BK Mag 48

Especial Veranos de Película // Kings of Leon // No te va gustar// Les Mentettes // Diez álbumes imperdibles del 2012 // Iván Cervantes maneja sobre agua // Kelly Slater // Longboard // Gastão de Magalhães // Franz Ackermann // The Hobbit // Best of Fest // Ecología y mucho más…

argentina $25

ejemplar de colección

sumarioBKMAG2012

06

Nick Cave Regresa con nuevo disco.

10

Les Mentettes Canciones para un mundo mejor.

14

King of Leon Los hermanos sean unidos.

16

No te va gustar El rock que te va a gustar.

18

Best of Fest

20

10 álbumes imperdibles del 2012

22

Veranos de Película

28

Amor Amarillo

32

Gastão de Magalhães 40 años de interferencias, poética y contra cultura.

34

La Mitología de Paula Barragán

36

Franz Ackermann

38

Santiago Licata “Lo único que importa en una pintura es que sea sincera”

40

The Visitors

44

Summer Rules

50

Iván Cervantes maneja sobre el agua

51

La sencillez de Guna Yala Surf

52

Foto X

54

Longboard Corriendo olas de asfalto

56

Andar en bici, la nueva tendencia

58

El futuro de Kelly Slater Surf

60

Gadgets

61

Tony Hawk arremete con el proyecto Boards + Bands

62

The Hobbit La invención de Jackson

63

El Boom de las fotos retro

64

Some Faces

STAFF créditos foto tapa Producción general: Cuarto Rayo S.A. Dirección creativa: Diego Timpanaro PH: Victoria Leites para One Boutique Studio www.oneboutiquestudio.com.ar Produccion & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM Video: Anibal Vecchio Pelo: Marcelo Pedrozo para CPM Make Up: Evelin Avila Modelo: Giuliana Daga para Civiles Mgmt.

Asistente de PH: Alejandra Rey para One Boutique Studio Thanks: Fire Walk with me por la indumentaria

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Dirección Gral. y Creativa Diego J. L. Timpanaro.

Edición y Corrección Ana Quiroga.

Diseño gráfico Diego L. de Guevara.

Coordinación Ana Quiroga, Lina Alegria.

Comunicación y Mktg Valeria Izzo.

Redacción Leonardo Gutiérrez, Agustina Compagnucci, Nicolás Sobrero, Amparo Quiroga, Julieta Goldin, ChamaLeona, Lorena Cevallos, Ana Quiroga.

Asesor Financiero Dr. Jorge A. Daniel.

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Asesor Legal Dr. Martín Sivieri.

Colaboran en este número Fotografía Victoria Leites , Jorge Aragon.

Diseño e Ilustración Paula Barragán, Gonzalo Rodriguez.

Producción de moda Nadia Hnatiw.

Producción video de tapa Anibal Vecchio

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Agradecimientos especiales Javier Gavaldá, Fernando Merlotti, José Dafunchio, Lucía Huergo, Maite Wilson, Hernán Nisembaum, Euge Aramburu, Manuel Cadena, Cristian Ramos, María Bilote, Rodrigo Mulet, Silvina Tenenbaum, Javier Fabregas, Maria Butler. y a todos los que siguen haciendo que un nuevo número de BK este en este momento en tus manos.

Contacto Press y publicidad: publicidad@bkmag.com.ar / comercial@cuartorayo.com.ar Notas: contenidos@bkmag.com.ar Suscripción: suscripción@bkmag.com.ar Lectores: lectores@bkmag.com.ar

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06/07

música

nick cave

Nick Cave regresa con nuevo disco Junto a The Bad Seeds, el intérprete australiano anunció el lanzamiento de su nueva placa. Estará disponible a mediados de febrero. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

Hablar de Nick Cave es hacer referencia a uno de los padres del noise, del post punk, del free jazz y de la vanguardia musical más extrema. Tanto con su primera banda The Birthay Party, como con The Bad Seeds, el australiano ha dado infinitas muestras de que es uno de los artistas más importantes del siglo pasado y del actual.

Luego de casi cinco años sin grabar un disco (Dig, Lazarus, Dig!!! fue editado en el 2008), la banda anunció la salida del tan esperado nuevo trabajo discográfico, decimoquinto de estudio para Cave. Push the Sky Away, producido por el británico Nick Launay y grabado en los estudios de La Fabrique -situados en el interior de un pintoresco castillo del siglo XIX en el sur de Francia-, verá la luz el 18 de febrero a través del sello de la propia formación, Bad Seed Ltd. Se trata de un álbum de nueve canciones, con títulos sugestivos, oscuros y profundos como “Water’s Edge”, “We Real Cool”, “Finishing Jubilee Street”, “Higgs Boson Blues” o “Wide Lovely Eyes”. El primer single del álbum, “We No Who U R”, se encuentra disponible online desde el 3 de diciembre y, además, ya se dio a conocer su video, dirigido por el argentino Gaspar Noé.

Entre las versiones del disco que se presentaron, se encuentra la Super Deluxe Box Set, que incluye anotaciones de todas las canciones, versos descartados, fotografías, el álbum en cuerpo de CD y vinilo, un DVD con un filme corto sobre la grabación del álbum, realizado por los cineastas Iain Forsyth y Jane Pollard, dos siete pulgadas con bonus tracks y una réplica de la libreta de notas de 120 páginas de Cave.

Además se anunció que, alrededor de la fecha del lanzamiento, y para celebrar el nuevo disco, la banda ofrecerá cuatro conciertos en los que contarán con el acompañamiento de un conjunto de instrumentos de cuerdas y un coro. Las exclusivas fechas serán en Londres, el 10 de febrero; en París, el 11; en Berlín, el 13 del mismo mes; y en Los Ángeles, el 21 de febrero. En las cuatro presentaciones se proyectará el filme con imágenes de la grabación del disco.

10/11

música

Suena a banda francesa, pero no. Componen y cantan en inglés, pero Les Mentettes son argentinos, y uno de los grupos indie-rock revelación que más se mantiene en constante cambio, como las cosas más bellas. Sus integrantes, Adrián Rivoira (voz, bajo, guitarra y armónica), Eugenia Brusa (voz, kazoo, melódica), ChoWa (bajo, teclados), Pablo Font (piano, xilofón, teclados, coros), Tuko (guitarra) y Tomás Molina Lera (batería), casi todos amigos desde la primaria, tocan juntos desde chicos, y esa química se hace presente en cada canción.

Editaron su primer LP en el año 2008, Let’s Mentettes. Para su segundo disco, dos años más tarde, apostaron fuerte con el proyecto musical Les Mentettes Orchestra, en el que adaptaron temas de su trabajo anterior para crear nuevas canciones que grabaron en vivo con un gran equipo de 25 músicos, bajo la dirección de Manuel Aducci Spina (Manu Loop) y junto a miembros de Mataplantas, Onda Vaga y Los Hermanos McKenzie.

les mentettes

Canciones para un mundo mejor El sexteto indie arranca el año festejando con toda la buena vibra, nuevos proyectos y shows locales e internacionales.

Texto: Agustina Compagnucci. Fotos: Prensa.

Su impecable obra del 2011, Songs for an Imaginary Film, del que estrenaron el videoclip de “Suzanne”, fue elegida entre los mejores discos del año por la prensa y el público local. Sus canciones son versátiles, van del clima festivo a la ironía y la acidez despampanantes, aterrizando en el misterioso mundo del amor y el desamor. Escuchar estos temas libera y abre caminos hacia infinitos escenarios ante tan mágica estimulación. No se descartan ideas, sino que se multiplican, como en un juego; y cuando todo parece concretarse, aparecen otros nuevos ambientes. Desde ese momento, todo es definitivamente mejor.

Con un sonido en vivo excelente, Les Mentettes no para de tocar, transformándose y enriqueciéndose con cada nueva propuesta. En formato orquesta o clásico, con o sin pista de baile, le dieron vida a lugares tan diversos como el Festival Ciudad Emergente, La Trastienda, el Luna Park, La Manzana de las Luces, Niceto Club, el Centro Cultural Konex y el Auditorio de Radio Nacional. Además, durante el 2012 fueron banda soporte de Of Montreal y Pulp, y lanzaron el EP Bouh!, su obra más reciente.

Luego de un intenso 2012, este nuevo año los recibe también con los brazos abiertos. El 19 de enero, la banda presentó nuevas canciones en el recital que brindó en Niceto Club, junto a Las Liebres, mientras que en marzo viajará a Estados Unidos, junto a Mompox.

Algunos de los integrantes de Les Mentettes tienen sus proyectos musicales paralelos.

Tomás Molina Lera toca canciones simpáticas y veraniegas en Suena Olivia. Eugenia Brusa, Adrián Rivoira y Pablo Font colaboran en Alvy, Nacho y Rubin interpretan a los Campos Magnéticos. La voz femenina de la banda, a su vez, lleva adelante Brusa y los Bombones de Murano, cantando hermosos boleros y valsecitos, y Font también es parte de Cosmo, donde Rivoira participa como invitado.

14/15

música

kings of leon

Los hermanos sean unidos El cuarteto norteamericano desmiente los rumores de separación y prepara lo que será su sexto disco de estudio y continuación de Come around sundown. Intro de una de las bandas indie-rock americanas más importantes del momento.

Texto: Agustina Compagnucci. Fotos: Prensa.

En el año 2010, en una entrevista a Paul McCartney por su visita a la Argentina, le preguntaron si le gustaba la escena musical actual, teniendo en cuenta la cantidad de músicos a los que él había influenciado. Paul contestó, halagado, que la mayoría de los músicos jóvenes con los que hablaba, le expresaban su dificultad para encontrar un sonido nuevo y distinto después de Los Beatles.

Declaró que hay muchas bandas de hoy que lo han encontrado, nombrando a Kings of Leon como la primera de ellas.

Kings of Leon, banda de indie-rock, originaria de Nashville, Tenesse, se formó allá por el año 1999. Tres de sus integrantes son hermanos, y uno primo hermano: Anthony “Caleb” Followill (voz, guitarra rítmica), Ivan “Nathan” Followill (batería, percusión), Michael “Jared” Followill (bajo), y Cameron “Matthew” Followill (guitarra solista). El nombre del grupo deriva del padre y abuelo de Nathan, Caleb y Jared, los dos llamados Leon. Hijos de un pastor, los hermanos Followill pasaron su infancia recorriendo iglesias del sur de Estados Unidos; para cambiar de vida y formar una banda, luego de que su padre dejó de predicar. Los cuatro han confesado más de una vez que es muy simple mantener todo en familia, los conflictos se resuelven más rápido que en otras relaciones y se pierde la timidez, generando una relación muy transparente.

Su primeros discos de estudio Youth and Young Manhood (2003) y Aha Shake Heartbreak (2004) les dieron popularidad fuera de Estados Unidos, y los llevaron a ser elegidos por músicos como Bob Dylan, Pearl Jam, y U2 para acompañarlos en sus giras. Luego de tres años de mucho trabajo, grabaron Because of the Times (2007), con un sonido nuevo y ambicioso. Caleb fundamentó que se debió a un cambio brusco en sus vidas: pasar de tener un trabajo mediocre y vivir en el sótano de su mamá a viajar por todo el mundo y tener experiencias increíbles.

Inmediatamente después de lanzar su tercer disco, comenzaron a trabajar en el siguiente, profundizando la búsqueda de un nuevo sonido. De esta manera, llegó Only by the Night (2008), que se convirtió rápidamente en el primer número uno de la banda en Gran Bretaña e Irlanda y que vendió 42.000 copias en Estados Unidos sólo en su primera semana.

En el 2010, siguiendo el mismo camino pero con menos éxito, editaron Come Around Sundown. Allí, la banda decidió relajarse y no apelar tanto a la sorpresa sino a lograr un trabajo más consistente, dejando de lado, tal vez, su tono histriónico para dar lugar a un producto personal, aunque con menos fuerza que sus obras anteriores. El cantante admitió no ser un gran fan del disco, pese a que le gustaron algunas de sus canciones, por considerarlo “fuera de lugar”, al igual que lo estaba el grupo al momento de grabarlo en New York. Caleb estaba agotado por el ritmo vertiginoso que venían llevando, razón por la que el grupo canceló parte de su gira programada para el 2011; era momento de descansar. La banda no paró de tocar en diez años, y decidió tomarse una pausa durante un tiempo, para volver fuerte e inspirada, renovándose con la energía de sus familias e hijos en camino.

Ahora, los Kings of Leon están trabajando en su nuevo disco de estudio, que saldrá para la primera mitad de este año. Y adelantan que es la mejor música que hicieron hasta el momento.

El público argentino tuvo la oportunidad de ver a los Kings of Leon por primera vez en el año 2005, cuando compartieron escenario con The Strokes y Arcade Fire. El pasado diciembre, durante el Personal Fest, la banda regresó a nuestro país para deleitarnos como cabeza de uno de los festivales de música nacionales más importantes, en el que repasaron sus cinco discos de estudio. Entre las dos fechas hubo una diferencia abismal, ya que la banda creció mucho artísticamente: su sonido fue variando del rock sureño hasta incluir géneros como el soul y el góspel.

Muchos fans piensan que el grupo difiere demasiado de las influencias de garaje rock características de sus orígenes, pero en esencia siguen siendo los mismos, con un sonido ampliado que va mutando y busca salir de la monotonía para mantenerlos siempre interesados.

