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Kairòs Magazine

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Kairòs Magazine Direttore responsabile: Roberto Mutti Redazione: Andrea Angeli e Camilla Giannelli [Grafica & Webdesign] Susanna Broccolino [Responsabile Pubblicazioni] Alessandra Digregorio [Comunicazione & Social Networks] Camilla Cerea e Manuela Piludu [Fotoeditors] Serena Groppelli [Comunicazione ed Ufficio Stampa] Alessia Santambrogio [Copy Editor & Archivio Fotografico] Serena Pea [Copy Editor] W: www.kairosmagazine.it @: info@kairosmagazine.it

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Kairòs Magaz

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[ITversion]

Redazionale Roberto Mutti

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Milano, Novembre 2012


[EN version]

Redazionale Roberto Mutti

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Milano, Novembre 2012

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Tempesta, Anagoor

con Anna Bragagnolo e Pierantonio Bragagnolo, studio del movimento Simone Derai, Anna Bragagnolo, riprese video Marco Menegoni, Moreno Callegari, Simone Derai, montaggio e regia video Simone Derai, Marco Menegoni, suono Marco Menegoni, Simone Derai, Moreno Callegari, canti e voce Paola Dallan Marco Menegoni, consulenza storica e iconografica Professor Silvio D’Amicone, scrittura Simone Derai, Eloisa Bressan, regia Simone Derai, Produzione Anagoor, Coproduzione Centrale FIES, Operaestate Festival e con il sostegno di Regione del Veneto. Segnalazione Premio Scenario 2009.

Torno a Drodesera il 22 luglio 2011. Un primo sguardo a Centrale Fies e l’atmosfera si riconferma sospesa, che quasi pare l’abbiano solo appoggiata per un momento, in mezzo a tanta natura, questa centrale idroelettrica del teatro contemporaneo. Sono in ritardo. Corro in Turbina 1 dove lo scenario è altrettanto sospeso. Su un palcoscenico bianco, due schermi appesi e un box di plexiglas trasparente sono immersi nella nebbia. Lo spettacolo ha inizio e in un contemporaneo tableau vivant privo di parola, due giovani performer si muovono lentamente in scena, suggerendoci qualcosa che pare debba succedere da un momento all’altro, ma nulla è chiaro in questo racconto che evolvendosi si nega. Nel mentre, suggerimenti visivi alla tela di Giorgione si moltiplicano, e più d’una volta pare materializzarsi in scena un dettaglio del quadro riletto in chiave contemporanea. Ma sono la sospensione e il mistero di Giorgione a prevalere su tutto il resto. Oltre ai numerosi rimandi e citazioni, nello spettacolo, sono gli «spazi vuoti» e «nascosti», che «lo spettatore può [...] riempire da sè», a giocare un ruolo fondamentale. Mettetevela

via,Tempesta

non

offre

certezze.

E il pubblico immancabilmente si divide tra scocciati esattori di risposte e soddisfatti temerari abbandonatisi a questa suggestiva tanto coinvolgente Tempesta.

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convallis, Di Serena Pea

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Tempesta, Anagoor

con Anna Bragagnolo e Pierantonio Bragagnolo, studio del movimento Simone Derai, Anna Bragagnolo, riprese video Marco Menegoni, Moreno Callegari, Simone Derai, montaggio e regia video Simone Derai, Marco Menegoni, suono Marco Menegoni, Simone Derai, Moreno Callegari, canti e voce Paola Dallan Marco Menegoni, consulenza storica e iconografica Professor Silvio D’Amicone, scrittura Simone Derai, Eloisa Bressan, regia Simone Derai, Produzione Anagoor, Coproduzione Centrale FIES, Operaestate Festival e con il sostegno di Regione del Veneto. Segnalazione Premio Scenario 2009.

