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Treball de recerca:

El Cine Independiente NorteAmericano. Marcel Valera Valverde Institut Montserrat, tutora: Laura Can贸s


Índice

Motivaciones para este trabajo

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La MPPC y las “primeras Productoras Independientes”.

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¿Que consideramos cine independiente?

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Introducción a la década, contexto social y cultural. 1940-1949

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Ciudadano Kane. 1941

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Introducción a la década, contexto social y cultural. 1950-1959. Creature With the Atom Brain. 1955

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Introducción a la década, contexto social y cultural.1960-1969. Blood Feast. 1963

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Introducción a la década, contexto social y cultural.1970-1979. Eraserhead. 1977

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Introducción a la década, contexto social y cultural. 1980-1989. Sangre Fácil. 1984

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Introducción a la década, contexto social y cultural. 1990-1999. Resevoir Dogs. 1992

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Conclusión Final.

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Bibliografia

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Motivaciones para este trabajo.

El cine me ha cautivado desde pequeño, y con el tiempo, al crecer, he ido siendo cada vez mas critico i teniendo un gusto más definido, al que aún le queda mucho por definirse por supuesto, pero el cine independiente, aunque hayan muchísimos títulos que me apasionan y se queden, desgraciadamente, fuera de este “genero” así como muchas otras películas que no son de mi agrado pero si son etiquetados de independientes, es el que siempre me ha llamado más la atención, por su estética y por las ideas que tras de si hay, además de alguna forma tenía que delimitar el trabajo, con el mismo fin trata del cine independiente americano. Siendo el género independiente el que más me atraía siempre me ha interesado su historia, una historia que refleja, más de lo que creía, la evolución de los valores americanos, aunque sea por contraposición, de la sociedad en la que se desenvuelve y muchas otras cosas, además de sucesos dignos de entender ya sea por lo curioso de su naturaleza o por lo que nos dan a entender del ser humano y sus contradicciones. Los grandes directores siempre han sido personalidades fuertes, a las que por lo general no les gusta compartir su trabajo creativo, o dividirlo, perder el control total sobre este, por eso no es de extrañar que el cine independiente, en el que es sagrada la visión artística propia del realizador, recoja algunos de los nombres más destacados, desde Orson Welles a Quentin Tarantino, y algunos de los nombres que más interesantes me parecen. Es por eso que he decidido que mi trabajo tratara sobre el Cine Independiente Americano.

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La MPPC y las “primeras Productoras Independientes”. La Motion Pictures Patent Company, fundada en el año 1908 por Thomas Alba Edison, quien en estados unidos es considerado el inventor de la cámara cinematográfica, a diferencia de Europa donde los inventores de esta son considerados los hermanos Lumiere ,era un monopolio, un grupo cerrado formado por las productoras más importantes del momento. Por aquel entonces, antes de ser desbancada, la MPPC, Edison en particular, tenía el control total sobre casi todas las patentes referentes a cámaras cinematográficas de América del norte y , en lo que para Edison fue una cruzada personal por la total autoría de sus inventos con una patentes siempre muy rígidas, imponía tanto altos impuestos como otras normas a los integrantes de la misma así como también controlo la distribución de películas extranjeras. La MPPC estandarizo los patrones por los cuales las películas eran producidas y distribuidas en América, aumentando así la calidad de producción de las obras por la competencia interna pero cerrándose al mercado exterior tanto en lo referente a importar como a exportar. Los pleitos de Edison, de la MPPC, contra cada uno de sus competidores mutilo la industria cinematográfica americana, retrasando su florecer. Así a principios del siglo XX encontramos reducida la producción a Edison y Biograph, que uso un diseño de cámara diferente. Es en este momento cuando surgen las que más tarde serian las gigantes productoras de Hollywood y a las que el cine, agrade o no, debe tanto. Productoras como Warner Bros, MetroGoldyn-Mayers, Fox Film Corporation, Paramount Pictures o Universal Studios, productoras que, si bien no responden exactamente al concepto “independiente”, si trabajaron en ese momento fuera de la industria que imperaba y fueron las primeras en autoproclamarse así, luchando por sacar a flote su forma de hacer películas, siendo tachadas por Edison de ilegales, quien las llamaba “out laws”, su camino fue dificultoso y en gran parte se decidió en los jurados, pero allanaron así el camino a futuros cineastas de la talla de Orson Welles, entre otros, y crearon una industria cinematográfica que, por lo menos, estaba más abierta a una cierta innovación y unos nuevos patrones muy alejados de los de la MPPC, entre las condiciones que imponía inicialmente se incluía, por ejemplo, una durada máxima de 13-17 minutos y por supuesto una fuerte censura sobre el contenido de los films.

