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LA MÚSICA EN EL BARROCO

-Situación histórica: 

“Barroco” es el término que se emplea para designar el periodo artístico comprendido aproximadamente y según los países, entre 1600 y 1750.

Hasta finales del siglo XIX, la expresión “barroco”, tanto para la música como para las demás artes, tenía connotaciones negativas, despectivas y decadentes. Probablemente el término barroco se tomara del portugués, pues era la palabra que empleaban los joyeros portugueses para designar las perlas rugosas e irregulares. durante mucho tiempo se consideró que el arte de éste siglo y medio no fue más que una prolongación decadente del Renacimiento.

La Europa barroca es una Europa de monarquías absolutas y estuvo marcada por una fuerte crisis económica y social. Las epidemias, guerras y malas cosechas provocaron una gran mortalidad y una actitud de pesimismo y desconfianza ante la vida.

Pero, por otro lado, el Barroco fue un siglo de esplendor cultural en sus dos vertientes: científica (con figuras como Galileo Galilei, René Descartes e Isaac Newton, que sentaron las bases de la ciencia actual) y artística.

El arte barroco presenta las siguientes características generales:

En arquitectura se dan las superficies onduladas,

las

plantas

elípticas

y la

búsqueda de la monumentalidad. Predomina la variedad y la imaginación de los elementos

decorativos.

Se

busca

una

sensación de movimiento.

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La escultura busca el movimiento y el dinamismo.

La

anatomía

se

explora

buscando el movimiento y la expresión, así como tensiones y esfuerzos. El realismo y la expresividad buscan conmover y hacer partícipe

al

espectador

de

la

escena

representada.

En la pintura también se basa en la expresividad de las figuras y en el realismo. El intenso claroscuro, el movimiento de las figuras fijan las emociones de las escenas en la retina del espectador.

1. Características de la Música barroca: 

Melodía acompañada y bajo continuo: La música polifónica –que había sido la principal durante el Renacimiento- va cediendo terreno a otra forma de composición, la melodía acompañada, compuesta por una única línea melódica que es acompañada por un instrumento (o varios) a modo de bajo continuo.

El bajo continuo es un tipo de acompañamiento típico del Barroco. Marca la armonía y se tocaba con un instrumento polifónico (el clave, el órgano, el laúd...) normalmente reforzados y doblados por algún instrumento grave, como el violonchelo o la viola baja. En el bajo continuo solo se escribe una línea de notas sobre la cual que colocan unos números que indican los acordes y sobre los cuales el intérprete construye el acompañamiento, por éste motivo recibe también el nombre de bajo cifrado.

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Ritmo “mecánico”: Con el uso del compás (la mayor parte de la música del Renacimiento no usaba compases) la música adquiere un gran sentido rítmico.

La tonalidad sustituye definitivamente a la modalidad: Se utilizan más acordes y la armonía es cada vez más rica. El sistema tonal, con sus dos modalidades, mayor y menor se impone sobre el sistema modal.

El gusto por los contrastes (de timbre, de intensidad, de ritmo, de tempo) se convierte en un rasgo propiamente barroco. Los compositores, por primera vez, anotan cuidadosamente en la partitura todos estos elementos.

Expresión de los sentimientos: Los compositores del Barroco buscan poder expresar sentimientos mediante la música. La Teoría de los afectos barroca dice que la música puede transmitir sentimientos y afectar al alma del oyente.

Los compositores y especialmente los intérpretes se convierten en verdaderos profesionales. La complejidad técnica de las composiciones instrumentales y vocales obliga a una preparación especializada.

2. LOS ESTILOS DEL BARROCO: 2.1. El estilo concertato: Los términos concertato y concerto derivan probablemente de concertare = rivalizar, pero también poner de acuerdo. Estos términos hacen referencia a un estilo en los que grupos sonoros se oponen, pero también se combinan. El concertato es un estilo en el que diferentes elementos musicales contrastan deliberadamente. Puede ser el contraste entre una voz o instrumento y otra; entre un grupo y otro; entre un grupo y un solista... 2.2. El estilo del bel canto: Este estilo marcó no solo el desarrollo del Barroco, sino también del Clasicismo. Aunque el bel canto no creó formas nuevas, transformó las existentes mediante una nueva manera de entender la melodía y la armonía. Las características principales del bel canto estaban marcadas por una búsqueda de la belleza en la sencillez y la ligereza: 

Melodía fluida y estilizada (no se veía interrumpida por adornos exuberantes)

Ritmo fluido. Gusto por el ritmo ternario.

