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OCTUBRE / 09 - #42

LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA

LITERATURA INCÓMODA // DEMOSCENE: PINTAR CON BYTES // WIRE, MITOS PATAS ARRIBA // LA MODA ENFOCA A WENDERS


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octubre 09 contenidos

Todo queda en familia 6

Impromadrid juega con los muñecos de trapo de Cristina Busto 6

La belleza del sexo a solas 8

‘Ellas se masturban’: Ana Arcas (ilustración) y Nuria Mezquita (poemas)

«Mi hija ciega me enseñó a mirar» 20 Jordi Gual, nuestro ‘revelado’ de este mes: fotógrafo de la intimidad

Literatura del lado oscuro 24 Dejamos entrar, y penetrar, a los herederos de Genet, Sade, Rimbaud... 24

Hillcoat, Cave, McCarthy: ‘The road’ 30 Tres grandes se reúnen en la peli de la temporada. Habla el director

El renacimiento [en seco] del surf 34 La música de las olas y el verano eterno se reproduce en la Meseta

Amenábar, destapado 40 A punto de estrenar ‘Ágora’, el ‘wunderkid’ del cine español se confiesa

Demoscene: el lienzo es el byte 42 34

Panorama del movimiento más ‘underground’ de la informática

«Amy, ¡búscate una vida!» 46 Entrevista a Colin Newman (Wire) antes de sus conciertos en España

Drama en rojo, negro y ‘nude’ 50 Ambiente de los años ochenta en un editorial de moda de Rafa Gallar

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Agenda 62 Las ofertas culturales más interesantes del mes de septiembre

Al día, y a diario 46

No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

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ejemplar gratuito en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web. DIRECTOR: Juan Carlos Avilés (javiles@calle20.es). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) (psanz@calle20.es), Jose Ángel González (jefe de reportajes) (jgonzalez@calle20.es). DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores (mdelos@calle20.es). CORRECCIÓN: Raquel Martín. MODA: Paloma Tovar (coordinación). PUBLICIDAD (publicidad@calle20.es) Jefa de publicidad: Lola Díaz. Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603. Barcelona: Alicia Fábrega, tel.: (34) 934 706 255. DISTRIBUCIÓN (distribucion@calle20.es) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia). FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Printer Industria Gráfica. EDITA: Multiprensa y Más, S. L. www.20minutos.es, nosevende@20minutos.es. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid. Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. Director general: José Antonio Martínez Soler. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez. Directores de publicidad: Antonio Verdera (Barcelona), Beatriz Martínez (Levante), Rosana López Balsategui (Bilbao). Director de marketing: Rafael Martín. Distribución: Juan Rodríguez Marín. Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan A. Balcázar. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck . Vicepresidente: Antonio Asensio. Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las firmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios. portada: Foto de Rafa Gallar.

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UN PULPO EN UN GARAJE

POR PILAR SANZ FOTOGRAFÍA SILVIA VARELA

«Tanto el arte como el teatro juegan al mismo juego»

EL PULPO: Los tres directores de la compañía teatral Impromadrid (www.impromadrid.com), que representa en el Alfil (Madrid) su espectáculo La familia García de la Impro. EL GARAJE: La exposición de Cristina Busto La familia olímpica. Última generación, en la galería de arte Mad is Mad (Pelayo, 48. Madrid. www.madismad.com). Hemos retado a los chicos de la compañía de improvisación Impromadrid (que anoche estrenaron su nuevo show, La familia García) a un juego de espejos. Estamos en una galería de arte contemporáneo del barrio de Chueca que acoge su primera exposición individual, dedicada a Cristina Busto, y la cosa también va de vínculos de sangre. Así que nos dejamos llevar por el calor del minihogar de La familia olímpica. En la sala principal de la galería no hay cuadros abstractos ni fotografía social, sino una casa de muñecas un tanto inquietante; como 13 Rue del Percebe, pero con personajes de aspecto timburtoniano. La familia de cómicos tiene que enfrentarse a la familia de trapo en un pulso que nadie puede ganar. Ambos están al otro lado del espejo. «Se trate de arte o de teatro, es el mismo juego. En el fondo, lo que hace Cristina Busto en estas obras se parece mucho a lo nuestro. El punto de partida es igual, se trata de reflejar una realidad que más o menos todos hemos vivido, los vínculos familiares y todo lo que acarrean», comenta Ignacio López (en el centro de la foto). De los tres, él es quien maneja el cotarro en escena. Mientras que sus dos

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compañeros encarnan a padre (Ignacio Soriano, derecha) e hijo (Jorge Rueda, izquierda) en la familia García, él decide en directo hacia dónde se pierde la acción, «es como ver varios capítulos de una telecomedia improvisada». Juguemos en serio: cada uno debe escoger un personaje de Busto y contarme su historia. Jorge Rueda: «Me pido Miedo, por el desorden de su habitación y porque vive en el bajo y está tumbado en un sofá, rodeado de botellas. Creo que estoy proyectando [risas]. Para tomarme un vino elegiría al osezno o al señor de la chistera y su gato, que ha vivido mucho y seguro que tiene batallitas que contar». El engranaje vecinal está en marcha, Ignacio López escoge a osezno (que en realidad se llama Chewakita). «Yo soy el piano man, que es fan de la ciencia ficción. Por el pelo. Sí que se me parece un poco, sí... [risas]. Me gusta porque está ahí tan tranquilo y se lleva muy bien con los demás. De hecho, se ha liado con todas las tías del edificio, es un locuelo, sólo tienes que verlo [risas]». La guinda la pone Soriano: «Soy el Mago, el de la chistera. Estoy muy cerca de la muerte. Me relaciono mucho con el mundo de ultratumba y los espíritus y poco con los vivos. Por eso estoy un poco solo. Lo he elegido porque me ha parecido el más misterioso y sugerente, el más sobrio, puede ser muchas cosas distintas». Ninguno de nosotros entenderá aquí y ahora los entresijos de las familias García y Olímpica, pero no cabe duda de que los tres actores podrían quedarse a vivir dentro del edificio de Cristina Busto y pasar desapercibidos. El pulpo se ha instalado en el garaje.


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galeradas

textos nuria mezquita ilustraciones ana arcas

Ellas se masturban El proyecto de este libro de artista surgió por iniciativa de la ilustradora Ana Arcas, que decidió invertir el protocolo: a partir de sus imágenes, invitó a la poeta sevillana Nuria Mezquita a completar el trabajo. El resultado es un viaje desinhibido a la masturbación femenina, un tema tabú que en Ellas se masturban adquiere un halo poético y se convierte en un delicioso nuevo volumen para una colección de poesía ilustrada. Lo que empezó como un ejercicio de clase en torno al erotismo es ahora un exquisito diálogo entre dos disciplinas para destapar la belleza de lo que algunos prefieren llamar «bajas pasiones». A la venta en noviembre. Cangrejo Pistolero Ediciones. 80 páginas. 15 euros. cangrejopistoleroediciones.blogspot.com

Hoy he echado un pulso con el tiempo y por fin he logrado vencerlo he ganado por muy poco, por un instante, una milésima de segundo, un suspiro tan breve... Choque entre respiraciones.

Entre las señales de hermetismo que ofrecía la vida, encontré este cuerpo herido, lleno de esperanza y sutileza dibujado sobre una roca blanda color carne de olor intenso a domingo y a cereza...

He pensado que seguiré aquí, quieta luchando contra dragones, apagando el fuego de sus soplidos quieta peleando con la espada bien erguida, agitándola fuertemente quieta ahuyentando a los malos del cuento salvando a la princesa que espera quieta en la torre

Esta tarde he podido trazar el mapa de mi cuerpo marqué dos hemisferios: norte y sur señalé un océano, una isla y un par de paraísos fiscales

Soy una Somos dos Somos uno y una Somos una y dos Somos dos y dos Somos una y uno Somos nosotros Somos ellos Soy yo

ana arcas espejo (Córdoba, 1984) es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura y estudiante de Escenografía y Ambiente. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, y ha ilustrado libros infantiles y de adultos como Cuatro minutos sin aire y La venganza del Inca. anaarcas.blogspot.com nuria mezquita (Sevilla, 1976) cambió el mundo audiovisual por los libros en 2005, cuando editó su primer poemario, Sienes de amor. Integrante del grupo perfopoético Carolain Band, ofrece recitales con regularidad y colabora en diversas revistas, además de codirigir Cangrejo Pistolero Ediciones. daltontrompet.blogspot.com

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DESABROCHANDO A...

macarena gómez «Me divierto mucho actuando, me hace feliz» Aunque se ha teñido de rubio para amoldarse a un papel en una película en preproducción de la que no nos puede desvelar nada todavía (debe de ser algo gordo), es casi imposible no reconocer a primera vista a Macarena Gómez. Su mirada azul penetrante y su peculiar voz son dos de los rasgos característicos de esta joven actriz que empezó su carrera rodando en inglés Dagon, la secta del mar, «fue mi primera película, pero no me ha vuelto a salir ningún papel en ese idioma. Me da mucha rabia. Ahora estoy perfeccionando el francés para abrirme nuevos caminos». Con más de una docena de títulos a sus espaldas, la fama de Macarena ha crecido a raíz de su participación en la serie televisiva Lo que se avecina, en la que continuará durante la próxima temporada. Además, este verano viajó a Argentina para rodar Carne de neón, de Paco Cabezas, que se estrenará el año que viene. En ella se mete en la piel de «una prostituta yonqui, aunque esto no es lo trascendente del personaje. Es una mezcla de comedia y thriller que el director escribió hace tiempo; de hecho, primero rodó un corto sobre la misma idea que funcionó muy bien y por eso se decidió a hacer el largometraje». Para Macarena Gómez, cuyo personaje más comentado fue, sin duda, el de Sexykiller (Miguel Martí, 2008), no hay papeles grandes o pequeños. «Me da igual, lo mismo hago un prota que un secundario que un cameo, porque disfruto un montón actuando. Con tal de trabajar... hago esto sobre todo porque me divierto mucho, es mi forma de ser feliz». Cuando le preguntamos por el lema de la sección nos responde que se desabrocharía el pantalón «delante de mi novio, el problema es que no tengo. No es que no me dé tiempo, es que de momento no quiero...». ¿Algún candidato? POR PILAR SANZ FOTO KIKE PALACIO

Macarena lleva unos Levi’s 501 for Woman y camisa y cinturón Levi’s.

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CORREVEIDILE

‘La naranja mecánica’ vuelve al cine

SE ESTRENARÁ ‘REMASTERIZADA’ EN EL FESTIVAL DE SITGES En el año en el que se cumple el décimo aniversario de la muerte de Stanley Kubrick, regresará a las salas de cine una de sus cintas más incómodas y aplaudidas: La naranja mecánica. Su esteticista adaptación de la novela de Anthony Burgess se ha remasterizado digitalmente y se reestrenará el próximo 23 de octubre. Antes se presentará en primicia mundial en el festival de cine fantástico y de terror de Sitges, donde la misma noche del 1 de octubre se entregará el gran premio honorífico a su protagonista, Malcolm McDowell. Para completar las celebraciones, este mes (6 de octubre) se publica en DVD una caja en edición de coleccionista con las doce películas que conforman la filmografía del director, The Stanley Kubrick Collection. Por su parte, el Festival de Sitges (del 2 al 12 de octubre) se inaugurará con [REC]2, de Jaume Balagueró y Paco Plaza. www.cinemasitges.com

OY COC LA BRITIES’ LO‘CIBERCELE NTA

O SON U N B UJ O S, C TO. PE R MEN CON OS TAP E N L DE L MO E N SIN O A ID ID S D T V RE ER U RA V A T L N N E CO A DE M/ S AV MOD U E SU A.CO LOL SIG COY ://CO P T HT

LOS FESTIVALES SON NOTICIA Mientras el FIB Heineken ha anticipado ya las fechas de su edición de 2010 (del 15 al 17 de julio, en Benicàssim. Abonos a la venta en www.fiberfib. com), el festival levantino de invierno, Tanned Tin, ha confirmado que volverá a celebrarse en Castellón del 28 al 31 de enero. Las fiestas de presentación de su undécima edición serán en Madrid (12-15 noviembre) y Barcelona (13-14), con actuaciones de Dean & Britta (foto), Black Lips, Damien Jurado, Mountains... www.tannedtin.com

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E N E CU E HA VAS LA S D E L QU NUE E N E CO Y LO LAS AJ ES LOG

FICOMIC REPASA LA CARRERA DE NIIMURA La Farga de L’Hospitalet (Barcelona) acoge, del 29 de octubre al 1 de noviembre, la decimoquinta edición del salón del manga Ficomic. Entre otras actividades, se ha confirmado la presencia del dibujante hispano-japonés Ken Niimura con una exposición sobre su corta pero prolífica carrera. Además, Taiyou Matsumoto e Issei Efuku acudirán a presentar su nueva obra, El samurái que vendió su alma. Las bases de los concursos de cosplay, karaoke, manga, etc., se pueden consultar en www.ficomic.com.

FRONTERA CÍRCULO, MÁS DE AQUÍ

ANIMACOR CON LOS VIDEOJUEGOS

NEU! CLUB CELEBRA CUMPLEAÑOS

La tercera edición de Frontera Círculo, el ciclo de pop-rock del Círculo de Bellas Artes (Madrid), apuesta esta temporada por dar más cancha a grupos nacionales. Este mes, Times New Viking + Ginferno (día 2) y The Mary Onettes + Vincent (día 8). www.myspace.com/fronteracirculo

El festival de animación de Córdoba amplía sus miras en esta edición (del 30 de octubre al 3 de noviembre) integrando en su programa la I Feria de Innovación, Videojuegos y Entretenimiento Digital. Allí se verán las últimas novedades en juegos para todas las plataformas. www.fived.es

Este mes, el club madrileño festeja tres años de vida con los conciertos de Klaus & Kinski y Parade (día 3), Billy Bragg (día 14), Jeremy Jay (día 15), Bowerbirds (día 24) y Astrud acompañados por el colectivo Brossa (día 31). www.neuclub.es


correveidile

desempolvan material inédito de nirvana

El 30 de agosto de 1992, Nirvana ofrecieron uno de sus conciertos más recordados en el Festival de Reading. Interpretaron Nevermind de cabo a rabo y adelantaron algunas canciones entonces inéditas, que se incluirían en sus discos posteriores. Aquella actuación se ha incluido en las listas de los mejores recitales de la historia en numerosos medios especializados; es también una de las más buscadas y pirateadas de todos los tiempos. Nunca antes editada, se publicará el mes que viene, con el sonido y el color mejorados. Nirvana live at Reading tendrá primero una edición limitada de CD + DVD (3 de noviembre) y después un disco (17 de noviembre). LLE20 200x130.fh11 8/9/09 12:04 P�gina 1 www.universalmusic.es

vida y obra de chema madoz

La Fábrica Editorial estrena una colección dedicada a los nombres imprescindibles del arte contemporáneo español, en gran formato y con una periodicidad de dos libros al año. La primera entrega de Obras maestras está dedicada a la poesía visual de Chema Madoz e incluye más de 300 imágenes de sus trabajos, tomadas de los años noventa en adelante. www.lafabricaeditorial.com

camper te aloja en berlín

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En colaboración con Vinçon y tras la buena experiencia en el Raval barcelonés, Camper ha inaugurado su segundo hotel en Berlín, muy cerca de Hackerscher Markt (Mitte). En ese mismo lugar abrió la marca, hace 8 años, su primera tienda en la capital alemana. Ecología, diseño y un ambiente único hacen que en sus 54 habitaciones te sientas como si estuvieras en tu propia casa. www.casacamper.com

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geniosfera

christian fernández mirón «La cultura por la cultura existe»

Mientras escribo estas líneas, el siempre inquieto Christian Fernández Mirón (Madrid, 1984) se encuentra «haciendo cómics en Serbia con otras veinticuatro personas de apellidos malsonantes». Es la última de las aventuras de este músicodiseñador-artista que reparte su tiempo entre múltiples proyectos creativos sin miramientos. Por ejemplo, en septiembre participó en una exposición colectiva y efímera (tres días) cuya única premisa era utilizar «el muñeco como soporte artístico»; él aportó «una cabeza cuyo gesto puede ser manipulado por los visitantes». Tiene muchos frentes abiertos este otoño, como completar su inmersión en la intimidad de gente anónima. «Empezó en primavera como un artículo para la revista Arto! Sólo se publicaron tres, pero he continuado con ello. Al principio trataba sobre sexo y con un estilo más provocativo, luego ha ido evolucionando y me he dado cuenta de que lo que más me interesa es hablar de la intimidad y compartirla como entrevistador y fotógrafo». La convocatoria para participar sigue abierta en su web: cualquiera puede prestarse a este juego, que consiste en dejarse retratar desnudo de cintura para abajo en un lugar que te haga sentir confortable y compartir una charla abierta sobre tus experiencias con Christian Fernández Mirón. «Me interesa lo que no vemos. No he elegido este plano por evitar vergüenzas, sino para poner a todo el mundo a un mismo nivel y no enseñar el torso, que es algo que vemos cada día». El resultado se recogerá en una futura publicación. Otra actividad que desarrolla con regularidad es La Sociedad de las Nubes: una página en la que se propone un proyecto artístico participativo una vez al mes; no hay más que seguir unas instrucciones mínimas y entregar el resultado en el plazo convenido para que tu creación cuelgue en esta galería virtual junto a la de todos los demás artistas espontáneos. Lo último (cuyo plazo terminó el día 30) fue un homenaje musical a Michael Jackson. Y por último, aunque seguro que se nos queda algo en el tintero, Fernández Mirón recuperará su álter ego musical Sef en los próximos meses para realizar su «primer ciclo de conciertos en solitario». La minigira se llamará Invasión secreta porque sus actuaciones podrán suceder en cualquier rincón de la ciudad («una azotea, un parque...)». «Me gusta mucho que la gente vea que hay cosas en todas partes, la cultura por la cultura existe. Quienes hacemos cosas pequeñas igual no tenemos acceso a la tele o a poner una valla publicitaria, pero todos los demás canales están a nuestro alcance: en Internet, en la calle... todos tenemos las mismas oportunidades». por pilar sanz / foto: kike palacio

www.lasociedaddelasnubes.org y www.fernandezmiron.com

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geniosfera Jossie Malis > Un sueño ilustrado Embarcado en la difícil tarea de conseguir financiación para una serie de animación, Jossie Malis (Lima, 1976) acaba de dar a luz —junto a su socia Esther Gálvez— un interesante proyecto: Printastic. Se trata de una web en la que se pueden comprar reproducciones de obras de los artistas más interesantes del mundo de la ilustración: Miguel Brieva, Fernando Vicente, Ryan Quincy (South Park), Paco Alcázar... Ellos se llevan el 50% de las ventas y Malis, ilustrador y animador residente en Barcelona, suma granitos de arena a Bendito Machine. Partiendo del teatro de sombras, los tres primeros capítulos de la serie reinventan las clásicas fábulas de una civilización rendida a las máquinas. www.printastic.org y www.benditomachine.com

Delco > No es una cuestión de género

Con algunas bandas es necesario esperar al tercer disco para entender adónde quieren llegar. Con los madrileños Delco queda todo dicho (y muy bien, por cierto) en su segundo álbum, Sophomore (2Fer Records), publicado hace apenas diez días. Las raíces americanas que pudieron poner a prueba con su actuación en el último South by Southwest y su sintonía con bandas como Wilco tienen especial relevancia en esta colección de canciones donde mandan las guitarras y las melodías. El single de presentación, Credit, es un resumen perfecto de un disco sin altibajos y con una calidez que marca su diferencia con los grupos que se limitan simplemente a repetir los cánones LLE20 200x130.fh11 P�gina 2 por Toledo (día 9), Vitoria (día 16), Bilbao (día 17), de8/9/09 género.12:04 En octubre giran Alicante (día 24)... Próximas fechas en www.myspace.com/delcosound. C M

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RES MEJO L AS TA S R E C E R E N TA A L IM PA R A O G TU E

J'HAYBER SE INSPIRA EN LA TELE DE LOS OCHENTA. Esta temporada, las zapatillas J'hayber se ponen nostálgicas y recurren a los mejores programas de televisión de los años ochenta. Por ejemplo, este modelo de rombos azules se llama Avería, en homenaje a la bruja que desenseñaba a desaprender en La bola de cristal. www.jhayber.com

EL BALLET RUSO DE RULES BY MARY. Marionetas que cobran vida, fantasía y teatralidad son los tres ejes de la propuesta de los suecos para enfrentarse al frío con otro humor. Su línea invernal se ha inspirado en el ballet Petrushka, de Stravinsky: estampados del folclore eslavo y estética rusa, fría pero muy femenina. www.rulesbymary.com

LEVI'S UNFAMOUS MUSIC AWARDS. El próximo 4 de octubre se cierra el plazo para participar en este concurso para bandas maqueteras. El grupo ganador recibirá 3.000 euros y los finalistas acompañarán a Dorian en la gira de presentación de su nuevo disco, La ciudad subterránea, en Madrid (día 23), Valencia (día 24) y Barcelona (7 de noviembre). www.levisawards.com

RÍAS BAIXAS CADA JUEVES Cuarenta bares del centro de Madrid son las sedes de las Noches con Nombre Propio de Rías Baixas. La cosa funciona de esta manera: cada jueves, hasta el 8 de octubre, estos locales adoptan un nombre como Pedro, María, Elena... y todo el que se llame así puede entrar a beberse una botella de Rías Baixas Albariño por la patilla. Busca el bar que te coja más a mano en www.nochesconnombrepropio.com y acércate a comprobarlo. 16


FRED PERRY MIRA A LOS CINCUENTA. Los cordones son la pieza imprescindible del calzado de otoño, al estilo universitario de los años cincuenta. Tanto para chico como para chica, Fred Perry propone un estilo cómodo, pero sin olvidarse de la elegancia, y apuesta por las zapatillas acordonadas. Perfectas para bailar un rock'n'roll... www.fredperry.com

INSIGHT CON LOS GENIOS DE GARAJE. Algunas de las mejores ideas de la música o el arte de nuestro tiempo se han gestado en un garaje, ese oasis de ruido y desorden de donde surge la chispa. Insight dedica una colección de camisetas a los artistas de garaje con modelos de Nikita Sorokin (foto), Guido Crepax, Steve Uren, Cameron Smith y Cameron Allan McKean. www.insight51.com

NIKE FIREFLY PARA EL OTOÑO. Ya que no se puede luchar contra los elementos, lo mejor es armarse con una buena chaqueta para combatirlos. La Nike Firefly es ligera, totalmente transpirable y plegable; entre otras características, destacan sus pequeños círculos reflectantes y que está confeccionada en8/9/09 tafetán12:04 100%P�gina reciclado. LLE20 200x130.fh11 3 www.nike.es C

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I LOVE NEW YORK Ser fresco, espontáneo y divertido es el lema de esta temporada. Enamórate y disfruta de la moda de Springfield con un sabor neoyorquino al puro estilo de los ‘skaters’ de Union Square: chinos XL para él y ‘boyfriend look’ y minivestidos de cuadros para ella. FOTOGRAFÍA MARIO CHAVARRÍA ESTILISMO ADRIÁN GONZÁLEZ MODELOS JESÚS AKA CEKA Y YANA TARABUKINA (GROUP) MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

MARÍA GARCÍA PARA LANCÔME Y SEBASTIAN ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA

CARLOS CHAVARRÍA

TOTAL LOOK DE SPRINGFIELD

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REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

JORDI GUAL

«Los ojos de mi hija Natalia, ciega de nacimiento, me enseñaron a mirar» «La mejor foto está hecha sin cámara». Jordi Gual sabe bien de qué habla cuando enuncia la frase. Su hija mayor, Natalia, es ciega de nacimiento. Ahora tiene 18 años, toca el piano, estudia cerámica en una escuela de Artes Aplicadas, adora el sonido de la lluvia y es una de las mejores modelos de su padre [aparece retratada en la página de la derecha]. «Los ojos de Natalia me enseñaron a mirar, pero es una mirada llena de tensión, de ambivalencia. Odio que ella esté ciega y la amo porque es mi hija», afirma Jordi, un fotógrafo de vieja escuela que ni siquiera tiene cámara digital. Lo suyo es, y la expresión parece también una metáfora de una forma de entender la vida y el mundo, el cuarto oscuro. En su penumbra trabaja a diario con el mejor de los materiales, la intimidad: fotos de sus hijas [arriba a la izquierda, Rita, de 8 años, y a la derecha, Aurora, de 12].