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¿Que consideramos cine independiente?

Seguramente nunca se halle una respuesta para esta cuestión que pueda satisfacer a todo el mundo, y es que el cine independiente se caracteriza, en cierta manera, por ser difícil de clasificar, y conviene que así sea pues eso significa que siempre aparecen cosas nuevas (o semi nuevas), pero ¿cuáles son las condiciones que se repiten en todas las obras a las que se les ha asignado esta etiqueta? En su origen el cine independiente americano era todo aquel que existía fuera de los márgenes impuestos por la MPPC (Motion Picture Patents Company), un grupo de nuevas compañías cinematográficas (compañías como Warner Bros, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount…)se negó a pagar los impuestos que la susodicha MPPC exigía por la realización de películas, es decir, el cine americano independiente de aquel entonces no tiene nada que ver con el cine independiente que hoy conocemos, en esa época eran motivos económicos los que definían a una película como independiente, aunque la MPPC prefería el termino ilegal. Dicha consideración, la motivación económica del cine independiente, ha estado presente con fuerza a lo largo de la historia de este y es de hecho uno de los motivos principales por los que una película se considera independiente, su realización fuera de un gran estudio. Pero no es este el único motivo, ni tampoco lo es su aversión hacia Hollywood, distintos aspectos tanto en el guion, la fotografía o el montaje definen a una película como independiente y sobretodo la visión artística propia del realizador y su control final sobre el trabajo. El cine independiente americano, tiene, casi por necesidad, la negación del sueño americano como protagonista, no es difícil de entender. El sexo, la violencia, las drogas fueron temas abordados por primera vez en el cine americano gracias a los realizadores independientes aunque luego estos temas hayan traspasado las fronteras, por el proceso de fagotización de la gran industria de los cineastas independientes, y se vean tratados en las grandes producciones. La innovación, aunque cada vez más difícil de alcanzar, es uno de los pilares del cine independiente. El cine independiente es, por qué no decirlo, raro, o como mínimo especial, raro es quizá el termino que mejor describe films como Eraserhead (1977, David Lynch) o Dead Man (1995, Jim Jarmusch) personajes raros, diálogos raros, localizaciones raras… De vez en cuando aparecen estéticas o recursos que se establecen como característica del cine independiente (americano) , el blanco y negro, los largos silencios … pero cuando nos adentramos en el mundo del cine independiente vemos que los estereotipos tienen mas de falso que de cierto, encontramos desde el claro oscuro mas contrastado a películas extrañamente coloridas como la reciente The Act of Killing(2012) Ya lo he mencionado antes, pero creo importante remarcar el concepto de visión artística propia, este concepto no nos puede ayudar a definir el cine independiente tan solo, si no que creo que es muy útil para definir el arte en general, creo que es la existencia de una visión artística propia, una voluntad individual, la inexistencia de un fin puramente social, lo que 5


define que es y que no es arte, por supuesto no hay unos lĂ­mites claros pero en mi opiniĂłn, por el momento, parte del valor del arte estĂĄ en la individualidad del artista.

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1940-1949.

Sin duda, la segunda guerra mundial marco, como ningún otro hecho, la década de los años 40 y definió el mundo actual, una década negra para la historia de la humanidad que acabo con la vida de millones de personas tanto militares como civiles, de todos los bandos, una época de profundas depresiones que cambio a la humanidad y que aun nos define como seres humanos, una década horrible pero que trajo consigo, como consecuencia de la monstruosidad de la misma, los cambios más interesantes en el hombre y en especial en su arte, el cambio que sufrió, por ejemplo, la pintura después de la segunda guerra mundial es extremadamente notable, aparecen obras más crudas, mas tétricas, también más maduras y retorcidas.

