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Entrevista

JavierMariscal Estreno

Millenium los hombres que no amaban a las mujeres

MĂşsica

ARTIC MONKEYS Moda

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Nace Artline Magazine El lanzamiento de una revista es siempre un desafío financiero y humano, pero es también una aventura intelectual. Desafío, porque pensamos que existe un lugar para las revistas en el paisaje intelectual francés y que es posible interesar –dentro del terreno del análisis de los conflictos– un público amplio sin por lo tanto ceder a modas y facilidades. Aventura, porque analizar los cambios del mundo contemporáneo, las nuevas formas de conflictualidad, sus relaciones con las mutaciones del orden mundial, se ha convertido en una prioridad de la investigación en ciencias sociales. Del encuentro entre las expectativas de un público e investigaciones de fondo nacerá, así lo esperamos, una dinámica de la cual Cultures & Conflits quiere ser vector. 4¿Cuáles son los mecanismos de la prolongación de los conflictos? ¿Cómo se entrecruzan las imágenes pero también la realidad de este nuevo tópico del discurso estratégico que es la amenaza que el Sur ejercería sobre el Norte? ¿Cuáles son las imbricaciones entre lógica

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mafiosa y clase política en lo referente al mercado de la droga y lo que ahí está en juego? ¿De qué manera se articulan los apremios económicos y financieros con las rebeliones urbanas que explotan en los países del tercer mundo? ¿Cuáles son las nuevas formas de conflictualidad política en las sociedades occidentales? ¿Cómo gestionar esas violencias en las ciudades – violencias que algunos señalan como “terroristas”, como “alzamientos” o “motines”? 5Estos temas que Cultures & Conflits se propone abordar en 1991 pretenden, en su misma formulación, ir más allá de las lecturas de tipo clásico en relaciones internacionales. En primer término se trata de encarar las lógicas transnacionales de las cuales, a menudo, se desprenden las dinámicas conflictuales. En segundo término se trata de entender cuáles son los arraigos sociales y culturales que determinan sus trayectorias.


Javier

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Los hombres que no amaban a las mujeres

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Javier Mariscal es uno de los diseñadores españoles de mayor proyección mundial. En 1989 fundó el Estudio Mariscal con un equipo de 40 personas con las que ha desarrollado la mayoría de sus proyectos en los últimos 20 años. Durante la última edición de el MadinSpain, Mariscal presentó el making off de la película de animación “Chico & Rita”, realizada en colaboración con Fernando Trueba y ganadora de un premio Goya durante 2011.

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Entrevista a Javier Mariscal Diseñador ¿Soñar con las mismas cosas que cuando tienes 15 años permite que la mente no pare? Quizá. Lo comentaba recientemente con Ingo Mauren: “A mí lo que me gusta de tu trabajo es que siempre estás jugando”. La experiencia de tener dos hijos también ayuda. Cuando los niños eran pequeños, me daba cuenta de que si cogía una botella y decía que era un avión podía empezar a desarrollarse todo un juego, y de ahí una manera de pensar que funcionaba muy bien. Ahora, con nueve años, si cojo una botella y digo que es un avión muchos de sus amigos me dirán que no, que es una

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botella. He descubierto que hay mucha gente, sobre todo por influencia del entorno educativo, que rompe el sistema de aprendizaje y de pensamiento y de conexión de neuronas adquirido durante la infancia. Pero también hay otras personas que nunca han dejado de creer que esa botella podía ser un avión, y lo utilizan como un elemento más de trabajo. Yo diría que es un sistema científico de pensamiento. ¿Eres un artista multidisciplinar porque quieres experimentar continuamente o porque no has encontrado lo que más te gusta?

