BMI MAG ISSUE #17 June 2016

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June 2O16





MASERATI GHIBLI. The all new Maserati Ghibli is powered by a range of advanced 3.0 litre V6 engines with 8-speed ZF auto, including a V6 turbodiesel engine, and is available with Maserati’s Q4 intelligent allwheel drive system. ENGINE (GHIBLI DIESEL): V6 60° 2987 CC - MAX POWER: 275 HP AT 4000 RPM - MAX TORQUE: 600 NM AT 2600 RPM - MAX SPEED: 250 KM/H - 0-100 KM/H ACCELERATION: 6.3 SECS - FUEL CONSUMPTION (COMBINED CYCLE): 5.9 L/100 KM - CO2 EMISSIONS (COMBINED CYCLE): 158 G/KM






Paseo Zona Franca, 10-12 08038 BARCELONA Tfno.: 932 896 363

C/ López de Hoyos, 62 28002 MADRID Tfno.: 914 577 634

Avda. Norberto Goizueta, s/n 29670 San Pedro de Alcántara, MÁLAGA Tfno.: 952 785 250

Ctra. de Logroño, 32 50011 ZARAGOZA Tfno.: 976 304 050

Avda. General Avilés, 36-38 46015 VALENCIA Tfno.: 963 479 199





C/ del Motor, 1, Plg.Ind. Ctra. Amarilla 41007 SEVILLA Tfno.: 954 554 501

Carrer Gremi de Forners, 8 07009 Son Castelló, MALLORCA Tfno.: 971 430 420

Avenida d´Enclar, 148 AD 500 Santa Coloma, ANDORRA. Tfno.: +376 871 800

Polígono Irubide, 2 48960 Galdakao, BILBAO Tfno.: 944 455 852

SPORT MÓVIL JULIÁN (SERVICIO TÉCNICO OFICIAL) Ctra. Madrid-Irún km 234, Plg. Los Pedernales 09001 BURGOS Tfno.: 947 267 085

make your nights #absolutnights


crew Top Jane Bowler Nails H&H Model Terri-Lee Blake Photographer Oscar Munar

CHAIRMAN Mattia Ulivieri e-mail: EDITORIAL DIRECTOR Olimpia Bellan e-mail: ART DIRECTOR Rossano Nava e-mail:

MANAGING EDITOR Julieta Messina e-mail:

YACHTING & SPORTS EDITOR Giacomo Giulietti e-mail:

MOTORS & WATCHES EDITOR Diego Tamone e-mail:

CULTURE & SOCIETY EDITOR Marco Romandini e-mail:

ARTS & FASHION EDITOR Olimpia Bellan e-mail:

FEATURES EDITOR Alessia Bellan e-mail:

ADVERTISING MANAGER Cristina Palau e-mail:

PHOTO EDITOR Loretta Finocchi e-mail:

MEDIA ENQUIRIES Julieta Messina e-mail:

PRINTING Jiménez Godoy, s.a.



Borja Galban Fear Film-maker Irene Due Arts Writer Pedro Mendez Yachting Writer Jonas Oliver Hair & Make Up Artist Sally Ann Nelson Assistant Hair & Make Up Artist Liz Mendez Fashion Stylist Emma Frisby Assistant Fashion Stylist Germán Touza Ibiza Writer

English: Chris Thompson Spanish: Julieta Messina

PHOTOGRAPHERS Oscar Munar Borja Galban Fear Mar Torres Alex Caballero

TRANSLATORS Chris Thompson Conten - Servicios Lingüísticos Silvina Grippaldi



blue Marlin ibiZa MagaZine APARTADO DE CORREOS 1018 07817, SANT JORDI - IBIZA PHONE/FAX +34 971 948 325

blue Marlin ibiZa



editor’s letter

“CoLouR IS A PoWER WhICh DIRECTLY InfLuEnCES ThE SouL. CoLouR IS ThE KEYBoARD, ThE EYES ARE ThE hAmmERS, ThE SouL IS ThE PIAno WITh mAnY STRInGS.” “EL CoLoR ES un mEDIo PARA EJERCER InfLuEnCIA DIRECTA SoBRE EL ALmA. EL CoLoR ES LA TELA, EL oJo EL mACILLo, EL ALmA ES EL PIAno Con SuS CuERDAS.” Wassily Kandinsky Welcome to the June issue of bMiMag. It’s a vibrant affair, as we explore the captivating world of lights and colours. As contemporary art has embraced neon as an art form, so the glowing tube takes centre stage in BMIMAG’s pages. A riot of colours from lemon zest to tangerine punch has hit the catwalks and we discover this upsurge of dazzle in our fashion and design pages. In the meantime, we shot our fashion editorial High Voltage in a magical wonderland of luminescent signs. bMiMag will also be a journey into the extravagant and the extraordinary. Punk - one of the most colourful cultural phenomena - turns forty this year, and we take a snapshot of this subversive ideology in our culture and society features. Finally, we talk about street art, where colours play an unequivocally dominant role. As the summer gathers momentum, blue Marlin ibiza turns up the voltage with an electrifying calendar of events and first-class DJ sets while you’re blissfully sunbathing on the beach, lounging on the terrace or indulging in some fine dining at the restaurant. Spectacular by day, full of glamour as night falls over the Med, blue Marlin ibiza continues to be the ultimate beach club hangout, seven days a week. Every Friday is Pop YOU Up, beats and groove in the name of art and house music. Saturdays mean Showcase, handpicked DJs from the global electronic dance music scene. Sundays, of course, are Showtime Sunday, where you are both protagonist and spectator. It’s going to be electroshocking. Enjoy! blue Marlin ibiza, your scene.

Bienvenido al número de junio de bMiMag. Un vibrante affair que explora el cautivador mundo de las luces y los colores. Ahora que el arte contemporáneo ha hecho suyo al neón como forma artística, los tubos luminosos protagonizan las páginas de bMiMag. Una explosión de colores, desde el amarillo limón a las tonalidades naranjas, ha asaltado las pasarelas y nosotros trasladamos este brillo a nuestras páginas de moda y diseño. Mientras tanto, hemos disparado nuestro fashion editorial High Voltage en un mundo mágico de carteles incandescentes. bMiMag será también un viaje a lo extravagante y lo extraordinario. El Punk - uno de los fenómenos culturales más vistosos - cumple 40 años y por ello, capturamos instantáneas de su ideología subversiva en las secciones de cultura y sociedad. Por último, hablamos del street art donde desde luego los colores juegan un rol dominante. Mientras el verano coge impulso, blue Marlin ibiza aumenta la potencia con un electrizante calendario de eventos y DJs first-class mientras tú te entregas al disfrute de la playa, la terraza o te tientas con las delicias del restaurante. Espectacular de día, glamuroso de noche, blue Marlin ibiza continúa siendo un destino favorito los siete días de la semana. Cada viernes el evento Pop YOU Up trae ritmos y atmósferas en nombre del arte y la música house. El sábado es el turno de Showcase, con renombrados DJs de la escena musical electrónica más vanguardista. Los domingos, por supuesto, la cita es con Showtime Sunday donde tú eres protagonista y espectador al mismo tiempo. Será un mes muy electroshocking. Enjoy! blue Marlin ibiza, your scene.


coNtENtS June 2016 IBIZA ART




42 A Separate Reality

48 The Holographic Lifestyle

78 High Voltage

55 Bionic Vision



98 From Street to Drawing Room 106 Punk is Not Dead

62 Spirits of Light

YAChTInG + SAILInG 70 Light Ahoy


112 A Kaleidoscope of Films

BLuE mARLIn IBIZA muSIC 129 Boo Williams Hometown Chicago 130 DJ Mix


SPoRT 92 Fly

fooD + DRInK

118 A Symphony of Flavours 125 Cocktails in Colour



CoLumnS 16 18 20 22 24 26 32 34 38 133 135 137 138 142


Fashion Woman All Bright Fashion Man Mr Tangerine Man Interiors Lemon Drizzle Art + Culture Electric World Art + Culture The Illuminati Cinema + TV They’re Back | Brain Drain Agenda Global Agenda Ibiza Ibiza Places Lighting Inspiration Watches Architectural Inspiration Yachting Luxury in Colour APP Follow Your Art Books Surfing | Punk London 1977 Travel Neon City

bmi mag / fashion

This summer one colour reigns supreme and stands out from the rest, and despite its reputation of being a challenge to pull of f it’s been flooding the catwalks. Fashion loves to take risks, and we’re all falling in love with orange. Punchy tangerine in all its nuances dominates runways and holiday wear alike. It’s juicy, refreshing and gives red a run for its money. Flutters of ruf fles, clouds of chif fon and swirling ripples adorn the silhouettes and add an extra sensation of weightlessness. The good news is that this citrussy zest has been added to all forms and shapes. Slender, elegant lines for evening glamour, delicate cotton ma xi-dresses for day wear. Ancient Greek or Nomadic inspirations mix with modern urban creations to catch the eye of well-travelled, sophisticated women of the world. Orange will be a versatile pick, easy to dress up or down for any occasion. It’s a play of hot and fier y summer hues, all the colours of glorious sunshine, from vibrant yellows to flaming reds. Accessories in neutral tones will make a per fect match. This summer boho-chic enthusiasts, ma ximalists and minimalists will all pick their favourite style from a bright sunset palette, becoming united under an orange-tinged sk y.


Este verano un color es el rey que destaca sobre el resto. Tiene fama de ser arriesgado llevarlo, pero nos hemos hartado de verlo en las pasarelas. A la moda le encanta correr riesgos y todos nos estamos enamorando del naranja. Los tonos anaranjados en todas sus variedades dominan tanto en los desfiles como en nuestras vacaciones. Son jugosos, refrescantes y no tienen nada que envidiar a los rojos. Excitantes volantes, nubes de raso y torbellinos de ondas adornan las siluetas y añaden una sensación extra de ligereza. La buena noticia es que los coloridos cítricos sientan bien a todas las formas y tallas. Líneas esbeltas y elegantes para el glamour nocturno y delicados maxi-vestidos de algodón para el día. Inspiraciones nómadas o de la antigua Grecia se mezclan con modernas creaciones urbanas y seguro que llamarán la atención de mujeres sofisticadas que viajan por todo el mundo. El naranja será una elección versátil y fácil de combinar para cualquier ocasión. Toda una selección de tonos calientes e intensos para el verano, los colores del glorioso sol – desde amarillos vibrantes a llameantes rojos. Llevarlos con accesorios en tonos neutros será la combinación perfecta. Este verano, las entusiastas del bohochic, maximalistas y minimalistas, elegirán su estilo favorito entre una brillante paleta de colores al atardecer, unidas bajo un cielo anaranjado.

Dion Lee




John Galliano

Alberta Ferretti





Enjoy responsibly -


Be li eve i t o r not, t a n g e r ine i s o ne of the bi g st yl e s t ate m e nt s to t a ke away f ro m the l ate st me n swe a r c at wa lk c oll e c ti o n s, o ne of the m o s t we a r a bl e tre n d s f ro m a m o n g s o me r athe r m o re qui r k y of fe r in g s s e e n o n the r u nways. Fro m s ha r p sui t s to s p o r t y jackets a n d tre n c h c oat s, o r a n g e ha s def inite ly b e e n give n s a r to r i a l m o me ntu m thi s summe r. B r i ght c ol ou r s a re m a k in g a c o m e back a s fa s hi o n b i d s fa rewe ll to ne u tr a l hu e s, e mb r acin g a m o re a s s e r tive, p l ay ful vi s i o n of me n swe a r. S c o rc he d e a r th, b u r nt o c h re a n d f i e r y gin g e r r ul e d the c oll e c ti o n s a n d mad e o r a n g e to ne s the st ate me nt c ol o u r of the s e a s o n, to b e c o mb ine d with white o r subtl e ne u tr a l s had e s a n d ac c e s s o r i s e d with lu xu r y b r i efc a s e s, e l e g a nt l oafe r s a n d cl a s s i c o r c ol ou r ful m e n’s b ag s. W he n yo u’re we a r in g a s i g natu re pi e c e that exc e l s in the qu a li t y of it s fa b r i c, t a il o r in g, a n d at te nti o n to d et a il yo u c a n pu s h the b oun da r i e s of cl a s s i c c ou tu re a n d c ha ll e n g e p re c o n c e pti o n s wi th a s pl a s h of c ol ou r. T he re sult i s u r b a n, s ma r t a n d exp e r ime nt a l, fo r the ul tr a - m o de r n, gl ob etrot tin g ma n. S o thi s s e a s o n o r a n g e i s the new bl ack, a fe a r l e s s a p p roac h to me n’s st yl e. It ’s b ol d, adve ntu ro u s a n d r i s k-t a k in g, ju st a s we like it. D o yo u d a re we a r i t?


Lo creas o no, el color naranja es una de las principales tendencias de estilo, dire cto de las pasarelas de moda masculina. Es una de las modas más accesibles entre otras propuestas aún más ex travagantes surgidas de los desfiles. Desde elegantes trajes a chaquetas depor tivas o gabardinas, el naranja vive un momento dulce este verano. Los colores brillantes han vuelto a lo grande mientras la moda se despide de los tonos neutros y adopta una visión más resuelta y juguetona de la ropa para hombre. Colores tierra, ocres y vibrantes rojos anaranjados han destacado en las cole cciones y han he cho que los tonos naranjas sean los colores ganadores de la temporada. Se combinan con matices blancos o neutros y se acompañan de accesorios como maletines de lujo, elegantes mocasines y bolsos para hombre clásicos o coloridos. Cuando llevas puesta ropa que destaca por la calidad de su tela, su confe cción y atención al detalle, puedes rebasar las fronteras de la costura clásica y desafiarlas con un toque de color. El resultado es urbano, elegante y experimental, para un hombre de mundo ultra-moderno. Así que esta temporada el naranja está de moda y es una apuesta valiente de estilo masculino. Es atrevido, aventurero y arriesgado, justo como nos gusta. ¿Te atreves a llevarlo?




MR TAnGERInE MAN Ferragamo


Hardy Amies

bmi mag / fashion

bmi mag / interiors

LEMON DRIZZLE Felt Chair by Cappellini


Room divideR minima moRalia - Dante Recalling Oriental fans, the Minima Moralia pleated fabric room divider by industrial designer Christophe de la Fontaine for Dante, an Austrian brand he founded with artist Aylin Langreuter. Seductive.

Room divideR minima moRalia - Dante Le hace un guiño a los abanicos orientales, el biombo de tela plisada Minima Moralia, diseñado por la industrial designer Christophe de la Fontaine para Dante, brand austríaco fundado con el artista Aylin Langreuter. Seductor.

Felt ChaiR - Cappellini You don’t just sit on a Felt Chair, you sink into it with abandon like a child on a playground slide. This sinuous pop art creation is by Australian designer Marc Newson. The armchair’s one-piece body is a folded, curved fibreglass sheet. Embracing.

Sillón Felt ChaiR - Cappellini El Felt Chair no es para sentarse, es para abandonarse como los niños lo hacen sobre un tobogán. Criatura pop sinuosa del diseñador australiano Marc Newson, el bastidor del sillón es un bloque único hecho en una lámina de fibra de vidrio doblada y curvada. Envolvedor.

Radiant CoFFee table - alexanDra Von Furstenberg The name alone raises expectations, scintillating like a radiant cut diamond. The Radiant coffee table by American designer Alexandra Von Furstenberg is a revamped homage to the 1970s, when acrylic was seen as the material of the future. Brilliant.

Radiant CoFFee table - alexanDra Von Furstenberg Su nombre es muy prometedor: centelleante como un diamante de corte radiante. El Coffee Table Radiant de la diseñadora estadounidense Alexandra Von Furstenberg es un homenaje reexaminado de los años 70, cuando se consideraba al acrílico como el material del futuro. Brillante.

neon lamp - MiniMalux The Minimalux Neon table light may look like an optical illusion, but in fact it’s a traditional lamp that lights the interior of a steel box, allowing light to filter through the linear slits in the cube. Deceptive.

lámpaRa neón - MiniMalux La lámpara de mesa Neon firmada Minimalux pretende ser un juego de ilusiones. Es de hecho una bombilla normal que ilumina las superficies internas de una caja donde la luz se filtra a través de las hendijas del cubo de acero. Engañosa.


bmi mag / interiors

Radiant Coffee Table by Alexandra Von Furstenberg

Neon Light by Minimalux

The word “yellow” derives from the Indo-European “ghel”, meaning “bright” or “to shout out” - to “yell”, in fact. The colour has a wavelength of between 565 and 590 nanometres, and occupies a position immediately after white on the chromatic scale. It is a primary colour, a symbol of sunny brightness and optimism but also alert, attention and danger. It has personality to spare, and has entered our homes in all its various shades and hues, reaching a fluorescent brilliance. Once rejected and feared because it was associated with danger, it is now the real player in domestic lighting. Yellow, of course. Su origen deriva de la raíz indoeuropea “ghel”, “gritar”. Su longitud de onda mide entre 565 y 590 nanómetros y en la escala cromática su posición es después del blanco. Es un color primario, símbolo de luminosidad y optimismo, pero también es señal de alerta, atención, peligro. El amarillo posee tanto carácter que hasta lo puede vender. En todos sus matices y tonalidades, ha entrado en nuestros hogares en punta de pie hasta llegar al fosforescente. En una época fue descuidado y hasta temido pues se lo juzgaba como aventurero pero hoy es el verdadero protagonista bajo los reflectores del espacio doméstico. Amarillos, obviamente.

