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BRODA

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ARGENTINA 2013

BOB GRUEN

QUIQUE ALCATENA - MOMPOX YAYOI KUSAMA - EVGENY MOROZOV FRANCISCO BOCHATÓN -


STAFF

Director artístico: Emiliano Gagliano Edición/Traducción: Sebastián Aldasoro Esteban Lleonart Diseño: Lucas Seva Bárbara Sambucetti Fotografía: Lighuen Desanto Producción: Alejandro Vergara

COLABORADORES:

Sofía Lo Forte

Rita Pintada

Quique Alcatena

EDITORIAL por Emiliano Gagliano

BRODA SIGNIFICA HERMANO BRODA MEANS BROTHER Y finalmente se logró publicar el primer número de BRODA, hecho por un grupo de talentosos y notables, que unieron fuerzas en función de una propuesta de revista mensual, gratuita y bilingüe. La intención de este trabajo que hoy llega a sus manos, es lograr una conexión desde la lectura, el diseño y la fotografía. Un broda puede ser un homeless en las calles de Nueva York o un limeño que surfea en playas para millonarios, puede ser cualquiera, no hace falta tener, ni acopiar, ni saber nada. Apuntamos al pensamiento lateral. Somos un grupo de personas bastante particulares y con curiosos intereses que queremos compartir. No intentamos ser disruptivos, pero tampoco somos condescendientes con los temas que tratamos. No nos gusta lamer botas. Broda se publica desde Buenos Aires, pero somos globales, y desde cualquier lugar del mundo se puede entender de qué estamos hablando Y como si fuese poco, somos completamente felices al lograrlo el día de hoy.

And finally, the first number of BRODA was published, made by a group of talented and prominent people who joined forces towards creating a monthly, free and bilingual magazine. The intention of this work, which you hold in your hands today, is to make a connection through reading, design and photography. A broda is a homeless who lives in the streets of New York or a man from Lima surfing in a beach for millionaires; it can be anyone, it’s not necessary to possess, to store, or to know anything. We don’t try being disruptive, but we are not condescending either. We don’t like licking boots. Broda is published in Buenos Aires, but we are global, and what we talk about can be understood anywhere in the world. And as if all that weren’t enough, we are absolutely happy with what we achieved today.

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INDICE 8 - 11 VIAJES: TOKYO PÁGINA 12 LITERATURA 16 - 18 ARTE: YAYOI KUSAMA PÁGINAS 20 - 21 COMIC: PÁGINAS

PÁGINAS

QUIQUE ALCATENA

PÁGINAS 24

- 26 GASTRONOMÍA

28 - 31 MÚSICA: MOMPOX PÁGINAS 32 - 42 ENTREVISTA:

PÁGINAS

BOB GRUEN

44 - 45 NOTA: ABSENTA PORTEÑO PÁGINAS 48 - 49 DISCOS PÁGINAS 50 - 52 CINE: FILMOTECA EN VIVO PÁGINAS 56 - 57 TECNOLOGÍA: EVGENY MOROZOV PÁGINAS 60 - 61 ENTREVISTA: FRANCISCO BOCHATÓN PÁGINAS

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VIAJES

PERDIDOS EN LA MULTITUD JAPONESA LOST IN THE JAPANESE CROWDS CUATRO ESCENAS DE TOKIO - FOUR SCENES OF TOKYO Autora: Débora Nishimoto

El término francés flâneur hace referencia al paseante, al callejero, al que disfruta de vagar, de caminar sin rumbo, abierto a todas las vicisitudes y las impresiones que se le presentan. Y no hay mejor lugar para esta actividad que Tokio, una ciudad que invita a merodear durante horas por sus rincones, haciendo un paseo sociológico por todos los barrios, únicos y diferentes. The French term flâneur makes refference to the stroller, the street roamer, the person who enjoys wandering and walking aimlessly, open to each and every mishap and impression he or she finds. And there is no better place for this than Tokyo, a city that invites you to visit every corner, on a sociological trip through all its neighborhoods, each unique and different from the other. Una de las imágenes más familiares de Tokio es una muchedumbre (con paraguas transparentes para sumar al cliché) que cruza la calle. La extrema cantidad de gente que hay en casi todas partes es una de las primeras características que el visitante conoce de antemano. Pero nadie está preparado para bajarse del tren en Shibuya —centro neurálgico y punto de encuentro de cientos de japoneses y turistas— y vivir esa experiencia en persona, en esa famosa intersección de varias calles donde se puede cruzar en cualquier dirección cuando el semáforo cambia a rojo. Lugar ideal para observar, desde lo alto de la estación, un entramado de puntos que cruza ordenadamente sin chocarse. Y luego, animarse a vivirlo en persona, a esquivar a la inmensa masa organizada que camina en diagonal, sin mirar al distraído que queda atónito ante la multitud que se le viene encima.

crossing the street. The One of the first things a visitor learns beforehand is the tremendous amount of people there are everywhere. But nobody is prepared for getting off the Subway in Shibuya –Core of the city and meeting point for hundreds of Japanese and tourists- and living that expe rience in person, on that famous intersection where several roads meet and you can cross in any direction when the traffic lights are red. Great place, too, for watching, from atop the station, the grid of little dots that move orderly, without bumping into each other. And then, daring to live it in person: Dodging the huge organized mass of people that walk in a diagonal line, not even noticing those who are distracted.

One of the most popular pictures of Tokyo is that of a crowd (with see-through umbrellas, to make it even more cliché)

La hora pico es otro momento poco recomendable para el claustrofóbico, pero más que interesante

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“TOKIO, UNA CIUDAD QUE INVITA A MERODEAR DURANTE HORAS POR SUS RINCONES” “TOKYO, A CITY THAT INVITES YOU TO VISIT EVERY CORNER”

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para el flâneur; una experiencia de la que es difícil escapar. Lo más llamativo es que una de las tantas horas pico es alrededor de las 12 de la noche, cuando parte el último tren. Uno va caminando cual turista alucinado ante la infinidad de la estación de Shinjuku mientras, a su lado, suenan los tacos de cientos de mujeres que quieren alcanzar al último tren. Y, cuando uno ve en el cartel luminoso que parte en unos minutos, empieza a japonizarse y a correr como ellos (no sea que haya que tomar un taxi más que privativo). Es así que se termina empujando a los que están en la puerta, en la lucha tan nipona por conseguir un poquito de espacio. Rush hour is another of those moments not recommended for those suffering claustrophobia, but highly interesting for the flâneur, although escaping from it may be quite difficult. Interestingly, one of the many rush hours is at midnight, when the last train departs. You are walking like a tourist, amazed with the infinity of Shinjuku station while, next to you, you hear the heels of hundreds of women going for that last train. And when you see the sign that indicates a train is about to depart, you get Japanized and start running like you are one of them (and don’t even consider taking one of those unaffordable taxis). So you end up pushing those at the door in a very Japanese way just to get some space. El vagón es hogar de diversos personajes que lo habitan efímeramente: muchos salariman (empresarios de traje y corbata) que llegan hasta la última estación y van incómodamente dormidos después de mucho sake en el after office; los desafortunados que no consiguen asiento (porque el último tren

viene atiborrado) se tambalean, borrachos, con los ojos cerrados. Las chicas lookeadas hasta más no poder, con tacos y minifaldas, maquillaje y pelo impecable, parecieran hipnotizadas por el contenido del celular. The coach is briefly home to many diverse chatacters: many salariman (office workers wearing suit and tie) that ride to the last station and sleep awkwardly after too much sake drinking after work; those unfortunate enough not to find a seat (because the last train is crowded) , stumble drunkenly with their eyes closed. The girls wear all sorts of fashionable clothes, with high heels, miniskirts, make up and an impeccable hairdo, hypnotized by the screen of their cellphones.

“LAS CHICAS VAN LOOKEADAS HASTA MÁS NO PODER, CON TACOS Y MINIFALDAS, MAQUILLAJE Y PELO IMPECABLE, HIPNOTIZADAS POR EL CONTENIDO DEL CELULAR” “THE GIRLS WEAR ALL SORTS OF FASHIONABLE CLOTHES, WITH HIGH HEELS, MINISKIRTS, MAKE UP AND AN IMPECCABLE HAIRDO, HYPNOTIZED BY THE SCREEN OF THEIR CELLPHONES” El estilo es digno de observación. La juventud japonesa invierte constantemente en belleza y vestuario, para lo cual tiene barrios específicos. Merodear por las calles de Shimokitazawa y encontrar, desde el momento en que salís de la estación, una

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una música ensordecedora de dibujo animado, luces fosforescentes, colores estridentes y humo de cigarrillo. Pachinkos decoradas según la temática: animales, cantantes de pop japonés, animé; para todos los gustos. Cientos de fumadores alienados frente a un juego difícil de entender para el occidental, con su caja en el piso llena de bolitas (algunos, afortunados, que luego la cambiarán por un poco de dinero). Another typical place, and great for the flâneur are the pachinko, a place where the Japanese bet on little machines and stay magnetized for hours in front of the constant falling of some silver spheres, with the noise of the machines, a deafening cartoon-like music, glowing lights, day-glo colors and cigarette smoke. The Pachinkos are decorated with different themes: animals, Japanese pop singers, anime… something for everyone. Hundreds of alienated smokers in front of a game that is very hard to understand for a westerner, with their box on the floor full of little silver balls (those lucky enough, who later will change for money).

“CALLES ANGOSTAS DONDE LOS DISEÑADORES QUE NO PUEDEN ALQUILAR UN LOCAL EN PLENO CENTRO INSTALAN SU PERCHERO Y VENDEN SUS EXTRAVAGANTES DISEÑOS HASTA A LADY GAGA” “NARROW STREETS WHERE DESIGNERS THAT CAN’T RENT A SHOP DOWNTOWN JUST HANG THEIR CLOTHES AND EVEN SELL LADY GAGA THEIR EXTRAVAGANT DESIGNS” casa vintage al lado de la otra, te desconcierta: ¿Un barrio dedicado sólo a la ropa usada? ¿Para tanto, Tokio? Sí, nada es tanto para Tokio: acá vienen los jóvenes amantes de los colores chillantes y los estampados ochentosos, de las camisas, sweaters de abuela y polleras plisadas, pero también de viejos vestidos de Chanel y Gucci. Kōenji es otra zona donde los amantes de la gastronomía para los ojos —en palabras de Balzac— pueden hacerse un banquete visual. Un poco más alocada, excéntrica, visitada por los japoneses que pareciera que se pusieron todo el placard encima sin pensarlo pero que, en realidad, meditaron hasta el llavero de Totoro que cuelga de la mochila de peluche. Calles angostas donde los diseñadores que no pueden alquilar un local en pleno centro instalan su perchero y venden sus extravagantes diseños hasta a Lady Gaga. Cada local es una experiencia única y cada vendedor merecería una página en aquel increíble libro de estilo callejero japonés llamado Fruits. Style is worth noticing. The Japanese youth is constantly investing in beauty and clothes, for which they have specialized neighborhoods. Roaming the streets of Shimokitazawa you can find, from the moment you leave the station, one vintage clothes shop next to the other, and it puzzles you: A whole neighborhood for used clothes? ¿Really, Tokyo? Yes, nothing is too much for Tokyo. This is where all the young people who like loud colors come, to find ‘80´s patterned clothes, shirts, grandma’s sweaters and pleated skirts, but also old Chanel and Gucci dresses. Kōenji is another area

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where gastronomy-for-the-eye lovers can -as Balzac would say- have a visual banquet. A little crazier, visited by Japanese who look like they are wearing all of their closet at once but that, actually, decide carefully even on their Totoro keychain hanging from their fluffy backpacks. Narrow streets where designers that can’t rent a shop downtown just hang their clothes and even sell Lady Gaga their extravagant designs. Each shop is a unique experience, and each assistant would deserve a page in Fruits, a very famous Japanese street style book.

“¿PARA TANTO, TOKIO? SÍ, NADA ES TANTO PARA TOKIO: ACÁ VIENEN LOS JÓVENES AMANTES DE LOS COLORES CHILLANTES Y LOS ESTAMPADOS OCHENTOSOS, DE LAS CAMISAS, SWEATERS DE ABUELA Y POLLERAS PLISADAS” “¿REALLY, TOKYO? YES, NOTHING IS TOO MUCH FOR TOKYO. THIS IS WHERE ALL THE YOUNG PEOPLE WHO LIKE LOUD COLORS COME, TO FIND ‘80´S PATTERNED CLOTHES, SHIRTS, GRANDMA’S SWEATERS AND PLEATED SKIRTS, BUT ALSO OLD CHANEL AND GUCCI DRESSES” Otro ambiente sumamente nipón y excepcional para el flâneur son las pachinko. Reducto donde los japoneses apuestan en maquinitas y se quedan horas magnetizados frente a la caída continua de esferas plateadas entre el ruido de las máquinas,

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La capital japonesa es, sin duda, la meca para el explorador urbano. Imposible caminar con un objetivo puesto sin dejarse atraer por los personajes que ofrece la ciudad. Ya quisiera uno disponer de todo el tiempo del mundo para incorporarse a la multitud y jugar a detective urbano, analizando a todos los japoneses, únicos en su individualidad,

pero parte de una masa que parece moverse en conjunto. Ya quisiera uno perderse por los parques, las estaciones y las angostas callecitas y ser capaz de aprehender la infinita riqueza de Tokio. The Japanese capital is, without a doubt, a mecca for the urban explorer. It is impossible to walk with a fixed destination without letting the incredible characters of the city draw you away. How great it would be to have all the time in the world to blend into the crowd and play at being an urban detective, analyzing everyone in Japan, unique individuals, but also part of a mass that seems to move as one. It would really be great to be lost in its parks, stations and narrow streets, and to grasp Tokyo’s infinite richess.

