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+ DISEÑO + FOTOGRAFIA + ARTE

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N IÓ IAL IC C EDSPE E


CONTENIDO

DISEÑO GRAFICO

10 MITOS DEL DISEÑADOR GRAFICO

DISEÑO GOURMET

ANIMACION 3D

PÁG 3 4-5 6 7

FOTOGRAFIA EN BLANCO Y NEGRO 8 - 9

LA FORMA COMO MEDIO DE COMUNICACION PARA EL DISEÑO

PIERCINGS | Del arte corporal a la moda erótica

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FOTOGRAFIA ARTISTICA 12 LA FOTOGRAFIA EN 13 ENTORNOS DIGITALES

MINIMALISMO

LA FOTOGRAFIA PUBLICITARIA

+ DISEÑO + FOTOGRAFIA + ARTE 2

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Mientras que los lápices y rotuladores se utilizan para bosquejar las ideas iniciales, hoy en día se utilizan computadoras para las etapas posteriores del proceso de diseño gráfico. El diseño gráfico es una profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados. Ésta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma ycomunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se conoce con el nombre de “diseño en comunicación visual”, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos. Dado el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las desarrollan. Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética y el llamado diseño multimedia, entre otros.

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+ DISEÑO

El diseño grafico es una carrera muy flexible donde aprendemos lo que es la creatividad en cualquiera que sea la escuela de diseño de donde hayamos cumplido la carrera y lo mejor de todo es que brinda muchas satisfacciones. Sin embargo hay ocasiones en que con sus reclamos, nuestros amigos y clientes nos hacen dudar de nuestra propia profesion. Los diseñadores graficos a menudo son culpados de disfrutar de los encantos y ventajas adicionales que ofrece su profesion, esto en la mayoria de los casos es una mentira. Para aclarar esta situacion, a continuación hemos hecho una lista de algunos conceptos erroneos que se tienen del diseño grafico, dandoles un toque divertido y esperando que sean de ayuda tanto para los diseñadores como para los clientes.

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Los diseños abstractos son tontos…. Aaaarghh!!

Las obras maestras de arte abstracto por lo regular siempre son tachadas como “intentos tontos y fallidos” por la mayoria de los espectadores. Cada vez que un diseñador viene con un diseño abstracto las personas lo encuentran sin sentido y loco. Tales elogios son realmente molestos y desalentadores.

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Los diseñadores graficos son carosObjecion!

Dado que cada diseño es diferente de otro, se tiene la percepcion comun de que los diseñadores graficos cobran mucho. La gente piensa que al no tener una lista de precios estandar los diseñadores graficos cobran al cliente lo que quieren. Seamos claros, cada proyecto de diseño es diferente y tiene sus propias demandas por lo que los diseñadores cobran de acuerdo a estas demandas. Las encuestas han demostrado que la mayoria de los diseñadores son mal pagados, especialmente los freelancers.

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Es un trabajo facil- Estas bromeando??

Cada vez que un diseñador se presenta como tal, la primera declaracion que escucha es ” Que divertido debe ser hacer un trabajo tan facil”. Es irritante encontrar que el diseño grafico es catalogado como una profesion ligera y sin seriedad. A veces nos gustaria que los mismos clientes o los que dicen tal mentira se inscribieran en un curso de diseño grafico para que comprobarar que esta labor no es tan facil como ellos piensan. Jugar con colores y software de diseño todo el dia no significa que no sea una carrera importante.

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Todos los diseñadores graficos hacen dinero- No bromees. Se tiene la nocion de

que el diseño grafico brinda fama y fortuna facilmente. Esto no es tan facil de lograr como parece. El diseño se ha convertido en un campo de trabajo tan competido que existen infinidad de diseñadores dispuestos a trabajar por menos, y desafortunadamente, esto mantiene los salarios a los diseñadores bajos.

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+ DISEÑO Los diseñadores no tienen dificultades al tratar con los clientes- No es cierto!!.