Armonía sencilla. 3


3. LAS FORMAS VOCALES: 3.1. Aria y Recitativo: Sobre estas formas básicas, se organizan las formas vocales más complejas como ópera, oratorio y cantata: 

Aria: Para voz solista, generalmente con acompañamiento instrumental. El aria tiene las melodías más ricas y hermosas. Se utiliza para realzar los momentos culminantes del texto. En el aria es donde mejor se aprecian los postulados del bel canto: melodía expresiva, ritmo fluido, y armonía sencilla.

Recitativo: Es un “canto hablado”. Busca poner música a un texto imitando y subrayando los ritmos del habla natural. Se establecieron dos tipos de recitativo: -Recitativo secco, donde la voz es acompañada exclusivamente por el bajo continuo. Se emplea para abreviar las narraciones y diálogos. Su forma y ritmo es libre, para permitir una mejor declamación del texto y una representación más viva. -Recitativo acompagnato, con acompañamiento orquestal y se usaba en situaciones dramáticas.

4. LA MUSICA VOCAL RELIGIOSA: 

El oratorio: El oratorio se basa en cantar partes de la Biblia. Los oratorios se diferenciaban de la ópera en que no se escenificaban, por la presencia de narrador y por la riqueza en el empleo de los coros con fines tanto dramáticos como narrativos.

La cantata: La cantata, a diferencia del oratorio, no tiene acción dramática. Es una composición para voz solista o dúos con acompañamiento de bajo continuo en la que se alternan recitativos y arias. Se escribieron cantatas profanas y religiosas según el contenido del texto, pero el procedimiento era el mismo.

4.1. La música vocal religiosa en Italia: El principal compositor barroco italiano fue Antonio Vivaldi. Antonio Vivaldi era hijo de un importante violinista. Recibió instrucción musical y estudió para ser sacerdote. Cuando, a causa de su mala salud, fue dispensado de decir misa, se consagró por entero a la música.

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Maestro de capilla, director de orquesta y profesor de violín en la Pietá de Venecia (Ver anexo final), fue el máximo representante de la música instrumental veneciana. Sus obligaciones en la Pietá le exigían que escribiese oratorios y música eclesiástica en gran cantidad, de la que nos han llegado ejemplos de calidad extraordinaria. 4.2. La música vocal religiosa en Alemania: El coral procedente de la Reforma Luterana fue uno de los procedimientos más empleados en los pasajes polifónicos de cantatas, oratorios y pasiones. El gran compositor alemán (y uno de los mayores, sino el mayor, de toda la música europea) fue Johann Sebastian Bach: Johann Sebastian fue el miembro más dotado de la gran familia de los Bach, que en el transcurso de numerosas generaciones produjo un número extraordinario de buenos músicos. J.S.Bach recibió su primera educación musical de su padre y de su hermano mayor. J.S.Bach compuso en todas las formas de su época, con excepción de la ópera. La variedad tiene su origen en los distintos cargos musicales que desempeñó a lo largo de su vida: En Arnstadt y Weimar, donde estuvo empleado como organista, la mayor parte de sus composiciones estuvieron dedicadas a éste instrumento. En la corte de Cöthen compuso la mayor parte de sus obras para clave y conjuntos instrumentales. El período más productivo en cuanto a música sacra fue el de sus años en Leipzig (donde fue director musical y maestro de la Escuela de Santo Tomás) -La música vocal de J.S.Bach: J.S.Bach dedica a la música vocal religiosa protestante gran parte de su obra. En su extensa producción podemos destacar: las cantatas y las pasiones. 

Las Pasiones: Son la culminación de la obra religiosa de J.S.Bach. En ellas describe el momento de la crucifixión y muerte de Cristo contada por un evangelista (Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan). En su composición alterna los pasajes en estilo recitativo con arias y coros.

4.3. La música vocal religiosa en Inglaterra: Georg Friderich Haendel, compositor alemán establecido en Londres, desarrolló en Inglaterra el oratorio. Los oratorios de Haendel están escritos en inglés, narra capítulos de la historia sagrada con melodías elegantes. Utiliza solistas, coros y orquesta. Entre ellos destaca El Mesías.

