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Año 8 • Nº 80 • 2018 • Chile: $ 2.000 Argentina: $ 12 • Perú: S/10 Recargo por flete: Regiones I-II-XI-XII $ 290.

Migos Gorillaz Depeche Mode Lollapalooza 2018 Cobertura especial

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MA PÁG 34 DUA LIPA Rompiendo todo.

STAFF edición y diseño Martin Milan mmilan@revistaipop.com

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PÁG 8 DEPECHE MODE

redacción Beatriz Guerrero

PÁG 14 GORILLAZ

fotografía María Ignacia Wilson

PÁG 18 LOLLAPALOOZA 2018

publicidad 9-349-5127

PÁG 42 MIGOS

gerente comercial Lorena Escobar

PAG 51 RECOMENDADOS

impresión Coop. G.D.P.

PAG 58 LA FOTO

fotos Reuters Shutterstock distribución Meta

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INMORTALES La energía de Depeche Mode cautivó al Nacional. El histrionismo de Dave Gahan y un potente sonido marcaron el debut de los ingleses en el recinto de Ñuñoa.

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La espera valió la pena para los 47 mil fans de Depeche Mode. Ocho años tuvieron que pasar para que el trío que vistió de negro la pista de baile en los ochenta volviera a Chile. Y tras su debut en 1994 y una segunda visita en 2009, anoche en su estreno ante un Estadio Nacional repleto los ingleses demostraron por qué siguen vigentes luego de 38 años de carrera. Global Spirit Tour es el nombre de la gira que los trajo nuevamente a suelo local a promocionar su último disco, Spirit (2007), y que con 130 fechas se transforma en la más larga de su historia.

Haciendo honor a la puntualidad inglesa, exactamente a las 21 horas comenzó a cantar “Revolution de The Beatles”, con la que introducen el show. Una especie de pintura de varios colores y la silueta del vocalista Dave Gahan contorneándose al fondo dio paso a “Going backwards”, segundo sencillo del álbum que da nombre a la gira, el número 14 de su carrera. Con Gahan dando vueltas con los brazos abiertos en medio de la euforia del público comenzó “It’s no good”, donde las tres pantallas en blanco y negro dejaron ver a la banda por primera vez. Después vinieron “Barrel of a gun” y “A pain the I’m used to”, donde el frontman corrió y bailó en la tarima que se adentraba entre el público de cancha vip. Su voz intacta y movimientos cadencio-

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sos continuaron con “Useless” del disco Ultra (1997), uno de los más alabados de su carrera. Los acordes de Andy Fletcher desataron los gritos de los asistentes que reconocieron que venía “Precious”. La canción terminó con una imagen que ya se repetía: el trasero del histriónico inglés moviéndose en primer plano en las pantallas del coliseo. “World in my eyes” fue la siguiente que puso a bailar a un Nacional rendido ante la imparable energía de los británicos. Luego Martin Gore dejó la guitarra para interpretar las emotivas “Insight” y “Home”, que terminó con el músico dirigiendo al público para que coreara los emblemáticos acordes finales. Pero las voces del recinto ñuñoíno no se detuvieron cuando terminó la canción, por lo que esta vez Gahan decidió seguir alentándolos como un maestro de orquesta. Una pareja bailando apareció en las pantallas para dar paso a “In your room” del Songs of faith and devotion (1993) donde el pedestal del micrófono se convirtió en el compañero de movimientos del vocalista. El baile quedó de lado con “Where’s the revolution”, que apela al poder del pueblo con las gráficas mostrando puños y pies marchando en rojo, blanco y negro. Las clásicas “Everything counts” y “Stripped” fueron coreadas con fuerza hasta que el sintetizador anunciaba “Enjoy the silence”, quizás el hit más famoso de la agrupación y que hizo a todos levantar sus celulares para inmortalizar el momento que fue coronado con “Never let me down again” y el primer bis. Gore fue el encargado del regreso de los emblemas del synthpop al escenario de la mano de “Strangelove” en versión acústica. El cierre definitivo del tercer encuentro de Chile con Depeche Mode estuvo a cargo de “Personal Jesus”, uno de los grandes himnos del trío.

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Con Rocklets tambiĂŠn fuimos a la previa de Depeche Mode , para compartir con los fans de la banda los riquĂ­simos sabores de Rocklets: Mani, Chocolate.

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Cerca de 15 mil personas se reunieron en el Movistar Arena para presenciar el show de la banda virtual liderada por Damon Albarn. En el recital abordaron un setlist de 25 canciones, que dejรณ a la audiencia pidiendo por mรกs.

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Las primeras notas del bajo comenzaron a sonar con 15 minutos de retraso y una a una, solo lograban aumentar la expectativa de lo que muchos fanáticos esperaban hace años: el primer encuentro de Gorillaz con su público chileno, el momento en que se quitarían por fin sus disfraces y se enfrentarían cara a cara, sin los personajes virtuales que los han caracterizado desde sus inicios, en 1998. “M1A1” del primer álbum de la banda, fue la canción escogida para romper el hielo y le siguieron otros temas de antaño como “Last Living Souls” y “Tomorrow Comes Today”. Como es costumbre, durante el show las gráficas fueron tan protagónicas como los artistas presentes. Si en los primeros videos de Gorillaz que se transmitían por MTV nos cautivaban con graciosos zombies en dos dimensiones, hoy la tecnología los ha llevado a una producción mucho mayor. Dos espectáculos corrían paralelamente en el Movistar Arena la noche del martes: el de música en vivo y el de animación, ambos coordinados perfectamente generaban como resultado un show indudablemente estimulante. Cada tres temas, aproximadamente, un corte musical daba paso a que se introdujera a través de la pantalla a cada uno de los personajes virtuales de la banda: 2-D,

Noodle, Murdoc y Russel Hobbs. Ya para la octava canción, “Superfast Jellyfish”, entraron los raperos De La Soul; los primeros de una seguidilla de artistas afroamericanos que derrocharían talento sobre el escenario. “Es un placer para un artista tocar ante un público con tanta energía”, dijo el líder de la banda Damon Albarn casi llegada la mitad del concierto. Como sorpresa para los chilenos, el artista anunció la premiere mundial de su nuevo single “Hollywood”, que formará parte de un nuevo álbum que también, aprovechó de indicar, lanzarán prontamente. El tema está inspirado en la gran ciudad de las estrellas en Estados Unidos y lo interpretaron junto a Jamie Principle. De fondo, se proyectaba la clásica postal del letrero con letras blancas gigantes, pero que en vez de “Hollywood” decía “Gorillaz”. Los más osados podrían aventurarse a asegurar que esta será la imagen de la portada de su nuevo CD, pero aún habrá que esperar para afirmarlo. Sin duda que temas como “Feel Good Inc.”, y “Clint Eastwood” fueron los mejor recibidos por el público, que después de dos horas y 25 canciones despidieron a la banda británica sin ningún ánimo de dejarlos partir.

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Estuvimos calentando la previa de los Gorilaz con los amigos de Rocklets compartiendo los sabores ManĂ­ y Chocolate.