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revelados

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REVELADOS

en el día de Navidad de 1964 en Terrassa (Barcelona), donde aún vive. SE CONSIDERA «observador, inquieto y frágil». JORDI GUAL (a la izquierda, autorretratado) admira a Saul Leiter, el fotógrafo estadounidense que dejó el Talmud (estudiaba para rabino) para dedicarse a retratar las calles: «Me transportan su frescura, la sutileza y, al mismo tiempo, la realidad de sus obras. Me hace mirar la imagen desde distintos puntos de vista»). CREE QUE resulta «sumamente difícil» encontrar un lenguaje fotográfico propio, porque «el camino de uno mismo siempre serpentea: subes, bajas, paras, sigues buscando»... HA SIDO becado por la revista C International Photo Magazine (Ivorypress). En su último número, editado el mes pasado y dedicado a la mujer, la publicación incluye ocho fotos donde expone «sin pudor» la relación con su mujer e hijas. www.jordigualphotography.com NACIÓ

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revelados

¿Qué es la fotografía? La luz que nos rodea y el alma del que nos observa. No hay diferencia entre el ojo humano y el fotográfico. Nuestra vida está llena de clichés, de negativos archivados y distribuidos como sentimientos, recuerdos... Tus hijas son una presencia constante y casi obsesiva en tus fotos. Háblame de ellas. Natalia, la mayor, tiene 18 años y es ciega de nacimiento, estudia 2.º de Artes Aplicadas. Mi relación con ella es inevitablemente de protección, amor y largas tertulias. Aurora tiene 12, es la princesa rebelde y acaba de empezar Secundaria; siempre tiene su Holga cargada, las instantáneas que hace en el instituto no tienen desperdicio. Rita, de 8, tiene la cabeza rodeada por los sueños; para ella es un placer innato posar ante la cámara. ¿Son ellas tus mejores modelos? Sin duda. El mejor modelo es siempre el que te conoce y al que tú conoces. ¿Se te rebotan alguna vez? Nunca suelo forzar la situación. Observo su ánimo... Nunca ha sido una relación traumática, pues ellas siempre me han visto con la cámara. A veces creo que la cámara es como una hermana más para ellas. ¿Qué has aprendido como fotógrafo de la ceguera de Natalia? Fotografiarla tiene algo de angustioso siempre. Ella no sabe lo que es posar y tiene una idea de las fotografías muy abstracta, como un vacío... Nuestra relación se basa en los sonidos, en el viento, la lluvia, el piano... en ese terreno nos encontramos y entendemos. Cuando le hago fotos tengo que darle mucha caña. Es una relación tensa y contenida; lo llevamos bien entre nosotros, pero en mi interior no

puedo evitar que cada retrato que le hago sea como una pregunta dolorosa: «¿Por qué cojones mi hija está ciega?». ¿Te sientes como un emisario de tristeza? En mi época de colegio sufría una profunda dislexia y una contundente miopía. El maestro no supo verlo y envió una nota a casa: «Jordi padece trastornos emocionales». Estuve con tratamiento y me encerré en mí mismo. De manera que entiendo bien la tristeza. Aquello me convirtió en un devorador de imágenes. Me encantaba el cine: una ventana de cuatro esquinas y, tras ella, otro mundo. A los 14 años, como no me consideraban apto para los estudios, entré en una escuela de arte y empecé a pasar horas y horas en el cuarto oscuro... creo que todavía sigo allí. A lo mejor el maestro tenía razón. ¿Cómo es un día de tu vida? Me levanto a las siete, preparo desayunos, el cole de las niñas, me tomo mi café, reviso el mail y la agenda de trabajo, como algo preparado en el mismo estudio... Por las tardes me encierro en el laboratorio, una habitación adjunta al estudio, para trabajar en algún encargo. Suelo terminar sobre las nueve de la noche, pero a veces sigo hasta la madrugada. Cuando regreso a casa siempre me espera un buen libro en la mesita de noche. ¿Por qué no te gusta la foto digital? No tengo nada en contra, pero no es lo mío. Necesito respirar todo el proceso a través del tacto y el olfato. Ni siquiera uso el Photoshop y empleo equipos analógicos de todo tipo. Tengo una Pentax Spormatic de 135, una Hasselblad 500 de medio formato, dos Polaroid y una Linhof Technika de los años cincuenta de gran formato.


LITERATURA QUE QUEMA LAS MANOS Hablamos sobre libros que cuesta ver, y leer, en el transporte público: libros que hablan de terroristas y guerreros, de consumistas y clase baja-baja. Adiós a la literatura de evasión: bienvenida, entonces, la literatura de invasión, la que nos obliga a caminar por el lado oscuro. Dejen entrar-penetrar a los herederos de Rimbaud, Baudelaire, Genet, Sade... por elena medel ilustración luis f. sanz

Un vagón de metro ilumina nuestras lecturas más que cualquier encuesta. Forrados para esconder su contenido, prestados por la biblioteca o desvencijados por toda la familia, fijémonos en esos libros que son menos: los incómodos. No por el grosor de los best sellers, no por las casi novecientas páginas del último Larsson, ni por las más de mil en tapa dura de los diversos Follett: al fin y al cabo, libros para formar hueco en el sofá y enlazar páginas de camino al trabajo, sin más preocupación que no tardar. Se trata de literatura incómoda: textos que de verdad expulsan del asiento, que nos zarandean, que nos obligan a parafrasear a Lou Reed y caminar por el lado oscuro. Miremos hacia atrás: pensemos en Arthur Rimbaud, que antes de los veinte definió la poesía del futuro y escandalizó con su relación con Paul Verlaine; una historia de drogas, alcohol y violencia que acabó con Verlaine en la cárcel y Rimbaud muriendo, ya como bartleby y traficante de armas, en Etiopía. O en Charles Baudelaire, acusado de ofender «a la moral pública y las buenas costumbres» con Las flores del mal, loa a la prostitución y otras formas poco lícitas. Por no abandonar Francia, recalemos en Jean Genet: niñez como ladrón en un hospicio, adolescencia en cárceles, juventud como chapero vagabundo, adultez redimida por el éxito literario. ¿Por qué nos atrae Genet? Según Irene Antón, directora de Errata Naturae y traductora de El niño criminal, Genet «tiene una prosa sublime, con una sintaxis digna de Proust, que da cuenta de un mundo que en la época era absolutamente marginal, invisible e indecible. Sí, de putas se ha hablado siempre, de ladrones y pillastres también, pero de travestis nada o muy poco; y todo ello casi siempre desde otra perspectiva, desde fuera. Genet les otorga ese lenguaje literario, pero él no los mira desde fuera: corona ese mundo marginal con un lenguaje que no le pertenece, y lo hace tanto para ennoblecer ese mundo como para pervertir el lenguaje». El Marqués de Sade como referencia Un vistazo a Oscar Wilde, que cantó a la decadencia y fue condenado, por sodomía, a dos años de trabajos forzados; a Charles Bukowski, cuyas andanzas de alcohol y bajos fondos traspasó sus libros; al Marqués de Sade, enchironado durante treinta años en fortalezas y manicomios, y célebre por una obra —y una vida— que difuminó los límites entre el sexo y la crueldad. Déborah Vukušic (Ourense, 1979) lo cita como una de

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sus referencias; con Guerra de identidad desmiente que la poesía no venda: agotó una primera edición y ha sumado a la segunda Cuaderno de batallas. «Los une la necesidad de contar, aunque considero que se trata de un único poema testimonio; Guerra... es una obra vital y crecerá con el paso de los años». Si en Guerra... contrapone la infancia feliz en Galicia, con la madre, frente al descubrimiento adolescente del horror en Croacia, con el padre, en Cuaderno... enfrenta ese hallazgo contra la madurez de una voz poética casi treintañera: se vuelve a la semilla. «En mayo de 2006 realicé un taller de interpretación donde las propuestas se basaban no en personajes ya escritos, sino en cuestiones personales: quién eres, de dónde eres, por qué te fuiste, por qué te quedaste. Todo ejercicio que proponía como muestra era desastroso. Con el último di en la clave: el germen de Guerra..., una lucha constante». Un poemario sobre la construcción y deconstrucción de una misma, que otorga apellidos a la guerra: escuchamos a quienes han sufrido, pero también a quienes han hecho sufrir. julio de 1996 / viaje en coche de zagreb a promajna / en la costa de dalmatjia / haciendo parada en sestanovac // mi


padre lleva en el coche ‘solidissimus in omnibus’ / y eso hace que no pague peajes // atravesando montañas de cartón piedra dice: / «este pueblo lo tomé con mis hombres en 2 días / ¡cabrones, hijos de puta! me costó 3 vidas» / ¿y él? / niño con pelota mujer joven imberbe / viejo niña con su muñeca un bracito / ¿de niña o de muñeca? // no se le puede contar a una niña / 16 años 17 / que su padre es un asesino / no puede enorgullecerse de asesinar / no / delante de su hija. ¿Resultó difícil cruzar de la experiencia a la librería? «Tito Expósito, de Baile del Sol, contactó conmigo al leer un fragmento; le envié el manuscrito, y unos meses más tarde decidió publicarlo». Y otros tantos meses después, «me doy cuenta de que mi guerra aún no ha terminado: es un tema que me sigue afectando (porque sigo siendo yo en o con o ante el mundo), necesito seguir con el ungüento», y nace Cuaderno de batallas. Aunque escribió ambos en castellano, Vukušic lo alterna con el gallego; de hecho, para Baile del Sol ultima Perversiones y ternuras, ya bilingüe. «Escribo como me viene: la lengua y la palabra son mis reductos de libertad. Escribí Guerra... en español porque, si lo hubiera hecho en gallego, sería claramente tendenciosa». «Mi lengua materna es el euskera: mi comunicación familiar, cotidiana, ha sido en ese idioma». Hasier Larretxea (Arraioz-Navarra, 1982) presentó en 2008 un poemario difícil, de riesgo, sobre la violencia etarra: Azken Bala. «Es la consecuencia de una voz interior silenciada durante años; algo que no ha sido premeditado y que ha tomado forma de manera natural. Si hubiera rondado en mi cabeza desde el principio ese hilvanar de poemas, habría perdido frescura y fuerza. Fui yo el primer sorprendido». Larretxea responde a nuestras preguntas sobre el motor de sus poemas aludiendo al «fanatismo ideológico», a quienes se creen con «potestad de dar o quitar la vida por la causa». Azken Bala es un libro que retoma a Celaya y el concepto de poesía como arma cargada de futuro: quizá


por eso haya debido ver la luz en una editorial sevillana (Point de Lunettes) y versión bilingüe (la traducción es de Ángel Erro). «Desde el principio, Erro me recomendó que intentara publicar en editoriales en castellano; para el euskera era un contenido explosivo, controvertido. Escribir sin tapujos en este idioma sobre el epicentro del odio y del dolor ha podido acarrearme problemas en el plano personal y social. Por mi parte no existía ese temor, aunque sí cautela». En 2007, Larretxea cambia Navarra por Madrid y emprende una «limpieza interior» de la que brota Azken Bala. «El libro se dirige a quienes utilizan cualquier violencia como terapia ante la complejidad cotidiana y aburrida de la vida: por ello está muy presente la referencia a otra persona. El lector puede sentir desde remordimiento, cierta conciencia ética, dolor, amargura, o incredulidad; mandar al carajo el libro y al autor o plantearse cuestiones humanas». Larretxea afirma que los suyos han reconocido, desde «posturas ideológicas bien distintas», su «valentía», la «necesidad de una obra que, en lugar de silenciar, muestra» verdades así: Quema un autobús. / Quema un cajero. / Quema una papelera. / Quema todo un barrio. / Un pueblo, una ciudad. // Un bosque. // Antes de que también tú te quemes en ese fuego. Sulfurando madres con un más allá de la liberación sexual adolescente Pero rebobinemos. Anagrama suma en esta temporada a su catálogo —bien nutrido con los rincones oscuros de siempre gracias a su colección Contraseñas (Hunter S. Thompson, todos los beat), y con incómodos de hoy, como Guillermo Fadanelli o Pedro Juan Gutiérrez— a Charlotte Roche, presentadora televisiva de día, glosando de noche la curiosidad por los «recovecos y orificios» de una adolescente empeñada en sulfurar a las madres con este más allá de la liberación sexual. Cangrejo Pistolero apuesta este otoño con Diario de un gato nocturno, de Javier Gato, un poemario que habría matado de gusto a Genet: estupefacientes, sexo, chaperos y mucha noche. El Gaviero aporta Soldados en el jardín, la vuelta de tuerca de Martín Espada a lo social: nacido en Brooklyn, poeta en lengua inglesa y combativo analista de la situación latina en EE UU. Y Periférica lanzó este año su tour por los jóvenes convulsos europeos: el francés Lionel Tran (Sida mental), el británico Gul Y. Davies (Un paseo solitario) y el italiano Michele Monina (Esta vez el fuego). No crucen los brazos, abandonen el sillón de orejas: agarren catálogos independientes y combativos como los de La Uña Rota, Libros de la Herida o la ya mencionada

Baile del Sol. O apuesten seguro por Caballo de Troya, una gran pequeña que, dirigida por Constantino Bértolo y limitándonos al pasado curso, ha dado a conocer el realismo feroz de Eva Fernández (Inmediatamente después) o la crítica cáustica de Peio H. Riaño (Todo lleva carne), y que ahora nos trae —adivinen el tono— La paz social, de Antonio Doñate. Y otra novedad editorial: Obras incompletas (2003-2008), publicada por Ñaque, del dramaturgo Darío Facal. Para Facal (Madrid, 1978) todo «surge de la necesidad de disipar el miedo y la culpa. Escribo en contra de todo aquello que me parece que nos reprime y nos condiciona para asumir el sistema tal y como es; a favor de todo aquello que nos permita soñar con un mundo mejor». Tres piezas arman estas obras: el casi alegato contra el miedo de Morfología de la soledad, la zancadilla al consumismo de Kellogg’s Politik y la relectura del menosprecio de corte y alabanza de aldea en Madrid Laberinto XXI. Le imaginamos frente a una balanza: el lirismo en la palabra, la dureza en el gesto. ¿Cómo recibe el lector, el espectador, la incomodidad? «Desde hace nueve años dirijo mis textos, y los espectáculos han encontrado un circuito, tanto en España como en el extranjero, y un público que aspira a algo más que entretenimiento. No obstante, en

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los circuitos teatrales españoles cuesta apostar por un teatro más posicionado, pero no soporto la queja y soy yo quien ha decidido expresarse de esta forma». Escuchamos a Ruth, presentadora de televisión, en Morfología de la soledad: un padre y su hijo de seis años son ametrallados contra un muro en Jerusalén. / Un equipo de fútbol gana la copa intercontinental. / ESTOY SOLA Y ME COMO UNA SOPA ENLATADA. / Un niño muere por inanición en los brazos de su madre. Una presentadora de televisión hace topless en una playa del mediterráneo. / LA OBJETIVIDAD. Recientemente invitado a Brasil para colaborar en la traducción al portugués de Morfología..., Facal considera: «Las obras son capaces de emocionar y movilizar a personas de muy diversas culturas. Mis obras han sido representadas en lugares tan diversos como Alemania, República Checa o El Cairo y, a pesar de tratarse de culturas muy diferentes, nunca han dejado indiferentes. Enfrentarse con el espectáculo implica más emoción que la lectura, pero ésta permite una aproximación más reflexiva e íntima a los contenidos». ¿Visión incómoda, entonces, más que literatura incómoda? «Mis libros, tal y como se concibieron, pretenden dejar constancia de lo que en su momento fue el espectáculo teatral. Los textos de mis obras están incompletos fuera de la experiencia emocional de los espectáculos, y por ello la edición en libro se ha desarrollado con fotografías y acotaciones que dan cuenta de toda la dimensión de un texto teatral, sin limitarlo a la palabra susceptible de ser impresa». De Bukowski a Hamlet Arremeten contra ti, que alcanzas el fin de mes y cenas fuera algún sábado por la noche: siéntete lejos de tu sitio. Otra reacción no cabe ante la bibliografía de Carlos Herrero (Madrid, 1975): la novela Prosperidad y los relatos de Cuentos rotos, ambos en Barataria. «A mí me educó Bukowski. Bukowski escribía: lee a John Fante, y yo leía a John Fante. Lee a Celine, lee a Hamsun, lee a James Thurber. Yo los leía. Luego descubrí a Harold Bloom, que explica muy bien las cosas. Hoy, gracias a Harold Bloom, pien-

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so: “Hamlet no quiere a nadie porque no se fía de sus sentimientos. Y si ese personaje, el más inteligente que han escrito, no se fía de sus sentimientos es que algo ha visto. Así que mira a ver tú, qué entiendes ahí, en los sentimientos”. No sé si este pensamiento merece la pena y me ayudará a escribir o vivir mejor. Harold Bloom te vende que la literatura merece la pena: hoy es mi principal influencia». Prosperidad crece desde el esperpento, mientras en Cuentos rotos la ironía y el humor negro se despiden de Valle-Inclán. Más realista, aún más crudo... «Prosperidad lo escribí entre mis veinticinco y veintiocho años; Cuentos rotos, con treinta y dos». ¿Cuál es la voz de Carlos Herrero? «Lo mío no es esperpento, sino realismo. Lo llaman esperpento o picaresca los que no quieren que sea realismo, los acomodados». Y desgrana posibilidades: «En Prosperidad sí hay más esperpento que en Cuentos rotos», «me abruma el dolor que me hizo ver la realidad así, pero en parte la realidad era así», «pero elegí los peores aspectos de ella: elegí lo que vivía», «escribir es resaltar», «fui deliberadamente estridente, pero es así: uno piensa cosas, se da razones y realidades». En Prosperidad, una historia de amor sui géneris, se busca una salida que no existe: «Su primer título fue Autoayuda». En ella, Herrero supone dirigirse a lectores jóvenes, aunque Cuentos rotos «parece orientada para la gente en general. No lo había pensado antes. Escribiendo trato de sacarme fuera dolor y hacerme comprender, explicar lo que yo entiendo. No sé si lo logro. Si lo que escribo ayuda a alguien, pues fenomenal. Si enseña algo, fenomenal». Y asegura desconocer «la reacción de los lectores». La intuimos: por favor, siéntanse incómodos. n


sergio bizzio

«Ser serio es dejar que el mundo haga con uno lo que quiera» «Si lo que sigue va a leerse como una novela, entonces conviene decir ya mismo que los terroristas entraron al canal con un lugar común: a sangre y fuego». Así comienza Realidad, la novela más reciente de Sergio Bizzio (Villa Ramallo, Buenos Aires, 1956), publicada en febrero de este año por Mondadori Argentina y editada en España apenas tres meses después por Caballo de Troya. En ella, Bizzio desarrolla una idea que cuesta no imaginar bullendo en la cabeza de un terrorista: el secuestro, por parte de un comando de integristas islámicos, de la cadena de televisión en la que se graba la edición argentina de Gran hermano. ¿Cómo no se les ocurrió antes? Conscientes o no de la repercusión de sus actos, inauguran Realidad enumerando muertos. Y se cierra con una advertencia: «Ser serio es dejar que el mundo haga con uno lo que quiera». Según Bizzio, con Realidad ha intentado una «novela sobre la manipulación». De la televisión a quienes la contemplan, a quienes trabajan en ella, a quienes viven de y en ella... Contamos: el miedo que infunde el terrorista en sus rehenes, en los participantes del reality, el miedo que éstos transmiten a los telespectadores cuando se descubren y divulgan los motivos de su comportamiento; el miedo a las audiencias de los productores, que se transforma —por tanto— en el miedo de sus empleados; el miedo a lo divino de Ajaj y sus hombres. Rectificamos: ¿no se trata, entonces, de una novela sobre el miedo? Un temor explícito en su otra nave, Era el cielo: inmediatamente anterior a Realidad, la prestigiosa Interzona la editó en 2007, ahora la recupera Caballo de Troya. Hacia la mitad de la novela, para calmarse ante la presencia de una invitada incómoda, el protagonista redacta una lista de sus «miedos (en desorden)». Teme «a la muerte», «a las ciudades, barrios, calles desconocidas; a los suburbios», «a la policía», «a la vejez», «a los secuestros», «a tener que irme a vivir al campo». «Hubiera podido seguir», especifica. Guionista de televisión cuyo nombre no se nos revela, se entrega —él también— a la enumeración mientras vive con Vera, con quien comparte trabajo, y quien le supera en vitalidad. Él es neurótico y celoso, problemático en sus relaciones sociales, separado y con un hijo; ella, soltera y extrovertida, no debe nada a nadie, y menos a él.