Torno a Drodesera il 22 luglio 2011. Un primo sguardo a Centrale Fies e l’atmosfera si riconferma sospesa, che quasi pare l’abbiano solo appoggiata per un momento, in mezzo a tanta natura, questa centrale idroelettrica del teatro contemporaneo. Sono in ritardo. Corro in Turbina 1 dove lo scenario è altrettanto sospeso. Su un palcoscenico bianco, due schermi appesi e un box di plexiglas trasparente sono immersi nella nebbia. Lo spettacolo ha inizio e in un contemporaneo tableau vivant privo di parola, due giovani performer si muovono lentamente in scena, suggerendoci qualcosa che pare debba succedere da un momento all’altro, ma nulla è chiaro in questo racconto che evolvendosi si nega. Nel mentre, suggerimenti visivi alla tela di Giorgione si moltiplicano, e più d’una volta pare materializzarsi in scena un dettaglio del quadro riletto in chiave contemporanea. Ma sono la sospensione e il mistero di Giorgione a prevalere su tutto il resto. Oltre ai numerosi rimandi e citazioni, nello spettacolo, sono gli «spazi vuoti» e «nascosti», che «lo spettatore può [...] riempire da sè», a giocare un ruolo fondamentale. Mettetevela

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E il pubblico immancabilmente si divide tra scocciati esattori di risposte e soddisfatti temerari abbandonatisi a questa suggestiva tanto coinvolgente Tempesta. convallis, Di Serena Pea

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Cenerentola

Coreografia Giorgio Madia Musica: Gioachino Rossini – Scenografie e Costumi: Cordelia Matthes – Cenerentola: Giulia Paris – Principe: Martin Zanotti– Matrigna: Alessandro Orlando – Sorellastre: Federico Veratti, Duilio Ingraffia – Valletti: Leonardo Cusinato, Fabrizio Gallo – Fata: Martina De Dominicis – Altri interpreti: Savina Bellotto, Daniela Giannuzzi, Greta Dato, Elisabetta Dugatto, Simone Maier, Federico Mella. Giorgio Madia ed il Balletto di Milano portano in scena un’originale rivisitazione della favola di Cenerentola, scegliendo una moderna ambientazione nel secondo dopoguerra, ma rimanendo fedeli al racconto originale di C. Perrault.In questa moderna Cenerentola non manca nulla: matrigna, sorellastre, fatina, carrozza, Principe Azzurro e scarpetta, eppure ci si trova di fronte a qualcosa di assolutamente nuovo.Nuova è la foggia data alla storia, lo stile bizzarro con cui sono presentate vicende a tutti note, la chiave umoristica e brillante scelta per conversare con il pubblico. Sul palcoscenico tutto è narrazione, rendendo così oltremodo naturale per lo spettatore abbandonarsi e lasciarsi trasportare nella favola. Ogni dettaglio diventa linguaggio fortemente comunicativo. Fin dall’inizio le luci contribuiscono con rara efficacia al racconto, protagoniste in un prologo affidato ad un mirabile gioco di ombre.Un’antologia di stili danza mantiene fresca e viva la storia anche grazie ad una selezione di brani rossiniani, un distillato delle sue più note opere, che si fondono per dare corpo ad una storia piacevole che ben si raccorda tra le diverse scene.I costumi diventano parte integrante dei personaggi, riflettendone la condizione e l’emotività. Cenerentola, lasciata ai margini della vita familiare, scompare nella tappezzeria. Le scenografie, apparentemente semplici ed egregiamente realizzate, danno il giusto spunto per contestualizzare l’azione lasciando che sia però l’immaginazione la vera protagonista come, ad esempio, nella fantasiosa realizzazione della carrozza che conduce Cenerentola al ballo. Questa Cenerentola è un vero connubio tra modernità e tradizione popolare, dove il tono ironico è la vera scelta innovativa e vincente.

