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EYE

BLUE BCN 33

Jor d i

CADELLANS JAUME DE LAIGUANA . PIERO TOSI . TARRAGONA . JORDI OJEDA


Foto:  Jaume de Laiguana


SUMARIO mayo 2019

06 22 28 30 42 Jordi Cadellans

10 series de FOX

Teatre: Estrenes

Jordi Ojeda

Fotografía: Jaume de Laiguana

52 60 68 76 84 Iconos: Actores de Hollywood (2ª parte)

080 Barcelona Fashion (2ª parte)

Viatjant: Tarragona

Magazine: Dominicales, la alegría del weekend

Joan Sarria

94 102 112 114 116 Televisión: Entrevista a Emilio Delgado

120 Freakyworld

Cine: Críticas Estrenos

Exposicions

La Librería

ComicLand


EDITORIAL Pues ya hemos inaugurado una nueva exposición, Hitch, en el vestíbulo de la Sala Versus Glòries. En el próximo mes podréis ver las imágenes aquí en la revista, pero de momento están a la vista de todos aquellos que, además, vayan a ver la obra de teatro que actualmente se está representando, Separacions, con bastante éxito, por cierto. Y así unimos mi pasión por el cine clássico, la fotografía a un buen número de actores y amigos y, también, potenciar que la gente vaya más al teatro y se apoltrone menos delante del televisor. Y eso que cuando hice mi última exposición, Passage to India (2015), me prometí que no volvería a hacer ninguna otra. Requiere mucho trabajo y dinero invertido para tener luego un momento efímero de gloria, y la verdad es que a estas alturas de la vida no necesito mis quince minutos de fama como aseguraba Andy Warhol que todo el mundo tenía derecho a percibir. Hoy en día, en un mundo universalmente conectado en el que cualquier cosa que hacemos y exponemos en las redes –en teoría– lo puede ver todo el mundo sin a penas inmutarse, ¿qué sentido tiene hacer una exposición? Lo puedo entender en una muestra de cuadros, esculturas o vestidos, porque es una experiencia más sensorial en la que influyen otros componentes, pero ¿en una exposición de fotos? Y eso que estas fotografías que he colgado se han imprimido con una alta calidad, cuidando los detalles, los colores, los contrastes...Pero no dejan de ser fotos que pueden verse mil y una vez reproducidas. Sí, ya sé que estoy tirando piedras sobre mi propio tejado, pero también me gusta ser realista. En fin, volviendo al tema, si estáis por Barcelona y tenéis un rato, pasaos a ver la exposición: estará hasta finales del mes de mayo, y siempre es divertido ver como he conseguido que mis actores y amigos se transformen en Grace Kelly, James Stewart o Anthony Perkins, por poner solo unos ejemplos. Y, cambiando de tema, estos días todo el mundo anda muy triste porque se ha quemado la catedral de Notre-Dame de París. Y es que, a parte de ser un símbolo y un reclamo turístico, es una parte del skyline parisino y uno de los monumentos más visitados. Su reconstrucción será rápida –se prevén cinco años– y las grandes empresas del lujo han invertido millones en ello: esperemos que a cambio no tengamos que ver una vidriera dedicada a San Louis Vuitton y otra a San Yves Saint-Laurent. DIRECTOR: Guillem Medina

Director: Guillem Medina guillebcn@hotmail.com Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Lluís Ventura, Lídia Vilamitjana, Marta Calvó, Bernat Molins Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina


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JORDI CADELLANS «M’ha costat moltes hores de reivindicar el meu espai i sentir-me còmode en un escenari. Ara ja puc dir que m’agrada molt ser-hi»


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a memòria del públic de vegades és molt feble i potser només et reconeixen quan surts contínuament a la televisió. En Jordi Cadellans, després d’aparèixer diàriament a la petita pantalla, es va agafar un descans ben merescut que li ha servit per fer balanç i engegar nous projectes. És per això que volíem conversar amb ell un cop passada l’efervescència de la fama.

L

El públic encara et té present pel teu Lluís de La Riera, un personatge complex i moltes vegades desagradable. Com va ser la creació i l’evolució d’aquest personatge? Amb el temps que ha passat des del primer dia de gravació a La Riera –gairebé deu anys–, ara sé veure que en Lluís va néixer massa intens, massa subratllat en les seves emocions, i això va fer que el públic no s’identifiqués gaire amb ell, al contrari. A mesura que em vaig anar veient en emissió, el vaig anar suavitzant i de mica en mica li vaig poder trobar la naturalitat. Una feinada a base de correccions constants i d’ajuda i paciència per part de l’Esteve Rovira i els altres realitzadors. Cap al final de la sèrie, quan havia de dir un text que parlava d’emocions intenses o si el guió deia que em tocava plorar, vaig adonar-me que era més interessant passar-hi per sobre, sense aturar-me ni recrear-m’hi. Senzillament dir el text, insinuar l’emoció i continuar. El que molts actors tenen de manera innata a mi em va costar uns vuit anys aproximadament. No està gens malament, he he he. Com és el ritme de gravar pràcticament cada dia en una sèrie d’aquestes característiques? Gravar tan sovint fa que arribis a ser molt resolutiu, t’acostumes a treballar molt ràpid, t’aprens el text amb una facilitat impressionant, proves, t’arrisques, et diverteixes molt i adquireixes

noves eines expressives. Un màster d’interpretació, vaja, i a més et paguen. Per contra, pots caure en una rutina força avorrida i corres el perill de donar per segura aquesta posició de privilegi. Si vols comoditat en una feina no et facis actor, i si tens la sort d’interpretar el mateix paper durant molts anys seguits, aprèn a treure profit d’aquesta seguretat efímera. Com vas dur la qüestió de la popularitat en el moment que s’emetia la sèrie? No li vaig donar més importància que la que tenia. Em semblava lògic, ho vam petar en audiència durant molts anys. La gent s’acostava a dir-te coses amb molta estima i familiaritat: un reconeixement constant que la teva feina i la de la resta de l’equip estava aconseguint arribar a moltíssimes persones. No veig de quina manera això es pugui portar malament. És de les coses més boniques que li pot passar mai a un actor i aturar-te pel carrer a fer-te una foto amb el mòbil si algú t’ho demana és el mínim que pots fer per tornar aquest reconeixement. Tu has rodat també a Madrid: Periodistas, Hospital Central, Amar en tiempos revueltos... Veus diferències entre rodar aquí o a Barcelona? La feina és la feina a tot arreu. Que sigui millor o pitjor no depèn del lloc sinó del projecte, l’equip i el paper que et toqui. Si m’ho preguntes a nivell personal, m’estimo més treballar a Barcelona perquè és la meva ciutat i en català perquè és la meva llengua, amb la qual cada dia que passa m’hi sento més compromès d’una manera tan íntima que no puc explicar. Precisament en aquesta darrera sèrie feies el paper d’un comunista anglès, però no és l’únic cop que has fet papers internacionals: és potser pel teu físic o perquè no hi ha gaires actors espanyols que parlin bé l’anglès?


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Això últim. Recordo una època que, quan demanaven actors capaços de treballar en anglès, érem tres els que ho podíem fer. Crec que la cosa ha millorat força últimament. A finals del 90 vaig fer una gira per Alemanya amb un espectacle de la Fura dels Baus. A cada ciutat contractàvem actors locals per actuar amb nosaltres, els actors de la companyia. Jo demanava que els que estiguessin amb mi parlessin anglès i així els estalviava la feina als dos traductors de l’alemany a l’espanyol i viceversa que hi havia a l’equip. Poder comunicar-me sense intermediaris em donava una llibertat creativa que els altres companys no tenien. Sorprèn, dins de la teva filmografia, l’aparició en un capítol de la sèrie nord-americana coneguda aquí com a Cazatesoros. Com va sorgir aquesta experiència? Per això que et dic. Aquest equip canadenc anava a Sevilla a rodar un capítol de la sèrie i van obrir càsting a Madrid. Volien actors amb qui es poguessin comunicar dins el rodatge, coses com ara «una mica a la dreta» o «quan et digui, obres la porta». De ben jove vaig veure clar que, si volia sortir al món, havia de dominar l’anglès. I així va ser. Als vint-i-dos anys ja el parlava de manera contundent. En algun moment et vas plantejar fer el salt i treballar a l’estranger? No. Mai. No vol dir que si en sortís l’oportunitat no l’aprofités. Malgrat la teva carrera com a actor, aquesta no va ser la teva primera opció: abans d’això treballaves en el món de la publicitat. Quan vas decidir fer el canvi? I a què es deu aquest canvi? De jove vaig pensar que si la vida consisteix a matinar per anar a la feina, havia de triar-ne com a mínim una de creativa. En un moment donat, ser el paio que s’inventa les històries dels anuncis complia aquesta condició. Vaig tenir sort d’adonar-me de seguida que no era per a mi. Ser

actor era més adequat. La raó? Tenia vint-i-pocs anys i feia pràctiques en una agència de publicitat de les més importants. Va ser terrible. Esprémer el cervell per trobar una idea brillant per vendre unes magdalenes o qualsevol altra merda durant tota una vida o haver de tractar amb executius ultraconservadors amb un concepte del món totalment oposat al meu no feia per a mi. Recordes la primera vegada sobre els escenaris? Què vas sentir? Em volia morir. Volia fugir corrents. Era el pitjor lloc on podia estar. M’ha costat moltes hores de reivindicar el meu espai i sentir-me còmode en un escenari. Ara ja puc dir que m’agrada molt ser-hi. T’hem pogut veure en un bon nombre de microteatres: què te aquest format que enganxa tant els actors i el públic? Escrius o t’escriuen alguna cosa curta i divertida, dius que la tens, et donen l’OK i en menys d’un mes ja ho estàs representant diverses vegades al dia davant el públic. Si ve gent a veure’t, a més cobres uns quants euros. El format del microteatre et permet veure actors que no poden accedir a Lliures ni a Nacionals. I saps qui hi ha també al microteatre? Els joves. Actors i actrius joves, el futur de la professió penjant focus, dissenyant escenografia, escrivint, treballant en equip i creant xarxa. Tant de bo hagués existit el microteatre quan vaig sortir de l’escola de la Nancy Tuñón. Creus que aquest petit format seria la millor forma d’apropar al teatre a gent que no està acostumada a anar-hi? Pot obrir un camí, sí. Es basa en un concepte més lúdic que quan vas a veure una funció llarga. Entres a veure una petita representació amb la cervesa a la mà, si vols. Hi ha una informalitat que es carrega la carrincloneria burgesa que porta inherent el teatre. De totes maneres, el teatre en general ben aviat haurà de fer alguna


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cosa més que el format del microteatre, perquè la gent jove ja no hi va. Com diu l’Ever Blanchet, del Teatre Gaudí, som a les portes d’un canvi de paradigma i poca gent se n’està adonant. Teatres que tanquen, altres que allarguen la programació per no arriscar... com veus el panorama teatral català? Honestament? M’avorreix sobiranament. Penso en el que cobrava en Lluís Pasqual quan era al Lliure i en com s’hauria pogut fer servir aquella morterada de diner públic per ajudar el sector. Penso en l’endogàmia i el nepotisme, en les petites famílies on has de trobar la manera de caure-li en gràcia a algú si vols que t’admetin i et donin feina, penso en tants i tants actors que estan fets d’una altra pasta o que no coneixen ningú i són a casa, a l’atur, conscients que no els trucaran. Ens els estem perdent i això ens empobreix com a societat; a més a més, correm el risc d’empatxar-nos de menjar sempre el mateix plat. L’oferta teatral catalana és molt conservadora: sempre és la mateixa. Passen els anys i sempre són els mateixos. De fet, tu també escrius obres. Quins són els temes sobre els quals t’interessa parlar en les teves obres? De sexe, bàsicament. També del gènere masculí. De la submissió dels uns i del poder dels altres, de les persones que lluiten contra tot, dels qui no cedeixen, dels qui volen ser lliures, dels qui prenen part, dels qui ajuden, dels qui gosen desafiar l’ordre establert, dels qui miren de fer reals les utopies, dels qui són acusats de manera injusta d’alguna cosa que no han fet, de la gent que porta la marca, l’estigma, dels pàries, dels incòmodes. Dels mediocres que els assenyalen. De quin paper dels que has interpretat estàs més orgullós? Sens dubte, del meu jo social, de la personalitat que mostro quan he d’interactuar amb els altres.