Room Divider by Minima Moralia


bmi mag / art + culture


Mona Hatoum Cellules

by IrENE DuE

Mona Hatoum uses the power of electricity to express clear political messages through diverse media, especially performance, sculpture and installations. A political refugee born into a Palestinian family in Beirut, she manipulates household objects with an emotional content, taking articles like cots and kitchen utensils and investing them with a threatening presence. The artist intrigues the viewer with the familiarity of the objects before capturing them both intellectually and emotionally. Her art reverberates with a sense of danger and restlessness, themes that are recurrent in her work. Her most controversial piece, Hot Spot III (2009), is a constantly pulsating reminder of ongoing global instability and conflict, which the artist has experienced first hand. Using slender neon to contour the edges of the world, the piece glows with an intense energy made stronger by a luminescent red spark. Alluring yet intimidating. Hatoum’s exhibition at the Tate Modern is long overdue, as she is regarded as one of the most important and powerful artists of her generation. The exhibition is entitled simply Mona Hatoum and will cover 35 years of her work.

Mona Hatoum usa el poder de la electricidad para expresar mensajes políticos nítidos a través de diversos medios como las performances, la escultura y las instalaciones. Como refugiada política de familia palestina en Beirut, Hatoum se sirve de objetos domésticos con gran carga emocional, como cunas o utensilios de cocina y los transforma en instrumentos amenazantes. La artista causa intriga al espectador con objetos que le resultan familiares antes de capturarle de forma intelectual y emotiva. Su arte vibra con una sensación de peligro e inquietud, temas recurrentes en su trabajo. Su obra más polémica, Hot Spot III (2009), es un palpitante y constante recordatorio de la inestabilidad global actual y del conflicto que la artista ha experimentado en primera persona. Usando un delgado neón para dibujar el contorno del mundo, la pieza brilla con una intensa energía reforzada con la iluminación roja. Seductora pero intimidatoria al mismo tiempo. La exposición de Hatoum en Tate Modern es una deuda pendiente desde hace tiempo, ya que se la considera una de las artistas más importantes y con más fuerza de su generación. Su título es simplemente Mona Hatoum y abarcará 35 años de su obra.

Mona hatoum is at the tate Modern in London until 21 August. the exhibition is organised by the centre pompidou, Musée National d’Art Moderne, paris, in collaboration with tate Modern and finnish National gallery | the Museum of contemporary Art kiasma, helsinki

mona Hatoum estará en la galería tate modern de londres hasta el 21 de agosto. la exposición está organizada por el centre pompidou, musée national d’art moderne, parís, en colaboración con tate modern y la galería nacional de finlandia | el museo de arte contemporáneo de Kiasma, Helsinki


bmi mag / art + culture

Mona Hatoum Hot Spot III 2009 Agostino Osio | Courtesy Fondazione Querini Stampalia Venice


bmi mag / art + culture


INtERvIEw wIth NEON ARtIst MARcus bRAcEy | ENtREvIstA cON EL ARtIstA DEL NEÓN MARcus bRAcEy the visionary bracey family has come a long way, from humble beginnings to cult status – three generations cranking up the voltage with colour, art and electricity. six decades creating brilliant installations. grandad Dick set up a neon sign business after serving in wwII - among his clients was the notorious strip club Raymond Revuebar in 1958. his son chris named their workshop god’s Own Junkyard and became a neon-light guru, “the Master of glow” after illuminating soho, London’s red light district, in the 1970s, then working with the film industry and the contemporary art scene. grandson Marcus has now taken up the challenge with art, films and exhibitions making sure god’s Own Junkyard continues to glow as “heavenly junk in a hell of a location”. la visionaria familia bracey ha recorrido un largo camino, desde unos orígenes humildes hasta alcanzar un estatus de culto – con tres generaciones subiendo la temperatura con color, arte… y electricidad. seis décadas creando obras magníficas. el abuelo dick fundó una empresa de carteles de neón tras luchar en la segunda guerra mundial, contando entre sus clientes con el famoso club de striptease raymond revuebar en 1958. su hijo chris bautizó a su taller como god’s own junkyard (el desguace de dios) y se convirtió en un gurú de las luces de neón, “el maestro del resplandor”, después de iluminar el barrio rojo del soho londinense en los años setenta, y trabajar después en la industria del cine y en la escena de arte contemporánea. el nieto, marcus, sigue iluminando el camino a través del arte, películas y exposiciones, asegurándose de que god’s own junkyard continúa resplandeciendo como un “vertedero celestial en una ubicación brutal”. I talked to Marcus after our photo shoot at GOJY to discover how it feels to have neon in his blood, and to be born and bred in the magical world of a lighting wonderland.

Hablé con Marcus tras nuestra sesión de fotos en GOJY para descubrir qué se siente al llevar el neón en la sangre y al nacer y crecer respirando el mundo mágico del país de las maravillas luminosas.


bmi mag / art + culture

God’s Own Junkyard neon signs

How did it all start? With my grandfather back in the 50’s, working on fun fairs and with carnival signs. Then in Piccadilly and Soho with all the new signage, and we haven’t looked back since.

¿Cómo empezó todo? Con mi abuelo en los años cincuenta, trabajando en carteles para ferias y carnavales. Luego en Londres con los nuevos letreros de Piccadilly y el Soho y no hemos mirado atrás desde entonces.

Where do you find inspiration for the art pieces? I love getting inspiration from old props or letters from old derigged fascias and then turning them into an art form that you would have up in your front room. I love the idea of giving something a new lease of life before it ends up on the scrap heap. It’s got soul and love in it.

¿Dónde encuentras la inspiración para tus obras? Me encanta inspirarme en atrezzos antiguos o letras sacadas de viejos carteles y luego convertirlas en obras de arte que puedas colgar en el salón de tu casa. Me gusta la idea de darle a algo una nueva vida antes de que acabe en una pila de chatarra. Son cosas con alma y amor.

What is your earliest memory at goJY? Me, my dad and my granddad were like hoarders - never throwing anything away. Our back yard was full of old funfair arcade signs, and that’s why we started GOJY. We thought it would be good to show it all off rather than keep it tucked away.

¿Cuál es tu primer recuerdo del GOJY? Mi abuelo, mi padre y yo teníamos el Síndrome de Diógenes, nunca tirábamos nada. Nuestro patio trasero estaba lleno de antiguos letreros de ferias y así empezamos con el GOJY. Decidimos que sería mejor enseñárselo al mundo en vez de tenerlo escondido.

any behind-the-scenes story? We worked with Stanley Kubrick on Eyes Wide Shut - on a Friday night we all ordered a curry and after talking to Stanley he gave me a part in the film driving Tom Cruise around in an American taxi.

¿Alguna historia curiosa? Trabajamos con Stanley Kubrick en “Eyes Wide Shut”. Un viernes por la noche pedimos comida india y después de charlar con Stanley me dio un papel en la película como taxista de Tom Cruise.

How has neon art evolved through the decades? It has changed a lot - it is no longer seen as just a sign in sex clubs and bars, it is now an art form that people appreciate and put up in their homes as a centrepiece. I have worked with the masters of glow - that says it all.

¿Cómo ha evolucionado el arte del neón a lo largo de estas décadas? Ha cambiado mucho. Ya no se ve como algo que solo vale para letreros de burdeles y bares. Ahora es una forma de arte que la gente aprecia y luce con orgullo en sus casas. He trabajado con los maestros del resplandor, y eso lo dice todo.

next projects? We have made a large old reclaimed wood cinema sign in the basement of Selfridges for the Bodywork campaign. We will also be doing another pop up shop in Soho from November this year to January 2017.

¿Cuáles son tus próximos proyectos? Hemos recuperado un enorme y antiguo letrero de madera de un cine en el sótano de Selfridges para la campaña Bodywork. También tendremos un pop up store en el Soho desde noviembre de este año hasta enero de 2017.


bmi mag / cinema + tv

Release date: 23/24 June (eu/usa) Fecha de estreno: 23/24 de junio (eu/usa)

Cinema Release date: 13 June 2016 Fecha de estreno: 13 de junio 2016


bmi mag / cinema + tv

thEy’RE bAck It’s a new dawn for the maxi-screen’s most famous struggle against invasion - the sequel to Independence Day. An imminent alien attack is looming, and once again the world is threatened with extinction. It will be a revolutionary follow-on, just like “The James Cameron sequel of Aliens compared to the Ridley Scott film”, promises Roland Emmerich, once again behind the lens. Twenty years on from the original, and a record take of over 800 million dollars, the eagerly-awaited second chapter sees the “Resurgence” of old acquaintances (Jeff Goldblum, Bill Pullman, Vivica Fox, Judd Hirsch and Brent Spiner), a host of new faces such as Jessie Usher, Sela Ward, Liam Hemsworth, Maika Monroe and Charlotte Gainsbourg, plus a spectacular, definitive goodbye - the grapevine has it that captain Hiller was written out as a result of the 50 million dollar paycheque demanded by Will Smith.

Es el amanecer de un nuevo día para la Independencia más famosa de la gran pantalla: un ataque inminente extraterrestre amenaza la Tierra y recomienza la lucha para salvar el mundo de su extinción. Será un bis revolucionario, como “fue el sequel Aliens de James Cameron respecto a la película de Ridley Scott”, promete Roland Emmerich, quien también esta vez estará detrás de la cámara. Después de 20 años de los hechos reales (y de una taquilla récord de más de 800 millones de dólares) el tan invocado segundo capítulo ve el “Resurgence” de viejos conocidos (Jeff Goldblum, Bill Pullman, Vivica Fox, Judd Hirsch, Brent Spiner), entran en escena nuevos rostros (Jessie Usher, Sela Ward, Liam Hemsworth, Maika Monroe e Charlotte Gainsbourg) y una clamorosa y definitiva despedida: se está diciendo que el capitán Hiller ha pasado a mejor vida gracias a los 50 millones de dólares que pretendía Will Smith.

Why to see it: spatial

¿Por qué verlo?: espacial

title: Independence Day - Resurgence Directed by: Roland Emmerich genre: Sci-Fi Cast: Jeff Goldblum, Liam Hemsworth, Bill Pullman, Jessie Usher, Vivica A. Fox

título: Independence Day 2 Dirigido por: Roland Emmerich género: Comedia/suspenso elenco: Jeff Goldblum, Liam Hemsworth, Bill Pullman, Jessie Usher, Vivica A. Fox

+ tv


bRAIN DRAIN Summertime alien invasions also feature in a new TV series. An exhilarating comedy that has been described as a combination of The West Wing and The Strain, BrainDead depicts the paradoxical misadventures of a young staffer. When she arrives in Washington, Laurel (Mary Elizabeth Winstead) discovers that not only is the government no longer functioning, but aliens have invaded the Earth and have dined on the brains of a growing number of members of congress and other members of staff. An allegorical lampoon of the political class, produced by Ridley Scott and the husband-and-wife team Robert and Michelle King, acclaimed creators of The Good Wife, the first of thirteen onehour episodes of BrainDead will be aired by CBS on 13 June.

Un verano de invasiones extraterrestres también en las series televisivas. Hilarante comedia con resabios dramáticos, en una mezcla entre The West Wing e The Strain, BrainDead muestra las desaventuras paradójicas de una joven durante una beca. Cuando llega a Washington, Laurel (Mary Elizabeth W instead) descubre que, además de que el gobierno no existe, los extraterrestres están devorando el cerebro de los diputados y de los otros miembros del staff del Congreso. Metafórica broma a la clase política, producida por Ridley Scott y por la pareja de los King (aclamados creadores de The Good Wife), BrainDead desembarca en CBS con 13 episodios de una hora cada uno, el 13 de junio.

Why to watch: political fantasy

¿Por qué verla?: fantapolítico

title: BrainDead produced by: Robert and Michelle King genre: comedy thriller Cast: Mary Elizabeth Winstead, Aaron Tveit, Nikki M. James, Johnny Ray Gill, Tony Shalhoub

título: BrainDead producido por: Robert and Michelle King género: comedy thriller elenco: Mary Elizabeth Winstead, Aaron Tveit, Nikki M. James, Johnny Ray Gill, Tony Shalhoub


NIALAYA.COM bmi mag / agenda global

Until 26 June Until 13 June National Art Center, Tokyo


Estorick Collection of Modern Italian Art, London

Until 26 June The Photographers’ Gallery, London



An exhibition devoted to Issey Miyake wide range of artistic expression spanning the fashion designer’s 45-year career, from 1970 to the present.

This exhibition examines the work of a group of abstract painters - notably Aldo Schmid - in 1970s Italy, who reacted against what they considered to be the superficiality of contemporary culture.

An exhibition celebrating the spirit and diversity of punk culture in the context of its genesis in Soho, featuring portraits from Derek Ridgers and Anita Corbin.

Until 26 June

Until 17 July

Until 14 August

Palazzo Pepoli, Bologna

Musée d’Art Moderne, Paris

Bundeskunsthalle, Bonn



An Italian retrospective dedicated to the history of street art, showcasing Banksy and the major exponents of urban art.


Dibbets’ contribution to conceptual art has been decisive since 1960s, for his reinterpretation of the history of photography.

On show rare pieces from design, architecture, art, film and photography, exploring the Bauhaus aesthetic and its influence on contemporary designers, artists and architects.

Until 29 August Tate Britain, London


Until 11 September

4 June - 18 September

Modemuseum Hasselt

KW Institute for Contemporary Art, Berlin

In the 1960s British artists began to abandon traditional approaches. This exhibition explores this pivotal period, which changed the way we think about art to this day.



This exquisite fashion exhibition in Belgium explores the beautiful relationship between haute couture and ready-to-wear.

Since 1998 the show has become one of world’s most important contemporary art events.


bmi mag / agenda ibiza


All Year GUIDED TOURS Madina Yabisa La Cúria Casa Broner Can Botino Baluard de Sant Pere Dalt Vila


bLuE MARLIN IbIZA EvENts MONDAy with ELI ROJAS & FRIENDS Hot beats will keep the dancefloor rolling

tuEsDAy with TOM CRANE Hip-swinging vibrant sounds

wEDNEsDAy with VIDAL RODRÍGUEZ Signature Balearic rhythm

ARt Until 5th June MUSEU D’ART CONTEMPORANI D’EIVISSA Art Exhibition “Ibiza 1972. Los Juegos del Espinario. Ignacio Gómez de Liaño exhibition experimentacions poètiques” Until 31st July ART EXHIBITION EDUARD MICUS “TRABAJOS EN PAPEL” Until 16 June LIGHT SCULPTURES AFTER DARK th


23 June ST JOHN’S NIGHT Bonfires are staged on beaches with music and dancing Until December THEATRICAL GUIDED TOURS IN DALT VILA Until December SA COVA GUIDED TOUR, THE OLDEST WINERY IN IBIZA SANT MATEU


fRIDAy pop yOu up A tribute to contemporary and old school house music

sAtuRDAy shOwcAsE

Until October Every Wednesday Meditation in the nature Healing meditation in front of Es Vedra with crystal bowls Sound bath and crystal therapy

shOwtIME suNDAy


First-class international DJ line-ups


MARkEts cuLtuRE

Resident DJs hot sounds

9th to 11th June ADLIB FASHION SHOW




IBIZA´S HIPPY MARKET Every Saturday all year long. From 10am HIPPY MARKET PUNTA ARABÍ Every Wednesday


FORADA MARKET Saturdays from 10am to 4pm opposite Can Tixedó café (Buscastels)


SANT JOAN MARKET Sundays from 10am to 6pm



Una combinación elegante y fresca de vodka Grey Goose®, licor de flor de saúco St-Germain®, soda y lima. 40º. Grey Goose es marca registrada. St. Germain es marca registrada. St. Germain 20º.

bmi mag / ibiza places

La Mola Cape Lighthouse Formentera at sunrise ©Holbox/Shutterstock

The sunsets here paint the sea and the rocks in electric blue, vivid orange and intense yellow. It is the magical hour before the coming of the night, a moment when perception shifts and the line between fiction and reality begins to blur. This story takes place at sunset.