Es la década en que EEUU y URSS se establecieron como primeras potencias mundiales, en que la evidencia de la crueldad humana llevo a los pensadores a obligarse a renovar sus creencias, la crudeza de la década fue desencadenante de todo tipo de ideas. Más alla del conflicto mundialmente conocido y de lo que se suponía que representaban los distintos bandos fue una época con oscuras tramas, pensadores controvertidos… Durante los años 40 la Sociedad de Naciones es reemplazada por la ONU, que a diferencia de la anterior tenia sede en Nueva York y no en Europa. También se establece el estado de Israel, con la ayuda de UK y EEUU, formado por una población netamente judía, que poco antes había sido perseguida por los nazis. Son los años en los que la india consigue su independencia gracias a Mohandas Gandhi.

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Los acontecimientos de la primera mitad de la década son muchísimos, y casi todos relacionados con la segunda guerra mundial, desde 1940, año en que Hitler llega al poder hasta 1945, año en que cae Alemania, bajo las fuerzas rusas y estadounidenses principalmente, después de la gran pérdida humana que supuso la dictadura nazi así como la guerra que desencadeno.

Inmediatamente después de que finalizara la guerra el mundo se encuentra bajo una nueva amenaza, la guerra fría, en la que Estados Unidos y la Unión Soviética se disputaron durante largos años el control mundial, el mundo de repente se vuelve un lugar dictado por la esquizofrenia en el que las dos potencias desarrollan armamentística nuclear suponiendo, cada una, una amenaza para la otra, sin llegar a usarla. Divisiones entre la población, inseguridad, continuos golpes de estado y cambios en el poder son las consecuencias de una guerra fría en la que no hubo un enfrentamiento real entre USA y la URRS pero que en cambio se sirvió de países menos poderosos como campo de batalla cediendo cada una de la potencias ayuda y financiación muy cuestionable moralmente a su bando, el liberalismo y el comunismo, aunque esta sea una forma muy simple de representar a las dos potencias, se enfrentaron en lugares como Grecia o Corea provocando numerosas muertes y otro tipo de pérdidas entre las poblaciones autóctonas . Probablemente como consecuencia de la tristeza que reino durante la década los movimientos de esta fueron movimientos musicalmente “alegres”, ritmos como el swing o las primeras apariciones de los géneros que dominarían la década siguiente, el jazz o el rock’ n roll formaron parte de la cultura popular de la época, movimientos que se identificaban por una estética elegante pero festiva, cercana a la del charlestón de los años 20.

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La vida urbana se desarrollaba en los salones e baile, las mujeres comenzaban a verse más libre, evidentemente continuamos en una sociedad machista, y comenzaban a luchar por sus derechos, como el derecho a votar. Respecto al cine se trata de una época de grandes clásicos, algunos que en cierta manera fueron innovadores teniendo el cuenta que se trata de los principios del cine “moderno” y otros de aspectos técnicos claramente innovadores, algunos de los títulos más importantes son: Historia de Filadelfia (1940), Casablanca (1942), Ser o no ser (1942), ¡Qué bello es vivir! (1945), Gilda (1946), Ladrón de bicicletas (1948), El tercer hombre (1949) o, la que aparece en este trabajo, vista durante años como la mejor película de la historia, Ciudadano Kane (1941), del considerado primer director independiente, Orson Welles.

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Ciudadano Kane. 1941

Ficha Técnica

Título original: Citizen Kane Año: 1941 Duración: 119 min. País: Estados Unidos Director: Orson Welles Guión: Orson Welles & Herman J. Mankiewicz Música: Bernard Herrmann Fotografia: Gregg Toland (B&W)

Reparto: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd

Productora: RKO / Mercury Theatre Productions

Género: Drama | Periodismo. Película de culto

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Análisis.