Lo importante en este tipo de profesiones: comunicación, arte visual… es adaptarte a tu manera de ser. Yo no he buscado ser un artista multidisciplinar, diría que me lo he encontrado. Empecé a hacer interiorismo, porque un conocido había comprado un local en Valencia y me propuso decorarlo y aunque no lo había hecho nunca lo acepté. Eso sí, cuando son nuevas disciplinas suelo rodearme de profesionales que me ayudan a entender el medio y el lenguaje con el que trabajar. En el caso de Valencia, Fernando Salas, me ayu-


dó a poder hablar con los albañiles, los electricistas y a entender cómo desarrollar todos los dibujos e ideas que yo tenía. Aunque para mí fue muy fácil, como con la película de “Chico & Rita”. Me imagino que en una escena concreta tiene que haber un bar o un local y entonces te vas imaginando cómo son. Hasta tal punto de que me dan muchas ganas de hacerlos de verdad. De hecho, estamos preparando una fiesta maravillosa en Barcelona en la que vamos a recrear uno de los bares de la película. ¿Cómo solucionas la pérdida de creatividad?

No tengo ni idea. No lo sé. Nunca lo he pensado. Cuando no te sale nada es porque estás muy cansado, no estás motivado, no acabas de verlo o no te interesa. Yo tengo suerte. Cuando estoy tenso salgo a regar las buganvillas que hay en mi estudio. Suelo parar y esperar a que salga.

Nunca en mi vida he hecho algo que conecte tan bien con la gente que lo ve. Aun así, todavía hay una barrera cultural.

¿Has pensado alguna vez, a lo largo de tu trayectoria profesional, que no servías para algo? Siempre he tenido la autoestima por los suelos. Hace poco me enteré de que soy disléxico. Serlo con seis hermanos menores que leían y escribían mucho

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mejor que yo fue muy duro. He tenido que hacer grandes esfuerzos por valorar lo que hago. Muchas veces he considerado que estoy equivocado no sólo en la forma de entender mi trabajo, también en mi filosofía de vida. Cuando analizo la sociedad actual tengo una sensación de fracaso total que permanece. Sobre la película “Chico & Rita” ¿Cómo has conseguido transmitir tan bien los sentimientos a través de los dibujos? “Chico & Rita” es todo un proceso donde desde el principio decidimos que a partir de los colores, los dibujos y la música teníamos que ir directamente a la piel, producir “feeling”. Nos ayudaba el hecho de estar ante una pantalla grande que te ayuda a centrarte y a dejarte llevar. Lo hemos conseguido trabajando, teniendo claro qué es lo que se quiere buscar y apoyándonos en un gran equipo. Yo de “Chico & Rita! si estoy contento quizás es por esto, porque hemos sido 500 personas trabajando en un proyecto donde el tiempo y el sonido ambiente con las voces hacen que te olvides de que son dibujos. Hay una cosa que me gusta mucho de la película cuando ella dice: “no te gusta que esté tomando frijoles al lado tuyo” baja la mano, tira el tenedor y se va. El tenedor en esta escena no está dibujado. Sólo se escucha el sonido cuando cae. “Desde que tengo uso de razón procuro romper el estilo. Si ves mi trabajo, ¿qué tiene que ver La gamba con el hotel de Barcelona?” La novela gráfica ha llegado ya a la tercera edición. ¿Por qué está costando tanto que el público se anime a ir a ver la película? Nunca en mi vida he hecho algo que conecte tan bien con la gente que lo ve. Aun así, todavía hay una barrera cultural. Primero se va mucho menos al cine y segundo el formato de dibujos animados es nuevo y el público aún no está acostumbrado. Conozco gente que ha ido con metralleta y con mala predisposición y a la salida me han llamado para decirme que la película es acojonante. ¿Te vas a animar a hacer otro proyecto de estas características? Sí claro. Tenemos tres proyectos muy bonitos, pero cuesta mucho arrancar. Sobre todo el concepto. La financiación tampoco es nada fácil. ¿Te sientes esclavo de ti mismo o sigues disfrutando con el lenguaje que utilizas? ¿Esclavo de mi propio estilo? No me siento así. Desde que tengo uso de razón procuro romper el estilo. Si ves mi trabajo, ¿qué tiene que ver La gamba con el hotel de Barcelona? o ¿La tienda de H&M con el tebeo de “Chico & Rita”? No tienen nada que ver. Aunque todavía hay gente que dice que es un estilo muy mío, me costó mucho definirlo. Yo antes que ilustrador soy diseñador y lo primero que hice en este

