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DICIEMBRE / 11 - ENERO / 12 #64

LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA

MONADAS ‘MADE IN JAPAN’ // EDIFICIOS CON HISTORIA // TRIBAL FUSIÓN: DANZA ORIENTAL // MODA PARA LAS FIESTAS


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DICIEMBRE 11 / ENERO 12 «NO SE VEN UNAS BASES DEL 15-M EN LA CULTURA»

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El escritor y cineasta Ray Loriga publica El bebedor de lágrimas, un libro para adolescentes

EL LADO MÁS SÓRDIDO Y BOHEMIO DE NUEVA YORK

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Luc Sante nos avanza el primer capítulo de su libro Mata a tus ídolos, un recuerdo de juventud

LOS LÍMITES ATÁVICOS DE LA VOZ HUMANA

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El MUSAC de León acoge una muestra colectiva con el grito como forma de expresión artística

BETINA LA PLANTE, COMO LA VIDA MISMA

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«Hacer fotos es una simple reproducción selectiva de la realidad», dice la retratista argentina

KAWAII, UNA MANERA DE ENDULZAR LA VIDA El arte más naíf de Japón es un estallido de felicidad que rebasa fronteras

«RESULTA DIVERTIDO REVOLVER EN EL PASADO» Juan Gatti expone lo mejor de su obra en Contraluz, 40 años de trabajo

EDIFICIOS QUE TIENEN MUCHO QUE DECIR Sus paredes cobijaron a grandes mitos de la historia de la cultura

LOS ZOMBIS MONTAN SU CLUB DE LA COMEDIA Juan de los muertos, del cubano Alejandro Brugués, satiriza la casquería

SALOMÉ YA NO QUIERE LA CABEZA DEL BAUTISTA El tribal fusión, inspirado en los bailes orientales, pone los ritmos en danza

MATADERO MADRID REVISA LAS CLAVES DEL ARTE El Ranchito reúne a gestores y artistas para refrescar la cultura institucional

TALLÍN, LA MARCHA QUE SURGIÓ DEL FRÍO La capital de la República de Estonia es un hervidero, a pesar del fresquito

AGENDA

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Las ofertas culturales más interesantes del mes

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Al día, y a diario No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

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DE TWEET A TWEET

POR JAUME ESTEVE

















ESCRITOR, AUNQUE TAMBIÉN GUIONISTA Y DIRECTOR DE CINE, ACABA DE PUBLICAR ‘EL BEBEDOR DE LĂ GRIMAS’, SU PRIMERA INCURSIĂ“N EN LA LITERATURA JUVENIL, EN LA QUE MEZCLA LO HUMANO CON LO PARANORMAL. NO, NO ES OTRO ‘CREPĂšSCULO’ PARA QUINCEAĂ‘ERAS HORMONADAS...













































































































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ÂżPor quĂŠ un pĂşblico mĂĄs joven? ÂżTe gustĂł la experiencia con Los indios no hacen ruido? Los indios no hacen ruido era mĂĄs infantil. Este es juvenil, pero no estĂĄ hecho para cualquiera. Tengo hijos adolescentes y es una temĂĄtica que me divertĂ­a, me desahogaba de escritos mĂĄs densos. En tu relato hay fantasmas. ÂżNo te has sentido tentado por la fiebre del vampirismo? El mercado de los vampiros estĂĄ saturado. Como el de los zombis. AsĂ­ que pensĂŠ que los fantasmas tambiĂŠn tenĂ­an sus derechos. Se ambienta en Estados Unidos para que haya una distancia con el lector. ÂżNo crees que, en el fondo, ya hemos asumido su cultura como si fuera nuestra? EE UU se ha convertido es un lugar comĂşn, todos sabemos cĂłmo es el centro comercial, el sheriff, cĂłmo viven la adolescencia... Me baso en ese mundo que es nuestro aunque no hayamos estado allĂ­. Este libro inicia una trilogĂ­a. ÂżEs tu manera de asegurarte el pan con la que estĂĄ cayendo? Un escritor se gana la vida escribiendo. No es la forma mĂĄs efectiva de hacer dinero... aunque hoy en dĂ­a no se sabe, el trabajo mĂĄs inseguro es aquel que antes era fijo. ÂżPor quĂŠ crees que no ha surgido un movimiento cultural como respuesta a la indignaciĂłn social? El punk naciĂł en un contexto parecido, hace cuatro dĂŠcadas... Es verdad que no se ven unas bases del 15-M en la cultura. Pero estoy convencido de que debe de haber algo, aunque creamos que lo que no sale en los medios no existe, sĂ­ sĂŠ que hay teatro alternativo, teatro en las calles, estĂĄn saliendo editoriales pequeĂąas como setas... Personalmente, utilizo los libros como vĂ­a para canalizar mi indignaciĂłn, aunque no tengo madera de lĂ­der ni de flautista de HamelĂ­n. Por Ăşltimo, Âżes posible compatibilizar la vida del escritor bohemio con los horarios de una familia con hijos? Cuando tienes familia no te queda mĂĄs remedio. Antes escribĂ­a de noche, y ahora, por la misma razĂłn, me levanto a las 8.30 horas, y lo hago, porque es una hora tranquila antes de que comiencen las llamadas y el jaleo por el trabajo. Pero como todos: escribes, recoges a los niĂąos del colegio, les das de cenar...

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EL AUTENTICO ESPECIALISTA


GALERADAS

TEXTO LUC SANTE TRADUCCIÓN ZULEMA COUSO ILUSTRACIÓN CELSIUSPICTOR

Mata a tus ídolos La recopilación de artículos Kill all your darlings: Pieces 1990-2005 se publicó en 2007 y por fin se ha traducido al español. Esta expedición al epicentro de la cultura contemporánea nos traslada a Nueva York en el recuerdo de Luc Sante, que recrea su juventud dejando que el humo, los locales lúgubres y las drogas, pero sobre todo la música, la pintura, la fotografía y la poesía, guíen nuestros pasos. «Todo parecía posible por aquel entonces; no se había agotado ninguna opción y aún no se había sacrificado nada». Este fragmento pertenece al artículo que abre el libro: Mi ciudad perdida. Ya en librerías. Libros del K.O., 397 páginas, 20 euros (precio aproximado). http://librosdelko.com/

En aquella época, gran parte de Manhattan se veía despoblada incluso a la luz del día. Al margen de los refulgentes edificios del Midtown y del distrito financiero, el lugar parecía habitado sobre todo por muertos de hambre y ociosos; vendedores de porros y sacacuartos adolescentes, mendigos y borrachos de plaza fija, personas a las que sus hoteles mugrientos ponían de patitas en la calle a las ocho y solo permitían su reentrada a las seis. Muchos negocios parecían seguir abiertos con el único propósito de dar cobijo a sus dueños contra los elementos. ¿Con cuánta frecuencia algún dólar podía cruzar el mostrador de esos negocios con rótulos de plástico, o los escaparates en los que se exhibían prótesis ortopédicas, o el lugar que supuestamente comerciaba con mobiliario de oficina, pero que mostraba a través de sus ventanas una máquina de escribir china y un becerro disecado con dos cabezas? Aquellos lugares no eran exactamente establecimientos comerciales, sino que más bien parecían habitaciones de tu propia casa. Se limitaban a anunciar tan solo el servicio que ofrecían; sus nombres, como los de las deidades, permanecían en secreto y solo se descubrían al leer la licencia enganchada en algún lugar detrás de la caja registradora. Fuera, bajo un toldo, durante las tardes calurosas, veías una mesa de juego con la textura de una maleta vieja con cuatro esquinas de metal y, alrededor, a cuatro tipos en una partida de dominó. Otras veces, colocaban sobre una caja de plástico una pequeña televisión conectada a la base de una farola para ver el béisbol. (...)

Me dejé llevar desde el Upper West Side hasta el Lower East Side en 1978. La mayoría de mis amigos hicieron la transición por la misma época. Podías alquilar un apartamento entero para ti por menos de 150 dólares al mes. Además, todo se cocía allí. Se cocía, al menos, en dos o tres bares lúgubres que hacían las veces de clubes nocturnos, en una librería, en una o dos tiendas de discos y en un montón de apartamentos e imaginaciones particulares.

LUC SANTE nació en 1954 en Bélgica, pero hace 50 años que reside en EE UU. Escribe habitualmente en The New York Review of Books y The New York Times Magazine y da clases de historia de la fotografía. Disfruta con las ciudades, los desiertos, las fotos antiguas y la música de la diáspora africana. Le gustaría saber tocar algún instrumento. CELSO MARTÍNEZ, alias Celsiuspictor (Ourense, 1978), estudió ilustración y diseño gráfico y vive en Madrid. Ha trabajado como arte en publicidad para Acciona, Movistar o Micrópolix y con varias editoriales. Ha sido seleccionado por Pictoplasma para exponer su trabajo en París durante este mes. www.cargocollective.com/celsiuspictor

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CORREVEIDILE

POR LAURA CAORSI

ese grito que resuena en el musac Una exposición explora la potencia y la expresividad del grito como fenómeno social y creativo Si alguien ha pensado que el título de esta exposición es un guiño a Edvard Munch, está en lo cierto. Y no solo el nombre: también su contenido. Es verdad que ha pasado más de un siglo desde que el noruego le puso rostro a la angustia, pero no es menos cierto que la desesperación existencial es una constante que atraviesa todas las épocas. Y estéticas. Para comprobarlo, nada mejor que darse una vuelta por el MUSAC de León, porque la muestra colectiva que acoge hasta enero tiene mucho de eso, de angustia y extrañeza ante el entorno o la humanidad. Además, invita a pensar, que no es poco en los tiempos que corren. La exposición está conformada por una gran variedad de estilos, puntos de partida, técnicas y enfoques sobre un gesto común, muy expresivo y potente, tan primigenio como actual: el grito. Un acto físico —pero también artístico— entendido como llamada de atención, como muestra de placer, como necesidad de liberar tensiones, de congregar fuerzas y, por qué no, de denunciar. Como explican en el museo, «El grito aborda una misma expresión que podría señalar tanto liberación y gozo como disconformidad y batalla. Las obras que presentamos exploran esta cuestión para marcar las transiciones entre circunstancias tanto micropolí ticas e íntimas como macropolí ticas y de contundencia social». Es difícil recorrer la muestra y no pensar en el 15-M, sobre todo en la instalación de Lara Favaretto, donde hay varios silbatos suspendidos esperando labios con ganas de protesta. Pero también es un reto contemplar las piezas y no pensar en la soledad. Un buen ejemplo de esto último es Recados póstumos, la propuesta de Teresa Margolles. En esta serie de fotografías tomadas en 2006, la artista mexicana superpone fragmentos de

Obras de Teresa Margoles (arriba), Absalon (debajo, izquierda) y Von Calhau para la muestra.

cartas de suicidio con marquesinas de viejos cines y teatros abandonados, muchos ya inexistentes. Así, toca una combinación dura, casi tabú: la de la muerte y la memoria llevadas hasta la decadencia y la ruina; la del grito atormentado que adopta forma de la palabra escrita. «Pido perdón a Dios por no haber llegado a ser una buena artista, pido perdón a Dios por quemar mi alma con thinner». Basta leer una frase como esta para saber que el silencio es una apariencia, que las fotos también pueden aturdir. Qué | El grito (The Cry). Exposición colectiva que aborda el significado del grito en el arte contemporáneo. Quiénes | Absalon, Allora & Calzadilla, Hernan Bas, Irina Botea, Luisa Cunha, el Resplandor, Lara Favaretto, Terence Gower, Jesper Just, David Maljkovic, Christian Marclay, Teresa Margolles, Loreto Martínez Troncoso, Olivia Plender, Ugo Rondinone, Javier Téllez y Von Calhau. La muestra está coordinada por Cynthia González García. Dónde | Salas 3.1 y 3.2 del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC). Avenida de los Reyes Leoneses, 24. León. www.musac.es Cuándo | Hasta el 8 de enero. La entrada es gratuita. Loreto Martínez Troncoso presentará su performance el 3 de diciembre y repetirá el 7 y el 8 de enero.

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GENIOSFERA

regina galindo «La sociedad ha sido y será por siempre malévola. La ley del más fuerte no es una metáfora»

Estamos todos ciegos. Entramos en una sala. Se escuchan gritos, risas, comentarios descosidos. En medio del espacio, tocamos el cuerpo desnudo de una mujer. Cada uno actúa libremente: la golpeamos, la olemos, la acariciamos. El que seamos todos ciegos tiene una ventaja: creemos que nadie nos mira. Pero una cámara lo graba todo. Sonría; es protagonista de una performance de Regina Galindo (1979), una artista de Guatemala, una mujer de Guatemala. Dos afirmaciones que dicen más de lo que dicen: por allí pasa una carretera hacia Estados Unidos y es un país con un currículum machista tan amplio que no cabe en un PDF. La performance es su medio, y su cuerpo, su mensaje. Crea obras sin eufemismos que hablan sobre el maltrato a la mujer, las violaciones, los

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abusos, la política. También reflexiona sobre el arte contemporáneo y el papel del espectador. A través de una poética con hueso reconsidera temas actuales o atemporales basándose en su visión personal: «La sociedad humana ha sido y será por siempre malévola. Todos quieren sobrevivir a costa del otro, sociedades enteras se sustentan sobre otras. La ley del más fuerte no es una metáfora». En su performance Looting incrustó en sus molares ocho piezas de oro de Guatemala para que luego fueran extraídas en Berlín. En Himenoplastia se sometió a una operación quirúrgica en la que le reconstruyeron el himen, y con él, su virginidad. En Punto ciego se expuso desnuda en una sala habitada por personas ciegas. Y en Ablución, un expandillero se limpió la sangre humana

que antes la artista había vertido sobre él... «Al pan, pan, y al vino, vino. Soy literal, sí. No me molesta. Al contrario, me parece que eso hace más sencillo mi camino. Si hablo de humanidad, ¿por qué usar sangre animal, qué sentido tendría? Hay que ser precisos». A través del menudo cuerpo de Regina Galindo gritan las mujeres que sufren la violencia degenerada de género, hablan las personas que viven la represión más literal o más sutil e inconsciente, se expresan los fantasmas del progreso más regresivo. Unas veces de forma brutal y otras rozando un venenoso sentido del humor, teatraliza las noticias del periódico y la intrahistoria colectiva. La letra pequeña se hace grande. A partir del 27 de enero podremos ver en el Artium de Vitoria su Piel de gallina. JUANJO SANTOS


GENIOSFERA Cecile Collage > Únicos, ecológicos y divertidos Se declara «revista-adicta»: toda página que caiga en sus manos termina convertida en collage, tijeras mediante. «Mis padres adoraban la fotografía y las diapos. Crecí rodeada de instantáneas y cámaras... y me gustaba decorar los álbumes de fotos con pegatinas, frases, colores y dibujos». Se atreve con libretas, agendas, álbumes... pero también imagina sus collages sobre etiquetas de vino, ropa de cama, libros o fundas de iPad. Elabora sus creaciones a mano, les da el toque maestro con el ordenador y fabrica en una imprenta de Barcelona, con materiales ecológicos y libres de cloro. El 15 de diciembre colgará sus servilletas customizadas (The napkin project) en una colectiva en la galería Mad is Mad (Madrid). Lo próximo serán camisetas y cajitas de la suerte. Más información y puntos de venta, en www.cecilecollage.es.

Dolores > Así suenan las heridas ¿Cuántas lágrimas hacen falta para rebosar una copa? La pregunta te asaltará en cuanto termines de ver el vídeo de Cortafuegos, la canción que abre el debut de Dolores. Presentarse en sociedad con un Disco póstumo (Origami) y regalarlo durante un mes en Internet a partir de su fecha de salida (14 de noviembre) no parece aconsejable, pero cuando hay talento nada puede fallar. Siguiendo la estela de Triángulo de Amor Bizarro y El Columpio Asesino, pero bastante más despreocupados y menos nítidos que ellos (¿he oído frescura?), el cuarteto madrileño formado por Teresa Cobo, Juan Rodríguez, Pablo Costa y Tahiche Guillem surgió de las cenizas de Frida y Cuerpos. Ella pone la voz y los cuadros inquietantes; ellos, la distorsión y la oscuridad. El próximo 28 de enero actúan en Siroco (Madrid) y se puede comprar su vinilo azul y una entrada para el concierto en la web de su sello por 16 euritos. Volviendo al vídeo de Cortafuegos: cortarse la lengua, serrar el mástil de tu guitarra, quemar un buen libro... son cosas que duelen. Pero sin dolor, no hay felicidad. www.doloresde.bandcamp.com y www.origamirecords.com

Gerardo Herrero > Decisiones que pueden cambiar tu vida Más de 30 premios por su corto Picnic confirman el talento de Gerardo Herrero (Oviedo, 1979. Ninguna relación con el otro Gerardo Herrero, también cineasta), que plasmó con poesía y una crudeza casi insoportable las terribles consecuencias de una guerra. Desde el pasado verano está embarcado en el rodaje de su nuevo cortometraje, La acróbata, protagonizado por Nora Moles y Marta Pérez (una niña de once años). Las decisiones difíciles que te pueden cambiar (o no) la vida inspiran esta historia rodada entre Oviedo —donde reunió en una secuencia a cientos de extras para llenar el Teatro Campoamor— y la Gran Vía madrileña, con un espectacular salto desde un hotel. Se estrenará el año que viene, y después el asturiano se centrará en preparar su primera película.


REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

BETINA LA PLANTE «Con mis retratos quiero ir pelando capas y revelar a la persona que hay debajo»

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REVELADOS

NACIÓ en 1964 en Buenos Aires (Argentina), estudió Art Foundation en Londres y Arte Dramático en Roma. Trabajó varios años en departamentos de producción de cine y televisión y ahora es «madre a tiempo completo y fotógrafa a tiempo parcial». EMPEZÓ haciendo fotos de bodas y eventos. Ahora es retratista freelance. VIVE en el pequeño pueblo de Ojai, en el condado de Ventura (California, EE UU), entre montañas y a pocos kilómetros del Pacífico. ESTÁ CASADA con el escritor y músico Richard La Plante y acaban de poner en marcha una editorial independiente, Escargot Books. UN RETRATO de Betina al actor Terence Stamp —amigo de la pareja y responsable de que ella se haya animado a dar el paso definitivo hacia la fotografía— acaba de ser seleccionado, entre miles de imágenes, como finalista del premio anual de National Geographic. HA EXPUESTO en Londres, Buenos Aires y Ojai. ADMIRA a Elliot Erwitt, «un verdadero purista» al que conoció y por el que se siente especialmente orgullosa de considerar amigo. www.flickr.com/photos/7470307@N06

En sus fotos hay un muy escaso amaneramiento. Ni siquiera la posproducción (tramas para viñetear expresiones, máscaras de enfoque, ojos cristalizados...) extravía un deseo de pura evidencia. La foto de la izquierda es el encuentro casual de dos amigos en el que ella muestra un tatuaje recién estrenado. La de arriba —los zapatos ascendiendo— es la anticipación de un romance. El niño con la lágrima colgando en la siguiente página es uno de los hijos de Betina que, tras un accidente escolar, pidió el retrato para verse y comprobar los daños. Para esta fotógrafa de lo cotidiano, hacer fotos es una simple «reproducción selectiva de la realidad».

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REVELADOS

Estudiaste arte y teatro, ¿por qué te decidiste por la fotografía? Me ayuda a mirar el mundo de otra forma. Sin una cámara soy propensa a dar todo por bueno, pero cuando llevo una es cuando realmente soy capaz de ver y buscar en las caras de la gente. La fotografía me ha enseñado a prestar atención a lo que ocurre a mi alrededor. Eso me gusta. ¿Eres capaz de recordar la primera foto que hiciste? Desde niña me apasionó la fotografía. A los 14 años me regalaron una cámara por Navidad, una Nikon muy básica, pero completamente manual. Hice el carrete entero aquella misma noche: fotos de la familia, de los perros... No tenía ni idea de cómo hacer fotos con poca luz y al revelar el carrete me lo devolvieron totalmente negro. No salió ni una foto. Pero la primera desilusión no fue suficiente para dejarlo... Supe que debía aprender haciendo fotos a diario, practicando, experimentando, viendo las fotos de otros, yendo al cine, a galerías, exponiéndome al arte en todas sus manifestaciones. Cartier-Bresson dijo que «las primeras 10.000 fotos son las peores». Aún estoy en el camino de llegar a las 10.000, ¡me queda mucho por aprender! ¿Cuándo empezaste a tener la impresión de que estabas en el camino de crear algo satisfactorio? No siempre soy consciente de la creación, porque en la fotografía las oportunidades se presentan por sí mismas, sin que tú intervengas en planearlas. ¿De qué manera sabes que has tomado una buena foto? En los retratos posados hay una especie de clic y todo encaja. Sucede cuando la conexión entre el modelo y yo se ha establecido. Es como una idea luminosa, una visión más clara que llega a tu mente y puede ser totalmente distinta de la que habías preconcebido. ¿Es ese el momento cumbre del proceso? Sí, la interacción con el modelo y el momento en el que sé que he logrado capturar a la verdadera persona y no al personaje que ese modelo cree que conviene mostrar. Casi siempre es mucho más interesante la persona que realmente es y no la persona que piensa que el resto del mundo debe ver.

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¿En qué medida ha cambiado tu estilo desde que empezaste? Creo que el cambio más notable es el sujeto. Solía fotografiar de todo y ahora me concentro en los retratos. En el camino he conseguido tener una idea más exacta de la luz y la composición. ¿Por qué retratos? La gente me fascina. Todos queremos controlar cuánto de nosotros mostramos y me gusta ir pelando las capas y revelar a la persona que hay debajo. ¿Qué debe transmitir un retrato? Una mirada interior, un momento esencial que cuente la historia del retratado. ¿Cómo te relacionas con tus modelos? No todos nos sentimos cómodos ante un objetivo; soy una de esas personas, por eso sé cuán importante es hacer que la cámara sea un amigo y no una amenaza. Si acabo de conocer a quien voy a retratar, me tomo un tiempo para que nos conozcamos mejor. Sean minutos u horas, es tiempo bien invertido, me beneficia en dos sentidos: le conozco y me conoce. Desarrollamos una confianza mutua que desemboca en la suficiente relajación como para que incluso un retrato posado no parezca estático. ¿Te atreverías a definir la fotografía? Es difícil, para cada persona es algo diferente. Para mí se trata de capturar lo que es, dar forma física a una reproducción selectiva de la realidad, hacer una obra de arte que puedas aprehender y a la que puedas responder emocionalmente. ¿Y tu fotografía? ¿Cómo la definirías? No me atrevo, las opiniones me llegan de los demás. Me basta con que mis fotos tengan interés para el espectador, quizá que guarden un toque de magia. Con eso las considero un triunfo.


RES MEJO L A S TA S R E C E E N TA R A L IM PA R A O G TU E

SWAROVSKI PARA UNO DE 50. No han querido celebrar su aniversario solos, y por eso Uno de 50 se une a Swarovski en la colección con la que cumple quince años. Se trata de piezas creadas en la aleación de metales con baño de plata propia de la marca y adornadas con cristales Swarovski, que dan un toque de distinción a los collares, anillos (como este unisex) y pulseras. www.unode50.com

LOMOGRAPHY: FUERON FELICES Y COMIERON... SARDINAS. ¿Una cámara o una lata de conservas? Lomography le da una vuelta de tuerca a La Sardina, la novedad que cautivó a sus seguidores el verano pasado, con una edición deluxe inspirada en el caviar y disponible en dos modelos: Czar (la azul con brújula) y Beluga (en rojo). Para que inmortalices tus momentos más felices en formato gran angular dondequiera que vayas. www.lomography.es

DE VIAJE CON LOUIS VUITTON. Cinco sorprendentes destinos (Bari, Birmingham, Odessa, Salzburgo y Zagreb) se suman a la lista de guías de viaje de Louis Vuitton, en las que grandes conocedores de la ciudad te recomiendan lugares y locales con encanto, fuera del circuito convencional. En packs (100 euros) o por separado (25 euros). www.louisvuitton.com

IAS EL AROMA HIA HSHFI NOCTURNO GFUIGF LEVI'S DE HALLOWEEN 508 FEVER El frasco del nuevo perfume de Jesús del Pozo está decorado con el skyline de Nueva York, ciudad en la que se inspira y a la que rinde homenaje HWN Fever, una invitación a la fiesta nocturna con su tapón de bola de espejos. Este es el divertido legado que nos deja Jesús del Pozo, al que despedimos en agosto y con el que se perdió un talento que al menos podremos recordar entre aromas orientales y afrutados: esencia de rosa, bergamota, loto, jazmín, ylang-ylang, vainilla... www.jesusdelpozo.com 14


LAURENT-PERRIER CUVÉE ROSÉ. Si estás buscando un champán distinto para brindar en estas fiestas, prueba con el rosado Cuvée Rosé de Laurent-Perrier, una combinación de frescor y frutos rojos que sorprenderá a los paladares más exigentes. Además, su cofre especial de edición limitada para Navidad te ayudará a quedar bien con un detalle sofisticado y de buen gusto en cualquier celebración. www.laurent-perrier.fr

TONIGHT WE TANQUERAY.

Con un sabor inconfundible y rabiosamente actual, Tanqueray es una de las ginebras más premiadas del mundo. Fue creada por Charles Tanqueray hace más 180 años y el denominador común de su receta responde siempre al número cuatro. Tanqueray London Dry Gin se diferencia de las demás por sus cuatro ingredientes botánicos: enebro, cilantro, angélica y regaliz. Además, se obtiene en cuatro pasos de destilación que dan a esta ginebra el balance perfecto de sabores y aromas. Por ello, el combinado estrella de Tanqueray no podía llevar un nombre distinto a Quatro, una bebida sofisticada, audaz y con un toque atrevido que hace honor a estos cuatro componentes: ginebra Tanqueray, tónica, hielo y una rodaja de lima. Si quieres aprender la receta en detalle para conseguir la mezcla perfecta, puedes ver un vídeo de su preparación en www.tanqueray.com.

LAS RAY-BAN DE JOHNNY MARR. Resurge un modelo clásico en edición limitada escogido por Johnny Marr (The Smiths) como su favorito de Ray-Ban. Solo saldrán a la venta 1.500 gafas con la firma del guitarrista en su patilla. ¿La mala noticia? Que no se venden en las tiendas españolas, aunque sí podrás comprarlas on line en la versión americana de ray-ban.com.

ESCUCHAS PROFESIONALES CON MARSHALL Con un papel fundamental en la historia del rock'n'roll, Marshall ha ampliado su abanico en los últimos años diseñando auriculares profesionales para melómanos. A través de su web puedes seguir la pista de los roadies que han contribuido a difundir la música en EE UU en los doce capítulos del documental On the rocks, ya en su segunda temporada. Jesse Hughes (Eagles of Death Metal) y Tim Harrington (Les Savy Fav) ejercen de guías en este viaje en furgoneta al corazón del rock. www.marshallheadphones.com 15


LAS MONADAS ‘MADE IN JAPAN’ HACEN FUROR En estos tiempos de malas noticias y futuro gris, el kawaii ilumina nuestro día a día con su espíritu positivo y su humor. El arte más naíf que vino de Japón ensalza lo tierno y lo adorable sin prejuicios. Un estallido de felicidad que traspasa fronteras y no entiende de edades. POR LETICIA BLANCO

Japón es la nación de los trabajadores incansables y de los hombres de honor, el imperio milenario donde tradición y futuro conviven como vecinos ejemplares. Un país que ha sabido levantarse ante las dificultades, una y otra vez; también ahora. El tópico facilón ha exportado sus sofisticadas geishas, el delicioso sushi y las hordas de turistas siempre pegados a una cámara de fotos, enamorados de Gaudí y del flamenco. Pero hay más, claro. Mucho más. El mundo entero se rindió hace tiempo ante el kawaii o, lo que es lo mismo, la elevación a categoría de arte de lo mono, lo tierno, lo achuchable. Un fenómeno social y estético que abraza sin complejos lo naíf y lo infantil con la única finalidad de provocar placer visual; que fusiona sin remordimientos entretenimiento y cultura (algo de lo que los europeos podríamos aprender) y apunta directamente al corazón. Sus fans en Occidente son legión, y sus embajadores, oficiales o aupados por la popularidad —lo crean o no, el Ministerio

En esta página, logo y personajes creados por la española Charuca. Sobre estas líneas, una obra de Murakami que se expuso en el Museo Guggenheim de Bilbao, The world of Sphere (2003). En la esquina derecha, diseños de mantelitos de Vanessa Linares para Laroom.


peculiar y muy íntima relación que guardan los japoneses con las mascotas, un exponente de que lo kawaii se filtra en los recovecos más cotidianos del día a día nipón. Peluches que dan la bienvenida en las comisarías, muñequitos que decoran las libretas de ahorro y los abonos de transporte... no importa el cuándo ni el quién o el cómo. Lo kawaii es parte intrínseca de lo japonés. Y es uno de los mejores exponentes de que una imagen vale más que mil palabras. Según The Otaku Encyclopedia, «kawaii es una palabra que aparece prácticamente en todas las conversaciones de las chicas japonesas» y asegura que «en Japón, lo kawaii es un culto universal que se aplica a todo, desde mascotas hasta estrellas del pop, dibujos animados o merchandising». Todo es susceptible de pasar por el filtro kawaii.

de Asuntos Exteriores de Japón designó hace dos años a tres embajadoras kawaii que visitaron el Salón del Manga de Barcelona en calidad de diplomáticas—, hace tiempo que entraron en nuestras vidas, casi sin darnos cuenta. Desde la pionera, una coqueta gatita llamada Hello Kitty que genera millones de euros al año, hasta el cotizadísimo Takashi Murakami, objeto de una gran exposición en el Guggenheim bilbaíno en la primavera de 2009 y solicitado por marcas de lujo como Louis Vuitton, que le contrató para darle ese inconfundible toque pop a su prestigioso holograma. El fenómeno no da síntomas de agotamiento. Como ejemplo, un botón: la muestra Japón: paraíso de las mascotas podrá verse en el Museo ABC de Madrid hasta el próximo 8 de enero, tras su paso por Casa Asia de Barcelona. La exposición recorre la

Kawaii a la española La fiebre es contagiosa. Takashi Murakami y Martin Chin han traspasado fronteras con sus trabajos, llegando a una audiencia planetaria. Y aquí, los nombres propios patrios que facturan un kawaii made in Spain se multiplican exitosa y exponencialmente. Es el caso de la diseñadora gráfica Terelo, que se gana la vida con su particular interpretación del universo más dulce y esponjoso. Como la mayoría de militantes kawaii, Terelo descubrió el fenómeno cuando era una niña, con series de animación como La pequeña Memole y La pequeña Polon. «Tuve un flechazo con la cultura kawaii conociendo la obra

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de artistas contemporáneos japoneses como Takashi Murakami, Yoshitomo Nara y Mr. y leyendo el manga Dr. Slump, de Akira Toriyama», cuenta. ¿Qué es lo que la enganchó? «Es difícil explicarlo con palabras. Me gusta el hecho de que no sea considerado algo infantil, como haríamos en Occidente, sino algo que gusta a todos. Supone un rechazo a la etapa adulta entendida como un mundo de responsabilidades en el que dejamos de imaginar, de ser niños. También me atrae la dimensión sobrenatural, lo fantástico, su sentido del humor y el amor hacia la naturaleza». Terelo recuerda su primera visita a Japón como «un choque cultural» a la par que como «una experiencia inolvidable». El primer contacto con el lejano archipiélago asiático no deja indiferente a nadie. «Para mí fue interesante comprobar en qué somos tan distintos y en qué nos parecemos. Me gusta mucho el respeto que se practica hacia las personas, la seguridad que se puede sentir, el contraste entre el

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bullicio y el silencio, la importancia que se le da al patrimonio inmaterial. También hay cosas que veo muy nuestras: la vida en la calle, el encuentro social en los bares, el amor por la gastronomía... sorprende cuánto podemos llegar a parecernos», resume. Tan lejos, tan cerca.

Arriba, ilustración de Marcos Chin. Sobre estas líneas, una obra de Terelo. A la derecha, Flower matango, de Murakami, que se pudo ver también en la exposición que le dedicó el Guggenheim de Bilbao.