De Era el cielo llama la atención cómo el drama se tensa, aún más, a base de humor: resulta incómoda la visita al productor Láinez con Vera, cuando el noviazgo ya desciende en picado y ella se sumerge —ante la histeria de él— en un tanque para nadar junto a un tiburón por divertirse. Bizzio es una celebridad en Argentina: escribe novelas, cuentos y poemas, guiones para cine y para tele (desde culebrones a programas de entretenimiento), piezas teatrales a cuatro manos... Ha dirigido películas, ha grabado un disco... Pero no quiere ser más que una cosa, él mismo. «Básicamente soy Sergio Bizzio. Hago lo que tengo ganas de hacer. Me parece que es medio pernicioso ponerle a la gente una especie de cartel de neón que indica qué es lo que hace», ha declarado. En España ya conocíamos Rabia, publicada por El Cobre en 2004, y también nos suena porque el relato Cinismo originó la película XXY (2007), de Lucía Puenzo, premiada en Cannes y en los Goya. Sobre esta historia, Bizzio declaraba a La Voz: «No siento ninguna simpatía por los grandes temas y por el circo de bienpensantes que enseguida sacan a relucir los filos blandos de la libertad de elección y pavadas por el estilo. Yo no escribí la historia de un hermafrodita enamorado para promover un debate ni para comprender a nadie. Escribí esa historia para calentar, para excitar». Igual que en un juego de muñecas rusas, Realidad aborda la irrupción de ésta —en forma de integrista islámico— en una realidad falsa, en forma de reality. En cambio, aunque la contratapa de Era el cielo nos habla de secretos, y sus páginas finales nos elevan más allá de las nubes, toda la novela se mantiene a ras del suelo e incluso del subsuelo, atada a la realidad. «El realismo es lo que escapa», asegura Bizzio. «La realidad no tiene fin, excepto si es contada como novela», leemos en Realidad. «Sólo la realidad es capaz de contarlo todo», continúa. ¿Y qué será lo próximo?

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john hillcoat

«Los seres humanos tenemos una mente primitiva» Va a ser la película de la temporada y el día 11 clausura el Festival de Sitges. En ‘The road’ hay varios tipos duros implicados: Cormac McCarthy (novela), John Hillcoat (dirección), Viggo Mortensen (actor) y Nick Cave y Warren Ellis (música). Hablamos con Hillcoat. por jaume esteve gutiérrez

Aunque el calor de Venecia aprieta de lo lindo, el australiano John Hillcoat (Queensland, 1961) es ya un veterano de la agobiante humedad del Lido y de sus agresivos mosquitos. Este año ha presentado en el festival italiano The road, candidata a convertirse en una de las cintas de culto de 2009. Con su anterior trabajo, The proposition (2005), Hillcoat firmó un wéstern crepuscular cuya acción transcurría en la Australia rural del siglo xix. En una sala del hotel Excelsior, el director recibe a la prensa. Con voz nasal y mucha calma responde a las preguntas mientras piensa la elección de cada palabra. Busca el término exacto que quiere utilizar en cada ocasión para explicar los entresijos de su adaptación al cine de The road, la prodigiosa y desoladora novela de Cormac McCarthy, ganadora en 2007 del

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Premio Pulitzer en la categoría de obras de ficción. The road, una feroz historia de un padre (Viggo Mortensen) y un hijo (Kodi Schmitt-McPhee) atravesando un mundo sumido en el apocalipsis, no se llevó ninguno de los premios del Festival de Venecia, pero encandiló a la crítica y al público. Para verla en las pantallas españolas habrá que esperar hasta febrero de 2010. ¿Conocía de antes la obra de McCarthy? Sí. De hecho, Meridiano de sangre ya había sido una gran influencia para mí cuando hice The proposition. ¿Por qué ha decidido no incluir en The road una de las escenas más fuertes de la novela, en la que uno de los grupos de caníbales, los pobladores del mundo posapocalíptico que


jason arber

acosan a los protagonistas, asan a un bebé para comérselo? Nunca probamos la escena del bebé. Yo tomé esa decisión. Cuando la visualizas, te conviertes en testigo. Es una sensación muy física, una dinámica diferente [a la del libro]. Nos dimos cuenta de que daba igual cómo lo interpretáramos, simplemente daba la sensación de que era innecesario, que nos estábamos pasando de la raya. El tráiler vende una imagen distorsionada del filme, con mucha más acción de la que hay. ¿Qué motivos le han llevado a dar esa impresión? Es un proyecto muy difícil de vender. Fue un intento de explicar y contextualizar la película. La gente que no conoce el libro lo necesita para acercarse a las salas; los que ya lo han leído, no. Hubo un gran debate sobre el tráiler, pero desde el principio quedó claro que queríamos mantener la máxima fidelidad posible respecto al libro. Nunca tuvimos la idea de convertirlo en otra cosa. ¿Cuál fue su aproximación al proyecto cuando se lo ofrecieron? Podría haber muchas aproximaciones, pero sólo hay una en la que todo se derrumba alrededor. Quería mantenerme fiel al libro. Mantener la humanidad del relato fue para mí un reto enorme. Era muy complicado conseguir que hubiera una progresión emocional teniendo en cuenta que el padre y el hijo están en todas y en cada una de las escenas, desde el principio hasta el final. Su relación con el músico Nick Cave [autor de la banda sonora con el violinista de los Bad Seeds, Warren Ellis] viene de largo. Han colaborado en varios trabajos y él fue el guionista de The proposition. Coincidimos en el mismo lugar y en la misma época: yo era un adolescente, siempre haciendo cosas de cine; él siempre en una banda de rock and roll. Nos juntamos y... simple-

John Hillcoat, arriba, dirige a Viggo Mortesen y al niño Kodi Schmitt-McPhee, padre e hijo en la peli.

mente congeniamos. Le encanta el cine, ve más cine que nadie que conozca; va en cualquier momento libre y ve unas dos películas al día. A ambos nos gustan los mundos extremos, que sacan lo mejor y lo peor de la gente. [Nick Cave] tiene una cualidad lírica, poética, muy del estilo de McCarthy. El cine de catástrofes o ambientado en distopías futuristas vuelve a estar en auge. ¿Tiene alguna explicación para este fenómeno? Hay muchos proyectos que desconocía. 2012 es un ejemplo. Ahora somos mucho más conscientes del colapso del medio ambiente, en parte porque lo estamos viendo, lo estamos sintiendo, lo percibimos... Y, claro, todos sentimos los problemas económicos. Hemos vivido en una burbuja durante demasiado tiempo y esa burbuja ha estallado. Volviendo a The road... La fotografía está basada en los tonos grises y retrata paisajes apocalípticos. ¿Cómo llegaron a ese look? Hicimos un tour completo por Estados Unidos y hubo mucha investigación. Teníamos cinco

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equipos en cinco estados buscando localizaciones. El libro era extrañamente familiar porque hablaba de cosas que ya habíamos visto y no sobre algo situado en el futuro. Por eso fuimos a Nueva Orleans; al Mount Saint Helen’s, una zona volcánica donde hubo una erupción; a Oregón, que tiene unas playas de arena gris; a Pensilvania, donde se encuentran autopistas y minas abandonadas... ¿Por qué se decantó por Viggo Mortensen como protagonista? Tiene una gran habilidad para transmitir con su físico. Quería que la figura del padre tuviese credibilidad al hacer este viaje. Odio ese sentimiento que te distrae en el cine porque no te acabas de creer que el personaje sea capaz de pasar por las penurias de un trayecto duro o difícil. Viggo tiene intensidad y mucha dedicación para llevar las cosas al extremo. La historia requiere un amplio rango de emociones y la cara que tiene, su intensidad, me recuerdan a las caras que se veían en la Gran Depresión. Y me encanta ver a hombres duros hechos polvo. No que lo estén, pero sentir que son humanos, que se han ablandado. ¿Qué proceso siguieron para escoger al niño? Tiene un gran parecido con Charlize Theron. Hubo un vínculo real entre ellos dos, era un niño pequeño siguiéndola a cualquier lugar. Kodi se enamoró terriblemente de Charlize durante el rodaje. Ella le decía: «¡Deja de flirtear conmigo! ¡Eres muy joven!» [risas]. Puede parecer una pregunta un poco ingenua, pero... ¿por qué los malos son tan malos? Todos hemos oído historias de lo que pasa cuando todo se desmorona. Sucede muy rápido. Durante el Katrina tuvimos un ejemplo. La Policía fue la primera en arrasar con las tiendas. Es algo que me contó de primera mano gente que lo vivió. Hay ciertas líneas en el comportamiento humano que se cruzan muy rápido. La historia está plagada de ejemplos. Cada vez que pensamos que esas cosas no ocurren sucede algo que nos lo recuerda. Amo eso de McCarthy, es capaz de retratarlo, de reconocer que los humanos tenemos una mente primitiva que tiende a la supervivencia... ¿Es una película de personajes? Es una historia emocional. La historia de amor del padre y el hijo es tan rica, tan adorable, que simplemente desplaza a todo lo demás. Me abrumaba pensar que si

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por jose ángel gonzález

nick cave el músico Nick Rey Tinta Cave firma la banda sonora de The road junto con Warren Ellis, el pelanas que toca el violín más enloquecido del mundo en The Bad Seeds, Grinderman y Dirty Three. Ambos están hiperactivos: acaban de anunciar que trabajan en la música de The girls of Phnom Penh, un documental sobre el comercio sexual con niñas vírgenes en Camboya, y que ya tienen sólo pendiente de mezclas el segundo álbum de Grinderman («será como un cruce entre Sly Stone y el kraut rock de Amon Düül II», ha anunciado Ellis). El australiano Cave acaba de editar su segunda novela, La muerte de Bunny Munro [Global Rhythm Press, 22 €], con mucho sexo y alienación. El 24 de octubre la presenta en Barcelona [casino de L’Aliança del Poblenou] en una «velada íntima» con lecturas, conversación con el público y música. Le acompañarán Ellis y Martin Casey.

john hillcoat el cineasta Australiano como Cave y colega de éste desde la adolescencia, Hillcoat se bregó en el mundo del videoclip (los ha realizado para, entre otros, Einstürzende Neubauten, Siouxsie & the Banshees, Manic Street Preachers, Bush, Placebo, Suede, Atari Teenage Riot, Depeche Mode, Muse y, claro, Nick Cave and The Bad Seeds). En 1988 realizó su primera película, Ghosts... of the civil dead, un drama carcelario escrito y protagonizado por Cave. Tres años más tarde, otra vez con el músico a su lado (ahora como guionista), dirigió The proposition, donde ya se advertía su gusto por la desolación del alma humana y, como proyección de ésta, del paisaje circundante. Antes de que los hermanos Coen empezasen a rodar No es país para viejos, adaptación (pobre) de una novela de Cormac McCarthy, Hillcoat ya se había agenciado los derechos de The road.

cormac mccarthy el escritor Tipo duro y humilde, Cormac McCarthy (Providence-EE UU, 1933) ha labrado una obra escrita a sangre y fuego que, por desgracia, sólo empezó a tener resonancia masiva cuando fue trasladada al cine. Ex trabajador de pozos petrolíferos, habitante casi anacoreta de una caravana, huidizo frente a los medios de comunicación y, sobre todo, estilista de precisión extrema —ningún adjetivo gratuito, ningún tópico—, McCarthy ha firmado diez novelas deslumbrantes, todas publicadas en España por Ramdon House Mondadori. Algunas, como Sutree (1979) o Meridiano de sangre (1985), están entre las mejores obras de ficción del siglo xx. No le gusta hablar de sí mismo, pero sus personajes gritan como coyotes. Odia el mundo moderno (escribe a máquina), pero sabe los nombres de cada emoción, de cada planta y de cada reptil sin necesidad de googlear. Un hombre.

no conseguía desarrollar esa relación, la estructura de la película iba a tener problemas. También ha dado mucha importancia a los flashbacks en los que aparece Charlize Theron junto a los protagonistas. Quería remarcar algo que no está en el libro: una época relajada, en la que tenían una vida cómoda opuesta a la dureza de las calles y la llegada del apocalipsis. Nuestra intención es dar una imagen bella del pasado y que se aprecie el sentimiento de pérdida. ¿Se ha basado en alguna otra película para encontrar puntos de referencia? Busqué otras cintas que se pudieran relacionar, pero fue muy difícil porque no podía encontrar historias de amor. Encontré montones de padres tiránicos, ausentes... Lo más cercano que conseguí fue El ladrón de bicicletas. Quería mostrar que la relación padre-hijo es siempre parte del drama y parte de la vida. ¿Algún director que le haya guiado para plasmar la obra de McCarthy? Stanley Kubrick me encanta. Ya sea en Barry Lindon o en 2001, es un director que siempre hace un viaje a otro mundo. Haga la película que haga, te da un pasaporte para que entres a ese mundo y no te preguntes nada mientras estás allí. Además, Kubrick es capaz de casar el entorno con el contenido de la película y no hacer que el argumento se supedite a los escenarios. n


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OLAS DE ‘REVERB’ EN LA MESETA

La tercera venida de la música surf está ocurriendo y no necesita olas. Primero, los pioneros de los años cincuenta. Después, el renacer tras el ‘Misirlou’ de ‘Pulp fiction’. Ahora florecen, en tierras de secano, los seguidores de las guitarras reverberantes y oceánicas. Presentamos a los nuevos surferos. POR JUAN JOSÉ SANTOS FOTOS BELÉN CERVIÑO

Un incómodo efecto blur difumina todo lo que aparece ante mis ojos. Culpa del ron que está a punto de ebullición en mi vasococo de plástico o del inquisitorial calor. Estoy delante del río —es un decir— Manzanares, con una camisa hawaiana, al lado de una muñeca hinchable llamada Jenny y con una tabla de surf. Llevo aquí tres horas, y las olas siguen sin llegar. Miro de reojo un termómetro electrónico de esos que han instalado las empresas de agua embotellada para aumentar sus ventas: 42 ºC. —Joder, Jenny, preciosa, ya te dije que esta idea tuya era una gilipollez. Como un rayo de sol en mi oído penetró un ruido ignoto que me hizo recobrar la claridad de visión. Marchoso, rítmico... Era el sonido de una guitarra con varios kilos de reverberación llegando hasta mi bulbo raquídeo... —¿Jenny, escuchas eso? ¡Es reverb, mucho reverb, reveeerbb! Efectivamente, como en el último capítulo de Los Serrano, todo era un sueño. La música de mi despertador me levanta. Suenan Inlaketch Surf, grupo español de surf de secano. Puede que haya algo inverosímil en escuchar música surf de un grupo español. Lo acepto. Quizá también sea poco factible que este hecho tenga lugar en el año 2009. Pero que el grupo en cuestión sea de Madrid... ¡Música surfera en Madrid! Y no son una excepción. Imperial Surfers, Los Coronas, Los Wrayajos, Los Tikinautas, Los Empollones... Un ejército de grupos que hacen música surf en un sitio en el que no hay olas. Necesito respuestas. Veranos eternos y sueños de libertad El epicentro del maremoto surf lo encontramos en la costa oeste de Estados Unidos a finales de los años cincuenta. Los jóvenes adinerados y dorados al sol de California demandaban una banda sonora para sus fiestas playeras. Veranos eternos, chicas rubias, sueños de libertad que merecían con toda justicia

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Los Tikinautas, que hacen mĂşsica surf extraterrena, vinieron de otro planeta.

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un estilo musical propio que tendría que ser, necesariamente, divertido y fresco. Aparecieron dos vertientes de música surf: la instrumental, con gente como Link Wray, Johnny & The Hurricanes o The Ventures, y la vocal, con los aterradores clones sonrientes Jan & Dean o The Fantastic Baggys. Todos ellos afluentes de un mismo río: Dick Dale, el gurú zurdo de la Fender, el precedente de Jimmy Hendrix, el papá del surf. Y fueron, efectivamente, The Beach Boys los que popularizaron el género con sus primeros discos. Medio siglo después, los grupos españoles que han tomado el testigo recuerdan algunas anécdotas asociadas a la aparición del género. Los que mejor nos ilustran son, cómo no, Los Empollones. Ésta es la de Antonio: «No se dónde leí que Link Wray inventó la distorsión haciéndole un agujero a la tela de su amplificador con un lápiz». La de Álex: «He oído que muchos grupos surf hacían la coña con que Leo Fender [creador de las guitarras y amplificadores Fender con los que se toca música surf] era el cantante de sus bandas». Y ésta es la anécdota de Guille: «Me quedo con la de Dick Dale. Cuando salía del agua dejaba la tabla y cogía la guitarra, se subía al escenario y con el bañador todavía mojado se ponía a tocar». Por cierto, de todos los pioneros, muy pocos sabían poner una tabla encima del mar, algo que pueden utilizar en su defensa los grupos actuales de surf españoles. Antonio, de Los Empollones, lo resume así de fácil: «El surf es una actitud, da igual donde se haga». Isaac, de Inlaketch Surf, sentencia: «Madrid necesita de calor, playa y rock. Y ahí estamos nosotros: aunque no hay playa, nosotros hacemos que tú la sientas a 100 metros». Otros integrantes de estos grupos españoles surferos reconocen su pasión por bailar sobre las olas, pero, claro, para eso tienen que coger el AVE a la costa. Los Imperial Surfers también son tajantes: «Música surf se puede hacer en cualquier sitio donde haya un par de amplificadores Fender y una buena reverberación». Pero vamos al grano. ¿Por qué estos grupos deciden de repente apostar por el reverb (distorsión que se aplica al sonido de la guitarra eléctrica, característica esencial de la música surf) y por los riffs frenéticos que imitan el oleaje del mar en lugar de hacer el folk semidesnatado de moda? «Es una música divertida que además combina el rhythm and blues con otros ritmos, lo que la hace muy atractiva para interpretarla», afirman Inlaketch Surf. «Es la música más auténtica. Después de haber probado otros muchos estilos, rockabilly, heavy metal, reggae... el surf es pura adrenalina, una música viva que está siempre en evolución». Antonio (Los Empollones) descubrió la música surf «de adolescente, comprando discos sólo por la portada: las de surf eran las más molonas». Guille, del mismo grupo, se subió a la ola porque le «encanta la guitarra eléctrica y el surf es eso». «Dentro de mí late un fornido rubio californiano, amante de los coches, las playas, las olas y las nenas», afirma Pablo, el batería. Piña colada contra morcillas Agosto 2009. Viernes,14.30 horas. Aranda de Duero. En medio de la plaza del pueblo se ha montado un escenario sobre el cual gravitan unos tipos vestidos de negro con sombreros de paja. Un modernillo de Ikea me dice: «Coñe, qué ricos estos tipos, cómo molan. ¿Cómo decías que se llamaban? ¿Los Pollonas?». Los Coronas, son Los Coronas. Por si no lo sabes, son los pri-

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meros tíos de este país que se pusieron a hacer música surfera, cuando aquí nadie sabía qué demonios era eso (con permiso de unos sesenteros muy recomendables, también madrileños, Los Relámpagos). ¿Y por qué les dio por ahí? «Porque no había nadie haciéndolo. Empezamos en 1991 y nos pareció un buen estilo para aprender a rockear sin contemplaciones y, de paso, sin cantante». Habla Fernando Pardo, de Los Coronas: «Yo descubrí la música surfera cuando era pequeño. A mis padres y tíos les gustaba el rock and roll y la música instrumental de los cincuenta y sesenta. Cuando llegaron los años ochenta, en lugar de entregarme a la escucha


«El surf es una actitud, da igual donde se haga», afirman Los Empollones.

de Hombres G, Mecano o Modestia Aparte, lo hice con la música surf instrumental y el garage punk». Y de ahí a ser el mejor grupo de música surf de España (con mucha diferencia) y a sacar discos que se escuchan y conciertos a los que acude gente. La potencia de las guitarras y unos temazos que actualizan el surf clásico hicieron posible un acto de magia en la plaza de Aranda de Duero. Y al tercer día vino el reverb y convirtió la morcilla en una piña colada. Festival de barrio madrileño, en medio de un parque. Aparecen cuatro tipos disfrazados de Power Rangers plateados de extrarradio. Se acercan a mí atravesando el parque, acosados por

varios niños que nunca han visto nada semejante. Parecen los indígenas adorando a los dioses blancos que colonizan la selva. Responden al nombre de Los Tikinautas. Los entrevisté antes de su actuación en el festival, aunque perplejo y anonadado. ¿En qué momento dijisteis la música surfera es el rollo que me gusta?, les pregunto. «Cuando los científicos de nuestro planeta nos pusieron música surf por primera vez, toda la tripulación Tikinauta entró en shock. Erneslono comenzó su ya legendario baile de brazos locos, seguido por la hiperventilación de Marioku, que empezó a hablar solo con el vocablo ‘ni’. Kanola Joe daba vueltas sobre su propio eje, y yo, Davikane, repetía sin cesar:

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Los Coronas, el mejor grupo espaĂąol de mĂşsica surf, empezaron en 1991.


“Soy un juguete roto, soy un juguete roto”. Tras un pequeño ajuste en el dial de reproducción, nos dimos cuenta de que nos encantaba la música surf». Y continúan con una anécdota sobre el tema: «No sé si es parte ya de la historia surf, pero después del 11-S a Los Straitjackets no los dejaron entrar en un edificio cuando iban a hacer una entrevista, porque parecían sospechosos. Llevaban puestas sus máscaras de lucha libre. A veces los humanos sois muy raros». Me hago cargo. Davikane se refiere a un mítico grupo que acudía a los conciertos con disfraz. Forman parte de la vertiente carnavalesca. Muchas bandas se disfrazan, como los españoles Tiki Phantoms, y algunos, como Los Tikinautas, lo hacen con atuendos de temática espacial. Lo de que hablen como si fueran extraterrestres es materia que debe tratar su psicólogo (porque tienen uno, ¿no?). Lo cierto es que salieron al escenario, y los asistentes (la mayoría, jóvenes amontonados alrededor de un tonel de calimocho con el uniforme de el-sistema-no-mela-pega, pantalones anchos y camisetas a rayas), boquiabiertos, no pararon de reírse y sacar fotos con sus móviles de tercera generación. Los Tikinautas empezaron a hacer vibrar sus instrumentos, y os lo aseguro, todos esos seguidores de Kortatu comenzaron a bailar como terrícolas histéricos. Arguiñano cocina con surf El surf está de moda. No sólo porque están apareciendo grupos, los últimos, Los Empollones (que, parafraseando un tema suyo, N. M., necesitan mejorar), sino porque cada vez más gente se inicia en la tabla y cada vez más marcas de ropa venden líneas surferas. Es la tercera venida, después de la inicial y la resurrección del género tras la inclusión del tema Misirlou, de Dick Dale, en el inicio de la película de Quentin Tarantino Pulp fiction. Hay quien lo ve como una moda anacrónica. Isaac, de Inlaketch Surf: «¡Si supieran que muchísimos de los éxitos de productos como OT, supuestamente modernos, tienen más de 50 años!». Álex, de Los Empollones, comenta: «En realidad, la gente ha oído muuuucho más surf del que cree. En el programa de cocina de Arguiñano está todo el rato sonando surf de fondo. Ahí lo tienes, ¿qué hay más mainstream que Arguiñano?».

