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historia del diseĂąo industrial

NĂşmero Dos. Mayo 2011.

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historia del dise単o industrial

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Colaboradoras Carta de la Editora Egipto Shakers Wiener Werkstätte Deutscher Werkbund De Stijl Constructivismo Estilo Internacional Funcionalismo Art Déco ULM, Escuela Superior de Proyectación Postmodernismo Diseño centrado en el usuario Diseño de experiencias Diseño para poblaciones especiales Diseño en la producción industrial Diseño Sustentable Diseño para países en vías de desarrollo Bibliografía

(En portada) Silla DWS por Charles and Ray Eames Herman Miller USA, c.1950

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cOLABORADORAS Brenda Cortés. brendascortes@gmail.com

Alma Garza. alma_g90@hotmail.com

Ana Cecilia Arana. anacecy_12@hotmail.com

Marcela Cruz. lahija1@gmail.com

Gabriela Gutiérrez. gaby_gmtz@hotmail.com

Agueda Ceballos. agueditamoore@hotmail.com

Marifer González. qondas@hotmail.com

Ivana Reyna. ivanareyna@gmail.com

Gaby Taylor. gtaylor_589@gmail.com

Diseño Editorial y Revisión A00919792

Redacción y Revisión A00919792

Investigación y Redacción A01137144

Investigación y Redacción A00805530

Investigación y Redacción A00755645

Investigación y Redacción A00920308

Ale de la Garza. ale_jandradlgp@hotmail.com Investigación y Redacción A01137284

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Investigación y Redacción A00939936

Investigación y Redacción A00919792

Investigación y Redacción A00804714


carta de la editora La historia de los objetos comienza al mismo tiempo que la historia de los humanos. Los objetos dependen de las personas tanto como las personas dependen de los objetos, y es por esta razón que la historia de ambos se encuentra íntimamente entrelazada. Los diseñadores son las personas encargadas de dar forma a nuevos objetos y de modificar los ya existentes. El proceso creativo que sigue un diseñador, si bien está dictado por las necesidades que busca cubrir con el objeto, está empapado por la personalidad, experiencias y conocimientos que posee el individuo. De tal manera, que es imposible deslindar a un diseñador de las cosas que produce. Diseñar, en mi opinión, es una acción inevitablemente subjetiva. Es la traducción formal de cómo una persona percibe el mundo que lo rodea. Cada objeto es una muestra de la visión particularísima de la persona que decidió crearlo y es por esta razón que todos los objetos llevan intrínsecos una porción (si no es que toda) de la esencia de un ser humano. Diseñar es una práctica que evoluciona con el paso del tiempo, se perfecciona y se recrea continuamente, haciendo al hombre y al objeto interdependientes de forma perenne. Formar un objeto es perpetuar una idea que surge como respuesta a una necesidad y esta idea, al provenir de un individuo, hereda de sí las propiedades del mismo. Al final, los objetos terminan siendo casi extensiones de sus creadores y sus usuarios. Sería, entonces, completamente erróneo siquiera intentar explorar la historia de los objetos sin detenerse a observar la historia de las personas y viceversa. Los objetos son como espejos, reflejan su tiempo, su lugar, su diseñador y rasgos sobre la persona para la cual fueron pensados. Cada cosa con la que tenemos contacto revela una gran cantidad de información que preserva dentro de sí desde el momento en el que es concebido. Sin embargo, desde mi punto de vista, existe algo que los objetos pueden realizar mucho mejor que las personas y esto es trascender. Muchas personas trascienden en la historia, por sus logros, por los cambios que trajeron al mundo, por sus ideas o por sus talentos, pero pocas tienen el efecto que los objetos. Ya que aunque las personas pueden ser recordadas y admiradas a través de los años, los objetos pueden hacer algo superior, ellos se quedan físicamente y forman parte del día a día de todos nosotros. Esta “inmortalidad” permite a los objetos permanecer en la historia de los seres humanos para siempre. Es esta interacción tan cercana entre objeto y persona, la que hace que surja un lenguaje. Los objetos tienen una forma de comunicarse con las personas, lo cual nos convierte a nosotros los diseñadores en traductores. Es nuestro trabajo traducir el lenguaje del objeto, su forma, su estilo, su función, el material que lo constituye y todas sus posibilidades, al usuario. De la misma manera, traducimos las necesidades de las personas, las preferencias, las emociones y los deseos, al objeto. Somos responsables de la buena relación entre objeto y ser humano, dándole siempre una clara preferencia al último. El diseño es el puente entre el mundo inanimado y el animado, entre los seres vivientes y los no vivientes, y ser parte de ese puente implica una responsabilidad infinita. Brenda S. Cortés

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egipto 3000 - 30 A.C.

Mascara de oro de Tutankamón. Dinastía: 18 materiales: oro, obsidiana, turquesa, vidrio y Carnelian.

Egipto Una sublime expresión de arte por Agueda Ceballos Moore El arte egipcio es evidentemente la expresión artística antigua que más ha captado la atención del hombre moderno. Los egipcios fueron creadores de espacios y objetos de extraordinaria belleza y asimismo de una cultura donde se fusiona lo histórico, lo mítico y lo misterioso de este arte, la cual ha hecho fantasear a investigadores, poetas, historiadores y a personas en general. Esta cultura se desarrolló entre el año 3000 y el 30 a. C. y se distinguió por sus elaborados y complejos objetos, sus fascinantes monumentos, y su método para crear un arte excepcional. Todo esto hace que la civilización egipcia haya sido una de las más grandes de todos los tiempos.