Crec que està molt aconseguit. Al principi el personatge em sortia sec i una mica cretí, tirant a imbècil, però a hores d’ara ja és un tipus força entranyable i comunicatiu. Em mereixo mil premis per aquest paper. Hi ha algun actor o actriu que admiris per la seva trajectòria professional? Pep Tosar. Em comentaves també que has escrit una novel·la. Me’n podries fer cinc cèntims de l’argument? És una novel·la psicològica. Explica la història d’un noi de bona família que busca el seu lloc al món. Valora la vida molt més que la gent del seu entorn i això el porta al conflicte, fins i tot amb ell mateix. Si poguessis escollir, quin paper t’agradaria interpretar? Actualment no tinc cap mena d’ambició en aquest aspecte. Qualsevol em va bé excepte els papers estereotipats, que malauradament són els que abunden més. Creus que té sortida la crisi continuada que ja fa temps que dura en el cinema d’aquí? No en tinc ni idea. Conec molts companys que tenen bons guions per fer pel·lícules i no troben ningú que els ajudi a fer-les. Suposo que la solució és que les sales de cinema s’omplin per veure les pel·lícules d’aquí, però això no passa. La conclusió a què arribo és que la majoria de les històries que s’expliquen no interessen. Personalment crec que el problema està en les narratives. Fa falta que s’expliquin bones històries. Em comentaves que, al marge del món actoral, estàs acabant un grau de psicologia. Què t’aporta aquesta ciència en la teva vida? És un afany acadèmic, res més. Tinc la necessitat imperiosa d’estar sempre matriculat en alguna


facultat, però no penso dedicar-m’hi. M’apassiona la psicologia aplicada a la sociologia. Vull saber quines són les nostres dolences col·lectives, per exemple perquè en el nostre horitzó s’albira el feixisme. Hi ha una raó i és bo saber-la. De totes maneres, quan acabi amb el grau de psicologia començaré el de filosofia i, si puc, acabaré les filologies que vaig deixar a mitges: la hispànica i la clàssica. Quan no escrius o estudies obres, com t’agrada passar el temps lliure? Sense fotre res. Mirant el cel i fent-me preguntes que no compartiré amb ningú. Fumant marihuana i fent-me més preguntes encara per veure si li trobo per fi un sentit a tot això. Bevent còctels en algun garito fotent-li la xapa a algú. Mirant Netflix i cagant-me en Déu perquè no he tingut la sort de néixer anglosaxó. La cultura mainstream és seva i jo sempre he volgut ser mainstream. Quina putada. Text i fotos: Guillem Medina


Nuevos rostros MOISÉS RAMÍREZ Lugar y fecha de nacimiento Nací en Sabadell, en verano, el 28 de junio. El año, de momento, no te lo digo, jejejeje. Estudios de interpretación Estudié en Cristina Rota, una escuela muy conocida de Madrid, hace ya algunos años. Estuve cuatro años estudiando y luego haciendo reciclajes y clases con más profesores. Otra profesora que me encantó y con la que estuve un par de años fue Txiqui Berraondo, una gran actriz y directora. La persona que más te haya ayudado en tu profesión La verdad es que la persona que más me ha ayudado he sido yo mismo. Sigo sin padrinos en esta profesión y sin un buen repre que me lleve… ¡Hago un llamamiento desde aquí! Tanto para padrinos como para repres, ¿eh? La primera actuación ante el público, ¿cual fue?, ¿qué sentiste? ¡Uf! La verdad es que hace algunos veranos de eso… tenía yo 16 años y protagonicé una obra de Miguel Hernández llamada El labrador de más aire. Yo era ese labrador y me temblaban hasta las pestañas. Pero conocí gente maravillosa y empecé en esta profesión muy bien acompañado. Actores a los que admiras Admiro a mis padres por su fortaleza y sus ganas de vivir. A los actores no los admiro. A veces envidio sus trabajos, a veces siento vergüenza ajena y otras veces –la mayoría– me alegro de sus trabajos. Pero no admiro en especial a ninguno de ellos. Interpretación de la que te sientas más orgulloso y por qué

Creo que todavía no ha llegado, jejejeje. Hay papeles que me han encantado, personajes de los que me enamoré en su momento, pero todavía no he hecho algo como para sentirme superorgulloso. Me encantó la primera vez que vi una obra mía delante del público y que a la gente le gustaba, eso sí me hizo sentir muy orgulloso. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión y lo que más detestas? A mí me gusta la variedad de trabajos y de posibilidades que esta profesión te ofrece. La gente tan maravillosa e interesante que conoces y también el reconocimiento del público. Creo que es una de las profesiones más maravillosas que existen. Lo que más detesto es el intrusismo en la profesión, los egos de algunos artistas y muchas veces la falta de compañerismo que existe entre nosotros mismos. El tema de la fama es algo que tampoco llevo demasiado bien, pero que ojalá me llegue en algún momento…. ¿Teatro, cine o televisión? Teatro, sin duda. Es el más sacrificado, en el que menos cobras, pero el más agradecido como actor. He hecho poca televisión, pero también es un medio que me ha gustado mucho. Supongo que al final depende mucho del proyecto y de los compañeros. El cine es mi tarea pendiente. ¡Y sigo con mis llamamientos! ¿Tienes agente? No, ahora mismo no me está llevando nadie. ¿Próximo proyecto? Hay un par de microteatros por ahí que espero hacer pronto. Estoy también con una historia muy bonita para teatro y con un par de proyectos audiovisuales que me tienen absorbido y que me encantan. ¡Este 2019 va a ser muy bueno!


Nuevos rostros RAFAELA RIVAS

Lugar y fecha de nacimiento Nací el 31 de julio de 1980 en el Hospital Clínic de Barcelona. He pasado mi infancia y adolescencia en Badia del Vallès, donde también comencé a hacer teatro a los 16 años. Desde los 25 años resido y trabajo en Barcelona, sin olvidarme nunca de mis orígenes y mis raíces. ¡«Com el Vallès no hi ha res»! Estudios de interpretación Me diplomé como actriz en la escuela de actores de Barcelona de Nancy Tuñón y Jordi Oliver, aunque un actor no deja nunca de formarse. He realizado cursos de interpretación con directores como Andrés Lima, Boris Rotenstein, Jessica Walker o Javier Galitó-Cava, así como también con compañías como Titzina Teatre o Improscritos. He realitzado cursos de interpretación delante de la cámara con Esteve Rovira, Pep Armengol y próximamente con Óscar Aibar. También he cursado estudios de dirección y dramaturgia en el Obrador de la Sala Beckett con Sergi Belbel y José Sanchís Sinisterra, dirección de actores con Tamzin Townsend y cursos de canto y voz en las escuelas Aules y Altaveu. La persona que más te haya ayudado en tu profesión Me cuesta señalar sólo una persona, porque la verdad es que me he sentido muy apoyada por mucha gente, e incluso aquellos que alguna vez me pusieron algún obstáculo también me han ayudado a aprender y seguir creciendo como actriz. Actualmente tengo que agradecer a mi pareja el apoyo profesional y emocional; de hecho, si no fuera por él, mi vida ahora no habría dado el giro que necesitaba. Importantísima la ayuda de mis agentes de La Farándula, quienes me dan la oportunidad de mostrar mi trabajo; mis profesores de Nancy Tuñón, por todo lo que me enseñaron; todos y cada uno de los compañeros con los que he compartido proyectos en teatro, cine o televisión; mi familia y amigos, por el apoyo in-

condicional; mi terapeuta, por enseñarme a ser la mejor versión de mí misma, y mis padres, por haberme dado la vida. La primera actuación ante el público, ¿cuál fue?, ¿qué sentiste? La primera vez que me subí a un escenario creo que tenía ocho años y fue cantando Ese barco velero de Isabel Pantoja, en el colegio La Mancha de Badia del Vallès. Guardo una foto de ese momento y creo que no fui consciente de cuánta gente me estaba mirando: ¡toda la escuela! Recuerdo nervios y mucha concentración, para no olvidar la letra. Me sudaban las manos y me dieron un micro que pesaba muchísimo. Se hizo el silencio y canté la canción, a cappella. Y luego vinieron los inesperados y agradecidos aplausos. Muchos. Creo que por un instante me olvidé de todo el mundo y fui feliz. La primera vez en teatro fue a los 16, en una obra donde además tenía que quedarme en ropa interior, hacer un striptease, fumar, beber cerveza y besarme con chicos. Sí, así fueron mis inicios. Pasé un poco de vergüenza, porque estaban mis padres; todo lo demás fue disfrute y agradecimiento a mis compañeros del grupo TAL y al público que vino a ver 20 x 20, de Joan Barbero. Guardo un muy bonito recuerdo de aquella obra y de aquella etapa. Actores a los que admiras Admiro a muchísimos; de hecho, por empatía, podría decir que admiro a cualquiera que se ponga encima de un escenario o delante de una cámara y se «desnude» ante el público. Admiro la entrega y la pasión y, evidentemente, a aquellos que parece que hayan nacido con el don de la interpretación: Pablo Derqui, Blanca Portillo, Javier Bardem, Meryl Streep, Natalie Portman, Leonardo DiCaprio o Morgan Freeman, sin olvidarme de los clásicos: Katharine Hepburn, Audrey


Hepburn, Ingrid Bergman, Greta Garbo y una italiana con la que algunos me han comparado, Anna Magnani. Interpretación de la que te sientas más orgullosa y por qué Me siento orgullosa de muchos trabajos realizados hasta el momento, pero si tuviera que destacar uno sería mi trabajo en Palomitas de maíz, de Miguelángel Flores y mi compañía La Indicada. En esta obra interpreto a Elena, una mujer que sufre Alzheimer. La obra está inspirada en hechos reales del propio autor, por lo que el proceso fue muy intenso, así como cada actuación que hacemos. Cuando me meto en la piel de este personaje lo hago desde el cariño hacia todas las Elenas que sufren esta enfermedad y siento que algo me conecta con todas y cada una de ellas, así como con sus familiares. Es un homenaje a tanto dolor, a tanta incertidumbre y a tanto miedo. Es una obra muy dura pero me encanta interpretarla, tiene algo de orgásmico el «desnudarse» y entregarse intensamente a una historia. Lástima que el drama no esté tan de moda y cueste más que sea programado. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión y lo que más detestas? Lo que más me gusta de esta profesión es la posibilidad que te ofrece de vivir otras vidas, y la gente con la que he compartido y comparto momentos, dentro y fuera del escenario o delante y detrás de la cámara. Hay personas maravillosas que entienden este arte y lo aman tanto como yo, y poder conocerlas y aprender de cada una de ellas es muy enriquecedor. Si detesto algo es la hipocresía y la mala competitividad. Soy de la opinión que a cada uno le corresponde un trocito de pastel, que hay para todos; o eso quiero creer. Sé que hay muchos actores en paro, que sólo un 8 % puede vivir exclusivamente de esta profesión; es evidente que hay competencia, pero se puede ser competitivo sin hacer daño a nadie y valorar los logros de los compañeros y alegrarse de ellos. Me gustaría que hubiese más honestidad y generosidad y menos postureo.

¿Teatro, cine o televisión? ¡¡¡Lo que surja!!! Me encanta todo. Televisión y cine no he tenido aún la oportunidad de profundizar, solo he hecho papeles capitulares en algunas series y cortometrajes o películas independientes, así que me encantaría participar en una serie diaria y vivir ese ritmo frenético, o en una película y poder desarrollar mi personaje. No obstante, tengo que decir que el teatro es mágico y único, aquí no se repite y cada día es diferente. Y el público, poder tenerlo tan cerquita, eso es incomparable. ¿Tienes agente? Desde que empecé a trabajar profesionalmente he confiado en La Farándula. Un equipo de mujeres muy trabajadoras, entregadas, luchadoras y maravillosas en las que puedo confiar plenamente. Doy gracias a todas y cada una de ellas por ofrecerme la posibilidad de demostrar todo lo que he aprendido y sigo aprendiendo. Ellas me aconsejan, me guían y me apoyan. ¿Próximo proyecto? Actualmente estoy preparando el nuevo espectáculo del Laboratori Peripècies dirigido por Sergi Belbel que se llevará a cabo en la Sala Beckett los próximos 2 y 9 de junio, y también estoy rodando la webserie B-Siders, que espero que tenga un largo recorrido en festivales. Próximamente me podréis ver en un capítulo de una serie en Netflix que aún no puedo desvelar y en el cortometraje de Xavier Miralles y Totem Producciones Transform(arte). ¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente hablando, en diez años? Trabajando. Ganándome la vida exclusivamente con esto. Compaginando proyectos teatrales con cine y televisión. Me gustaría sentirme satisfecha de todos los trabajos realizados hasta entonces y orgullosa de haber llegado hasta donde haya llegado. Me gustaría verme echando la vista atrás, hasta hoy, y verme escribiendo esta respuesta y sonreír pensando: «Lo conseguiste. Buen trabajo, Rafaela».


10 SERIES DE FOX


Vis a vis (2015-...)

The Americans (2013-...)

En ella se narran las vivencias en prisión de Macarena, una joven frágil e inocente que nada más ingresar en la cárcel se ve inmersa en una difícil situación a la que tendrá que aprender a adaptarse. Además del shock que le supone acabar de golpe con su placentera vida acomodada, pronto descubrirá que demasiada gente en la cárcel está tras la pista de nueve millones de euros robados de un furgón. La serie lleva ya cuatro temporadas en antena, con un total de 40 episodios. Entre su numeroso reparto destacan Maggie Civantos, Najwa Nimri, Roberto Enríquez, Berta Vázquez, Alba Flores, Ramiro Blas, Carlos Hipólito, Cristina Plazas, María Isabel Díaz, Jesús Castejón, Inma Cuevas, Marta Aledo, Alberto Velasco, María Salgueiro y Ana Labordeta, entre otras muchas reclusas que han puesto de moda el mono amarillo al igual que las presas de Orange Is the New Black.

Drama de época cuyos protagonistas son un matrimonio de espías del KGB que, en los años 80, viven cerca de Washington DC y se hacen pasar por estadounidenses. Phillip y Elizabeth Jennings tienen dos hijos que no saben nada sobre la verdadera identidad de sus padres. Tendrán que afrontar situaciones muy difícles debido al recrudecimiento de la Guerra Fría durante la presidencia de Ronald Reagan. Otro problema no menor es la creciente afinidad que siente Phillip por el modo de vida americano. El reparto está encabezado por Matthew Rhys, al cual pudimos descubrir en la serie Cinco hermanos y que ha conseguido el Emmy al mejor actor. Le sigue Keri Russell, que se hizo muy popular en televisión gracias a la serie Felicity a finales de los noventa. El resto de reparto está compuesto por Holly Taylor, Keidrich Sellati, Noah Emmerich, Annet Mahendru y Richard Thomas,


Gotham (2014-...)

Lethal Weapon (2016-...)

Gotham es una serie de televisión que se nos muestra como una precuela del universo Batman de DC Comics. La ficción, emitida por Fox desde el 22 de septiembre de 2014, está ambientada en una ciudad en la que Bruce Wayne es todavía un niño. Desarrollada por Bruno Heller, la serie se centra en el comisario James Gordon (Ben McKenzie), un nuevo fichaje en el departamento de policía de Gotham. Las aventuras están enfocadas en su cruzada contra la corrupción y los supervillanos de la ciudad. Junto con el veterano detective Harvey Bullock (Donal Logue), trata de investigar sobre el asesinato de Thomas y Martha Wayne. En la serie también aparecen personajes como el Pingüino, Catwoman o Poyson Ivy en su juventud.

¿Recuerdan la saga Arma letal, protagonizada por Mel Gibson y Danny Glover en los ochenta? Pues ahora llega su versión televisiva. Lethal Weapon cuenta la historia de un detective, Roger Murtaugh, que tiene una familia numerosa compuesta por su mujer y tres hijos. Murtaugh se asoció con un detective aún más joven e inestable, Martin Riggs, cuya esposa embarazada falleció en un trágico accidente de coche que lo dejó marcado. Ambos detectives crean un vínculo de amistad y de respeto, aun a pesar de que los métodos de actuación de cada uno de ellos difieren bastante. Sobre todo los utilizados por el más joven, que pueden llegar a ser violentos e ilegales y pueden llevarlos a poner en peligro sus vidas. Damon Wayans y Clayne Crawford interpretan a la pareja de detectives.


The Passage (2019-...)

