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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

Por Matías Libonati

Posgrado en Comunicación Visual FAPYD | UNA MIRADA AL ARCOIRIS DE LAS DISTOPÍAS


¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

Por Matías Libonati

Índice - Introducción: el futuro llegó hace rato……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… 2 ¿Un mundo feliz?......................................................................................................................................................................................................... 2 - El color de la revolución…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… 5 1984:un caso paradigmático……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….. 5 V de Vendetta, R de revolución (y de rojo)…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… 9 Fahrenheit 451: el color icónico y la trampa del inconciente……………………………………………………………………………………………………………………………….. 11 - La pesadilla tecnológica………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….. 13 Brave New World: los colores de la felicidad………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… 13 Blade Runner: el amor en tiempos del Ciberpunk…………………………………………………………………………………………………………………………………………………. 16 “Planet of the apes”, “Terminator”,” I, Robot”, “Minority Report”, “Total Recall”: azules y temibles futuros........................................................... 18 Metropolis: el mediador entre el diseñador y el destinatario debe ser el color…………………………………………………………………………………………………….. 20 - La muerte en forma de virus y la naturaleza de la condición humana……………………………………………………………………………………………………………………………… 22 I Am Legend y 12 Monkeys: vampiros artificiales y monos terroristas………………………………………………………………………………………………………………….. 22 A Clockwork Orange y Lord of the Flies: la ultraviolencia……………………………………………………………………………………………………………………………………… 25 - Bonus: Clases de razonamiento para la persuasión: algunos ejemplos…………………………………………………………………………………………………………………………….. 28 - Conclusiones finales…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………. 30

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es esta obra la que ha popularizado la temática, favorecida, paradójicamente, por el nuevo soporte tecnológico: el cine.

El futuro llegó hace rato. La ciencia ficción como género literario se ha caracterizado desde sus inicios por tener una cualidad cuasi-anticipatoria sobre el futuro cercano. Aciertos más, aciertos menos, es incuantificable cual ha sido el grado de injerencia que ha tenido la literatura y el cine de ficción sobre la vida “real” (queda abierta aquí la cuestión de que es lo real y que no lo es, tema recurrente en las obras más recientes del género) y cuales han sido los aportes en sentido contrario. Personalmente creo que la cuestión dista de ser unilateral y que más bien, fluye en ambos sentidos. Los principios del género tal cuál lo conocemos hoy (aunque en rigor de la verdad, estaríamos hablando de “género fantástico” y no de ciencia ficción ya que el término fue acuñado tiempo después) nos remonta al siglo XIX, en donde la imaginación de escritores como Mary Shelley, Julio Verne o H.G Wells, por nombrar solo algunos de los más importantes, parecía avanzar a una velocidad mucho mayor de lo que podía hacerlo la tecnología de la época. Deslumbrados por las maravillas que el mundo moderno ofrecía (sus vidas transcurrieron paralelamente a la segunda revolución industrial, lo que es hablar de pleno auge del positivismo) sus historias auguraban un futuro donde la imaginería y capacidad del hombre lo llevarían a descubrir un sinfín de nuevas posibilidades y donde la tecnología, esencialmente, haría de este un mundo mejor (mucho más en Verne que en Wells o Shelley, donde ya comienzan a vislumbrarse con claridad los peligros que entrañaba una sociedad con tendencia tecnócrata) Luego de la Gran Guerra, aparecerá el cine en su gran esplendor aportando una pieza ineludible en el género e iniciando lo que llamaremos el subgénero de las Distopías; es el análisis de las piezas de diseño gráfico persuasivas de este tipo de fábulas en las que se centrará el presente trabajo. Es cierto que existen obras anteriores que pueden considerarse dentro del subgénero mencionado, sin embargo personalmente creo que

La pieza en cuestión es la obra maestra de Fritz Lang; “Metropolis”. La película es uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán y no es casualidad que vea su aparición en el período de entreguerras, donde había quedado suficientemente claro (en especial para los alemanes) que los nuevos avances tecnológicos significaban, entre otras cosas, un gran peligro para la humanidad. La forma de la guerra había cambiado y ahora el nuevo armamento facilitaba la aniquilación del enemigo y de poblaciones enteras, hecho que quedará mucho más patente luego de la Segunda Guerra Mundial. Siguiendo la misma línea de paranoia ante el avance tecnológico y el proceso de deshumanización que ello acarreaba, en 1932 se publica una de las obras paradigmáticas del género: “Brave new World”, del escritor inglés Aldous Huxley.

¿Un mundo feliz? El término Distopía es usado frecuentemente como antónimo de Utopía, y si bien ambos refieren a sociedades hipotéticas, las Distopías tienen un carácter más bien negativo. Las Distopías suelen tener un fin didáctico, ocurren en un futuro no muy lejano, funcionan como un llamado de atención y casi siempre muestran una sociedad (que forzosamente debe ser la nuestra, de otra manera estaríamos hablando de Ucronías, por ejemplo “Star Wars”) que tiene una peligrosa tendencia hacía la utilización alienante de las nuevas tecnologías,

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a su implementación para fines bélicos, a la primitivización de sus miembros o que son gobernadas por regímenes despóticos y fascistas. Luego de los estragos causados por la Segunda Guerra, el comienzo de la Guerra Fría y la carrera armamentista entre los Estados Unidos y La Unión Soviética, los miedos que fueron sembrados en el corazón de la sociedad occidental dieron lugar para que este subgénero tomará un impulso definitivo y se intensificarán las obras que hacían alusión a las temáticas mencionadas. Lo absurdo de los mecanismos del poder ejercidos por el régimen Nazi durante la Segunda Guerra y por el régimen estalinista en la Unión Soviética, presagiados de alguna manera 20 años antes por Franz Kafka, fueron puestos en evidencia en la novela “1984” de George Orwell, “Fahrenheit 451” de Ray Bradbury y en el comic “V for Vendetta” del guionista Alan Moore y el dibujante David Lloyd, como así también en las películas homónimas; la paranoia ante las armas de destrucción masiva como la bomba atómica y las armas bacteriológicas quedará de manifiesto en “I Am Legend” de Richard Matheson y en la película “12 Monkeys” protagonizada por Bruce Willis, mientras que en “Lord of the Flies” y “A Clockwork Orange”, William Golding y Anthony Burgess respectivamente, trazaban un escalofriante retrato de la condición humana. Como temática más cercana en el tiempo, a partir de los increíbles avances en robótica y computación de los últimos 50 años, y habiendo cicatrizado en parte las heridas de la Segunda Guerra Mundial, reaparece lo que se puede denominar como tecnofobía, es decir, la incertidumbre que provoca el lugar que ocuparán las nuevas tecnologías en nuestras vidas futuras, temática que había sido constitutiva del género, y que si bien nunca se había dejado de lado, había cedido lugar ante la exploración de la condición humana y su relación con el poder. En este marco se inscriben las películas “Total Recall” protagonizada por Arnold Schawarzenegger,

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“Minority Report” protagonizada por Tom Cruise y “Blade Runner” protagonizada por Harrison Ford, todas basadas en obras del escritor Philip K. Dick, autor de culto en el género. También son destacables “Terminator” de James Cameron y “Matrix” protagonizada por Keanu Reaves. En este trabajo en cuestión intentaré encontrar un patrón de colores utilizados en las piezas de diseño gráfico de algunas de las obras mencionadas, como así también de otras que no he referido aquí. Las piezas a considerar serán en su mayoría afiches de cine o portadas de libros, aunque, llegado el caso, también puede aparecer alguna portada de comic, de DVD o de CD musical, considerando que, al ser la cara visible del producto que ofrecen, al igual que el afiche de cine y la portada de libro, funcionan también como piezas de persuasión. La hipótesis de la cuál partiré es simple. Teniendo en cuenta la definición de Distopía, es de suponer que predominará en las piezas de diseño una paleta más bien oscura, asociada con la muerte y la negatividad, y que se combinará con detalles en colores que connoten “futuro”, “avance tecnológico”, en cambió, cuando la temática de la obra analizada tenga tintes políticos el rojo será el color predominante. Esta hipótesis peca de ser bastante pobre o sencilla, ya que posee numerosos puntos débiles que la desacreditarían desde un principio. Entre ellos, aparece las distintas connotaciones (a veces contradictorias) que tiene un mismo color, lo que da a suponer que cada diseñador tomará para su pieza la que más se adapte a lo que quiera transmitir, por otro lado también esta el hecho de que queriendo crear nuevos cánones estilísticos o queriendo solamente romper con lo establecido en determinado género, se utilice una paleta completamente novedosa y “poco esperada” para una pieza, es decir, una suerte de doble ruptura isotópica: ruptura no solo de lo concebido en relación al mundo “real”, sino también de lo esperable en el

