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ESTIBALITZ JALร“N THE ULTIMATES MUERTOS VIVIENTES OLD SCHOOL TATTOO AVENTURAS DE PEPITO Y MUCHO MAS...

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SUMARIO 4

OLD SCHOOL TATTOO

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DESDE LISBOA CON AMOR

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Daniel Rubines

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Yanira Calvo, Nekane Castro, Nagore Txintxurreta

Andrea Arnal

GOYA, EL PERRO SEMIDHUNDIDO

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LOS MUERTOS VIVIENTES

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Aritz Martínez

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NO TE QUEJES... Aritz Martínez

ESTIBALITZ JALÓN Ángela García

Mikel Escalera

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ANTES DE LA ERA DIGITAL

AVENTURAS DE PEPITO Endika Arteta

THE ULTIMATES Aritz Martínez


EDITORIAL Ya han pasado dos meses desde que lanzamos el primer número. Dos meses de duro trabajo para daros más. Las esperas nunca son gratas, pero ya estamos de vuelta, con más artículos, nuevas imágenes y mucho más humor gráfico. Lo primero de todo, agradecer a los medios el apoyo que nos dieron junto con nuestro lanzamiento. Nos habeís ayudados mucho. Sin olvidar nuestros a mecenas: la Escuela de Arte y Superior de Diseño, Caracola y Zuloa. En esta nueva edición nos hemos inclinado por mostrar más imágenes y menos texto. Esta vez traemos un catálogo de ilustraciones creadas por nosotros para vuestro disfrute.

Esperemos vayáis corriendo como niños a por vuestras publicaciones en nuestros puntos habituales. Y recordad, nuestra tirada es limitada; limitada por nuestro limitado presupuesto. Y al no haber muchos números físicos os pedimos que compartais nuestra publicación con quien pueda estar interesado en ella y esperamos también que disfrutéis con esto tanto como nosotros. Además, dispones de una versión online en: http://issuu.com/brainstormfanzine/doc/brainstorm2 Un cordial saludo del redactor y maquetador de Brainstorm! Fanzine, Bittor Beraza.

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Buenas chic@s, como ya dije en el número anterior, intentaré abarcar los diferentes estilos y tipos de tatuajes con los que nos podemos encontrar, explicando brevemente su historia, conociendo sus respectivas características y diseñando algunas muestras de cada respectivo estilo; todo ello desde mi punto de vista de aficionado a este mundillo. Para este primer apartado, me he decantado por los tatuajes de la vieja escuela ( Old School Tattoos ), que aunque su propio nombre suene a viejo, a pasado, hoy en día volvemos a remitir a esos tiempos, y volvemos a utilizar esa estética tan característica. Por Daniel Rubines

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Los tatuajes Old School aparecieron en tiempos difíciles para el mundo, a mediados del siglo 20, en plena Segunda Guerra Mundial. En aquella época se popularizó el gusto por el tatuaje, y se empezaron a realizar una serie de diseños que tenían ciertas características en común, siendo la primera y principal que muchos de ellos tenían una temática patriótica. Comprensible para la época, en años en que se debía luchar por la patria arriesgando la propia vida. En cuanto a su diseño se destacan por el uso de contornos gruesos y relativamente sencillos, sin multitud de detalles ni formas. Es que por esos años las técnicas de tatuaje no eran tan sofisticadas como lo son hoy en día, por lo que hacía que no se tuvie-

ra tanta precisión a la hora de dibujar sobre la piel. Como consecuencia los dibujos terminaban siendo más grotescos y menos precisos, como se puede comprobar en cualquier fotografía de entonces. La mayoría tenían poco sombreado y generalmente el único color que llevaban estos tatuajes era el negro, para su contorno grueso, acompañado de una escasa gama de colores: rojo, amarillo, verde y azul. Algunos ejemplos clásicos de escasa variedad de color o profundidad, pero con gran fuerza estilística son los siguientes: cerezas, motivos náuticos ( tales como veleros, marineros o anclas), motivos nativo americanos ( Pin Ups, sirenas, golondrinas o corazones. Estos últimos acompañados de cintas con