Empire (2015-...)

Esta serie de NBC se basa en la trilogía homónima de Justin Cronin. The Passage es un thriller dramático que narra las situaciones vividas en un centro médico secreto creado por el gobierno que experimenta con un peligroso virus. En dicho centro, varios especialistas tratan de dar con la cura de todas las enfermedades utilizando el virus, lo cual podría funcionar o provocar la extinción de la raza humana. El drama se centra en una niña de 10 años llamada Amy Bellafonte (Saniyya Sidney), quien es elegida para ser uno de los humanos utilizados en el experimento. Además de la pequeña, una pieza importante es la figura de Brad Wolgast (Mark-Paul Gosselaart), un agente federal que se convierte en su padre sustituto tratando de protegerla.

Al ser diagnosticado con ELA, el nuevo reto del magnate del hip-hop Lucious Lyon es descubrir quién de sus tres hijos, ya sea el rebelde Hakeem, el luchador Jamal o el ordenado Andre, ocupará su trono cuando él no esté. Sin embargo, todo se viene abajo con la irrupción del huracán Cookie, el brillante personaje al que da vida Taraji P. Henson, que pone todo patas arriba tras salir de la cárcel. Con tramas enmarcadas en la envidia, el éxito, el fracaso y las mentiras, el proyecto cuenta con un reparto de excepción formado por Trai Byers, Jussie Smollett y Bryshere Y. Gray y otros muchos cameos de estrellas invitadas como Snoop Dogg, Alicia Keys o Pitbull. Serie ideal si os gustaban los folletines de amor y lujo tipo Dallas, Dinastía o Falcon Crest, aunque en este caso ambientado en el mundo de la música.


The Resident (2017-...)

The Orville (2017-...)

Conrad Hawkins es uno de los médicos más prestigiosos del Chastain Park Memorial Hospital. Lleva tres años como residente del centro y su carácter es muy difícil de soportar. Devon Pravesh, un joven que acaba de terminar sus estudios y entra en el hospital como residente, no se espera que su superior tratará por todos los medios de hacerle la vida imposible. El objetivo de Hawkins no es otro que enseñar a los más jóvenes que no todo es de color de rosa y abrirles los ojos frente al mundo real. Pero no solo son historias profesionales las que componen este nuevo drama de la Fox. El amor también está muy presente, y es que el doctor Hawkins comienza un affaire con Nicolette Kevin, una de las enfermeras más reconocidas del centro médico. Te gustará si eras fan de series como Anatomia de Grey, House o E.R.

Estamos delante de una serie de ciencia ficción estadounidense creada por Seth MacFarlane, conocido por grandes éxitos como Padre de familia, también para la cadena Fox, o Ted, ya en la gran pantalla. La ficción viaja 400 años en el futuro hasta situarse en pleno siglo XXV, por lo que se desarrolla en un universo futurista. La espina dorsal de este drama con toques cómicos es la convivencia, dentro de una nave espacial, de dos especies totalmente diferentes: los humanos y los extraterrestres. Ed Mercer, un habitante de la Tierra, consigue dar un paso más en su carrera y se convierte en el nuevo comandante de una de las 3.000 naves de la Unión Planetaria, una suerte de Naciones Unidas interestelares a las que la Tierra ahora pertenece. La serie te gustará si eres fan de Star Trek y otras series espaciales por el estilo.


The Gifted (2017-...)

Lucifer (2015-2018)

The Gifted es una serie de televisión norteamericana basada en el universo Marvel. Sigue la historia de los X-Men contada también en los cómics. El matrimonio formado por Reed y Caitlin Strucker, interpretados por los actores Stephen Moyer y Amy Acker, descubre que sus hijos mellizos han desarrollado poderes paranormales. Los actores Natalie Alyn Lind y Percy Hynes interpretan a los hijos mutantes de los Strucker, Lauren y Andy. Desde ese momento la vida de la familia corre peligro, puesto que el gobierno va a aprobar una ley antimutantes. Los Strucker tendrán que huir de su hogar para salvar sus vidas y esconderse junto con otros metahumanos para poder sobrevivir. Este grupo de mutantes deberá unir sus fuerzas para poder luchar contra los humanos que quieren hacerles desaparecer.

Desarrollada por Tom Kapinos y mezclando el drama con la comedia, la serie sigue la historia de Lucifer Morningstar, al que interpreta Tom Ellis. Morningstar, el Demonio, vive infeliz y cansado de ser el Señor de los Infiernos, por lo cual renuncia a su trono y abandona su reino para comenzar una nueva vida en Los Ángeles. Allí, se hace dueño de un club nocturno llamado Lux, contando con la ayuda de su aliado demoníaco, Mazikeen, donde tiene la oportunidad de disfrutar de sus placeres favoritos: el vino, la música y las mujeres. Sin embargo, su vida cambia de forma drástica la noche en la que una estrella del pop es brutalmente asesinada a la entrada de su local. A partir de ese momento, Lucifer Morningstar comienza a cuestionarse seriamente sus sentimientos, preguntándose si tal vez es capaz de llegar a sentir igual que un ser humano.


TEATRE ESTRENES

La partida d’escacs Teatre Romea Del 18 de maig al 16 de juny

IF (L’últim desig) La Villarroel Del 7 al 28 de maig

Autor: Stefan Zweig Direcció: Iván Morales Dramatúrgia: Anna Maria Ricart Intèrpret: Jordi Bosch

Autor: Natza Farré Adaptació: Cia. Vero Cendoya Direcció: Vero Cendoya Intèrprets: Alba Florejachs, Glòria Sirvent i Vero Cendoya

Dalt d’un transatlàntic que viatja d’Europa a Amèrica poc després de la Segona Guerra Mundial, coincideixen el campió mundial d’escacs, Mirko Czentovicz, i el senyor B., un noble vienès que fuig dels nazis. Tots dos s’enfrontaran en una partida que no sabem com pot acabar. Ens trobem davant d’una nova oportunitat de gaudir del talent de l’escriptor austríac d’entreguerres Stefan Zweig, un dels més populars a nivell mundial, i de l’actor Jordi Bosch, que hem pogut veure recentment a la gran pantalla al film Todos lo saben al costat de Penélope Cruz i Javier Bardem, o a la telesèrie de TV3 Nit i dia, on feia un registre molt diferent del que ens té acostumat aquest prestigiós actor.

Tres dones. Tres germanes tornen al càmping on van passar els estius de la seva infantesa amb un propòsit, el de complir l’últim desig de la seva mare: ser enterrada al mateix càmping on han compartit tants moments. Aquest propòsit constitueix el pretext per mirar enrere i fer balanç. Tot un concert d’interpretacions amb aquest trio de virtuoses, de les quals volem destacar la presència d’Alba Florejachs, digna succesora de la Mary Santpere o de la Lloll Bertran en la seva vis còmica, que hem pogut veure en programes televisius com Polònia, Homo Zapping o Krakòvia. I que aquí canvia de registre amb una actuació plena de sentiments.


El gran teatro del mundo Teatre Nacional de Catalunya Del 15 de maig al 22 de juny

Les oblidades Teatre Akadèmia Del 22 de maig al 16 de juny

Autor: Calderón de la Barca Direcció: Xavier Albertí Escenografia: Max Glaenzel Vestuari: Marian García Intèrprets: Cristina Arias, Alejandro Bordanove, Antoni Comas, Elvira Cuadrupani, Jordi Domènech, Rubén de Eguía, Roberto G. Alonso, Oriol Genís, Lara Grube, Sílvia Marsó

Autora i directora: Lara Díez Intèrprets: Míriam Monlleó, Bàrbara Roig

Calderón va escriure aquest auto sacramental amb una funció explícitament litúrgica, en un context europeu de forts sacsejos ideològics. Sovint els trasbalsos dels nostres temps actuals no volen parlar amb els preceptes morals d’altres èpoques, però els personatges al·legòrics que protagonitzen El gran mercado del mundo continuen poblant les nostres realitats. I el nostre món és un mercat cada cop més gran. Un repartiment de luxe per recuperar aquest clàssic del teatre espanyol.

Les oblidades són les dones anònimes, aquelles de què no se n’escriuen llibres ni es fan pintures, ni s’erigeixen com a símbols. Les oblidades tracta de dues dones que es troben en un espai abstracte on només hi ha nines. Nines de tota mena: de porcellana, de goma, de plàstic, de drap, de làtex... No saben qui són, ni com han anat a parar allà, ni tampoc de què es coneixen. Tenen la memòria molt debilitada. Serà la visió de les nines el que els permetrà recordar i reviure les dones que van ser al llarg de la humanitat fins al dia d’avui. Van ser moltes dones, de diverses èpoques, cultures i educacions. Entre elles han tingut totes les relacions possibles que dues persones poden tenir.


LA ENTREVISTA


JORDI OJEDA «Los robots han llegado para quedarse y será habitual encontrarnos o hablar con ellos de forma cotidiana»


LA ENTREVISTA

n tu último libro, Robots de cine: De María a Alita, publicado por Diábolo Ediciones, haces un repaso de los diferentes tipos de robots aparecidos en el cine. ¿De dónde te viene esta afición? A mitad de los años noventa, justo poco después de acabar mis estudios en la universidad, me molestaba mucho ver cómo la tecnología solo aparecía en los medios de comunicación siempre con una connotación negativa, con titulares del tipo «Se ha estrellado un avión porque ha fallado un sensor», y no porque alguien de mantenimiento no haya hecho bien su trabajo o porque el piloto no haya hecho caso del indicador, por ejemplo; también hay que recordar el miedo al conocido como «efecto 2000», que vaticinaba que el primer día del año 2000 todo dejaría de funcionar, y noticias por el estilo, con una falta de rigor espeluznante. Además, los ingenieros que aparecían en la ficción como personajes secundarios –pocas veces eran protagonistas– eran muy estereotipados, llenos de prejuicios, lejanos a la realidad. Buenos o malvados, normalmente eran representados bien como chicos asociales, solitarios, con un aspecto extraño, o bien como adultos locos y torpes que querían hacer el mal empleando sus conocimientos científicos, por ejemplo. No solo no me sentía identificado con esos perfiles, sino que pensaba que podría perjudicar a que los jóvenes escogieran ese tipo de profesión con tan poco glamour. Desde muy pequeño he sido un gran lector de cómics y novelas y aficionado al cine, así que me pareció que utilizar la ficción con un discurso positivo podía ser un perfecto instrumento pedagógico para explicar de forma atractiva la ciencia y la técnica, tanto para incentivar su divulgación en la sociedad en general como para fomentar vocaciones científicas y tecnológicas en los jóvenes, además de potenciar la cultura en general, y el hábito de la lectura en particular.

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En mayo de 2011 me encargaron realizar un proyecto de divulgación de los robots en la ficción que se acabó convirtiendo en la exposición más grande que se había llevado a cabo hasta el momento en Europa de esa magnitud, con una muestra impresionante de robots industriales, científicos, de ocio y de ficción nunca vista hasta entonces. Desde ese instante no he parado de trabajar en este tema, y el libro Robots de cine es la culminación de ocho años de trabajo de investigación, después de realizar varias exposiciones y numerosos artículos y conferencias sobre el tema. Pienso que, justo ahora, es el momento adecuado para este tipo de ensayo, por la eclosión que espero habrá en los próximos años de los robots y la inteligencia artificial, tanto en la sociedad como, evidentemente, en la ficción, donde ya ni siquiera es necesario que se trate de una obra de ciencia ficción para que aparezca algún tipo de robot en la trama. ¿Recuerdas cuál fue el primer robot que viste en el cine o la televisión o, por lo menos, el primero que te impresionó? Soy el tercero de cuatro hermanos, pero podríamos decir que nos criamos de dos en dos: tengo un hermano trece años mayor y otro ocho años mayor que yo, los dos intelectualmente muy activos. Eso hizo que mi hermana pequeña y yo creciéramos rodeados de música, cómics, revistas y libros de todo tipo, no especialmente dirigidos a niños pequeños. Nos llevaron al cine o a exposiciones con ellos desde siempre, viendo todo tipo de películas, de todos los géneros. Relacionado con la robótica, recuerdo perfectamente el impacto que me ocasionó leer todos los cómics de la colección completa de Mytek el Poderoso, publicado por Ediciones Vértice a finales de los sesenta, un robot gigante con la forma de un gorila pilotado desde su cabina en la cabeza, pero dotado también de un cerebro positrónico. Unas aventuras fascinantes y épi-


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cas que releí miles de veces a partir de los cuatro años. Otro personaje de los setenta que me impresionó muchísimo fue La Visión, en los cómics de Los Vengadores en el universo de Marvel. Especialmente me impresionó por su nobleza, siempre me pareció el más humano de todos, y lloré cuando lo vi en el cine por primera vez en la película Vengadores: La era de Ultrón (2015), aunque no respetasen la historia original del cómic: ¡lo estaba viendo en la pantalla grande cuarenta años después! De pequeño también descubrí al escritor Isaac Asimov, no solo como escritor de ciencia ficción, sino también como divulgador científico. Leí todo lo que pude de él: de hecho, me iba «de caza» por las bibliotecas de Barcelona buscando libros suyos de todo tipo. Me fascinaron en especial sus relatos y libros sobre robots, y durante años quise ser bioquímico como él. Con apenas once años recién cumplidos fuimos juntos al cine los tres hermanos menores a ver La guerra de las galaxias (1977), y el impacto emocional que me supuso me dura hasta ahora. Al salir del cine yo quería saber construir todos los artefactos que aparecían en la película, especialmente todos los relacionados con los robots. ¿Crees que, en el fondo, el cine ha hecho más daño en la imaginación al mostrar una ciencia ficción que, a día de hoy, todavía estamos muy lejos de conseguir? Las obras de ciencia ficción nos ayudan a reflexionar sobre diferentes escenarios posibles, contribuyendo a la reflexión desde un punto de vista sociológico, preparándonos para situaciones que pueden ser verosímiles en un futuro próximo. Los avances en los efectos digitales en el cine han mostrado en muchas ocasiones una tecnología que no existe aún y que puede frustrar a los que esperan encontrarse con algo similar en el mundo real. Nuestro trabajo de divulgación cobra más sentido, y debemos explicar exactamente

dónde estamos y hacía dónde nos dirigimos o, al menos, hacia dónde no nos debemos dirigir. En general, ¿crees que el público desea que llegue una generación de robots humanoides como habían imaginado, o en el fondo le tienen miedo? Es evidente que las nuevas generaciones están mejor preparadas y predispuestas para interactuar con robots e inteligencias artificiales sin ningún problema. Yo he visto a mis hijos cuando eran pequeños abrazarse a robots sin ningún tipo de peligro, cuando si yo hubiera hecho algo parecido a esa misma edad, aquellos robots seguramente me hubieran matado. La contribución de los medios de comunicación generalistas es muy importante para divulgar la ciencia y la tecnología de forma pedagógica, sin necesidad de alarmar, manipular ni mentir, separando claramente la ficción de la realidad, con un discurso cercano a la población y comprometido con el progreso de la humanidad. Los robots han llegado para quedarse y será habitual encontrarnos o hablar con ellos de forma cotidiana. De hecho ya lo hacemos cuando llamamos a una centralita y estamos apretando botones y dando nuestros datos a una máquina, y no pasa nada. El titular «Los robots llevarán al paro a millones de personas», además de ser un tanto pesimista, es fraudulento, porque no ha sido solo la aparición de robots lo que ha llevado al paro a las personas. Sin embargo, considero que sí pueden substituir en según qué tareas al humano. ¿Por qué motivo los gobiernos o las empresas privadas no invierten mayores cantidades de dinero? Es verdad que los titulares proféticos más pesimistas de los medios de comunicación generalistas auguran cientos de miles de pérdidas de lugares de trabajo en los próximos años, y también es verdad que pasará de manera acelerada