Felicidad instantánea Charuca, el alias de Rosario Vargas, es otro de los nombres que vienen pisando fuerte desde hace años. En su oficina, tres relojes marcan las horas de España, Japón y Brasil mientras esta cordobesa afincada en Barcelona acaba de perfilar una colección de mochilas. Charuca diseña varias líneas temáticas kawaii y aplica sus creaciones sobre infinidad de productos. Bolígrafos, muñecos, vinilos... es una mujer de negocios. «Lo que más me divierte es hacer gráficos nuevos, no hay límites. Para mí, el haber llegado al punto en el que no tengo limitaciones creativas es una gozada. Ahora mismo


me hace muchísima ilusión una línea de productos que yo misma voy a producir», cuenta emocionada. Con Charuca pasa lo mismo que con muchos artistas pseudomainstream de esta estética: puede que el público no los identifique con nombres y apellidos, pero sí reconoce sus productos. «Es algo que sucede con Hello Kitty, Pocoyó... o incluso Tokidoki, no creo que el nombre de su creador, Simone Legno, haya llegado a ser reconocido a nivel masivo, aunque su producto sí». Para ella, las diferencias entre manga y kawaii están muy claras: uno es cerebral, y el otro libera endorfinas, es un chute de felicidad instantáneo y estimulante. «El manga es un estilo en el que prima más el guión que el diseño del personaje. No puede separarse del texto. Son como los actores de carne y hueso llevados al mundo de la ilustración. El kawaii, en

cambio, es algo visceral. A nivel gráfico, cada personaje es único, su diseño casi raya las características del logotipo y apunta directo al corazón. El kawaii no tiene por qué ir acompañado de una historia. Es más una cuestión de sensaciones, lo que ya se ha catalogado como cutegasmo [de cute, mono en inglés, y orgasmo]», apunta. Hasta el infinito y más allá La lista de artistas que cultivan lo kawaii es interminable. Vanessa Linares practica un surrealismo pop más bien californiano, pero no ha renunciado al toque naíf y surrealista que la ha llevado a galerías de arte y a adentrarse en el mundo del complemento con Yoshi & Olivia. Karina Kampos es salvadoreña y, aunque todavía no ha visitado Japón, su mejor amiga vive allí y asegura que conoce el país mejor que ella. Desde su página web vende figuritas de pasteles, helados, tartas y cupcakes que compra en Japón y luego ella misma decora. «El decoden ha llegado a Latinoamérica, poco a poco la gente va conociendo este arte japonés de decorar dulces de mentira», explica. «Es una tendencia que en los últimos años ha crecido a pasos de gigante», corrobora Eva Minguet, editora de Monsa y responsable de libros como Cute illustration, y afirma que le encanta «tanto el kawaii más japonés y bizarro como el europeo». Entre sus favoritos están Marcos Chin (Japón), Tado (Inglaterra), Adolie (Francia) y Fawn Gehweiler (EEUU), todos en Cute illustration. A la hora de recomendar, cada experto tiene su criterio. Guillermo Martínez-Taberner, profesor de Historia Contemporánea de Japón en la UPF y coautor de El manga y la animación japonesa, se decanta por el estudio Kosen, Enrique Fernández e Irene Roga como estandartes del kawaii facturado en nuestras fronteras. «El kawaii tiene esa esencia positiva porque está vinculado a la cultura de masas, hecha por expertos para el gran público con el objetivo de entretener. Esa visión ha perdurado hasta la actualidad, a pesar de la crisis japonesa de finales de los ochenta y del posterior estancamiento, cuando surgió mucho anime catastrofista», aclara. Hoy, kawaii significa algo así como cool, guay o adorable, y engloba un universo paralelo de personajes tan cabezones como juguetones, dispuestos a edulcorar el día más gris que venga por delante. Es el arcoíris que ilumina el mundo entero desde Japón. Porque a nadie le hace daño un dulce en los tiempos que corren. ■

Los cuadros de Vanessa Linares son el trabajo más personal de esta pintora e ilustradora enamorada del kawaii. Sobre estas líneas, su obra Mi hogar.

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JUAN GATTI «Me siento vulnerable mostrando mi trabajo más íntimo» POR NANI F. CORES FOTOGRAFÍA JUAN GATTI R. LABOUGLE

Premio Nacional de Diseño, fotógrafo de moda, director de arte, diseñador gráfico, hombre clave de la Movida... En lo profesional, Juan Gatti ha sido, y sigue siendo, el hombre de las mil caras. Su relación profesional con Almodóvar —solo comparable con la de Saul Bass y Alfred Hitchcock— ha dado origen a algunas de las obras más recordadas de la historia del cine. Siempre cómodo en un segundo plano, este argentino afincado en Madrid desde los alocados ochenta sale de su escondrijo para mostrarnos su cara más íntima. Contraluz, exposición que podrá verse en la Sala Canal de Isabel II hasta abril, reúne su obra más personal a la vez que recorre una extensa carrera de cuarenta años. Gran parte de estos trabajos se recogen también en PhotoGraphics (La Fábrica Editorial), una monumental obra de 620 páginas en dos volúmenes imprescindible para los coleccionistas. Debutas en una sala de exposiciones después de cuatro décadas en activo... Hasta ahora preferí estar en la sombra y no mostrar mi trabajo, independientemente del medio para el que había sido creado, porque me gustaba mantenerme detrás de la gente con la que colaboraba. En cambio, en este momento quiero exponer y exponerme. Lo veo como la conclusión de una etapa, y, descubriendo mi trabajo al público, creo que cierro un ciclo y puedo entrar en otro. En Contraluz podemos ver una serie de fotografías en blanco y negro de gran formato que han permanecido inéditas hasta ahora. ¿Cuál es su origen? Contraluz es un trabajo que llevo más de diez años realizando en mis ratos libres como una búsqueda personal; empezó con la idea de hacer un libro, luego me propusieron la exposición en el Canal y vi que se prestaba a ello. ¿Te da pudor mostrar tu trabajo más íntimo? No soy más pudoroso a la hora de mostrarlo, pero sí me siento más vulnerable. Además, la exposición recorrerá extensamente tu obra como diseñador gráfico y fotógrafo. ¿Te ha costado mucho rebuscar en el baúl de los recuerdos? Revolver en el pasado me ha proporcionado muy buenos momentos. Además, viendo estas cosas me da la sensación de que he tenido un trabajo placentero con el que siempre me he divertido. En la selección hay obras por motivos estéticos y porque tienen vigencia; otras están por razones personales, por los recuerdos que tengo de esos trabajos, del momento en el que los hice o porque han sido importantes a la hora de experimentar.

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¿Uno llega a sentir vergüenza de sus primeras obras? No, en absoluto. Estoy orgulloso de todo lo que he hecho y no reniego de nada —al menos profesionalmente— de mi pasado, presente y espero que futuro. Una vez comentaste que compartes con Almodóvar una visión parecida de la vida a la que se suma el hecho de ser solteros. ¿Ser single marca tanto la diferencia? Sí, yo creo que la marca, porque significa una elección de forma de vida, y en la soltería se asumen una serie de circunstancias que son comunes entre los solteros. Tantos años vinculado al cine, ¿nunca te ha picado la curiosidad por ponerte detrás de una cámara? Alguna vez me ha tentado lo de dirigir, pero con asistir a un rodaje se me han quitado las ganas. Hay demasiados tiempos de espera y el ritmo de trabajo no se adapta a mi forma de ser. ¿Cómo se lo monta uno para mantenerse en la pomada durante 40 años? Supongo que no perdiendo la excitación ante cada trabajo, haciendo de él un desafío y no dejando que se convierta en algo rutinario. ¿Alguna vez has dicho que no a un cliente con el que no encajabas? Muchas veces he dicho que no a clientes, porque la propuesta no me excitaba; no trabajo solo por dinero, tengo que creer en los proyectos. ¿Qué te queda por hacer profesionalmente? Una película de animación o algo relacionado con el teatro de sombras de Praga.


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Joni Mitchell describió su despertar en el Hotel Chelsea, refugio de poetas y músicos. A la derecha, Yoko Ono y el solemne y trágico Dakota neoyorquino.


SI LAS PAREDES HABLARAN... Viajamos en el tiempo para recorrer los pasillos de inmuebles que han marcado la historia del arte y la cultura contemporánea, y nos asomamos a sus ventanas para recordar los acontecimientos que se grabaron en sus paredes. El Edificio Dakota es la primera parada de la ruta que nos lleva de Nueva York a París, Tánger o Madrid.

Hay lugares que han marcado la historia del arte y de la cultura. Hablamos de escenarios de acontecimientos y fuentes de inspiración de obras maestras, edificios y casas donde han ocurrido cosas importantes y donde vivieron personas fascinantes. Algunos están al doblar la esquina; otros, en lugares exóticos, y muchos, en el asfalto de grandes ciudades. Todos nos hacen pensar en sus moradores y visitantes: gente cuyas obras, acciones y destinos han quedado grabadas en la memoria colectiva del mundo del arte y de la cultura. El guía que hemos elegido para nuestro viaje por el espacio y el tiempo en busca de esos rincones es el diseñador gráfico Óscar Mariné, Premio Nacional de Diseño 2010. Cosmopolita y afable, ha compartido con nosotros algunos de sus recuerdos y conocimientos. CHARLOTTE KEMP KUHL & SEAN LENNON © YOKO ONO

POR PATRICIA GODES

La ciudad que nunca duerme Nuestro primer destino es Nueva York. Allí, en la calle 72 esquina con Central Park West, está el edificio Dakota (1880). Lauren Bacall, Leonard Bernstein, Bob Crewe, Roberta Flack, Judy Garland y Boris Karloff recorrieron los corredores del gigantesco bloque de apartamentos. Imitando la arquitectura de los castillos bávaros, el Dakota se proponía cubrir todas las necesidades de los inquilinos con un gran portón para carruajes y caballos, una enorme cocina, comedor, gimnasio y otras utilidades. Fue escenario de la película La semilla del diablo y de la enter-

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necedora novela sobre viajes en el tiempo Hoy como ayer, pero también del ataque demente que costó la vida a John Lennon. Su viuda, la inteligente y polémica Yoko Ono, sigue ocupando las habitaciones que ambos compartían. «Yo pasaba todos los días por delante», recuerda Óscar de una de sus temporadas neoyorquinas. En el número 222 de la calle 23 del lado oeste encontramos el Chelsea Hotel (1884), un edificio aparentemente anodino que, según Mariné, cobra personalidad gracias a la forja de los balcones y el letrero que indica su nombre. Dylan Thomas, Bob Dylan, Bukowski, Janis Joplin, Nico, Patti Smith, Iggy Pop... La habitación donde Leonard Cohen escribió su primer álbum, el asesinato de Nancy Spungen a manos de Sid Vicious, la solitaria muerte de Jobriath, la localización del filme Chelsea Girls... El Hotel Chelsea, cerrado desde agosto, ha vivido dramas y aventuras, aunque en la canción de Joni Mitchell

es recordado como lugar idílico con el sol brillando a través de cortinas amarillas. Mariné, conocedor y enamorado de Nueva York, añade que el bar del hotel era un mesón español y que Patti Smith y Robert Mapplethorpe desayunaban y se reunían con sus amigos, rodeados de toros, flamencas y castañuelas. No se puede hablar de Nueva York sin citar a Andy Warhol. El Decker Building (1892) en el 33 de Union Square West fue construido para una tienda de pianos, pero ha pasado a la historia como sede de la Factory de Warhol. El edificio que la albergaba anteriormente ha sido derribado, pero la influencia de Warhol en el pensamiento y arte posmodernos es imborrable. Óscar es amigo personal del amigo y novio de Warhol, John Giorno. Poeta y militante gay, Giorno se hospeda en su casa cuando visita Madrid y le ha contado historias y cotilleos de la Factory, incluyendo sus trifulcas con Andy. La vida allí se nutría de drogas, sexo y música. También, de la interacción entre los indescriptibles visitantes que dejaban los convencionalismos de lado cuando entraban en contacto con la personalidad catalizadora de Andy. Mientras tanto, en Europa... Cruzamos el Atlántico, aterrizamos en Londres y nos acercamos a lo que en 1967 era el 304 de Great North Road (ahora Holloway Road), donde la extravagante y desbordada imaginación de Joe Meek estableció su Meeksville Sound Ltd. (1963-1967). A Óscar Mariné le atraen las ventanas de guillotina: «En España no las fabrican. Quise ponerlas en casa, y es imposible», mientras que su ingenioso mecanismo es propio de países nórdicos con poco sol donde su uso está generalizado. Meek marcó una época en la música popular con éxitos inolvidables y dio a luz una fantasía pop donde naves ovoidales surcan el espacio sideral al son de extraños sonidos estratosféricos como Just like Eddie, Johnny, remember me y Telstar. El edificio de ladrillo rojo donde Joe tenía su casa, su oficina y su estudio fue cuna e inspiración de su música. La historia terminó en tragedia: el 3 de febrero de 1967, Robert George Joe Meek asesinó a su casera y se disparó un tiro en su estudio. Menos trágica es la huella de Serge Gainsbourg, cuyo entierro paralizó París en 1991. Veinte años después, su hotel particular en Saint Germain des Près (5 bis Rue de Verneuil) se ha convertido en lugar de peregrinación para los fans del compositor, que se sienten impelidos a añadir algún trazo a los miles de dibujos, versos y firmas que ensucian la fachada. Charlotte, su hija, no lo piensa limpiar, y los vecinos ya se han hecho a la idea de que la maraña de rayajos y colores estará ahí para siempre. Las vallas del Hotel Gainsbourg ocultan al paseante el interior de la vivienda y guardan celosamente la intimidad de sus habitantes anónimos. El padre del músico descubrió el edificio en uno de sus paseos por los alrededores del Sena y el cantante se enamoró del lugar, lo compró, pintó sus habitaciones de negro y se instaló allí en 1969 a disfrutar de su romance con Jane Birkin.

La belleza de Bardot está asociada irremediablemente a Casa Malaparte. En la página siguiente, Andy Warhol y el edificio que albergó su Factory.


A orillas del Mediterráneo El cartel del filme de Jean Luc Godard Le Mèpris (1963) tiene para Óscar reminiscencias griegas. Gracias a la película, la fachada pintada de rojo de la villa del escritor italiano Curzio Malaparte y su vertiginosa escalinata permanece en nuestra memoria colectiva, con la actriz Brigitte Bardot tomando el sol en su azotea cubierta solo por el libro que perezosamente está leyendo. Abandonada durante mucho tiempo —ha hecho falta crear una fundación para mantenerla—, Casa Malaparte (1937) está en el Golfo de Salerno, en la italiana isla de Capri. Su construcción, de particulares líneas, se fusiona con la naturaleza llena de color y formas irregulares de la isla mediterránea. Malaparte había sido miembro del Partido Fascista Italiano antes de la II Guerra Mundial, pero fue expulsado por su heterodoxia y críticas. Descendiendo todavía más hacia el sur luminoso del Mediterráneo, el palacio Sidi Hosni en la Rue Amrah de la Medina de Tánger es una construcción limpiamente encalada y cubierta de enredaderas. Adquirida en 1956 por la millonaria estadounidense Barbara Hutton, sus fiestas han pasado a la historia por su desenfreno y sus excesos y por la presencia de invitados fascinantes como Paul y Jane Bowles o la desafortunada cantante Libby Colman. Los muros protectores de Sidi Hosni reunían a los expatriados yanquis

de Tánger: poetas, músicos, escritores y aventureros que buscaban en tierra extranjera un espejismo de libertad exclusivo. Como tantos artistas e intelectuales, Óscar Mariné es un entusiasta de Marruecos: «Esto es una arquitectura típica: desde fuera no se adivina nada. Todo se reserva para los que viven allí». De vuelta a casa, un paseo por el madrileño barrio de Prosperidad nos descubre el Ateneo Libertario (1977-1981) de la calle Mantuano, 51. Actual sede del Centro Cultural Nicolás Salmerón, hace 35 años fue escenario de una aventura memorable en los primeros momentos de libertad posfranquista. La iniciativa vecinal dio nueva vida al viejo edificio abandonado convirtiéndolo en Ateneo Libertario y sede de la asociación de vecinos. Locales de ensayo, galería de arte, talleres, guardería... «Todo el mundo iba por el Ateneo», recuerda Óscar: Pedro Almodóvar, Alaska, el Gran Wyoming, el cineasta Enrique Gabriel o el pintor Manolo Campoamor dieron allí sus primeros pasos. Almodóvar presentó sus primerizos cortos-chapuza y el concierto de Pegamoides con Fanny McNamara del filme Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón fue, asimismo, rodado en el Ateneo. José Miguel Beneyto que, con su hermano, fue presidente, coordinador y fundador del Ateneo, mantiene un blog que recoge datos y links sobre su supervivencia, hasta 1981. Para Óscar es un edificio práctico y sin adornos que se integra perfectamente en el entorno urbano, una de las escasas muestras que han quedado de la arquitectura utilitaria de la República. ■

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ZOMBIS CUBANOS: NO ES SERIO ESTE CEMENTERIO Han pasado casi diez años desde el estreno de ‘28 días después’, y el género zombi sigue pegando fuerte, ya sea en el cine, el cómic, la literatura o las series de televisión. Frente a esta saturación, el cubano Alejandro Brugués tiene su propia receta: ‘Juan de los muertos’, cinta que revisita el género en clave de humor. POR JAUME ESTEVE

No hay lugar mejor en el mundo que Sitges para estrenar una película de zombis. Hablamos de un festival de cine consagrado como la mejor cita con el género fantástico de todo el globo por cinéfilos y críticos, y que incluso dedica un día a hacer una zombie walk, ese extraño desfile en el que puede participar todo aquel que tenga ganas de disfrazarse de no muerto y dar un paseo por el pueblo catalán (siguiendo los cánones, es decir, a medio kilómetro por hora). El día escogido para celebrar el citado desfile fue también el elegido para presentar en el festival Juan de los muertos, una de esas películas llamadas a marcar el año por condensar en 94 minutos una comedia de género ambientada en La Habana. Narra la historia de Juan, un cubano cualquiera que ante la invasión zombi ve la oportunidad de su vida para hacer negocio, ofreciéndose para matar (por segunda vez) a los seres queridos de aquellos que todavía viven. El 6 de enero llegará a las salas de cine. Zombis invasores del Imperio Alejandro Brugués (Buenos Aires, 1976), argentino de nacimiento pero cubano de toda la vida, es el responsable de haber creado la primera cinta cubana de zombis. Una etiqueta que, por cierto, no le impone lo más mínimo: «Cuando entras en un videoclub no hay una estantería que diga “Pelis cubanas de zombis”. No me gusta pensar en términos de ser el primero en algo». Pero aunque no le guste, es un hecho que Juan de los muertos es la primera de su género en un país, Cuba, en el que la crisis económica es el pan de cada día. Una crisis, eso sí, que no fue impedimento para sacar adelante el proyecto. «[La película] es una coproducción con España. Le dije a mi productor que quería

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Londres y se ha ganado a pulso el estatus de culto entre los seguidores del género. «Es una película para admirar como meta inalcanzable. Se la puse a todo el equipo», reconoce Brugués.

llenar La Habana de zombis y que la prensa oficial dijera que son disidentes pagados por el Imperio. Me preguntó cómo lo iba a hacer, porque era carísimo, y le respondí que sabía cómo hacerlo más barato», relata el realizador, al que acompaña una cuchilla colgando de la oreja a modo de pendiente durante toda la conversación. El secreto para abaratar costes era sencillo: ser fiel al lenguaje cinematográfico. «Hay que equilibrar la pura gramática del cine (recordando algunas cosas geniales del cine mudo), no gastar dinero donde no hay que gastarlo y saber mezclar trucos clásicos con elementos digitales. Sentarte, diseñar un buen plan de trabajo, saber qué no tienes y cómo hacer que parezca grande lo que sí tienes», explica. Todo ello, unido a una temática que le interesa porque permite «matar de formas imaginativas», porque remite a «nosotros mismos» y porque da la oportunidad de «mostrar un mundo destruido que, por alguna razón, siempre es muy atractivo», forma el cóctel que ha desembocado en Juan de los muertos, una producción en la que se ha sabido jugar con el poco presupuesto disponible y que explota esa vertiente cutre derivada de rodar con cuatro duros.

