, Lawrence Chou Género: Drama romántico/Thriller Heroes in Love es una producción independiente compuesta por tres segmentos con un único tema en común, el amor, dirigidos por directores noveles. El segundo de los fragmentos, quizá el más sólido de los tres, My Beloved, es el que dirigen dos de las estrellas del pop y del cine más exitosas del momento, Stephen Fung y Nicholas Tse.

Edmond PANG

Si hay algo que define la identidad cinematográfica de Edmond Pang es su frescura a la hora de abordar los géneros. Dentro del panorama del cine de Hong Kong, donde el mercado se monopoliza alrededor de la comedia y la acción, el director consigue unir ambas modalidades en sus films ofreciendo un inesperado, refrescante y delirante cóctel subversivo. Men Suddenly in Black Año: 2003 Con: Eric Tsang, Chapman To, Jordan Chan, Candy Lo Género: Comedia/Drama Eric Tsang es un veterano del adulterio y ha reclutado a unos amigos para darse un fin de semana de homenaje orgiástico en el circuito de clubs de alterne que ha preparado. El mayor enemigo de esta batalla sin cuartel: sus mujeres, dispuestas a aguarles la fiesta. Edmond Pang filma con descaro y atrevimiento, mezclando los guiños propios de la comedia, y recursos directamente extraídos del thriller de acción policíaca. Beyond our Ken Año: 2004 Con: Chim Sui-Man, Gillian Chung, Daniel Wu, Emme Wong Género: Drama Beyond our Ken es la película que con más riqueza y que de una manera más poliédrica ha tratado el complejo universo de las relaciones sentimentales. En ella, la ex novia despechada de un atractivo joven entra en contacto con su nueva conquista para intentar, a través de maquinaciones y engaños, alejarla de él. Entre ellas surgirá la amistad, mientras progresivamente se van quitando las máscaras que ocultan sus verdaderas intenciones.

House of Fury (Stephen Fung, 2005)

Beyond our Ken (Edmond Pang, 2004)

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Géneros cinematográficos

En Hong Kong existen una serie de géneros cinematográficos genuinamente suyos, es decir, cada uno de ellos tiene unas particularidades intrínsecas del país que lo hace diferente de las características estipuladas estándares del género convencional. Tanto es así, que tienen sus propias denominaciones: el heroic bloodshed, la comedia cantonesa y el noir o nuevo cine negro hongkonés.


John WOO y el heroic bloodshed El heroic bloodshed es un género, dentro del thriller, genuinamente hongkonés: son películas violentas de policías y gánsters, pero sus protagonistas son héroes con valores arraigados de amistad, honor, venganza justa y lealtad. Situaciones dramáticas los pondrán a prueba en impresionantes escenas balísticas donde acabará produciéndose un “derramamiento de sangre heroico” (que es lo que significa literalmente heroic bloodshed). Irremediablemente, este género va unido a la figura de John Woo y de Chow Yun-Fat: el primero como director y el segundo como su actor fetiche. Ambos revolucionaron el concepto de acción de la época, dando vida a este “nuevo” género con películas como A Better Tomorrow, The Killer, Una bala en la cabeza o Once a Thief. John Woo nace en 1946 en Guangzhou, China. A la edad de 5 años su familia tuvo que huir a Hong Kong debido a la persecución religiosa que se produjo en China en aquellos años. Habiendo pasado una dura niñez y adolescencia y apenas con 20 años, Woo entra a trabajar en Cathay (principal rival de la Shaw Bros), después de haber hecho algunos cortos experimentales, para encargarse de la supervisión de guiones. Después de que Cathay centrara su negocio en la distribución, Woo pasó a formar parte del equipo de la Shaw, donde empezó a hacer acopio de sus principales obsesiones, principalmente la utilización de la figura del héroe masculino y el trabajo de cómo estilizar orgías de violencia en la pantalla, de la mano del director Chang Cheh, como ayudante. Swordsplays crepusculares, cintas de kung fu, comedia negra… por todos estos géneros pasó Woo antes de que llegara su hora: en 1986 sorprende a propios y extraños con A Better Tomorrow; aquí nace el heroic bloodshed, su relación con su actor fetiche, el actor Chow Yun-Fat, y una larga lista de éxitos (A Better Tomorrow II, The Killer, Once a Thief, Hard-Boiled…), antes de que en 1993 se deje seducir por Hollywood e inicie su carrera allí con films como Cara a Cara, Misión imposible II, Windtalkers, etc. Su esperada vuelta a Hong Kong se produjo el pasado año por todo lo grande, cuando dirigió la superproducción Red Cliff.

