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[ Objects of Desire ]

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[ Objects of Desire ]

Chanel en tu mano

La casa de Alta Costura ha apostado por los clutches de plexiglás para darle un tono de color a su nueva coleción. Un producto desenfadado con el toque elegante de Chanel. www.chanel.com/es

Chanel at your hand

The High Couture brand has chosen the plexiglass clutches to give a tone of color to its new colection. A casual product with the elegant touch of Chanel. www.chanel.com/es

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[ Objects of Desire ]

El gesto femenino

The feminine gesture

Un clásico de la casa Chanel, que sin embargo mantiene su poder de sorprender y reinventa la barra de labios. www.chanel.com/es

A classic of Chanel, which however continues to surprise and reinvent the lipstick. www.chanel.com/es

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[ Objects of Desire ]

Nada que esconder

La Perla apuesta por las transparencias como arma de seducción íntima. Una colección de bodys que combina diseño con sensualidad extrema. www.laperla.com/es

Nothing to hide

La Perla focuses on transparencies as a weapon of seduction. A collection of bodys that combines design with extreme sensuality. www.laperla.com/es

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[ Objects of Desire ]

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Elegancia deportiva

New Balance ya ha superado el siglo de vida. Especializada en calzado deportivo, la nueva línea mantiene su apuesta por la comodidad, pero con elegantes y divertidos diseños. www.newbalance.es

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[ [ Objects ObjectsofofDesire Desire ] ]

Gafas con estrella

Johnny Depp, Bradley Cooper o Robert Downey Jr. son fans de esta firma estadounidense, nacida en 1986, y que ya es un referente de las gafas de sol vintage. www.oliverpeoples.com

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48. Cover Girl / Brigitte Bardot

And God Created the Woman / Y Dios cre贸 a la mujer. Por Ram贸n Reboiras. 12

62. Christian Louboutin

"Me dirijo a mujeres que no quieren ser hombres". Por Carmen Rosa.

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director/ editor in chief

STAFF

Juan Picornell editor/ editorial director

Andrés Rodríguez arodriguez@spainmedia.es subdirector/ deputy editor

Ramón Reboiras

rreboiras@spainmedia.es jefe de redacción/ executive editor

Fernando Bernal

fbernal@spainmedia.es

han colaborado en este número/ contributing writers

Irene Aiguaviva, Javier Caballero, Carlos Cortés, Edgar García, Irene García, Daniel Lorenzo, Fernando Marant, Loreto Quintanilla, Carmen Rosa, Duncan Van Sant y María Vernetta IMPRIME/ print Rivadeneyra, Calle Torneros, 16, polígono Industrial Los Ángeles. 28906 Getafe, Madrid. www.rivadeneyra.com DISTRIBUCIÓN/ circulation Grupo Cappuccino SGEL. Avd.Valdelaparra, 29. 28108 Alcobendas, Madrid.Tel. 91 6576900

jefa de diseño/ art director

Victoria de Diego

vdediego@spainmedia.es director de publicidad y marketing/ executive manager

cappuccino group INTERNATIONAL Calle San Miguel 53. Palma de Mallorca 07002, España Tels. 971 728777 / 681 288 476 www.grupocappuccino.com

equipo cappuccino/ capPuccino staff

Alberto Gil, Ramón Giner, Pepe Link y Bárbara Vidal

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Madrid_C/Doctor Fourquet, 3. 28012,Tfno. +34912061040 Fax +34 91 206 10 44. Barcelona_Calle Tuset 3-Moià 2ª Planta. 08006 Tfno. +34 93 2413714 Fax + 34934147036 @SpainMedia, S.L. Depósito Legal M-11732-2013, ISSN: 2340-0498 www.spainmedia.es

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SUMARIO 20. Objects of Desire Moleskine, Chez Dédé, Viola Milano, Dodo by Pomellato and Orlebar Brown.

22. Mesa 301 A Coffee with María Fitz-James.

38. Fine Art Gotthard Graubner: Color Temperature.

44. Journey 'La gran belleza', de Paolo Sorrentino. Roma, opened city (24 hours).

56. Inspiration Antony Gormley: The Angel of the North.

70. Cappuccino's Favourite John Pawson.

78. Fashion En la corte de Cristobal Balenciaga.

86. Premium Brands Agent Provocateur.

94. Cappuccino Music A Picnic with Pink Martini.

102. Welcome aboard Captain Luca Bassani (Wally).

112. Special Guest Jill Barber: Before Sunset.

120. Cappuccino Club Slava Egoroff: Shaken not Stirred.

Jacques Grange designs the new Cappuccino Grand Café Madrid.

140. Grand Opening 146. Check Out 16 

diseño original: clara montagut.

130. In the Kitchen 132. The Place

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[ Objects [ Welcome ] ] of Desire

doro la calle en que nos vimos/ La noche cuando nos conocimos/ Adoro las cosas que me dices/ Nuestros ratos felices/ Los adoro, vida mía. Adoro la forma en que sonríes/ El modo en que a veces me riñes/ Adoro la seda de tus manos/ Los besos que nos damos/ Los adoro, vida mía. Y me muero por tenerte junto a mí/ Cerca de mí, muy cerca de mí/ No separarme de ti/ Y es que eres mi existencia, mi sentir/ Eres mi luna, eres mi sol/ Eres mi noche de amor. Y me muero por tenerte junto a mí/ Cerca de mí, muy cerca de mí/ No separarme de ti/ Y es que eres mi existencia, mi sentir/ Eres mi luna, eres mi sol/ Eres mi noche, noche de amor. Adoro el brillo de tus ojos/ Lo dulce que hay en tus labios rojos/ Adoro la forma en que suspiras/ Y hasta cuando caminas/ Yo te adoro vida mía/ Yo te adoro, vida mía/ Yo, yo, yo te adoro/ Vida mía. 18

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ILUSTRACIÓN: VICTORIA DE DIEGO

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Armando Manzanero, Adoro, 1967

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[ Objects of Desire ]

Nada que esconder

La Perla apuesta por las transparencias como arma de seducci贸n 铆ntima. Una colecci贸n de bodys que combina dise帽o con sensualidad extrema. www.laperla.com/es

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[ Objects of Desire ]

Desde esta galaxia

Bloc de notas esencial para viajeros, poetas, mĂşsicos y dibujantes... Moleskine es ya un verdadero icono del diseĂąo. www.moleskine.com/es

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From this galaxy

Essential notebooks for travelers, poets, musicians and artists... Moleskine has become a true design icon. www.moleskine.com/es

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[ Objects of Desire ]

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[ Objects of Desire ]

In a Mal Bon you inte

Souvenir de La Riviera

Chez Dédé está especializada en crear colecciones muy pequeñas de complementos exclusivos, siempre de manera artesanal. Son capaces de convertir un bolso de playa en un fetiche de diseño. www.chezdede.com

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Souvenir of The Riviera

Chez Dédé specializes in creating very small collections of exclusive accessories, always handcrafted. They are capable of turning a beach bag into a fetish design object. www.chezdede.com

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In an ancient “palacio” in the old part of Palma de Mallorca that has been restored by the owners of Bondian Living -Diana Huete and Patrick Wünsche-, you can find Beach & Country House style furniture, international fabrics and home accessories.

En una antiguo “palacio” en el casco antiguo de Palma de Mallorca, restaurado por los propietarios de Bondian Living -Diana Huete y Patrick Wünsche-, puedes encontrar muebles de estilo Beach & Country, tejidos internacionales y accesorios para el hogar.

INTERIOR DESIGN WITH INTERNATIONAL INFLUENCES Bondian Living also carries out major interior design projects in Madrid and Majorca with selective clients all over Europe.

DISEÑO INTERIOR CON INFLUENCIAS INTERNACIONALES Bondian Living también desarrolla importantes proyectos de interiorismo en Madrid y Mallorca con clientes selectos de toda Europa.

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[ Objects of Desire ]

El verano del amor

Todo lo que necesitas es amor... Desde Italia, Dodo ha decidido dar la bienvenida al verano con una serie de pulseras y colgantes que festejan la ilusi贸n de estar enamorado. www.pomellato.com/es

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The summer of love

All you need is love ... From Italy, Dodo has decided to welcome the summer with a series of bracelets and necklaces that celebrate the enthusiasm of falling in love. www.pomellato.com/es

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[ [ Objects ObjectsofofDesire Desire ] ]

Gafas con estrella

Johnny Depp, Bradley Cooper o Robert Downey Jr. son fans de esta firma estadounidense, nacida en 1986, y que ya es un referente de las gafas de sol vintage. www.oliverpeoples.com

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[ Objects of Desire ]

Lazos ardientes

El buen gusto, el savoir faire y el diseĂąo se funden en los complementos de la ďŹ rma Viola Milano. Aires de moda italiana que quedan atrapados en el nudo de esta corbata Rose. www.violamilano.com

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The good taste, savoir faire and design become one in the accessories of the ďŹ rm Viola Milano. Italian fashion airs that become trapped in the knot of the tie Rose. www.violamilano.com

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Elegancia acuática

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Aquatic elegance

Orlebar Brown is the adventure of photographer Adam Brown, who one day decided to dress the beach and the pool, the parties in the garden or on the sand. The result is a tribute to the highest beach culture. www.orlebarbrown.co.uk

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[ The Icon ]

Azzedine Alaïa

Nacido en Túnez, en 1940, está considerado uno de los grandes de la Alta Costura. En Alaïa, la elegancia, la sofisticación y la femineidad se alinean con la vanguardia y el espíritu transgresor para dar forma artística a las creaciones. Algo que el diseñador aprendió bien de sus grandes maestros, entre los que figuran Dior, Laroche o Mugler, y que le llevó a ser el favorito de la jet-set. Posteriormente, y desde su propio taller en el barrio de Le Marais de París, se convirtió ya en un verdadero icono. Born in Tunis in 1940, he is considered one of the greatest names in Haute Couture. At Alaïa, elegance, sophistication and femininity are aligned with the avant-garde and transgressive spirit to shape the artistic creations. Something the designer learned well from his masters, who include Dior, Laroche or Mugler, and made him the favorite of the jet set. Later, from his own workshop in Le Marais, a historic district in Paris, he would become a true icon.

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[ Treasure ]

Alabaster: A treasure from Toro

Una de las sensaciones más intensas del panorama vinícola española es este poderoso vino elaborado con la variedad Tinta de Toro y que hace en esa comarca zamorana la familia Eguren. Aroma intenso y una gran carga frutal que se entremezclan con notas minerales de la tierra y acordes de madera. Una sinfonía de placer que se puede guardar ya que con el paso del tiempo mejora. Si lo va a consumir, es mejor decantarlo cuatro o seis horas antes de tomarlo. One of the most gratifying sensations of the Spanish wine panorama is this powerful wine made of Tinta de Toro variety grape, which is produced in that region by the Eguren family. Intense aroma and a great fruit extract, both mix together with mineral notes from the soil and wooden harmony in the palate. A pleasant symphony that can be kept because it gets better over the time. If you are going to consume it, it is better to decant it four or six hours before drinking it.

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[ Mesa 301 ]

UN CAFÉ CON maría fitz-james Personaje clave de la vida social madrileña y animadora de los principales eventos de la ciudad.

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Por Lucía Escudero / Fotos: Carlos Cortés

o suyo es innato. Nos encontramos en el nuevo Cappuccino Madrid, en la céntrica plaza de la Independencia, y nada más entrar María saluda sonriente al personal; es de esas personas que en seguida se hacen con la atención de los que le rodean. De alguna forma te resulta familiar y te sientes cómodo con esa cercanía que emana. Parece ser verdad eso de que hay gente que nace con “ese no sé qué” para las relaciones sociales. En el caso de María Fitz-James, también resulta ser algo genético. “Mi madre fue relaciones públicas de Canal + durante muchos años, y yo toda la vida le he dicho: 'mamá, yo no voy a trabajar en lo mismo que tú; es estresante'. Y me encantaba ser periodista, pero luego me di cuenta de que tengo un don con la gente; me sale, yo me llevo bien con la gente y me entiendo”, confiesa. La trayectoria de María es pura vocación por la comunicación. Comenzó como periodista, después se convirtió en directora de relaciones públicas de una editorial, y más tarde llegó Cien Volando, su proyecto personal, la agencia de comunicación que ya cuenta con nueve años de vida. “Creo que haber fundado mi propia agencia es el paso lógico. Me apetecía mucho tener algo mío. Me fui con una amiga; al principio estábamos las dos en un cuartucho de una galería de arte que nos habían pres-

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tado, cobrando el paro, y al final ha sido una buena idea. Creo que es un lujo poder tener tu empresa, y ver que las cosas funcionan da mucha satisfacción”. Especializada en marcas premium, la clave del éxito de Cien Volando es el cariño y la pasión. ¿Qué tienen en común todas las marcas a las que representa? María no duda: “Creo que para que yo pueda enamorar a alguien, tengo que estar enamorada yo. Digo que sí cuando me creo un proyecto, una marca, cuando me gusta, cuando la entiendo”. Además de encargarse de la comunicación de las marcas, en Cien Volando también son expertos en la organización de eventos. De hecho, fueron ellos quienes se encargaron del exitoso desembarco de Cappuccino en la capital, una de esas fiestas que nadie se quiso perder.Y no puedo evitar preguntarle a María sobre los ingredientes imprescindibles para montar la fiesta perfecta. “¿Sabes qué? Todo.Yo no me canso de decírselo a mis clientes. Por eso es tan complicado, porque en cuatro horas tiene que salir todo perfecto para que de verdad funcione. Según el cliente es un mundo, pero todo tiene que ser redondo. Es muy importante que la marca transmita su espíritu”. Tomamos nota. Lástima que no todos contemos con el sello de María –“espero que sean simplemente cosas bien hechas y divertidas”, dice– y su gracia especial.