Muchos creen que los diseñadores no tienen que tolerar las tonterias de algunos clientes. Estan en un gran error, aun cuando se hayan aclarado todos los detalles, los clientes no dejan a los diseñadores en paz hasta que consiguen su diseño. De hecho los diseñadores enfrentan mucha interferencia de los clientes con tantas revisiones que se hacen para satisfacerlos.

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El Internet puede hacer a cualquiera un buen diseñador- ¿De verdad?. Es

cierto que el Internet esta lleno de tutoriales y herramientas para ayudar en el diseño. Sin embargo conocer un poco de Photoshop o las tecnicas basicas del diseño nunca podra hacer a alguien un diseñador profesional. Se necesita tener un grado adecuado, investigación, experiencia y conocer algunos consejos creativos sobre diseño grafico y esto es lo que exigen en las diferentes bolsas de trabajo para diseñadores graficos de verdad.

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Los diseñadores no siguen reglas especificas- No estamos de acuerdo. El

diseño grafico es buscado por ser una profesion animada y tranquila, asi que la mayoria piensa que no hay horarios ni tiempos de entrega que cumplir. Sin embargo ninun juego puede ser ganado si no se siguen ciertas reglas. Asi que debemos dejar de pensar en el diseño grafico como un trabajo sin seriedad y darnos cuenta de lo dificil y duro que se tiene que trabajar para r cumplir con los proyectos a tiempo.

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Los recien egresados de la carrera son contratados inmediatamente.- No existe tanta suerte. En la universidad, los estudiantes

disfrutan aprendiendo Photoshop e Illustrador y tratan de sacar adelante algunos proyectos como freelancers. Esto les hace creer que tan pronto como se graduen seran contratados y calificarán en las diferentes ofertas de trabajo por grandes compañias y estaran saturados de proyectos. Deben saber que si creen en esto, estan viviendo en el paraiso de los tontos porque no es tan facil ser contratado.

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Es facil tener su propia empresa- Eso quisieramos. Muchos de los estudiantes y

freelancers piensan que facilmente pueden crear una empresa multimillonaria. Sin embargo, si piensa eso es que no es lo suficientemente inteligente para saber que no se puede tener una empresa sin experiencia previa y trabajo duro.

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Los diseñadores se copian unos a otros las ideas- Totalmente equivocado. Cuando los diseñadores

dicen que se inspiran en la naturaleza, su entorno de trabajo o de otro diseñador, son responsables de copiar el trabajo de otras personas. Como diseñadores tomar inspiracion para llegar a una idea creativa innovadora forma parte de nuestro trabajo, pero eso no significa que estemos copiando unos de otros. Todos estos mitos acerca del diseño grafico no significan que esta profesion no sea exitosa. Toda profesion requiere de un trabajo duro y enorme esfuerzo y lo mismo se requiere en el diseño grafico. Asi que nuestros espectadores asi como nuestros clientes no deben omitir al diseño grafico de su lista de profesiones competitivas.

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+ DISEÑO

GUADALAJARA | Un encuentro entre artesanos locales y diseñadores da forma al concepto, interiorismo, mobiliario, gráficos y objetos de esta tienda mexicana de productos gourmet.

E

l proyecto forma parte de las intervenciones para el complejo turístico de Marival Group. Se trata de una propuesta integral, que abarca desde el concepto hasta las aplicaciones de detalle para una tienda de productos gourmet en Nuevo Vallarta, Nayarit. Había que proponer una imagen con personalidad, capaz de impulsar la viabilidad del negocio como franquicia, pero alejada de los clichés característicos de este tipo de negocio. Con estas premisas, se desarrollaron dos líneas de exploración formal y conceptual, empezando por el nombre y el logotipo. Prevaleció una propuesta visual basada en la letra D: de degustación, delicia, disfrute, deleite. Así se llegó a D stock gourmet, una identidad neutral, toda en blanco y negro. Entre las aplicaciones del logo destaca la del piso de mosaico —fabricado por un taller de Guadalajara—, que utiliza la D como figura principal, en una composición geométrica que recuerda los gráficos de mosaicos mexicanos tradicionales. La sencillez del mobiliario, laqueado en blanco brillante, resalta los productos en un espacio con aire doméstico, de comida hecha en casa. Aplicación del logo como figura principal de la composición de los mosaicos. El proyecto abarca desde la arquitectura interior y la iluminación hasta el diseño de los objetos, los uniformes de los empleados y demás elementos gráficos. Mensajes aplicados con sellos tradicionales de goma en tarjetas y bolsas aluden a datos curiosos sobre la Riviera Nayarit. Canastas artesanales tejidas a mano resaltan los colores y las texturas de panes, salsas o cajas de té, así como los listones —bordados con el mismo diseño del piso y las cenefas—, anudan y decoran el papel de china de los distintos empaques.

