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LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA SEPTIEMBRE / 11 - #61

Fテ。RICAS PARA LA CULTURA // SYNTHPOP, VUELTA A LOS 80 // HIDEO KOJIMA, EL REY DEL VIDEOJUEGO // MODA A FLOR DE PIEL


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CALLE20 200x260 2/8/11 18:34 P gina 1


SEPTIEMBRE 11 «NO HAY PLACER COMO DIRIGIR UNA PISTA DE BAILE»

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La gallega Marta Fierro, más conocida como Eme DJ, pone en jaque las pistas de media España

CUANDO LA SOCIEDAD SE HACE LA SUECA

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La gaditana Ángela Medina traza una metáfora entre el mundo Ikea y el que nos ha tocado vivir

IAGO FERNÁNDEZ HABLA DE SU PRIMERA VEZ

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Colaborador en revistas como ésta, el periodista irrumpe en el docu musical con Viveiro Hardcore

FÁBRICAS Y ALMACENES PARA LA CULTURA Antiguos edificios de uso industrial se convierten en laboratorios de ideas

LOS DARDENNE CONQUISTAN DE NUEVO CANNES El niño de la bicicleta, una peculiar historia de amor, se estrena este otoño

EL POP OCHENTERO VUELVE A NUESTRAS VIDAS Propulsado por jóvenes bandas nostálgicas de la new wave y la música disco

¡ARRIBA LAS MANOS, ABAJO LO DIGITAL! Adriana Bellet es JeezVanilla!, una marca que se impone sobre los manteles

VEINTICINCO AÑOS DE ‘METAL GEAR SOLID’ Su creador, el japonés Hideo Kojima, habla del impacto del célebre videojuego

JONATHAN PIERCE, UN TÍO MUY MAJETE

ERIC ROSE, FOTÓGRAFO DE MODA DISIDENTE

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«Me gusta lo que los demás consideran imperfecciones. No me canso de la belleza de una arruga»

Entrevistamos al cantante de The Drums, que sacan nuevo disco: ‘Portamento’

CAFÉS COSTURA, PUNTADAS CON MUCHO HILO Madrid y Barcelona aglutinan algunos de estos centros para coser y charlar

AGENDA

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Las ofertas culturales más interesantes del mes

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Al día, y a diario No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

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EJEMPLAR GRATUITO en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web. DIRECTOR: Juan Carlos Avilés (javiles@calle20.es). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) (psanz@calle20.es). DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores (mdelos@calle20.es). CORRECCIÓN: Marta Ortiz. PUBLICIDAD: Lola Díaz (jefa de publicidad) (ldiaz@calle20.es) Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603. DISTRIBUCIÓN (distribucion@calle20.es) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia). FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Rotocayfo (Impresia Ibérica). EDITA: Línea 20 Revistas, S. L. Sociedad unipersonal. www.20minutos.es, nosevende@20minutos.es. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid. Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. CEO: Eduardo Diez-Hochleitner. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez. Directores de publicidad: Antonio Verdera (Barcelona), Beatriz Martínez (Levante), Rosana López Balsategui (Bilbao). Director de marketing: Rafael Martín. Distribución: Héctor María Benito. Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan José Alonso. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck. Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las firmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios. PORTADA: Fotografía de Fede Serra (editorial de moda en páginas 42-49).

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DE TWEET A TWEET

POR JAUME ESTEVE FOTOS LUCAS LOREN Y LAURA ENCURSIVA









NO LA CONOCERĂ S POR MARTA FIERRO, PERO QUIZĂ TE SUENE SU ALTER EGO, EME DJ. ESTA GALLEGA ESTĂ PONIENDO PATAS ARRIBA LAS PISTAS DE BAILE DE MEDIA ESPAĂ‘A Y HA DADO BUENA PRUEBA DE ELLO ESTE VERANO EN ALGUNOS DE LOS FESTIVALES DE MĂšSICA MĂ S IMPORTANTES DE NUESTRA GEOGRAFĂ?A. WWW.EMEDJ.COM











































































La primera, råpida. ¿Vinilo o CD? Vinilo. Odio el CD. ¿Te dan mucho la lata por ser chica y DJ? Al final la música no entiende de sexos. No quiero desmarcarme por ser una chica ni remarcar que lo soy. Prefiero que la gente se quede con la música, nada mås. ¿De dónde viene tu nombre artístico? De las tres letras que cabían para registrar los rÊcords en las recreativas cuando era pequeùa. MFM se quedó en Eme. He pinchado tambiÊn como Tiger Beat, Sopa, Thunder Disco o Shadow Moses. ¿QuÊ buscas en un tema para incluirlo en tus sesiones? Un buen bajo, melodía y voz. ¿Cuål es el mejor entrenamiento para un deejay? Pinchar delante de la gente y pinchar mucho en tu habitación. A solas obtienes tÊcnica, oído, destreza‌ pero solo si pinchas delante de los demås sabrås cómo controlar la pista. La leyenda dice que la vida de un DJ es una fiesta constante, ¿es así? He renunciado a llevar una vida ordenada‌ Vivo totalmente al día, no sÊ ni dónde voy a pasar las Navidades o el verano, ni con quiÊn. He tenido que pinchar un 24 de diciembre avisåndome a última hora y no he podido cenar con mi familia porque hay trabajos que no puedo rechazar. Pero tendrå sus beneficios, claro‌ La mejor sensación del mundo es tener a toda la pista bailando mientras les diriges, les miras, les haces que paren, que levanten las manos, que te miren‌ ponerlos cachondos con una canción detrås de otra. ¿QuÊ hace una DJ cuando no estå trabajando o preparando una sesión? Me gusta leer, los cómics, el rollito Iker JimÊnez y veo mucha tele, desde documentales hasta realities.

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24/09/2011 - 08/01/2012

Cambio de paradigma

Colección Serralves años 60-70

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Vito Acconci, Helena Almeida, Armando Alvess, Giovanni Anselmo, Richard Artschwager, John Baldessari, Artur Barrio, António Barros, Lothar Baumgarten, Bernd and Hilla Becher, Christian Boltanski, Fernando Calhau, Alberto Carneiro, Manuel Casimiro, Lourdes Castro, Jan Dibbets, Valie Export, Hans-Peter Feldmann, Hamish Fulton, Anna Bella Geiger, Gilbert & George, Dan Graham, Hans Haacke, Ana Hatherly, Alex Hay, Sanja Iveković, Joan Jonas, Imi Knoebel, Jannis Kounellis, David Lamelas, Álvaro Lapa, Gordon Matta-Clark, Cildo Meireles, Ernesto Melo e Castro, Robert Morris, Leonel Moura, Antoni Muntadas, Bruce Nauman, Maria Nordman, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Jorge Pinheiro, Adrian Piper, Vítor Pomar, Martha Rosler, Dieter Roth, Reiner Ruthenbeck, Julião Sarmento, Gerry Schum, António Sena, Richard Serra, Robert Smithson, Ângelo de Sousa, Francesc Torres, Ana Vieira, Lawrence Weiner, Hanna Wilke, Gilberto Zorio.

Laboratorio 987

Proyecto Vitrinas

Sala Anexa.

Ciclo expositivo Amikejo Fermín Jiménez Landa & Lee Welch 24/09/11 – 15/01/12

CAPITAL Daniel García Andújar 24/09/11 – 15/01/12

Entre las cosas no designa una relación localizable Serafín Álvarez 24/09/11 – 13/11/11

www.musac.es Suscríbete al boletín quincenal en musac@musac.es. Síguenos en facebook y Twitter MUSAC, Avda Reyes Leoneses, 24. 24008, León. Entrada gratuita


GALERADAS

TEXTO ÁNGELA MEDINA ILUSTRACIÓN CLARA LUNA

Pañales y cerveza Hoy es imposible entrar en una casa y no reconocer algún mueble comprado en cierta tienda sueca que vive también en tu salón y en el de muchos de tus vecinos. Bromas aparte, el trabalenguas Malm-Odda-Portis-Malma decora nuestras vidas y se cuela en la intimidad de los personajes de la primera novela de Ángela Medina. La primera escena, desoladora, de un anciano sentado en la inmensidad de Ikea mientras espera a que las piezas se coloquen solas es una metáfora perfecta de la sociedad que nos ha tocado vivir y del abismo generacional que nos separa de muchos de nuestros seres queridos. En librerías el 9 de septiembre. Demipage, 107 páginas, 15 euros. www.demipage.com

Estuvieron hablando hasta tarde. La mirada del extraño se iluminaba cuando hablaba del padre del vecino. Sus palabras se unirían en los días sucesivos a los comentarios sobre lo maravilloso y extraordinario que era aquel hombre que «había tenido los santos cojones de hacer lo que le dio la gana». En muchas ocasiones le recalcarían la misma frase. Deberías estar orgulloso de él. Mentar a su madre solo les haría torcer el gesto. Todos la conocían, al menos de oídas, «cuando todavía no se le había agriado

el carácter», y todos se alegraban de que el hombre de la casa «hubiera dejado a esa pécora, con perdón». Se levantaron temprano y pasearon por las estrechas calles del centro. El hombre del pelo largo le llevó a un supermercado del barrio para que conociera a algunos de los amigos de su padre. Le reconocieron porque le habían visto en varias fotografías y le abrazaron y besaron efusivamente. El vecino permaneció rígido, hablando poco y con la vista puesta en el suelo. Por la tarde le dieron un rato para estar a solas y comenzar a asimilar lo que estaba ocurriendo. Ya no estaba cansado y la luz entraba con fuerza por la ventana. La mayoría de los muebles

eran idénticos a los que el vecino tenía en su dormitorio y a los que había comprado con el abuelo hacía unos días. La cómoda Malm de tres cajones. La mesilla de noche Odda. El riel con soporte Portis. Incluso el pequeño espejo Malma. Fue precisamente en el primer cajón de Malm donde encontró la marihuana, los preservativos, las revistas pornográficas y una fotografía en la que su padre aparecía con una barba poblada y enormes rizos enmarañados en la cabeza. Sobre la cabecera de la cama había un gran cartel de El Hombre de Vitruvio cubierto de pequeñas burbujas de gotelé. Se sentó en la cama para echarle un vistazo a los libros que había sobre la Odda. Cómics y tratados de filosofía. El extraño llamó a la puerta. —Tu padre pasaba más tiempo fuera que dentro, así que vamos. El vecino se puso una de las camisetas de su padre antes de salir a la calle. Le quedaba grande, pero nadie dijo nada.

ÁNGELA MEDINA (San Fernando, Cádiz, 1981) se licenció en Publicidad y Relaciones Públicas y a los 21 años empezó a trabajar como creativa. Entre campaña y campaña realizó el Máster de Escritura Creativa en Hotel Kafka. Ahora combina su trabajo como publicista con la crítica musical en Ámbito Cultural. Esta es su primera novela. CLARA LUNA RODRÍGUEZ (Madrid, 1984) se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense en 2007 aunque, hasta donde alcanzan sus recuerdos, siempre ha tenido un lápiz y una hoja donde dibujar. En la actualidad está realizando un doctorado. Puedes ver sus trabajos en ilustracionesdechistera.blogspot.com

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Sin tĂ­tulo-1 1

26/8/11 15:08:03


SERGIO ALBERT AVILÉS (ZOMBIE BAR)

GENIOSFERA

iago fernández «En Viveiro ya nadie se sorprende al ver jóvenes hardcore con tatuajes y camisetas de Black Flag» Sospechoso habitual de publicaciones como Calle 20 o Harper’s Bazaar y corresponsal de la revista Vice en Madrid, el periodista Iago Fernández (A Coruña, 1979) se estrena en el documental musical con Viveiro Hardcore, una hora en las entrañas del Resurrection Fest, codirigido con Pau D. Peñalver y con Iván L. Gimeno en la producción. «Es mi primera vez. Al principio me sentía como un mono pegando tiros con los ojos vendados. Me conformo con que nadie haya resultado herido. Si además gusta, lanzaremos confeti y bengalas», reconoce. La aventura empezó en la zona VIP del festival BBK Live, cuando conocieron a los organizadores del Resurrection: «Me pareció increíble que aquellos tipos tan jóvenes hubiesen convertido

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una localidad pesquera con orquestas y romerías en un referente europeo del hardcore y el metal. Vimos muy claro que ahí había una historia que contar». Tres semanas después, ya estaban rodando en Viveiro. «El pueblo es el 50% del festival: un entorno rural alejado del calor, comida de calidad a buen precio y la bienvenida de los vecinos, que son más riquiños que el licor de café. ¿En qué otro lugar puede el cantante de Pantera ponerse tibio de percebes y pedir un tupper para las sobras?». Fueron cuatro días de inmersión total en el verano de 2010 para capturar su esencia. «Dimos voz a todo el mundo. Organizadores, técnicos, ancianos, promotores, granjeros, operarios de limpieza y hasta una actriz porno. Y

a los músicos, claro. Pepper Keenan [guitarrista de Corrosion of Conformity y Down] nos contó su experiencia en el Camino de Santiago, Enter Shikari desvelaron su técnica para cazar cangrejos y al trompetista de Catch22 se le reventó la bragueta en medio de una entrevista. Y hasta aquí podemos leer». Llegaron en el momento justo. «El festival ya se posicionaba entre los más grandes, pero conservaba aun el encanto de algo que empezó como un proyecto familiar, de amigos». Igual que en su docu, «lo hemos hecho todo por nuestra cuenta y riesgo». Mientras esperan respuesta del festival In-Edit de Barcelona, colgarán un avance en Facebook y YouTube (busca Viveiro Hardcore). PILAR SANZ


GENIOSFERA

Kike Maíllo > ¿Quién puede querer a una máquina? «Cuando tenía diez u once años, construía robots con cosas que había por casa. Eso fue mucho antes de que decidiera que quería hacer cine…», confiesa Kike Maíllo (Barcelona, 1975). Tras realizar publicidad, videoclips, tele (Arròs Covat), cortos premiados (Los perros de Pavlov), etc., ahora da el salto al largometraje con un ambicioso proyecto: la primera película de robots rodada en España, y también la primera en catalán que inaugure un Festival de Sitges, el próximo 6 de octubre. Su protagonista, Daniel Brühl, es un ingeniero que asume el encargo de crear un niño robot. En el trasfondo está el triángulo amoroso entre él y su ex (Marta Etura), pareja actual de su hermano (Alberto Ammann), y la especial relación que establece con su hija Eva (Claudia Vega). «Mi niñez coincide con el final de los setenta y principios de los ochenta. Es una época con una estética muy atractiva y en la que, además, se hizo un cine brillante del que es deudora esta película», por lo que la historia tiene un ambiente retrofuturista. Llegará a los cines a finales de octubre y su tráiler ya está en YouTube.

Abataba > Joyas para chuparse los dedos Sus accesorios abren el apetito: tartas, bomboneras y un sinfín de dulces convertidos en complementos, para que nunca te falte un poco de azúcar. Detrás de Abataba están las hermanas Ana y Marta Vals, estudiantes, de Madrid y muy jóvenes (24 y 19 años). Joyas «únicas, made in Spain y hechas de forma artesanal» para provocar «una sonrisa cuando las veas y cuando las lleves». Su primera venta fue «un anillo de tartaleta de kiwis, que ya es en uno de nuestros iconos», cuentan. Aunque apenas llevan un año funcionando, han conseguido logros como estar presentes este mes en el Ego de Cibeles. Puedes admirar y comprar todas sus divertidas creaciones en su página web (www.abataba.com). Aceptan pedidos personalizados.

Natxo Gaztainondo > El hombre y la silla «Es el mueble más completo y el que mejor representa la unión entre objeto/mueble y persona», y por eso Natxo Gaztainondo (Otañes, Castro Urdiales, 1969) decidió dedicar su vida a diseñar sillas. «Todo empezó con seis o siete años, con las tablas, clavos y martillos que mi padre, carpintero, nos traía a casa. Después estudié ebanistería y carpintería», recuerda. Les da nombres tan sugerentes como Homenaje a Kurosawa, Contigo, La abuela Quimi… y se pueden encontrar, por ejemplo, en el Guggenheim. A Natxo le gusta «poner en juego los parámetros del mueble, subordinados a la belleza, primando la armonía visual, aunque esto conlleve la deconstrucción del mueble». Están a la venta en Persuade y Alhóndiga (Bilbao) o contactando directamente con él. Todos sus prototipos en www.gaztainondo.com.

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REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

en 1975 en Connecticut (EE UU) y ahora vive en la capital del estado de Oregón, Portland, «una ciudad maravillosa, con una fantástica energía, mucho que hacer y mucha buena gente», en la que a veces se siente «como en Europa», se come bien y «hay costa bravía y desiertos». Un único pero: «Algo nos hurta el sol. Eso tiene que cambiar». SE GANA LA VIDA con la fotografía, sobre todo con la de moda: «He tenido la fortuna de conectar con diseñadores a los que les gusta mi mirada y mi interpretación de su ropa». OPTA POR NO EXPLICAR ninguna de las fotos que ilustran esta entrevista, porque está seguro de que todo dato ajeno a la imagen sólo consigue la «distracción» y no añade nada de utilidad: «Cuanto más sé de una foto, menos me gusta. Prefiero retener la primera impresión». SU MADRE LE REGALÓ la primera single reflex lens cuando él tenía 12 años. «Me sentí intimidado con tantos números hasta que la mano gentil de mi madre la puso en el modo A [automático]. Luego hice mi primera foto, a nuestro San Bernardo, un blanco fácil. También retraté a mi abuela en su Chevrolet descapotable de 1956». ERIC ROSE [a la izquierda] admira al fotógrafo italiano de moda Paolo Roversi, prefiere la técnica de la prueba y el error a cualquier otra y usa cámaras de todos los tipos y formatos («se trata de mirar y disfrutar, cualquier equipo tiene sentido»). www.filmesque.com NACIÓ

JONATHAN SHIELDS

ERIC ROSE

«Me gustan los defectos e imperfecciones. Nunca me canso de las bellas cicatrices»

Según Eric Rose las mujeres «ya tienen suficiente con lo que lidiar» para que venga un fotógrafo de moda cualquiera y les complique aun más la vida «haciéndoles pensar que necesitan ser perfectas según la idea que los demás tienen de la perfección». No le interesa ese tipo de manipulación tendenciosa. Prefiere trabajar pensando en «mujeres duras e inteligentes» y mirar en la «dirección contraria» a los editoriales de moda tonta (a los que llama «de plástico»). «Me gusta lo que otros consideran defectos e imperfecciones. Tanto en el cuarto oscuro como en Photoshop, soy el último en cansarse de unas bellas arrugas», dice este fotógrafo estadounidense de mirada clásica.