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[ Mesa 301 ]

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MARÍA FITZ-JAMES

ers is innate. We are in the new Cappuccino Madrid, in the central Plaza Independencia, and, upon entering it, María greets the staff with the smile. She is one of those persons who immediately gets the attention of those around her. Somehow she looks familiar and you feel comfortable with the closeness she radiates. It seems to be true that some people are born with something special for social relations. In the case of María Fitz-James, this also happens to be genetic. "My mother worked for many years as a PR for Canal +, and all my life I have been telling her: “Mom, I am not going to work in your field; it is stressful. And I loved being a journalist, but then I realized that I have a gift with people, I get along with people and I understand them", she says. María’s career has shown a strong vocation for communication. She got started as a journalist, then she became director of public relations for a publisher, and later on, it came Ciento Volando (two in a bush), her personal project, the communications agency that is already nine years old. "I think founding my own agency was the logical step. I really wanted to have something of mine. I started with a friend. At first, we were both in a small room of an art gallery that we were borrowing, receiving unemployment benefits, and in

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the end, it was a good idea. I think it is a luxury to have your own company and see that things are running well is very satisfying.” Specialized in premium brands, the key to success of Ciento Volando is love and passion. What do all the brands she represents have in common? Mary does not hesitate: "I think that, for me to be able to win somebody’s love, I need first to be in love. And I accept a project when I believe in it, when I like it, when I understand it.” In addition to being responsible for the brand’s communication, Ciento Volando is expert in event planning. In fact, they where responsible for the successful opening of Cappuccino in the capital, one of those parties that no one wanted to miss. And I cannot help but ask María about the essential ingredients to organize the perfect party. "You know what? Everything. I never get tired of telling this to my clients. That is why it is so complicated. Because, during four hours, everything needs to be perfect if the party is really to be successful. According to the customer, options can be countless. But they all need to be impeccable. It is very important to stay truth to the brand’s spirit.” We take note. Too bad that not all of us can count on María’s stamp of quality -"I hope things are simply well made and fun," she says- and her special qualities. Entrevista realizada en Cappuccino Madrid el 18 de febrero de 2014.

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[ Fine Art ]

graubner: la temperatura del color otthard Graubner, fallecido el pasado año a los 82 años, es de esos artistas a los que le debemos lo que hoy conocemos del color. Su profundo estudio y un desarrollo que fue mucho más allá de los límites tonales establecidos, le convierten en una figura clave de la pintura del siglo XX. Nació en 1930 en Sajonia, en la República de Weimar, tres años antes de que la esvástica tiñera bicolor el horizonte de Alemania y Europa. Estudió Artes Plásticas donde todo artista de la época acudía a formarse, Berlín y Dresden, pero acabó abandonando la DDR para siempre en 1954 para mudarse a Düsseldorf. Allí se decantó por la experimentación cromática y forjó una personalidad discreta, poco preocupada por la gloria y la fortuna. De hecho, hasta el año 60 no vendió su primera obra, fue en la galería Schamela de Düsseldorf. “Nunca he pensado en ganar dinero. Ya tenía 30 años cuando vendí mi primer cuadro. Ahora muchos jóvenes quieren ser famosos a los 20 y eso es algo que debe llevar su tiempo”. Tras aquella primera venta, Graubner arrancó su estudio de la tridimensionalidad del color y con las enormes posibilidades que, a sus ojos, este campo aún guardaba sin explotar. Su trabajo se materializó en los famosos 'cuadros-cojín', lienzos mullidos en los que el soporte hacía que los tonos cobraran nueva vida y, más tarde, en sus 'cuerpos de color' y sus 'cuerpos espaciales de

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color', en mate, con la luz y su efecto sobre el cálido pigmento como comienzo y conclusión. “Mis pinturas se construyen solas con la luz y se apagan también con ella; el principio y el fin son intercambiables. Las obras no describen una condición, son la transición”, explicaba en 1963 Graubner, siempre ataviado con su característica traje, la barba bien poblada y un elegante sombrero. Se trata de pinturas que, como declaró en una ocasión el propio artista, “para comprenderlas se deben respirar”, lienzos cubiertos hasta sus cantos que hoy cuelgan, además de en las pinacotecas más prestigiosas del mundo, en el Reichstag y el Palacio de Bellevue, residencia oficial del presidente alemán. Más allá del espacio plano, el alemán regaló al color nuevas dimensiones, siempre desde un respeto absoluto a su profesión, que prefería disfrutar con el pincel en la mano antes que paseando con una copa de champán por las soirées de las galerías. “No todo cuadro es pintura. La pintura se debe poder leer, aunque se trata de un procedimiento que hay que aprender, no se entiende por sí mismo”, afirmaba en 1975. Fue en aquella época donde se fraguó su reputación internacional como representante de Alemania en la Biennale de Sao Paolo en 1971 y, diez años después, en la de Venecia del 82. Y durante tres décadas, hasta mediados de los 90, compartió su visión como profesor en las escuelas de arte de Hamburgo y Düsseldorf. Una vida dedicada a observar, comprender y explicar el color.

fotos: Jochen Littkemann & Eric Jobs © Estate Gotthard Graubner.

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Por Carmen Rosa

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otthard Graubner, who passed away last year at the age of 82, is one of those artists to whom we owe what we now know about color. His deep study and development that was far beyond the limits established on the shades of color, made him a key figure of the twentieth century painting. He was born in 1930 in Saxony, in the Weimar Republic, three years before the swastika dyed the horizon in Germany and Europe bicolor. He studied Fine Arts where every artist at the time of the period came to be trained, Berlin and Dresden, but he ended up abandoning the GDR forever in 1954 to move to Düsseldorf. There he clearly committed to chromatic experimentation and solidified his discrete personality, rarely concerned about his glory and fortune. In fact, it was not until the year 1960 that he sold his first artwork. It was at the Schamela gallery, in Düsseldorf. "I have ve never thought about making money. I was already 30 when I sold my first painting. Now many young people want to be famous at the age of 20 and this is something that should take time." After that first sale, Graubner got underway with his study of the three-dimensionality of color, a field which, to his mind, had a vast potential still unexplored. His work took the form of the famous "Cushion Pictures", soft canvases in which the supporting structure made that tones took on a new meaning

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and, later, in his "body color" and "color space bodies" in matt, with light and its effect on pigment as a warm start and conclusion. "My paintings are constructed by themselves with light, and they also turn off with light; beginning and end are interchangeable. Artworks do not describe a condition; they are the transition," Graubner explained in 1963, always wearing his characteristic costume, a stylish hat and a thick beard. These are paintings that, as the artist once said, "need to breathe to be understood". They are covered canvases that are displayed today, in addition to the most prestigious art galleries in the world, on the Reichstag and the Palace of Bellevue, the official residence of the German President. Always devoted to his profession, which he would rather enjoy with brush in hand instead of walking around with a glass of champagne in the soirées of the galleries, the German added, beyond the flat space, new dimensions to the color. "Not every painted picture is a painting– a painting must be read, this however can be learned, it is not selfexplanatory", he claimed in 1975. It was at that time when his international reputation was forged as a representative of Germany at the Biennale of Sao Paolo in 1971 and, ten years later, in the Venice of the 82. And for three decades, until the mid-90s, he shared his vision teaching art at the University of Fine Arts in Hamburg and Düsseldorf. A life devoted to observe, understand and explain the color.

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roma, ciudad abierta (24 horas)

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Por Fernando Bernal

ep Gambardella es un personaje de otra época, que parece que se ha escapado de la troupe que Fellini reunió para festejar la 'dolce vita' romana de los 60. Bon vivant, bohemio, escritor de culto, amante irónico y seductor impenitente... y 'socialité' de las noches romanas. El director Paolo Sorrentino lo ha convertido en un icono del cine moderno gracias a 'La gran belleza', la película italiana ganadora del Oscar al film de habla no inglesa. "Para Gambardella, los años pasan y el origen de su desesperación se encuentra en las consecuencias de envejecer. Se le acaba el tiempo, tiene menos energía y siente que la felicidad desaparece o que jamás existió. Su placer ha quedado reducido a un mecanismo que, por su propia naturaleza, contradice los principios del placer", asegura Sorrentino. Para representar el paso del tiempo ha contado con ese actor en permanente estado de gracia -grande como Gassman o Mastroianni- que es Toni Servillo: "Le puedo pedir cualquier cosa porque es capaz de hacer todo lo que puedas imaginar y más". Y, sobre todo, está Roma, la ciudad eterna filmada como pocas veces se ha visto. 'La gran belleza' puede hacer referencia al paso del tiempo, pero también a un lugar. "Es una ciudad maravillosa, reconfortante y al mismo tiempo, una ciudad llena de peligros escondidos. Por peligros, me refiero a las aventuras intelectuales que conducen a ninguna parte".

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[ Journey ]

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ep Gambardella is a character from another era, who seems to have escaped the troupe that Fellini gathered to celebrate the Roman 'dolce vita' of the 60s. Bon vivant, bohemian, cult writer, ironic lover and inveterate seducer... and 'socialitĂŠ' of Roman nights. The director Paolo Sorrentino has made him an icon of modern cinema thanks to 'La Grande Bellezza' (The Great Beauty), the Italian film winner of an Oscar for best foreign language film. "To Gambardella, years pass and the source of his despair is the consequences of aging. He is running out of time, has less energy and feels that happiness is going away or never exis-

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ted. His pleasure has been reduced to a mechanism that, by its very nature, contradicts the principles of pleasure," says Sorrentino. To represent the passage of time he has relied on this actor in a permanent state of grace -great as Gassman or Mastroianni-, who is Servillo: "I can ask him anything because he is capable of doing everything you can imagine and more." And above all, it is Rome, the Eternal City filmed as it has rarely been seen. 'La Grande Bellezza' can refer to the passing of time, but also to a place. "It is a wonderful and comforting city, but at the same time, it is city full of hidden dangers. And by dangers, I mean intellectual adventures that lead nowhere."

FOTOS: Š WANDA FILMS.

ROME, OPENED CITY (24 HOURS)

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La revista de la buena vida CAPPUCCINO

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[ Cover Story ]

G d n A od

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Por Ramón Reboiras

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rigitte Bardot es un caso especial, como suele ser norma en la mitología moderna. Desde que anunció su retirada en el año 1973 de las pantallas se ha dedicado a la defensa de los animales. Quizás porque ella misma pertenece a ese género animal de mujeres (Marilyn Monroe, Rita Hayworth, Ava Gardner) que han trascendido su momento y se han convertido en arquetipos universales. Nunca fue una gran actriz, ni su filmografía pasará a la historia del séptimo arte, pero nadie como ella lució en el calendario de los talleres mecánicos y las panaderías ni nadie marcó mejor la silueta a los tiempos de la liberación femenina en este Viejo Continente. Nadie como ella enseñó a la jet-set a ser hippie y bailar con los pies descalzos, a beber vino y comer queso, ninguna mujer fue capaz de llevar así las flores en el pelo como una Venus mediterránea. Todo cambió para esta pequeña hija de la buena burguesía parisina cuando en 1956 Roger Vadim, su primer marido, la hizo bailar descalza y con poca vestimenta encima de una mesa en '…Y Dios creó la mujer' al lado de otro sex-symbol francés del momento, el encantador Jean-Louis Trintignant. Brigitte se convirtió en un sueño erótico para millones de personas, un sueño tan palpable y perturbador que llegó a ser traumático para ella. Cada aparición suya en Europa y en Estados Unidos era perseguida y fotografiada hasta la extenuación por miles de paparazzis. Cada declaración, cada

matrimonio, cada nueva película se convertía en un seísmo editorial. Las fotos de ese periodo, del año 1953 a 1956, marcan un hito estético: BB contra el precioso escenario del Hotel Martínez y La Croissete, en el Festival de Cannes; BB saltando en bikini fotografiada por Philippe Halsman; BB con Pablo Picasso en su casa de Vallauris…Una musa tan francesa como Chanel, tan típica como la Libertad de Delacroix, tan auténtica como el perfume de una baguete recién sacada del horno o el de un campo de lavanda en Aix en Provence. Pero BB, que nunca fue una artista consumada pero si una mujer de bandera, pronto encontró refugio a sus desvelos en Saint Tropez, la perla más reluciente de la Costa Azul francesa y, desde Saint Tropez, construyó una especie de fortaleza contra el mundo. Sus fiestas y sus gatos, sus pareos y su moño rubio subido, sus jerseys de marinero y sus gafas de sol gran pantalla, sus dientes separados y sus ojos de gata, traspasaron las fronteras. Incluso sus amistades poco recomendables con el 'play boy' Gunter Sachs o su relación profesional con el 'enfant terrible' Serge Gainsbourg son vistas hoy como adorables episodios de aquella diosa caprichosa. Brigitte siempre fue ese puerto al abrigo de la tormenta, un puerto de aguas turquesas y marineros soñadores y tatuados que festejaban un eterno verano de amor. Una mujer que dice como resumen de casi todo lo bueno y de lo malo:“Entregué mi juventud y mi belleza a los hombres, ahora doy mi sabiduría y mi experiencia a los animales”.

rigitte Bardot is a special case, as it is usually the case with modern mythology. Since she announced her retirement from the screen in 1973, she has been devoted to the defense of animals. Maybe because she belongs to that animal women genus (Marilyn Monroe, Rita Hayworth, Ava Gardner) who have transcended their time and have become universal archetypes. She was never a great actress, and her filmography will not go down in cinema history, but there was no one like her to feature on garages’ and bakeries’ calendars, or to mark the silhouette of women's liberation in the Old Continent. No one like her showed the jet-set how to be hippie and dance barefoot, drink wine and eat cheese. No other woman was able to carry flowers in her hair that way, as a Mediterranean Venus. Everything changed for this little daughter of the Parisian bourgeoisie in 1956, when Roger Vadim, her first husband, made her dancing barefoot and with little clothing on a table in 'And God Created Woman', from another French sex symbol of the time, the lovely Jean-Louis Trintignant. Brigitte became an erotic reverie for millions of people, a reverie so appreciable and disturbing that became traumatic for her. Each public appearance in Europe and the United States was chased to exhaustion and photographed by thousands of paparazzi. Every statement, every marriage, every

new film became an editorial earthquake. Pictures from that period, from 1953 to 1956, marked an aesthetic milestone: BB against the beautiful scenery of the Hotel Martinez and La Croisette in Cannes, BB jumping in bikini while being photographed by Philippe Halsman, BB with Pablo Picasso in his Vallauris house…A muse so French as Chanel, as typical as the Freedom of Delacroix, as authentic as the scent of a fresh baguette as soon as it comes out of the oven or as the perfume of a lavender field in Aix en Provence. But BB, who was never an accomplished artist but who certainly was a gorgeous woman, found soon refuge for her hard work in Saint Tropez, the most shining pearl of the French Riviera, and from Saint Tropez, she built a kind of fortress against the world. Her parties and her cats, her pareos and her blond hair bow, her sailor jerseys and her big screen sunglasses, her teeth apart and her cat's eyes, spread across all borders. Even her unsavory friends with 'playboy' Gunter Sachs or her professional relationship with the 'enfant terrible' Serge Gainsbourg are seen today as adorable episodes of that capricious goddess. Brigitte was always that port sheltered from the storm, a port of turquoise waters and dreamers and tattooed sailors celebrating an eternal summer of love. A woman who says as a summary of almost all of the good and the bad: "I gave my beauty and my youth to men, now I give my wisdom and experience to animals."