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IPOP#80 Lana Del Rey Intensos tres días de música y situaciones para el recuerdo comenzaban a quedar atrás, cuando el Itaú Stage se preparaba para recibir a la última presentación de este Lollapalooza Chile. Lana Del Rey, destacada figura del indie y el pop masivo, regresaba a nuestro país luego de su show en 2013, esta vez con un estatus mucho más estelar que el que contaba en ese entonces. En plena promoción de su quinto trabajo de estudio, “Lust For Life” (2017), la cantante de Nueva York se asomaba como la única headliner femenina de esta edición, llegando en un muy buen momento creativo, con una puesta en escena mucho más madura y estructurada, lo propio para una artista de esta categoría . Experiment In Terror”, obra del maestro Henry Mancini, fue la intro escogida por Lana para el show que la tenía de regreso en nuestro país, ingresando a escena ante una estrepitosa tormenta de gritos y aplausos, catarsis que se desataba luego de una eterna espera que sus fans tuvieron durante casi toda la jornada para estar lo más cerca de su ídola. Con la melancolía de “13 Beaches” comenzó un espectáculo que muchas veces cayó en excesos innecesarios, pero que lograba sostenerse gracias al carisma de la cantante y el enorme deseo del público por verla en el escenario. Y es que este parecía un show para los fanáticos acérrimos, centrándose en canciones como “Cherry” o “White Mustang”, composiciones extraídas de “Lust For Life”, su última placa discográfica. Lo anterior generó que el público más casual de un festival tuviera que esperar hasta un poco más entrada la presentación para disfrutar de esos hits que la hicieron popular, como la ultra coreada “Born To Die” o la dupla de exitazos que entregó con “Blue Jeans” seguida de “National Anthem”, dos de las canciones más conocidas de su repertorio. No obstante, esta no era una noche para recuerdos, ya que la promoción de sus últimos trabajos proliferó en el setlist interpretado, a excepción, eso sí, de un segmento final donde Del Rey emocionó a la totalidad del público con “Video Games” y la tristeza romántica de “Summertime Sadness”, últimos tracks antes del final con “Off To The Races”, elección un tanto debatible, pero finalmente comprensible en pos del formato que tenía la presentación. Muchos osaron de acusar a Lana Del Rey y

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un supuesto playback de su parte, pero eso estuvo lejos de ser lo concreto, ya que lo que en realidad utilizó la cantante fue la técnica del over playback, que consiste en cantar sobre una base de apoyo vocal, independiente de las bailarinas/coristas que tenía, las que muchas veces se sintieron un aporte innecesario en la presentación. No hay duda de que este fue un show muy bien compuesto, con atractivos elementos visuales y escenográficos, pero queda la interrogante del porqué haber utilizado esta técnica, ya que hubo muchos momentos en que Lana mostró su gran calidad vocal sin el uso de apoyo alguno, lo que resulta confuso a final de cuentas. Quizás tenía algunas complicaciones en sus cuerdas vocales, pero no pareció notarse durante su show. Es importante resaltar el papel femenino en la música, y en nota de tapa en los festivales donde las mujeres muchas veces no tienen el espacio necesario para destacar. Si bien, otras ediciones de Lollapalooza Chile han visto desfilar tremendas artistas, como Björk, Joan Jett, Lorde o St. Vincent, así como también agrupaciones de la talla de CSS, Savages o Tegan And Sara, esta nueva versión tenía una tarea importante que cumplir, lográndola con creces en el bookeo de shows tan consistentes como el entregado por Lana Del Rey, además de lo que dejó el fin de semana con Mon Laferte, Camila Cabello, Zara Larsson, o Tash Sultana (la gran sorpresa del domingo), quienes destacaron en sus estilos propios, eliminando todo prejuicio existente frente a su desempeño. Qué bien haber tenido una headliner femenina, lo que supone un paso muy grande dentro de una realidad que debemos construir entre todos, y en la que Lana Del Rey abrió la puerta para otras instancias en ediciones venideras.

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La fiesta de Wiz Khalifa que cerró Lollapalooza El rapero finalizó su show pasada la medianoche en el Acer Stage, donde se vivió una verdadera fiesta de hip hop y marihuana. A la izquierda, fumaban. A la derecha, fumaban. Y al medio, el mismo Wiz Khalifa también prendía un pito sobre el escenario del festival Lollapalooza Chile. Durante dos canciones estuvo aspirando el humo mientras se presentaba, hasta que finalmente lo lanzó al público que disfrutaba su show que fue sencillamente eso: una oda a la marihuana.

El rapero le dedicó varias canciones y pasajes del show a la planta e, incluso, en un momento lanzó cigarrillos gigantes de utilería hacia la gente, quienes los hicieron correr por todos los asistentes al cierre del festival. Aunque estaba presupuestado que Wiz terminaría su show antes que The Killers, los cambios de horario obligaron al rapero a ser el encargado de cerrar el Parque O’Higgins. Su fiesta duró más de una hora, donde tuvo al público bailando y coreando sus canciones sin parar, desde “Black and yellow” a “See you again”. El rapero transformó el Acer Stage en su club, donde desplegó un show en el que no f laqueó en ningún

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IPOP#80 momento y dejó la adrenalina de los asistentes (de todas las edades) por las nubes. En una entrevista con Clarín de Argentina, Khalifa señaló que le gusta “llevarle a mi público canciones reales y originales. Cuando hago música siempre estoy en mi zona y ese sitio es un lugar feliz. No importa qué haya sucedido o cómo me sienta. Puedo tener el peor día, pero la música me tranquiliza y me hace sentir de la mejor manera posible”. Algo que se ref lejó la noche del domingo. Notaó a su colega, Lil Pump, quien el año pasado lanzó una de las canciones más virales de esta época, “Gucci gang”. Cantó su colaboración junto a Snoop Dogg y Bruno Mars, “Young, wild and free” y terminó el espectáculo con una eufórica versión de “We dem boyz”. Si bien, no es para todos los gustos, lo cierto es que Wiz Khalifa cerró Lollapalooza Chile 2018 con un espectáculo de calidad, lleno de energía y su propio toque de sensualidad. Para quienes no tuvieron la oportunidad de pisar el Parque O’Higgins durante los tres días de Lollapalooza, el cableoperador VTR emitió buena parte de los principales shows del festival, en tres frentes: televisión, streaming online y a través de su sistema de VOD (Video on demand). Durante esos días, VTR asegura que cerca de dos millones de personas sintonizaron en algún momento la transmisión de las cerca de 70 bandas que permitieron que sus shows fueran televisados. Ayer, la empresa reveló cuáles fueron las dos presentaciones más vistas a través de sus plataformas durante Lollapalooza 2018: en primer lugar Red Hot Chili Peppers y Mon Laferte fueron lo más visto de la transmisión estuvieron los Red Hot Chili Peppers, los únicos de los tres principales cabeza de cartel del evento cuyo show fue transmitido. Según el cableoperador, el concierto del día sábado de los hombres de Californication fue visto por 147 mil personas. En segundo lugar quedó la chilena Mon Laferte, cuya repleta presentación la tarde de ese mismo día fue

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vista a distancia por 107 mil personas. El show de la chilena además se sumó tarde a la parrilla televisiva: recién ese mismo día se confirmó que sería emitido. Otros shows que VTR transmitió durante el fin de semana fueron los de LCD Soundsystem, The National, Camila Cabello y Zara Larsson. Mon Laferte se transformó en uno de los platos fuertes de la segunda jornada de Lollapalooza Chile. La intérprete de “Amarrame” congregó a más de 80 mil personas en el VTR Stage, donde aprovechó de alegar contra la producción, enviar un mensaje a favor de la migración e incluso, se dio el tiempo de bailar varias piezas de cueca. En redes sociales, las postales de la presentación la convirtieron en Trending Tópic, donde solo se llenó de halagos y de felicitaciones por lo logrado en el evento. Uno de los registros que más llamó la atención fue cuando los asistentes se unieron en una sola voz para corear su tema más famoso: “Tu Falta de Querer”, marcando así uno de los momentos que quedarán en la memoria de la edición 2018 de Lollapalooza Chile.