Si bien es cierto que Ciudadano Kane está financiada por RKO Pictures, una gran productora del Hollywood de la época, de hecho está considerada una de las cinco grandes productoras de la época dorada de Hollywood, esta le dio total libertad a Orson Welles para producir, escribir y dirigir dos obras, de las cuales finalmente solo salió a la luz Ciudadano Kane. Es por esta libertad total sobre el proyecto que fue asignada al director, por el momento en el que surgió la película y por el posterior método de trabajo de Welles, que le valió el titulo de primer cineasta independiente de la historia, por lo que considero Ciudadano Kane la primera película independiente de la historia, y es por esto por lo que aparece en el trabajo. Aunque debido a la antigüedad de la película, y su gran influencia que tuvo en la mayor parte del cine posterior, los elementos innovadores de Ciudadano Kane no son evidentes, como en otras películas trabajadas, es cierto que, comparada con películas contemporáneas a la misma, es innegable lo innovador de la fotografía, la música y la estructura que sigue el film, es de hecho considerada una de las películas más importantes para la historia del cine por sus innovadores aspectos técnicos, más que por el guión, que de todas formas fue galardonado con el único óscar que el academia otorgaría a Welles hasta que le cediera el premio honorifico. El argumento de la película, basada en la vida real del magnate de la prensa William Randolph Hearst, quien trato de evitar que la película fuera publicada, se basa en flashbacks que aparecen en los encuentros que un periodista, Jerry Thompson tiene a la muerte de un importante magnate de la prensa, Charles Foster Kane, con personas cercanas a este, con la voluntad de averiguar el significado de las ultimas (la ultima) palabras del difunto, “Rosebud”.

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Así los flashback nos muestran la historia de un niño que fue apartado de sus padres demasiado pronto y obligado a abandonar su infancia, y su trineo. Después de la Muerte de Kane que es noticia en todo el mundo dado que era un importante personaje público, un excéntrico multimillonario en decadencia que había sido dueño de periódicos, revistas, cadenas de comida rápida y todo tipo de empresas, con la intención de crear un reportaje con motivo de su muerte, el periodista Jerry Thompson se propone ir en busca del significado de la última palabra que pronuncio Kane con su último aliento; “Rosebud”. En su búsqueda el periodista se encuentra con diversos person ajes de la vida de Kane, primero contacta con su segunda (ex)mujer, una “cantante de ópera” frustrada y alcohólica que ahora tiene su propio club, la mujer, Susan Alexander, rechaza contarle nada a Thompson. Luego el periodista decide recurrir a la biografía, aun inédita, del difunto banquero Walter Parks Thatcher, tutor legal de Kane durante su infancia y su adolescencia, Thompson conoce entonces la infancia del magnate, que creció en una pobre familia en colorado hasta el momento en que unos terrenos que su madre había adquirido por una deuda resultan ser la tercera mina de oro más grande del mundo, con motivo de la reciente riqueza, Kane es enviado a vivir con Tatcher a la costa este de estados unidos para allí ser educado como es preciso, Charles crece como un muchacho rebelde y, de un modo extraño, brillante. Cuando a los 25 Kane asume el control total de sus bienes, lejos de preocuparse por las exuberantes riquezas que posee decide ocuparse de un periódico en banca rota que acabo siendo ínfima de sus riquezas, pasa a dirigirlo para imponer sus curiosos principios y convertirlo en un periódico sensacionalista. En poco tiempo, con un extraño talento, Kane consigue reunir a los mejores periodistas que pasan a formar parte de su periódico, el New York Inquirer. En lo que es un paralelismo con la vida de William Randolph Hearst, Kane, siente una ferviente pasión por gastar su creciente riqueza en antiguas esculturas y demás obras de arte, de forma exagerada, llegando a no desembalar muchas de las obras que adquiere. Su intento de alcanzar el poder se pone de manifiesto mediante su manipulación de la opinión pública hacia la Guerra hispano-estadounidense; su primer matrimonio con Emily Monroe Norton (Ruth Warrick), sobrina del presidente, y su campaña para gobernador del Estado de Nueva York. Su amor con Emily se disuelve y en plena campaña electoral de Kane, como artimaña de un enemigo político de este, le es descubierta la aventura que mantenía con Susan Alexander, esto pone punto final a su matrimonio y a su carrera política, viéndose Kane atacado por el mismo tipo de prensa sensacionalista que él había puesto en alza.

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El magnate contrae matrimonio con Susan Alexander, con el tiempo la obsesión de Kane por su persona le llevara a obligar a su mujer, sin talento ni ambición, a convertirse en cantante de ópera, construyendo un teatro para que ella actúe. Tras un intento de suicidio por parte de la cantante Kane permite a Susan, quien siempre ha recibido malas críticas, que abandone los escenarios, así se retiran a Xanadu, un palacio inmenso que Kane construyo como refugio de un mundo que empezaba a serle contrario. Después de largos años de soledad y aburrimiento en el inmenso palacio alejado de la vida de la gran ciudad, Susan abandona una relación complicada y deteriorada dejando totalmente solo al siempre solitario, aunque popular, Charles Foster Kane. Kane pasa sus últimos años dedicados a finalizar su solitario palacio, con la única compañía del servicio, en un estado de profunda depresión y desengaño, hasta morir.