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+ DISEÑO

Usos erróneos de la palabra “render” Desde hace varios años los diseñadores aficionados han llamado “render” como aquellas imágenes que usan el canal alpha para eliminar el fondo y facilitar la edición de dicha imagen, a pesar de que dicha edición no utiliza ningún motor de renderización. Este termino mal empleado se ha expandido por todo el internet, con mayor influencia en páginas donde publican tutoriales gratis de edición de imágenes digitales, permitiendo así que los nuevos diseñadores amateur empleen de forma errónea el termino “render”.

E

n computación, una animación 3d hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. Se trata de la descripción de los objetos de un modelo 3d a lo largo del tiempo. Para que exista animación, esa descripción debe variar en algo con respecto al tiempo: movimiento de objetos y cámaras, cambio de luces y formas, etc. Puede tratarse de una animación que se renderiza en tiempo real cuando se está ejecutando, o una animación que utiliza tres dimensiones pero ya ha sido renderizada previamente, por lo tanto sólo se trata de un video. La principal diferencia entre ambas radica en el momento de renderizado de la animación, es decir, el proceso de convertir las fórmulas matemáticas en imágenes digitales. En la primera, la animación se renderiza en tiempo real, consumiendo gran cantidad de memoria y procesamiento. Para que este tipo de animación sea posible, muchas veces es necesaria una placa aceleradora de gráficos que ayude al microprocesador. Este tipo de animación se utiliza especialmente en juegos en 3d, donde el dinamismo, la velocidad y la necesidad de diferentes ángulos y movimientos, es fundamental. En la segunda, la animación del modelo en 3d se renderiza primero, y luego se puede visualizar como un video digital. El trabajo pesado se realiza una sola vez y luego se puede ejecutar como video, lo cual no consume mucho procesamiento. Ejemplos de este tipo de animaciones son las películas y dibujos animados en tres dimensiones.

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+ FOTOGRAFIA

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Muchas de las mejores fotografías están hechas en blanco y negro. Además de su propio encanto, el blanco y negro nos ofrece la posibilidad de experimentar y aprender las bases del trabajo. Cuando fotografiamos en blanco y negro debemos recordar que una escena con diferentes colores puede resultar gris si los tonos son similares. Un rojo, un verde o un azul muy vivos pueden dar como resultado el mismo tono de gris, si no se emplea un filtraje adecuado para incrementar el contraste. Un filtro rojo aclarará las zonas rojas y oscurecerá los otros colores, de modo que un rojo de labios, por ejemplo, saldrá blanco. Uno verde iluminará las partes verdes. Los filtros amarrillos y naranja se utilizan para oscurecer los cielos azulados y destacar el blanco de las nubes así como para camuflar las manchas de la piel aclarándolas. Una película más rápida con un grano mucho mayor otorga un aire de reportaje a esta escena. Las imágenes en blanco y negro con un grano muy visible se emplean mucho para acentuar el dramatismo y los efectos de la destrucción en reportajes de guerra y desastres naturales. Una película rápida nos permite acceder a velocidades de obturación más elevadas y congelar la acción.