PERDIDOS EN TOKIO LOST IN TRASLATION

AÑO 2003

Perdidos en Tokio es la segunda película escrita y dirigida por Sofia Coppola (después de Las vírgenes suicidas). Es una coproducción de Japón y Estados Unidos, ambientada en Tokio. Con Bill Murray y Scarlett Johanson. Lost in Translation is a 2003 American comedy-drama film written and directed by Sofia Coppola. It was her second feature film after The Virgin Suicides (1999).

MAPA ITINERANTE TRAVELLING MAP

- En el mes de agosto, chequea el Awa-odori, un festival de danza que reúne más de 12.000 bailarines de 180 grupos por las calles de Kōenji.

- In August, check the Awa-odori, a dance festival that gathers over 12.000 dancers from 180 different groups on the streets of Kōenji.

- Si visitás la ciudad en Golden Week (finales de Abril, principio de Mayo) podés asistir al increíble Koenji Street Performance Festival, con artistas de todo el mundo, música callejera, magia, comedia, acrobacias etc.

- If you visit the city in Golden Week (end of April or beginning of May), you can go to the incredible Koenji Street Performance Festival, with artists from all over the world, street music, magic, comedy, acrobats, etc.

- El app gratuito trains.jp te permite buscar entre las muchas líneas de metro de Tokio. Te dice cual tomar, dónde hacer el transbordo y cuanto te va a costar, y lo mejor, no hace falta que estés conectado en internet.

- The free app trains.jp allows you to search the many Metro lines of Tokyo. It tells you which one to take, where to change trains and how much the trip will cost, and the best thing is that you don’t need an internet connection.

PLANOITINERANTE.BLOGSPOT.COM BÁRBARA GALUPPO

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LITERATURA

RESEÑAS DE LIBROS BOOKS REVIEWS Autor: Fernando Bogado

EL MÁS SUBLIME DE LOS HISTÉRICOS - THE MOST SUBLIME OF THE HYSTERICS Slavoj Zizek Editorial Paidos 264 páginas

Los lugares comunes se forman por razones misteriosas. Por ejemplo, la idea de que las postulaciones del psicoanalista Jacques Lacan estaban lejos de ser políticas y que era imposible aplicarlas a una praxis concreta: mucha cháchara pero poca acción. Los planteos del filósofo esloveno Slavoj Žižek desmienten esta visión en una lectura que cruza a Hegel con Lacan (pasando por Marx), abrevando nuevamente en el campo de la crítica de la ideología para entender cómo los productos que consumimos están atravesados por la más llana fantasía. Clichés are formed by mysterious reasons. For example, the idea that psychoanalyst Jacques Lacan´s postulates were not political and that they were impossible to apply in the practice: lots of conversation, but little action. Slovenian philosopher Slavoj Žižek’s ideas deny that vision with a posture that mixes Hegel and Lacan (and also Marx), again going into the field of critical ideology to understand how that which we consume is marked by pure fantasy.

TRES NOCHES - TONY AND SUSAN

Austin Wright Editorial Salamandra - Atlantic Books 384 páginas Cada tanto, aparece algún escritor con una obra que, en su momento, pasó desapercibida, pero que, tiempo después, se convirtió en un clásico. Austin Wright, según gran parte de la crítica norteamericana, es uno de esos casos. Fallecido en 2003, Tres noches cuenta la historia de Susan, una mujer que recibe por correo el manuscrito de la primera novela de Edward, su ex-marido. Cansada de su vida con su segundo esposo y sus hijos, Susan se entregará a la lectura de un thriller que, como un juego de cajas chinas, también ocupa su lugar en la historia en un impecable ejercicio de estilo. Every now and then there comes a writer with a work that, when it comes out, it goes unnoticed but that, time later, it becomes a classic. Austin Wright, who died in 2003, is, according to a great part of the American press, one of those cases. Three nights tells the story of Susan, a woman who receives the manuscript of her ex-husband’s first novel. Tired of her life with her second husband and her sons, Susan reads the book which, like Chinese boxes, also has room in the story, with an impeccable show of style.

ROJO FLOYD - RED FLOYD

Michele Mari La Bestia Equilátera - Currently being translated into english 259 páginas En esta novela, el autor italiano persigue el fantasma de Syd Barrett, el primer cantante, guitarrista y compositor de Pink Floyd, que se volvió loco y dejó de hacer música. El libro está construido con una serie de testimonios en primera persona: miembros de la banda, sonidistas, parientes, músicos muertos y, también, un monstruo. Michele Mari mezcla la ficción y la no ficción con tanta maestría que hasta un melómano extremo dudaría sobre cuales son los hechos reales y cuáles los inventados. In this novel, the italian author chases the ghost of Syd Barrett, Pink Floyd’s first singer, guitarist and composer, who went crazy and quit music. The book presents different testimonies in first person: members of the band, relatives, sound engineers and, also, a monster. Michele Mari mixes fiction and no fiction with such talent that even an extreme melomaniac would doubt about what are the true facts and what are the invented ones.

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ARTE

YAYOI KUSAMA

POP NEURÓTICO - NEUROTIC POP RETRATO DE UNA OBSESIÓN - PICTURE OF AN OBSESSION Autor: Fernando Bogado Frente a la pregunta realizada por el artista inglés Damien Hirst en torno a cuál había sido la relación más duradera que había tenido en toda su vida, la artista japonesa Yayoi Kusama responde de una manera categórica: “Con mi enfermedad y con el arte”. En esa simple frase se encuentra la clave de todo su trabajo. Víctima de una neurosis obsesiva que la obligó a internarse en un hospital psiquiátrico en 1977 (y desde el cual continúa trabajando), luego de haber regresado a Japón en 1973 y de haber triunfado en la New York de la era del arte Pop en la década del ´60, Kusama nunca dejó de revelar el lugar central que tenía su padecimiento en las numerosas producciones que pueden encontrarse en la muestra Yayoi Kusama: obsesión infinita, en el Malba hasta el 11 de septiembre. Estas obras, realizadas entre 1950 y 2013, incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones, revelando el imprescindible abanico de formatos de una de las mayores artistas vivas de Japón. When asked by English artist what has been the longest relationship she has ever had, Japanese artist Yayoi Kusama answers categorically: “My illness and my art”. In that simple phrase lies the key to her work. The victim of an obsessive neurosis that forced her to seek treatment at a psychiatric hospital in 1977 (and where she stills works from), after having returned to Japan in 1973 and having triumphed in the New York of the Pop age in the ´60’s, Kusama never ceased revealing the central role of her ailment in the many productions that can be found at the exposition Yayoi Kusama: Obsesión Infinita (Infinite Obsession), at the Buenos Aires Museum of Latin American Art (MALBA) until September 11th. These works, done between 1950 and 2013, include pictures, works on paper, sculptures, videos, slideshows and installations, which reveal an indispensable array of formats this great Japanese artist covers. Hagamos un breve repaso biográfico de ésta leyenda del arte contemporáneo. Kusama proviene de Matsumoto, una región de Japón repleta de montañas y ríos, que poco tiene que ver con la New York en donde se haría famosa luego. Motivada sólo por su convicción artística, llegó a Seattle y luego a Manhattan hacia finales de la década del 50: sus trabajos empezarían a mostrarse en las galerías más por la insistencia y el atrevimiento de la artista que por la astucia y el olfato de los críticos, quienes todavía parecían pegados al dripping (masculinizante) del pintor Jackson Pollock y el expresionismo abstracto norteamericano. Kusama empezó luego a desarrollar las técnicas por las que se haría conocida, los trabajos que le darían renombre, como la serie Infinity Net. Este conjunto de cuadros se caracteriza por la presencia de pinceladas aparentemente rígidas y mecánicas, puntos reunidos en el lienzo de la pintura sin ningún orden aparente que producen una clara sensación de mareo en el espectador. Pero, claro, dijimos “aparente” desorden: bien mirados, los cuadros revelan un campo de tensiones en donde cada punto representa un momento de intensidad, una aplicación particular del pincel que va instalando formas varias, repitiendo, en alguna medida, un motivo natural, construyendo “pinturas sin principio, fin o centro”, tal como las ha definido.

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Let’s make a brief review of this legend of contemporary art’s biography. Kusama comes from Matsumoto, a region of Japan full of mountains and rivers, that has little to do with the city where she would later be famous, New York. Moved by her artistic convictions, she arrived to Seattle, and later Manhattan, toward the end of the 1950’s. Her works started to be shown at galleries, more due to her drive and insistence than the cunning and vision of the critics, who still seemed attached to American painter’s Jackson Pollock’s very masculine dripping, and American abstract expressionism. Kusama started to develop the techniques that would make her famous, the Works that would give her a name, like the Infinity Net series. This group of paintings is marked by the presence of apparently rigid, mechanical brush-strokes, dots on the canvas with no apparent order that produce a clear feeling of dizziness on the spectator. But, of course, the lack of order is only a mirage. When looked carefully, the paintings reveal a field of tensions where each dot represents a moment of a certain intensity, a special use of the brush that installs different shapes, repeating, to a certain extent, a natural motif, and creating “paintings without beginning, end or center”, as she has defined them.

“LOS CUADROS REVELAN UN CAMPO DE TENSIONES EN DONDE CADA PUNTO REPRESENTA UN MOMENTO DE INTENSIDAD”

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“THE PAINTINGS REVEAL A FIELD OF TENSIONS WHERE EACH DOT REPRESENTS A MOMENT OF A CERTAIN INTENSITY” Obsesión, entonces. Las obras de Kusama operan casi como si el conocido horror vacui (horror al vacío) que identifica al barroco – ese plegar y replegar cada borde y espacio para no ver la nada circundante- tuviese su inevitable variante pop-neurótica. Obsesión que tiene su correspondiente explosión fálica con los numerosos happenings que realiza en lugares tan públicos como el Central Park o en las figuras peneanas que se reproducen infinitamente en su Compulsion Furniture. Después de todo, la artista fue (es) parte de una sociedad sumamente conservadora: la japonesa posterior a la Segunda Guerra. La vida de Kusama estuvo atravesada por una fuerte represión de los más básicos intereses sexuales y por un período de explosión en donde, claramente, su enfermedad operaba como el primer material que moldearía hasta sacar de él su obra. Esa enfermedad funciona casi como la materia prima de cualquier mueble, cualquier producto de consumo: ese material no explica el trabajo final, pero permite entender su compleja génesis y la clara diferencia instaurada por la forma de la obra. Alejados un poco del plano biográfico, personal, cada trabajo de Kusama es una puerta de entrada no sólo a lo mejor del arte del siglo XX, sino también al muy complejo mapa de intensidades de sus más terribles obsesiones.

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An obsession, then. The works of Kusama act almost as if the well known horror vacui (fear of the void), so typical of baroque art – the folding and folding of each edge and each space so as not to see the nothingness all around -, had an inevitable neurotic-pop variant. This obsession has its matching phallic explosion with the many happenings she stages in public places such as the Central Park, or the penis-like shapes that are constantly reproduced on her Compulsion Furniture. After all, Kusama was (is) part of a very conservative society: that of post-world-war-two Japan. Her life was marked by a strong repression of even the slightest sexual needs and by a period of explosion where, clearly, her illness operated as the raw material she would get her work from. Her neurosis is like the wood with which furniture is made, or like any other consumer product. It doesn’t explain the end result, but it makes it possible to understand its complex genesis and the clear difference the form of her work has made. From a non-biographical perspective, each of Kusama’s works can be a doorway not only to the finest art of the 20th century, but also to the complex map of intensities of her terrible obsessions.