Azul eléctrico, naranja desquiciado y amarillo intenso son algunos de los colores que lucen los atardeceres de este sitio; y que se impregnan sobre el mar y las piedras. Es la hora mágica, previa a la noche cuando la percepción cambia y se comienza a dificultar distinguir qué es ficción y qué realidad. La historia a continuación, transcurre cuando el sol se pone.

A submarine breaks the surface of the darkening sea. Its hatch opens and a thickly-bearded man in a naval uniform makes his Del mar oscuro sale a flote un submarino. Desde su compuerta superior way to the shore. He walks towards a beacon that lights his y a través de la eternidad, un hombre adulto, de barba espesa y mirada oscura, con uniforme de marinero, hace tierra. Se dirige con rumbo fijo path every five seconds. hacia una luz que cada 5 segundos ilumina su camino.


bmi mag / ibiza places

LIghtINg INspIRAtION by germán touza

It is believed that when he was sailing the waters of formentera the writer Jules verne could make out the distinct shape of the island - an upward slope from where, in his fertile imagination, the strangest craft could take off. se cree que fue navegando los alrededores de las aguas de formentera que el escritor julio verne pudo avistar la particular forma de la isla: una pendiente ascendente desde donde, según su fructífera imaginación, podrían despegar las más extrañas aeronaves. It is the piercing beam from the lighthouse of Mola at the highest point of the island, perched on cliffs almost 200 meters above the sea. After a long trek he reaches his destination and looks out over the rocks. The view is breathtaking, and for a second his heart skips a beat. Finally he decides to climb towards the scenic viewpoint of the lighthouse. From here the view takes in the entire island.

Es la luz que desprende el faro de la Mola, ubicado en el extremo más elevado de la isla, a casi 200 metros de altura sobre unos profundos acantilados. Luego de una extensa caminata llega a su destino y se asoma por sobre las rocas. La vista es temeraria y por un segundo su corazón no palpita. Finalmente, decide subir hacia el mirador del faro. Allí puede observar con un golpe de vista, la totalidad de la isla.

Long hours pass but the man is reluctant to leave. He struggles to stay awake, observing everything around him. When at last the sun rises, he takes a paper and pen and writes, “This is the lighthouse that inspired my creator, Jules Verne, to write his tale ‘Off on a Comet’. I feel the view of this place is a gift from him”. Then he signs his name - Captain Nemo.

Pasan largas horas pero el hombre no quiere marcharse. Lucha por mantenerse en vela, observándolo todo. Cuando al fin el sol asoma, toma un papel, una pluma y escribe: “Este es el faro que inspiró a mi creador, Julio Verne, a escribir la novela “Hector Servadac”. Siento la vista de este sitio como un regalo suyo”, luego firma: Capitán Nemo.


A SEPARATE REALITY by julieta messina

The dimensions of Boris Alexander’s photography | Las dimensiones de la fotografía de Boris Alexander

A surreal spasm, a vibration that interrupts frequencies, colours that shake the silence, a shot fired at reason, an echo that penetrates thousands of dimensions… Boris Alexander’s photography is a timeless space where life whispers a reality to us and the mind has no role to play. Un espasmo surreal, una vibración que rompe la frecuencia, colores que estremecen al silencio, un disparo a la razón, un eco que atraviesa miles de dimensiones… La fotografía de Boris Alexander es un espacio sin tiempo en el que la vida nos susurra una realidad donde la mente no entra en juego.


ibiza art a separate reality

“This collection of photos comes from the concept of biotope, a space where life assembles to create an ecosystem. The images represent another dimensional plane that can be physical or ethereal”, says Boris after years spent exploring internal worlds and summarising the many experiences on his travels through Central America and Mexico. Creative work where the line between what is real and what is magic fades away behind his analogue lens. “El concepto donde nace esta colección de fotografías son los biotopos, aquellos espacios donde se agrupa la vida para formar un ecosistema. Se trata de representar, mediante las imágenes, otro plano dimensional, ya sea físico o etéreo”, cuenta Boris luego de años de trabajo de explorar sus mundos internos y de sintetizar todas las experiencias de sus viajes por Centroamérica y México, en un trabajo creativo donde el límite entre lo real y lo mágico se desvanece tras su lente analógica.


“The process is magical. I take materials, I make them react and then I develop a photographic technique. When I find something visual and emotionally stimulating, I take photos of this kind of non ordinary realit”, explains the German photographer, who grew up in Ibiza and whose creations provide a bridge to a dream-like world that invites viewers to step into a universe that should be experienced not only through vision but also emotions. “El proceso es mágico. Yo cojo unos materiales, los hago reaccionar y desarrollo una técnica a nivel fotográfico. Cuando encuentro algo visual y emocionalmente logrado, hago las fotos de esta especie de realidad no ordinaria”, explica este fotógrafo alemán, criado en Ibiza, que ha encontrado en sus creaciones un puente hacia el mundo onírico que invita al espectador a adentrarse en un universo que debe contemplarse no solo con la mirada sino desde las emociones. Kopaak


ibiza art a separate reality




The abstract world becomes surreal, anchored to reality by horizons and lines, vertical and horizontal structures that suggest a world we know.

El mundo de lo abstracto se convierte en surreal, mediante el anclaje a la realidad a partir de la presencia de horizontes o líneas, estructuras verticales y horizontales, que puedan sugerir una representación del mundo que conocemos.

“I prefer not to use filters during digital post production, which makes me pro-analogue, and if I use digital technology when capturing the image then I try to simulate analogue photography. If I hit four keys on the computer instead of experimenting, what do I achieve? What’s artistic about that? The process becomes a production line instead of a creative and limitless challenge.”

“Prefiero no utilizar filtros en la etapa de la post producción digital, en este sentido soy pro analógico, y si utilizo lo digital en el proceso de la captación de la imagen, intento simular la fotografía analógica. Si aprieto cuatro botones en el ordenador en vez de aprovechar la experimentación, ¿qué obtengo? ¿qué hay de artístico allí? El proceso se convierte en una máquina de producción en vez de un desafío creativo e ilimitado.”


ibiza art a separate reality


These photographs were used on record covers and displays for a local band called Freidura, who ushered in an alternative, psychedelic rock style with electronic nuances to the island at the end of the ‘90s.

Estas fotografías fueron utilizadas, entre otras cosas, para las portadas de algunos discos y las visuales de una banda local- Freidura-, que a finales de los 90 daba la bienvenida en la isla a un rock psicodélico, alternativo con toques electrónicos.

During the last decade, Boris Alexander has continued to apply his vision to reportage photography via shots of the street, trying to reflect the same worlds with just one click, rather than editing and correcting the images. Now he’s back in the analogue laboratory using digital technology to increase and decrease light intensity or blur images, whilst imitating the enlarging process. “Now I even work with a tactile screen so that I can generate movement whilst standing up, drawing with light using my fingers, allowing me to move away from the restrictions of the PC mouse”.

Durante la última década, Boris Alexander continuó trabajando su visión en el reportaje fotográfico a través de las instantáneas de la calle, intentando llegar a los mismos mundos pero solo haciendo click, casi sin retoques ni correcciones. Hoy ha vuelto a recuperar el laboratorio analógico pero en digital, subiendo y bajando intensidad de luz o utilizando el desenfoque, pero imitando el proceso de la ampliadora. “Inclusive ahora trabajo con un monitor táctil para poder generar movimiento, estando de pie, dibujando con luz pero con los dedos, para salir de la prisión del ratón del ordenador”.

According to Alexander, representing a different reality and dehumanizing people gives him hope and allows him to “turn it into something else; maybe because showing our daily routines doesn’t allow me to truly feel the artistic process”.

Según nos cuenta el fotógrafo, representar otra realidad o deshumanizar al ser humano, le da esperanza y le permite “convertirlo en algo diferente, quizás porque mostrar la cotidianidad en la que nos movemos no me hace vibrar ningún proceso artístico”. 46

Tel. +34 971 19 81 02 Ibiza to San Antonio Road km 5,4 路 Ibiza

THE HOLOGRA LIFESTY Interactive furniture, optical illusions, high-tech mirages, motion-sensing virtual pieces and 19th Century inspired sets where puppets become characters born out of digital animation and reality is augmented. Nourathar - making music using light.

phIc LE by juLIEtA mESSINA Photograper Marco Ferraris

Mutamandel; Augmented Sculpture, 2014

muebles interactivos, ilusiones ópticas, sortilegios hi-tech, piezas virtuales sensibles al movimiento y teatrinos inspirados en el siglo xix donde las marionetas devienen en personajes nacidos de la animación digital y la realidad aumentada: nourathar, una manera de hacer Photographs Josep Buil Mayral - ©Arxiu d’imatge i so. Consell d’Eivissa música conbyluz.

ibiza lifestyle the holographic lifestyle

Orbuculum - Augmented Mini Theatre, 2015

Caen Botto and Marta Rupérez are the founders of this artistic initiative that merges physical and virtual elements. Furniture and geometric structures are created so that different spaces can be formed using audiovisual and digital media. At the same time these sculptures pay homage to 18th and 19th Century artists who discovered how to write, paint and make music using light, even before the birth of cinema.

Caen Botto y Marta Rupérez son los fundadores de esta iniciativa artística que fusiona lo físico con lo virtual. Se trata de la creación de muebles y estructuras geométricas donde el fin es intervenir, audiovisual y digitalmente, distintos espacios. Al mismo tiempo, a través de estas esculturas buscan rendirle homenaje a los artistas del SXVIII y SXIX que han descubierto cómo escribir, pintar y hacer música con la luz, inclusive antes del nacimiento del cine.

“We set up Nourathar AV when we arrived in Ibiza three years ago. Before this we were Universomente: a combination of cognitive laboratory, new media art studio and hardware and software workshop, focusing on the poetics of the process and on finding similarities on a software process level”, says Caen as he shows us an old book whose cover reads: Nourathar. The Fine Art of LightColor Playing.

“Fundamos Nourathar AV cuando llegamos a Ibiza hace tres años. Veníamos trabajando como Universomente: una combinación de laboratorio cognitivo, estudio de arte de new media y taller de desarrollo de hardware y software, donde nos concentramos mucho en la poética del proceso y en encontrar analogías a nivel procesos de software”, cuenta Caen mientras nos enseña un libro muy antiguo que en la portada reza: Nourathar. The Fine Art of Light-Color Playing.

“Our name is inspired by the term Nourathar, which was adapted in the 19th Century from Arabic by the inventor and pianist Mary Elizabeth Hallock-Greenewalt. It combines the concepts of “light” (nour) and “essence of” (athar) and describes the music that she herself created using the art of playing with light and colour”, explains Marta, who turns on a device showing a mini stage set in the living room of a house in Ibiza’s old quarter.

“Nos llamamos así inspirados por el término Nourathar que fue adaptado en el SXIX del árabe por la inventora y pianista Mary Elizabeth Hallock-Greenewalt. A partir de las expresiones “luz” (nour) y “esencia de” (athar), esta palabra busca describir la música que ella misma creaba a partir del arte de tocar con luz-color”, explica Marta, quien seguidamente enciende un dispositivo que da vida a un mini teatrino montado en la sala de una casa del casco histórico de Ibiza.


ibiza lifestyle the holographic lifestyle

Message in a Bottle - Augmented Mini Theatre, 2015

“The stages are small-scale versions based on the Pepper’s Ghost technique, which makes it appear as though there are ghosts on the stage. Using an angled sheet of glass and a person hidden in the orchestra pit, the stage was lit from below using an oil lamp and therein lay the magic: the person floated on the stage!” explains Caen as he reveals how his stages work in modern terms. “The stages are like laboratories that can be assembled in different ways. We custom-make them to order so that the user can think about where it’s going to be located, the size of the piece and the scene that they would like us to reproduce using hologram characters”. The owners of these pieces can explore how light expands through space, crossing the boundaries imposed by screens and flat surfaces. “We want to break down the walls between a work of art, the technology used to create it and the spectator, directing people’s attention towards the visible path of light” explain the two creative artists. They have been exhibiting their work at different centres and festivals around the world for over ten years now, including FACT in Liverpool, Sonar in Barcelona and File in Sao Paulo.

“Los teatrinos se basan en una técnica (Pepper’s Ghost) utilizada a gran escala, para hacer aparecer fantasmas en el escenario. Con un cristal inclinado y un hombre oculto en la fosa de la orquesta, se iluminaba desde abajo con una lámpara de aceite y ahí mismo aparecía la magia: el hombre flotaba en el escenario!”, relata Caen mientras nos explica el funcionamiento de sus teatrinos en clave moderna. “Los teatrinos son como laboratorios que se pueden montar de distintas maneras. Nosotros los construimos a medida y por encargos, para que aquella persona que lo desee tenga en cuenta el sitio donde lo quiere ubicar, la dimensión y la escena que quiere que se reproduzca con personajes nacidos de un universo holográfico”. El usuario que adquiera una de estas piezas podrá explorar cómo la luz se expande a través del espacio, trascendiendo los límites de pantallas y superficies planas. “Queremos disolver las fronteras entre la obra, la tecnología utilizada para crearla y el espectador, dirigiendo la atención hacia el tránsito visible de la luz”, aseguran estos dos creativos que hace más de diez años vienen exponiendo en distintos centros y festivales alrededor del mundo como FACT- Liverpool; Sonar - Barcelona o File – Sao Paulo.


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Message in a Bottle - Augmented Mini Theatre, 2015

Another of their transportable objects is the mandala, which can be integrated into different spaces in a house. The hexagonal shape of these figures works extremely well for mapping images. “The hexagon is a perfect shape for tessellating. It is also associated with the most efficient way of releasing energy in nature”, says Marta. All modern adaptations of established magic tricks, optical illusions based on the mastery of J. E. Robert-Houdin and the creation of abstract visual music by Thomas Wilfred, use Nourathar AV’s pieces to bring creativity, originality and a clear view of art to the stage. “We created our pieces to be educational and so that everyone can use them. We sing the praises of the unknown heroes from the history of art and technology who in one way or another feature in our light sculptures,” explains Marta as we become immersed in an ephemeral, multi-dimensional and poetic stage design that pushes the boundaries of perception, space and shadow.

Los mandalas son otros de sus objetos transportables que se pueden integrar a distintos espacios de una casa. La forma hexagonal de estas figuras funciona muy bien para mapear las imágenes: “El hexágono es una figura óptima para teselar. A su vez, el hexágono está asociado a la forma más eficaz de repartir energía en la naturaleza”, puntualiza Marta. Todas las adaptaciones contemporáneas de antiguos trucos de magia, las ilusiones ópticas basadas en la genialidad de J. E. Robert-Houdin o la creación de la música visual abstracta de Thomas Wilfred, convergen en las piezas de Nourathar AV con la intención de poner en escena creatividad, originalidad y una clara revisión del arte. “Le dimos un perfil a nuestras piezas para que puedan ser accesibles a todo público y para que al mismo tiempo sean educativas. Proponemos la puesta en valor de estos héroes desconocidos de la historia del arte y la tecnología, quiénes de alguna manera, alzan su voz en nuestras esculturas de luz”, explica Marta mientras nos deja inmersos en una de las habitaciones bajo una escenografía efímera, multidimensional y poética que juega con los límites de la percepción, el espacio y las sombras.

Nourathar AV Studio is an art and technology laboratory based in Ibiza. Nourathar AV Studio es un laboratorio de arte y tecnología, con base en Ibiza.


Bionic Light weight, efficiency and clean, essential shapes. In every good R&D department these three concepts underpin everything they do. They also some of the most costly elements on the expenses side of the company accounts. In nature, though, they are simply normality, honed to state of the art perfection. An example that is always present, waiting to be noticed, observed, and possibly copied. Levedad, eficiencia, esencialidad. En cada departamento de innovación y desarrollo de la industria moderna, estas tres palabras están escritas con marcador indeleble en la pizarra de los objetivos a seguir y con bolígrafo rojo en el libro de cuentas, entre los costes más sangrientos. En la naturaleza, en cambio, es simplemente la normalidad transformada en arte. Además es gratis y sobre todo, está allí para que todos los ojos la puedan ver. Espera solamente ser observada y posiblemente, copiada.

vIsION by DIEgo tAmoNE

EDAG Light Cocoon

motors bionic vision

EDAG Light Cocoon

One opportunity has recently become a subject of intense study, something that humankind, with its overbearing ego and love of the futuristic it first pretended to discover then found a use for, giving it a name that acknowledges our visionary enterprise - bionic. But copying also demands skill, and a pinch of talent. That’s why nature, with its slow, centuries-long rhythms, often ends up overtaking us. But those who recently moved into its slipstream have gained the reflected glory of a status that allows them remain a step in front of the others - with their mind in the future and their body in the present. That’s why, at the Geneva Car Show in early March, a proliferation of concepts with eyecatching lines and a technology looking back to the Jurassic age, what really amazed visitors was sought only to to imitate a simple leaf.