De vuelta al presente el periodista se encuentra en Xanadu para hablar con el mayordomo de Kane, quien no le dice nada de utilidad excepto que el magnate ya pronuncio esa palabra, poco después de ser abandonado por Susan, mientras sostenía una bola de nieve en sus manos. En Xanadu, luego de que Thompson admita no poder averiguar el significado de “Rosebud”, las pertenencias de Kane están siendo clasificadas, y algunas quemadas, entre estas encontramos un trineo, el mismo con el que jugaba el pequeño Kane en el primer flashback, que justo cuando es lanzado a la chimenea nos deja ver una inscripción; Rosebud.

«El señor Kane fue un hombre que tuvo todo cuanto quiso, y que lo perdió. Tal vez Rosebud fue algo que no pudo conseguir o algo que perdió». (Frase lapidaria de Thompson en la película.)

Mediante lo que le cuentan a Thompson distintos personajes como son el abogado de Kane o su mejor, y único, amigo, Jedediah Leland, comenzamos a conocer la vida y el carácter de Kane, sin poder acabar de comprenderlo en ningún momento. Ciudadano Kane es una película que muestra unos personajes con caracteres muy construidos. Kane es, según Leland, un hombre que se ama demasiado a sí mismo como para amar al resto, muestra de su egocentrismo son las numerosas “K” de Kane que pone en todo lo que hace así como en sus trajes, pero de este amor hacia sí mismo surge también la necesidad de ser 13


amado por los demás, un personaje que lucha toda su vida por tener la razón, por demostrar que es una persona justa y que sus valores son los correctos, un personaje que a pesar de sus inmensas posesiones nunca llega a ser feliz y que siempre se ha sentido solo, que probablemente actúe motivado por la insatisfacción y la necesidad que crearon a un niño sensible e inteligente siendo apartado de su infancia.

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Orson Welles y Ciudadano Kane La vida artística de Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 - Hollywood, Los Ángeles, Estados Unidos,10 de octubre de 1985) estuvo siempre marcada por sus primeros años, nació en una familia adinerada que le ofreció muchísimas oportunidades de desarrollar sus dotes artísticas, su madre, pianista y sufragista, que fue apresada en alguna ocasión por sus “radicales” ideas políticas y su padre dueño de una cadenas de fabricación de camionetas e inventor aficionado lo trataron desde siempre como el prodigio de la familia dando una educación poco convencional muy orientada hacia la pintura, la música y el teatro, llegando a hacer su primera aparición en un escenario a los tres años en una representación de la obra Sansón y Dalila, en la Ópera de Chicago. Tras el divorcio de sus padres vivio con su madre y cuando esta murió a la edad de 43 años volvió a vivir con su padre. El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas.2 A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación teatral, El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde. Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda su obra futura. Welles accedió al mundo del cine a través del teatro, a los 16 años comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta. Luego fundo la compañía Mercury Theatre con la cual represento en la radio una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo de la representación fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas. Dos películas de las cuales tan solo saldría a la luz Ciudadano Kane,que contaria con la participación de miembros de la compañía Mercury Theatre. Un inexperto Kane que todavía no había trabajado como realizador y que, con la

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ayuda de Herman J. Mankiewicz en el guión, dio su propia visión del cine, creando una nueva estructura narrativa e innovando en la estética y la construcción de los planos. En el año en que Ciudadano Kane fue publicada no cosecho demasiado éxito, probablemente debido a la campaña que William Randolph Hearst hizo en contra, pero, afortunadamente, de todos modos no tuvo la fuerza suficiente para enterrarla en el olvido, dado que su riqueza e influencia estaba de capa caída. Así cuando fue de nuevo estrenada en 1956 la película obtuvo el reconocimiento que merecía por el gran público.