“SU ENFERMEDAD OPERABA COMO EL PRIMER MATERIAL QUE MOLDEARÍA HASTA SACAR DE ÉL SU OBRA” “HER ILLNESS OPERATED AS THE RAW MATERIAL SHE WOULD GET HER WORK FROM”

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COMIC

HISTORIETA ORIGINAL EN BRODA BRODA’S ORIGINAL COMIC LOS CASOS DE TOM SPHINX - THE CASES OF TOM SPHINX Autor: Emiliano Gagliano Nos complace contarles que el señor Enrique Alcatena nos deleitará con una historieta original que se desarrollará número a número en la revista. En la siguiente página, la primera entrega. We are pleased to tell you that Mr. Enrique Alcatena will delight us with an original comic that will unfold number by number in this magazine. On the next page, the first installment. Alcatena no es sólo un artista digno de admiración para nosotros, los frikis, sino que es uno de los historietistas argentinos más importantes. Trabajó para DC Comics y para Marvel, ilustrando títulos como Superman, Batman, X-men y Flash, pero también ha colaborado con muchos Fanzines locales, sin cobrar un peso. Aunque muchas de sus historietas son a color, él prefiere dibujar en blanco y negro y que después sean coloreadas, salvo excepciones en las cuáles también son pintadas por él: “Si me dan a elegir, prefiero blanco y negro, toda la vida. Me encanta. Para mí es irremplazable la fuerza, la sutileza y la subjetividad del blanco y negro”, dice Alcatena. Alcatena is not just an artist worthy of admiration for us comic geeks, but also one of Argentina’s most important comic book artists. He has worked for DC and Marvel Comics, illustrating titles such as Superman, Batman, the X-Men and The Flash, but he has also been an active collaborator of many local fanzines, for free. While many of his comics are in color, he prefers to work in black and white, and have them colored later, although he does do it himself on certain occasions. “If I can choose, I definitely rather working in black and white. I love it. I think that the strength, subtlety and subjectivity of black and white are irreplaceable”, Alcatena says. Fue influenciado por artistas como Carmine Infantino, Gil Kane, Jack Kirby y Barry Windsor Smith y comenzó su carrera en 1976, como ayudante de Chiche Medrano, para Ediciones Récord, dónde publicó su primer trabajo propio:Bushido. Siguió trabajando en Argentina, en publicaciones como Anteojito y, a finales de los 80, ingresó al mercado norteamericano de historietas para dibujar a algunos de los héroes más conocidos. His influences are artists like Carmine Infantino, Gil Kane, Jack Kirby and Barry Windsor Smith, and he began his carrer in 1976, as cartoonist Chiche Medrano’s helper, for the publishing company Ediciones Récord, where he published

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his first solo comic: Bushido. He kept working in Argentina, on magazines such as Anteojito and he got into de American market at the end of the ‘80´s, where he worked on some of the most popular super-heroes. Dice que lo hizo porque sucumbió a la tentación de dibujar a los personajes que lo deslumbraron de niño, pero que la experiencia no fue tan rica desde el punto de vista artístico. No tenía control sobre los guiones y muchas veces coloreaban sus ilustraciones sin el cuidado necesario. Pero, finalmente, dejó de trabajar para Estados Unidos: “No quería dedicar mi carrera a dibujar las aventuras de marcas registradas de emporios comerciales, y gradual, lenta, pero inexorablemente, me fui alejando de ese mercado. Mi bolsillo siempre me lo recriminará, pero tenía otras historias que contar”, afirma. According to him, he did it because he succumbed to the temptation of drawing the characters that dazzled him as a kid, but that it wasn’t such a rich experience from an artistic point of view. He had no decision power over the scripts, and his illustrations were often colored without due care. After a while, he quit working for the USA. “I didn’t want to dedicate my career to drawing the adventures of some commercial emporium’s trademarks, so I slowly but inevitably got away from that market. My pocket will always reproach me for that, but I had other stories to tell”, he assures. Para Alcatena, la historieta es un arte: “Creo que la magia está en la fusión de palabra e imagen; de ahí en más los senderos se abren como abanicos sin fin. No hay techo ni límite. En realidad, esto es cierto en todo quehacer creativo, pero por alguna oscura razón solemos escatimarle a la historieta su dimensión artística”. For Alcatena, comics are an art. “I think that the magic is in fusing word and image; from there on, the paths open with an endless range. There is no roof or limit. In fact, that’s true for any creative job, but for some obscure reason we tend to play down the artistic dimension of comic books”.

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GASTRONOMÍA

DE BOLIVIA CON SABOR SOUTH OF THE BORDER COMIMOS EN LINIERS - FOOD IN LINIERS Autor: Leandro Olaz La comunidad boliviana en Argentina constituye la segunda población extranjera del país, con más de 350 mil habitantes. Según el politólogo José Natanson: “La boliviana es una migración de núcleos familiares”, lo que incluye un traslado de costumbres, entre las que se encuentra la alimenticia. Si bien muchos grupos se ubican en el Gran Buenos Aires, el centro neurálgico de la comunidad boliviana se encuentra en el barrio porteño de Liniers. En donde buscan reproducir su dieta andina, la cual incluye diferentes tipos de maíz, quínoa y, como expresó Francis Mallman al ser galardonado por la Academia Internacional de Gastronomía, el gran aporte de América a la cocina: las papas. The Bolivian community in Argentina constitutes the second biggest foreign population of the country, with over 350 thousand inhabitants. According to political expert José Natanson: “The Bolivian migration is made of small families”, which implies the transfer of customes, including those related to food. Although many live in the suburbs of the Capital, the core of the Bolivian community is located in the neighborhood of Liniers, in the City of Buenos Aires. There, they reproduce as best they can their own Andean diet, including different types of corn, quinoa and that thing which famous chef Francis Mallmann described as South America’s greatest gift to international cuisine, the potato.

A sólo dos cuadras de la estación de trenes, sobre José León Suárez, uno puede encontrar negocios con grandes variedades de maíz (el principal de los cuales es el mote), diferentes ajíes picantes y una variedad de papas y papines que dejarían mudo a Cristóbal Colón. En la intersección de las calles Ibarrola y Suárez se encuentran los carritos que venden comida al paso: anticuchos, chicharrones, salchipapa y charqui, que se pueden comer en la calle acompañados con papas (Bolivia tiene más de 1550 variedades de este tubérculo). Just two blocks from the train station, on José León Suárez St., can be found all sorts of shops that sell corn of all kinds (although the main one is knows as mote), a variety of peppers, and a diversity of potatoes big and small that would leave Columbus himself speechless. On the corner of Ibarrola st. and Suárez st. there are carts that sell food on the go: anticuchos, chicharrones, salchipapa and charqui are some of the things that you can try, right there on the street and, of course, with some more potatoes (Bolivia has more than 1550 different types). Sin embargo, ninguno de estos alimentos supera a la clásica Salteña, una empanada de masa dulce, cuyo relleno puede ser de pollo o carne, generalmente picante. Esta receta, según cuenta la leyenda, fue llevada a Bolivia por exiliados salteños, quiénes se ganaron la vida vendiendo este manjar, que se volvió imprescindible y representativo de la gastronomía boliviana. En Liniers, las salteñas de El conejo, en la calle José León Suárez al 216, es-

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tán entre las más elegidas por el público. En caso de sed, la bebida popular entre los jóvenes es el jugo de durazno con huesillo, que se sirve en una pequeña bolsa de plástico con un sorbete. However, none of these foods can beat the classic Salteña, and empanada-like stuffed sweet pastry, usually filled with chicken or beef, and spicy. This recipe, the legend tells, was taken to Bolivia by two exiles from the province of Salta, in Argentina, who made a living selling this delicacy that would later become both essential and representative of Bolivian cuisine. In Liniers, the salteñas of El Conejo, on 216 León Suárez St., are among people’s favorites. If you get thirsty, the popular drink amongst the youth is the peach juice with sun-dried peaches inside, which is served in a plastic bag with a straw.

“EL CENTRO NEURÁLGICO DE LA COMUNIDAD BOLIVIANA SE ENCUENTRA EN EL BARRIO PORTEÑO DE LINIERS” “THE CORE OF THE BOLIVIAN COMMUNITY IS LOCATED IN THE B.A. NEIGHBORHOOD OF LINIERS.” Sobre Ibarrola al 7200, a metros de la Avenida General Paz, el aroma predominante es el de los deliciosos pollos broaster. En esta cuadra uno puede encontrar una nutrida variedad de restaurantes que sirven esta ave, todos repletos de gente. Con alejarse apenas una cuadra, hacia la calle Montiel, se pueden encontrar los mejores exponentes de comi-

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da boliviana. Entre ellos se destacan los dos locales de Miriam, que sirve una excelente sopa de quínoa, además de los clásicos platos como el falso conejo o el picante de pollo. A poco metros, en Ibarrola 7154, está Del Valle, comedor que reproduce fielmente el ambiente de un restaurante boliviano, donde es común ver a alguno de los comensales durmiendo en la mesa tras una larga sesión de bebidas alcohólicas. Sin embargo, sus precios, las variedades de sopas y su charqui súper, lo transforman en uno de los lugares favoritos de la zona. También sobre Ibarrola, al 7126, se encuentran Liajta y Mantabar, donde sirven una de las mejores sopas, de trigo, mote y chuño. En este lugar, a diferencia de los anteriores, el clima es familiar, sobre todo los fines de semana. Around the 7200 of Ibarrola St., close to General Paz av., the smell of the broaster chicken is overwhelming. On this block there are a number of restaurants that specialize in this bird, and they are always full. Barely a block away, towards Montiel St., some of the best exponents of Bolivian cuisine can be found. Both the Miriam restaurants are a great example, with its excellent quinoa soup and classic dishes like fake rabbit or chicken spice. Very near, on 7154 Ibarrola St., you can find Del Valle, a diner that reproduces the ambience of a real Bolivian restaurant, and where you can easily find someone sleeping on a table after a long intake of alcoholic beverages. Regardless of that, its prices, the variety of its soups, and its great charke are things that make it a favorite. Right next to it there also are Liajta and Manta bar, also with great soups made of corn, stewed maize and potato starches. This is a family place, especially at the weekend.

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Sin embargo, la mejor opción quizá siga siendo darse una vuelta por José León Suárez al 100 y recorrer los almacenes de comida, donde los bajísimos precios (el kilogramo de quínoa a 40 pesos o papines de todos los estilos a 10 pesos la bolsa), la variedad de productos y la frescura, invitan a adentrarse en esta cultura. However, the best option may still be to go by the first blocks of José León Suárez and go around the food stands, where the low prices (a kilo of quinoa is only 40 pesos, and potatoes of all kinds for 10 pesos a bag), the variety and freshness of the products are an invitation to get to know this culture. Liniers es otro destino gastronómico en esta ciudad, que parece cada vez más dispuesta a aceptar que las fronteras sólo existen en los mapas y no en nuestros paladares. Liniers is another cool place for food in this city that seems to be more and more willing to accept that borders only exist in maps, but not in our sense of taste.

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MUSICA

EN LA FÁBRICA CON MOMPOX AT LA FÁBRICA WITH MOMPOX EL PRÓXIMO EPISODIO - THE NEXT EPISODE Autor: Esteban Lleonart “Para mí hay que tocarlo en 156”, dice Juan Tobal, sentado frente a su teclado. Alejandro Goldberg duda, pone cara. “¿Ayer en cuánto lo tocamos?”, pregunta. “En 156”, responde Tobal, “así queda mejor”. Mompox, la banda de la que ambos son parte como cantantes y tecladistas, está decidiendo la velocidad a la que tocará una de sus nuevas composiciones. La interpretan una y otra vez, con pequeñas diferencias. Para el oído poco atento, siempre suena igual. Pero no para ellos. “Tengamos cuidado de no atacar tanto la nota cuando entramos en esa parte”, advierte Goldberg, preocupado por una p que, para su gusto, retumba demasiado en el micrófono. “¿Ahí el teclado no tendría que hacer otra cosa?”, duda Tobal, incierto sobre la pared de sonido que crea el synth. Si algo caracteriza el trabajo de Mompox, es la atención al detalle. “I think we should play it in 156”, Juan Tobal says while sitting in front of his keyboards. Alejandro Goldberg, doubts, makes a certain face. “How did we play it yesterday?”, he asks. “In 156”, answers Tobal, “it’s better that way”. Mompox, the band in which both sing and play keyboards, is deciding the tempo of one of their new pieces. They play it over and over again, with slight differences. For the untrained ear, it always sounds the same. But not for them. “Let’s be careful with the attack of that note when we both come in there”, observes Goldberg, worried about a P that booms too much on the microphone for his taste. “Shouldn’t the keyboard do something different there?”, Tobal wonders, uncertain about the wall of sound that the synth is creating. If there is anything that defines Mompox’s work, it is their attention to the little details. La banda está preparando nuevo material. La Fábrica, el espacio multiartístico que ocupan en lo que era una antigua fábrica de pantalones en el barrio porteño de Montserrat, es su sede de operaciones. O su casa, como dicen ellos mismos. Esta vez se juntaron a ensayar de noche, aunque desde que empezaron a tocar juntos, en 2008, la regla general fue hacerlo de día. “La idea es hacer los temas a la misma hora que cuando tenemos un show, porque si no salen distintos”, aclara Ezequiel Spinelli, bajista, mientras toma un vaso de Cynar con Sprite, la misma bebida que tiene el resto. En una sala grande pero atiborrada de instrumentos, con una especie de M en letra de médico hecha con neón al fondo, y tres lados de un marco de cuadro que conforman un triángulo en el otro extremo, los Mompox están preparando su nuevo disco. O discos. O no-discos. Los temas, aseguran, ya están. La cuestión es el formato.

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The band is getting their new material ready. Their main headquarters are at La Fábrica (The Factory), an inter-artistic space that used to be a trouser factory in the B.A. neighborhood of Montserrat. Or rather, it’s their house, as they like to call it. This time they are rehearsing at night, although the general rule since they started playing in 2008 has always been doing it in the morning. ”We want to do the songs at the same hour that we’d really do them live, because otherwise they sound different”, explains Ezequiel Spinelli, bass player, and drinks a glass of Cynar and Sprite, the same beverage everyone else is enjoying. In a big room overflowing with instruments, with a sort of M in doctor´s handwriting made of neon at the back, and three sides of the frame of a picture making a triangle on the other end, Mompox are getting their new album ready. Or albums. Or non-albums. The music, they assure, is ready. The question is the format.