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REVELADOS

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REVELADOS

¿Qué es lo que más te gusta de la fotografía? Me gusta la historia, el alivio, las situaciones, la diversión. Me divierto tremendamente regresando a casa con joyas dentro de mi cámara. Me siento como recogiendo regalos para mí mismo. ¿Hay una búsqueda personal en ella? No en mi caso. Soy consciente de mis problemas y de dónde surgen. Solo hago fotos, no trato de afirmarme o encontrar algo. Pero siempre está presente el deseo de compartir una forma de mirar… Durante una etapa de mi vida no fui capaz de combatir la depresión y no quise medicarme. Puede sonar a cliché, pero me volqué en el arte, el cine y la fotografía. Al meterme de lleno se me abrieron los ojos, fue como regresar al mapa. Me salvaron. Desde entonces elegí compartir imágenes con el mundo. Quizá tengan el mismo efecto sobre alguna otra persona. ¿Qué momento del proceso fotográfico prefieres? Leí en una ocasión que Miles Davis siempre intentaba esquivar lo obvio, la nota esperada. Yo busco los momentos entre los momentos, algo real, algo que se pasaría por alto. ¿Tu principal defecto como fotógrafo? La timidez. ¿Tu principal cualidad? Ponérselo fácil a mis modelos, crear un ambiente adecuado. ¿Y cómo se lo pones fácil a tus modelos? Como hombre que retrata a mujeres, sobre todo teniendo en cuenta la cantidad de ellos que hay ahí fuera con intenciones equivocadas, trato de garantizar la confianza y colocar a mis sujetos en una zona cómoda, confortable. Hay muchas tácticas, pero no creo en casi ninguna. Sé agradable y educado y conseguirás lo que quieres. ¿Cómo consigues que tus modelos parezcan inalcanzables, hieráticas? Me inspira mucho el cine. Suelo buscar imágenes que tengan un sentido cinemático, como si fuesen fotogramas de una película. Suelo poner música para que podamos perdernos. También hablo, para que se olviden de que estamos haciendo fotos. Esos son los momentos en los que es posible la confianza. ¿Elegiste hacer fotos de moda o llegaron por casualidad? Hago también encargos y fotografía de calle. La moda llegó porque me pareció correcto introducir la creatividad de un tercero. Fue difícil porque tengo un estilo particular, atemporal, y dejo claro que no quiero logos que puedan datar la imagen. La ropa está ahí, pero no es la protagonista. Tu estilo no es el que se lleva… La falsedad está en el último lugar de mi lista… Cuando retratar a una modelo es hacerlo sobre un escenario ya creado, no hay verdad. Intento seguir el camino de la espontaneidad y huir de lo falso. La perfección de las mujeres que parecen de plástico no es lo mío. Está en el extremo contrario de mi mirada. ¿La foto soñada? No hay una, hay muchas. Espero empezar a hacer retratos de gente a la que realmente quiero retratar. Me gustan las líneas del rostro, el carácter, la experiencia, la fuerza… Me apetece ir por ese camino ahora que he aprendido a usar la cámara con propiedad. Pienso en uno de los asistentes de Irving Penn, buscando grandes caras para que él las retratase. Necesito un rastreador de caras.


CORREVEIDILE

Björk vuelve a hacer historia en la música con ‘Biophilia’ su séptimo trabajo es una aplicación interactiva No hablamos de originar un estilo porque la islandesa se inventó a sí misma hace mucho tiempo. Tampoco de un disco como tal, pues su séptimo álbum, titulado Biophilia y previsto para el 26 de septiembre, ni siquiera es un disco digital (eso sí, la tienda de Apple ha sido el lugar elegido para engendrar al retoño). Con el artista neoyorquino Scott Snibbe y otros ilustres en el proyecto (David Attenborough narrando la intro; Gondry dirigiendo el videoclip de su primer single, Crystalline), Björk ha creado una aplicación multimedia que fusiona música, naturaleza y tecnología. Se trata de una app gratuita para

iPad, iPhone e iPod Touch diseñada como una galaxia en 3D a la que se van añadiendo las distintas canciones-aplicaciones, de las cuales tres se han lanzado este verano: Crystalline, Cosmogony y Virus (2 dólares cada una o 9,99 todas). Biophilia es una curiosa disertación sobre la estructura de la música —incluye nociones de teoría musical— y la naturaleza y sus puntos en común, y recupera el sonido orgánico de Vespertine con instrumentos creados ad hoc como el gameleste. Su estreno absoluto en vivo fue en el Manchester International Festival y este mes irá al Bestival de la isla de Wight. Encontrarás material en YouTube.

ABSOLUT ENSEÑA SU COLECCIÓN DE ARTE AL MUNDO En 1985, Andy Warhol firmaba la que sería la primera pieza de la Absolut Art Collection [en la imagen de la derecha], que ha ido creciendo con aportaciones de otros reconocidos artistas a lo largo de 25 años. Entre sus 800 obras brillan nombres como Damien Hirst, Keith Haring, Helmut Newton… y los nacionales Miquel Barceló, Óscar Mariné o Javier Mariscal. El próximo 6 de octubre se instala en la galería 28012 de Madrid (plaza Sánchez Bustillo, 7) una selección de treinta de estas obras nacidas al amparo de Absolut Vodka, una prueba de que las relaciones entre el arte y la publicidad pueden dar magníficos frutos. Durante todo el mes de octubre tendrán lugar, además, actividades paralelas en torno a la exposición.

MANUELA VELLÉS, CANTANTE INDIE Aunque la canción Parking Spaces no es suya sino de Alondra Bentley, Manuela Vellés se ha estrenado como cantante indie durante el rodaje de Buscando a Eimish. Bajo la dirección novel de Ana Rodríguez Rosell y con Óscar Jaenada y Emma Suárez compartiendo reparto, Vellés pone voz al tema principal de la película, interpretado por Nine Stories y que se incluirá en su banda sonora. Su dotes para la música se pudieron ver ya en la versión de The Mornign After de Dover que se marcó en Camino.

FESTIVAL DE CINE Y MODA

HÓPLAY’11: ENCUENTRO DE JUGONES

UN CÓMIC SOBRE EL 11-S

Festival único en su especie, A Shaded View On Fashion Film (ASVOFF) llega al CaixaForum de Barcelona los días 25, 26 y 27 de enero. Hay tres categorías (oficial, estudiantes y cortos realizados con el móvil) y el plazo para presentar trabajos termina el 1 de diciembre. www.asvoff.es

Grandes desarrolladoras y productoras independientes de videojuegos participan en hóPLay, que se celebra en Alhóndiga y Fnac Bilbao, del 2 al 18 de septiembre. Puedes sumarte a las competiciones, valorar la jugabilidad, elegir el mejor juego… www.alhondigabilbao.com

En el décimo aniversario del 11-S, Planeta DeAgostini pone en circulación el volumen 12 de septiembre. La América de después. Firmado por reconocidos autores de bande dessinée como Joe Sacco, Spiegelman o Muñoz y Sampayo, es un homenaje en viñetas a sus víctimas.

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RES MEJO L A S TA S R E C E E N TA R A L IM PA R A O G TU E

A CONVERSE SE LE SUBEN LOS COLORES. Siempre dispuestos a dar una vuelta a sus clásicos, Converse presentan un invierno multicolor con los originales estampados de Marimekko. La característica firma finlandesa celebra sesenta años con esta colaboración en tres versiones: Kaleidoskooppi (de colores), Unniko (sus reconocibles amapolas rosas) y Poni (blanco y negro). www.converse.es

EL DIRTY GIN TONIC DE SEAGRAM'S. Adorada por las estrellas noctámbulas del Hollywood de los años cincuenta, la ginebra Seagram's no deja de sumar adeptos entre los amantes del buen gin-tonic. Se diferencia por su suavidad, que se consigue con una maduración en barricas de roble blanco, característica que hace de Seagram's el ingrediente perfecto para preparar un cóctel premium con un sabor refrescante. La receta maestra de Seagram's es el Dirty Gin Tonic: mucho hielo, una medida de ginebra por cada dos de tónica, un poco de limón exprimido y, como toque final, unas gotas de jarabe de arce, adornado con dos aceitunas no amargas. www.seagrams.es EXPERIMENTO VICTORIA 2012 Se presentó en la feria Bread & Butter de Berlín el pasado mes de julio y es la última iniciativa de Victoria para reinventar sus zapatillas en manos de jóvenes diseñadores de todo el mundo. A través del IED de Barcelona se puso en marcha esta convocatoria cuyo resultado fue la puesta de largo de los prototipos, creados por doce diseñadores de diferentes nacionalidades dando su personal visión de las zapatillas en el encuentro de moda más importante de Europa. www.calzadosvictoria.com 16

THE EASTPAK ANTIDOTE TOUR volverá a celebrarse en España el próximo mes de noviembre (el día 2 en Barcelona y el 3 en Madrid), dentro de una nueva gira por 11 países europeos dedicada en cuerpo y alma al punk rock. Es su séptima edición y ya se han confirmado las actuaciones de A Day to Remember, August Burns Red, The Ghost Inside y Living With Lions. www.antidotetour.com


CAMBIA TU RUTINA CON KIPLING. La vuelta a clase o a la oficina es un poco más llevadera gracias a la nueva línea de bolsos y mochilas de Kipling. En versión básica, XXL, con asas o de mano, con sus formatos no tendrás que cargar con más bolsas. Puedes escoger entre el gris, negro o rojo encerado o atreverte con el estampado de rayos de neón Splash, más rockero. www.kipling.com

TOPSHOP, A LA ÚLTIMA. Atrapa las tendencias de este otoño/invierno en Topshop. Mezclas imposibles de cuero y pelo en cazadoras rematadas con correas y tachuelas y con un corpiño a juego. Esta línea rebelde se combina con prendas elegantes, como una falda plisada, para un arrollador look nocturno. Los botines y sombreros serán tus complementos aliados. www.topshop.com

WRANGLER: DENIM-MANÍA. El clásico nunca muere pero no está de más atreverse con un pantalón un poco diferente… Los vaqueros selvage coloreados de la colección Blue Bell de Wrangler, inspirados en el pop art, te ponen sobre la pista. ¿Rojo, azul, verde? Un denim original y premium, pues la tela selvage se fabrica en Estados Unidos y se teje en vía estrecha. www.wrangler.com

NO SOLO DE DEPORTE VIVE LE COQ SPORTIF Las sudaderas con capucha son la prenda estrella para la nueva temporada de otoño/invierno en el catálogo de Le Coq Sportif, una firma deportiva que también sabe tomarle el pulso a los gustos del hombre moderno. Comodidad y elegancia, diseño y calidad en imprescindibles del armario otoñal como los jerseys de cuello redondo o las chaquetas con cremallera. La colección llega con colores sobrios y atemporales (gris, negro, azul marino) y líneas discretas. www.lecoqsportif.com 17


EDIFICIOS

DE AYER PARA LA CULTURA DE HOY POR SONIA DE VIANA

Antes lo llamábamos museo. A secas. Ahora se habla de industria cultural, de almacenes de talento, de fábricas de cultura, de antimuseos, de reconversión experimental… Como si la creación fuera una ciencia, las salas de arte han pasado a denominarse laboratorios. «Tabakalera Donosti no es un museo, sino una fábrica de cultura», enmarca a su paisana el director del MACBA de Barcelona, Bartomeu Marí, al presentar «un lugar dedicado a la producción, a la creación de debate, a la difusión, al disfrute, un lugar de aprendizaje y un lugar de encuentro». Tabakalera no estará terminada hasta 2013, aunque ya funciona confundida en la práctica del ciudadano de a pie con un puro centro comercial, dada su oferta: gimnasio, piscina, restaurante, cine… Todo aderezado con exposiciones y residencias para artistas, sobre todo audiovisuales, un campo que parece común para muchos de estos espacios contemporáneos. Lo que interesa en este momento no es solo la programación de lo que aquí queremos bautizar como centros de arte 2.1, sino su propia historia arquitectónica. Y desde una concepción que, como cualquier otra corriente, alaba a su abuelo y niega a su padre y hasta a su tío. Ya no está de moda la actitud de creer que el museo es el edificio (léase Guggenheim y familia), de que el medio es el mensaje aunque no sepamos de qué contenido dotarlo. Este es otro rollo. Este es el rollo

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Se asientan sobre antiguas construcciones en desuso con un pasado en absoluto ligado a la cultura. Cárceles, mercados, mataderos, fábricas (de tabaco, tejidos, cerveza…), depósitos (de gasolina o de cadáveres), estaciones (de autobuses y también eléctricas), cuarteles… Los laboratorios del arte no le hacen ascos a nada. de la bobina de hilo o la eléctrica que han pasado de hilar a alumbrar otro tipo de tejido: el del arte moderno. ¿Ejemplos? Dos centros, en Barcelona (fue fábrica de tejidos) y Madrid (antes Central Eléctrica del Mediodía), pagados por la misma obra social banquera: CaixaForum. Y la Conservera vegetal de Ceutí, en Murcia (inaugurada en mayo de 2009), que ahora enlata en ciclos anuales exposiciones de cuatro o cinco jóvenes artistas por tanda; allí se dice que «se ha reciclado la fábrica, no se ha construido sobre ella, para conservar la memoria colectiva de un pueblo». ‘Refabricando’ los centros artísticos De eso va esta historia. Abundan en el reciclaje de la nueva arquitectura museística, creada a partir de antiguas construcciones alzadas para otros usos, los palacios y viviendas tradicionales, conventos, monasterios y demás territorios de nuevos ricos o iglesias desamortizadas; pero en general ni son tan vanguardistas ni tan atractivos, porque no son tan raros. Como máximo exponente, el depósito de cadáveres —entre otras cosas— que llegó a ser hospital en el siglo xviii y hoy abruma ampliadamente como Museo Reina Sofía. O lo mismo, pero de otra clase de bichos, el Matadero Madrid, apodado Centro de


CSA LA TABACALERA (MADRID). Abandonada desde 2000, voluntarios y vecinos le han devuelto una gran vida social. [Fotos: La Tabacalera h ]

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Creación Contemporánea para su apertura en 2007, centrado y extensible por espacios (sitio hay, dinero no); lo último en aterrizar, un bar terraza musical patrocinado. Casi igual de triste es el origen como casa de empeños de la hoy colorista e hiperactiva La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid (2002).

CCCB (BARCELONA). Arriba, su patio en la actualidad. Antes fue Casa de la Caridad. [Fotos antiguas: Fons Brangulí / ANC. Foto actual: Adrià Goula (2011) ]

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No es solo costumbre capitalina Sobran muestras ilustres no centralistas, conste, del tipo hospicio CCCB (1994), ex Casa de la Caridad de 1802 a 1957, moderno donde los haya no solo por estar en Barcelona. O la audaz LABoral de Gijón (2007), alojada en nueva planta pero con huellas esculturales, y literales en el patio, al pie histórico del orfelinato minero. Un apunte aligerante: sirvió de plató de rodaje para la primera película de Mortadelo y Filemón. El cementerio del convento de Betoño ha envasado en vidrio —literalmente: el convento al completo está encerrado dentro de una enorme caja de cristal—.


la Fundación Sancho El Sabio de Vitoria (2009) con la loable función de «recopilar, ordenar, conservar y difundir documentación referida a la cultura vasca», fallecida o viva. Todo ello con el mecenazgo de Obra Social de Caja Vital Kutxa. El legado de las cigarreras Solo un poquito menos tétrico queda el hacer notar la cantidad de fábricas de tabaco que han sido transformadas en centros de arte y otras cosas. La más llamativa está siendo la inmensa Tabacalera de Madrid (2010), escindida hoy en dos gigantescas partes —mente y corazón— dependientes en papel del Ministerio de Cultura pero, en la práctica, solo de quienes lo visiten y lo vivan. Está el futuro Museo de Audiovisuales (¡más audiovisuales!) que sobrevive porque le insuflan fotos gigantes de cuando en cuando. Y está el Centro Social Autogestionado, que bulle vida con la máxima imaginación, ganas y economía de medios, gracias a vecinos del barrio y voluntarios organizados en asambleas públicas. Pablo Farfán Manzanares, de Farfán+Estella Arquitectos, es uno de ellos. «Rehabilitar un edificio de esta categoría, si se hace reutilizando y valorando lo que hay, sale bastante barato. Para la Tabacalera hay prevista una inversión de treinta millones de euros. Es absurdo. La gente no está saliendo y acampando en la calle para que le pongan un Centro Nacional de Audiovisuales, no necesitamos una fachada de LED para reactivar el barrio. Como lo de Donosti: es faraónico, mastodóntico, son acciones brutales que gastan más recursos». Aunque para onda perrofláutica funcional, Can Vies Barcelona, que ha cumplido catorce añitos el pasado mes de mayo. Abrió sus puertas en 1879 como almacén de Metro, luego fue su casa social, sede del sindicato vertical, se cedió a la CNT… y esta, a los vecinos; por eso no está okupado, aunque siguen con juicios. Las fábricas de tabaco de Málaga y de Donosti tienen un presente limitado y un futuro en construcción, como Museo de Ciencias subarrendado la primera y multiusos la segunda —reléase al comienzo del reportaje—, pero el flamante Las Cigarreras de Alicante (abierta incluso a la llamada cultura urbana) y La Regenta de Tenerife (1987) ya parecen mostrar insolentes que otro presente es posible.