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género. A pesar de esto, debe considerarse a la hipótesis solo como un punto de partida que guiará y facilitará el desarrollo del trabajo hacia sus conclusiones finales. De esta manera, partiré de las premisas generales de acuerdo a lo planteado en la hipótesis, analizando piezas de distintas obras agrupadas bajo un mismo eje temático a la vez que se analizarán también diversos diseños que refieran a una misma obra (si es que los hay) para observar los distintos puntos de vista sobre el mismo tema Nota: los nombres de las obras referidas aparecen en inglés (que por otra parte es el idioma original con el cuál han sido publicadas) porque así lo harán en la mayoría de las piezas de diseño que serán analizadas. Es solo con el ánimo de no generar confusiones que lo hago, porque es bien sabido por todos que no siempre las traducciones de los títulos al español son traducciones literarias del original. Por poner solo algunos ejemplos, “Total Recall”, es conocida aquí como “El vengador del futuro” y “Brave new world” como “Un mundo feliz”. Estos son los casos que se alejan más del original, las demás son traducciones bastante fieles.

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El color de la revolución Comenzaremos con aquellas fábulas que tienen una marcada ideología política. En todas ellas se repite un patrón: un gobierno autoritario rige con mano dura a quien no cumpla con sus predicamentos absurdos. Se mantienen en el poder a través del terror y la manipulación mass mediática. La sociedad idiotizada y paralizada no encuentra respuestas (a veces, ni siquiera las busca) pero en medio de todo ello, un hombre (el protagonista de cada una de las historias) comienza a darse cuenta de la verdad, de que algo anda mal y empieza a gestarse la idea de cambio y revolución, que terminará con diversos resultados según la novela, comic o película que tratemos.

1984: un caso paradigmático La primer obra a analizar es “1984” de George Orwell, publicada en 1949. No es un dato menor la fecha de publicación, ya que, a pesar de que el año 1984 pertenece a nuestro pasado, cuando la novela fue escrita y publicada, el año 1984 asomaba como un futuro no tan distante. Este hecho se repetirá en la mayoría, sino todas, de las obras que analicemos. En esta portada de libro (Figura 1), donde se deja ver solo en parte un rostro humano, se presenta un desvío respecto de nuestra concepción del referente representado, es por ello que la consideramos alotópica. El recurso de la sinécdoque, la parte por el todo, el ojo humano por todo el rostro, será utilizado recurrentemente en las piezas de diseño que refieren a esta obra. Su explicación es sencilla: quiere significar la vigilancia constante a la que se ven sometidos los protagonistas y seres que habitan el mundo de la novela, vigilancia ejercida por el aparato del gobierno y que,

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en la mitología de la propia novela, representa la atenta mirada del “Big Brother” (“Hermano grande” o “Gran Hermano” según la traducción) que esta en todos lados y todo lo ve. También en el nivel de los recursos retóricos, opera una sustitución metafórica en tanto el color realista del rostro ha sido cambiado por rojo, que tiene implicancias netamente políticas. Hay que tener en cuenta no solo la época en Figura 1 la que fue escrita la novela sino también que su autor es un autor occidental y que la obra ha sido concebida también para el público occidental. Es decir, el rojo aquí representa comunismo, régimen antidemocrático, y esto puede deducirse así a partir del conocimiento de la ideología de George Orwell: es bien sabida la opinión que sobre el régimen soviético y en especial sobre Stalin tenía el autor, la que dejó muy en claro en su novela corta (o cuento largo) “Animal Farm” (Rebelión en la granja) El azul del iris del ojo, si bien parece no haber sufrido modificación alguna, es decir, que no presenta ninguna desviación en cuanto al referente concebido (los ojos azules son algo perfectamente normal entre los seres humanos) cobra relevancia a partir del contexto. Da la sensación de referir al futuro, un oasis rodeado de violencia de la cual se encuentra a salvo

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gracias a la ultra vigilancia y a la consecuente perdida de libertad (paradójicamente esta es otra forma de violencia). De esta manera estaría operando en ambos colores, rojo y azul, un doble sentido o polisemia en cuanto lo que quieren significar: rojo; relación a lo político, pero también violencia, azul; referencia al futuro pero también, en parte gracias a la forma circular que lo contiene y al fuerte contraste con el fondo que lo hace parecer suspendido sobre el espacio, el azul parece hacer referencia a que ese mundo es en realidad nuestro mundo, es decir, que los hechos que ocurren en la novela, por más inverosímiles que puedan resultar, ocurren en nuestra sociedad, en nuestro futuro. Por último, aparece el negro utilizado en la tipografía que hace aquí alusión a la oscuridad y tinieblas que envuelven a los protagonistas de la historia y a la misma historia en si. Aparece entonces aquí un hecho que será significativo en todas (o en la mayoría) de las piezas que serán analizadas, esto es el tono desde el cual nos habla el enunciador, el punto de partida, el ethos, que no es otro que el de la franqueza. Y esto es así porque el género al que se refiere lo requiere de esta manera. Es necesario que el destinatario del mensaje sepa que, si bien lo que va a consumir es ciencia ficción, que lo que allí ocurre no es verdad, bien podría serlo si no se toman ciertos recaudos, lo que equivale a decir que este tono de franqueza no apunta a otra cosa que a despertar las pasiones de quien recibe el mensaje (pathos), a despertar en él un sentimiento mezcla de espanto y reflexión, que solo se consigue a través de la credibilidad de quien expone el mensaje. Las dos piezas siguientes se enmarcan dentro de la misma premisa que la anterior, siguen hablando desde la franqueza y presentan diferencias con respecto a la concepción de los referentes utilizados. En la Figura 2 se mantienen las connotaciones del color rojo, la sinécdoque del ojo por todo el rostro también, aunque aquí parece funcionar de otra manera. Ya no parece referir al mundo del futuro, y si bien sigue significando la

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omnipotente visión del “Hermano Grande”, este ojo parece mas humano que el de la pieza anterior, no se encuentra envuelto por el contexto, parece despegarse de él (de hecho, esta enmarcado y la sombra aplicada da el efecto de levitación sobre el fondo) y más que una operación de metáfora parece una sustitución metonímica: el color Figura 2 del “mundo”, del contexto se transfiere al del rostro humano, que quiere huir de él, y aquí si opera una metáfora, que si bien es de índole literaria, está materializada a través del uso del color: el protagonista, digamos representado por el ojo, toma conciencia del estado de las cosas, se angustia, quiere cambiar, quiere “elevarse” por sobre el resto, pero no puede, se encuentra anclado a su realidad, el mundo circundante lo invade y no lo dejará escapar. Aparece también el blanco en la tipografía, pero responde más a una necesidad de legibilidad que a un recurso retórico en el uso del color. La Figura 3 es una pieza realizada por el popular diseñador gráfico Shepard Fairey, famoso por sus carteles políticos con ideología de izquierda. Este diseñador tiene un estilo muy personal el cuál aplica en casi todas sus piezas y se caracteriza por la