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y con el peligro de que pueda provocar grandes desigualdades en la población. Lo que no es cierto es que sea debido exclusivamente a los robots. La velocidad con la que se está produciendo esta cuarta revolución industrial requiere un nuevo paradigma que contribuya a adaptarse también rápidamente a esos cambios y que configure un nuevo modelo de sociedad. Paradójicamente, en la última década en nuestro país, en plena crisis económica nacional e internacional, hemos tenido una proliferación de procesos electorales que, además de mostrar el fracaso de las propias organizaciones políticas –que han sido los únicos beneficiados de dichas convocatorias al no cumplir con la duración de los mandatos–, no han sabido reflexionar ni proponer ninguna solución relacionada con los verdaderos problemas socioeconómicos que se nos avecinan. El impacto de la industria 4.0 es inexorable y tenemos que estar alerta y asegurar que el cambio se realice con igualdad, libertad y respeto hacia todas las personas. Los intereses económicos de las grandes corporaciones –industria y sector financiero– ven con preocupación estos cambios y alarman frecuentemente con la intención loable de proteger sus intereses, mientras el liderazgo político está falto de ideas, alejado muchas veces del mundo científico y, casi siempre, defendiendo unos intereses encubiertos partidistas. De ahí el poco interés en favorecer este debate y el de potenciar políticas que nos preparen para asimilar de forma sosegada los nuevos avances científicos y tecnológicos. ¿En qué país está más desarrollada la industria robótica? En la actualidad, en valor absoluto y porcentualmente, Japón es el país del mundo donde más robots se fabrican y utilizan. También, el país con el porcentaje de paro más bajo del mundo. El origen de este hito comienza a finales de los años sesenta, pero sobre todo durante la década de

los setenta, cuando su uso en el sector de la automoción estalló. Pero si lo hizo fue gracias y a consecuencia de la situación de la sociedad del país: por un lado, un país culto y cualificado, con una gran vocación de servicio y de adaptación a las necesidades, y por otra parte, con unos recursos limitados que exigía a las empresas ser competitivas, aumentando la flexibilidad y reduciendo los costes operativos. Después de la Segunda Guerra Mundial, el Gobierno de Japón impulsó durante años la creación de industrias mediante créditos con intereses muy bajos y exenciones fiscales. La necesidad posterior de aumentar la productividad de las empresas, especialmente en el sector de la automoción, encontró en los robots la solución idónea. Empresas como Honda, Nissan, Mitsubishi, Suzuki o Toyota tuvieron un gran impulso, que a su vez contribuyó a desarrollar una potente industria robótica. La expansión de los robots a otros sectores industriales, con ejemplos de empresas como Panasonic, Sharp o Sony, entre otros, han convertido a Japón en un verdadero país de los robots. Los japoneses son más propensos a crear robots con un aspecto humano, ¿esto genera más desconfianza que un robot con apariencia metálica? La apuesta por el aspecto humano tiene que ver con el popular trabajo del científico japonés Masahiro Mori, a partir de la publicación en la revista Energy del artículo «El valle inquietante» (The Uncanny Valley, en japonés Bukimi No Tani, en 1970), donde realizaba la siguiente hipótesis: «Cuando la apariencia de un robot es más humana, la respuesta emocional de un observador humano al robot se irá haciendo cada vez más positiva y empática, hasta cruzar un punto a partir del cual la respuesta se vuelve repulsiva; pero, cuando la apariencia del robot es cada vez más parecida a la de un humano, la respuesta emocional se vuelve positiva una vez más y se


va aproximando a niveles de empatía como los que se dan entre humanos». A esta respuesta repulsiva entre un robot con apariencia y comportamiento casi humanos y una entidad aparentemente humana, Mori la denominó «valle inquietante». Por eso los científicos intentan que claramente no haya duda de que es un robot o de que es un humano, aunque no lo sea. Para los que no estamos muy puestos en el tema, ¿qué diferencias hay entre autómata, robot, androide, cíborg…? Bueno, de forma muy escueta: un «autómata» es una máquina dotada de mecanismos y cuerdas que permite que repita uno o varios movimientos, de ahí que sus primeros constructores, a mediados del siglo XVIII, fueran relojeros. En la película La invención de Hugo (2011), dirigida por Martin Scorsese, pudimos ver perfectamente cómo funcionaba un autómata.

En cambio, un «robot» es un artefacto más complejo, en el que es posible programar una serie de acciones o, incluso, dotarlo de autonomía para que tome decisiones, más o menos complejas. En la cultura popular, diríamos que R2D2 o Wall-e son robots. Si el robot tiene aspecto humano, con cabeza, tronco y extremidades, decimos que se trata de un «robot humanoide», como C-3PO, por ejemplo. Si el robot humanoide tiene piel sintética y no distinguimos si es una persona o no, hablamos de un «androide», que, para ser correcto, debería significar que es un robot con apariencia de hombre –por su origen etimológico, del griego andros–, como por ejemplo Terminator cuando está interpretado por Arnold Schwarzenegger. Si tiene aspecto femenino, como la protagonista de la película Ex Machina (2015), deberíamos llamarla una «ginoide», aunque actualmente no aparezca en el diccionario de la RAE.


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Si una persona tiene aumentadas sus capacidades sensoriales o locomotrices gracias a la inserción de tecnología en su cuerpo, estamos hablando de un «cíborg», palabra compuesta proveniente de la expresión inglesa cybernetic organism. Darth Vader, Luke Skywalker, RoboCop o Alita son cíborgs icónicos del cine. Si la tecnología no es invasiva en el cuerpo humano, sino solo un añadido, estamos hablando de «exoesqueletos» o, incluso, de «armaduras». Basta recordar a la teniente Ripley en Aliens: El regreso (1986), embutida en un exoesqueleto de mantenimiento, luchando contra la reina Alien. O uno de los ingenieros más conocidos de la ficción, Tony Stark, en el papel de Iron Man en el universo Marvel. Hace unos años apareció un libro, creo, en el que se desmontaban de forma científica y realista muchos de los argumentos de las películas de ciencia ficción, por eso pienso que la gente desconfía tanto de los «unicornios» que presenta el cómic, la literatura o el cine. ¿Eres de los que cuando van al cine analizan el grado de verosimilitud de lo que te están mostrando? No tengo ningún problema en reconocer que realizo perfectamente lo que se conoce como «suspensión de la incredulidad», un término acuñado a principios del siglo XIX y que hace referencia a la voluntad de suspender tu espíritu crítico para disfrutar de la obra en su conjunto, pasando por alto si es verosímil o no aquello que te están relatando, y disfrutando de la obra de ficción que estés leyendo, escuchando o viendo, sin ningún problema. De los diferentes libros publicados sobre el tema de la ciencia en la ciencia ficción, hay uno que me gusta especialmente, el realizado por James Kakalios con el título La física de los superhéroes (2005). En el libro, el doctor Kakalios propone aceptar en las obras de ficción lo que él define como «una excepción milagrosa»: por ejemplo, una araña radioactiva que con su pi-

cadura te convierte en Spiderman, una explosión de rayos gamma que te convierte en Hulk, etc. Ahora bien, una vez aceptada esa excepción, el resto de la historia debería cumplir con las leyes de la física. Así que sí, reconozco que, a pesar de que disfruto viendo una película de ciencia ficción, una vez acabada lamento los errores científicos incompresibles, como las explosiones –sonido y fuego– en el espacio, por ejemplo. Recomiéndame tres películas que te hayan gustado relacionadas con el mundo de los robots y por qué. Te voy a recomendar tres parejas de películas. Un amigo para Frank (2012) y Robo-G (2012), las dos con una aproximación a la tercera edad desde dos perspectivas muy diferentes y muy interesantes. En la primera, los hijos de Frank, un enfermo de alzhéimer, deciden comprarle un robot doméstico y enfermero que cuide en todo momento de él. La reflexión que se realiza sobre la importancia de la memoria y la concepción de la propia identidad nos llevará a pensar sobre qué es ser humano. En la segunda película, vemos como un actor jubilado se disfraza de robot para salvar a unos torpes científicos en un concurso académico, pero su vida como robot parece más interesante que la suya propia. ¿A quién queréis más, a este famoso robot o a vuestro abuelo? La respuesta os puede hacer tambalear. La segunda pareja de películas sería Her (2013) y Blade Runner 2049 (2017), las dos muy recomendables por muchos motivos, pero en este caso destaco la posibilidad de tener una relación sentimental con una inteligencia artificial, un sistema operativo en el caso de Her, o una realidad aumentada con forma femenina en el caso de Blade Runner 2049. Y es que el amor es mucho más complejo de lo que pensamos. La tercera pareja de películas sería la formada por El hombre bicentenario (1999) y Chappie


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(2015), las dos están entre las mejores películas de robots de todos los tiempos, pero os las recomiendo especialmente por la propuesta que nos plantean sobre qué sucede cuando el robot es capaz de aprender de su entorno y tener iniciativa propia. Tienes un blog con el nombre de CCT – Cómic Ciencia Tecnología. ¿Qué acostumbras a exponer allí? ¿Cómo es el feedback con tus seguidores? El blog tiene una función de espacio contenedor de forma cronológica de todas las actividades que organizo o en las que participo, que son unas cuantas a lo largo del año. Piensa que entre 1998 y 2017 he comisariado veinte exposiciones que se han instalado en cuarenta y ocho ocasiones, de numerosas ciudades entre España, Andorra y Portugal. También he ayudado a organizar decenas de exposiciones, he escrito cientos de artículos y he realizado más de trescientas entrevistas en los últimos años. Prácticamente todo el trabajo que he llevado a cabo está accesible de forma gratuita en el blog, mediante fotos, textos, audios o vídeos. Como no dispongo de recursos de ningún tipo, las actividades las realizo con la ayuda de diferentes administraciones, organizaciones y entidades, como salones de cómic, festivales de cine, editoriales o medios de comunicación. Como acostumbro a repetir varias veces con los que me contratan, entiendo que quedan contentos con el resultado. En las charlas y en las redes sociales recibo habitualmente muestras de felicitación por el trabajo realizado, destacando un estilo característico en la forma de explicar las cosas desde una perspectiva original y entretenida, lo que me anima a continuar en esa línea. Hemos realizado la sesión fotográfica en la empresa PAL Robotics, ubicada en el barrio barcelonés de Poblenou, una de las empresas más punteras en este sector a nivel mundial. Y, a pesar de todo, ¿no tienes cierta sen-

sación de impaciencia por descubrir hasta dónde podrían llegar? PAL Robotics han sido muy amables dejándonos realizar las fotografías en sus instalaciones con sus diseños. Pero no solo hoy: desde hace años han participado en todos los eventos de divulgación que he organizado, y han aceptado siempre realizar demostraciones de sus robots de forma altruista; han sido muy generosos siempre, a pesar de ser una de las empresas líderes a nivel mundial en el diseño de robots bípedos. Son unos grandes desarrolladores y divulgadores de la robótica social y los resultados que presentan son excepcionales. Que una empresa de este nivel decida instalarse en Barcelona desde su creación en 2004, y que tres lustros después continúe en ella, es una demostración del potencial de la ciudad desde un punto de vista universitario e industrial, pero también cultural y de servicios, para atraer el talento internacional en el ámbito de la robótica y la inteligencia artificial. Sus trabajos sobre robótica humanoide están dirigidos a mejorar el trabajo diario y la calidad de vida de las personas, y aunque la ciencia avanza lentamente, sus pasos son decididos y espero que veamos pronto su aplicación masiva de forma habitual en nuestra sociedad. Has sido una de las personas que más ha intentado promover el conocimiento de la robótica a nivel popular, incluso montaste una gran exposición de robots en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 2012. ¿Tienes algún otro proyecto relacionado con el tema? Bueno, en realidad he realizado unas cuantas exposiciones sobre robots, de forma breve te expongo solo los títulos y año de instalación: Robots en su tinta (2012), La literatura de robots (2012), Robots de cine: De María a Eva (2013), Robots: Un viaje de la ficción a la realidad (2013 y 2015), Luces, cámara y... ¡ROBOTS! (2017) y ¿Sueñan los mechas con ovejas eléctricas? (2017), esta última comisariada junto a Oriol Es-


trada en el XXIII Salón del Manga de Barcelona. Desde hace dos años estoy trabajando como cocomisario de una gran exposición por encargo del Museo Nacional de Ciencia y Tecnología (MUNCYT) en Alcobendas, que espero que se pueda visitar durante un año en sus instalaciones, y que tiene previsto inaugurarse en los próximos meses; no puedo explicar nada más por motivos contractuales.

Si el libro Robots de Cine: De María a Alita (2019) tiene aceptación y críticas positivas, tengo más ideas que me gustaría plasmar también en forma de libro. Pero eso... eso será ya otra historia. Podéis seguir al autor en las redes sociales con la etiqueta @JordiOjeda Texto y fotos: Guillem Medina


FOTOGRAFÍA

JAUME DE LAIGUANA


Shakira o Alejandro Sanz son algunos de los artistas de fama internacional que confían en la magia y el estilo cálido y personal de este fotógrafo catalán.