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proyecto fue crear un concepto, y darme cuenta de que no podía utilizar el estilo habitual. Necesitaba crear algo mucho más realista. Me lo tuve que inventar. ¿Qué puede aportar el diseño español actual a la escena internacional? El diseño no es ni español ni internacional y más hoy en día. Ahora trabajas para Holanda, Francia, Italia y Japón al mismo tiempo. Una lámpara puede producirse en Italia y comprarla en cualquier parte del mundo. ¿Qué es el diseño español? No lo sé. Ni me interesa y creo que además es falso. Y, ¿qué aporta internacionalmente? Pues tampoco lo sé. Lo que sí que me gustaría es que Europa fuera un país más construido. Esto sí que me pone muy triste. Mis sueños en los 80 era que viviríamos en un país que se llamara Europa. Volvemos a los nacionalismos de mierda. Yo sé hablar cinco lenguas y me parece lo más normal. Es lo mínimo. ¿Hay tendencias en el diseño actual? Me imagino que sí debe de haber, pero yo no tengo ni idea. El mundo está cambiando y lo que hacemos los diseñadores es poner al día ese lenguaje utilizando la tecnología que es muy importante para el diseño. Acabo de hacer una silla de plástico reciclado y que a su vez se podrá reciclar. Las generaciones que vienen detrás están más preparadas y la sociedad pide más diseño.


El sinIestro encanto de la burguesía

Estreno: 'Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

La primera entrega de uno de los mayores fenómenos literarios europeos de los últimos tiempos, ‘Millennium : Los hombres que no amaban a las mujeres’, de Stieg Larsson, regresa a la gran pantalla mediante un temprano remake estadounidense. Operación que podría tildarse de oportunista, pero que, si atendemos a quien la firma, David Fincher, no puede más que alimentar las esperanzas sobre el resultado final. Hablamos con el realizador y la pareja protagonista.

Stieg Larsson diseccionó, con espíritu crítico sociopolítico (y alma de folletín moderno), los pecados capitales ocultos de la burguesía sueca. No deja de ser coherente que, pocos años después de su aparición en letra impresa, y en las pantallas, David Fincher, el autor de la apocalíptica Seven (1995), con sus siete capitales maneras de enfrentarse a la esencia del Mal, dirija un remake hollywoodiense… completamente alejado de los vicios del remake hollywoodiense. Sí, hubo un momento de mi carrera en el que afirmé que jamás realizaría un remake, confiesa Fincher a FOTOGRAMAS. Sin embargo, si lo piensas un poco, y yo lo hice, en el fondo no he sido más que el intérprete de materiales ajenos: guiones, novelas, cuentos… Así que cuando Scott (Rudin, el productor del film) me propuso realizar una adaptación de Los hombres que no amaban a las mujeres (ed. Destino) no me cerré en banda.