Figura 3

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excesiva ornamentación, el uso de no más de tres colores en tonos pastel y un marcado aire “retro” y político. Esta pieza en particular no escapa de estos parámetros. El ojo presenta cierta estilización, el negro predomina con su natural asociación a lo negativo, lo desconocido y tenebroso, el rojo lo complementa en pequeños detalles como las estrellas, que pueden remitir a la U.R.S.S como así también a la revolución (he aquí una ambigüedad sobre la cuestión de si el rojo en estos detalles aparece con valor negativo o positivo) o en grandes detalles como la tipografía del título o el recuadro que enmarca toda la pieza, de lo que se desprende que es la violencia lo que rodea a la obra. Toda la pieza presenta una casi imperceptible (y simulada) translucencia que deja entrever un fondo meramente decorativo como es característico en las obras de Fairey. Las siguientes piezas presentan un quiebre significativo en cuanto a las anteriores. La paleta cromática cambia casi completamente. La Figura 4 presenta una alotopía en cuanto al uso del color, predominan distintos tonos de azul y el negro. Puede considerarse que la operación retórica aplicada es una sustitución metonímica en tanto el color atribuido a la máquina operada por el humano es transferida hacia él debido a una relación de contigüidad, aunque también es cierto que desconocemos el color y la naturaleza de la máquina, por lo que considero más correcto suponer que lo que está resignificando la imagen es una operación de adjunción, más precisamente una aliteración, es decir, la repetición de un elemento cromático que en su reiteración evoca un sentido. Como sea, ya hablemos de metonimia o aliteración, a lo que remite el color azul es al futuro cuyo paradigma es el avance tecnológico. El ethos sigue siendo la franqueza, la desfachatez de mostrar sin tapujos en un mismo nivel al hombre y a la máquina, igualándolos de alguna manera a

Figura 4

Figura 5

partir del uso del color, con todos los aspectos negativos que ello implica. Es por eso también que esta operando el recurso retórico de la comparación. El blanco del margen superior parece intentar atenuar el efecto, funcionando de manera tranquilizadora. Si en la Figura 4 el blanco tenía una función tranquilizadora, en la Figura 5 ocurre exactamente lo contrario. Aquí el blanco es la vaciedad, la ausencia de algo (o de todo mejor dicho), el aislamiento y la soledad, esta operando una elipsis cromática, aunque no se sabe bien que es lo que falta, que es lo que debería ir en lugar del blanco(eso es lo que lo hace más inquietante). El tono sigue siendo, y más que nunca, el de la franqueza. Esta es una pieza bastante compleja a mí entender, a pesar de que a simple vista no lo parezca. Es difícil hablar de isotopía o alotopía y más aún de sinécdoque. Por una parte el referente que se nos viene a la mente es el

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ojo humano, como en las anteriores piezas, pero si así lo consideramos, no ha habido un cambio en el aspecto cromático: lo que es azul sigue siendo azul, lo que es negro sigue siendo negro y lo que es blanco sigue siendo blanco, pero ¿Es así como se ve un ojo humano? ¿Puede considerarse que esta operando una sinécdoque? No. Lo que está operando es una metáfora cromática y morfológica del ojo como así también una alegoría del mundo de la novela. El círculo negro, representa una pupila, pero es también el corazón oscuro del mundo y dentro de él, la tipografía con el título de la obra en color rojo, con todos los significados atribuibles a él. El azul representa el iris del ojo, pero también es el futuro, lugar-momento donde transcurre la historia. Se produce en él una gradación que va desde el centro hacia afuera, del azul más “puro” a una gradual incorporación del blanco que desembocará en la nada, en el blanco absoluto, es esto también una sutil aproximación a la mitología de la novela, donde lejos del centro del mundo y a medida que uno se aleja de él (el centro del mundo es concebido como todo lo que atañe al partido gobernante y totalizador en todos los aspectos de la vida), no existe nada.

Figura 6

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Figura 7

Por último, en una mirada general a la pieza y mucho menos analítica, lo que vemos es una expresión de terror, una mirada aterrada ante lo que se presenta delante de ella. Las dos piezas siguientes son afiches de la película realizada en el año 1984 (hay otra versión de 1956) y presentan muchas de las características antes mencionadas en cuanto a los usos retóricos del rojo, azul y negro, es decir se utilizan paletas simbólico-metafóricas que condensan la temática de la obra. Solo cabe destacar el hecho de que en la Figura 6 no hay desviación cromática en cuanto al referente, por lo tanto la consideramos isotópica (sin entrar en la controversia que significa considerar isotópicas imágenes que pertenecen a un mundo ficticio como el de una obra de ciencia ficción)

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V de Vendetta; R de Revolución (y de Rojo) “V For Vendetta” es una novela gráfica (una especie de comic pero con características de excelencia literaria y de publicación, entre otras cosas) de los autores ingleses Alan Moore y David Lloyd, que fue publicada a finales de la década de los 80 por Vertigo (una subsidiaria de la famosa editorial norteamericana DC Comics que se encarga de publicar material para un público maduro o adulto) y que recientemente ha tenido una adaptación cinematográfica (año 2006) con algunos cambios en la historia. La trama se centra en la cruzada de un misterioso personaje anarquista llamado V que utiliza una máscara con el rostro de Guy Fawkes (una especie de revolucionario inglés del siglo XVII muy popular en ese país) y cuyo único objetivo es la destitución del régimen totalitario de ultraderecha y fascista que ha ascendido al poder luego de que una guerra nuclear ha devastado gran parte del mundo. La historia transcurre en un futuro cercano (finales de la década del 90) donde el régimen se mantiene en el poder a través de la persecución policial y la manipulación propagandística.

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“V For Vendetta” tiene un marcado corte político y se nota la influencia sobre sus autores de obras fundamentales en el género como “1984” o “Fahrenheit 451”. Las piezas a analizar serán algunos afiches de promoción de la película. Las tres primeras piezas siguen la misma línea y son en si, tanto cromática como morfológicamente muy similares. La estética Figura 10 predominante corresponde a la de los afiches políticos y propagandísticos de las décadas de guerra y entre guerras (1910-1950 aproximadamente). En diferentes proporciones y con predominancia de uno sobre los otros dos (aunque parece destacar siempre el negro) se repiten en los tres afiches los mismos colores: el rojo, el negro y un beige (o sepia) de diferentes tonalidades. La repetición de estos tres colores (sobre todo rojo y negro) en su reiteración evocan los sentidos que comúnmente atribuimos a ellos. Se produce también en cada uno de los afiches una desviación de los referentes representados y esto se debe a que se busca el efecto de ilustración para simular la estética de los carteles de guerra y políticos de las décadas mencionadas (también ayuda el uso de una paleta acotada) En todos los afiches, el personaje V aparece completamente de negro haciendo alusión al manto de misterio e incertidumbre (desconocimiento sobre su verdadera identidad y pasado) que lo recubre en el transcurso de

Figura 8

Figura 9

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la historia, a su vez, también los ciudadanos aparecen en negro queriendo significar la oscuridad en la que viven al sometidos por el régimen. También el color hace de puente entre ellos y el personaje, ya que la película hace referencia constantemente a que V es una suerte de emisario de la voz del pueblo.

La paleta utilizada en estos tres primeros afiches es simbólico-metafórica, ya que si bien no alude directamente a la estética de la película, las significaciones de los colores utilizados condensan la variedad de temas que se abordarán y el clima que predomina a lo largo de ella. El tono elegido es nuevamente el de la franqueza.

En la Figura 8, el fondo donde aparece el Big Ben del Palacio de Westminster, el sepia en conjunto con el gran reloj y con el avance del pueblo sobre ellos, parecen querer decir que el régimen tiene las horas contadas, que será cosa del pasado de un momento a otro. La Figura 9 en cambio, con su predominancia de rojo sobre el sepia, quiere exaltar el sentido revolucionario y de subversión, de violencia y muerte con que está teñida la película. La Figura 10 parece ser una mezcla de las anteriores, el fondo rojinegro (sangre-muerte) es atravesado por “rayos de luz” con la leyenda “Freedom Forever” en un claro mensaje esperanzador.

El siguiente afiche (Figura 11) difiere bastante de los anteriores, tanto en su composición y color como en su significación. Se puede decir que es un afiche más tradicional en cuanto a lo que se espera de un cartel de cine.