Recientemente esta oportunidad ha sido objeto de estudio y el hombre, gracias a su ego con tendencias futurísticas, en un primer momento, hizo de cuenta de haberla descubierto para luego aplicarla bautizándola con una palabra que le diera el justo mérito a la intrepidez que toca el límite con lo visionario: biónica. Pero para copiar también se necesita destreza y una pizca de talento. Por ello la naturaleza, con sus ritmos milenarios, ha logrado a menudo sacar ventaja. Aquel que últimamente ha seguido su estela, hoy puede disfrutar de una gloria y de un estatus que lo hace estar un paso más adelante de los demás. Un pie (y la mente) en el futuro, manteniendo el cuerpo en el presente. En el Salón del Automóvil que se realizó en Ginebra los primeros días de marzo, han proliferado concepts llamativos en sus líneas pero jurásicos en sus contenidos tecnológicos, sin embargo aquel que en realidad ha sorprendido fue quien se limitó a mirar y a tratar de reproducir... una simple hoja.

motors bionic vision

EDAG Soulmate

Visionary in approach but concrete in its solutions, EDAG recently produced two examples of lightweight construction Light Cocoon and Soulmate. These two sports car prototypes both feature a neon-effect colour - far from being a simple retro reproduction of 1950s style, it their revolutionary aspect immediately visible. This groundbreaking structure is made using 3D printers with enormous potential, clad in an elastic, water-repellent fabric, Texapore Softshell O2+. This material comprises a triple polyester that is tough but above all very light at 154 grammes per square metre, and even as low as 19 for some internal applications.

Por su modo visionario y sus soluciones concretas, EDAG dio vida recientemente a dos manifestaciones de la lightweight construction: Light Cocoon e Soulmate. Dos prototipos de automóviles unidos por un color que es el resultado del uso de luces neón, lejos de ser una reminiscencia de los años 50, es una herramienta que hace inmediatamente visible y perceptible su lado revolucionario. Su estructura está realizada con impresión 3D y su potencial es enorme, está revestida con un tejido hidrorepelente y elástico, el Texapore Softshell O2+, material realizado con una triple capa de poliéster, resistente, duradero y sobre todo muy liviano pues pesa 15,4 gramos por metro cuadrado hasta llegar a 19 en algunas partes internas.


motors bionic vision

EDAG Soulmate

Four times lighter than a sheet of paper. One the one hand a branching structure, an internal skeleton that uses support materials only where they are really necessary, and on the other a protective membrane conceived as an organic structure. Both are backlit with LEDs, creating an effect that reproduces a leaf seen against the sunlight. A fascinating mode of transport that is destined, with its self-driving capabilities, to transform itself into a vital environment, leading EDAG to investigate, along with more cutting edge solutions, hybrid technology and onboard technical interaction. As result the coupé and roadster are designed to host a hybrid propulsion with a central solution, as well as an on-board infotainment system the occupants of the vehicle can interact with through visual commands and gestures, all based on total connectivity. Colour plays a fundamental, totally functional role in this design. Shunning all extravagance, German pragmatism means that the LEDs are used as a means of communication to alert occupants and road users of any imminent dangers by flashing, or through an intuitive change of colour. All this follows the example of an already tried and tested system of colour changes as a warning, from the animal world. Pure cutting edge, inspired paradoxically, like the 3D structure and its membrane cover, by a project backed by no patent, but conceived, refined and developed free around four hundred million years ago.


Cuatro veces menos del peso de una hoja de papel. De un lado es una estructura ramificada, como un endoesqueleto y su material es de sostén en aquellos lugares donde sea necesario, del otro lado es una membrana protectora y está concebida como una estructura orgánica. Ambas partes retroiluminadas con Led. Su efecto reproduce una hoja en contraluz. Es fascinante el concepto de este medio de transporte de manejo autónomo destinado a transformarse en un ambiente vital, por lo que EDAG ha profundizado, junto a soluciones vanguardistas, el tema de la tecnología híbrida y de la interacción tecnológica de bordo. La coupé y el roadster fueron pensados para hospedar una propulsión híbrida con sistema central y también un infotainment de bordo que permite una interacción entre los ocupantes del vehículo a través de comandos visivos y gestuales. Todo a través de una visión de total conectividad. En su diseño el elemento color cumple un rol fundamental, 100% funcional y 0% como fin propio. Prohibido todo tipo de extravagancia. El pragmatismo alemán de hecho aprovecha las luces como medio de comunicación para alertar a los ocupantes y a los otros conductores sobre inminentes peligros gracias a su encendido inmediato o a un intuitivo cambio de tonalidad. Toma el ejemplo de la mutación cromática que funciona como advertencia de la naturaleza, la cual ha sido experimentada en el reino animal. Pura vanguardia. Paradójicamente se ha inspirado, tanto para su carrocería en 3D como para su membrana de revestimiento, a un proyecto que jamás fue patentado y que fue concebido, afinado y desarrollado gratuitamente hace casi 400 millones de años atrás.

Spirits of light by olimpia bellan

Photographer Matthew Andrews

1.8 London by Janet Echelman, Lumiere London 2016

Behind the scenes of London’s light installations, artists created an electrical riot of luminescent colours at the Lumiere Light Festival Tras las bambalinas de las instalaciones de luz londinenses, los artistas crearon un derroche de colores luminiscentes en el Lumiere Light Festival

art + culture spirits of light

American artist Janet Echelman’s massive aerial net sculpture billowed more than 50m above Oxford Circus in London during the Lumiere Light Festival produced by Artichoke, a chance to see the capital in a new light. The monumental floating form was made of layers of fibre, knotted together in vibrant shades that pulsed with the changing wind and weather to create a kaleidoscope of undulating colours. At night the installation came to life with projected coloured light. The work’s title is 1.8, referring to the length of time in microseconds that the earth’s rotation accelerated, and as a consequence the day shortened, when the 2011 earthquake and tsunami struck Japan. The sculpture’s shape was inspired by data sets of the tsunami’s wave heights rippling across the entire Pacific Ocean. The artwork invited onlookers to pause amid the hustle and bustle of the city and take time to gaze skywards. Novak, an award winning creative studio specialising in animation, design and immersive experiences was commissioned to create 195 Piccadilly, a large scale projection onto the British Academy of Film and Television Arts building, exploring the different genres of cinema and television using images from BAFTA’s archive. The artwork’s aesthetic referred to the origins of 195 Piccadilly as the home of the Royal Institute for Painters in Watercolour. The animation was accompanied by a striking soundtrack, created by Ed Carter and inspired by the classic sounds that helped define film and television genres, offering an immersive journey into the history of Cinema and TV.

La enorme escultura de una red aérea de la artista estadounidense Janet Echelman ascendió a más de 50m de altura sobre Oxford Circus en Londres durante el Lumiere Light Festival, organizado por Artichoke, consiguiendo que la capital británica se viera bajo una nueva luz. La monumental estructura flotante estaba hecha de capas de fibra, tejidas juntas en brillantes colores que vibraban según cambiaban el viento y el clima para crear un caleidoscopio de ondulantes tonos. El título de la obra es 1.8, haciendo referencia al tiempo en microsegundos en que se aceleró la rotación de la tierra y en consecuencia se acortó el día cuando el terremoto y el tsunami de 2011 azotaron Japón. La forma de la escultura se inspiró en hojas de datos de las alturas de las olas del tsunami que barrieron el Océano Pacífico entero. La obra de arte invitaba a los espectadores a detenerse en medio de las prisas y el barullo de la ciudad, ofreciendo una oportunidad de escudriñar el firmamento. Novak, un galardonado estudio creativo especializado en animación, diseño y experiencias inmersivas se le encargó 195 Piccadilly, una proyección a gran escala en el edificio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y la Televisión, explorando los diferentes géneros del cine y la televisión usando imágenes del archivo de la BAFTA. La estética de la obra hacía referencia a los orígenes de 195 Piccadilly como hogar del Instituto Real de Acuarelistas. La animación se acompañaba de una impresionante banda sonora, creada por Ed Carter e inspirada por los sonidos clásicos que ayudaron a definir los géneros del cine y la televisión, ofreciendo un estimulante viaje por la historia del cine y la televisión.


art + culture spirits of light

195 Piccadilly by Novak, Lumiere London 2016


art + culture spirits of light

Les Voyageurs by Cédric Le Borgne, Lumiere London 2016

French artist Cédric Le Borgne’s ethereal, illuminated Voyageurs are sculptures made of light. During Lumiere Light Festival these beautiful human forms were illuminated against the night sky. Sitting on rooftops, frozen mid-air in flight, they invited visitors to look up and around the St James area in a surreal adventure between the sky and ground, dream and reality. The artist abolishes barriers - his work explores space, time and movement. His poetry interacts subtly with the environment without preconceived ideas on the nature of the spaces he works with: interiors, exteriors, suburbs or wasteland.


Los etéreos e iluminados Voyageurs del artista francés Cédric Le Borgne son esculturas hechas de luz. Durante el Lumiere Light Festival, estas bellas formas antropomorfas se iluminaron contra el cielo nocturno. Sentadas en tejados o congeladas en pleno vuelo, invitaban a los visitantes a curiosear por la zona de St. James en una surrealista aventura entre el cielo y la tierra, entre el sueño y la realidad. El artista derriba las barreras; su trabajo explora espacio, tiempo y movimiento. Su poesía interactúa sutilmente con el entorno sin ideas preconcebidas sobre la naturaleza de los espacios con los que trabaja: interiores, exteriores, barrios de las afueras o eriales.

art + culture spirits of light


art + culture spirits of light

The Light of the Spirit by Patrice Warrener, Lumiere London 2016

French light artist Patrice Warrener is renowned worldwide for his Chromolithe projection system. This polychromatic illumination of buildings gives the impression of a painted façade. He has designed over 80 chromolithe creations across the world and continues to present this unique art form across the globe. Audiences stood mesmerized by The Light of the Spirit, a digital painting that painted the west front of the capital’s breath-taking Westminster Abbey in vivid colours and light. The projection highlighted the architectural magnificence of the building as the crowd took in at the reimagined statuettes of 20th-century martyrs. The figures were transformed into kaleidoscopic illuminations, a tribute to their lives in technicolour.


El artista galo Patrice Warrener goza de fama mundial por su sistema de proyección Chromolite. Esta iluminación policromática de edificios da la impresión de que hay pinturas en las fachadas. Ha diseñado más de ochenta creaciones chromolite en todo el mundo y continúa compartiendo su forma única de hacer arte por todo el planeta. El público contempló entusiasmado su The Light of the Spirit, una pintura digital que cubrió de colores la fachada oeste de la impresionante Abadía de Westminster londinense. La proyección resaltó la maestría arquitectónica del edificio mientras los espectadores contemplaban las estatuillas de mártires del siglo XX re interpretados; las figuras se transformaron en iluminaciones caleidoscópicas, un tributo a sus vidas en tecnicolor.

Patr贸nic 40潞 漏 2016 The Patr贸n Spirits Company.

Diamonds Are Forever



by Giacomo Giulietti

yachting + sailing light ahoy

Size isn’t enough to enable a yacht to stand out from the crowd - except for the largest of all, but by definition there can only be one of them, and the other biggies are destined for an anonymous existence as runners-up. So how can we make our little yacht unique, transforming it into the centre of attention? A vivid colour can do the trick during the day, but how do we achieve this visibility when the sun sets? Easy - just turn on the lights.

Para que un yate sea noticia ya no es suficiente con que sea grande. Además, el que posee el más grande es uno solo y los otros están relegados a un silencioso anonimato. ¿Cómo hacer entonces para que nuestro barquito sea único y se note? Se puede elegir un color para que se vea de día. Pero cuando el sol se pone ¿cómo se puede hacer para que se luzca? Es muy simple: se encienden las luces y no solamente las obligatorias.


yachting + sailing light ahoy

Led Yacht


yachting + sailing light ahoy

Super Yatch Topaz-5


Not just the running lights, though - a pair of large lamps that projects a shower of multicoloured electrical flashes, lighting up the sea around the yacht, highlighting the deck lines and creating an ever-changing ambience in the onboard spaces. The fact is that nowadays at anchor, in port and often under way these electrified islands loom out of the night, shattering the darkness with their multicolour lights. The trend made its first appearance towards the end of the first decade of the new millennium, and was inspired, as is often the case, by a technological innovation. Powerful, costly halogen and xenon lamps were superseded by the new LED lights, smaller, cheaper to run, long-lasting and practical. They were so small they could be mounted through the hull below the waterline with no risk to the yacht and without requiring excessive maintenance - and they looked lovely! But not everyone is convinced that so much garish illumination is such a good idea. Some believe yachts should display only the lights needed at any particular time. However, an increasing number of owners want their yacht to blaze arrogantly in the darkness, especially the owners of larger craft.

yachting + sailing light ahoy

Desde hace unos diez años, arriba y abajo del agua hay un desmadre de esplendores multicolores eléctricos. Para iluminar el mar alrededor del casco, para remarcar la líneas de los puentes, para dar una atmósfera diferente en los ambientes a bordo. Es por ello que hoy en la rada, en el puerto y a menudo también durante la navegación, aparecen estas islas electrificadas que expanden sus luces de muchos colores en un mundo que normalmente es oscuro. Esta tendencia se comenzó a ver durante el primer decenio de los años 2000 y como sucede frecuentemente en estos casos, se produjo una innovación tecnológica. A las potentes y costosas luces alógenas y de xenón se unieron los más pequeños, económicos, duraderos y prácticos leds. Son tan pequeños que hasta se los puede poner a través del casco debajo de la línea de flotación sin ningún riesgo para la embarcación, sin necesidad de excesivos trabajos de mantenimiento y con un resultado excelente a la vista. Que sea bello y sobre todo que sea oportuno buscar tanta ostentación luminosa para mostrar, no es una cosa de todos los que frecuentan el mar. De hecho, para algunos, los barcos deberían tener encendidas solamente las luces que sirven en ese momento y poco más. Sin embargo, cada vez más son los que desean que su yate resplandezca en la oscuridad. Sobre todo los armadores de los barcos más grandes.



yachting + sailing light ahoy

Megayacht Ace

“If you’re not looking good, you’re not yachting” some yachtsmen say, only partly in jest, so owners of megayachts that jostle for attention and admiration during the day decided they wanted their vessel to make a show at night-time, too. And they are indeed a feast for the eyes. Just look at the magnetic red adorning the decks of the 134-metre Serene, or the lovely green embellishing the 147-metre Topaz. The Perini Navi Andromeda la Dea, one hundred metres shorter at “only” 47 metres and studded with LEDs that project bright cones of light into the water, also provides an eye-catching spectacle, as do the shifting colours surrounding Ace, an 85-metre model by the German yard Lürssen. Its blue lights pierce the water while their green counterparts above highlight the yacht’s name on the superstructure. A violet light washes the sun deck, where we imagine a party is in full swing. Because light attracts us, the darkness is full of the unknown, while the future is always bright and resplendent.


“If you’re not looking good, you’re not yachting”, bromean, pero no tanto, algunos yacthsman. Por ello, para que los dueños de los mega yates se sientan profundamente comprendidos, catalizan la mirada de día y se proponen ser bellos durante la noche. Y efectivamente, es un espectáculo para los ojos. El color rojo que adorna los puentes de Serene de 134 metros, logra ser magnético como el verde que marca los 147 metros del Topaz. Igual con cien metros menos de eslora del Perini Navi Andromeda Dea, con “solamente” 47 metros de su casco enriquecido con leds que dibujan conos luminosos en el agua, son suficientes para llamar la atención. Al igual que los saltos cromáticos de Ace, 85 metros construidos por los alemanes, donde se pasa del azul disparado en el agua, al verde que delinea su nombre en la sobre estructura hasta llegar al violeta del sun deck donde podéis imaginaros que se esté dando un party. Porque las luces nos atraen, la oscuridad está llena de incógnitas, mientras que el futuro es siempre espléndido y radiante.