ALHÓNDIGA (BILBAO). Hoy lonja sociocultural ciudadana. [Foto actual: Eva Zubero]

También en Tenerife consiguieron (1997) una de las pruebas más fehacientes de lo que se puede llegar a hacer con casi cualquier cosa en vez de desmantelarla. El Tanque (ex de Cepsa) no puede ser más moderno en sus instalaciones —también las de arte— y por su escasa y barata intervención: todo, en reciclado hormigón, chapas, tubos metálicos y chorro de arena. La ex parlamentaria Dulce Xerach, principal promotora de la adaptación, ha realizado su doctorado precisamente sobre espacios industriales reconvertidos en culturales y lo describe como «una catedral del siglo xxi; igual que estar en medio de Blade Runner». Hasta en ARCO’11 ha estado. Palabra de dios artístico. Tampoco es el único: el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria (1997) esperó a anexionarse el depósito de aguas de finales del xix para definirse como un lugar «que tiene entre sus objetivos principales la aplicación de políticas de igualdad entre los sexos». Un enfoque distinto, desde luego. Con orígenes belicosos Este centro vitoriano había sido cuartel de artillería. El origen militar también ha derivado en usos mucho menos belicosos: el Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes Escénicas Párraga de Murcia (2005); el Cuartel del Conde Duque de Madrid (en reapertura después de su remodelación); el MEIAC de Badajoz (1995) o el mismísimo IVAM de Valencia son buenos ejemplos. Pero, entre todos estos antiguos emblemas de

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la defensa, sobresale el Baluard de Palma de Mallorca (2004) y su aljibe, donde unos acristalamientos adheridos a sus históricos muros han insuflado a la ciudad una más que atractiva actividad popular. De que otro futuro es posible dan fe además, con morbo añadido, las cárceles rehabilitadas. A falta de la oportunidad extinguida de Carabanchel en Madrid, el futuro está en el penal de San Antón de Cartagena, donde residió El Lute; y el pasado más presente en la de Segovia, aun en proceso de relleno artístico pero en marcha desde abril con exposiciones ad hoc. Los ejemplos a seguir son los apabullantes MEIAC extremeño y MARCO de Vigo (2002) y, sobre todo, el DA2 de Salamanca (2002) que presta «especial atención a los artistas que trabajan con vídeo y nuevos soportes audiovisuales». Los otros mercados de arte La abrumadora Alhóndiga de Bilbao (sintomático, su logotipo: hó), remodelada por el rey de las sillas Philippe Starck y ex almacén de alcoholes, hoy cuenta con mediateca, gimnasio, restaurantes, cine, piscinas… Ya hemos citado el Matadero de Madrid, que también fue mercado de ganado, y podríamos sumar a la lista de lugares para la cultura que antaño cobijaban transacciones comerciales el mismísimo Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2003) y hasta la provincialista Fundació Espai Guinovart de Agramunt, en Lleida. Pero entre los que más nos llaman la atención, también en Lleida, está el Centre d’Art La Panera (2003) que de lonja del

MATADERO (MADRID). Perfecta reconversión que respeta la identidad del antiguo mercado de ganado. [Fotos: Juan de Sande]

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LA PANERA (LLEIDA). En un edificio del siglo XII han montado hasta propuestas 2.0. [Foto actual: Jordi V. Pou]

siglo xii para todo tipo de intercambios ha derivado en «plataforma de producción, difusión, formación y exhibición de las artes visuales» (¡otro más!). Su adaptación a los tiempos modernos pasa incluso por dar «la posibilidad de diseñar y programar actividades en línea a través de Facebook, Twitter, Flickr, YouTube y Spotify. ¡Aquí encontrarás todas nuestras propuestas 2.0!». Si McLuhan levantara la cabeza…

ARTIUM (VITORIA). En el solar de la estación. [F.: Quintas Fotógrafos y J. M. Parra (abril 1950)]

Reconversiones insólitas Quedan por citar transformaciones únicas como la del Artium de Vitoria (2002), coqueto donde los haya, donde casi todo está en el subsuelo de la no tan antigua estación de autobuses de la ciudad. El Tinglado 2 de Tarragona, aun simple almacén en el puerto, es peculiar en su propuesta porque allí los artistas interactúan temporalmente con el propio espacio. El retoño de ABC, Museo de la Ilustración, ocupa la primera fábrica de Mahou en Madrid; y El Águila, otra de esa marca hermana cervecera en la misma ciudad. Y quedan las frikicosas como el «sueño, aventura y realidad» construido a partir del lavadero de lanas de Malpartida, Cáceres, cuando Wolf Vostell, «descubridor del décoll/age, padre del happening en Europa, cofundador del movimiento Fluxus y pionero del videoarte» (¡el que faltaba!) se enamoró de una extremeña… Igual la bodega de tu abuelo en el pueblo se puede alzar en museo interactivo de vinos. En Cádiz ya lo están montando. Piénsalo. ■

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DOS HERMANOS ‘El niño de la bicicleta’ es la última gran pequeña historia de los hermanos Dardenne, quienes enamoran al festival de Cannes con cada una de sus películas desde hace una década. Hablamos con ellos de este filme que llegará a los cines españoles este otoño. POR JAUME ESTEVE

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Son la niña bonita del festival de Cannes. Jean-Pierre y Luc Dardenne, más conocidos como los hermanos Dardenne, llevan más de una década cosechando premios en la Croisette y regalando maravillas a los espectadores. Desde su primera Palma de Oro con Rosetta, allá por 1999, han acudido a la cita francesa en cuatro ocasiones más y en todas se han llevado algún reconocimiento. Hemos hablado con ellos sobre El niño de la bicicleta, una peculiar «historia de amor» —como ellos la describen— entre un chaval y una mujer soltera que les ha valido el gran premio del jurado en la pasada edición. Los Dardenne son un caballo ganador a los que, en caso de dudar entre dos películas, les puedes dar el máximo galardón porque sus trabajos no suelen fallar y siempre cumplen con unos mínimos. Y El niño de la bicicleta no ha sido para menos: reconocimiento unánime de la crítica y gran premio del jurado, el equivalente al segundo premio en importancia de todos los que reparte el festival, y todo en poco menos de una semana. En esta nueva aventura cuentan la historia de Cyril, un chaval de un pequeño pueblo belga (país de origen de los cineastas, por cierto) que se pasa días y tardes enteras a lomos de su bicicleta. Pero el pobre Cyril se topa de frente con la peor de las realidades cuando su padre le abandona y debe trasladarse a un internado. Afortunadamente, un encuentro casual con Samantha, una peluquera soltera, hará que entre ambos surja una amistad que le devolverá la sonrisa a la cara.


Y UNA BICICLETA

un chico abandonado por su padre que busca sustitutos de su figura en otros hombres. Pero nos interesa que ella sienta esa necesidad y que responda sin que haya ninguna motivación o explicación a su comportamiento. Además, es la primera vez que contamos en nuestro cine una historia de amor». En todo caso, esta película que han presentado hace tres meses en Cannes y que se estrenará este otoño en España, vuelve sobre las constantes de un cine siempre volcado en las relaciones personales y con un marcado carácter social. Los propios Dardenne así lo confirman: «Creo que lo que une esta película —irrumpe Luc en la conversación— con las historias de trabajos anteriores es el planteamiento de cómo una persona puede ser salvada por otra. En La promesa la pregunta es: ¿cómo se puede salvar Igor de su padre? En Rosetta, todo lo que la protagonista sufre a nivel social le lleva a pensar que el mundo quiere destruirla hasta que conoce a Riquet y aprende que no, que ella también puede salvarse».

En esta ocasión, los Dardenne trabajaron bajo mínimos. Dos personajes, un par de secundarios, tres localizaciones y poco más. «Buscábamos algo más simple con esta historia —explica Jean-Pierre—. El punto de partida lo era: todo comienza cuando Ciryl se abraza a Samantha porque en ese momento [justo después del abandono paterno] necesita aferrarse a algo, y ella le acepta. Es algo muy simple. A partir de ahí, todo siguió por ese camino». La traducción de esa simplicidad formal la continúa ilustrando el mismo Jean-Pierre: «A excepción de Cyril, los personajes son muy arquetípicos. A Samantha la puedes ver como un hada; el chico malo, un traficante con el que Cyril se relaciona, es el lobo del bosque que quiere comerse a los niños». La imagen del lobo en el bosque no es casual, ya que parte de la cinta se desarrolla en una zona boscosa. «Hay un triángulo de localizaciones: el bosque, el apartamento de Samantha y una gasolinera. Es en la gasolinera donde se producen los encuentros y la historia avanza en diferentes direcciones, y eso también impone una simplicidad». Salvarse a través del amor La relación entre Cyril y Samantha centra, pues, la mayoría del metraje de El chico de la bicicleta. Pese a llevarse, tranquilamente, una veintena de años, los Dardenne insisten en que la suya es una historia de amor. «El tema que planteamos es —vuelve a contestar Jean-Pierre— si Samantha es capaz de salvar a Ciryl y si él es capaz de aceptarla. Es

En busca de la felicidad Pero a pesar de que El chico de la bicicleta guarda similitudes con sus anteriores obras, es innegable que es un trabajo mucho más optimista. ¿Lo han hecho a propósito? «Tenemos que cambiar el enfoque de nuestras películas —responde Jean-Pierre—. Como cineasta debes intentar cosas diferentes. Desde el principio sabíamos que Samantha iba a correr riesgos por sacar adelante la relación con Ciryl y queríamos que saliera victoriosa. No estábamos dispuestos a pasar un año y medio de nuestras vidas contando una apuesta que no iba a ser ganadora. No creemos que nuestro trabajo pueda arreglar el mundo, pero nos permite explicar otras historias. Historias con final feliz». Por último, la comparación del título con El ladrón de bicicletas se hace inevitable. ¿Escogieron el título a modo de homenaje? «Lo siento, pero no hay ninguna conexión», contesta rotundo Luc. Eso sí, admite similitudes con la italiana, aunque nunca lo hicieron a propósito: «Es verdad que contamos la historia de un padre, un hijo y una bicicleta, y que se roban un par de bicicletas… En la nuestra, la misma bici se roba dos veces. Pero no, no era una referencia», concluye.

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GREGOIRE ALEXANDRE

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¿DÓNDE ESTABAS EN LOS 80? El synthpop de hace treinta años vuelve a nuestras vidas y lo hace con homenajes a la new wave y descarados guiños a la música disco, con toda su nostalgia y todo su jolgorio, con sus mallas y sus cardados. Prepárense para la resurrección de los años ochenta… POR VIRGINIA ARROYO

Ya lo comprobamos el año pasado y durante la primera mitad de 2011, pero la cosa se reitera este otoño: el synthpop de raíces ochenteras es lo que se lleva ahora. Y cuanto más vaporoso, más plumífero, más empalagoso y más rítmico, mejor. Varios artistas prepararon el terreno en 2010, entre ellos dos de éxito arrollador y público diverso: Hurts y Twin Shadow. Mientras que los primeros fueron recibidos con los brazos abiertos en las radiofórmulas y en los corazones adolescentes, el segundo tuvo una aceptación tardía pero considerable en los círculos independientes, que culminó en un delicioso concierto en el Primavera Sound. Ambas bandas derribaban a su manera ese mito de los ochenta como época maldita de la música (aunque en el caso de Hurts sus detractores vieron en ellos un motivo más para seguir vilipendiando la década) y abrían la veda para un revival ochentero en toda regla. No es de extrañar, pues, que haya sido en este periodo cuando han resucitado los míticos OMD (con un History of Modern bastante tibio) y unos Duran Duran no muertos pero sí muy en la sombra. Un regreso más que anunciado «Es normal que en estos días se haga música con clara influencia de los ochenta», declara al respecto Joseph Mount, vocalista y frontman de los ingleses Metronomy. «Los que están ahora en pleno boom creativo son gente de mi edad, que ronda los 25-28 años. Nacieron en esa década y todo lo que les rodeó, incluida la música, tuvo una fuerte influencia en ellos, aunque ni siquiera se dieran cuenta». ¿Les suena? Es la tesis que sostiene un género Metronomy acaban de publicar The English Riviera, su tercer disco.

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tan de moda el año pasado como fue el chillwave o glo-fi. Se decía que los artistas que lo practicaban, todos entre los 20 y los 30 años, plasmaban en sus trabajos una nostalgia por un pasado que apenas podían recordar (eran demasiado pequeños), pero que les marcó de algún modo y se filtraba en unas composiciones donde las melodías típicas de la época adquirían un tinte más nostálgico y se cubrían de soñolientas brumas. Poco de chillwave tiene el tercer disco de Metronomy, aunque sí mucho de nostálgico. De hecho, se llama The English Riviera, como la playa en la que el cantante pasó su infancia: «Nací al lado y pasé allí todos mis veranos. Cada vez que vuelvo me resulta muy evocador, le tengo mucho apego. Supongo que por eso es en parte un disco más melancólico y a la vez soleado». Retrofuturismo e italo disco Algo similar pasa con Ford & Lopatin, aunque su nuevo disco, Channel Pressure, bascule bastante más hacia la nostalgia de un pasado mejor. El concepto central del álbum lo requiere: Joey Rogers es un adolescente del 2082 que vive inmerso en un mundo terrible y oscuro, donde la

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industria musical se ha venido abajo y la única salvación posible es volver cien a��os atrás en el tiempo e intentar reencontrar la esencia de la música en los compresores MIDI y los ritmos enlatados. En este sentido, el álbum de Ford & Lopatin es un ejercicio de estilo estupendo que, salvo por leves detalles, podría perfectamente parecer facturado en 1982. Retrofuturismo, new wave y synthpop discurren apaciblemente en sus canciones, solo sobresaltados de tanto en tanto por algún arrebato italo disco.

Pero si hay alguien que ha sabido llevar a su terreno como nadie el italo disco y todos los estilos colindantes, ese ha sido Wolfram, anteriormente conocido como Diskokaine. Su debut en largo es un compendio muy plumífero de pop electrónico y música disco bastarda. «Sí, es cierto. En mi trabajo hay mucho de eurodance, italo y también disco clásico. De hecho, creo que en general ahora hay mucho revival de la música de finales de los setenta y principios de los ochenta». «Yo, por mi parte —añade—, no pretendo inventar nada nuevo, solo intento pasármelo bien cuando estoy grabando». Las colaboraciones también le dan lustre al disco, que cuenta con nombres como Holy Ghost!, Sally Shapiro, Hercules & Love Affair, SebastiAn, Paul Parker o Haddaway, al que Wolfram le envió un tema instrumental y «a los quince minutos ya lo tenía al teléfono cantando lo que al final sería Thing Called Love». La canción en cuestión es un tema de baile con los BPM no muy acelerados y unos bajos elásticos y muy gruesos, como en la mayoría del álbum. Con todo, la pista de baile no es su meta: «No quería hacer un disco de club, lo que pasa es que me he inspirado en los últimos cuarenta años


Desempolvar cacharros del desván En Holy Ghost!, la producción suena actual, limpia y muy electropop, pero los temas parecen venir de la época dorada de la música disco: «Hemos usado un montón de equipo vintage. De hecho, la mayoría de cacharros son de antes de 1980». Si bien Nick Millhiser y Alex Frankel empezaron haciendo rap, su propio background musical («Stevie Wonder, Michael Jackson, New Order…») y la influencia de James Murphy (LCD Soundsystem) y Tim Goldsworthy, que los habían acogido en su sello DFA, les hizo

PICTURESANDCO

DANIEL GEBHART

de música con sintetizadores, que es un sonido habitualmente muy dancefloorfriendly», reconoce Wolfram. Los que sí se declaran abiertamente abocados a las pistas de baile son Holy Ghost!, que cerraron uno de los escenarios principales del último Primavera Sound con un concierto de madrugada. «Intentamos hacer temas que la gente no pueda evitar bailar», dicen. Y, en efecto, lo consiguen: desde la muy Chemical Brothers Do It Again hasta el funk resbaladizo y discotequero de Some Children, resulta imposible estarse quieto mientras suena su álbum debut.