Ninguna mujer fue capaz de llevar así las flores en el pelo, como una Venus mediterránea.

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No other woman was able to carry flowers in her hair that way, as a Mediterranean Venus.

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Su escultura 'El Ángel del Norte' nos recuerda que el arte es un lenguaje en continua evolución. Por Irene Aiguaviva 56 

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Antony Gormley 'Angel of the North', 1998. Steel, 20 x 54 x 2.2 m. Commissioned by the Gateshead Metropolitan Borough Council, Gateshead, UK. Permanent installation, Gateshead, England.

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photograph by jerry hardman-jones Š the artist.

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photograph by jerry hardman-jones Š the artist.


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la altura de Newcastle upon Tyne, a los conductores que transitan en Reino Unido la autopista A1, la más larga del país y que une Londres con Edimburgo, se les aparece un ángel. Sobre una colina de este punto al noreste de Inglaterra se alza una imponente figura de acero de 20 metros de altura con sus extremidades extendidas, dibujando una línea horizontal de 54 metros. Esta aparición color ocre se debe al genio del artista Antony Gormley (Londres, 1950), que decidió en 1979 arrancar un proyecto mastodóntico cuyo resultado se materializó finalmente en 1998, cuando se erigieron las 200 toneladas de 'El Ángel del Norte'. Sus profundos cimientos y la elasticidad de su material evitan que los ataques del fuerte viento septentrional resulten mortales y mantienen en pie este espíritu celestial, uno de los lugares más visitados de esta parte de Inglaterra. La ubicación de la estatua no fue ni mucho menos aleatoria. Gormley, premio Turner de 1994, conduce desde los años 60 su inquietud artística hacia la relación de su propio cuerpo con la naturaleza y hacia la conjugación del arte con el espacio público. En esta antigua región minera, su homenaje se dirige a aquellos

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Gormley sorprendió en 2007 salpicando los tejados de Londres con moldes de su propio cuerpo.

n the area of Newcastle upon Tyne, to the drivers who travel along the A1 (M), the longest motorway in the UK and the one connecting London and Edinburgh, an angel appears to them. Rising on a hill, in in the North East of England, it is an imposing 20-meterhigh figure of steel, with its wings outstretched horizontally, measuring 54 meters. This apparition in ochre color is the accomplishment of Antony Gormley (London, 1950), who decided in 1979 to begin the colossal project that would finally be materialized in 1998, when the 200-ton statue the 'Angel of the North' was erected. Its deep foundations and the elasticity of its material resist attack from the strong winds flowing from the North and keep this heavenly spirit standing in one of the most barren but most visited places in England. The location of the figure was far from random. Gormley, Turner Prize winner in 1994, has since the 60s been concerned with his artistic concern with his own body’s relationship to the physical environment and art's relationship with public space. In this former mining region, his homage is directed to those men who, for centuries, earned their daily livelihoods in those hills.

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hombres que durante siglos se ganaron el pan bajo esas colinas. “El Ángel resiste nuestra amnesia posindustrial y da testimonio de los cientos de miles de mineros que pasaron los últimos 300 años sacando carbón bajo tierra”, explica el artista. “Quería hacer un objeto que proyectara esperanza en un tiempo de dolorosa transición para las gentes del noreste, abandonadas en el lapso entre la era industrial y la de la información”. Gormley consigue aquí su objetivo de convertir el espacio en un lugar en el que pueden surgir nuevos comportamientos y sentimientos. En este sentido, el autor afirma que para él el mayor placer es saber que 'El Ángel del Norte' nunca está solo y que cada persona que lo visita crea un momento único y una interpretación singular. Antony Gormley sorprendió en 2007 salpicando los tejados de Londres con moldes de su propio cuerpo y hoy esculturas similares pueden disfrutarse en Crosby Beach, al noroeste de Inglaterra, gracias a su obra 'Another Place', en la que oníricas figuras humanas salpican la playa. Sus moldes han viajado también hasta el desértico lago Ballard, al oeste de Australia, en su proyecto 'Inside Australia', y en Lelystad, Holanda, aterrizó en 2010 la gigantesca 'Exposure'. Insólitos habitantes que redibujan el paisaje.

"The Angel' resists our post-industrial amnesia and bears witness to the hundreds of thousands of miners who spent the last 300 years taking coal underground," explains the artist. "I wanted to make an object that projected hope in a time of painful transition for the people of the Northeast, abandoned in the period between the industrial age and the information age." Here, Gormley accomplishes his goal of converting the space into a place where new behaviors and feelings can arise. In this sense, the author says that for him the greatest pleasure is to know that the 'Angel of the North' is never alone and that every person who visits it creates a unique moment and interpretation. Antony Gormley caught public attention in 2007 when he populated the rooftops of Central London with casts of his own body, and today similar sculptures can be enjoyed on Crosby Beach, northwest England, thanks to his work 'Another Place', in which dreamlike human figures face out to sea. His casts have also traveled to Lake Ballard desert, Western Australia, with his 'Inside Australia' project. And in Lelystad, Holland in 2010, he unveiled the mammoth 'Exposure'. Strange inhabitants who reconfigure the landscape.

Gormley caught public attention in 2007 when he populated the rooftops of Central London with casts of his own body.

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Christian Louboutin "Me dirijo a mujeres que no quieren ser hombres" Por Carmen Rosa (París)

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s el zapatero más famoso del mundo. Sus suelas rojas llevan más de dos décadas revolucionando el mundo de la moda y multiplica cada año el número de fanáticas que ahorran para poder comprar una de sus vertiginosas creaciones. Christian Louboutin, el hombre que subió a la mujer sobre quince centímetros de tacón, y que vende 800.000 zapatos al año, recibe a 'Cappuccino Grand Papier' en su oficina de la rue Jean-Jacques Rousseau en París, cerca de donde, en 1991, comenzó a diseñar un concepto de calzado sexy que reivindica el lado más frívolo de la feminidad. Con la reciente diversificación de su emporio a bolsos y zapatos masculinos, Louboutin divide su tiempo entre París, Italia, Brasil y Portugal, donde se aísla para diseñar. Cappuccino: ¿A qué se debe el fetichismo que para tanta gente esconde un zapato? Christian Louboutin: A mí me han fascinado desde los 12 años. Es increíble que un objeto tan pequeño tenga un poder tan fuerte sobre la personas y su actitud. Solo toca el pie pero su radiación afecta a todo el cuerpo de la mujer, a su lenguaje corporal. Ningún otro accesorio consigue ese efecto, el zapato se te sube a la cabeza. C.: A los suyos les llaman 'los stilettos más sexys del mundo'. C. L.: Los zapatos tienen una carga erótica muy fuerte y yo siempre he sido de los partidarios de liberar el lado sexy porque es un elemento de uno mismo que solo puede jugar a favor. Nunca pienso en un zapato como complemento sino como un pedestal para el desnudo. Hay una manera de hacer zapatos que es vestir a las personas, y hay otra que es desvestirlas.Y yo soy más de quitar ropa. C.: ¿Es una de las lecciones que aprendió durante su adolescencia, cuando dejó el colegio y se pasaba los días en el cabaret Folies Bergère? C. L.: Tenía 17 años, fue un tiempo maravilloso. Aún no pensaba en diseñar zapatos pero aprendí algo clave: el lenguaje corporal. No hay nadie mejor que

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[ The Gentlemen ]

las bailarinas para mostrar el poder de unos zapatos, porque es lo único que llevan. En la vida real, cuando se bajan unas escaleras uno se mira los zapatos para no caer. Una showgirl mira al frente y sonríe, forma parte de ella, parece natural, pero no lo es.

tristeza. No soy un periodista. Después de la II Guerra Mundial el mundo se llenó de cabarets, la gente no quería ver películas sobre la guerra, estaba harta. Si tuviera que describir el mundo de una forma oscura no haría moda.

"Si sólo piensas en lo útil, acabas con un chándal feo con horribles zapatos planos y caminando como un robot". C:. Los que le conocieron en aquella época le recuerdan como un dandy y un gran bailarín. ¿Cómo era aquel París con Grace Jones, Helmut Newton y Farida Kehlfa? C. L.: No soy un nostálgico pero cuando eres joven estás entusiasmado, todo es posible y nada importa. Me encantó mi adolescencia, me dejaba llevar y no me preocupaba por el futuro. En los 80 no te enorgullecías de trabajar, ¿por qué? ¡Qué aburrido! Yo nunca pensé en el futuro y trabajar duro no era una cualidad.Y para mí ahora, honestamente, tampoco lo es. Lo hago porque lo disfruto mucho. C.: ¿Para qué sirve la moda? C. L.: ¡Para nada y eso es lo maravilloso! Lo importante de los zapatos es que son inútiles. Un mundo que se guíe por el utilitarismo es muy triste. Recuerdo a una señora un vez, con una sandalia rosa espectacular, que exclamó: '¡Dios mío! ¡Son tan tan tan inútiles que las necesito!'. Y es exactamente eso. A veces la importancia de las cosas se las da la pasión que sientas por ellas. Si sólo piensas en lo útil acabas con un chándal feo con horribles zapatos planos y caminando como un robot. El valor de las cosas no útiles es enorme para mi trabajo. C.: ¿Y los que le tachan de frívolo? C. L.: Recuerdo que una vez una periodista me preguntó cómo podía estar firmando esos zapatos fucsias en un mundo en el que la gente estaba perdiendo el trabajo y todo se hundía. ¿Tengo que hacer zapatos negros en crepé con un velo, zapatos tristes, para ser compasivo con el mundo? Mi trabajo no es añadir

C.: ¿Existe una mujer Louboutin? C. L.: Me crié con tres hermanas y una madre, mujeres de carácter fuerte y diferentes. Yo digo que no tuve tres hermanas, sino 300 brujas en aquella maldita casa [risas]. Si se peleaban con el novio, lo pagaban contigo, luego eran muy dulces sin razón, cambiaban todo el tiempo. No hay un prototipo. Lo único que quizá represente a la mujer Louboutin es que le gusta ser mujer. Me dirijo a mujeres que no quieren ser hombres, que son felices jugando con su feminidad. C.: Y los que dicen que degrada a las mujeres sobre tacones imposibles... C. L.: Yo no obligo a nadie a hacer nada. Esa crítica me ha llegado sobre todo de hombres. Mi respuesta es siempre la misma: 'Tú eres el que piensa que las mujeres son estúpidas'. ¿De verdad crees que alguna mujer, en la mayor parte de países, no hace lo que le da la gana? Creo que es una idea muy ofensiva para ellas. No creo ni por un segundo que las sean las víctimas. ¿Sexo débil? ¡Por favor! C.: Por sus zapatos hacen cola, esperan meses... ¿eso el ego cómo lo gestiona? C. L. :Yo siempre he sido un enorme fan de Prince. Viajo a todos sus conciertos. Cuando sube al escenario grito como un energúmeno y creo que es bueno liberarse y volverse loco por lo que a uno le gusta. Pero el mayor halago es cuando alguien me dice que soy su modelo a seguir no por mis diseños, sino porque ven que he conseguido hacer realidad mi sueño de infancia, que se puede disfrutar y vivir de tu pasión manteniendo la independencia. Para mí el lujo es mi libertad.

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Pigalle Calf Black (right). Torero 150, crepe satin nude and broderie torero (left).

En estos modelos se puede contemplar la forma en la que Lobution experimenta con colores y texturas. These models show the way Louboutin experiments with colors and textures.