En vivo, se transformaron en un grupo que combina juventud y madurez en un show impecable, haciendo participar al público. Quizás, lo más impactante del recital fue percibir cómo el vínculo de hermandad de los leones está presente en el escenario, con la misma intimidad y química que en su casa en Talahina, llevando la magia de su música a gran escala, logrando hacer sentir al público parte de la familia Followill.

16/17

música

no te va gustar

El rock que te va a gustar Luego de haber sufrido la pérdida de su tecladista durante una gira por los Estados Unidos, la banda uruguaya No te va gustar redobló la apuesta y lanzó un nuevo disco a fines del 2012, El calor del pleno invierno.

Te invitamos a hacer un breve recorrido por la historia de esta banda que sigue cumpliendo la promesa del buen rock, ese que SÍ te va a gustar.

Texto: Amparo Quiroga. Fotos: Prensa.

Con nuevo disco y energías renovadas, la banda oriunda de la República Oriental del Uruguay se prepara para tocar en Buenos Aires el próximo 6 de abril en el estadio Costanera Sur. Las entradas pueden conseguirse a través de Livepass o en Musimundo, La Lupita, Locuras Rock y La Trastienda Club.

Con siete discos y cuatro dvd’s sacados a la venta, el grupo oriundo de la Republica Oriental del Uruguay se presenta como una de las bandas más frescas y auténticas del rock de la región. Fusionando instrumentos y ritmos tan distintos como el rock, el reggae, el ska, la murga uruguaya y el candombe, No te va gustar es una promesa cumplida para los que disfrutamos del buen rock.

No te va gustar, más conocida como NTVG, nació como un pequeño trío de adolescentes que se entretenían tocando rock allá por el invierno uruguayo de 1994.

Con nuevos integrantes y una perspectiva musical expandida, en 1999 NTVG saca su primer disco editado completamente de forma independiente, Solo de noche.

Junto a La Vela Puerca, NTVG es una de las bandas uruguayas de mayor proyección internacional que emprendió un camino de bajo perfil desde la edición de su primer disco y que, con los años y mucho trabajo, inauguró un activo intercambio entre grupos de ambos lados de la orilla del Río.

Durante la década de los noventa, difícilmente una banda uruguaya podía vivir de la música, como tal vez sí pasaba en la Argentina. Con el desafío cumplido de bandas como No te va gustar, que con perseverancia pudieron hacer de la música su trabajo, su profesión, el paradigma comenzó a cambiar definitivamente para las generaciones contemporáneas.

La banda comenzó a posicionarse a partir de una extensa y exitosa gira por su país de origen en el verano del 2000 y, al mismo tiempo, emprendió las primeras presentaciones en Buenos Aires: el éxito en Uruguay era rotundo, lo que costaba era salir de ese pequeño horizonte y alcanzar la otra orilla del Río de la Plata.

En 2002 llegó el turno de su segundo trabajo, Este fuerte viento que sopla, disco de platino y uno de los que más se siguen vendiendo actualmente. Con su uruguayez al palo, este álbum fue la puerta que finalmente les permitió terminar de cruzar el charco y empezar a compartir escenario con artistas de la talla de León Gieco, Spinetta y Los Piojos.

Hoy, casi 12 años después de sus primeras visitas, la banda liderada por el argentino Emiliano Briancciari e integrada por Guzmán Silveira (bajo), Diego Bartaburu (batería), Gonzalo Castex (percusión), Martín Gil (trompeta y coros), Denis Ramos (trombón), Mauricio Ortiz (saxo tenor)

y Pablo Coniberti (guitarra), ha recorrido más de 40 ciudades del viejo continente como Munich, Hamburgo, Berlín, Viena y Madrid, hasta los más recónditos pueblos de todas las provincias argentinas, llenado el Luna Park, el estadio Obras, y el próximo abril seguramente colmará de fans el Estadio Costanera Sur, cuando presente su más reciente disco, El calor del pleno invierno. Luego de la trágica muerte de su tecladista Marcel Curuchet en julio del 2012, en un accidente de tránsito durante una gira por Estados Unidos, NTVG no se quedó al borde del camino y redobló la apuesta terminando de editar a fin de año el disco que venía preparando desde hacía algunos meses. En las declaraciones que dio la banda luego del trágico desenlace del músico, se dejó en claro que no van a reemplazar a su compañero, sino que por ahora van sustituir el sonido del teclado con guitarras.

La lírica de NTVG despoja con sabiduría y dulzura la simpleza de situaciones cotidianas que nos pueden enroscar a cualquiera: deseos, ilusiones, pérdidas, frustraciones, corazones rotos, sueños y desamores. En un mismo álbum podemos encontrar letras de amor y sufrimiento y también otras con conciencia social y temas de actualidad. NTVG es un combo completito: buen ritmo y letras increíbles, algunas viscerales y ásperas como la de “Al vacío”, y otras a las que les sale el amor por los poros como en “No necesito nada”.

Las letras de No te va gustar dejan entrever que el mundo de sus compositores no es de fácil acceso y que ciertas historias y experiencias deben quedar resguardadas en el mejor lugar posible: su música.

18/19

música

Best Fest

of

Dark-Wave, violines de Siria y low-fi son algunas de las palabras claves que caracterizaron a la última temporada de recitales y eventos musicales en Buenos Aires.

Textos: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.

Sonaron sus primeras canciones del EP homónimo de 1999 hasta hitazos como “Love Long Distance”. A su vez, recorrieron las grandes canciones de los álbum That’s Not What I Heard y Movement (2003). Sin embargo, todos esperaban oír y bailar al ritmo de su tercer y consagratorio Standing in the Way of Control, que los convirtió en el nuevo fenómeno musical del 2006. Luego le siguieron algunos temas de Music for Men (2009) y algo del flamante álbum de estudio, titulado A Joyful Noise. Entre tantos temas también pudieron oírse “Standing in the Way of Control”, “Jealous Girls”, “Listen Up!”, “Heavy Cross”, “Men in Love”, “Love Long Distance” y “Perfect World”.

Ariel Pink’s Haunted Graffiti En su primer show en Argentina, el músico californiano confirmó que es una de las figuras musicales de la última década y todo sugiere que sus discos se convertirán en indiscutibles clásicos generacionales. El recital se llevó a cabo el 12 de diciembre en Niceto Club junto a su banda -The Haunted Graffiti-, y dieron un espectáculo en el que el joven rubio demostró que es una verdadera estrella internacional. Vestido con una remera verde y unas gastadas bermudas de jean negro, tocó algunos de sus hits más reconocibles como “Round and Round” o “Menopause

Amadou & Mariam El dúo afro blues regresó a la Argentina para presentar su séptimo álbum en Niceto Club. Embarcados en la gira presentación de Folila, Amadou y Mariam pisaron escenario porteño antes de continuar con su abultada agenda que los llevó también por México, Colombia y Chile. La historia de la agrupación comenzó en la década de los ochenta, cuando este matrimonio proveniente de Malí impresionó a David Gilmour (Pink Floyd) y Damon Albarn (Blur), con quienes desde entonces han colaborado en diferentes proyectos. A mediados de los noventa, Amadou y Mariam alcanzaron notoriedad fuera de su país grabando en Francia, aunque el gran salto fue con Dimanche a Bamako (2004), placa que contó con la participación de Manu Chao y que logró que desde ese momento su fecunda discografía se diera a conocer en todos los continentes.

En su show en Buenos Aires hicieron un extenso recorrido por sus más esperados temas e hicieron sonar su último y alabado álbum, en el que participaron talentos como Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), Kyp Malone y Tunde Adebimpe (TV On The Radio), Santigold, el francés Bertrand Cantat, Jake Shears (Scissor Sisters) y Ebony Bones. El show se llevó a cabo entre guitarras eléctricas, violines de Siria, mambos cubanos, ney egipcios y percusión dogón, haciendo de la velada una reunión sonora inolvidable.

Dead Can Dance Brendan Perry y Lisa Gerrard volvieron a Buenos Aires para presentar su último disco Anastasis. El dúo australiano de Melbourne se presentó el jueves 6 de diciembre en el teatro Vorterix (Av. Lacroze 3455) e hizo sonar sus oscuras melodías etéreas.

Formada en 1981, la banda conformada por estos dos íconos de la música mundial, transformó el auditorio en un show emocionante y de sorprendente sonido. Brendan

Man”, y sorprendió a más de uno con temas desconocidos e imposibles de clasificar dentro de un género musical.

Ariel Pink dio muestras de todo su talento a la hora de crear canciones pop con una mezcla de amor por lo bizarro y el low-fi. Así, el show fue más que un recital: hubo muestras de sobra para asegurar que se vivió un espectáculo integral de arte performático y colectivo.

Su música demostró tener la misma vitalidad que los primeros temas de Joy Division, la locura de Ian Curtis y la gracia de Laurie Andreson. Esta mezcla musical es la que lo ha convertido en un intérprete y compositor imposible de etiquetar, haciendo de sí mismo un icono para las nuevas generaciones de los amantes de los sonidos más arriesgados. El combo de su estilo se conforma por una mezcla inesperada entre música disco, house, punk y hip hop, entre tantos otros, y esto quedó más que claro tras su paso por Buenos Aires.

Siempreterno

Gossip La banda liderada por Beth Ditto aterrizó en Argentina por primera vez en la nueva edición del Festival Pepsi Music, que se desarrolló en Costanera Sur. El trío pop estadounidense liderado por la extravagante y carismática cantante, junto al guitarrista Brace Paine y la baterista Hannah Blilie, expuso toda su energía y explosión en el escenario principal, sorprendiendo a todo el público presente. Las expectativas de sus seguidores eran enormes y a medida que repasaron toda su discografía, quedaron más que satisfechos.

prometió el lanzamiento de Anastasis y una gira para el 2012, y cumplió. A pesar de que ambos músicos llevan más de diez años separados, con el nuevo álbum parece que “los muertos vuelven a bailar”. En su show en Argentina demostraron por qué Dead Can Dance es considerada una de las bandas de rock alternativo más importante de la década de los ochenta. Como bien indica su nombre, Perry y Gerrard dieron un show por el que recorrieron con gracia y astucia sus eclécticas melodías dark, siempre rozando lo gótico y el soft pop.

El grupo encabezado por Sergio Rotman se presentó en Niceto Club, con un show en el que se sintió una vibra subterránea que hipnotizó al público. El grupo, conformado por Mimí Maura, Ariel Minimal –líder de Pez–, Fernando Ricciardi –ex baterista de los Fabulosos Cadillacs–, y Álvaro “el ruso” Sánchez, ya ha sido catalogado por la prensa como una “súper banda”. Y no se equivocan. Durante el show, sonaron con gran nivel los temas que conforman su homónimo disco debut (2010), canciones que poseen grandes cuotas de improvisación, delirio, rock y magia.

Afortunadamente, también adelantaron algunos nuevos temas que serán editados en el disco Hacia el mar de carbón, que saldrá en este 2013.

20/21

música

10 álbumes imperdibles de 2012

top 10 El año en que la Tierra pareció saltarse de su eje con los pasitos de “Gangam Style”, también brotó de proyectos que vuelven a las raíces al mismo tiempo que miran al futuro. Estos son diez títulos elegidos para deglutir con el oído. Texto: ChamaLeona

1. Grimes: Visions Grimes no es una banda. Es una canadiense que en realidad se llama Claire Boucher. La portada calavérica de Visions nos dice algo de su pasado como bailarina gótica. El disco es resultado de tres semanas de sesión en solitario, grabado enteramente con Garage Band, algo de lo que esta chica de Montreal no está nada orgullosa pero que curiosamente le da a la pieza su cuota de relieve. Lo que suena es un electro-pop que corta lo robótico con una vocecita espectral, combinando tracks bailables con otros más espirituales, sin llegar al New Age, claro.

2. Beach House: Bloom El pop del dúo de Baltimore siempre se caracterizó por evocar un entorno de ensueño donde todo lo que existe (mejor dicho, lo que no-existe) es bello y parece flotar como pote de queso crema light. La historia sigue igual. Nada es real en el mundo interior de este cuarto disco sublime. No deja de encantar la voz de Victoria Legrand, que recuerda a la vieja y querida Nico y los innumerables chorus que nos ponen un pie en el aire.

Volar no se puede. Para mayor efecto, se recomienda escuchar de pé a pá.

3. The XX: Coexist Si algo tiene esta agrupación británica es que funciona aun cuando se puede percibir la individualidad de cada miembro.

Son tímidos, introvertidos y la música también se resuelve de esa manera: tres hilos que bailan sin tocarse y se mueven sincrónicamente en forma de espiral, con efecto hipnótico y a la vez seductor. Quien cae en las redes de Coexist va a sentirse así, hipnotizado y seducido. El sonido fluye uniforme y los temas se suceden sin sobresaltos. Eso sí, el audio master quedó en -6.

4. Cat Power: Sun Los últimos seis años de Chan Marshall fueron algo turbios, al menos desde que se empezó a hablar de brotes psicóticos, alcoholismo y sentimientos suicidas. La luz de Sun llega en un proceso de curación, de limpieza. Pero el disco no marketinea insufriblemente con un optimismo insensato, con una “fuerza interior” que queda en la superficie. Sigue siendo Cat Power pero mejor parada frente al micrófono. La voz panea de un lado a otro a su gusto, se ablanda y se expande. Material a destacar es “Nothin’ But Time”, grabado con Iggy Pop: Depende de vos ser un superhéroe, depende de vos ser nadie.