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De arriba a abajo: Herbert Hoffmann, Bob Shaw y Sailor Jerry

leyendas de nombres, o serpientes, variando la complejidad del diseño), calaveras, águilas y rosas. Norman Keith Collins, mejor conocido como “Sailor Jerry” es uno de los artistas del tattoo Old School más conocidos, sin discriminar a Herbert Hoffmann , Amund Dietzel, Bert Grimm o Bob Shaw, que son algunos de los también reconocidos artistas que evolucionaron el estilo tradicional. Hoy en día muchas personas vuelven a optar por los diseños de tatuajes de esta vieja escuela. Esto va acorde al nuevo gusto por toda la estética vintage, que retoma el pasado y lo recicla; es decir, que ahora está de moda lo que estaba de moda hace tiempo, jeje. Por este motivo no resulta raro encontrar tatuajes con la estética de la Old School en el cuerpo de muchas personas actualmente. También he pensado que sería buena idea que poco a poco nos familiaricemos con los términos propios de este mundillo. Así que esta sección contará con un pequeño “tattoo- diccionario ” que nos facilitará entender el lenguaje de este arte. He aquí las primeras palabras que nos permitirán completar nuestro vocabulario.

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GLOSARIO AGUADA Es una técnica que se utiliza para tatuar retratos. La tinta, en negro, se usa en varios tonos para difuminar y hacer sombras. Son los que más tiempo se conservan en buen estado. AGUJA Es el instrumento fundamental, su misión es implantar la tinta bajo la piel para dar forma al tatuaje. Para ello, se acopla a una máquina eléctrica que la hace vibrar más de 1.000 veces por minuto. AUTOCLAVE Aparato quirúrgico que esteriliza las agujas y otros materiales necesarios para una completa higiene del proceso. BACKPIECE Tatuaje que cubre la casi totalidad de la espalda/en cualquier estilo. BRAZALETE Modalidad de tatuaje muy popular: es una tira o pulsera dibujada en todo el perímetro del brazo, la muñeca o el tobillo. Admite tantas variantes como la imaginación quiera darle. COLOR La diferencia entre un tatuaje en negro y otro en color es que este último requiere mayor tiempo de tatuado, es mas caro y tarda mas en curar. Pero siempre es mucho más versátil y alegre. COVER-UP Tatuaje que se realiza para tapar (“cover”) un trabajo anterior en mal estado, o un “scratch”. DERMOGRAFÍA Nombre culto del tatuaje. La palabra “tatuaje” suele ir ligada al término “artístico”, y no por casualidad, ya que muchísimos tatuadores practican otras artes visuales, como la pintura, la ilustración, el cómic, el “aerosol art”, el graffitti, etc.

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ARITZ MARTINEZ

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Hoy en día, cuando nos hablan de los efectos especiales de una película, pensamos en efectos digitales, aquellas imágenes creadas o retocadas por ordenador. Estos efectos empezaron a usarse en 1977 en La Guerra de las Galaxias y su uso empezó a normalizarse en el 82 con el rodaje de Tron. Por Andrea Arnal

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1 Pero antes del 77 también había efectos especiales: los efectos visuales o fotográficos. Son los más antiguos y sus fundadores fueron cineastas pioneros como Georges Méliès. Hay diferentes tipos de estos efectos especiales y algunos de ellos están muy relacionados con la ilustración . Una de las técnicas para este tipo de efectos es la rotoscopía (1), inventada por los hermanos Fleischer en 1915, que consiste en dibujar sobre la película de celuloide. Esta técnica se usó mucho hasta la aparición de los efectos digitales, por ejemplo en los dibujos animados, o en 1977 para el brillo de los sables láser en La Guerra de las Galaxias. El matte painting , o pintura sobre vidrio, consiste en pintar sobre una placa de vidrio el decorado, dejando transparente la zona donde han de aparecer los actores. Al ver la proyección, los actores parecerán insertados

en ese decorado. Cuanta más realista sea la pintura, más realista será el resultado final. Hitchcock lo usó en Los Pájaros y Disney en Mary Poppins, cuando sobrevuela Londres. El Stop Motion (2) o animación en volumen. Consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos mediante una serie de fotografías, como los dibujos animados. En 1933 se uso esta técnica para grabar King Kong de Willis O’Brien. Hoy día también se usa esta técnica para hacer películas desde figuras de plastilina, como Pesadilla antes de Navidad o Wallace y Gromit. Otra técnica, llamada la maqueta colgante (3), interpone una maqueta entre la cámara y el fondo elegido, imprimiendo tridimensionalidad, algo que el matte painting no conseguía. Se usó en la película de Kubrick, 2001: Odisea en el espacio, con resultados muy satisfactorios.