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A Better Tomorrow Año: 1986 Con: Chow Yun-Fat, Leslie Cheung, Ti Lung, Emily Chu Género: Acción/Thriller De la mano del director/productor Tsui Hark, John Woo, que durante la primera mitad de los años 80 no había conseguido un solo éxito, se embarca en un proyecto titulado A Better Tomorrow (1986), que contaría la historia de dos hermanos, uno policía y otro criminal, en un ambiente de thriller violento. Con esta cinta, Woo revolucionó el concepto de cine de acción, dándole una gran carga dramática, tremendas batallas a cámara lenta y un estilo especial: el estilismo (como las gafas de sol, etc.), la forma de rodar los tiroteos y demás, servirían de inspiración para cineastas de acción de todo el mundo. The Killer Año: 1989 Con: Chow Yun-Fat, Danny Lee, Sally Yeh, Chu Kong Género: Acción/Thriller Un asesino a sueldo frío y calculador, cambiará su perspectiva cuando deje ciega a una joven en un tiroteo. A partir de ese momento su vida cambia, aunque las tríadas intenten traicionarle y el policía de turno vaya tras él. The Killer significó mucho para las carreras de director y actor: tanto para Fat, que se convirtió definitivamente en el actor de más prestigio de su generación, como para Woo, con el que obtuvo el premio al mejor director en los Hong Kong Film Awards de ese año.

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y la comedia hongkonesa

Stephen CHOW

Stephen Chow revolucionó la comedia cantonesa en los años 90. Es el mayor cómico aparecido en la cinematografía de Hong Kong, después de los hermanos Hui. Ferviente admirador de Bruce Lee, Chow combina de forma inusual y con una personalidad propia los gags humorísticos y las artes marciales. Su marca de fábrica es una mezcla de parodias multireferenciales, comedia física y gesticulación y juegos de palabras absolutamente intraducibles. Un humor muy cercano al del anime más trasgresor que explota en la pantalla con todos los recursos sensoriales al alcance del actor. La explosión de Chow como autor, como auténtico dueño de cada uno de los fotogramas de sus películas, con el control absoluto de todos los medios técnicos y artísticos implicados, nace con God of Cookery (1996).

King of Comedy Año: 1999 Con: Stephen Chow, Ng Man Tat, Cecilia Cheung, Karen Mo Género: Comedia En esta hiperparodia del mundo del cine, Stephen Chow se autoreferencia, juega con el melodrama y da uno de los mejores papeles a su inseparable Ng Man Tat. Logra confirmarse, además de como actor cómico, como director, ya que dota a sus personajes de algo más que su faceta cómica surrealista. Shaolin Soccer Año: 2001 Con: Stephen Chow, Ng Man Tat, Vicky Zhao, Cecilia Cheung Género: Comedia/Acción La película que le abrió a Stephen Chow las puertas del mundo, aunque en España siga todavía inédita. El actor convierte lo irreal en real, lo imposible en posible: una película sobre el mundo del fútbol en un espectáculo multicolor. Fútbol y artes marciales en una misma película. Humor para todos los públicos.

Kung Fu-Sion Año: 2004 Con: Stephan Chow, Feng Xiaogang, Yuen Wah, Lam Suet Género: Comedia/Acción/ Fantasía

Sing es un ladronzuelo que aspira a convertirse en gángster. Cuando intenta sobornar al barbero de una pequeña comunidad de vecinos (aparentemente sencillos y pobres), origina un enfrentamiento entre ésta y la Banda del Hacha, un grupo criminal que domina la ciudad. Los vecinos, que deberán revelar sus auténticas personalidades, lucharán contra los mafiosos convirtiendo el patio del bloque de pisos en un auténtico campo de batalla. 70

Kung Fu hustle (Stephen Chow, 2004)