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+ DISEÑO

SANTA ROSA DE CABAL | La forma como un todo estructurado, encuentra sus inicios en la naturaleza misma. La comunicación es el medio para comprender el entorno permitiendo tanto a los objetos naturales como artificiales ser interpretados en un contexto específico. En un pequeño trozo de piedra, en el árbol más frondoso y hasta en el más insignificante pedazo de hielo está intrínseca la forma. El origen de esta no es otro que la misma naturaleza que todos los días se manifiesta o influye de algún modo en el pensar, actuar y crear del ser humano. La naturaleza comunica en todo momento un sinnúmero de representaciones que son punto de partida para el diseño y creación de elementos artificiales. Pero antes de saber el comienzo de la forma es pertinente conocer su concepto, su significado dentro de un contexto determinado y para esto se define forma como: «un conjunto de elementos organizados y reconocibles que componen una estructura, floreciendo como orden tridimensional, configuración y representación de un concepto» (Sánchez, 2001). Por otro lado la teoría de la Gestalt parte del postulado que «la forma es un todo estructurado», donde se refiere a los elementos que la componen y se llega a establecer una relación dependiente entre ellos para constituirla. Por lo tanto, teniendo un concepto de forma definido, es posible decir que gracias a la naturaleza, el ser humano ha construido un mundo artificial y ha objetualizado su entorno, para así satisfacer sus propias necesidades. Pero es así como surge otro interrogante para establecer ciertos criterios: ¿De qué manera la naturaleza comunica al ser humano sus formas para que estas sean la inspiración para la creación de objetos artificiales? En este orden de ideas, es primordial concretar y definir un concepto de comunicación, el cual es el puente entre el objeto, ya sea natural o artificial, y el sujeto, quien es el encargado de hacer eficiente este proceso. Para esto es pertinente remitirse a diferentes conceptos de comunicación como: «En el objeto, lo comunicativo tiene un carácter representativo, permitiendo que se transmitan las estructuras y tradiciones sociales por medio de formas. El símbolo incluye la experiencia, la valoración, la intuición, las normas culturales y la expresión de los usuarios». (Sánchez, 2001) Así pues, la comunicación se convierte en un medio esencial para llegar a una interpretación adecuada del entorno. De esta manera la naturaleza comunica y transfiere sus características formales, espaciales y en general todo su contenido visual para que el diseñador o creativo, haga un desglosamiento de

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ANGÉLICA OSORIO MARTÍNEZ «Lo primero hace surgir lo segundo, que a su vez hace surgir lo tercero; de lo simple se pasa a lo complejo». este impacto perceptual y sea éste el inicio de una creación con un propósito determinado donde se tienen en cuenta aspectos como la función basándose en la forma, ya que estos dos factores se encuentran fuertemente ligados uno con el otro para concebir cualquier tipo de objeto. En el proceso de comunicación existen dos agentes que se definen como emisor y receptor, donde el emisor lo conforman un conjunto de estímulos dirigidos hacia ciertos propósitos significativos. En este caso se hace referencia a la naturaleza como el emisor de signos visuales que el receptor o individuo lector capta para la posterior abstracción de las señales formales del medio que lo circunda. Cuando el receptor es un diseñador, aprovecha estas formas para crear otras nuevas que tendrán un fin u objetivo establecido donde en la mayoría de los casos, cuando este proceso se termina, se suple una necesidad y permite el desarrollo de una actividad que el ser humano requiere. Cabe señalar que «la comunicación visual se produce por medio de mensajes visuales que forman parte de la gran familia de todos los mensajes que actúan sobre nuestros sentidos sonoros, térmicos, dinámicos etc.» (Murani, 1985, 82) Estos mensajes contienen cada uno de los elementos visuales, como el punto, línea, contorno, dirección, tono, textura, color, la dimensión, escala y el movimiento. En el momento en que el diseñador recibe estos mensajes y decide tomar la forma de lo natural para elaborar cualquier tipo de objeto, las manos constituyen la principal herramienta para lograr este objetivo. «Los instrumentos que ellas fabrican son los que obtienen la especialización que la mano misma no posee y los que consiguen que los seres humanos sean expertos y especialistas en prácticamente todo». (Christopher, 1984, 8). A partir de allí, se comienzan a generar objetos que expresan su contenido al usuario por medio de un proceso de comunicación donde se determinan todas sus características y se destaca, tal vez, una de las más importantes: la función. El objeto tiene como labor básica emitir mensajes de tipo práctico, simbólico y estético para conseguir así una adecuada interpretación funcional del objeto por parte del sujeto.