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Conocía las novelas, sigue Fincher, había visto las películas suecas y pensé que podría hacer algo diferente que respetara el espíritu del texto original. Dale el mismo guión a cinco directores distintos y tendrás cinco películas distintas. Pero, sobre todo, me daba la oportunidad de hacer algo adulto en una industria cada vez más infantil como la de Hollywood. No creo que esta sea la clase de cinta que los estudios se planteen estrenar cada año, y menos en la campaña navideña, y eso es estimulante para mí. La adaptación del pánico Aunque se sucedieron varias y variopintas versiones del original de Larsson, la luz al final del camino apareció cuando el realizador se puso manos a la obra junto a Steven Zaillian. Teníamos muy clara la línea argumental, asegura Fincher, y una vez asentada, ya fuimos libres de explorar otras temáticas, de abrir el foco de la película a otras visiones, conceptos e ideas. En este sentido está mi nueva coda al final que aparece en la novela, y que creo honestamente que mejora el resultado anterior. Fincher continúa su discurso: No traiciono a Larsson, lo enriquezco desde mi perspectiva. Sí, tenemos a Blomkvist, a Lisbeth, la mansión Vanger, el misterio, las muertes, la nieve, un puente, un accidente, motocicletas, tatuajes… Cosas ya dadas, que compartimos, pero que a la postre se ven diferentes ahora porque el guión y mi mirada las han hecho diferentes. Esas diferencias me legitiman a hacer una reinterpretación nueva de un texto literario, o cinematográfico, previo. Añade el realizador que hay cosas que, icónicamente, me resultaron muy atractivas, y muy cercanas a mi sensibilidad: los tatuajes, las flores, los piercings, los parajes nevados y la asepsia de varios decorados… Y ese hálito de negra saga vikinga: cuando leía los libros vi que allí había algo inherentemente vikingo, esos lemas tipo El Mal con el Mal será destruido o Lo que está oculto en la nieve aparece por fuerza en el deshielo, casi parecían el escudo de

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El curioso caso de elegir bien un grupo

armas de un clan vikingo, y eso está en la novela y en el film. Por eso quise que la acción continuara pasando en Suecia, que los personajes fueran suecos (los actores no, salvo Stellan Skarsgård), y rodar en Estocolmo. Suecia y su cosmopolitismo rural, su estructura social tan fascinante y sus grandes contradicciones morales y éticas. La red (criminal) social Uno de los aspectos más interesantes del remake que ha hecho David Fincher reside en la conexión que esta historia (a ratos rocambolesca o de thriller de misterio a lo Agatha Christie) posee con la filmografía del director. Y es que no es ajeno a cualquiera de los espectadores de su obra que, en el trasfondo de sus películas, subyace un apasionante estudio sobre la maldad del ser humano, sean psicópatas bíblicos (Seven), sacados de la crónica negra real (Zodiac), de la ficción claustrofóbica (La Habitación del Pánico) o incluso del lado oscuro del capitalismo (La Red Social). Y el

Mal está en Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres. Me fascina la maldad del hombre, confiesa Fincher. La maldad, la violencia y el uso de la autoridad, y cómo todo ello se enquista en la sociedad y en la familia. Los Vanger del film no están muy alejados de la comunidad asceta que poblaba el planeta prisión de mi debut en el cine, Alien3 (1992), siendo el monstruo una alegoría del subconsciente corrupto de esos personajes. No es mi adaptación de Larsson un film político, ni feminista. Es básicamente un producto de entretenimiento que plantea preguntas y te las responde aunque las contestaciones sean incómodas. Fincher continúa: Los libros fueron un éxito popular más allá de sus momentos de shock (violaciones anales, torturas…), aunque es cierto que se trata de una película con momentos fuertes, desagradables… y yo los enseño. ¿La razón? Lo peor, lo más fuerte y desagradable, es lo que se esconde tras una familia en apariencia respetable.