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Resurgimiento del cine Negro (el noir hongkonés) Después de los ballets armamentísticos de John Woo y del cine de acción y el wuxia de Tsui Hark, el cine negro requería una renovación, y más cuando muchos de estos autores emigraron a los Estados Unidos en busca de las mieles de Hollywood. Fue entonces cuando la hornada de cineastas inmediatamente posterior a éstos (con los que compartieron horas y horas en cinematecas y cineclubs viendo cine de ambos lados del Atlántico) surgió de su regazo. Realizadores como Andrew Lau, Alan Mak, Derek Yee, Wa Ka-Fai, Benny Chan o Johnnie To deseaban poner en práctica lo que habían visto en largas sesiones de cine europeo de autor, western, clásicos nipones… y sobre todo cine negro, tanto oriental como occidental. Dos hechos marcarían unas fechas más o menos definidas para el surgimiento de este “nuevo cine negro”: el malestar, la desconfianza y el desasosiego que produciría la devolución de Hong Kong a China (Junio de 1997), y la creación por parte de Johnnie To y de su compañero Wa Ka-Fai de la productora Milkyway, que marcó toda una línea a seguir: producciones de no muy alto presupuesto pero con un estilo de producción cuidadísimo, una concepción visual postmoderna y una concepción de thriller de atmósfera pesimista y turbia donde los personajes eran muy complejos psicológicamente.

Vengeance (Johnnie To, 2009)


Johnnie TO

Tras el apoteósico paso por Cannes de Election y recibir el premio al Mejor Director en el Festival de Sitges 2004 por Breaking News, Johnnie To se ha hecho un hueco en el palmarés de autores reconocidos del cine asiático moderno. Desde que debutara en 1980, después de haber hecho de todo dentro de la absorbente Shaw Bros., To siempre ha tenido claro que ser un autor aclamado por la crítica no está reñido con ganarse el favor del público. Así, aunque a To se le reconozca el mérito de ser el líder de la nueva modernización del thriller hongkonés a través de su visión postcolonial, el mundo fascinante del cine del director de Running on Karma, The Mission o Exiled también pasa por la versatilidad de géneros (canalizados a través de su productora Milkyway Image) que pasan por la comedia (The Eight Happiness), el cine fantástico (Happy Ghost III), el drama (The Story of my Son), las artes marciales (Bare Food Kid), el romance (Turn Left, Turn Right), etc., que le han llevado en numerosas ocasiones a ser número 1 en la taquilla de su país.

A Hero never Dies Año: 1998 Con: Leon Lai, Lau Ching-Wan, Yo Yo Mung, Fiona Leung Género: Thriller/Drama A Hero Never Dies es el primer film de cine negro de To como director que se convirtió rápidamente en un clásico, aunque es ciertamente deudor (o rinde homenaje) al binomio que en su época supusieron John Woo y Tsui Hark. La película se centra en dos nobles gángsters que se admiran pero que deben enfrentarse, al servir a dos jefes de tríadas rivales. Lau ChingWan con un sombrero vaquero, y Leon Lai, todo un ídolo en Hong Kong, son los dos protagonistas de esta joya del cine negro oriental donde la lealtad hasta el final es el único alimento del espíritu. Running out of Time Año: 1999 Con: Andy Lau, Lau Ching-Wan, Lam Suet, Waise Lee, Yo Yo Mung Género: Thriller El año 1999 fue excepcional para la Milkyway y asociados, con el estreno de dos de sus mejores largometrajes de cine negro, Running Out of Time y The Mission. En Running out of Time no prima la dirección de To, sino un ingenioso guión que da una vuelta de tuerca diferente y original al manido juego del gato y del ratón: esta vez un policía que persigue a un ladrón de guante blanco que busca, en su última misión, vengar la muerte de su padre. Dos hombres enfrentados que al final tendrán que unir fuerzas. Espectaculares Andy Lay y Lau Ching-Wan. Election Año: 2005 Con: Simon Yam, Tony Leung Ka Fai, Lam Suet, Louis Koo Género: Thriller/Gangsters Como cada dos años, los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong se preparan para elegir a un nuevo líder. El bastión de mando está en juego, y todos los integrantes parecen tener unos intereses determinados a la hora de decantar su voto. Con una estilizada puesta en escena y una muy estudiada planificación, To realiza en Election una crónica sobria y muy precisa sobre el funcionamiento interno de la tríada y sus brotes de rivalidad y de violencia.