FOTOGRAFÍA

acido en Barcelona un 14 de junio de 1966, su nombre real es Jaume López. El cambio de López por De Laiguana es una historia que ya ha cumplido más de una década. Corría el año 1990 cuando Jaume se asocia con Ricard Puignou y su propio hermano Carlos para crear LAIGUANA, cuyo objetivo primordial es convertirse en un centro de comunicación gráfica integrado por un equipo de diseñadores y creativos con la juventud y el entusiasmo como denominadores comunes y permanentemente abierto a todas las tendencias estéticas que caracterizan este siglo recién estrenado. Hoy todos se sienten orgullosos de que LAIGUANA sea una empresa en expansión que cubre prácticamente todos los ámbitos de la imagen. Mientras organizaba esta empresa. Jaume fotografía a las actrices Pilar Bardem, Rossy de Palma, Ariadna Gil y Paz Vega y al actor Fele Martínez; a las diseñadoras Agatha Ruiz de la Prada y Sara Navarro; al tenista Carlos Moya; a las cantantes Rosario Flores, Gloria Stefan y Marta Sánchez; y a las tops Martina Klein, Adriana Sklenarikova y Eleonora Bosé. Precisamente ha vuelto a fotografiar a alguna de ellas, como Martina y Eleonora, para un impactante calendario en el que, rodeadas de basura, humo y aguas heladas, aparecen desnudas en unas estampas impresionantes para denunciar la contaminación del planeta. Ganador de numerosos premios, Jaume de Laiguana ha sido galardonado en distintas categorías por la Asociación de Fotógrafos de Prensa (AFP) con el Premio Nacional de Fotografía profesional Lux por su gran trabajo. Es uno de los fotógrafos más solicitados del momento por su originalidad a la hora de encarar sus distintos trabajos en el mundo de la imagen. Ha sido tam-

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bién director de vídeos musicales de Shakira, entre los cuales No (2005), y fue también el director artístico de su gira Fijación oral (20062007). Ha trabajado en varios videos de otro artistas latinos como Enrique Iglesias y Miguel Bosé. El fotógrafo catalán ha publicado Libro 5, una obra en la que recopila sus trabajos más representativos de los últimos cinco años. Gran parte de la obra de Jaume de Laiguana tiene su origen en la publicidad, pero consigue vida propia. Y es que una de sus principales facultades es convertir los trabajos por encargo en trabajos de autor, enfocándolos desde su propio y particular punto de vista. Su obra también incluye otros proyectos que reflejan problemáticas sociales y cuyo principal objetivo es hacer reflexionar al espectador. Entre sus constantes a la hora de fotografíar podemos encontrar: la virtud del defecto, la búsqueda incesante de la belleza en las imperfecciones, los accidentes o las casualidades, la provocación, el inconformismo, el trabajo y el aprendizaje constante. Todos ellos son ingredientes que marcan en gran medida la obra de Jaume de Laiguana, otorgándole su inconfundible, atractivo y particular sello de autor.


TRABAJOS


ICONOS

ACTORES DE HOLLYWOOD (segunda parte) A partir de los años 60, con la desaparición de los grandes estudios surge un nuevo prototipo de hombre más natural, sin tantos artificios. Paul Newman, Robert Redford, Dustin Hoffman, Al Pacino o Burt Reynolds marcaron los prototipos que hoy en día son todavía vigentes.


on la desaparición de los grandes estudios a finales de los años sesenta, el star system y el glamour se desprendieron de la artificiosidad para convertirse en algo más natural. Y una nueva hornada de actores vinieron a relevar a los galanes de antaño. Claro que todavía estaban los «guapos oficiales» como Paul Newman o Robert Redford, pero compartían estrellato con Al Pacino, Dustin Hoffman o Robert de Niro, quienes no se caracterizaban precisamente por vestir de traje y corbata o esmoquin. Las nuevas tendencias en la moda las marcaban actores como Steve McQueen eternamente a lomos de su motocicleta, el mostacho de Burt Reynolds, el estilo salvaje de Peter Fonda o Sean Connery, que lucía como nadie el esmoquin de James Bond. La lista debería completarse con Ryan O’Neal, que triunfaría con la empalagosa Love Story; Jack Nicholson, que ya empezaba a destacar por sus papeles de psicópata; o Michael Caine, que venía a relevar a tantos y tantos actores británicos, junto al atlético Albert Finney. En los setenta, en cambio, se volvió a un cierto look a lo guaperas juvenil como el que promocionaba John Travolta en films como  Fiebre del sábado noche o Grease, y volvieron los músculos con actores como Silvester Stallone o Arnold Schwarzennegger, e incluso aparecieron algunos grandes actores bastante bajitos de estatura, como Doodley Moore o Bob

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Hoskins. Los ochenta fueron una década de culto al cuerpo con la aparición del aeróbic, la masificación de los gimnasios y la obsesión por una dieta sana y equilibrada. Y una nueva hornada de actores de amplia sonrisa y múltiples registros, como Daniel Day Lewis, Robin Williams, Michael Douglas, Kevin Costner o Robert Downey Jr. Incluso algunos actores negros empezaron a figurar en las listas de los mejor vestidos y los más sexis, como Denzel Washington, Laurence Fishburne, Morgan Freeman o Will Smith, quien venía de una serie de televisión pero supo reciclarse al cine como héroe de acción. La alfombra roja y revistas como GQ o Vogue en su versión masculina auparon a los nuevos ídolos, que aparecían perfectamente vestidos, peinados y convenientemente promocionados. No es que hayamos vuelto a la época en que los estudios planificaban las vidas de los actores al milímetro, pero siguen rigiendo las carreras de estos y si a la más mínima ven que no dan los rendimientos deseados se les busca un recambio rápidamente. En la actualidad, George Clooney sería el prototipo de actor con una imagen clásica, como habían tenido los Gable, Cooper o Taylor del pasado. Pero como esto es una rueda que nunca para, en diez años tendremos una nueva generación de actores que marcarán tendencia y arrastrarán al público a las salas de cine o donde sea que se proyecten las películas en el futuro.


«Una vez estaba viendo “Up in the Air” y dije: “Jesús, ¿quién es ese viejo de pelo blanco?”, y era yo. Nunca he usado maquillaje en las películas y ahora estoy empezando a planteármelo» (George Clooney)


«¿Éxito? No sé lo que significa esa palabra. Estoy feliz. Pero el éxito, eso se remonta a lo que a ojos de alguien significa el éxito. Para mí, el éxito es la paz interior. Ese es un buen día para mí» (Denzel Washington)


FASHION WORLD

080 BARCELONA FASHION (segunda parte)


YA ESTÁN AQUÍ LAS PROPUESTAS PARA EL PRÓXIMO OTOÑO-INVIERNO


BRAIN & BEAST


CHULAAP


LEBOR GABALA


LITTLE CREATIVE FACTORY


NAULOVER


UMIT BENAN


VIATJANT

TARRAGONA Fotos: Enric Fontvila


QUÈ HEM DE VEURE a Tarragona * Catedral La Catedral es començà a construir el segle XII en estil romànic, es continuà en el gòtic i es consagrà el 1331, però quedà inacabada a causa de la pesta negra. La seva façana, amb la gran portalada i la rosassa, és una de les imatges més emblemàtiques de la ciutat. Entrant pel claustre es pot visitar el Museu Diocesà i el retaule de Santa Tecla. Els relleus escultòrics del claustre formen un dels conjunts més remarcables de la plàstica romànica a Catalunya, i es daten a final del segle XII i començament del XIII. Pel que fa al Museu Diocesà, hi destaquen especialment les col·leccions d’art religiós d'època medieval i moderna procedents de Tarragona i de la seva diòcesi: retaules, escultures de pedra o tallades en fusta, orfebreria, forja, tèxtil, ceràmica, etc. Dedicada a Santa Tecla, està situada aproximadament al mateix lloc que el temple romà del Fòrum Provincial, seu de l'administració pública de la província Tarraconense del segle I dC, que s’estructurava en dues places a diferents alçades; la superior –el recinte de culte– estava envoltada

d’un pòrtic del qual queden notables restes al claustre de la Catedral. En posició axial s’hi aixecava una aula, que s’ha identificat com la cel·la d’un grandiós temple de culte a l’emperador.

* Amfiteatre romà Edifici de forma oval construït el segle II a poca distància del mar, les grades del qual es van excavar a la roca. L’Amfiteatre fa 109,5 per 86,5 metres en total i hi cabien uns 14.000 espectadors. Hi tenien lloc les lluites de gladiadors i amb feres, així com també les execucions públiques. L’any 259 hi van cremar vius el bisbe Fructuós i els seus diaques Auguri i Eulogi. Al començament del segle VI s’hi edificà una basílica visigòtica, sobre la qual s’establí l’església medieval de Santa Maria del Miracle.

* Pretori i Circ El Circ era l’edifici destinat a les curses de cavalls i carros i estava situat entre la via Augusta i el


VIATJANT

Fòrum de la Província. Tenia una forma allargada, amb 325 metres de longitud i fins a 115 d’ample, i es calcula que tenia una capacitat de 30.000 espectadors. El circ de Tarragona es va construir al segle I i té la particularitat d’estar situat dins la ciutat, per la qual cosa té algunes característiques arquitectòniques especials. Està considerat entre els circs més ben conservats d’Occident, tot i que part de la seva estructura continua oculta sota vells edificis del segle XIX. El Pretori és una torre d’època romana que allotjava les escales que permetien el pas de la ciutat baixa fins al Fòrum Provincial a través del Circ, amb el qual està comunicat per passadissos subterranis. És un dels angles del gran rectangle de la plaça del Fòrum Provincial. Al segle XII es va convertir en el palau dels reis de la Corona d’Aragó i, posteriorment, en presó.

i les pilastres de l’antic Beateri–, a la plaça del Fòrum –un mur angular– i al Pretori –la torre sudoriental, amb portes, voltes i pilastres.

* Balcó del Mediterrani

* Rambla Nova

Situat al capdamunt de la Rambla Nova, a uns 40 metres sobre el mar, permet una visió privilegiada del Mare Nostrum, el port de Tarragona, la platja del Miracle i l’Amfiteatre. Lloc molt estimat pels tarragonins, on conflueixen tots els qui, passejant, van a «tocar ferro». La barana té una forma inconfusible i es diu que tocar-la dona sort.

L’avinguda principal de Tarragona. Aquest llarg passeig, de més d’1 km, travessa diagonalment el centre de la ciutat i allotja nombroses terrasses, escultures –com el monument als Castellers–, botigues, hotels, etc. La rambla s’obrí al públic el 1857 al lloc on s’acabava d’enderrocar l’antiga muralla medieval que separava la ciutat vella del barri portuari.

* Fòrum Provincial Al segle I aC, amb la pacificació de la zona, l’exèrcit romà deixà lliure la part alta, que es monumentalitzà amb tres terrasses situades de forma esglaonada. Al nivell intermedi s’hi situà la plaça del Fòrum Provincial, centre polític i administratiu de la província Tarraconense. Es tractava d’una gran plaça envoltada d’un porticat, avui dia ocupada per desenes de cases i carrers. Actualment es poden observar restes dels pòrtics als edificis de l’antiga Audiència –la torre sudoccidental–, a la plaça del Pallol –la porta, la volta

* Plaça del Rei Després de visitar la Catedral és recomanable passejar pels carrers de la ciutat vella, passant per tot de restaurants i bars, fins a arribar a la plaça del Rei. Aquesta plaça, d’aspecte quadrat i ampli, està presidida pel Pretori, que haurem visitat prèviament seguint les passes del Circ romà. Així mateix, a la plaça hi ha el Museu Nacional Arqueològic de Tarragona i les esglésies de Natzaret i de la Trinitat. Un lloc ideal si hi sou per Setmana Santa, ja que hi tenen lloc la major part de les processons que desfilen per la ciutat.

* Passeig Arqueològic Baixant pel carrer de la Guitarra trobarem a mà dreta un petit arc que ens farà sortir de la ciutat vella. En aquest punt comença el Passeig Arqueològic –de pagament–: un passeig de vianants d’1 km que transcorre paral·lel a les antigues muralles romanes, construïdes el segle II i reforçades a l’edat mitjana. Al passeig s’hi fan exposicions i hi ha jardins, canons, escultures i unes quantes torres medievals, a més de la inscripció romana més antiga situada fora d’Itàlia.


DOMINICALE


La alegrĂ­a ES del weekend


MAGAZINE

e aplica el término «dominical» a aquella publicación que se vende con el periódico los domingos y que suele tener la forma de una revista a todo color en la que se desarrollan temas variados de actualidad, pero no necesariamente los mismos que ya se tratan diariamente en el periódico. Los dominicales también son un reclamo para la gente que habitualmente no lee el periódico cada día y que se decanta por otro tipo de lecturas más amenas, de las que puede disfrutar el mismo domingo o durante la semana. Los contenidos pueden variar ligeramente, pero un buen dominical siempre contiene un interesante artículo de portada –o, también, una entrevista al famoso de turno con fotografías artísticas–, artículos de opinión de las principales plumillas del país –en las que sería recomendable que no se les notase mucho la ideología política, aunque a veces es bastante difícil–, y después puede variar, pero siempre encontramos la sección de viajes, la de arte, moda, cine, deportes y, con un poco de suerte, incluso exposiciones, teatro y otras manifestaciones artísticas. Y, para acabar, los pasatiempos, e incluso el horóscopo. Al margen de los dominicales que aparecen semanalmente, suele haber números especiales: los dedicados a la moda son siempre muy bienvenidos y tienen un grosor considerable –recuerden que una publicación engorda o adelgaza dependiendo del número de anunciantes que tenga–, a veces hay especiales de viaje –especialmente de cara al verano– y otros especiales de forma aleatoria según el momento y la ocasión. Cada periódico tiene su propio dominical, y el que no lo tiene parece que sea como más cutre, como que no les llega el presupuesto para ello. Otra fórmula

S

a la que también se acogen varios periódicos es la de crear un dominical conjunto que luego ofrecen en sus diferentes ediciones. También es una fórmula cutre, pero si ya hoy en dia las ventas de periódicos han bajado dramáticamente, dedicar un esfuerzo, unos profesionales y unos euros a una revista que –en teoría– solo se consume el domingo, pues no tiene tanto sentido. Con el tiempo, al margen de los dominicales han aparecido otras publicaciones anexas dedicadas al público femenino. Así han aparecido Mujer Hoy del grupo Vocento, que entre otros publica el ABC; Yo Dona, que se entrega con El Mundo, o S Moda, que aparece una vez al mes y se vende conjuntamente con El País. Todas ellas siguen un patrón muy similar, tampoco ninguna ha descubierto la sopa de ajo, y vienen a ser como una versión reducida de las tradicionales revistas femeninas como Vogue, Marie Claire, Elle o Glamour, entre otras. Según la web Statista, el dominical más seguido es XL  Semanal (con 1.590.000 lectores), también de Vocento, seguido por Mujer Hoy (900.000), El País Semanal (767.000), el Magazine de La Vanguardia (532.000) y Yo Dona (203.000). Las cifras no son para soltar cohetes, pero en un país donde el periódico más leido es el Marca y la revista más leída es Pronto, tampoco se puede esperar más. España es lo que es y su nivel de lectura salta a la vista, y estos son sus principales intereses: los deportes –bueno, el fútbol, para ser más exactos– y el cotilleo barato, que es lo que revistas como Pronto ofrecen. ¿Tienen las horas contadas los dominicales? Pues casi a la par que los propios periódicos en versión papel. Las versiones digitales, más inmediatas y sobre todo gratuitas, están destinadas a marcar el futuro de estas publicaciones.