Inlaketch Surf dicen que la música surf «es la más divertida». ¿Se trata de un movimiento sectario o minoritario? «Yo no diría sectario, pero sí es verdad que la música surf es un subgénero dentro de un género musical, el rock and roll, que no está muy de moda hoy en día a nivel masivo, pero ni falta que hace», afirman Imperial Surfers. Es verdad que la afición va en aumento, reconoce Fernando Pardo: «Sí, muy lentamente. Por suerte, este tipo de escenas cada vez se mueve más a nivel global, y con Internet uno ya no está atrapado por los gustos y demandas musicales del país en el que vive». Aunque aún hay mucho que hacer, como ilustra esta anécdota de Los Tikinautas: «En una prueba de sonido, algún técnico terrícola nos ha llegado a decir que las guitarras tienen mucha reverb y que lo quitáramos, cosa que en nuestro planeta nunca ha ocurrido». Pero es que en la Tierra el surf transgénico, el de este producto otrora de temporada y de climas tropicales y hoy en día posible en cualquier tipo de terreno, es aún experimental. Pero coincidan conmigo en esta conclusión: la guitarra eléctrica es muchísimo más divertida con reverb. n

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l a r a p a t s e d a r a p r indicios dro amenábsca ar,

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lO premios (e da que s lo s o d to n l que tiene ta película y la segu iglo iv, e l, o ñ a p s el s quin ine e erkid’ del c ora’, su espectacular tada en Alejandría en sionada d n u ‘w l e o Ha vuelt . Ambien mujer apa ector). ‘Ág s ir a e d n m u r ), jo te z e s is e m e l e speranza. dos Goya a lés, se estrena el 9 d bre Hipatia (Rachel W s que la aman sin e g . so bre rueda en in ucción es un drama y dos hom able a tumba abierta s o n a ti s ri c h d s la superpro y condenada por lo de palabras para que ia s c a n n ie por la c r dos dece to c e ir d l a z lu is día Lanzamos és foto ala .

bue na o m hay gente en s, ca o p é ble y feo todas las tan misera n s E e . n D ie A u D MAL a zo a alg e s una tualidad. un cuchill mo en la ac Asestarle jo, siempre a co b a l ra tr a o g tu o Á no pue da n d u e p o . Cu a n que quien lo ser imp tiempos d m e a s e b ti su lo a l l, p or m a E ir n . o D ace poco, Einstein af i vida pers ANSIE DA perdido. H . Albertn eloj. En m á ada IO rr g st a R e tr lle E n T o la ri co IS n M guerra el miste siones e funci te , s. n re a o a p d ig o e so im m m rs a o y e n lla maravi dades, e n detectad que esté d si quedo co ntes veloci que se ha lla cool algo í re e r vi . le if o , a ra d p d lo a n s p a m o o m r e m je e erso. M entende odría viaja ndo de esa COOL . Si der el univ e está luz, que p rás y huye n ra u at u q te la n l at ra e e e n a d n e p ra d e a co om el plan Como soy spuesta p ciono yénd isis de esvelando e cambio. sería la re s están d a época d Hay una cr n co r. u si jo s fí e o s m im e lo a iv u r cómo . s, porq nte CRISIS . V que va a se sus valore ra realidad estrictame ista , pienso reivindicar empre echa nuest lo que es si h te e n d e a d ra rt leza optim s e o u p lo F mo da . torpe. acia y es im bajo de las piedras é poco de y bastante la democr M O DA . S n personas. eso que so recen de a s fi p n la a e co a , d l id co o u luciones. E fi enseg amir y el contr ematográ e las revo s n e d o d ci s o n o á e p ig m l u m e b lo a o e a soy muy círculo d llo y hast reclamand IDAD. No uaje senci rme cómo rme de un g N ci a n R e e le E d d n D a ro u O r y to a M cre . Inten esafiarme las, intento CRÍTICAS estos a d mis pelícu o mi stán dispu e . e u le q b si . Ha llenad s, go clásico po hacer cine unado al en sas. rt ra o co a ad s af p d e la n y ó a s o n ven ello es n pagad rvo la pasi llegue a u ie n se b e ié n u b y o q u tó, m C ía . m la Ta d p N l . ero PASIÓ sar en e u e ha g o a otro del Me consid miedo pen iendo lo q e un lado ento una a d si ac d h o e DINE RO. y d a M n d . ro ie a vi e rr d vi ar co arme la ucho din ara pueda est p o der ga n l capital p costado m la que no n puesto e sible, Ágora ha a . h e u ro e q b u q m u ad s st frío, insen verd n aquello como aco mo algo co co ía ni ad fr d a i rl ili n b ra responsa e a valo ero no es o, realidad lícula . ente . Se tiend e luego, p ic e N p lm lít sd o Ó e ta la p d Z n r , e A te ci le R m n u b a e prod cultura , ana fund ntrado s implaca o E m co . m e n le e o co b n : a u o h ca ic a e la d imp rio, qu l de cad . La reivin o del Impe . La mora rismáticos EUROPA . insensible soy enemig lúcidos y ca o s n á ro m e s P en el cine . te n social.. sa el sexo los dirige la ra zón. re e e d d te o ta in n n e u e ri m a o ador, no esde mi e n O b a ma s. feminismo espect película d as década acer una SE XO. Co e considero h m a o rí n de las últim a st ro . u e p me g machista spetuoso, Tampoco e no r bastante MO. Soy re premisa d osexual. debo de se m FE MINIS o so m h u e n cl si ó in s ci , y seguir la re te to n ce e e la í. cr m p m is s ra d a u de ser tar de lo ta . Seg e ha ga n E Z . Trato bien disfru iero que m SE NCILL es . Está muy q ue no q u O lo . M o s á tr IS o m N l e ente que a O d HE D luta . La g visual acer a los aga s da ño io so r h h d b o se a au n l le o ad e e d rd n n su pre y cua o en la ve de todo. E iscreción, ría D. No cre e importa o la clave asta la ind A h m ad D o o lt R d N n su E t. a V re e g Intern T. Ha e en poco. honesta , lle INTE RNE -oído, sino a rodar cin mentir un totalmente ne s y e plantearí ona el boca está bien m ci s n Y . ce fu d o ve e n R A de vacacio ya irritante. me fuera ula para la si líc e o p m . a n ro co n u r es hacer entario. elínte el futu cine. Roda y muy sed no ha ga p es finalme VIA JE . El , porque so día que ya 3D si eso o o l d m e n is e e u m si í q o m g pielberg reo que si huyera de D. Dice S un niño. C JUVE NTU rse como ti n se e d rá culas deja filmé Tesis. e cuando el mismo d rtug u

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LIENZO DE BYTES Amantes de la programación, la música y el diseño. La Demoscene es uno de los movimientos más ‘underground’ y pujantes de la informática. Pequeñas piezas de arte en tiempo presente, competición y comunidad internacional son las señas de identidad de los ‘sceners’. POR JAVIER RADA

Es el movimiento más underground de la informática. Está más allá del orgullo nerd (fanáticos de la informática, los videojuegos y la fantasía) y representa una comunidad de creadores con lazos internacionales. De su trabajo se nutren la industria de las plataformas, el cine y la informática. La Demoscene nació en los años ochenta con los primeros trastos programables (Spectrum, Atari, Commodore). Los jóvenes de entre 14 y 16 años se vieron en la necesidad de alterar los programas, ya fuera por falta de software o por crackear (violar y modificar) programas y juegos. Así surgió la Crackscene, ya que los crackers dejaban su firma en los programas pirateados con pequeñas intros en las que aparecían sus apodos. Demostraban así que habían sido suficientemente habilidosos como para crackear un programa informático y añadían pequeños efectos visuales al programa violado, a veces con música. Con el tiempo, las introducciones fueron evolucionando hasta convertirse en pequeñas obras de arte, dando lugar a lo que se conoce actualmente como Demoscene. Es encontrar el arte en las mates, las ecuaciones frías, la abominable tabla de multiplicar, el horroroso sistema decimal. 2+2 son 4, pero el cuatro puede ser el cemento de algo artístico. Es encontrarlo en los rígidos siervos de la ciencia, la misma que trabaja para los aviones y la exactitud de las guerras. Como los antiguos pitagóricos, miembros de una filosofía matemática y mística, y que desaparecieron dando lugar, siglos más tarde, al imperio informático y los PC portátiles... Así surge la autodenominada Demoscene, queriendo fusionar la matemática y la expresión artística. Este movimiento internacional, de origen europeo, está formado por fanáticos de la programación, la música y el impacto gráfico. Cirujanos que mediante ecuaciones-estiletes operan en el programa informático convirtiéndolo en el cuerpo de pequeñas obras de arte visuales. Son animaciones generadas en tiempo presente

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GUILLE BARBERÁ

«Combinamos arte y tecnología de una manera pura», dice David Domingo, alias SML, gran promotor de la Demoscene en España.

y ejecutables en el PC, como pequeños videoclips en los que se combinan el código del programa, la música y el grafismo. Cortos de fractales e imágenes delirantes en movimiento. Introducciones y demos (las clásicas de los videojuegos) llevadas al extremo creativo. Sólo necesitas conseguir la pieza/aplicación, ejecutarla y disfrutar de la película. Los sceners son jóvenes (artistas y programadores) que se dedican a alterar o crear programas para extraer de ellos su potencial creativo. «Es un movimiento artístico-tecnológico peculiar, donde la combinación de arte y tecnología es pura. No se trata de un arte que usa la tecnología, como el arte digital, sino que su arte está en la manera de hacer las obras o producciones informáticas», explica David Domingo, alias SML, scener y gran promotor de la disciplina en España. Los sceners (creadores de la Demoscene) buscan el arte en la matriz de la tecnología, en sus bajos fondos, en programas artísticos, imágenes en movimiento, música, formas geométricas, dibujos... Han de ser siempre ejecutables en presente y animadas. La principal característica de la Demoscene es el arte en directo. Su complejidad y gracia deriva en que cada frame (fotograma o cuadro) de la imagen y cada sonido son calculados al mismo instante en que se muestran en la computadora. La velocidad, fluidez y potencia de los gráficos, así como la música que se genera, dependerán de cómo esté programada y diseñada toda la aplicación. Una buena demo es la que tiene un buen código. Es el arte dentro de la programación, ya sea gráfica, audiovisual, de compresión, optimización y algorítmica. Son los informáticos los que generan todo el universo sensorial (una obra con paletas, pintores y arquitectos al mismo tiempo). Su primera pincelada empieza en los bytes, en las entrañas prohibidas a los profanos. Termina en lo orgánico, en los oídos y las retinas. Para ello necesitan de la participación de un coder (programador), un músico, un grafista y un modelador en 3D. Pueden ser la misma persona o el nexo de unión de los numerosos grupos que compiten en las parties o compos, encuentros nacionales e internacionales en los que los sceners muestran sus obras al público. «Al decir Demoscene, uno está diciendo programación, gráficos, reto, aprendizaje, competición, parties, viajar por Europa, amigos, música, matemáticas, arte y más cosas...», explica Íñigo Quílez, alias IQ/RGBA, uno de los mejores sceners españoles. «El objetivo último es sorprender al público, hacer lo que nadie ha conseguido antes y llevar así los límites de lo posible un poco más allá. El reto puede tener muchas formas», añade. Todas las creaciones son piezas o aplicaciones que se distribuyen gratuitamente y estimulan la competición. «Antes algo sorprendente era conseguir mostrar en pantalla un dibujo o imagen que contuviese 64 colores cuando el hardware estaba sólo diseñado para 32. Los programadores

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de demos tenían que engañar a la máquina haciendo triquiñuelas. El coder que lo conseguía tenía la gloria eterna.... Hoy en día los retos son hacer en tiempo real lo que ningún juego puede o mostrar 8 minutos de música y animación de calidad a partir de tan sólo 64 kilobytes de datos. Vamos, algo así como superar al MP3 y al WinZip juntos», dice Íñigo. La cuna de la Demoscene se encuentra en los países bálticos, sobre todo en Finlandia, en donde se organiza la Assembly, uno de los mayores encuentros de esta disciplina en el mundo. La tierra nórdica manda las nuevas tendencias de este mundo underground y sin ánimo de lucro. Le siguen los países centroeuropeos (Alemania, Polonia, Hungría) y, en menor medida, España y Francia.

WinZip Rar, producciones, competiciones, encuentros... Y también hay una sensación de familia con una pasión común. Genera una comunidad con relaciones fuertes y una escena real», añade Domingo. Muchos de los fundadores, a pesar de provenir de la cultura underground, están ahora trabajando para las mismas empresas de las que crackeaban juegos o metidos dentro del mundo del cine o de las aplicaciones de imágenes por computadora (visualización médica, industrial).

Sin embargo, los sceners coinciden en que este movimiento, aunque netamente europeo y con pequeñas ramificaciones en EE UU, no entiende de fronteras ni de tintes comerciales. La gran diferencia con los videojockeys y otros artistas que mezclan vídeo, música e imágenes es que los sceners «crean la herramienta-programa que genera sus contenidos y no es interactiva», precisa David Domingo. La Demoscene tiene también, como toda subcultura que se precie, un gran componente comunitario, de encuentros. «Es una forma de expresión libre que no tiene apenas normas y que genera un mundo abierto de Ob

En la escena de las demos algunos han optado entre sus retos por seguir trabajando con los trastos antiguos, cachivaches como los míticos Commodore 64 o Amiga. Otros buscan llevar hasta la exaltación las posibilidades de máquinas más modernas, buscar nuevas formas de compresión, establecer los límites de la programación para después saltárselos. Modas como la aplicación Ambient Occlusion (una técnica de iluminación que da un toque fotorrealista a las imágenes y que hasta hace poco estaba reservada a las películas de cine por su alto coste computacional) marcan la evolución. «Tras un artículo de Crytek, una empresa de videojuegos alemana, y el esfuerzo de algunas personas que lo investigaron, se popularizó un algoritmo del que luego la gente ha hecho muchas variantes, que permitió tener algo parecido en tiempo real. Es decir, se pudo calcular en una centésima parte de segundo lo que a los estudios de animación les llevaba horas», añade Íñigo. Demoscene, sceners. Hombres del posrenacimiento que saben de muchas disciplinas, que incluyen entre sus filas desde programadores, profesores, físicos, publicistas, diseñadores, músicos... El arte escondido en el número, el número hecho arte. 

El cine necesita horas; los ‘sceners’, centésimas de segundo En España se celebran varios encuentros, aunque sus promotores admiten que la disciplina está perdiendo fuerza mientras va ganando adeptos en EE UU. El D///FEST ha sido un ejemplo. «Una demoparty normalmente consiste en una sala llena de mesas donde la gente se junta durante tres días. Se viene a terminar los trabajos que vas a presentar. Posteriormente se celebran las demoshow, donde se muestran todos los trabajos presentados», explica Ricardo, alias Trace, fundador de escena.org (el mayor portal de la Demoscene española) y miembro del grupo Xplsv. La mayoría de los encuentros de informáticos generalistas (como la famosa Campus Party de Valencia), llamados lanparties, surgieron de las reuniones de sceners. Del mismo modo, las demoparties han pasado en la actualidad a ser más generalistas, incluyendo elementos de la cultura de VJ, Flash, Processing, Motiongraphics...

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wire

«La gente ya no cree en los discos, cree en las canciones» Al habla con Colin Newman vía Skype (¡Wire se suma al 2.0!) antes de la gira española del mítico grupo pospunk (Barcelona, Madrid y Cádiz, el 7, 8 y 9 de octubre, respectivamente). El guitarrista se pone punk y tira por tierra algún mito. Por ejemplo, la conciencia política de las bandas británicas de los años setenta. por carolina velasco foto adam scott

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Cuatro acordes y unas nociones básicas («yo era el único que sabía tocar algo, y nunca he sido un gran guitarrista», admite Colin Newman). Wire no necesitaron mucho más para convertir Pink flag (1977) en un disco de culto. Ahora que los grupos se preocupan más por el continente que por el contenido, vuelven los jurásicos del punk para recordarnos de qué va eso de reinventar la música con los medios justos. Wire no son los únicos que se reforman: John Lydon está preparando el retorno de PiL y ya hemos podido ver en los escenarios a Gang of Four. Hablamos con el músico, nacido en Salisbury en 1954, por Skype (Wire también se suma al 2.0). Faltan pocos días para su minigira: Barcelona, 7 de octubre: Apolo; Madrid, 8: Ramdall, y Cádiz, 9: Monkey Week. Es la segunda vez que el grupo viene a España y todavía resuena la potencia pop de su álbum de hace un año, Object 47. En esta entrevista, Newman se muestra partidario de que las conexiones a Internet incluyan un plus por descargas de contenido, arremete contra la falsedad cool frente a la autenticidad del punk (no puede haber uno nuevo, pero se puede reformar la idea, dice) y confiesa adorar a Animal Collective. Vuestra carrera es bastante intermitente. ¿Os ayuda a mantener la ilusión en cada reunión? Sí, porque las razones que nos llevan a reunir a Wire son siempre mejores que las razones que nos llevaron a comenzar el grupo. Cuando nos volvimos a reunir en 2004, el resultado fue muy bueno, y nos gustó mucho, porque si las cosas no hubieran ido bien, no habría tenido sentido volver a reunirse. Además, la gente tiene mayores expectativas cuando te reúnes. Tener grupos paralelos como Githead, ¿ayuda a evitar el desgaste? Sí. Además, en los ochenta nadie pensaba que la gente se acordaría de Wire. Incluso nosotros pensábamos que terminaríamos llevando una vida corriente con trabajos normales. Pero todo fue creciendo y se volvió más grande. Tampoco se trata de que alguien invirtiera dinero, sino que el nombre de Wire creció gracias al boca a boca. Creo que se debe a que cuando empezamos teníamos ganas de romper con todo lo que habían hecho las generaciones anteriores, no queríamos hacer

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algo convencional. Ni siquiera sabíamos tocar bien. Era una actitud muy sencilla, era muy liberador poder hacer cosas pasando de las habilidades técnicas. Pero para mí siempre se trata, sobre todo, de tener buenas ideas. ¿Es posible ahora un nuevo punk? No, no lo creo. Aunque ahora también atravesamos una situación difícil, si miro a Europa, lo que encuentro es que el público que viene a vernos es muy joven. Vienen a los conciertos porque tienen algún tipo de ingresos y nada más que hacer con su tiempo. Así que puede que estén estudiando y ni siquiera tengan trabajo, y sólo necesitan unos euros para salir y ver a un grupo y emborracharse... Pero no piensan en un esquema global, en cómo funciona la economía... Nada de eso. Crecí en los setenta y estaba en la universidad. Mis semanas sólo tenían 3 días de clases y lo único que me interesaba eran las chicas. Creo que a los 22 años sí hay gente que filosofa, pero son ideas poco profundas. En el fondo, lo único en lo que pensábamos todos era en colocarnos y follar, acostarnos con alguien. Pero con la crisis que estamos atravesando, la gente debería estar más concienciada... Ahora la gente tiene una mentalidad de escuela de rock: han visto algunas imágenes de los sesenta, se visten como en las fotos y deciden tomar muchas drogas. En realidad es bastante deprimente. Cuando ves a gente como Amy Winehouse te dan ganas de decir: «¡Búscate una vida!». Es gente que en realidad no está interesada en la música y sus fans tampoco. Sólo quieren parecer cool. Para Wire siempre se ha tratado de arte, de buscar nuevas formas de hacer las cosas y no de llevar una forma de vida determinada. Si ves a alguien de mi edad que sea yonqui, no tiene un aspecto cool, parece un vagabundo. ¿Qué opinas de los rápidos y drásticos cambios que están convulsionando a la industria musical? Es complicado... a estas alturas da igual si hablamos de majors o de sellos independientes. Lo cierto es que la gente más joven que yo ya no entiende la necesidad de pagar por escuchar algo. Están siempre conectados a Internet y pueden descargar lo que quieren... ¿Por qué tendrían que pagar? Pero creo que va siendo hora de que los gobiernos empiecen a pensar seriamente cómo los artistas pueden ser recompensados por el hecho de que la gente se descargue su música. Hay que hacer algo de alcance internacional. ¿Se le ocurre alguna solución? La gente consigue el contenido gratis, pero los proveedores de Internet ganan dinero por prestar un servicio que los clientes contratan porque quieren descargar cosas gratis. La conexión a Internet tiene que incluir el coste del contenido. Va a ser muy difícil de conseguir, porque no se trata tampoco de dar el dinero a las discográficas. Si quiero algo, pago por ello, porque creo que si un artista se puede permitir componer es porque recibe dinero a cambio. Por otra parte, ahora se hace dinero en los conciertos, porque un DVD nunca va a sustituir la experiencia de asistir y disfrutar de una actuación en directo. En cierto modo estamos volviendo a los años cincuenta. El disco se ha convertido en un anuncio del concierto. La gente ya no cree en los discos, cree en las canciones. Ahora sería imposible hacer un disco conceptual. Tengo la impresión de que nadie lo escucharía entero... Probablemente ésa sea una razón muy buena para hacerlo [risas]. Internet también tiene otros aspectos a resaltar. Por ejemplo, terminar con las restricciones geográficas. Ahora tú y yo estamos hablando a través de una conexión de Internet, nuestra conversación se va a publicar, habrá quien la lea y quien incluso se acerque a nuestras actuaciones en España tras leerla... Todo tiene que ver con la comunicación. Tras los conciertos siempre se te acerca gente, y yo intento ser accesible porque no quiero estar en un pedestal. En el escenario estás separado del público, pero no quiero que sea así en la vida real. Sois muy dados a regresar y revisar vuestro trabajo. ¿Es porque lo entendéis como un work in progress? Todo es un work in progress, la vida también. No soy la misma persona que era hace

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«Cuando ves a Amy Winehouse te dan ganas de decir: “¡Búscate una vida!”. No está interesada en la música y sus fans tampoco» «La mayoría de los discos de ahora no perviven ni 6 meses. Están grabados con la única intención de ganar dinero»


Formación actual de Wire. El líder y guitarrista, Colin Newman, aparece a la izquierda.

