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CAMINAR MIRANDO AL PISO

Proyecto Final de Grado: Camila Amaya C.


Camila Amaya C. Proyecto final de grado:

Caminar Mirando Al Piso

Foto portada: Detalle paso peatonal Carrera 3 Bogota, Colombia

Proyecto asesorado por: Lucas Ospina Beatriz Eugenia Diaz Arte - Universidad de los Andes Bogotรก, Colombia Mayo, 2018 vi


Contenido Introducción - p009

Imagen Subjetiva - p035

Los Materiales - p015

Soy Intermediaria - p043

Fotografía - p023

En Términos Formales - p049

Dinámicas Invisibles - p029

Trabajos Citados - p054

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Introducciรณn

Recurrir a lo Cotidiano

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Introducción/Recurrir a lo Cotidiano

La ciudad ha sido una fuente de inspiración para muchos artistas y ha proporcionado un tema que refleja las complejas interacciones de la realidad urbana. Asimismo, con el pasar de los años y el cambio en las formas de expresión, las ciudades en las que vivimos también han cambiado considerablemente. Pero, más allá de la representación, ¿es sensato pensar que la manera en la que el arte interpreta una ciudad, moldee el entendimiento de la sociedad sobre la misma? El espacio urbano cotidiano se presenta ante nosotros con unos materiales específicos que lo construyen; tiene sus propios colores, patrones y texturas que son parte de la noción de “calle” que tenemos en nuestro imaginario. Este entendimiento es como un subconsciente visual colectivo. Con este contexto, en mi propuesta busco separar mi rol de artista, como creadora, y más bien situarme en un papel de lectora urbana, de intermediaria. Me convierto en una cronista visual del presente. Me sitúo simultáneamente dentro y ‘fuera’ de la ciudad, transitándola desde mi abstracción para expresar lo que veo y crear un puente entre una visión subjetiva y el espectador. Tal como lo explicaba Baudelaire en referencia a la modernidad, el artista tiene la tarea de encontrar la belleza que se esconde en el presente. “En una palabra, para que toda modernidad sea digna de convertirse en antigüedad, es necesario que se haya extraído la belleza misteriosa que la vida humana introduce involuntariamente” (Baudelaire, 1863)1. En mi obra busco resaltar las características plásticas de la ciudad y extraerlas de su funcionalidad, para permitir una mirada diferente. La idea es crear un reencuentro entre lo que vemos todos los días y el descuido que nos hace creer que no lo vimos. 1 Baudelaire, C. (1863). El pintor de la vida moderna. Obtenido de Écfrasis: http://www. ecfrasis.org/wp-content/uploads/2014/06/Charles-Baudelaire-El-pintor-de-la-vida-moderna.pdf

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¿Cómo puedo traducir mi experiencia de ciudad en una experiencia visual? Alguna vez Francis Bacon señaló que la novedad no es sino una forma de olvido(Bacon, 1909-14)2 . Esta noción aparece reiteradamente a lo largo de mi proyecto. La sorpresa que en él existe, no es más que el reencuentro con los materiales con los que convivimos en nuestra vida diaria de habitantes urbanos. La cotidianidad que los envuelve los ha hecho invisibles y, diariamente, ignoramos las dinámicas a las que nos someten. Es sobre estos materiales que nos movemos, y ellos definen la manera en la que nos comportamos cuando salimos a la calle. Condicionan nuestra manera de actuar y, no obstante, nos relacionamos con ellos de manera pasiva; no los cuestionamos. Sin embargo, darles una segunda mirada puede provocar resultados inesperados. Bajo esta mirada es que se construye el proyecto. Como respondiera Vik Muniz, artista brasileño, ante el cuestionamiento de si la realidad está agotada y, por tanto, estamos condenados a la repetición: “La repetición solo es inquietante en la medida en que ya podemos presenciar el desgaste de la subjetividad” (Muniz, 2013)3 . 2 Bacon, F. (1909-14). Essays, civil and moral. Obtenido de Bartleby: www. bartleby.com/3/1/ 3 Muniz, V. (2013, Agosto 10). En El Sombrero De Copa, O De Cristal: Una Conversación. (J. Uslé, Interviewer) Bogotá: Museo de Arte, Banco de la República.