En medio de todos estos elementos (V, la gente, el fondo) aparece la mujer, Evey Hammond, crucial en la historia del personaje principal y por lo tanto de la historia en general. Como vemos, aparece siempre en segundo plano después de V y en claro contraste con él, pero siempre se ve invadida (cromáticamente) por todo lo que la rodea. Es decir, existe una metonimia entre todos los elementos de la composición, pero no en un solo sentido, sino que es una retroalimentación constante y es esta una excelente alusión al mundo de “V For Vendetta”, donde todos los hechos que transcurren en la historia y en las sub-historias en las que se divide la trama, a pesar de parecer inconexos en un principio, refieren finalmente a lo mismo; son todas pequeñas piezas de un rompecabezas que es la historia principal, todo se ve afectado por todo, y es en el personaje de Evey Hammond , que en cierta forma es también el personaje principal, donde esta multiplicidad de eventos y sus efectos quedan patente.

Nuevamente predomina el negro de la figura principal, pero esta vez en contraposición a un fondo que va de blanco hacia un azul oscuro. Este cartel en particular alude mucho más a la estética de corte futurista con la que cuenta la película, a diferencia de las anteriores piezas, donde parecía reflejarse mucho más el ambiente que predomina en el comic (donde el aspecto futurista Figura 11 no existe, sino más bien todo lo contrario: se presenta un mundo totalmente decadente) El tono azulado y oscuro, mezclado con el reluciente brillo de las armas blancas de V y las tipografías rojas nos anticipan, junto con la amenazante figura del protagonista, mucho más que los otros afiches cuál será el tono de la película. Parece ser que las otras piezas se valían del recurso de hacer notar que se trataba de la adaptación de un popular comic a la pantalla

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grande y que este afiche es más representativo de lo que realmente ofrece la película. Considero que aquí la paleta cromática es más bien indicial-metonímica, que la imagen representada hace las veces de la parte por el todo, que los colores utilizados representan fielmente lo que se verá en la película, sin embargo el ethos sigue siendo el de la franqueza, ya que no se busca generar la tranquilidad y seguridad en el lector (a pesar de que el afiche funciona como un reflejo del mundo de la película) ni disfrazar la verdadera naturaleza de la película a partir de una paleta mas “amable” sino que se muestra con crudeza y sin disimulos los contenidos del film.

Fahrenheit 451: el color icónico y la trampa del inconsciente “Fahrenheit 451” es una de las fábulas distópicas por excelencia, de eso no cabe dudas. Lo que si cabe preguntarse es por su inclusión en este apartado donde nos referimos a obras de corte político. Si bien toda obra de este tipo implica una toma posición ideológica por parte del autor, y en este sentido son todas creaciones con implicancias políticas, es cierto también que a lo que nos referíamos con este tipo de clasificación es a la trama en si de la obra.

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otras fábulas, pero lo que aquí impera no es la figura omnipresente del gobierno como en “1984” o “V For Vendetta” ni el espíritu de revolución (que sin embargo está implícito en las acciones del protagonista) Para ser sinceros, sospecho que lo que me ha movido a incluir a “Fahrenheit 451” en este apartado es una inconsciente convicción de que en las piezas de diseño que se refieren a ella habrá una fuerte predominancia del color rojo que las emparentará con las obras ya analizadas. Debe estar actuando en mí la memoria primitiva, la asociación casi antropológica entre fuego y color rojo, ya que el argumento (y el título mismo de la obra) nos remite inmediatamente a ello. “Fahrenheit 451” hace alusión a la temperatura a la que arde el papel, su argumento básicamente cuenta la historia de Guy Montag, un bombero cuya brigada tiene la curiosa tarea de provocar hogueras y quemar libros en ellas, porque los libros obligan a pensar y pensar impide la felicidad de quienes lo hacen.

Si, en “Fahrenheit 451” hay un gobierno despótico. Si, también controlan a los habitantes a través de los medios, pero sin embargo uno tiene la sensación al leer la novela que la reflexión va por otro lado, a medio camino entre “1984” y “Brave New World”, pero más cerca de esta última. Se plantean aquí nuevamente los conceptos de subjetividad VS disolución en lo colectivo, reflexión VS superficialidad y otros tópicos tratados en

Figura 12

Figura 13

Figura 14

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En estas tres primeras piezas, mi prejuicio parece estar fundamentado. Predominan los colores con asociaciones directas al fuego como el rojo, el naranja y el amarillo, complementados con el negro y el blanco, yo no diría que aplicados con el objetivo lograr significados más allá de lo que se ve, sino más que nada fundados en una necesidad de diseño, es decir, de buen contraste, buena legibilidad. Se alude directamente al hecho de la quema de libros o de alguna manera al argumento de la novela. Por ejemplo, en la Figura 12 vemos al Quijote de la Mancha en llamas, en la Figura 13 una biblioteca completamente roja, aquí el color adquiere la connotación de lo prohibido, en la Figura 14, unos arabescos simulan el danzar de una llama.

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anterior. La paleta no se mueve de los cinco colores que aparecían en las primeras piezas: rojo, amarillo, naranja, blanco y negro. Las connotaciones siguen siendo las mismas. En las piezas que corresponden a la película, el negro parece tener una mayor participación, tal vez resaltando el carácter de negatividad que supone la sola mención de un futuro de semejantes características.

El uso de la paleta es mas bien simple, con asociaciones directas, impera la aliteración, la repetición de un color (o en este caso de varios colores que refieren a lo mismo) que evoca un sentido determinado. Es el uso del color de una manera mucho más icónica que en las obras analizadas, a excepción del caso donde rojo tiene el significado de lo prohibido. Nuevamente, y a riesgo de sonar reiterativo, el tono empleado es el de la franqueza. Agregaré más piezas que en mayor o menor medida, corroboran lo Figura 18

Figura 15

Figura 16

Figura 19

Figura 17

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La pesadilla tecnológica Dejamos atrás la revolución ideológica y damos lugar a otra revolución: la de la tecnología. El tema fundacional de las fábulas distópicas ha sido el del papel que las nuevas tecnologías ocuparían en la vida de las personas. Con distinto enfoques, la visión que se ha tenido sobre el asunto dista de ser optimista, y no sin algo de razón, ya que a la luz de los hechos, presenciamos día a día en los noticieros las aberraciones que provocan las armas de última generación en las guerras modernas, aunque también no es menos cierto que nos maravillamos (y estupidizamos a veces) con los avances o cambios que la ciencia nos ofrece en nuestra vida cotidiana y somos beneficiarios de las nuevas tecnologías aplicadas a la medicina. Las piezas que analizaremos aquí corresponden a obras donde el efecto de las tecnologías ha significado un cambio radical en los modos de vida en sociedad y en donde se reflejan las consecuencias que dichos usos y abusos podrían acarrear. Brave New World: los colores de la felicidad La novela narra las historias de diversos personajes que ocurren en Londres del año 632 D.F (632 Después de Ford) en una sociedad donde se da una inquietante paradoja: la gente, en efecto, es sumamente feliz, pero a costa de haber perdido muchísimas libertades (la filosofía, el arte, la literatura, la familia, la religión, entre otras cosas) Queda en el criterio de cada uno de nosotros la consideración de si se trata esto de una utopía o una distopía, aunque queda claro durante el transcurso de la novela que el autor se inclina por la segunda opción. Todos estos maravillosos logros han sido conseguidos gracias al desarrollo de la tecnología: las personas ya no nacen, no tienen ni padre ni madre en