10 años, ni siquiera la misma que hace 5 minutos. Eso es lo único que hace que el ser humano evolucione. Lo que no se desarrolla muere de forma inevitable. Para muchos fans, sin embargo, Wire son Pink flag. ¿Os pesa la influencia e importancia de aquel disco de debut? Hay fans de Pink flag y hay fans de Wire. Los de Wire ni siquiera consideran que ése sea nuestro mejor disco: casi siempre me dicen que su favorito es 154. Si me hubieran dado un euro por cada persona que me ha dicho eso, ahora sería muy rico. Pink flag es el disco favorito de los que no son fans de Wire porque es un disco punk pero que, a la vez, rompe con el punk. En 1977 nadie lo consideraba un disco de punk. Pink flag ha envejecido bien, no como la mayoría de los discos que tienen 30 años y no superan el paso del tiempo. Se trata de hacer discos que pervivan... Bajo esa perspectiva, ¿qué opinas de los discos de ahora? ¿Superan la prueba del paso del tiempo? No. La mayoría de los discos no superan siquiera los 6 meses

porque están grabados con la única intención de hacer dinero. Pero dentro del underground hay grupos como Lightning Bolt o Wolf Eyes, por ejemplo, que van contracorriente... Sí, cierto, hay grupos que trabajan sin pensar en el éxito ni en el dinero, buscan su propio público, quieren hacer de sus conciertos experiencias memorables. Ahora es más difícil que antes grabar un disco. Nadie tiene ni tiempo ni dinero para llevar a la grabación la experiencia del directo y, además, los discos no van a vender tanto. Para un grupo que no tenga mucha experiencia en el estudio es mucho más difícil conseguir que algo suene bien. Tienes que estar preparado para invertir tiempo en el estudio, pero, a la vez, las discográficas te presionan para que edites más y más álbumes. En los años setenta, los mejores grupos se tomaban su tiempo para grabar un álbum. ¿Un ejemplo de grupo actual que te guste? Animal Collective. Es un grupo que ha definido a una generación. Han trabajado mucho y sin grandes presupuestos. n

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CHARLOTTE: Body de licra con hombreras de Martin Margiela, cinturón de Primark, pendientes y gafas de sol de María Escoté by Le Swing y pulsera Protos.

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Entramos a un set inspirado en el filme de Wim Wenders ‘París, Texas’. El ambiente respira años ochenta: hombreras, botines, un ‘look underground’ pero espiritual. Empieza el viaje interior, los primeros fotogramas de una ‘road movie’. Drama en rojo, negro, blanco y el ‘hit’ de la temporada, el ‘nude’. Arte, cine y moda se funden bajo un mismo foco.

FOTOGRAFÍA RAFA GALLAR ESTILISMO PALOMA TOVAR DE LA ROCHA ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA GERMÁN ARBOS Y ANDREA ILLÁN ASISTENTE DE ESTILIMO ALICIA ROY MODELOS INGRID Y CHARLOTTE VAN DE SAUDE (GROUP) MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA JUNIO SOUZA (ANA PRADO) PARA CHANEL Y KÉRASTASE

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CHARLOTTE: Vestido con tul de Manuel Espuch y chaqueta con tachuelas de Mar铆a Escot茅 by Le Swing. INGRID: Body de Wolford, falda tubo de licra de Calvin Klein, cintur贸n de Ion Fiz, gafas de sol de Versace, pendientes y pulsera de Protos y botines con tac贸n dorado de El Caballo.

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CHARLOTTE: Camisa de manga corta con tiras de María Escoté by Le Swing y gafas Ray Ban. INGRID: Sujetador rojo de encaje de Calvin Klein, falda tubo de Sinéquanone y botines de El Caballo.

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INGRID: Vestido de tubo con escote palabra de honor de Calvin Klein, chaleco de plumas de Sinéquanone, botines y guantes largos de piel de El Caballo. CHARLOTTE: Torera rosa palo de ante con flecos de María Escoté by Le Swing, minifalda de tubo con flecos de Sinéquanone, medias estampadas de Wolford y bolso con detalles en plata de Dior.

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TIEMPOS DE COUNTRY

Le Temps des Cerises (40 euros). Wrangler (55 euros).

Loreak Mendian (94,90 euros).

Levi’s 501 for Women (100 euros).

Pepe Jeans (99 euros, aprox.). 58

Diesel Ramys (115 euros).


El secreto de la temporada viene con aires vaqueros: combinar el jean perfecto con la camisa más adecuada. Este otoño hay que desempolvar los cuadros de leñador que marcaron estilo en los noventa y enfundarse unos tejanos con la mirada perdida en una puesta de sol del salvaje Oeste, mientras suena una balada country.

Shake Plaid de Stussy (74 euros). Penfield (76 euros).

Gas (130 euros).

Lee (60 euros).

Nudie Jeans (335 euros).

Springfield (35,95 euros). 59


1. Terracotta Khôl Poudre Libre de Guerlain son unos polvos sueltos y ultrafinos de trazo fácil que dejan una mirada intensa y aterciopelada en tonos sublimes, salpicados de destellos de nácar, cálidos, densos y enigmáticos. (30 euros) 2. Balancing Shampoo de American Crew para hombre, devuelve la humedad óptima al cabello gracias al aceite de árbol de té. (13,90 euros) 3. Los famosos tratamientos orientales con piedras calientes están al alcance de cualquiera gracias a Medisana. Mediante el calor y el masaje se pueden compensar las deficiencias de relajación causadas por el estrés, las tensiones musculares y el cansancio. (59,90 euros) 4. Gel Exfoliant Essentiel pour le Bain de la línea l’Esprit du Spa de Selvert Thermal, un sugerente gel exfoliante corporal enriquecido con bambú. Para usarlo dentro del ritual del baño, despierta la vitalidad natural de la piel. (25 euros) 5. Aceite de masaje Tridosha de Skeyndor Spa Gemo Termal, se utiliza dentro de la serie de rituales de belleza Spa Senses basados en las sabidurías orientales de la antigüedad. Para eliminar las energías negativas. (Tratamiento de 60 minutos, de 60 a 90 euros)

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misterios de oriente Los rituales de belleza de Oriente estuvieron vetados durante mucho tiempo al conocimiento occidental. China, Japón, Oriente Medio... cada civilización ha cultivado secretos de belleza con los ingredientes más afines a sus culturas: el té, el bambú, el aceite de Argán, la soja... La cosmética de hoy nos abre las puertas a estos tesoros por agustín velasco fotos pedro laguna

6. Sérum antiencrespamiento de la línea Gliss Liso Asiático de Schwarzkopf. Aporta un cuidado intenso a las zonas más dañadas, evitando el encrespamiento. Línea pensada para las personas que poseen un cabello rizado, ondulado o rebelde. (7,49 euros) 7. Gel de baño Hidrogenesse nutritivo con todos los beneficios de la leche de soja que cuida, nutre en profundidad e hidrata la piel. Las proteínas de soja ejercen un efecto tensor y reducen la sequedad, al contener vitaminas E, B1, B2 y B6. (1,95 euros) 8. Jabón oriental de la línea Tradition de Hammam de la firma Yves Rocher. Combina los beneficios nutritivos del aceite de Argán con los del aceite de oliva. Su perfume oriental envuelve en una sensación infinita. (10,20 euros) 9. Aquamilk Absolute Moisture & Protection Fluid de Lancaster está basado en la leche de arroz y pensado para pieles normales y mixtas. Tiene una textura fresca y ultraligera que se absorbe rápidamente. (30 euros) 10. Agua de colonia de flor de cerezo japonés de The Body Shop. Tras una rápida pulverización deja la piel fresca, además de aportar un agradable aroma que evoca la elegancia y el romanticismo del tesoro mejor guardado de la flor del cerezo japonés. (24,95 euros) 11. ONDE Extase, de la trilogía ONDE de Giorgio Armani, es una fragancia inspirada en el arte de las geishas y tiene una base oriental amaderada donde el cedro se resalta con el absoluto de sésamo y el almizcle. (84 euros)

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no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

'Hard-boiled' sueco La segunda edición de Getafe Negro, el festival de novela policiaca de Madrid, presta atención este año a la literatura hard boiled de Suecia. Vienen los escritores Maj Sjöwall, Jens Lapidus y Mari Junsgstedt y hablarán, nada menos, que sobre El Mal, con mayúsculas. El comisario es el también escritor negro Lorenzo Silva. GETAFE (MADRID) / Calles y plazas y campus de la Universidad Carlos III / Del 22 al 25 de octubre / www.getafenegro.com

Billi Bragg presenta en directo su duodécimo disco, Mr. Love and Justice.

Fotografía de mujer

CINE [64] Nueva York le sienta bien a Woody Allen, que regresa con una gran comedia ambientada en la Gran Manzana. TEATRO [68] Un mes repleto con el festival Madrid Sur. ARTE [71] John Cage en el MACBA: la anarquía llevada a la música y el silencio como forma de entenderlo todo. VIDEOJUEGOS [74] El actor Jack Black protagoniza a un pipa empujado a una pesadilla heavy. MÚSICA [75] El cantante 'rojo' Billy Bragg toca en Madrid, Barcelona, San Sebastián y Bilbao. LECTURAS [80] Javier Corcobado traslada a libro su crudísima lírica en 'Cartas a una revista pornográfica viuda'. LOCALIZADOS [84] Stua, templo del interiorismo, inaugura sede en Madrid.

Puedes ver la agenda actualizada en www.calle20.es 62

La decimoprimera edición de entreFotos da especial cancha este año a las mujeres, con 20 fotógrafas entre los 40 participantes. Habrá obra de artistas reconocidas (Pilar Pequeño, Margarita González) y de jóvenes promesas (María Primo, Alejandra Duarte, Leticia Felgueroso). La feria-muestra entregará el Premio entreFotos a Julio Álvarez Sotos, director de la galería Spectrum de Zaragoza. MADRID / Del 1 al 4 de octubre / Museo de Arte Contemporáneo (Conde Duque) / www.entrefotos.net

Microarte en la escalera La primera edición del Festival Lilliput propone un recorrido cultural por cien quioscos de escalera de la ciudad. En ellos habrá performances de música y danza e instalaciones de arte efímero y audiovisual. El certamen pretende recuperar para la ciudad estas construcciones típicas. BARCELONA / Casco antiguo y barrio de Gràcia / Del 15 al 25 de octubre / www. festivallilliput.wordpress.com


OCTUBRE 09

El otoño suena a vanguardia Novena edición de Experimentaclub Su trayectoria es la prueba inequívoca de que el festival Experimentaclub es una de las citas imprescindibles con la música de vanguardia en nuestro país. De nuevo con La Casa Encendida como sede (habrá que estar atentos para conseguir entradas, porque siempre se acaban volando), este año amplía su repertorio y, además de conciertos, ofrecerá talleres, coloquios y proyecciones. El hilo conductor de la programación de este año es el aire cinematográfico de todas las propuestas musicales escogidas, cercanas a las bandas sonoras y casi fotografías sonoras. Éste es el caso de Pram (en la foto) y Pan.American, aunque también habrá presencia importante de corrientes más ruidistas, con las actuaciones de Wolf Eyes y Fuck Buttons. De aquí estarán Sergi Jordà (creador de la reactable) y Solu, entre otros; pero además, en su afán por descubrir lo que se cuece en la música de otras latitudes, traen al colombiano Ricardo Arias, al mexicano Manuel Rocha Iturbide y al egipcio Mahmoud Refat. MADRID / La Casa Encendida / Del 2 al 4 de octubre / www.experimentaclub.com

Ulls: Cuatro en uno

Tres años de Emergències

La música filmada en In-Edit

Cuatro disciplinas confluyen en Ulls, el Festival Barcelona Cultura, que en su tercera edición sigue apostando por mezclar teatro, danza, música y cine. Su programación es gratuita e incluye clases magistrales, talleres, performances, conciertos, gastronomía, cine al aire libre, espectáculos infantiles...

El riesgo y la frescura son los ingredientes esenciales del festival de artes escénicas Emergències, dedicado a dramaturgos y compañías jóvenes. Por su programa desfilarán montajes como La paz perpetua (Juan Mayorga), la pieza de danza Maryland (en la foto), Obscure, La democracia...

En la séptima edición del festival de cine documental musical hay hueco para todos los estilos. Alguna de las cintas que se proyectarán este año son: Johnny Cash at Folsom Prison, de Bestor Cram; Tiempo de leyenda, sobre Camarón; un homenaje a Peter Whitehead (foto); Favela on blast, de Diplo...

BARCELONA / Del 14 al 18 de octubre / Varias sedes / www.ulls.org

VALENCIA / Del 9 al 31 de octubre / Varias sedes / www.emergencies.es

BARCELONA / Del 29 de octubre al 8 de noviembre / www.in-edit.beefeater.es

Una semana para un corto

Circo para amantes de la oscuridad

Éste es el nuevo reto que proponen desde el festival de cortos de La Boca del Lobo: dar forma a un cortometraje durante la celebración del certamen. El festival invitado este año es Cryptshow, que traerá una buena dosis de cine fantástico y de terror.

El Premio Nacional de Circo Suso Silva está detrás de El circo de los horrores, un espectáculo que da la vuelta a los tópicos circenses desde una perspectiva tenebrosa. Un cementerio gótico es el lugar donde se suceden números de teatro, magia, cabaré y, por supuesto, circo. El terror y el humor se reparten el beneplácito del público en este montaje inspirado en clásicos del cine de terror como Nosferatu o El exorcista.

MADRID / La Boca del Lobo / Del 21 al 30 de octubre / www.labocadellobo.com

BARCELONA / Teatre Victoria / Del 1 al 18 de octubre

Tenerife Design Festival

Nomada Market y el diseño independiente

Exposiciones, talleres e intervenciones de diseño por toda la isla. Éstas son algunas de las actividades que conforman el TDF, que también ha puesto en marcha el TDFAward: un premio que invita a inventar la playa del futuro bajo el lema Diseñar el paraíso.

Más de un centenar de diseñadores de moda y complementos participan en esta feria de diseño independiente que ya ha celebrado 13 ediciones. Lady Desidia, Con2tijeras o Conspiradoras son algunos de los nombres ilustres que estarán en este nuevo Nomada Market donde, además de curiosear y comprar, el público podrá asistir a desfiles y actuaciones de grupos musicales. Sus actividades se reparten entre La Boca y Escaparate Atocha 24.

TENERIFE / Del 19 al 25 de octubre / www.tenerifedesignfestival.com

MADRID / 2, 3 y 4 de octubre / www.nomadamarket.com Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda. 63


cine por alberto úbeda-portugués

radiante regreso a nueva york woody allen firma otra comedia deliciosa y catártica

Los personajes de la nueva película de Allen están dispuestos a cambiar su modo de pensar o creer en las hadas... si la cosa funciona.

en ‘si la cosa funciona’ el cineasta arremete contra los EE UU conservadores Echábamos de menos una comedia tan redonda (presentada en el Festival de San Sebastián) como ésta en la última filmografía de Woody Allen. Ha tenido que volver a Nueva York para ofrecernos una película radiante, en la línea de Melinda y Melinda, pero más graciosa. Se centra Allen en un cascarrabias (magnífico Larry David, actor secundario en otros filmes del cineasta estadounidense como Días de radio) que se dirige de vez en cuando a la cámara para decirnos que el mundo es un asco y que en realidad sólo él merece la pena. Sin desearlo lo más mínimo, conoce a seres que van a poner a prueba su desilusión con la vida y al mismo tiempo plantean un choque de

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culturas entre el recalcitrante sur de EE UU y la liberal Nueva York. Allen se desmelena como pocas veces en Si la cosa funciona y nos da un recital de chistes y situaciones portentosas contra ese sistema putrefacto que han fabricado presidentes como Bush. Son personajes los que construye el autor de Match point alrededor del papel de David dispuestos a cambiar su manera de pensar, a creer en un cuento de hadas o en una cama redonda... si la cosa funciona, si algo les hace vivir y ser felices. Nos van encantando sucesivamente las apariciones de Rachel Evan Wood (El luchador), como la ingenua sureña que viene de provincias a conquistar la capital del mundo; o Patricia Clarkson, que repite con Allen después de Vicky Cristina Barcelona, encarnando a una mujer madura en principio chapada a

la antigua y que sólo necesitaba un pequeño empujón para tirar sus corsés por la ventana. Los fans de Woody Allen están de enhorabuena con Si la cosa funciona. Los menos fans tendrán la ocasión de hacer las paces con un cineasta que te pide devotamente que entres en sus claves para gozar del gran cine que, le pese a quien le pese, habitualmente hace. Cualquier espectador estará, en el fondo, de acuerdo en que lo que tenemos que buscar en la vida es una situación, una persona, un trabajo, un ideal, que nos haga de verdad funcionar y dejar a un lado la amargura. Nos lo dice Woody Allen con una ligereza que, en el caso de Si la cosa funciona, no sólo es deliciosa, sino brillante y catártica. si la cosa funciona. EE UU, 2009 / 95 min / Dir.: Woody Allen / Int.: L. David, P. Clarkson / Estreno previsto: 2 de octubre


grandes huppert y gourmet

risueña y profunda a la vez Han logrado una buena asociación Álvaro Pastor (que triunfó con su corto Invulnerable) y Antonio Naharro (con otro corto importante en su haber, Uno más, uno menos) para su primer largometraje (en la sección oficial del Festival de San Sebastián), que cuenta con gran sensibilidad una historia de amor de un hombre con síndrome de Down y una mujer que huye de un pasado doloroso. La película emociona poco a poco según se desarrolla la relación sorprendente y jovial del personaje que interpreta con candor el debutante Pablo Pineda (pese a su minusvalía, plenamente autónomo) y la mujer que incorpora Lola Dueñas, completando uno de sus mejores trabajos desde el Goya a la mejor actriz obtenido por Mar adentro, en un papel que le permite desplegar toda su fuerza dramática de actriz de raza. Yo, también es un filme hermoso que presenta otro prisma de la iniciación al amor y la necesaria reconciliación con la vida. Pastor y Naharro (actor secundario en la cinta), que también han colaborado en los trabajos anteriores de cada uno, ponen el primer mojón a una carrera prometedora y nos dejan una sensación de verdad y de alegría contenida en una película que consigue ser risueña y profunda a la vez. yo, también. España, 2009 / 100 min / Dir.: Álvaro Pastor, Antonio Naharro / Int.: Lola Dueñas, Pablo Pineda / Estreno previsto: 16 de octubre

Home ¿Dulce hogar? es una ópera prima más que estimable de la suiza Ursula Meier, apoyada en la clase de dos grandes actores: la musa del cine francés Isabelle Huppert (a la que recordamos en películas de Claude Chabrol como Gracias por el chocolate) y Olivier Gourmet (actor fetiche de los hermanos Dardenne). Narra Meier con fuste y a veces violencia el aislamiento de una familia que vive al lado de una autopista aún sin tráfico y el cambio que se produce al llegar el fragor de los coches y los camiones, pasando de ser raros y bien avenidos a odiarse a muerte. La locura y el exceso del filme crea una fascinación fuera de norma que la emparentan con algunas cintas de Alain Tanner y Marco Ferreri. home ¿dulce hogar? Francia-Suiza, 2008 / 90 min / Dir.: Ursula Meier / Int.: Isabelle Huppert, Olivier Gourmet / Estreno previsto: 23 de octubre

atrapados en nuestros horrores Alberto Rodríguez (el director de 7 vírgenes) ha buceado con intensidad en los rostros de tres amigos que, rebasada la treintena, quieren seguir comportándose con la frescura de cuando tenían 20 años, siendo trágico el resultado. Viven una noche de copas en la que se permiten cualquier perversión, pero no se divierten. Queda el vacío de una existencia que no entienden en absoluto, aunque tengan recursos para fingir. Extraordinarios los tres protagonistas: Tristán Ulloa, un actor completo al que vimos en Un buen hombre; Willy Toledo, demostrando que el drama es también lo suyo; y la debutante en la pantalla grande Blanca Romero, popular por la serie Física o Química, en un papel difícil al jugar con la seducción y la madurez de una mujer atractiva para cualquier hombre, saliendo airosa del trance. Es una película importante que se ve con dolor, porque nos sentimos reflejados en esas noches de farra en las que al final ni siquiera nos reconocemos, atrapados en el cuarto de los horrores de cada cual. after. España, 2009 / 115 min / Dir.: Alberto Rodríguez / Int.: Tristán Ulloa, Blanca Romero, Guillermo Toledo / Estreno previsto: 16 de octubre

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cine bowie jr., poco original pero efectivo Moon (sección oficial del Festival de Sitges 2009 y premio a la mejor película en el Festival de Edimburgo) es un filme de ciencia ficción del novel Duncan Jones (hijo de David Bowie) que se ve con una angustia sorda llena de referencias a los grandes clásicos del género (2001, Blade runner, Alien o Solaris). Inquieta y engancha la historia del clon que interpreta con su habitual maestría Sam Rockwell (protagonista de filmes como Box of moonlight, Confesiones de una mente peligrosa y Asfixia) en su soledad de una base lunar, donde únicamente habla con el ordenador de la base, Gerty (cuya voz en la versión original de la cinta es la de Kevin Spacey), y la implacable frialdad con que la empresa de extracción del gas helio-3 del satélite se apresta a exterminarlo cuando caduca su periodo de funcionamiento. Hay que convenir que no es una trama muy original, pero Jones la plasma con dramatismo y soltura, logrando un equilibrio atractivo entre el cine de autor y el de gran espectáculo. Demuestra, también, que conoce al dedillo el mecanismo narrativo de las películas de ciencia ficción. Aunque puede interesar a casi cualquier público, los aficionados al género la disfrutarán con creces.

pou se convierte en welles Esteve Riambau y Elisabet Cabeza reanudan su carrera como documentalistas, después de La doble vida del faquir, con este sagaz trabajo sobre el proceso de construcción de un personaje, Orson Welles, a cargo del formidable actor José María Pou (multipremiado en teatro por La cabra). Se trata del montaje de la obra Su seguro servidor: Orson Welles, estrenada en España en 2008. Quizá le falta un poco de ritmo, pero no deja de fascinar oír y ver a Pou en la piel del gran genio del cine que Hollywood despreció. máscaras. España, 2009 / 90 min / Dir: Elisabet Cabeza, Esteve Riambau / Int.: José María Pou / Estreno previsto: 2 de octubre

moon. Reino Unido, 2009 / 97 min / Dir.: Duncan Jones / Int.: Sam Rockwell / Estreno previsto: 9 de octubre

vuelve el parque de atracciones de terry Cuando uno ve una película de Terry Gilliam (Brazil, 12 monos o El rey pescador), sabe que se va a encontrar con un carrusel de imágenes desbordantes y de historias que combinan el pasado, el presente y el futuro. Así es El imaginario del doctor Parnassus, un filme que se plantea como una partida de ajedrez entre un viejo inmortal (Christopher Plummer, actor de Syriana), que tiene un teatro ambulante en el que hay un espejo de acceso a mundos fantásticos, y el diablo (el genial bufón del rock Tom Waits). Alrededor pululan diversos personajes entre los que sobresale el interpretado por Heath Ledger, cuya participación en la película no se pudo completar, pidiendo ayuda Gilliam a tres excelentes actores (Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell) que incorporan el papel de Ledger en la zona más fantástica de la cinta y homenajean al malogrado actor. El filme del director americano es una ópera cáustica, un parque de atracciones salvaje cuando exploramos esos mundos surreales en los que hay paisajes plácidos y también amenazas que ponen los pelos de punta. Toda una experiencia sensorial. el imaginario del doctor parnassus. Reino Unido, 2009 / 122 min / Dir.: Terry Gilliam / Int.: Christopher Plummer, Heath Ledger, Johnny Depp, Colin Farrell, Jude Law, Tom Waits / Estreno previsto: 9 de octubre