Con la novela (las novelas) y, por supuesto, las adaptaciones suecas en celuloide muy presentes en el imaginario de los espectadores, uno de los mayores desafíos de David Fincher fue la de rodearse de un grupo de profesionales de solvencia, especialmente en lo que respecta al reparto. El guión de Steven Zaillian es soberbio, he tenido productores que son amigos y creativos, un gran equipo… No obstante, he de destacar a Kirk Baxter, mi montador. Me une a él una relación enfermiza, confidencial e íntima. Gracias a su labor pude hallar la película, definirla. Y esa definición está en los dos protagonistas. Me parecen una pareja soberbia, de personajes y actores. Mikael Blomkvist es alguien que requería una suerte de masculinidad y heroicidad seria, normal y cotidiana, algo que Daniel (Craig) posee, no solo por ser James Bond, al cual ha llegado tarde, en el apogeo de su carrera; y espero que Daniel no se enfade por esto que acabo de decir. Quería en el personaje un toque divertido e irónico que Daniel borda. Es un gran actor que me ha sorprendido, y que aportó un buen ambiente al rodaje. Fue un antídoto a mi mal carácter cuando dirijo. Continúa Fincher: Respecto a Lisbeth Salander, no negaré que, junto a los productores, tanteamos a varias actrices con mejor o peor fortuna. Incluso puedo comentar, y creo que no lo había hecho antes, que hubo una fase del proyecto en la que estuvo sobre la mesa que Noomi Rapace, la Salander de los films suecos, repitiera su rol en el remake. Finalmente, Rooney (Mara) nos convenció a todos, aunque no hasta que la vimos caracterizada de Lisbeth. Es una actriz excepcional que del gesto, de algo pequeño y minimalista, consigue algo grande. Debe expresar mucho casi sin diálogos, y para una intérprete no es algo sencillo. Rooney se embarcó en un viaje introspectivo y muy físico hasta captar la esencia de una niña herida, dañada, cuyas cicatrices son tatuajes y piercings.

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ARTIC MONKEYS Con las descargas digitales y el desmembramiento que sufren álbumes y singles debido al uso de las listas de reproducción que tan populares se han hecho en los últimos años, la verdad es que muchos estamos dejando atrás uno de los mayores placeres de ir a comprar música, que era rebuscar en nuevos lanzamientos, para encontrar temas inéditos acompañando como caras B a los singles que se iban extrayendo de cada álbum. 13


Si sois de los que aún buscáis o descargáis singles completos, aún teniendo ya en vuestra lista de reproducción favorita ese tema tan “molón” que va en la cara A, y para colmo sois seguidores de Alex Turner y los suyos, os gustará saber que para el día 31 de este mes, cuando se publique ‘Suck It And See’, el single, tendréis un nuevo tema inédito, que saldrá acompañándolo como cara B.

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Hasta ahora no lo habíamos podido escuchar, pero hace un par de días, ellos mismos se encargaban de que viera la luz, presentándolo en directo al mundo desde Saint Louis. El tema lleva por título ‘Evil Twin’ y ya sabéis como son estas cosas: el directo puede ser una cosa completamente diferente al resultado en el estudio, aunque lo que podemos escuchar promete bastante si quedásteis


satisfechos con Suck It And See. Siguiendo la línea de los temas incluidos en el último álbum de estudio de Arctic Monkeys, lo que nos dejan aquí es una canción, potente, construida en torno a un bajo muy marcado y a unas afiladas guitarras. No es el tema en estudio, pero con esto ya os podéis hacer una idea de si querréis o no haceros con una copia del single.