La influencia de Ciudadano Kane en la industria del cine general

No es un secreto que Ciudadano Kane definió las formas que tomaría el cine moderno, sus patrones han sido imitados a lo largo de la historia pero de todos modos su influencia va mas allá de patrones o estructuras narrativas, Orson Welles fue el primer cineasta independiente, después de a ver publicado algunas obras con grandes productoras, numerosas dificultades y obstáculos le evitaron seguir trabajando en Hollywood y le obligaron a viajar a Europa donde trabajo como actor para financiar sus propios films. Así que de alguna manera Orson Welles definió la figura de cineasta independiente siendo el primero en trabajar, además con notable éxito, fuera de la industria.

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1950-1959. En la década de 1950, la disputa entre los dos nuevos ejes mundiales, se intensificó notablemente con la guerra de Corea y la posterior división del país en dos estados diferentes. Se inició una carrera armamentista sin precedentes que se extendería en las siguientes décadas, así la URSS y EEUU se iniciaron a la carrera de un arsenal capaz de destruir todo el planeta, una década teñida por el consecuente miedo que esto genereba. Es la década en que el plan Marshall, que recibe ese nombre por el Secretario de Estado de los Estados Unidos, George Marshall, se propuso, en principio, rehacer ran parte de la europa que había quedado arrasada y ayudar, con los beneficios propios que esto supondría para Estados Unidos, a reiniciar la economía mundial. Evidentemente la consecuencias inmediatas hicieron de los 50 una década de bienestar económico, al menos para la clase media que surgia o resurgía con más fuerza. Los años cincuenta fueron testigos también del surgimiento de países que querían su propia identidad. Desde esta óptica, esta década fue la del inicio de la caída del colonialismo, simbolizado en los nombres de Argelia o Indochina. Fue también del surgimiento de "terceros", que pretendían no alinearse con ninguno de los dos grandes: China, que se separó de la URSS en nombre de la ortodoxia; Yugoslavia, que aspiraba a un tipo diferente de socialismo; y países como Francia, que aspiraban a una posición independiente. En norte america encontramos un sociedad que continua sintiendo muy propia la victoria sobre “el monstruo” europeo que supuso la alemanya nazi, con el consecuente orgullo nacional que eso supone, que además se vio fomentado en gran parte por el gobierno, encontramos una juventud americana que se siente capaz de todo a pesar del miedo que infundia el desarrollo de armamentística nuclear. La comunidad femenina comienza a adoptar un papel distinto en la sociedad y a aumentar su vida social. Un nuevo sonido comienza a despuntar y la aparición del rock’n roll revoluciona la muisca y como consecuencia la sociedad americana de los años 50.

Una televisión de los años 50.

Durante esta década Andy Warhol revoluciona el mundo del arte.

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Respecto al cine es la época de máximo esplendor de grandes mitos como James Dean, Walter Disney, Marilyn Monroe o John Wayne. Durante la década se producen clásicos tales como: Bienvenido, Mister Marshall (1952), Cantando bajo la lluvia (1952), La ley del silencio (1954), Rebelde sin causa (1955), Senderos de gloria (1957), Vértigo (1958), Ben-Hur (1959), Con Faldas y a lo loco (1959).

James Dean 1931-1955

Norma Jeane, Marilyn Monroe 1926-1962

Mientras se suceden lo que son unos años especialmente prolíferos para las superproducciones de Hollywood donde surgen grandes clásicos, el creciente género fantástico encuentra su lugar en producciones de segunda clase, con unos argumentos y una estética que más tarde encontraría su complemento en algunos de los aspectos del gore que surgiría en los 60 de la mano de Herschell Gordon Lewis. Una de las películas de esta etapa que es recordada con más cariño es Creature with the atom brain. Una película de zombis lejos del concepto que le daría años más tarde George A. Romero al género, con su obra Night of th living deads (1968)

Creditos iniciales de Creature With the Atom Brain. 1955

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Creditos iniciales Night of The Living Dead. 1968


Creature With the Atom Brain. 1955

Ficha Técnica

Título original: Creature With the Atom Brain. Año: 1955 Duración: 69 min. País: Estados Unidos Director: Edward L. Cahn Guión: Curt Siodmak Música: Mischa Bakaleinikoff Fotografia: Fred Jackman Jr.