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cobertura La trastienda del show de Liam Gallagher El músico llegó enfermo desde Argentina y, tras la presentación en Lollapalooza Chile, partió hacia su hotel. Igual se le pagará todo lo acordado. Nadie advirtió mucho su presencia. El pasado domingo, alrededor de las 18 horas, Liam Gallagher (45) llegó al sector de backstage del Parque O’Higgins en completo silencio, casi con el propósito de pasar inadvertido en las horas previas a su debut en Lollapalooza Chile. Todo un desafío para el integrante de uno de los grupos que transformó la sobreexposición en su mejor negocio y en contrapunto con algunos de sus colegas que se paseaban a esa misma hora tras bambalinas, siempre dispuestos a conversar un par de palabras o a mirar parte de los shows que agitaban el evento capitalino. En el caso del británico, la razón era elocuente. Desde su presentación de principios de mes en París, el artista enfrenta una infección al pecho que ha afectado notoriamente su garganta, según el mismo ha reconocido en redes sociales. De hecho, en Buenos Aires, en la escala previa a Santiago, ya había dado muestras de una voz aún en rodaje, lo que lo obligó a pedir disculpas al público de ese país por la forma en que cantó. O sea, Gallagher ya venía dañado. Fueron los antecedentes que precipitaron unos de los episodios más bochornosos e inesperados en el historial del festival en Santiago: tras saltar a escena, sólo interpretó cuatro de las trece canciones estipuladas en el listado de canciones que le entregó a la producción local. Luego de bajarse del escenario, y ante la silbatina generalizada, el cantante también volvió a ocupar su twitter para explicar el traspié, esta vez en voz de sus representantes: “A Liam le diagnosticaron una infección en los senos paranasales, las orejas y la nariz después de un espectáculo en Europa hace unas semanas, lo que le provocó una infección en el pecho”, informa el comunicado, agregando que la abortada presentación se podría reprogramar en un tiempo cercano.

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Lollapalooza Chile y su apuesta por la música urbana La versión 2018 del festival trajo más de una sorpresa para aquellos que gustan de música "nueva". Sin duda alguna, Lollapalooza 2018 dejó con el corazón roto a miles de fanáticos que, por primera vez, iba a tener entre sus filas a un gran exponente del hip hop, como lo es Tyler, the Creator. El rapero anunció, a pocos días de su presentación el día viernes 16, que suspendía el tour Lollapalooza Sudamérica (también canceló en Argentina) por motivos personales. Como reemplazo, llegó la noruega Aurora. Sin embargo, para muchos fue una sorpresa la llegada

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del músico Anderson .Paak & the Free Nationals. Y es que la banda proveniente de California lo dejó todo en el escenario, en donde el público bailó al ritmo de la música llena de solos de batería y soul. A pesar de las reprogramaciones que llegaron de imprevisto al festival que esta vez se llevó a cabo durante tres días, como las que afectaron a los horarios de Chance the Rapper y The Neighbourhood, los artistas dejaron contentos a la mayoría de los fans (sin contar a los seguidores de Liam Gallagher). De todas formas, Chance the Rapper hizo lo suyo con un espectáculo y un coro de otro nivel. La puesta en escena del artista más o menos conocido en Chile dejó atónito

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a cualquiera que fuese pasando por el VTR Stage. Y lo mismo con Anderson .Paak. Esta versión de Lollapalooza trajo algo que muchos tildan de “música nueva”. Y, quién sabe, quizás tengamos más noticias sobre estos artistas. La noche del día domingo cerró con un Wiz Khalifa lleno de energía y un espectáculo que motivaron a todo el Acer Stage, aunque con un leve retraso.

Sin lugar a dudas, la versión 2018 del festival Lollapalooza le abrió las puertas a artistas que merecen un poco de atención y oído.

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CON TODO EL EQUIPO DE IPOP Y VARIAS MARCAS AMIGAS ESTUVIMOS DISFRUTANDO DE LA PREVIA DEL FESTIVAL LOLLAPALOOZA 2018, ENTREGÁNDOLES REAGALOS A TODOS LOS ASISTENTES

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A pura música estuvimos con los amigos de BonMoment en la previa del comienzo del Lollapalooza 2018. Que mejor para disfrutar antes del show que sus exquisitos sabores Cappuccino, Mocaccino y Caramel Café, todos con auténtico café brasileño y con 0% azúcar.

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Junto a Rocklets en el Lollapalooza 2018 brindándole un momento de dulzura al público en la previa al show. Perfecto para tarde de sol con la mejor música del mundo.

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Los Nachos de Pancho Villa son crujientes y sabrosos chips de maĂ­z saborizados en dos versiones: Queso y Queso Chedar. Ideales para disfrutarlos entre show y show del Lollapalooza 2018.

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Bigtime también nos acompañó en la previa del Lollapalooza 2018 regalando frescura con sus sabores Menta, Strong, Aqua, Frutilla Ácida y Sandía. Todos sin azúcar.

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ROMPIENDO TODO Cómo una adolescente en Kosovo se convirtió en un éxito de millones de escuchas

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IPOP#80 Unos tipos del equipo de Saturday Night Live están martillando una pantalla verde en el Studio 8H cuando Dua Lipa les pasa pro detrás se sube a un escenario, y se sienta sobre un piano de cola, cruzando las piernas como en un show de salón. Es el primer jueves de febrero y, en dos días, Lipa va a subirse a este escenario como invitada musical del programa. Tiene razones para sentirse segura: a los 22 años, esta estrella pop que asciende desde Londres, es la artista mujer con más escuchas en el reino Unido del año pasado; sus fans incluyen a Chris Martin de Coldplay y a Bruno Mars; y su single más importante, “New Rules”, tiene más de mil millones de visitas en YouTube. Lipa empieza con “Homesick”, una balada dolorida que compuso con Martin, la cual es, por lejos, su canción más despojada. Es el momento lento y de luz tenue en su disco debut homónimo, que le permite ostentar su voz rica y blusera, entre la mayoría de las canciones pisteras rápidas y atrevidas de su breve catálogo. El manager que la acompaña todos los días, Jules, apunta con su teléfono hacia un monitor, grabando el video del ensayo como referencia, porque el plan de Lipa es sentarse en el piano casi sin moverse, y aunque espera u esto se sienta como algo sutilmente poderoso, también teme que se vea como un momento inerte. Lipa aprendió que, cuando estás bajo la mirada del público, hasta los gestos que parecen más insignificantes pueden resonar. Por ejemplo: en octubre pasado, le pidió prestada una remera del disco Speak Now, de Taylor Swift, a Jules y la usó en una prueba de sonido y un encuentro con fans en Alemania. Las fotos llegaron a Instagram, y los fans de Swift la vieron y empezaron a circular la foto de manera vertiginosa. Al poco tiempo, a propia Swift posteó un comentario eufórico en Internet como respuesta: “ESTOY CHILLANDO DE PLACER”. Pero al mes siguiente, toda su buena onda con el Equipo Taylor se prendió fuego, cuando algunos de esos mismos fans de Swift descubrieron una entrevista de

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2016 en la que Lipa, en un cuestionario estilo perros o gatos, debió contestar si prefería a Swift o a su enemigo público Kanye West, y lo prefirió a él, enfáticamente y sin ninguna duda. “No estaba pensando en el enfrentamiento entre ellos”, dice. “Estaba pensando en su música, y Taylor es fantástica, pero o soy tan fan del hip hop que elegiría a Kanye por sobre cualquier otra persona”. El resultado fue una descarga de ira por parte de los fieles de Swift. “Me mandaron emojis de serpientes, no sé, como por tres días seguidos. Decían: ‘Ojalá te mueras’. Y yo decía: ‘Hey, prácticamente no dije nada’”. Ahora, ensayando en SNL, las preocupaciones e Lipa acerca de “Homesick” eran acertadas. Con las piernas cruzadas, la espalda reta, agarra un micrófono inalámbrico con la mano izquierda y apoya la derecha firmemente sobre el piano, no porque sea lo más natural, necesariamente, sino porque su coach vocal, Lorna, le dijo que esta pose la ayudaría a darle fuerza para catapultarse hacia las primeras notas altas, difíciles de alcanzar. La performance se siente rara y, cuando termina, Lipa hace una mueca de descontento: una nota alta en particular resultó estar irritantemente fuera de su alcance. En segundos está en una reunión con su equipo. Jules le pone play al video que filmó; Lorna se lanza a ejercicios vocales. Lipa escruta el teléfono y hace ruidos raros para Lorna, después el equipo de filmación de SNL, regresa a su posición y es hora de probar nuevamente. Esta vez, cuando empieza la segunda estrofa, Lipa agarra el micrófono con las dos manos, se lo acerca al pecho, después levanta la palma izquierda junto a su mejilla donde, como se captura en un primer plano, tiembla, ayudando a darle más drama a la interpretación. Es un ajuste minúsculo, pero Lipa puede darse cuenta, tras ver el video de Jules, de que va a hacer una gran diferencia. (El día del show repetirá en vivo estos movimientos casi con exactitud). Unas tres docenas de miembros del equipo y otra gente del entorno que pa-