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Sus creaciones eran conocidas por tener un carácter político jerarquizado y de índole religioso, haciendo referencia a la inmortalidad. Sus monumentos se caracterizaban por ser extraordinarios, eran utilizados como tumbas funerarias, hechos de enormes bloques de piedra. Se construyeron tres tipos de tumbas: una de ellas era la mastaba, la cual tenía forma rectangular; la segunda era la llamada pirámide propiamente dicha, que era escalonada o de lados lisos y la tercera eran las tumbas excavadas en el suelo llamadas hipogeos. La pintura seguía el mismo sistema de jerarquización, se presentaban los personajes de acuerdo a la importancia que tenían. Los faraones siempre iban al frente en tamaños más grandes a comparación de las personas comunes. La obra no tenía profundidad, sus colores eran muy similares, y las rostros eran dibujados de perfil, con los ojos mirando al frente. Los egipcios realizaban joyas fascinantes de oro, plata y cornalina y tomaban como inspiración símbolos y personajes divinos. El mobiliario egipcio es muy singular, debido a que los materiales con los que se realizaban tenían un valor simbólico, entre estos encontramos oro, plata, plomo, hierro, turquesa y maderas que se elegían en base a sus colores. Las maderas rojas y amarillas eran utilizadas para esculpir figuras con tonalidades de la piel, mientras que maderas más obscuras como el ébano eran utilizadas para representar personas de piel negra. Las esculturas representaban a los Dioses y Faraones y eran hechas también de piedra, tierra seca, granito, diorita etc. Otra gran inventiva de los egipcios fue el papiro, que es considerado como el antecesor del papel. Este se extraía del tallo de la planta también llamada papiro y se cortaba en tiras largas y delgadas que se colocaban una a lado de la otra, quedando ligeramente encimadas. Con esto se sacaba una lámina flexible que era secada y después pulida. Por último se les aplicaba engrudo y se obtenía una hoja larga que era enrollada sobre si. Sin duda los egipcios son una de las civilizaciones que más ha enriquecido el arte universal. Se distinguieron siempre por crear diseños únicos, coloridos, llenos de significados y combinaciones fantásticas de diferentes materiales. Su gran aportación al diseño y arquitectura evidentemente sigue marcando una tendencia en la actualidad. Su complejidad al elaborar objetos y construir monumentos, es motivo de misterio y fascinación hoy en día, por lo que es imposible no considerar a la civilización egipcia como una de los grandes precursores de la historia del diseño.

Collar de la princesa Neferouptah. XII dinastía. 37 x 10 cm. Oro, cornalina y amazonita. Procedencia: Hawara. Museo Egipcio. El Cairo.

Este brazalete de Sheshonq II lleva el nombre de su padre Sheshonq I. La joya está compuesta de dos partes áureas engarzadas de forma que se abren por la mitad; el wdjat, (el ojo de Horus), su significado es “ todo protección”. Encontrado en la tumba de PsusennesI, cámara de Sheshonq II por Pierre Montet

Pintura egipcia: fresco del Valle de las reinas.

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estados unidos 1774 Para los carpinteros Shakers, la idea de la manufactura de muebles con el propósito de agregar ese valor espiritual y reflejado en la sencillez era fundamental. Su idea básica era que los objetos debían ser prácticos y tener sólo lo necesario, además de ser objetos con valor espiritual. Por ejemplo, en los objetos más simples como en los bancos o escaleritas que creaban, se tomaban el cuidado y la habilidad necesaria para su diseño y manufactura. Un objeto clásico de los Shakers y con una gran variedad de usos fue la canasta ovalada. La utilizaban para guardar o transportar cosas, y siempre contaban con una en “cada esquina de la casa”. Otro elemento característico Shaker fue un tipo de barra o soporte que colocaban alrededor de las paredes, a la altura del alcance del brazo, que les permitía colgar casi cualquier cosa. En la arquitectura Shaker no se tenía tan presente la idea de la religión y la espiritualidad en el diseño y manufactura, sin embargo, las fachadas eran muy peculiares, su diseño es muy claro y limpio, además de ser simétrico, de igual manera haciendo uso de madera y granito, dejando sus “apariencias naturales”; ejemplo, The meeting house at New Lebanon, NY, 1824. Arquitecto Moses Johnson. Los interiores de las viviendas, se caracterizan por su simplicidad y limpieza. Utilizaban colores claros, como el azul, amarillo, y algunos colores vivos para las paredes en donde destacaban las tonalidades de la madera natural. Las manifestaciones artísticas y de producción de los Shakers, resultan tener mucho en común con el Arts and Crafts de Wiliam Morris y John Ruskin; ya que engrandecen lo tradicional de la mano de obra, lo clásico y el estilo de los objetos, además de que son movimientos contemporáneos.

Shakers

por Ana Cecilia Arana

Este movimiento se inicia en Manchester Inglaterra y surge de una filosofía religiosa que se profesaba en pequeñas comunidades. Tiene su mayor auge en los Estados Unidos, alrededor de 1774, con la llegada de Ann Lee y un grupo de 8 personas, logrando crecer cada vez más conforme pasaba el tiempo. Los shakers contaban con un sistema de trabajo único, donde su principal característica se da en los objetos que ellos creaban por “la gloria de Dios”. Esto se ejemplifica con dos frases perfectas que además describen este movimiento: “Beauty rests in utility” y “Every force envolves a form”. Los Shaker prefieren describir la belleza como concepto de utilidad, agregando una perfección en la manufactura de cada objeto. El estilo de los Shakers se da principalmente en los objetos utilitarios, en los muebles y en la arquitectura. Principalmente utilizaban madera en su estado natural, aplicando barnices o sólo puliéndola. La producción de sillas fue de las más importantes por un tiempo, después comenzaron a crear más muebles como armarios, cocinas, comedores, gabinetes y escritorios, entre otros.