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Introducciรณn/Recurrir a lo Cotidiano

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Los Materiales Subconsciente Visual Colectivo

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La interacción entre el cemento, el asfalto, las líneas blancas y amarillas, el hollín de los buses y el polvo que levanta el tráfico… todos son la base de nuestra experiencia visual cotidiana. A diario, nos vemos enfrentados a estos materiales de manera directa y, con el tiempo, se han convertido en una parte fundamental de nuestro entendimiento moderno de ciudad, de metrópolis, de desarrollo. Sin embargo, a causa de su carácter funcional, resulta más efectivo acostumbrarnos a su existencia como una parte más de nuestro común. Al entenderlos como elementos constantes, los convertimos en parte del ‘fondo’ de nuestra mirada cuando salimos a la calle. En su teoría sociológica, Pierre Bourdieu nos plantea la existencia del “habitus”. Se contempla el habitus como una manera de explicar los esquemas de obrar, pensar y sentir, que se comparten entre personas de un entorno social homogéneo. Con esta idea, Bourdieu se aproxima al conocimiento inconsciente que moldea a una sociedad. A grandes rasgos, el habitus se podría definir como una historia encarnada e interiorizada como parte de nuestra naturaleza y, por lo tanto, olvidada como historia.

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Los Materiales/Subconsciente Visual Colectivo

Aunque en parte esto es lo que nos permite actuar con relativa autonomía en el presente inmediato, la existencia del habitus funciona como capital acumulado, sabiduría que entra en nuestro inconsciente y produce una base sobre la cual existimos. Como lo explica Durkheim: “En cada uno de nosotros, en diferentes grados, existe la persona que fuimos ayer y, por supuesto, en la naturaleza de las cosas, es incluso cierto que nuestra persona pasada predomina en nosotros, pues el presente es necesariamente insignificante cuando se comprara al largo período del pasado por el cual hemos surgido en la manera en la que somos hoy. Es sólo que no sentimos la influencia de éstos seres pasados, precisamente porque están tan profundamente arraigados en nosotros. Constituyen nuestro inconsciente. Consecuentemente, tenemos una fuerte tendencia a no reconocer su existencia y a ignorar sus legítimas exigencias” (Durkheim, 1979)4.

4 Cita original: “In each of us, in different degrees, is contained the person we were yesterday, and indeed, in the nature of things it is even true that our past personae predominates in us, since the present is necessarily insignificant when compared with the long period of the past because of which we have emerged in the form we have today. It is just that we don’t directly feel the influence of these past selves precisely because they are so deeply rooted within us. They constitute the unconscious part of ourselves. Consequently, we have a strong tendency not to recognize their existence and to ignore their legitimate demands.” Durkheim, E. (1979). History of Secundary Education in France. En E. Durkheim, & W. S. Pickering (Ed.), Emile Durkheim: Selected Writings on Education (pág. 11). Abingdon: Routledge.

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Los Materiales/Subconsciente Visual Colectivo

Mi trabajo se refiere a este conocimiento inconsciente que existe de manera tan natural dentro de nuestra sociedad urbana contemporánea. Trabajar con los materiales que construyen el entorno que nos rodea me permite, de alguna forma, despertarlos del olvido y de la inercia. De esta manera, la obra se esfuerza por generar un continuo entre arte y vida, para permitir que existan en un mismo espacio, ni galería, ni calle: ambos. Siguiendo la línea de mi trabajo, podríamos plantearnos que todo podría ser convertido en arte. Sin embargo, creo que la cuestión no está en que todo sea convertido en arte, sino en cómo se da ese proceso. En la posibilidad de rescatar del olvido materiales, colores y texturas que normalmente pasan desapercibidos. En nuestro poder, tenemos la oportunidad de mirar algo de manera distinta y así, entenderlo en su esencia y en sus diversas posibilidades plásticas. Darnos la libertad de redescubrir el mundo alrededor como una obra de arte, para disfrutarlo por fuera del silencio de nuestro saber colectivo. En mi trabajo, decido escoger los materiales que construyen nuestro entorno para destacarlos y hacer del fondo un contenido. Las pinturas singularizan estos materiales del resto de la calle y revelan un interés por una visión fuera de su carácter funcional.