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san por ahí van quedándose a observarla, cautivados. Cuando termina, todos de lanzan a un aplauso, Parece que verse espontánea requiere mucho trabajo. Dua Lipa no toca en un lugar tan chico desde hace tiempo. El último otoño, tocó dos noches en el Madison Square Garden, como telonera de bruno Mars. Tiene un sonido apropiado para estadios: bases grandes, melodías grandes y vocales aún más grandes. Empezó a postear covers en YouTube desde la casa de una amiga cuando tenía 15 años, e incluso en ese entonces no tenía miedo de encarar material a todo pulmón de heroínas como Christina Aguilera y Joss Stone. Estos covers eran parte de una estrategia consciente: “Era como un portfolio. Yo iba a recitales, me hacía amigos, y si alguien me decía: “Soy productor” o “soy compositor”, yo le decía: “Bueno, yo tengo estos covers…” Una serie de encuentros así, en persona y por Internet, la llevaron a Ben Mawson, un manager de música cuya nómina de clientes incluye a Lana Del Rey. La contrató, y “literalmente al día siguiente”, reservó un espacio en un estudio junto a lo que sería un desfile de compositores varios. Lipa dijo que tenía una vaga idea de cómo quería sonar, inspirada en s pasión por el pop y el hip hop, pero ciertas particularidades desconcertaban a algunas personas: “Yo entraba al estudio diciendo: ‘Quiero sonar como Nelly Furtado y J. Cole’, y la gente me decía: ‘¿Qué carajo?’” La inspiración llegó de lugares inesperados. Una vez, mientras componía junto con el grupo electrónico con base en Londres RITUAL, Lipa estaba forcejeando por encontrare la vuelta a un tema inconcluso: “Estaba atravesando una separación difícil. Alguien que me había hecho sentir que no era lo suficientemente buena. Pero cuando compuse esta canción, quería que pareciera que era él el que estaba obsesionado conmigo”. La canción “era buena, pero el estribillo no estaba. Pensamos: ‘Descartémosla’. Y yo estaba revisando Tumblr, y vi las palabras ‘Más hot que el infierno’ en rojo sobre un fondo negro. Y pensé: ‘¡Esto está bueno!’. ¿Y si él pensara que yo soy más hot que el infierno, y fuera y la que no lo quiere a él?”. El single, “Hotter Than Hell”, alcanzó el oro en el Reino Unido. Con esa canción, Lipa dice que finalmente encontró un tema que sonaba específicamente como suyo. La presentaba a los fans como una suerte de guerrera del amor: en sus letras aparecen momentos de vulnerabilidad y anhelo, pero lo que prevalece siempre es la mujer directa que no se come ninguna. “New Rules” es como un plan de batalla de tres puntos para distanciarse definitivamente de un chico problemático; un single más reciente, “IDGAF”, es casi como su secuela, en la que este ex tormento romántico aparece de la nada, interesado en reavivar las cosas, y Lipa no le da cabida.

Estas canciones no son exactamente autobiográficas, pero Lipa dice que tiene una amplia experiencia en el campo de los novios pelotudos. A veces sus ex eran “emocionalmente manipuladores”; a veces sus fracasos amorosos eran más cómicos. “Salí con un tipo que literalmente no comía ningún vegetal”, recuerda. “Yo pensaba: ‘Esto es terrible. Comes como si fueras un nene de cinco años. Yo me voy a la mierda’” Hace unas semanas, Lipa estaba mirando los Grammy, maravillada con la actuación de Kendrick amar. El evento fue criticado por la falta evidente de representación femenina: Alessia Cara fue la única mujer en ganar un premio durante todo el programa y se le negó a Lorde una performance solista a pesar de estar nominada a Disco del Año (y ser la única mujer en su categoría). El presidente de la Academia de los Grammy, Neil Portnow, echó más leña al fuego cuando se refirió a esta disparidad sexista y dio que las mujeres en la música tenían que “subir el nivel” para lograr mayor participación. Lipa se entusiasma hablando de esto. “Las mujeres ya subieron el nivel”, dice. “Pero necesitamos que nos den una oportunidad” (Portnow luego se disculpó por sus palabras). Sacude la cabeza. “Estos hombres que están en el poder deberían estar apoyando todo lo que está pasando, apoyando la igualdad, en lugar de decir: ‘Ustedes no están trabajando lo suficiente’” Lipa dice que, cuando era chica, aprendió de primera mano lo que significa el trabajo duro. Nació en Londres, y viene de una familia de albanos de Kosovo, que se fueron de su país cuando quedó envuelto en conf lictos políticos. Sus padres eran empleados inmigrantes que “trabajaban en restaurantes y bares y cafés”, dice, llegando como podían a fin de mes. “Trabajaban mucho, mucho, y mientras hacían eso, mi papá fue a la escuela nocturna para recibir un título en Negocios, y después una maestría en Periodismo, y después se metió en Publicidad. Mi mamá estaba estudiando Derecho antes de la guerra, y cuando se mudó a Londres estudió viajes y Turismo” La música ocupaba un lugar importante en la casa de Lipa gracias a su padre, que en su juventud tuvo un grupo de rock kosovar llamado Oda. “Lo hacían para divertirse”, dice, “pero de repente tuvieron una canción famosa llamada ‘Beso ne Diell’ que significa ‘Creé en el sol’. Hice un show en Kosovo hace dos años, y mi grupo y yo decidimos sorprender a mi papá y cantarla. Fue surrealista, porque todo el mundo en el público se sabía a letra y la cantaba con nosotros”. Cuando Dua apenas era una adolescente, los Lipa se mudaron de regreso a la capital de Kosovo, Pristina. “Yo hablaba el idioma, pero no podía leer ni escribir, así que mudarme ahí fue intimidante Los otros chicos