5. Tame Impala: Lonerism La primera imagen que salta de la palabra “psicodelia” es la de unos vagos que no saben lo que quieren y tocan igual. Por suerte, no siempre aplica el caso y además, recordemos cuanto ayudó el germen de la psicodelia en el mundo de la música. Tame Impala logró absorber lo mejor: un poco de Sargent Pepper por acá, otro de Morrison Hotel por allá. La ensalada tiene todos los condimentos y llega a su máxima concentración hacia el final con tracks como “Elephant” o “Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control”.

6. Jack White: Blunderbuss El álbum de los 10 puntos: con Blunderbuss, el ex White Stripes se pone en el centro de la escena, se desata en frenesí y no tarda en ganarse el público más respetado. La guitarra y el piano, en especial en “Sixteen Saltines” y “Weep Themselves to Sleep” respectivamente, desprenden todo su poder a chorros cual impresora láser. No cabe duda de que eso pase si están en manos de este fanático, el mejor alumno de la escuela del rock, al menos en los últimos quince años. El disco es una preciosa mamushka: a medida que avanza, nos vamos metiendo más y más en las raíces, paseando desde el metal hasta el country.

7. Grizzly Bear: Shields Después de un descanso de tres años, la banda de Brooklyn regresó con un disco de pura exploración compositiva de principio a fin. Si bien se apartaron del segundo trabajo Veckatamist, las voces de Rossen y Droste siguen teniendo la misma expresividad y las melodías complejas insisten en la mezcla del folk, rock y pop. Apenas lanzado en Internet, Shields empezó a descargarse como puñalada de loco y llegó a la primera posición de álbumes independientes en los Estados Unidos.

8. Frank Ocean: Channel Orange El hombre salió del clóset pero la verdadera bomba estalló con este disco que dejó a medio mundo atónito. Tomando el foley del R&B -calle, risas, tráfico, pasos, puerta, conversaciones-, con sonidos que entran y salen sin permiso: relojes, hardware andando, señal de ajuste, un violín que queda colgado a los segundos; el californiano deja un inventario que, como lo puso The Guardian, “toca todo, desde Marvin Gaye, hasta Pink Floyd”. Antes compositor de Beyoncé, Brandy y Justin Bieber, sus creaciones venían pidiendo un verdadero intérprete y Frank Ocean se hizo cargo. Canta como los dioses.

9. Hot Chip: In Our Heads El último álbum de la agrupación pop británica tiene una mano en el pop de los 80 y otra en el siglo XXI, logrando ajustar la brecha entre las dos épocas con temas bailables y melódicos. “Ah sí, estuve escuchando mucho esa música”, dijo Joe Goddard. “Usamos un Roland Juno 60 para la mayoría de las canciones del álbum. No fue a propósito. Era el teclado que andaba rondado en el estudio y sonaba fantástico”. Es el quinto trabajo de la banda y, hasta ahora, su máximo logro.

10. Divine Fits: A Thing Called Divine Fits El proyecto empezó como una broma: Britt Daniel, ex Spoon, fue a un concierto de Handsome Four y le dijo a Dan Boeckner que debían trabajar juntos. Las bandas empezaron a tocar juntas y fueron sumando adeptos entre sus paisanos de Austin, Texas. Así, lanzaron el álbum debut, toda una revelación en el electro-rock. La voz de Daniel tiene algo de Michael Hutchence y Dave Gahan, carnada sensual. Los temas son adhesivos instantáneos. “My Love is Real” o “For your Heart” pasan la prueba del hit del verano.

Veranos de Pelicula Desde clásicos célebres como Tiburón o Cuenta Conmigo, el cine nos ha dado veranos inolvidables que ya casi pertenecen a nuestros propios recuerdos estivales. Para este, decidimos rescatar y recomendarte algunas películas imperdibles que transcurren en verano o en vacaciones; algunas menos vistas, otras que al menos merecen revisarse. Comedias, romances, e incluso de terror. Comerciales e independientes. Clásicas y modernas. Las películas que siguen reflejan de diversas maneras la estación más bella del año, esa en la que el calor nos invita a salir al aire libre y a meternos bajo el agua, o bien a prender el aire y disfrutar de estos hermosos (o sufridos) veranos ajenos.

Texto: Leonardo Gutierrez. Fotos: Prensa

ADVENTURELAND (Estados Unidos, 2009) Una de verano pero sin vacaciones. La película más frontalmente tierna y melancólica de Greg Mottola, pero no exenta de su bello y encantador humor. Una historia que transcurre en 1987, esa época maravillosa donde no había Internet ni celulares para mandar una carita triste, enojada o feliz: había que ponerlas en persona. El inseguro pero astuto James (Jesse Eisemberg, el de Red Social) debe trabajar durante el verano para juntar unos pesos para ir a la universidad. Dicha desventaja lo lleva a un decrépito pero simpático parque de diversiones, donde conocerá a la experimentada pero frágil Em (la hoy star Kristen Stewart). Al igual que la extraordinaria Supercool, del mismo director, esta también es una coming of age, aunque el gran romance entre los protagonistas (o el inicio de ese romance) obliga a ubicarla en este género. La tan mentada “reacreación de época”, en este caso de los ochenta, no tiene nada que envidiarle a las de esos films sobre el siglo XVII: es simplemente perfecta. La escena de los fuegos artificiales al ritmo de la inigualable “Don’t Dream It’s Over” de los Crowded House está entre lo mejor del género. Una película de esas que ya no se hacen.

AQUEL QUERIDO MES DE AGOSTO (Portugal, 2008) La ganadora del BAFICI 2009 es una película muy difícil de describir; hay que experimentarla como se experimenta una puesta de sol, un baño en el río o un apasionado amor de verano, algunos de los sucesos intransferibles que el film logra captar con sensibilidad única. Hablar de ella es hablar necesariamente de su backstage. Hacia el año 2006, su director y un equipo de cinco personas viajaron al interior montañoso de Portugal -una pintoresca región que durante el mes de agosto se llena de gente- con la intención de encontrar locaciones y “actores” para su próxima película. Allí registró (y dejó en su film) bellas escenas que incluyen procesiones, fiestas familiares, ritos, tradiciones, personajes inolvidables y, sobre todo, la hermosa música popular de diferentes bandas que tocan al aire libre para los veraneantes. Al año siguiente, y supuestamente (la película está llena de supuestos maravillosos) con los actores elegidos en ese “casting” tan particular, volvió a dichos escenarios y rodó un melodrama familiar que constantemente se entremezcla con la realidad, con lo antes captado, hasta volverse indiferenciable. Lo importante es justamente que todo esto no es importante: aunque uno no entienda todo lo que está pasando, la razón se detiene (milagro), la propia imaginación se dispara y el film se convierte en una experiencia sensorial única, apuntalada por bellas canciones populares que llegan a emocionar aunque uno no las haya escuchado nunca. Y con un par de escenas y episodios inolvidables. Una película que es como sus canciones: simples y conmovedoras, cursis y sublimes a la vez.

LOS BANEROS MAS LOCOS DEL MUNDO (Argentina, 1987) Para dejar de hacernos los serios con tanto cine “culto”, no podemos dejar de incluir a la película nacional sinónimo de playa, a la comedia más graciosa de esas que Argentina Sono Film producía como caramelos durante los ochenta. Pero que además es un reflejo fiel de esa Mar del Plata ochentosa, isidoriana e idílica; de ese balneario ícono del país y de la plata dulce, esa Lavalle y Florida con mar y escollera y noches de anécdotas antológicas. Y para nosotros, para los que aún no podíamos ir, este cuarteto de porteños caraduras e inadaptados nos hacían sentir más identificados que cualquier James Bond. Ahí, la “Brigada Z” (Disi, Carámbula, Renni y De Rosa, todos en estado de gracia) despliegan su cruza nacional y popular de Los Tres Chiflados con Benny Hill, la tradición del humor más grotesco y burdo, con ese toque machista y con aire de destape post dictadura encarnado en las Mónica Gonzaga, las Yuyito, las Noemí Alan y tantas otras señoritas que apuraron nuestra pubertad. Hoy, a la intención cómica original se le suma una gracia extra, la del paso del tiempo, lo que la vuelve agradablemente camp. Por eso es una película para reírse con ella y también de ella. Por eso podemos disfrutar, además de los chistes (buenos y horribles), de esa cámara que tiembla, de ese montaje brusco, de sus parlamentos recitados, o de las apariciones “estelares” de gente de la que ya ni nos acordamos. Porque todo eso es parte de su dispositivo autoconsciente.

Hay que saber disfrutar también de las “malas películas”.

LAS VACACIONES DEL SR. HULOT (Francia, 1953) La película que terminó de darle fama mundial al genio indiscutible de Jacques Tati, un comediante inigualable y único en su especie. Alguien que no renegó de la supuesta debacle artística que sobrevino con la llegada del cine sonoro, sino que simplemente se negó a hablar, potenciando al máximo el humor físico y utilizando como nadie los efectos de sonido para generar gags. Este es el film que presenta por primera vez al entrañable Monsieur Hulot, protagonista del resto de su breve pero maravillosa filmografía. La llegada de este tímido y adorable personaje a un pequeño balneario para pasar unos días de playa alterará, sin querer, el orden del lugar y la paz de sus convencionales veraneantes. ¿Eso es todo? No, Las Vacaciones del Sr. Hulot es un festival de risas y enormes momentos, además de una inteligentísima sátira que desnuda el gran absurdo de las anquilosadas costumbres pequeñoburguesas y desliza una sutil crítica hacia los problemas cotidianos del alienado hombre moderno, algo que se acentuará en sus films posteriores, especialmente en la extraordinaria Playtime. Como plus, la película tiene una banda sonora bellísima. En síntesis, una comedia clave.

WAKE IN FRIGHT (Australia, 1971) Las peores vacaciones que uno podría concebir se encuentran en esta película de culto australiana, algo difícil de conseguir durante mucho tiempo pero que ahora se puede encontrar en algún que otro formato casero. Dura y seca como sólo el cine de dicho país puede serlo (algo que se puede comprobar en Animal Kingdom, de hace un par de años), aún más en esa década tan dorada como libre que fueron los setenta, la película está dirigida por Ted Kotcheff, quien en 1982 realizaría la primera entrega de Rambo. Aunque pensándolo bien, seca no es la palabra más acertada para Wake in Fright: acá se toma más cerveza que en cualquiera que hayamos visto, y el calor que transmite es tan sofocante como el comportamiento salvaje de sus protagonistas. John Grant es un maestro de primaria que da clases, a desgano, en un pueblo remoto del interior australiano. Durante el receso escolar de verano, e intentando llegar a Sydney para ver a su novia, queda varado en un desértico y desolado pueblo minero, donde se ve obligado a relacionarse con una serie de personajes misteriosos y desagradables, entre los cuales se destaca el interpretado por el siempre escabroso Donald Pleasence. Lo que sigue es un espiral de violencia, alcoholismo y machismo sádico que demuestra hasta dónde puede descender incluso el hombre más civilizado cuando decide atravesar ciertas barreras. Advertencia: la antológica escena de la matanza de canguros es material de pesadillas, y no apta para cardíacos o almas sensibles para con los animales. Esto, claro, está en las antípodas del bueno de Cocodrilo Dundee.

UN FERIADO PARTICULAR (Italia, 2008) La commedia all’italiana no ha muerto. Es más: Un Feriado Particular le da un electroshock que la deja más viva que nunca, recordándonos el amor entrañable que nos causan las simples, conmovedoras y tan realistas películas que sólo nuestros antepasados peninsulares pueden hacer. Se trata de otra de verano en la ciudad. En el día de Ferragosto (un feriado veraniego italiano), todos dejan sus hogares y vuelan a las playas cercanas para disfrutar de un día de sol. Gianni (interpretado por el también director y guionista, Gianni Di Gregorio), no. Él decide quedarse en la calurosa Roma por un motivo muy especial: además de cuidar de su propia madre, algunos amigos y vecinos le ofrecen dinero (que él necesita muchísimo) para que cuide de sus madres o tías mientras ellos realizan su paseo. A partir de ahí, nuestro héroe intentará estoicamente no sólo sobrevivir él mismo a las particulares señoras, sino que ellas logren relacionarse entre sí. El carisma y el humor del anfitrión intentarán lograr lo que parece imposible. Más allá del encanto de Di Gregorio, la actuación (y diálogos) de las amables señoras es absolutamente inolvidable. Una bella obra actual perteneciente a una corriente cómica que influenció a nuestros mejores realizadores de comedia (Campanella, sin ir más lejos) con su costumbrismo entrañable y bien entendido.