Election (Johnnie To, 2005)

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Wilson YIP A finales de los años ochenta, cuando el cine hongkonés emprendía nuevos caminos, un joven entusiasta, amante del cine de género, se proponía hacerse un hueco en su competitivo panorama local. Era Wilson Yip, que dio sus primeros pasos como asistente de dirección de Andy Ching (Love among Triad), quien le ofreció la posibilidad de dirigir su primera película en el año 1995 (01:00 A.M.). Su gran reto llegaría en el año 1996 cuando se hizo cargo de la dirección de Daze Raper, una película catalogada de categoría 3 (películas para adultos), que narraba la caída a los abismos de un guardia de prisión debido a sus contactos con el crimen organizado. Yip demostró cómo podía dotar a un thriller genuinamente hongkonés de su toque personal aunando el verismo necesario con la profundidad psicológica del personaje. Y ese fue el principio, porque en 5 años, Yip ha pasado de dirigir películas de bajo presupuesto a abordar proyectos millonarios. Parte de su filmografía son Bio-Zombie, Bullets over Summer, Skyline Cruisers, Juliet in Love, S.P.L., Dragon Tiger Gate o la reciente Ip Man. Bullets over Summer Año: 1999 Con: Louis Koo, Francis Ng, Matt Chow, Tony Ho Género: Thriller/Acción Bullets over Summer fue uno de sus éxitos en taquilla, donde él mismo firma el guión junto al que será ya amigo y colaborador habitual, el actor Matt Chow. Una buddy-movie que reunía a una pareja dispar de policías en las labores de vigilancia dentro de una casa habitada por una anciana senil que confundirá a los agentes con sus nietos. El trato entre estos personajes, la entrañable relación que se establece, dará paso luego al thriller más convencional. El dragón blanco/The White Dragon Año: 2004 Con: Cecilia Cheung, Francis Ng, Hui Chiu-Hung, Lei Liu Género: Wuxia/Fantasía A Yip le gusta jugar con los géneros y no se olvidó del wuxia. Situada en la Dinastía Ming, un asesino ciego tiene que realizar su misión: acabar con los demonios de este mundo. Gracias a esta película Yip realizaría un “pseudohomenaje” al espadachín ciego japonés Zatoichi, en una comedia de artes marciales con coreografías espectaculares. 76

Andrew LAU

Nace en Hong Kong en 1960 y desde muy siente atracción por la fotografía, profesión que continúa ejerciendo en sus películas y en las de otros (por ejemplo, fue el director de fotografía en las películas de Wong Kar-Wai, As Tears Go By o Chungking Express). Como tantos otros, se une a la compañía de la Shaw Bros., donde realiza sus primeros pasos, hasta que en 1990 tiene la oportunidad de dirigir su primera película: Against All. Sin embargo, donde adquirió fama fue con su saga de jóvenes pandilleros Young and Dangerous (una saga de 6 películas que dura de 1996 a 1998), que revolucionó el cine de tríadas y lanzó al estrellato a jóvenes actores como Eking Cheung o Jordan Chan. Lau es el responsable del inicio del uso de la infografía en un género tan autóctono como el wuxia (A Man Called Hero), y también y, ése es quizá su máximo logro, en la renovación del género de gánsters. En una época de crisis de ideas, aventada por la incertidumbre post-97, Lau abre de nuevo al mundo las puertas del cine de la excolonia: la trilogía Infernal Affairs pone en el punto de mira del mundo de nuevo a Hong Kong, y a la vez redefine la figura del infiltrado en el cine policíaco. Juego sucio/Infernal Affairs Año: 2002 Con: Andy Lau, Tony Leung Chiu Wai, Anthony Wong, Eric Tsang Género: Thriller Andy Lau y Tony Leung Chiu-Wai dan vida a los protagonistas principales del doble juego del film. Andy Lau es un gángster infiltrado como policía. Tony Leung Chiu-Wai es un policía infiltrado como gángster. Los dos se sienten en tierra de nadie y acaban viviendo en un estado de confusión en el que sus valores primarios se diluyen y confunden. Además de recuperar la confianza del público local y de los mercados internacionales por el cine hongkonés, la crítica se puso de parte de la película, así como la Academia de Cine de Hong Kong que en su palmarés de la edición 22 otorgó a Infernal Affairs los premios a la mejor película, director, guión, actor secundario y montaje. Años más tarde sería el propio Scorsesse el que lograra el Oscar por Infiltrados, una copia, más que un remake de este film.