LA ENTREVISTA

JOAN SARRIA «Todavía pensamos que el arte es solo para unos pocos, pero por suerte, y gracias a Instagram, hay mucho arte y para todos los bolsillos al alcance de la mano»


LA ENTREVISTA

a vida cultural gay en Barcelona se ha visto ligeramente mermada en los últimos años: presentaciones de libros, exposiciones y demás parece que quedan relegadas ante macroeventos como el Circuit veraniego, en el que solo importa la fiesta y el deambular de un local a otro con una única misión: bailar, ligar, bailar, ligar. Es por eso que nos alegramos cada vez que un nuevo artista organiza una exposición por pequeña que esta sea, como es el caso del ilustrador Joan Sarria, cuya última muestra, The Fetish Experience 3.0, fue todo un éxito.

L

¿Cómo surgió la idea de esta última exposición? La idea surge de la lógica del «no hay dos sin tres». Ya había hecho dos exposiciones con la misma temática y me apetecía hacer una tercera. La primera expo que hice fue The Fetish Experience, era la primera vez que enseñaba mi trabajo y tenía claro que ya que iba a dar ese paso quería que el hilo conductor fuera atrevido y arriesgado. La segunda expo fue una consecuencia de la primera: me ofrecieron exponer en Madrid y, viendo que la primera había funcionado muy bien, pensé que por qué no seguir por ahí. Y la tercera simplemente porque quería dar carpetazo y cerrar la trilogía. Es verdad que las tres giran el torno al fetichismo, sobre todo el masculino, y que podrían parecerse, pero en cada una utilicé una técnica y un soporte distintos y por eso cada una es especial. ¿Qué técnicas usas para la elaboración de tus obras? Para mis cuadros o dibujos uso pintura acrílica, creo que le va muy bien a mi estilo y me gusta el resultado. Sin embargo voy cambiando el soporte y el tamaño: trabajo tanto en papel, en lienzo o sobre madera. Me siento a gusto sobre cualquier superficie, pero siempre con pintura acrílica.

¿Cuáles consideras que son tus referencias artísticas? Tengo muchísimas y muy variadas. Me interesa mucho el arte pese a no haber tenido ninguna formación, y voy cogiendo cosas de aquí y de allá. Sin ninguna duda, en la cultura pop es donde más me inspiro y encuentro referencias, más allá de Lichtenstein, Warhol o Keith Haring. Me interesan mucho los artistas que me llegan a través de Instagram, hay muchísimo talento cuya única forma de dar a conocer su arte es por ahí y es una inacabable fuente de inspiración. Dime algunos artistas que admires y de los que sigas su obra Sigo a muchos, como te digo Instagram es una gran galería y me permite seguir el trabajo de muchos artistas. Pero por decirte algunos nombres te diré Cote Escriva, Cane, Roberta Marrero, Gary Baseman, Juan Castaño, Mark Ryder, y así podría estar horas y horas. Los cuadros estaban a la venta: ¿cómo fueron las ventas? ¿El público compra arte o crees que solo se interesan por los artistas conocidos? Tanto esta exposición como las anteriores funcionaron muy bien. Es verdad que los precios eran muy asequibles, pero también es verdad que en esta última exposición, tanto por el tamaño de las obras como por la temática, iban a ser más difíciles de colocar. Pero no, la cosa funcionó muy bien y se vendieron más de la mitad de las obras. La gente compra arte y no necesariamente a artistas conocidos: creo que nos estamos cansando de ver las mismas casas con los mismos muebles suecos y tenemos la necesidad de poseer algo original que nos diferencie. El problema es que todavía pensamos que el arte es solo para unos pocos, pero por suerte, y vuelvo a hablar de Instagram, hay mucho arte y para todos los bolsillos al alcance de la mano. Después del fetichismo, que era la temática de tu anterior exposición, ahora has tocado una


LA ENTREVISTA

estética más leather o sado. ¿Son los temas que te interesan personalmente? Bueno, te tengo que corregir: entre The Fetish Experience 2.0 y The Fetish Experience 3.0 presenté una colección de cuadros e ilustraciones que me encargó United Bears Barcelona, un trabajo más divertido y que funcionó muy bien. Luego volví al leather y al rubber de The Fetish Experience para cerrar la trilogía. Contestando a tu pregunta de si son temas que me interesen personalmente, te diré que no, no pertenezco a la comunidad leather, pero estéticamente y artísticamente sí me puede parecer muy interesante. El cuero en el arte ha funcionado desde Tom of Finland. ¿Hay un público aquí en Barcelona que siga la estética leather y tengan un sitio donde reunirse, o si quieres vivirlo tienes que irte fuera, a países como Alemania u Holanda? No es un tema que controle mucho, pero sí me consta que en Barcelona la comunidad leather, rubber, etc. también tiene su público y que aquí también se celebran eventos como en otras ciudades de Europa. ¿El leather es morbo o un disfraz? Para nada creo que sea un disfraz. Los miembros de la comunidad leather se toman esto muy en serio. No es solo vestirse de cuero: estos grupos están muy bien organizados y hay toda una estructura detrás que lucha contra la homofobia y colabora en la lucha contra las enfermedades de transmisión sexual. ¿Has participado en alguna quedada leather? Asistí una vez a la elección de Mr. Leather España. La verdad es que me pareció divertido. Los participantes se presentaban y argumentaban por qué deberían ganar y cómo podían ayudar a la comunidad. ¿En qué punto está actualmente la noche de Barcelona? Tengo la sensación de que las

aplicaciones de móvil han matado en cierto modo el hecho de salir de noche a ligar o a pasarlo bien. ¿Es así? Barcelona sigue viva, en contra de lo que muchos digan: tenemos una gran oferta nocturna y no creo que las aplicaciones para ligar le coman terreno. La gente que sale a pasárselo bien sale a pasárselo bien, y si se lo está pasando bien no piensa en el móvil. Me comentabas que no querías estancarte. ¿Hacia dónde irán encaminados tus próximos proyectos? Tengo varias ideas a las que estoy dando vueltas. Este año quise descansar y no exponer: en los últimos años he ido a exposición por año, además de varias colaboraciones y encargos, y quería pensar muy bien qué es lo que quiero hacer. Lo próximo será algo muy distinto y más divertido, provocador, que es de lo que se trata, pero divertido.

Fotos y texto: Guillem Medina


LA ENTREVISTA


LA ENTREVISTA


por Miguel Ángel Parra

TELEVISIÓN

ENTREVISTA A EMILIO DELGADO DE SESAME STREET En Sesame Street –la versión estadounidense de Barrio Sésamo–, el actor y cantante Emilio Delgado ha interpretado al manitas Luis Rodríguez durante cuarenta y cuatro años ininterrumpidamente. Aunque es muy posible que los telespectadores españoles lo recuerden mejor por sus apariciones en Ley y orden, Falcon Crest, Hawái 5-0, House of Cards o, sobre todo, por Rubin Castillo, su papel regular en la mítica serie Lou Grant. Eres internacionalmente conocido por tu interpretación de Luis en Sesame Street, pero fuiste actor desde una edad muy temprana. ¿Con qué papel debutaste en el mundo del espectáculo? Profesionalmente empecé mi carrera en el teledrama Canción de la raza, pero mi pasión por ser actor y cantante comenzó de muy joven. Antes de llegar a la secundaria había participado en coros, en representaciones teatrales... y supe desde entonces que la interpretación iba a ser mi forma de expresión favorita. Recuerdo un momento a los catorce años de edad, protagonizando un papel romántico en un musical, en el que sentí una gran alegría al actuar y cantar en vivo frente a un público muy receptivo. Tu primer trabajo en televisión, Canción de la raza, fue para la cadena pública PBS, curiosamente el canal que emitió Sesame Street hasta su temporada cuarenta y cuatro. ¿Qué recuerdas de tu primer encuentro ante una cámara? Confieso que, aunque me había preparado muy bien como actor en vivo, mi experiencia frente a la cámara en esos primeros años me fallaba un poco... pero con práctica y experiencia logré superarlo.

Poco después pasaste a formar parte del elenco regular de Sesame Street. El proceso de selección fue algo diferente al habitual: el director John Stone te hizo el casting en Los Ángeles para un programa que iba a grabarse en Nueva York, cuando acostumbra a darse el caso contrario. ¿A qué se debió esta búsqueda en ambas costas? En los años sesenta, en Estados Unidos habían surgido varios movimientos en las facciones étnicas del país: afroamericanos, chicanos, latinos... todos ellos exigiendo respeto, justicia, igualdad y participación en todos los aspectos de la sociedad, incluyendo los medios de comunicación: la televisión, el cine, el periodismo... En mitad de todo ese alboroto, en 1969, se estrenó Sesame Street y los productores del show tuvieron que incluir el aspecto latino en el programa. En los primeros castings realizados en Nueva York encontraron a mi compañera portorriqueña Sonia Manzano, pero en esa época había muy poca representación de los chicanos en la ciudad. Por ese motivo, los productores tuvieron que viajar a la cuna de los chicanos en los Estados Unidos: Los Ángeles, California. ¿Es difícil adaptarse a Nueva York para alguien que hasta el momento había vivido en California? Puedo presumir de ser una persona que se adapta fácilmente a cualquier sitio y a cualquier situación, pero he de reconocer que mi experiencia al llegar a Nueva York fue extraordinaria y educativa. Extraordinaria porque para mí, que había vivido toda mi vida en el sur de California –donde se goza de un clima agradable, de una especie de primavera eterna–, tuve que sufrir un invierno que es como del Polo Norte. Confieso que hasta el día de hoy no me he adaptado al frío. Y educativa, porque en Nueva York hay


© Sesame Workshop 6


TELEVISIÓN

gente de todo el mundo, como se dice en inglés: it’s a world city. Hay personas de todo el mundo hispanoparlante; yo siempre hablé los dos idiomas, inglés y español, al haberme criado en la frontera entre México y Estados Unidos. Mi experiencia en Nueva York me enseñó a navegar entre los diferentes acentos y modismos del idioma internacional español. Me tomó un tiempo adaptarme al rapidísimo acento caribeño, pero después de cuarenta y cinco años en la ciudad ya me siento muy neoyorquino. ¡Pa’ lante!, como dicen. ¿En algún momento sospechaste que interpretarías a Luis durante más de cuatro décadas? Al principio pensé que el trabajo duraría dos o tres años, nunca imaginé el éxito fenomenal del show. La gran aventura del programa sigue... y es un gran orgullo para mí haber formado parte de esta extraordinaria experiencia. En 1971, junto a Sonia Manzano (María) y Raúl Juliá (Rafael), empezaste en el programa como representación del colectivo latino. Hasta ese momento, ¿qué repercusión había tenido el mundo hispano en la televisión infantil estadounidense? El mundo entero nos dio una gran y emocionante bienvenida, principalmente los padres de familias de habla hispana. Por fin les ofrecíamos una representación en televisión en la que celebrábamos la cultura y la familia latina en los Estados Unidos. Y además, emprendimos la labor de instruir a los niños en sus primeros pasos educativos enseñándoles los números y el alfabeto. Y no solo eso: por fin representamos a una familia latina inteligente, amable, recta... algo que había faltado en la televisión americana hasta entonces. La química en pantalla entre María y Luis era tan convincente que muchos espectadores pensaban que realmente os habíais casado en uno de los episodios.

El resultado de nuestra interpretación fue de primera categoría... ¿no? Ella y yo –y nuestros cónyuges– nos llevamos requetebién, amigos para siempre. Vuestra popularidad era tan grande que incluso llegasteis a tener vuestro propio espectáculo en vivo. El matrimonio de Luis y María en Sesame Street fue un gran éxito, así como el nacimiento de nuestra hijita, Gabriela, poco después. Causó tal alboroto que Sonia y yo decidimos representar un show en vivo para dar las gracias a nuestros fans y para pasar un rato genial con ellos. Viajamos por todos los Estados Unidos y nos divertimos muchísimo. En un programa que ya iba por su tercera temporada, ¿qué tal os acogieron el resto de miembros del elenco? Lo más asombroso para mí fue la gentileza y la facilidad con la que fui recibido por todos en mi primer día en Sesame Street. Fue como haber regresado a mi propia familia después de muchos años. Y hasta hoy día nunca ha ocurrido ningún problema entre nosotros, siempre nos hemos tratado con cariño y consideración. Y los Muppets... ¿es fácil para un actor trabajar con ellos? Me gustaría rendir tributo a los titiriteros o muppeteers de Sesame Street, que son todos, del primero al último, unos artistas extraordinarios. El talento de dar vida y voz a un pedazo de trapo en la mano es simplemente excepcional. Para el actor, en su intercambio con el títere lo más importante es suspender la incredulidad, o como dicen en inglés: to suspend disbelief. Como una niña que rechaza e ignora la presencia del titiritero, dedicándose al muy animado intercambio con su genial amigo hecho de trapo, yo nunca tuve dificultad con esto. Algunos actores, como John Belushi en Saturday Night Life, encontraban muy difícil


Š Carole Delgado


TELEVISIÓN

trabajar a la sombra de muppeteers como Frank Oz o Jim Henson. Nunca fue difícil trabajar a la sombra de Frank Oz y Jim Henson, para mí siempre fue un gran honor estar en presencia de estos maestros, genios, magos...

grama, así como ha cambiado el mundo para todos, especialmente para los niños. Yo creo que aún hay trascendencia en las ideas de Sesame Street, es decir: en animar a los niños a aprender, a ser buenas personas, a respetar a los demás, a estar orgulloso de uno mismo...