UN DIA DE CAMPO (Francia, 1936) Basada en un cuento corto de Maupassant y situada en 1860, esta bellísima película igualmente breve (40 minutos, lo que permite encontrarla fácilmente en la red) es quizá la cima del naturalismo poético francés. Jean Renoir, hijo de Auguste, el célebre pintor, homenajeó a su padre en este relato, plasmando en cine su estilo impresionista (lo que puede admirarse en el uso de la luz y de ciertos encuadres) y evocando algunas escenas de sus cuadros. El resultado es un festín para los sentidos, y a la vez un relato conmovedor y nostálgico, con algunos toques de comedia y mucho de sátira, centrada esta última en una lúcida crítica hacia la burguesía de la época. Henriette, una joven parisina, va a pasar un día de campo a orillas del Sena junto a su familia y su prometido. Mientras los hombres duermen, conocerá a un joven lugareño, con quien vivirá una breve pero intensa relación que pondrá en jaque su inminente matrimonio de conveniencia, y su probablemente gris y convencional futuro pequeñoburgués. Sí, hay mucho de ella en Los Puentes de Madison, y también aquí una lluvia torrencial devendrá en escena desgarradora, casi de vida o muerte (o la muerte en vida, que es un poco lo mismo).

El film quedó inconcluso, ya que sobrevino la guerra y su director, perseguido por el nazismo, debió exiliarse en Estados Unidos. Aun así, le alcanzó para ser una de las películas más aclamadas de la historia del cine.

ALAMAR (México, 2009) Otra ganadora del BAFICI, en este caso de la edición 2010. La historia no puede ser más sencilla. Luego del divorcio con su mujer italiana, Jorge decide llevar de vacaciones –quizás las últimas, antes de que vaya a vivirse con su madre a Roma- a su hijo Natan, de cinco años, al paraíso natural de Chinchorro, donde tanto él como su padre han seguido una larga tradición como pescadores. La forma en que está narrada, casi sin diálogos y con una austeridad maravillosa, y el entorno elegido, una playa que parece salida del planeta Pandora de Avatar, convierten cada hoja del guión –si es que existe- en un momento epifánico y extrasensorial, casi místico. Temas tan simples como los lazos filiales (especialmente el de padre-hijo), el contacto con la naturaleza y el aprendizaje salvaje son tratados sin subrayado alguno, en una bella hibridez entre realidad y ficción -Jorge y Natan son padre e hijo en la vida real- que podría definirse como una hermosa cruza entre el cine documental de Herzog y el Malick más panteísta. Mucho antes de terminar la película, nos damos cuenta de que semejante experiencia marcará al niño a fuego y para siempre. Y a nosotros también.

UNA ESPOSA DE MENTIRA (Estados Unidos, 2011) El genio cómico de ese semidios llamado Adam Sandler brilla en esta comedia de enredos clásica, secundado por una Jennifer Aniston que pocas veces ha estado tan graciosa, y, digámoslo, tan buena.

El siempre inmaduro y anárquico personaje Sandler se llama en esta película Danny Maccabee, y es un cirujano plástico soltero y exitoso que le ha dicho a su actual conquista (la infartante Brooklyn Decker), para salir del paso, que está recientemente divorciado. Para cubrir tal mentira a toda costa y no perderla, le pide a su secretaria (Aniston), madre soltera con dos chicos muy especiales (entre ellos la magnífica Bailee Madison), que cubra ese rol, lo que los lleva a todos a un viaje a Hawaii para seguir tapando la mentira hasta el final. Desde el divertido prólogo, que cuenta por qué Danny se ha vuelto un mentiroso compulsivo para con las mujeres, hasta un final bien a lo Sandler donde todo es posible y el enredo muta en una hermosa comedia romántica, la película tiene infinidad de chistes y escenas muy logradas, especialmente aquellas donde el cómico interactúa con los niños (sus pares) o los adultos, esa gente aburrida y materialista que nunca lo entiende. Una película que no muchos vieron debido a que llegó con malas críticas de su país de origen, un lugar donde todavía no entienden que reírse sin parar es uno de los actos humanos más inteligentes que existen.

PIRANA 3D (Estados Unidos, 2010) Después de que la genial Tiburón nos haya arruinado más de un verano, llegó la oportunidad de reírnos (y también horrorizarnos de vuelta, pero esta vez con una sonrisa) de nuestros peores miedos subacuáticos. Clase B de la mejor cosecha y con escenas gore de antología, Piraña 3D es un festival de entrañas y risas por igual para los amantes del género, y también para quienes quieren ver una película diferente. Como si con el miedo al mar no alcanzara, acá la cosa transcurre en un inofensivo y concurridísimo lago, donde los bichos del título (que son miles, y de los que el tiburón de Spielberg seguramente huiría despavorido) harán estragos entre los cientos de jóvenes veraneantes que se acercan a este balneario en busca de un poco de adrenalina -que terminarán encontrando en exceso- , a pesar de los esfuerzos de algunos héroes impensados. Como plus (y aunque ahora ya no lo podamos disfrutar, al menos que se posea un reproductor de video con 3D), en esta película hay uno de los –hasta ahora- más inteligentes y lúdicos usos de la tecnología tridimensional, uno que más de un tanque de Hollywood envidiaría. Eso sí: quien sufra del exceso de jugo de tomate en las películas, que ni se asome a esta subvalorada perlita.

Producci贸n general: Cuarto Rayo S.A. Direcci贸n creativa: Diego Timpanaro. PH: Victoria Leites para One Boutique Studio www.oneboutiquestudio.com.ar. Producci贸n & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM. Pelo: Marcelo Pedrozo para CPM. Make Up: Evelin Avila. Video: Anibal Vecchio. Modelo: Giuliana Daga para Civiles Mgmt. Asistente de PH: Alejandra Rey para One Boutique Studio. Thanks: Fire Walk with me por la indumentaria y Daniel Jurado por la bici.

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Gastão de Magalhães

Poética, interferencias y contracultura La obra de uno de los artistas brasileños más destacados de la escena de los 70 pasó por Buenos Aires en una retrospectiva que rescata su figura y sus ideas para pensar sus potencialidades artísticas y políticas en la actualidad.

Texto: Ana Quiroga. Fotos: Cortesía del artista.

de la Universidad de San Pablo (USP), ámbito donde el artista desarrolló su obra, y decidió rescatar su figura y sus ideas.

En la muestra, que recorrerá este año importantes ferias internacionales de arte de la mano de Ricardo Campos, director de la galería, están presentes, desde obras de 1972, como “Deslocamento do gramado do parque” e “IN / OUT the cube “, hasta sus últimos proyectos como “A obra “, instalación de carácter ambiental en homenaje al joven artista chino Han Bing.

Excentricismo, críticas y búsquedas Artista autodidacta, multidisciplinario y excéntrico, con una actividad constante en la escena del arte brasileño, en eventos y exposiciones cruciales en los años 70, sobre todo en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo (MAC-USP), Gastão de Magalhães ha focalizado gran parte de su carrera en la búsqueda de nuevos soportes para la creación artística y en las críticas a las instituciones y a las estructuras de pensamiento tradicionales.

Proveniente de una familia de ideas liberales, absorbido por aquellas movilizaciones de fines de los 60, y por todo tipo propuestas alternativas y desconceptualizadas, Gastão se vincula con aquellos movimientos artísticos que surgen, en plena dictadura militar brasileña, como reacción ante la poesía concreta reinante en los 50 en su país. Entre estos grupos de artistas que comenzaron a trabajar de manera colectiva y a crear espacios donde las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas –especialmente poesía y artes visuales- se volvieran inexistentes, surgió en 1967 el movimiento Poema/ Processo, que pensaba en la poesía como posible influyente en la situación política del momento y que comenzó a tener conexiones con las escenas uruguaya y argentina.

En este contexto, Gastão de Magalhães se vincula con el movimiento artístico creativo de la Universidad de São Paulo, donde realiza una serie performática importante y evalúa distintos tipos de registros, siendo participe de la primera generación de videoarte de la USP en 1976 y un activo participante de la red de arte correo –que les permitía a los artistas llegar a un público más allá del circuito de museos o galerías–.

Desde entonces, su obra de a poco fue tomando importancia y comenzó a tener participación en varias bienales y en innumerables muestras individuales y colectivas en Brasil, Alemania, Bélgica, Francia, Italia, Madrid, Estados Unidos, Chile y Argentina.

“Los proyectos de Gastão de Magalhães son una travesía en el espacio y el tiempo real e imaginario; abren un universo crítico en cada una de sus fotografías y videos, documentos y registros de sus acciones, abordados en la muestra retrospectiva presentada en Buenos Aires como cuestión primordial para reactivar la potencia que reside en la toma de posición que este tipo de propuestas representaron frente a un contexto social y vivencial, con el propósito de engendrar nuevas realidades”, explica Nogueira en su texto curatorial.

Luego de más de 30 años, la obra del artista brasileño Gastão de Magalhães visitó Buenos Aires por segunda vez. La primera, en 1979, había sido para formar parte de la muestra “Ocupação Topológica”, organizada por Jorge Glusberg en el CAYC (Centro de Artes y Comunicaciones), en la que había instalaciones ambientales con formas geométricas hechas con hilos que ocupaban el piso y las paredes del recinto. Esta fue la primera presentación totalizante de su obra y fue fundamental para su carrera ya que en Brasil hasta ese momento no la había tenido.

“La poética de la interferencia”, retrospectiva del artista que expuso Document Art Gallery el pasado diciembre y enero, es un recorrido por sus trabajos realizados en los últimos 40 años, esta vez por iniciativa de Fernanda Nogueira, curadora, investigadora y crítica literaria que se encontró con el nombre de Gastão de Magalhães citado en varios escritos de la Colección de Arte Conceptual

Es interesante la manera en la que el artista registra, en video y fotografía, el carácter efímero de sus obras conceptuales claves. De esta manera, al reunir estas fotos o videos en nuevas obras –las expuestas-, no es la re-construcción del objeto en sí lo importante, sino la construcción del pensamiento y la (de)construcción de los procesos de creación. Lo que importa rescatar es el concepto, la idea de aquella acción o creación, para darle a su vez una posible circulación, que le está negada a la obra cuando la acción solo ocurre en un espacio determinado.

“La obra de Gastão de Magalhães indaga y arremete contra las estructuras binarias de pensamiento y de frágil estructura crítica. Pensar como insurgente su trabajo, que tuvo un gran impacto en los años 70 y que sigue siendo sumamente vigente, es lo que hace esencial su recuperación y reivindicación, para pensar sus potencialidades políticas y artísticas actuales”, finaliza Fernanda Nogueira.

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la mitología de paula barragán Una mirada a la simbología y los arquetipos que configuran la prolífera obra de una gran artista del arte contemporáneo ecuatoriano.

Texto: Lorena Cevallos. Fotos: Cortesía de Paula Barragán.

Paula Barragán ha construido, a lo largo de su carrera, un mundo donde mitología personal y arquetipos universales convergen para mostrarnos criaturas imaginarias, seres humanos y animales que luchan, juegan, conversan, pasean y se desplazan en espacios fantásticos y reales a la vez. La artista ecuatoriana, cuya formación en diseño en el Pratt Institute de Nueva York marcó en gran medida su estética, ha trabajado desde fines de los ochenta con grabado, pintura, dibujo, ilustración y diseño de logos, afiches y alfombras, en su taller ubicado en Quito.

Su obra es el resultado de varios años de experimentación con distintas técnicas de grabado, dibujo y pintura, como tinta china y óleo. Calcografías, xilografías, serigrafías y colagrafías son las técnicas que Barragán emplea para grabar mundos abstractos que, a través de formas geométricas y orgánicas, emanan aires tribales, ancestrales y universales. En estos trabajos, la artista construye una especie de arquitectura simbólica que mientras es elaborada le permite descubrir nuevas texturas y relaciones formales y cromáticas. Sin duda, los motivos estructurales de estas piezas, la cercanía que tienen con el diseño y el uso del color como estrategia para resaltar determinados sectores, son factores que se repiten al momento de elaborar sus dibujos, pinturas y alfombras.

Al igual que en los grabados, los dibujos de Paula son el resultado de un proceso que ella define como “semiconsciente”: “En mis cuadros, más que una historia, un tema o un proceso intelectual, creo que trabajo sensaciones y sentimientos, para forjar una comunicación libre, un diálogo abierto con la gente que los ve y los interpreta”. Esta libertad se expresa a través de formas plasmadas con soltura y espacios lúdicos donde el espectador debe descubrir en una especie de laberinto de líneas a personajes que, uno dentro de otro, pugnan por hacerse notar.

Caballos, águilas, gallos, insectos, perros, tigres, peces y cangrejos son algunos de los animales que interactúan con mujeres curvilíneas de cabellos largos, jinetes que buscan domarlos y hombres fornidos que tienen una gran reminiscencia con aquellos de la cerámica griega roja y negra del siglo VI a.C.

relato, acompañar otros de escritores, capturar en formas, conceptos de marcas publicitarias e incluso realizar la escenografía de espectáculos de danza y obras musicales. La artista ecuatoriana ha ilustrado varios libros infantiles, diseñado la marca Ecuador para el Ministerio de Turismo en 2006 y en 2011 la caja de chocolates y tarjeta navideña de Nestlé Suiza, que se distribuyó por todo el mundo.

Su talento le ha merecido numerosos premios en bienales y salones dentro de la categoría grabado, afiche, diseño e lustración, lo cual refleja su cualidad multifacética y la capacidad de expresión en las más diversas técnicas.

En sus pinturas, Paula deja de lado casi por completo el universo de personajes de sus dibujos para abrir campo a espacios serenos, construidos a partir de transparencias y de una geometría inexacta que mucho nos recuerda a sus grabados, especialmente por las incisiones que realiza en la superficie de las obras.