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FotografĂ­a Una Mirada Selectiva

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Escojo incluir la fotografía en mi proyecto pues, alternando con la pintura, hay un complemento. En su proceso, la pintura sufre muchos cambios y fases. Sin embargo, lo único que percibimos es el resultado final. En el mejor de los casos, llegamos a imaginarnos y suponer algunos pasos de su proceso, pero nuestra evaluación tiene en cuenta casi exclusivamente la última etapa. Frente a esto, la fotografía permite destacar lo que se esconde en la pintura. Es una manera de controlar, inventariar, señalar y guiar al espectador dentro de mi proceso. Me valgo de este medio para hacer énfasis en detalles que no me gustaría que se perdieran. Igual que con el resto de mi trabajo, destaco estos ‘detalles’, los aparto de su fondo y les permito ganar protagonismo. Además de servir como muestrario, la fotografía aporta una nueva dimensión a mi proyecto. Me permite jugar con el encuadre, con la luz y la sombra, con el espacio y su extensión. De alguna manera, la fotografía permite la deformación de la realidad misma. Retomando ideas de Vik Muniz: “El hecho de que decida mostrar una reproducción en lugar de su matriz, se debe a que estoy convencido de que la fotografía añade un matiz adicional de ambigüedad y de asombro a la obra… La tecnología ha sido la causa de que cada vez contemplemos un mayor número de imágenes de un modo más trivial. La proliferación hace que la mayoría de ellas sean más vulgares e inútiles, pero galvaniza las escasas imágenes que hemos elegido porque por algún motivo nos llaman la atención, y esta atracción cada vez guarda menos relación con el tema”(Muniz, 2013)5.

Por un lado, hay movimiento. El uso de la fotografía me ayuda a destacar como una constante la presencia de un recorrido, de un desplazamiento de un punto ‘A’ a un punto ‘B’. 5 Muniz, V. (2013, Agosto 10). En El Sombrero De Copa, O De Cristal: Una Conversación. (J. Uslé, Interviewer) Bogotá: Museo de Arte, Banco de la República.

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Fotografía/Una Mirada Selectiva

Sin embargo, este desplazamiento no se tiene que asumir únicamente como físico. También existe como una transformación del material, que igualmente ha sido registrada. En la otra mano, está lo estático. Cada foto captura un instante: una luz determinada, alumbrando un material en condiciones específicas, captados desde un ángulo calculado para componer únicamente con los elementos que me interesan. Ese ‘instante’ que se da en el proceso de la pintura, pero que se pierde en el resultado final, es precisamente lo que se percibe en las fotos. Cada una es un momento de mi proceso, un detalle que destaca algo preciso que permite dar un paso adelante en el desarrollo y que, por lo tanto, se convierte en un vínculo que genera una sensibilidad hacia una estética específica: sea un fragmento, una textura, un color…

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Dinรกmicas Invisibles El Olvido de lo Ordinario