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Di Alessia Santambrogio


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Cenerentola

Coreografia Giorgio Madia Musica: Gioachino Rossini – Scenografie e Costumi: Cordelia Matthes – Cenerentola: Giulia Paris – Principe: Martin Zanotti– Matrigna: Alessandro Orlando – Sorellastre: Federico Veratti, Duilio Ingraffia – Valletti: Leonardo Cusinato, Fabrizio Gallo – Fata: Martina De Dominicis – Altri interpreti: Savina Bellotto, Daniela Giannuzzi, Greta Dato, Elisabetta Dugatto, Simone Maier, Federico Mella. Giorgio Madia ed il Balletto di Milano portano in scena un’originale rivisitazione della favola di Cenerentola, scegliendo una moderna ambientazione nel secondo dopoguerra, ma rimanendo fedeli al racconto originale di C. Perrault. In questa moderna Cenerentola non manca nulla: matrigna, sorellastre, fatina, carrozza, Principe Azzurro e scarpetta, eppure ci si trova di fronte a qualcosa di assolutamente nuovo.Nuova è la foggia data alla storia, lo stile bizzarro con cui sono presentate vicende a tutti note, la chiave umoristica e brillante scelta per conversare con il pubblico. Sul palcoscenico tutto è narrazione, rendendo così oltremodo naturale per lo spettatore abbandonarsi e lasciarsi trasportare nella favola. Ogni dettaglio diventa linguaggio fortemente comunicativo.Fin dall’inizio le luci contribuiscono con rara efficacia al racconto, protagoniste in un prologo affidato ad un mirabile gioco di ombre.Un’antologia di stili danza mantiene fresca e viva la storia anche grazie ad una selezione di brani rossiniani, un distillato delle sue più note opere, che si fondono per dare corpo ad una storia piacevole che ben si raccorda tra le diverse scene.I costumi diventano parte integrante dei personaggi, riflettendone la condizione e l’emotività. Cenerentola, lasciata ai margini della vita familiare, scompare nella tappezzeria. Le scenografie, apparentemente semplici ed egregiamente realizzate, danno il giusto spunto per contestualizzare l’azione lasciando che sia però l’immaginazione la vera protagonista come, ad esempio, nella fantasiosa realizzazione della carrozza che conduce Cenerentola al ballo. Questa Cenerentola è un vero connubio tra modernità e tradizione popolare, dove il tono ironico è la vera scelta innovativa e vincente.

Di Alessia Santambrogio

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Grimmless Ricci/Forte

regia di Stefano Ricci – con Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori, Anna Terio. I lampadari sono quelli delle fiabe, tutti dorati, solo che non possiamo vederli. Sono coperti da pluriball, i teli di plastica con le bolle, quelli che da piccoli giocavamo a schiacciare. Benvenuti in Grimmless. Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori e Anna Terio si presentano in scena muniti di trolley colorati. Che il viaggio abbia inizio. Per prima cosa visitiamo la casa di Barbie, nella quale assistiamo alla riproduzione in stile Porta a Porta della dinamica di un brutale omicidio. Il dramma si traveste da giocattolo prestandosi ad una spietata commercializzazione. Ci viene da sorridere: l’audience non potrà far altro che salire. Ma la fiaba del commercio ha i giorni contati, e già possiamo piangere quel «paese a forma di scarpa» che «c’era una volta» e «ora non c’è più». Anche la ballerina non c’è più, di lei è rimasto solo un tronco dotato di scarpine, tutù e cerchietto di diamanti in plastica. No, così non ci piace, non ci resta che farla a pezzi. E la favola che ci siamo raccontati per anni, con lei, muore. In un feroce zapping nell’intimità delle storie dei performer in scena, sono piccole e grandi esperienze di morte che Grimmless ci racconta. In primis della morte accidentale della fiaba nel violento scontro con un reale privo della famosa morale. E poi dell’innumerevole morte quotidiana delle fiabe che ogni giorno ci raccontiamo per poter andare avanti. C’è una cosa che Biancaneve «non h[a] mai detto a nessuno». E’ «morta un sacco di volte». Perché suo padre, il suo «disegno», «in ufficio» non l’ha mai «appeso». Grimmless ci offre in pasto vicende private, di primo acchito non universali, ma è difficile pensare che nemmeno una delle storie raccontate non riesca a pizzicare il nostro vissuto, in un’estremizzazione del reale che si fa sogno e archetipo. Non è il caso di aspettare il principe azzurro o il miracolo che mai accadrà. «Non esistono principi. E se esistono non servono, rimangono [solamente] lì a guardare». nare.Sedfelisnibh,aliquetnechendreritconvallis,sodalessit