A diferencia de los dibujos y los grabados, los óleos de la artista se componen de segmentos de colores brillantes que se superponen e intersecan, se cubren en varias capas, como tratando de esconder algo que al raspar, nos devela aquellos signos, símbolos y arquetipos que recorren toda la obra de Barragán. Estos están presentes, con mucha más fuerza, en las alfombras que la artista diseña y son ejecutadas totalmente a mano por artesanas de Ambato, en la provincia ecuatoriana de Tungurahua. Hechas de lana de borrego en diferentes formatos, estas alfombras suelen presentar distintos niveles gracias al uso de varios grosores que generan texturas y relieves que nunca se repiten, ya que cada diseño es único.

En sus dibujos ­-que van desde 1 x 2 metros y alcanzan grandes formatos, como 3 x 3, y hasta 7 x 1 metros- hay un sentido narrativo y de continuidad que permite al espectador leer a través de imágenes. La artista ha configurado a través de su obra un sincretismo propio donde, tanto alta cultura y cultura popular, como el pasado lejano y su presente imaginario, convergen para crear un bestiario único que hace visibles los mitos de múltiples conciencias.

La obra de Paula Barragán se encuentra atravesada por una pulsión vital que le permite transmitir con humor, ironía y sarcasmo la visión que la artista tiene sobre el arte. “Me motiva la vida, y asimismo los sueños que no se han cumplido.

El imaginar otras vidas, todo se va filtrando por el pincel o queda grabado en una plancha… Trabajo temas que me ayudan a vivir, que me dan espacio para contar historias mías y de los demás”, afirma. Esta función catártica que Paula le atribuye a su arte, nos permite como espectadores ser partícipes de un mundo complejo, de formas abstractas, bestias y humanos que, en realidad, son metáforas de los deseos, contradicciones, logros y frustraciones de una artista que ha construido una mitología propia, una simbología personal y un arte marcado por lo subjetivo.

Esta cualidad ilustrativa le ha permitido a Barragán, además de crear su propio

Más información: www.paulabarragan.com

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Utilizando tanto fotografías como bocetos a lápiz, tinta o acuarela, Franz Ackermann es acompañado por su equipo de ayudantes mientras recorre las calles y avenidas de la ciudad elegida para su producción. Cuál poeta con su musa o escultor romántico, este artista alemán dedica gran parte de su tiempo a la mera inspiración.

Como lo hicieron alguna vez los precursores del impresionismo, los llamados pintores al aire libre, Ackermann busca su inspiración en la naturaleza, la ciudad y sus habitantes, para crear una magnífica obra que define como síntesis entre el mundo físico y el psicológico.

La obra en sí misma comienza a existir una vez que el artista define su lugar de inspiración. En este caso, la ciudad de Buenos Aires. Como un escritor romántico, con sus técnicas del fluir de la conciencia, este artista trabaja el fluir de su mente al empaparse de la cotidianidad de una cultura y una sociedad. Utilizando como herramienta de exploración su propio cuerpo, Ackermann camina a la deriva, toma trenes y colectivos sin rumbo específico, siguiendo los impulsos del momento y consiguiendo así un panorama tan real como aleatorio de una ciudad como la nuestra. Esta técnica, definida por él como psicogeografía, es su propuesta para poder entender mejor los efectos que posee un ambiente geográfico sobre las emociones y el comportamiento de las personas.

franz ackermann

La ciudad a colores Inspirado en la caminata por las calles de Buenos Aires, el artista alemán creó un mural psicodélico, hecho a medida para el Faena Arts Center. Texto: Julieta Goldin. Fotos: Prensa.

En sus palabras: “Durante diez días hice caminatas diarias desde La Boca hasta Palermo y anduve en bicicleta junto al Río de la Plata. Tomé el tren hasta el final de la estación y volví caminando hasta donde sentí que era interesante. No es que haya encontrado cosas interesantes a cada momento: sólo la vida cotidiana. Hubo aburrimiento, sol, lluvia, buenas y malas calles. A veces café muy malo; brillante la mayoría de las veces. Me gusta el anonimato. Me gusta esta forma de urbanismo en la que eres sólo una parte de una situación muy compleja. Caminando en Once, puedes sentir diferentes capas de la economía, el tiempo, la moda, las tendencias.

Observar a la gente es muy interesante”.

El resultado ha sido una composición de gran escala, compuesta por 21 paneles de madera pintada montados en la Sala Molinos del Faena Arts Center, un espacio de 260 m2. La obra, denominada “Walking South” (Caminando hacia el Sur), fue realizada específicamente para este espacio y constituye la pieza más grande que el alemán ha creado hasta la fecha.

En su composición final, la obra se presenta al espectador como una perspectiva colapsada de espacios pictóricos, geográficos y arquitectónicos de la ciudad, compuestos por trazos de colores dinámicos y contrastantes. Con elementos geométricos derivados de un arte reciente, los colores acompañan el recorrido visual hasta desembocar en unas nubes de formas más pequeñas, ya no discernibles pero con claras reminiscencias al surrealismo y a artistas como Joan Miró y Vasily Kandisky.

La escala de gran tamaño repercute en el espectador, sublimado por su insignificancia. La multiplicidad de estímulos que genera la obra reproduce aquellos efectos que produce la ciudad en sus habitantes; el bombardeo de luces, sonidos, olores e infinidad de rostros, generan un mareo urbano oportunamente reproducido en la pieza.

Ackermann, nacido en Neumarkt St. Veit, Alemania, en 1963, estudió arte en la Akademie der Bildenden Künste de Munich y en Höchschule für Bildende Kunste, en Hamburgo. En 1991 recibió la beca DAAD, que le permitió hacer su primer viaje a Asia, estableciéndose durante un año en Hong Kong.

Ha expuesto individualmente en espacios como Kunstmuseum Bonn, Irish Museum of Modern Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Museum of Contemporary Art de Chicago.

Sus obras se encuentran en importantes colecciones como la Daimler Contemporary de Berlín e Inhotim Centro de Arte Contemporânea, de Minas Gerais.

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santiago licata

“Lo único que importa en una pintura es que sea sincera” El artista cuenta cómo transforma lo que rodea en monumentales cuadros que esconden secretos de lo cotidiano.

Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Gentileza Santiago Licata.

Un artista suele parecerse a sus trabajos. Santiago Licata es de Banfield y su cuadro “Casa cualquiera en Banfield” guarda ese espíritu de far west que caracteriza al conurbano bonaerense. Al admirar la pieza, se puede uno imaginar al artista con un cutter retirando líneas de óleo pastel –que él mismo fabrica- y planeando cuáles sí y cuáles no de los retazos multicolores conformarán un fondo que desprende sensaciones: el pasado, lo pop, la música, el delirio. “Trabajo esta técnica desde los 15 años aproximadamente. Pasé por el IUNA pero no encontré lo que realmente buscaba y desde entonces trabajo en mi casa-taller”. Santiago expone regularmente su obra en el Circulo Felino y en Blanco Galería, además de haber participado de numerosas muestras colectivas y de pertenecer a distintas colecciones privadas.

- ¿Cómo se convirtió el arte en tu pasatiempo?

- Dibujar fue siempre parte de mi vida. Fue tomando forma de vocación a medida que fui creciendo, es simplemente algo que hago, algo que doy por hecho en mí, al igual que mirar el cielo, juntar cosas del piso, tocar con mi banda, hablar mucho, todo lo que me gusta hacer.

- ¿Cuánto de tu vida hay en tus cuadros?

- Intento que todo. Creo que lo único fundamental que tiene que tener una obra de expresión artística -sea cuál sea- para considerarse exitosa en su finalización es la sinceridad. Quizás como estrategia en pos de esa búsqueda es que trato de remitirme sólo a lo que conozco por experiencia directa, así sea algo que me cuente otra persona y que desde el momento en que entra en mí su existencia sea como yo la conciba.

- ¿Cuál es la historia de tu cuadro de Kurt Cobain?

En realidad ese dibujo es acerca de un chico que se llama Martín, que tiene una banda tributo a Nirvana que se llama Anorexorcist. Un día iba por la estación de mi barrio y vi un afiche donde una agrupación seguía exigiendo justicia por el asesinato del famoso en cuestión. Me causó mucha gracia ver eso en ese momento y en ese lugar y seguí nomás. Más tarde, en mi casa, recordé el nombre y entré a su sitio web, donde me encontré con un diario de fotos de su viaje a Seattle, donde recorría todos los lugares donde Kurt Cobain hacía sus actividades cotidianas en vida. Pensé que probablemente se fue para allá para comprobar si era verdad todo lo que sabía sobre él, todo el mito alrededor del cual giraba su vida.

En una de esas fotos, este pibe posa frente de la casa de Kurt Cobain. Algo de esa foto me llamó la atención, los colores, el cielo blanco, no sé, me atrajo estéticamente además del hecho en sí: hasta dónde una persona puede llevar su pasión, incluso hasta lugares ridículamente lejanos e innecesarios.

- ¿Tomar historias suele ser tu método para empezar con una pintura, o cuál es?

- No siempre, no tengo un método. Dibujo cosas con las que tengo contacto y resuenan de alguna manera en mi realidad. A veces son historias que veo, que me cuentan o que vivo yo mismo, pero pueden ser paisajes, objetos, personas que tengo delante mío. Básicamente dibujo aquello que me cruzo en mi película de vida. Y lo hago para compartirlas con otros, para ver si el resto ve lo mismo que yo.

- Contame sobre los materiales con los que trabajás.

- Dibujo con pasteles óleos, crayones, cera, cualquier material que sea pastoso como pintura pero no tan descontrolado, necesito que me oponga resistencia, que tenga que forzarlo y que pueda intentarlo muchas veces sin que se arruine. Mezclo muchos materiales de este tipo en un mismo dibujo, siempre sobre papel. Algunos de esos crayones los hago yo mismo con parafina y pigmentos, los que encuentre que no sean solubles en agua. Son los que uso de base para los dibujos. Antes usaba unos que encontré una vez, muy especiales, pero no se fabrican más y me fueron indispensables, así que tuve que empezar a hacerlos yo.

- ¿Cómo definirías y clasificarías el universo visual y/o sonoro que influye en las obras?

- Me atraen las expresiones sucias, con errores, que se note la mano del que lo hizo y el material con el que se hizo. Los dibujos desproporcionados, como cuando uno dibuja muy atento al detalle y sin bocetar, terminando cada parte en el momento, sin planificarlas ni medirlas. Estilísticamente me atraen mucho los pintores llamados outsiders. Me gustan los dibujos de las personas que piensan que no saben dibujar.

Las fotografías analógicas, el grano, los encuadres casuales y los testimonios de momentos auténticos. En la música me pasa lo mismo, me siento más cómodo con las composiciones fluidas, que no cierran, que no son redondas, que en su ejecución se escuchen los materiales de los que están hechos los instrumentos, la respiración de los que tocan.

- ¿Quiénes y qué te inspira?

- Me inspiran los fenómenos naturales, el paisaje a mi alrededor, las construcciones y estructuras que lo conforman, los chicos y chicas que viven en ellos y las cosas que hacen cuando el tiempo es suyo. Me inspira ver cómo alguien lleva a la realidad una idea propia, esquivando limitaciones, encontrándole la vuelta, con gracia o maña.

Hace tiempo que me detengo más que nada en expresiones que estén a mi alcance, que me permitan participar de lo que se está creando en este momento y lugar y estar en contacto con sus protagonistas. Fuera nostalgia.

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El: remera Burton, campera adidas Originals, bermuda Billabong, gafas 360o, gorra Analog.

Ella: campera adidas Originals, musculosa Billabong, vestido y gorra Rip Curl, gafas Absurda, reloj Nixon, anillo Sol Doeyo.

Campera adidas Originals, musculosa Billabong, vestido y gorra Rip Curl, gafas Absurda.

El: remera Billabong, pantalon adidas Originals, campera Rip Curl, gorra Analog, gafas Absurda, reloj Nixon.

Ella: remera,campera y zapatillas adidas Originals, short y gorra Billabong, cinturon Burton, anillo Sol Doeyo.

Remera, campera y zapatillas adidas Originals, short y gorra Billabong, cinturon Burton, anillo Sol Doeyo.

Summer

Rules!

Te presentamos lo último de las mejores marcas para usar en la playa y en la ciudad, para hacer deportes, salir o simplemente sobrellevar los intensos días de calor de la manera más cómoda y con estilo. Trajes de baño, remeras, shorts y todo tipo de accesorios para estar a tono con la última moda y las nuevas tendencias.

BURTON

Este verano, Burton lleva a la ciudad la tecnología, desarrollo y diseño de los productos que la han convertido en la marca líder del mercado del snowboard. Buzos y camperas técnicas realizadas con la exclusiva membrana Dry-Ride, que te mantiene seco y cómodo con las características del algodón, camisas urbanas, remeras con diseños, estampas y texturas inspiradas en todo aquello que define a los riders, y mochilas de skate con tiras para llevar la tabla, funda acolchada para laptop, bolsillos para la mejor organización y capacidad de entre 20 y 30 litros, ideales para una aventura de fin de semana.

ANALOG

La playa tiene algo especial para cada uno y Analog lo sabe. Por eso, este verano las estrellas de la colección son los boardshorts, las remeras, las gorras y las toallas súper absorbentes, para que lleves el espíritu del surf y del skate a donde sea.