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Pintura: Martin Lapalma “La idea es lanzar el próximo material como una serie de EP’s, en tres etapas”, cuenta Tobal. “A fin de año sale el primero, hacemos la presentación del disco, y de ahí en más, cada cuatro meses sale otro”, agrega. El nuevo proyecto, entonces, es como un disco en entregas. “O las entregas que van conformando el disco a medida que van apareciendo, porque cada EP puede construir su universo, y que todo eso vaya conformando una realidad propia”, opina Spinelli. Frente a los cambios en la industria discográfica, este grupo, que surgió en medio de la crisis de la internet y el movimiento por las descargas libres, optó por un camino arriesgado para darle vehículo a su arte: la innovación.

te: “Nosotros surgimos en una época de cambios, cuando empezamos estaba todo en el barro, y ahora todo sigue en el barro, entonces nos dimos cuenta de que tenemos que tomar la posta e inventar un sistema nuevo. Cambió la forma de consumo de la gente, tanto de comprar cosas como de escuchar música. La gente ya no escucha diez temas de una, capaz escucha 4 y ya quiere poner otra cosa, es la era del zapping”. Por eso la decisión de lanzar EP’s. De acuerdo a Spinelli: “Nos da más libertad, no nos obliga a estar 2 años con una misma idea, acá cada cierto tiempo hay actualizaciones del producto, y eso hace que todo finalmente encastre pero que también haya particularidades”.

“The idea is to launch the new material as a series of EP’s, in three stages”, Tobal says. “The first one will be out by the end of the year, then we do the showcase, and from then on, it’s one every four months”, he adds. The new project, then, is like an album in installments. “Or it is the installments the ones that make the album, little by little, because each EP can build its own universe, and all that may bring about a reality of its own”, thinks Spinelli. Confronted with changes in the record industry, this band, emerged in the middle of the crisis of the internet and the free download movements, opted for a more risky road to give vehicle to their art: innovation.

“LA IDEA ES LANZAR EL PRÓXIMO MATERIAL COMO UNA SERIE DE EP’S, EN TRES ETAPAS” “THE IDEA IS TO RELEASE THE NEW MATERIAL AS A SERIES OF EP´S, IN THREE STAGES”

“Nos preguntamos cuál es la próxima manera de presentar la música”, dice Spinelli. Tobal asien-

“We were wondering what the next way of presenting the music was”, Spinelli says. Tobal agrees: “We emerged during a time of changes, when we started everything was in the muck, and now it’s still in the muck, so we realized that we needed to take it upon ourselves to create a new system. The way in which people consume things has changed, as much for shopping as it has for music. They don’t listen to 10 songs in a row, maybe they listen to 4 and then they want to play something else, this is the age of music-hopping. Thus the

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“EL FORMATO DEL CD NO ES MUY ATRACTIVO, POR ESO QUEREMOS HACER UN OBJETO PARA LOS EP’S, ALGO QUE DÉ UN VALOR AGREGADO” “THE CD FORMAT IS NOT VERY ATTRACTIVE, THAT IS WHY WE WANT TO MAKE THE EP’S INTO SOME SORT OF OBJECT, SOMETHING WITH AN ADDED VALUE” decision of releasing the EP’s. According to Spinelli: “It gives us much more freedom, so we are not forced to being 2 years with the same idea, here every so often you get an update on the product, and that makes everything fall together in the end, but with certain particularities”. Si de su primer disco, Mompox & the Big Umbrella (2010), a su segundo, ▲ (2011), hay un cambio notorio en la instrumentación con la inclusión de capas y capas de sintetizadores y un sonido que incita más al baile, esta nueva serie de EP’s augura una maduración del camino estilístico que venían transitando. “Estamos en busca de la canción, y del respeto hacia ella”, dice Spinelli. “Si los dos discos anteriores tienen algo en común, es que nos desvivíamos por los arreglos, y son diez millones que caen uno arriba del otro. Ahora estamos tratando de tocar lo mínimo posible para que la melodía esté expuesta y clara”, agrega. Mientras la banda ensaya su nuevo material, se puede escuchar la cadena de frases melódicas que se suceden, una tras otra. Es verdad, los arreglos son menos barrocos. Pero los sintetizadores y las voces (naturales, con efectos, con vocoder, en falsete) que cantan en inglés siguen siendo las características que definen el sonido de la banda. El cambio que proponen no es en el qué, sino en el cómo. If from their first record, Mompox & the Big Umbrella (2010) to their second, ▲ (2011), there is a clear change in instrumentation, with layers and layers of synthesizers and a sound that invites to dancing, this new series of EP’s show a newfound maturity in the stylistic path they had been going through. “We’re searching for the song, and learning to respect it”, says Spinelli. “If the other two albums had something in common, it was that we went crazy with the arrangements, and they’re millions falling one on top of another. Now we’re trying to play as little as possible so that the melody is out front and clear”, he adds. While the band rehears their new material, one can hear the chain of melodic phrases that follow one another. It is true, the arrangements are not so baroque. But the synths and the voices (natural, with effects, with vocoder, in falsetto) singing in English are

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still what defines their sound. They are not proposing to change the what, but the how. “Integral y orgánico” es como Tobal define al período en que están, tanto desde la composición como desde la presentación del material. “Minimalismo, concreción y efectividad”, es lo que opina Spinelli, que también dice que antes buscaban crear una atmósfera “gigantezca” mediante las varias capas de sonido, ya sea acústicas en su primer disco, o electrónicas en el segundo, pero que ahora lo que pretenden es generar silencios, y que se escuche el espacio entre las notas. “Comprehensive and organic” is the way Tobal defines the period they are in, as much from the composition as from the best way to present their new material. “Minimalism, precision and efficacy”, is Spinelli’s opinion, who also thinks that before, they were trying to create a “giant” atmosphere through the multiple layers of sound, whether acoustic on their first album, or electronic on their second, but that now, what they want is to generate silences, and to let the space between the notes be heard. El concepto es una búsqueda de una conexión más directa y fácil con las cosas, según analiza Tobal. Una especie de “menos-es-más”, aplicado a cada ámbito de la banda. Menos intermediarios, menos complicaciones, menos arreglos. La canción que desnuda su melodía y la página de la que te la descargás, todo unido por un concepto minimalista, pero no por eso simplista. Esta filosofía se refleja también en sus formas de distribución. Por ejemplo, todos concuerdan en que es bueno regalar la música en la web. “Lo único que hace es beneficiar”, dice Ignacio de Andrés, guitarrista, “porque la gente puede escuchar tu disco en lugares donde no está distribuido”. Tobal, sin embargo, hace una salvedad: “Yo, en lo personal, pienso que permitir el acceso a nuestro trabajo de forma gratuita todo el año, las 24 horas de los 365 días, hace que baje la apreciación de lo que nosotros estamos haciendo”. Spinelli concuerda, al menos en parte. Él también

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cree que debe haber una cierta limitación a la gratuidad, pero no de tipo temporal. “Quizás que esté disponible la obra, pero no todos los temas”, opina, y sigue: “Es que el que no está comprando tu trabajo tampoco se interesa tanto por él, y está bueno darle algo extra al que sí, y además, te incentiva a tratar de generar algo que esté lo suficientemente bueno como para que alguien quiera gastar plata en eso”. “The concept is to search for an easier, more direct connection with things”, Tobal analyzes. A sort of “less-is-more”, applied to every area of the band. Fewer intermediaries, fewer complications, fewer arrangements. The song that strips the melody and the website you download it from, all linked together by a minimalist concept, but that is in no way simplistic. This philosophy is also reflected in the distribution methods. For example, they all agree that giving the music away on the internet is a good thing. Ignacio de Andrés, guitar player, says: “It can only benefit you, because people can listen to your record in places where it’s not distributed”. Tobal, however, makes an exception: “Personally, I believe that allowing access to our work 24/7, every day of the year, lowers the appreciation of what we do”. Spinelli agrees, at least partially. He also thinks there should be some sort of limitation to all the free stuff, but not of the temporal kind. “Perhaps it’s good to have part of the total work available, not all of it”, he expresses, and continues: “It’s just that if someone is not buying your job, then he´s not so interested in it, and it’s good to give something extra to those who are, and it also gives us an incentive to try and make something good enough so someone will want to spend money on it”. La edición física de su próximo material, y los shows en vivo también son parte de este concepto integral de Mompox. “El formato del CD no es muy atractivo, por eso queremos hacer un objeto para los EP’s, algo que de un valor agregado, y que a medida que vayan saliendo vayan conformando ese universo propio”, cuenta Spinelli. “Lo que buscamos es tomar todas las herramientas de todo lo que hizo Mompox antes y narrativizarlo, darle un contexto”, dice Tobal. Spinelli agrega: “Queremos ir generando una estética desde los shows, desde los videos, y que se vayan encadenando en la creación de este mundo, y que todas las situaciones y personajes que vayan apareciendo, con sus historias, te den ganas de ver lo que sigue, como si fuera el próximo episodio”.

“LO QUE BUSCAMOS ES TOMAR TODAS LAS HERRAMIENTAS DE TODO LO QUE HIZO MOMPOX ANTES Y NARRATIVIZARLO” “WE ARE TRYING TO TAKE ALL OF THE TOOLS THAT MOMPOX HAS USED BEFORE AND MAKE THEM MORE NARRATIVE” Both the format in which their new material will be released and their live shows are part of Mompox’s comprehensive concept as well. “The CD format is not very attractive, that’s why we want to make the EP´s into some sort of object, something with an added value, and as they are released, we want them to create, little by little, their own universe”, says Spinelli. “We are trying to take all of the tools that Mompox has used before and make them more narrative, give them a context”, explains Tobal. Spinelli adds: “The aesthetics we want to create will emerge from the shows and the videos, and as they do they will be creating this world, and all the situations and characters that appear, with their own stories, make you want to see what happens next, like it’s the next episode”.

DISCOGRAFÍA MOMPOX & THE BIG UMBRELLA (2010) / PRIMER DISCO DEBUT

▲ (2011) / SEGUNDO Y ÚLTIMO DISCO

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ENTREVISTA

BOB GRUEN PAZ, AMOR, LIBERTAD Y ROCK AND ROLL

PEACE, LOVE, FREEDOM AND ROCK & ROLL Autor: Sebastiรกn Aldasoro

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Muchas de sus fotos se convirtieron en icónicas. Retrató al movimiento Punk Rock y fue amigo de Ike y Tina Turner. Estuvo en Buenos Aires presentando su libro John Lennon: Sus años en Nueva York, y nosotros charlamos con él. ¿La primera vez que sacaste fotos de rock Le agregó ketchup y mostaza y se lo pasó por la cara, y fue en el festival de folk Newport, en 1965? después posó para la foto. Sabía lo que estaba haciendo. Y Más o menos, no estaba trabajando como fotógrafo. Una persona que mi madre conocía escribió una carta diciendo que yo era fotógrafo. Dijeron que no, pero seguí insistiendo e insistiendo, hasta que me dieron la credencial de fotógrafo. La primera vez, en el 64, no había tenido plata para ir al concierto, así que al año siguiente gestioné lo de la credencial de fotógrafo.

generalmente la persona me ayuda a sacar una buena foto como ésa, es una combinación muy natural.

Confianza entre vos y el artista.

Es una combinación muy natural, pero me gusta el humor, porque me gusta tener una buena foto que la gente va a disfrutar.

Entonces ¿Fue una excusa para ir al reci- Entonces ¿Lo hacías como un trabajo o tal? como un fan? Sí. No hice plata sacando fotos durante los próximos cinco años.

¿Cómo empezaste a ganar plata?

Yo vivía con una banda, y el padre del tecladista conocía a alguien y les consiguió un trabajo en una fiesta. Aunque ya se habían separado, se juntaron para ese recital, donde estaba el famoso productor Bob Crew. La banda le gustó mucho y los hizo grabar unas partes vocales en la película Barbarella. Les produjo un disco y después la discográfica me preguntó si tenía fotos de la banda, se las mostré, les gustaron y las usaron como kits de prensa, y después me contrataron para hacer otro trabajo.

¿Fuiste a Europa para ver la escena del Punk Rock en Londres?

Ni siquiera sabía mucho sobre el Punk Rock. Fui a Europa porque mi hijo tenía dos años y estaba con mi suegra en Francia. Fui a visitarlo y, mientras estuve ahí, fui a algunos lugares que conocía en Alemania y en Londres. En Londres me encontré con Michael Mclaren, a quién ya conocía de cuando había estado trabajando en Nueva York con los New York Dolls. Me llevó a un lugar que se llamaba Club Louise, que era parecido al cuarto de atrás de Max. Todos los que estaban ahí se convirtieron en parte de la escena del Punk Rock. Y en ese par de noches que estuve conocí a los Sex Pistols, a Siouxsie and the Banshees, a Billy Idol, a Elvis Costello, a los periodistas Caroline Coon y Jon Savage.

¿Cómo eran las revistas Creem y Rock Scene, donde trabajáste en los setenta?

Trabajaban como fanzines. Se reían de la escena, hacían chistes sobre el Rock and Roll. La Rolling Stone y otras revistas eran periodísticas y literarias, revistas más serias desde ese punto de vista. Pero Rock Seen y Creem se divertían. Y a los chicos de Inglaterra les gusta eso.

¿Buscabas el humor en fotos como la de Sid Vicious con el pancho? No hay mucha planificación en mis fotos. No hago un plan un mes antes de una sesión, ni hago un dibujo ni digo que voy a hacer una foto así. Pero Sid fue parte de esa foto. Estábamos comiendo un pancho y dijo: “Esperá”.