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Di Serena Pea e Diego Steccanella


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Grimmless Ricci/Forte

regia di Stefano Ricci – con Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori, Anna Terio.

I lampadari sono quelli delle fiabe, tutti dorati, solo che non possiamo vederli. Sono coperti da pluriball, i teli di plastica con le bolle, quelli che da piccoli giocavamo a schiacciare. Benvenuti in Grimmless. Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori e Anna Terio si presentano in scena muniti di trolley colorati. Che il viaggio abbia inizio. Per prima cosa visitiamo la casa di Barbie, nella quale assistiamo alla riproduzione in stile Porta a Porta della dinamica di un brutale omicidio. Il dramma si traveste da giocattolo prestandosi ad una spietata commercializzazione. Ci viene da sorridere: l’audience non potrà far altro che salire. Ma la fiaba del commercio ha i giorni contati, e già possiamo piangere quel «paese a forma di scarpa» che «c’era una volta» e «ora non c’è più». Anche la ballerina non c’è più, di lei è rimasto solo un tronco dotato di scarpine, tutù e cerchietto di diamanti in plastica. No, così non ci piace, non ci resta che farla a pezzi. E la favola che ci siamo raccontati per anni, con lei, muore. In un feroce zapping nell’intimità delle storie dei performer in scena, sono piccole e grandi esperienze di morte che Grimmless ci racconta. In primis della morte accidentale della fiaba nel violento scontro con un reale privo della famosa morale. E poi dell’innumerevole morte quotidiana delle fiabe che ogni giorno ci raccontiamo per poter andare avanti. C’è una cosa che Biancaneve «non h[a] mai detto a nessuno». E’ «morta un sacco di volte». Perché suo padre, il suo «disegno», «in ufficio» non l’ha mai «appeso». Grimmless ci offre in pasto vicende private, di primo acchito non universali, ma è difficile pensare che nemmeno una delle storie raccontate non riesca a pizzicare il nostro vissuto, in un’estremizzazione del reale che si fa sogno e archetipo. Non è il caso di aspettare il principe azzurro o il miracolo che mai accadrà. «Non esistono principi. E se esistono non servono, rimangono [solamente] lì a guardare». Di Serena Pea e Diego Steccanella

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Burlesque Royale

Nome gruppo con bio breve Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Mauris gravida elementum augue, id lacinia mauris blandit vitae. Praesent id magna nulla, ut vehicula lectus. Maecenas

Atmosfera scanzonata. Locale caldo, affollatissimo e luci che cambiano in continuazione. Pubblico vario, colorato: siamo circondate da marinai in divisa, donnine con le piume, collane di perle e deliziosi cappellini con la veletta. Fumo ovunque, densissimo, che ti auguri che quando ti troverai a post-produrre le fotografie nel frattempo abbiano inventato il tasto “togli-nebbia”. Annunciate a gran voce compaiono loro, e si capisce come il burlesque sia tornato di moda. Oggi che siamo pronti a gridare allo scandalo mentre accettiamo compiaciuti le volgarità dai talk-show, oggi che il sesso è urlato in prima serata e ci siamo scordati del lato ironico della sensualità loro si spogliano, maliziose e bellissime, senza dimenticare che è un gioco, una burla con il paradosso dell’innocenza. Loro si spogliano e non c’è volgarità nei gesti, solo la grandezza di una bellezza senza schemi. Reale. Così per una sera diventano reali anche il gusto, la sensualità e la potenza dell’ironia: tra le piume ed un seno scoperto loro sorridono, con l’innocenza delle bambine e la malizia consapevole delle donne.convallis, sodales sit

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Di Camilla Cerea e Serena Groppelli


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Burlesque Royale

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Di Camilla Cerea e Serena Groppelli

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Leonardo Delogu la sottrazione dell’ego nei sentieri della frana.