Típica silla Shaker del siglo XIX.

Canastas Ovaladas, Shaker

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Viena 1903-1932

Sofa Murciélado por Josef Hoffmann

Silla de descanso por Josef Frank

Vase por Josef Hoffman

Wiener Werkstatte

Wine Glasses por Otto Prutscher

Par de sillas por Otto Pruscher

por Alma Garza La Wiener Werkstatte, conocida también como los Talleres de Viena, fue fundada en Viena en 1903 por Koloman Moser y Josef Hoffmann. Ellos se inspiraron en William Morris y en su movimiento Arts and Crafts; y de ahí decidieron crear talleres en los cuales el objetivo era restaurar los valores de los trabajos artesanales en una sociedad industrial que dejaba estos trabajos atrás.

Como se buscaba restablecer los trabajos artesanales, todos los diseños u objetos que se fabricaban eran no solamente objetos, sino obras de artes económicas que se pueden ver en todos los utensilios domésticos y mobiliario. Además, la relación consumidor-diseñador era algo que les era muy importante a Moser y Hoffmann, ya que esto era algo que no daba pie a la producción industrial.

Moser y Hoffmann lograron reunir a artistas, arquitectos y diseñadores como Josef Frank, Ernst Litchblau y Ottro Prutcher para crear productos accesibles. Todos tenían como principios la elegancia, funcionalidad y sobriedad; intentaban romper con lo ordinario y crear cosas diferentes a lo ya existente, todo por medio de líneas rectas y por repetición de elementos ornamentales constructivos que formaban al objeto mismo. Trabajaron con joyería, muebles, diseño de interiores y moda.

La Wiener Werkstatte se desarrolló hasta la depresión de 1929, pero dado a mala administración del capital artístico de Josef Hoffmann se vieron obligados a cerrar en 1932. Fue una influencia a los trabajos de los diseñadores de la Bauhaus en 1920 y a Frank Lloyd Wright.

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Alemania 1907-1930 Sillón de madera y tela por Bruno Paul

Sillas de madera por Henry van de Veld

Deutscher Werkbund

Tetera por Peter Beherns

por Alma Garza

La Deutscher Werkbund también conocida como Asociación Artesanal Alemana, fue fundada en Alemania en 1907 por Herman Mathesius. Él era escritor y crítico y fue enviado en 1896 a Londres para investigar las actividades en arquitectura y diseño. Conoció los trabajos de William Morris (fundador del movimiento de Arts and Crafts) y decidió que en Alemania, una institución como esta sería lo indicado para no dejar atrás los trabajos artesanales.

Poster para el Deutsche Werkbund por Fritz Hellmut Ehmke.

Ventilador por Peter Beherns

Peter Behrens y Henry van de Veld fueron los dos más destacados seguidores de Herman Mathesius y partícipes de la Deutscher Werkbund. A partir de ellos y de su institución, la forma de los objetos o productos industriales viven una transformación que los deja siendo objetos sin agregados o decoraciones innecesarias. La Deutscher Werkbund fue clausurada gracias al socialismo nacional en 1930.

Las ideas de Mathesius estaban basadas en el ­racionalismo de la forma, en la perfección y la utilidad. El funcionalismo ante todo, se plasmó en muebles prácticos con formas simples, función y sobriedad, que eran sus principales objetivos, así como la unificación del arte y la industria. Con todos estos ideales en la Deustcher Werkbund, trabajaban fabricantes, arquitectos, artistas, diseñadores, comerciantes, periodistas y pedagogos que seguían estos conceptos y trabajaban juntos para crear objetos funcionales, prácticos y estéticos que elevaban la calidad del trabajo industrial. Se comenzó a utilizar el acero, hormigón y el vidrio.

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de Stijl

holanda 1917-1931

Red Blue Chair por Gerrit Rietveld

por Alma Garza

De Stijl fue un movimiento artístico que surgió en Holanda en 1917 creado por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, quienes tenían una revista con el mismo nombre. Este movimiento trabajó en varias áreas como el diseño gráfico e industrial, en la arquitectura y en la pintura. Su objetivo no era representar la realidad tal y como es como los artes tradicionales de ese tiempo, sino que representar todo de una manera abstracta. De Stijl se desarrolló en tres etapas. La primera solamente fue de organización, se unieron y se separaron colaboradores y diseñadores. Uno de los diseñadores que se unió en este tiempo fue Gerrit Rietveld, quien llevó todos los ideales y características del movimiento a objetos tridimensionales. Otro de los diseñadores destacados de este movimiento fueron Bart Anthony van der Leck y Friedrich Vondemberge-Gildewart, Eileen Gray y por supuesto Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y Gerrit Rietvel. La segunda y tercera etapa fueron en las que se formó con más precisión los objetivos o características de De Stijl. Se buscaba expresar la belleza en objetos. Los diseñadores unidos a este movimiento creían que lo abstracto era lo más creativo y diferente a todo lo que ya existía, así que creían que lo diferente era mejor ya que llamaba la atención de todos. Además, representaban todo con planos y con líneas rectas pero sin simetría. Les gustaba la simplicidad en las cosas así que los únicos colores que utilizaban eran los primarios, que son el rojo, azul y amarillo y también variantes del negro y blanco. En 1931, De Stijl es influenciado por el Constructivismo y el Suprematismo, lo cual provoco su fin. De Stijl y sus tendencias influenciaron a los diseñadores y arquitectos de la Bauhaus.

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Side Table por Eileen Gray

Crate Chair por Gerrit Rietveld

 


U.R.S.S. 1920

Constructivismo por Agueda Moore

En 1920 surge en la Unión Soviética (antes Rusia), un movimiento artístico y arquitectónico, conocido como constructivismo, que se empieza a desarrollar básicamente después de la Revolución de Octubre en 1917.