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Christian Louboutin

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e is the world's most famous shoemaker. His red soles have been revolutionizing the world of fashion for more than two decades, and every year he multiplies the number of fans who save to buy one of his vertiginous creations. Christian Louboutin, the man who raised women to 15 cm high heels, and who sells 800,000 shoes per year, receives 'Cappuccino Grand Papier' in his office in rue Jean-Jacques Rousseau in Paris, near where, in 1991, he began designing the concept of sexy footwear that claims the most frivolous side of femininity. With the recent diversification of his emporium to male bags and shoes, Louboutin divides his time between Paris, Italy, Brazil and Portugal, where he isolates himself to design. Cappuccino: Why are shoes a fetishized item? Christian Louboutin: Ever since I was 12 years old they have fascinated me. It is incredible that something so small has such a strong power on people and their attitude. It only touches the foot but its radiation affects the entire body of the woman, her body language. No other accessory gets that effect. The shoe goes to your head. C.: Yours are called the 'sexiest stilettos in the world'. C. L.: Shoes contain a strong erotic charge and I have always been a proponent of releasing the sexy side because it is an element of the self that can only be beneficial. I never think of a shoe as an accessory but as a pedestal for the naked. There is a way to make shoes and dress people, and there is another, which consists of undressing them. I'm more of removing clothing. C.: Is this one of the lessons you learned in your teens, when you left

school and spent your days at the cabaret Folies Bergère? C. L.: I was 17. It was a wonderful time. I was not yet thinking about designing shoes but I learned something key: body language. There is no one better than the dancers to show the power of shoes, because that is all they wear. In real life, when you go downstairs, you look at your shoes to avoid falling down. A showgirl looks ahead and smiles, shoes are part of her. It seems natural, but it is not. C.: Those who knew you at the time remember you as a dandy and as a great dancer. How was that Paris with Grace Jones, Helmut Newton and Farida Kehlfa? C. L.:. I am not a nostalgic but when you are young, you are enthusiastic, everything is possible and nothing matters. I loved my teens, I got carried away and did not worry about the future. In the 80s one was not proud of working, why should? It was boring! I never thought about the future and working hard was not a quality. And for me now, honestly, neither is. I do it because I enjoy it a lot. C.: What is the purpose of fashion? C. L.: Nothing. And that is the wonderful thing! The important point is that shoes are useless. A world that is guided by utilitarianism is very sad. I remember a lady one time, with a spectacular pink sandal, who exclaimed: 'Oh my God! They are so so useless that I need them! And it is exactly that. Sometimes, the importance you attach to things depends on the passion you feel. If you only think in terms of usefulness, you end up wearing an ugly tracksuit with horrible flat shoes and walking like a robot. The value of non-useful things is huge for my work. C.: What about those who call you a frivolous person? C. L.: I remember, on one occasion, a reporter asked me how could I be signing these fuchsia shoes in a world where people were losing their jobs and everything was collapsing. Do I have to make shoes in black crepe

with a veil, sad shoes, to be compassionate with the world? My job is not to add sadness. I'm not a journalist. After World War II the world was filled with cabarets, people did not want to see films about the war, they were sick of it. If I had to describe the world in a dark shape I would not make fashion. C.: Is there a Louboutin woman? C. L.: I grew up with three sisters and a mother, women of strong character and different. I say that I did not have three sisters, but 300 witches in that damn house [laughter]. If they fought with their boyfriends, they took it out on you, then they were very sweet without reason, they changed their moods all the time. There is a prototype. The only thing that may represent a woman who likes Louboutin is a woman. I appeal to women who don’t want to be men, who are happy playing with their femininity. C.: And what about those who say that you downgrade women with these high-heels impossible to wear? C. L.: I do not force anyone to do anything. I have received that criticism from men, mostly. My answer is always the same: 'You are the one who thinks women are stupid'. Do you really think that women, in most countries, do not do whatever they feel like? I think this is a highly offensive idea to them. The weak sex? Please! C.: Women queue for your shoes, for months... how does your ego manage this? C. L. : I have always been a huge fan of Prince. I travel to all his concerts. When he comes on stage I cry like a lunatic madman and I think it is good to break free and go crazy for what one likes. But the biggest compliment is when someone tells me that I am their role model, not because of my designs, but because they see that I have been able to make my childhood dream come true, that you can enjoy and live out of your passion preserving independence. For me, my freedom is my luxury.

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[ Cappuccino´s Favourite ]

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a historia de John Pawson (Halifax, Inglaterra, 1949) demuestra que el amor no es lo único que no entiende de edades. Primero diseñador de moda, profesor y fotógrafo (una faceta que no ha abandonado por completo), descubrió "a sus veintimuchos" y durante su estancia en Japón su verdadera pasión: la arquitectura. A sus "treinta y pocos", y de nuevo en Inglaterra, se matriculó en un colegio de arquitectura, estableció su propio estudio y comenzó su apoteósica carrera. Maestro del minimalismo, Pawson es responsable de Cappuccino Jeddah, hogar del grupo en Arabia Saudí, un espacio que aúna a la perfección belleza y funcionalidad. Con más de una docena de diseños a sus espaldas, a sus 64 años sigue trabajando en busca del proyecto de sus sueños. Cappuccino: Sus comienzos profesionales están lejos de la arquitectura, ¿cuándo y cómo se aficionó a ella? John Pawson: En realidad me llevó bastante tiempo encontrar algo en lo que tuviese habilidad y disfrutase. Antes de la arquitectura, había probado la moda, la enseñanza y la fotografía. Siempre me habían interesado las construcciones, pero más aún lo que hace que siente bien estar dentro de ciertos espacios. Cuando vivía en Japón a mis veintimuchos, ya admiraba a Shiro Kuramata, cuyo trabajo había visto por primera vez en la revista italiana de arquitectura Domus de adolescente. Frecuenté durante un tiempo el estudio de Kuramata en Tokio y al final me dijo que me espabilara y me matriculase en un colegio de arquitectura, y lo hice en cuanto regresé a Inglaterra. C: Siempre ha considerado Japón y conocer a Shiro Kuramata como el

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punto de inflexión que convirtió la arquitectura en su modo de vida. ¿Cómo están presentes en su carrera? J. P.: Aprendí una inmensa cantidad de Kuramata, en particular que, como el exponía: "El diseño es un negocio serio”. Estaba absolutamente comprometido con la seriedad del diseño. La lección más importante que aprendí de él fue la de evitar la superficialidad. C: ¿Por qué el minimalismo? J. P.: Siempre he trabajado de una forma coherente conmigo. Me interesa la calidad que una cosa tiene cuando ya no puede ser mejorada por substracción. Donald Judd hablaba de la “expresión simple del pensamiento complicado” y creo que es una manera adecuada de describir lo que intento conseguir.

C: Cuando empezó, ¿esperaba el impacto e influencia que tendría? ¿Está de acuerdo con los que le consideran un gurú del minimalismo? J. P.: Algunos arquitectos tienen un mapa mental claro cuando empiezan sus carreras, pero ése nunca fue mi caso. Simplemente he construido mi obra proyecto a proyecto. C: ¿Qué arquitecto considera un gurú? O, si prefiere no poner etiquetas, ¿a qué arquitecto admira? J. P.: Por supuesto que hay gente cuyo trabajo admiro, pero la realidad es que estás tan enfocado en tus tareas que no te queda mucho tiempo para conside-

rar lo que haciendo.

otras

personas

están

C: Sus proyectos son una combinación perfecta de estética y funcionalidad. Cuando trabaja en ellos, ¿en qué aspecto se centra? J. P.: Los mejores resultados salen cuando estética y función evolucionan juntas. Un grifo, por ejemplo, es bello por la forma en la que suministra el agua, no sólo por su cualidad de objeto inanimado en el espacio. C: ¿Qué proyecto, si hay alguno, le ha causado más estrés? J. P.: Un encargo que me viene mucho a la cabeza en este momento es el diseño de la nueva sede permanente del Museo del Diseño en el oeste de Londres, en el anterior Instituto de la Commonwealth, un edificio emblemático desde los años 60. Es mi primer proyecto público y el trabajo es muy intenso, no dejas de darle vueltas y vueltas a los detalles, preguntándote si es la mejor solución posible. C: ¿Cuál es su trabajo más personal, con el que más se identifica? J. P.: Cada proyecto es personal; te identificas con todo lo que haces. Dicho esto, el encargo en 1988 de diseñar un nuevo monasterio cisterciense en la República Checa fue un proyecto único en la vida, en particular porque el trabajo allí nunca para. C: Ya conocemos su trabajo, ¿pero es su casa también minimalista? ¿Sigue en su vida personal el “menos es más” de Mies van der Rohe? J. P.: No hago distinciones entre el trabajo y la vida. Siempre me sorprende cuando la gente me dice que creen que mi trabajo es hermoso, pero que cómo puede alguien vivir así. Yo lo considero

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Sackler Crossing. Royal Botanic Gardens, Kew, London (2004–2006). © Richard Davies.

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St. Tropez Houses. Provence, France, 2006–2013. Next page: Archabbey of Pannonhalma, Hungary, 2006–2012.

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completamente al revés. Mi casa está diseñada exactamente como a mi familia y a mí nos gusta vivir. Los espacios que creo son como son porque apoyan una manera de vivir coherente conmigo: espacios sencillos llenos de luz, justo con lo necesario y nada más, donde te sientas visual y físicamente cómodo. C: Tras tantos proyectos, ¿le queda algo (un sueño, una idea) todavía por hacer? J. P.: Algunos años atrás, redacté una lista de proyectos que quería hacer. Entre otras cosas incluía una iglesia, un monasterio y un colegio. He desechado bastantes, pero es que también creo que cuando dejas de sentir que cada nuevo encargo que entra es el proyecto de tus sueños, es hora de empezar a pensar en dejar de hacer lo que haces.

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he story of John Pawson (Halifax, England, 1949) proves that love is not the only thing that doesn’t know ages. Previously a fashion designer, a teacher and a photographer (a side he has not completely quitted), he found out at his late twenties and during his stay in Japan his real passion: architecture. At his late thirties and back in England, he enrolled an architecture school, established his own studio and started a tremendous career. Master of minimalism, Pawson is responsible for Cappuccino Jeddah, home of the group in Saudi Arabia, a space that combines beauty and function perfectly. With more than a dozen of designs behind, he is still working at 64 in search of his dream project. Cappuccino: Your professional beginnings are far from architecture, when and how did you get keen on it? John Pawson: It actually took me quite a long time to find something I had a facility for and enjoyed. Before architecture I had tried fashion, teaching and photography. I’d always been interested in buildings, but even more by what made certain spaces feel good to be in. And then when I was living in Japan in my late twenties, I looked up Shiro Kuramata, whose work I had first seen in the Italian architectural magazine

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Domus when I was in my teens. I spent some time hanging around Kuramata’s studio in Tokyo and eventually he told me to sort myself out and enrol at architecture school, which I did as soon as I returned to England. C: You’ve always considered Japan and meeting Shiro Kuramata as the turning point that led to architecture becoming your way of life. How have the country and the Japanese architect been present throughout your career? J. P.: I learnt an immense amount from Kuramata, not least that, as he put it, "Design is a serious business". He was utterly committed to the seriousness of design.The most important lessons I took from him were in the importance of avoiding superficiality. C: Why minimalism? J. P.: I’ve always worked in a way that makes sense to me. I’m interested in the quality something has when it can no longer be improved by subtraction. Donald Judd used to talk about the ‘simple expression of complex thought’ and I think this is a helpful way of describing what I am trying to achieve. C: When you started, did you expect the impact and influence you would have? Would you agree with those who consider you to be the guru of minimalism? J. P.: Some architects have a clear mental map when they begin their careers, but that was never the case for me. I have simply built a body of work project by project. C: Which architect would you consider to be a guru, or, if you would prefer no labels, which architecture do you admire? J. P.: Of course there are people whose work I admire, but the reality is that you are so focused on the task in hand that there is not much time to reflect on what other people are doing. C: Your projects are a perfect combination of aesthetics and functionality. When you work on them, which one do you focus on more? J. P.: The best outcomes are when aesthetics and function evolve alongside one another. A tap, for instance, is beautiful

because of the way it delivers water, not simply because of its quality as an inanimate object in space. C: Which project, if any, caused you the most stress? J. P.: One commission that is very much in my thoughts at the moment is the design of a new permanent home for the Design Museum in west London, in the former Commonwealth Institute, which is a landmark building from the 1960s. It’s my first public project and the work is very intense, you keep going over and over details, asking yourself is this the best possible solution. C: Which is your most personal work, the one you identify with the most? J. P.: Every project is personal; you identify with everything when you are doing it. Having said that, the commission in 1998 to design a new Cistercian monastery in the Czech Republic was the project of a lifetime, not least because the work there never stops. C: We are already familiar with your work, but is your home minimalist too? Is ‘less is more’ by Mies van der Rohe the way you also live your personal life? J. P.: I draw no distinctions between work and life. I’m always surprised when people say they think my work’s very beautiful, but how can anyone live like that? To me the thinking is all the wrong way round. My home is designed exactly around the way my family and I like to live. The spaces that I make look the way they do because they support a way of living that makes sense to me: simple spaces filled with light, with just what you need and nothing more, where you feel visually and physically comfortable. C: After so many projects, is there something (a dream, an idea) still yet to be accomplished? J. P.: Some years back, I drew up a list of projects I wanted to do. Amongst other things it included a church, a monastery and a school. I’ve ticked off quite a few, but I also think that when you stop feeling that every new commission that comes in is the dream project, it’s time to start thinking about stopping what you’re doing.

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Pawson House. London, 1997–1999.

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Desde su taller de la Avenida George V de Par铆s, impuls贸 la edad de oro de la Alta Costura.