En la página anterior, Pentile y Pilooski, de Discodeine. Arriba a la izquierda, Wolfram Eckert. A su derecha, Daniel Lopatin y Joel Ford de Ford & Lopatin, antes Games. Abajo, Sebastian Akchoté (SebastiAn).

virar a territorios de purpurina, a una noche perenne pero luminosa y feliz bajo la bola de espejos. Otros que viven bajo esa bola de espejos pero en una noche mucho más oscura y cerrada son Discodeine, o lo que es lo mismo, Pilooski y Pentile. El dúo francés presenta este año su primer trabajo en largo, un álbum donde se exploran todos los colores del disco y no solo su cara más alegre. Nadie mejor para este cometido que Discodeine, que si bien centran los doce temas del álbum en el nu-disco, dejan que se filtre en él su pasado techno. «Decidimos hacer algo menos oscuro y cerebral, algo más soleado y tangible”. Y así fue como empezaron a combinar temas como Relapse u Homo-compatible con pasajes más cálidos y pop como la tropicalísima Falkenberg, Singular y Synchronize, con una colaboración especial: ni siquiera el grandísimo Jarvis Cocker pudo resistirse a ponerle voz a sus ritmos de club ochentero. Lo que está claro es que el pop electrónico en su vertiente más bailable está viviendo una nueva juventud, con brisa fresca llegándole por todos los lados, aunque soplando con más fuerza desde la década de los ochenta y finales de los setenta. Las propuestas son infinitas: Light Asylum, Chad Valley, Com Truise… E incluso bandas como SebastiAn, que toman el pop ochentero de colorido plumaje como referencia para embrutecerlo en ciertos momentos con electrónica áspera de ascendencia más años noventa. Porque, como todo género, esta nueva manera de hacer pop electrónico encuentra su grandeza y su trascendencia en su capacidad para hibridarse. Pero esta es una música muy golosa e incluso indies rockeros como los Handsome Furs han caído ante sus lozanos encantos, así que no hay de qué preocuparse: la continuidad de la especie está asegurada. ■

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«La gente sigue sin valorar el trabajo hecho a mano»

POR CECILIA CAMACHO

¿Se puede ser artesano en épocas de crisis y no morir en el intento? Adriana Bellet, la artífice de JeezVanilla!, lo tiene muy claro. Licenciada en Publicidad, un buen día y tras dedicarse durante un par de años a la tediosa tarea de estar ocho horas frente a una pantalla de ordenador… se dio cuenta de que buscaba algo más. Así que se puso el mundo por montera, hizo oídos sordos a quienes le aconsejaban lo contrario y optó por abstraerse de lo digital para aproximarse de primera mano a la creación de cosas tangibles. ¿Una locura? Para nada. Por el momento es una novísima, pero ya se codea con grandes marcas que se la rifan para que cree esos maravillosos universos paralelos materializados en sus vajillas multicolor.

¿Qué significa tu marca? El origen de JeezVanilla! es como una comedia de errores, pero supongo que también un buen ejemplo de que incluso de las equivocaciones puede salir algo bueno… Cuando terminaba mi posgrado en Diseño de superficies en Londres me encontré con que necesitaba un nombre para la exposición del proyecto de fin de carrera. Con poco tiempo y mucho estrés, estuve dándole vueltas y de repente, sin saber muy bien de dónde había salido, se me ocurrió la expresión «…Jeez Vanilla!», que puedo decirla cuando encuentro algo que me gusta y me sorprende. Así que imprimí mi nuevo nombre en tarjetas de visita y me di por satisfecha. Aún así, seguí dándole vueltas, hasta que una noche viendo la película Juno por segunda vez se hizo la luz. Al principio del filme la protagonista hace callar a su perro diciéndole: «Jeez Banana! Shut your freakin’ trap!». Supongo que en su día se quedó dando vueltas por mi cabeza, hasta que salió reversionada para convertirse en mi marca. Lo de cambiar banana por vanilla aun me tiene intrigada… ¿Cómo surgió la idea de crear una firma de complementos para el hogar, que buscan darle un toque diferente a la rutina diaria y convertir el acto de comer en un momento más colorido? Supongo que nunca decidí que quería que mi marca fuese para objetos del hogar… Desde que hice mis primeros pinitos en diseño de superficies, diseñaba con los interiores en mente y me venía de forma natural. Y de ahí pasé a diseñar las cerámicas y poco a poco fui extendiendo la gama de productos, aunque las vajillas siguen siendo el corazón de la marca. Háblanos de tus artistas más admirados, los que te han marcado y a los que en cierta manera rindes pleitesía. De los de toda la vida me encanta la fotografía de Cecil Beaton, las pinturas de Frida Kahlo y los trabajos de Norman Rockwell. Y de los más contemporáneos me encanta la cerámica de Barnaby Barford, Jaime Hayón y Lenneke Wispelwey, y las ilustraciones de Shaun Tan, Lizzy Stewart y Ricardo Cavolo. ¿Qué puedes contarnos de tu paso por el London College of Printing? Fue un año interesantísimo, en un curso puramente práctico donde daban total libertad para diseñar. Tuve la suerte de encontrarme con un grupo de gente muy creativa y con experiencia previa en lo visual: en diseño gráfico, ilustración, diseño textil e incluso arquitectura. ¡De ese año salieron unos trabajos increíbles! ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de elaborar manualmente tus creaciones? Para cada proyecto la inspiración llega de un sitio diferente y, generalmente, inesperado: de libros que rondan por casa, de una película, de editoriales de moda, de los hallazgos en el Rastro o de alguna historia curiosa que alguien me cuenta. Tus piezas fetiche son… ¡Las pasteleras! Son piezas muy british que me parecen preciosas y visten cualquier mesa. Platos con pie… ¿qué más se puede pedir? Produzco pocas porque son muy difíciles de encontrar, cuando una cae en mis manos soy feliz. ¿Cómo definirías tu estilo? ¿Qué tipo de técnicas utilizas? Narrativo, aunque suene un tanto raro. Mis diseños difieren mucho entre sí, pero todos tienen en común la intención de contar una historia, o mejor dicho, de invitar al usuario a inventar su propia historia. En ocasiones uso técnicas puramente digitales, trabajando las imágenes con Photoshop e imprimiendo las calcas. Y en otras colecciones son procesos completamente manuales como dibujo en tinta sobre acetato y serigrafía manual para la impresión de las calcas. ¿Crees que se cuida a los artistas gráficos en este país? Creo que la situación dista mucho de lo ideal, pero poco a poco mejora, aunque todavía cuesta mucho que se valore cualquier trabajo de tipo creativo. En el campo de lo hecho a mano la gente no se da cuenta de que las piezas son únicas y que conllevan mucho tiempo y trabajo por parte de una sola persona. El diseñador no solo diseña, sino que suele encargarse también de la producción, el empaquetado, la venta y la distribución. Los precios de los objetos deben reflejar este trabajo. La solución no pasa por otra cosa que la paciencia, dar tiempo a la sociedad a acostumbrarse a esta nueva ola de artesanos modernos que permiten descubrir el valor añadido de estos productos frente a los fabricados en masa. ¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos y retos para el futuro? Tengo un proyecto muy interesante junto con La Casita de Wendy que verá la luz en octubre. Y desde hace unos meses estoy yendo a clases de cerámica, así que el reto para el futuro es tener una segunda línea de cerámicas moldeadas a mano con un espíritu más decorativo. A la venta en www.jeezvanilla.etsy.com y en las tiendas Teté Café Costura (San Pedro, 7. Madrid) y Verde Jade (Ramón y Cajal, 11. Barcelona). http://jeezvanilla.com

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GENIO PROTEGIDO DE UNA SERPIENTE Veinticinco años en la industria le han valido para hacerse merecedor del primer premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Interactivas en el pasado Gamelab. Repasamos una carrera dedicada al videojuego de autor con la saga ‘Metal Gear’ y su protagonista Solid Snake por bandera. POR JAUME ESTEVE FOTO ELENA LÓPEZ

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La agenda de Hideo Kojima (Tokyo, 1963) en Barcelona el pasado mes de junio fue frenética: en dos días tuvo tiempo para hacer turismo, degustar la gastronomía española (de la que aseguró, entre risas, que había sido un pilar fundamental de su formación espiritual —«en especial la paella y la sangría»—) y recoger un galardón que hacía justicia a veinticinco años creando videojuegos con un sello muy personal. Un cuarto de siglo en el que el nipón ha dado a luz una de las sagas por excelencia del videojuego, Metal Gear Solid (MGS),


que ha vendido cerca de veinticinco millones de copias. Los primeros pasos de MGS se remontan a 1987. En aquel año, el joven Kojima recibió una oferta de un conocido estudio de desarrollo japonés que respondía al nombre de Konami y que dio como fruto Metal Gear y Metal Gear 2: «Acababa de entrar en el mundo de los videojuegos y me llegó una oferta para hacer un juego para MSX2 [uno de los microordenadores punteros de la era de los 8 bits]. La línea principal eran los juegos de lucha y los arcades [para recreativas], pero yo estaba muy influenciado por La gran evasión, tanto el juego como la película, y quería hacer uno que tratara sobre infiltrarse y escapar de una base». En aquellos dos títulos, de desarrollo muy similar, se sentaron las bases de la saga. Ambientados en un futuro no

muy lejano, su protagonista, Solid Snake [en la página anterior], un agente secreto del gobierno de Estados Unidos, tenía que colarse en una base militar para desmantelar el arma definitiva: Metal Gear, un tanque bípedo capaz de lanzar cabezas nucleares desde cualquier lugar del planeta. Vamos, un chollo para cualquier grupo terrorista. Las dos primeras entregas para MSX2, en 1987 y 1990, revolucionaron en cierta medida el mundillo del videojuego. Con unos gráficos espectaculares para lo que se había visto, un concepto diferente a lo habitual basado en el sigilo y la infiltración en lugar del combate directo, una historia densa y con giros de guión más propios de una película que de un videojuego, la saga de Kojima se labró un nombre en círculos de jugones. Éxito global en tres dimensiones Pero el gran salto llegó ocho años después, en 1998. Metal Gear Solid, el primer título de la franquicia para PlayStation, maravilló al mundo entero y vendió ejemplares como churros aplicando la misma receta pero adaptada a los tiempos de los gráficos en tres dimensiones. ¿Por qué pasaron ocho años entre medias? «Con Metal Gear 2 la historia estaba finalizada. Sin embargo, escuché el rumor de que iba a aparecer un nuevo hardware llamado PlayStation donde iba a ser posible tecnológicamente hacer algo en tres dimensiones [en referencia al modelado de gráficos, no a la marea estereoscópica que vivimos hoy en día]. Pensé que quizá podría crear el juego de infiltración que quería hacer desde el principio. Los juegos de MSX2 consistían en una cámara fija [de visión cenital] y el jugador tenía claro dónde iba a ir. Eso no era lo interesante ni lo entretenido

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de jugar a un título de infiltración. La diversión radica en que si el jugador está debajo de la mesa este solo vea lo que hay debajo de esa mesa, ya que en la realidad no podría abarcarlo todo. En MSX2 esto era técnicamente imposible, pero en PlayStation sí se podía lograr esa visión para conseguir una atmósfera que diera más miedo y mayor suspense». Lidiar con los incondicionales Al abrumador éxito de Metal Gear Solid se unió la ascensión de Solid Snake —el mismo personaje de las dos primeras entregas— a la categoría de icono del videojuego adulto, por ser la perfecta mezcla entre el Snake Plissken del cine de Carpenter y el John McClane de La jungla de cristal. Tres años más tarde cuando lanzó MGS2 para PlayStation 2, Kojima decidió cargarse de un plumazo a Snake, apartarlo a un rol secundario, y ceder el protagonismo a Raiden [en la ilustración de la derecha], un personaje al que le falta todo aquello que Solid Snake derrocha: carisma, dureza, convicción. La polémica entre los fans, que nunca acogieron a Raiden con los brazos abiertos, estaba servida. «Dentro de la saga, Solid Snake quedó muy marcado entre los jugadores como el protagonista. Mi idea por aquel entonces era que el personaje principal no debía tener unos rasgos tan definidos, para que el jugador se pudiera identificar, y eso no era posible por el éxito de MGS. De ahí salió la idea de un nuevo protagonista en el que el jugador pudiera sumergirse más, como era Raiden», se justifica. No contento con el cambio de roles, y después de un título muy enrevesado en términos argumentales, Kojima decidió dar

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otro salto mortal con MGS3 en 2004: viajar a los años sesenta, en plena Guerra Fría, y ceder el protagonismo a Big Boss [en la esquina superior de la segunda página], villano de los dos primeros juegos para MSX2 y padre de Solid Snake. El éxito entre el público —los críticos siempre le han acompañado— fue arrollador. «En MGS2 quería concluir la historia de Solid Snake y comenzar de cero. Así que tuve la idea de que reapareciera su padre, Big Boss. MGS2 era un juego que se hizo a gran escala con una historia mucho más compleja y me apetecía regresar a algo más puro, más simple, de espionaje. Ese era mi plan e intencionadamente lo contextualicé en la Guerra Fría», explica. Un mundo virtual muy pegado a la realidad Sus juegos son un gigantesco tributo al cine de espías y, en especial, al de James Bond. El mismo Kojima lo reconoce. «Viví la Guerra Fría. Todas las películas y novelas de esa época trataban de espías y me era muy fácil reflejar el mundo que me había tocado vivir. Ese fue el germen de MGS3. Quería hacer algo basado en la historia de 007 donde el protagonista, solo, se infiltra en una base del oponente y los vence a todos. Pero técnicamente era muy difícil que un personaje con esmoquin se introdujera en una base [ríe], así que tuve que inventarme a un grupo, aparte de Big Boss», relata. La última entrega de la saga, MGS4, lanzada en 2008 en PlayStation 3, cerró definitivamente la historia de Solid Snake y fue, una vez más, un reflejo de las inquietudes del Kojima creador. El desarme nuclear, la sociedad de la información y el poder de internet o las compañías de seguridad privadas son algunos de los temas que ha tocado. A punto de alcanzar los cincuenta años y subido al Olimpo de las leyendas del sector —«me siento un muerto viviente», bromea—, la voz de Kojima es una de las más indicadas para hablar del declive de la industria japonesa del videojuego frente a la de Occidente. «Más allá de lo tecnológico, hay cosas de los juegos japoneses y para japoneses que son difíciles de entender para los jugadores occidentales: la visión del mundo, la jugabilidad… Creo que ha terminado la época en que los japoneses hacían algo para Japón y tenía éxito en todo el mundo», analiza. Kojima es uno de los pocos creadores orientales que todavía consigue que todos sus títulos sean un éxito de ventas, aunque no se siente capaz de dar con la receta para recuperar la hegemonía perdida. «Los creadores de mi generación y de mi época no vamos a tener problema. Desde pequeños hemos crecido con la cultura occidental. Las generaciones más recientes viven con la música, las novelas y la televisión japonesa y no tienen una noción del mundo fuera de Japón. Es un gran problema. No se me ocurre una solución, así a la ligera, para que los jóvenes japoneses adopten esta visión global pensando en el extranjero», concluye. ■

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THE

DRUMS «Ya no me fío de los políticos. Ni de Obama» POR IAGO FERNÁNDEZ

Hay grupos que se quedan en el cajón porque sí. Por culpa de una pose sonrojante, del hype desmesurado o un single demasiado cansino. En el caso de The Drums ha sido un poco la suma de todo lo anterior y el añadido de que su cantante se parece a Guti. Por el contrario, hay discos que de repente escuchas mucho porque sí. Por asociarlo a una barbacoa con amigos, porque los temas son pegadizos o por su olor a pelota Nivea. En el caso de Portamento (Moshi-Moshi, 2011) es un poco la suma de todo lo anterior y el añadido de que el cantante —aunque se siga pareciendo a Guti— me ha caído bien. El día 1 de este mes suena en el escenario del Circo Price (Madrid) y el 12 en las tiendas de discos. El señor majete del que les hablo se llama Jonathan Pierce y preferiría estar en la sala de al lado con su novio. Pero no lo sabré hasta más tarde porque parece disfrutar de la entrevista como si fuera la primera, como si nunca antes le hubieran preguntado por Let’s Go Surfing (los silbidos del anuncio del Peugeot 3008). «No es que me arrepienta de esa canción, pero en el primer disco no estaba preparado para hacer algo personal. Decidí cantar sobre tonterías. Aunque sin ese tema quizá nadie se hubiese fijado en nosotros y hoy no existiría Portamento, que para mí es realmente nuestro primer disco. El anterior parece que lo haya compuesto otra persona». ¿Puede haber un estribillo mejor que Oh mama! I wanna go surfing? Sí: Obama! I wanna go surfing. «La escribimos durante las elecciones. Nos dejamos llevar por el entusiasmo del momento, pero he aprendido a no fiarme de los políticos. Ni siquiera de Obama». Al recordar cómo sus vecinos tomaron Times Square para celebrar la muerte de Bin Laden, Pierce se desmarca. «No soy una persona vengativa. Por desgracia, algunos americanos son más patriotas de lo que les conviene. Da miedo tanta alegría por un asesinato, aunque ello suponga la muerte de un monstruo. Tampoco te creas, eran una minoría». Volvemos al nuevo disco y habla de él como de un hijo. «En el proceso de gestación no hubo diferencias con nuestro debut. El

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primero lo hicimos en un dormitorio, y este en la cocina. Aunque si lo escuchas con calma y te fijas en las letras, verás que por primera vez no tengo miedo a mostrar mis sentimientos. Es mucho más real». Niega que la presión del segundo álbum y las ganas de la crítica de condenarlos a flor de un día les hayan condicionado. «Somos humanos y sabemos que hay expectación, pero estábamos demasiado emocionados como para que eso nos afectara. Hicimos quince canciones y hemos grabado doce. Eso se nota». Le advierto que si Portamento tiene el éxito que tanto desea, sus primeros fans renegarán de ellos, como sucede con la mayoría de bandas. Contesta que es posible. Le digo que no, que es seguro. «Nunca he sido de los que esconden su música favorita. ¿Para qué? ¿Para ser más guay que los demás? Ojalá sonaran en la radiofórmula Camera Obscura, The Wake, Orange Juice… Mientras un artista no haga concesiones creativas, ¿por qué criticarlo?». Es curioso que solo mencione grupos escoceses. Tres de tres. «Glasgow es el Nueva York del Reino Unido. De ahí han salido buenos grupos durante décadas. Dicen que sonamos británicos, pero las escenas británica y americana se retroalimentan. Edwyn Collins estaba obsesionado con la Velvet. No se sabe quién influye a quién». La pintas no dejan ver el bosque Desde luego el rollo cool de Nueva York influye a The Drums. O al menos a Jonathan que, aunque se ría de su propio cliché, sabe que a veces su aspecto eclipsa su obra. Es algo que asumes al ponerte una camisa vaquera nevada con pantalón de esquí ochentero bordado en la rodilla y calcetines blancos con bota de media caña el día que te hacen la foto de promoción. «Hoy te puedes dejar una barba hasta el suelo y hacer ruidos raros con un cacharro y aparecer en Pitchfork como el mejor del mundo. Me encantan bandas como Animal Collective, pero existe otra cara del pop que me gusta aun más. Grupos con una imagen cuidada como The Ramones o The Zombies. Nos gusta ese estilo de vieja escuela. Es más divertido. Aunque nos preocupa cómo tocar, no cómo vestirnos». Jonathan mola tanto que su única amiga afincada en España es Kim Ann Foxman, de Hercules and Love Affair, y Björk le acaba de invitar a su nuevo espectáculo (está notablemente emocionado). Con todo, finge ser un tío normal. «Cuando viajo, paseo todo lo que puedo. Me encanta la arquitectura. En Barcelona he visto cosas increíbles. Y no me refiero a Gaudí, sino a cosas más bizarras. Las pocas veces que estoy en mi ciudad también me levanto temprano y salgo a pasear hasta que me agoto. No soporto estar encerrado en casa sin nada que hacer». Confiesa que le queda un sueño por cumplir: «Ser una estrella de cine». Por favor, que alguien ruede un biopic sobre Guti, ¡ya!