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no tenían errores de ortografía en su tarea y yo sí. No sólo eso, sino también además ser la chica nueva de la escuela, cuando todos ya habían hecho sus amistades. Fue muy estresante”. Pero se hizo amigos, y la iniciaron en el hip hop. Su primer recital fue de Method Man y Redman. El segundo fue 50 Cent. A los 15, decidida a intentar una carrera musical, Lipa convenció a sus padres de que la dejaran mudarse a Londres sin ellos, quedándose con un amigo de la familia, y registrándose en la Escuela Teatral Sylvia Young, cuyos exalumnos incluye a Amy Winehouse y Rita Ora. Un par de años después, “llegó n momento en el que tenía que decidir lo que quería estudiar en la universidad, y no sabía”, dice Lipa. “Sabía que lo único que quería hacer era música. Así que dije: ‘Déjenme tomarme un año sabático y ver lo que pasa’”. Antes de el final de ese año, consiguió su primer contrato discográfico con un sello grande. Cuando termina con los ensayos de SNL, Lipa se mete en el asiento trasero de un auto en dirección a su hotel, ubicado en el Lower East Side. Había paparazzis esperándola intermitentemente, pero ahora no hay ninguno a la vista. Intentamos conseguir una mesa en el restaurante del hotel, pero no abre hasta dentro de media hora. Nos quedamos parados en el lobby, planeando el siguiente paso. Tener tiempo libre es raro para Lipa en la actualidad. Hace un par de días, estaba en Montreal para un concierto en el que encabezaba la nómina. Poco tiempo antes de eso, estaba en Jamaica, en los venerables Geejam Studios, produciendo canciones para su siguiente disco. “Quiero que siga siendo pop, pero acercarme más al soul”, dice acerca del proyecto. “Mi voz se inclina hacia ese género” Enumera algunas cosas en las que se estuvo inspirando: “Electric Chair”, dice Prince; el nuevo disco de Francis and the Lights; mucho Outkast. Ya estuvo unos meses en el estudio con creadores de éxitos de platino como Mark Ronson y la mente maestra del pop, Max Martin. “Pasé una semana con Max, y fue la primera vez en la que sentí que había mucho más método detrás de las cosas sobre as que estaba componiendo. Con él, primero estableces las melodías, as escuchas y una y otra vez, y dices: “Quizás deberíamos cambiar esta nota’” Cuando llegó la hora de escribir letras: “No puedes usar las mismas palabras muy seguido, muy cerca una de la otra. Y no puede empezar todo en la primera negra, porque no es interesante. Le mostré algunas cosas que hice en Jamaica, y me dijo: “Podrías totalmente simplificar esto. Repite eso dos veces. Hazlo más fácil para el oyente’. El tiene muchas reglas y teorías”. Esa suerte de abordaje sistemático atrae a Lipa, quien tiene muchas listas en su teléfono, que saca para mos-

trarme: “Esta es como los 100 libros que tengo que leer antes de morirme. Los compré todos, y mi meta es leerlos todos”. Acaba de terminar Las chicas, el libro de Emma Cline inspirado en los asesinatos de charles Manson, y le encantó. Ahora está en el medio de La insoportable levedad del ser. “Creo que me ayuda a escribir canciones”, dice. Todavía hay un tiempo muerto antes de que el restaurante nos dé una mesa. “¿Te opondrías a comer el postre antes de la cena?”, pregunta. Caminamos a la otra cuadra a una heladería. “Este es el tercer día seguido que vengo acá”, señala, hundiendo la cuchara en un vaso de algo vegano sabor vainilla. “No quiero perder el apetito antes de cenar”, dice. “Pero a veces hay que romper las reglas”.

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LLEGANDO AL CIELO Hits, autos caros y Cardi B: en una nueve de humo y desamor con los tres reyes del hip hop.

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La vida del uno por ciento más rico del hip hop transcurre en una mansión cerrada en Atlanta, en un predio de más de 8.000 metros cuadrados con dos Bentleys estacionados en la entrada, y cuando abres la puerta una nueve de porro te golpea en la cara. Bienvenidos a la enorme y casi vacía cada de Offset, del grupo de trap Migos. Algunos cuartos no tienen nada excepto ropa en el piso. En otros parece nunca haber entrado nadie. Los muebles aún tienen la etiqueta puesta. “Todavía nos estamos acomodando”, dice Offset. “Estuve tanto de gira que casi no vine para acá”. Te lo puedes imaginar pagando la casa apenas ayer, con pilas de billetes nuevos porque, como dice en “Bad and Boujee” (el éxito de Migos del año pasado), Offset tiene mucho dinero recién ganado. De hecho, hay 100.000 dólars tiraos en este momento en la barra, en billetes de 100 enrollados con banditas elásticas. Y, en la mesada de la cocina, hay 1,27 millones de dólares en joyas, incluyendo un reloj de Audemars Piguet y otro de Patek Philippe. “El reloj sobre el que todos rapean, yo lo tengo”, señala Offset. Es más rico que lo que se imaginaba en sus sueños de adolescente. “No sabía que iba a ser tan grande, honestamente”, dice. Migos -o The Migos, como el grupo se suele llamar a sí mismo- no es una banda grande. Son gigantes. Offset, de 26 años, su primo Quavo, de la misma edad, y Takeoff, el sobrino de Quavo, de 23, trascendieron el hip hop para inf luir en toda la nota. Son íconos de la moda que se visten con ropa audaz y apretada, y en general se ponen seis o siete cadenas de diamantes al mismo tiempo. Ayudaron a crear el dab y lograron que todo el mundo, desde el jugador de fútbol americano Cam Newton hasta tu papá, lo hicieran. Donald Glover puso a Migos en la serie Atlanta y dijo que “Bad and Boujee”, era “la mejor canción de la historia”. Se podría decir que Migos es el grupo más inf luyente de los últimos años en cualquier género. Desarrollaron un tipo de rima emblemática: pequeñas descargas de palabras en tresillos. Kanuue y Drake usaron el Migos Flow; otros MCs lo conviertieron en su principal estilo. (Como señala Takeoff, las rimas en tresillos son anteriores a Migos -grupos como Bone Thugs-N-Harmony y Three 6bMafia ya las usaban en los 90- pero la forma acrobática y elegante con la que las usa Migos las hace sonar como algo nuevo). Algunos puristas del hip hop se quejan de que el sonido es robótico y está sobreutilizado, pero suenan como abuelos que les ladran a los chicos del barrio para que se vayan de sus jardines. Hay un mem popular en el que los fans dicen que los Migos son “mejores uqe los Beatles” y, como los Fab Four, los tres Migos tienen personalidades distintas. Quavo (nacido como Quavious Marshall) es el líder, carismático y seguro, y se lanza rápidamente a hablar

de cualquier cosa graciosa. Era un mariscal de campo estrella en la secundaria, con el récord del Condado de Gwinnett en pass completos en un partido 28. Takeoff (nacido como Kirshnick Ball) es el tipo que habla sólo cuando realmente tiene algo para decir. Cultiva un perfil bajo, hasta que es hora de rimar, y entonces explota con energía o sencillamente “despega”, como indica su nombre. Offset (Kiari Cephus) es más profundo, más serio. Tiene esa voz áspera que es tan dura… Tuvo problemas con la ley, incluyendo un arresto en 2011 por hurto y posesión de marihuana. En 2015, el grupo entero fue arrestado por posesión de armas y drogas; Takeoff y Quavo arreglaron para reducir sus penas, pero Offset pasó ocho meses en la cárcel, según algunos, como un criminal, lo cual él rechaza. “No soy un maldito criminal”, dice firmemente. “Era joven”. Admite haber cometido crímenes cuando era adolescente. Dice: “Hacía boludeces, pero se lo escondía a mi mamá. Escondía la droga para que no la viera mi mamá”. Según su versión, el tiempo que pasó en las calles fue parte de un plan de negocios: una forma de juntar el capital para lanzar Migos. Pero todo esto son noticias viejas. Ahora, estamos a principio de diciembre pasado, y los Migos se apuran a terminar Culture II, el sucesor del disco de platino Culture, de 2017. El álbum sale en tres días, y tienen 30 canciones muy buenas que quieren reducir a 20 o 21 perfectas, lo cual significa que todavía hay mucho rabao por realizar. Pharrell hizo algo de producción, Big Sean y Ty Dolla $ign grabaron unas rimas, y Travis Scott contribuyó con voces, Los Migos dicen que Kanye West también colaboró en algunas canciones, pero no planean usarlas todas en Culture II. “Hizo más (canciones)”, dice Takeoff. “Ahora las estamos guardando, man”. Hoy, Offset parece un tipo elegante, aunque la verdad es que el mundo lo tiene sumamente cansado. Está vestido todo de negro: gorra de lana, suéter con cuello alto, pantalones de cuero y medias. El look le queda tan bien como si estuviera por salir a una pasarela. Hace malabares ente una visita de su abogado y llamados de managers y productores. También hoy, arriba, hay una invitada muy nota de tapa: su prometida, Cardi B. La pareja se conoció hace más o menos un año, por la insistencia e iniciativa de Offset. Cuando la vio crecer como artista, su interés aumentó, hasta que finalmente explotó. “Yo pensaba: ‘¡Maldita sea, estoy enamorado! Dice. “Pensaba: ‘La puta madre, ¡me gusta Cardi B!’” Entonces hizo que un publicista armara una cena en Nueva York para un grupo selecto de mujeres, entre ellas Cardi. Su primera cita fue en el Super Bowl. Offset dice: “¡Esa fue una jugada poderosa!”. Cardi se abalanza escalera abajo, con su largo pelo rubio volando detrás de ella como una capa. Está llegan-