+ ARTE

Como una forma de escape ante la incapacidad de transformar la sociedad, un mecanismo de encuentro mitológico con el placer o simplemente como un elemento de ornamentación y belleza, las perforaciones o piercig han transformado el cuerpo en un portador de credos culturales, sociales, politicos o personales, en un territorio de expresión de la humanidad. Según explica el psicólogo clínico Andrés Gento Rubio “el piercing lo practican más los adolescentes y jóvenes, y más las chicas que los chicos. El ‘body art’ en general se hace por moda, como expresión de la personalidad o de rebeldía respecto a lo establecido”. ARTE CORPORAL | El piercing consiste en perforarte alguna parte del cuerpo, como el lóbulo, oreja, nariz, labio, lengua, ceja, espalda, pezón, ombligo, genitales, etc., para colgarte en la perforación una joya o pieza metálica. PIERCINGS EN LA CAMA | Hoy, las motivaciones del piercing son muchas. Para un gran número de mujeres, además de ser un llamado espiritual o decorativo, el ‘body art’ es prácticado por su connotación erótica. Un gran porcentaje de las mujeres que tienen un ‘piercing’ en su cuerpo aseguran que experimentan nuevas sensaciones eróticas que van desde la boca hasta lugares más atrevidos.

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+ FOTOGRAFIA

Uno de los componentes más emocionales de la fotografía es el estudio de la fotografía artística. A la gente por naturaleza le encanta una foto, o la desdeña de la misma forma que le encanta o que desdeña una pintura o una escultura en particular. La fotografía artística tiene la capacidad de mover a los espectadores para que no sólo miren un objeto o una imagen sino que vean una emoción, una pasión o un concepto que ponga en movimiento los pensamientos así como las sensaciones dentro de un individuo. ¿Qué tiene la fotografía artística que mueve a gente e invoca respuestas emocionales? Los mismos espectadores a menudo no pueden determinar exactamente qué es lo que causa esta respuesta extrema dentro de ellos mismos cuando se les presenta una imagen.

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Toda la fotografía artística es una combinación de la suerte y de la disciplina técnica. Poder esperar la luz, la expresión o el movimiento perfectos para capturar lo que el fotógrafo está intentando explorar es a la vez un arte y una ciencia. Los fotógrafos artísticos que se han hecho famosos por su talento y formación han pasado años desarrollando técnicas y estilos que hacen que sus fotos sean verdaderamente únicas. Aprender la fotografía artística es una forma maravillosa de capturar imágenes para conservar para las futuras generaciones. El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento.

La fotografía vino a tiempo para liberar la pintura de toda literatura, de la anécdota, e incluso del tema. Pablo Picasso Llevé la fotografía como un pato al agua. Nunca deseé hacer todo lo demás. El entusiasmo sobre el tema es el voltaje que me empuja sobre la montaña de la servidumbre necesaria para producir la fotografía final. Berenice Abbott


+ DISEÑO

MENDOZA | Alcances de la formación del diseñador en nuevos lenguajes comunicacionales. El concepto de Infografía alude a un área específica del diseño llamado «diseño de la información». En él convergen distintas especialidades del diseño que se articulan para dar solución a una problemática comunicacional que es cada vez más demandada por las sociedades de la información y del conocimiento. El término infografía es un acrónimo derivado del anglosajón «infographics», hijo a su vez de la expresión «information graphics», que se hizo popular desde la informatización de las redacciones periodísticas a finales de los años 80 y comienzo de los 90. Una infografía es una representación diagramática de datos realizada con elementos icónicos y tipográficos, para facilitar la comprensión de la información. Un diagrama es una representación abstracta de la realidad y la abstracción es un componente esencial en el diseño de diagramas. Esta problemática del diseño se transfiere a un nuevo entorno o medio de representación: el ciberespacio; principalmente en los medios informativos digitales, como periódicos on-line. De este modo, el diseñador deberá conocer el alcance y los límites de este entorno digital. Poder transferir los conceptos infográficos del papel a la pantalla implica para el profesional del diseño todo un reto que, desde lo digital, involucra el manejo de nuevos aspectos semánticos, temporales, de movimiento y sonido en el desarrollo de interfaces. Además de la interactividad, otro factor definitorio de la visualización de información on-line es la multimedialidad. Los medios de comunicación Web tienen una gran capacidad de combinar diferentes medias en paquetes informativos integrados: textos, diagramas, videos, audio, fotografías, etc. Todas las herramientas comunes en los medios audiovisuales tienen cabida en la visualización interactiva, y el interés por explorar su uso es creciente. Según Salaverria: «El mensaje multimedia […] debe ser un producto polifónico en el que se conjuguen contenidos expresados en diversos códigos. Pero, además debe ser unitario. El mensaje multimedia no se alcanza mediante la mera yuxtaposición de códigos textuales y audiovisuales, sino a través de una integración armónica de esos códigos en un mensaje único.