Maqueta del Monumento “ A la Tercera Internacional” por el pintor y escultor Vladímir Tatlin en los años veintes.

Portada del libro Arquitectura en Vkhutemas, publicado por El Lissitzky en 1927, en Moscú.

Uno de sus precursores fue el pintor y escultor Vladímir Tatlin quien en los años 20´s hizo una de las propuestas más claras de constructivismo, el monumento a “La Tercera Internacional” que se utilizaría como sede de la Internacional Comunista, oficina de telégrafos y de distintos restaurantes. La propuesta fue criticada por Gabor Diem y Antoine Pevsner lanzando un manifiesto realista que se oponía a la versión del constructivismo. Para 1920 Vladímir Tatlin estableció los Talleres de Enseñanza Superior del Arte y Técnica, llamada escuela Vkhutemas una de las precursoras en enseñar constructivismo en la Unión Soviética. El pensaba que había que “preparar maestros artistas con las más altas calificaciones para la industria, constructores y administradores de la educación técnica profesional”. Fue por eso que los talleres tenían facultades artísticas e industriales, por ejemplo en el área de arte se impartían cursos de diseño gráfico, escultura y arquitectura, mientras que en el área industrial los cursos eran sobre impresión, textiles, cerámica, madera y metalurgia. Para el año de 1922 el constructivismo ruso ya era reconocido, y fue cuando se celebró la primera exposición de una muestra de origen ruso en Alemania, lo cual provoco que distintas revistas europeas difundieran los principios del constructivismo ruso.

Tetera y tazas constructivistas diseñadas por Kasimir Malevich en 1932

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El Constructivismo se destacaba por ser utilitario y en relación de la Revolución. Predomina lo tridimensional y lo abstracto en las áreas de diseño industrial, en comunicación visual el diseño de carteles, tipografías, fotografía, propaganda, ilustraciones entre otras eran hechas con elementos en formas geométricas, lineales y planas. Las artes aplicadas eran mayormente al servicio de la nueva sociedad comunista, sus composiciones eran construidas matemáticamente, los objetos eran funcionales y geométricos, de materiales simples, como madera, metal, yeso, alambre, cartón, vidrio, plástico, etc. y colores como rojo naranja, azul, amarillo, blanco, negrodistinguían este movimiento. Los motivos de formas geométricas sobre fondos planos y claros eran los que se caracterizabanen el caso de piezas de cerámica. Wassily Kandinski y Moholy-Nagy, introdujeron el constructivismo en la Bauhaus. Para 1937 cuando Moholy-Nagy se traslada a Estados Unidos, funda en Chicago la Nueva Bauhaus, que se convertiría posteriormente en una escuela de diseño integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois, para seguir impartiendo los conceptos de constructivismo. Gracias esto, dicho movimiento llego a América; sin duda el constructivismo ruso marco una tendencia industrializada en el diseño. Sin embargo en 1930, por orden del gobierno se cierra la escuela Vkhutemas y es reemplazada por varios institutos especializados, como el Instituto de Arquitectura y Construcción de Moscú, el Instituto Poligráfico de Moscú, la Facultad de Bellas Artes, y el Instituto Textil de Moscú.

Poster promocional de Galletas por Alexander Rodchenko

Silla de acero tubular realizada en Vkhutemas en 1927

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Nueva York EUA 1920 – 1930

Estilo Internacional por Ivana Reyna

El término se usó por primera vez en 1931 por Alfred Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la exposición titulada “Estilo internacional: arquitectura desde 1922.” Este movimiento, al cual se le considera arquitectura moderna, se destinguía por una forma de proyectación universalizante y carente de rasgos regionales, en donde además se introducen materiales industriales tales como vidrio y acero.

Eero Saanrinen, Grasshopper chair

Este estílo comenzó a tomar forma en Europa en la década de 1920 a 1930, en el período de entreguerras y se le reconocía por: • Su énfasis en la ortogonalidad (ángulo recto). • El uso de superficies lisas, pulidas, sin ninguna aplicación ornamental. • El efecto visual de ligereza que daba la sensación de la construcción en “voladizo”.

Barcelona Chair, Ludwig Mies van der Rohe, 1929

Silla por Florence Knoll

Silla de Le Ccorbusier

Eero Saanrinen, Womb Chair

MR Armchair, 1927,Ludwig Mies van der Rohe

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Museo Solomon R. Guggenheim, Frank Lloyid Wright, 1959

El Estilo Internacional fue la consecuencia de la evolución de la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales. El empleo de nuevas técnicas y materiales, como por ejemplo, el hormigón armado, permitían la amplitud espacial que caracterizó a los interiores de los edificios de este movimiento. Este movimiento se origino al mismo tiempo que el funcionalismo y ambos son movimientos modernos, es por eso que tienen diseñadores en común. Sus principales represantantes fueron Frank Lloyd Wright, Mies Van der Rohe, Gropius y Le Corbusier.

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Alemania 1920-1930

Funcionalismo por Ivana Reyna

A principios del siglo XX surge dentro de la arquitectura el funcionalismo. Este concepto se basa en la utilización y adecuación de los medios materiales con fines utilitarios o funcionales, que además pueden ser considerados como medida de perfección técnica, pero no necesariamente de belleza. El racionalismo es un movimiento influenciado por las teorías funcionalistas, el cual surge tras la Primera Guerra Mundial bajo la influencia de la Bauhaus y el arte abstracto. Su proposito fue liberar al arte de toda ideología, a través de la ciencia y las matemáticas, pero al mismo tiempo hacerlo accesible a todos en igualdad de condiciones, libre de las fuerzas del mercado, lo que le acercó al socialismo. Este movimiento se le caracteriza por la utilización de nuevos materiales, cubiertas planas, sencillez de la ornamentación, grandes superficies encristaladas y la preocupación por el espacio interno de las edificaciones.