MÁQUINAS DE COSER CON AROMA A CAFÉ Hace no mucho parecían uno más de la familia y rara era la casa en la que no había una, pero en los últimos años han sido relegadas a objeto de coleccionista y más apreciadas por su valor romántico y estético que por el funcional. Los cafés costura llegan para rescatarlas del olvido. POR LUISA BERNAL

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Un café costura recupera la idea del cibercafé, sustituyendo los ordenadores por máquinas de coser que se alquilan por horas mientras puedes tomar una bebida. Dispuestos a ponérselo fácil a los amantes del háztelo tú mismo que quieren dar un toque personal a lo que visten, ofertan talleres de iniciación a la costura, para que no nos queden excusas. Pero aun hay más. Costura, en Barcelona (www.costuratienda.com. Dr. Dou, 4), se presenta como una mercería del siglo xxi cargada de servicios añadidos: telas diferentes, alquiler y venta de máquinas de coser, kits importados de Japón con sellos de estampar para customizar ropa y accesorios, rotuladores para tela destinados a convertir tus zapatillas en una prenda única, paquetes de telas que incluyen patrones sencillos para coser la ropa de los niños… Leyla va más allá y nos cuenta: «Todos los diseños propuestos son susceptibles de realizarse con pocas nociones de costura, pero también ofrecemos la posibilidad de que decidas el cómo y nosotras lo hagamos por ti». Las primeras puntadas El proyecto Costura partió de una japonesa, una valenciana y una argentina. «Nos encontramos en la guardería de nuestros hijos y coincidimos en gustos, inquietudes y necesidades». Cada una procedía de un ámbito diferente: Sonia tenía una tienda, Asami es dueña del restaurante Bouzu en el que trabajaba y Leyla era empleada de una productora audiovisual. Pero tenían en común que «todas aprendimos a coser de pequeñas y queríamos volver a ponerlo en práctica. La mecha se encendió cuando una de nosotras buscaba desesperadamente una camisa hawaiana que nunca encontró y eso le hizo pensar en hacérsela ella misma». Teresa, al frente del madrileño Teté Café Costura (www.tetecafecostura.com.

A la izquierda, rollos de tela estampada con los diseños de La Casita de Wendy. Aquí, el acogedor interior del Teté Café Costura de Madrid y su oferta por horas.

San Pedro, 7), siempre ha estado rodeada de hilos y telas: su madre era modista. «En un grupo de teatro experimental de Zaragoza comencé haciendo mis primeros diseños para los actores y más tarde estudié Historia de la Indumentaria y Diseño de Moda». Antes de lanzarse a la aventura de abrir un café costura, trabajaba como estilista de vestuario para televisión pero «en un momento de cambio en mi vida me planteé la idea del DIY [siglas para el háztelo tú mismo inglés] como concepto de negocio creativo». Teté Café dispone de tres espacios diferenciados: el café costura; un showroom de ropa vintage y de diseñadores «para los que no tienen paciencia para hacérselo ellos mismos» y una sala destinada a realizar diversos talleres, que van desde

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el bordado con aguja mágica al diseño de tocados y cursos de costura dedicados especialmente a niños y a hombres —«me pareció una idea divertida y ellos están encantados», cuenta Teresa—. Más allá de estos establecimientos, los talleres escuela para aprender a coser empiezan a tener cada día más demanda. Marian, al frente de Living de Crafts, empezó a crear complementos como hobby pero no tardó en dejar a un lado sus inicios profesionales en el campo del medio ambiente para lanzar su propia línea de ropa elaborada a mano y enseñar, «primero a través de un canal en Youtube sobre costura y manualidades donde realizo tutoriales, reviews y consejos sobre el handmade… y después con talleres presenciales». No hay más que pasarse por las sesiones organizadas en el centro social autogestionado Tabacalera de Madrid para encontrar más pruebas de este creciente interés por los hilos. Allí se puede asistir a talleres que van desde el patronaje africano/occidental hasta al laboratorio de customización de ropa, que se ha convertido en la marca de la casa. Secretos de la estampación Ante este resurgir del mundo de la costura, no es de extrañar que también las materias primas se reinventen y vuelva el interés por crear nuevos estampados textiles. La Casita de Wendy se ha convertido en un referente nacional en la materia. «Empezamos utilizando técnicas más básicas como la serigrafía o pintando a mano, y ahora hemos incorporado la estampación digital». Además de aplicarlo a sus diseños, hace tres años empezaron a impartir clases en su atelier (bautizado como El Estudio); «pensamos que podíamos compartir las cosas que hemos aprendido. En los talleres de estampación enseñamos desde cómo preparar un archivo para estampación digital a cómo utilizar técnicas manuales como los sellos, el stencil y la serigrafía para estampar con pocos medios y conseguir resultados bonitos y profesionales». Por su parte, Silvia Calles impregna todos sus diseños de un inconfundible sello personal estampando sus ilustraciones en prendas cotidianas. «Lo que más me gusta es integrar las ilustraciones en pecheras, bolsillos, pequeños camafeos bordeados con pasamanerías sobre las prendas que diseño… Otra línea de trabajo es la seri-

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grafía en formatos muy grandes. Ahora estoy diseñando un all over para estampar los forros de las prendas de invierno. Serán prendas con sorpresa». Le preguntamos por sus comienzos: «Quise integrar mis ilustraciones en las colecciones de ropa y complementos que ya hacía. Hace años era difícil vender los cuadros que exponía y decidí trasladarlos a las prendas. Primero fueron prints plastiqueros en camisetas y luego serigrafía, pero las ilustraciones perdían la textura del lápiz, perdían alma… Por fin, encontré la estampación digital que respeta al cien por cien los trazos». Su primera estampación fue la carita aniñada de mirada inquieta que hoy es bandera de la marca. Por aquel entonces no podía ni imaginar que algún día existiría una colección Silvia Calles’ closet for MUMA Interiores de muebles y ropa de hogar diseñados individualmente. «El soporte digital nos permite fabricar el sofá, mesa o silla con las ilustraciones,


En la página anterior y sobre estas líneas, detalles de los estantes de Costura en Barcelona y de sus telas. A la izquierda, ilustración de Silvia Calles. Aquí, el taller de Living the Crafts.

fondos y acabados que el cliente prefiera para su casa, hotel u oficina. Con la tecnología se me ha abierto un mundo enorme de posibilidades». Vanessa Lady Desidia nos cuenta más sobre el proceso de producción de sus estampados: «Todo comienza anotando ideas y dibujando bocetos en papel sobre el tema que he elegido. Lo siguiente es escanear y limpiar los dibujos en el ordenador, escalarlos y realizar diferentes composiciones. Luego hay que decidir si se tratará de un all over o un posicional estampado en una parte de la prenda, elaborar el rapport que mejor funciona, hacer pruebas de color, de texturas… y por último, escoger el tejido y el tipo de estampación, encargar la producción y cruzar los dedos para que no haya demasiados problemas. Puede hacerse una producción relativamente pequeña. Nosotros preferimos ofrecer ediciones limitadas que podemos mimar, pero afecta a los costes». Para cuidar el producto final, a Vanessa le gusta colaborar con especialistas: «Diseño los complementos ilustrados, los estampados y dibujo cómo quiero que sean los vestidos. Después delego la confección en alguien que lo hace muy bien. No me he formado como diseñadora de moda, por eso también me gusta hacer colaboraciones, como las colecciones cápsula con Roberto Navazo o los maravillosos bolsos de La Carola». ¿Alguien más se anima a incluir entre sus propósitos para el nuevo curso la creativa tarea de sumergirse entre telas? ■

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Chaqueta con maxiflecos de Miguel Palacio y falda de cuero de Caramelo.


Pasado el calor, nos abandona la pereza y todo se pone en movimiento. Los nuevos proyectos y los ánimos de cambio esperan agazapados la llegada del otoño para salir del armario. Como la lana, el cuero, el pelo, el ante… pieles de temporada para envolverte mientras disfrutas del crujir de las hojas caídas.

FOTOGRAFÍA FEDE SERRA I ESTILISMO PALOMA TIEMBLO I ASISTENTE DE ESTILISMO ANA OSÍS I MODELO JUSTINA (VIEW) MAQUILLAJE VICENTE OVIEDO PARA YVES SAINT LAURENT I PELUQUERÍA QUIQUE SÁNCHEZ PARA SALÓN 44 I AYUDANTE DE PELUQUERÍA DANI GARCÍA PARA SALÓN 44

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Vaquero gris lavado de Levi’s, falda de pelo de Santiago del Palacio, botas de ante de Fornarina y collar de la estilista.


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Abrigo estampado de Dondup, pantal贸n con refuerzos de cuero de Hotel Particulier.


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Vestido con maxiflecos de Miguel Palacio.


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Vestido de Longchamp y collar con chapita de Bimba&Lola. P谩gina siguiente: chaleco de pelo de Kiliwatch, pantal贸n pitillo de piel de Dsquared2 y botas de ante de Fornarina.

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ARTE

CULTUR

UN LUGAR DE ENCUENTRO PARA ESPACIOS CULTURALES

Actividades de CAMON Madrid (septiembre 2011)

www.tucamon.es twitter:@tucamon

Jueves 1 y viernes 2, 16 y 23, de 18:00 a 20:30 h | Photoshop para fotografía urbana. Lunes 5,12, 19 y martes 6, 13, 20, 27, de 17:00 a 20:30 h. Rediseñando Bottup. Martes 6, de 18:30 a 21:30 h | Presentación de la 20º edición del Festival de Cine de Madrid PNR. Del jueves 8 al jueves 16, de 12:00 a 20:00 h | Exposición electrónica del Festival de Cine de Madrid PNR. Lunes 12, de 19:00 a 21:00 h | Presentación del libro homenaje a Mercedes Gaspar dentro del Festival de Cine de Madrid PNR.

*Martes 13, de 19:00 a 21:00 h | Conferencia: Rompiendo moldes. Miércoles 14, de 11:00 a 14:00 h | Proyecto SOS Paisajes de mar, con José B. Ruiz. *Jueves 15, de 16:00 a 20:00 h | I+c+i Investigación e innovación en el ámbito cultural: Educación expandida. Miércoles 21 y jueves 22, de 17:00 a 20:00 h y de 12:00 a 19:00 h | Taller: Street Style. Moda en la calle. *Miércoles 28, de 18:00 a 19:30 h | Conferencia: Las redes check in. *Retransmisión en streaming en www.tucamon.es/directo_mad

Street Style: la moda se echa a la calle En lugar de fijarse en las pasarelas o en los gurús de la industria textil para observar por dónde van los derroteros de la moda, la nueva tendencia invita a fijarnos, cámara en mano, en el street style de la gente de a pie. Pues bien, en el espacio de CAMON Madrid te ofrecemos un taller sobre esta tendencia (días 21 y 22 de septiembre). El primer día, Fernando Mañas, del blog Chic too chic, impartirá una parte teórica donde hará un recorrido por la historia de la fotografía de moda vs. la fotografía urbana y por las técnicas fotográficas más utilizadas. Todos estos conocimientos se plasmarán en el segundo día con sesiones de fotos en la calle. Y recuerda, todas las actividades que se desarrollan en cualquier centro CAMON son gratuitas hasta completar aforo. Sólo tienes que registrarte a través de la web y apuntarte a la actividad.

TEDx Alicante, los nuevos retos de la música

Veinte años de sueños en corto

Los TEDx son eventos oficiales promovidos por esta reconocida web de conferencias locales en formato de 20 minutos que permiten disfrutar de una experiencia similar a las conferencias TED. Una serie de ponentes —que iremos desgranando en tucamon.es— compartirán con el público experiencias e ideas para inspirar, guiar y también entretener. El primer TEDx Alicante se desarrollará en el espacio CAMON y estará dedicado a los nuevos retos, modelos de negocio y formas de comunicación que se están desarrollando en el mundo de la música.

La 20º edición del Festival de Cine de Madrid que organiza Plataforma de Nuevos Realizadores consolida este evento como una de las referencias del cine español. CAMON Madrid se convierte en uno de los escenarios principales donde se desarrollarán las actividades del festival. Así, además de la presentación oficial, el martes 6 de septiembre el espacio CAMON de plaza de Moncloa acogerá los actos de homenaje a la cineasta Mercedes Gaspar, varias proyecciones y una exposición de fotografía electrónica y visionado de secuencias.

CAMON Alicante: avenida Ramón y Cajal, 5 | Tel. 965 905 949. CAMON Cigarreras, Alicante: calle San Carlos, 78. Antigua Fábrica de Tabacos | Tel. 965 205 903.

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CAMON Madrid: Plaza de Moncloa, 1; acceso por Princesa | Tel. 915 437 036. CAMON Murcia: calle Madre Elisea Oliver Molina, s/n. Antiguo Cuartel de Artillería, Pabellón 5. Primera planta | Tel. 968 259 667


CULTURARTE

'Todas las cartas'. Correspondencias fílmicas

MARÍA MELLADO

En 2005 La Casa Encendida y el CCCB iniciaron un proyecto de intercambio de ideas filmadas entre dos cineastas con el fin de indagar en un nuevo formato audiovisual. Víctor Erice y Abbas Kiarostami fueron los primeros en establecer una correspondencia fílmica, y después se invitó a Isaki Lacuesta y Naomi Kawase, Jaime Rosales y Wang Bing, Albert Serra y Lisandro Alonso, José Luis Guerin y Jonas Mekas y Fernando Eimbcke y So Yong Kim. A partir del 19 de septiembre podrán verse Todas las cartas, y algunos de los directores —como Guerín, Mekas, Serra, Lacuesta, Alonso y So Yong Kim— participarán en coloquios abiertos al público.

FOTO: JOSÉ

Distintas corrientes estéticas se dan cita en PoeMaD PoeMaD, Festival de poesía de Madrid, es un punto de encuentro entre las diferentes corrientes estéticas de la poesía actual, un diálogo entre autores consolidados y emergentes. Del 19 al 21 de septiembre, se darán cita algunas de las voces más representativas del panorama nacional como Antonio Gamoneda, Andrés Newman, Olvido G. Valdés, o Chantal Maillard.

Migraciones. Un planeta en movimiento En 2010 había en el mundo alrededor de 230 millones de personas residiendo lejos de su hogar, incluyendo a los migrantes legales y clandestinos, lo que representaba casi un 3,5% de la población mundial. En esta exposición, comisariada por Le Monde Diplomatique en español, se presentarán y analizarán estos desplazamientos, transferencias y circulaciones con sus complejidades y los límites asumidos de la estadística, justo cuando la cuestión de la migración moviliza a instituciones nacionales e internacionales. Las migraciones son un fenómeno complejo, el reflejo de la organización de nuestro mundo, el síntoma de sus fracturas. Pero ante todo, la migración está relacionada con la identidad y la seguridad, con la supervivencia. Esta muestra podrá verse a partir del 23 de septiembre, en la terraza.

Nueva edición del ciclo 'Artes escénicas y discapacidad'

Ritching Deutsch, de Elena García.

Piensa Madrid 4, un foro abierto a la sociedad civil INTRODANS / FOTO: HANS GERRITSEN

Cuatro compañías profesionales llegadas desde Escocia, Francia, Países Bajos y España, y que trabajan desde lenguajes contemporáneos, integran la IX edición del ciclo Artes escénicas y discapacidad. Durante tres fines de semana de septiembre mostraremos la diversidad de lenguajes que surgen a partir del concepto de diferencia, intentando potenciar desde la escena lo radical del cuerpo y la mente humana y sus posibilidades de expresión. Comenzaremos con la pieza Et puis j’ai demandé à Christian de jouer l’intro de Ziggy Stardust, de la compañía A Glam Project/ Renaud Cojo/Ouvrele chien. En un programa doble, podremos ver primero la pieza de danza Submerge, de Indepen-Dancela, y después, The Encounters: lodgers, de la compañía Introdans. Para finalizar, la compañía madrileña Lisarco Danza nos presentará su obra Heróica 3.