Un respeto a Romero Su admiración por Shaun of the dead no es de boquilla —viste una camiseta en homenaje a la cinta—, como tampoco lo es su afición a un género que se ha estudiado hasta el milímetro y que desemboca en detalles como bromas a lo largo del metraje sobre zombis lentos y zombis

Mientras Brugués saborea un mojito —las raíces son las raíces— a las seis de la tarde («el mejor que he probado en mi vida me lo sirvieron en Granada»), es inevitable tocar el tema político por el origen de la cinta y el género que explota, muy dado a la crítica social. Brugués, eso sí, deja bien claro que la política no le interesa en absoluto cuando se trata de hablar de Juan de los muertos, aunque en la película haya veladas referencias al comunismo. Por ejemplo, cuando la prensa oficial llama «invasores del Imperio» a la plaga zombi. «No me gusta usar el tema político. Soy un observador de la sociedad, me gusta el enfoque social y, en ese sentido, creo que es más crítica con un sector de Cuba, inmóvil, que no deja que las cosas cambien, que no le importa lo que está sucediendo a su alrededor, que deja que La Habana se destruya y que tiene una reacción pasiva ante lo que sucede». Esta ausencia tan marcada de crítica política en favor del humor, con el zombi como telón de fondo, tiene un claro referente: Shaun of the dead. La cinta de Edgar Wright (realizador de Scott Pilgrim) mezcla comedia romántica con un apocalipsis zombi en

rápidos. «La segunda película que vi en mi vida fue Posesión infernal. Sé que no es de zombis, pero cuando tienes menos de diez años, para ti lo son. Toda la vida vi mucho cine de género, y cuando estaba haciendo Juan de los muertos, mucho más. Había temporadas que solo veía películas, me las estudiaba. Leía libros, cómics... Me aprendí todo su universo, vi qué reglas podía respetar y cuáles no, y a partir de ahí elaboré mi propia versión, siempre siendo respetuoso con Romero. Ahora ya no quiero verlas en un tiempo», bromea Brugués.

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TODAS LAS DANZAS EN UNA No hace mucho tiempo que llegó a nuestro país, pero el número de practicantes de este nuevo estilo de danza aumenta cada día que pasa. Coreografías e improvisaciones, vestuarios detallistas, tatuajes de impacto, músicas inesperadas... Un universo muy particular que merece la pena conocer. POR JORDI URPI

Tercer domingo de septiembre, a unos pocos días de empezar el otoño. La presencia de Rachel Brice en Barcelona durante este fin de semana ha superado todas las expectativas de la organización. A pesar de que su actuación y sus talleres se anunciaron en pleno verano, las plazas para descubrir su espectacular estilo de danza y sus exigentes clases se agotaron en apenas unos días. Decenas de mujeres (algunas llegadas desde Francia, Italia o las islas Canarias) disfrutaron de tres días intensos, durante los cuales no hablaron entre ellas de otra cosa que no fueran ondulaciones, posturas, improvisaciones y cambios de nivel. La fiebre del tribal fusión se extiende como un virus, sin mostrar visos de detenerse. Casi cualquier música se puede bailar así Para las personas vinculadas al tribal fusión, Brice es una especie de diosa. También Sharon Kihara, Mardi Love o Mira Betz, quienes guían esta novedosa disciplina de baile, derivada de la danza oriental (la popular danza del vientre) y que, desde hace unos años, gana posiciones entre las practicantes de la disciplina más clásica al tiempo que despierta enorme interés en quienes nunca se han sentido cómodas con los pañuelos y los solos de derbuka. ¿Pero qué es el tribal fusión? ¿Cómo surgió y por qué llama tanto la atención? Una de las principales características (y, al mismo tiempo, uno de los máximos atractivos) del tribal fusión es la libertad, abre un universo de posibilidades creativas prácticamente infinito. Olvidando los rígidos cánones estéticos, musicales o de interpretación propios de la danza del vientre, el tribal fusión permite que cada bailarina —aunque también podemos encontrar bailarines, es un género esencialmente femenino— investigue,

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encuentre y defina su espacio, adaptando a su personalidad tanto el vestuario como el estilo e incluso la música. Frente a los característicos patrones rítmicos, basados en la música árabe, que identifican la danza del vientre, los movimientos del tribal fusión se pueden adaptar a numerosos estilos musicales, siempre dentro de una cierta cadencia que permita el desarrollo de las coreografías. No es extraño que suenen canciones como 4 Ton Mantis, de Amon Tobin, o alguna de Evanescence y The Cure (en el caso de los estilos burlesque y gótico, respectivamente), junto a otras más habituales como Adir Adirim, de Balkan Beat Box (una de las preferidas por quienes optan por el estilo gypsy balcánico), o cualquier tema de Beats Antique, con la famosa bailarina Zoe Jakes entre sus componentes. Dame una señal Aunque su verdadera explosión es a partir de 2004, tras la gira mundial protagonizada por The Indigo (formado por Rachel Brice, Sharon Kihara y Michele Campbell), los orígenes del tribal fusión se encuentran en los años sesenta, concretamente en la ciudad de San Francisco, de la mano de Jamila Salimpour. Profesora de danza oriental, Salimpour añadió diversos elementos étnicos a sus coreografías, creando unos pasos que se siguen utilizando en la actualidad. La segunda figura de gran relieve en esta historia es Carolenna Nericcio, que durante los años ochenta y en la misma ciudad californiana desarrolló el lenguaje de señales, el concepto de la improvisación grupal y un vestuario que destacaba por usar grandes faldas de evocación gitana y adornos, joyería y tatuajes de gran exhuberancia. Este concepto de improvisación grupal, denominado american tribal style (o ATS), se basa en las figuras de la líder y las seguidoras. Como si se tratara de un juego infantil, el trabajo en grupo se desarrolla a través de un lenguaje de señales que marca los pasos y las combinaciones a realizar, permitiendo ofrecer en el escenario un espectáculo improvisado. Considerado el estilo clásico de esta disciplina artística, el conocimiento del lenguaje de señales resulta imprescindible para todas las bailarinas de tribal fusión. Como tal, el concepto de tribal fusión no aparece hasta los años noventa, cuando bailarinas relacionadas con Carolenna

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Nericcio y su escuela, Fat Chance Bellydance, buscan nuevas formas de expresión a partir de los conceptos aprendidos junto a ella. Entre estas bailarinas destacaron Jill Parker y Heather Stants, quienes incorporaron elementos de música moderna y danza contemporánea, así como cambios radicales en los complementos del vestuario. Lo cierto es que, hasta el año 2004, el tribal fusión era una disciplina que básicamente se practicaba en California. Pero la estela de The Indigo alcanzó incluso a las bailarinas españolas. Barcelona, capital tribal The Indigo aterrizó en Barcelona en junio de 2004, dentro de un espectáculo que se llamaba Bellydance Superstars. Quienes asistieron al teatro todavía recuerdan el impacto causado por la música, el vestuario y la presencia escénica que exhibieron aquellas mujeres. Y ya nada volvió a ser lo mismo en la escena de la danza oriental. Desde la capital catalana, la fiebre tribal se fue extendiendo por todo el país a través, primero, de DVD con los que se emprendía un aprendizaje prácticamente autodidacta


y, posteriormente, con la celebración de clases, seminarios, reuniones, festivales y visitas como la reciente de Rachel Brice o la próxima (febrero de 2012, séptimo año consecutivo) de Sharon Kihara. En la dinámica de grupos y encuentros que salpican la geografía peninsular, Barcelona sigue ejerciendo de punto centrípeto de la escena tribal fusión. Lo confirman el funcionamiento desde enero del año 2009 de Tribalona, única escuela estable dedicada en exclusiva a la enseñanza del género (en sus diversas y múltiples formas); y la celebración durante el pasado mes de julio del festival Umrah (encuentro itinerante internacional organizado, en esta ocasión, por Alma Oriental), que reunió a una veintena de profesoras y cerca de trescientas bailarinas, llegadas en algunos casos desde Irlanda, México o Croacia. Ante la efervescencia de la comunidad tribal, desde Tribalona se ha creado un curso de formación de profesoras de tribal fusión que iniciará su primera edición en enero. Tal vez en tu ciudad La fiebre tribal se extiende sin remisión y otras muchas ciudades españolas tienen ya sus propios grupos. En Sevilla, Valencia, Vigo y Madrid, por citar algunas, han aparecido compañías que se han sumado al movimiento y han contribuido a la creación y consolidación de una base estable y creciente de alumnado y público. Incluso algunas bailarinas, las más atrevidas, se han incorporado a proyectos de otra índole, como es el caso de la colaboración que las dos componentes de Makosh Corporation han mantenido con Balkatalan Experience, un colectivo muy particular de DJ y VJ que trabajan la conexión audiovisual entre las músicas gitanas de Cataluña y los Balcanes. ¿Pero qué busca y qué encuentra una bailarina en el tribal fusión que no le ofrezcan otras disciplinas? ¿Una estética alternativa, el carácter innovador, la fuerza del grupo, la libertad de movimientos? Responde Eva Tallada, una de las dos profesoras de Tribalona: «De entrada, el tribal fusión te ofrece una mayor libertad de expresión y de creatividad, así como el desarrollo de estéticas que no casan con disciplinas más clásicas. Además, puedes utilizar músicas de cualquier estilo y explorar tu personalidad. Las chicas que vienen a clase buscan aprender y divertirse. También mantenerse en forma, porque la práctica del tribal fusión aporta una mayor consciencia del cuerpo y un profundo control muscular. Finalmente, no podemos obviar un evidente espíritu de comunidad (tribal deriva de tribu), un espíritu que ayuda a que las alumnas sientan que forman parte de algo que va más allá de un simple estilo de baile. Se trata de compartir tu pasión con otras personas». ■

En la primera doble, las bailarinas Rachel Brice y Mardi Love [Fotos: Meri Santos]. A la izquierda y arriba, una practicante de tribal fusión y detalles de su vestuario [Fotos: Mar Moreno].

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CREAR EN TIEMPOS REVUELTOS Desde el 15 de diciembre, Matadero de Madrid abre al público las puertas de El Ranchito, un proyecto experimental de investigación y creación que reúne a artistas y gestores en busca de nuevas fórmulas, tanto de confrontación con el público como de organización dentro de las instituciones culturales.

Como la energía, el arte ni se crea ni se destruye: se trasforma. De alguna manera, ese es el espíritu que alienta un proyecto abierto, participativo, dialéctico y universal que el equipo de Matadero Madrid ha denominado El Ranchito. No interesa tanto la obra final, sino el proceso discursivo y permeable que conduce a ella, y que, como cualquier ser vivo y dinámico, sufre mutaciones por el camino. Pablo Berastegui, coordinador de Matadero, sostiene que la intención de El Ranchito es «crear una plataforma permanente desde la que ‘poner en crisis’ los principios asumidos durante largo tiempo por la llamada ‘institución arte’». Creación desde la crisis y para la crisis y elaborada a partir de materiales de desecho. ¿Pero por qué El Ranchito? Porque se trata de un espacio de vivencia y de convivencia. Durante un tiempo, una serie de artistas residentes de diferentes procedencias han compartido experiencias no solo entre ellos, sino con otros colectivos de creadores e instituciones locales designados por los grupos de trabajo generados en Matadero. «El Ranchito es un experimento —sostiene Manuela Villa, responsable de contenidos del centro—, como esas construcciones espontáneas en las que cada habitante participa con sus trozos de madera, sus planchas de metal, sus plantas o sus pinturas». Año y medio intercambiando experiencias La idea comienza a cobrar forma en la primavera de 2010 y a las mesas de trabajo se van sumando diferentes agentes culturales, como Gema Melgar, coordinadora artística de Matadero Madrid; Catarina Saraiva, productora cultural; Nerea Calvillo, arquitecta; Luisa Fuentes Guaza, comisaria especializada en la joven escena artística latinoamericana, o Iván López Munuera, crítico y comisario independiente, entre otros participantes e instituciones de Madrid como Medialab-Prado o Intermediae, ambas con mucha experiencia acumulada en la creación de redes y espacios participativos. Una de las cuestiones que más se barajaron dentro de los grupos de discusión de El Ranchito fue la necesidad de establecer un programa de residencias, un lugar de encuentro

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en el que los artistas pudieran interactuar y relacionarse con la realidad cultural de la ciudad. El resultado fue un apartamento en el barrio de Arganzuela por el que han ido desfilando artistas generalmente latinoamericanos. «Iberoamérica configura una nueva geografía cultural y artística —dice Luisa Fuentes Guaza— que nos obliga a fortalecer y ramificar los vínculos entre las distintas escenas y generar nodos de interacción e intercambio». Por el depa han desfilado inquilinos como el arquitecto colombiano Antonio Yemail, el pensador argentino Franco Ingrassia, el


diseñador mexicano Jerónimo Hogerman, la artista puertorriqueña Carolina Caycedo, el brasileño André Komatsu, los también mexicanos Tercerunquinto y Begoña Morales, los serbios Teorija Koja Hoda... Entre los asiduos se encuentra Jerónimo Hegerman, que ha creado la instalación Archipiélago para la Plaza Matadero y que es la primera de las obras surgidas del proyecto. Durante este año fueron invitados otros dos colectivos más: los británicos Critical Practice y los argentinos Situaciones, que llegaron a Madrid coincidiendo con el proceso de formación del Movimiento 15-M y del que absorbieron bastantes de sus premisas. Una rigurosa selección Otra de las vías promovidas desde El Ranchito es la convocatoria abierta a agentes culturales, instituciones y artistas vinculados a Madrid. Desde mayo de 2011 ha recibido más de 70 solicitudes, de las que ha elegido las 14 que mejor se adaptan a las directrices de este proyecto cultural. En una primera modalidad de esta convocatoria se ofrece a los

Archipiélago, instalación realizada por Jerónimo Hegerman en la Plaza Matadero.

seleccionados espacios de trabajo por un periodo de tres meses (hasta final de año) con el compromiso de explicar el proceso de producción de su obra en visitas guiadas, mientras que en la segunda son los agentes culturales quienes proponen una serie de creadores foráneos con los que desarrollar proyectos conjuntos. Desde el 15 de diciembre, El Ranchito ofrecerá una presentación pública de resultados en la Nave 16 de Matadero. Además, en 2012 se publicará una memoria con las experiencias recogidas durante todo el proceso.