Dopo tre mesi dal Festival di Dro intervistiamo Leonardo Delogu, attore e danzatore dall’inclinazione fortemente sperimentale, equilibrista dell’indagine sull’azione, ricercatore e sperimentatore di spazi e interazioni in costante tensione con la qualità del fare. A Dro abbiamo assistito ad un laboratorio al chiuso, spazio vuoto e bianco, estremamente asettico, perché questa scelta? In realtà questa è stata una condizione obbligata, Camminare nella Frana è un laboratorio che doveva essere eseguito alle Marocche ma che poi si è dovuto dirottare verso la struttura della palestra pubblica di Dro per motivi sia metereologici che di sicurezza. L’indagine che mi interessa è orientata verso spazi aperti, territori di frana, prossimamente infatti saranno sviluppati incontri e sperimentazioni in panorami metropolitani milanesi, aree del terzo paesaggio, all’interno delle strade che costituiscono i sentieri del suburbano. Nel 2012 il laboratorio si fonderà con Strasse un’iniziativa in transito attraverso i luoghi dell’abbandono. Su cosa si fonda la tua ricerca all’interno di questo laboratorio? Qualità del fare, cerco di portare l’attore all’ascolto, mi interessa la percezione del silenzio prima dell’azione. Poca parola, solo quando è indispensabile. Desidero che l’attore si confronti con l’esperienza del fallimento, per allenare la sua consapevolezza verso la percezione della fine nei confronti sia di un suo personale gesto che all’interno di un’azione collettiva. Cosa salvi dalla frana al termine di un laboratorio come questo? Le tracce.

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nare. Sed felis nibh, aliquet nec drerit convallis, sodales Di Camilla Giannelli e Serena Pea

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Leonardo Delogu la sottrazione dell’ego nei sentieri della frana.

Dopo tre mesi dal Festival di Dro intervistiamo Leonardo Delogu, attore e danzatore dall’inclinazione fortemente sperimentale, equilibrista dell’indagine sull’azione, ricercatore e sperimentatore di spazi e interazioni in costante tensione con la qualità del fare. A Dro abbiamo assistito ad un laboratorio al chiuso, spazio vuoto e bianco, estremamente asettico, perché questa scelta? In realtà questa è stata una condizione obbligata, Camminare nella Frana è un laboratorio che doveva essere eseguito alle Marocche ma che poi si è dovuto dirottare verso la struttura della palestra pubblica di Dro per motivi sia metereologici che di sicurezza. L’indagine che mi interessa è orientata verso spazi aperti, territori di frana, prossimamente infatti saranno sviluppati incontri e sperimentazioni in panorami metropolitani milanesi, aree del terzo paesaggio, all’interno delle strade che costituiscono i sentieri del suburbano. Nel 2012 il laboratorio si fonderà con Strasse un’iniziativa in transito attraverso i luoghi dell’abbandono. Su cosa si fonda la tua ricerca all’interno di questo laboratorio? Qualità del fare, cerco di portare l’attore all’ascolto, mi interessa la percezione del silenzio prima dell’azione. Poca parola, solo quando è indispensabile. Desidero che l’attore si confronti con l’esperienza del fallimento, per allenare la sua consapevolezza verso la percezione della fine nei confronti sia di un suo personale gesto che all’interno di un’azione collettiva. Cosa salvi dalla frana al termine di un laboratorio come questo? Le tracce.