El Seven Mile Boardshort, diseñado exclusivamente junto al fotógrafo Mike Coots, viene con tela de polyester stretch que permite mejores movimientos al nadar o surfear y se seca muy rápido, y con estilo surf que asegura tu tabla al chocar. Las ganancias de la venta de este traje de baño irán a una organización que protege la playa de Oahu (Hawaii) de la destrucción de su ecosistema y su cultura con los desarrollos a gran escala.

RIP CURL

Los mejores modelos para disfrutar las tardes y noches de playa, con la más lograda combinación de prendas y colores para hacer deportes extremos o para disfrutar de cualquier buen momento entre amigos. Todos lo imprescindible para atrapar las mejores olas por la tarde y relajarse a escuchar la mejor música con amigos por la noche, en bermudas, gafas, tablas, camisas, remeras, relojes y trajes de baño, forman parte de la nueva colección de Rip Curl.

BILLABONG

Inspirada en los deportes de tabla, Billabong presenta una colección pensada para los espíritus libres de la moda urbana y apuesta por prendas con diseños alternativos, estampados folk-étnicos, navy y colores brillantes, ideales para disfrutar de la playa y las actividades al aire libre en la ciudad. Remeras y musculosas en todos los colores, vestidos y bikinis con estampados étnicos, marineros y floreados, boardshorts para los amantes de la moda 100% surfer, y bolsos perfectos para combinar con todos los outfits.

LEVI’S:

Levi’s presenta este verano la colección Sea Ranch, con un estilo artesanal y refinado de inspiración californiana y colores frescos y oxidados que le suman estilo a lo informal.

Creada a partir del espíritu de las comunidades hippies de los 60, en la naturaleza, en playas ásperas, ranchos y granjas tradicionales, y en el trabajo al aire libre en calurosos días de verano, la colección incluye tres líneas: Crafted, de ropa simple con detalles artesanales, Clean & Tailored, moderna y geométrica y Pop folk, con prendas que mezclan distintas texturas y estampas. La paleta de colores recorre los índigos, rojos, oxidados, inspirados en tonos desgastados por el lavado y desteñidos por el sol, que se combinan con destellos de color rosa, azul, coral y frescos blancos de verano.

ADIDAS ORIGINALS:

Adidas Orginals ofrece esta temporada una gama de estilos que van desde casuales e icónicos, hasta los Originals Denim, pensados para cada tipo de mujer. Estampados divertidos en zapatillas, bolsos y mochilas ideales para utilizar en la playa, remeras largas con lazo en la cintura, faldas y remeras de colores y estampas que hacen referencia a la cultura africana.

NIXON:

Nixon presenta su línea de relojes premium, ideal para los apasionados de los deportes de tablas, amantes de la tecnología y la innovación.

Pensados para hombres y mujeres que disfrutan de los deportes extremos tanto como del arte, la música y los eventos sociales, la colección tiene diseños modernos y descontracturados, así como sutiles y atemporales, vintage y chics, de la más alta calidad y una funcionalidad superior, ideales para quienes disfrutan de explorar los misterios de la naturaleza y a su vez gozan de un estilo refinado y estético. * Todos los modelos Nixon pueden conseguirse en los locales exclusivos Billabong.

RIP CURL:

Rip Curl tiene para este verano los relojes ideales para disfrutar las tardes y las noches de playa. Con modelos para todos los gustos, que van desde aquellos deportivos e informales hasta los más elegantes y tradicionales, perfectos para las noches de salidas, se convierten este verano en el accesorio ideal para completar un look para cada momento del día.

ABSURDA:

La marca sudamericana famosa por sus exclusivas gafas de vanguardia, presenta esta temporada una colección con lentes inspiradas en distintos espacios referentes del arte y la cultura bohemia sudamericana. La línea Power Color, que incluye los modelos Calixto y Calixtín, toma su nombre de la Plaza Benedito Calixto de San Pablo, donde cada fin de semana se reúnen más de 320 artistas, e incluye una variedad de marcos y espejos de colores brillantes y audaces. La Vilalobos, uno de los modelos más trend de la colección, está inspirada en la década de los 90 y en el parque brasileño Vilalobos, mientras que la Pedrera incluye gafas inspiradas en las playas uruguayas y sus atardeceres, con frente y patillas de acetato.

PUMA:

Puma presenta una nueva edición limitada de sus clásicas Suede diseñadas por Frank Kozik, ícono del arte urbano y productor del arte de bandas como Pearl Jam, Nirvana, Soundgarden y Red Hot Chili Peppers. La colección, exclusiva para Argentina, incluye un calzado que combina jean Stone washed y cuero gastado craquelet (en tres variantes de color, para hombre y mujer), una remera y un bolso. Además, de regalo con los productos viene un exclusivo Stencil Kit. Las Suede Kozik, que en su anterior versión exhibía la imagen del Labbit, esta vez tendrán como ícono una calavera con alas y la simbología del número 13.

Wind experience

Veranos Wind Experience Wind Experience es una empresa dedicada a fomentar el desarrollo de deportes como windsurf, kitesurf, kayak y stand up paddle, explorando maneras de ense単ar y lugares donde viajar, buscando siempre un estrecho contacto con la naturaleza.

Wind Experience, una de las empresas más importantes de nuestro país de relacionada con la enseñanza y la práctica de los deportes extremos, ofrece, desde los clásicos cursos para principiantes, intermedios y avanzados, que pueden tomarse tanto de manera individual como de manera grupal, hasta los innovadores coachings grupales para aquellos que ya saben navegar pero que aún no tienen la tranquilidad total de estar a solos en el agua.

Todas las clases suelen tener una hora de duración, salvo las clases de kitesurf que duran entre 2 y 3 horas, para aprovechar los días en los que las condiciones del viento son las adecuadas.

En cuanto al windsurf, aparte de los cursos tradicionales, WE brinda un curso de perfeccionamiento que se da de manera grupal, destinado a aquellos que ya navegan y quieren pulir ciertas técnicas o maniobras.

Paralelamente, se brindan clases dictadas por jóvenes profesionales en el complejo del bajo San Isidro Puerto Tablas, una de las guarderías náuticas con más historia en la zona, con salida exclusiva al río; y cursos intensivos de uno o dos días en Punta Rasa, una reserva ecológica ubicada en San Clemente del Tuyú.

Para los amantes del kayak y el sup, hay salidas grupales a modo de entrenamiento, con inscripción previa. Además, para no dejar pasar las noches de luna llena, Wind Experience organiza salidas en grupo para remar a la luz de la luna.

Como broche de oro, Wind Experience facilita la compra de los equipos que mejor se amolden a las necesidades de cada alumno, y organiza viajes grupales y customizados a spots especialmente elegidos, donde las condiciones para practicar cada deporte son las ideales. Habiendo viajado por más de siete años al Caribe, Brasil, Uruguay y los mejores spots de Argentina y el mundo, la empresa cuenta con un know how de cada lugar y de los proveedores, ofreciendo paquetes que incluyen todo lo que se necesita para un viaje perfecto.

En el 2013, Wind Experience organiza, en febrero y mayo, salidas a Isla Margarita y Los Roques (Venezuela); del 13 al 21 de abril a Cabo de la Vela (Colombia); en junio a Donaire (Países Bajos) y Cabarete (República Dominicana); en julio a Karpathos (Grecia); del 18 al 28 de agosto a Cumbuco (Brasil); y del 3 al 10 de septiembre y del 11 al 20 del mismo mes, a Jericoacoar (Brasil).

Más información: www.windexperience.com Elcano 854, Acassuso, Buenos Aires. (+54) 011.4798.6896

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vida x

aquaplaning

Iván Cervantes maneja sobre el agua

Siempre en búsqueda de nuevos desafíos, el español recorrió 40 metros en aquaplaning sobre un metro y medio de profundidad en las afueras de Madrid. Texto y Fotos: Red Bull.

Como parte de las series Red Bull Moments, Iván Cervantes, cinco veces campeón mundial de motociclismo, se enfrentó a un complejo aquaplaning. El atleta, natural de Cambrils y recientemente coronado en la categoría E2 del campeonato español de enduro, se enfrentó al desafío de un aquaplaning de 40 metros de largo en una charca en las montañas que rodean Madrid.

El catalán hizo varios intentos que incluyeron fuertes caídas. Cervantes llegó incluso a replantearse si realmente podría lograrlo, ya que cada intento requería su máxima concentración y el empleo de toda su energía, habilidad y voluntad. La fría temperatura del agua y el desgaste, que se hacía visible tras varios intentos, no hicieron las cosas fáciles.

Una de las principales dificultades del desafío fue la profundidad de la charca, que no permitía un aquaplaning de varios metros. Además, una de las condiciones esenciales para lograrlo es que la superficie del agua sea totalmente plana, “como un espejo, sin ningún bache”, explicó Cervantes. “El problema del aquaplaning es que nunca se sabe cómo será la entrada, y de esto depende que llegues al otro extremo”, añadió.

En el cuarto intento, Iván estaba muy cansado y algo escéptico después de tres horas de tentativas. Pero su tenacidad y el espíritu indoblegable que lo caracterizan le hicieron volver a intentarlo. Esta vez logró una entrada perfecta y una muy buena salida de la charca, dejando boquiabiertos a los presentes. “Sentí una adrenalina increíble, la ejecución fue perfecta. Cruzar 40 metros de agua con un metro y medio de profundidad no es nada fácil y por un momento pensé que no iba a poder lograrlo, pero soy obstinado y cuando quiero algo, tengo que conseguirlo sí o sí”, dijo.

“Hemos hecho varios intentos con posiciones corporales y velocidades diferentes, y eso nos ayudó a ver que podíamos lograrlo”.

Una vez realizada la hazaña, llegó la recompensa: aquella libertad que a Iván le gusta sentir cuando maneja su motocicleta: “Para mí manejar una moto significa libertad, pasión, sacrificio y voluntad. El enduro es muy solitario, pero la carrera contra el tiempo supone una sensación de adrenalina increíble”, explicó. La sesión, esta vez con la 4T, terminó al anochecer tras 14 duras horas.

Ahora le toca descansar antes de afrontar su próxima temporada: “Me toca estar tranquilo, disfrutar con los míos y pensar en el próximo desafío. Es necesario tener siempre nuevos retos, es lo mejor que le puede pasar a un motociclista”, concluyó.

Surf

La sencillez de Guna Yala “Algunas experiencias en la vida nos hacen detenernos un momento y pensar en las cosas sencillas, las cosas que realmente importan, las que son verdaderamente significativas”. Este es el mensaje de la surfista hawaiana Carissa Moore, en diálogo con BK a su regreso de Panamá, de una experiencia que, según cuenta, la ha inspirado “a preguntar y aprender más sobre el mundo”. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Cortesía Red Bull.

Carissa Moore, campeona en 2011 del Circuito Mundial de Surf de la Asociación de Surfistas Profesionales (ASP), fue invitada por Red Bull a un viaje de surf junto a los deportistas locales Malena Toral y Gary Saavedra y a la surfista de Barbados, Chelsea Tuach.

El objetivo principal del viaje era recorrer algunas playas del Pacífico panameño buscando olas en el archipiélago de Guna Yala, un territorio indígena compuesto por 365 islas que está bañado por el mar Caribe al norte y limita con Colombia al este.

Me fui hacia allí sin conocimientos ni expectativas con relación al lugar, las personas o la cultura, y regresé totalmente fascinada por mis experiencias. Esta fue mi primera visita a Panamá y cuando desembarqué vi una ciudad vibrante, llena de edificios altos y un tránsito loco.

Tras pasar unos días en la ciudad y surfear algunas olas en la costa del Pacífico de ese país, nos embarcamos en nuestra jornada hacia el archipiélago de Guna Yala. Nos tomamos un avión pequeño en la Ciudad de Panamá y nos dirigimos hacia la comunidad de Playón Chico. ¡El vuelo fue verdaderamente emocionante!

Volamos con mal tiempo, muy cerca de las cimas de los árboles y por entre las montañas. La increíble vista de los centenares de islas que nos esperaban sirvió para calmarnos un poco los nervios.

Apenas llegamos nos tomamos un bote hacia nuestro hotel-isla, donde las mujeres indígenas locales nos dieron la bienvenida y nos ayudaron a acomodarnos.

primeros en surfear una ola que nunca había sido surfeada. Era pequeña, ¡pero fue muy divertido!

En nuestra primera noche en la isla, luego de disfrutar de un banquete de langosta y pescado fresco, charlamos durante horas, libres por fin de los teléfonos celulares y de internet. En vez de mirar el teléfono cada dos minutos, nos mirábamos unos a los otros y tuvimos charlas profundas y fascinantes, intercambiamos ideas y nos reímos… Fue una experiencia muy renovadora.

Los días siguientes, anduvimos en helicóptero, sobrevolando algunas islas y compartiendo, con los miembros de las distintas tribus que habitan los 49 pueblitos del archipiélago, su modo de vida, su idiosincrasia y sus costumbres. Además, vimos formaciones de arrecifes que con una corriente adecuada podrían rendirnos olas bien divertidas. El territorio está muy bien protegido por la población indígena de Guna Yala, y las únicas formas de acceso a las islas son en avión o en barco. Esta es una de las principales razones por las que el área es un punto de surf tan desconocido y preservado.