Sequin Body Top Shop

Gold Trousers Felder Felder

Necklace & Bangle Sarah Angold

Nails & Rings H&H

HIGH VOlTAGE pHotograpHer: osCar Munar osCarMunar.Co.uK | CreatiVe DireCtor: oliMpia bellan, osCar Munar stYlist: liZ MenDeZ | stYlist assistant: eMMa FrisbY Hair & MaKe up artist: Jonas oliVer using MaC pro | assistant Hair & MaKe up artist: sallY ann nelson loCation: goD’s oWn JunKYarD, lonDon goDsoWnJunKYarD.Co.uK | MoDel: terri-lee blaKe

Dress The Gypset Diary

Metallic Jacket Vivienne Westwood Vintage

Rhinestone Bangle Pebble

earrings Wolf & Moon

Bangle Maria Piana

Shoes Matthew Willamson

Shirt Wonderland

Skirt Versace

Belt Liz Mendez Vintage

Bangle Angle Diamond Dot

Catsuit THE GYpset Diary

Bangle Maria Piana


Lace Jumpsuit Vali Boutique

Necklaces Wolf & Moon

Jacket Carolina Herrera Vintage

Sequin Vest Felder Felder

Harness Jane Bowler

Nails H&H

Ear Cuff Maria Piana

Top and Skirt Jane Bowler

Bangle Sarah Angold

Nails H&H

Fly by Giacomo Giulietti

It’s amazing what people manage to do with the most unexpected objects. Bruno Munari’s genius transformed simple forks into objects with their own personality, engaging in a dialogue. And if someone can create a speaking character from a piece of cutlery, then the availability of a slightly more complex piece of equipment, like a bicycle, can enable them to present their audience with something truly magical.

Es asombroso todo lo que se puede hacer con los objetos más obvios del mundo. El genio creativo de Bruno Munari logró transformar unos tenedores en sujetos dialogantes, cada uno con su propia personalidad. Y si a partir de un cubierto se puede sacar un personaje parlanchín, disponiendo de una herramienta algo más compleja, como por ejemplo una bicicleta, lo que se puede regalar a los ojos de quien mira es algo realmente mágico.

Kriss Kyle’s Kaleidoscope BMX showcase © Rutger Pauw | Red Bull Content Pool

sport fly

There isn’t even any need for a new formula, just take what’s been done before to an extreme - or even further. Just like the athletes involved in BMX riding have done, not so much in its Olympic version, where the bike is used as if it were a motocross bike (BMX actually stands for Bike Moto Cross) on a bumpy track where the first rider to cross the line wins, but rather when we watch it used in the various freestyle specialities - Street, where urban and public features are used to enable the rider to perform tricks, BMX parks where riders use ramps and spaces created specifically for the activity, Vert Ramp with a half-pipe whose sides can reach a height of eight metres, Trail, with beaten dirt ramps, and Flatland BMX where all the tricks are performed while


No se necesita darle una forma: simplemente se la debe llevar al extremo. Y por qué no, atravesar el límite. Como hacen los atletas comprometidos con la BMX, no tanto en su versión olímpica, donde usan la bicicleta como si fuera una motocross (BMX significa Bike Moto Cross) en un terreno accidentado donde gana quien llega primero a la meta, sino cuando se mira a aquel que la usa en las diferentes especialidades de freestyle: street, donde se aprovechan las estructuras urbanas para realizar las evoluciones; los BMX park donde se usan rampas y espacios creados especialmente para esta actividad; rampa vert, es la versión para dos ruedas del half - pipe que puede llegar hasta 8 metros de altura, (aunque generalmente las construyen altas no más de 3 metros); trail, donde se usan rampas de tierra compactada o flatland Bmx, en el que todos los trucos se realizan permaneciendo sobre una superficie plana

sport fly

The Kaleidoscope trampoline wall ©Rutger Pauw - Red Bull Content Pool

remaining on a flat surface, throwing the bike around in every conceivable way. All these specialities have spontaneous street origins, in a similar way to skateboarding, a sport that shares its roots and young age profile of its participants with BMX. The light, compact and tough BMX-type first appeared in the USA in the 1960s, and it was soon realised it was ideal for performing airborne tricks without needing an engine. Often the greatest BMX athletes, many of whom are professionals, have not yet reached their first quarter century - Garret Reynolds, probably the most famous BMX freestyler, turned pro in at the age of thirteen, Steve Churchill at seventeen. Aaron Ross, one of the “oldest” riders, has just celebrated his twenty-ninth birthday.

pero haciendo piruetas en todas las maneras posibles con la bici. Estas especialidades nacieron a partir de su uso en la calle y fue espontáneo. Como sucedió con el skateboard, con el que comparten el mileiu o entorno social de origen y de actividad además de la joven edad de los participantes. La forma compacta, liviana y resistente de esta bici creada a finales de los años 60 en los Estados Unidos, fue adaptada como compañera ideal para aquel que ama dar volteretas en el aire sobre dos ruedas sin la necesidad del impulso de un motor. A menudo los grandes atletas, de los cuales muchos son profesionales, no han cumplido aún el primer cuarto de siglo: Garrett Reynolds, probablemente el más famoso freestyler bmx ya era profesional con tan solo 13 años, Stevie Churchill a los 17, Aaron Ross, uno de los más adultos top riders, apenas llega a los 29 años.


sport fly

Kriss Kyle Kaleidoscope wall-riding © Rutger Pauw - Red Bull Content Pool

One of the rising stars, who has already been snapped by Red Bull - and not knowing what the energy drink brand is currently up to in the world of extreme sports is like trying to understand contemporary art without knowing what’s on show at the New York MOMA - is Kriss Kyle. The twenty-four year old Scot first put feet to pedals on a BMX at the age of ten and left home at fourteen, moving to 23 unit, one of the UK’s largest skateboard and BMX courses. Here he could riding his bike from morning to night, enabling all his innate talent to emerge. Three elements - Kyle, his bike and the course features - have resulted in Kaleidoscope, a video shot in a specially-constructed course where he attempts never-before-seen tricks like the frontflip off a trampoline after a footplant off the wall. At this point the question is, what will the next generation of riders be able to do?


Red Bull ha puesto su atención sobre una de las estrellas nacientes, si no se ve lo que llegan a hacer los del toro rojo en el ambiente del deporte extremo es como tratar de entender el arte moderno sin saber qué hay en el MOMA de New York. La estrella es Kriss Kyle. Escocés de 24 años quien puso sus pies sobre los pedales de una BMX con tan solo 10 años, cuando tenía 14 se fue de su casa para mudarse al Unit 23, uno de los parques cerrados más grandes para skate y BMX del Reino Unido. Como anduvo sobre la bici prácticamente todo el día pudo desarrollar sus cualidades para sobresalir. Estos tres factores: Kyle, bici y obstáculos dieron como resultado Kaleydoscope, un video hecho en un circuito construido para realizar maniobras que jamás antes habían sido probadas, como el frontflip sobre un trampolín elástico, al cual llega luego de un tap sobre una pared lateral. A esta altura la pregunta es: ¿de qué serán capaces los riders de la próxima generación?


stREEt ARt’s pROtAgONIsts AND pOLEMIcs | stREEt ARt ENtRE pROtAgONIstAs y pOLéMIcAs

Bologna, Italy. In mid-March painters with a bizarre mission appear in the streets. Armed with spatulas and rollers they erase murals at a variety of locations around the city. They are sent out by Blu, Italy’s most famous street artist, who sees this as a polemic response to the street art exhibition - “Street Art, Banksy & Co” - that the city authorities is about to stage. The reason for his displeasure is the act of ripping out street works to put them into galleries and museums. The artist, who had already eradicated another of his drawings in Berlin, wanted to make a statement about the true nature of street art, emphasising its political role as a medium of opposition.

Boloña, Italia. Por sus calles a mediados de marzo aparecen unos extraños pintores. Atareados con espátulas y rodillos hacen desaparecer los murales en varias partes de la ciudad. Trabajan para Blu, el street artist italiano más famoso, con ese gesto manifiestan su respuesta polémica contra la muestra sobre el arte urbano llamada “Street Art, Banksy & Co”, que está por inaugurarse en la ciudad. ¿Cuál es la culpa? Haber arrancado las obras de la calle para llevarlas al museo. El artista había cancelado un mural en Berlín, con la intención de reafirmar la peculiaridad de su street art: política, de oposición.

Part One, TDS, 1989


culture + society from street to drawing room

And that is where the movement has its roots. Now a recognised artistic genre, Street Art can be regarded as a natural development of written messages, the graffiti with its shouts of protest and condemnation that began to appear on the walls and metro trains of New York during the 1970s. An illegal and anonymous practice, carried out by alienated kids, often African-American or Latino. The graffiti counter-culture evolved into hip hop, break dancing and Aerosol Art, using spray cans to write words or paint on walls. These signs, initially regarded as vandalism and defacement of a public asset, began to attract a certain media attention when in 1971 the New York Times dedicated an article to a 17-year-old Greek kid called Demetraki, known on the street by his tag, Taki 183. But it was only at the beginning of the new millennium that Street Art began to be recognised as an art genre, and its works were snapped up by the upscale art market - for upscale sums. This was largely down to Banksy, the mysterious artist from Bristol whose subversive works, handling social themes like pacifism, freedom of expression and sexual liberty, led him to become a spokesperson for the needs of outcasts, and their discontent. His position is most clearly expressed by “Rats”, the pictures of rats by Banksy to found all London. His subjects are hated and hunted, yet are capable of bringing entire civilisations to their knees. “If you’re small, insignificant and despised, then rats should be your role models”, the artist says.

Los orígenes del movimiento se basan en lo mismo. Actualmente se ha transformado en un arte reconocido y es, de hecho, la evolución natural de las palabras escritas, de los grafitis de protesta y de denuncia que cubrieron las paredes y los metros de New York en los años 70. Una práctica ilegal y anónima cuyos protagonistas eran los jóvenes de la periferia, muchos afroamericanos y latinos. Allí nació también la cultura hip hop, el break dance y el “writing”, el ejercicio de escribir o dibujar sobre las paredes con el spray. Aquellos signos al principio fueron considerados actos vandálicos y de vituperación de un bien público, pero luego comenzaron a tener un cierto alcance en los medios de comunicación gracias a Demetraki, un joven griego de 17 años, cuyo nombre artístico es Taki 183, a raíz de un artículo que le dedicó el New York Times en 1971. Pero recién en los comienzos del nuevo milenio la Street Art asume los rasgos característicos del arte y entra en el mercado con precios altísimos. El mérito sobre todo es de Banksy, el misterioso artista de Bristol quien gracias a sus obras transversales, impregnadas de temas sociales tales como el pacifismo, la libertad de expresión y la libertad sexual, se hace portavoz de las necesidades y del descontento de los parias y de los oprimidos. Su pensamiento fue sintetizado en “Rats”, los grafitis de las ratas que Banksy esparció por Londres: odiadas, perseguidas pero capaces de hacer arrodillar a una civilización entera. “Si eres pequeño, insignificante y poco amado, entonces las ratas son el modelo que debes seguir”, así decía el artista.

Banksy, Love in the air, 2003 Banksy, Kill People, 2003


culture + society from street to drawing room

Lee Qui単ones, Howard the Duck, 1988

Sane Smith, Untitled, 1990


culture + society from street to drawing room

Blu, Phetek

Clark Gable and Joan Crawford in Chained (1934) - ©AF archive/Alamy

Blu, Untitled

Rammellzee, The Walk, 1986

His female counterpart - through provenance, popularity and market is Bambi, another enigmatic figure whose identity is as yet unknown. After spending years painting London’s walls she was launched to stardom by the rapper Kanye West, who decided to give his wife Kim Kardashian a painting of a semi-nude by Bambi. The list of her admirers and collectors includes Brad Pitt, Angelina Jolie, Robin Williams and Kate Moss, who paid 50,000 pounds for a portrait. The attention paid to her by such celebrities is repaid in kind by Bambi, and among the subjects of her graffiti we find Amy Winehouse, Madonna, Usain Bolt and even Pope Benedict XVI, as well as various political and feminist subjects. The special link with stars and music would seem to the opinion of those who say that Bambi is a former pop star.

Su alter ego femenino - si hablamos de origen, popularidad y mercado - es Bambi. Tampoco se conoce su identidad y luego de haber pasado años pintando paredes londinenses, fue lanzada al olimpo gracias a Kanye West, quien regaló a su mujer Kim Kardashian un retrato medio desnuda dibujado por Bambi. Entre sus admiradores y coleccionistas la artista puede hacer alarde de tener a Brad Pitt, Angelina Jolie, Robin Williams y Kate Moss, quienes han pagado 50 mil libras por un portrait. Y Bambi devuelve la atención a los artistas, pues entre los protagonistas de sus grafitis se encuentra Amy Winehouse, Madonna, Usain Bolt y hasta el papa Benedetto XVI, junto a temáticas políticas y feministas. Su relación especial con las estrellas de la música avalan las voces que dicen que Bambi en realidad es una popstar.

Her aerosol colours are blinged up with powdered diamonds and gold leaf diamond, and Street Art abandons its original home to take its place in the drawing rooms of the wealthy. Exactly what Blu detests so much. The infamous exhibition on the Street Art in Bologna “Street Art Banksy & Co.” will be open until 26 June.

Bambi enriquece su espray usando polvo de diamante y hojas de oro haciendo que el arte urbano deje la calle para pasar a los salones de los pudientes. Exactamente lo que no le agrada a Blu. Si deseáis visitar la famosa muestra sobre el Street Art de Boloña tenéis tiempo hasta el 26 de junio.

stREEt ARt bANksy & cO. An Italian retrospective dedicated to the history of street art, showcasing Banksy and the major exponents of urban art.


Is NOt DEAD by mArco romANDINI

Derek Ridgers Sherrie - Wardour Street 1977 @Derek Ridgers - Courtesy of the Photographers’ Gallery, London

culture + society punk is not dead

“I am an antichrist, I am an anarchist” yells a demonic Johnny Rotten with staring eyes and a contemptuous sneer revealing rotten teeth as he performs the intro to “Anarchy in the UK”. London in 1976 was experiencing the birth of the punk phenomenon, and the Sex Pistols were its most explosive, transgressive, excessive and fashionable practitioners. It was all down to Malcolm McLaren, already manager of the New York Dolls, who decide to introduce Europe to a musical style that was taking America by storm, driven by bands like Iggy Pop’s Stooges, all pumping out simple, repetitive riffs powered by a distorted guitar sound, frenetically-paced songs, loads of stage presence and an explosion of subversive energy. These ingredients provided the inspiration for the first ever punk band - the USA’s Ramones. Back in London McLaren discussed his ideas with his wife, the clothes designer Vivienne Westwood, and their Teddy boy boutique “Let it Rock” at 430, Kings Road became a recruitment centre for members of what was to become the Sex Pistols, including John Lydon, alias Johnny Rotten (who had never sung a note in his life). One of Lydon’s fans, Sid Vicious (born John Simon Ritchie) got himself noticed at concerts by jumping up and down like a man possessed, inventing pogoing and becoming the band’s bassist and icon. They had more than their fair share of attitude, personality and presence - in other words, they were punks, insolent, arrogant and yobbish. Qualities not possessed by their previous bassist Glen Matlock, a lack that cost him his place in the band. And who cared if Sid couldn’t play his instrument? Legend has it that when performing he turned his amplifier down or switched it off completely, and that the bass parts were all pre-recorded. It wouldn’t be surprising, as McLaren wasn’t interested in music, but presence - the noise and chaos on stage, the fights during the concert and the rebellious, destructive attitude that the Sex Pistols, who took their name from McLaren and Westwood’s SEX boutique, the successor to “Let it Rock”, personified and passed on to their fans. But despite their founder’s commercial intentions, the authentic energy displayed by Rotten and Vicious, combined with their aggressive sound and politically incorrect lyrics that pulled no punches in attacking the bourgeoisie and establishment (the single “God Save the Queen” was seen in the UK as a direct attack on the monarch), brought them critical and commercial success.