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Teatro di Fuoco

Stromboli e il circo senza tendone Un circo senza tendone, Una spiaggia con due lune.Il vulcano esulta mentre Stromboli conserva spettacoli di fuoco, lo spettatore ignoto osserva il gioco. Un festival inavvicinabile nasce e muore ogni sera. Il fuoco ed il suo spettacolo abitano Stromboli, nei suoi anfiteatri artificiali e naturali. Spazi molteplici in un’unica isola dove al buio tra il vulcano e il mare è possibile scontrasi con la “Festa del Fuoco”. Questa isola delle Eolie ospita artisti provenienti da tutto il mondo. L’idea è di un austriaco, August Schuldes detto Gusti, direttore artistico dell’iniziativa. Le presentazioni serali sono in alcuni casi montate in giornata, in altri  il residuo di un laborioso procedimento di scelta. Gli attori sono pirati, orche, draghi, giocolieri e fanti, mentre gli spettatori possono essere solo quei viaggiatori che decidono di trattenersi almeno per una la notte. Lo spazio è aperto, lo scenario l’isola.

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Di Camilla Giannelli

Nome festival con bio breve Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Mauris gravida elementum augue, id lacinia mauris blandit vitae. Praesent id magna nulla, ut vehicula lectus. Maecenas vel tortor vel est vestibulum rutrum sit amet non risus. Nulla condimentum nulla dolor. Sed quis


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Teatro di Fuoco

Stromboli e il circo senza tendone Un circo senza tendone, Una spiaggia con due lune.Il vulcano esulta mentre Stromboli conserva spettacoli di fuoco, lo spettatore ignoto osserva il gioco. Un festival inavvicinabile nasce e muore ogni sera. Il fuoco ed il suo spettacolo abitano Stromboli, nei suoi anfiteatri artificiali e naturali. Spazi molteplici in un’unica isola dove al buio tra il vulcano e il mare è possibile scontrasi con la “Festa del Fuoco”. Questa isola delle Eolie ospita artisti provenienti da tutto il mondo. L’idea è di un austriaco, August Schuldes detto Gusti, direttore artistico dell’iniziativa. Le presentazioni serali sono in alcuni casi montate in giornata, in altri  il residuo di un laborioso procedimento di scelta. Gli attori sono pirati, orche, draghi, giocolieri e fanti, mentre gli spettatori possono essere solo quei viaggiatori che decidono di trattenersi almeno per una la notte. Lo spazio è aperto, lo scenario l’isola.

Di Camilla Giannelli

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Botta e Risposta con

Alessandro Riga

Étoile ospite residente di MaggioDanza

Lunedì, giorno di riposo per i ballerini del MaggioDanza di Firenze. Appuntamento alle 18.45 in Piazza Ognissanti. Non credevo mi riconoscesse da quei lontani giorni di Londra nel 2004 durante i quali ci conoscemmo, ma i suoi passi decisi -con le punte leggermente all’infuori e così tipici di ogni ballerino- diretti verso di me, smentiscono immediatamente la mia teoria. Mi saluta con un sorriso sincero, ci andiamo a sedere in un bar nei dintorni e, davanti ad una Coca Cola ghiaccio e limone, facciamo una chiacchierata di un’ora, tranquilla e rilassata, intervallata da qualche risata e da una sigaretta, come due amici di vecchia data che si aggiornano sui fatti degli ultimi anni. Alessandro Riga è un binomio perfetto: un ragazzo semplice nella vita quotidiana e un portento sul palcoscenico. Una vita dedicata alla danza, ma anche ad essere una buona persona, come ama dire lui. Perché Alessandro è una persona felice, gli si legge negli occhi. In quegli stessi occhi che, insieme al fisico asciutto e scolpito e alla precisione nell’esecuzione di ogni movimento, fanno di lui una stella splendente sui palchi internazionali della danza.