F51, Walter Gropius, 1927

En la actualidad encontramos que la arquitectura está influenciada por el racionalismo o funcionalismo; por ejemplo, la vivienda que utilizamos en las ciudades, los grandes edificios y espacios urbanísticos. El funcionalismo se aplicará primero en el Deutscher Werkbund, luego a través de Peter Behrens en la AEG y posteriormente en la Bauhaus mediante de Le Corbusier, Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe. Otro representante significativo es Dieter Rams, quien esta asociado con los productos de Braun y Functionalist school of industrial design. TP1 Portable Radio Record Player” (1959) Braun. Photo: Braun GmbH

Villa Posey, Le Corbusier y Pierre Jeanneret, 1931

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Union Terminal, Cincinnati, EUA, Fellheimer & Wagner

francia 1920- 1939

ART

DÉCO por Ivana Reyna

El Art Déco se origina en las artes decorativas, y su desarrollo se da en el período de entreguerras siendo su punto máximo, en 1925, en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París. Es un arte decorativo que evoluciona en Europa y América. El Art Déco busca la decoración por encima de la funcionalidad; además de que conjuga y recibe influencias de varios estilos y movimientos artísticos de inicios del siglo XX, como cubismo, constructivismo, futurismo, y del Art Nouveau, del cual evoluciona. Este movimiento se caracteriza por la excesiva decoración ornamental basada en la utilización de lujosos materiales y en motivos abstractos y geometricos que incluyen formas como el cubo, la esfera y la línea recta, y también el zigzag. En la representación abstracta se incluyen ciertos elementos naturales, como el agua, rayos y nubes.

Tamara Lempicka, Lady Sleeping (Arriba derecha) Jean Dunand, Vase, 1925, metal lacado (Arriba izquierda ) Cartier, Circa 1980

Con respecto a los materiales, este movimiento logra conjuntar materiales clásicos con materiales nuevos como: cromo, plástico, maderas nobles, pieles naturales y carey. Sus representantes son Jean Dunand, Tamara de Lempicka y Pierre Legrain, Charlotte Perriand, y algunas marcas como Cartier y Lalique.

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1953. ulm, alemania

HfG Ulm

por Ivana Reyna

Escuela Superior de Proyectación Hochschule fur gestaltung fue una escuela universitaria de diseño en Ulm, Alemania. Fundada en 1953 por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill. La escuela ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su establecimiento fueron puestos en práctica nuevos conceptos de diseño en los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y Cinematografía La Hfg fue una de las instituciones más progresistas de enseñanza del diseño y el diseño ambiental y refleja el perfil profesional del diseñador de hoy en día. La Hfg tuvo gran contribución con Braun, ya que en 1953 la empresa buscaba sobresalir dentro de la competencia y contacta a Hans Gugelot y Dieter Rams. Ellos desarrollan la imagen y logotipo basado en el diseño de sus productos los cuales reflejaban los objetivos racionalistas de la HfG con diseños para Braun en dónde la función principal del producto era detellada por su estética, por ejemplo los colores se mantenían neutros y simples dando posiblemente con un efecto de color para acentuar la función principal del objeto. La metodología de la escuela estaba basada a partir del racionalismo, originada por René Descartes. Con la visión de que todo hecho debía poder explorarse y entenderse mediante el análisis, la intuición y la deducción, siempre que se descomponga en sus partes y se reduzca a sus elementos básicos.

Control Unit Studio 1, 1957
Hans Gugelot and Herbert Lindinger

Braun SK4 radio-phonograph combination, 1956
Hans Gugelot and Dieter Rams

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Ulm stool, 1955
Max Bill, Hans Gugelot, Paul Hildinger


1978-Presente

por Gabriela Gutiérrez

postmodernismo El posmodernismo es una corriente artística y de diseño que entrelaza ambas manifestaciones. Este movimiento es una consecuencia de lo moderno, muchos críticos creen que el postmodernismo es como un parasito que depende del modernismo con el cual tiene muchas similitudes excepto su significado. La posmodernidad es la época del desencanto, pues pasamos de una economía de producción hacia una economía de consumo. El diseño postmoderno se basa en relacionar el pasado y el presente para así poder tener un nuevo concepto. Por lo tanto, lo podemos resumir como una combinación de estilos. Ejemplo de esto es el trabajo del grupo Memphis y del estudio Alchimia que fueron los impulsores del diseño postmodernista a finales de los años 70 y principios de los 80.

El grupo Memphis fue formado por Ettore Sottsass en el año 1981 seguido por un grupo internacional de arquitectos y diseñadores, que innovaron materiales y trabajaban en todos los campos del interiorismo como: mobiliario, textiles, cerámica, etc., convirtiéndose así en el grupo más importante de la década de los 80. Algunos de los diseñadores que componían el grupo Memphis fueron Peter Shire, Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal, Michele de Luchi y Matteo Thun. Su característica principal es el gran uso del color en tonalidades atrevidas, este nuevo estilo fue muy polémico y acabó cosechando un gran éxito comercial. Sus formas geométricas y diseños fuera de lo común se burlaban de lo correctamente establecido como clásico. Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo ya que el grupo agotó sus ideas, desapareciendo en 1988.