“I’m an antichrist, I’m an anarchist” grita un endemoniado Johnny Rotten, con sus ojos desorbitados y una mueca donde se le entrevén sus dientes podridos, en la intro de su tema legendario “Anarchy in the UK”. Es el año 1976 y Londres es sacudida por el fenómeno punk, donde los Sex Pistols de Rotten son la encarnación más explosiva, incorrecta, excesiva pero también fashion. El mérito es de Malcolm McLaren, manager de los New York Dolls, quien decidió exportar a Europa el estilo musical que del otro lado del océano estaba creciendo gracias a los ejemplos de una banda como The Stooges de Iggy Pop: riff simples y repetitivos, guitarras distorsionadas, música rápida, presencia escénica, explosión de energía subversiva de una central nuclear. Son los ingredientes que formarán la base del primer grupo punk de la historia: los estadounidenses Ramones. Cuando vuelve a Londres, habla con su esposa, Vivienne Westwood y en el negocio de ropa para teddy boys “Let it Rock” que tenían en el 430 de Kings Road, comienzan a reclutar a los integrantes de la futura banda, entre ellos John Lydon, alias Johnny Rotten (jamás había cantado en su vida). Uno de sus aficionados, Sid Vicious (su verdadero nombre John Simon Ritchie), quien saltaba en sus recitales como un loco (inventando el pogo), fue el bajista e icono del grupo. El mérito también esta vez fue por la actitud, el carácter y la presencia. En pocas palabras, todo lo del estilo punk: descarado, arrogante, gamberro. El ex bajista Glen Matlock no era así y eso le costó el lugar. Y no pasaba nada si Sid no sabía tocar. Algunas leyendas dicen que el amplificador en el palco estaba al mínimo y a veces hasta lo tenía apagado y que las líneas del bajo estaban grabadas. Podéis creerlo porque no era la música lo que le interesaba a McLaren, sino su presencia: el lío en el escenario, las peleas durante los recitales, la actitud rebelde y destructiva que los Sex Pistols, que tomaron ese nombre del negocio “Let it Rock”, que luego fue llamado “Sex”, fue lo que encarnaron y difundieron a sus fans. No obstante las intenciones de marketing de su fundador, la energía auténtica de Rotten y de Vicious, el sonido violento, las letras políticamente incorrectas y su oposición neta contra la burguesía y el poder (el tema “God Save the Queen” en su país fue visto como un ataque directo a la reina) decretaron el éxito de ventas y de críticas.

Billy Idol at The Roundhouse 1977 - ‘Punk London 1977’ by Derek Ridgers


culture + society punk is not dead

Singer Josephine Baker in ‘Negro Revue’ - ©Keystone Pictures USA/Alamy

culture + society punk is not dead

Anita Corbin Shelley and Di in the Ladies - The White Swan, Crystal Palace 1980 - ©Anita Corbin - Courtesy of the Photographers’ Gallery, London

In its review of the band’s first LP, “Never Mind the Bollocks”, Rolling Stone magazine compared their sound to “Two subway trains crashing together under forty feet of mud, victims screaming”. The band only lasted three years but punk didn’t die with it. The UK scene also offered many less extreme but musically valid outfits like The Clash, The Damned and Siouxsie and the Banshees, and from these roots grew post-punk bands like Joy Division and P.I.L. (Public Image Limited), founded by Johnny Rotten after his stint with the Sex Pistols. This year London is celebrating the fortieth anniversary of that landmark year of 1976 with events, concerts and exhibitions showcasing the punk phenomenon. Punk may be dead, but its spirit lives on forever.

En la recensión de los Rolling Stone el primer LP de la banda, “Never Mind the Bollocks”, se compara su sonido con el de “dos trenes del metro que chocan bajo 40 pies de barro y las víctimas gritando”. Durarán solamente tres años pero el punk no se extinguirá con ellos. En la escena británica había grupos menos extremistas pero musicalmente válidos como los Clash, los Damned o las Siouxsie and the Banshees y de esas raíces nacerían grupos post punk como los Joy Division o los mismos PiL (Public Image Limited) creados por Johnny Rotten cuando finalizó su experiencia con los Sex Pistols. Este año Londres recuerda los cuarenta años de aquel famoso 1976 con eventos, conciertos, muestras dedicadas a la música y al fenómeno punk. Porque aunque el punk haya muerto, como dicen sus aficionados, su espíritu vivirá para siempre.

The Photographers’ Gallery Punk Weekender - from 23 to 26 June - will be both a celebration and a cultural exploration of this subversive movement, with a focus on the ideological, social and political context ofpunk’s insurgence and its presence in London’s Soho. Scheduled during the Weekender, a spotlight exhibition in the Print Sales’ Gallery featuring images from Shirley Baker’s Camden punk series and a digital display on the Gallery’s Media Wall featuring the work of Janette Beckman, Anita Corbin, Owen Harvey, Derek Ridgers and Gavin Watson. These will be displayed alongside a specially commissioned timeline from Nick Knight’s SHOWstudio comprising images, videos and texts tracing the evolution of punk through the decades.

The Photographers’ Gallery Punk Weekender - del 23 al 26 de junio - será tanto una celebración como una exploración cultural de este movimiento subversivo centrada en el contexto ideológico, social y político de la insurgencia punk y su presencia en el Soho londinense. Encuadrada en el Weekender, una exposición destacada en la Print Sales’ Gallery mostrará imágenes de la serie punk Camden de Shirley Baker y un display digital en la Media Wall de la galería resaltará los trabajos de Janette Beckman, Anita Corbin, Owen Harvey, Derek Ridgers y Gavin Watson. Junto a ellos se exhibirá una línea temporal especialmente encargada al SHOWstudio de Nick Knight que contiene imágenes, vídeos y textos que trazan la evolución del punk a través de las décadas.

punk.London is a year-long festival of events, gigs, exhibitions, performances and film in the capital, celebrating a movement that changed the face of music, culture, art, politics and fashion forever. Punk London 1977 shows 152 pages of photography by Derek Ridgers featuring the birth of the most exciting cultural phenomenon in British history.


punk.London es un festival que dura todo el año con eventos, actuaciones, exposiciones, performances y películas en la capital inglesa para conmemorar un movimiento que cambió para siempre la música, la cultura, el arte, la política y la moda. Punk London 1977 contiene 152 páginas de fotografías de Derek Rodgers retratando el nacimiento del movimiento cultural más emocionante de la historia británica.

Desing & Production Konkordanz

Indicaci贸n Geogr谩fica Protegida

cinema a kaleidoscope of films


Gary Lockwood, 2001 A Space Odyssey © ScreenProd/Photononstop/Alamy

cinema a kaleidoscope of films

They are mentioned in the credits, but receive few awards and public recognition. Yet it’s the director of photography who can provide that special touch that transforms a film into an iconic masterpiece with images that remain in the audience’s eyes and mind, resisting the passage of time. Electrifying, psychedelic, dazzling films. A shock effect skilfully deployed in Dario Argento’s most famous feature film, Suspiria (1977), where delirium liberated the Gothic from its castles and freed it from the tyranny of dark colours. Fluorescent colours, especially vivid blood red, created an alienating effect, extreme and experimental, one that would inspire Stanley Kubrick in some scenes of another highly-coloured masterwork - The Shining (1980). Here, crimson shades accompany the relentless development of Nicholson’s growing madness, culminating in the unforgettable scene of the river of blood cascading from the lift. The furnishings that form the backdrop for little Danny’s peregrinations on his tricycle are also red, as are the lights surrounding the protagonist as he wanders among the bars and rooms of this eerie, mysterious hotel.

Están entre los créditos finales, han recibido pocos premios y son casi desconocidos. Sin embargo los directores de fotografía, son los que le dan al film ese toque especial que lo vuelve una obra maestra icónica, sus imágenes quedan impresas en la mente y en los ojos de los espectadores y así sobreviven al polvillo del tiempo. Películas electrizantes, psicodélicas, fosforescentes. Un efecto shocking bien marcado en el largometraje más famoso de Dario Argento, Suspiria (1977) donde el delirio lleva al gótico fuera de los castillos y lo sustrae a la dictadura de las tonalidades oscuras. Los colores fosforescentes, en primer lugar el rojo sangre encendido, provocan efectos extraños, extremos y experimentales e inspiran a Stanley Kubrick en algunas escenas de una obra maestra con muchos colores: The Shining (1980). Aquí los matices carmesí acompañan la progresiva locura homicida de Jack Nicholson hasta la escena inolvidable del río de sangre que sale del ascensor. También el mobiliario en el que se mueve con su triciclo el pequeño Danny, es rojo como las luces que envuelven al protagonista mientras vagabundea por el bar y las habitaciones del hotel misterioso.

A decade previously, in 1970, Michelangelo Antonioni used his Zabriskie Point to experiment with finding unconventional ways to use images - Mark, a student protester implicated in the death of a cop, flees in a private plane and lands in the Californian desert. Here he meets a girl and falls in love with her. The dramatic finale depicts scenes from the young girl’s imagination, blowing up the symbols of the society responsible for the tragedy of Mike’s death. In this explosion the ochre shades of the desert, the real hero of the film, colour our imagination, too. It was also the period of The Holy Mountain (1973) by Alejandro Jodorowsky, the most wild-eyed, phantasmagorical director of them all, a man able to invent worlds every bit as spectacular as the flower children’s drug-fuelled voyages. And while nine men sought immortality by climbing the mountain, guided by nine sages, we remember the army of frogs overwhelmed by a carmine tide, a visionary metaphor for the conquest of Mexico.

Una década antes, en 1970, Michelangelo Antonioni en Zabriskie Point había experimentado el uso de imágenes de una manera poco convencional: Mark, estudiante contestatario implicado en la muerte de un policía, huye en una avioneta privada y aterriza en el desierto californiano, donde encuentra a una joven de la cual se enamora. El final, dramático, hace imaginar que la muchacha destruye con un explosivo los símbolos de la sociedad en la que fue madurando el drama de Mark. Esa explosión es la que refleja las tonalidades ocres del desierto, verdadero protagonista del film y que colorean nuestra imaginación. Eran los años de La Montaña Sagrada (1972) de Alejandro Jodorowsky, el más sorprendente y fantasmagórico director de cine, capaz de inventarse mundos que podían causar envidia a los hippies en sus viajes artificiales. Y mientras nueve hombres buscan la inmortalidad escalando la montaña, guiados por sabios, la cinta nos recuerda el ejército de ranas arrolladas por una colada carmín, visionaria metáfora de la conquista de México.

Although red and yellow are important elements in cinematography, Tim Burton chose orange as his key colour - picture the blazing fan of hair crowning Johnny Depp’s Mad Hatter in the fantastical Alice in Wonderland (2010). Burton paints the entire film in garish colours, from mushrooms to flowers to outlandish animals, culminating in the decisive amaranth/Bordeaux of the Queen of Hearts, the incredible Helena Bonham Carter, the director’s wife. In the end the least colourful element is little Alice herself, the talented Mia Wasikoswka. It was with Big Fish (2003), though, that Burton created his masterpiece of colour through the story of an old travelling salesman, Edward Bloom (Albert Finney, with Ewan McGregor playing the same character as a young man), an adventurer with an extraordinary life. The image that remains imprinted on the retina is the giant fish, symbol of a magical dimension of existence that permeates the entire film.

Si el rojo y el amarillo son importantes en la cinematografía, hay quien ha elegido el naranja como tinta predominante: Tim Burton pinta la cabellera del Sombrerero Loco Johnny Deep, su actor cult, en la película fantástica Alicia en el País de las Maravillas (2010) y pincela de tonalidades fosforescentes desde los hongos a las flores, a los animales más raros, hasta el marcado bordó de la Reina de corazones, la estrepitosa Helena Bonham Carter, ex mujer de Tim. Y al final, la menos coloured, es justamente la pequeña Alicia, la muy buena actriz Mia Wasikoswka. En cambio en Big Fish (2003) hizo una obra maestra de cromatismos, a través de la historia del agente de comercio Edward Bloom (Albert Finney, de joven es Ewan Mc Gregor), aventurero con una vida extraordinaria. Aquí también queda grabado en la retina el pez gigante, símbolo de una dimensión mágica de la existencia que impregna todo el film.

Johnny Depp, Alice in Wonderland © Ltd/Alamy


cinema a kaleidoscope of films

Ewan McGregor, Big Fish © AF/Alamy

Finally, Terrence Malick wins our Oscar for evocation with his extraordinary depiction of the wonderful palette of colours nature provides, if only we could film it, with his controversial The Tree of Life, a hit with the critics but less successful at the box-office. It’s a powerful chromatic impact depicts the world as seen by a young boy through avant-garde emotional editing. Heartwrenching, powerful and full of rich imagery, it is the nearest we have yet seen to the cosmic design of a space where colours and forms are everything. For a cosmos that lends itself to exciting cinematic techniques we can turn to Solaris by Andrei Tarkovskij (1971), the Soviet response to Stanley Kubrick’s 2001: A Space Odyssey (1968), with a remake by George Clooney in 2002. But fans of the genre are faced with a tough question - what exactly is the colour of deep space?


Y por último, pero sin ser el último, Terrence Malick gana el Oscar de la sugestión gracias al extraordinario uso de la paleta que ofrece la naturaleza, si sabemos filmarla, en el cuestionado El árbol de la vida, venerado por la crítica pero menos por la taquilla. Impacto cromático potente, que nos ofrece una mirada infantil gracias a un montaje emotivo vanguardista. Vehemente, imaginativo, potente y lo que más se acerca al dibujo cósmico de un espacio donde los colores y las formas son el todo. Un cosmos con el que se pueden realizar evoluciones fotográficas de gran sugestión visual, en el caso de Solaris de Andrei Tarkovskij (1971), la respuesta soviética a 2001 Odisea en el espacio (1968) de Stanley Kubrick (con un remake de Clooney en el 2002). ¿Y cuál es el color del espacio profundo? Para los aficionados del género, la ardua sentencia.

A SYmPhonY of fLAvouRS by juLIEtA mESSINA

tables scattered among the trees, impeccable service, recipes prepared with seasonal products, and a clear sky... blue Marlin Ibiza again becomes the stage for a symphony of flavours that announces the arrival of summer on the island. fresh, healthy and organic products are at the heart of blue Marlin Ibiza’s modern Mediterranean cuisine. New specials are added every day with a focus on balance, sustainability and km 0 products. premium ingredients of the highest quality - such as certified wagyu beef, organic fruit and vegetables, and fresh local fish - make the core of the restaurant. Enjoy!

las mesas esparcidas entre los árboles, un servicio impecable, recetas elaboradas con productos de estación y un cielo despejado… blue marlin ibiza vuelve a convertirse en ese escenario que interpreta una sinfonía de sabores que llegan con el verano a la isla. los productos locales, sanos y orgánicos son elementos esenciales de la cocina mediterránea moderna de blue marlin ibiza. cada día se agregan nuevas especialidades teniendo siempre en cuenta el equilibrio y la sostenibilidad en la selección de ingredientes de la más alta calidad. el menú ofrece opciones gastronómicas a base de carne de Wagyu certificado, frutas y verduras orgánicas de estación y pescado fresco de la zona, entre otros productos especialmente seleccionados que componen un plato Km 0. enjoy! Photographer Borja Galban Fear


Burrata with tomato, zucchini flower, Wagyu ham and fresh basil Photographer Alex Caballero

food + drink a symphony of flavours

Photographer Mar Torres

Breaded veal chop Grissini breaded fried veal chop with white cabbage, parmesan salad and truffle bĂŠarnaise sauce. Classic cotoletta alla milanese veal chop coated with crisp golden grissini crumbs. Its name comes from the cut of meat traditionally used, called costoletta, an inch-thick bone-in veal chop. Tender and crunchy all the way.

Milanesa de ternera lechal con ensalada de repollo, parmesano y salsa bearnesa de trufa. Una clĂĄsica cotoletta alla milanese recubierta con un crocante empanado dorado. Su nombre proviene del corte tradicional de la milanesa, llamado costoletta, ternera lechal de hueso muy grueso. Tierno y crujiente todo el tiempo.


food + drink a symphony of flavours

Kenyan thin green bean salad Another exquisite novelty on the menu is the Kenyan thin green bean salad, blanched with a vinaigrette of hazelnut oil, lemon and orange juice, honey and white balsamic. And to create even more presence, red onion, chopped hazelnuts, Taggiasca olives and anchovies from Santoña are added to this vegetable mix.

Otra de las exquisitas novedades de la carta es la ensalada de judía fina verde de Kenia, blanqueada con una vinagreta de aceite de avellanas, zumo de limón y naranja, miel y balsámico blanco. Y para darle aún más presencia a este mix de vegetales, se le agrega cebolla morada, avellanas troceadas, aceitunas taggiasca y anchoas de Santoña.


food + drink a symphony of flavours

Nikkei style salmon tataki The Blue Marlin Ibiza kitchen always seeks to create new culinary experiences to surprise its guests. With this intention they have added nikkei style salmon tataki to the menu: salmon marinated in soy, ponzu sauce, toasted sesame oil, daikon, cilantro served with miso and roasted chilli sauce.