Por Daniel Lorenzo

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ocos podrían imaginar que aquel pequeño e introvertido muchacho de Getaria, hijo de un pescador y de una costurera, iba a ser conocido como uno de los grandes estilistas de todos los tiempos. Pero fue precisamente en aquel País Vasco en el que Cristóbal Balenciaga Eizaguirre vino al mundo, entre fiestas y playas, brumas y talleres, donde forjó un estilo único que cierto día conmovió a una dama de la alta sociedad, la Marquesa de la Torre, que pasaba sus dulces veraneos en Getaria. Balenciaga tuvo la suerte de ser tocado por la varita mágica de la aristocracia y esa relación ya sería para siempre definitiva: la familia Real Española y toda la aristocracia que recalaba en San Sebastián y otro lugares del Norte presumían de vestir los modelos de este joven que había encontrado la vara de medir y la aguja de la distinción. La Guerra Civil truncó el ascenso de su celebridad en España pero le arrojó a un mundo mejor, aquel París loco, noctámbulo, derrochador y vanguardista donde abrió su taller en 1937 en la Avenida George V. Los hombros ligeramente caídos, la cintura bien pronunciada y la rotundidad de las caderas fueron un símbolo indestructible de se decálogo que en los años cincuenta entró en la Edad de Oro al lado de los maestros Dior, Saint Laurent, Hubert de Givenchy y, por supuesto, de su intima amiga Coco Chanel. Balenciaga pasará a la historia como el virtuoso que sobre un trozo de tela proyecta todas sus pasiones, la del

arquitecto que realiza el patrón, la del escultor que otorga forma y volumen al vestido, la del pintor que anima su paisaje con dibujos, la del músico que le confiere armonía y la del filósofo que le concede el golpe de gracia de la medida.Todas estas cualidades habitaban en un solo hombre capaz de conocer los procesos de principio a fin y de realizarlos encima de la obra, como un genio tutelar de un taller donde sus exclusivas clientes eran como diosas que entraban en el templo. Balenciaga, una firma que todavía compite en el mercado y se distingue por su buen gusto con el diseñador Alexander Wang, formó en su momento a una serie de estilistas que hoy pueden presumir de haber estado en ese templo lleno de silencio y concentración. Algunos de ellos se llaman André Courrèges, Óscar de la Renta o Emanuele Ungaro. En octubre de 2011, Getaria inauguró su Museo, una visita ineludible para los amantes de la moda y el estilo, y que contiene más de 1.200 piezas de su creación. Balenciaga era amigo de atender personalmente a la clientela y de la cita previa. Su único 'pecado' con el prêt-à-porter fue vestir a las azafatas de Air France, aunque su verdadero y declarado amor fue la Alta Costura, así con mayúsculas. Una de las últimas veces que se le vio en público fue en el funeral de Coco en 1971. Un año más tarde fallecía en Valencia en 1972. La inspiración española en los maestros Goya y Velázquez, pero también el aire oriental o sus inolvidable vestidos de novia siguen hechizando el gusto contemporáneo.

ew could have imagined that the introverted little boy from Getaria, son of a fisherman and a seamstress, would become one of the greatest designers of all time. But it was precisely there, in the Basque Country where Cristobal Balenciaga Eizaguirre was brought into the world, where he would forge – amid parties, beaches, mists and workshops—a unique style which one day moved a high-society lady, the Marquesa de la Torre, who spent her sweet summers in Getaria. Balenciaga was fortunate to be touched by the magic wand of the aristocracy and that relationship would last forever: the Spanish royal family and the aristocracy who visited San Sebastian and other places in the North showed off wearing the dresses of this young designer who had found the yardstick and needle of distinction. The Civil War shattered the rise of his celebrity in Spain but got him to a better world, the crazy, night owl, wasteful and avant-garde Paris, where he opened his workshop in 1937 in Avenue George V. Slightly sloping shoulders, well-pronounced waist, and well-rounded hips were an indestructible symbol of that Decalogue which, in the fifties, entered the Golden Age, together with masters such as Dior, Saint Laurent, Hubert de Givenchy and, of course, his close friend Coco Chanel. Balenciaga will be remembered as the virtuous who reflected his passions on a piece of cloth, as the architect who made the pattern, as the

sculptor who gave shape and volume to the dress, as the painter who animated the landscape with drawings, as the musician who granted harmony and as the philosopher who gave the coup de grace to measurement. We find all these qualities in a man who knew the design process from start to finish and performed it on his work, as a genius under the tutelage of a workshop in which his exclusive customers were like goddesses entering the temple. Balenciaga, a firm that still competes on the market and it is known for its good taste, with designer Alexander Wang, formed at the time a number of designers who can boast today their past presence in this temple filled with silence and concentration. Some of them are André Courrèges, Óscar de la Renta, and Emanuele Ungaro. In October 2011, Getaria inaugurated a Museum dedicated to him, a must for lovers of fashion and style, and which contains more than 1,200 pieces of creation. Balenciaga was fond of serving clients personally and by appointment. Dressing the hostesses of Air France was his only "sin" in the prêt-à-porter, although his one and declared love was the Haute Couture, in capital letters. Indeed, one of the last times he was seen in public was at the funeral of Coco in 1971. A year later he died in Valencia, in 1972. His inspiration in the Spanish masters Goya and Velazquez, but also the oriental flair or his memorable wedding dresses, still captivate contemporary taste.

La memoria del maestro Balenciaga sigue viva en su firma gracias al buen gusto de Alexander Wang.

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The memory of the master Balenciaga lives on in his firm thanks to the good taste of Alexander Wang.

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Seducción, placer y lujo para los cinco sentidos. Por Edgard García

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Sarah Shotton is the designer of Agent Provocateur.

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fotos: © jill barber

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Spring-Summer, 2014, Deborah. (Left) SpringSummer, 2014, Gloria.

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Spring-Summer 2014, Mazzy Black and Pink Bikini. (Left) SpringSummer 2014, Marnee, swimsuit.

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rte o provocación? ¿Sensualidad o descaro? No hay que elegir, porque todo tiene cabida en Agent Provocateur. Joe Corre, el hijo de Vivienne Westwood y de Malcolm McLaren, y Serena Rees se conocieron en 1992 y sólo dos años más tarde inauguraron su primera boutique en el Soho de Londres, cuna de movimientos de vanguardia y auténtico corazón desde el que palpita la actividad social de la ciudad. No existe mejor lugar para dar origen a una marca que nació con la vocación de abrir nuevos caminos y convertirse en una referencia en el mundo de la lencería femenina con cada una de sus rupturistas y seductoras colecciones. Ahora Agent Provocateur está consolidada a nivel mundial y se distingue por ser tan sensual como irreverente. Por eso es conocida por provocar, pero dejando siempre algo para que la imaginación se ponga en marcha. Un trabajo en el que conviven la labor artesana con el desarrollo tecnológico de nuevas telas y materiales. La sede de la compañía, ahora propiedad de una firma de capital privado, se encuentra en el East End de Londres y Sarah Shotton, miembro del equipo de diseño desde el lanzamiento, está al frente de la dirección creativa. Sarah (en la imagen de la siguiente página) empezó a trabajar como aprendiz en Agent Provocateur en 1999, bajo la tutela de los fundadores Joe Corre y Serena Rees. Con más de una década de experiencia dentro de la

empresa, ha estado involucrada en muchos aspectos y ha sido responsable de la imagen de marca y de la conservación de la filosofía. También le gusta desafiar técnicamente los límites de la ropa interior con encajes y telas poco tradicionales. Es una celebración de las formas femeninas, que halaga, atrae y pondera el cuerpo de las mujeres. Suyas son colecciones, auténtico iconos de la marca, como Fifi, la sexy Cendrillon o Nikita. Pero también la gama Ohh Err, bikinis con impresiones, como el que lució Jennifer López en una de sus más famosas portadas. Su trabajo es una combinación (en perfecto equilibrio, por supuesto) de seducción, lujo y picardía. En sus increíbles boutiques repartidas por todo el mundo, una invitación a participar en el universo de seducción y sensualidad de Angent Provocateur, el personal de ventas luce el camisón rosa, una prenda iconica diseñada por Vivienne Westwood. Pero si algo le ha otorgado la imagen de marca premium global han sido sus campañas de publicidad y eventos. Por ejemplo, en 2001 el vídeo 'Proof', protagonizado por Kylie Minogue, una de las celebrities que han lucido Agent Provocateur, fue nombrado el mejor anuncio de la historia hecho para el cine. Su línea de fragancias ("el matrimonio entre el olor y la seducción"), los trajes de baño, los productos de belleza o los artículos para el hogar se han sumado a la oferta de una firma que, ahora mismo, ya implica más que colecciones de lencería. Es, sin lugar a dudas, sinónimo de seducción.

Desde el Soho londinense, su irreverencia y sensualidad han seducido al mundo entero.

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rt or provocation? Sensuality or chutzpah? There is no need to choose because everything is possible in Agent Provocateur. Joe Corre, son of Vivienne Westwood and Malcolm McLaren, and Serena Rees met in 1992 and only two years later they opened their first boutique in London's Soho, home of art movements and real heart of the city’s social activities. There is no better place to give birth to a brand that was conceived with the aim of breaking new pathways and becoming a reference in the world of women's lingerie with each of its pioneering and seductive collections. Agent Provocateur is now consolidated worldwide and is distinguished by being as sensual as irreverent. That’s why it has a reputation for provoking, but always leaving a place to the imagination. A work in which the artisan work coexist with the technological development of new fabrics and materials. The headquarters of the company, now owned by a private equity firm, is located in London’s East End and Sarah Shotton, member of the design team since the launching of the initiative, is heading the creative direction. Sarah (pictured on the next page) started working for Agent Provocateur in 1999 as a trainee, under the tutelage of the founders Joe Corre and Serena Rees. With over a decade of experience in the company, she has been involved in

many aspects and has been responsible for the branding and preservation of the company’s philosophy. She also loves pushing the technical boundaries of underwear with laces and unconventional fabrics. It is a celebration of the female form, which flatters, attracts and balances women’s bodies. Hers are collections, authentic brand icons, such as Fifi, the sexy Cendrillon or Nikita. But also Ohh Err, print bikinis, such as the one that Jennifer López was wearing in one of her most famous covers. Her work is a combination (in perfect balance, of course) of seduction, luxury and playfulness. In Angent Provocateur’s amazing boutiques scattered throughout the world, an invitation to participate in its world of seduction and sensuality, sales staff wear the pink nightgown, an iconic garment designed by Vivienne Westwood. But if something has contributed to build the image of global premium brand, this has been its advertising campaigns and events. For example, in 2001, the cinema spot 'Proof' starring Kylie Minogue, one of the celebrities who has been wearing Agent Provocateur, was awarded the most successful celebrity viral campaign. Its line of fragrances ("a marriage between scent and seduction"), swimsuits, beauty products or household items have added to the offer of a firm that, right now, means much more than lingerie collections. It is, with no doubt, synonymous with seduction.

From the London’s Soho, his irreverence and sensuality have captivated the world.

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M artini Escucha 'Hang on little tomato' en Cappuccino Grand CafĂŠ Vol. 8. Por Fernando Bernal

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ink Martini son una pequeña orquesta. Y también una gran familia, a la que no dejan de su sumarse nuevos miembros con talento. Al frente de todo, desde hace ya dos décadas, Thomas M. Lauderdale, pianista del combo y auténtico alquimista musical. Su última ocurrencia ha sido reclutar a los bisnietos de la familia Trapp ('Sonrisas y lágrimas') para que formen parte de la nómina de colaboradores de 'Dream a Little Dream', su nuevo álbum de estudio. Cuenta con versiones de grandes standards del mejor pop como 'Fernando', de ABBA, y con guiños a los Trapps como 'Edelweiss'. Su excitante combinación de sonidos de los sesenta con lo mejor de la cultura pop y la magia de las orquestaciones se puede disfrutar también en 'Hang on Little Tomato', que se encuentra en Cappuccino Grand Café Vol. 8. Cappuccino: Después de tanto tiempo en la música, ¿qué es lo que le motiva? Thomas M. Lauderdale: Sí, bueno, tienes razón, ahora cumplimos 20 años... llevamos mucho tiempo. Creo que en este punto lo que más me inspira es poder colaborar con otros artistas o músicos invitados. Éste es el motivo por el que he disfrutado tanto haciendo 'Dream a Little Dream' como si estuviéramos en 1969.

C: El sonido de Pink Martini es muy identificable pero, ¿cómo lo definiría? T. M. L..: Yo diría que somos como un musical de Hollywood cruzado con pop entendido de una manera global. Es como el 'old-fashioned pop' de la década de 1940, con esas hermosas melodías. Como si cruzaras 'Desayuno con diamantes' con algo parecido a las Naciones Unidas. Me gusta decir que si las Naciones Unidas tuvieran una banda propia en el año 1963... ¡Seríamos nosotros!   C: Y también son como una pequeña orquesta. ¿Cuál es el secreto para mantener la conviencia? T. M. L.: Pues lo mejor de estar en una banda con doce personas es que siempre hay alguien nuevo para pasar el rato durante los viajes. C: Para los que nunca hayan asistido a sus shows, ¿cómo es un concierto de Pink Martini?