Frank O. Gehry Madera entrelazada

Silla Proust rediseñada por Alessandro Mendini. Acabados a mano según la tradición, conserva las formas del sillón original

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El estudio Alchimia dirigido por Alessandro Mendini diseñador que colabora con prestigiosas compañías como Philips, Swarovski y Swatch, estaba a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado, tomando así objetos cotidianos a los cuales aplicaban diversas formas de decoración. Gracias a la recesión de los noventa, los diseñadores posmodernos se vieron en la necesidad de buscar enfoques menos expresivos y más racionales, sustituyendo así las manifestaciones del antidiseño de los años ochenta por el minimalismo de los noventa.

Mariscal diseñó el taburete Dúplex para el bar valenciano del mismo nombre en 1980. Máximo exponente del diseño postmoderno español, fue portada de la ‘biblia’ del diseño milanés ‘Modo’.

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Actual

Diseño centrado en el usuario por María Fernanda González

Los humanos han interactuado con diferentes objetos desde el principio de los tiempos. Las evidencias arqueológicas demuestran que la humanidad ha estado en contacto con herramientas y otros objetos que le han ayudado a hacer más productivas y cómodas sus actividades cotidianas. El estudiar esa interacción es primordial ya que así se puede mejorar ese contacto entre humanos y objetos. Es ahí donde entra la ergonomía. K.F.H Murrell y Otto Edholm fundaron en 1949 The Ergonomics Research Society en Gran Bretaña y desde esa época, la ergonomía se ha venido incorporando en el diseño de productos. La IEA (Asociación Internacional de Ergonomía), define “La ergonomía (o los factores humanos) es la disciplina científica que estudia la interacción entre los humanos y otros elementos de un sistema, y la profesión que aplica teorías, principios, datos y métodos de diseño para optimizar el sistema de bienestar humano y su rendimiento en general”.

Mouse vertical ergonómico diseñado por Euidu Hwang y Sangpyo Kim. Tiene 5 botones, no require de un software especializado para su instalación y puede ser usado por PCs y Macs.

Esta misma Asociación expone que la ergonomía para el diseño es sinónimo del Diseño centrado en el usuario. Esta tendencia de diseño se enfoca en los deseos y necesidades de los usuarios, buscando que el objeto diseñado tenga características benéficas para este. Entre estas características están el incremento a la comodidad, facilidad de uso, seguridad, productividad, reducción de esfuerzos físicos y mentales y que sea estéticamente agradable y amigable para cualquier tipo de usuarios. Al cumplirse estas virtudes se puede obtener con mayor seguridad el éxito del diseño en el mercado. Hay diversas asociaciones que premian a los diseñadores por hacer productos ergonómicos. Es de estas competencias de donde surgen los diseños más innovadores, creativos, cómodos y seguros de usar.

Lijas ergonómicas, el sueño de todo diseñador industrial. El diseño de producto elimina la tensión y fatiga que las manos llegan a tener al lijar sin instrumentos. Estos productos son distribuidos por la empresa Americana Rockler Woodworking and Hardware.

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Actual

Diseño de Experiencias por Alejandra de la Garza

El diseño de experiencias se basa en la interacción multisensorial que tiene el usuario y consumidor con un producto o servicio, incluyendo cada etapa de estos. Por ejemplo, desde el momento que se piensa en comprar un producto, el hecho de entrar a la tienda, el adquirirlo, el abrir el paquete y por supuesto usar el objeto o producto comprado hasta que esté llegue al final de su vida potencial. Esta tendencia de diseño ha llegado a grandes empresas enfocadas en desarrollar productos, servicios y sistemas a partir de dichas experiencias, en las que se consideran todos los aspectos de la marca (el lugar donde se localiza la tienda, la tienda en sí, su interior, la presentación del producto, la venta del producto, el trato al usuario por parte de los empleados, su uniforme…). Es importante decir que las marcas que se esmeran en brindar grandes experiencias al usuario recompensan al mismo por su preferencia, tiempo, dinero y energía agregando un valor intangible al consumir sus productos. El diseñador Nathan Shedroff, pionero del diseño de experiencias (Experience Design) menciona que “En cierta forma (el diseño de experiencias) es un parasol muy amplio y fino que abarca mucho de lo que hace que una interfaz tenga éxito”: Este diseño identifica los momentos de vínculo personal afectivo y emocional entre los usuarios, las marcas y los recuerdos que producen en ellos. Por ejemplo vemos el cómo hacen sentir al cliente visto desde el punto personal, social, cultural, económico, etc. en el presente y el futuro de la relación usuario-marca. El ejemplo clásico de esta tendencia es: Starbucks Coffee.

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Build-a-Bear Workshop Donde se crean los mejores amigos. Teniendo como misión dar vida a muñecos de peluche para revivir cálidas experiencias como la niñez, el confort y la amistad, la empresa internacional Buid-A-Bear Workshop se dedica a sacar sonrisas a chicos y grandes del mundo. Al entrar a esta tienda que da una sensación de un mundo mágico, un “constructor de osos” le da la más cálida bienvenida al cliente para guiarlo por el divertidísimo proceso de crear un animal de peluche personalizado.Después, el cliente se da a la tarea de elegir de entre 30 animalitos para crear a su nuevo amigo. En la siguiente estación llamada “Escúchame” se puede grabar un mensaje personalizado que el cliente quiera que diga su peluche, o se puede elegir de entre las canciones y mensajes disponibles La siguiente

En esta misma estación, el niño elige un corazón, lo calienta en la palma de sus manos y pide un deseo para después insertarlo en su nuevo amigo antes de cerrarlo. Es aquí donde el peluche cobra vida y el niño vive una mágica experiencia que nunca olvidará. También, para probar que el peluche tiene el suficiente relleno el cliente lo abraza para después pasar a “La estación de cerrado”. Después, el niño lleva su peluche al área de cepillado para suavizar su pelaje. Otro dato importante de mencionar es que el cliente nombra al nuevo amigo y se le entrega un certificado de nacimiento donde se registra y se le asigna una clave para en caso de perderlo, pueda encontrar su camino a casa. Después, los “Constructores de osos” ayudan al cliente a escoger la ropa de su nuevo amigo de entre miles de vestuarios disponibles. Finalmente, el peluche está listo para partir a casa con su dueño, en una caja especial en forma de casita. Definitivamente, el éxito de esta empresa se basa en el diseño de experiencias: reviviendo sentimientos positivos, robando sonrisas y brindando muchísima diversión a los clientes.