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una visión plural de la ciudad faro Nueva York sigue siendo, aún más después del 11-S, la ciudad faro del mundo. Piezas de varios directores (Mira Nair, Yvan Attal...) para una visión plural de la Gran Manzana. Desfile de rostros (Shia LaBeouf, Natalie Portman, Orlando Bloom) y la búsqueda de ese quid que nos falta para saber lo que es NY. new york, i love you. Estados Unidos-Francia, 2009 / 110 min / Dir.: Fatih Akin, Brett Ratner y otros / Int.: Christina Ricci, Hayden Christensen / Estreno previsto: 16 de octubre


cine

en corto

por alberto úbeda-portugués

el drama de los niños soldado

violencia en la frontera El madrileño Juan Gautier nos encoge el corazón en este tremendo filme (seleccionado por Madrid en Corto 2009) con una secuencia central que bordea la violencia y en la que en un crescendo vertiginoso las palabras son más contundentes que los posibles golpes. Metrópolis ferry es básicamente el regreso de un viaje de tres jóvenes a Marruecos y, en la frontera, uno de ellos (el gran Sergio Peris-Mencheta, un actor a lo Bardem al que hemos visto en películas como Los Borgia) protesta porque ha oído la paliza de unos policías a un inmigrante ilegal detrás de un camión. La tensión explota como un géiser, y en esa tensión, que Gautier maneja con mano maestra, continuamos hasta el final del corto. En un momento de relativa calma, el inmigrante (el marroquí Ahmed Younoussi, que vive en España y tuvo una experiencia parecida cuando trató de entrar al país) relata a Mencheta sus sueños. Unos sueños quiméricos que sólo son posibles en la mente de los inocentes que creen en un mundo mejor. Está muy bien reflejado el enrarecido ambiente de unas dependencias policiales en tierra de nadie, esa sensación de frialdad y burocracia que destilan estos lugares en los que eres un número en un papel con membrete. metrópolis ferry. España, 2009 / 16 min / Dir.: Juan Gautier / Int.: Sergio Peris-Mencheta, Olaya Martín, Pepe Lorente / Se puede ver en www.abctv.es/index. html#frontaleID=F_RC&sectionID=S_CORSEL&videoID=20807

El joven almeriense José Luis Estévez (23 años) capta con talento un momento de letal crueldad en esta vibrante y breve pieza, vencedora en el concurso Cuéntalo en 90 Segundos, de Almería. Nos deja boquiabiertos con el sinsentido que es ver a un niño soldado en algún paraje de África disparando contra una mujer y su hija. Por si fuera poco, esa secuencia está conectada con otra de la misma intensidad en la que un hombre, en un locutorio de la boyante sociedad occidental, intenta hablar con la mujer anterior y es brutalmente agredido por neonazis. Cualquier lugar es como un puñetazo seco que nos hace interrogarnos sobre el infierno que hemos creado entre todos para destrozar a los más débiles. cualquier lugar. España, 2009 / 90 s / Dir.: José Luis Estévez / Int.: Lord Boakye, Nickolas Pnoah / Se puede ver en www.youtube.com/ watch?v=QxYk5ek5S7w

dos asesinatos al precio de uno Gracioso y socarrón este corto (premiado en certámenes como el de La Fila en Valladolid o Ponferrada) en blanco y negro de David Macián (autor también de Tropezones) que narra una historia negra de un hombre (Bruto Pomeroy, subinspector en El comisario) que queda en un café con un empleado de una empresa dedicada a eliminar gente. El encargo es matar al amante de su mujer, pero el operario, ante la perplejidad del cliente, le ofrece un dos por uno que baja el precio de ambos asesinatos. Finalmente, y dejando a un lado un resto de moralidad, le hechizan otras posibilidades de nuevos asesinatos que le lanza su interlocutor. Macián, en un ágil plano-contraplano en torno a la mesa pegada a la cristalera, va haciendo crecer nuestra sonrisa al tiempo que inserta un par de animaciones resultonas de las muertes que el cliente imagina para los que odia. Liquidación total, además de ritmo, tiene un guión bien trabajado en el que las sorpresas van apareciendo con criterio, dejándonos con un humor a prueba de bomba. liquidación total. España, 2008 / 10 min / Dir.: David Macián / Int.: Bruto Pomeroy y José Manjón / Se puede ver en www.digitalshortfilmfest.com/fichacorto.asp?id=289&titulo=liquidacion-total

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TEATRO por Esteban Eisman

cuando la escena es compromiso desde darío fo hasta teatro alternativo en madrid sur la capital es muchas ciudades y el festival de referencia en la periferia vuelve a demostrarlo Abajo la Cultura, no a los círculos cerrados. Contra el vicio de alejar, la virtud de divulgar. Ése, a grandes rasgos, es el espíritu de Madrid Sur, un certamen teatral con los grados de la veteranía —este año celebra su decimocuarta edición—, la coherencia y la calidad en su currículo. Esta cita, organizada por José Monleón, tiene dos claras señas de identidad: una, se realiza en diversos y muy poblados municipios de la periferia de Madrid, allí donde las grandes propuestas no suelen llegar; y dos, un marcado carácter sociopolítico con teatro comprometido contra la injusticia, el odio y el racismo, que acerca entre sí a las culturas del mundo. Y todo sin que el nivel de su programación decaiga. Por eso este año será posible ver un nuevo Calígula a cargo de la compañía valenciana L’Om Imprebís; una versión de Muerte accidental de un anarquista, de Darío Fo, con la firma del solvente director de comedias Esteve Ferrer, o María Estuardo. Razón de Estado, de Schiller, comandada por Pedro Álvarez-Ossorio. En el cartel del certamen asoman también nombres como Salvador Távora, fiel a sus montajes de raíz flamenca, esta vez con Las Bacantes; David Desola y Roberto Cerdá, un tándem de autor-director que aborda en La charca inútil la caída libre del sistema de enseñanza; el comediant Joan Font, con Tren de sueños, un homenaje a los comienzos del cine, y Antonio Álamo, que une su humor corrosivo al de Ana López Segovia para exprimir el género de la chirigota en La maleta de los nervios. Habrá como siempre danza y músicas del Mediterráneo (con la Orquest Chekara, Khalid Benghrib, Ilham Loulidi y Ana Alcalde) y oportunidad de repescar trabajos ya estrenados, a menudo en circuitos minoritarios, desde dos producciones de Mr. Kubik, a Restos, una joint venture alternativa de José Ramón Fernández, Laila Ripoll, y Rodrigo García, entre otros.

festival Madrid Sur. Varios municipios de Madrid / Del 2 al 25 de octubre / www.iitm.org

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Tren de sueños, un montaje de Joan Font (Els Comediants) sobre los comienzos del cine.


el horizonte de un creador

El madrileño Fernando Renjifo y su compañía, La República, se han situado desde hace dos décadas en los puestos de cabeza de la creación contemporánea escénica, aunque a menudo en un segundo plano mediático. Artista residente del proyecto escénico vasco La Fundición, con esta nueva propuesta —un conjunto de trabajos agrupados bajo el nombre El exilio y el reino—, y esta vez sin su compañía, el director presenta un doblete de performances en sendos días, bajo los epígrafes 1 y 2. Será la única oportunidad para ver este trabajo en el que, con lenguajes de danza (ha colaborado la coreógrafa Mónica Valenciano) y su habitual dramaturgia no narrativa, Renjifo reflexiona sobre el concepto del paisaje y cómo lo percibe el hombre.

castellucci, el impacto de lo visual

paisaje invisible 1 / paisaje invisible 2. Bilbao / La Fundición /

Este año el Centro Dramático Nacional no participa en el Festival de Otoño. En cambio, su director, Gerardo Vera, se ha «inventado» un nuevo minifestival, Una mirada al mundo, dentro del cual trae a Madrid a Tim Robbins, Guy Cassiers o el Teatro Uniti. Quizá la presencia más interesante de este ciclo, sin contar con la repercusión de Robbins, sea la de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, con un montaje enigmático inspirado en la visión de unas muchachas en una parada de autobús. Un punto de arranque que le sirve al director italiano para esconder, tras una visualidad impactante de máscaras, cera derretida y cuerpos convulsos, un pensamiento sobre la adolescencia, sobre el destino personal de cada ser anónimo y sobre cómo nos enfrentamos a la sociedad. Castellucci, asiduo a los principales festivales (en Aviñón y en el Grec presentó su tríptico sobre La divina comedia), construye un espectáculo en el que lo visual prima, con una llamativa transformación de una figura de barro en mujer, juegos de haces de luz y escenas en las que la protagonista buscará el refugio de la masa, como si el creador italiano quisiera intentar entender qué bulle en la soledad de los jóvenes.

3 y 4 de octubre / www.lafundicion.org

hey girl! Madrid / Teatro María Guerrero / 8, 9, 10 y 11 de octubre / http://cdn.mcu.es

En 1983, la coreógrafa y bailarina norteamericana Carolyn Carlson, entonces ya instalada en París, fue madre. De aquella experiencia, unida a la fascinación por la ciudad de Venecia, surgió Blue Lady, un solo con música de René Aubry que revolucionó el Teatro de La Fenice en su estreno y que siguió representándose durante una década. Convertida hoy la pieza en un clásico contemporáneo y en una de sus creaciones emblemáticas, Carlson la recupera esta vez para un bailarín, Tero Saarinen. Persianas venecianas y ropajes etéreos engañan a la vista: no hay folclore, sino investigación en las articulaciones de cada paso al ritmo de la guitarra de Aubry. En el estudio corporal que proporciona cada movimiento de este Blue Lady revisitado hay lugar para la estética mediterránea, aunque su inspiración resida en la ensoñación oriental. No en vano, Carlson se siente atraída por la figura del onnagata japonés: el actor que da vida a una mujer y que en esta revisión cobra especial fuerza. blue lady (revisited). Barcelona / Mercat de les Flors / 10, 11 y 12 de octubre / www.mercatflors.org

anna solé

un solo contemporáneo ya clásico

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pedro arnay

danza epistolar a tres bandas

veronese, el satiricón

¿Qué se le puede pedir a un espectáculo de danza si de entrada tiene a tres figuras reunidas? ¿Originalidad? No falta en esta propuesta coreográfica y epistolar. Desde luego, podría ser algo que se echa en falta a menudo: humor. Y también eso aportan Teresa Nieto, Carmen Werner y Mónica Runde, tres imprescindibles del panorama coreográfico madrileño que se unen para hacer lo que mejor saben, crear y bailar, pero también para ahuyentar demonios y reírse de la edad. Estas Cartas al director, que estrenaron fugazmente en la pasada edición de Danza en la Villa, regresan ahora a Lavapiés durante diez días. Si el tridente no impresiona lo suficiente (todas han recibido el Premio Nacional de Danza, Runde y Nieto en 2004, y Werner en 2007), ojo al reparto, en el que las tres creadoras se rodean de nombres como Daniel Abreu, y al equipo, que cuenta con la producción de la compañía 10 & 10, la casa de Runde. Cada una baila en el montaje: en dúos cargados de energía emocional con sus acompañantes masculinos, en tríos o en pasos en grupo que exploran posibilidades del cuerpo y del movimiento pausado, así como en laberintos humanos en los que hay que buscar la expresión en espacios concentrados.

Áspero, terrible, mordaz, el universo del autor y director argentino Daniel Veronese es un lugar de familias que se derrumban y vecindarios nada perfectos. Quien viera montajes como Mujeres soñaron caballos sabrá hasta qué punto su ortodoxia escénica —sólo aparente— puede ser incendiaria en su fondo. La compañía granadina Histrión Teatro estrena en España este texto del director de Periférico de objetos, quien además dirige la obra. El maravilloso mundo de los animales: los corderos. Sevilla / Teatro Central / 22, 23, 24 y 25 de octubre / www.juntadeandalucia.es/ cultura/teatrocentral/

cartas al director. Madrid / Centro de Nuevos Creadores-Sala Mirador / Del 8 al 18 de octubre / www.cnc-eca.es

lo último de europa, en gerona

festival temporada alta. Gerona y Salt / Varios espacios / Del 1 de octubre al 11 de diciembre / www.temporada-alta.cat

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comedia amoral e incendiaria

berny simon

Dieciocho años lleva el Festival Temporada Alta buscando su sitio poco a poco. Ha pasado de ser una cita local en Gerona con cuatro espectáculos a un gran encuentro dispuesto a competir en repercusión con el Grec y el Festival de Otoño. Este año acoge 74 montajes, entre los que destacan maestros como Peter Brook, con Love is my sin, a partir de los sonetos de Shakespeare, y Declan Donnellan, que trae su nuevo Macbeth. También se podrá ver lo último de Daniel Veronese, con un doble programa inspirado en Ibsen; Christoph Marthaler, que presenta Platz Mangel, o la pareja formada por la bailaora María Pagés y el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui con Dunas. Completan la programación una amplia presencia de las nuevas tendencias en Cataluña (Jordi Coca, Mal Pelo, Joan Ollé, Toni Casares o Roger Bernat), música (Calamaro, Rinôçérôse o Toumani Diabaté) y creadores que quizá den la sorpresa, como la gran apuesta de la dirección, el Woyzeck on the Highveld, de William Kentridge (en la foto).

Phil y sus amigos no encuentran trabajo: la crisis lo devora todo. Hasta que quemar coches se revela como una actividad muy lucrativa en una sociedad vacía moralmente que busca nuevos dioses y ganancias rápidas. Álex Rigola encuentra un texto perfecto para el tipo de teatro provocativo, sarcástico y directo que le gusta en esta comedia atroz del norteamericano Richard Dresser. días mejores. Alcalá de Henares (Madrid) / Corral de Comedias / 16, 17 y 18 de octubre / www.corraldealcala.com


arte por darío fernández

la revolución de john cage primera gran retrospectiva del artista neoyorquino en españa

El compositor e instrumentista estadounidense exploró la senda del caos con sus creaciones.

cinco décadas de riesgo y nuevos caminos en el arte en una retrospectiva sobre john cage «Forma una vasija con arcilla, del vacío de la vasija surge la utilidad; abre puertas y ventanas en las paredes, del vacío de las aberturas surge la utilidad de la casa». Sabias son las palabras de Lao Tse, mítica figura del pensamiento oriental, uno de los primeros filósofos que, siglos antes de Cristo, ya intuía que la vida no sólo está formada de estructuras tangibles y ordenadas, sino de materias invisibles que no podían despreciarse. Quizá sea John Cage el sucesor directo de esta ideología en el arte: zen, radical, inquieto y, sobre todo, hambriento de libertad. Acabó dando una vuelta de tuerca más a las vanguardias para llevarlas al campo de las tecnologías audiovisuales y dejar que todo fluyera: ruido y silencio experimentan-

do en intimidad sin que nadie les marcara una pauta. Hablar de él es hablar de cosas que se escapan de entre los dedos, que simplemente se sienten y son puro azar. Un laberinto experimental y conceptual que convierte esta exposición del MACBA en casi un reto, en la primera gran retrospectiva del artista de Nueva York en España. Una figura tan controvertida como decisiva para el arte del siglo xx: para el gusto por lo efímero del grupo Fluxus, para la radicalidad de una música experimental que no se descompuso, sino que pudo respirar sin reglas ni corsés, para la experiencia multisensorial en el arte. En definitiva, un creador que, en lugar de temer a las nuevas ideas, temía a las viejas; consideraba tan musical Mozart como el aleatorio ruido del tráfico. Las innovaciones de este anarquista van desde los años treinta a los ochenta, muchas de ellas presentes a través de

las más de 200 obras que se exponen en Barcelona. Partituras «destripadas», tableros de ajedrez electrónicos, instrumentos musicales marcianos, esculturas, películas, instalaciones... Una extensa muestra que recoge colaboraciones con visionarios como Duchamp, Warhol o Rauschenberg. Quizá después de visitar la muestra del MACBA se pueda entender mejor su mítico 4’ 33’’, con un pianista observando concentrado el instrumento y con el único sonido del carraspeo y los murmullos de los asistentes. El silencio como un invitado que siempre ha estado en casa pero al que se ignoró durante demasiado tiempo. El silencio como una nueva forma de comprenderlo todo. LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL. MACBA (Barcelona) / Hasta el 10 de enero / www.macba.es

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ARTE ¡que entre aire fresco!

El colectivo danés A Kassen (en la foto) llega al Laboratorio 987 del MUSAC para abrir sus ventanas de par en par con un proyecto que quiere ligar la arquitectura propia del centro con el exterior, diluyendo sus barreras para evitar que el arte sea algo envasado al vacío, hermético. Para ello no sólo tiran de sesuda metáfora sobre la direccionalidad del arte (el individuo va al museo, el museo va al individuo o ambos se encuentran en la calle), sino de ironía y sentido del humor con performance y escultura. Un juego con los cristales de la fachada, acompañado de otras acciones firmadas por un colectivo cuya traducción al español es «seguro de afiliación al paro». Otro punto de conexión entre los artistas y la gente de a pie. windows to the world. León / MUSAC / Hasta enero / www.musac.es

todas las caras de la lujuria Eros tiene muchas caras: heterosexual, gay, voyeur, fanático del sado, con desviaciones fetichistas... La historia del arte está repleta de imágenes de sirenas meciéndose dulcemente en la espuma del mar, mujeres encantando serpientes sinuosas, mártires con el rostro desencajado fusionando religión y placer, por no hablar del hormigueo daliniano en objetos con formas sugerentes. La muestra del Thyssen investiga el erotismo y la pasión en todas sus vertientes, desde lo más naíf a lo más obsesivo a través de diferentes épocas y orientaciones, no sin identificar lo sexual con el tormento, la experiencia beata, el deseo rebosante en la prohibición... Pintura, escultura, fotografía y vídeo repasan los mitos de Eros en el suave goteo de unas lágrimas o los torsos tensos atados a una cuerda. Un éxtasis que también acaba vinculando a la muerte (o la petite mort orgásmica), compañera liberadora o macabra, pero en cualquier caso una ineludible amante. Magritte, Courbet, Toulouse-Lautrec, Man Ray, Cézanne, Max Ernst... Eros se nos muestra escondido en múltiples rincones y matices, pero siempre omnipresente. lágrimas de eros. Madrid / Thyssen-Bornemisza / Hasta enero / www.museothyssen.org

silencios que no callan ¿A qué se asocia el silencio? ¿Quietud, pasividad, aburrimiento, espera improductiva? ¿Y si fuera algo no tan diferente a un grito? En la Fundació Joan Miró quieren reivindicar el silencio como un motor, camaleónico, adaptándose a contextos, significados, travestido en mil formas diferentes... Silencio que se erige en medio del ruido, silencio que nos habla directamente sobre nuestra fragilidad sin necesidad de relatar fábulas o llorar desconsoladamente, silencio que es calma tensa... Cinco proyectos mostrarán su visión particular de ese gran misterio que va acompañado de la nada y el vacío, formando la santísima trinidad del enigma del arte. Malevich o Yves Klein intentaron descifrarlo, con blancos sobre blanco o lienzos azules mudos. Con este ciclo, que durará un año, el vídeo, la fotografía y las instalaciones sonoras juegan sus cartas para acercarnos al riquísimo mundo de la mudez, donde aparentemente no hay nada, pero donde el todo puede estar agazapado. silencio explícito. Fundació Joan Miró (Barcelona) / Desde el 8 de octubre / www.fundaciomiro-bcn.org

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la vida podría ser bella

en cuerpo y alma

Se decía en el clásico del cine negro, El tercer hombre, que Italia había vivido terror, masacre, guerras, pero que había aportado Leonardo Da Vinci y el Renacimiento, mientras que Suiza, tan neutral ella, sólo tenía el reloj de cuco. Hoy, un suizo es el encargado de mostrar ese mundo caótico y salvaje, bello y maravilloso. Thomas Hirschborn llega a La Casa Encendida con sus esculturas, instalaciones y vídeos bajo el brazo, con su legión de maniquíes que parecen representar monumentos a personas de nuestro tiempo: de formas delicadas, pero profanadas por pintadas o agujereadas por clavos. Mutilados, torturados y esclavizados. Para ello, Hirschborn tuvo que abandonar las calmadas latitudes para ir a la menos suiza de las ciudades suizas, la dinámica Zúrich (en la que se formó), y al extrarradio de París (donde aún más perfiló su ideología) para desarrollar su compromiso político y estético. Interesado en presentar su trabajo en el museo y en la calle, recoge materiales mundanos, ligados al trabajo y al dolor para castigar a unos cuerpos que merecen un mundo mejor. Un rayo de luz que es una promesa entre las tinieblas de la vida contemporánea.

El fotógrafo Álex Francés muestra el trabajo de dos décadas en torno al cuerpo y su identidad. El hombre y la mujer como materia carnosa que busca significados a través de lo puramente físico, que intenta describir su espíritu en fachada exterior. La piel arrugada y curtida en mil sinsabores de las ancianas, cuerpos prisioneros de sogas, personajes flotando como anfibios muertos que se dejan llevar por la corriente... Simbolismos profundos más allá de la física, pero que siempre parten de ella. no son dos sino dos. Fundación Chirivella Soriano (Valencia) / A partir del 2 de octubre / www.chirivellasoriano.org

the subjecters. Madrid / La Casa Encendida / Hasta enero / www.lacasaencendida.es

huellas de un pasado La fotografía de Concha Pérez no sólo recoge una imagen, sino que está sutilmente tratada para congelar también una emoción. En la nueva exposición de la ADN Galería, los espacios abandonados, semiderruidos, desérticos e ignorados se reivindican, luchan por salir del olvido al que parecen haber sido relegados, reclamando albergar vida de nuevo, descongelarse de un tiempo pasado en el que sí estaban cartografiados. A través de su vacío dramático, nos hablan del tránsito de las personas, de sus actividades, de sus vidas y de la pérdida de protagonismo de unos lugares que con su silencio cantan una letanía de tiempos mejores. Con el fantasma del pasado como único huésped, es una invitación a salas con una energía extraña, la misma que tiene una silla abandonada o un micrófono que no apunta a nadie. Siempre preparados para servir a sus habitantes, hoy desahuciados y con un futuro incierto que puede invitar a un retorno glorioso o a una muerte más prolongada. El tiempo y el hombre decidirán qué quedará de ellos.

psychos ilustrados Garabat, dentro de lo que ellos mismos llaman su Otoño salvaje, presentan una serie de originales del recién editado libro Ojo x ojo, diente x diente, del combo Malomuymalo. Este dúo artístico, metido de lleno en el mundo de la moda y los estampados, también trabaja en el campo de la literatura, la ilustración, la pintura o el diseño. Humanistas pop que nos presentan su nueva propuesta gráfica. ojo x ojo, diente x diente. Bilbao / Garabat / A partir del 2 de octubre / www.garabat.wordpress.com

lo que nos queda. Barcelona / ADN Galería / Hasta el 31 de octubre / www.adngaleria.com

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videojuegos por jaume esteve gutiérrez

LARGA VIDA A LOS REYES DEL HEAVY METAL Jack Black protagoniza ‘Brütal Legend’

nuevo forza, más sensaciones Cuando Microsoft se metió en esto de los videojuegos inició, con gran tino, una serie de sagas para captar seguidores de títulos con gran calidad tanto gráfica como jugable. Así llegaron Halo y Gears of war, y así lo han hecho con Forza Motorsport, un espléndido simulador automovilístico que tiene ya tercera entrega. Su gran virtud está en el equilibrio. No transmite el hiperrealismo de Race Pro y tampoco posee los gráficos de Gran turismo, pero está tan cerca de ambos que, haciendo balance, gana por goleada. forza mortorsport 3 (Xbox). Turn 10, Microsoft. forzamotorsport.net

El videojuego reúne todas las claves que se asocian al universo de este género rock.