Las condiciones de vida allí eran muy sencillas. Nuestras habitaciones estaban hechas de hojas de helecho y otros materiales naturales, no se había utilizado ningún clavo o metal en la construcción. Había agua y luz cuando el generador decidía cooperar y, por supuesto, no había señal de teléfono móvil ni acceso a internet. Era todo muy rústico, pero increíble.

Al final del viaje, puedo decir que viví una de esas experiencias en las que una se da cuenta de que la vida es, sobre todo, las cosas sencillas y las personas que tenemos a nuestro alrededor, las personas a quienes realmente amamos. Fue revitalizante quitarme de encima las distracciones de nuestras vidas complicadas por un momento y, sencillamente, volver a lo básico, a lo que realmente importa. Esta experiencia también me ha inspirado a preguntar y aprender más sobre el mundo. Suelo viajar a los lugares para competir y no puedo experimentar las culturas de cada uno. De ahora en más, quiero aprovechar el tiempo para aprender más sobre cómo viven las personas.

Luego de habernos instalado en el hotel, partimos hacia nuestra misión de encontrar olas nunca antes surfeadas en Guana Yala.

Logramos encontrar una pequeña ola de playa a la que bautizamos como Garichima. Es muy emocionante encontrar y ser los

Lo más loco de todo es pensar que, si no hubiese agarrado una tabla de surf a los cuatro años de edad, probablemente no habría tenido la oportunidad de viajar a este lugar único y maravilloso.

Soy una persona afortunada.

Š Red Bull Illume Photographer: Stuart Gibson

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vida x

longboard

Corriendo olas de asfalto Un intento por acercarnos al longboard, conocer su potencial y marcar las diferencias con el skate, a trav茅s de las palabras de Edgardo Pechar, rider que hizo de la disciplina su religi贸n.

Texto: ChamaLeona. Fotos: Coloraa Dottori.

En 1985, Marty McFly andaba en skate como un verdadero dios del asfalto y, minutos después de su realidad temporal, en 2015, ya dominaba la patineta voladora. El longboard sería algo así como el eslabón perdido que los creadores de la saga no imaginaron. Si el DeLorean hubiese aterrizado en 2012, cosa que nunca sucedió (no lo digo porque Volver al Futuro sea sólo una película sino porque ese video que invadió las redes el año pasado estaba trucadísimo), el longboard podría haberse convertido en la vía de escape contra el clan Tannen.

Al menos es una realidad posible, teniendo en cuenta que además de trasladarse en el tiempo, el DeLorean también puede cambiar de punto geográfico y caer en la Argentina, como ya lo comprobó el Doc cuando vino a buscar electrodomésticos a la avenida Cabildo.

Por estos pagos, el longboard es una práctica relativamente nueva. Muchos todavía se preguntan cuál es la diferencia con el skate si lo que se ve de afuera es simplemente alguien deslizándose sobre una tabla con cuatro ruedas. No se puede dejar el asunto en la superficie. Hablando con el rider de Sector 9, Edgardo Pechar, que vive desde hace cuatro años en Mendoza -ciudad donde el longboard entró en punto de ebullición-, las dudas empezaron a despejarse.

EP: El skate es muy técnico, las ruedas son más duras, es más chiquito y la tabla varía muy poco. El longboard, al menos al principio, perdona más errores. Las ruedas son más anchas, los trucks hacen la tabla más estable. Pisás una piedra a toda velocidad y la tabla se la banca. En cambio, con el skate, te matás.

No olvidar que la historia del longboard comenzó a partir del surf (incluso, antes de que existiera el skate) y que la intención primera fue imitar la sensación de correr olas pero en el asfalto. Por eso, la tabla, más allá de que algunos riders también la usen para trucos, está hecha especialmente para un andar fluido y alcanzar mayor velocidad. Modalidades hay para todos los gustos pero el downhill es un favorito. Dicho sea de paso, en 2011, el argentino Agustín Virgolini rompió el récord de velocidad llegando a un máximo de 118 km/h en la bajada de Teutonia, Porto Alegre.

CH: ¿Lugares donde practicar?

EP: Donde haya montañas cerca, seguro hay un buen lugar. Nosotros nos juntamos en el Cerro de la Gloria todos los días y entrenamos. Pero lo mejor para andar en Sudamérica es San Luis. Lejos.

En Buenos Aires, hay que tener en cuenta algunos spots clásicos de skaters (caso Paraná y el río) y las bicisendas de la jungla porteña. Después de todo, varios arrancaron con el longboard como medio de transporte. “No ocupa espacio, no contamina”, agrega Edgardo. ¡Ojo! Tampoco es que la anatomía urbana se preste como para que cualquiera agarre una tabla por la 9 de Julio en hora pico.

CH: ¿Recomendaciones para el que quiera largarse con el longboard, aunque sea un queso en los deportes?

EP: Primero, ir a una “tribu”. Buscar grupos en Facebook o Internet. La gente, en general, es bastante amigable. Quiere salir, aprender. No existen “mejores” o “peores”. No hay nadie arriba ni nadie abajo, somos todos espejos. Cada uno tiene su proceso. Después, la práctica lo hace todo. Se comienza con slides y después, depende de la paciencia y la dedicación, se pueden lograr más cosas.

CH: ¿Equipamiento?

EP: Lo esencial es un buen casco. Es compra obligatoria con la tabla. A las rodilleras y las coderas las dejaría un poco de lado. Quitan flexibilidad al movimiento y cuando te caés, se resbalan. Para hacer downhill, sí necesitás un traje especial y guantes. Pero lo importante es el cuidado de uno mismo y la educación. Hace falta una educación más potente. En San Luis está prohibido andar en la calle y en Córdoba se está decidiendo. Prohibir no es la idea. El longboard no es un deporte “de riesgo” o extremo. Eso no existe. En el fútbol también te podés abrir la cabeza.

Edgardo lo dice no sólo como rider sino como profe de una escuelita gratuita que armó hace un tiempo, donde enseña a alumnos de tres años en adelante y se sorprende día a día con la rápida evolución de los chicos.

EP: La primera clase eran cinco. Ahora son como treinta y se siguen sumando.

De repente, te encontrás con un chico de cuatro enseñándole a uno de doce y hacen cosas que ni yo puedo hacer. La nueva camada se viene muy fuerte. La gente se sorprende.

La relación que tiene Edgardo con este deporte es enteramente espiritual y hasta hace religión de ella, inconscientemente.

EP: La tabla fue medicina para mí. Me metí en esto y me abstraje del mundo entero. Siento que le puedo transmitir eso a los chicos. Yo soy un guardián. Ellos eligen y yo les brindo el apoyo.

FBK: www.facebook.com/edgardo.pechar.9 Las tablas de Sector 9 se pueden conseguir en todos los locales exclusivos de Billabong.

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vida x

bicicletas

Andar en bici, la nueva tendencia Evitando el trรกfico y haciendo un poco de ejercicio, gente de todas las edades se anima a pasear, ir de compras, ver amigos e incluso ir a trabajar pedaleando. Texto: Julieta Goldin. Fotos: Prensa.

Si tomamos en cuenta la situación actual de la mayoría de las ciudades modernas, debemos comprender que gran parte del colapso urbano que padecen se debe al exceso de vehículos que circulan por sus calles.

Como habitantes de estas ciudades tenemos varias opciones a lo hora trasportarnos de un lugar a otro, siempre teniendo en cuenta factores atenuantes como el clima y el dinero. Es decir, si contamos con un auto debemos tolerar las largas horas de embotellamiento que se producen en los principales accesos a la ciudad, derrochando horas de nuestra vida en largas filas de autos. Por otro lado, si no nos queda otra opción que utilizar el transporte público, entonces debemos soportar largas esperas y luego viajar apretados y con escasas comodidades.

No es sorprendente entonces, que se haya producido en Buenos Aires, así como en varias ciudades de Latinoamérica, la nueva tendencia de andar en bici por todos lados. Cada día, más y más personas de todas las edades se animan a salir pedaleando, utilizando este medio de transporte ecológico y saludable para trasladarse. Las bicicletas constituyen un vehículo verde no solo porque protegen el medio ambiente, ya que reemplazan el uso de un vehículo a combustible, sino porque también sirven para hacer ejercicio y cuidar la salud.

En consecuencia, en los últimos años ha florecido el movimiento urbano “La masa crítica”: agrupaciones de personas en bicicleta que se reúnen en un punto y comienzan a recorrer las calles sin destino determinado. Surgido originalmente en Europa, esta tendencia se ha ido expandiendo hasta llegar a Buenos Aires donde, a pesar de que el movimiento data de pocos años, reúne miles de seguidores cada luna llena en el Obelisco. Sin un guía aparente, la multitud sobre ruedas comienza el recorrido dirigido por aquellos que se ponen al frente y circula por la ciudad durante varias horas, interrumpiendo el tráfico y copando las avenidas a su paso.

Gracias a este nuevo afán por pedalear, sumado a que la ciudad ha ido incorporando convenientes sendas para ciclistas a sus calles, se ha incrementado el consumo y utilización de bicicletas. Mientras algunos han desempolvado aquellas bicis que tenían guardadas, otros optaron por adquirir una nueva. Así, se ha producido un fenómeno de florecimiento de antiguas bicicleterías, que recibieron un aumento de consumo inesperado. Eso sin contar la aparición de nuevas y súper modernas bicicleterías, que trajeron novedosos modelos importados, entre los cuales se encuentra el modelo estrella y récord de ventas: la bici plegable.

Un curioso diseño al que, sumado a todos los demás beneficios, se le agrega la practicidad de poder plegar y guardar la bici más fácilmente.

Ahora solo queda esperar que los conductores y demás transeúntes se acostumbren y eduquen a respetar el tránsito de las bicicletas, para poder generar un tránsito más seguro para los que pedalean, y una ciudad más verde para todos.

Tradicionalmente, la bicicleta surgió como un medio de transporte recreativo, una herramienta que sirvió para entrenarse y entretenerse en ámbitos deportivos y de competencia.

Sus primeros diseños datan del siglo XIX, como la de rueda alta inventada por James Starley que en 1870 que causó furor en la Francia de los cafés y parques. Desde entonces, y hasta los aerodinámicos modelos de la actualidad, se han ido renovando los materiales de construcción de la bicicleta, en la búsqueda del auténtico vehículo ecológico.

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surf

El futuro de Kelly Slater Desde hace un tiempo, el once veces campe贸n mundial viene anunciando su alejamiento de la competencia, pero la puerta sigue abierta para un nuevo desaf铆o.

Texto: ChamaLeona. Fotos: Prensa.

Kelly Slater es sin duda un nombre de peso en el mundo del surf. Considerado por muchos “el mejor de la historia”, el rider de Cocoa Beach que ya entró en su cuarta década, parece especular con la despedida definitiva. En 2011 ya había hecho el anuncio después de que el australiano Kieren Perrow se adueñara del Billabong Pipeline Masters, que Slater había obtenido anteriormente nada menos que seis veces. La desilusión del momento lo llevó a anticiparse, pero ya era claro que su carrera entraba en una fase decisiva.

Hace unos meses, volvió a lanzar la piedra, ahora con un tono distinto, tal vez confiando en que el retiro vendría con la gloria de un nuevo título en 2012. Estuvo muy cerca: quedó en segundo lugar y fue su amigo Joel “Parko” Parkinson el que se llevó el premio a casa.

“El miedo te hace dudar y la duda hace realidad tus pesadillas” (Bodhi, Punto Límite) La búsqueda del desafío constante puede hacerle perder el sueño a cualquier surfer, incluso al que ya batió todos los récords y no le queda más por demostrar ¿Qué le falta al ex “guardián de la bahía”, el único que escaló once veces a lo más alto del ranking mundial? Un alienígena como Kelly Slater difícilmente se permita bajar el telón sin tener esa última ovación que le haga salir por la puerta grande. La derrota es siempre indeseable y aún más en el encuentro final.

Para más detalle, recordemos a Andy Roddick, que no pudo con Del Potro y el pobre quedó desconsolado, con uno de los retiros más amargos del deporte.

En fin, Kelly Slater, un tipo que dedica el 100% al surf (decisión que le costó varias relaciones amorosas con celebridades como Pamela Anderson, Giselle Bundchen o Cameron Díaz), no puede hacer más que darle a su carrera el buen final que merece. Además, doce es mejor. Nadie compra una caja de once huevos o cumple años cada once meses. La docena suena a completo y ahí está Kelly Slater, buscando liberar el grito de victoria que tiene en la punta de la lengua, al mismo tiempo que se ataja con un plan B en el golf.

“Es el mejor surfer del mundo. De todos los tiempos. El más competitivo. Es el Michael Jordan del surf” Así definió el fallecido Andy Irons a Kelly Slater en una entrevista sobre A Fly in the Champagne, el documental que intentó acercar a esos dos archirivales del momento, mientras se peleaban por la primera posición en la tan deseada y apretada cuna del surf. Cuando una persona inspira tanta admiración y respeto, incluso en sus competidores más fervientes, todos quieren ver un poco más y Slater debe saberlo mejor que nadie. El retiro puede esperar.

“La competencia contra el pelado grandote es abismal”

temible

Tetsuhiko Endo, editor de The Inertia (reconocido portal de la comunidad surfer), no está de acuerdo con que Slater siga compitiendo. Que no hay quién le haga sombra, que el único capaz de superarlo era Andy Irons, que nuevos talentos como John John Florence y Gabriel Medina necesitan crecer. En crudo, también agregó que Adriano De Souza tiene chances pero “no cae bien” porque es brasilero, entre otras cuestiones tan controversiales como reveladoras. Mal que le pese a Endo, lo cierto es que hay un gran público que quiere seguir disfrutando de Kelly Slater, esos tubos sublimes y la perfección de su surfing.