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Algunas veces era sólo un trabajo, pero la mayoría de las veces era porque era un fan. Y creo que mis fotos eran buenas porque me gustaba lo que estaba haciendo, porque me gustaba la música y porque soy un fan del Rock and Roll. Y lo siento, y trato de mostrar ese sentimiento en mis fotos. No es que trato de sacar una foto y que la camisa sea del color correcto o algo así. Entiendo lo que están haciendo, y entiendo el tiempo y veo el momento más excitante, porque yo estoy excitado.

¿Seguís sacando fotos de Rock and Roll?

No sigo trabajando como solía, porque todos sacan fotos ahora. Hace treinta y cuatro años era muy complicado. Ahora todos tienen una cámara, o un celular. Y, antes de que termine el show, quizá doscientas personas ya subieron las fotos a Facebook, Flickr e Instagram, y yo no puedo competir con eso. Y no trato. En lugar de hacer publicaciones sobre noticias, las hago sobre historia. Y tengo libros y hago muchas exhibiciones. Todavía me gusta sacar fotos.

Siendo un fan ¿Fue un sueño para vos trabajar como un fotógrafo de Rock and Roll?

Realmente logré algo que a la gente le importa mucho, que ahora es realmente importante. Durante muchos años, la escena del Punk Rock no parecía importante. Y el hecho de que la gente respete eso, y lo admire, es un sueño hecho realidad. Nunca podría haber soñado que lo que me está pasando ahora fuera tan alucinante. Que la gente tenga tanto respeto por lo que hago. En el momento no te das cuenta qué es tan importante para la historia.

“ALGUNAS VECES ERA SÓLO UN TRABAJO, PERO LA MAYORÍA DE LAS VECES ERA PORQUE ERA UN FAN” ¿Cómo empezaste a trabajar con John Lennon y Yoko Ono? Se habían mudado a Nueva York y todos lo sabían. De hecho, se mudaron a un departamento a la vuelta de la

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Pero ¿Determinaban el concepto de las fo- ¿Y las fotos íntimas que les sacaste con su tos? hijo Sean? Eso era parte del acuerdo desde la primera vez que los conocí. Dijeron: “Podés sacar las fotos que quieras, pero siempre nos las tenés que mostrar, para hablar sobre cuáles queremos usar”. Y sólo usaba las fotos que ellos querían que use. Algunos fotógrafos lo considerarían censura o control, pero yo prefiero trabajar de esa manera. Porque quiero que a la persona le gusten mis fotos, y quiero que me llamen y me vuelvan a contratar porque, como fotógrafo, no hacés mucha plata.

La fotógrafa de Rock and Roll, Annie Leibovitz, decía que trataba de mostrar los aspectos ocultos de la personalidad de sus retratados. Yo hago lo contrario. Trato de sacar la foto de una persona de la manera en que se quiere ver en el espejo.

“TRATO DE SACAR LA FOTO DE UNA PERSONA DE LA MANERA EN QUE SE QUIERE VER EN EL ESPEJO”

No eran para el público, no eran para las revistas. John quería ser muy privado con esas fotos, lo ponía nervioso que Sean se convirtiera en una figura pública. Pero me llamaron porque podían confiar en que yo mantuviera las fotos privadas. Querían fotos para mandar a su familia, como cualquier pareja pero, en lugar de una foto normal, querían buenas fotos.

“EN EL MOMENTO NO TE DAS CUENTA QUÉ ES TAN IMPORTANTE PARA LA HISTORIA” ¿Y por qué tu libro John Lennon: sus años en Nueva York, las incluye?

Después que John murió y Sean creció un poco, Yoko me pidió que las publique.

Elegiste las fotos del libro de miles que tenés en tu archivo ¿Porqué las elegiste?

Cuentan una historia. La historia de ser amigo de John Lennon a finales de los 70 en Nueva York.

¿Vos también los querés ver así?

esquina, a media cuadra de mi casa, pero no los había conocido. Una vez los vi en el teatro Apollo y me emocioné mucho, pero tampoco los conocí. Pero después trabajé en un libro y al escritor le gustaron las fotos y yo le caí bien y me dijo que la semana entrante iba a entrevistar a John y Yoko y me preguntó si yo quería hacer las fotos. Y dije que sí, por supuesto.

¿Cómo fue cuando los conociste?

No lo podía creer, estaba tan emocionado que temblaba. Me acuerdo de ir caminando por el pasillo del hotel para conocerlos. No podía creer mi suerte; iba a conocer a John Lennon y Yoko Ono, la cosa más alucinante que podía pasar. Ya conocía a Ike y Tina Turner, había conocido a Elton John y había trabajado con otros pero, John Lennon, era alucinante. Me acuerdo que estaba temblando y que pensé: “No puedo sacar las fotos temblando así”. Así que frené, respiré y dije: “Tranquilizáte, sería fantástico que funcione, pero la única manera es que haga lo que hago, naturalmente, y que les guste. Pero sino, todavía tengo una vida y voy a estar bien”.

¿Sobre qué trataba esa nota?

Sobre la banda Elephant’s Memory. John y Yoko la estaban usando para grabar. Después de sacar las fotos les pregunté si podía ir al estudio para sacar una foto de toda la banda. Dijeron que sí, pero que iba a tener que esperar hasta que terminara la noche.

¿Esa es la foto interna del disco Some Time in New York City, de John y Yoko?

Sí, porque quiero que les guste, quería me contraten de nuevo; fue todo muy egoísta. Es muy difícil vivir de la fotografía.

Sí, saqué las fotos para la revista pero no se me ocurrió dárselas a ellos. No pensé que podían necesitar mis fotos. ¡Eran John y Yoko! Me fui de viaje durante dos semanas con Ike y Tina Turner y, cuando volví, me encontré con el baterista de la Elephant’s Memory, que me dijo: “Estuvimos tratando de encontrarte, queremos usar tu foto para el disco”. Y después me llevó a la casa de John y Yoko, esa fue la primera vez que pasamos una tarde juntos. Al final del día Yoko me dijo que yo les caía bien y que le gustaban mis fotos y que querían que fuera más seguido y que les siguiera sacando fotos. Todavía somos amigos con Yoko.

Yoko es una de las creadoras del arte conceptual. ¿Ella determinaba el tipo de fotos que vos sacabas?

Los dos eran maestros del arte en los medios. De usar los medios para expresar buenas ideas, por ejemplo la idea de la cama adentro. Ellos dijeron: “Okey, vamos a dejar que nos saquen fotos, pero atrás nuestro vamos a poner la palabra paz, y entonces todos los diarios que publiquen las fotos van a publicar la palabra paz”. Y ése es el tipo de idea brillante que tenían. Usar la oportunidad para difundir las palabras de paz y amor siempre. Y yo lo respeto, y me siento honrado de poder ayudar a seguir llevando ese mensaje. ¿Qué es más importante que eso?

“NO PODÍA CREER MI SUERTE; IBA A CONOCER A JOHN LENNON Y YOKO ONO, LA COSA MÁS ALUCINANTE QUE PODÍA PASAR” 34

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Many of his pictures have become iconic. He portrayed the Punk movement and was a friend to Ike and Tina Turner. We had a chat with Bob Gruen while he was in Buenos Aires for the presentation of his book John Lennon: The New York years. When did you take your first rock pictures? Was it in The 1965 Newport Folk festival?

Sort of, I wasn’t working as a photographer, my mother knew somebody who wrote a letter saying that I was a photographer. They said no, but I said that I must and I must, so I talked my way into it and they finally gave me the photo pass. The first time in ‘64, I didn’t have the money to go into the concert, so the next year I talked about getting the photo pass.

So, was it just an excuse to get in?

Yeah. I didn’t make any money taking pictures for the next five years.

How did you start making money?

The piano-player father of a band I used to live with knew somebody, and they got a job at a party, they came together for that concert since they had already broken up, but at that party there was the famous producer, Bob Crew. He liked the band a lot and they singed vocals for the movie Barbarella. He made an album for them and then the record company asked me if I had photos and I showed them the photos I had of the band. They liked the photos and they used them for the press kits and they hired me to do another job.

Did you go to Europe to check the Punk Rock scene in London?

I didn’t even know very much about Punk Rock at all. I went to Europe because my son was 2 years old and was with my mother in law in France. I went to visit him and, as long as I was there, I went to visit some nice inns that I knew in Germany and London. In London I met with Michael Mclaren, who I already knew from when he was in New York working with the New York Dolls. He took me to a place called Club Louise, which was kind of like the Max’s back room. Everybody there became part of the Punk Rock scene. And in those couple of nights that I spent there I met The Clash, The Sex Pistols, Siouxsie and the banshees, Billy Idol, Elvis Costello, the journalists Caroline Coon and Jon Savage.

a plan a month before I meet somebody and make a drawing and say I’m gonna take a picture like this. But Sid was part of that picture. We were having a hot dog and he said wait, and he put some more ketchup and mustard on, and put it all over the face, and then he pose for the picture. He knew what he was doing. And very often the person helps me take a good picture like that; it’s a very natural combination. A trust between the you and the artist It’s a very natural combination, but I do like humor, because I like to have a good picture that people are gonna enjoy.

So did you do it as a job or because you were a fan? Sometimes it was just a job, but most of the times it was because I was a fan. And I think that my pictures came out very well because I like what I’m doing, because I like the music and I am a fan of Rock and Roll. And so I feel it, and I try to show the feeling in my pictures. I’m not just trying to take a picture and make sure that the shirt is the right color or something. I understand what they are doing and I understand the timing and the moment that’s the most exciting, because I’m excited.

“SOMETIMES IT WAS JUST A JOB, BUT MOST OF THE TIMES IT WAS BECAUSE I WAS A FAN” Do you still take Rock and Roll pictures?

I don’t really work in that sense like I used to work, everyone takes pictures now. Thirty-four years ago it was very complicated. Now everybody has a camera in their hands, in their phones. And, before the show ends, maybe two hundred people will have already posted it on Facebook, Flickr, and Instagram, and I can’t compete with that. And I don’t try. I publish stories about history rather than about news. And I have books and I do a lot of exhibitions. I still like to take pictures.

How were the US based Creem and Rock Scene magazines, where you worked in the Was it a dream for you, being fan, to be able ‘70’s? to work as a Rock and Roll photographer? They were acting like fanzines. They made fun of it; they made jokes about Rock and Roll. Rolling Stone and some of the other magazines were like journalistic, literary, serious kind of magazine, whereas Rock Scene and Creem magazine, had fun. And the kids in England liked that.

Did you search for humor in pictures like Sid Vicious with the hot dog? There’s not a lot of planning in my photos, I don’t make

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I really did accomplish something that really matters to people, that is really important now. For so many years, you know, the scene going on Punk Rock didn’t seem any important at all. And the fact that people admire that and respect that, that’s a dream come true. What’s happening to me nowadays, I don’t even know if I could’ve dream it would be so amazing. That people have so much respect for what I do. At the time you don’t know what’s so important for history.

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How did you start working with John Len- like it. And if they don’t I still have a life, I’ll be ok”. non and Yoko Ono? They had moved to New York and everybody knew about What was that story about? it. In fact they’d moved into an apartment half a block, right around the corner, from my house. But I didn’t meet them. One night at the Apollo Theater I happened to see them and I was really excited but, again, I didn’t meet them. And then I was involved in a book project and the writer of the book liked my photos and he liked me and said he was going to interview John and Yoko next week: “would you like to take the pictures?” And I said off course.

And how was it when you met them?

I was so excited, I couldn’t believe it, and I was shaking. I remember walking down the hotel hall to meet them. I couldn’t believe my luck; I was going to meet John Lennon and Yoko Ono, the most amazing thing that could happen. I already knew Ike and Tina Turner and I’d met Elton John and I worked with a couple, but John Lennon, was amazing. I remember I was shaking and I thought to myself: “I can’t take pictures shaking like this”. So I stopped and I took a breath and said: “Get a hold of yourself, it will be really great if it works out, but the only way it can work out is if I do what I do, naturally, and they happen to

The story was about The Elephant’s Memory Band. John and Yoko were using that band for recording. So after I took the pictures I asked if I could come to the studio to take a picture of the band together, and they said yes, but I would have to wait until the end of the night.

Is that the inner picture of John and Yoko’s Some time in New York City album? Yeah, I took the pictures for the magazine but didn’t think about giving them to John and Yoko. I didn’t think they needed my pictures. They were John and Yoko! I went travelling for two weeks with Ike and Tina Turner, and when I came back, by accident, I ran into the drummer from the Elephant’s Memory Band and he said: “We’ve been trying to find you, we want to use the picture in the album”. And then he brought me to John and Yoko’s house and that’s the first time we actually spent an afternoon talking and, at the end of that day, Yoko said that they liked me and they liked my pictures and they wanted me to come more often and to start taking more pictures of them. I’m still friends with Yoko today.

“I COULDN’T BELIEVE MY LUCK; I WAS GOING TO MEET JOHN LENNON AND YOKO ONO, THE MOST AMAZING THING THAT COULD HAPPEN”


Yoko is one of the creators of conceptual art. Did she determine the kind of pictures you took?

Both were masters of the media arts. They used the media to express good ideas, for instance the bed-in idea. They said: “Okay, we will let them take a picture of us but behind us we’re gonna write the word peace, and then every newspaper that publishes that picture will be publishing the word peace”. And that’s the kind of brilliant idea that they had. To use the opportunity to always spread the words of peace and love and I respect that and I am very honored to be able to help carry that message. What’s more important than that?

“I TRY TO TAKE A PICTURE OF A PERSON THE WAY HE WANTS TO SEE HIMSELF IN THE MIRROR”

Is that the way you want to look at them as well?