La cocina de Blue Marlin Ibiza siempre busca generar nuevas experiencias culinarias para sorprender a sus invitados. Con esta intención se ha sumado al menú el tataki de salmón estilo nikkei: salmón marinado en soja, salsa ponzu, aceite de sésamo tostado, daikon, cilantro acompañado con una salsa de miso y chili asado.


food + drink a symphony of flavours

Sauteed zucchini noodles Another delight for vegetable lovers is zucchini noodles sautĂŠed in tomato water with a vegan vegetable ragout and grated cashews replacing the cheese. Vegetarian dishes also remain a strong option at the restaurant. Otra delicia para los amantes de los vegetales son los noodles de calabacĂ­n salteados en agua de tomate con un ragu vegano de verduras y anacardos rallados para sustituir el queso. Las opciones vegetarianas siguen siendo una apuesta fuerte del restaurante.


food + drink a symphony of flavours

Wagyu hamburger And if you fancy a hamburger on the beach on a sunny day, nothing beats finely-sliced Australian Wagyu with Havarti cheese, homemade pear mustard, umami mayonnaise, black summer truffle and garlic French fries.

Y si os apetece una hamburguesa a pie de playa un dĂ­a de sol, nada mejor que la de Wagyu australiano cortado muy fino, con queso Havarti, mostaza casera de pera, mayonesa umami, trufa negra de verano y patatas fritas al ajo.


COCKTAILS IN COLOUR by Julieta Messina Photographer Borja Galban Fear

“When the artist gives in to feelings, colour emerges instantly.” “Cuando el artista se abandona a su sentimiento, surge al instante el color.” (Goethe)

food + drink cocktails in colour

Syrups with intense hues, tropical fruit in day-glo yellow and endless combinations of flavours and aromas… the bar of Blue Marlin Ibiza is transformed into a canvas and the bartenders into the artists who always surprise with their creations. What colour do you dare to drink this season?

Siropes con tonalidades intensas, frutas tropicales encendidas de amarillo y un sinfín de combinaciones de sabores y aromas… la barra de Blue Marlin Ibiza se transforma en un lienzo y los cocteleros en esos artistas que siempre sorprenden con sus creaciones. Qué color te animas a beber esta temporada?

are you Berry? Absolut Vodka, Chambord, lime juice, sugar, raspberries flambé We are ready to capture the very essence of pleasure in this cocktail. An elixir that goes hand in hand well with the summer. A drink that shimmers with colour and texture.

Absolut vodka, Chambord, lime juice, sugar, raspberries flambé Nosotros estamos listos para atrapar en este cóctel la esencia misma del placer. Un elixir que se lleva bien con el verano, una bebida que resplandece de color y textura.


food + drink cocktails in colour

Sunset rye Bulleit Rye whiskey, Grand Marnier, sugar, fresh lime & mandarin The sun sets on this drink where the whiskey gives way to an exquisite brandy distilled with orange essences. A different sunset, a drink to enjoy slowly.

Bulleit Rye whiskey, Grand Marnier, sugar, fresh lime & mandarin El sol se pone en esta copa donde el whiskey da paso a un exquisito coñac destilado con esencias de naranja. Un atardecer distinto, una bebida para deleitar lentamente.

Great Kiss Grey Goose vodka, Xanté, pink pepper & grapefruit syrup, fresh lime, pear & dragon fruit Vodka for personality, lime and dragon fruit to seduce the palate. A cocktail designed to kiss your five senses.

Grey Goose vodka, Xanté, pink pepper & grapefruit syrup, fresh lime, pear & dragon fruit Vodka para darle personalidad, lima y dragon fruit para seducir al paladar. Un cóctel pensando para besar a tus cinco sentidos.


hOME tOwN chIcAgO by juLIEtA mESSINA


sELDOM DO wE hAvE thE OppORtuNIty tO MEEt thE pROtAgONIsts Of thE INvENtION Of A MusIcAL gENRE. bOO wILLIAMs Is ONE Of thEM. sINcE 1981 thIs AMERIcAN DJ AND pRODucER hAs bEEN ONE Of thE sEcOND wAvE Of ARtIsts whO suppORtED AND INspIRED whAt Is NOw kNOwN wORLDwIDE As hOusE MusIc, bORN IN hIs NAtIvE chIcAgO. pocas veces Uno tiene la posibilidad de toparse con los protagonistas de la invención de Un gÉnero mUsical. boo Williams es Uno de ellos. este dj Y prodUctor americano, desde 1981 pertenece a la segUnda ola de artistas qUe sostUvieron e inspiraron lo qUe HoY todo el mUndo denomina HoUse mUsic, nacida de sU cHicago natal. When talking about Chicago House we mean the first forms this music style adopted with experimental productions during the early 1980s in the nightclubs of Chicago, before this phenomenon moved to New York and Detroit. By then Boo Williams had already connected with Green Velvet, also known as Curtis Jones, another pioneer of a sound that had begun to captivate the first fans of what later would be the anthems of the purest House. As well as establishing a close relationship with the man behind Relief Records, Boo has worked closely with Larry Heard, Marshall Jefferson and Lil Louis, all masters and pioneers of the musical movement born in The Warehouse.

Cuando se habla de Chicago house se hace referencia a las primeras formas que este estilo de música adoptó en las producciones experimentales a mitad de los ochenta en las discotecas de Chicago, antes de trasladarse este fenómeno a Nueva York y Detroit. Boo Williams, por entonces, ya había conectado con Green Velvet, también conocido como Curtis Jones, otro de los pioneros de un sonido que empezaba a cautivar a los primeros fans de lo que luego serían los himnos del house más puro. Más allá de su estrecha relación con el hombre de Relief Records, Boo ha trabajado codo a codo con Larry Heard, Marshall Jefferson y Lil Louis, todos maestros del movimiento musical nacido en The Warehouse.

The nineties found Boo Williams producing his album “Home Town Chicago”, the first in a series launched by Anotherday Records. Also around that time Josh Wink created Ovum Recording, another focus for the great talents of an electronic music full of textures and symbolism.

Los años noventa encontraron a Boo Williams produciendo su álbum “Home Town Chicago”, el primero de una serie lanzada por Anotherday Records. También en esa época Josh Wink creaba Ovum Recording, otro refugio para reunir a los grandes talentos de una electrónica repleta de texturas y simbolismo.

Now it’s our turn to listen to Boo Williams on the White Island. Blue Marlin Ibiza will host his tribute to Chicago school that taught us to fly the flag of music in honour of peace and love.

Ahora es el momento de escuchar a Boo Williams en la isla blanca. Blue Marlin Ibiza lo traerá como invitado para homenajear a esa escuela de Chicago que nos enseñó a ondear la bandera de la música en honor a la paz y el amor.


blue marlin ibiza music dj mix by juLIEtA mESSINA


Young, passionate and with a piercing gaze. Kim Ann Foxman’s studio is in an old Brooklyn fire station, but this summer she moves to Blue Marlin Ibiza to represent the spirit of New York that flows through the veins of her House Music. Her originality was clear even when she was very young, growing up among her Filipino family in a house filled with an eclectic musical spirit. When she was six Kim built a stage in her basement where she would invite her parents, cousins, aunts and uncles to put on playback performances together. In recent years her many collaborations have included a remix of the band The XX, and she has worked with Maya Jane Coles and Nick Anthony Simoncino, aka Ron Jason. Her creative instinct has positioned her at the forefront of a sound she is well-known for, making the dance floors shake in both her native America as well as Europe. Recently she launched her London-based Firehouse label, inspired by her residence in New York. Joven, pasional y de mirada profunda. Kim Ann Foxman tiene montado su estudio en Brooklyn en una antigua estación de bomberos. Pero este verano se traslada a Blue Marlin Ibiza a representar ese New York que circula por las venas de su house music. Su originalidad la acompaña desde pequeña gracias a que su familia, proveniente de Filipinas, inundaba su casa con un espíritu musical muy abierto. A los 6 años, Kim construyó en su sótano un escenario donde invitaba a los padres, primos y tíos a hacer actuaciones playback en conjunto. Durante los últimos años ha realizado, entre muchas otras colaboraciones, una remezcla de la banda The XX y ha trabajado con Maya Jane Coles y Nick Anthony Simoncino, alias Ron Jason. Su instinto creativo la ha posicionado en la vanguardia de un sonido que la caracteriza y hace vibrar las pistas de baile tanto de su América natal como de Europa. Recientemente ha lanzado su sello Firehouse con base en Londres, inspirado en su residencia en New York.



Ritualistic, energetic and bold. Felipe Torquato aka Spaniol can create a tune with everything that surrounds him. He discovered electronic music by accident at the age of sixteen, but his artistic training began when he was just nine years old, at the São Paulo Conservatory, in his native city.The creator and resident of Colectivo Sonido Trópico finally comes to Blue Marlin Ibiza to conquer the audience with versions such as Ney Matogrosso’s Bamboleo or Navio Negreiro by Caetano Veloso. In addition to using elements of popular Brazilian music, the live performance is a unique and eccentric mix of electronic with caimbó, jazz, samba, regional sounds, classical music and a drum machine. Ritualista, enérgico y audaz. Felipe Torquato, más conocido como Spaniol, es capaz de crear una melodía con todo aquello que lo rodea. Descubrió la música electrónica por accidente a los 16 años, pero su formación artística empezó con solo 9 en el Conservatorio São Paulo de su ciudad natal. El creador y residente de Colectivo Sonido Trópico llega a Blue Marlin Ibiza para conquistar definitivamente al público con reversiones como Bamboleo de Ney Matogrosso o Navio Negreiro de Caetano Veloso. Además de tomar elementos de la música popular brasilera, su live es una mezcla única y excéntrica de electrónica con caimbó, jazz, samba, sonidos regionales, música clásica y drummachines.

blue marlin ibiza music dj mix

sAuRO AfRO LANDscApE Attitude, strength and a long career. Sauro brings to Cala Jondal this summer the experience of twenty-year residency at the Quasar Club (Perugia, Italia) , where since the 80’s and 90’s he has been able to develop the distinctive style of House that identifies him wherever he goes. When starting out he also had the opportunity to perform at the “Odeon Music All” where he met Moz-Art, Daniele Baldelli and other important names in African music, which had a positive effect on his work and musical selections. Sauro has had the pleasure of sharing the booth with some of the biggest names in electronic music, people like Tony Humphries, Louie Vega, Francois Kevorkian, Kerry Chandler, Frankie Knuckles and Black Coffee. Not only has he conquered the Adriatic coast, Sauro has also visited London, Germany, Switzerland and North America with his intense sessions. The roster of clubs he has lit up includes Echoes, Kinki, Ethos Mama Club, Plastic, Paradiso, Pacha and Goa, and many more besides. Actitud, fuerza y una larga trayectoria. Sauro trae este verano a Cala Jondal la experiencia de haber sido residente en Quasar Club (Perugia, Italia) durante más de 20 años, donde ha podido desarrollar desde la década del 80 ese estilo house que lo identifica adondequiera que vaya. En sus comienzos también actuó en el “Odeon Music All”, donde conoció a Moz-Art, a Daniele Baldelli y a otros nombres importantes del panorama de la música afro que influyeron positivamente sobre su trabajo y sus selecciones musicales. Sauro ha tenido el placer de compartir cabina con algunos de los grandes nombres de la electrónica como Tony Humphries, Louie Vega, Francois Kevorkian, Kerry Chandler, Frankie Knuckles o Black Coffee. Este artista italiano no solo ha conquistado la costa del Adriático, sino que también ha recorrido Londres, Alemania, Suiza y Norteamérica con sus intensas sesiones. En la lista de clubes que tiene a sus espaldas destacan Echoes, Kinki, Ethos Mama Club, Plastic, Paradiso, Pacha o Goa, por nombrar solo algunos.

shAuN REEvEs vIsIONquEst

Benchmark of the Detroit sound. Diving into the most cutting-edge sound experiences. Shaun Reeves grew up in the studio, creating the Visionquest label alongside Lee Curtiss and Ryan Crosson. By getting involved in the house and techno scene in the largest city in Michigan, Shaun was influenced by maestros of minimal like Daniel Bell and Magda, and especially Zip and the Perlon label. After holidaying in Berlin he became fascinated by the city and he has lived there for ten years, developing his solo career with underground productions at the highest international level. His passage through the greatest clubs in the world has made it clear that Shaun Revees knows the rules of a provocative and challenging musical style. On the list are classic Berliners such as Panorama Bar and Watergate, DC10 in Ibiza, Fabric in London and The Marcy Hotel in New York with Wolf+Lamb. This summer he’s taking over the booth at Blue Marlin Ibiza, breaking through the invisible boundary between techno and house, offering a personal style that will liberate the dance and minds of those who enjoy his music. Referente del sonido Detroit y buceador de experiencias sonoras vanguardistas. Shaun Reeves es esa persona que ha crecido en el estudio y ha dado a luz nada menos que al sello Visionquest junto a Lee Curtiss y Ryan Crosson. Al involucrarse en la escena del house y techno de la ciudad más grande de Michigan, Shaun fue influenciado en gran medida por referentes del minimal como Daniel Bell, Magda y especialmente por Zip y el sello Perlon. Berlín lo cautivó tras unas vacaciones en la ciudad europea y desde hace diez años vive allí desarrollando una carrera en solitario con producciones underground del más alto nivel internacional. Su paso por los grandes clubes del mundo ha dejado en claro que Shaun Revees conoce las reglas de un estilo musical provocador y desafiante. En la lista están los clásicos berlineses como Panorama Bar y Watergate, DC10 en Ibiza, Fabric en Londres y The Marcy Hotel en Nueva York de la mano de Wolf+Lamb. Este verano lo tendremos tras la cabina de Blue Marlin Ibiza moviéndose en ese límite invisible que hay entre el techno y el house, con un estilo propio que dejará espacio para liberar la danza y la mente de quienes gocen de su música. 129

bmi mag / watches

by DIEgo tAmoNE

Big Bang Meca-10 by Hublot

Golden Bridge Round by Corum

The essence of a watch is the circle. All chronograph dials are round, as are the small seconds counter, the windows for the moon phase complication and the date and finally, quintessentially, the sweep of the hours - because the circle is the geometrical figure that best lends itself to displaying the time with a pair of hands rotating around a central pivot. So it should come as no surprise that ninety per cent of watches are round. A desire to escape, for difference, the urge to rebel, eventually expresses itself through opposites, with a creative process paradoxically determined to seek out and express the rigour and precision of rigid, linear architectural elements that increasingly draw inspiration from the great structures of every age - like the Golden Gate Bridge, built in 1937 to link San Francisco and Sausalito. Now it provides a creative source for the decorative elements of the Corum golden bridge round, which combines these exclusive elements with a singular baguette movement suspended longitudinally down the centre of a rose or white gold case with 43 mm diamonds. Equally technical and unusual, the project Z10 by Harry Winston has chosen to seek inspiration from the East Coast and the interwoven lattice of Manhattan’s bridges, ambitious constructions from the first period of the steel revolution. The blue anodised aluminium skeletonised dial gives a view of the interior of the Zalium case. These elements are more structural than scenic, a concept echoed by the big bang Meca-10 by Hublot. Its plates, wheels and gear immediately take us back to our childhood, and playing with Meccano while dreaming of becoming an architect or builder.

Project Z10 by Harry Winstonet

La esencia del reloj es redonda. Redondos son los contadores de un cronógrafo, los de los pequeños segundos, redonda es la ventana dedicada a las fases lunares y la de la fecha también y por último, redonda es por antonomasia la vuelta de las horas porque de hecho es redondo el dibujo geométrico que mejor se presta para favorecer la visualización de la hora gracias a la pareja de manecillas que apuntan girando sobre un perno central. Por ello no es casual que el 90% de los relojes sea redondo. El deseo de evasión, de rebelión, de extravagancia de un reloj termina por expresar lo contrario, a través de un proceso de creatividad que se empeña paradójicamente en buscar y perseguir el rigor y la precisión de elementos arquitectónicos rígidos y lineales, que cada vez más se inspiran en las grandes construcciones erigidas por el hombre en cada época. Como el Golden Gate Bridge, construido en 1937 para unir San Francisco con Sausalito, cuya estructura ha inspirado el Corum Golden Bridge Circular, marcador de tiempo que conjuga estos exclusivos elementos con su especial movimiento baguette suspendido longitudinalmente en el centro de una caja en oro rojo o en oro blanco con diamantes de 43 mm. Técnico y particular como el Project Z10 de Harry Winston, quien elige la East Coast para inspirar sus entrelazados en el puente de Manhattan, una obra ambiciosa de la época de la revolución del acero. Con sus perforaciones en aluminio anodizado azul viaja por la arquitectura y la mecánica en el interior de su caja en Zalium. Estos elementos estructurales más que escénicos son comunes al Big Bang Meca-10 de Hublot, que junto a sus placas, ruedas y engranajes nos lleva a la época en que éramos niños. Y se jugaba con el Mecano soñando ser un día arquitectos o constructores. Todo en redondo.


bmi mag / yachting

LuxuRy IN cOLOuR by pEDro mENDEZ

NUMARINE 78 Flybridge

Strong colours for the families of today. It’s not only the Numarine 78 Flybridge’s colourful livery and deck that grabs the attention it’s also the fact that it has the personality of a family yacht without compromising on sporty looks and refined external lines and furnishings.