Con los laureles ganados, el deseo de sus admiradores, la inmejorable preparación física y mental de todos estos años y tantas otras razones para que se le infle el pecho, no sería raro que este sabio rider elija seguir corriendo olas.

Tony Hawk arremete con el proyecto Boards + Bands Paul McCartney, Metallica y Bob Dylan participan de esta idea que une música, tablas y beneficencia.

Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.

Tony Hawk ha pasado gran parte de su vida sobre una tabla. Tras tanto éxito, el skater ha decidido crear su propia fundación en un plan benéfico. El proyecto se llama “Boards + Bands”, y fue creado junto a su amigo Ben Harper.

La idea es sencilla: un numeroso grupo conformado por algunos de los mejores skaters del mundo donaron sus tablas, que fueron enviadas a un grupo selecto de músicos para que las customicen.

Las tablas están actualmente a la venta y con las ganancias se construirá un skatepark público en California. Los boards fueron enviados a grandes de la escena musical como Paul McCartney, James Hetfield de Metallica, Bob Dylan, el fallecido Adam Yauch, Jimmy Cliff y Tom Petty, quienes escribieron con sus propias manos las letras de algunas de sus canciones más conocidas.

La tabla de McCartney, por ejemplo, exhibe la bella letra del clásico “Blackbird”.

Por su parte, Yauch, de Beastie Boys, se ocupó de transcribir sobre tres tablas la canción “Bodhisattva Vow”.

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cine

La velocidad de los avances tecnológicos ya ni siquiera nos sorprende. Sin embargo, en el cine -el arte tecnológico por definición-, dichos avances han tenido más que ver, en las últimas décadas, con la supremacía de los efectos por computadora, la consolidación del 3D y el uso del formato digital. Pero en lo que respecta a la velocidad de la filmación y proyección, esta es la misma desde 1927, año del nacimiento del cine sonoro: los famosos 24 cuadros por segundo (24 fps), estándar elegido por ser la velocidad más económica con la que se podía conseguir la calidad más “cercana” a la realidad captada por el ojo humano. Pero, hoy que la tecnología digital y los presupuestos lo permiten todo, ¿por qué seguir manteniendo ese antiguo estándar de calidad mínimo? ¿Por qué no hacer de la proyección una experiencia aún más cercana a la realidad?

Esto es lo que se preguntó el neozelandés Peter Jackson, el mismo que se propusiera otro imposible: llevar al cine la obra magna de J.R.R. Tolkien, El Señor de los Anillos. Así es como decidió filmar su nuevo proyecto, El Hobbit, en 48 cuadros por segundo y en 3D, formato rebautizado luego como HFR 3D. Para ello no sólo se utilizaron nuevas tecnologías en su realización, sino que debieron instalarse proyectores capaces de pasar correctamente el film. En BK vimos la película en este flamante formato, y te contamos la experiencia.

the hobbit

La invención de Jackson Vimos El Hobbit en HFR 3D y te contamos qué nos pareció. ¿El cine que se viene? Texto: Leonardo Gutiérrez. Fotos: Prensa.

Por empezar, cuesta acostumbrarse, pero luego uno se va habituando. Sucede que esto no tiene absolutamente nada que ver con el fílmico. Si bien hasta ahora todas las películas mainstream filmadas en digital trataban de “imitar” la querida imagen de 35 mm (su textura, su “grano”, su profundidad de campo, etc.), en El Hobbit esto no sucede: la imagen -algo así como un “hiper HD”- es tan perfecta, tan nítida, que ya no parece cine. Y de tan real, peca de artificial. Quizás, algo similar a lo que ocurrió con el traspaso del disco y la cinta al CD. Y es este hiperrealismo lo que ha motivado más críticas. Por momentos parecería que se está viendo más un documental que una épica de aventuras. Pero en este punto hay que ser justos: lo antedicho se nota más en las escenas de interiores o en algunos exteriores de fondos reales; pero en las escenas de efectos -la mayoría-, el HFR 3D demuestra todo su esplendor: todo parece real, los movimientos son perfectos y la definición es soberbia. Lo cual nos lleva a otra virtud: el HFR exprime y mejora al máximo la experiencia 3D, ya que la vista no se cansa y la profundidad de campo es absolutamente grandiosa.

Aunque al comienzo parezca extraño, la experiencia vale la pena. Quizás haya que ver una película más “realista” para tener una opinión definitiva en relación a esta nueva tecnología. Por lo pronto, y además de las dos secuelas de El Hobbit, James Cameron anunció que está trabajando con esta tecnología -¡y a 60 fps!- para su continuación de Avatar, y también será usada en la próxima X-Men. ¿Será este un pequeño paso para un hobbit y un gran salto para la industria del cine? No lo sabemos. Pero sí que en blanco y negro o a color, mudas o sonoras, en 16 o 35 milímetros, en 2D o en 3D, el cine jamás dejará de ser un arte. Y eso es algo que ningún avance tecnológico podrá detener jamás.

El boom de las fotos retro Las nuevas aplicaciones que nos convierten de aficionados a fotógrafos profesionales en cuestión de segundos son hoy herramientas fundamentales en las redes sociales. ¿Moda o fenómeno social?

Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

Las fotografías con efectos retro, de la mano de Instagram, una de las aplicaciones más populares en la red de los últimos años, se convirtieron en menos de tres años en un boom artístico y un fenómeno social para una generación de jóvenes dispuestos a captar su vida cotidiana y convertirla en arte.

Homenaje al concepto y a la experiencia que brindaban las viejas cámaras instantáneas como la Kodak Instamatic y la Polaroid a través de una serie de filtros y marcos predeterminados, el proyecto de fotografía móvil de Kevin Systrom y Krieger Mike cambió por completo el modo de compartir fotos cotidianas en las redes sociales.

La aplicación debutó en el Apple App Store el 6 de octubre de 2010 para iPhone, iPad y iPod, aunque a principios del 2012 se publicó una versión para Android, y hoy cuenta con una base de 100 millones de usuarios registrados que publican más de 5 millones de imágenes por día.

Existen opciones similares a Instagram, como Picplz, Vignette y Lightbox, para Android, o Hipstamatic y PicYou, para Apple, que incluyen opciones de filtros y marcos y posibilitan el intercambio en Twitter, Facebook y otras redes sociales.

Pixlr-o-matic, una gran app que poco tiene que envidiarle a Instagram, cuenta con infinidad de filtros, efectos y marcos, posibilidad de modificar tamaños de la imagen y seleccionar distintas composiciones y ajustes. Se puede descargar incluso a una compu o utilizar de manera online desde la web. Y la versión Pixlr Xpress despliega una gran colección de plantillas totalmente customizables para componer un collage.

Además, hay plataformas que complementan el uso de estas aplicaciones. Cinemagram, Kinotopic y Fixel son algunas apps que marcan tendencia y suponen el siguiente paso en la fotografía retro, ya que permiten tomar breves fragmentos de vídeo y convertirlos en GIF animados -un híbrido en el que solo una parte de las imágenes se mueve-, con los correspondientes filtros de color y textura. Polagram e Instagram Print, por su parte, permiten imprimir las fotos trabajadas en cualquiera de los editores, al mejor estilo de la vieja escuela.

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1- Bárbara Lombardo disfrutó de los tragos y del show de baile y percusión que recorrió los diferentes estilos de música desde los 50, en el festejo nacional en JET de Bacardí, que durante todo el 2012 celebró sus 150 años con fiestas exclusivas en las principales capitales del mundo.

2- El chef internacional Pablo Massey fue uno de los invitados de Martini en Punta del Este.

3- Leonora Balcarce pasó por los sunsets de verano de Punta del Este para probar los tragos exclusivos que preparó Martini para sus invitados.

4- Gloria Carrá y Luciano Cáceres junto a Le Coq Sportif en el Parador El Signo en Pinamar.

5- Luciano Cáceres y Cucho Acasuso disfrutaron de un fin de semana de relax en el parador Personal Beach Peralta Ramos en Mar del Plata.

6- Emmanuel Horvilleur asistió a la onceava edición de la tradicional carrera We Run Buenos Aires Nike 10K, de la que participaron 15 mil corredores.

7- Dolores Barreiro en Pinamar con una de las botellas recargables, diseñada por Benito Fernández para Clight.

8- Mike Amigorena disfrutó de las nuevas propuestas de tragos especiales de Gancia para disfrutar del atardecer en el UFO Point de Pinamar.

9- Calu Rivero estuvo en la presentación del trago Gancia Spritz + Drink Collezione en el UFO Poinf de Pinamar.

10- Anita Sullivan, Coco Maggio, Magalí Montoro, Felipe Colombo y Carola Kirby en la Full Moon Party de Quilmes en Pinamar.

11- Candela Vetrano con las Club Social Original en Mar del Plata.

12- Jenny Williams, Ludovico Di Santo, Flor Torrente y Gonzalito Rodríguez estuvieron en la fiesta de Beldent Sensations en el UFO Point de Pinamar.

some news PUMA BUSCA A LOS VERDADEROS “PARTY ANIMALS” EN LAS FIESTAS PM OPEN AIR MUSIC DE PALERMO ¿Quién dijo que el “alma de la fiesta” sólo sale de noche? Ahora también pueden pasar una tarde al aire libre y con mucho groove en el ciclo PM Open Air Music que organiza PUMA. Los que se crean merecedores del título “animales de la fiesta”, deberán demostrarlo posando con toda la euforia de su espíritu en el Instagrapher. Las fotos se publican en las redes sociales y los más destacados tendrán premio. La cita es todos los sábados de febrero y marzo en Paraguay 4905 y Godoy Gruz, Palermo, de 16 a 20:30.

Ritmo de verano en el Konex

De la mano de BK Mag, llega LIFTER, una radio con lo que a vos te gusta.

Las puertas se abren. Del otro lado, tu mundo: ese lugar donde la naturaleza te prepara una jugosa dosis de adrenalina y la música ELEVA TU BUENA VIBRA. LIFTER es tu energizante natural: una radio 24 horas con el rock&pop que querés escuchar en la previa a correr olas, mientras dominás la jungla urbana o te deslizás por tu montaña favorita.

Los temas más power del rock, las nuevas voces del indie, los clásicos que marcaron tus momentos extremos, la música de los videos que te inspiran. LIFTER es el boost vitamínico que necesitás para remar más fuerte, alcanzar velocidades límites y llegar más alto con tus flips.

También, cuando estés en casa o en la oficina, recordando un atardecer épico, en solitario o con amigos... LIFTER te transporta. Sin frenos. Sin barreras.

En cualquier momento. En cualquier lugar. Sintonizá la música que te ELEVA. www.lifter.fm https://www.facebook.com/lifterradio https://twitter.com/LIFTERRADIO info@lifter.fm

IMPRESIONANTE FINAL PARA EL RIP CURL GROM SEARCH 2013!

En Biologia, los surfers Josefina Ané y Facundo Arreyes se coronaron campeones del RIP CURL GROM SEARCH 2013 y se van a Australia para la gran final en Bells Beach.

Durante la competencia femenina, Josefina Ané hizo un excelente trabajo de principio a fin, con movimientos fuertes y una buena elección de olas que le consiguió el primer puesto. Por su parte, la final masculina fue bastante más reñida, con Tyron Gonzalez liderando el heat hasta que Facundo Arreyes, en los dos últimos minutos, le quitó la victoria de las manos. En el score, quedaron a sólo dos décimas de distancia.

INOVANEX: EVOLUCIÓN TECNOLÓGICA Tu radio o canal de TV a sólo un clic En el mundo de hoy, es impensable lanzarse a un emprendimiento sin tener en cuenta el alcance masivo de Internet. Por suerte, llegar a usuarios en cualquier parte del planeta ya no es una tarea tan complicada. Inovanex ofrece un combo único para extender los horizontes de tu proyecto. El paquete incluye diseño de página Web, hosting, housing y además, esto es lo más interesante y novedoso, un servicio de streaming en la más alta calidad, que hace realidad tener tu propia radio o televisión en vivo, a precios accesibles y con el mejor soporte. Si algo diferencia a Inovanex es que lejos de intentar engañarte con mentiras de marketing como la famosa “cantidad de oyentes ilimitada”, emplea su tiempo en brindarte toda la asistencia y la tecnología que tu radio necesita para que suene mejor.

La Ciudad Cultural Konex sigue con sus propuestas divertidas para refrescar los espíritus y despejar las neuronas en la época más calurosa del año.La movida arranca los lunes con los conciertos únicos e impredecibles de la Bomba de Tiempo. Los martes de proyecciones es también un evento para no perderse, con títulos nacionales y extranjeros que desbordan originalidad y abren la mente. Miércoles: el patio se convierte en Club Mínima para escuchar buena música a cargo del DJ VILLA DIAMANTE, bailar y jugar al ping pong o a las cartas. Los jueves, DANCING MOOD reviven a maestros de décadas doradas para mover el esqueleto y el fin de semana cierra con recitales en el patio, las trasnoches de cumbia y festivales para disfrutar en grande. Las entradas pueden conseguirse por Ticketek.

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