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4 Otra técnica, menos unida a la ilustración que las anteriores, es la retroproyección o transparencia (4). Los actores son filmados simultáneamente a una proyección sobre una pantalla detrás de ellos. En el film Con la muerte en los talones se usó esta técnica para grabar la escena en la que Cary Grant se tira al suelo mientras un avión le pasa por encima intentando asesinarlo. El avión era sólo de la proyección de fondo. Una variante de ésta es el Zoptic (5), que permite movimientos de cámara. Se trata de dotar al proyector de un zoom sincronizado a un zoom en

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la cámara que filma la escena. Así, cuando la cámara se acerque, la imagen de fondo también aumentará proporcionalmente. Esta técnica, inventada por Zoran Perisic, se usó en 1978 para la película Superman en las escenas en las que el protagonista vuela. Por último, otra técnica es la inserción croma, que reemplaza el color de un plano (normalmente verde o azul) por una imagen. En el plano final se verán, fusionados ambos planos. Ésta es una técnica que ha avanzado muchísimo y que en el presente se utiliza en muchas situaciones.


DANIEL RUBINES

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Desde Lisboa con amor Nuestro viaje comienza en la biblioteca de la escuela, lugar donde nos inspiramos con trabajos de otros ilustradores. Recurrimos una y otra vez a los catálogos que se publican con los seleccionados en la Bienal Internacional de la ilustración para la infancia de Lisboa. Un catálogo que recoge obras de ilustradores de diferentes países y que está repleto de estilos novedosos y variación de técnicas. Nos volvemos a inspirar, miramos las fechas de la V Bienal y vemos que se celebra desde el 13 de enero hasta el 8 de abril. Está decidido, ¡nos vamos a Lisboa! La exposición está en el Museo de la Electricidad (Belem), a media hora de Lisboa. Edificio que en su día fue una fábrica y que desde 1990 se convirtió en museo.

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Es allí donde encontramos los trabajos de 50 ilustradores internacionales. Cabe destacar que los que vemos son resultado de un proceso de selección, puesto que en esta edición han sido 1600 ilustradores de 65 países los que han participado. Forman parte del jurado Martin Jarrie, Isidro Ferrer, Isabelle Vandenabeele, Paolo Canton y Joáo Paulo Cotrim. Todos ellos profesionales con gran experiencia en el mundo de la ilustración, el diseño gráfico o el mundo editorial. La sala en la que se exponen las obras está dispuesta de 50 mesitas con lámpara. Cada una de ellas tiene tres cajones, en las que se esconden las ilustraciones de cada autor. En el caso de los que tengan algo publicado los encontramos encima de la mesa, como si se tratara de nuestra mesilla.


El ganador de este año ha sido el italiano Valerio Vidali y como mención especial tenemos a otra italiana, Simone Rea y el trabajo conjunto de las alemanas Nina Wehrle y Evelyne Laube. No podemos dejar sin mencionar otras tantas que nos han emocionado y que nos han sacado más de una sonrisa; Tim Van den Abeele, Alicia Baladan, Chiara Carrer, Sonja Danoswski, Michele Ferri, André Letria, Michael Rober, Kaatje Vermeire... Variedad e innovación, múltiples técnicas y estilos para todos los gustos. Desde las formas más sencillas y colores planos hasta lo más elaborado, minucioso y realista. La mayoría trabajada con técnica mixta, donde prevalecen la técnica del collage, la esencia retro y texturas de grabados entre otros. En todo este abanico de colores puede que haya un lugar para nosotros, por ello, ¡animaros a enviar tres ilustraciones y a probar suerte! Si no, animaros a visitar la Bienal y de paso, ¡disfrutar de Lisboa y de su luz! Nuestro viaje concluye de nuevo en la biblioteca de la escuela. Lugar en el que encontrareis el catálogo