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¿Por qué la calle? ¿Por qué caminar mirando al piso? La calle nos ofrece distintas maneras de percibirla: como espacio, como escenario, como mapa, como vía. Pero también, existe la posibilidad de entenderla como una pintura, como una pintura sin autor, como una pintura colectiva. Así mismo, existen diferentes miradas de lo cotidiano. La persona que transita en carro, ve la calle de manera diferente a como puede verla quien circula en bicicleta, que a su vez la ve diferente al peatón. Hay diferentes usuarios y desde esta perspectiva, hay diferentes lecturas. Nuestra percepción de los materiales, de las interacciones, de los colores y mucho más, depende de la manera en la que usamos la ciudad. Mi trabajo destaca una: la del caminante. Caminar mirando al piso no solo delata estar mirando el suelo sino, también, revela un cierto estado de introspección. El andén bogotano nos obliga a cuidar el camino. La cantidad de huecos, desniveles, diferencias de color e imprevistos, nos obliga a estar atentos a nuestro entorno. Pero, aunque todo el tiempo lo estamos leyendo, no lo vemos, lo olvidamos. Voy oyendo música y veo el conjunto de líneas blancas y negras que me indican por dónde cruzar, cruzo y sigo mi camino sin reparar en que la pintura de las líneas esté gastada o quebrada, o en que sea la tercera vez que pintan la cebra. 030


Dinรกmicas Invisibles/El Olvido de lo Ordinario

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Dinámicas Invisibles/El Olvido de lo Ordinario

Hay algo encantador en el olvido de nuestro cotidiano. No nos podemos escapar de él, todos los días nos enfrentamos con las mismas imágenes. Sin embargo, como consecuencia de la rutina, miramos el andén, pero pensamos en algo más y, así, nos abstraemos de nuestra realidad. Sin darnos cuenta, nos rodean procesos que componen los espacios donde vivimos. Existe una manera específica de construir nuestro entorno, de arreglarlo, cuidarlo y renovarlo. Aunque esto es visible para nosotros, se esconde de nuestra rápida mirada. Mi obra quiere singularizar dicho aspecto; trabajar con ciertos materiales me permite separarlos de nuestro día a día y señalarlos como objetos de valor.

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Imagen Subjetiva Experiencia de Ciudad en Experiencia Visual

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Quiero creer en la posibilidad de que nuevas abstracciones de la ciudad, nos ofrezcan nuevos sentidos y que, al mostrar el cemento y el asfalto mezclados en una pintura, empecemos a observar el cemento en la calle de manera diferente. Así, incentivar al espectador a encontrar una obra en una grieta en la pared. Buscar las pinturas automáticas que la ciudad nos brinda y estar dispuestos a disfrutar de ese encuentro. Al referirme a pintura automática, me refiero a las composiciones visuales que se dan alrededor nuestro, sin la intervención explícita de ningún artista, sin la intención de convertir algo en arte: 1. Una calle por la que transitan cientos de buses haciendo un mismo recorrido. 2. En el pavimento queda marcado con el hollín el paso del bus. 3. Se convierte lentamente en un dibujo colectivo.

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Imágen Subjetiva/Experiencia de Ciudad en Experiencia Visual

Sin embargo, trabajar con la pintura automática quiere decir quitarle el carácter de automatismo. Se convierte en la búsqueda de los materiales que reconozco por generar pinturas automáticas y usarlos para empezar a crear nuevas y propias composiciones. Para este ejercicio, es necesario conocer el material, para entender su flexibilidad al igual que sus límites. Encontrar las maneras en las que el material se expresa por sí mismo y crear a partir de esto. Tal como dijo Alex Da Corte en referencia a su trabajo: “Para trabajar con estos objetos, intento dejar de lado mi propia intervención para encontrar y revelar las características y la historia del material en sí” (Corte, s.f.)6. 6 Cita original: In working with these objects, Da Corte tries to put aside his own touch in order to reveal and locate the previous touches, the objects own story. Corte, A. D. (s.f.). David Risley Gallery. Obtenido de David Risley Gallery: http://www.davidrisleygallery.com/artists/alex-da-corte