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do tarde a un vuelo a su casa, en Nueva York, pero se detiene un momento antes de subirse a un auto y habla de Offset con chispas en los ojos. “Siempre está cuidando a todo el mundo”, dice. “¿Viste esa gente que tiene plata y tiene que cuidar a todos? El tiene que cuidar a sus bebés, así que trabaja demasiado, más que cualquier otra persona que yo haya visto en mi vida”. Offset está todo el tiempo hablando de dinero, ya sea de sus planes para ganarlo o para gastarlo. Le encanta no hacer nada, pero también le encanta ser capaz de cuidar a su familia. “Quiero tener dinero generacio-

nal”, dice. “Tengo tres hijos, bro. Necesito que todos mis hijos tengan educación y plata”. Sus hijos tienen 8, 2 y 2. No, los de 2 años no son gemelos. “No quiero ser uno de esos raperos que tenían plata, pero que ahora están en un programa de televisión para poder mantenerse”. Dice Offset. “Prefiero salir de la escena, poner la plata en Bitcoin”. Oh, ¿cuánto tienes en Bitcoin ahora? “No me gusta hablar de mis inversiones”. OK. ¿Hay alguna inversión de la que puedas hablar? “Compré cinco casas en Atlanta y las puse a nuevo. Tripliqué mi plata. Hice como 170.000 dólares” Ahora Offset va por más: quiere comprar un edificio comercial entero.

En octubre, en un recital en Filadelfia, Offset le pidió matrimonio a cardi sobre el escenario, frente a miles de personas. ¿Por qué hacerlo así? “Para que no pensara que estaba jugando”, dice. “Que todo el mundo lo vea. Debo haber gastado medio millón en eso (el anillo)”. ¿Por qué quieres casarte con ella? “Es muy sólida, viene del mismo lugar que yo, hizo lo que yo hice. Ella es ella misma, man. La vi subir desde las trincheras hasta la cima del mundo, y me gusta cómo lo hizo. Respeto su fuerza como mujer. Entró al juego con cosas gangsta. Me gusta eso. Cojo con ella. Es mi bebé”. Pero resulta que, a principio s de enero, Cardi sugirió en las redes sociales que Offset la había engañado (después borró el tweet). En la misma época, más de un video sexual -supuestamente hecho por Offset- se filtró en Internet. Después del post de Cardi, le pregunto a Offset si siguen teniendo planes de casamiento. “No, ahora no lo estamos planeando”, dice. “Estamos tranquilos. No tenemos tiempo para eso ahora”. Cuando le pregunto por lo que pasó, se niega a hablar de ello. “Es mi vida real”, dice con firmeza. “No es un recital. No es un puto juego, ¿me entiendes? No es un juego. Es mi vida” Poco tiempo después de decirme esto. Offset despejó dudas cuando se tatuó el nombre de Cardi en el cuello. Es casi medianoche y estamos afuera de los estudios Quality Control, en Atlanta. Se abren las puertas de un Mc Laren. Entonces Quavo salta del auto y exclama, a nadie en particular: “¡Soy un rockstar! ¡Pero ustedes ya lo saben!”. Quavo se dirige al Studio C y enseguida empieza a trabajar en una base mientras come pollo frito y puré de papas de Magic city, el famoso trip club de Atlanta. Come con la mano derecha mientras con la izquierda toca un teclado Akai MPK Mini y DJ Durel, el DJ, productor e ingeniero de sonido durante las giras, está sentado a su lado, arreglando sonidos en su laptop. Mientras come, Quavo se arma un porro, toma Hennessy y escucha la base en progreso. Es un genio para inventar estribillos pegadizos, aunque también es un beatmaker meticuloso. Una y otra vez, Quavo toca un arreglo en el Akai, y después dice: “Atrás, atrás”, después escucha y toca de nuevo una melodía. Le pide a Durel que ajuste la ase una y otra vez, hasta que finalmente queda satisfecho. Es una basecita Funky con algo de bajo y caja de ritmos, y mientras el tema resue-

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IPOP#80 na en el estudio, Quavo dice: “¡Eso es hard!” (el cumplido preferido de la banda). Migos grabó parte de Culture II en medio de una gira mundial, lo cual significó un gran cambio para ellos: parte del ingrediente secreto de Migos es q graban mucho más en sus estudios caseros que en cualquier otro lado. “En casa estás más cómodo que la mierda”, explica Offset. “No vas a pensar: ‘¿Es hard esto?’. Estás en tu zona de confort. ¡’Bad and Boujee’ lo hicimos en mi casa!” dice que grabó sus partes con su hijo más joven sentado en el piso, al lado de su pierna. Esta vez, en Sudáfrica, por ejemplo, grabaron en un hotel donde había monos caminando y saludándolos. “Estábamos componiendo en medio de la selva”, recuerda Takeoff. “Nuestro patio eran, no sé, árboles”. Todo esto tuvo un impacto en lo que compusieron. En una canción, dice Takeoff: “(Quavo) decía: ‘Directo de la selva, directo de la selva’, como si fuera una cosa estilo Bob Marley. No habríamos dicho nada de eso si o hubiéramos estado en ese ambiente”. Más allá del entorno inusual, culture II tiene “el sonido de Migos original”, dice offset. “Para la discoteca. El beat y el bajo son todo. No somos artistas lentos. Es liviano, es divertido”. “Sigue siendo trap”, agrega Takeoff. “Nos pusimos un poco más Funky, pero no es funk puro. Sigue teniendo una onda Migos”. Offset dice que su público más crucial son las mujeres. “Incluso si es gangsta, trap., a las bitches tiene que gustarles”, dice. “Mira, ‘Bad and Boujee’ es un tema para chicas. Hacía que todas ellas quisieran levantarse y sentirse mejor consigo mismas. Cuando tienes a las mujeres, tienes todo. Si un nigga quiere sabe el secreto para hacer hits, la respuesta es que les guste a las mujeres”. En el Studio A, Offset está trabajando en voces para otra canción. Los Migos en general trabajan por separado, y después se pasan pedazos de canciones que completan o descartan. A Offset le gusta grabar sus voces sentado en una silla detrás de la consola. Mientras suena su base una y ora vez, improvisa sobre ella. Suena como James Brown hablando de cualquier cosa en un disco, con el mismo estilo en el que se movía, agresiva y rítmicamente, sobre los temas. Por momentos, también, incomprensiblemente. Con el tiempo, Offset empieza a escuchar palabras que emergen. Primero escupe: “Tuve que poner a mi mamá en el Maybach”. Un segundo después prueba con: “Vengo del fondo, de la nada”. Después: “Rompiéndome la espalda desde hace tiempo, uh…” Cuando eran más jóvenes, los Migos tenían una regla de oro a la que llamaban “de los 20 minutos”: no pasaban más tiempo ue ése tratando de componer una estrofa. Ahora, los temas les llevan bastante más tiempo, pero una clave de su sonido es que nunca escriben las letras que van a rapear. Simplemente improvisan y v