La incorporación de herramientas interactivas a los diarios digitales impulsa un cambio de paradigma en la visualización de la información: a la tradicional libertad que el lector de prensa tiene de leer los contenidos de una infografía en el orden que desee, creando sentido a partir de los datos, se le añade, en su correlato digital, la posibilidad de que cada visitante «diseñe» su propia información, la modifique a su gusto o según sus necesidades. El auge y la ubicuidad de los productos de diseño —en especial del diseño gráfico y la comunicación visual— configuran nuestro entorno material y cultural. Pero detrás de ese auge, el diseño está experimentando una compleja confusión conceptual y metodológica. La incidencia de las nuevas tecnologías y la falta de una teoría contemporánea son las causas más visibles de esta situación. En consecuencia, el ámbito académico y el profesional se debaten en busca de un nuevo paradigma para la reflexión y la práctica del diseño. No hay que confundir la teoría del diseño con metodología. La primera es fundamental para construir la segunda. Pero la metodología por sí sola no es teoría. Entre la teoría y la práctica se construyen puentes y estos puentes son los métodos. En ese sentido el diseño en sí mismo no constituye ninguna metodología; ésta se va construyendo con la teoría como directriz. El diseño como área específica de aplicación profesional permite especialidades que son cada vez más distinguidas o reconocidas. El diseño para la información, recientemente ha ganado espacio entre las demás especialidades proyectuales, porque logra vincular distintos aspectos como el editorial, el señalético, compositivo y persuasivo. Es una realidad que en estos días el diseño de la información se encuentra avalado por las teorías de la información y el conocimiento (TICs) y que cada vez se acrecientan las demandas en las distintas áreas tecnológicas y de las ciencias. Los teóricos de nuestra «sociedad de la información» enfatizan que su elemento definitorio es la creación y propagación de contenidos de la forma más rápida y eficiente posible, lo que impulsa una nueva forma de producción con características propias. Según la célebre formulación de Manuel Castells: En el nuevo modo de desarrollo informacional, la fuente de productividad estriba en la tecnología de la generación del conocimiento, el procesamiento de información y la comunicación de símbolos. Sin duda, el conocimiento y la información son elementos decisorios en todos los modelos de desarrollo, ya que el proceso de producción siempre se basa sobre cierto grado de conocimiento y en el procesamiento de la información.

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+ ARTE

La reconstrucción del Pabellón Alemán deLudwig Mies van der Rohe en Barcelona.

El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp o instalándose en la totalidad conceptual, estética y sonora de la acción performativa tal el caso del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti quien aplica en rigor la tendencia a reducir al mínimo la expresión en sus acciones musicales, escritas o visuales, definiendo al minimalismo como “lo máximo en lo mínimo”.

Diseño minimalista

Bastidores de bicicletas en Hamburgo 2008.

El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde en el sujeto se reduce a sus elementos necesarios. El diseño minimalista ha sido muy influenciada por el diseño tradicional japonés y la arquitectura. Además, los trabajos de los artistas de De Stijl es una importante fuente de referencia para este tipo de trabajo. De Stijl ha ampliado las ideas que se podría expresar mediante el uso de elementos básicos tales como líneas y planos organizada de manera muy particular. Se puede igualmente hablar de una arquitectura minimalista visible en la obra de, por ejemplo: John Pawson, Souto de Moura, Tadao Ando,Hiroshi Naito o Rudi Riccioti.