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Eliminando el automatismo, en este trabajo quiero dar el paso de la pintura automática a la pintura sin pintura. Este nuevo reto presenta una dualidad, pues lo encuentro enviciante por su novedad, pero siento la necesidad de encontrar maneras en las que mi obra no sea reducida a esta simplificación. Lo que espero es crear una reflexión sobre su complejidad, un cuestionamiento sobre la huella que nuestro entorno deja en nosotros. Una vez pase el sentir abrumador que supone el uso de colores oscuros y de materiales toscos, quiero que el espectador intuya el legado de estos materiales sobre nuestra vida. El hecho de no usar pintura, me permite crear un vínculo entre el tema y la obra. El curador y artista Santiago B. Olmo, ilustraba esta idea afirmando: “En cierto modo hay algo de anacrónico en la pintura, frente a otros soportes más inmediatos y mejor enlazados con la visión de lo cotidiano. Pero parece posible renovar el medio introduciendo elementos de análisis crítico y de memoria junto a otras experiencias visuales. La pintura ya no solo remite a una noción perceptiva (ofrecida por el espacio cuadro) de “contemplación restringida”, también establece una discursividad intertextual y sinestésica” (Olmo, 2005)7. En el diálogo entre calle y arte, mi obra quiere plantear una nueva mirada a la ciudad. Examinar la Bogotá moderna y hallar las características que la unifican y que permiten que siga siendo Bogotá en todos sus kilómetros de extensión. Con esto, creo imágenes que registran las minucias de nuestra vida cotidiana y evidencian que la vía es el espacio que nos reúne a todos, es el material que nos hace partícipes de una misma ciudad.

7 Olmo, S. B. (2005). La renovación de la pintura, sin pintura. La situación en España. catálogo de la exposición Pintar sense pintar. Lleida, España: Centre d’Art la Panera de Lleida.

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Imรกgen Subjetiva/Experiencia de Ciudad en Experiencia Visual

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Imágen Subjetiva/Experiencia de Ciudad en Experiencia Visual

El resultado es una especie de registro de mi estado emocional en el momento en el que salgo a la calle. Mi obra expresa la manera, muy personal, en la que percibo los detalles del espacio urbano que camino. Me detengo al caminar y me recreo en el juego de la luz sobre los adoquines mojados. Luego, encuentro esquinas que me gustan y empiezo a crear con ellas, a partir de ellas. Me sujeto de las minucias que llaman mi atención y, una por una, las vuelvo íntimas a mí. De esta manera, invito al espectador a explorar mi mirada íntima de la calle. Trato de colgar en la pared mis impresiones. Recuerdo y comparto tres puntos de una lista que Adolph Gottlieb, Mark Rothko y Barnett Newamn, escriben como parte de su corto manifiesto para la pintura (Mark Rothko, Adolph Gottlieb and Barnett Newman: A Brief Manifesto, 1943)8 : 1. Para nosotros el arte es una aventura hacia un mundo desconocido, que solo pueden explorar los que están dispuestos a afrontar riesgos. 2. Este mundo de la imaginación está al margen de todo compromiso y se opone violentamente al sentido común. 3. Nuestra tarea como artistas, consiste en que el espectador vea el mundo a través de nuestros ojos, no de los suyos.

8 Newman., M. R. (13 de June de 1943). Mark Rothko, Adolph Gottlieb and Barnett Newman: A Brief Manifesto. The New York Times. Obtenido de False Art: http://www.falseart.com/mark-rothko-adolph-gottlieb-and-barnett-newman-a-briefmanifesto/

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Soy Intermediaria Convertir lo Real en lo Imaginario