La plataforma Piensa Madrid, dirigida por Ariadna Cantis y Andrés Jaque, se centra en esta edición en el papel que la sociedad civil puede jugar en la gestión y el diseño de Madrid. Dos jornadas de reflexión y debate, el 28 y 29 de septiembre, que contarán con la participación de asociaciones, activistas, filósofos y arquitectos como Eloy Fernández Porta, Jordi Claramonte, Begoña Marugán, José Pérez del Ama y Enrique Serrano.

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POR NANI F. CORES

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

Zaragoza independiente Ya es tradición que el FIZ reúna en la capital maña a los indies de la región y de otros muchos lugares de España. Aunque este año se celebra el primero de octubre, te vamos avisando para que no te lo pierdas: James, Vetusta Morla, Standstill, Delorean y The Faith Keepers conforman el cartel de la nueva edición. Lo mejor, que las entradas siguen teniendo un precio más que razonable: 33 euros. ZARAGOZA / 1 de octubre / Sala Multiusos / www.fizfestival.com

DETALLE DE 'EL BESO II' (2010), DE MANUEL PÉREZ (GALERÍA BAT

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ALBERTO CORNEJO).

Otra ración de Ego, por favor

Puertas abiertas de par en par al arte Tienen un papel fundamental en la difusión del arte contemporáneo, muchas veces ofrecen oportunidades a artistas que no pueden acceder al circuito oficial y, sobre todo, nos dejan mirar sin tener que pagar entrada. Las galerías de arte inician una nueva temporada con tres días de inauguraciones simultáneas bautizados como Apertura 2011, durante los cuales incluso ampliarán sus horarios. Por segundo año consecutivo e inspirándose en iniciativas similares de ciudades como Berlín o Nueva York, las cerca de cincuenta galerías que conforman la asociación ArteMadrid abren sus puertas de par en par para que disfrutemos de sus nuevas exposiciones. Además, el sábado de 11.00 a 15.00 h servirán un brunch y el colofón será un cóctel en el Matadero para el estreno de la exposición Proyecto Juárez. MADRID / Del 15 al 17 de septiembre / Por toda la ciudad / www.artemadrid.es

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Sin desdeñar los impresionantes desfiles a los que nos tienen acostumbrados los grandes diseñadores en Cibeles, nosotros queremos fijarnos en esa otra pasarela que nos descubre los nombres de la moda que viene. El Ego se celebrará en la última jornada de la semana de la moda con cinco desfiles dobles, además del showroom de venta al público que estará abierto durante toda la feria. Y como curiosidad, dentro del año dual España-Rusia, un desfile de veinte creadores de moda rusos. MADRID / IFEMA / Del 16 al 20 de septiembre / Más en www.ifema.es

Dominio a los platos Durante todo el mes y por segundo año, Red Bull Thre3style viajará a Barcelona (día 9), Madrid (día 15) y Valencia (día 16) en busca del DJ más completo. Los seis mejores se jugarán el día 30 en Madrid su pase a la final internacional de Canadá. Tienes quince minutos y un mínimo de tres estilos musicales para ganarte al público. VARIAS CIUDADES / redbullthre3style.com


SEPTIEMBRE 11

El cine como objeto de deseo Películas que no deberías perderte, en Donosti Auténticas perlas esperan a los aficionados en la 59ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, que inaugurará Juan Carlos Fresnadillo con su nuevo trabajo, Intruders. Habrá mucho cine español, como el esperado regreso de Isaki Lacuesta con Los pasos dobles [foto], pero también interesantes estrenos internacionales: Kim Ki-duk, Sarah Polley, Julie Delpy, Kore-eda… Para demostrar que ser cinéfilo es compatible con entregarse al placer, dos nuevas secciones invitarán a los espectadores a dar rienda suelta a sus deseos: Sesiones de medianoche (programas dobles de títulos de género, con nocturnidad y alevosía y empezando por películas eróticas japonesas) y proyecciones gastronómicas con cena incluída que abrirá Mugaritz BSO, de Felipe Ugarte y Juantxo Sardon. En el apartado Retrospectivas, dos ciclos temáticos repasarán el cine negro americano de las últimas tres décadas (bajo el sugerente título American Way of Death) y las producciones chinas más recientes (Sombras digitales).

LUIS DÍAZ DÍAZ

SAN SEBASTIÁN / Del 16 al 24 de septiembre / www.sansebastianfestival.com

Un buen vistazo a Asia Central

Tres años de Daisy Market

MTV se trae la playa a Madrid

El Festival Asia cumple una década de promoción de la cultural oriental, con protagonismo de Asia Central. Habrá música, como el grupo de fusión japonesa Pe’z Samurai Jazz Band [foto], espectáculos de lucha de Mongolia y la India o una jornada familiar al aire libre para despedir las fiestas de la Mercè.

La feria de moda gallega continúa apostando por los nuevos diseñadores (Sara Coleman, Xoanyu, Malahierba… participan en el showroom este año). Como novedad, en su tercera edición acogerá además un congreso con conferencias, talleres y mesas redondas sobre el estado de la moda en la actualidad.

Pero solo metafóricamente, con la celebración del festival MTV Madrid Beach. En el entorno de Madrid Río, propone tres días de deportes urbanos por la tarde (skate y BMX) y conciertos a partir de las 21.00 h. Triángulo de Amor Bizarro [foto], No Way Out, Delorean o Nothink son algunos de los grupos confirmados.

BARCELONA / Del 16 al 25 / Varios espacios / www.festivalasia.es

CORUÑA / Días 24 y 25 de septiembre / ExpoCoruña / www.daisymarket.es

MADRID / Días 1 a 3 / Explanada del Puente del Rey (Príncipe Pío) / Entrada gratuita

El paraíso de los jugones

La música, vivita y coleando

Da igual el tipo de videojuegos que te gusten, porque todas las empresas del sector estarán presentes en una nueva edición de Gamefest. Y para nostálgicos, el espacio RetroMadrid repasará su historia y desempolvará títulos con más de 25 años de vida.

Los Evangelistas (supergrupo surgido de la unión de Lagartija Nick y Los Planetas), el trío madrileño de jazz Dead Capo, Carles Santos y Cabo San Roque, Pascal Comelade con la Cobla Sant Jordi, la peruana Susana Baca, los catalanes Anna Roig i L’ombre de ton chien [foto]… son una buena representación de la variedad de sonidos a descubrir en la 23ª edición del Mercat de Música Viva de Vic.

MADRID / Del 29 de septiembre al 2 de octubre / IFEMA / www.gamefest.es

VIC / Del 14 al 18 de septiembre / www.mmvv.net

Noise Off, el festival digital

Rizoma se muda a la gran ciudad

Ya tardábamos en convertirnos en festivaleros digitales y la hazaña es posible gracias al festival Noise Off, que se celebrará on-line de septiembre a diciembre. Músicos de todos los estilos escogerán su lugar soñado para los conciertos, que se seguirán por internet. Y en enero habrá versión offline en el Orange Café (Madrid).

Sin él, el concepto de trash tal y como hoy lo entendemos no tendría sentido. Director de culto de títulos como Pink Flamingos, Hairspray o Polyester, John Waters recalará en Madrid como reclamo principal de la segunda edición del festival Rizoma. La cita ofrecerá un ciclo de películas del realizador, conciertos y exposiciones homenaje a su ciudad natal, Baltimore e, incluso, barbacoas al más puro estilo americano.

EN INTERNET / www.noiseofffestival.com

MADRID / Del 6 al 11 de septiembre / www.rizomafestival.com Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda.

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CINE

‘EL ÁRBOL DE LA VIDA’: LAS RAÍCES DEL ALMA TERRENCE MALICK FIRMA SU OBRA MAESTRA

¿TARDE PARA UNA CANA AL AIRE? Le descubrimos como uno de los coguionistas de la cruda Gomorra, pero, sin embargo, ha sido con su faceta de director e intérprete de comedias cuando nos ha conquistado por completo. Después de Vacaciones en ferragosto (con la que debutó superados los cincuenta tacos), Gianni de Gregorio repite fórmula con una historia donde su mamma, las mujeres en general y la sombra de una cana al aire cobran protagonismo absoluto. ¿El Woody Allen italiano? Pasen, vean, desterníllense y comparen. GIANNI Y SUS MUJERES.

Italia, 2011 / Dir.: Gianni de Gregorio / Estreno: 26 de agosto

La niñez, esa edad temprana que marca para bien y para mal.

Cualquier aficionado al séptimo arte no puede más que alegrarse por esta segunda edad de oro que parece estar viviendo Terrence Malick. Su última (gran) obra, El árbol de la vida, le está reportando algunos de los mejores momentos de su atípica carrera: Palma de Oro en el Festival de Cannnes y, ahora, el premio FIPRESCI que recibirá (aunque no sea personalmente) en el Festival de San Sebastián. Atrás quedan los duros momentos profesionales y su voluntaria retirada de más de veinte años tras el fiasco comercial que supuso su segunda película, Días del cielo, a pesar de su premio a la Mejor Dirección de Cannes en 1979. Malick ha resucitado. Y comparte con nosotros esta epifanía de la vida, que en ocasiones evocará a maestros como Kubrick (a quien le une también su animadversión a las apariciones públicas), Bergman o Tarkovsky. Su quinta película en cuarenta años, el proyecto del montaje infinito (retrasó un año su presentación en Cannes por este

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motivo), es toda una experiencia visual que oscila entre lo más personal de cada uno de nosotros y lo más universal. Un trayecto vital que entrelaza los recuerdos infantiles de un hombre insatisfecho (Sean Penn) con imágenes hipnotizantes sobre el origen del mundo. Poesía cinematográfica que rememora la infancia de Jack en algún lugar del medio oeste americano en los años cincuenta —un padre estricto (Brad Pitt) que no supo corresponderle, los estrechos lazos que lo unieron a su hermano muerto o la delicadeza y amor infinito de su madre (Jessica Chastain)— para demostrar que en la niñez, en sus vivencias y, sobre todo, en sus dolores y traumas encontraremos la esencia del adulto que seremos después. Prepárense para un viaje con final abierto a las raíces del alma humana. El cine convertido en acto de fe o de espiritualidad en busca de la razón de ser de cada cual. EL ÁRBOL DE LA VIDA. EE UU, 2010 / Dir.: Terrence Malick / Estreno: 16 de septiembre

CON UN PIE EN EL OTRO MUNDO El francés Gilles Marchand (otrora asesor artístico de Laurent Cantet), nos propone este homenaje a la cultura siniestra, el cómic, el videojuego y la realidad virtual. A pesar de tenerlo todo para ser feliz, su joven protagonista, Gaspard, se siente poderosamente atraído por una oscura muchacha que acabará arrastrándole a Black Hole (una comunidad al estilo Second Life) donde los pactos suicidas están a la orden del día. BLACK HEAVEN.

Francia, 2010 / Dir.: Gilles Marchand / Estreno previsto: 9 de septiembre


LA VENGANZA SEGÚN ALMODÓVAR Almodóvar se pone duro, más amargo que nunca, con una historia donde las pasiones descabelladas, las miserias humanas y las ansias de venganza están a flor de piel. En una mixtura que abarca el thriller, el gore más refinado, el terror y la ciencia-ficción biológica, enfrenta a un cirujano-monstruo (Banderas, al que recupera 20 años después de Átame) con una superviviente nata (fascinante Elena Anaya). Partiendo de la novela Tarántula de Tierry Jonquet y mirando de cerca al clásico de terror francés Los ojos sin rostro (Georges Franju,1960), deja claro que su cine sigue siendo particularísimo y que por mucho que mute por fuera el ser humano, lo de dentro no lo cambia nadie. Y menos, si hay amor y odio por medio. LA PIEL QUE HABITO. España, 2010 / Dir.: Pedro Almodóvar / Int.: Elena Anaya, Antonio Banderas, Marisa Paredes, Roberto Álamo / Estreno previsto: 2 de septiembre

LA FAMILIA BIEN, GRACIAS

CINE EN CORTO

EL PRECIO DE LA CARNE La unión hace la fuerza y si no, que se lo digan a la terna de realizadores compuesta por Iván Sáinz-Pardo (El escondite de Iván), el alemán Dirk Soldner y Jim-Box (ganador de varios premios en Notodofilmfest). En 2007 rodaron juntos La marea y ahora repiten con La mirada circular, cortometraje que presentaron en la pasada edición de Sitges y que ya ha sido seleccionado en más de cuarenta festivales. Su argumento lanza dardos envenenados a esa sociedad de consumo que se pasea indiferente frente al sufrimiento de otros seres. LA MIRADA CIRCULAR. 12 minutos / Puedes verlo en: www.jim-box.com/cortos.htm

En estos tiempos de crisis, y más para el negocio del cine, resulta satisfactorio comprobar cómo algunos se lanzan a la piscina con pequeñas iniciativas. Es el caso de la recién nacida distribuidora española Good Films, que se estrena con una sencilla pero deliciosa cinta francesa: Stella. Tirando de referencias autobiográficas, la actriz y realizadora Sylvie Verheyde nos traslada a los años setenta para presentarnos a Stella y su atípica familia. Criada en un bar de extrarradio, con el ambiente que ello conlleva, la pequeña inicia una nueva etapa en un colegio de élite que acaba por descubrirle un nuevo mundo repleto de posibilidades. Nostalgia de lo retro y referencias claras a otros títulos de temática preadolescente como El erizo o Los 400 golpes. STELLA. Francia, 2008 / Dir.: Sylvie Verheyde / Int.: Léora Barbara, Karole Rocher, Benjamin Biolay, Guillaume Depardieu / Estreno previsto: 9 de septiembre

POR UN PUÑADO DE DÓLARES (O CORONAS) Considerada como la The Wire sueca y tras haber batido récords de taquilla en su país de origen, aterriza en España la película que se sumerge de lleno en los bajos fondos de Suecia (que aunque los suecos parezcan muy sobrios y ordenados también tienen de esto, como ya demostró Stieg Larsson en su trilogía Millennium). Basada en el best seller de Jens Lapidus —este abogado criminalista reconvertido en novelista supera el millón de copias vendidas—, Dinero fácil seducirá a los amantes de los montajes trepidantes y las historias de mafia al más puro estilo de clásicos como El padrino o Scarface. Porque ya saben, hay malos y malos, y los de esta película son de los que superponen su particular visión del honor (criminal) a todo.

¿CÓMO LLEGA UN BILLETE AL SUELO? Un chicle, una lata de cerveza oxidada, un coche cubierto, una correa de perro, un tipo noqueado en el suelo [el de la foto] y un niño que salta sobre un colchón abandonado. Cada uno de ellos, por separado, posee su propia historia pero juntos construyen una nueva: la que explica cómo puede llegar un billete de 50 euros al suelo. Con estos elementos y un montaje magistral, el realizador catalán Víctor Carrey (cachorro de la Escac) firma un trabajo que se ha llevado de calle al jurado de festivales como REC de Tarragona, Curt Ficctions y FIB Cortos. LA HUIDA. 11 minutos / Dir.: Víctor Carrey / Puedes verlo en: www.filmin.es/corto/la-huida

DINERO FÁCIL. Suecia, 2010 / Dir.: Daniel Espinosa / Int.: Joel Kinnaman, Matias Padin Varela, Lisa Henni, Annika Whittembury / Estreno previsto: 26 de agosto

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TEATRO

TOM STOPPARD Y EL NACIMIENTO DE UNA ERA

LA COSTA DE UTOPÍA. Madrid (Teatro Valle-Inclán) / Del 28 de septiembre al 1 de octubre / cdn.mcu.es

A VUELTAS CON LA MUERTE Desde que Diego Lorca y Pako Merino se conocieron en la Escuela de Teatro Jacques Lecoq de París y decidieron unir fuerzas creando su propia compañía teatral, Titzina Teatro, hace ahora una década, todos sus montajes han transitado por temas espinosos. Comenzaron hablando de la locura en Folie a deux, sueños de un psiquiátrico, continuaron escarbando en los conflictos bélicos con Entrañas y, ahora, en Exitus, se enfrentan a la mismísima muerte. Con más de 170 funciones a sus espaldas, llega por primera vez a Barcelona esta obra que huye de lo melodramático para afrontar la muerte no solo desde la perspectiva del que se va sino también del que pierde a un ser querido. Lorca y Merino —autores además del texto y responsables de la dirección— dan vida sobre el escenario a varios personajes (un funerario, un hombre que busca trabajo, un directivo de un laboratorio farmacéutico y un abogado) a los que les toca apechugar con la terrible experiencia. EXITUS. Barcelona (Villarroel) / Del 5 al 18 de septiembre / www.lavillarroel.cat

UNA NOCHE EN LA ÓPERA La compañía catalana Els Joglars cumple cincuenta años sobre los escenarios y se prepara para celebrarlo por todo lo alto. Para empezar los fastos han decidido desempolvar uno de sus montajes más insignes, El Nacional, mítico musical estrenado en 1993 que ahora se presenta renovado. Obra de Albert Boadella, recupera a la soprano Begoña Alberdi —que ya interpretó el papel de la Casta Diva en 1993—, y cuenta también con la participación de los actores habituales de Els Joglars, encabezados por el gran Ramón Fontseré. Don José, el viejo acomodador del abandonado Teatro Nacional de Ópera, ofrece a una panda de indigentes representar Rigoletto a cambio de techo y cobijo. Ahí arranca esta bufonada que se ríe de la «farándula elitista, petulante y sumisa, que ha degradado el gremio de lo que fue el glorioso oficio de pícaros, putas, cabrones y maricones enterrados fuera del camposanto», según palabras del propio Don José. El delirio hecho obra. EL NACIONAL. Madrid (Nuevo Teatro Alcalá) / Hasta el 13 de noviembre / www.gruposmedia.com

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RAMT

Se considera digno heredero de grandes autores teatrales británicos como Pinter y Osborne y sus obras beben directamente de maestros como Chéjov y Beckett. Desde su primer texto, Rosencrantz y Guildenstern han muerto (1967), hasta el más reciente Rock’n’Roll, todos sus trabajos beben de dos fuentes comunes: la mezcla de lo cómico (o irónico) y lo intelectual. Gracias al ciclo Una mirada al mundo organizado por el Centro Dramático Nacional, llega a Madrid una de las obras cumbre de Tom Stoppard: La costa de la utopía. Un mastodóntico montaje de más de nueve horas de duración, que se podrá ver dividido en tres partes (28, 29 y 30 de septiembre) o de un tirón (1 de octubre). De la mano del RAMT (Teatro Académico de la Juventud de Rusia) emprenderemos un intenso viaje por la Rusia del siglo xix, que reúne sobre el escenario a una generación de intelectuales comprometidos con el fin de la servidumbre del campesinado, el autoritarismo de los zares y la falta de justicia y libertad. En pocas palabras: la visión stoppardiana del origen del pensamiento de izquierda. Como dice su traductor al ruso, Arkadi Ostrovski: «Stoppard devuelve a Rusia su propio retrato pero este retrato nos recuerda nuestros propios rasgos perdidos».