Yeah, because I want them to like it. I wanted them to hire me again; it’s all selfish. It’s very hard to make a living as a photographer.

What about the most intimate pictures? The family pictures you took with their son But did they determine the concept of the Sean. That was not for the public, it was not for the magazines, pictures themselves? That was part of the deal when I first met them. They said: “You can take any pictures you want but always show them to us and talk to us about what pictures we want to use”. And then I only used the pictures they wanted to use. Some photographers would consider that censorship or control, I prefer to work that way. Because I want the person to like my pictures, and I want them to call me back and hire me again because as a photographer you don’t make a lot of money.

John wanted to be very private about it, he was nervous about Sean becoming a public figure. But they called me because they could trust me to keep the pictures private. And they wanted pictures to send to their family, like any couple. But instead of a snapshot they wanted a nice picture.

How come your book John Lennon: The New York years, shows those pictures? After John passed away and Sean was growing up a little, Yoko asked me to publish the pictures.

The Rock and Roll photographer Annie Leibovitz used to say that she tried to show You chose the pictures for the book from hidden aspects of the personality of the ar- thousands you have in your archive, why tists she took pictures of. did you choose them? I do the opposite; I try to take a picture of a person the way he wants to see himself in the mirror.

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It tells a story. It tells a story about being John Lennon’s friend in New York in the late 70’s.

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NOTA DE INTERÉS

¿Qué otras plantas estás investigando actualmente? Are you currently investigating other plants?

ABSENTA PORTEÑO B.A. STYLE ABSINTHE

ENTREVISTA A UN ALQUIMISTA ANÓNIMO INTERVIEW TO AN ANONYMOUS ALCHEMIST

Autor: Alan Ojeda

En algún rincón de Capital Federal, un joven originario de La Pampa que abandonó la academia para dedicarse a la cocina –cuna de la ciencia si la hay- ocupa su tiempo en el milenario trabajo de investigar los infinitos usos de las plantas y darle vida a la absenta, viejo elixir de la inspiración de los poetas malditos, prohibido en Argentina por su alta graduación alcohólica y sus alcaloides psicoactivos. Lo presentamos simplemente como Barón Absenta. In some lost corner of the City of Buenos Aires, a young man from the province of La Pampa who left his academic studies to focus on cooking – a cradle of science like no other – uses his time for the ages-old work of investigating the infinite uses of plants and so give life to absinthe, the old elixir that gave inspiration to the accursed poets of France, banned in Argentina because of its high-proof content and its psychoactive alkaloids. We simply introduce him as Baron Absinthe.

¿Cuál fue tu primer contacto con la ciencia? What was your first contact with science? La ciencia fue algo que siempre me apasionó. En la química me metí a los trece años, por la rama de la química energética: cohetería, combustibles, explosivos. Cuando tenía dieciocho empecé con las plantas medicinales. Ginkgo y ginseng fueron mis primeras. Me di cuenta que el potencial era altísimo. Por ejemplo que el aceite esencial de limón puede evitar los vómitos porque afecta los receptores 5-HT3 inhibiéndolos, lo que impide que tengas náuseas. Science has always thrilled me. I started with chemistry when I was thirteen, mostly on energetic chemistry: rockets, fuels, explosions. When I was eighteen I started with medicinal plants. Ginkgo and ginseng were the first. I realized the potential was huge. For example, I learned that lemon essential oil could inhibit vomiting, because it inhibits 5-HT3 receptors, which prevents you from feeling nauseous.

¿Y el estudio? Porque sos totalmente autotidacta… And the studies? Because you are self-taught in this… Yo me vine a estudiar Ingeniería Química, pero el hecho de pensar que iba a estar 7 años estudiando para terminar laburando en Bayer y Roche me carcomía la cabeza. Un día llamé a mis viejos y les dije mamá, papá: Quiero ser cocinero. Ahí me metí en la Escuela del Gato Dumas. La cocina es ciencia, la ciencia es cocina.

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I came here to study chemical engineering, but the thought of being doing that for 7 years to end up working for labs like Bayer and Roche was eating me away. One day I called my parents and told them: “Mom, dad: I want to be a cook”. After that I got into chef “Gato” Dumas’s school. Cooking is science and science is cooking.

¿Cuáles fueron los efectos de tu fórmula? How did you end up investigating about absinthe? Científicamente, lo que generó fue un aumento de las ondas Alpha del cerebro, responsables de la creatividad. También mejora el estado de ánimo y potencia los sentidos. Así que sí, logré obtener eso que veía en toda la mitología sobre la absenta. From a science point of view, it caused an increase in the brain’s Alpha waves, the ones responsible for creativity. It also improved the mood and powered the senses. So basically, yeah, I got that which is so mythological about absinthe.

“CIENTÍFICAMENTE, LO QUE GENERÓ FUE UN AUMENTO DE LAS ONDAS ALPHA DEL CEREBRO, RESPONSABLES DE LA CREATIVIDAD” “FROM A SCIENCE POINT OF VIEW, IT CAUSED AN INCREASE IN THE BRAIN’S ALPHA WAVES, THE ONES RESPONSIBLE FOR CREATIVITY”.

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Estoy haciendo investigaciones sobre el Ceibo como ansiolítico. La corteza de esa planta tiene alcaloides del tipo de la erythrina que son sedantes, narcotizantes y ansiolíticos muy potentes, con un efecto incluso mayor que el de drogas como el diazepan. El ceibo sería bueno para el cuerpo, ayuda a la desintoxicación de la sangre y a mejorar el sistema inmune sin generar dependencia. I’m researching the properties of the Ceibo tree as an anxiolytic. The bark contains alkaloids of the erythrina kind, which is a very powerful sedative, narcotic and anxiolytic, with an even better effect than drugs such as diazepam. The ceibo could be good for the body, it helps detoxing the bloodstream and improves the immune system without generating dependency.

¿Te lleváste algún susto con las pruebas empíricas? Did you have any scary situations during empirical tests? Muy pocos. Uno fue al experimentar los efectos de la Hipomanía, mezclando inhibidores de IMAOS con inhibidores de la recapitulación de serotonina, un poco de estimulantes y colinérgicos. Tuve un síndrome serotonínico: náuseas, mareos, no poder estar parado. No fue una experiencia placentera pero aprendí mucho. Just a few. One was when I experienced hypomania through mixing MAOI inhibitors with serotonin recapitulation, some stimulants and some cholinergics. I had a serotonin syndrome: nausea, dizziness, you can’t even stand. It wasn’t a happy experience, but I learned a lot.

“ESTOY HACIENDO INVESTIGACIONES SOBRE EL CEIBO COMO ANSIOLÍTICO” “I’M RESEARCHING THE PROPERTIES OF THE CEIBO TREE AS AN ANXIOLYTHIC” ¿De dónde sacás la info para empezar a encaminarte en la búsqueda? Where do you get the info to start your research? Voy desde el folklore, relatos antiguos, Castaneda, la biblia, hasta la contrastación científica sobre la veracidad de los efectos de determinada planta o cóctel. La mención al incienso y la mirra en La Biblia es una evidente demostración del poder que tenían esas plantas en la antigüedad. Su combinación en distintas proporciones era considerada una panacea para curar distintos males, funcionaba como tónico antiséptico, analgésico, antiinflamatorio. Era tal el valor que tenían esas resinas que los reyes magos se las regalan a José y María a la par del oro. I get it from folklore, old tales, the books of Castaneda, the Bible, and even the scientific verification of the effects of some plant or cocktail. The constant mention of incense and myrrh in the Bible is clear proof of the power those plants had in those days. Its combination in different proportions was considered a sort of panacea to cure all sorts of ailments. It worked as an analgesic, an antiseptic, or an anti-inflammatory tonic. Such was the value of those resins the Three Wise Men give Joseph and Mary, along with the gold.

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DISCOS

RESEÑAS - REVIEW Autor: Esteban Iazzurlo

Didn’t Rain Warner Music Hugh Laurie El Hombre que se ha he hecho famoso por sus increíbles diagnósticos médicos en televisión vuelve a dar rienda suelta al “pasatiempo” que mas lo apasiona. Así es como aparece ante nosotros el sucesor de su primer disco “Let them Talk”, opera prima en la que nos empapaba de su amor por la cultura sureña y blusera Norteamericana en un recorrido nostálgico por el mundo de la “música negra”. Didn’t Rain vuelve a meternos de lleno en esta experiencia musical blusera pero con un Hugh Laurie muchos más confiado y a gusto, luego de haber dado la vuelta al mundo con su música. Nuevamente, el actor ingles, opta por versionar clásicos del blues y el jazz junto con la imponente banda que lo segunda, The Copper Bottom Band. Unos cuantos invitados le dan un color distinto a este LP con respecto al anterior. Taj Mahal en el corte Vicksburg Blues y la cantante guatemalteca Gaby Moreno en el tango Kiss of Fire (el tango "El choclo" de Villoldo, luego adaptada por Louis Armstrong), son claras muestras de ello. Sin duda, uno de los tracks mas logrados del álbum es The St. Louis Blues donde comparte su música con la cantante de Soul Jean McClain, quien se encarga de ponerle dulzura y elegancia con su manera tan particular de abarcar el estilo R&B. Dos elecciones y performances excelentes en el disco a cargo del artista son la famosa “Wild Honey” y “Junker Blues”, mostrando una vez más lo cómodo que se encuentra en estos terrenos. Si bien su primer disco sigue siendo lo mejor de su corto catalogo, Didn´t Rain nos muestra nuevos matices y lugares a donde Hugh Laurie nos quiere llevar con su música. Es un disco para dejarse llevar hacia esas “Tierras santas”, y por supuesto, para disfrutar del buen Blues.

Magia amor locura animal Pop Art Bicicletas El tercer LP de una de las bandas alternativas más establecidas del circuito porteño nos trae una nueva declaración de principios y una resignificacion estética de la banda. Con más luminosidad y menos cuotas acidas, este disco nos invita a movernos desde su primer track, “Magia”. Su líder y cantante Julio Cesar Crivelli nos muestra su costado más ochentoso a través de melodías que nos invitan a bailar a lo largo de todo el álbum. El productor a cargo Sergey Grosni y Mariano Lopez (ingeniero de sonido) son claramente los responsables de este giro artístico. Optimismo y movimiento es la nueva propuesta de la banda y sin duda lo logran a través de cada una de las canciones del disco.

The Next Day Columbia Records

Hugh Laurie

The man that became famous for his incredible medical diagnostics on television is again indulging in his favorite “hobby”, and has released the follow-up to his first record, Let them Talk, where he poured all his love for southern and blues American culture, a sort of nostalgic trip around the world of black music. Didn’t Rain gets us back into that blues experience, but this time Laurie is more confident, at ease, after touring the world with his music. The English actor again covers blues and jazz classics backed by the imposing Copper Bottom Band. This record gets a different color from the many guests that appear in it, such as Taj Mahal on Vicksburg Blues and Guatemalan singer Gaby Moreno in Kiss of Fire, originally an Argentine tango called El Choclo, by Ángel Villoldo, later adapted by Louis Armstrong. One of the best tracks in the album is St. Louis Blues, where he shares his music with singer Jean McClain, who adds sweetness and elegance with her very particular way of performing R&B. Two great performances in the album are Wild Honey and Junker Blues, where he shows how well he performs these styles. Even though his previous album was the best of his short catalogue, Didn’t Rain shows us new shades and new places where Laurie takes us with his music. It’s a record that takes us to the holy lands where we can enjoy some good blues.

Magia amor locura animal Bicicletas

The third album of one of Buenos Aires’ most established underground bands is both a statement and an aesthetic redefinition. With more light and less acid passages, this record invites us to dance from the first track, Magia. Band leader and singer Julio Cesar Crivelli shows his ‘80´s side through melodies that makes as move throughout all throughout the album. Producer Sergey Grosni and sound engineer Mariano Lopez are the ones who are responsible for this artistic turn. Optimism and movement is the band’s new proposal, and no doubt it’s a successful one all through their new songs.

The Next Day David Bowie

David Bowie “¿Dónde estamos ahora?”, se pregunta David Bowie en la canción Where are we now, cuyo video marcó el lanzamiento del disco The Next Day, el vigésimo cuarto de su carrera, y el primero que edita desde Reality en el 2003. El álbum se mantuvo en secreto hasta el 8 de Junio de este año, cumpleaños de Bowie, y ese día el video y el anuncio sorprendieron a todos. El regreso del Duque Blanco. Bowie fue tan mutante a lo largo de su carrera, que la gran pregunta era la misma que se hacía esa primer canción. ¿A dónde está Bowie ahora? El conjunto de canciones de The Next Day lo muestran haciendo algo que no había hecho en sus más de 50 años de carrera: una retrospectiva. Hasta ahora, Bowie nos tenía acostumbrados a inventar el futuro en cada disco. Esta vez, a sus 66 años, se dio el lujo de volver sobre sus pasos, permitirse no inventar nada nuevo, y repasar su carrera desde canciones nuevas, pero que pueden asociarse a varios periodos. Por momentos parece el Bowie de Berlin y por momentos el extraterrestre Ziggy Stardust, y hasta resurge el del disco Heathen en temas como Valentine’s Day, que recuerda a Everyone says Hi. A pesar de sus grandes canciones y su excelente producción, The Next Day deja un cierto sinsabor. Quizás sea que la voz de Bowie está demasiado atrás (compensación por un caudal disminuido), o que la música ya no augura el futuro. Lo cierto es que The Next Day es un disco con muy buenas canciones, pero que quizás pierda ante una comparación injusta, pero sugerida por Bowie mismo: la de este disco contra toda la obra anterior de del Duque Blanco.