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5. LA OPERA: 5.1. La ópera en Italia: A finales del siglo XVI se formó en Florencia una reunión de poetas, científicos, músicos y mecenas en la que se hablaba de literatura, ciencia, arte y música. Se reunían en el palacio del conde Giovanni Bardi. La Camerata de Bardi o Camerata Fiorentina, como se ha denominado a esta tertulia quiso restaurar la práctica musical y teatral del drama clásico griego. Para ello, crearon un estilo de “canto hablado”: El estilo recitativo, en el que una única línea melódica (con o sin acompañamiento) se va adaptando al texto, a su expresión y a su pronunciación. Sobre éstas ideas se crearon las primeras óperas: obras para el escenario, con solistas y coros, cantadas y con música instrumental. La primera ópera fue Orfeo del compositor Claudio Monteverdi (compuesta en 1607) La ópera se convirtió pronto en el espectáculo preferido de la corte. Era un espectáculo grandioso, con gran riqueza en las escenografías, el vestuario y la música, que contenía largas y complicadas arias llenas de arabescos vocales para el lucimiento de los cantantes. Los temas de éstas óperas “serias” se encontraban especialmente en los mitos de la antigüedad clásica. En el siglo XVIII se abandonan los temas históricos y mitológicos y se deja paso a un género teatral más ligero y cómico, basado en personajes y situaciones cotidianos. Nace así la llamada opera bufa, que encontrara su mayor representación en La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi. 5.2. La ópera en Inglaterra: Los compositores más importantes fueron: 

Henry Purcell: Es el músico inglés más destacado del Barroco. Su obra maestra es Dido y Eneas, una ópera breve en la que desarrolla un estilo muy personal, con un lenguaje expresivo y enérgico a la vez que elegante.

La principal figura de la ópera inglesa fue George Frideric Haendel, que aunque era de origen alemán, se trasladó a Inglaterra y permaneció allí hasta su muerte. De las treinta y nueve operas que nos han llegado suyas, todas, excepto tres, fueron compuestas en Londres. Todas ellas pertenecen a la tradición de la ópera seria. Destacan: Rinaldo, Julio Cesar y Jerjes.

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5.3. La música escénica en España: -La Zarzuela: La zarzuela es una obra dramático-musical en la que se alternan pasajes dialogados con partes cantadas, pudiendo haber coros, fragmentos instrumentales y danzas. El nombre “zarzuela” viene de que estas representaciones comenzaron a realizarse en el Palacio de la Zarzuela.

6. LA MUSICA INSTRUMENTAL: La música instrumental, que había buscado su independencia respecto de la vocal durante el Renacimiento, se afianza de tal manera que los compositores consideran ambos géneros con la misma importancia. El violín se convertirá en el instrumento principal del Barroco. Poco a poco la música orquestal se iría organizando en torno a este instrumento. 6.1. Las formas instrumentales: -Suite: En el Renacimiento se emplearon muchas formas de danza que tendían a agruparse por parejas contrastantes en tempo y ritmo. Sobre ésta idea, en el Barroco se crea la suite o conjunto de danzas para uno o varios instrumentos. Destacan las suites de Johann Sebastian Bach. -Sonata: En el Barroco hallamos dos tipos: 

Sonata de cámara: Se interpretaba en los salones privados de la corte o la nobleza y eran, en realidad, suites de danzas para un grupo de instrumentos reducido.

Sonata de iglesia: De composición contrapuntística, se divide en cuatro movimientos: lento, allegro, andante, presto. Suelen ser interpretadas por conjuntos más amplios que las de cámara.

-Fuga: La fuga es una pieza instrumental polifónica a tres o cuatro voces basada en la idea de la imitación. Haendel practicó este género a la perfección, pero el genio de la fuga fue J.S.Bach y su ejemplo principal, los Preludios y Fugas de El Clave Bien Temperado, obra para teclado con un Preludio y una Fuga para cada una de las tonalidades. -Concerto: Es la reunión de un conjunto instrumental grande que se opone a otro más pequeño (concerto grosso) o a un solista (concerto a solo) buscando contrastes tímbricos y de intensidad.

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6.2. La música instrumental en Italia: 

Instrumentos:

En Italia destaca la calidad de sus constructores de violines (luthiers

insuperables como Stradivarius, Guarnieri o Amati) 

Compositores: Antonio Vivaldi: Además de su música vocal religiosa y sus óperas, Vivaldi destacó por la cantidad y la calidad de su producción instrumental. La influencia de Vivaldi sobre la música instrumental del siglo XVIII fue enorme. En ella destacan conciertos (estudiados por el propio J.S.Bach) La mayoría de los conciertos están escritos para un solo instrumentos solista con orquesta, casi siempre para violín. En sus conciertos para cuerda destacan los famosos Las cuatro estaciones.

6.3. La música instrumental en Alemania: 

Instrumentos: Destacan por su calidad los instrumentos de teclado: órganos, clavicémbalos y clavicordios.

Compositores: Johann Sebastian Bach. Entre la abundante y variada producción instrumental de J.S.Bach, destacan: 

Las obras para órgano: Preludios y fugas, preludios corales....