Detrás del nuevo peinado de Alex Turner, de sus pantalones vaqueros ceñidos y de sus botas de cuero no solo se ocultan sentimientos de nostalgia hacia tiempos pasados e inalcanzables sino también las auténticas intenciones de los Arctic Monkeys: rescatar la esencia del mejor rock n’ roll de la historia reciente de la música y llevarlo a terrenos compatibles con la época hype y fluorescente que les ha tocado vivir. Aunque muchos se ofusquen en enterrar al género rey asegurando que murió asesinado en alguna cuneta de Estados Unidos a finales de la década de los 90, mientras sobrevivan formaciones como los Arctic Monkeys, ese sonido distorsionado resucitará las veces que sea necesario para satisfacer las necesidades estéticas de varias generaciones: desde melancólicos cuarentones en busca de continuidad hasta adolescentes desafiantes que se niegan a entregarse en cuerpo y alma a las radiofórmulas. La responsabilidad de los Arctic Monkeys es alta y ellos asumen el reto. Cuando en el año 2006, los autores de himnos de la talla de ‘I Bet You Look Good On The Dance Floor’ o ‘When The Sun Goes Down’ se presentaron al mundo entero con el álbum ‘Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not’, se empezó a hablar de los Arctic Monkeys como un grupo de post-adolescentes rebeldes, uno más en Gran Bretaña, capaces de dar vida a grandes canciones. No obstante, un lustro después de ese arranque fulgurante, el cuarteto ha dejado claro con la llegada de ‘Suck It And See’ (2011), su cuarto álbum en estudio y un homenaje al aullido más vintage y puro, que términos como “efímero” o “pasajero” ya han desaparecido de su corta pero eficiente biografía, una biografía repleta de logros artísticos y reconocimientos oficiales como el prestigios Mercury Prize obtenido en el 2006 por su ópera prima. A medida que pasaba el tiempo, el grupo liderado por el vocalista Alex Turner iba acercándose a pasos agigantados hacia la madurez, una primera meta que alcanzó en el 2009 con el disco ‘Humbug’ cuya producción corrió a cargo de Josh Homme, integrante de formaciones de la talla de Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal o Them Crooked Vultures y que les proporcionó un estilo más íntimo, reflexivo e impredecible. Esta vez, a pesar de no haber vuelto a contar con Josh Homme, los Arctic Monkeys mantuvieron la filosofía presente en su último disco para volver a plasmarla en ‘Suck It And See’ (2011), un álbum al que añadieron claros guiños al rock setentero y al largometraje ‘La Naranja Mecánica’ en donde se puede leer la frase ‘Suck It And See’ pintada en la pared del edificio en el que vive el protagonista Alex DeLarge. La violencia hecha arte: un punto en común entre la cinta de Stanley Kubrick y algunos cortes de los Arctic Monkeys.

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LoreakMendian Todo empezó en el 95 cuando Víctor Serna y Xabi Zirikiain abrieron una tienda en el puerto de San Sebastián. Xabi, un ingeniero que hasta entonces se dedicaba a diseñar alas de avión, había hecho famoso en el entorno de la ciudad un logo que representaba una margarita. Por su parte Víctor acababa de terminar la carrera de empresariales y su espíritu emprendedor le impulsó a plantear la comercialización del producto. Así comenzó una de esas insensateces juveniles: crear una marca de ropa.

ás entusiasmo tándem: Xabi Juntos y con m la aventura en a n o ar nz la muchos ia, se la influencia de s que experienc lo el en o nd os y refleja a...y Víctor diseñando log , la arquitectur te ar el a, ic ús darle la m , y tratando de mundos como ca ar m la e d el enfoque os crearon un ocupándose d aventura. Junt ta es a l ria sa pre un carácter em endian. erso Loreak M iv un el : so er iv un

Con los años este equipo ha crecido mucho. De dos han pasado a cuarenta y Victor dejó la parte empresarial a gente más "cuadriculada" y diseña, junto a un equipo, la Colección. A esa primera tienda de la Calle Mari le han seguido más tiendas, 12 en total. 9 en España, una en París y otras dos en Australia. Lo que en principio se vendía exclusivamente en España, ahora se puede encontrar en Portugal, Francia, Italia, Grecia, Suiza, Holanda, Bélgica, Reino Unido, Dinamarca, Suecia, Rusia, Australia o Japón. Loreak Mendian pretende ser una opción diferente y una marca de referencia en la moda "street". Huir de las etiquetas, de la tendencia por la tendencia, simple y llanamente proyectar toda su creatividad y su forma de entender la vida en prendas de calidad.

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Este es el título que hace ya unos meses nos propuso Gofra, nos presentó un proyecto de una instalación para nuestra tienda de la calle Hernani. El proyecto nos pareció interesante desde el primer momento, solo había un problema: Gofra no tenía ninguna experiencia anterior en este tipo de instalaciones y nos daba mucho miedo que el precio de la acción se nos fuese de las manos. Cuando finalmente nos presentó el proyecto con más detalle caímos rendidos ante una conceptualización tan sútil de la condición humana. Os dejamos aquí la nota de prensa del autor, explicando este proyecto que estará en nuestra tienda hasta finales de agosto.