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Didn’t Rain

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“Where are we now?”, asks David Bowie in the first single released of his new record, The Next Day, number 24 in his career and the first since Reality in 2003. The album was kept secret until June 8th, Bowie’s birthday, and that day the video and the announcement shocked the world. The return of the White Duke. Bowie has always been such a mutant that the big question was the same he made in that song. Where is Bowie now? The collection of songs that make The Next Day show him doing something he had never done in 50 years: a retrospective. Until now, Bowie had us used to inventing the future in every album. This time, the 66-year-old artist allows himself to retrace his own steps, to not do anything new, and to go over all of his career through songs that, while new, can be associated to different periods. Sometimes it sounds like Bowie in Berlin and sometimes it sounds like the alien Ziggy Stardust, and even the album Heathen resurfaces in songs such as Valentine’s Day, which reminds of Everyone say Hi. Despite having some great songs and an excellent production, The Next Day leaves a certain displeasure. Perhaps it is that Bowie’s voice is very low in the mix (a compensation for his diminished voice flow), or that the music is no longer a prediction of the future. The truth is that The Next Day is a record with some good songs, but that perhaps is not favored when faced with an unjust comparison, but one that Bowie himself has suggested: the one between this album and all his previous ones.

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CINE

HAY OTRO CINE THERE IS ANOTHER CINEMA LOS CABALLEROS DEL CELULOIDE - THE GENTLEMEN OF THE CELLULOID Autor: Marina Cimerilli Fernando Martin Peña y Fabián Manes son dos legendarios cineclubistas, audaces coleccionistas de películas y, como si fuera poco, creadores del ciclo Filmoteca En vivo, que se transmite todas las noches por la TV pública regalándonos infinidad de filmes de cine bizarro, clásico, de culto y, también, otros géneros más convencionales. Afortunadamente, Filmoteca en Vivo también tiene lugar en el auditorio de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), donde Peña y Manes presentan y exhiben para el público el material de sus respectivas colecciones, principalmente compuestas por títulos que no son usualmente exhibidos en los circuitos comerciales. Además, todas las películas se proyectan en su formato original. If we consider ourselves lovers of cinema, trying to be modern may be a mistake. To guide us in our path, fortune has set before us to brave gentlemen: Fernando Martín Peña and Fabio Manes. Legendary cinema-clubbers, bold collectors and, as if that were not enough, creators of the TV show Filmoteca En Vivo, broadcasted every night on the state TV channel, which gives us endless reels of bizarre cinema and classics, both cult and not-so-cult. Luckily, Filmoteca En Vivo also takes place at the auditorium of the cinema school ENERC, where Peña and Manes exhibit their collections, mostly comprised of titles that are not shown in commercial circuits. The films are also shown in their original format. En palabras de Peña: “El programa fue una derivación de pasar cine en distintos lugares y nos hizo más conocidos; la tele tiene esa exposición, mucho mayor. Y entonces se nos ocurrió usar eso y agregárselo a las funciones que nosotros normalmente hacemos: Yo hago funciones en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Fabio hacía en otros lugares... Entonces nos juntamos y hacemos filmoteca en vivo, y nos ponemos los dos a presentar películas… ¡y funcionó!” According to Peña: “The show stemmed from all the different places where we showed our movies, and then it made us more famous, TV gives you a much bigger exposition. That’s when we thought about using that exposition and adding it to the projections we were already doing. I am usually at the MALBA (Buenos Aires Museum of Latin American Art), and Fabio (Manes) does it elsewhere. So we decided to put all that together and do Filmoteca En Vivo, with ourselves introducing the films. And it worked! It really did.

Filmoteca en Vivo resulta así un espacio único que recupera el encanto de la tecnología analógica y nos brinda la posibilidad de apreciar valiosos filmes en 35mm, 16mm, 8mm y hasta 9 y 1/2mm, formatos que en muchos casos corresponden al original en que la película fue rodada. “Nosotros lo que tratamos de hacer es una retrospectiva de películas independientes, que son tan poco vistas como las independientes contemporáneas. Hay que tratar con el mismo respeto lo retrospectivo que lo contemporáneo, porque sigue siendo nuevo. Para el público que no ha visto una película de 1920 la película es nueva, no importa si se hizo en 1920.”, explica Peña. Filmoteca en Vivo is a unique space that recovers the charm of analog technology and brings the opportunity to enjoy valuable films in 35mm, 16mm, 8 mm and even 9 1/2mm, which in many cases are the original formats. “We try to do a retrospective of independent movies, which are as little seen

“FILMOTECA EN VIVO ES UN ESPACIO ÚNICO QUE RECUPERA EL ENCANTO DE LA TECNOLOGÍA ANALÓGICA Y NOS BRINDA LA POSIBILIDAD DE DISFRUTAR DE VALIOSOS FILMES EN 35MM, 16MM, 8MM Y HASTA 9 Y 1/2MM” FILMOTECA EN VIVO IS A UNIQUE SPACE THAT RECOVERS THE CHARM OF ANALOG TECHNOLOGY AND BRINGS THE OPPORTUNITY TO ENJOY VALUABLE FILMS IN 35MM, 16MM, 8 MM AND EVEN 9 1/2MM, WHICH IN MANY CASES ARE THE ORIGINAL FORMATS 48

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as the current independent ones. We have to pay the same respect to the retrospective as we do the contemporary, because it’s still new. For those that haven’t seen a 1920 movie, it’s new”, Peña says. Con un notable sentido del humor, y con la expresión “¡Alegría sin fin!” como leitmotiv, la Filmoteca se instala como una opción sumamente interesante a la hora de salir a ver cine. ¿La programación? Más que variada y para todos los gustos: Desde clásicos del cine mudo como Buster Keaton o Murnau (siempre musicalizados en vivo por el guitarrista Fernando Kabusacki y el tecladista Matías Mango), terror clase “B” (hombres lobos, zombies y asesinos psicópatas), Ciencia Ficción de los ´70, artes marciales, clásicos invaluables de nuestro Cine Nacional, directores de culto como David Lynch, Roman Polanski o Werner Herzog, y hasta un festival propio: el BAZOFI, que recopila rarezas excepcionales. “La idea era que la programación del BAZOFI tuviese primero mucha variedad, y además un tipo de cine que el (festival de cine) BAFICI ya no estaba pasando. Y después mucho humor, porque es un festival paródico, digamos, ya desde el nombre… entonces, que fuese un festival que no tiene ninguna pretensión. O que las tiene desmedidas. Nosotros decimos que somos el evento cinéfilo del siglo. Menos de ahí no. Y eso funciona, el humor siempre es saludable.”, dice Peña. Si usted todavía no asistió a una proyección en la

Filmoteca en vivo, debería reconsiderarlo. Para estar al tanto de la programación que se viene, no tiene más que apuntarse al Facebook de “Filmoteca En Vivo – Alegría sin fin”, y el próximo paso será aventurarse a la sala de proyecciones de la ENERC en el barrio de San Telmo, acomodarse en la butaca y dejarse atrapar por el celuloide. La entrada es gratuita. Y, como dicen Peña y Manes: “¡Llevan cantidad, llevan calidad!”. With the great sense of humor of its creators, and the motto “¡Neverending joy!”, Filmoteca En Vivo is an extremely interesting option when we want to go to the cinema. ¿What is the programme? There is something for everyone: from mute cinema classics like Buster Keaton or Murnau (and always musicalized by guitarist Fernando Kabusacki and keyboard player Matías Mango), B-class horror movies (of course there are werewolves, zombies and psychopathic killers), ‘70´s sci-fi, martial arts, invaluable classics of Argentine cinema, cult directors such as David Lynch, Toman Polanski or Werner Herzog, and there’s even a festival: the BAZOFI, which compiles exceptional rarities. “The idea was to have great variety in BAZOFI, and also the type of cinema that you could no longer see in the big independent festival, the BAFICI. And also, with a lot of humor, because it’s a parodic festival, even from the name – BAZOFI is similar to a word meaning garbage – so it’s not a very pretentious festival. Or rather, it’s outrageously pretentious. We say we are the movie event of the century, nothing less. And it works, humor is always healthy”, explains Peña.

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Y entre tantas latas de película… ¡Tampoco faltan los hallazgos históricos! Hace algunos años, en la bóveda del Museo del Cine, Peña hizo un descubrimiento sin precedentes: Se topó nada menos que con la versión completa, en 16mm, del clásico mudo Metrópolis, del director alemán Fritz Lang, obra maestra del cine de todos los tiempos, que hasta entonces se consideraba perdida y sólo se conocía en una versión más corta. Por otra parte, hace unas pocas semanas rescató, de un lote de películas que había comprado su colega Manes, una versión del cortometraje The Blacksmith de Buster Keaton que resultó ser significativamente diferente a la que ya se conocía, y ahora la noticia recorre el mundo mientras la copia encontrada, que data del año 1922, espera a que se autorice su correspondiente restauración.

“HACE ALGUNOS AÑOS, EN LA BÓVEDA DEL MUSEO DEL CINE, PEÑA HIZO UN DESCUBRIMIENTO SIN PRECEDENTES: SE TOPÓ NADA MENOS QUE CON LA VERSIÓN COMPLETA, EN 16MM, DEL CLÁSICO MUDO METRÓPOLIS” And in the middle of all those cans of celluloid… There are also historical findings! A few years ago, in the vault of the Cinema Museum, Peña found something unprecedented: nothing less than the complete 16mm version of mute cinema classic Metropolis (by German director Fritz Lang), an ageless masterpiece considered lost until then and only known in its shorter version. A few weeks ago, Peña also rescued from a lot of films that his friend Manes had bought a copy of Buster Keaton’s film The Blacksmith, from 1922, which ended up being completely different from the known version. The news is going around the world, and they are waiting for authorization to have it restored.

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“A FEW YEARS AGO, IN THE VAULT OF THE CINEMA MUSEUM, PEÑA FOUND SOMETHING UNPRECEDENTED: NOTHING LESS THAN THE COMPLETE 16MM VERSION OF MUTE CINEMA CLASSIC METROPOLIS” Si usted todavía no asistió a una proyección en la Filmoteca, debería reconsiderarlo. Para estar al tanto de la programación que se viene, no tiene más que apuntarse al Facebook de “Filmoteca En Vivo – Alegría sin fin”, y el próximo paso será aventurarse a la sala de proyecciones de la Escuela de Cine en el barrio de San Telmo, acomodarse en la butaca y dejarse atrapar por el celuloide. La entrada es gratuita. Y, como dicen Peña y Manes: “¡Llevan cantidad, llevan calidad!” If you have not been to a Filmoteca En Vivo, you should consider it. Check the schedule of films on their Facebook page (Filmoteca En Vivo – Alegría sin fin), and then go to the projection room of ENERC in San Telmo, get on the seat, and let the celluloid catch you. The admission is free. And as Peña and Manes say: “You get quantity, you get quality!”

“NOSOTROS DECIMOS QUE SOMOS EL EVENTO CINÉFILO DEL SIGLO. MENOS DE AHÍ NO. Y ESO FUNCIONA, EL HUMOR SIEMPRE ES SALUDABLE” “WE SAY WE ARE THE MOVIE EVENT OF THE CENTURY, NOTHING LESS. AND IT WORKS, HUMOR IS ALWAYS HEALTHY”

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TECNOLOGÍA

JUGANDO A CAMBIAR EL MUNDO PLAYING TO CHANGE THE WORLD SAN FRANCISCO:

CONSEJO DE ASUNTOS MUNDIALES DE CALIFORNIA DEL NORTE WORLD AFFAIRS COUNCIL OF NORTHERN CALIFORNIA Autor: Sebastián Aldasoro El Cyber filósofo Evgeny Morozov publicó su segundo libro, Para salvar todo, clickeá acá: El engaño del solucionismo tecnológico, en marzo. Ahí habla sobre cómo las mayores empresas de Internet postulan la idea de crear aplicaciones para solucionar problemas sociales y cambiar al mundo para mejor. The cyber philosopher Evgeny Morozov published his second book: To save everything, Click here: The folly of Technological Solutionism, in march. There, he speaks about how the major Internet companies postulate the idea of creating applications in order to solve social issues and to make a better world. Morozov empezó a estudiar la tecnología de la información en su juventud. Pensaba que las redes sociales y el concepto de Internet 2.0 podían usarse para pelear por la democracia de su país, Bielorrusia. Pero al poco tiempo se olvidó de esta idea y se convirtió en un crítico acérrimo de la mayoría de empresas tecnológicas: “Me di cuenta que los dictadores de mi país estaban usando este tipo de tecnologías y muchas de éstas están siendo creadas acá cerca, en Silicon Valley”, California, donde compañías como Google y Facebook tienen sus casas centrales. Morozov started studying the information technology during his youth and he thought that the social networks and the concept of Internet 2.0 could be used to fight for the democracy of his country, Belarus. But, after a while, he forgot about this idea and became a very strong critique of most of the tech companies: “I found out that the dictators themselves were using these technologies and many are being created here, in Silicon Valley”, California, where companies like Google and Facebook have their headquarters. Morozov habla de tres tendencias principales dentro del solucionismo tecnológico: los sensores, las redes sociales y la gamificación. La primera consiste en la posibilidad de ponerle un sensor a cualquier objeto, desde un tenedor que avise que uno está comiendo muy rápido, hasta un zapato que avisa que uno no camina lo suficiente. “El principio es que le podes dar más información al usuario para que se comporte distinto”, dijo, haciendo alusión a la economía conductual. Las últimas dos hacen referencia al uso de las redes sociales y los juegos online para modificar el comportamiento de los usuarios, a través de la presión de los pares y de un sistema de recompensas. La aplicación alemana-inglesa Bincam, por ejemplo, envía la información de la basura que uno tira al sitio de Amazon, Mechanical Turk, que confirma si el usuario está reciclando correctamente o no y así gana o pierde puntos dentro del sitio. “En lugar de confiar en la ética, el usuario es recompensado dentro de una red social”, explica.