Las obras para clave: -

El clave bien temperado: Está formado por dos partes. Cada parte consta de 24 preludios y fugas. En ésta obra, Bach demuestra la posibilidad de empleo de todas las tonalidades, con la entonces novedosa afinación temperada. Las fugas de El clave bien temperado son maravillosamente variadas y constituyen un estudio de todas las posibilidades de la escritura fugada.

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Las suites: Muestran la influencia de la música francesa, italiana y alemana. Hay tres series de seis suites cada una: las Suites Francesas, las Suites inglesas y las Seis Partitas. Las denominaciones “francesas” e “inglesas” no son del propio Bach.

Los conciertos: Su mejor ejemplo se encuentra en los seis conciertos que Bach compuso en Cöthen y que se conocen por el nombre de Conciertos de Brandenburgo.

Aunque sobresalen éstas obras, no son menos destacables las obras para violín y violonchelo solos, las sonatas para conjunto instrumental, los conciertos para violín solista, los conciertos para clave, las suites para orquesta...

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6.4. La música instrumental en Inglaterra: 

Los instrumentos: Destaca el uso del laúd.

Los compositores: Georg Friederich Haendel: Aunque de origen alemán, pasó gran parte de su vida en Londres. En el terreno de la música instrumental destacan sus obras para tocar al aire libre, también llamadas obras “de circunstancia”, como su Música acuática o Música para unos fuegos artificiales.

6.5. La música instrumental en España: En la música instrumental del siglo XVII será la guitarra de cinco órdenes (cinco pares de cuerdas) el instrumento más practicado en España. El compositor y teórico más destacado de éste instrumento fue Gaspar Sanz. El órgano, tuvo un gran desarrollo en nuestro país, tanto en su composición como en su construcción. El tiento fue la forma más practicada. Francisco Correa de Araujo, que fue el más destacado organista y compositor de música para órgano. 7. LOS INSTRUMENTOS: 

Instrumentos de cuerda: Destacan la familia de las violas, la familia de los violines, el laúd, la guitarra y el arpa.

Instrumentos de viento: Destacan las flautas, oboes y fagotes, en viento madera. En viento metal destacan la trompeta, la corneta y la trompa.

Instrumentos de tecla: Destacan el órgano, el clavicordio y el clave. -Órgano: Instrumento de viento y tecla. Cada tecla acciona un mecanismo que deja salir el aire por el tubo correspondiente. Un sistema de registros permite que cada tecla pueda producir diferentes sonidos. -Clavicordio: Su sonido se produce cuando al pulsar la tecla acciona una tangente o barrita de metal que golpea la cuerda, quedándose en contacto con ella hasta que se levanta la tecla. -Clave: Produce el sonido por el “pinzamiento” de las cuerdas mediante tallos de pluma accionados por teclas. Su sonoridad era mayor que la del clavicordio.

La Orquesta: No podemos olvidarnos de la orquesta como instrumento de conjunto, que va adquiriendo forma a lo largo del Barroco. La cuerda comienza a ser la protagonista, y sobre esta base, los compositores añaden diversos instrumentos de viento según la disponibilidad: flautas, oboes, fagotes, cornetas, trompas o trompetas. 9


*ANEXO: La Pietá de Venecia:

El Ospicio della Pietà era un orfanato para chicas que habían sido descuidadas o abandonadas por sus padres, o cuyos padres estaban muertos. En el orfanato había una parte de Conservatorio de Música, donde trabajó Vivaldi como maestro del coro y como compositor. Las chicas que mostraban talento musical eran puestas en el “coro de las chicas” de la escuela de música, mientras el resto de alumnas recibía una educación general. Estas chicas eran sumamente talentosas en el campo de la música. Eran capaces de tocar múltiples instrumentos así como cantar. La chica más conocida en el Pietà era una mujer joven que atendía por el nombre por el nombre de Anna Maria. No sólo era conocida por ser una de las mejores violinistas en Italia, sino que ella sobresalió también en la viola, el violonchelo, el laúd, la mandolina, y el clavicordio. Como Anna Maria, la mayor parte de las chicas eran expertas en múltiples instrumentos y la voz. La gama de instrumentos disponibles para ellas era extensa. El término “chicas” se aplica siempre que se habla de las intérpretes del Ospicio della Pietá. Sin embargo, este término desorienta. Algunos de las residentes e intérpretes eran en realidad mujeres de media edad o mayores. Estas mujeres, por la razón que fuese, decidieron no escoger ninguna de las dos elecciones disponibles a las mujeres de ese período: ser criadas o casarse. Tocar fuera del Pietà no era una opción, ya que ser instrumentista profesional y mujer no estaba permitido en ésta época.

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Tema 08: El barroco musical