La intención de El Ranchito no es, ni mucho menos, la provisión de contenidos para Matadero de Madrid, sino generar todo un entramado de propuestas no centralizadas, ni capitalizadas por ninguna institución, que contribuyan a definir un nuevo concepto de arte más y mejor adaptado a la metamorfosis de los tiempos. Pablo Berástegui lo resume así: «Parece que es el momento de arriesgar, de salir de los territorios en los que nos sentimos cómodos y cuestionar nuestro papel como centro de creación contemporánea, como ciudadanos o, incluso, como sociedad».

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N Í L L A T LA CARA B DE UNA CIUDAD DE CUENTO María Minerva, sensación de la nueva vanguardia musical, procede de Estonia. Clara advertencia de que el diminuto país excomunista no solo esconde rincones de cuento de hadas. Descubre el lado alternativo de Tallín, capital europea de la cultura. POR IAGO FERNÁNDEZ

La primera vez que viajé a Estonia me sorprendió lo rápido que se llega en ferry desde Helsinki. Cuando volví por segunda vez me ahorré el mareo en barco y me sorprendieron otras muchas cosas. Sus habitantes no se ofenden si los llamas estonianos —un gentilicio muy Primos lejanos—, pero sí cuando acentúas y pronuncias Tallin como si fuera aguda. Consumen bebidas raras con nombres aún más raros, se meten en unos barriles de caníbal a modo de sauna para ver las competiciones de esquí, conducen sobre el mar helado, conservan tradiciones centenarias en una isla (Kihnu) llena de ancianas, usan a los conductores de autobús como mensajeros gratuitos y disfrutan de una agenda cultural desbordante para tan poca población. Alquilar una bici es la mejor manera de adentrarse en la cara B de la ciudad que regaló a Rosa de España el séptimo puesto eurovisivo. Pedaleando por el llamado Kilómetro Cultural se nos aparece la

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Kultuurikatel [Tetera Cultural], una vieja fábrica inmortalizada en la película rusa de culto Stalker que hoy acoge exposiciones varias y fiestas de música electrónica. Muy cerca de allí se encuentran el Eesti Disainerite Liit [Casa del Diseño Estonio] y los talleres de artistas de la cárcel de Patarei, antaño un búnker que hacinaba y ejecutaba a presos políticos. Para compensar semejante chute de realidad basta con avanzar unos pocos metros y contemplar el Mere Museuum [Museo Marítimo], obra del premiado arquitecto KOKO. Williamsburg, Kreuzberg, Malasaña... Kalamaja Cuando nos queramos dar cuenta, estaremos ya en pleno barrio de Kalamaja con sus decadentes casas unifamiliares ocupadas por jóvenes modernos y bohemios. Tras una parada en el antiguo astillero de Nobelesser, donde han desfilado desde óperas de Wagner hasta diseños de moda, llegamos a Telliskivi Loomelinnak [Industrias Creativas


sin tarjeta, los fumadores se apiadan y dejan que entres con ellos al bar cuando acaban su cigarro. Por estas latitudes, el clima y la escasez de luz parecen no animar a la fiesta, pero no te confíes. La ruta sigue en el Popular, apreciado por los que gustan de compartir una buena pipa de agua, y continua en el Kohvik Noorus, perfecto para los amantes de lo retro y las terrazas a prueba de lluvia sin salir del cogollo del casco medieval. Si la batería aguanta, Vabandust! [¡Disculpa!] es un after que invita a bailar casi tanto como el Levist Väljas [Inalcanzable], que también abre hasta altas horas, camuflado en un portal de la ciudad vieja que parece cualquier cosa menos la entrada a un lugar de trasnoche. La oferta para golfos trendy se completa con el Von Krahl, quizá el más alternativo de los locales que aguantan hasta el desayuno.

Telliskivi], otra factoría abandonada que en su día diseñó componentes para el satélite Sputnik y hoy acoge un área autogestionada con eventos, talleres, coworking y mercadillos de gangas y antigüedades (Telliskivi Kirbuturg). Cuenta además con un restaurante, el F-hoone, que en ocasiones atiende el escritor Robert Randma. Recomendar lugares para comer en Tallín exigiría como mínimo dos páginas más, porque abundan las cartas de cali-

dad a buen precio, como las del Boheem, a un paso del alucinante mercado ruso, o el Kohvik Moon, asequible a pesar de pertenecer a los mismos chefs del Ö, considerados los mejores del país. Tras el postre, apetece acercarse a Tops para el primer refresco y planificar la noche rodeado de la fauna cool de la ciudad. NoKu [la traducción literal es pene, pero funciona como acrónimo de jóvenes artistas] es un buen punto de partida y, aunque no se puede acceder

Paraíso de ‘fashionistas’ modernos Cuentan que lo mejor para superar las secuelas de la parranda estonia es comenzar el día con un generoso bol de seljanka, la sopa que resucita a quienes amanecen como un muñeco de trapo. Pero si lo que quieres es comprar trapos, los distritos de Rotermanni (asómate a Loovala) y Baltika (calle de la moda) funcionan como grandes centros comerciales de espíritu fashion. Añade a tu itinerario consumista la boutique con peluquería Fankadelik, la tienda Nolita Vintage y otros negocios regentados por jóvenes diseñadores como NuNordic, Nikkolo o Liina Viira, una sueca nieta de estonios que basa sus creaciones en patrones antiguos de la zona. La cultura, como el diamante, es para siempre, así que antes de regresar a casa hazte con alguna de las novelas de Sofi Oksanen traducidas a varios idiomas y ambientadas en Estonia. Si dominas la lengua del lugar, apuesta por un libro de Andrus Kivirähk, Jürgen Rooste, Karl Martin Sinijärv o Mihkel Raud, el líder del mítico grupo Singer Vinger y hoy estrella mediática que en Musta pori näkku airea los trapos sucios de la escena punk de los soviéticos años ochenta. Además de la última reina del synthpop, María Minerva, escucha los discos de grupos como Oreliposs, Antonina o Röovel Ööbik, porque cualquiera de ellos puede ser tu souvenir definitivo de Tallín. Con permiso del licor Vana Tallinn y el chocolate Kalev, claro.

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A la izquierda, abrigo de Duyos, vestido de Vicky MartĂ­n Berrocal, zapatos de Zara y collar de Swarovski. En esta pĂĄgina, vestido de YolanCris, cazadora de Caramelo y collar de Swarovski.


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Vestido y guardapolvo de encajeVerino de YolanCris, de Luis plumas de Megía. Zara, zapatos de Jimmy Choo y bolso de E. Ferri. Chaleco de Roberto y tocadoestola de José Díaz A la derecha, vestido de Vicky Martín Berrocal y collar de Swarovski.


Abrigo de Miguel Marinero, polainas de Lottusse, cintur贸n de HTC, collares de Hotel Particuliere y bufanda de pelo del estilista.


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En la pĂĄgina anterior, vestido de Dolores Promesas Heaven y poncho de Amaya Arzuaga. AquĂ­, vestido de Miriam Ocariz y cazadora de Redskins.


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Abrigo de Chaleco Duyos, vestido de Vicky Martín Berrocal, zapatos Zara y collar de Swarovski. de Roberto Verino y tocado de José Luis de Díaz Megía. A la derecha, vestido de Nihil Obstat, cazadora de Zara, collar de Swarovski y pulsera de Caramelo.


Abrigo de Miguel Marinero, polainas de Lottusse, cintur贸n de HTC, collares de Hotel Particuliere y bufanda de pelo del estilista.


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ABALDÓN

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botines de Bershka.

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Él: Abrigo de Love Moschino, camisa de Dsquared2, pantalones de Datch, botas y gorro de Bershka y collar de la estilista. Ella: Chaqueta de See by Chloe, camisa de Dsquared2, vestido de Hoss, orejeras de Claire’s y botines de Bershka.

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Camisa de DonDup, chaleco vaquero de Dsquared2, pantalones de Datch, cintur贸n de Wrangler y botines de Geox.

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Camisa denim de Wrangler, chaleco de Dsquared2, pantalones de Love Moschino, cintur贸n de Wrangler, botines de UGG.

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ARTE

CULTUR

UN LUGAR DE ENCUENTRO PARA ESPACIOS CULTURALES

Actividades de CAMON Madrid (diciembre 2011)

www.tucamon.es twitter:@tucamon

Viernes 2, de 19.00 a 20.30 horas | Podcast en directo: Dantesko Podcast Live Sábado 3, de 9.30 a 18.00 horas | Taller Day of global code retreat Madrid Lunes 12 y viernes 16, de 17.30 a 20.30 horas | Taller: Processing para instalaciones interactivas *Martes 13, de 19.00 a 20.30 horas | Conferencia: Pasado y futuro del desarrollo web

*Jueves 15, de 19.00 a 20.30 horas | Conferencia: Broad.cat Dual. Compartiendo ideas sobre diseño audiovisual Lunes 19, martes 20 y miércoles 21, de 17.30 a 20.30 horas | Taller: Creación musical con tracker Jueves 22, de 10.30 a 13.30 horas | Taller: Cursos formativos Apple Imovie Martes 27, de 19.30 a 20.30 horas | Presentación de Madrid DJ presenta: Heroku, con Raúl Murciano *Retransmisión en streaming en www.tucamon.es/directo_mad

En busca de las reglas del 'Juego de la vida' El Espacio CAMON de Madrid será la sede del Day global code retreat, que tendrá lugar el sábado 3 de diciembre, de 9.30 a 18.00 horas. Un code retreat es un evento en el que grupos de programadores afrontan el reto de crear el denominado Juego de la vida, diseñado por el matemático británico John Horton Conway. Este desafío lógico reunirá durante un día a más de 1.500 desarrolladores de software en 80 ciudades de todo el mundo. Durante el evento que acoge CAMON se intentará programar las reglas del juego en sesiones de 45 minutos. En cada una de las sesiones se enfocará un punto de vista sobre la programación con el fin de optimizar su lenguaje. Más allá del ejercicio de programación, el Juego de la vida tiene importantes connotaciones filosóficas y ha conseguido un notable seguimiento durante las cuatro últimas décadas.

Debate sobre el futuro de las webs

El diseño audiovisual, a examen

A lo largo de todo el año 2011, la Asociación de Desarrolladores Web de España (ADWE) ha organizado un encuentro mensual en el espacio CAMON Madrid. En ellos, se ha planteado cuál es el presente y cuál debe ser futuro de las páginas web. Como colofón a todos los encuentros, ADWE repasará cada una de las temáticas que han sido tratadas a lo largo de 2011 con los ponentes que también han participado durante este año. Se trata de profundizar en todos los temas abordados hasta el momento y en el planteamiento de lo que sucederá a partir del 2012. ¿Qué nos deparará en cuanto a desarrollo web?

Broad.cat dual es un encuentro distendido e informal que huye de la típica conferencia descriptiva y unidireccional para centrarse en el intercambio de ideas. Así, ofrece la oportunidad de conocer y debatir sobre el diseño y la creatividad audiovisual. El objetivo de esta charla, en la que los asistentes pueden participar en todo momento, es dar a conocer un talento emergente y establecer una discusión sobre un tema audiovisual con un profesional ya consolidado. Ven a CAMON Madrid el jueves 15 de diciembre y comparte e intercambia ideas.

CAMON Alicante: avenida Ramón y Cajal, 5 | Tel. 965 905 949. CAMON Cigarreras, Alicante: calle San Carlos, 78. Antigua Fábrica de Tabacos | Tel. 965 205 903.

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CAMON Madrid: Plaza de Moncloa, 1; acceso por Princesa | Tel. 915 437 036. CAMON Murcia: calle Madre Elisea Oliver Molina, s/n. Antiguo Cuartel de Artillería, Pabellón 5. Primera planta | Tel. 968 259 667.


CULTURARTE

Descubre qué es El Ranchito en Matadero Madrid Para todos los que os preguntáis qué es El Ranchito, a partir del 15 de diciembre podréis empezar a conocer este proyecto de investigación, promovido por Matadero Madrid, en el que se experimentan nuevos modelos de organización dentro de una institución cultural y se exploran alternativas a los formatos convencionales de exhibición. Los puntos de partida son el trabajo transdisciplinar, la creación sitio específico, la producción colectiva de significados, la construcción de una comunidad o la economía de recursos, entre otros. Tras año y medio de trabajo con más de 30 artistas y colectivos locales e internacionales y un grupo de trabajo constituido por varios agentes locales, ha llegado la hora de presentar al público algunos de los resultados. El día 15, la mayor parte de la recién reformada Nave16 de Matadero Madrid (casi 3.000 m2) abre sus puertas para mostrar el proceso creativo y las experiencias desarrolladas por los artistas durante este tiempo, en el que se incluyen tanto los proyectos presentados a El Ranchito como las producciones resultantes, así como las reflexiones propiciadas por todos los implicados. Ven, observa y elabora tu propia hipótesis sobre qué es El Ranchito. | Presentación pública: Inauguración, 15 de diciembre, 20.00 h. Del 15 de diciembre de 2011 al 22 de abril de 2012. Matadero Madrid, Nave 16. Entrada libre.

Enrique Radigales para Gran amarillo.

Espacios de trabajo de El Ranchito en la Nave 16.

Algunos artistas y colectivos que te encontrarás en El Ranchito Enrique Radigales, Sally & Gabriela Gutiérrez, Guillermo Mora, Husos, Todo por la Praxis, Zira02, Zoohaus, André Komatsu (Brasil), Walking Theory (Serbia), Tercerunquinto (México), Ricardo Miranda y Brooke Singer (Estados Unidos) / Bongore, Arquitectura Expandida (Colombia) / El Gato con Moscas, Bineural-MonoKultur (Argentina) / Cía. Puctum, Miquel García / Pensart, Jerónimo Hagerman (México), Toxic Lesbian, Debajo del Sombrero...

OTRAS ACTIVIDADES EN MATADERO MADRID Puertas abiertas de la Nave de la Música. Visitas guiadas a este nuevo espacio de Matadero Madrid y a la exposición El ruido de las burbujas, organizada con motivo de la recién clausurada Red Bull Music Academy. Hasta el 18 de diciembre. Consultar horarios.

www. mataderomadrid.org

Vuelve 'La avería', dirigida por Blanca Portillo. Naves del Español, hasta el 1 de enero. De mar. a sáb., 20 h; dom., 18 h. www.teatroespanol.es

Sonidos de Arganzuela. Instalación sonora titulada 6552199. En Intermediae. Hasta el 8 de enero. www.intermediae.es

Ciclo de documentales de Martin Scorsese. Durante los meses de diciembre y

'Tableaux Tables'. Diseño francés en Central de

enero en Cineteca. www.cinetecamadrid.com

Diseño. Hasta el 8 de enero. www. dimad.org

Una escena de La avería.

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POR NANI F. CORES

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

ASVOFF: EL IDILIO ENTRE CINE Y MODA EL FESTIVAL DE CORTOS CELEBRA SU PRIMERA EDICIÓN ESPAÑOLA Su relación es tan estrecha que a veces es imposible distinguir quién inspira a quién. La moda es un elemento más del cine, y el cine, a su vez, ha servido para reflejar la forma de vestir de diferentes épocas y tribus urbanas, y como fuente de ideas para los diseñadores. París, Milán, Tokio, Nueva York, México, Londres... y, ahora, Barcelona son algunas de las sedes por las que ha pasado un festival que explota esta fructífera unión: A Shaded View on Fashion Film (ASVOFF). Creado en 2008 por la crítica, cineasta, fotógrafa y gurú Diane Pernet partiendo de su blog (del que toma su enrevesado nombre), esta cita itinerante que viene del Pompidou parisino es anual y participativa. Pernet se encarga de programar la sección oficial, que reúne los mejores cortos que

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han competido en ediciones anteriores de ASVOFF. Este año destacan un documental sobre Vivienne Westwood firmado por Mike Figgis, quien también presenta The four dreams of Miss X, protagonizado por la supermodelo Kate Moss; Valentino masters of style, de Madeleina Czigler; City limits, de Kris Moyes; y Lust, Lust, de Martin Grauds, uno de los títulos más premiados en 2010 en París. Por su parte, la sección competitiva se divide en tres categorías: profesionales, estudiantes y móviles. En el apartado de profesionales, la inspiración es the muse (la musa); el límite de duración, cinco minutos, y se pueden presentar propuestas hasta el 1 de enero. En cambio, los estudiantes han partido de la idea to amuse (divertir) para idear sus cortos.