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Morozov speaks about three main trends within technology solutionism: sensors, social networks and gamification. The first one explains the possibility of adding a sensor to any given object; it could be a fork that gives notice if you’re eating too fast or a shoe that would let you know you’re not exercising enough. “The principle is that you can give the user more information to behave differently”, he said, referring to behavioral economics. The last two trends make reference to the usage of social networks and online games to modify the users behavior through peer pressure and a reward system. The english-german application Bincam, as an example, analyzes the garbage that users throw to the basket and uploads the information to Amazon’s site Mechanical Turk, which confirms if the users are recycling in the proper way or not. By doing this, users win or loose points within the site. “Instead of relying in ethics, people receive a reward within a social net”, he explains.

“EL PRINCIPIO ES QUE LE PODÉS DAR MÁS INFORMACIÓN AL USUARIO PARA QUE SE COMPORTE DISTINTO” “THE PRINCIPLE IS THAT YOU CAN GIVE THE USER MORE INFORMATION TO BEHAVE DIFFERENTLY” “Google analiza todo lo que hacés en todos sus servicios, trata de predecir lo que vas a hacer en el futuro cercano, y después trata de hacer algunas de esas cosas para vos”, profundiza Morozov respecto al uso de la economía conductual por parte de las grandes empresas tecnológicas. Un ejemplo claro de este mecanismo es el sistema de algoritmos del buscador de California, que toma en cuenta las búsquedas realizadas anteriormente para arrojar resultados que, según ellos, son más relevantes para el usuario. O sus anteojos, los Glass, que en un futuro podrían avisarte que no estás comiendo suficientes vegetales o que no estás caminando lo recomendable para ser una persona saludable. Sin embargo, preguntas como si están dadas las condiciones en una ciudad para caminar más, son dejadas de lado.

participan en la política”, advierte Morozov. Maybe, the most alarming trend that Morozov speaks about in his book is fact checking. In United States there are various media organizations, like politifact.com, which offer the service of checking information about politics and stating if it is false or true. “If it is false or true is mainly a question of ideology and not about facts and, generally, these organizations are associated to different think tanks which participate in politics”, Morozov warns. “Tenemos que ser muy críticos sobre cómo los problemas se generaron antes de crear una solución”, analiza. Si las empresas que controlan la tecnología de la información continúan por el camino del solucionismo tecnológico sólo tendremos parches a los problemas reales. “Necesitamos crear tecnologías que creen narraciones más complejas sobre la realidad”, propone Morozov, y se pregunta: “¿Queremos terminar en un mundo donde la gente esté suspendiendo el juicio sobre lo que lee porque delegó parte de esa responsabilidad a una extensión en su browser?”. “We have to be very critical about how the problems were generated before we create a solution”, he analyzes. If the companies that control the information technology keep on through the path of technological solutionism, we will only have patches for real problems. “We need to create technologies which create more complex narratives about reality”, Morozov proposes, and he asks himself: “Do we want to live in a world where people are suspending the judgment of what they are reading because they delegated a part of that responsibility to a browser extension?”

“NECESITAMOS CREAR TECNOLOGÍAS QUE CREEN NARRACIONES MÁS COMPLEJAS SOBRE LA REALIDAD” “WE NEED TO CREATE TECHNOLOGIES WHICH CREATE MORE COMPLEX NARRATIVES ABOUT REALITY”

“Google analyses all you do across their services, it tries to predict what you will do in the near future, and then, it tries to do some of those tasks for you”, Morozov explains, deepening the subject of behavioral economis usag by the major tech companies. A clear example for this mechanism is the algorithm system used by the Californian search engine, which takes into consideration the user’s previous search entries to provide, according to them, more relevant results. Or it could be their new product, Glass, which, in a near future, could let you know that you’re not eating enough vegetables or that you’re not walking enough in order to be a healthy person. Nevertheless, questions like if conditions are granted in a city in order to walk more, are not taken into consideration. Quizá la tendencia más alarmante detectada en su libro sea el chequeo de datos. En Estados Unidos existen organizaciones de medios, como politifact. com, que se dedican a constatar información sobre política y calificarla de verdadera o falsa. “Si es falso o no es principalmente una pregunta de ideología y no de datos, y generalmente este tipo de organizaciones están asociadas a distintos think tanks que

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ENTREVISTA

FRANCISCO BOCHATÓN “ME PARECE QUE LLEGUÉ A UN LUGAR” “I THINK I’VE ARRIVED SOMEWHERE” Autor: Sebastián Vidondo Francisco Bochatón repite varias veces las palabras “satisfecho” y “contento”. Sílaba por sílaba, se las escucha rebotar contra las paredes del camarín impulsadas por la energía de un discurso que, lejos de ser una pose, muestra a un artista a gusto con el trabajo realizado. Y es que su presente está activo: un año en el que presentó álbum solista (nominado a los Premios Gardel) y en el que prepara la grabación del retorno oficial de Peligrosos Gorriones, la banda icónica de los ‘90 con la que editó tres discos. Francisco Bochatón repeats the words “satisfied” and “happy” several times. Syllable after syllable, you can hear them bouncing on the walls of his dressing room, impulsed by the energy of a speech that, far from being phony, reveals an artist pleased with his own work. And that is because his present is quite active: this year he released a solo album which was nominated for the Gardel awards, and now he is preparing the official return of Peligrosos Gorriones, the iconic band of the ‘90´s with which he released three albums.

¿Qué evaluación hacés de este trabajo en relación con los anteriores? What is your evaluation of this work, in comparison with the previous ones? Yo siento que fue una entrega. Los anteriores, sin darme cuenta, eran un experimento, el paso previo necesario para después hacer La Vuelta Entera. Esto es pan caliente, me parece que llegué a un lugar. Paliza, por ejemplo, es un disco anti-disco; por eso la tapa es la imagen de mi nuca, casi como una mueca punk. Es el fruto de un viaje a España, que incluyó una visita a Warner en la que lo escucharon. Es un álbum que allá es imposible de digerir. Imposible. Pero tuvo una producción que no llega a lo que LVE tiene. Eso lo reconozco, por eso estoy orgulloso de este trabajo.

HAY UNA UNIÓN, UNA ECUANIMIDAD ENTRE LOS TÉRMINOS “ONÍRICO” Y “TÉCNICO” THERE’S UNION, EQUANIMITY, BETWEEN THE TERMS “ONEIRIC” AND “TECHNICAL” I feel I gave it everything. The previous ones, without knowing it, were an experiment, the necessary previous step so that now I can do La Vuelta Entera. This is bread out of the oven, I think I’ve arrived somewhere. Paliza, for example, is a record anti-records; that is why the cover is the back of my neck, in sort of mock-punk style. It’s the result of a trio to Spain, which included a visit to Warner in which they heard it. Over there, that album is impossible to digest. Impossible. But it had a production that wasn’t as good as the one LVE has. That is why I am so proud of this work.

Decís que sentís la nominación como un reconocimiento a un gran esfuerzo, ¿por qué? You say that this nomination is in recognition of a great effort. Why?

At first it was weird, and I was very surprised. But there’s so much work behind it, that I felt it like some sort of recognition afterwards, like a choice that really has to do with art and effort. Because the final result comes from a 2-year process in which I had to choose between thousands of songs that we recorded by parts, always playing live. Already in 2005 I got pre-selected amongst ten independent artists for the album La Tranquilidad Después de la Paliza, but it didn’t go beyond that.

El sonido está buscado. Está buscado dónde van los micrófonos, está muy trabajado el tema del audio. No tiene ediciones, no tiene “corto y pego”. Si se equivocaba alguien íbamos de nuevo. Es el primer disco que yo grabo así desde los ‘90, con los Gorriones. Los chicos de la banda quisieron, y como ellos son músicos que pueden hacerlo, tomé ese riesgo que me dio el resultado que quería. El proceso final recayó en manos de Eduardo Bergallo (encargado de la mezcla), que lo agarró porque le gustaba mucho el material bruto. Luego, lo transformó en LVE. Pero a su vez hubo mucha guía de mi instinto y el azar; lo onírico es onírico realmente, y lo otro es técnico real. Hay una unión, una ecuanimidad entre esos dos términos. Hay un laburo concreto y experto, sí, pero respetando ciertas libertades. Por ejemplo, canté en mi casa cuando no me salía en la sala, demoré seis meses en grabar las voces, tuve mucha autonomía.

“EL DISCO NO TIENE EDICIONES, NO TIENE “CORTO Y PEGO”… SI SE EQUIVOCABA ALGUIEN ÍBAMOS DE NUEVO” “THE RECORD DOESN’T HAVE ANY EDITS, NO “CUT-AND-PASTES”. IF ANYONE MADE A MISTAKE, WE STARTED OVER.”

The sound is something we sought for. We sought for the right way of arranging the microphones, everything related to audio has been done with care. There are no edits, no “cut-and-pastes”. If anyone made a mistake, we started over. It’s the first time I do an álbum like this since the ‘90´s, with Peligrosos Gorriones. The guys in the band wanted to

¿Cómo recibís la nominación de La Vuelta Entera como Mejor Álbum Artista de Rock? How do you take the nomination of your álbum La Vuelta Entera for the category Best Album/ Rock Artist? Al principio me pareció raro, y me sorprendió mucho. Pero hay tanto trabajo atrás, que después lo sentí como un reconocimiento, como una elección genuina que tiene que ver con el arte y el esfuerzo. Porque el resultado final viene de un proceso previo de dos años, en el que tuve que elegir entre mil temas que fuimos grabando en partes, tocando todos juntos en vivo. Igual, ya en 2005 me habían preseleccionado entre diez artistas independientes por La Tranquilidad Después de la Paliza, pero no avanzó de esa etapa.

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do it this way, and since they are real musicians, they can actually do it, too. So that’s why I took that risk, and it paid off. The final process was in the hands of Eduardo Bergallo (mixer), who got it because he loved the tapes. He took them and made them into LVE. But it was also guided by my instinct and by chance; what’s oneiric in it is really oneiric, and the rest is really technical. There’s union, equanimity, between those two terms. Hay there’s some concrete and expert work, yes, but that also respects certain liberties. For example, I sang in my hose when I couldn’t do it in the studio, it took me six months to record the vocals, I had a lot of autonomy.

Me imagino que, cuando formás parte de un grupo, esas concesiones se restringen y el proceso creativo pasa a ser compartido. ¿Qué diferencia hay entre esta versión de Peligrosos Gorriones y la de los ’90? ¿Cómo viene la grabación del nuevo disco? I suppose that, when you are part of a band, those concessions are restricted and the creative process becomes plural. ¿What is the difference between this new version of Peligrosos Gorriones and the one of the ‘90´s? What are the news on the recording of the new album?

Nosotros ahora estamos armando ensayos y haciendo shows donde tocamos algunos temas nuevos. Ya tenemos diecisiete demos y el registro de este material será a fin de año, comienzos del otro. Hicimos una pre-producción en estudio que está muy buena y tiene lindas canciones. El proceso creativo, sí, es muy distinto. Pero la química es igual, está entre nosotros y sigue siendo la misma desde hace veinte años. Después también está la madurez de la edad, todo cambia. Ahora, por ejemplo, hay más laburo en la casa de cada uno, que después vamos y juntamos; y a veces no, a veces salimos al ensayo y parece la energía de los ’90. El hilo conductor es la amistad. No hubo plan de volver, simplemente estuvo siempre ahí, lo único que hicimos fue ponerlo en marcha de nuevo. We are rehearsing now, and playing live, and we usually play some of the new songs. We have seventeen demos and we will be recording until the end of this year or beginnings of the next. He did a studio pre-production and it was very good, it has some nice songs. The creative process, yes, is very different. But the chemistry is the same, it’s amongst us and it’s the same chemistry we’ve had for twenty years. And then of course there is more maturity, which comes from age, everything changes. Now, for example, we work more from our own homes, and then we put everything together. And sometimes not, sometimes we finish a rehearsal and it’s the same energy of the ‘90´s. Our friendship is our thread. We never planned to come back, it’s something that was always just there, all we had to do was set it in motion again.

“CON LOS PELIGROSOS GORRIONES LA QUÍMICA ES IGUAL, ESTÁ ENTRE NOSOTROS Y SIGUE SIENDO LA MISMA DESDE HACE VEINTE AÑOS” “WITH PELIGROSOS GORRIONES THE CHEMISTRY IS THE SAME, IT’S AMONGST US AND IT’S THE SAME WE’VE HAD FOR TWENTY YEARS” BRODA 59


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Bob Gruen, Mompox, Quique Alcatena, Evgeny Morozov, Tokyo, Absenta, Cine

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