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en lo que pasa en el momento, lo cual evita que piensen demasiado las cosas, y ayuda a que el instinto tome el control de su proceso creativo. Los Migos piensan mucho en el ritmo, en que cada sílaba esté en el lugar exacto, y en dejar la cantidad perfecta de espacio entre palabras. “Siendo que mi oz es un redoblante”, dice Quavo. “Siento que mi voz es un bombo. Y, lo más importante, siento que mi voz es un bajo”. La improvisación es una gran parte de esto. Esas pequeñas interjecciones entre compases, gritos como “¡shine!” (una referencia a las joyas) o efectos de sonido característicos, como “bwah”, “skrrrt” o brrrup” acentúan el ritmo y agreguen energía. “Cada base tiene su propio lugar donde no hay nada sonando por medio segundo, y ahí es cuando tienes que agregar las improvisaciones”, dice Quavo. “Que ese hijo de puta suene como un hi hat o un redoblante”. Una de las razones por las que los Migos se ven tan conectados entre sí en el estudio es que vienen haciendo esto mismo desde la infancia. Cuando eran chicos, Quavo y Offset se empezaron a relacionar porque compartían un dolor familiar. Cuando Quavo estaba en octavo grado, su madre se enfermó. “Se agarró una infección en la pierna”, dice, “y tenía que pagar tanto las cuentas como sus remedios. Y yo veía eso, y me dolía mucho”. Quavo dice que su padre murió cuando él tenía 5 o 6 años, y que mientras su mamá luchaba contra el dolor y los cuidaba a él y a sus dos hermanas mayores, él decidió que tenía que madurar. “Hizo que me enfocara. Yo dije: ‘Voy a hacer que (el hip hop) funcione’. Desde entonces, fue como magia”. Offset, por su parte, recuerda cando vio cómo metían preso a su hermano mayor. “La gente no sabe esto, pero él me enseñó prácticamente todo lo que sé. Le dieron 15 años en la cárcel, man, cuando yo estaba en octavo grado. Eso me jodió mucho”. En esa época, Quavo y él empezaron a pasar interminables horas trabajando en sus talentos y desarrollando su particular estilo de rima. Takeoff se sumó al poco tiempo: los tres Migos vivían juntos en la casa de tres habitaciones que tenía la mamá de Quavo. Sacaron su primer mistape en 2011 y dos años después, en 2013 tuvieron su primer hit con “Versace”. Ahora, a los Migos los acosan cuando caminan por la calle y gastan plata como sultanes. “Podríamos tomarnos el avió privado a Los Angeles”, dice Quavo al pasar, como quien diría: “Podríamos ir en auto al 7-Eleven”. Quavo incluso puede hacer cosas como ir y comprarle a su mamá una casa grande como regalo de Navidad. Dice que, de hecho, compró la casa a medias con Takeoff -la mamá de Quavo es la abuela de Takeoff- pero aún así… “Ella estaba muy, muy emocionada”, continúa Quavo. “Lloró todo el día sin parar”.

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Además del éxito, también hubo algo de drama ocasional en los inicios de su carrera, incluyendo una confrontación con Cris Brown en los BET Awards del año pasado y dos incidentes en los que los integrantes del trío fueron acusados de homofobia. En ambas instancias, se disculparon, diciendo más o menos algo como: “Amamos a todas las personas, gay o hétero, y pedimos disculpas si ofendimos a alguien”. También hubo un momento loco con Joe Budden. Budden es un rapero que hasta hace poco tiempo era co-conductor de un programa de Internet popular llamado Everyday Struggle. Cuando Migos apareció en el programa, Budden los insultó y se fue del set a mitad de la entrevista, lo cual hizo que Migos y su entorno se prepararan para la pelea. Parecía que la batalla era inminente. El video explotó en Internet. Quavo llegó a usar “Joe Budden” como sinónimo de una persona que odia (lo dice en el estribillo de “Ice Tray”, una colaboración entre Quavo y Lil Yachty de fines del año pasado). Pero ahora Quavo no lo desdeña. “¡Nunca tuve una pelea con Joe Budden!”, dice. “Siempre dije: ‘¡A la mierda con él!’. No es una falta de respeto si yo digo: ‘A la mierda con él’. No es: ‘ la mierda, no lo molesto a él, y él no me molesta a mi’. No es una pelea. El es un tipo que tiene todas sus opiniones de mierda para molestar a los artistas. Y además de eso, él mismo era artista, así que sabe perfectamente cuáles son las cosas que tiene que decir para molestarnos”. En un video que posteó Budden, se ríe de la canción y dice: “Son una basura”. Pero cuando le pedimos un comentario para esta nota, lo único que dice es: “Me encanta el Señor Quavious”. A las dos de la madrugada, es hora de dejar el estudio para ir a relajarse al strip club. Toda la familia Migos -unos 15 tipos en total- se mueve en una caravana de ocho autos caros que incluye el Bentley Bentayga de Offset, el Bentley de su amigo Lil Yachty, y el McLaren de Quavo. Nos movemos en fila como una serpiente de acero por las calles de Atlanta, excepto que Quavo tiene que estar primero en la fila siempre, así que se a cambiando de carril de manera poco prudente, acelerando a fondo, pasando semáforos en rojo sin ningún tipo de remordimiento, con el motor rugiendo fuerte detrás de él. Quavo maneja con seguridad. En realidad, Quavo hace absolutamente todo con seguridad. Cuando le pido que me nombe a sus cinco raperos preferidos, menciona a seis: Tupac, Biggie, Jay-Z, Kanye, Gucci Mane, y por supuesto, él mismo. Tuvo varias docenas de apariciones como invitado de otros artistas a lo largo de 2017, en canciones de todo el mundo, desde Liam Payne hasta Mary J. Blige. Se muere por ser más famoso de lo que ya es. “De hecho, quiero sentarme en el sofá del programa de Ellen”, dice. “Sentarme con Jimmy Kimmel, con Fallon o algo

Hacer las cosas que hacen las estrellas Planea convertirse en una triple amenaza. “Quiero ser parte de todo. En la secundaria, jugaba a tres deportes, y en la industria estoy tratando de jugar a tres deportes también”. Se refiere a hacer música, actuar y producir pelíclas. Hace poco dijo que estaba trabajando en algo inspirado por las películas que le gustaban cuando era chico. “Juice, Menace II Society, todas las de Snoop Dogg, las de Master P, I Got the Hook-Up Baller Blockin’, las películas de Big Tymers”. Mientras el McLaren sale disparado a toda velocidad en una esquina, Quavo me descubre presionando el pie contra el suelo, como si estuviera pisando un freno invisible, totalmente atemorizado. Y que alguien no se sienta cómodo mientras él maneja “¡No estés nervioso!”, me ordena. Como puedes imaginarte, eso no me calma en lo más mínimo. Una semana después, los Migos están en un remolque en Los Angeles, fumando marihuana y tomando algo y hablando de boludeces sin parar antes de dar un show en el evento de estreno de la muy planificada y muy vista película de Will Smith para Netf lix, Bright, justo antes de salir para una fiesta de cumpleaños en nota a Offset. Mientras Offset habla por FaceTime con Cardi B y Lil Yachty agarra una caja de cereales de la marca Apple Jacks, Quavo empieza a ser el centro de atención de la habitación. Alardea con que se va a fumar un porro en el medio de la sala de cine “¡Perdón, Will Smith!”, dice entre risas (Mar tarde, Quavo efectivamente cuplé con su palabra). Takeoff, en cambio, está parado a un costado del cuarto, armándose su tercer porro de la tarde, De hecho, Takeoff está constantemente armando porros. Sólo se detiene cuando la conversación es sobre algo que le interesa, en este caso Tupac y Biggie, sus peleas y sus muertes. Entonces se despierta y, bueno, despega, hablando mucho, con los ojos encendidos mientras discutimos teorías sobre quién los mató y sobre la historia del hip hop en general (lo cual es apropiado, porque al tipo le encanta la música) A REL, uno de los managers de Migos, le encanta contar una vieja historia de una vez en la que los paró la policía cuando Takeoff tenia más o menos 14 años. Ciuando el policía e preguntó a Takeoff cá era su trabajo, la estrella de Migos dijo: “Soy rapero”. Hablando sobre Takeoff, Offset dijo: “Charla mucho con la gente que se coge y que ama, pero, en general, es super callado con todos los demás. Analiza mucho lo que ve a su alrededor, y justamente por esto es que rapea tan bien. Takeoff tiene una mierda muy fuerte. Es un tipo sumamente poderoso”. Media hora pasada la medianoche los chicos, ahora con Cardi, se dirigen hacia un club en el Downtown para la fiesta de cumpleaños de Offset. Offset tiene