de Ilustrarte 2012. Esperamos que os guste y os inspire... Elektrizitatearen museoan aurkitu genituen nazioarteko 50 ilustratzaileren lanak. Aipatzekoa da, han ikusitakoak hautaketa-prozesu baten ondorio direla. Izan ere, aurtengo edizioan 65 herrialdetako 1.600 ilustratzailek hartu dute parte. Aurtengo edizioan Valerio Vidali italiarra izan da garaile, eta aipamen berezia merezi dute beste italiar batek, Simone Reak, eta Nina Wehrle eta Evelyne Laube alemaniarren baterako lanak. Baliteke kolore-aukera handi horretan guretzako ere lekutxoren bat izatea, beraz, animatu hiru ilustrazio bidaltzera, eta ea kukuak jotzen duen! Bestela, bisitatu Bienala, eta bide batez, gozatu Lisboa eta haren argia! Gure bidaiaren amaiera eskolako liburutegia da, beste behin. Bertan aurkituko duzue Ilustrarte 2012ren katalogoa. Espero dugu zuen gustukoa eta inspiragarria izatea... Yanira Calvo, Nekane Castro eta Nagore Txintxurreta

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ESTIBALITZ JALÓN Por Ángela García

Tenemos la oportunidad de entrevistar a Estibalitz Jalón, ilustradora riojana de 27 años afincada desde hace años en vitoria, que estudió Ilustración en la Escuela de Arte de Logroño. Entre sus trabajos más importantes distinguimos, las historias de la abuela Catalina, ganador de la III Beka Etxepare al mejor proyecto de creación de un álbum infantil en euskera, Teresa cereza, Dimitri, etc… También ha participado en exposiciones como Rara Avis, propuesta del Proyecto Amarika, que permite disfrutar al espectador de una atractiva fusión entre imagen y literatura que ha sido posible gracias al trabajo de ocho mujeres ilustradoras y escritoras; y en Esna videan / Vida láctea, una interesante muestra sobre la lactancia materna, organizada por la asociación Altzoan.

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Cómo nace tu inquietud por la pintura?

Desde pequeña me ha gustado todo lo relacionado con el mundo del arte. En mi familia lo llevamos en las venas. Ellos fueron los que me lo inculcaron y mi madre en concreto la que me enseñó a dibujar.

Cuál de tus obras consideras mas especial?

La más especial es el libro “Katalina Kontalari” (Las historias de la abuela Catalina) con el que gané la III Beka Etxepare al mejor proyecto de creación de un álbum infantil en euskera. Fue un homenaje que le hice a mi abuela Catalina, y ella fue mi inspiración a la hora de crear a la protagonista del cuento.

Qué pintores /ilustradores te han influido y quién te gusta de los actuales?

Mis influencias están en los libros de arte. Me gusta mucho la pintura, especialmente la renacentista. Es de ahí de donde me nutro y aprendo a la hora de hacer muchas de mis ilustraciones. Luego lo interpreto a mi manera dependiendo de cómo sea la historia y para que publico vaya dirigido. Últimamente la ilustradora que más me ha sorprendido ha sido Yolanda Mosquera, una de mis compañeras en la Exposición Rara Avis. Me encanta su versatilidad.

Qué aconsejarías a los que empiezan en este mundo loco de la pintura? Ante todo que crean en ellos mismos y en sus posibilidades, que trabajen mucho y disfrutencon lo que están haciendo.

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Qué proyectos inmediatos tienes?

Ahora tengo tres libros por hacer con dos editoriales diferentes.

Cómo es tu proceso creativo?

Después de empaparme bien de la historia apunto mis primeras ideas. Me documento en base a ellas y comienzo a realizar mis primeros bocetos. A la hora de dibujar y pintar las ilustraciones finales suelo utilizar diferentes técnicas, dependiendo de lo que quiera transmitir o el efecto que quiera crear. Y para terminar suelo retocar con ordenador lo que no me gusta o ha quedado mal.

Estuvimos en la exposición de aves de la florida, nos puedes explicar tu sección?

Mi exposición estuvo basada en un relato de Txani Rodriguez. Ella contó una historia muy interesante a través de un símil entre la floración del bambú y nuestra sociedad, y es lo que he intentado plasmar tanto en las ilustraciones como en la exposición, con su decoración incluida.

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Qué quieres transmitir?