UN PIPA VIAJA POR ACCIDENTE AL MUNDO DEL HEAVY METAL PARA VIVIR UNA AVENTURA IMPREDECIBLE El nombre de Tim Schaffer está escrito con letras doradas en el olimpo de los creadores de videojuegos. El padre de Maniac Mansion, Grim Fandango, Psychonauts y cocreador de Monkey Island tiene tanta reputación en el mundillo que EA le ha permitido publicar Brütal legend en «rocktubre» —así llaman al décimo mes del año, el periodo más fuerte en cuanto a lanzamientos—. El nuevo título de Schaffer no es una aventura gráfica. No. Esta vez se ha pasado a la aventura tradicional, con un protagonista de lujo, Jack Black. El actor interpreta a Eddie Riggs, un pipa que, casualidades del destino, viaja al mundo del heavy metal cuando una gota de sangre cae en una hebilla maldita. Lo contó Guy Perkins, productor del título, el pasado junio en Madrid: «La idea es un punto de partida maravilloso. El mundo de Schaffer está basado en las portadas de los álbumes de Judas Priest, los pájaros de metal, los paisajes...». El homenaje al heavy metal no acaba en lo visual. Rob Halford, de Judas Priest, lidera una milicia de moteros del hair metal; Lita Ford, de Runaways, comanda a un grupo de amazonas y Ozzie Osbourne es el guardián del metal. Casi nada. ¿Cómo acabó Jack Black metido en todo esto?

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tus deseos se hacen realidad

«Schaffer había pensado en él cuando creó al personaje —explica Perkins—, pero no creyó que fuera a ceder su voz e imagen. Cuando se lo propusimos aceptó, nos contó que le había encantado Psychonauts». En Brütal legend no hay ni rastro de aventuras gráficas, el género que encumbró a su creador. Lo confirma el productor: «Pensamos en Brütal legend tal y como es. Nunca nos planteamos un género diferente». Esta mezcla de músicos de culto, paisajes emblemáticos del mundillo y grupos míticos en la banda sonora (Motörhead, Black Sabbath, Slayer) está aderezada con el humor marca de la casa de Schaffer. BRÜTAL LEGEND (Xbox, PS3). Electronic Arts. www.brutallegend.com

¿Qué harías si una horda de zombis robóticos te asedia? Fácil: pides una máquina del tiempo, viajas al pasado y regresas a lomos de un tiranosaurio que acaba con los no muertos a bocados. Así es Scribblenauts, tal vez el plataformas más original del año y en el que el usuario tiene que tirar de imaginación para avanzar. Vale todo o casi, con tal de salvarnos y llegar a buen puerto. Hasta podemos contar con que Dios nos ayude. Scribblenauts (Nintendo DS). 5th Cell. games.kidswb.com/scribblenauts


música por julio ruiz

a billy bragg le queda la palabra Doce discos, un libro y una vida de compromiso Cantautor y casi político. Dos actividades perfectamente compaginables y complementarias Un buen día, Billy Bragg se sintió contagiado por la música escuchando a The Clash, y de ahí nació su perfil combativo. Pero eso fue tan sólo para la primera parte de su vida musical, cuando era miembro de la banda punk Riff Raff, porque lo que le dio nombradía fue el nacimiento de su yo en solitario en clave de folk y de letras con compromiso. Y quizá por ese motivo, porque el inicio de su carrera está unida a la banda de London calling, semanas atrás se conoció la noticia de que había formado equipo en un estudio de grabación con dos de sus ídolos de juventud, Mick Jones y Topper Headon, haciendo una versión de Jail guitar doors junto a cuatro reclusos músicos, fruto del interesante proyecto social creado por Bragg hace dos años. Ha pasado mucho tiempo —dos décadas— desde que hizo su primera visita promocional a nuestro país con Workers playtime (1988). Apenas era su cuarto álbum con aquel kilométrico Must I paint you a picture? y en el que contaba en los créditos con Danny Thompson a su derecha y con su buena amiga Michelle Shocked haciendo voces. Luego, en la reedición para el coleccionista, había impagables versiones demo de algunas de estas canciones y dos versiones de Tim Hardin y de The Jam. Hoy, aparte de haber dejado en su libro The progressive patriot sus ideas expresadas, ya se anda por el disco duodécimo, Mr. Love and Justice, encumbrado por la crítica. Y desde hace dos discos, Billy se ha puesto al frente de The Blokes, su grupo acompañante, que está presente en este nuevo álbum... a medias. Porque las canciones están interpretadas tanto a toda banda como por Bragg, él solo, apenas con guitarra acústica o eléctrica, según toque. Un disco en el que de nuevo vuelve a haber ilustres en los acompañantes (véase el Faces Ian McLagan, que está en su grupo-soporte, o Robert Wyatt, que hace voces en I keep faith, la canción del single). billy bragg. Día 14, Madrid (Galileo Galilei) / 15, Barcelona (Bikini) / 16, San Sebastián (Kursal) / 18, Bilbao (P. Euskalduna)

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música el regreso de los colegas Los deberes se le acumulan. Y, claro, quizá hasta ahora Scott McCaughey, entre la labor de músico acompañante de los REM de Michael Stipe (le reclutaron en el 94 y poco a poco fue ganando presencia) y su proyecto de Minus 5, no tenía mucho tiempo para su banda-madre. Por si fuera poco, hasta se enroló en otro grupo paralelo, The Baseball Project. Legendarios Young Fresh Fellows que nacieron hace 25 años a los acordes del inolvidable The fabulous sounds of the Pacific Northwest. Por fin ha llegado I don’t think this is, ocho años después del anterior, que tiene esa colección de temas furiosos y de pop guitarrero marca de la casa, sin desdeñar el buen tino para los medios tiempos o las canciones en clave más reposada. Scott, Kurt, Tad y Jim son los responsables de excelentes piezas como Gotta get Hawai, The guilty ones o Never turning back again. Y lo que se va por lo que se viene. Tiempo que uno se gasta en otros trabajos, pero que quedan recompensados a la hora de hacer el disco nuevo con tu proyecto número uno. Así se explica que Peter Buck haga sonar su guitarra de doce cuerdas y que el productor sea otro amigo: Robyn Hitchcock.

con voz y guitarra, basta Lourdes Russian Red, Annie B. Sweet, Alondra Bentley... Con tres ejemplos de aquí basta. Serían las primas hermanas de esa chica nacida en Hong Kong que conquistó el mercado del Reino Unido a base de singles —tanto su Secret circus como We almost had a baby le valieron para su escalada inicial— hasta que llegó la colección de trece canciones que es First love, su primer álbum. Y además, como suele ocurrir en los últimos tiempos, con un hágaselo usted mismo: apartada de los circuitos establecidos, creó su propio sello discográfico, Close Harbour, para poner a disposición del público sus canciones. La promotora Coconut trajo a Emma a un festival hace unos meses y ahora lo hace en solitario a la par que se estrena en el mundo de la edición, sacando en nuestro mercado ese disco grande de debut y el regalo adicional de su EP veraniego que vino después con Edward in Dedward dentro (anterior en gestación y que consta de aquellos temas maqueteros de sus primeros tiempos). Se necesita poco para llegar a la gente. Una voz personal, unas letras que no necesariamente tienen que ser ni alegres ni profundas, y unos arreglos mínimos y sencillos como colofón. emmy the great. 29, Madrid (Moby Dick) / 30, Vigo (Mondo) / 31, Barcelona (Be Cool)

young fresh fellows. 16, Bilbao (Antzokia) / 17, Vitoria (Helldorado) / 18, Gijón (Casino) / 22, Valencia (Loco) / 23, Murcia (12 y Medio) / 24, Madrid (El Sol)

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Que no, que no hace falta toda una banda arropando a la estrella, basta con la presencia del cantautor. Ése es el espíritu de este festival que reúne a artistas que comulgan con los mismos predicados musicales y responden a la condición, como reza el título de la convocatoria, de ser singer-songwiter... but I like it. Encabezan el cartel Nacho Vegas y Christina Rosenvinge, cada uno por su lado, y aún con la resaca de sus dos álbumes exitosos del año pasado. Además, ese artista que ya empieza a ser medio español que se llama Josh Rouse y otro habitual en los últimos tiempos en los escenarios de aquí, Mark Eitzel, que tiene disco flamante llamado Klamath. Lo completa una reciente triunfadora en el mismo escenario, Victoria Williams, acompañada por Simone White, Franz Nicolay y Spoon River. I KNOW I’M JUST A SINGER-SONGWRITER [BUT I LIKE IT] FESTIVAL. Días 14 y 15 de octubre, en Madrid (Joy Eslava)

pablo zamora

festival de solitarios


nuestro south by southwest No están nada lejos de la afamada cita americana las intenciones de este festival que se estrena este año en tierras gaditanas del Puerto de Santa María y que va a reunir en unos pocos kilómetros un montón de actividades —conferencias, coloquios, mesas redondas, conciertos...— relacionadas con el mundo independiente y que pretende ser un escaparate de aquí, pero también de fuera. Tali Carreto y Paco Loco son parte del equipo que pone en marcha este Monkey Week, que va a ofrecer hasta 60 conciertos en distintos escenarios, desde bares hasta salas o teatros. Nombres como Wire [entrevista en la página 46], Jon Spencer y su Heavy Trash, otro habitual como Howe Gelb, King Khan, Silver Apples, A-Bones, The Mary Onettes, Kitty, Daisy & Lewis (en la foto)... La cuota nacional en la parte importante del cartel la pondrán Nacho Vegas, Muni Camón y Remate, Paco Loco Trío, Los Coronas, Cápsula...

sabor vaquero al estilo cash Sólo queda el jefe de esta banda de country contemporáneo. Arrancaron hace una década, pero ya hace tiempo que Robert Fisher se quedó solo —se fue Paul Austin— al frente de este proyecto que ha contado con miembros volantes —gente de Codeine, The Silos, Sugar...—. Los analistas le sitúan a mitad de camino entre Johnny Cash y John Stewart. En su penúltimo álbum, Fisher había recibido el apoyo, entre otros compañeros de profesión, de Steve Wynn, de Dream Syndicate. Pilgrim road es su última obra, del año pasado. willard grant conspiracy. 14, Barcelona (Sidecar) / 15, Valencia (El Loco) / 16, Madrid (Moby Dick)

monkey week. Del 9 al 12 de octubre, en el Puerto de Santa María (Cádiz) / Varias sedes / monkeyweek.org

este jazz es para todos Hace ya tiempo que el jazz bajó de las alturas y quedó a disposición del aficionado medio. Y una de las culpables es Diana Krall, que acude a presentar las canciones de Quiet night, su duodécimo álbum. Ya hace diez años que una de las voces femeninas más importantes del momento saltó a la fama gracias a aquel premio Grammy labrado con When I look in your eyes. Su siguiente trabajo, Look of love, sirvió para dar otro paso adelante e incluso esa gira de 2002 por nuestro país se saldó con un triunfo rotundo. En esta oportunidad, Diana viene con una superbanda que arropa a su piano y su voz. Será la ocasión de saborear sus temas más recientes, bucear en el pasado de aquel seminal Only trust your heart y quizá volver a escuchar la lectura de alguna pieza de Nat King Cole a su modo y manera. Que nadie piense que puede haber aparición sorpresa: el matrimonio va, musicalmente, cada uno por su lado en sus actuaciones y giras por más que haya colaboración en autoría de canciones desde hace cinco años; o sea, que Elvis Costello no será la estrella invitada. Pero no importa, porque la canadiense ya lo llena todo.

himnos intimistas Apenas un disco les valió para hacerse con un nombre. Phil y su prometida, Beth, con el apoyo de Mark, construyeron una colección de canciones —en donde con una voz, guitarra y a veces piano bastaban para conmover— que agruparon tras el nombre de Hymns for a dark horse. La continuación sin apenas cambios en el esqueleto compositivo ha sido Upper air, que tiene momentos tan sublimes como Ghost life. bowerbirds. 22, Barcelona (Sidecar) / 23, Valencia (Wah Wah) / 24, Madrid (Neu)

diana krall. 8, Barcelona (Auditori del Forum) / 12, Bilbao (Palacio Euslkaduna) / 13, Madrid (Palacio de Congresos)

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DISCOS terry de castro a casa verde

natalia lafourcade

arctic monkeys

Casi, casi, se parece a Uh Huh her, de PJ Harvey, si nos quedamos apenas en el título, que se traduce por un suspiro de felicidad, risa y enamoramiento, aunque, similitudes aparte, la propuesta de Natalia, otra de las voces diferentes del pop mexicano, ya era interesante, a la búsqueda de un sonido propio, cuando se estrenó hace siete años. Éste es el cuarto que llega tras el experimento orquestal con Las 4 estaciones del amor. Da igual Azul que Ella es bonita si buscamos single. Un disco paisajista y de color en el que su amiga Julieta Venegas aparece como invitada.

A la tercera va la vencida. Renovarse o morir. Así lo han entendido los Arctic Monkeys. La fórmula explotada en los dos discos anteriores corría el peligro de agotarse. Basta de canciones espídicas, de estribillos urgentes y acelerados como único menú del día. ¿Y si nos remansamos? ¿Nos oscurecemos un poco? ¿Tomamos prestado algo de The Last Shadows Puppets? Ese propósito de enmienda se nota en Crying lightning, el sencillo de avance. Algo, empero, no ha cambiado: tres minutos es la duración-molde y tope de la perfecta canción pop más o menos rockista.

www.natalialafourcade.com

www.arcticmonkeys.com

vincent delerm

dayna kurtz

Definitivamente es un cantautor diferente. Asomó la cabeza tímidamente en nuestro mercado con Les piqûres d’araignée y vuelve a dar en la tecla en las letras ingeniosas, descriptivas, costumbristas y cotidianas con unas gotas de ironía. Las melodías siguen siendo exquisitas y hay sedosos y sugerentes coros femeninos. Con él se puede pasear por un bulevar a pleno sol mientras canta Je pense en toi o descubrir el motivo por el que El corazón de las voleibolistas late más fuerte por los voleibolistas (¡ahí queda eso!). Entre sus personajes asoma el futbolista Patrick Viera.

No le demos más vueltas, ha sido la propia Norah Jones la que ha dicho quién aprendió de quién. O sea, que dudas solventadas. Dayna ha tardado tres años en volver. Pero tiene coartada. Se ha casado, ha cultivado su huerto y ha aprendido a cocinar. Aparte, claro, de hacer canciones que pueden saber a folk, rock, blues, americana... Menudo comienzo con Invocation tocando ella misma la guitarra y el banjo. Y menudo final en clave festiva con Election day respaldada por todo un supergrupo como The New Orleans Nightcrawlers.

www.greenufos.com

www.myspace.com/daynakurtz

hu, hu, hu

Quien está a la izquierda del jefe alguna vez tiene que tener su momento de gloria y que los focos le apunten. Eso es lo que ha ocurrido con Terry, que, en los últimos tiempos, ha formado parte de The Wedding Present. Es el propio sello Scopitones quien pone en circulación esta especie de Pin ups de la bajista, que también lo fuera de Cinerama. Si Bowie un buen día hizo un disco con sus canciones favoritas, esas mismas directrices ha seguido nuestra protagonista que, eso sí, ha escogido piezas con firmas de su entorno cercano —amigos con los que incluso ha colaborado musicalmente— para llevarlas a su terreno. El ejercicio empieza siendo sobresaliente con la adaptación hecha a Dalliance, pero también gana puntos el nuevo perfil de To love you, de Astrid Williamson, su ex compañera en Goya Dress. Otra maravilla es The sun is always sweetest, salida de la pluma de Hawksley. Por cierto, que el último tema que llegó al disco casi a punto de cierre, Perfect movie, lo firma Chylinski, que estuvo en Drugstore junto a Isabel Monteiro.

www.myspace.com/terrydecastro

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quinze chansons

Humbug

american standard


varios

ciao my shining star. the songs of mark mulcahy

la casa azul

parade

Se veía venir. Era tal el arsenal de fetiches no grabados de última era de Guille que se imponía un disco como éste. Y si está rodeado de amigos, mejor. La lista es de lo mejor de la casa del pop. Así, el último gran himno (La revolución sexual) tiene tres perfiles diferentes, uno de ellos en directo al lado de otros hits como El momento más feliz o Superguay. Eso, aparte de que la revisión de Love is in the air necesitaba quedar atrapada en un disco. La guinda es la aportación de Duglas T. Stewart para que el Bad guys tenga una dimensión deslumbrante.

¿Su disco definitivo? Eso parece a la vista del interés despertado. El mejor urdidor de historias de ciencia, de ficción y de cienciaficción está aquí y le acompañan en su equipaje la kriptonita, una eminencia como Stephen Hawking y el mismísimo Dylan, al que Galvañ se permite la licencia de colocarle como protagonista de una historia, ya conocida, que descifraría el enigma de por qué un buen día Bob se hizo eléctrico. Siguiendo con argumentos coleccionables, don Ricardo está en letras gordas en la trilogía Raimbows avenue. Y, por si fuera poco, le gustan The Carpenters.

www.elefant.com

www.jabalinamusica.com

mark eitzel klamath

Pete Yorn & Scarlett Johansson

No para. Con American Music Club, alguna otra aventura paralela más junto a Buck, de REM, y él, en solitario. Ya es el décimo disco. Y le ha salido intimista y recogido (I miss you es una de las cumbres) y con presencia de un piano (el de Marc Capella) que promete estará también de gira (una garantía de que maravillas como Blood on my hands vayan a sonar fieles al disco). El álbum toma prestadas influencias de Drake o Martyn y se ha grabado en medio de los bosques que rodean al río Klamath (de ahí el nombre). El trallazo eléctrico queda para el final con el homenaje a Ronald Koal.

Está claro. A Scarlett le gusta esto de cantar. Si no, no estaríamos hablando de un nuevo disco (bueno, medio) tras el de lectura de Waits. Los deberes ya estaban hechos desde 2006, pero se ha esperado al momento estratégico, pasado el último trabajo propio de Pete y el último filme de la estrella. Los temas están salpicados de desilusión, desamor y tristeza —algo andaba mal para Yorn en el tiempo de parirlos— y todos llevan su firma a excepción de un clásico que parece que casaba con el espíritu global: I’m the cosmos, de Big Star. ¡Y lo que luce el tándem chico-chica!

www.myspace.com/markeitzel

www.thebreakupalbum.com

la nueva yma sumac

la fortaleza de la soledad

break up

Érase una vez una banda americana de Connecticut llamada Miracle Legion. A principios de los ochenta publicaron su primer y excelente disco, Surprise, surprise, surprise, en donde estaba el hit All for the best. Ésa ha sido la canción elegida por Thom Yorke, apoyado por su hermano Andy (que también está con Unbelievable Truth), para formar parte de los 21 cortes que contiene este álbum de subtítulo The songs of Mark Mulcahy. Iniciativa benéfica con el fin de ayudar al compañero músico que ha vivido el drama familiar de la muerte repentina de su esposa, Melissa (en la foto de la portada, porque para ella va ese adiós), quedándose al cuidado de las dos hijas gemelas de apenas tres años del matrimonio. No es el único ilustre el jefe de Radiohead, porque también aportan su presencia Michael Stipe, que elige Everything’s coming undone, Frank Black, Dinosaur Jr., Elvis Perkins, Mercury Rev o Vic Chesnutt. La cuota femenina la representa Juliana Hatfield y excelente resulta la aportación de Josh Rouse (en la foto) con Wake up in the mayflower.

www.markmulcahy.com

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LECTURAS por ELENA MEDEL

corcobado: AMOR EN LA «FOSA SÉPTICA» La dulce rabia de sus canciones, también en sus poemas

lo que necesitas es... Utilizamos tres conjugaciones en nuestro idioma, y Corcobado se inventa en este libro una, cuarta y única: amor. Decíamos, entonces: amor con su voz partida, amor con sus poemas que recorren desde el hallazgo casi zen («mejor ver el parque desde fuera. / Si estás dentro, eres el parque») al micropoema («quiero ser el niño estrangulador / de todo lo que envejezca / con envidia»), incluyendo esa oscuridad marca de la casa («detesto los cuerpos de las mujeres. / Detesto los cuerpos de los hombres. / Prefiero sus sombras, / que no son comestibles») o la confesión que se susurra, como de amigo a amigo («estoy muy triste una

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kritipop

¿SE PERDERÁN ESTAS ‘CARTAS A UNA REVISTA PORNOGRÁFICA VIUDA’ EN LOS BUZONES MEADOS? «Éste es mi tercer libro, oficial, de poesía. Está escrito entre noviembre de 2007 y enero de 2009, en un periodo de cambios notables en mi vida. Empecé en Almería, después continué en México D. F., más tarde en Madrid y, finalmente, lo concluí en Bilbao. La mayoría de los poemas están compuestos en cafeterías, aviones, trenes, autobuses y parques». A Chatarra de sangre y cielo (Huerga y Fierro, 1990) y El sudor de la pistola 13 (Huerga y Fierro, 1994) siguió Yo quisiera ser un perro (El Gaviero, 2007), que los recopilaba y añadía tres aún inéditos. Empeñado en el funambulismo, también sus textos bailan sobre el alambre, y mantienen esa lírica crudísima que nos suena de sus canciones, desde las vísceras sobre lo que por allí se mueve. Mientras Javier Corcobado observa «dentro de mí / relucir las balas / dentro del cargador / de mi desconfianza», estas Cartas a una revista pornográfica viuda gravitan en torno al número uno de sus obsesiones: el amor. Por mucho que sus versos afirmen que «ayer juré que no volvería / a hablar de amor», el corazón latiendo —o desinflado, igual que en la portada— «ocupa / todo lugar en mí»; y el amor se alza en estas Cartas... como «un ayer / de besitos rotos», que calma y cruje, y cuando se porta mal aparece «esposado», o es niño bueno con su «ausencia / inquisidora».