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[ Cappuccino Music ] T. M. L.: Realmente es una especie de gran fiesta multicultural, con muchos idiomas y muchos estilos. Llevamos el repertorio que sabemos que le gusta al público. La idea es seducir constantemente a nuestra audiencia, y realmente creo que la diversidad de sonidos que ofrecemos es muy grande. Luego guardamos sorpresas, como subir al público al escenario.Y cada show debe terminar con toda la gente bailando samba... C: En España cuentan con muchos fans, ¿qué recuerdos guarda de sus visitas? T. M. L.: España ha sido increíblemente acogedor para nosotros. La gente es muy entusiasta. Creo que tal vez es el país en el que más nos divertimos. ¡Todo el mundo es tan amable, tan interesante, tan apasionado y tan extravagante! C: Háblenos de su colaboración con The Von Trapp en el disco 'Dream a Little Dream'... T. M. L.: Trabajar con The Von Trapp transmite una exhuberancia y un optimismo que te empuja a intentar cualquier cosa. Son de otro mundo, crecieron sin ver la televisión, cantando y tocando en campos y praderas. Pasar un tiempo con la familia Von Trapp es como esos días de verano donde todo puede suceder y también como caminar por el set del rodaje de la película 'Sonrisas y lágrimas'. Pero ellos son de verdad, no actores. Son genuinos y no están contaminados por lo moderno. C: ¿Cuáles son sus artistas favoritos en este momento? T. M. L.: Esta es una pregunta difícil, porque a veces me siento muy emocionado de descubrir una música especial del pasado a la que no presté la atención que se merecía. Creo que tendría que decir que Rufus Wainwright. Su voz es absolutamente divina y me encanta la ópera que acaba de escribir.   C: Y, para terminar, ¿el mejor momento del día para disfrutar de Pink Martini? T. M. L.: Mi sueño es crear bellas melodías que puedan acompañar todos los momentos de la vida: cuando te enamoras, en el duelo por un ser querido, en una fiesta elegante o mientras pasas el aspirador en tu casa. 98 

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ink Martini is a small orchestra; and also a big family that keeps integrating new talented members. Thomas M. Lauderdale, combo pianist and a real musical alchemist, has been at the forefront of everything for more than two decades already. His last idea was recruiting the grandchildren of the Trapp family ('Sound of Music') to be part of the list of contributors to the 'Dream a Little Dream', his new studio album. As usual, there are versions of great pop songs, such as 'Fernando' by ABBA, and a nod to the Trapps as 'Edelweiss'. Its exciting combination of sounds of the sixties with the best of pop culture and magic of the orchestrations can also be appreciated at 'Hang on Little Tomato', in Cappuccino Grand Café Vol. 8. Cappuccino: After so many years in the music industry, what motivates you to continue? Thomas M. Lauderdale: Yeah, well, you're right, now celebrate our 20th anniversary... I think at this point what inspires me the most is collaborating with other artists and guest musicians. This is why I enjoyed so much doing 'Dream a Little Dream', like if we were in 1969. C: The sound of Pink Martini can be easily identified, but how would you define it? T. M. L.: I would say that we are like a Hollywood musical crossed with global pop culture. It is like the 'old-fashioned pop' of the 1940s, with those beautiful melodies. Like if you cross 'Breakfast at Tiffany's' with something similar to the United Nations. I like to say that if the United Nations had its own band in 1963 ... It would be us! C: And you are also like a small orchestra. What is the secret to maintain the combination?

T. M. L.: I guess the best of being in a band of 12 persons is that there is always someone new to hang out with while travelling. C: For those who have never attended your shows, how does a concert of Pink Martini look like? TML: It is really a sort of multicultural festival, with many languages and many styles. We play the repertoire that we know audience usually likes. The idea is to constantly seduce our audience, and I sincerely believe that the variety of sounds is great. Then we've got a few surprises, such as inviting the audience to the stage. And every show should end with everybody dancing samba... C: In Spain you have many fans, what are your memories of our country? T. M. L.: Spain has been incredibly welcoming to us. People are so enthusiastic. I think it is probably the country where we had most fun. Everyone is so friendly, so interesting, so passionate and so extravagant! C: Tell us about your collaboration with The Von Trapp in 'Dream a Little Dream' T. M. L.: They are from another world. They grew up without watching television, singing and playing in fields and meadows. Spending time with the Von Trapp family is like those summer days where anything can happen and like walking around the set of the filming of the movie 'Sound of Music'. But they are real, not actors. They are genuine and uncontaminated by modern life. C: What are your favorite artists right now? T. M. L.: This is a tough question, because sometimes I am excited to discover beautiful music from the past to which I did not pay the attention it deserved. But I would have to say that Rufus Wainwright. His voice is absolutely divine and I love the opera he just wrote. C: What is the best time of day to enjoy Pink Martini? T. M. L.: My dream is to create beautiful melodies that can accompany every moment of life: when you fall in love, when you lose a loved one, in a stylish party or while hovering vacuum cleaner at home.

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Hace nueve años, Jill Barber se reveló como una gran vocalista de jazz con el álbum 'A Note to Follow'. XXXXXXXXXX

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[ Welcome Aboard ]

Wally se une a grandes diseñadores

para convertir el interior de sus barcos

en obras de arte.

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Por Fernando Marant

a relación de Luca Bassani con el mar es una auténtica obsesión que se ha intensificado a lo largo de estos últimos cuarenta años. Y su amor por la navegación le ha llevado a convertirse en uno de los constructores más famosos e innovadores de yates del mundo. Bassani no se conformó con diseñar embarcaciones a su medida (como la que presentó para el disfrute de su famila en 1991), si no que buscó hacer realidad los sueños de otros navegantes fundando su propia empresa de diseño marítimo, Wally, en 1994 y que tiene su sede en

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Mónaco. Luca Bassani Antivari (Milán, 1956) entró en contacto con el mar por primera vez cuando era un niño y pasaba sus vacaciones en Portofino. Estudió Economía en la Universidad Bocconi y trabajó en el negocio familiar de suministro eléctrico, antes de comenzar su singladura por las aguas del negocio de las embarcaciones de lujo (con y sin motor) y de irrumpir con sus propuestas en el mercado. Con esta idea se hizo a la mar en 1994 y hoy en día continúa innovando, por eso ha conseguido en dos ocasiones el Compasso d'Oro, que se considera el premio más prestigioso en el ámbito del diseño industrial.

Y es que el diseño se encuentra en el material genético de esta empresa y de su fundador y presidente. Porque Wally nació de la pasión por el rendimiento, el mar pero, sobre todo, por el diseño. Tanto las embarcaciones deportivas, de carácter más 'chic', hasta los grandes 'cruisers', pasando por los yates de vela (conocidos como 'Blue Ocean') son fácilmente indetificables como miembros de la familia Wally. Su forma particular de trabajo ha impulsado la creación de una comunidad en la que los propietarios, los marineros y los miembros del equipo de diseño y mecánica de Wally trabajan en común para buscar nuevos límites en el arte de la navegación

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Wally 118 Lazzarini Pickering Architects & Wally

marina. Y también cuenta con un grupo que se encarga de la construcción de yates de encargo. Estos expertos están familiarizados con todos los aspectos del producto -diseño, proceso de construcción, la propiedad, la vida marina- y realiza su trabajo en colaboración con los futuros propietarios. Pero el gran secreto de los Wally, donde adoptan su indudable atractivo, se encuentra en los astilleros. En este lugar es donde "la pasión de Wally toma forma". Es decir que los complejos diseños pasan de la mesa de dibujo y de los 'software' de diseño ha convertirse en una realidad tangible durante el proceso de construcción. Wally cuenta ya con dos décadas de expe-

riencia construyendo los yates y las lanchas más innovadoras. Han sido pioneros en el uso de fibra de carbono y también en acoplar al entorno de la más alta tecnología a la labor de los artesanos. Los frutos de esta forma de trabajo se pueden comprobar en los colaboraciones con grandes diseñadores, interioristas, arquitectos y firmas de moda como Emilio Pucci o Hermès. Con la maison francesa el trabajo común se materializó en el superyate WHY (que se puede contemplar en este reportaje). Se trata de ua embarcación de 38 metros que permite disfrutar del mar como si se estuviera en una playa y que incluye lujos como un spa con luz natural o hammam

Length Overall: 36 m. Cruising Speed: 60 kn. Accommodation: 6 guest + 6 crew (option). Naval Architecture:Wally / Intermarine. Engines: 3 x Vericor TF50 gas turbines - 16,800 hp. Styling:Wally with Lazzarini Pickering Architect. Performance (cruising speed): 60 kn. Range (cruising speed): 300 nm.

turco tradicional. Durante su presentación, Luca Bassani lo introdujo como si fuera una isla privada: "Creo que la mejor parte de este barco es la popa. No es como la popa de un barco tradicional, es más como la playa de una isla, una playa que está protegida del viento y de las olas, donde uno puede relajarse de verdad". Una auténtica genialidad, igual que la llevada a cabo con Pucci. Un barco de vela de 18,46 m. bautizado como Wallyño (un diminutivo cariñoso de Wally) y que surge fruto de la amistad de Laudomia Pucci y Bassani, como homenaje a la tradición de la firma de moda italiana. Ahora, cuando vea un Wally, seguro que acierta a distinguirlo.

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Essence Odile Decq & Wally Year: 2006. Length overall: 43,70 m. Speed (engine): 14 knots. Accommodation: 8 guest + crew. Saloon: Table and seats for 10-12. Exterior Design: Wally / Luca Bassani.

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Why Hermès & Wally Year: 2009. Length overall: 58,00 m. Maximum Speed: 14 knots. Guest: 16. Crew: 16. Total Guest Surface Area: 3,900 m. Naval Architecture: Wally/ RDAI. Swimming Pool: 25 m. Luxury megayacht.

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Saudade Eidsgaard Design & Wally Year: 2008. Length Overall: 45,19 m. Speed (engine): 13 knots. Accommodation: 6-10 guest + 6 crew. Saloon: Table and seats for 10-12.

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uca Bassani's relationship with the sea is an obsession that has intensified over the last forty years. And his love of sailing has led him to become one of the most famous and innovative yacht builders in the world. Bassani was not content with designing tailored boats (as the one he presented for the enjoyment of his family in 1991), but he sought to make other navigators’ dreams come true by starting his own marine design company in 1994, Wally, based in Monaco. Luca Bassani Antivari (Milan, 1956)

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came into contact with the sea for the first time when he was a child and spent his holidays in Portofino. He studied Economics at Bocconi University and worked in the family business of electricity supply before starting his adventure through the waters of the luxury boats’ business (with and without motor) and breaking into the market with his proposals. He set sail in 1994 and today he continues to innovate: one of the reasons why he has been awarded twice with the Compasso d'Oro, considered as the world’s most prestigious prize in the field of industrial design. Design is a value that

is part of the company's and of the founder’s and president’s DNA. Wally was born of a passion for performance, for the sea, but above all, for design. From sport boats and more 'chic' boats, to the great 'cruisers', through sailing yachts (known as 'Blue Ocean'), they all are easily identifiable as members of the Wally family. His particular way of working has stimulated the development of a community in which the owners, sailors and Wally’s team of designers and mechanics work together to set new boundaries in the art of marine navigation. He also has a group that is responsible for the

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Dark Shadows Foster & Partners & Wally Year: 2002. Length Overall: 30,45 m. Speed (engine): 12 knots. Sail area: 433 sqm. Accommodation: 6 + 4 crew. Saloon: Table and seats for 8. Naval Architecture: German Frers.

construction of custom yachts. These experts are familiar with all aspects of the product –design, construction process, property and marine life—. Besides, he does his work in collaboration with the future owners. But Wally’s greatest secret, which makes it undoubtedly appealing, is in the shipyards. Here is where Wally's passion takes shape. The place where the complex designs go from the drawing board and design 'software' to becoming a reality during the construction process. Wally already has two decades of experience building the most innovative yachts and boats. They have pioneered in

using carbon fiber and coupling the latest technology to the work of the artisans. The fruits of the good work undertaken can be seen through its collaborations with top designers, interior designers, architects and fashion brands like Emilio Pucci and Hermès. With the French maison, common work materialized in the super yacht WHY (which can be seen at the beginning of this report). It is a 38-meter vessel ideal to enjoy the sea as in the beach, and including luxuries like a spa with natural light or a traditional Turkish hammam. During its presentation, Luca Bassani

presented it as if it were a private island: "I think the best part of this boat is the stern. It's not like the stern of a traditional boat, it's more like an island beach, protected from the wind and the waves, and where one can truly relax." An absolute work of genius, like the one carried out with Pucci. A sailboat of 18,46 meters, named Wallyño (an affectionate diminutive of Wally), the result of a friendship between Laudomia Pucci and Bassani, who wanted to pay tribute to the tradition of the Italian fashion brand. Now, when you see a Wally, you will certainly distinguish it.

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Por Irene Aiguaviva

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Cappuccino: ¿Por qué ha decidido en este último disco 'Chansons', su sexto, cambiar el idioma de las letras de su inglés habitual al francés? Jill Barber: En Canadá vivimos en un país bilingüe y quería honrar a mis fans francófonos cantando en su idioma. Ser músico implica comunicarse con el público, llegar a él. Y además me encanta cantar en francés. Hasta muevo el cuerpo de forma diferente. Es como aprender un nuevo instrumento para mi voz. Se trata de un idioma muy sensual. C.: Han pasado nueve años de su álbum debut, 'A Note to Follow', donde se reveló como una extraordinaria vocalista de jazz. ¿Cómo resumiría su trayectoria hasta el momento? J. B.: Estoy muy orgullosa de mi colección de canciones porque representan un crecimiento como artista y como mujer. Siento que por fin me he encontrado como artista, he hallado mi voz. Ya no aspiro a sonar como mis artistas favoritos, he desarrollado mi propia sonido único. C.: ¿Sigue mirando mucho la luna, musa a la que incluso dedicó su anterior álbum, 'Mischievous Moon' (Luna traviesa)? J. B.: El amor siempre ha sido mi mayor inspiración y creo que siempre lo será. Pero la luna es para mí un símbolo. Siempre está presente en nuestras vidas, 114 

como un ojo gigante en el cielo, mirándonos. Esté donde esté, me sienta como me sienta, siempre puedo mirarla. Para mí es un consuelo y una fuerza muy poderosa en mi vida. Supongo que es mi versión de Dios. Todo lo sabe, todo lo puede. Tan cerca, pero tan lejos. C.: ¿Sigue algún ritual antes de presentarse ante el público? J. B.: Me gusta beber antes de subir al escenario. También me gusta tomar un trago o dos cuando estoy componiendo. Me ayuda a relajarme y me siento un poco como en un sueño. También el ritual de peinarme y maquillarme y

C.: ¿Soñó alguna vez en ser algo diferente o dedicarse a otra cosa? J.B.: Me gusta bromear diciendo que si no me dedicara a la música sería deshollinadora como Dick Van Dyke en Mary Poppins, cantando "Chim Chim Chiriii...", pero dudo que fuera tan romántico todo. Digamos que estoy contenta de ser artista. C.: ¿Cree que existe un estilo canadiense en la música? J.B.: Sí que lo creo, aunque no podría señalar cuál es. Los largos inviernos nos dan mucho tiempo para ensayar, así que hay muchos músicos canadienses muy