MÚSICA

EL SUR TAMBIÉN EXISTE (Y LE GUSTA EL INDIE) SOUTH POP ISLA CRISTINA, PASO A PASO

ROCK’N’ROLL EN LOS GENES Ahora que medio mundo llora la muerte de Amy Winehouse, quizás sea el momento adecuado para reivindicar al que fue, en vida de la diva, uno de sus grupos favoritos: Kitty, Daisy & Lewis. Este trío británico compuesto por los hermanos Durham publicaba el pasado mes de mayo su segundo álbum, Smoking in Heaven, que ahora presentan en una extensa gira por nuestro país. Atentos a esas pegadizas canciones que beben de sonidos añejos como el rockabilly, el blues, el swing y el ska y lo actualizan en una nueva vuelta de tuerca.

G. DURHAM

KITTY... 30 sept., Barcelona / 1 octubre, Valencia / 2, Bilbao / 4, Mallorca / 6, Madrid / 8, Sevilla

Festival musical del sur de España busca público. Stop. Se ofrece auditorio al aire libre en el que no se solapan las actuaciones y rodeado de cinco mil metros cuadrados de césped. Stop. Posibilidad de alojarse en un hotel de cuatro estrellas a precio de ganga, situado a cien metros del recinto del festival y de la playa y con sesiones de DJ en la piscina. Stop. Si tu presupuesto es más modesto también puedes disfrutar de un camping de primera totalmente gratis con el precio de la entrada. Stop. La organización pone a disposición de los asistentes y de forma totalmente gratuita autobuses desde Sevilla, así como servicio de guardería y barbacoa de despedida. Stop. El buen tiempo está asegurado (no en vano se celebra en una de las localidades más soleadas de España: Isla Cristina, Huelva). Stop. Precios populares para las entradas (39 euros el abono y 25 euros la entrada para un solo día). Stop. Y por supuesto, lo que no

puede faltar en un festival de música que se precie: artistas de primera línea. Punto y seguido. Como cabezas de cartel dos grupos esenciales para entender la música indie de los diez últimos años: los ingleses Saint Etienne y el francés Dominique A. A ellos se ha sumado, a última hora, Micah P. Hinson, que con The Pioneer Saboteurs interpretará el mítico álbum Trompe le monde de los Pixies. Punto y aparte. Más nombres franceses, Laetitia Velma (con quien Dominique A ha colaborado durante el último año) y Exsonvaldes; otro belga, Mièle; y uno finlandés, el del dúo femenino Le Corps Mince de Françoise. Stop. Y para completar tanta joya, varias nacionales: Montevideo, Odio París, Linda Mirada [foto], CatPeople, Pony Bravo e Hidrogenesse en formato DJ. Stop. Interesados diríjanse cuanto antes al South Pop Isla Cristina (plazas limitadas). SANTA TERESA SOUTH POP. Isla Cristina (Huelva) / 9 y 10 septiembre / southpopfestival.com

Superada con éxito la barrera psicológica de la primera década, Ebrovisión se prepara para dar la bienvenida a su undécima edición. Fiel a su filosofía, el festival burgalés apuesta una vez más por la cantera nacional para despedir el verano como se merece. En su cartel, nombres como Delorean, Pony Bravo, Bigott o Maga. Y en el terreno internacional: The View, Micah P. Hinson o Javiera Mena [en la imagen]. EBROVISIÓN. Miranda de Ebro (Burgos) / Del 15 al 17 de septiembre / www.ebrovision.com

ROD

Linda Mirada haciendo justicia a su nombre artístico.

EXPRIMIENDO EL VERANO

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MÚSICA

Probablemente el nombre de Kathryn Calder, así a secas, no te diga demasiado. Pero si añadimos que es una de las integrantes de The New Pornographers seguro que logras situarla en el mapa musical. La teclista y cantante de la banda canadiense presenta en España su primer álbum en solitario, Are You My Mother? (2010), un compendio de bellas y tranquilas melodías dedicadas a su desaparecida madre que cuenta, además, con la colaboración estelar de otra gran voz, la de su gran amiga y compañera de banda Neko Case. KATHRYN CALDER. 13 de septiembre, Barcelona / 15, Vic / 16, Ourense / 17, Vigo

LA BELLEZA OCULTA EN EL DOLOR Cuando en el año 2007 Scott Mathew publicaba su disco debut (de título homónimo) descubrimos a un artista situado en algún punto intermedio entre Antony Hegarty (de Antony and the Johnsons) y Rufus Wainwright. Su música dejaba de lado el dramatismo del que tanto alardea el primero y huía del histrionismo tan característico del segundo para fomentar un estilo propio, desolado, sí, pero también folk, íntimo, delicado y tranquilo. Mucho ha llovido desde aquel álbum y mucho más desde que este australiano barbudo, neoyorquino de adopción, apareció interpretándose a sí mismo en la libertina Shortbus de John Cameron Mitchell. Después de aquello le llegó el turno al que probablemente sea el disco con el título más largo de la historia, There Is An Ocean That Divides and With My Longing I Can Charge It With A Voltage That’s So Violent To Cross It Could Mean Death (chúpate esa), y otro recién salido del horno, Gallantry’s Favorite Son (Glitterhouse / Music as Usual, 2011), que ahora se acerca a presentarnos. En él, Scott mantiene viva la llama de ese crooner que canta con sentimiento al desamor y la soledad pero, y aquí la novedad, también nos muestra su lado más luminoso. Bienvenido sea.

MICHAEL MANN

ESE ‘SAVOIR FAIRE’ CANADIENSE

SCOTT MATHEW. 27 de septiembre, Madrid / 28, Zaragoza / 29, Murcia / 30, Barcelona

VIVA LA ‘RENTRÉE’ La rentrée posveraniega puede hacerse mucho más llevadera gracias a los ciclos musicales de Heineken Music Selector. En septiembre se inaugura la segunda temporada del 2011 con el esperado concierto de presentación del nuevo disco de The Drums (junto a Okkervil River el día 1 en el Circo Price). Además, Anna Calvi (15, Durango; 16, Barcelona; 17, Valencia) y Delorean (24, Málaga). HEINEKEN MUSIC SELECTOR. musica.heineken.es/hms/

Con casi veinte años a las espaldas, el BAM (Barcelona Acció Musical) se renueva por dentro —Carles Conesa se estrena al frente de la dirección artística— y por fuera —nueva imagen—, pero lo que permanece inalterable es la vocación con la que nació esta singular cita: inundar de música Barcelona durante tres días, gracias a varios escenarios repartidos por diversos puntos de la ciudad. Y como en otras ocasiones, las propuestas seleccionadas abarcan variedad de estilos como, por ejemplo, el folk patrio de Bedroom y Senior i El Cort Brutal y propuestas similares de colegas foráneos como Herman Dune —en la imagen y de plena actualidad tras la publicación de Strange Moosic— o la cantautora canadiense Little Scream, que sigue la estela de sus compatriotas Neko Case o Kathryn Calder [ver noticia de la derecha]. El indie español también estará representado por el Grupo de Expertos Solynieve, Parade, Single, Cuchillo, Astrud y el Col.lectiu Brossa, Guillamino, Remate, etc. Entre las figuras internacionales encontramos a Aloe Blacc, el productor de dubstep británico Zomby, sus paisanos Portico Quartet con su jazz de nueva generación y el poprock tribal y delirante de los estadounidenses Man Man. BAM (BARCELONA ACCIÓ MUSICAL). Barcelona / Del 22 al 24 de septiembre / www.bcn.cat/bam/2011

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ESTELLE HANANIA

LA MÚSICA TOMA LAS CALLES


DISCOS

BEIRUT

JOHN MAUS

SCOTT MATTHEW

THE RIP TIDE

WE MUST BECOME THE PITILESS CENSORS OF OURSELVES

GALLANTRY’S FAVORITE SON

Encontrar un camino más accesible no quiere decir, necesariamente, que uno pierda la identidad por el camino. Esto es lo que se desprende tras escuchar lo nuevo de Zach Condon. Difundamos las virtudes del espléndido The Rip Tide, un álbum que se libera de la excesiva fanfarria y las influencias de la Europa del Este y los Balcanes a favor de una instrumentación más depurada y un sonido donde predomina, ante todo, lo pop. Resulta paradójico que dejando de lado su espíritu más world music, Condon logre su disco más universal. Menos es más.

He aquí el hombre designado para convertirse en el fenómeno musical independiente del año. Tras cuatro años de silencio desde su segundo álbum, Love Is Real, este profesor de filosofía reconvertido en músico (aplaudimos la decisión) contraataca con un trabajo cuasi perfecto que le sitúa en la estela de otros revolucionarios como Ariel Pink o Animal Collective (con quienes colaboró en sus inicios). Synthpop preciosista, lo-fi melancólico y resonancias que van de Joy Division (Quantum Leap) al Giorgio Moroder más bailable (Keep Pushing On).

«Llegué a un acuerdo conmigo mismo», dice Scott Matthew refiriéndose a la luminosidad que, por fin, desprende su tercer álbum de estudio. Sigue cantándole al amor y, sobre todo, al dolor que implica quedarnos sin él; sigue poniéndonos los pelos como escarpias con intensos temas como Black Bird o Sinking, sigue estremeciéndonos con su hermosa y sufrida voz, pero, por primera vez en su carrera, Matthew abre la puerta a melodías brillantes y alegres. Es oír canciones como Felicity o The Wonder Of Falling In Love y no creérselo, oiga. Demos la bienvenida al Scott más deslumbrante.

beirutband.com

mausspace.com

www.scottmatthewmusic.com

WOODEN SHJIPS

ANIKA

THE DRUMS

WEST

ANIKA

PORTAMENTO

Si en junio os recomendábamos encarecidamente a Moon Duo (proyecto paralelo de Ripley Johnson y su novia Sanae), tampoco podíamos pasar por alto ahora la tercera entrega de su grupo madre: Wooden Shjips. Fieles a su estilo, los de San Francisco transitan por la psicodelia y el rock and roll visceral en su convencimiento de que la música es el mejor camino para llegar a un estado hipnótico. Como novedad, abandonan la autoproducción para ceder el sitio a Phil Manley de Trans Am en el estudio y a Peter Kember (Spacemen 3) en la remasterización. Opiáceo.

Hasta hace bien poco la vida de Anika transcurría a caballo entre Bristol y Berlín, ciudades donde ejercía como periodista política y promotora musical. Hasta que se cruzó en su camino Geoff Barrow, miembro de Portishead y padre del proyecto de electrónica experimental Beak>. Juntos han grabado en doce días uno de los debuts más sorprendentes de la temporada. Ritmos repetitivos y oscuros, versiones irreconocibles (Yoko Ono, Dylan o The Kings) y una muy peculiar forma de interpretar, desafinada y desganada, repleta de reverberaciones y distorsiones. Un shock.

Se acabó la espera. Después de dejarnos con el caramelito en la boca tras el lanzamiento en verano de su single de adelanto, Money, la banda de Brooklyn liderada por Johnny Pierce desembarca con los bolsillos repletos de nuevas chucherías pospunk y surf-rock. No caben muchas sorpresas —imposible superar el impacto que causaron con su debut— pero sí grandes satisfacciones, sobre todo, para los amantes de su optimista sonido, sus armonías vocales, sus reminiscencias tan Smiths y, claro está, sus buenos bailes a lo Ian Curtis.

www.woodenshjips.com

anika.bandcamp.com

thedrums.com

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ARTE

UN PUZLE HECHO CON LOS RESTOS DEL DOLOR TORRES RECUPERA EL TESTAMENTO DEL 11-S

JUAN GATTI, PUESTA DE LARGO Como anticipo de la muestra que le dedicará en noviembre el Canal de Isabel II, La Fresh Gallery presenta la que será la primera exposición en la extensa y prolífica carrera de Juan Gatti. Diseñador gráfico, director de arte en el mundo de la moda y la música, fotógrafo y Premio Nacional de Diseño, entre otras muchas cosas, Gatti nos mostrará parte del trabajo realizado para la película La piel que habito de Pedro Almodóvar, quien le ha confiado la estética gráfica de sus filmes desde hace casi veinte años. CIENCIAS NATURALES. La Fresh Gallery (Madrid) / Desde el 16 de septiembre

Una de las impactantes imágenes obtenidas por Francesc Torres en el Hangar 17 del JFK.

«El 11 de septiembre de 2001, a las 8.46 de la mañana, estaba frente a la ventana de un apartamento de la duodécima planta del número 11 de Courtland Street, a dos manzanas del World Trade Center, cuando, de repente, se acabó el siglo xx». Quien así habla es Francesc Torres (Barcelona, 1948). Como tantos miles de personas, este fotógrafo catalán fue testigo directo del atentado contra las Torres Gemelas. El destino ha querido que, ocho años después del desastre, se le concediese permiso para acceder al Hangar 17 del aeropuerto JFK de Nueva York, una inmensa nave donde se guardan los restos de aquel fatídico día a partir del cual el mundo no volvió a ser el mismo. Un total de 24.000 metros cuadrados han albergado durante estos diez años más de 1.500 objetos, todos ellos muy malogrados, con el objetivo de que arquitectos e ingenieros pudieran documentar la historia del 11 de septiembre. Muchos de ellos se exhibirán

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en el National September 11 Memorial Museum, y otros se han repartido ya por varios museos de todo el mundo en recuerdo del 11-S. Por su parte y coincidiendo con el décimo aniversario del ataque terrorista, el Centre de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB) acogerá hasta el próximo 3 de noviembre la exposición Memoria Fragmentada. 11-S NY. Artefactos en el Hangar 17, que reúne el excepcional trabajo de Torres —habitualmente este hangar está cerrado a cualquier tipo de visitante— transmitiendo al espectador una experiencia visual y emocional que vuelve a estremecernos casi con la misma intensidad que cuando ocurrió el desastre. La exposición, además, se presentará simultáneamente en las tres grandes ciudades occidentales que han sufrido el terrorismo islámico: Nueva York, Londres y Madrid (CentroCentro. Palacio de Cibeles). MEMORIA FRAGMENTADA… CCCB (Barcelona) / Desde el 9 de septiembre / cccb.org

ELOGIO A LA EDAD DE ORO Todos estamos invitados a conocerla y, por mucho que nos neguemos, la vejez llegará. El festival de fotografía Getxophoto propone un acercamiento a esta etapa de la vida a través del trabajo de una veintena de artistas que abarcan desde muy diferentes perspectivas la llegada de la edad de oro: la sabiduría que aporta la vejez (Andrew Zuckerman), las colonias exclusivas para jubilados (Peter Granser) o, incluso, los superpoderes [en la imagen, Super Mamika de Sacha Goldberger]. GETXOPHOTO.

Getxo (Bilbao) / Del 1 al 30 de septiembre / www.getxophoto.com


LA COLECCIÓN DEL VECINO

LA PASIÓN OCULTA DE JESSICA LANGE

En 1999 la Fundación Serralves de Oporto iniciaba su andadura bajo la dirección de Vicente Todoli (actual responsable de la Tate de Londres). Gracias a su trabajo y a la posterior labor de su mano derecha y actual responsable João Fernandes, el museo se ha convertido en un referente internacional, atesorando una amplia y variada colección de arte moderno que es la envidia de muchos otros centros museísticos. El MUSAC de León nos ofrece la oportunidad de disfrutar de una cuidada selección de estos tesoros —un total de 89 obras de 62 artistas— que revisan los diversos lenguajes artísticos del periodo comprendido entre los años sesenta y setenta. Una época en la que aparecieron nuevas corrientes como el land art o el arte povera, en la que movimientos sociales como el antibelicismo o el feminismo se incorporaron como temática al arte, y se dio uso habitual a soportes como el vídeo, el cine, la fotografía, el texto o el propio cuerpo del artista (performances). Una época que marcó el inicio del arte contemporáneo tal y como hoy lo entendemos, hecho que puede corroborarse en las obras de Gilbert & George, Gordon Matta-Clark, Francesc Torres [en la imagen Ejercicio com segmento, 1972], Richard Serra, Dennis Oppenheim, Antoni Muntadas y Bruce Nauman, entre otros.