Hablando de Jim, ¿cuál es tu recuerdo de haber trabajado con un genio de su envergadura? Mi recuerdo de haber trabajado con Jim Henson es el de una persona amable, gentil, con mucho corazón, completamente dedicado a su arte. O mejor dicho, a sus artes, porque su expresión artística fue muy amplia: del arte a la escritura, a la televisión, al cine, a la expresión de las ideas fantásticas, la innovación... es sin duda un ejemplo del hombre del Renacimiento. Lo imagino en otras dimensiones: la cuarta, la quinta, la sexta... inventando con gusto y deleite nuevas ideas para mejorar el universo. ¡Jim, regresa, te necesitamos!

Mi personaje favorito es Big Bird y, por lo que tengo entendido, también es el tuyo. Este personaje, interpretado por Caroll Spinney, fue la estrella del programa durante muchos años. ¿En qué momento pasó a ser Elmo el foco de atención principal y a qué crees que es debido? El personaje de Big Bird representa la inocencia y el entusiasmo del niño con su familia y sus íntimos amigos. Y desde luego, gracias al contagioso trabajo de mi compatriota Caroll Spinney, es sumamente encantador. El personaje de Elmo surgió en los años noventa, casi treinta años después del estreno del programa. Elmo les ofreció a los niños un nuevo amigo con el que disfrutar del show. Eso y quizá el asombroso color rojo vivo del personaje les atrajo, o acaso pudo haber sido el escandaloso timbre de su voz. En fin, dos personajes interpretados por dos talentosos artistas: Caroll Spinney y Kevin Clash.

Se tiende a dar todo el mérito de Sesame Street a Jim Henson –sin duda una parte muy importante del show–, pero la verdadera artífice de la idea fue Joan Ganz Cooney, la creadora del programa. Cooney reunió el dinero y al equipo necesario para crear el espacio. ¿Crees que su visión se mantiene vigente en la producción de los nuevos episodios? Sin duda Joan Ganz Cooney, junto al señor Lloyd Morrisett, fueron las personas que dieron a luz la idea de Sesame Street. Los que llevaron a cabo el innovador experimento de ayudar a educar a los niños utilizando la televisión como medio. Ellos se merecen todo el reconocimiento y el de haber contado para llevar a buen puerto ese nuevo experimento con las ingeniosas manos de otros innovadores que se encargaron de construir el programa, personas como John Stone, Jim Henson, Dulcy Singer, Joe Raposo... productores, escritores, directores, compositores... En cincuenta años ha cambiado bastante el pro-

Uno de los momentos más impactantes de la historia de la televisión infantil fue la muerte de Mr. Hooper, cuando Will Lee –el actor que interpretaba al personaje– murió realmente y los guionistas decidieron explicarlo a los niños. ¿Cómo enfocó el reparto la interpretación de esa escena? El programa en el que se interpretó la muerte de Mr. Hooper –que en realidad había ocurrido al fallecer nuestro amigo y compatriota Will Lee– fue sin duda el más triste de todos. Cada uno de nosotros sintió profundamente la pérdida de nuestro gran amigo... fue realmente difícil interpretar ese guión sin perder la atención. Esa escena fue grabada en una sola y emocionante toma, sin actuar, interpretamos la realidad.


La verdad es que no me enteré del uso de Sesame Street para aprender inglés hasta bastantes años después, cuando muchos aficionados me explicaron su experiencia. Y no solo hispanoparlantes: gente de todo el mundo me contaba lo mismo. Aunque esa no fue nuestra idea original, ¡qué maravilla que haya resultado así!

© Sesame Workshop 2

Sesame Street fue básico para abrir las mentes de los jóvenes estadounidenses, pero también lo fue para que millones de hispanoparlantes aprendieran a hablar inglés gracias al programa o a discos como ¡Sesame Mucho! ¿Erais conscientes de ello durante su grabación?


TELEVISIÓN

Sesame Street se ha convertido en el programa infantil más importante del mundo y –según la revista TV Guide– en uno de los cincuenta más influyentes de la historia de la televisión. ¿Qué ingredientes crees que son necesarios para que haya mantenido su frescura y relevancia durante cinco décadas en antena? Sin duda alguna, los ingredientes más importantes que han servido para mantener el impacto y la relevancia de Sesame Street durante cincuenta años han sido la dedicación y el talento de todos sus integrantes. No solo el del estupendo elenco, sino el de cada uno de los miembros del equipo: de los productores, directores, escritores, compositores, etc., pero el ingrediente a destacar, y con el que conseguimos el gran éxito, fue el amor y el cariño con el que ofrecimos nuestro trabajo a los espectadores. En España, el espíritu de Barrio Sésamo sigue más vivo que nunca gracias a la atracción de PortAventura con los primeros animatronics de Sesame Street del mundo. ¿Te sorprende que vuestro trabajo haya llegado tan lejos? En esta era de Internet y de comunicación instantánea no me sorprende nada. Estamos al tanto de que Sesame Street se emite por todo el mundo, con producciones autóctonas en sus propios idiomas y adaptando su argumento a diversas culturas. Qué bonito sería si todo esto sirviera para crear un nuevo mundo repleto de amor y de paz. Aunque en Barrio Sésamo –la versión española de Sesame Street– vuestros personajes fueron sustituidos por actores autóctonos, sí apareces en varios segmentos del programa y doblado en películas como Sigue a ese pájaro y Elmo en el país de los gruñones, o en especiales como Elmo salva la Navidad. ¿Alguna vez has tenido la oportunidad de ver a tu personaje doblado al castellano? No, ¡pero qué genial! En mi próximo viaje a España sintonizaré Barrio Sésamo para ver si aparezco por ahí recitando en castellano.

Y hablando de doblajes, tu trabajo en el programa no se ha limitado a interpretar a Luis: en más de una ocasión has prestado tu voz a varios Anything Muppets y a la abuela de Rosita. ¿Alguna vez te ha tentado manejar un Muppet al margen de ponerles la voz? He prestado mi voz en varias ocasiones a personajes de Sesame Street, pero nunca me ha dado por manejar a uno de los títeres. El manejo de los Muppets es un trabajo muy particular y difícil y se lo dejo a los expertos. Pero sí, admito que ese arte siempre me ha fascinado. Cuando Sesame Street pasó de PBS a HBO, Bob McGrath, Roscoe Orman y tú, tres miembros veteranos del reparto, fuisteis –según palabras de McGrath– «gentilmente despedidos» después de tantos años de trabajo. ¿Crees que en la televisión actual se tiende a mostrar a la gente mayor en un segundo plano? Desafortunadamente, mi respuesta es que... sí. El medio televisivo también sirve de ventana comercial y se vende más la juventud. Por ese motivo los más mayores nos quedamos atrás. ¿No crees? ¿Qué opinas de que un proyecto educativo y sin ánimo de lucro pase de una cadena pública a un canal de pago como HBO? Se han dado la mano el comercio y el esfuerzo educativo... por ahí va la onda. Todo tendrá su precio. Desde hace cincuenta años, Sesame Street educa a los niños a convivir y a respetar al prójimo sin importar su raza o religión; sin embargo, el presidente Trump ha dicho recientemente sobre los inmigrantes mejicanos: «No estamos expulsando personas, son animales». Por desgracia, este tipo de comportamientos también se están dando en algunas partes de Europa. ¿Qué crees que hemos hecho mal para volver de nuevo hasta este punto?


El pasado verano protagonizaste la obra Quixote nuevo, una versión latina del clásico de Miguel de Cervantes. Explícanos un poco en qué consiste esta nueva adaptación. Nuestro ilustre dramaturgo chicano Octavio Solís ha escrito una nueva obra teatral titulada Quixote nuevo. Una historia ingeniosa y divertida basada en la cervantina del Caballero Errante, situada en la actualidad, y en la que un profesor peripatético de mente desvanecida lucha contra las fuerzas del mal. La historia sucede en La Mancha, un pueblo situado en la frontera de México pero del lado americano... ¿será El Paso, en Texas, qui-

zás? El argumento principal se centra en el profesor y en su familia, de la que él ha escapado para tener sus aventuras. Tuvimos un gran éxito con su representación, y ahora tenemos pensado seguir en gira con ella por Hartford (Connecticut), Boston (Massachusetts) y Houston (Texas), durante el próximo verano. Y continuaremos con ella en enero y febrero del año entrante, 2020. ¿En qué próximos proyectos podremos verte actuar? Actualmente tengo varios proyectos en preparación en lo que respecta a películas y televisión. Os mantendré informados cuando se estrenen. Muchas gracias, Emilio, por tu tiempo y por todos estos años de trabajo. Ojalá mis respuestas os hayan servido y sirvan para ampliar el trayecto y la historia de Sesame Street. Ha sido un placer.

© Sesame Workshop 1

Durante cincuenta años de Sesame Street tratamos de derrumbar murallas entre la gente, promoviendo la hermandad entre las diferentes culturas para llegar aquí... imagínate. Solo sé que la horrible y forzosa separación de familias en nuestra frontera es imperdonable y un crimen contra la humanidad.


CINE / LA CRÍTICA

STAN & OLLIE Cuando para hacer reir no era necesario insultar ni meterse con alguien diferente a ti Me da que pensar que un film de estas características, a las nuevas generaciones –dícese de aquellas formadas por personas menores de 30 años– les sonará a marciano y sus protagonistas –los entrañables El Gordo y el Flaco– tampoco les serán muy populares. No es extraño: hace un par de décadas en televisión todavía se podían ver los films no solo de esta pareja cómica sino de Buster Keaton, Harold Lloyd o Charles Chaplin, pero parece que hoy en día el público joven le tenga alergia al cine en blanco y negro, y menos si no salen superhéroes volando por allí en medio. Stan Laurel y Oliver Hardy hicieron del absurdo y el slapstick una forma de humor, y el público los adoraba. Y cuando el cine los dejó de lado ellos siguieron trabajando y haciendo giras por el mundo llevando su humor a grandes y pequeños teatros. Es precisamente en esta época en la que se centra el film, cuando ya estaban en una cierta decrepitud y sus vidas privadas tampoco estaban muy boyantes. Y, sin quererlo, este mes me ha tocado criticar dos películas en las que sus protagonistas estan en las últimas, unos como actores y otro como director. Aunque, quizás por lo maravilloso de las interpretaciones y por el cariño con que se ha hecho este film, me quedo con este primero. A destacar, la maravillosa composición de sus actores principales, John C. Reilly –que aquí sí que hace reir a la vez que emociona, y no como en esa porquería que era Holmes & Watson– y Steve Coogan, que en general tiene una filmografía bastante interesante, un tanto alejada de los superéxitos blockbusters, pero por eso vale la pena seguirle la pista en sus próximos films.

Mi opinión: Vayan a ver este film rápidamente y, después, intenten recuperar los films del duo original El Gordo y el Flaco: descubrirán un humor blanco pero encantador.

por Bernat Salvat


DOLOR Y GLORIA Almodóvar dando sus últimos coletazos Quizás les estemos pidiendo mucho a los directores de cine con personalidad propia que nos han gustado en las últimas décadas, y tal vez eso es imposible. Queremos que Woody Allen siempre haga la comedia intelectual que nos mate de risa y que él –doblado por Joan Pera– haga esa voz y esos dejes tan característicos. Queremos que Tim Burton sea el maestro del gótico, y no esa marioneta en la que se ha convertido bailando al son marcado por Disney. Y queremos que Pedro Almodóvar sea el intransigente de la movida madrileña cuando la movida es ya solo un recuerdo añejo de una España que pretendió ser moderna en los ochenta y que con los años se ha convertido en una señorona rancia y fachorra; hablo del país, no del director... Así que ahora nos llega esta historia que nos habla de un director en horas bajas –encarnado por Antonio  Banderas como su alter ego sexi– que se ha quedado sin musa ni inspiración –mira, como la vida misma– y que lo mejor que puede hacer es recordar tiempos mejores pasados. A ver, la película no es tan bodrio como Los amantes pasajeros, ni tan absurda como La piel que habito, pero está a años luz de Todo sobre mi madre o La mala educación, por poner unos ejemplos más o menos recientes. Claro que el film tiene algún momento inspirador, pero eso no sirve para llenar los 108 minutos que dura. Representa que el film muestra al Almodóvar más íntimo y personal, pero a muchos de los que salían del cine les había dejado totalmente indiferentes: quizás es que el director no ha sabido encontrar la llave que abriese sus corazoncitos duros como el acero. Pues eso, que este film parece Almodóvar, huele a Almodóvar y sabe a Almodóvar... pero, como la mojama, hace tiempo que está empezando a descomponerse.

Mi opinión: Ideal si eres muy fan de Almodóvar. Si eres nuevo, mejor empieza por otros clásicos de este director.


CINE ESTRENOS

Aladdin

Venganza bajo cero

Dirección: Guy Ritchie Guion: John August, Guy Ritchie Música: Alan Menken Fotografía: Alan Stewart Reparto: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Marwan Kenzari, Billy Magnussen, Nasim Pedrad, Numan Acar, Navid Negahban

Dirección: Hans Petter Moland Guion: Frank Baldwin Fotografía: Philip Øgaard Música: George Fenton Reparto: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, Elysia Rotaru, Tom Bateman, Aleks Paunovic, John Doman, Domenick Lombardozzi, Raoul Trujillo

Aladdin (Mena Massoud) es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine (Naomi Scott). Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar (Marwan Kenzari), que consiste en entrar en una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio (Will Smith), dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado. Disney sigue adaptando sus clásicos animados a la acción real y ahora le ha tocado el turno a este cuento oriental.

En medio de las montañas, viviendo entre la nieve, un apacible quitanieves vive tranquilamente en la naturaleza. Pero un día toda su paz se desmorona, pues recibe la terrible noticia de que su hijo ha muerto debido a una sobredosis. De esta forma acaba envuelto en una guerra de narcotraficantes, mientras busca venganza por lo sucedido. Hans Petter Moland (Redención: Los casos del departamento Q) dirige el remake de su propia película de 2014, que en esta ocasión cuenta con un guion escrito por Frank Baldwin.