Las cintas que compiten por el premio en la categoría de móviles son historias de menos de un minuto, rodadas con el teléfono en una sola toma. El 1 de diciembre se cerró el plazo para presentarse a esta sección en la que el premio no lo decidirá un jurado, sino el público del festival votando a través de su página web. Una selección de las cincuenta mejores propuestas se proyectará dentro de la programación de ASVOFF. Fuera de concurso, se verán otros cincuenta cortometrajes escogidos por la experta en moda Charo López bajo el título Narraciones, ciclo que será un recorrido por la memoria visual de la escuela de moda de Barcelona y un homenaje a la ciudad. BARCELONA. Del 25 al 27 de enero, en el CaixaForum. www.asvoff.es


DICIEMBRE 11 / ENERO 12

Mercadillo estilo londinense Vuelve el Beefeater London Market Ya no hace falta viajar a Londres para hacer las compras navideñas, porque el espíritu de los mercadillos callejeros de Covent Garden, Portobello, Spitalfields y Camden se traslada a Madrid, durante un fin de semana, con el regreso del Beefeater London Market. Para que te sientas más british, si cabe, tendrás que hacer tus compras en inglés y pagar en libras, sobre todo si quieres aprovechar el descuento de un diez por ciento que conlleva utilizar moneda inglesa (se podrán cambiar euros en el recinto). El mercadillo contará con un gin bar (donde podrás probar la ginebra de edición limitada que se lanza con motivo del evento) y artistas de calle amenizando el ambiente. En los puestos venderán ropa y complementos vintage, música, arte, diseño, decoración, gastronomía del prestigioso Borough Market... El éxito de ediciones anteriores dejó fuera a muchos shoppers tardíos, así que, si no quieres perdértelo, te recomendamos que te acerques temprano. MADRID / 17 y 18 de diciembre / Serrano, 127 / Entrada: 3 y 5 (con gin tonic) euros

Pasión por el reciclaje

Música catalana y balear

Indies contra el hambre

La asociación Drap Art celebra, por octavo año, su festival de reciclaje artístico, con actividades participativas como talleres y charlas, pero también con cine, conciertos, mercadillo y exposiciones colectivas de arte y objetos de diseño elaborados con elementos inservibles o recuperados del cubo de la basura.

Los Conciertos Sublimes se dedican en diciembre a bandas con una procedencia común: Cataluña y Baleares. Petit y Steve Munar abrirán el ciclo el día 12. A ellos les seguirán El Petit de Cal Eril y Espaldamaceta (13), Litoral y Amigos (19) y Nacho Umbert y La Compañía [foto] como clausura, el día 20.

La tercera edición del festival benéfico No Hunger ha reunido un cartel muy suculento: Sidonie [en la foto], Klaudia, Inspira, Verkeren, Seward y Thug Ladies DJ. El dinero que se recaude se destinará a paliar la desnutrición infantil en el África Subsahariana, a través de la ONG Acción Contra el Hambre.

BARCELONA / Del 16 al 30 de diciembre / CCCB y FAD / www.drapart.org

MADRID / 12, 13, 19 y 20 de diciembre / Teatro Lara / www.verticalpop.com

BARCELONA / 4 de diciembre / Sala Apolo / 10 y 15 euros / www.nohungerfestival.org

Quinquis de los ochenta

El primero del año que viene

Dentro del ciclo El grito de la calle, que trata de reflexionar sobre las consecuencias de la crisis actual, se engloba la exposición Quinquis de los 80. Cine, prensa y calle, sobre el cine quinqui que reflejó la particular situación de España entre 1978 y 1985.

Ningún otro festival español puede batir su marca, porque el Actual de Logroño es siempre el primero del año. Además de con actividades complementarias, la ciudad del vino vuelve a tentarnos para que recibamos el año yendo de conciertos. Pau Riba, Corizonas, Anntona, Los Enemigos, Lori Meyers, The New Raemon [foto], The Pains of Being Pure at Heart y Fernando Alfaro, entre otros, se han unido a la celebración.

BILBAO / Hasta el 8 de enero / Alhóndiga / Entrada: 2 y 3 euros / www.alhondigabilbao.com

LOGROÑO / Del 2 al 8 de enero / www.actualfestival.com

Escena Contemporánea

Pon una postal personalizada en tu vida

Aunque al cierre de esta edición aún no se ha presentado su programación, queremos poneros en guardia: el próximo 25 de enero arranca Escena Contemporánea, el festival de artes escénicas que cada año inunda la capital con una amplísima programación.

El proyecto Remite se inició el año pasado inspirado en los originales métodos de financiación del Royal College of Art de Londres. El mecanismo es sencillo: la EASD pone en circulación postales con una cara en blanco que cualquiera puede decorar. Después, recibe esas postales, las expone unos días y las vende (14 de diciembre) a un precio módico (10 euros). El dinero se emplea en becas, talleres, materiales... para los alumnos.

MADRID / Del 25 de enero al 18 de febrero / www.escenacontemporanea.com

VALENCIA / Hasta el 14 de diciembre / www.easdvalencia.com Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda.

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CINE

‘THE ARTIST’: SUEÑOS EN BLANCO Y NEGRO LA PELÍCULA SORPRESA DEL 2011 ES MUDA

¿DÓNDE SE ESCONDE EL TOPO? Aunque John Le Carré no ha sido muy afortunado con la mayoría de las adaptaciones al cine de sus libros, después de ver esta la definió como «una obra de arte por derecho propio». El artífice del milagro no es otro que el realizador Tomas Alfredson, auténtica revelación de hace tres años por la vampírica Déjame entrar. Apoyado en un elenco que quita el hipo: Gary Oldman (en el papel al que dio vida antes Alec Ginness), Colin Firth y John Hurt, el sueco revitaliza el género de espías. EL TOPO. Reino Unido-Francia-Alemania, 2011 / Dir.: Tomas Alfredson / Estreno: 23 de diciembre

EL NEGOCIO DE LA GUERRA

¿Cine mudo en pleno siglo XXI? Afirmativo.

Los Ángeles, 1930. Segunda entrega de los premios Oscar. El primer gran musical de la historia del cine, La melodía de Broadway, recibe el galardón a la mejor película. Fue el primer premio importante para el cine sonoro y supuso el impulso definitivo de este género. Cannes, 2011. The artist, un filme mudo —ha leído bien— rodado en blanco y negro, consigue colarse en la sección a concurso de su prestigioso festival. Su protagonista, Jean Dujardin, recibe el premio al mejor actor por un papel en el que no pronuncia palabra. Unos meses después obtiene cuatro nominaciones a los Premios de Cine Europeo, entre ellas, la de mejor película. La Weinstein Company adquiere los derechos para su distribución en Estados Unidos. Después de ochenta años de cine sonoro, ¿llegará una película muda a los Oscar? En estos tiempos revueltos para la industria cinematográfica, donde el 3D parece la única salvación de las

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salas, un director francés se ha atrevido con un proyecto tan romántico como utópico: rodar una película muda en pleno siglo xxi. Michel Hazanavicius llevaba años fantaseando con la idea y su perseverancia y fe han dado como resultado The artist, un sentido homenaje a la edad dorada de Hollywood que nos devuelve a un periodo excitante: el que supuso el paso del cine mudo al sonoro. Allí se sitúan sus dos protagonistas, una estrella que se niega a asumir el cambio (Durjadin) y una extra desconocida (Bérénice Bejo) que, de la noche a la mañana, se convierte en la voz que atrae a los espectadores en masa a los cines. Melodrama de los de antes, homenaje confeso a clásicos que también tocaron el tema como Cantando bajo la lluvia y Ha nacido una estrella, factura asombrosa y mimo en cada detalle. Película valiente y gran sorpresa de la temporada. THE ARTIST.

Francia, 2011 / Dir.: Michel Hazanavicius / Estreno: 16 de diciembre

El tándem formado por el realizador Ken Loach y su guionista de cabecera, Paul Laverty, nos trasladan al conflicto de Irak para hurgar en uno de sus aspectos más oscuros: la comercialización y el negocio económico que se genera en tiempos de guerra. La muerte de un soldado a sueldo en la Route Irish da pie a una crítica mordaz, que tiene como último objetivo señalar a los gobiernos y empresas que toleran y se benefician de dichos actos. ROUTE IRISH.

El Reino Unido, 2010 / Dir.: Ken Loach / Estreno: 23 de diciembre


CUENTO SOBRE LA FRATERNIDAD Nada mejor que esta época navideña de buenos sentimientos y deseos para acercarnos al cine a calentarnos el alma con un poquito de optimismo. En su segunda película rodada en Francia, el finlandés Aki Kaurismäki se enfrenta, desde su personal óptica —la de un narrador siempre próximo al absurdo, al surrealismo y lo retro—, a uno de los valores que más parecen escasear en estos tiempos que corren: la fraternidad. Todo comienza con el proverbial encuentro entre un escritor reconvertido en limpiabotas y un menor africano. La inminente deportación del muchacho dará pie a un maravilloso cuento —con la inmigración como telón de fondo— que demuestra que un solo individuo, cuando se lo propone, mueve montañas. EL HAVRE.

Finlandia-Francia, 2011 / Dir.: Aki Kaurismäki / Int.: André Wilms, Blondin Miguel, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin / Estreno previsto: 28 de diciembre

UN MAR DE DESGRACIAS (SANGRIENTAS)

CINE EN CORTO

EXPERIENCIA MÍSTICA EN MURCIA El típico cigarrito de ‘después de’ da pie a una discusión entre dos mujeres amantes que, a su vez, origina el encuentro místico de una de ellas con un power ranger muy fan de Jesucristo Superstar. Y todo esto, señores, sin necesidad de salir de una habitación de hotel en Murcia. ¿Rocambolesco? No, sublime. Ahora que acaba de ganar el premio Rizoma gracias a su primer largometraje autofinanciado, Diamond flash, conviene recuperar la breve pero intensa filmografía en corto de su director, Carlos Vermut. Quédate con su nombre porque dará que hablar. MICHIRONES. Dir.: Carlos Vermut / 8 minutos / Puedes verlo en: vimeo.com/14031575

Presten mucha atención a la última sensación del Festival de Sitges (premio al mejor director en su pasada edición). The yellow sea es el segundo largometraje del realizador surcoreano Hong-jin Na, quien ya logró la misma catarsis entre el público del festival catalán el pasado año con su debut, The chaser. Sus actores principales repiten también en esta ocasión dando vida a los protagonistas de un thriller de tintes negrísimos que ya ha sido comparado como la versión asiática de una película de Michael Mann (Heat, Collateral). ¿La sorpresa? Un arranque de estilo costumbrista, con dramón personal incluido, que acaba dando un inesperado giro de 180 grados y muta en una sangrienta y muy desmelenada historia de acción. THE YELLOW SEA.

Corea del Sur, 2010 / Dir.: Hong-jin Na / Int.: Jung-woo Ha, Yun-seok Kim, Seong-Ha Cho / Estreno previsto: 5 de enero

GRITOS DE INDEPENDENCIA Miranda July y Mike Mills forman uno de los matrimonios más políticamente indies del cine norteamericano. Obsesionados por el devenir de la pareja en los tiempos modernos, él proponía hace unos meses Beginners (protagonizada por Ewan McGregor y Mélanie Laurent); mientras que de ella no sabíamos nada desde que deslumbró en Sundance y Cannes con Tú, yo y todos los demás (2005). Seis largos años después, la recuperamos para la causa con El futuro, una película repleta de escenas surrealistas (y alguna performance) que, sin embargo, esconde un mensaje muy realista y humano: el miedo al compromiso y a la madurez dentro y fuera de una relación. Música de Jon Brion, habitual de Paul Thomas Anderson y Charlie Kaufman.

LA CULPA Y EL PERDÓN Por poco religioso que uno sea, la expresión «setenta veces siete» evoca rápidamente en nuestro imaginario la idea del perdón. Del perdón, y también de la culpa que le precede, habla este cortometraje dirigido al alimón por Rosa Cabrera Díez y Ricardo Ibáñez Ruiz. Partiendo de un hecho misterioso —dos mujeres se despiertan unidas por una cuerda sin saber dónde ni por qué—, poco a poco descubriremos que los lazos que las unen son mucho más fuertes y dolorosos. La intensidad de sus protagonistas corta el aliento. SETENTA VECES SIETE.

15 minutos / Puedes verlo en: vimeo.com/24864584

EL FUTURO.

EE UU, 2011 / Dir.: Miranda July / Int.: Miranda July, Hamish Linklater, David Warshofsky / Estreno previsto: 16 de diciembre

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TEATRO

Desde que en 1999 fuera nominado al Premio Max por su primera obra, Como los griegos, Alfredo Sanzol (1972) se ha labrado una sólida trayectoria como autor y director teatral. Montajes como Días estupendos, Delicadas o Sí, pero no lo soy le han convertido en un observador minucioso de las historias humanas y los hechos cotidianos. En su nuevo trabajo, En la luna, hurga en sus propias experiencias personales hasta trasladarse a su niñez y, por ende, a los años de la Transición española. Aquellos momentos de cambio político y social, de despertar a la democracia, de ilusiones y temores, dan como resultado un mosaico de quince piezas que rebuscan en los recuerdos más íntimos de Sanzol, aquellos con los que empatizarán plenamente los que ahora ronden los cuarenta. Un trocito de nuestra historia reciente se nos revela a través de esa niñez que, como el propio autor comenta, «va ligada a la infancia de la democracia» y refleja el ambiente especial y eufórico que vivieron nuestros mayores en aquellos años. «La vida pública entraba en la vida privada como un torbellino. Para un niño era imposible saber qué estaba pasando, pero la excitación quedó grabada en nuestra memoria. Son los surcos de nuestro disco duro». EN LA LUNA. Teatro de La Abadía (Madrid) / Hasta el 8 de enero / www.teatroabadia.com

DAVID RUANO

BIENVENIDO AL OTRO BARRIO Durante cuatro décadas, la compañía catalana Comedians ha tocado en sus montajes los más diversos temas universales: la fiesta, la noche, los sueños, el tiempo... Era de prever, por tanto, que pronto le llegaría el turno a la muerte. ¡Voilá! Perséfone supone su particular acercamiento a este terrible momento, que ellos aligeran a ritmo de cabaré. Inspirándose en los espectáculos de varietés, los musicales (aunque este se sitúe en las antípodas de los anglosajones) y la cultura del cómic, la compañía nos invita a emprender un delirante viaje al más allá. Afortunadamente —y solo por esta vez—, de ida y vuelta. Nuestra anfitriona será Perséfone (la actriz Àngels Gonyalons), convertida en reina del inframundo tras ser raptada por Hades y responsable desde hace siglos de acompañar a hombres y mujeres en este difícil trance. Junto a ella constataremos cómo nuestra civilización, obsesionada como nunca por alargar la esperanza de vida, se niega, cada vez más, a mirar de frente a la muerte. PERSÉFONE. Teatre Lliure (Barcelona) / Del 15 de diciembre al 8 de enero / www.teatrelliure.com

ALTERNATIVO Y CONCENTRADO Desde hace ocho años, la Red de Teatros Alternativos desarrolla un circuito que facilita a las compañías de teatro y danza que la integran girar por salas de toda España. La experiencia da un salto cualitativo este otoño con la puesta en marcha de Escena M, un programa que concentra en apenas quince días y ocho salas madrileñas —Cuarta Pared, DT Espacio Escénico, El Montacargas, Teatro Lagrada, Teatro Liberarte, Teatro Pradillo, Sala Tarambana y Sala Triángulo— una docena de obras procedentes de otras comunidades autónomas. Entre los seleccionados, montajes dirigidos al público infantil como Dulce de leche, de la compañía cántabra Escena Miriñaque; versiones de grandes clásicos del teatro del absurdo como La cantante calva, de Ionesco, a cargo de Estudi Zero de Baleares; o propuestas a camino entre la danza y el teatro como Días pasan cosas, de la compañía andaluza de Guillermo Weickert [en la imagen]. ESCENA M. Varias salas (Madrid) / Del 3 al 18 de diciembre / www.redteatrosalternativos.org

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PACO MANZANO

LA TRANSICIÓN: AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS


MÚSICA

THE HORRORS, ROZANDO LA PERFECCIÓN PRESENTAN SU NUEVO DISCO, ‘SKYING’

MELODÍAS DE BROOKLYN Su nombre ha aparecido hasta la saciedad en el cartel de la mayoría de los festivales de verano de este país. Sin embargo, los de Brooklyn se merecían una gira de presentación como Dios manda para su segundo y soberbio disco de estudio, Belong, en el que han contado con dos pesos pesados: Flood (U2, Björk), a la producción, y Alan Moulder (My Bloody Valentine) en las mezclas. La oportunidad, en enero: Festival Actual de Logroño (5), San Sebastián (7), Madrid (9), Valencia (10), Sevilla (11), Granada (12) y Barcelona (13). THE PAINS OF BEING PURE AT HEART. www.thepainsofbeingpureatheart.com

CANADIENSES A RITMO DE ‘BEATS’ The Horrors, cada vez más iluminados.