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el sentido que conocemos, son incubadas a partir de unos pocos óvulos (lo que da como resultado una enorme cantidad de gemelos) en grandes fábricas donde se manipula su destino de acuerdo a su casta: Alfas, Betas, Gamas, Deltas y Épsilones. Luego serán condicionadas al método pavloviano durante toda su infancia para ser miembros activos (consumidores) y por lo tanto productivos para la sociedad, serán condicionados a no amar demasiado a ninguna cosa ni persona, a no realizar actividades de recreación solitarias ya que eso lleva a pensar y por lo tanto a la infelicidad, serán condicionados a la promiscuidad y a muchas otras cosas más, en definitiva, serán condicionados (y condenados) a la felicidad. Todo esto en el marco de un mundo híper tecnificado que ofrece todas las posibilidades de distracción y recreación para hacer de este un mundo feliz. Comenzaremos con estas tres piezas (Fig 20, 21, 22). Como se ve a simple vista, en ellas hay una predominancia de verde-azul y azul en las dos primeras y violeta en la tercera, acompañados de blancos y grises. También hay desviación de los referentes representados, no solo cromática sino también morfológicamente. La Figura 20 nos muestra la pesadilla de la seriación humana, 21 rostros humanos idénticos que hacen alusión la producción en masa de personas que, literalmente, son iguales. No solo son mellizos genéticamente, sino que su educación (condicionamiento) hace de cada uno de ellos un elemento más de un conjunto homogéneo. El efecto de similitud esta reforzado por una aliteración cromática que cumple el doble sentido (polisemia) de no solo hacer mas patente la relación de igualdad entre los rostros, sino también la evocación del mundo tecnológico que hace posible esta seriación (piénsese, por ejemplo, en el verde utilizado en toda la gráfica de la trilogía “Matrix”) y a su vez la afirmación de que esos rostros corresponden menos a humanos que a máquinas (alotopía cromática en relación a un rostro humano tal cuál lo conocemos)

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

Los colores complementarios aparecen no solo en un sentido estético (buen contraste y combinación entre unos y otros) sino que también es aprovechado el componente metafórico de cada uno de ellos: el azul

Figura 20

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es una suerte de metonimia que este connotando “futuridad” (diría Barthes) pero lo cierto es que, personalmente, creo que el diseñador no ha intentado incluir mensajes ocultos en el uso del color y ni siquiera en la composición en general (o al menos mensajes que puedan ser interpretados por mí en relación al mundo de la novela a la que se refiere la pieza) limitándose solamente a construir una correcta y atrayente portada de libro. Incluí a la pieza en el corpus de análisis exactamente por este motivo, por su ininteligibilidad aparente (aunque tal vez lo sea solo para mí) en cuanto a sus significaciones, para hacer patente el hecho de que a veces los diseñadores solo responden a cuestiones estéticas y de gustos personales en la realización de un trabajo, dejando de lado o sin tener demasiado en cuenta las potencialidades retoricas de cada elemento de la composición.

Figura 21

aludiendo al mundo del futuro, el negro, al trasfondo oscuro que se esconde detrás de esta nueva sociedad y el gris haciendo referencia a la falta de “vida” que supone la aniquilación de la subjetividad (gris en contraste a los colores cromáticos como verde, rojo, amarillo, que no aparecen aquí, pero que en el imaginario popular representan la vivacidad y lo pasional al estar relacionados con la naturaleza, en oposición al gris más emparentado con la ciudad y sus estériles edificios, lo inanimado, etc.) La Figura 21 es bastante inexplicable para mí en cuanto a sus significaciones. Ignoro el año de su realización, pero por la estética intuyo que corresponde a los años 30. Predomina un azul oscuro mezclado con otro azul aún más oscuro, contrastados ambos con el blanco de las tipografías y otros detalles. Uno está tentado a decir que lo que opera aquí

La Figura 22 retoma la temática de la seriación humana. El violeta que predomina, cercano en el círculo cromático al azul, parece querer referir lo mismo que él, es decir, el mundo del futuro (metonimia) Se produce una gradación (gradatio) entre este color y blanco, que da como resultado el blanco absoluto. El blanco es la nada, el vacío, es el ser humano despojado de todo lo que lo convierte en humano, que es de alguna manera el tema central de la novela. Cuando la gradación esta dada entre un color cualquiera y blanco, esto puede interpretarse como que en realidad se produce una variación de “algo” hacia la “nada”, entonces Figura 22

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

estaríamos en presencia de una elipsis cromática, es decir, entender el blanco como la ausencia de color (aunque solo signifique ausencia de tinte, este es comúnmente entendido como el color en sí)

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una sensación de felicidad absoluta (Figura 26): en la novela, existe una droga suministrada por el gobierno (denominada “soma”) de cuyo consumo se dice “medio gramo combate hasta diez pensamientos tristes”.

Las Figuras 23 y 24 refuerzan algunos conceptos ya explicitados: los tonos de azul y violeta como connotadores del mundo futuro y la mención a la producción artificial de seres humanos. La Figura 23 es la caratula de un disco donde el mismo autor narra la obra mientras que la Figura 24 corresponde a la portada del CD de la banda Iron Maiden que toma el nombre y los conceptos de “Brave New World”.

Figura 25

Figura 23

Figura 26

Figura 27

Figura 24

Las siguientes piezas se separan en gran medida de las anteriores en cuanto al uso del color. No creo necesario su análisis, ya que el color en si mismo no es un aspecto en ellas que tenga un significado en particular, tan es así, qua a veces hasta resulta arbitrario (Figuras 28 y 29) o responde solo a cuestiones puramente estéticas. La temática nuevamente alude a la seriación humana y a la “mecanización” de las personas, pero se agrega también un nuevo tópico como la referencia al uso de drogas para lograr

Figura 28

Figura 29

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Blade Runner: el amor en tiempos del Ciberpunk “Blade Runner” es una película de 1982 dirigida por Ridley Scott y basada libremente en la novela “Do Androids Dreams Of Electric Sheeps” del escritor norteamericano Philip K. Dick. Es una obra de culto en el género de la ciencia ficción e inaugura el subgénero denominado CiberPunk, caracterizado por la alta tecnología del mundo que representa, el hacinamiento en grandes urbes y el consecuente bajo nivel de vida de sus habitantes. Enormes ciudades oscuras, iluminadas solo por los inmensos carteles con luces de neón de las corporaciones multinacionales y superpobladas de personas de bajos ingresos son el escenario habitual de estas historias, que parecen ser parábolas de las sociedades postmodernas. La película transcurre en una distópica ciudad de Los Angeles en el año 2019, donde, en este mundo ficticio, el hombre ha logrado construir a partir de sus conocimientos en ingeniería genética unos seres llamados Replicantes, que se asemejan en gran medida a los humanos, solo que cuentan aparentemente con la incapacidad de producir respuestas emocionales. Estos Replicantes fueron creados solo con el propósito de realizar trabajos forzados para el hombre, pero luego de que realizaran un violento motín, son declarados ilegales y perseguidos por un grupo especial de la policía denominado “Blade Runners”. Un pequeño grupo especialmente peligroso de Replicantes anda suelto, y el detective Deckard (un retirado Blade Runner) será el encargado de dar cuenta de ellos. En el transcurso de su cruzada, el detective conocerá a Rachel, de quien se enamorará y luego descubrirá que ella también es un Replicante, dejando de esta manera un montón de cuestiones filosóficas a considerar, como es costumbre en las obras de Dick. La primer pieza (Figura 30) resulta a mí entender la más representativa de la atmósfera y de las significaciones que se recrean en la película. En ella,

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también se presentan de manera fehaciente la diversidad de sentidos con que cuenta la trama: la paleta cromática funciona como una condensación metafórica de elementos que sustituyen al film. Más allá de que el color de las figuras humanas no presenta desviación en cuanto al referente concebido, la multiplicidad de sentidos que agregan los colores que componen la pieza conforman una alotopía. El negro como trasfondo, es la Figura 30 ciudad de la que hablábamos: oscura y atemorizante. El azul y el rojo la iluminan, son las luces de neón de los carteles que pueblan las calles. Ambos funcionan metafóricamente, al referir al futuro y a la violencia con que está teñido, respectivamente. A su vez están relacionados metonímicamente con las figuras que lindan con ellos: el azul cubre los rostros de los Replicantes significando su naturaleza artificial y tecnológica, en cambio, Rachel, también Replicante, esta cubierta por el rojo, aludiendo a la pasión que se despierta entre ella y Deckard. En medio de todo eso, el detective Deckard, el humano, se ve afectado por ambas cosas. Abajo, el amarillo, parece tener un papel de equilibrio en la composición, pero también nos está hablando de la luz natural, de lo orgánico (más allá de que objetivamente, el amarillo no sea el color más asociado con estos valores), de los sentimientos que aún afloran en medio de ese mundo sintético.