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Actual

Diseño para poblaciones especiales por Maria Fernanda Gonzalez

La población especial (según la ergonomía) incluye niños, gente con algún tipo de discapacidad, mujeres embarazadas, personas de la tercera edad, y otros grupos cuyas capacidades físicas sean diferentes a las de la población regular por diversas causas. En la actualidad estos grupos poblacionales van en franco incremento y el diseño ha venido dando respuesta a partir del diseño de espacios y productos como espacios públicos, oficinas, y escuelas básicamente. Esta respuesta de diseño se manifiesta en el Diseño Universal. Este se fundamenta en las necesidades y capacidades de las poblaciones especiales junto con la población regular, sin que los usuarios se adapten a los objetos o espacios y lo que es aún mejor, sin hacer distinción entre ellos. Podemos decir entonces que los espacios u objetos pensados bajo este concepto de diseño son para el uso de todos.

Mobiliario Xenon Universal: la oficina sin exclusiones por Ofita

 

El diseñar bajo este concepto tiene 7 principios básicos: 1. El diseño debe ser equiparable, es decir debe ser funcional y práctico para todo usuario sin distinción. 2. Debe de ser de uso flexible para el usuario, en preferencias, habilidades y facilidad de uso. 3. Su uso debe de ser simple e intuitivo. 4. La información que despedida por el objeto es clara y eficaz y va de acuerdo con las capacidades sensoriales del usuario así como de su entorno. 5. El diseño debe de tener un margen de error, minimizando los riesgos de accidente durante el uso. 6. El esfuerzo debe de necesitar el mínimo esfuerzo físico. 7. Se debe de tener en cuenta el tamaño de espacio y uso para cada uno de los usuarios.

 

Mobiliario Xenon Universal: la oficina sin exclusiones por Ofita

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Aunque sea un poco más costoso, el crear objetos con diseño universal genera mayor aceptación ya que abarca a la mayoría de los usuarios, haciendo que el producto sea exitoso en el mercado. Otra tendencia de diseño que también toma en cuenta a las poblaciones especiales es el Diseño Incluyente que muchas veces se confunde con el Diseño Universal y que en ocasiones, pueden ser tomados por sinónimos. La diferencia radica en que en el Diseño Universal, se deben de tomar en cuenta las necesidades de todos los usuarios desde las primeras etapas del diseño, mientras que el Diseño Incluyente muchas veces es un rediseño del producto o espacio original para adaptarlo a las necesidades de las poblaciones especiales y, dado a que hay dos “versiones” del producto, el Diseño Incluyente hace una distinción entre la población regular y la especial. Además de estas tendencias, también encontramos el Diseño de necesidades específicas que es aquel que se enfoca en las características y capacidades extraordinariamente particulares de un usuario o grupo de usuarios. Repisa Xenon Universal por Ofita

 

 

Oficina Universal de la empresa vasca Ofita

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El diseño

en la producción industrial por Alejandra de la Garza

Cómo se une el diseño con la tecnología de punta y cómo llega a la producción industrial A partir de la revolución industrial, el ser humano ha ido descubriendo lo maravilloso de la producción en serie. El diseño puede expandirse tanto como el diseñador lo desee ya que puede ser producido las veces que se necesiten satisfaciendo la gran demanda de los productos en la población. El utilizar procesos industriales, ha agilizado la producción de los objetos y por ende han dado mayores frutos económicos. En el mundo del diseño, hay objetos que trascienden y marcan profundamente la vida de todas las personas. Actualmente dichas creaciones se producen industrialmente y son desarrolladas en empresas internacionales de gran magnitud como las industrias de línea blanca, electrónica y automotriz. Mastretta 2011 (Mexicano

Nokia

Por otro lado, en la industria electrónica se han creado objetos sobresalientes como las computadoras, los celulares y la televisión entre muchos otros. Actualmente, existen variadas marcas de este tipo de productos y el usuario se da a la tarea de elegir cuál comprar basándose en su diseño y calidad. Las marcas preferidas como lo son: Apple, HP, IBM y SONY, Panasonic, y Motorola.

Vale la pena analizar el por qué del éxito de estos maravillosos productos que hoy en día son parte de la vida de todos los seres humanos. Su secreto es que son objetos esenciales para realizar las actividades rutinarias y están unidas a la tecnología de punta con diseños bien pensados en el usuario. Como ejemplo vemos que en la industria de la línea blanca los productos más importantes son el refrigerador, el microondas y la estufa doméstica. También la secadora, el boiler y el aire acondicionado han venido a transformar la experiencia de hacer las actividades de rutina más fáciles y cómodas agilizando el proceso de uso. Finalmente la industria más antigua entre estas es la industria automotriz que vino a revolucionar la vida del ser humano. Ford , fundado por Henry Ford, definitivamente es una marca pionera en el diseño automotriz ya que revolucionó el transporte y la industria en Estados Unidos y el mundo al introducir el Modelo T al mercado a principios del siglo XX.