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Una galería es una especie de espacio en blanco constantemente manipulado, un lugar anticlimático que encuentra dificultades en mantener una continuidad narrativa con lo que allí sucede. Entendemos colectivamente que cualquier espacio que se use ‘a manera de galería’, se convierte en un espacio al cual vamos a ver arte. A causa de esto, se ha creado una idea alrededor del formato ‘galerístico’, la manera en la que normalmente se montan las obras en una galería para presentarlas como manifestación artística. Si bien ello es cuestionado en el arte contemporáneo, y reiteradamente se busca romper con este formato y propiciar que el arte salga de la galería, mi proyecto decide de manera abierta y deliberada hacer uso de este formato ‘galerístico’ como un recurso que, precisamente, resulta útil para otorgar estatus a mis piezas elaboradas con materiales ordinarios y callejeros, a la vez que contribuye a la sorpresa que resulta de la utilización ‘artística’ de este repertorio de colores y texturas cotidianas. Mi propuesta se apoya en transformar la manera en que miramos, es un arte que está menos enfocado en el objeto como ícono. Mi obra toma materiales y elementos de la calle bogotana y los recrea para aportarles un contenido artístico.

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Soy Intermediaria/Convertir lo Real en lo Imaginario

De esta manera, entender el proyecto como un punto medio entre la calle y el espacio expositivo, permite crear un continuo bajo el cual ‘ver’ sea convertir lo real en imaginario, darnos la posibilidad de explorar y recrear con los mismos materiales neutros y mudos sobre los cuales pasamos (y pisamos) en cualquier calle de la ciudad. Para lograr dicho intermedio, reconozco una cualidad estética al material, por lo que escojo crear una distancia crítica de su percepción funcional. Me dispongo a volverlo completamente inútil para incentivar un alejamiento de nuestro entendimiento acerca de su función y observarlo desde una nueva perspectiva. Intento aproximarme al ‘gusto’ y entender su espacio dentro de una galería. Empiezo a darme cuenta del tipo de gozo que se da al entrar a un espacio expositivo y busco la estética que existe y que cautiva a los observadores. Me doy cuenta que este gozo se debe a la separación de algo (lo que constituye la obra) de su fondo. Darle singularidad a ese elemento escogido es lo que nos atrae hacia la exposición. Queremos encontrarnos con la mirada subjetiva del artista, que se convierte en el punto medio entre el material y nosotros. Incluso, esa mirada subjetiva y desinteresada, es también una mirada objetiva en la medida en que es capaz de ver el mundo por fuera de la funcionabilidad, del mero uso, de la historia; es pleno presente.

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Entonces, aparece un contraste entre subjetividad personal y el condicionamiento colectivo, pues no es de olvidar que también el gusto está fundado en un saber común. Como afirmaba Luis Camnitzer, “el gusto no es ejercer objetividad”(Camnitzer, 2012)9. Es una construcción social sujeta a ideologías colectivas y a la influencia sobre la experiencia personal. Automáticamente aparece una paralela en el proyecto. Se empieza a relacionar el intento de usar el ‘gusto’ como idea colectiva para, simultáneamente, alejarnos de la percepción habitual de los materiales neutros de las calles de la ciudad. Entonces, lo uno ayuda a lo otro. Sin la galería los materiales se quedan en el deterioro de la calle y, sin la calle, no hay obra; el arte se alimenta de la intensidad de la vía pública. 1 Camnitzer, L. (2012). La Enseñanza del Arte Como Fraude. Conferencia para la exposición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional (pág. 3). Bogotá: Esferapública.

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En TĂŠrminos Formales Un DiĂĄlogo con el Material

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En Términos Formales/Lo Que Pasa en el Taller

La decisión de trabajar con “materiales de construcción” está tomada, y empiezo a buscar lo que pasa en términos formales para entender mejor mi trabajo. Mi proceso empieza por salir a la calle y mirar. Busco cosas que me llamen la atención, miro detenidamente, tomo muchas fotos que después estudio, detalles que se destacan para mí: materiales, texturas, colores, huellas. De esta manera, empiezo a aproximarme a la plasticidad en la ciudad. Bajo esta mirada plástica, comienzo a resaltar sus rupturas, su uso, sus cambios, la manera en la que nuestro paso y el paso del tiempo y su permanente exposición a muy diversas condiciones de uso (y de abuso) lo van transformando. Me fijo también en las condiciones del clima, e incluso su apariencia y percepción en diferentes momentos de luz y se sombra. De esta manera, se abre ante mí un abanico de posibilidades visuales que me permiten un acercamiento propio. Me comprometo a encontrar sus estados y crear diálogos entre varios materiales que nos hablen de un mismo tema. Con la repetición de este ejercicio, empieza a nacer un trabajo que florece y se sostiene por sí sólo. La interacción entre las diferentes bases y densidades de los materiales, generan resultados que me sorprenden. Así, abro una ventana para disfrutar la calle por fuera de la calle.