"Me encanta Serge Gainsbourg. ¡He pasado muchas noches con él [risas]!". ponerme un vestido glamuroso me ayuda a convertirme en la versión de mí misma preparada para el escenario. Esa transformación es parte de mi ritual. C.: En 'Chansons' incluye una versión del icono francés Serge Gainsbourg. ¿Qué otros artistas le han inspirado durante este proceso? J. B.: Sí, me encanta Serge. ¡He pasado muchas noches con él! [risas]. Con Nat King Cole también, y Ray Charles. Pero no es que prefiera a los hombres.También he pasado largas veladas con Etta James, Carole King y Billie Holiday. C.: Su hermano, Matthew Barber, es también un conocido compositor. ¿En qué medida se han retroalimentado mutuamente sus carreras? J. B.: Cuando éramos ambos adolescentes empezamos a escribir canciones y a montar conciertos en nuestros dormitorios. Para los dos la música ha sido una pasión de siempre. Mi hermano mayor es el primero que me animó a tocar la guitarra y a intentar escribir música, y aún hoy me estimula e inspira. Es uno de los mejores compositores de Canadá.

hábiles e introspectivos. Creo que existe una poesía al paisaje que emana de la música. Una sinceridad, definitivamente una parte romántica y otra bastante segura de sí misma también. C.: En 2013 realizó su primera gira por Europa. ¿Cuándo la volveremos a ver? J. B.: Me encanta Europa y me gustaría ir por allí de gira todos lo años. El público europeo es muy respetuoso y tienen una genuina veneración por los músicos, más que en Norteamérica. Ahora mismo estoy en el estudio creando mi nuevo disco con un sonido más atrevido y tengo muchas ganas de compartirlo con el mundo.

fotos: © jill barber

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ice Jill Barber que ha cambiado, y la creemos. La compositora y cantante canadiense de 34 años se ha alejado poco a poco de la imagen de bucólica cantautora inocente para transportar su voz hacia derroteros más sofisticados. Si ya en su anterior trabajo, 'Mischievous Moon' presentaba un look más maduro, setentero, y canciones que llevaban al límite ese instrumento magistral que tiene en la garganta, es ahora, con 'Chansons', cuando deja manar las influencias que ha ido asimilando desde que cogió su primera guitarra amparada por su hermano. En este álbum, una Barber elegante y refinada regresa a los orígenes y se estrena con el francés con versiones de muchos de los cantantes que veneró e intentó imitar por todos los medios. Hoy ya no emula, ha aprendido que es capaz de competir con los mitos.

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ill Barber says she has changed, and we believe her. The Canadian singer and songwriter of 34 years has gradually moved away from her image of bucolic innocent singer-songwriter to carry her voice to more sophisticated styles. Her earlier work 'Mischievous Moon' already showed a mature look of the 70s, and songs that pushed to the limits the masterful instrument she has in her throat. But now, with 'Chansons', influences she has been exposed to since she picked up her first guitar, encouraged by his brother, flow out of

guage. Being a musician means communicating with the public, reaching out to them. Besides, I love to sing in French. I even move my body differently. It is like learning a new instrument for my voice. It is a very sensual language. C.: It has been nine years since your album debut 'A Note to Follow', where you emerged as an extraordinary jazz vocalist. How would you summarize your career up to date? J. B.: I am very proud of my collection of songs as they represent my growth as an artist, and as a woman. I feel like I have finally found myself as an artist, I have found my voice. I do not aspire to sound like my favorite artists. I have developed my own unique sound. C.: Do you still spend much time looking at the moon, the muse to which you even dedicated your last album, 'Mischievous Moon'? J. B.: Love has always been my biggest source of inspiration and I think it always will be. But the moon is a symbol for me. It is always present in our lives, like a giant eye in the sky, watching us. Wherever I am, however I feel, I can always look at it. For me it is a comfort

"I love Serge Gainsbourg. I have spent many nights with him [laughter]!". her. In this album, an elegant and refined Barber returns to her origins and debuts with French, with versions of many of the singers she worshiped and tried to imitate in every way. Today she does not emulate, she has learned, she is capable of competing with the myths. Cappuccino: Why did you decide to change the language of the songs on this latest album, 'Chansons', your sixth, from your usual English to French? Jill Barber: In Canada we live in a bilingual country and I wanted to honor my francophone fans by singing in their lan-

C.: Your brother, Matthew Barber, is also a renowned composer. To what extent have your two careers retrofitted? J. B.: When we were both teenagers we started writing songs and putting in on concerts in our bedrooms. Music has always been a passion for both of us. My older brother was the first person who encouraged me to play the guitar and try to write music, and he still encourages and inspires me. He is one of the best composers of Canada. C.: Have you ever dreamed of being something different or doing something else? J. B.: I like to joke and say that if I were not devoted to music, I would be chimney sweep, like Dick Van Dyke in Mary Poppins, singing "Chim Chim Chiriii ..." but I doubt it was all so romantic. Let's say that I am happy being an artist.

and a very powerful force in my life. I guess it is my version of God. All knowing, all powerful. So close, yet so very far.

C.: Do you think there is a Canadian style in music? J. B.: Yes, I do, although I could not pinpoint which one. The long winters give us much time to rehearse, so there are many very skilled and introspective Canadian musicians. I think there is poetry to the landscape that emanates from the music. Sincerity, definitely a romantic part, and a pretty confident part too.

C.: Do you follow any ritual before being presented to the public? J. B.: I like to drink before going on stage. I also like to have a drink or two when I'm composing. It helps me relax and I feel a bit like in a dream. There is also the hair and makeup ritual, and wearing a glamorous dress help me become the version of myself ready for the stage. This transformation is part of my ritual.

C.: In 2013 you went on your first tour of Europe. When will we see you again? J. B.: I love Europe and I would tour there every year. European public is very respectful and has a genuine reverence for musicians, more than in North America. Right now I am in the studio creating my new album with a more daring sound and I am really looking forward to sharing it with the world.

Listen to 'La Javanaise' & 'Petite Fleur' in Cappuccino Grand CafĂŠ Vol. 8

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C.: In 'Chansons', you include a version of the French icon Serge Gainsbourg. What other artists have inspired you during this process? J. B.: Yes, I love Serge Gainsbourg. I have spent many nights with him [laughter]! With Nat King Cole as well, and Ray Charles. But is not that I prefer men. I have also spent long evenings with Etta James, Carole King and Billie Holiday.

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Hace nueve años, Jill Barber se reveló como una gran vocalista de jazz con el álbum 'A Note to Follow'. Nine years ago, Jill Barber emerged as a jazz vocalist with the album 'A Note to Follow'.

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Shaken not Stirred

Slava Egoroff, barman ejecutivo de Grupo Cappuccino, nos desvela algunos secretos de la carta de combinados, inspirados en el mundo del cine y sus estrellas.

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Por Javier Caballero / Fotos: Manuel Zambrana

na historia de película. Así se podría definir la relación de Slava con Cappuccino. A principios de diciembre del año pasado, alguien de Cappuccino contactó con él. Le habían encantado los cócteles que había probado. Slava recuerda a la perfección lo que esa persona tomó: “empezó con un Bloody Mary, luego con un Gimlet”. Poco después, cuando el Cappuccino Grand Café de Madrid en la

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plaza de la Independencia tomaba forma, Slava ya estaba convencido de querer trabajar ahí y convertirse, junto con Fernando, en uno de los dos barman ejecutivos para introducir nuevos cócteles y retocar algunos. “Cuando llegué, me enamoré del local, de la localización, del servicio, de su café”. Desde entonces, se puede disfrutar de sus preparados en el Cappuccino Grand Café de Madrid de lunes a sábado a partir de las seis. Ahora, con la perspectiva del tiempo, Slava bro-

mea y compara su historia con la película 'El gran Gatsby', adaptación de la novela de Scott Fitzgerald. Y es que el flirteo de Slava con la mixología comenzó gracias a la literatura. Los libros de Ernest Hemmingway mencionaban mezclas con nombres tan exóticos como Daiquiri, o Muerte en la tarde en su novela homónima dedicada al mundo del toreo, así como un bar de Cuba: Floridita. Tras terminar ingeniería industrial, viajó a La Habana con el claro obje-

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tivo de visitar dicho bar, y allí quedó totalmente prendado del arte de elaborar cócteles. De vuelta a la entonces todavía Unión Soviética, se apuntó a la escuela de hostelería, y en 1993 se mudó a España. Tras dos décadas y cientos de cócteles, Slava confiesa no poder sentirse más feliz. “Cuando pasaba por la Puerta de Alcalá, deseaba vivir enfrente. En cierto modo se ha cumplido mi sueño”, cuenta. Echando la vista atrás, Slava admite apreciar un cambio en la escena coctelera española. “Hace veinte años, los hombres pedían un whisky con coca-cola. Ese tipo de cliente está desapareciendo, ahora piden marcas, quieren conocer lo que añades”. Aunque todavía ve mucha tradición. “El gintonic lleva años siendo un fenómeno en España, pero muchas personas no saben lo que es un Manhattan o un Mai Tai. Me gustaría enseñar que son algo más que una isla y una bolsa para llevar a un bebé”, admite.“Me gustaría que supieran que existen cócteles de los siglos 17 y 18”, añade. Para ello, habla con los clientes, intenta venderles el producto. “Tienes que conversar con ellos para saber lo que quieren, para acertar”, explica. Y es que Slava sabe que hay un cóctel para cada persona y para cada momento. “El típico ejecutivo que sale estresado de la oficina necesita sentarse en la barra y que le preparen un Old Fashioned, admirar el ritual de su elaboración”, asegura. Para los enamorados, apuesta por el Cosmopolitan o por el Gimlet, para las fiestas y reuniones con amigos, el recurrido mojito. Ahora, con la vista al futuro, desea añadir a la carta un cóctel de su creación (como Deja vu o Proscription), que lleve la marca Cappuccino y el consumidor no pueda encontrar en otro lugar. “Nos hemos planteado crear el cóctel del mes en cada local, pues no es lo mismo beber un combinado en el centro de la ciudad que en la playa”, revela. Pero, ¿tiene algún combinado favorito un hombre que vive rodeado de cocteleras, vasos mezcladores y medidores de cócteles? Demasiados, diría, dependiendo del momento y del lugar. Pero uno lo tiene claro: cuando llega a casa después de trabajar, disfruta cualquier mezcla con brandy mientras escucha jazz para relajarse. Un placer que, insiste, está por descubrir en España. 122 

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fiction movie. That’s how the relationship of Slava and Cappuccino could be described. At the beginning of last December, someone from Cappuccino got in touch with him. He had loved the mixed drinks he had tried. Slava recalls perfectly what that person had: “he started with a Bloody Mary, and then a Gimlet”. Soon later, when the Grand Café Cappuccino in Madrid was taking shape, Slava was already convinced of wanting to work there and becoming, along with Fernando, one of the two executive barman to introduce new cocktails and refine some others.“When I arrived, I fell in love with the establishment, the location, the service, the coffee”. Since then, his mixed drinks can be enjoyed at Cappuccino Grand Café from Monday to Saturday since six p.m. Now, from the perspective of time, Slava jokes about it and compares his story with 'The Great Gatsby' film, adaptation of the Scott Fitzgerald’s novel. And the thing is that the flirt of Slava with mixology started thanks to literature. Ernest Hemmingway mentioned in his books mixed drinks with exotic names such as Daikiri, or Death in the afternoon in his homonymous novel devoted to bullfighting, as well as a bar from Cuba: Floridita. After finishing industrial engineering, he travelled to La Habana with the objective in mind of visiting that place, and there he was definitely captivated by the art of preparing cocktails. Back to the former Soviet Union, he signed up on a hotel industry school, and in 1993 he moved to Spain. After two decades and hundreds of cocktails, Slava confesses he cannot be happier. “When I walked pass Puerta de Alcalá, I wished I could live in front of it. My dream has become true somehow”, tells. Looking back into the past, Slava admits to perceive a change in the Spanish cocktail scene. “Twenty years ago, men ordered a whisky and coke. This kind of client is disappearing, now they request brands, they want to know what you add”. He still distinguish a lot of tradition, though.

“Gintonic has been a phenomenon for years now in Spain, but many people don’t know what a Manhattan or a Mai Tai are. I would like to teach them they both are more than an island and a bag to carry a baby”, admits. “I would like them to know there are cocktails from the 17th and 18th centuries”, adds. For that reason, he talks to the clients, he tries to sell his product. “You need

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to talk to them in order to find out what they want, so you can guess”, explains. And the thing is that Slava knows there is a cocktail for each person and moment. “The common executive who leaves the office stressed needs to sit down in front of a bar and have an Old Fashioned prepared, to admire the ritual of its elaboration”, claims. For the lovers, he relies on Cosmopolitan or Gimlet, and for the

parties and friends meetings, the recurring mojito. Now, looking into the fuure, he hopes to add a cocktail of his own in the list (as Déjà vu or Proscription), one that has the Cappuccino hallmark and the consumer cannot find anywhere else. “We have even thought about creating the cocktail of the month in each establishment, it’s not the same to drink a mixed drink in the city center than

having it on the beach”, reveals. But, does a man surrounded by cocktail shakers, mixers and jiggers have a favourite cocktail? Too many, he would say, depending on the time and place. But he has got one for sure: when he get home after work, he enjoys any long drink with brandy while listening to jazz music to relax. A pleasure, he insists, that remains to be discovered in Spain.