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Reproductores de música cuarta generación del iPod nano

Hoy en día, cada marca de automóvil cuenta con un sello diferente y es dirigida hacia ciertos sectores sociales. Y debido a la demanda y a la mucha diversidad de gustos, esta industria se ve sumamente beneficiada por los procesos de producción en serie: variedad, rapidez, precisión y calidad. Para producir industrialmente las empresas son sumamente cuidadosas, ya que un error implica gastos catastróficos en una producción en serie. Otro dato importante acerca de la producción industrial es que ahora se hacen las cosas con un tiempo de vida mucho menor al que se acostumbraba antes de la revolución industrial. Esto tiene varias razones, una de ellas es que la población ya está acostumbrada a renovar sus productos constantemente ya que el nivel de diseño y calidad avanzan muy rápido y nadie quiere quedarse atrás. Como conclusión podemos decir que estas tres industrias además son en las que se manifiesta la globalización en toda la extensión de la palabra.

Últimos diseños de la marca HP

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Blackberry Torch


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Diseño Sustentable por Marcela Cruz Félix

la vanguardia en el origen Desde la década de los 70’s el tema de la necesidad de tener conciencia y consideración al planeta y naturaleza ha ido en incremento. Sin embargo, a casi 40 años de sus inicios apenas se han visto los frutos de este movimiento que busca un mundo mejor. Nacido y promovido principalmente en la ciudad de San Francisco, el diseño sustentable ha sido y es un movimiento que busca un trato justo para todas las partes involucradas en el proceso de un producto, es decir, en el ámbito económico, ambiental y social. Algunas de las prácticas que se relacionan con el diseño sustentable son el comercio justo, el reciclaje y reciclado, productos no tóxicos y cuyas materias primas provienen de elementos naturales certificados. El enfoque más conocido y del que más se encuentran productos es el “Green Design”. Dentro de este, se encuentra el estudio de nuevos y mejores materiales y productos que específicamente no dañan al medio ambiente pues esta tendencia no sólo busca mejores materiales, sino que ha llegado a trascender hasta el diseño en la forma y la función. Es decir, el diseño sustentable tiene un estilo que se caracteriza del resto por sus formas orgánicas, limpias, eficientes y austeras, como se puede ver en el caso de los muebles y electrodomésticos cuyo uso es más amigable con el usuario además de estar en el rubro de ahorro de energía. Entre los materiales más usados dentro de esta tendencia se encuentran todos los derivados de materias recicladas, como son algunas fibras provenientes de botellas PET, cartón, papel, algodón y fibras provenientes de desechos orgánicos. Con ello se puede observar lo que plantea el movimiento del desarrollo sustentable y cómo regresa a las formas más simples y naturales de su entorno reincorporándose a la naturaleza sin dañar.

Silla de cartón reciclado por Gilles Miller

Asientos de papel creados por Celia Suzanne Sluijter.

Debido a la gran cantidad de diseñadores que están involucrados en esta tendencia, sería difícil destacar un máximo exponente, algunos de ellos son: Carlos Motta, Malcolm Baker, Matthew Hilton, Giles Miller, Rob van Acker, Caroline Till, Celia Suzanne Sluijter.

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Super MoneyMaker Pressure Pump, bomba de presión para la agricultura.

Diseño para países en vías de desarrollo por Marcela Cruz Félix

Una de las inquietudes más grandes del ser humano es el acabar con la pobreza que aqueja a cerca del 90% de la población mundial. Pero a pesar de ser un tema tan antiguo, hasta hace poco es cuando se comenzó a tomar en cuenta dentro del diseño al resto de la población para la cual el mundo de los objetos es un verdadero lujo. La Organización de las Naciones Unidas ha propuesto 8 metas que deben ser alcanzadas para el 2015 y que de ser logradas por los países representará una significativa reducción en la pobreza. Estas metas son: – Erradicar la pobreza extrema y la hambruna. – Alcanzar la escolaridad primaria en todo el mundo. – Promover la equidad de género y empoderar a la mujer. – Reducir la mortandad infantil. – Combatir SIDA/VIH, malaria y otras enfermedades. – Asegurar la sustentabilidad ambiental. – Desarrollar una cooperación global para el desarrollo. Esta política internacional entre otras regionales y locales han dado origen a que muchos países desarrollados apoyen a sus vecinos en vías de desarrollo y esto ha permitido que se realicen proyectos de diseño específicos para contribuir al bien de la humanidad.

Algunos ejemplos de estas aportaciones son Katrina Furniture Project, que creó muebles provisionales de bajo costo para las víctimas del huracán Katrina. Otro proyecto fue el desarrollado por KickStart en algunos países de África, cuyo objetivo era fabricar herramientas para que las personas de escasos recursos puedan generar ingresos a través de su uso. Para la elaboración de sus diseños se basaron en los siguientes principios que, consideran ellos, son los necesarios para que puedan propiciar una vida digna a aquellos que las usan: Los principios de diseño de KickStart son: – Generadores de ingresos. – Regreso en inversión. – Accesibilidad de precio. – Eficiencia energética. – Ergonomía y seguridad. – Portabilidad. – Facilidad en instalación y uso. – Fuerza y durabilidad. – Diseño para la capacidad de manufactura disponible. – Aceptación cultural. - Sustentabilidad ambiental.

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Este nuevo camino en el diseño está dando paso al cumplimiento de las metas del milenio dejando atrás la elegante y frívola imagen que se tenía acerca del diseño convirtiéndolo ahora en una herramienta de acción global. El diseño para países en vías de desarrollo es una oportunidad para llegar al 90% de la población en el ámbito de la trascendencia, más allá de lo estético y económico.

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LifeStraw creado por la compañía Vestergaard Frandsen es un popote con filtro para prevenir enfermedades causadas por la ingestión de agua contaminada.


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historia del dise単o industrial

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HD Historia Diseño Industrial