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Caminar Mirando Al Piso

En el taller, me empiezo a dar cuenta de las características del material. Empiezo a notar que tiene ciertas cualidades que son tercas, que yo no puedo cambiar, y que someten mi trabajo. Entonces dejo que el material se exprese por sí solo. Empiezo a buscar resultados a partir de las características del material mismo y a ver lo que se puede hacer con él. Me doy cuenta que lo puedo arrastrar, rayar, raspar, buscar sus relieves, jugar con su textura. Encuentro la frialdad y la calidez, y juego con el deterioro. En la obra provoco choques entre lo ligero y lo pesado, lo frágil y lo sólido. Busco el punto en el que se atribuye el proceso que desaparece a lo que se ve en el resultado final. De esta manera, creo una metáfora bajo la cual señalo lo ausente de la calle, en lo ausente de la obra: la sombra que se esfuma, el líquido que se evapora, el color que, al secarse, cambia. Al final, el ojo recorre la pintura y encuentra distintos materiales y aplicaciones que parecen ser usados de manera arbitraria, pero que en realidad han sido usados cuidadosamente para referenciar un mismo escenario. Con esto, celebro el lenguaje desgastado y compositivo de la calle y, aunque el trabajo aparente ser aleatorio y gestual, lo es y al mismo tiempo no.

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Trabajos Citados Bacon, F. (7 de Marzo de 1909-14). Essays, civil and moral. Obtenido de Bartleby: www.bartleby.com/3/1/ Baudelaire, C. (1863). El pintor de la vida moderna. Obtenido de Écfrasis: http://www.ecfrasis.org/wp-content/up loads/2014/06/Charles-Baudelaire-El-pintor-de-la-vida-moderna.pdf Borteh, L. (s.f.). Gerhard Richter Artist Overview and Analysis. (T. A. Contributors, Editor) Obtenido de TheArtStory.org: http://www.theartstory.org/artist-richter-gerhard.htm Camnitzer, L. (2012). La Enseñanza del Arte Como Fraude. Conferencia para la exposición en el Museo de Arte de la Universi dad Nacional (pág. 3). Bogotá: Esferapública. Corte, A. D. (s.f.). David Risley Gallery. Obtenido de David Risley Gal lery: http://www.davidrisle gallery.com/artists/alex-da-corte Durkheim, E. (1979). History of Secundary Education in France. En E. Durkheim, & W. S. Pickering (Ed.), Emile Durkheim: Selected Writ ings on Education (pág. 11). Abingdon: Routledge. Muniz, V. (10 de Agosto de 2013). En El Sombrero De Copa, O De Cristal: Una Conversación. (J.Uslé, Entrevistador) Bogotá: Museo de Arte, Banco de la República. Newman., M. R. (13 de June de 1943). Mark Rothko, Adolph Gottlieb and Barnett Newman: A Brief Manifesto. The New York Times. Obtenido de False Art: http://www.falseart.com/mark-rothko-adolph-gottlieb-and- barnett-newman-a-brief-manifesto/ Olmo, S. B. (2005). La renovación de la pintura, sin pintura. La situ ación en España. catálogo de la exposición Pintar sense pintar. Lleida, España: Centre d’Art la Panera de Lleida.

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Proyecto asesorado por: Lucas Ospina Beatriz Eugenia Diaz Arte - Universidad de los Andes Bogotรก, Colombia Mayo, 2018

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