UNSEEN. Centro Niemeyer (Avilés) / Hasta el

/DICHROMA

27 de noviembre / niemeyercenter.org

MUSAC (León) / Desde el 24 de septiembre / www.musac.es

J. LANGE

CAMBIO DE PARADIGMA.

La mayoría conocíamos a Jessica Lange por sus trabajos en películas como Tootsie o El cartero siempre llama dos veces, pero poco sabíamos de su afición a la fotografía (pasión que abandonaría para dar el salto al cine). El realizador Sam Shepard volvió a despertarle el gusanillo en los años noventa al regalarle una Leica M6. El resultado de este amor reencontrado puede verse ahora en una exposición que reúne casi un centenar de fotografías [en la imagen Minnesota, Howard Greenberg Gallery, NY] tomadas durante estos últimos veinte años en sus viajes por todo el mundo.

COMO UN NIÑO CON ZAPATOS NUEVOS

NUEVA TEMPORADA DE EXPOSICIONES.

FOTOARQUITECTURA

SIRENS, DE KIKI SMITH

Como niño con zapatos nuevos. Así arranca en septiembre la nueva temporada el IVAM, aunque en su caso no estrena una sino cinco exposiciones. Sin duda, una de las más ambiciosas es Surreal versus Surrealismo en el arte contemporáneo (desde el 29 de septiembre), que afrontará de manera absolutamente inédita el tema de lo surreal y la manera en que este se ha manifestado en el arte desde 1990. El museo también celebrará el medio siglo en activo de uno de los pioneros del arte conceptual. Robert Morris. El dibujo como pensamiento (a partir del 8 de septiembre) reunirá su famosa serie Blind Time, sus reinterpretaciones de pinturas de Goya así como sus dibujos monumentales de las guerras y masacres de los siglos xx y xxi. Se completa la rentrée con las exposiciones Ciria. Conceptos opuestos (desde el 13 de septiembre), que repasa los últimos trabajos de uno de los máximos exponentes de la pintura abstracta; Franco Fontana. La luz del paisaje (desde el 6), que aborda la obra de otro abstracto aunque en esta ocasión de la fotografía; y la dedicada a Javier Calvo, Geometría y moda (desde el día 5), en la que se funden las dos pasiones de este pintor valenciano.

José Manuel Ballester (Premio Nacional de Fotografía 2010) nos descubre en esta exposición su visión más íntima de la arquitectura. A través de medio centenar de obras realizadas en los últimos cinco años, en su mayoría inéditas, descubrimos vistas de museos y otros edificios que, a través de su objetivo, se transforman en construcciones casi de ciencia ficción. LA ABSTRACCIÓN EN LA REALIDAD. Alcalá 31 (Madrid) / Desde el 8 de septiembre

IVAM (Valencia) / www.ivam.es

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LECTURAS POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ APOCALIPSIS EN DIRECTO Este mes se cumple una década del apocalipsis. Sea cual sea su génesis y descabellada motivación, los 98 minutos (televisados en directo) que van de las 8:45 a las 10:03 horas del 11 de septiembre de 2001 no abandonarán jamás nuestras retinas y memoria. Esta recopilación de piezas periodísticas estadounidenses se edita justo en la efeméride de los atentados con aviones y, como colofón, incluye crónicas sobre la caza y muerte de su gestor, Osama Bin Laden. Algunos de los reportajes sobre la génesis de los ataques han sido superados por la historia, que en los últimos años vuela a velocidades atómicas. Otros, curiosamente los más clásicos, se leen con el pecho amarrado por el mismo corsé de espinas que nos abrazó aquel 11-S. Fue un diario económico (The Wall Street Journal), quizá no por casualidad, el que mejor y con más sensibilidad narró los 98 minutos de apocalipsis en directo. NUEVA YORK, 8:45 A. M. Errata Naturae / 224 páginas / 19,90 euros

MARQUESINAS URBANAS Músico con libro. La categoría no es nueva: Bob Dylan, Jim Morrison, Patti Smith, Richard Hell… No parece claro que a Bill Callahan (MarylandEE UU,1966) se le pueda adjudicar la condición. Sus canciones —con Smog o con su nombre— merecen ser consideradas literarias quizá con mayor justicia que Cartas a Emma Bowlcut, su primera novela. Es un buen libro para leer colocado, un existencial arrebato de fluidas epístolas, pero adolece de la sobrecarga emocional (demasiados adjetivos, un afán por hacer de cada frase una máxima de empaque, por ser elíptico antes que directo…) que suelen lastrar los libros de los músicos de rock —con excepción de las Crónicas del viejo Dylan, humildes en la mejor tradición de Mark Twain—. Que Callahan sabe escribir y transmitir es obvio: así se gana la vida sobre los escenarios o en los estudios de grabación desde hace décadas. Hay titulares para marquesinas urbanas en cada página del libro. «Es bueno no gritar cuando hay dolor», podría ser un ejemplo. Es digna de un breviario de Pessoa. Lo peligroso es que la equilibrada frase viene seguida por esta gansada: «Como si no sirviera de nada dejar que el pájaro aliquebrado dé un par de aleteos en las cenizas de tu chimenea sin que te dejes llevar por tu reflejo redentor». CARTAS A EMMA BOWLCUT. Decay / 128 páginas / 15 euros

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Alpha

MEJOR LA WIKIPEDIA El francés Michel Houellebecq (1958) copió parte de El mapa y el territorio de la Wikipedia. La novela ganó el premio Goncourt y los fans del escritor la califican como la mejor de su breve y polémica bibliografía (racista, misógino y fascista son tres adjetivos que Houellebecq se ha ganado con trabajado merecimiento). De ello se deducen al menos dos verdades: 1. Mejor leer la Wikipedia que algunas novelas contemporáneas. 2. Houellebecq gana cuando deja de ser Houellebecq y se convierte en un copista. Idioteces 2.0 aparte (no habrá demanda por plagio por la intervención de un gurú de los derechos libres), El mapa y el territorio sólo es soportable si no hay un quiosco a la vista para comprarte otra cosa, diarios deportivos incluidos, y no tienes señal de wi-fi para leer la Wikipedia. Tediosa e infame desde el punto de vista sintáctico, esta obra sobre, dicen, «la tristeza de lo inevitable», debe ser evitada sin tristeza. EL MAPA Y EL TERRITORIO. Anagrama / 384 páginas / 21,90 euros

LECTOR CONVERTIDO EN GRABADORA No había casi nada disponible en España del novelista estadounidense George V. Higgins (1939-1999), un periodista y abogado metido a prolífico cronista de serie negra. Libros del Asteroide publica la más conocida de sus obras, Los amigos de Eddie Coyle (1972), que ha sido amada y denostada con la misma intensidad. Algunos la consideran una hija natural del Hemingway telegráfico y elegante de Los asesinos y otros opinan que el exceso de diálogo —un 99 por ciento de la novela— la convierte en una parodia. Ambos bandos tienen razón: Higgins se esmera en que lo no contado se entrevea entre la palabrería del mundo del hampa de Boston, donde se maneja el chivato y gánster de medio pelo Coyle, pero el ritmo es demasiado cortante como para consentir la empatía del lector. Si algo adorable tienen las novelas noir es que a veces te sientes partícipe de la maldad. Aquí, como mucho, te sientes como una grabadora. LOS AMIGOS DE EDDIE COYLE. Libros del Asteroide / 200 páginas / 16,95 euros


EN VIÑETAS POR NANI F. CORES

INCOMUNICADOS

ALEGORÍAS FANTÁSTICAS SOBRE RUMANÍA

CRÍTICA DE LA LIBRE OPORTUNIDAD EN EE UU

De Rumanía han llegado algunas de las grandes sorpresas literarias de los últimos años. Ahora, Periférica, que ya había editado la colección de cuentos Proyectos de pasado (1998), llama de nuevo a la puerta con Ana Blandiana (1942) y Las cuatro estaciones, relatos de alegóricas fantasías —no por inventadas menos reveladoras— sobre la turbia, grotesca y aterradora historia reciente rumana. El cuento Recuerdos de infancia es maravilloso.

En Steven Millhauser (Nueva York, 1943) se adivinan voces de Poe, Borges y Chejov. Su Martin Dressler. Historia de un soñador americano tiene del primero el gusto por el desasosiego, del segundo el humor metafórico y del ruso cierta elegancia modal. La novela, que quiere ser una crítica del ideal estadounidense de la libre oportunidad, narra la peripatética travesía del protagonista, empeñado en transformar en utopía una cadena de restaurantes y hoteles. En el camino se olvida de vivir.

LAS CUATRO ESTACIONES. Periférica /

MARTIN DRESSLER. Libros del Asteroide /

224 páginas / 19,50 euros

274 páginas / 21,95 euros

De Adrian Tomine se ha dicho que es el Raymond Carver del mundo del cómic. Y no le queda grande la comparación. Su capacidad para ahondar en temas tan universales y actuales como la soledad y la incomunicación en la era de la información han conseguido que escritores como Nick Hornby afirmen que Rubia de verano resulta «tan enriquecedor como una buena obra de narrativa contemporánea». Editado por primera vez en España en 2005, esta nueva y mejorada edición en cartoné reúne en cuatro historias breves una de las grandes verdades de nuestra sociedad: nuestras frustraciones y nuestros miedos personales pueden acabar convirtiéndose en nuestro peor enemigo. RUBIA DE VERANO. La Cúpula / 132 páginas / 20 euros

LA ANTIHEROÍNA

TRES VECES MUERTA PERO NECESARIA

NOVELA CANINA EN PUERTO BANÚS

A la mexicana Elena Garro (1920-1998) la mataron varias veces. Su matrimonio con Octavio Paz la postergó a residir en la sombra. Sus declaraciones atolondradas sobre la masacre de Tlatelolco la estigmatizaron entre la intelectualidad. Finalmente, su amor por el cigarrillo la condenó al cáncer. Los recuerdos del porvenir, editada en 1963, cuatro años antes de que realismo mágico significase algo, es de necesaria lectura.

Debemos creer que Gino Rubert (México D. F., 1969) se gana la vida como pintor. Sus obras en los museos lo atestiguan. Apio, su primera novela, le garantiza la subsistencia dedicándose a la literatura. Subtitulada Notas caninas, cuenta las desventuras del perro mestizo y ciego (y ganado en una tómbola) Apio Onix Dorantes y de su dueño, José Alfredo Dorantes, pintor de marinas horteras en Puerto Banús. Apuesto a que ya han empezado a reírse.

LOS RECUERDOS DEL PORVENIR.

APIO: NOTAS CANINAS. Errata Naturae /

451 Editores / 324 páginas / 22 euros

140 páginas / 15 euros

Prepárense para un viaje autobiográfico por la adolescencia de Ulli Lust (Viena, 1967), hoy directora de la editorial Electrocomics y Premio ICOM 2010 a la Mejor Obra por este trabajo que nos ocupa. No encontrarán historias edulcoradas ni de color de rosa. Todo lo contrario. Lust rememora los años en que su rebeldía y espíritu punk la llevaron (siendo todavía menor de edad) a largarse a Italia en compañía de una amiga buscando la libertad. Pagó un precio caro y en el periplo se dejó la piel: probó la heroína, se dejó seducir por tipos para los que solo era un trozo de carne e, incluso, sufrió una violación. Dicen que la experiencia es un grado. Aquí tienen una que vale por mil. HOY ES EL ÚLTIMO DÍA DEL RESTO DE TU VIDA. La Cúpula / 468 páginas / 30 euros

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LOCALIZADOS

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CAFÉS PANCHITO

COSAS DE CHICAS

El primer take away coffee de la ciudad ha cumplido ya un par de años, pero sigue sorprendiendo como al principio. Además de sus deliciosos cafés para llevar (los tiene fríos y calientes, ideales para refrescarse o entrar en calor mientras paseas por el Casco Viejo), la tienda ofrece tentaciones irresistibles para paladares sibaritas. Buen ejemplo de ellas son sus selecciones de tés, cafés, mermeladas de sabores exóticos y chocolates con distintos grados de pureza.

Encontrar cosas diferentes y bonitas muchas veces no es fácil. Hay que buscar y buscar en mil tiendas, físicas y virtuales… o pasarte por este local en el que Marta realiza ese trabajo por ti. Se dedica a barrer la web buscando creadores artesanales, a visitar ferias e incluso a importar accesorios y vestidos de Italia. Viendo el éxito que tenían las cosas que ella llevaba, se atrevió a dar el salto y montar una tienda de regalos, bisutería y ropa divertida y fácil de llevar cuidando la originalidad y el precio.

BILBAO. Lotería, 3. Tel. 946 557 295. www.cafespanchito.com

VALENCIA. Conde Altea, 3. Tel. 963 334 717

L’OBRADOR DEL MOLÍ

CHEESE BAR

Antiguamente, el pan se elaboraba con procesos de larga fermentación y masas madre. L’Obrador del Molí recupera esa forma artesanal de hornear, a la vista y ofreciendo una extensa carta de panes: pa negre, la coca de Forner, las cocas de recapte, el pan de chocolate y naranja, el pan de espelta… Además, tienen zona de degustación y sirven ensaladas y apetitosos bocadillos como el de pan negro con olivada, mozzarella, verduras, tomates secados al sol y aceite de oliva.

El sueño de los gourmets del queso se llama Cheese Bar, un templo dedicado a ese producto y con un concepto revolucionario e integral. Además de, por supuesto, queso y delicias gastronómicas que lo incluyen en sus ingredientes, incorpora una biblioteca especializada y un centro de divulgación. Su carta describe al detalle el origen, características y elaboración de las 140 variedades procedentes de todo el mundo que allí se pueden degustar.

BARCELONA. Santaló, 66. Tel. 934 145 746

MADRID. José Abascal, 61. www.ponceletcheesebar.es


MIU

YOGURTLANDIA

Cocina nipona en una zona privilegiada y con carácter mediterráneo. Es lo que ofrece el restaurante Miu, apetecible consecuencia del éxito del sushi bar Taverna Miu, su hermana pequeña situada en la calle Enrique Granados. En la carta se pueden encontrar desde menús de mediodía hasta una variada selección de entrantes, como fideos yakisoba, makis y sashimis. Sus especialidades son el nigiri de foie, el Hot Philadelphia, el Miu Uramaki o el exquisito combinado de sushi y sashimi.

Para tomar un helado rico y a la vez sano no hace falta más que pasar por esta nueva yogurtería. Su materia principal, el yogur helado, es un producto con pocas calorías, probiótico, con alto contenido en calcio y apto para intolerantes a la lactosa. A partir de esa base viene el peligro, ya que tú creas el helado perfecto. Lo puedes adornar con frutas frescas, sirope o los riquísimos nueve chocolates a elegir. Para rematar, toppings como cacahuete caramelizado, nubes, galleta…

BARCELONA. València, 249. Tel. 931 932 300. www.miurestaurant.com

VALENCIA. Plaza del Ayuntamiento, 14. www.yogurtlandia.es

SKUNKFUNK

LA POSADA DEL DRAGÓN

Skunkfunk pisa fuerte. La marca de moda vasca, que comenzó hace una década vendiendo camisetas serigrafiadas en conciertos, acaba de instalarse en la milla de oro de Bilbao con un local que atrae casi todas las miradas. Allí, en plena Gran Vía, la firma más internacional de Gernika pone a tu disposición una variadísima selección de prendas, cortes y colores que apuestan por un diseño desenfadado y respetuoso con el medio ambiente.

Si hace unos meses recomendábamos el local contiguo, ahora traemos otro ejemplo de la nueva generación de posadas: un alojamiento asequible, con encanto y en pleno barrio de La Latina. Esta fonda renace como un Boutique Hotel & Bar de 27 habitaciones (precios entre 89 y 189 euros) con decoración personalizada y una corrala convertida en terraza. Cada una de sus tres plantas recuerda una época distinta: los orígenes (s. IX-XII), Madrid palaciego y contemporáneo.

BILBAO. Gran Vía, 19. www.skunkfunk.com

MADRID. Cava Baja, 14. Tel. 911 191 424. www.posadadeldragon.com

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POR JAUME ESTEVE

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Boxee Box: apunta bien el nombre porque si te gusta el diseño no te lo vas a quitar de la cabeza a corto plazo. La apuesta de D-Link por el cine en casa aúna diseño y un porrón de características que nos servirían para llenar un número de Calle 20: HDMI, dos puertos USB para conectar discos duros externos, ranura para SD… ¡hasta un mando con teclado Qwerty! Convertir el salón de casa en un centro multimedia ya sea mediante descargas o por streaming es francamente posible, la clave está en nuestra tienda de electrónica más cercana. [229 euros]

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No vamos a engañar a nadie si decimos que Microsoft no es la compañía con la mejor imagen de marca del mundo, pero justo es reconocer sus méritos cuando los merece. La división encargada de los periféricos es una de ellas y prueba de ello es el Touch Mouse. Este ratón multitáctil es la respuesta de Redmond al Magic Mouse de Apple con una sutil diferencia que le puede valer una victoria en puntos: su forma, más ergonómica, facilita la aplicación de gestos sobre su superficie para obedecer a nuestras órdenes. [Consultar precio]


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