A la hora de ilustrar uno transmite lo que la historia le sugiere. Yo personalmente me incluyo como personaje en cada historia, la vivo en primera persona y de ahí sale todo mi trabajo. Al final transmitimos lo que llevamos dentro.

Qué cosas te inspiran?

Todo sirve de inspiración. Un paisaje, las personas con las que te encuentras en la calle, situaciones que has vivido,recuerdos …

Alguna recomendación o consejo para nuestros lectores?

En primer lugar me voy a tomar el privilegio de daros las gracias por vuestra entrevista, porque me ha hecho una ilusión especial. Todavía no soy la persona más indicada para hacer recomendaciones a nadie, pero si que me gustaría terminar diciendo que todo aquel que tenga un sueño (el que sea) luche por conseguirlo. http://www.estibalitzjalon.com


Todo sirve de inspiraci贸n. 19


GOYA, EL PERRO SEMIHUNDIDO Por Mikel Escalera

Una visita a las Pinturas Negras de Goya en el Museo del Prado es suficiente para comprender la verdadera naturaleza del arte. Si observas las piezas con humildad y calma puedes percibir de su pintura lo propio de un viaje «vernesco» hacia tu interior. No hay tregua en este contacto y, sin duda, tu alma saldrá ganando (o perdiendo, según se mire). El pintor alemán David Friedrich a quien podemos asociar con la imagen de pintor romántico dijo que «la única ley del artista son sus sentimientos». Así Goya incorporó a su producción artística obras en las que razón y sin razón se entremezclaban con una peculiar manera de mirar y sentir la sociedad que le rodeaba; en sus obras aparecieron elementos que Isaiah Berlin consideró ya románticos: «es lo extraño, lo exótico, lo grotesco, lo misterioso y sobrenatural, es ruinas, claro de luna, castillos encantados,

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cuernos de caza, duendes, gigantes, grifos, la caída del agua, el molino viejo de Floss, la oscuridad y sus poderes, los fantasmas, los vampiros, el terror anónimo, lo irracional, lo inexpresable». Goya empleó algunos de estos temas en las pinturas que desde 1786 realizó para la Alameda de Osuna. Todo ello era muy común en el ambiente artístico de esos años, cuando artistas como Flaxman, Füssli o Blake incorporaron en sus creaciones elementos oníricos o fantásticos. John Flaxman hizo los dibujos para la ilustración de la Divina Comedia de Dante que se publicaron en Roma entre 1793 y 1802 y que sirvieron de inspiración a Goya en muchos de sus grabados, sin duda a través del conocimiento de las estampas que tuvieron gran difusión. Su forma de situar al espectador en ámbitos irreales alejados de las leyes de la gravitación y la perspectiva,


Por arte de birlibirloque (ya lo siento… tenía unas ganas locas de usar esta palabra) en este mismo instante y hasta el 22 de Abril tenemos una oportunidad para devorar los 218 grabados de Goya que se han juntado de manera única en la Sala Fundación de Caja Vital de Vitoria para esta exposición. La muestra «Goya, cronista de una época» recoge completas cuatro de las series más importantes de grabados.

fascinó a Goya quien se sirvió de ellos para encuadrar sus obras en escenarios fantásticos. Robert Rosemblum afirmó que el español imitó algunas de sus composiciones pero consideraba que Flaxman, en el que muchos artistas se inspiraron, anunciaba el alba de una nueva bella época artística y a la vez había sido capaz de crear un arte reducido a su expresión más simple y pura. Muchas de estas ideas estaban presentes pues a finales del siglo XVIII; Goya aislado en buena medida por su sordera, se convirtió en un observador callado que proyectaba un punto de vista agudo sobre la sociedad de su tiempo. Su lenguaje plástico se plegó a la necesidad de ganar expresividad y comunicación con la menor cantidad posible de elementos; a través de su arte exponía sus opiniones lo que provocó que tuviera algún que otro encontronazo con el Santo Oficio.