1- Chi è Alessandro Riga? Alessandro è un ragazzo molto fortunato. Un giovane danzatore che ha seguito l’onda degli eventi, che ha colto le occasioni presentatesi ed agito di conseguenza. Durante un esame nella mia scuola di Crotone, sono stato notato da Claudia Zaccari, un tempo prima ballerina del Teatro all’Opera di Roma, la quale mi ha offerto una borsa di studio per gli ultimi tre anni -degli otto- alla Scuola della stessa compagnia.

2- Qual è il ruolo che ti ha fatto pensare “Sì, ce la posso fare nel mondo della danza!”? Immediatamente nel primo anno di scuola a Roma, fui chiamato a collaborare con la compagnia del Teatro dell’Opera, con la grande ballerina italiana che tutti conosciamo, Carla Fracci. E proprio con lei, ho capito che la danza era la mia vita: in «Amleto, Principe del sogno», mentre la Fracci interpretava Amleto, il coreografo Luc Buy Di Serena Pea e Diego Steccanella

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mi assegnò la parte di Ofelia. Un ruolo che mi faceva un po’ effetto, dato che ero vestito da donna…ma era un personaggio giovane, a metà tra il maschile e il femminile, e mai lezioso. Lì ho capito che ce la potevo fare.

3- Come ti cali in un personaggio e quale e perché è il tuo preferito? Cerco di farlo mio. Non sono uno di quei ballerini che passa intere giornate su YouTube a guardare solo balletti! Mi piace fare e vedere la danza. Ho due personaggi preferiti: Mercuzio, in Giulietta e Romeo, che preferisco addirittura al ruolo principale per la sua intensità. E poi c’è Puck, in Sogno di una notte di mezza estate, ruolo in cui mi sento estremamente comodo, è come se mi fosse stato “cucito addosso”. (Riga è finora l’unico interprete del folletto shakespeariano nella versione creata da Francesco Ventriglia, attuale direttore di MaggioDanza, ndr)

4- Dicci la coreografia che non possiamo perderci. Romeo e Giulietta, un classico che non muore mai. E Swan Lake di Matthew Bourne.

5- E quella, tra quelle che invece hai danzato, più difficile da eseguire? Paganini di Vladimir Vassiliev è stato complicato, ma senz’altro il pezzo che più mi ha affaticato a livello fisico e soprattutto per il trasporto che ho provato ballandolo, è stato Requiem. È speciale per me: da sempre amavo la colonna sonora del film Requiem for a Dream e un giorno ho chiesto a Francesco di crearci una coreografia per me, in modo che potessi finalmente esprimere ciò che le note mi suscitavano. L’abbiamo presentata a Danza in Fiera 2011 e poi nuovamente al Gala di inaugurazione del Nuovo Teatro dell’Opera di Firenze, nel Dicembre scorso.

6- Chi è il coreografo con cui sogni di lavorare? Sicuramente William Forsythe. Nei due anni che ho passato a Dresda speravo di ballare le sue creazioni, ma non è stato così purtroppo!

7- Momenti difficili durante il percorso? Cosa vorresti aver fatto, se non il ballerino? Momenti difficili tanti, nei quali ho addirittura pensato di rinunciare. Ma poi la passione era troppo grande. Non mi vedo in nessun’altra arte o mestiere, almeno per ora.

8- Hai appena ricevuto la menzione speciale dalla città di Crotone, dove sei nato. A chi daresti tu il premio come miglior promessa nel panorama italiano della danza? Senza dubbio a Claudio Coviello, cresciuto come me alla Scuola dell’Opera di Roma. Un talento innato che adesso danza a La Scala di Milano da un paio di anni. Un fuoriclasse.

9- Anticipazioni per il 2013. Non posso rivelare niente, me l’hanno proibito! Ma rimango a Firenze, la nuova stagione sarà diversa dalle precedenti, con tante creazioni, insomma, una ventata di novità. Mi raccomando, vi aspettiamo a teatro!

Articolo di Candida Bongini Fotografie di Camilla Giannellie Manuela Piludu

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