El tercer poemario de Javier Corcobado transcurre por las arterias del amor.

vez más. / Sin ningún pudor y con toda libertad, / lo vuelvo a decir ahora y aquí»). Amor, uno tras otro y otro tras uno, aunque le entre la cabeza baja y confiese que «yo ya no sé escribir / poemas de amor». Claro que sabe, y de qué manera... Según la nota de prensa, Cartas a una revista pornográfica viuda constituye «una colección de disparos desesperados, arrogantes y humildes por igual, de dolores afectivos y de iluminaciones del alma, que se cierra con el descubrimiento del amor

puro». El amor de Corcobado es siempre limpio, sin importar que vaya «meando en los buzones / para que todas las cartas / se conviertan en cartas de amor», tal y como escribió en su poesía completa. ¿El título de este poemario? Él lo explica: «Conozco a un amigo / que lleva años casado / con una revista pornográfica / viuda». ¿El título de este poema? Soledad. Todo lo contrario. CARTAS A UNA REVISTA PORNOGRÁFICA VIUDA. Arrebato Libros / 160 págs. / 15 euros


las entrañas del cine con entrañas Conocen el dicho sobre el valor de las imágenes frente al de las palabras: la editorial Lagartos impulsa —buscando el equilibro— su colección Lagartos de Cine, «guiones originales de rodaje y textos cinematográficos» acompañados por un viaje a la mente de sus directores. Dietarios, reflexiones postit, otros documentos que facilitan la inmersión... Se inauguró con La soledad, de Jaime Rosales y Enric Rufas, más el cuaderno de notas de Rosales durante la preparación y el rodaje del filme, y continuó con La flaqueza del bolchevique, escrito también a cuatro manos por Lorenzo Silva y Manuel Martín Cuenca, con un diálogo entre ambos (Silva, escritor de la novela original; Martín Cuenca, director de la adaptación) sobre el proceso de trabajo. Como tercer capítulo, Lo que sé de Lola: un volumen que, a la vez, homenajea la pasión por el cine y su magia. Tras el guión, obra de Javier Rebollo y Lola Mayo, que gana en fotogramas pero que —sorpresa, sorpresa— también se sigue como evocadora narración («gente que va y viene en una vieja estación de trenes que van a provincias. Tráfago cotidiano en esta pequeña estación que tiene algo de las de antes»), el hermoso Cuaderno de París. Dietario de cine, que da cuenta de las tribulaciones de Rebollo durante el proceso de preproducción. «Dejo mi apartamento en París porque mi ducha pierde agua y provoca una gotera. Cuando llego a Madrid, descubro que la gotera que yo he provocado allí está en mi salón, donde veo caer agua del techo como en una película de Tarkovski». Presupuestos, intérpretes, supersticiones... Las entrañas del cine con entrañas.

cuento gótico para ‘indies’ El pequeño Jack nace en Edimburgo un día del que «los viejos especulan» que podría tratarse del «más frío de la historia». El ingenioso remedio de la doctora Madeleine para su corazón dañado le obliga a vivir, para siempre, casi padeciendo una helada emocional como la de sus primeras horas: para mantener su corazón artificial, un reloj de madera, Jack deberá tener sus dedos lejos de sus agujas, dominar su cólera y —sobre todo— no enamorarse jamás. Sin embargo, algo falla, y él mismo lo advierte: «Continúa soldando tus sueños en la realidad, sin olvidar lo más importante: es de ti de quien Miss Acacia está enamorada». Y los problemas comienzan, y Mathias Malzieu firma uno de esos relatos que —tópicos aparte— emocionan por igual a grandes y pequeños: un cuento gótico de amor a finales del xix, que adaptarán en el xxi el cineasta Luc Besson y el dibujante Joann Sfar en formato de película animada, y que ya contaba con banda sonora a cargo de Dionysos, el grupo de Malzieu, algo así como unos Planetas franceses. Más tipo del Renacimiento que otro músico indie que escribe (es su tercera novela), Malzieu nos regala una peripecia bizantina —de Escocia a Andalucía— con la que podemos dar cuerda al corazón.

lo que sé de lola. Lagartos / 232 páginas / 20 euros

eudora welty: musculatura prodigiosa En esta época de narraciones de pos-re-ultra-vanguardia, más próximas a las máquinas que a la carne y al hueso, agradecemos el esfuerzo de algunos sellos para recuperar novelones de los de toda la vida, intensos y con todos sus avíos: tramas en las que podemos confiar, personajes atribulados por motivos que —décadas después— también podrían afectarnos a nosotros. La hija del optimista, con la que Eudora Welty consiguió el Pulitzer en 1973, satisface nuestro apetito de clásicos: en eso de contar el sur de Estados Unidos se le adelantó William Faulkner, pero Welty es también una escritora de musculatura prodigiosa, una de esas grandes damas a las que la literatura en inglés nos tiene acostumbrados. En La hija del optimista nos presenta a Laurel, una mujer madura que abandona su hogar para cuidar a su padre moribundo y, al tiempo, aborda el conflicto entre ella y Fay —su joven madrastra— durante la vuelta. Una vida antigua que regresa, una mujer contra otra mujer, y la sabiduría de Welty: «Los recuerdos no viven en un objeto concreto, sino en las manos libres, perdonadas y liberadas, y en el corazón que puede vaciarse y llenarse de nuevo; en los motivos renovados por los sueños». la hija del optimista. Impedimenta / 232 páginas / 19 euros

la mecánica del corazón. Reservoir Books (Mondadori) / 174 páginas / 13,90 euros

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LECTURAS

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la estrategia del colibrí

tempus fugit

los caballos azules

Asegura la contraportada de La estrategia del colibrí que este libro «es un manifiesto más que un ensayo». No se sirve de trampas, sino que acierta en la diana: frente a los modos y modas exactos aquí y en las antípodas, Morace —sociólogo y periodista— defiende la «polinización creativa permanente entre culturas», analizando ejemplos de distintos océanos (desde España a Tailandia) que, igual que el colibrí, se alimentan lo justo para volar más alto.

El tiempo en las películas transcurre a base de furiosos mandos a distancia, omisiones u hojas de calendario que se arrancan pronto o tarde. Tempus fugit recoge no sólo imágenes de calendarios que trascienden la utilidad para convertirse en arte, sino también qué piensan los diseñadores que se enfrentan a los días. Bilingüe, más de sesenta calendarios, más de cincuenta autores... Y las horas —mientras hojeamos— no se escapan, sino que se detienen.

Un plato único, combinado, nos colma el hambre con mayor generosidad que un bufé libre: el narrador asturiano presenta —en esta colección, Cuadernos, que de verdad cabe en el bolsillo— un relato que se devora en un par de bocados y se digiere lento. ¿A quién, o a qué, responde Fabiani? ¿Quién, o qué, se mueve tras Jofra? Un juego de identidades e intenciones con una prosa marca de la casa, densa y sabrosa, que rumiamos cual guiso de abuela.

francesco morace. Experimenta /

varios autores. Index Book /

ricardo menéndez salmón.

128 págs. / 13,50 euros

368 págs. / 48 euros

Alfabia / 64 págs. / 5 euros

Y TÚ, DE MAYOR, ¿QUÉ QUIERES SER?

ocasiones

NO ME GUSTARÍA PALMARLA

La fe ciega de los padres nos dispara el ego a las alturas, y los manuales de autoayuda lo mantienen ahí, bien elevado. Sin embargo, y porque labrarse una nómina es un objetivo más que serio, Ortega Ibáñez se aleja de estas dos tierras peligrosas para subrayar esos aspectos que nuestros nervios borrarían. Qué buscar y cómo, presentaciones y entrevistas e —incluso— mantenerse tras conseguir el empleo soñado: punto por punto, claro y meridiano.

La arquitectura se vive y se ve. Ocasiones recoge el trabajo reciente de uno de nuestros más prestigiosos arquitectos; una fiesta que se remató con la instalación efímera (sólo cuatro días en septiembre) Occasional city. Un libro-rascacielos, desde la portada —de Pedro Pegenaute— a colaboraciones como las del cineasta José Luis Guerín, deteniéndonos en esas escaleras que son los proyectos, charlas y reflexiones de Mateo.

«Si yo fuera poeta / sería un borracho». Cerremos este libro con resaca y salgamos a la calle para vivir como su autor: en una barra, sobre un escenario. No me gustaría palmarla homenajea, más que a un artista, un estilo de vida que ilustran desde el más naíf Frédéric Rébéna al simbólico Jean-François Martin, y que traducen desde ilustres como Luis Antonio de Villena a jóvenes como Sofía Rhei, o los musicales Javier Krahe y Andy Chango.

David Ortega Ibáñez. Andamio /

josep lluís mateo. Actar /

174 págs. / 14 euros

220 págs. / 25 euros

boris vian. Demipage / 78 págs. / 24 euros


en VIÑETAS

por pedro botero

La vida es buena si no te rindes La merecida fama de La vida es buena si no te rindes va más allá del profundo impacto emocional que se desprende desde el título. El álbum, originalmente publicado en cinco volúmenes del fanzine PalookaTown, vía de escape para el trabajo de Seth, se convirtió en los primeros años noventa en una de las piedras fundacionales de lo que se dio en llamar slice of life («pedazo de vida»), un género que se caracteriza por relatar el cotidiano deambular de sus protagonistas, a la vez que autores. Pero al margen de su importancia estratégica para el devenir del cómic contemporáneo, La vida... alcanza aún hoy cotas mucho más altas que aquellos que lo toman como modelo, por su calidad gráfica y lo fascinante de su propuesta narrativa: el seguimiento del día a día de Seth a lo largo de los años en su búsqueda, por momentos imposible, de un dibujante olvidado de los muchos que pasaron por las páginas de la revista New Yorker. Ésa es la excusa argumental de la que el dibujante canadiense se vale para completar una parábola sobre el impacto del arte en la vida del individuo. Reeditado ahora en tapa dura (edición de lujo) por Sins Entido, ya no quedan excusas para no hacerse con él si es que aún no lo tienes en tu colección. Seth. Sins Entido / 200 págs. en bitono / 19 euros

skim

El muro: crecer tras el telón de acero

El despertar a la vida que supone la adolescencia es desde siempre uno de los grandes temas de la literatura. Pero los tiempos cambian y los jóvenes también. Skim odia a casi todos los que la rodean en el instituto, porque mientras ella viste con ropa de color negro y se interesa por el lado siniestro de la vida, sus compañeros celebran estúpidas fiestas de fin de curso. MarikoTamaki y Jillian Tamaki son primas, profesora de instituto una en Toronto y dibujante para el New Yorker la otra, y se presentan en sociedad con su primera obra, una inspirada radiografía de la juventud de hoy con un estilo a caballo entre el manga y la tradición indie americana.

El título es clarificador de lo que vamos a encontrar dentro: Peter Sís nos introduce en la Checoslovaquia comunista, en plena guerra fría, y nos describe a una sociedad y una juventud que se desvive por acercarse a los preciados tesoros de Occidente (la Coca Cola, los Levi’s, el rock’n’roll). En el aspecto gráfico, El muro juguetea con diversas disciplinas —el cómic, la ilustración, extractos de diarios casi novelados...— sin terminar de apostar claramente por ninguna. Algo parecido sucede con su estilo de dibujo, que va del naíf más absoluto al detallismo de Edward Gorey.

Mariko & Jillian Tamaki. La Cúpula / 148 págs. en blanco y negro / 18 euros

Peter Sís. Norma / 48 págs. en color / 16 euros

Rosalie Blum Recientemente comentábamos en estas páginas el Tamara Drewe de Posy Simmonds, un delicioso álbum en el que las pasiones, siempre subterráneas, se desarrollan en un apartado y aparentemente apacible paisaje de la campiña británica. Una sensación conocida, el primer trabajo de Camille Jourdy publicado en España y también el primero de su trilogía Rosalie Blum, parte de similares premisas: un hombre se encuentra atrapado en su soporífera vida en un pequeño pueblecito francés hasta que la aparición de una mujer perturbe totalmente su existencia. camille jourdy. La Cúpula / 128 págs. en color / 18 euros

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Por pilar sanz

el diseño en su justa medida stua madrid / estos muebles tienen premio Galardonados con el Premio Nacional de Diseño 2008, Stua han inaugurado una nueva sede en el centro de Madrid, un templo del interiorismo desde la concepción del propio espacio (de los arquitectos 3.14 Gestión y Arquitectura) a las diferentes piezas de mobiliario que se reparten armónicamente en la estancia. El punto de partida fue dotar al local de una personalidad discreta que otorgara el protagonismo a los muebles, verdadera razón de ser del estudio; además, se acompañan con exposiciones de arte como la de las fotografías de Aitor Ortiz, que estrenaron sus paredes. Luz, limpieza y un espacio diáfano en

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exquisita consonancia con las reglas del juego del diseño contemporáneo. Pero la diferencia de Stua es precisamente su manera de entender el diseño, pues definen su tienda como «un espacio donde solucionar problemas de decoración, donde decorar cualquier tipo de proyecto. Un lugar de encuentro entre arquitectos, interioristas y particulares». Los tres ejes de todas sus colecciones son la sencillez, la intemporalidad y el gusto por los detalles. Sus líneas básicas entroncan con el diseño escandinavo y se enriquecen con un toque mediterráneo que dota a las piezas de una personalidad reconocible. Otra

de sus apuestas es la combinación: cada mueble de Stua está pensado para conjugarse con el resto en una perfecta armonía y con muchas opciones diferentes. Esta ecuación de diseño integral, que el visitante entenderá nada más traspasar la puerta, y la permanencia de las formas han hecho que algunas de las creaciones de este estudio, fundado hace 25 años por Jesús Gasca (San Sebastián, 1939), se hayan convertido en clásicos. Las sillas Gas y Globus o el taburete Onda te están esperando en la nueva casa Stua. madrid. Cristóbal Bordiú, 52, esquina Modesto Lafuente. www.stua.com


au nome de la rose

cafés panchito

Al fin llega a la ciudad esta delicada firma francesa que lleva casi dos décadas especializada en una única variedad de flor: las rosas. En su local podrás encontrar todos los tipos imaginables de rosas, cortadas las 24 horas anteriores a que te las lleves a casa para que conserven toda su frescura. Además de ramos también se pueden comprar otros productos elaborados a partir de rosas como fragancias, velas, miel, chocolates, pétalos cristalizados, piedras perfumadas...

Colgado en una pared, un discreto cartel recuerda a los clientes que no se puede beber en el interior del establecimiento. Normal. Un delicioso aroma a café invita a quedarse allí dentro, pero la filosofía de este local es justamente la contraria. Aquí podrás encontrar toda clase de variedades para llevar y preparar en casa, o, también, para beber de paso, mientras recorres el casco viejo bilbaíno. Lo más solicitado: el café frappé.

madrid. Bravo Murillo, 11. Tel. 914 455 969. www.aunomdelarose.es

BILBAO. Lotería, 3. Tel. 946 557 295

big j’s burger

monki

Siempre fantaseaste con pedir un batido doble de chocolate, huevos revueltos y tortitas con sirope, y con que una camarera con delantal llamada Nancy te ofreciera más café recién hecho. Pues ahora puedes experimentarlo en el primer dinner americano de Barcelona, el Big J’s Burger. Decoración retro en un local de 150 metros cuadrados, selección de música de los cincuenta y una carta con una gran variedad de hamburguesas de calidad, tacos y alitas de pollo.

Local encantador donde los haya, lleva 7 años demostrando que es posible vestir de forma diferente. Repleta de modelitos, tanto de calle como de vestir, esta tienda se dedica a importar ropa de look urban, chic y vintage de lugares como Londres, Francia o Dinamarca para que sus clientes no pasen desapercibidos. Además, tiene una sección para niños de 0 a 4 años (Mini Monki), vende ropa de chicos, accesorios y dispone de una zona outlet todo el año.

barcelona. Carme, 74. Tel. 934 438 067

valencia. Calatrava, 11. Tel. 963 924 516

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+ complementos

envinarte

ah! ropa

Una vinoteca que nació con la idea de romper los corsés habituales en el mundo de la enología y acercar el gusto por el vino a la gente de a pie. Defensores natos de la relación calidad-precio, tienen caldos de entre 3 y 60 euros, aunque por encargo pueden conseguir casi cualquiera. Si necesitas que te asesoren sin presiones ni agobios o quieres hacer un regalo original (cuidan especialmente el packaging), éste es el lugar indicado. Destacan sus catas con la sumiller Teresa Almeid.

Desde que abrió sus puertas, esta tienda se ha perfilado como una ventana abierta a la creatividad, pues aquí confluyen las propuestas de más de cincuenta jóvenes diseñadores. Dedicada a la ropa y los complementos, apuesta por la originalidad, con objetos como los Amigurumis (muñecos de ganchillo en 3D). Los accesorios estrella de Ah! son piezas únicas, hechas a mano, y consiguen fusionar lo vanguardista con lo tradicional.

valencia. Serranos, 6. Tel. 963 913 930. www.envinarte.com

BILBAO. Carnicería Vieja, 18. Tel. 944 157 603

picnic

furla

Los responsables del Tupperware están detrás de este local que acaba de celebrar su primer aniversario. A diferencia de su bar hermano (un club malasañero de los de toda la vida), el Picnic está pensado como una acogedora cafetería para la tarde o un lugar donde huir de las masas al anochecer. También hay música, pero su especialidad es el directo, ya que por su recogido escenario tropical han pasado grandes del indie nacional a ofrecer su vertiente más acústica.

Furla, la famosa firma italiana nacida en 1927 especializada en piel, acaba de abrir en Barcelona la que es una de sus tiendas más grandes de Europa. El local, amplio y confortable, muestra toda la gama de colecciones de la marca milanesa: bolsos, zapatos, gafas de sol, joyas, relojes, la nueva apuesta de diseños de complementos para hombre (Furla Uomo) y también su apuesta por las novedosas ideas de jóvenes diseñadores, Furla Talent Hub.

madrid. Minas, 1. www.myspace.com/barpicnic

barcelona. Paseo de Gràcia, 59. Tel. 935 149 079


marula café

h&m

Música de raíces negras, buen ambiente y un diseño cuidado. Situado en el barrio gótico de Barcelona, abre todos los días para repartir buenas dosis de soul, funk, latinjazz, disco... hasta altas horas de la madrugada. Un club con una interesante programación mensual de DJ y grupos que respira modernidad sin sacrificar el ambiente cálido de los clubes de siempre. Para tomar una copa tranquilamente o bailar hasta quemar la suela de los zapatos.

El antiguo cine Avenida de la Gran Vía es, desde el mes pasado, una nueva sede de H&M con una atmósfera única. Se han respetado los elementos identificativos del edificio, construido en 1928, como la escalera de mármol o las espectaculares lámparas de araña. En este lujoso ambiente se pueden encontrar colecciones de hombre y mujer, incluso algunas que no están en otras tiendas de la marca, como Divided Exclusive y Man Trend.

barcelona. Escudillers, 49. www.marulacafe.com

madrid. Gran Vía, 37. www.hm.com/es

crapa pelata

nasei

Con más de 100 tipos diferentes de pizza para elegir, este restaurante hace las delicias de todo el que pasa por allí. Además de pizzas con una masa fina y crujiente, elaboradas con ingredientes italianos de gran calidad, tiene otros platos como ensaladas, entrantes y pastas. Y para poner el colofón a una rica comida no hay mejor elección que uno de los riquísimos postres típicos de Italia o una de sus pizzas dulces, como la de Nutella y mascarpone.

Este centro de estética ha apostado por lo natural, por el cuidado de los detalles... y por la belleza asequible. Como dicen sus jóvenes propietarias, concibieron el lugar pensando en los servicios que a ellas les hubiera gustado recibir en otros establecimientos. Por eso nadie tiene prisa y es posible permitirse un capricho sin maltratar el bolsillo. Con productos orgánicos, aplican decenas de rituales de belleza de distintas partes del mundo.

valencia. Del Mar, 3. Tel. 963 923 717. www.crapapelata.com

bilbao. Particular de Indautxu, 2. Tel. 944 394 915

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visiontour / Leandro Ramos y Laura Insa

«Ir en ‘segway’ es como planear sobre la ciudad» Laura y Leo han descubierto la manera ideal de hacer turismo. Gracias a ellos puedes conocer Valencia entera sin cansarte ni un poquito y divirtiéndote de lo lindo. Su empresa, Visiontour, aglutina todo esto y más, porque supone vivir una experiencia única y —como dicen ellos— «que engancha», montado en un segway. ¿Cómo empezó todo? Unimos un poco las inquietudes de ambos. Por un lado pensamos que los turistas cuando llegan a una ciudad lo que quieren

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es divertirse, y por eso elegimos el segway, que es muy fácil de manejar y a todo el mundo le gusta. Pero, además, al turista le interesa conocer los monumentos y la historia. Queríamos contarlo de forma original y decidimos crear nuestros propios vídeos, que se visionan en un DVD insertado en el manillar del segway. En ellos incluimos curiosidades como por qué se llama Valencia la ciudad o cómo son las Fallas. Así nadie se va de aquí, por ejemplo, sin haber visto una mascletá. ¿Qué dice la gente del segway? La verdad es que a todos les encanta, siempre quieren llevárselo a casa. Su manejo es muy intuitivo y enseguida se le coge el hilo. Hay clientes que han repetido porque les gusta la sensación, vas como planeando por la ciudad. Además no hay límite de edad, vienen niños a partir de 6 años y la gente mayor agradece no cansarse.

Por henar morocho foto poporo

También alquiláis bicicletas eléctricas. El segway es muy divertido, pero con él no se hace deporte. Con la bici abarcamos ese público al que le gusta más hacer ejercicio y a las familias con niños muy pequeños. El trato es bastante cercano Sí, los acompañamos durante todo el trayecto y eso hace que la conexión sea mayor. Nos preguntan dónde comer una buena paella, dónde ir de copas... De ahí y de que además hacemos despedidas de soltero y cumpleaños, surgió la idea de hacer el Tripack del Carmen, con La Huerta, La Botella y L’Ermità, nuestros vecinos de calle: por 55 euros se puede disfrutar de un pack de ocio completo para toda una tarde-noche que incluye una ruta en segway por los jardines del Turia, una cena y un cóctel. valencia. Obispo Don Jerónimo, 7. Tel. 961 336 919 y 692 665 020. www.visiontour.es


texto javier rada dibujos eneko

VUELTA ...

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... Y VUELTA

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