Cuando a uno le cae encima un sambenito, despojarse de él puede resultar más complicado que salir vivo de debajo de una piedra de cien kilos. Miren, si no, al gremio de las rubias, obligadas sin motivo aparente a demostrar que debajo de su dorada cabellera hay también un cerebro que funciona. Pues lo mismo ha pasado con The Horrors. Tras un debut garajero, Strange house, repleto de canciones que provocaban en los oyentes auténticas convulsiones epilépticas —para muestra, Sheena is a parasite—, llegó a considerárseles hype de un solo disco. Gran parte de la prensa musical pensaba por aquel entonces que lo que les preocupaba era salir en revistas de moda y tendencias (han posado en varias ocasiones para el mismísimo Vogue) o liarla parda en sus directos (en Youtube encontrarás varios vídeos de una sonada actuación en la madrileña sala Moby Dick de la que algunos salieron magullados).

Sin embargo, el tiempo se ha ocupado de demostrar que detrás de las anécdotas, de la estética gótica y los pelos cardados había un enorme talento. El primero en apreciarlo fue el miembro de Portishead Geoff Barrow, que se recluyó con ellos en el estudio para producirles su segundo álbum, Primary colors, un soberbio ejercicio de kraut y afterpunk que les devolvió el respeto de la crítica (mejor disco del 2009 para la revista NME, entre otras). La reválida la han dado este 2011 con Skying, un trabajo grabado y autoproducido por los propios The Horrors que ofrece reminiscencias a clásicos de los ochenta como The Chameleons o Psychedelic Furs. Por si fuera poco, apenas unas semanas antes aparecía el estupendo debut de Cat’s Eyes, proyecto paralelo de su líder Faris Badwan y su novia. No cabe duda: sambenito más que superado.

Tras su paso fugaz este verano por el festival Vigo Transforma, Junior Boys se acercan de nuevo para presentarnos su último disco: It’s all true (Domino). Considerado uno de los dignos sucesores de maestros como Pet Shop Boys, el dúo canadiense ofrece otra vuelta de tuerca en este álbum que los aleja de la electrónica obsesiva, oscura y opresiva de sus anteriores trabajos para mostrarnos su lado más upbeat. JUNIOR BOYS. 20 de diciembre, Barcelona / 21, Madrid / juniorboys.net

THE HORRORS. 1 de diciembre, Barcelona / 2, Madrid / 3, Bilbao / thehorrors.co.uk

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MÚSICA PURO POP PARA LA GENTE DE AHORA Corría el año 1978 cuando un joven Nick Lowe publicaba Pure pop for now people. El álbum se convirtió en toda una declaración de intenciones: la luminosidad de la new wave frente al negativismo punk imperante. Treinta años después, el músico y productor británico sigue demostrando que el buen pop nunca envejece. Con nuevo disco bajo el brazo, The old magic, pone punto y final a esta temporada de Heineken Music Selector (15 de diciembre, Valencia; 16, Madrid; 17, Bilbao). Además, Real State y Beat Connection en programa doble (1 de diciembre, Valencia; 2, Madrid). HEINEKEN MUSIC SELECTOR. musica.heineken.es/hms

ESE EXTRAÑO SONIDO A mediados de la pasada década irrumpía en el mercado una hipnótica canción titulada Atlas, que parecía, poco menos, fruto de la unión entre un pitufo cantarín y la banda de kraut CAN. ¿Los padres de tan extraña criatura? Un cuarteto norteamericano llamado Battles, que poco después publicaba un disco igual de singular, Mirrored. La crítica musical de medio mundo andaba desconcertada ante tal experimento sonoro y recuperaron para definirlo el término match rock, una evolución del rock progresivo que apareció en los ochenta donde una canción se construye a partir de un ritmo que cada vez se va haciendo más complejo. El suyo fue un golpe de efecto de los gordos. Sin embargo, han tenido que pasar cuatro años para que Battles nos sorprenda con una nueva propuesta. La culpa, en parte, la tuvo la marcha inesperada de su cantante Tyondai Braxton en plena grabación. Sin embargo, Gloss drop ha superado con creces la prueba del algodón incorporando cuatro vocalistas invitados de lujo: Kazu Makino de Blonde Redhead, el icono de los ochenta Gary Numan, el músico electrónico chileno Matías Aguayo y Yamantaka Eye, de la banda de noise japonesa Boredoms. Adictos a los extraños sonidos, ya estáis tardando en comprar la entrada. BATTLES. 1 de diciembre, Madrid (Joy Eslava) / 2, Bilbao (Kafe Antzokia) / bttls.com

MARCADOS POR LA LEYENDA DE SHEFFIELD ANSIADO RETORNO Billy Corgan resucita, por fin, a su mítica banda. Completamente renovada en su formación y tras una gira íntima por teatros en Estados Unidos, los de Chicago recalan a este lado del océano para presentar lo que será su nuevo álbum, Oceania (que verá la luz en 2012), y recuperar temazos incluidos en los ya clásicos Gish o Siamese dream, que se reeditan, además, este otoño. THE SMASHING PUMPKINS. 6 de diciembre, Barcelona / 7, Madrid

La leyenda de Sheffield como capital de la música independiente se remonta a la década de los ochenta. En aquella época, bandas tan dispares como The Human League, Cabaret Voltaire y Def Leppard se convirtieron en referentes a nivel mundial. Desde allí también operó el sello Warp, que popularizó la escena electrónica en Inglaterra; y más tarde llegó Pulp, la banda liderada por Jarvis Cocker. En 2006, unos jovenzuelos oriundos del barrio periférico de High Green revolucionaban el panorama musical gracias al boca a boca en Internet (se suele hablar de ellos como el primer grupo que la Red llevó al éxito masivo) y convertían su disco, Whatever people say I am, that’s what I’m not, en el debut más comprado en su primera semana de ventas en la historia de la música hasta ese momento. Lo demás ya es historia y, desde entonces, la banda liderada por Alex Turner no deja de sumar adeptos y buenas críticas. Las últimas, por su cuarto trabajo, Suck it and see, un disco de madurez, bastante más sosegado que sus predecesores, en el que huyen del rock nervioso y excitado para centrarse en los medios tiempos y ese tono vintage al que Turner ha sacado tan buen provecho tanto en sus proyectos en solitario como en The Last Shadow Puppets. ARCTIC MONKEYS. 27 de enero, Madrid (Palacio de los Deportes) / 28, Barcelona (Palau San Jordi) / arcticmonkeys.com

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DISCOS

ATLAS SOUND

DAVID LYNCH

BYETONE

PARALLAX

CRAZY CLOWN TIME

SYMETA

El líder de Deerhunter, Bradford Cox, se ha puesto en manos del veterano fotógrafo Mick Rock (autor de la venerada portada de Transformer de Lou Reed) para ilustrar el tercer trabajo de su proyecto en solitario: Atlas Sound. Cual croner pálido y doliente, el músico de Atlanta da rienda suelta a sus indomables ansias creativas ofreciéndonos uno de los mejores discos de este 2011 que se nos va. Canciones lo-fi de ritmos ondulantes, amor manifiesto a las melodías de los cincuenta y sesenta y colaboraciones de lujo como la de Andrew Vanwyngarden de MGMT. La gran esperanza del siglo xxi.

No se ha embarcado en ningún proyecto cinematográfico desde que dirigió Inland Empire en 2006, sin embargo, David Lynch sigue siendo uno de los culos (con perdón) más inquietos de la galaxia. Tras dejarnos algo noqueados con un primer single de corte electropop, God day today, Lynch nos ofrece ahora su debut musical al completo. Como su cine, Crazy clown time es capaz de crear atmósferas inquietantes, oníricas y sugerentes (para lo que cuenta con colaboradores como Karen O de Yeah Yeah Yeahs). Podemos confirmar que su talento para la música, como para el cine, es innato.

Olaf Bender (Byetone) fundó hace 15 años el proyecto Raster-Noton junto a Carsten Nicolai (Alva Noto) y Frank Bretschneider. El reputado sello alemán ha servido desde entonces como laboratorio a exquisitos proyectos de música experimental y minimalista. Sin embargo, en 2008 Byotone provocaba un impactante cambio de rumbo con la publicación de Death of a typographer, en el que por primera vez el tecno y el electro se fundían con el ruido digital. Toda una sorpresa a la que ahora pone continuación con Symeta. Un visionario del ruido más avanzado.

http://4ad.com/artists/atlassound

davidlynch.com

www.raster-noton.net

STILL CORNERS

TOM WAITS

PUMUKI

CREATURES OF AN HOUR

BAD AS ME

PLUS ULTRA

Los devotos de la desaparecida cantante de Broadcast, Trish Keenan, encontrarán a su digna sucesora en Tessa Murray. Ella lidera el cuarteto londinense Still Corners, cuyo disco debut en el mítico sello Sub Pop supone un soplo de aire fresco para los amantes del dreampop, el shoegaze y la psicodelia practicada otrora por bandas como Cocteau Twins o Stereolab. Sus principales bazas: teclados fantasmagóricos y eclesiásticos, un sonido vintage que bebe de los sesenta y una voz melancólica y aterciopelada, la de Murray, que hipnotiza cual canto de sirena.

Siempre es un auténtico gustazo y una apuesta segura echarse al reproductor un trabajo del maestro Tom Waits. Hacía siete años que no teníamos esa oportunidad —su anterior disco de estudio, Real gone, data del 94—, así que esperábamos con ansias el que hace el número 25 de su discografía. Como siempre, da continuidad a la marca de la casa: esa elegancia en la que se entremezclan la tradición del rock, el blues y el folk norteamericano. Todo ello, sin olvidar su característico toque tarbernario y canalla, su voz de ultratumba y ese regusto a rito fúnebre propio de Nueva Orleans.

Puede que Plus ultra no contenga uno de esos temas con los que logras empatizar y emocionarte a la primera escucha, como ocurría con aquel Si desaparezco, incluido en su anterior trabajo, El bosque en llamas. Sin embargo, en su conjunto, este es el álbum que consagrará a Pumuki como un grupo en estado de gracia. Producido por Raúl Pérez (Blancanova, Pony Bravo), el proyecto liderado por el tinerfeño Jaír Ramírez se alza victorioso con un disco más elaborado y arriesgado que gana a cada escucha y en el que sigue latente su devoción total y absoluta por el pop de aristas oscuras.

www.myspace.com/stillcorners

badasme.com

pumuky.bandcamp.com

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ARTE RETRATO DE LA MELANCOLÍA

MARTIN CREED: EL PODER DE LO BANAL EL PREMIO TURNER DESEMBARCA EN MADRID

No llegó a cumplir los 24 años, pero en la obra de Francesca Woodman se palpa el dolor de quien ha sufrido el olvido y la soledad. Dos fueron las constantes de su obra: la exploración del cuerpo humano a través del autorretrato [imagen: From polka dots] y los escenarios melancólicos, cercanos a lo gótico. Coincidiendo con la retrospectiva que le dedica el SFMoMa (San Francisco Museum of Modern Art), La Fábrica Galería presenta veinte fotografías que resumen su particular american horror story. FRANCESCA WOODMAN. La Fábrica Galería (Madrid) / Hasta el 21 de enero

LAS JOYAS DEL GUGGENHEIM

Works No. 251, 2000. Things/Cosas. Colección Bergé, Madrid. Cortesía © Hauser & Wirth.

«Cuando contemplo un cuadro no puedo separarlo de la pared donde está colgado. Igual sucede con la gente, sin la que nada tiene sentido. Cuando creo, pienso que lo que estoy haciendo necesita espacio y necesita gente». El que así habla es Martin Creed, artista británico nacido en 1968, Premio Turner 2001 y uno de los más interesantes y controvertidos de su generación. Para él solo hay una cosa clara: una buena obra parte de lo banal. Mientras otros artistas se rebanan los sesos para dejarnos turulatos con lo nunca visto, Creed se inspira en objetos, palabras o sonidos de la vida diaria, convirtiendo lo cotidiano en algo realmente inesperado; sobre todo, en una sala de arte. Así, su pieza Work No. 227: The lights going on and off era una obra invisible que sorprendía al espectador al dejarle a oscuras cada cinco segundos; mientras que su Work No. 850 le enfrentaba a atletas que corrían a toda velocidad por la Tate. Para el británico, el papel del público

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es esencial, como pudo comprobarse hace bien poco en el MARCO de Vigo con su trabajo Work No. 247 Half the air in a given space, que invitaba al visitante a desplazarse entre 50.000 globos azules repartidos en la planta baja del centro. Con Martin Creed: Things/Cosas, exposición que organiza la Comunidad de Madrid en Alcalá 31, tenemos la oportunidad de descubrir sus intensos veinte años de trayectoria artística. El espacio se convertirá en una gran sala donde el autor mostrará algunas obras concebidas para la ocasión —entre ellas, sus nuevas pinturas murales—, combinándolas con algunas de sus piezas más conocidas: Work No. 88: A sheet of A4 paper crumpled into a ball [Una hoja de papel A4 hecha una bola], o su vídeo Work No. 670: Orson and Sparky, hasta ahora nunca vistas en España. Bienvenidos al universo Creed. MARTIN CREED: THINGS/COSAS. Alcalá 31 (Madrid) / Hasta el 26 de febrero

Sala

Desde su apertura hace ahora 14 años, el Museo Guggenheim de Bilbao atesora una colección propia que en la actualidad supera el centenar de obras. Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao II profundiza en el trabajo de siete artistas europeos —entre ellos, Georg Baselitz [en la imagen: La Sra. Lenin y el ruiseñor], Francesc Torres o Gerhard Richter— que originaron el debate artístico en las décadas de los setenta y ochenta con sus obras de claro carácter ideológico y político. SELECCIONES... Guggenheim (Bilbao) / Hasta el 28 de octubre / www.guggenheim-bilbao.es


EN OCASIONES, OIGO VOCES Cuando dos individuos altamente atractivos toman la decisión común de procrear, los resultados, por regla general, suelen ser más que satisfactorios. En este caso, dos gigantes de la cultura, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y la Fundación La Caixa, inician una relación en principio duradera que ya ha dado a luz su primer vástago: ¡Volumen! Se trata de una exposición que reúne 350 obras de 75 artistas y que ofrece una nueva lectura de los inmensos fondos de ambas instituciones (alrededor de 5.500 piezas). Tan en serio se han tomado esta unión, que continúa este mes con La persistencia de la geometría [ver noticia inferior] y, posteriormente, con El espejo invertido en el Guggenheim. ¡Volumen! propone una nueva interpretación del cambio del siglo xx al xxi, insistiendo en el papel del sonido y la voz como materiales fundamentales de la producción artística a partir de los ochenta, así como en la supremacía de la escultura y la fotografía durante esa época. Entre las obras seleccionadas, piezas claves como Shit in your hat, de Bruce Nauman; y artistas tan importantes como James Coleman, Jena Dubuffet, Rodney Graham, Samuel Beckett [en la imagen: No yo, 1987], Alan Sekula o el padre del pop art, recientemente desaparecido, Richard Hamilton. ¡VOLUMEN!

CON LA CASA A CUESTAS Desde que le concedieran el León de Oro en la Bienal de Venecia de 2001 por su obra La casa muerta, al alemán Gergor Schneider se le considera uno de los artistas más siniestros del mundo. Desde hace dos décadas, su trabajo gira en torno a un tema obsesivo: su propia vivienda (Haus u r), que ha reconstruido en salas de exposiciones de medio mundo. Para su primera muestra en un museo español ha creado la pieza Dead end, un impresionante y claustrofóbico sistema de tuberías por donde el visitante debe circular casi a oscuras hasta descubrir insólitas estancias. PUNTO MUERTO.

CA2M (Madrid) / Hasta el 26 de febrero / www.ca2m.org

MACBA (Barcelona) / Hasta el 23 de abril / www.macba.cat

A VUELTAS CON LA GEOMETRÍA La segunda colaboración entre el MACBA de Barcelona y la Fundación La Caixa se centrará en el uso de la geometría en el ámbito de la escultura y la instalación. El viaje parte de los años sesenta y desemboca en la actualidad, recorriendo, extensamente, los trabajos de artistas como Donal Judd, Bruce Nauman [en la imagen: Black stones under yellow light, 1987], Gordon Matta-Clark, Richard Long, Francesc Torres, Àngels Ribé o Rodney Graham. A partir de una serie de esculturas, videoinstalaciones, fotografías y documentos de performances, la exposición se ha organizado en torno a tres líneas argumentales. La primera de ellas nos habla de la crisis de la representación y la aparición de propuestas minimalistas que utilizaban las formas geométricas para evitar la narratividad. En ese momento, las obras se reducían a una forma elemental (cubo, círculo...), un sistema matemático (serialidad...) o un gesto repetitivo. A continuación, se explora el despliegue de la geometría en terminos espaciales, lo que invita al espectador a interactuar con la obra; y, para finalizar, la exposición tratará la incorporación de contenido figurativo y significado político en las piezas.

DE DOBLES CARAS Dos universos femeninos opuestos se dan cita en la primera exposición individual en España de la holandesa Iris van Dongen (1975). Por un lado, sus retratos en pastel de estilo renacentista, que representan delicadas imágenes de mujeres. Por otro, su trabajo junto al colectivo Kimberly Clark [en la imagen: Temporary devotion], que muestra el lado más canalla y narcisista de las mismas. IRIS VAN DONGEN.