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Derek YEE Nacido en 1957 en Hong Kong, Derek Yee es uno de los directores más sólidos y contundentes del panorama cinematográfico hongkonés. En él encontramos gran parte de la historia de otros directores de la excolonia: actor en nómina de la antigua productora Shaw Brothers, acertado productor y escritor, y prolífico director que se atreve con todos los géneros. La comedia romántica (Drink, Drank, Drunk), la comedia más ácida con reflexión social (Viva erótica), el melodrama de corte clásico (C’Ést la Vie, mon Cherie) o el thriller se benefician de su impecable sentido estético y de su ritmo preciso, así como de una atmósfera adecuada donde los personajes se mueven en la ciudad, Hong Kong, tratada como un personaje más. Sus historias son sólidas, sobrias y a la vez ásperas y sarcásticas. En sus dos últimos y magníficos thrillers (One Night in Mongkok y Protege) reinventa y redefine el cine negro hongkonés. One Nite in Mongkok Año: 2004 Con: Cecilia Cheung, Alex Fong, Daniel Wu, Anson Leung Género: Thriller/Drama Bandas de gángsters, policías, asesinos a sueldo, prostitutas y, sobre todo, la ciudad de Hong Kong y el barrio de Mongkok, uno de los barrios más poblados del mundo. El espectador bajará a los infiernos con los personajes del film y correrá, igual que los protagonistas, por sus callejuelas, por sus oscuros submundos, por sus claustrofóbicos rincones... Unos personajes que van a la deriva buscando su propia verdad en un contexto adverso.

One Night in Mongkok (Derek Yee, 2004)

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Joe MA

Joe Ma es una persona muy conocida dentro de la industria del cine de Hong Kong, en la que lleva ya cerca de 20 años trabajando como director, guionista y productor. Empezó su carrera como escritor y de hecho todavía continúa escribiendo los guiones de sus propias películas y los de otros famosos directores. Después de 5 años dedicados en exclusiva casi a la escritura, en 1992 comienza su carrera de director con Rich Man, un film para adultos sobre la relación entre tres hombres llamados “sabios”. Desde ese momento hasta ahora, Joe Ma ha dirigido, guionizado y producido más de 30 películas.

The Warlords (Peter Chan, 2007)

Otros directores y productores

Embrace your Shadow Año: 2005 Con: Chen Hung-Lieh, Chin Ping, Lily Ho, Peter Chen-Ho Género: Musical romántico Una joven de 23 años debe cuidar a su hermano de una enfermedad hereditaria que le impide moverse de la cama y a su sobrina pequeña. Aunque su situación es pobre, se mantienen como pueden, hasta que un día un ladrón entra en sus vidas. Embrace your Shadow rescata viejos temas de la filmografía del autor: el amor (de pareja, entre hermanos, entre padres e hijos, el amor por las cosas, el dinero…) en sus facetas más oscuras.

Embrace your Shadow (Joe Ma, 2005) Perhaps love (Peter Chan, 2005)

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Peter CHAN

Peter Chan nació en Hong Kong, pero pronto su familia se trasladaría a Tailandia. Después de la adolescencia, marcharía a EE UU para estudiar cine en Los Ángeles. Regresa a mediados de los 80 a su país natal y comienza a trabajar para directores como John Woo, hasta que a principios de los años 90 crea su propia productora, la famosa UFO, donde se pretendía dar cabida a nuevas ideas, independientes e innovadoras, lejos de los grandes estudios. La filmografía de Peter Chan demuestra que existe un cine en Hong Kong más allá de la acción. Como director destaca su particular visión del amor, encerrado en la nostalgia, y un estilo pulido con una técnica minuciosamente matizada. Chan entiende el cine como un cruce de culturas, de géneros y de pasiones. Una visión cosmopolita que le ha llevado a abordar sus historias de amor desde distintos géneros y a colaborar con varios países en coproducciones panasiáticas.