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Los signos de alfabetos orientales que pueblan la composición (chino, japonés, coreano… lo ignoro) remiten a las grandes urbes como Shanghai o Tokyo, superpobladas y multiculturales.

Figura 31

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Los colores se asemejan al constructivismo ruso, al cartel político, rompe totalmente con las convenciones del género, pero aún así, alude directamente a la película que representa. La saturación de elementos, su superposición, remiten al hacinamiento de la ciudad de Los Angeles del futuro. Los caracteres orientales cumplen la misma función que en la Figura 29, la abundancia de rojo (aliteración) genera una asociación inmediata con: Unión Soviética-comunismo-China lo que es decir, sociedades extrañas desde el punto de vista occidental, siniestras, violentas y autoritarias. También, la alusión a China es una alusión indirecta a su población y sus grandes y superpobladas ciudades como Pekín (Beijing) o Shanghái. En conjunto, la combinación de colores que, como habíamos mencionado, se asemeja a la paleta utilizada en el constructivismo ruso, le dan a la pieza un aspecto retro que es una de las características del diseño postmodernista y de hecho, la película en si es toda una obra de culto de la cultura postmodernista, por lo que la relación entre ambas producciones (película y afiche) dista de ser simple, sino que entraña cierta complejidad.

Figura 32

La Figura 31 nos muestra un mundo futurista más clásico, con sus rascacielos Hi-Tech y sus autos voladores. Poco que decir en cuanto al color, predomina un clima hostil representado por la abundancia de negro. Esta pieza remite más a la estética misma de la película, como una parte por el todo, es decir una relación sinecdóquica entre el afiche y su referente fílmico. Ahora, haré un poco de trampa, consideraré que hablamos en este afiche de una isotopía en cuanto al referente, porque los referentes serán los afiches de películas de ciencia ficción y esto es justo lo esperable de un afiche de ciencia ficción. ¿Por qué hago esto? Porqué la Figura 33 es un excelente ejemplo de alotopía en cuanto al referente que hemos designado.

Figura 33

Figura 34

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

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Las piezas restantes se ajustan más a lo esperable en el género. Abundan los colores oscuros, negros, azules y rojos, con las significaciones de siempre. La Figura 36 se asemeja más tal vez, a lo que veníamos viendo en los carteles de la película.

“Planet of the apes”, “Terminator”,” I, Robot”, “Minority Report”, “Total Recall”: azules y temibles futuros.

Figura 35

Figura 36

Las Figuras 33, 34, 35 y 36 pertenecen la novela “Do Androids Dreams of Electric Sheeps” en la cuál fue inspirada libremente el guión de “Blade Runner”. No considero pertinente (ni honesto, ya que no he leído la novela todavía) el análisis en profundidad de estas piezas, solo marcar algunos puntos de interés. La Figura 33 hace referencia directamente al titulo que da nombre a la obra. La paleta cromática es isotópica ya que lo elementos que componen la pieza no presentan una desviación del color en cuanto al referente que aluden, a excepción, tal vez, del androide (aunque las consideraciones de cómo puede verse un androide son diversas y corresponden a la imaginación de cada uno) Este inusual uso isotópico del color dentro del género ciencia ficción esta emparentado directamente con el ethos, que a diferencia de lo que veníamos observando, no es el de la franqueza, sino el de la simpatía, usado casi irónicamente ya que, a pesar de no haber leído la novela, no creo que la trama y las sensaciones que genere estén demasiado apartadas de lo que transmite la película.

Las piezas que siguen corresponden a las películas mencionadas. Todas refuerzan los conceptos sobre el azul como paradigma del futuro híper tecnificado, los tonos oscuros y grandes superficies de negro. También aparecerán colores como el gris, que no se había presentado con tanta frecuencia anteriormente, pero que remite también al futuro, por su asociación directa con los metales. El rojo aparece como complemento en muchas de las piezas, no solo por sus significaciones en cuanto a la violencia, sino también porque resulta un buen contraste para los tonos oscuros que dominan.

Figura 37

Figura 38

Figura 39

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

También aparecerá el blanco en pequeños (grandes) detalles como la tipografía, que ayudará tanto a mejorar la legibilidad, como a lograr un buen balance de claros y oscuros. En definitiva, a conseguir una buena composición de diseño gráfico.

que supone la digitalización de la vida, el imperio del microchip.

Figura 46

Figura 40

Figura 41

Figura 42

Solo la Figura 44 se despega de este uso del blanco como complemento. En ella, el blanco, metafóricamente remite a otro paradigma del futuro (tal vez, también del presente) que es, no solo los viajes espaciales a los que refería el azul, sino también la esterilización de la humanidad, la asepsia

Figura 47

Figura 44

Figura 48

Los afiches de la nueva versión de la película “Planet of the Apes” no vienen más que a corroborar la tendencia hacia la utilización de azules y grises en este tipo de aventuras. Aunque como puede apreciarse en las Figuras 49, 50 y 51 (dos correspondientes a “Planet of the Apes” y una a “I, Robot”) a veces se recurre a la utilización del rojo, en un pleno casi total que nos habla de lo terrible de estos mundos que se nos presentan, dejando en un segundo plano la noción de tiempo futuro en que ocurren estas historias (hay que recordar que en “Planet of the Apes” no se hace mención a este hecho, solo recién al final de la película uno puede enterarse de que se trata no de un planeta lejano y extraño, sino de nuestro planeta Tierra muchos años en el futuro). Figura 49

Figura 43

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Figura 50

Figura 51

Figura 45

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Metropolis: el mediador entre el diseñador y el destinatario debe ser el color.

“Metropolis” es una película dirigida por Fritz Lang, que vio la luz en el año 1927. Es considerada uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán. La trama nos lleva a una distópica ciudad futurista (año 2026) llamada “Metropolis”. Esta ciudad esta dividida en dos estratos: en la superficie se encuentran los intelectuales, los que piensan el mundo, viviendo en maravillosos rascacielos. Debajo de la superficie, se encuentra la ciudad de los trabajadores, que operan las máquinas que mantienen con vida ambos niveles de la ciudad, pero viven en un hacinamiento constante, en la alienación producida por los repetitivos y agotadores turnos de 10 horas de trabajo.

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Las piezas de diseño que corresponden a la película, tienen más de arte que de afiche. En todas ellas opera una alotopía desde el momento que se tratan de ilustraciones sobre un mundo ficticio, del que solo podemos conocer lo que se nos presenta.

Figura 52

Figura 53

Figura 54

Freder, el hijo del creador de Metropolis, vive en la gloria, en la superficie, rodeado de todos los lujos posibles, pero se enamora de una joven trabajadora llamada María y la sigue al inframundo, donde es testigo de las condiciones en que viven los trabajadores. Esto cambia su manera de ver las cosas.

La Figura 52 nos muestra en primer plano el “machine-man” que luego tomará la forma de María y será disparador de todos los conflictos que se suceden en la película. En otras palabras, las máquinas son en gran medida las protagonistas de la historia.

Su padre, al enterarse de esto y de ciertos planes de rebelión de los trabajadores, urde una estrategia en donde un “machine-man” (hombre máquina) idéntico a María, creado por el científico Rotwang,, la reemplazará e instará a la rebelión violenta de los trabajadores. De esta manera podrá reprimir salvajemente a los trabajadores y recuperar a su hijo. Pero no cuenta con que Rotwang tiene sus propios planes de venganza hacia él, por un amorío que tuvo con su esposa Hel, que dio como fruto a Freder.

El expresionismo como deformación de la realidad, aunque sea solo para ponerla en evidencia, parece ser también el camino elegido para la gráfica de este afiche. La tipografía primitivista y rústica es un buen ejemplo de ello. La aliteración producida por la repetición del amarillo ciertamente evoca un sentido, aunque no se sabe bien cuál. Tal vez remite a las obras de Van Gogh, artista que influenció largamente al expresionismo, y en cuyas obras el amarillo materializaba sus febriles pesadillas y cobraba el valor de la sustancia de la que se componían sus sueños.