Galería Luis Adelantado (Valencia) / Hasta el 20 de enero

LA PERSISTENCIA DE LA GEOMETRÍA. CaixaForum (Madrid) / Hasta el 25 de marzo

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LECTURAS POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ VONNEGUT, NECESARIA INDECENCIA Una lavadora-mujer (o una mujer-lavadora, no queda claro); una epidemia de suicidios que baja hasta los cuarenta años la esperanza de vida de los hombres estadounidenses y da lugar a una «raza nueva, brillante y lustrosa»; la viuda de un granjero de cerdos que recibe cartas de un hombre sobre «el dulce dolor indefinible del espíritu»; un ambicioso constructor de carreteras que emplea su tiempo libre con los trenes en miniatura... Leer de nuevo a Kurt Vonnegut (1922-2007) es siempre beneficioso por las ganas que te entran de practicar la maldad y predicar la moral. Quien crea que su obra se limita a la nunca bien ponderada Matadero Cinco (1969) —la primera novela bélico-lisérgica— haría bien en pasearse por el volumen de cuentos Mientras los mortales duermen, una colección saturada de la indecencia que tanta falta hace de un ácrata que nos tenía bien calados: «Somos una enfermedad. Así que, como la sífilis con conciencia, deberíamos dejar de reproducirnos». MIENTRAS LOS MORTALES DUERMEN. Sexto Piso / 256 páginas / 19,95 euros

HEMORRAGIA DE UN VALIENTE

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BICHOS PROPIOS Y AJENOS

«Voy a utilizar hojas como vendas impregnadas no de tinta, sino de lo que mi vieja herida supura». El narrador, Víctor, 34 años, escritor agotado de una vida que no entiende, escondido de sí mismo en una casa solitaria de los Cárpatos, confiesa bien pronto que su intención es vaciarse del gran lastre, del «veneno» de estar en compañía de monstruos —acaso no sea el menor de ellos uno mismo—, pero quiere abordar el exorcismo mediante el «artificio» de la literatura... ¿Resultado? La congelación ante la estilográfica, «preguntándome con qué letra convendría empezar el libro, pero sin atreverme a trazar ni siquiera una sobre la página oscura». El rumano Mircea Cartarescu (1956), gran revelación editorial en España el año pasado con el pasmoso cuento-nouvelle El ruletista, entrega en Lulu —el título original, Travesti, es más explícito— una novela de iniciación, una «lucha con el ángel» oscuro que habita en el alma, un flashback hacia la imagen del espejo, una hemorragia... A partir de una experiencia sexual adolescente, he aquí el relato-verdad vital que todos deberíamos afrontar. Mircea Cartarescu, una de las voces más poderosas en la Europa literaria de hoy, nos enseña con este libro a ser valientes incluso cuando nos jugamos la cordura en el envite.

«En Norteamérica hay tres grandes escritores: primero está Wolfe, después yo, y después Hemingway». Las palabras de William Faulkner merecen ser tenidas en cuenta. Por si no bastaran, oigamos a Jack Kerouac: «Una de las máximas aspiraciones de cualquiera de nosotros sería llegar a escribir algo con la altura y la poesía de El niño perdido». Como es bien sabido que los borrachos, sobre todo si son escritores, nunca mienten, poco queda por añadir sobre este libro que pesa como un irrecuperable «recuerdo sin fin» sobre la memoria de sus muchos lectores a través de los tiempos. Thomas Wolfe (1900-1938), muerto de tuberculosis cuando despuntaba como el mejor narrador estadounidense de su tiempo, escribió la novela en estado de gracia, poseído por los ecos de un hermano muerto. El tiempo no la ha mancillado. Sigue siendo inigualable.

LULU. Impedimenta / 160 páginas / 17,50 €

EL NIÑO PERDIDO. Periférica / 96 páginas / 15,50 €

El filosófico gato Teodoro W. Adorno de Cortázar; el tití Mitz que distraía a los aduaneros nazis mientras el matrimonio de Virginia y Leonard Woolf (él, judío) atravesaba fronteras; el terranova Boatswain al que Byron salvó de morir ahogado; el loro Seth que se pavoneba por Tánger en el hombro de Paul Bowles... La editorial Errata Naturae propone a once autores españoles (Martínez de Pisón, Trapiello, Puértolas, Llop...) que escriban sobre el animal de compañía como «sombra del escritor» y, en ocasiones, como depositario único de sus turbaciones. Algunos hablan de sus bichos, otros prefieren glosar a los bichos de otros. Todos comparten la carta de Capote desde la gélida Kansas de A sangre fría a su adorado bulldog: «Querido Charlie: aquí todos los perros tienen miedo y pulgas, no te gustarían nada. Te echo de menos. ¿Quién te quiere? T (quién si no)». PERROS, GATOS Y LÉMURES. Errata Naturae / 208 páginas / 18,90 €

RECORDANDO SIN FIN A WOLFE


EN VIÑETAS POR NANI F. CORES

PARA MELÓMANOS

LA GRAN DEPRESIÓN, VISTA DESDE LOS ZAPATOS

PASIÓN POR ENCONTRAR LA LUZ

Premio Pulitzer pero, sobre todo, crónica de la Gran Depresión escrita no desde la torre de marfil de un especialista, sino desde las suelas de los zapatos de Francis Phelan, vagabundo, sepulturero, exjugador de béisbol... Tallo de hierro es una novela necesaria y, como alguien ha apuntado, «maravillosamente triste». Ambientada en Albany, la ciudad de su admirable autor, William Kennedy (1928), no conviene abordarla con el alma blanda. Un libro sobre botellas de whisky y destinos vacíos.

Vladímir Korolenko (1853-1921), cuyo eco llega hasta Gorki, era un hombre bueno. Quizá por ello pasó largas temporadas en la cárcel tras publicar, como periodista, intensos alegatos contra el abuso de poder. El músico ciego es una fábula sobre la belleza natural de Ucrania, la indeleble unión del país a la música y la necesidad de cultivar la solidaria entrega al prójimo. Una hermosa búsqueda existencial y física sobre «la pasión de un alma por alcanzar la luz».

TALLO DE HIERRO. Libros del Asteroide /

EL MÚSICO CIEGO. Editorial Barataria /

304 páginas / 13,95 €

216 páginas / 18 €

Si usted tiene un amigo adicto al cómic y a la música y le regala este libro, podemos asegurarle que la llama de su relación se mantendrá intacta hasta la muerte. Robert Crumb comenzó a dibujar cubiertas de discos en 1968, cuando la mismísima Janis Joplin le pidió una para su Cheap thrills. El padre del cómic underground no se lo pensó dos veces y la colaboración consiguió tal éxito que dio pie a cientos de portadas, tanto para nuevos artistas como para interpretaciones de singles de 78 rpm de antiguas leyendas del jazz, el country y el blues de los años veinte y treinta. Un total de 450 ilustraciones a todo color dan forma a este R. Crumb: la colección de portada de discos. Un tesoro que no debe faltar en el hogar de cualquier melómano que se precie. R. CRUMB: LA COLECCIÓN... La Cúpula / 112 páginas / 25 €

TÍA Y CON HUEVOS

DOBLE IDENTIDAD DE UN DESPLAZADO

AMOR: LABERINTO Y VUELO

Boris Zaidman nació en 1963 en Kishinev, en la antigua Unión Soviética, y emigró a Israel en 1975. En esta novela juega al desquite: contra lo que dejó atrás y contra lo que encontró. El protagonista, como el autor, tiene dos nombres: el judío, Tal Shani, y el ruso-judío, Anatoli Schneiderman. En un tono de humor, por momentos de gruesa ironía, aborda la doble identidad de los desplazados y así lastra su primera novela, el canto patriótico a Israel.

Òscar Pujol Riembau (1959) confiesa en una nota introductoria que profesa «un optimismo radical, tal vez de la más negra desesperación (...), un optimismo de rebote o de carambola: (...) sin argumentos, pero con risas», porque «el pesimismo, como la tristeza, es un lujo» demasiado caro. Enamorado de la India y sus muchas formas de amor, Pujol escribe un ensimismado ensayo sobre la querencia basada en el laberinto y el vuelo de los amantes.

Dice Mireia Pérez, la jovencísima autora de La muchacha salvaje, que su protagonista posee el punto más animal de una fémina y, a la vez, el más divertido. El último Premio Internacional Fnac-Sins Entido de Novela Gráfica sitúa su historia en una remota edad de piedra para postular un mensaje que sigue vigente tropecientos años después: la necesidad de la mujer de rebelarse y mostrar su disconformidad con las rígidas normas establecidas que le impone la sociedad. Muy influida por El valle de las maravillas, del francés Joann Sfar, Nómada forma parte de un tríptico que se completará en sucesivas entregas. Hasta el 10 de enero, Fnac Castellana (Madrid) dedica una exposición al universo de esta creadora.

HEMINGWAY Y LA LLUVIA DE PÁJAROS MUERTOS. Errata Naturae / 248 páginas / 19,90 €

EL LABERINTO DEL AMOR. Libros del

LA MUCHACHA SALVAJE #1: NÓMADA.

Silencio / 168 páginas / 15 €

Sins Entido / 112 páginas / 20 €

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LOCALIZADOS

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TAMMY DONOHOE’S

MAMI LOU CUPCAKE

Ropa para niños y niñas de cero a doce años confeccionada con mimo y unos materiales excepcionales. Esto, además de complementos, ropa de cama y una colección de preciosas cunas, es lo que ofrece la nueva tienda de Tammy Donohoe’s que se ha inaugurado en el centro de Barcelona, junto al Turó Park. Uno de los sellos de identidad de la firma es que recupera el tejido artesanal, con el que se obtienen preciosas prendas de punto elaboradas a mano para vestir a los pequeños.

«Amor al primer mordisco». Eso es lo que promete Mami Lou Cupcake, y damos fe de que lo cumple. Ubicado en el corazón de la ciudad, el local se inauguró hace pocos meses, y ya ha logrado enamorar a quienes gustan de los dulces hechos con mimo. Nati y Alain llevan esta tienda de cupcakes artesanos que, con una atmósfera cálida y acogedora, se convierte en un lugar ideal para resguardarse del frío y disfrutar de estas deliciosas miniaturas.

BARCELONA. Ferrán Agulló, 5. www.tammydonohoe.com

BILBAO. Barrainkua, 7. Tel. 944 244 086. www.mamiloucupcake.com

NATURALMENTE

BELLÁPIERRE

Fascinante tienda en la que descubrir pequeños tesoros, artículos de diseño con valor añadido: todo está fabricado con materiales orgánicos, ecosostenibles o reciclados. Aquí puedes encontrar cosas realmente bonitas hechas con objetos que de otra manera serían basura, como bolsos creados con cinturones de seguridad o neumáticos, pendientes de papel de periódico o lámparas realizadas con botellas. Además, ropa de Ethos Paris, zapatos de El Naturalista, decoración de La Mediterránea...

Por fin ha llegado a España esta prestigiosa firma de belleza estadounidense, que ha elegido como sede un local del Mercado de Fuencarral. Es el lugar ideal para que descubras los colores de este otoño-invierno y te hagas un regalo, porque Bellápierre fabrica productos cien por cien minerales a base de mica micronizada y están recomendados por dermatólogos incluso para las pieles más sensibles. Cosmética natural a un precio que puedes permitirte para estar guapa cuidando la salud de tu piel.

VALENCIA. Dr. Collado, 6. www.naturalmentevalencia.com

MADRID. Fuencarral, 45. Planta 1, local 13. www.bellapierre.eu


LA PETITE PLANÈTHÉ

ASIANA NEXTDOOR

Digna de un cuento de hadas, esta encantadora tienda está llena de aromas y sabores irresistibles. En ella puedes encontrar más de 140 tés e infusiones con los que deleitar todos tus sentidos y una amplia variedad de galletas, chocolates y delicatesen, además de preciosas teteras, tazas y latas. Repleta de pequeños detalles, seguro que hallas aquí ese regalo único con el que sorprender o sorprenderte y dejarte transportar a mundos lejanos.

La sencillez del interior de este restaurante que fusiona gastronomía asiática y peruana contrasta con la explosión de sabores de su carta. Si pensabas que no podías probar nada nuevo, el chef Jaime Renedo te sorprenderá con sus creaciones en las que carnes y pescados se combinan con lima, cilantro, ají, leche de coco, tamarindo... en curris, ceviches, ensaladas y originales entrantes. El menú desgustación (45 euros) incluye platos que no están en la carta. Para darse un homenaje.

VALENCIA. San Fernando, 4. www.lapetiteplanethe.com

MADRID. Travesía de San Mateo, 4. www.asiananextdoor.com

POUPEÈ CHIC

VICTORIA’S CAKES

La propuesta más urbana y cosmopolita de Mercedes de Miguel tiene nombre y apellido, al igual que su creadora. Es elegante, soñadora y coqueta, y se llama Poupeè Chic. Inspirada en unas muñecas muy divertidas y femeninas, la firma ofrece ropa y complementos originales para darle mucho vuelo al armario. Y la tienda, cómo no, va a juego. El color y las poupeès son las protagonistas del local, que acaba de ampliarse con una tienda on line.

Era cuestión de tiempo que alguien se diera cuenta de que los preciosos pastelitos que inundan algunos de los más novedosos escaparates de las ciudades parecen, sencillamente, joyas. Victoria Ballesta se percató de la feliz coincidencia y decidió unir sus dos pasiones, la repostería y la joyería, para crear «pedacitos de felicidad». En su mágico local podrás encargar pasteles personalizados y cupcakes de autor, además de aprender a hornear galletas, decorar dulces y elaborar tartas caseras.

BILBAO. Correo, 21. Tel. 946 574 184. www.poupeechic.com

BARCELONA. Laforja, 17. Tel. 931 765 515. www.victoriascakes.es

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POR JAUME ESTEVE

pasó a r al cine y jó de mira e mismo d l e o n g e e s ju el video s nacido e te u n q re icen o p fe e m re u los q d Hace tie gía, con Effect para , Oblivion para pia mitolo ss ro a p M su á r st a rs cre Ahí e tar Wa industria. gos de S s ocupa, seno de la hacen buenos jue lo que no tu tí l e e de o n se a Tolkie es. El héro que ya no diana Jon de menos cido In n re a a e h p d c n o e it e s u quiene sión del m nque guarda un b vi r re a to c n u u d, ro, sed ke (au Uncharte athan Dra s, aventure na N le u a a e u m d ig a lla s e sc turno se ; es, a part sula arábiga en bu digital rd Butler) nín a versión con Gera asta la Pe h ja hace a est a é a muy vi ri u y Q to , ¿ is ta h s. is a a y brom las aren tores: un jo c a fa b s ,y a o d id o D o rd ? Hollyw ciudad pe nes tan apetecible nturas de las ve e o a d J r e r d jo to e e c m in del do pocos lo stilo del c e o l m a . o , a c a n r d o la rs bien conta sabe mezc ción en tercera pe ilidad que s de ac o g e una jugab ju s as y de lo plataform

Silicon Valley debe de llevar unos meses con aquello de «El rey ha muerto, viva el rey» en la cabeza. A pesar de la muerte del netbook —aquel ordenador barato pensado para consultar Internet, el correo y poco más—, la industria informática ha encontrado otro filón: el ultrabook. Basado en el MacBook Air, tenemos un ordenador de dimensiones y peso mínimos y grandes prestaciones. El Acer Aspire S3 es uno de ellos: procesador i5, 4 gigas de RAM, pantalla de 13” y disco duro de memoria sólida o, lo que es lo mismo, un regalazo para Reyes. [Desde 799 euros]

¿Es segura la nube? Para aquellos a los que iCloud, DropBox y otras alternativas no les hacen mucha gracia, Western Digital vuelve a la carga estas Navidades con sus discos duros portátiles de tamaño compacto y gran capacidad de almacenamiento. El modelo para Mac se conecta por USB 2.0, viene en tres modelos (500 gigas, 750 gigas y 1 terabyte) y se puede utilizar incluso como unidad para Time Machine. La versión para PC tiene la misma capacidad y ofrece también conexión firewire. [Precios: entre 99 y 179 euros]

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Campero: dícese del tipo que se dedica a darle horas y horas en Internet a juegos bélicos del estilo de Call of duty con el único propósito de encontrar un buen lugar, cómodo y apartado, y derribar, uno a uno, a todos los jugadores que pueblan las partidas de turno. Pues bien, camperos del mundo entero, Ardistel acaba de lanzar un rifle calcado al de los mejores juegos para Wii que es la guinda que le faltaba al pastel. Píntate la cara y coge provisiones, porque con este periférico estarás más cerca de la realidad que nunca. [Precio: 29,95 euros]


FOTO: CHESCO LÓPEZ


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