Todo empezó en el 95 cuando Víctor Serna y Xabi Zirikiain abrieron una tienda en el puerto de San Sebastián. Xabi, un ingeniero que hasta entonces y por su parte Víctor acababa de terminar la carrera de empresariales y su espíritu emprendedor le impulsó a plantear la comercialización del producto. Así comenzó una de esas insensateces juveniles: crear una marca de ropa.

Juntos y con más entusiasmo que experiencia, se lanzaron a la aventura en tándem, tratando de darle un carácter empresarial a esta aventura. Juntos crearon un universo: el universo Loreak Mendian. Loreak Mendian pretende ser una opción diferente y una marca de referencia en la moda “street”. Huir de las etiquetas, de la tendencia por la tendencia, simple y llanamente proyectar toda su creatividad y su forma de entender la vida en prendas de calidad.

Se crea, por tanto, una relación castrada, una comunicación tapada. Dos mundos: tienda (laboral) /casa (infancia) dándose la espalda. O quizás mostrando algo que no hemos sido capaces de hacer o decir. Lo que no hemos sido capaces de guardar de nuestra infancia.

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¿Es usted un profesional independiente? hecho.

"Todo lo que es accesible desde My Book Pro Mac confianza por lo que he podido viajar mucho sin dejar de ser capaces de trabajar y conseguir proyectos a tiempo." 18

¿Cuál es la mejor parte de ser un profesional independiente? Me gusta ser capaz de elegir qué proyectos para trabajar, los que creo que son agradables. Me gusta que no tiene horas de trabajo conjunto, que nunca sería capaz de tomar un trabajo de 9-5. no puede ser obligado a ser creativo tiene que venir naturalmente.


¿Cuáles son sus mejores métodos para encontrar / atraer a los clientes? Siendo que el campo del diseño es como una competencia, de boca en boca, con mucho, ha sido el método más eficaz, a muchos de mis clientes vienen de los clientes anteriores que muestran a sus amigos el trabajo ive done para ellos, que realmente nunca se han gastado mucho dinero en publicidad real, sin embargo, he estado bastante ocupado y hasta ahora aún no han sentido la necesidad de. ¿Cómo empezar? ¿Estudiaste algo en particular o es usted autodidacta? Estoy autodidacta, todavía no han tomado ningún curso de diseño o clases. No hay duda en mi mente que aprender nuevas habilidades y técnicas de todos los días, yo no soy, donde cerca de donde quiero estar y no dejar de intentarlo hasta que yo llegue. Por favor, cuéntanos más sobre el arte y el diseño de fondo y lo que le hizo convertirse en un artista y diseñador? no he tenido mucho de un fondo de arte, Mi profesión del diseño comenzó en un período de un par de meses, me sentaba con el photoshop y justo doodle en torno a calcular el programa, después de un rato me di im divirtiendo mucho con esto, ¿por qué no convertirlo en un dinero que hace el trabajo? Así que convencí a mi primer cliente que me permita tener una oportunidad en el diseño de una de sus piezas de trabajo y en realidad sólo se quitó de allí. Estado aprendiendo cosas nuevas cada vez que estoy en el equipo. ¿Tiene alguna sitios web favoritos para interactuar con otros en la comunidad de diseño? tengo facebook , flickr y Twitter cuentas que pasar algún tiempo durante el día / noche. ¿Cómo es tu día típico? La verdad: soy un adicto al trabajo, loco loco, es que independiente Soy Yo no tengo ningún horario fijo que me están obligados a trabajar. La mayor parte de mi trabajo se hace durante las horas de la noche (no es un tipo por la mañana) me parece que el momento más fácil de pensar y se inspiró. Puedo pasar más de 17 horas al día en el borrador, Sí lo sé, loco de mí, ¿eh? ¿Cuáles son las herramientas que no podía vivir sin él? Adobe, Auriculares, tableta Wacom, iTunes, paypal

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