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Gimlet 'El largo adiós' es una novela escrita por Raymond Chandler y publicada en Estados Unidos en 1953. "El Bar Víctor estaba tranquilo y silencioso… Me senté dos taburetes más allá y el barman me saludó con una inclinación de cabeza pero no sonrío. Un gimlet -dije-, sin bitter". Lennox ordena una ronda de gimlets y lanza su teoría sobre la bebida en general: "El alcohol es como el amor, el primer beso es mágico, el segundo es íntimo, el tercero es rutina”. Cuando el camarero pone los gimlets en la mesa, Lennox explica a Marlowe: "El verdadero gimlet está hecho mitad de ginebra, mitad de jugo de lima, y nada más. Mucho mejor que el Martini". 'The Long Goodbye' is a novel written by Raymond Chandler and published in the U.S. in 1953.“It was so quiet in Victor's… I sat down two stools away and the barkeep nodded to me, but didn’t smile. A gimlet, I said. No bitters." Lennox ordered a round of vodka gimlets and expounds his theory of drinking: "Alcohol is like love, the first kiss is magic, the second is intimate, the third is routine." When the waiter serves the two gimlets, Lennox explains to Marlowe: "A real gimlet is half gin and half Rose's Lime Juice and nothing else. It beats martinis hollow."

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Cosmopolitan 'Sexo en Nueva York' fue la serie que triunfó en todo el mundo entre 1998 y 2004. Carrie Bradshaw, a la que intepretaba la actriz Sarah Jessica Parker, siempre pedía este cóctel junto a sus tres amigas. En cualquier situación. "Me gustaría una hamburguesa con queso, patatas fritas grandes y un Cosmopolitan". 'Sex and the City' became one of most successful television series in the world between 1998 and 2004. Carrie Bradshaw, the actress who played Sarah Jessica Parker, always ordered this cocktail with her three friends. In any situation. "I'd like a cheeseburger, large fries and a Cosmopolitan."

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Tom Collins 'El guardian entre el centeno', de J. D. Salinger y protagonizado por el adolescente Holden Caulfield, revolucionó la literatura cuando estadounidense cuando se publicó en 1951. Aquel joven actor Dennis Hopper podía haberlo interpretado. “La mesa estaba atestada de vasos. La fea, Láveme, no paraba de tomarme el pelo porque bebía Coca-Cola. Tenía un sentido del humor realmente exquisito. Ella y Marty tomaban Tom Collins. ¡Jo! ¡Nada menos que en pleno diciembre! ¡Vaya despiste que tenían las tías!”. 'The Catcher in the Rye', by JD Salinger, and centered on the teenager Holden Caulfield, revolutionized American literature when it was published in 1951. Only one young actor, Dennis Hopper, could have played that role. “The goddam table was lousy with glasses. The one ugly one, Laverne, kept kidding me because I was only drinking Cokes. She had a sterling sense of humor. She and old Marty were drinking Tom Collinses-in the middle of December, for God's sake. They didn't know any better...”

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Bloody Mary 'Fletch: el camaleón', de 1985, con el cómico Chevy Chase en el papel del reportero Irwin Fletcher, un especialista en disfraces que sabía bien cómo disfrutar de este cóctel. "Sí, muy bien.Tomaré un Bloody Mary y un sándwich de carne... y un sándwich de carne". 'Fletch', a 1985 comedy-film, starring Chevy Chase in the role of a reporter, Irwin Fletcher, a specialist in costumes who knew how to enjoy this cocktail. “Yes, very good. I'll have a Bloody Mary and a steak sandwich and...a steak sandwich, please.”

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[ Cappuccino [ In the Kitchen Club] ]

Vodka Martini En el libro 'Casino Royale', escrito por Ian Fleming y publicado en el año 1953, James Bond pide un Vodka Martini: "En copa de champagne. Espera un momento. Mejor pon tres partes de Gordon’s, una parte de vodka y una parte de Kina Lillet. Mézclalo con hielo hasta que esté muy frío y luego añade una cáscara de limón. ¿Lo tienes?". In the novel 'Casino Royale', written by Ian Fleming and published in 1953, James Bond asks for a Vodka Martini: "In a deep champagne goblet. Wait a minute. Better put Gordon's three parts, one part vodka and one part of Kina Lillet. Mix with ice until very cold, then add a lemon peel. Got it?."

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Mojito 'Miami Vice', serie que se emitió entre 1984 y 1989. Sonny Crokett, interpretado por Don Johnson es un gran aficionado a los mojitos y lo demuetra cuando una mujer intenta seducirle en una lancha: "Soy un fanático de los mojitos. Conozco un lugar.Yo te llevaré al mejor lugar para tomar mojitos". 'Miami Vice', a TV series which aired between 1984 and 1989. Sonny Crockett, played by Don Johnson is a big fan of mojitos and he shows when a woman tries to seduce him on a boat: "I'm a fiend for mojitos. I know a place. I'll take you to the best place for mojitos...".

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[ In the Kitchen ]

Traditional British Fish and Chips… Lo que se conoce como una comida tradicional británica es, de hecho, ¡cualquier cosa menos una comida! Se cree que sus orígenes se encuentran en dos países diferentes, pero que se fusionaron en Inglaterra para obtener como resultado el Fish and Chips británico. La creación del concepto de patatas fritas se atribuye a Bélgica, alrededor del año 1700. Creación que, sin embargo, reivindican también los franceses, y ¡sobre esa misma fecha! El primer caso conocido de la existencia de patatas fritas en Inglaterra fue en Oldham, en torno a 1860. Se cree que el concepto de Fried Fish se introdujo en el siglo XVI, proveniente de España o Portugal, y sería una adaptación del pescado frito. Sin embargo, mientras el pescado frito se hace en harina, los ingleses optaron por rebozar el pescado. Un Fish and Chips tradicional se hace con bacalao, que es el pescado que se utiliza en Cappuccino. Compramos en el mercado filetes frescos y los preparamos en nuestras cocinas de producción para obtener el pescado más fresco posible. Se cubre entonces con nuestra propia receta de pasta de cerveza y se fríe rebozado en aceite de girasol de la mejor calidad. Utilizamos patatas fritas frescas que también se fríen en aceite de girasol... La primera tienda de Fish and Chips en Inglaterra se abrió en Londres en 1860, y es una tradición que desde Cappuccino estamos encantados de poder continuar.

What is known as a traditional British meal is in fact anything but! The origins are believed to have originated in two different countries, but were combined together in England to make it British Fish and Chips. Fried potatoes as chips are claimed to have been created in Belgium around the 1700’s. However the French also claim the creation around the same time! The first known instance of chips in England was in Oldham, around 1860. Fried Fish is thought to have been introduced from Spain or Portugal in the 16th Century and is an adaptation of 'pescado frito'. However where pescado frito is fried in flour, the English created the batter to coat the fish. Traditional Fish and Chips are made from cod, which is the fish we use in Cappuccino.We buy fresh cod fillets from the fish market and prepare them in our production kitchens to produce the freshest fish possible. The fish is then coated in our own recipe beer batter and deep fried in best quality sunflower oil. We use fresh potato chips which are also fried in sunflower oil... The first Fish and Chip Shop in England was in London around 1860, and it is a tradition we are very happy to carry on in Cappuccino.

Por Tony Bale , Chef Ejecutivo del Grupo Cappuccino

By Tony Bale, Executive Chef Grupo Cappuccino.

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[ In the Kitchen ]

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[ The Place ]

jacques grange Designs the New Cappuccino Grand Café Madrid By Edgar García Photo: Manuel Zambrana

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[ The Place ]

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Vistas del interior de Cappuccino Grand Café Madrid, cuyo diseño lleva la inconfundible firma de Jacques Grange.

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[ The Place ]

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appuccino mantiene una relación muy intensa con el mundo del arte, como se puede comprobar en los contenidos de 'Cappuccino Grand Papier'. Esta relación se materializa en las colaboración con grandes nombres de la arquitectura y el diseño de interiores en la concepción de los locales del grupo alrededor del mundo. Para Cappuccino Madrid, el elegido fue Jacques Grange, figura consagrada, referente en el mundo de la decoración y condecorado con la Legión de Honor en su país. En el local de Madrid, el artista francés tuvo claro que quería hacer algo “muy masculino”, con toques Art Decó años 30 y que transmitiera la sensación de estar dentro de la película ‘Casablanca’. De este modo, Grange ha captado la personalidad de Cappuccino a la perfección, con las paredes paneladas con elegantes tonalidades y cuidando hasta el último detalle. Desde las sillas a las cortinas y el

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resto de elementos decorativos que envuelven el ambiente y se funden con las notas de jazz, bossa-nova, folk y loungue que surgen de los recopilatorios musicales que edita Cappuccino. Una situación ideal para disfrutar de un desayuno o un brunch, degustar los platos que

La experiencia Cappuccino y el arte de Grange se fusionan en un espacio único. forman parte de la carta (desde la cocina mediterránea, al toque oriental, pasando por la cocina libanesa) o probar uno de los cócteles ya entrada la tarde, sin prisa porque llegue la noche, mientras de

fondo la música sigue animando a la charla y a compartir la ‘experiencia Cappuccino’. Y, siempre presente, la magia de Grange y su perfecto dominio del espacio y las formas. La manera en la que el maestro francés entiende la decoración ha seducido a lo largo de las últimas décadas a clientes y amigos como Carolina de Mónaco, Catherine Deneuve, Karl Lagerfeld, Isabelle Adjani, Valentino o la familia Coppola. Y ahora también se ha sumado al mundo Cappuccino, con este local en la Plaza de la Independencia, en la intersección entre el Madrid financiero y de negocios y la Milla del Arte, y frente al Retiro (que se puede contemplar desde su acogedora terraza). Para el trabajo en Madrid, que tuvo lugar a finales de 2013, Grange utilizó su metodología, en la que reside el secreto de su magia: “Lo primero que hay que hacer es crear la distribución del espacio. Eso es esencial para ubicar la luz y las vistas. Luego ya se le añade el estilo”.

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[ The Place ]

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appuccino has a very intense relationship with the art world, as it can be seen from the contents of Cappuccino Grand Papier. This relationship takes the form of collaborations with great names of architecture and interior design to jointly conceive the premises of the group around the world. For Cappuccino Madrid, the selected person was Jacques Grange, prominent figure, major reference in the world of decoration and honored with France's highest award, the Legion of Honor. For the Madrid premises, the French artist had in mind something “very masculine”, with 1930s Art Deco touches conveying the feeling of being in the movie 'Casablanca'. With walls paneled with elegant shades, and down to the finest detail, Grange perfectly captured the character of Cappuccino. From chairs to curtains and

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other decorative elements, which create a very special mood, and mingle together with notes of jazz, bossa-nova, folk and lounge from the music produced by Cappuccino. An ideal place to enjoy breakfast or brunch, taste the dishes

The experience of Cappuccino and the art of Grange merge into a single space. created for lunch time (from the Mediterranean cuisine to oriental flavors through Lebanese cuisine) or share the “Cappuccino experience” by trying one of our cocktails in the afternoon and listening to our relaxing background

music while the evening slowly falls; with the magic of Grange and his perfect mastery of space and form ever present. The way in which the French master understands interior décor has attracted over the past decades clients and friends such as Caroline of Monaco, Catherine Deneuve, Karl Lagerfeld, Isabelle Adjani,Valentino or the Coppola family. And now Cappuccino has also been added to this family with its premises in Plaza de la Independencia, at the intersection between Madrid’s financial and art district “Milla del Arte”, and in front of Retiro (which can be seen from Cappuccino’s terrace). For his work in Madrid, which took place in late 2013, Grange resorted to his methodology –and the key to his success: “The first thing to do is to create the layout. The lighting and views are essential. The style will come at a later stage”.

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Cappuccino Madrid

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[ Grand Opening Madrid ]

Clockwise from top: Pepe Link; Marta Ordovas, Jaime Agurruza y Rosario Rojas; Lorenzo del Castillo, Manolo March y Perico; Íñigo de León, Javier Palacios y Gonzalo Calderón; Mario Vargas, Ramon Reboiras, Oliver Trusgnach y Gorka Martínez; Baruc Corazón y un amigo. Next page, clockwise from top: Jorge Castilla con Paul Christopher McKenna; Nicolas Vallejo-Nágera, María Tebenet, Samantha VallejoNágera y Javier Garcia Obregón; María Zurita, Alberto Comenge, María Gamero del Castillo, Laura Escorial y Gonzalo Calleja; Carlos Díaz de Bustamante con dos amigas.

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[ Grand Opening Madrid ]

Clockwise from top: Josie con Alfonso Conde; el cantante del grupo P-Brothers; Pia Muñoz,Victoria Gasset y tres amigas; Sofía López Quesada y Silvia Polakov; Diego Antoñanzas de Toledo y María Muñoz; José Yusti, un

fotos: carlos cortés.

amigo y Bruno Causin.

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Clockwise from top: Carlos Martorell y Carmen Lomana; Mar Flores, Manolo March y Javier Merino; Pepe Link; Roberto Torretta y Pascua Ortega; Gabriela de la Rosa y Juan Varez.

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[ Check Out ]

agenda 2013 /14

Diciembre/ December

Opening: Cappuccino Madrid.

Enero/ January

Opening: Cappuccino Dubai.

Febrero/ February

Opening Party Cappuccino Madrid.

Marzo/ March

Opening: Tahini Marbella.

Abril/ April

Release: Cappuccino Grand Papier Vol. 3.

Junio/ June

Release: Cappuccino Grand CafĂŠ Vol. 8.

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[ Vol. 1 • año 1 ]

LA GINEBRA MÁS PREMIADA DEL MUNDO La calidad en una ginebra no sólo depende de sus botánicos, sino de quién la elabora, de su personalidad y experiencia. Nosotros contamos con Desmond Payne, nuestro Maestro Destilador, quien lleva toda una vida dedicada a Beefeater. Así, ¿cómo no íbamos a ser la ginebra más premiada del mundo?

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Cappuccino Grand Papier vol 3