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Otra significación que podría cobrar esta repetición de amarillo-dorado, más simplista y tal vez más cierta, es su asociación icónica con el oro, y a la vista de lo que muestra el afiche, es decir los rascacielos, la parte elegante de la metrópolis y el androide, esto bien podría ser así. Ignoro si se trata de una operación metonímica que aluda al mundo del futuro porque simplemente no tengo conocimiento sobre cual era el paradigma del futuro en aquella época. La Figura 53 parece ser más simple. El rojo predomina aquí y bien sabemos que el rojo es asociado a las clases proletarias que protagonizaron la revolución bolchevique. Pero también lo es a la energía (polisemia). El obrero sosteniendo sobre sus espaldas la gran ciudad con la fuerza de su trabajo físico es una metáfora fácilmente descifrable para cualquiera. La Figura 54 es acaso la que más se asemeja a la idea que tenemos de afiche de cine. No parece reconocerse en él la implementación de figuras retóricas. Tal vez solo la utilización del blanco como representación de la iluminación que emerge de la gran ciudad como símbolo del progreso, como algo positivo. Para comprender esto, hay que señalar que, a pesar de considerarse una fábula distópica, el film deja el claro mensaje de que las máquinas y el progreso tecnológico no deben demonizarse bajo ningún concepto, ya que proveen numerosas ventajas al ser humano y en gran medida este depende de ellas, y solo de él depende su buena o mala utilización. De allí la frase que da sustento a toda la película: “el mediador entre las manos y la mente, debe ser el corazón”, en referencia a la relación que debe existir entre los creadores, empleadores y dueños de los medios de producción y los obreros que operan las maquinarias (¿Ideología socialista, comunista?)

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La muerte en forma virus y la naturaleza de la condición humana

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caso extremo de solo contar con el titulo que identifica a la obra y el nombre del protagonista como puntos en común entre ambas versiones (me refiero a la última adaptación, protagonizada por Will Smith)

Cerraremos con los dos últimos tipos de fabulas distópicas. En primer lugar tenemos aquellas en que la raza humana corre severos riesgos de extinción a causa de sus experimentos bacteriológicos. Virus que se expanden a lo largo y ancho de la faz de la Tierra, devastando todo a su paso son los principales enemigos de los pocos seres humanos que quedan para afrontar la aniquilación. Por otro lado están aquellas historias que reflejan el revés de las personas, aquello que esta oculto a la vista común, pero que aflora bajo determinadas circunstancias develando la verdadera cara del ser humano. Por supuesto que las circunstancias propicias son en todos los casos sociedades donde las reglas de convivencia han sido alteradas por distintos motivos, a veces explicitados, otras veces no, donde se potencian los más primitivos instintos de los protagonistas. Figura 55

Figura 56

I Am Legend y 12 Monkeys: vampiros artificiales y monos terroristas “I Am Legend” es una novela escrita por el estadounidense Richard Matheson publicada en 1954. L a trama nos transporta a un futuro cercano (año 1976) en donde un misterioso virus ha infectado a toda la población humana transformándola en seres extraños que presentan las características de los míticos vampiros. Un solo hombre parece ser inmune a este horror: él es Robert Neville, el último hombre vivo sobre la tierra. La película cuenta con numerosas adaptaciones al cine, aunque ninguna respeta fielmente los acontecimientos ocurridos en la novela, llegando al

Las dos primeras piezas son muy similares entre si. Ambas presentan en proporciones casi idénticas una combinación entre negro, rojo y blanco que remiten a las significaciones más primitivas asociadas a ellos: la inquietud, el inminente peligro. El blanco aparece en combinación con el negro dando el efecto óptico de gris en las ilustraciones de la portada. Se puede hablar de alotopía ya que las ilustraciones se desvían de nuestro marco referencial al aparecer acromáticamente. Esta elipsis cromática adquiere significación ya que (una posible interpretación) esta faltante en

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las ilustraciones (sumado a su estilo de dibujo) pueden remitirnos a grabados de la edad media donde la creencia en estos seres mitológicos estaba fuertemente afianzada. La franqueza sigue siendo el Ethos elegido, como en casi todas las piezas del género. Distintos son los casos, aunque no tanto, de las Figuras 57 y 58. Rojo, negro y blanco (a esta altura ya estamos en condiciones de decir que casi

Figura 58

aseguran un diseño legible y correcto) hacen su aparición nuevamente, aunque en diversas proporciones. Lo que hay que llamar la atención en estas dos piezas es el uso del color verde-amarillo que metafóricamente, y dado el contexto, es decir la trama de la historia y las imágenes que pueblan la portada, remite al aspecto que toman los cuerpos en descomposición (nótese que en otro contexto, como sucede en “Matrix”, por ejemplo, este mismo color refiere a cosas totalmente distintas) La repetición sistemática de este color (aliteración) evoca a la muerte, que rodea en todo momento al argumento de la novela. Figura 57

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La otra historia pos-apocalíptica es “12 Monkeys”, película filmada en 1995 por Terry Gillian y protagonizada por Bruce Willis. En ella, la raza humana nuevamente enfrenta la aniquilación a causa de un virus. El exterior se hace inhabitable para los hombres, que ahora viven en sociedades subterráneas (año 2030 aproximadamente). Ante este presente abrumador, el presidiario James Cole (Bruce Willis) es enviado en una dudosa máquina del tiempo hacía el pasado, al año donde se cree que el grupo terrorista denominado “12 monos” ha diseminado el virus, en busca de información que haga posible la erradicación del mismo en el presente. La máquina falla dos veces enviando a Cole a distintos momento de la historia, creando complejas paradojas temporales y trastornando sobremanera al protagonista, que comienza a preguntarse si realmente no esta loco por creer que viene del futuro a recolectar información sobre un virus que posiblemente no exista (él ya había sido informado en el futuro – su presente en realidad- que detener la infección era imposible – cambiar el pasado lo es- y que solo debía limitarse a recopilar información)

Figura 59

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Los afiches de la película son bastantes convencionales, no tanto para lo que pueda esperarse de una película de ciencia ficción, sino para lo esperable en cualquier film: solo se quedan en la presentación de sus protagonistas en primer plano y en el titulo de la obra. La Figura 59 es acaso la más interesante de las dos, aunque no la más vistosa. En ella se produce una alotopía al presentarse a los personajes en grises, haciendo alusión metonímicamente al pasado donde transcurre la historia, complementan el rojo, negro y blanco. El rojo como sustitución del ojo del protagonista es una referencia al futuro (por ejemplo, recordar películas como “Terminator” donde el robot que provenía del futuro tenía ojos rojos) La Figura 60, no presenta alotopía, no hay una desviación en el referente preconcebido. No hay nada que destacar en este afiche, es completamente convencional y no responde a los paradigmas del género.

Figura 60

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por si mismo, sin responder a las leyes del razonamiento y la voluntad.

“A Clockwork Orange”, “Lord Of the Flies”: la ultraviolencia A grandes rasgos, “A Clockwork Orange” (novela publicada en 1962, escrita por Anthony Burgess) cuenta la historia de un joven llamado Alex que lidera una banda de delincuentes muy violentos. Traicionado por sus amigos, Alex es atrapado y encarcelado. Voluntariamente, con la promesa de por medio de ser liberado antes de tiempo, se somete a un experimento aun en fase de pruebas, que promete librar al mundo de la violencia. El experimento en cuestión es un feroz condicionamiento que hará que al pensar Alex en cometer actos violentos o al escuchar a Beethoven (su favorito) un intenso e insoportable dolor lo paralice casi por completo. El nombre de la obra, “La naranja mecánica”, deriva justamente de este hecho: convertir algo tan vivaz y “jugoso” como es la vida humana (representada por la naranja) en un mero ser que actúe mecánicamente

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Figura 63

En las piezas de diseño de esta obra, ocurre algo similar a lo que pasaba con “Fahrenheit 451”, la utilización del color es más bien icónica refiriendo directamente, en este caso, al título de la obra. Es decir, el color naranja, es el que predomina en casi todas ellas. En la Figura 61 es donde este hecho queda reflejado patentemente.