Escultura y Pintura minimalista.

El minimalismo se desarrolló en el campo de la escultura cuyos representantes principales son: , Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La pintura minimalista tiene influencias del Constructivismo y sobre todo del planteamiento reduccionista de Ad Reinhardt. Algunos pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin y Eduardo Sanguinetti. La reconstrucción del Pabellón Alemán de Mies van der Rohe Ludwig en Barcelona.

Música minimalista. Piet Mondrian, Ilustración realizada en el estilo neoplasticista.

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En el mundo de la música, en los 35 últimos años, el término minimalismo se aplica a veces a la música que muestra alguna de las características siguientes (o todas): Repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un período largo de tiempo; Éctasis, a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos; Énfasis en una armonía tonal; Un pulso constante. La primera composición que se considera minimalista fue la obra de 1964 In C, de Terry Riley, a la que siguieron, en la década de 1970 las obras de Steve Reich. También se habla de techno minimal, un género secundario de la música de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido entrecortado, un compás ritimico de 4/4 simple (generalmente, alrededor de 120-135 BPM), una repetición de bucles cortos, y cambios sutiles.


+ FOTOGRAFIA

Otra forma de llegar a la sociedad consumista. La fotografía lleva casi dos siglos en el mundo y es bien sabido que inicialemente se utilizó a manera de experimento para retratar la sociedad circundante; fueron muchos los pasos que se dieron para llegar a la cámara digital que usamos hoy en día; fotos con horas de exposición, ausencia de color, sobreexposición a químicos y miles de inconvenientes más fueron dando lugar a la llegada del color. La fotografia y la publicidad se vendrían a encontrar en el siglo XX, pero la primera gran rama de este arte fue la fotografía artística con y sin retoques; escenas de hermosos paisajes, de mujeres de sociedad, familias y lugares alrededor del mundo fueron pasando por la lente, hasta que antes de la mitad del siglo se empezó a usar para catálogos y avisos comerciales. Este tipo de publicidad se útilizaba para anuncios de revistas; imágenes de familias felices y sin problemas económicos utilizando electrodomésticos o comiendo comida enlatada fueron cubriendo al país; siempre en su afán nacionalista Estados Unidos se levantó de sus malas épocas de guerra y pobreza gracias a las imágenes que mostraban. La fotografia publicitaria profesional es una especialidad de la fotografía y se ofrecen infinidad de cursos que enseñan los trucos más comunes para que un producto se vea llamativo para el comprador; materias como maquillaje de alimentos o retoques por computador demuestran que lo que vende es lo que entra por los ojos y debe ser perfecto. la fotografia como medio de publicidad es usada en revistas, diarios, vallas, carteles, ilustraciones y todo tipo de publicaciones; también se recurre a ella para campañas políticas, siendo una ficha clave en la forma del personaje para llegar a la comunidad, una buena foto puede simbolizar transpariencia, honestidad e inteligencia, sea o no sea cierto.

Esta rama de la fotografía también ha servido para desarrollar la industria gráfica en una gran medida, siempre de la mano con las nuevas tendencias de reproducción de alta calidad. Varias personas se han hecho famosos como fotógrafos publicitarios, algunos de ellos: Richard Avedon (fue el primero en tener un estudio fotografia publicitaria para catálogos de moda), Helmut Newton y Cecil Beaton, quien inició como fotógrafo de la alta sociedad. En la era de la digitalización, la fotografía, así como las demás artes han ecolucionado en la búsqueda de la perfección; ya no sabemos qué es real y qué es representado; lo cierto es que la fotografía seguirá usándose como medio fundamental para llegar a la nuestra, la sociedad de consumo. La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos “publicitarias” eran las llamadas de “ arte final”, ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de “color”. Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scaner de alta resolución, los resultados son fabuloso.

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Yelloow Magazine  

Diseño, Fotografia, Arte

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