Alan and Eric, between Hello and Goodbye Año: 1991 Con: Maggie Cheung, Eric Tsang, Alan Tam, Michael Dingo Género: Drama romántico Fue la ópera prima de Chan en la dirección y su primera tragicomedia. Le sirvió para plasmar sus reflexiones, pero sobre todo su concepción del melodrama. El argumento gira en torno a dos amigos que se reencuentran tras una larga separación, y se enamoran de la misma mujer. La separación y el reencuentro sirven a Chan para tejer una historia melancólica de sabor agridulce, donde la fórmula del triángulo amoroso se entrelaza con la detallada construcción del proceso de enamoramiento. Perhaps Love Año: 2005 Con: Takeshi Kaneshiro, Zhou Xun, Jacky Cheung, Eric Tsang Género: Musical/Drama Perhaps Love es un ejercicio muy plástico que bucea en el cine dentro del cine. La historia de amor entre los actores y el director de la película, corre paralela al guión que están rodando sobre el mundo del circo. Los números musicales (una mezcla estilo Moulin Rouge y Bollywood), sirven de reclamo para que el espectador sea testigo de la construcción de un romance y de la pérdida de memoria del mismo. Un precioso y espectacular musical. The Warlords Año: 2007 Con: Jet Li, Takeshi Kaneshiro, Andy Lau, Jinglei Xu Género: Acción/Drama épico Peter Chan se atreve con todo y después de los melodramas románticos, del terror y del musical, nos sorprendió a todos con un film épico que recrea la rebelión de Taiping durante la última Dinastía Ping, basado en el mismo relato que inspiró la cinta de Chang Cheh, Blood Brothers. Toda una cinta bélica y de acción que demuestra la grandeza y el esplendor del cine épico de Hong Kong.

The Warlords (Peter Chan, 2007)

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Directores de la Segunda Ola Spacked Out (Laurence Lau, 2000) Everlasting Regret (Stanley Kwan, 2005) Autumn Moon (Clara Law, 1992) As Tears Go by (Wong Kar-Wai, 1988) Fallen Angels (Wong Kar-Wai, 1995) 2046 (Wong Kar-Wai, 2004) Fruit Chan, máximo exponente del cine independiente Made in Hong Kong (1997) Hollywood Hong Kong (2001) Public Toilet (2002) Nuevos directores

2046 (Wong Kar-Wai, 2004)

Otras películas del cine de Hong Kong disponibles en la Mediateca de Casa Asia

Fu Bo (Wong Ching-Po, 2003) You Shoot, I Shoot (Edmond Pang, 2001) Isabella (Edmond Pang, 2006) John Woo y su “heroic bloodshed” Bullet in the Head (1990) Hard-Boiled (1992). Cine negro hongkonés

Cine clásico Dragon Gate Inn (King Hu, 1967) King Drummer (Inoue Umetsugu, 1967) Directores de la Primera Ola Érase una vez en China I, II, III (Tsui Hark, 1991-93) The Chinese Feast (Tsui Hark, 1995) Time and Tide (Tsui Hark, 2000) The Legend of Zu (Tsui Hark, 2001) Siete espadas / Seven Swords (Tsui Hark, 2005) Stuntwoman Ah Kam (Ann Hui, 1996) Eighteen Springs (Ann Hui, 1997) King of Chess (Yim Ho, 1991)

The Mission (Johnnie To, 1999) Running out of Time 2 (Johnnie To, 2001) Breaking News (Johnnie To, 2004) Skyline Cruisers (Wilson Yip, 2000) El amante de la última emperatriz (Andrew Lau, 1995) Initial D (Andrew Lau, 2005) Viva Erotica (Derek Yee, 1996) Protégé (Derek Yee, 2007) Peter Chan y Joe Ma Who’s the Woman, Who’s the Man (Peter Chan, 1996) Feel 100% (Joe Ma, 2001) Summer Breeze of Love (Joe Ma, 2002).


Rutas de cine: China, Taiwán, Hong Kong  

Aunque políticamente unidas por un mismo país, el cine de China, Hong Kong y Taiwán tiene, tradicionalmente, escasos puntos en común. El con...

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