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MIKEL ESCALERA

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BITTOR BERAZA

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ENDIKA ARTETA

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LOS MUERTOS VIVIENTES

Por Aritz Martínez

Todos conocemos la serie de televisión que prácticamente a vuelto a poner de moda el género zombi, pero antes de eso estaba el cómic en el que se basa. El guionista de cómics y series de televisión Robert Kirkman y los dibujantes Tony Moore (hasta el numero 7) y Charlie Adlard (desde el 8 a la actualidad) nos traen esta historia donde lo más importante es sobrevivir. EL cómic cuenta la historia de Rick Grimes. Un policía estadounidense que después de caer en coma al recibir un disparo en un tiroteo, se despierta solo en un hospital, para descubrir que la gente se a transformado en horribles muertos carnívoros. Rick entonces emprenderá un viaje

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Los personajes.

A veces se hecha en falta el color.

con el único objetivo en mente de sobrevivir para buscar a su familia. Un guión fantástico y un dibujo perfecto para lo que se nos narra, una historia oscura y repleta de peligro, nos dan un cómic más que notable. Es paradójico que en un cómic que se titula Los muertos vivientes los zombis no sean lo mas importante. Están, pero solo cuando hacen falta y esta justificado. El verdadero tema del cómic es el comportamiento humano en la situación mas extrema imaginable: ¿que harías tu si otro tiene esa última lata que necesitas para alimentar a tu hijo?. Porque, en un mundo infestado de zombies, lo más

peligroso pueden ser los demás humanos.Los personajes son redondos y con personalidad, te darán lástima (o te alegraras, depende) si mueren. Hay que comentar también que aunque comparten personajes, poco más comparten la serie de televisión y los cómics, así que no hay peligro de demasiados spoilers si has visto al serie o al revés. Pueden comprarse 2 ediciones diferentes, la normal (144 pag. B/N 7,5€) con trece tomos hasta la fecha y la integral (624 pag. B/N. 40€) con 2 volúmenes. En la normal el encuadernado es de calidad y el precio bastante ajustado para el contenido. La integral, de lujo, por algo el precio.

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JUAN GAINZARAIN

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ANDREA ARNAL

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THE ULTIMATES

Por Aritz Martínez

Este cómic nos narra como serían los vengadores de haber sido creados a comienzos del siglo XXI. Una historia de superhéroes al 100% pero sin ninguno de los convencionalismos de este género. Una historia realista y creíble, con personajes tridimensionales mas allá del maniqueísmo clásico del genero (por que bueno, en la vida real ni los malos son tan malos, ni los buenos son tan buenos como nos los pintan siempre) con motivos para hacer lo que hacen y sin trajes de colorines. Un guión y una puesta en escena bastante cinematográfica y sorprendente, cortesía del dibujante Bryan Hitch ( The Authority) y del guionista Mark Millar (Civil War, Kick Ass). El Capitán América, Thor, Iron Man, Hulk y otros tantos personajes que ya

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Los dos primeros volúmenes, espectaculares. El tercero, argumentalmente simplemente pasable.

forman parte de la historia de este mundillo en sus versiones más creíbles, un cómic que no deberías perderte. Hasta ahora The Ultimates se compone de 3 volúmenes, los 2 primeros de 13 números cada uno en su edición original, recientemente editados por Panini cómics (vol. 1: 18x29 cms, tapa dura, 368 pag. a color, 34,95 €. Vol.2: 18x29 cms, tapa dura, 496 paginas a color, 39,95€). Además el recopilatorio del segundo volumen incluye los dos anuales de la serie, los cuales sin aportar demasiado complementan bastante bien las historias principales. Estos dos tomos contienen todos los números de la serie y es una lectura indispensable para cualquier fan de los superheroes.

Por el contrario el volumen 3, de tres números en formato cómicbook (y un cuarto con los annuals de Hulk y el Capitán) de unos 4 euros cada uno,a cargo de Joe Madureira (Battlechasers) y el guionista Jeph Loeb (Batman), tiene una historia bastante floja que no aguanta un solo asalto frente a los 2 primeros. Loeb es un buen guionista aficionado a los giros de guión, el problema es, que a veces, como en este cómic, tanto giro de guión da la sensación de sin sentido y de conclusiones sacadas de la manga. Aún así su compra vale la pena solo por le dibujo de Madureira. El color también es digno de destacar.

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JUAN GAINZARAIN

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BITTOR BERAZA

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Por Aritz Martinez

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Brainstorm2  
Brainstorm2  

Número dos del fanzine Brainstorm! Autoeditado por alumnos y alumnas de la escuela de arte y superioir de diseño de Vitoria. Este segundo nú...

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