Colores fuertes para las familias modernas. El Numarine 78 Flybridge es un yate que llama la atención no solamente por la variedad de colores del casco y de la cubierta, sino también porque llega a ser un yate familiar sin tener que renunciar a su aspecto deportivo y a su refinamiento tanto en sus líneas externas como en su mobiliario.

The exterior look, where the vivid colour plays a fundamental role in helping this 24-metre yacht stand out from its surroundings and make it as visible as a 50-metre design, is a blend of curves and crisp forms throughout, from the vision inspiring its design down to the smallest detail. The play of surfaces that take shape to become furnishing elements is echoed by every visual layout.

Las tintas encendidas que cubren su aspecto exterior, cumplen un rol fundamental para destacar un 24 metros de su entorno y hacer que se vea como si fuera de 50 metros y en toda su longitud, se mezclan líneas curvas y cortes netos. Desde una visión global hasta los detalles, las superficies se modelan y toman forma transformándose en elementos decorativos en cada plano visual.

Those lucky enough to venture aboard this Numarine model will be able to enjoy a Flybridge offered in a range of versions - with full bar or hydromassage pool, all sunpads or with a second external dining area. One notable feature for a yacht of this size is the forward relaxation area with cocktail table, sofa facing the sea and a separate sunbed zone.

Aquellos afortunados que puedan subir a bordo, podrán contar con un Flybridge que aquí se presenta en varias versiones: desde la opción full bar, a una piscina con hidromasaje, o un espacio para tomar el sol o como segundo salón comedor externo. Es importante, para un barco con estas dimensiones, la zona relax en la proa con una mesa para cocktails, un sofá frente al mar y un área separada para broncearse.

As on every yacht to leave the yard, natural light penetrates the interiors without obstruction through the large windows, illuminating the saloon. This is laid out on two levels, separating the living space from the dining space opposite the C-shaped galley to port.

Como todos los barcos de este astillero, la luz natural penetra sin dificultad en el interior del yate, gracias a sus ventanales que iluminan el salón ubicado en dos niveles, para separar la zona living del salón con enfrente la cocina en forma de C ubicada sobre la izquierda.

The yard offers two options for the interiors, but the standard option already includes four double cabins, all with en-suite bathroom. The owner’s cabin is situated where the hull reaches maximum beam, and features a walk-in wardrobe.

Para su interior el astillero propone diferentes opciones pero la versión estándar presenta cuatro cabinas dobles, todas con baño privado. La suite del armador se encuentra en la zona de bao máximo y está equipada con un vestidor.



LFT: 23.98m Hull length: 22.28m Beam: 5.79m Draft (propellers): 1.70m Draft from keel: 1.15m Displacement full load: 47 tons Fuel capacity: 5.500 lt Fresh water capacity: 900 lt Black water capacity: 650 lt

Engines: twin ManV8-1200hp @2300rpm Gearbox: ZF 500 iV Maximum Speed: up to 32 knots* Cruising Speed: up to 25 knots* Cruising Range: up to 400 nautical miles* Generators: 27kW 230Volt 50Hz 13.5kW 230Volt 50Hz


bmi mag / app

fOLLOw yOuR ARt by mArco romANDINI

artsY - iOS Artsy lets you view more than 300,000 hi-res masterpieces from the world’s finest galleries, shows and museums. The art genome project also enables you learn about common themes in movement, artists and works. It’s collectors, though, who stand to gain the most from Etsy, as it means they can buy directly from exhibitions and galleries, benefitting from an expert opinion. artstaCK - iOS/ANDROID Not only does Artstack help users discover artists and artworks, it also allows them to make contact with other fans and connoisseurs from around the world for exchanges of thought and opinion. The app actually features an online gallery with hundreds of thousands of works, constantly updated with all necessary information. Visitors can choose, save and organise their favourites, then share them with the community. A way of discovering art through people, a grapevine for the smartphone age. geo street art - iOS Two cities, two apps - Street Art London, Street Art New York. These are only the first in a project that aims to provide an app that makes use of geo-location to pinpoint street art in the city and supplies information on the artists and their works. Perfect for photographers, fans and tourists. art guiDe - iOS/ANDROID/WINDOWS If you’re a passionate art fan and you find yourself in the UK, you could do a lot worse than download this app. Art guide finds the best exhibitions in the city you are in and checks the availability of discounts with the National Art Pass. You can create a wishlist of places to visit, set up a calendar with reminders and recommend exhibitions to other users.

artsY - iOS Con Artsy podréis admirar más de 300.000 obras maestras en alta definición de las mejores galerías, ferias y museos del mundo. Gracias a The Art Genome Project os será posible conocer las características comunes de ciertos movimientos, de los artistas y de sus obras. Para los coleccionistas Artsy ofrece lo mejor pues permite adquirir directamente las obras de las muestras y galerías, gracias a la opinión de un experto. artstaCK - iOS/ANDROID ArtStack os permite descubrir obras de arte, artistas y también aficionados de todo el mundo con quienes podréis intercambiar vuestras opiniones. En la plataforma encontraréis un museo online con centenares de obras e informaciones al día donde podréis elegir vuestras preferidas, salvarlas, organizarlas y compartirlas con la community. Una manera de descubrir el arte a través de las personas de la comunidad, una especie de boca a boca en la época de los smartphones. geo street art - iOS Dos aplicaciones para dos ciudades: Street Art London, Street Art New York. Son las primeras de un proyecto que desea ofrecer una app aprovechando la geo localización que permite encontrar los grafitis artísticos presentes en una ciudad y dar informaciones sobre sus autores y sobre las obras. Son perfectas para los fotógrafos, los amantes de los graffiti y los turistas en general. art guiDe - iOS/ANDROID/WINDOWS Si estáis en UK y el arte es para vosotros una pasión, no podréis dejar de tener esta aplicación. Art Guide encuentra las mejores muestras presentes en la ciudad según el lugar donde estéis y verifica para vosotros la posibilidad de descuentos gracias al National Art Pass. Podéis crear también una wishlist de los lugares que deseáis visitar, organizar un recordatorio y un calendario y aconsejar muestras a otros usuarios.


bmi mag / books


suRfINg An eye-opening manual on the philosophy of surf. The most spectacular tribute ever published about the story, culture and eclectic lifestyle of the people who spend every day on the breaking wave crests. It’s a 200-year-long parade, a fresco with over 900 images from the first descriptions written by Captain Cook in 1778 to the Hawaiian islands and along the Australian coast, from fashion to the cinema, music to design. This platinum limited edition depicts the famous board in and out of the water, portraits of what has become a must-have for over twenty million devotees and the countless fans of this global phenomenon. Es un compendio iluminante sobre la filosofía del surf. El homenaje más enriquecedor jamás publicado no solamente a la historia sino también a la cultura y al estilo de vida ecléctico de aquel que vive sobre la cresta de la ola. Una cabalgada a lo largo de 200 años, un fresco con más de 900 imágenes, desde la primera descripción que hizo el Capitán Cook en 1778 en las Hawaii hasta las costas australianas, desde la moda al cine, desde la música al diseño. El tomo platino en limited edition pinta la famosa tabla por dentro y por fuera del agua, must-have imperdible para más de veinte millones de practicantes y los innumerables aficionados de este fenómeno global.

Title: Surfing 1778-2015 Author: Jim Heimann | Publisher: Taschen Genre: sport photo-biography | Publication date: April 2016 Limited art edition of 125 copies

puNk LONDON 1977 For over thirty years the British photography Derek Ridgers (born in 1952) has documented the younger generations. Punk London 1977 is a journey through London’s streets and basements, to the bars and pubs that were the incubators for avant-garde counter culture, an underground movement that scorned respectability, adopting the name of Punk. This is an extraordinary series of portrait shots taken in 1977, images of a subversive, rebellious band affirming their existence through a transgressive wardrobe and flamboyant Mohawk crests. An artistic work of great socio-anthropological value, published to coincide with the fortieth anniversary of the 20th century’s most extreme, extravagant youth movement, a celebration to be marked by a series of events, parties and tributes in the British capital throughout the whole of 2016. Durante más de treinta años, el fotógrafo inglés Derek Ridgers (1952) siguió con su máquina fotográfica las huellas de las jóvenes generaciones. Punk London 1977 es un viaje por las calles y los sótanos de Londres, entre bares y pubs donde fue forjada la cultura vanguardista y underground hasta tocar el límite de la respetabilidad que tomó el nombre de Punk. Una serie extraordinaria de fotos realizadas en 1977, diapositivas de una constelación humana subversiva y rebelde, que confirmaba su propia existencia a través de un guardarropa excéntrico y con crestas llamativas. Un trabajo artístico de gran valor socio-antropológico publicado conjuntamente con el aniversario de los cuarenta años del movimiento más extremista y extravagante del milenio pasado. Y en el 2016 habrá una sucesión de eventos, fiestas y homenajes en la capital británica.

Title: Punk London 1977 Author: Derek Ridgers | Publisher: Carpet Bombing Culture | Genre: photography Release date: 1 May 2016



DE-STRESS With natural herbs (melisa and passiflora) PIPER is designed to reduce stress and anxiety and enhance a positive mood. With natural fruit high in antioxidant (blackcurrant), no added sugar, and no artificial flavours or colours PIPER is the natural choice. PIPER - 100% natural de-stress drink


bmi mag / travel

The Las Vegas Strip at dusk - photo by Ryan Jerz/VisitNevada


bmi mag / travel

nEon CITY LAs vEgAs cIty Of LIghts | LAs vEgAs cIuDAD DE LAs LucEs by ALESSIA bELLAN


bmi mag / travel

A kaleidoscope of colours, excitement, fashions and lifestyles. A glittering theme park for adults where the merry-go-round of entertainment never stops spinning. The eternal fascination of neon lights up the Las Vegas nights. Only in extraordinary circumstances do the flashing signs dim and the curtains fall, as on the night of 14 March 1998 to mark the death of Frank Sinatra, a Sin City icon, or for Earth Hour, the worldwide blackout in support of energy saving. Vegas is a mirage, a city that has grown at a dizzying speed, a garish, frenetic virtual oasis in the middle of Nevada’s Mojave Desert - motels, billboards, casinos, malls, fast food joints, churches and shops, everything basking in its own light, obeying the laws of consumption with a seductive whisper of “Choose me”. Among Greek columns and Egyptian pyramids, exotic pagodas and hamburger-shaped kiosks, everyone is welcome here, honoured guests in the home of gambling, capital of vice and freedom of choice, slot machines and green baize tables. Vivid multicolour slogans reassure VIPs and ordinary visitors, hardened gamblers and excited tourists, all drawn by the famous “Welcome to Fabulous Las Vegas Nevada” sign created in 1959 by designer Betty Willis. The blaze of gaudy sparkle made its first appearance lit the city in 1929 at Glitter Gulch, the area around Fremont Street, when the first neon light appeared at the Oasis Cafè. Since then millions of signs, with varying degrees of kitsch, have lit up the Gulch and Strip 24/7, with names like Sassy Sally, Caesars Palace, Circus Circus and American icons like the cowgirl


Un caleidoscopio de colores, de sugestiones, de modas y modos. Un luna park deslumbrante para adultos, donde el carrusel de la diversión no se detiene jamás. El imperecedero atractivo de las luces de neón iluminan las noches de Las Vegas. Solamente en algunas circunstancias extraordinarias, el interruptor de los emblemáticos y creativos letreros los apagó y luego descendió el telón, como por ejemplo la noche entre el 13 y el 14 de mayo de 1998 para honrar la muerte de Frank Sinatra, un icono en Sin City, o durante la manifestación de La hora del Planeta, el apagón mundial que promueve el ahorro energético. Las Vegas es una ciudad milagrosa, que ha crecido tumultuosamente a la velocidad de la luz, es un oasis virtual variopinto en medio del desierto de Mojave, en Nevada: moteles, carteles publicitarios, casinos, centros comerciales, fast foods, iglesias y negocios, cada uno brilla por su propia luz que, sometida a las lógicas del consumo, susurra con voz seductora “elígeme”. Entre columnas griegas y pirámides egipcias, pagodas exóticas y tiendas con formas de hamburguesas, todos los huéspedes son bienvenidos en el país de los juguetes, capital del vicio y del libre albedrío, de las slot machines y de las mesas verdes. Palabras poli-cromáticas tranquilizadoras engañan vips y gente común, obstinados jugadores y turistas casuales, recibidos con el celebérrimo “Welcome to Fabulous Las Vegas Nevada” creado en 1959 por la diseñadora Betty Willis. En Glitter Gulch, la zona alrededor de Fremont Street, comienza el brillo: la primera luz de neón apareció en 1929 en el Oasis Café. A partir de allí, millones de letreros más o menos kitsch iluminan el Gulch y la Strip las 24 horas del día: Sassy Sally, Caesars Palace, Circus Circus e iconos del

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and her male alter ego Vegas Vic, with the obligatory cigarette clamped between his lips. Roland Barthes said that “The city is a conversation, and this conversation is really a language”. In one of his first articles writer Tom Wolfe, the celebrated journalist of 1960s America, said that “Las Vegas is the only town in the world whose skyline is made up neither of buildings, like New York, nor of trees, like Wilbraham, Massachusetts, but signs.” In the architectural classic “Learning from Las Vegas”, Robert Venturi, Denise Scott Brown and Steven Izenour called the city’s visual style the “Architecture of Persuasion”. Perched atop a lattice framework or impaled on facades, the kilometres of slender tubes forming triumphal flashing signs tell the story of Las Vegas. Allusive, illusory, mendacious, cyclopic, the words fascinate and hypnotise with a siren appeal. With the dawn of the digital age the old-school neon of the 1970s was replaced by LEDs and maxi-screens, but it can now be seen in all its glory in the Neon Museum. For years the Young Electric Sign Company of Salt Lake kept over 150 signs from the hotels, casinos and wedding chapels of the Strip, made during a period beginning in 1920, then donated them in 1996 to the open-air “cemetery” of the museum. Here they were restored and put on display. The museum’s exhibits include the angular Stardust sign, the sinuous loops of the Moulin Rouge, the red and white of the Golden Nugget and the rounded forms of the Motel La Concha. Rest in peace.

país como la cow-girl y su alter ego masculino Vegas Vic con su infaltable cigarrillo en la boca. Roland Barthes estaba convencido que “la ciudad es un discurso y este discurso es verdaderamente un lenguaje”. Tom Wolfe, icono del periodismo estadounidense de los años 60, puntualizaba en uno de sus primeros reportajes: “Las Vegas es la única ciudad en el mundo cuyo perfil no está formado por edificios como en New York, ni por árboles como en Wilbraham, Massachussets, sino por carteles”; en el clásico de la arquitectura contemporánea “Aprendiendo de Las Vegas”, Venturi, Scott Brown e Izenour la llamaron “arquitectura de la persuasión”. En la cima de un pilón o enclavadas sobre la fachada de un edificio, se ven las estructuras cubiertas por kilómetros de tubos filamentosos de las triunfales vallas publicitarias intermitentes que cuentan la historia de Las Vegas. Alusivas, ilusorias, mentirosas, mercenarias, ciclópeas, las palabras escritas atraen e hipnotizan como las sirenas embaucan a los navegantes. La llegada de la era digital hizo que el neón de la época del 70 fuera reemplazado por leds y maxi pantallas que hoy exhiben su belleza en el Museo del Neón. La Young Electric Sign Company de Salt Lake ha conservado en todos estos años más de 150 carteles fabricados desde 1920 y que pertenecían a la Strip – la calle de los hoteles, de los casinos y de las capillas para bodas rápidas – para donarlos en 1996 al cementerio a cielo abierto del museo, donde hoy se exhiben luego de haber sido restaurados: desde el anguloso letrero de Stardust al sinusoidal del Moulin Rouge, desde el rojo y blanco del Golden Nugget al redondo del Motel La Concha. Que descansen en paz.


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