En la Figura 62, el blanco cobra mayor protagonismo, observamos una alotopía al presentarse el rostro humano (en una relación de parte por el todo) en un color diferente al concebido, la metáfora del desmembramiento, que corresponde tanto a la forma como al color, hace referencia por una parte a la fragmentación que se produce en el protagonista al ser condicionado a, por ejemplo, sentir dolor ante algo que tanto ama (como la música de Beethoven) Por otro lado refiere a la naranja, en tanto fruta, y al efecto de jirones que se produce al descascararla (polisemia). En la Figura 63 el negro hace finalmente su aparición, pero aún el protagonista principal es el naranja de las flamas. La operación retórica Figura 61

Figura 62

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aquí es el quiasmo, donde las flamas vienen a reemplazar la parte superior del rostro, produciéndose así un cambio significativo en el sentido.

Figura 64

Figura 65

La Figura 64 corresponde a la versión cinematográfica de 1971 dirigida por Stanley Kubrick. Parece querer despegarse de las portadas de libro. En ella predomina el blanco, la figura de Alex está teñida de naranja, por lo que hablamos de una alotopía. No presenta otras características destacables. En cambio, la Figura 65 es un caso interesante y bastante extraño en el género. Un excesivo colorido, la ausencia de color naranja (que solo parece estar sugerido por el abundante uso de rojo y amarillo) y la asimilación de cierta estética de la película (como el mini bombín y la pintura del ojo que se asemeja un engranaje) son sus señas particulares. El ethos aquí parecer ser el de la simpatía

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“Lord Of the Flies” (1954, William Golding) nos presenta la historia de un grupo de niños que por causas que se desconocen (se supone que escapan de la guerra) naufragan en una isla. Sin la presencia de ningún adulto deben ingeniárselas para sobrevivir y organizarse de la mejor manera posible, pero a la larga descubren que ante la falta de una sociedad con reglas que los contenga, el costado más salvaje es el que termina prevaleciendo. Los protagonistas principales, Ralph, Piggy, Jack Merridew, Simon y Roger representan distintos aspectos de la sociedad. Las primeras tres piezas corresponden la portada del libro y presentan diseños bien distintos. La Figura 66, más allá de la saturación de los colores, la consideraremos isotópica, ya que se ajusta muy bien a los referentes que representa. Aparentemente no presenta operaciones retoricas, se vale en todo sentido del ethos de la franqueza al mostrar a uno de los niños (se presume Ralph, por su rubia cabellera) enmarañado y casi convertido en uno mismo con la selva. Predominan colores asociados a la naturaleza, como el verde, el amarillo, el naranja, en conjunto con el negro del fondo, que le da un tono solemne y nada juguetón a la obra, a pesar de tratarse de niños los protagonistas. En la Figura 67 si hablamos de una alotopía en cuanto al referente. La presentación en grises de los niños viene a mostrar el revés de sus personalidades. En la sociedad de la que provienen (Inglaterra) eran niños educados, muchos de ellos pertenecientes a un coro. Niños de entre 6 y 13 años de edad, una época que es generalmente representada por la abundancia de colores (infancia = felicidad = multitud de colores) Estos niños se transforman en sanguinarios cazadores y autoritarios y salvajes líderes. El color naranja que aparece como complemento también alude a esta primitivización de la vida, donde la obtención del fuego se convierte en algo elemental en la supervivencia y en un elemento que desatará numerosas disputas a lo largo de la historia.

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La novela se convirtió en una lectura obligada en las escuelas al tiempo de su publicación. Tal vez esto explica el diseño de la Figura 68, mucho más ameno que los anteriores. En él se observan dibujos a la manera de los que se encontraban en las cavernas, en alusión hechos de la vida primitiva, como la caza de animales y la obtención del fuego. Los colores son alegres y aparecen en gran multitud, aunque el rojo que predomina nos recuerda de alguna manera que la trama de la historia tiene cierta densidad. La Figura 69 corresponde a la película de 1990 dirigida por Harry Hook, en ella los colores de la noche salvaje predominan, no dando lugar a otro sentido que no sea el de peligro, muerte y destrucción.

Figura 66

Figura 67

Figura 68

Figura 69

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BONUS: Clases de razonamiento para la persuasión: algunos ejemplos. Figura A Clase de razonamiento: argumentación inductiva, ya que se presenta en primer lugar los rostros de los actores que componen el reparto de la película, dejando en un segundo plano, el argumento o la temática del film. Es la clase de argumentación que menos esfuerzo requiere del destinatario, que con solo ver una figura reconocida (que tal vez admira, o que al menos conoce su fama y su prestigio en el mundo del cine) en el afiche, logra

Figura A

Figura B

Por Matías Libonati

traspasar esos valores a la película que refiere.

Figura B Clase de razonamiento: argumentación deductiva, la aproximación al verdadero sentido del mensaje requiere una interpretación más compleja. Parte del entimema de que los seres que se muestran en la imagen están muertos, hecho que puede deducirse por el color cadavérico que ha adquirido su piel. La premisa mayor es que los cuerpos en descomposición adquieren una

Figura C

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

Por Matías Libonati

tonalidad verde-amarilla. La premisa menor es que los seres que pueblan la novela están muertos ya que tienen esa característica en la piel. De esta manera se accede al verdadero sentido de la pieza que es presentar una de la características de la historia que refiere, para que de esa manera, el destinatario pueda saber que es lo que le espera en ella.

Figura C Clase de razonamiento: argumentación abductiva. Se expone un caso particular con un rasgo también particular, en este caso, la utilización del color azul y negro de manera metonímica. La regla universal que subyace dicta que este tipo de combinación cromática alude a películas de ciencia ficción ambientadas en sociedades futuristas e híper tecnificadas.

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¿DE QUE COLOR ES EL FUTURO?

Conclusiones finales Dada la hipótesis planteada al comienzo del trabajo y su refutación solo unas líneas después, estamos en condiciones de aseverar que ambas tenían su parte de razón.

Por Matías Libonati

Finalmente y respondiendo a la pregunta a forma de título que se planteaba al comienzo, el color del futuro no es acaso otro que el del presente, con tantos matices y tonalidades diferentes como abarca la vida del ser humano. Y con muchos grises, sobre todo.

El análisis ha arrojado resultados que apoyan ambas caras de la moneda: el rojo, el azul, el negro y el blanco predominan es los términos que habían sido expuestos en la hipótesis, pero también existen numerosos casos que se despegan de la utilización de ellos y que resultan igual de convincentes como gráfica persuasiva. Estos casos forman tal vez, un subgrupo más interesante para el análisis, porque allí donde era evidente el uso del color planteado por la hipótesis, el diseñador ha tomado un camino diferente, alternativo y por lo tanto más arriesgado, y ha logrado resultados que requieren un poco más de procesamiento por parte del receptor, porque sus significados están más encriptados. Este hecho, que puede considerarse como un error conceptual en la práctica del diseño, dado que siempre se favorece la fácil decodificación de mensaje (a veces hasta subestimando al receptor) resulta en diseños más complejos, más ricos y que requieren una segunda o tercer lectura. Personalmente, no lo considero un error, sino más bien un acierto, ya que este tipo de gráficas pueden darse el lujo de requerir más tiempo de contemplación que, por ejemplo, un afiche de vía pública.

Nota: pido disculpas por la extensión final del trabajo, pero me pareció importante hacer un breve resumen del argumento de cada historia para poder generar relaciones más interesantes entre las piezas de diseño y sus referentes literarios o fílmicos. Por otra parte, no quedarse solo con una o dos piezas por obra me permitió observar las variantes y potencialidades que tiene la resolución de una misma problemática.

En otro orden de cosas, me atrevería a decir que la predominancia de esos colores no se debe solamente a sus asociaciones psicológicas, que resultan convenientes para el tipo de piezas de este género, sino también a su practicidad a la hora de establecer parámetros de buena legibilidad, contraste y equilibrio que hacen a un buen diseño. Lo que equivale a decir que en cualquier género del diseño gráfico es probable encontrar dominancia de estos colores.

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Matias Libonati: De que color es el futuro?  

trabajo practico del Postitulo en Comunicacion Visual, materia "Color 2", Univ. Nacional de Rosario

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