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IPOP#80 puesta una camisa de manga larga negra de mujer, con diamantes, marca Saint Laurent. Es decadente al estilo de Liberace, y cuesta más o menos 20.000 dólares. Se abren paso hacia el escenario, donde se suben y rapean con su propia música y exhiben sus joyas hasta que es hora de la última ostentación de la jornada. Cuando la fiesta empieza a tranquilizarse, Offset y Cardi

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salen afuera, donde los espera el regalo de cumpleaños de él un Rolls-Royce Wraith de 400.000 dólares, color menta y blanco. Offset grita y baila y se sube al asiento del conductor. Cardi se sienta en su falta y se abrazan. Parecen un rey y una reina intercambiando diamantes. “¡Me subo a esta menta!” grita Offset. “Si, ¡Dios!”

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THE VACCINES – COMBAT SPORTS What Did You Expect from The Vaccines? puede referirse o bien al nombre del primer trabajo de la banda londinense o bien una pregunta que podríamos hacernos antes de escuchar su nuevo disco, titulado Combat Sports, lanzado el pasado marzo y que obviamente no tiene una respuesta demasiado fácil o inmediata. Un power rock que estuvo presente en todos sus discos pero que a partir de los últimos comienza a diluirse, solo que en Combat Sports llega a su estadío más endeble, aguado y que carece de fuerza vital. Pero eso no quiere

decir que esté muerto, sino que es distinto, un poco más solemne. Quizás de una banda más madura que dejó el garaje y las presentaciones pequeñas para dedicarse a los estudios y a los grandes festivales. Promediando el disco, los creadores de “Post Break-Up Sex” o “Wetsuit” recuperan ese poder con “Out On the Street”, melodía rápida y concisa, con cambios en el tono de voz en un estribillo pegadizo y pura fuerza de guitarra que le da un ritmo increíble, algo que se mantiene en parte hasta “Rolling Stones”, el último tema.

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FRANZ FERDINAND – ALWAYS ASCENDING El álbum es desangelado. Quizás “Slow Don’t Kill Me Slow”, el último track, muestra cierta ambición con un final grandilocuente, pero ni siquiera. 943.103 seguidores en Spotify (consultado el 19 de febrero) hablan del ocaso de una banda que supo ser número uno. Las ilusiones de que volvieran a editar un material que los devolviera a las ligas mayores fueron extinguiéndose con el paso de los años y de los discos. Sin contar los abismos temporales entre sus placas (2004, 2005, 2009, 2013, 2018). Las expectativas eran altas, pero el resultado es decepcionante. Alex Kapranos expresó que

Always Ascending es “una mezcla homogénea de futurismo y naturalidad”. Quizás en un comienzo el sonido de Franz Ferdinand, entre Bowie, Talking Heads, The Smiths, Duran Duran y otros, sonaba innovador. Pero ese futurismo del cual habla y el “ascenso” con el que se ilusiona desde el título, ya fueron asimilados hace años por un público que espera siempre, un poco más.

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MGMT – LITTLE DARK AGE Little Dark Age es quizás el trabajo más conciso de MGMT a la fecha. Luego de perderse un poco en el camino, VanWyngarden y Goldwasser retoman la fórmula en que se toman la música: como un juego que les ayuda a deshacerse de su malestar existencial y a pasar un buen rato. Aunque sí (spoiler alert!) se siguen quejando de las cosas, y en este caso, se la agarran con la tecnología. Little Dark Age es un álbum que captura el sentimiento oscuro que siente la banda acerca del mundo actual y lo canaliza a través de la música y la ironía. MGMT exorciza sus

demonios y ajusta el rumbo. Se muestran como una banda más madura que se hace cargo de sus asuntos y eligen recuperar un sonido armonioso y divertido, repleto de sintetizadores vintage y la cantidad justa de psicodelia-pop. Si algo que siempre han sabido hacer VanWyngarden y Goldwasser es cerrar álbumes, y este caso no es la excepción. Como despedida queda el tercer single, la burlona y desapegada “Hand It Over”, que capitula el trabajo más homogéneo de MGMT.

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KALI UCHIS – ISOLATION La joven colombiana no la tuvo fácil, de adolescente sus padres la echaron de su casa y estuvo viviendo en un auto por un tiempo, ningún trabajo le daba lo que ella necesitaba y no sentía formar parte de una sociedad que siempre está lista para meterte en la misma caja. Pero si de algo estaba segura es que no iba a esperar que las cosas llegaran hasta ella, Uchis sacrificó fiestas, salidas y amistades para alcanzar su verdadero sueño. Isolation es una celebración que mira al pasado consciente de no regresar y un nuevo presente que la encuentra en su mejor forma.

Este álbum llega luego de un mixtape editado en el año 2012 titulado Dranken Babble y el EP editado en el año 2015 Por Vida. Isolation es el reflejo de un proyecto que llevó años terminar y en donde la artista se detuvo en cada detalle. A diferencia de su pasado material, este primer disco alcanza una coherencia y una búsqueda sonora dejándola en el punto más alto de su carrera.

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BRUNO VEGAS – VEGAS VIDEO CLUB Sonido ambiente, el inicio de un arpegio. Pausa. No bien comienza el EP de Bruno Beguerie aka Bruno Vegas ya estamos completamente abstraídos en ese clima intrínseco y confidencial que nos sugiere. Un viaje lo-fi a más no poder, donde la distinguida sensibilidad del mendocino conjuga apacibles susurros y desgarradores gritos con gran criterio. “Cuánto cuesta verte sonreír”, declara Bruno en “Diciembre“. Inesperadamente nos revela una cara diametralmente opuesta a la que muestra en Perras on the Beach, agitándola desde las 4 cuerdas en su disfraz de Pikachu. Lejos de

aquella energía adolescente y bajo una admirable soledad, Vegas nos sumerge en su más profunda intimidad. A través de susurros y con una escrupulosa tranquilidad (propia del adolescente intentando ocultar la ebriedad a sus progenitores), Bruno se hace preguntas para las que lamentablemente no tenemos respuestas. ¿Dónde estará esa persona? ¿Qué carajo hace uno solo en este lugar?Cuestionamientos recurrentes de un joven de 15/16/17 años que Vegas logra acompañar excepcionalmente con los acordes y melodías adecuadas.

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TITUS ANDRONICUS – A PRODUCTIVE COUGH Titus Andronicus se diferenció de los editados mencionados anteriormente por el hecho de colocarse en el costado menos cool de la movida musical de su momento. La innovación no estuvo por allá en el 2000 en el electro rock, como todos decían. Según Patrick y sus compañeros musicales, el entendimiento estuvo en seguir las palabras de Bob Dylan y aprender todo lo que se pueda de The Rolling Stones y esa dorada época del rock sesentoso. Es más, en este disco hacen el cover “Like a Rolling Stone” de nuestro querido Bob.

En definitiva, se puede volver a creer en el amor, pero para eso necesitamos que nos demuestren cuánto nos quieren y en el caso de Titus Andronicus, era hora de un nuevo disco. Da mucha alegría escuchar cómo una banda que no ha perdido su norte ha llegado a mejorar y saber transmitir sensaciones tal como ellos hacen. ¿Pudo haber sido más largo? Definitivamente. Sin embargo, A Productive Cough es esa caricia que necesitábamos de tan increíble banda. ¿Pueden dar más? Eso sin dudarlo.

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LA FOTO #80 LOU REED La eternidad imaginaria.

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