Hellboy

Rocketman

Dirección: Neil Marshall Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim, Thomas Haden Church, Penelope Mitchell

Dirección: Dexter Fletcher Guion: Lee Hall Fotografia: George Richmond Música: Elton John, Matthew Margeson Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaço

La Agencia para la Investigación y la Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado de Arturo, y de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos.

Biopic que relata la vida del cantante, compositor y pianista británico Elton John. Desde sus comienzos, como niño prodigio del piano y estudiante en la Academia Real de Música, pasando por su juventud y su carrera como cantante, cuando se dio cuenta de que lo suyo no era la música clásica sino la música rock, hasta convertirse en una superestrella internacional, incluyendo su influyente y perdurable asociación musical con el letrista Bernie Taupin.


CINE ESTRENOS

Timadoras compulsivas

El bailarín

Dirección: Chris Addison Guion: Jac Schaeffer Fotografía: Michael Coulter Música: Anne Dudley Reparto: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Alex Sharp, Sarah Stephanie, Deano Bugatti, Deepak Anand, Raffaello Degruttola, Kumud Pant, Alphonso Austin, John Ruben

Dirección: Ralph Fiennes Guion: David Hare, sobre la novela de Julie Kavanagh Fotografía: Mike Eley Música: Ilan Eshkeri Reparto: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Louis Hofmann, Adèle Exarchopoulos, Sergei Polunin, Olivier Rabourdin, Zach Avery

Timadoras compulsivas es un remake de la comedia de 1988 dirigida por Frank Oz. Dos hombres intentan hacer frente a su continua rivalidad apostando a ver quién puede estafar antes 50.000 dólares a alguna adinerada mujer estadounidense. Ambos utilizarán todos sus recursos y trapos sucios para conseguir su objetivo. Aquel que pierda la apuesta deberá abandonar la Costa Azul francesa, lugar en el que desde hace años los dos contrincantes realizan su trabajo como estafadores profesionales.

Rusia, 1961. Rudolf Nureyev, el bailarín de ballet más grande de todos los tiempos, viaja por primera vez al exterior de la Unión Soviética como miembro de la prestigiosa compañía de ballet Kirov. Aunque el KGB sigue de cerca sus pasos y a pesar del gran peligro que conllevaba entonces la deserción, Nureyev huirá tomando una decisión que podría cambiar el curso de su vida para siempre. Otro biopic sobre bailarines disidentes de la URSS que a la más mínima abandonan la «gran madre patria».


MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

¡Ay, mi madre!

Lady Off

Dirección: Frank Ariza Guion: Frank Ariza Fotografía: Óscar Montesinos Reparto: Estefanía de los Santos, Secun de la Rosa, Paz Vega, Mariola Fuentes, Marta Torné, Terele Pávez, María Alfonsa Rosso, Concha Galán, Alfonso Sánchez

Dirección: David R.L. Guion: Noemí Chico, David R.L. Música: Xisco Rojo Fotografía: Jorge Martín Reparto: Marta Fuenar, Mateu Bosch, Yeyo Bayeyo, Jaione Azcona

¿Qué podría ocurrir si una joven soltera, al morir su madre, volviera al pequeño pueblo de Andalucía del que huyó siendo una adolescente, y se encontrara que para poder acceder a la herencia tiene un mes para casarse y quedarse embarazada? Pues eso es lo que le sucede a María (Estefanía de los Santos), una mujer que ronda los 40 años, siempre distanciada de su madre, y que regresa a su pueblo natal tras la muerte de ésta. Allí descubrirá las peculiares intenciones de su excéntrica madre reflejadas en su testamento.

Ana es una joven actriz que compagina pequeñas producciones teatrales con un trabajo como dependienta en una tienda. Ahora está inmersa en la preparación de un nuevo papel: ha sido seleccionada para interpretar a Lady Ana en una modesta representación del Ricardo III de Shakespeare que se llevará a cabo en un pequeño teatro off madrileño. Pese a lo humilde que es la producción, la oportunidad es ilusionante para Ana, pero esa ilusión chocará enseguida con la férrea visión del director de la obra, que concibe el personaje de Lady Ana únicamente como un juguete al que Ricardo debe asfixiar.


Lo dejo cuando quiera

La pequeña Suiza

Dirección: Carlos Therón Guion: Cristóbal Garrido, Adolfo Valor Fotografía: Ángel Iguacel Reparto: David Verdaguer, Ernesto Sevilla, Carlos Santos, Ernesto Alterio, Cristina Castaño, Miren Ibarguren, Amaia Salamanca, Pedro Casablanc

Dirección: Kepa Sojo Guion: Sonia Pacios, Kepa Sojo Fotografía: Kenneth Oribe Reparto: Maggie Civantos, Jon Plazaola, Ingrid García Jonsson, Secun de la Rosa, Enrique Villén, Ramón Barea, Lander Otaola, Antonio Resines, Karra Elejalde

Pedro, Arturo y Eligio, profesores universitarios a los que la crisis ha dejado sin trabajo, encuentran la solución a sus problemas en el proyecto de investigación en el que Pedro lleva años trabajando: un complejo vitamínico que ofrece desfase a tope sin efectos secundarios. Los tres profesores, con el apoyo de Anabel, empleada de gasolinera, y de Jota, una alumna más interesada en la juerga que en los estudios, se lanzarán al mundo de la noche y de los negocios turbios para comercializar la mercancía.

La película narra las peripecias de los habitantes de un imaginario pueblo castellano enclavado en el centro del País Vasco llamado Tellería, que desea, tras 700 años de historia, pasar a ser parte del territorio vasco. Tras la negativa del gobierno, un curioso hallazgo en el santuario del pueblo originará que los osados habitantes de Tellería pidan su anexión nada menos que a uno de los países más ricos del mundo: Suiza. Comedia rural con personajes pintorescos de la España profunda.


MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

The Invocation of Enver Simaku

Vitoria, 3 de marzo

Dirección: Marco Lledó Escartín Guion: Marco Lledó Escartín Música: Manu Ortega Fotografía: María Santolaria Reparto: Antonio de la Cruz, Tinka Kurti, Viktor Zhusti, Ferran Gadea, Margarita Xhepa, Piro Milkani, Mehmet Rexhepi, Lulzim Guhelli, Ema Andrea, Laertis Vasiliou

Dirección: Victor Cabaco Guion: Hector Amado, Juan Ibarrondo Fotografía: Gaizka Bourgeaud Reparto: Ruth Díaz, José Manuel Seda, Alberto Berzal, Mikel Iglesias, Amaia Aberasturi, Iñigo de la Iglesia, Iñaki Rikarte, Asier Macazaga

18 años después, Julien vuelve a Albania con el objetivo de entender la muerte de su esposa Ángela. Gracias a la ayuda de sus antiguos colegas, se adentrará en un mar de grabaciones, informes policiales y visiones del más allá. Marco Lledó Escartín, al que ya conocimos en el film Los ajos quemados, dirige esta película de terror, que está protagonizada por Lulzim Guhelli (The Hero), Laertis Vasiliou (Agon), Piro Milkani (Eja!), Tinka Kurti (Bota), Margarita Xhepa (Ne dhe Lenini), Viktor Zhusti (Dhe vjen një ditë), Ema Andrea y Antonio de la Cruz, entre otros.

Largometraje documental que narra los hechos ocurridos durante 1976 en Vitoria (País Vasco), donde surgieron una serie de manifestaciones y huelgas obreras a las que la localidad no estaba acostumbrada. A través de los ojos de Begoña y su padre José Luis, locutor de una radio local, el espectador vivirá de primera mano lo que sucedió en aquellos disturbios, los cuales terminaron trágicamente con el asesinato de cinco jóvenes en la asamblea que se celebró en la iglesia de San Francisco. La película la dirige Víctor Cabaco, autor de cuatro episodios de la teleserie Compañeros.


EXPOSICIONS

August Sander – Gent del segle XX Ens trobem davant d’un dels projectes fotogràfics més importants i influents de la breu història de la fotografia. Amb imatges mítiques com ara la secretària de la ràdio, el pastisser o el cèlebre paleta. Objecte d’exposició al MoMA o al MET, la Virreina ha aconseguit reunir les set sèries d’aquest treball llegendari. August Sander va traçar el camí del retrat fotogràfic amb aquest projecte, una influència mestra per a les generacions posteriors, des d’Irving Penn amb els seus Worlds in a Small Room fins a Richard Avedon i els Portraits of American West. Amb aquest gran corpus que va començar als anys vint i que va abraçar tota la seva vida, Sander va independitzar la fotografia de la pintura. Els seus retrats del poble alemany la transformen en el vehicle principal de la consciència moderna. Són retrats d’individus anònims dels quals n’esmenta l’ofici, sense retocs ni manipulacions, en què els detalls contextualitzen la imatge fins a convertir la fotografia en un mitjà d’expressió. Palau de la Virreina La Rambla, 99 – Barcelona Tel. 933 161 000 Fins al 23 de juny del 2019


Cal Quitèria, nou centre d’art tèxtil contemporani La creació d’un centre de referència va ser el gran somni de Josep Grau-Garriga, principal renovador del tapís contemporani, les obres més mediàtiques del qual són els formidables tapissos que va confeccionar amb Joan Miró, Tàpies o Subirachs. Aquest somni es fa realitat gràcies a Pilar Parcerisas, en una masia del segle XIX al cor mateix de Sant Cugat, i s’inaugura amb l’exposició Cent anys de tapís a Sant Cugat: una setantena d’obres d’art tèxtil entre les quals destaquen els grans tapissos de Tomàs Aymat, Jean Lurçat, Josep Royo o el mateix Grau-Garriga. Cal Quitèria Plaça de Cal Quitèria, 1 Sant Cugat del Vallès

Cualladó essencial Monogràfica del fotògraf valencià Gabriel Cualladó, que sense deixar de ser amateur va saber compondre poesia amb la seva Leica. La seva visió de la trista realitat de la postguerra està impregnada d’humanisme. Escenes senzilles, sense artificis, elegants: visions quotidianes en què hi trobava la poesia. La foscor de les seves còpies és un senyal de la seva empremta, que s’esforçava a aplicar dins el laboratori per tal de crear atmosferes que convidessin a l’emoció. Sala d’Exposicions de la Pedrera Passeig de Gràcia, 9 – Barcelona Tel. 93 217 16 26 Fins al 30 de juny del 2019


LA LIBRERÍA

¡Luz, fuego, destrucción! Miguel Martínez, Néstor Rubio 22,75 € (Amazon)

La loca historia de Mel Brooks Jorge San Román 24,65 € (Amazon)

Explorando «Final Fantasy» L. Carlota Fernández, Marta García Villar, Miguel Martínez 22,76 € (Amazon)

Animación: De Betty Boop a Tim Burton Pedro Delgado Cavilla 24,65 € (Amazon)


La muñeca española de posguerra Salud Amores 22,75 € (Amazon)

Los sabores de la memoria Fernando Ruiz-Goseascoechea 22,75 € (Amazon)

Gainax y Hideaki Anno: La historia de los creadores de «Evangelion» David Heredia Pitarch 25 € (Amazon)

Buffyverso: El mundo de Buffy y Angel Volumen I Andrés Argal Sotés 22,75 € (Amazon)


COMICLAND

Long John Silver Mathieu Lauffray, Xavier Dorison 39,95 €

Imaginar Hogwarts: Una guía para empezar a hacer cine Bryan Michael Stoller 24,95 €

Las Supernenas: La serie clásica Varios autores 16,50 €

Stranger Things Jody Houser, Keith Champagne, Lauren Affe, Nate Piekos 17 €


Depredador vs Juez Dredd vs Aliens John Layman, Chris Mooneyham, Michael Atiyeh, Michael Heisler 17 €

Mala Estrella Barbara Baldi 22 €

«Star Wars» Icons: Han Solo Gina McIntyre 49,95 € El libro recorre toda la trayectoria del personaje, desde su génesis en los primeros borradores de George Lucas para Star Wars hasta las míticas interpretaciones de Harrison Ford en las tres películas originales y El despertar de la Fuerza o el renacimiento del personaje en Solo: Una historia de Star Wars. El libro también explora en profundidad el papel de Solo en el universo expandido de Star Wars, en novelas, cómics, videojuegos y demás; además de la huella imborrable que ha dejado en la cultura popular. Contrabandista, forajido, héroe de la rebelión, andrajoso pastor de nerfs: a Han Solo lo han llamado de todas estas maneras y muchas más desde que debutó en la primera película de Star Wars en 1977. Cuatro décadas después, el indomable Solo es uno de los elementos más icónicos y perdurables de la saga.


COMICLAND

La serie de shonen Capitán Harlock está basada en un mundo futurista, donde la humanidad ha dejado las ansias de conquista que le hicieron expandirse por todo el universo. Dedicados al ocio y a entretenimientos varios, los hombres no son capaces de soportar la carga de sus vidas, exentas de obligaciones. Sin embargo, muchas personas, que veían malgastadas sus vidas en una Tierra inerte de esperanzas y sueños, se embarcaron de nuevo en naves para surcar el universo. Y el gobierno terrestre, criticando esta conducta, los tacha de piratas y criminales. Así nace la figura de los piratas espaciales, que, a finales del tercer milenio, surcaban el espacio. Todo empieza cuando una gran esfera negra choca contra la Tierra. El profesor Daiba y su hijo Tadashi descubren que este objeto ha sido enviado por las amazonas, una especie extraterrestre que planea invadir la Tierra. Sin embargo, nadie del gobierno cree estos hechos y toman la esfera como algo casual e insignificante. Incluso cuando el profesor Daiba es asesinado, nadie hace nada. Esto enfurece a Tadashi, que ve como única solución embarcarse en la Arcadia, pedirle ayuda al capitán Harlock y juntos combatir a las amazonas y así poder vengar a su padre. Pero, poco a poco, Tadashi descubre que la tripulación y el mismo Harlock tienen sus propios motivos para luchar, al igual que Raflesia, reina de las amazonas. Así pues, la guerra por la Tierra no solo sirve para proteger el planeta o conquistarlo, sino para descubrir qué hay detrás de estos hechos.


FREAKYWORLD


y en el próximo número...

PETER VIVES


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Blue Eye BCN 33 Mayo 2019

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