Reparto: Richard Denning, Angela Stevens, S. John Launer, Michael Granger, Gregory Gaye, Tristram Coffin, Harry Lauter, Larry J. Blake, Charles Evans, Pierre Watkin,Lane Chandler, Karl Davis, Nelson Leigh Productora: Columbia Pictures presenta una producción de Clover Productions

Género: Ciencia ficción. Terror | Zombis. Serie B

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Análisis Así como otras películas contemporaneas a Creature with the atom Brain, como por ejemplo Surgio del fondo del mar (1955) de Robert Gordon , está, esta financiada por una pequeña productora llamada Clover Producctions que se dedico mayormente a producir cintas de género fantástico de bajo presupuesto, una primeriza serie B, que luego eran vendidas a la compañía Columbia Pictures y se presentaban bajo el nombre de esta. Creature with the atom Brain pertenece a esa clase de películas de serie B que tienen un aspecto inocente debido a la falta de violencia grafica que hoy en día suele acompañar este tipo de cintas pero que era impensable en la época. El argumento parte del plan de un malvado gánster, Frank Buchanan, que juro vengarse de quienes lo llevaron a prisión, de quienes lo delataron y de quienes lo encerraron para que luego fuera exiliado a Europa, donde conoció a un científico alemán, que experimentaba con la radioactividad para animar el cuerpo de animales muertos, a quien convenció para que le ayudara a llevar a cabo su venganza a cambio de financiación y la oportunidad de experimentar con cuerpos humanos. El científico alemán, Dr. Wilhelm Steigg, crea unos zombis alimentados por energía química, dotados de una fuerza descomunal, que obedecen a las palabras del mafioso y asesinan a un capo de la mafia que lo delato así como a algunos de los agentes que lo encerraron y mas miembros de la mafia que lo delataron, como su asesino personal.

Buchanan y el Dr. Steigg

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En contraposición a Buchanan y al científico se encuentra el cuerpo de policía, en especial el Dr. Chet Walker, jefe del cuartel que es además un experto en química. Chet es el padre de una modélica familia americana, mantiene una relación ideal con su esposa y cuida de su hija, es un hombre prácticamente sin defectos modelada a través de la óptica americana, lo que aporta al film un componente entrañable y simpático.

Cuando gracias a las investigaciones y el instinto de Chet la policía comienza a buscar rastos de radioactividad, después de haber negado varias veces la idea que muertos pudieran volver a la vida aprovechando esta energía, Steigg y Buchanan, viéndose en peligro, amenazan con liberar a todos los zombis si no detienen la búsqueda. El cuerpo de policía no cede y los zombis desatan el caos en la ciudad en lo que son unas escenas de exterior bastante dignas parara tratarse de un film de bajo presupuesto del año 1955. Finalmente, uniéndose el cuerpo de policía con el ejército, consiguen vencer al “ejército” de muertos de Frank Buchanan, en especial gracias a las heroicas acciones de Chet quien se enfrenta directamente con Buchanan y destruye la maquina que aporta energía a las criaturas.

Las criaturas con el cerebro atómico.

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1960-1969.

Los años 60, que marcan un punto álgido en la guerra fría, fueron unos años teñidos de agitación social, como en fue en general el siglo XX, en la población, en especial la americana, la tensión era tremendamente palpable, a principios de década como hecho significante encontramos la Crisis de los Misiles (1962, año en el que además muere Norma Jeane, Marilyn Monroe) que pareció poner al mundo al borde de la temida guerra nuclear. A lo largo de la década la Carrera Espacial, iniciada por Rusia en 1961, fue la nueva obsesión de las dos gigantes potencias que se disputaban el control mundial, USA y la URSS, época idónea para conspiraciones y demás turbias tramas políticas, Kennedy muere asesinado el día 22 de noviembre de 1963, sumiendo al pueblo americano en una profunda crisis de identidad, finalmente, en el año 1969, América pasa por delante de Rusia en lo referente a la Carrera Espacial, para quedarse a partir de ese momento siempre por delante, con la llegada del hombre a la luna. Saliendo así victorioso de lo que también fue una batalla mediática. Sin duda otro hecho que marco de forma indudable la historia y la población americana fue la guerra de Vietnam, que encontró desde el principio amplios sectores de la sociedad en contra, durante el año 1965 tiene lugar el bombardeo masivo del ejército estadounidense sobre población civil vietnamita. Los años 60 son también los años en que Malcolm X y Marthin Luther King luchan por los derechos de los habitantes de color, contra el fragrante racismo que había en América del norte, ambos mueren asesinados en la misma década de los 60, el primero, Malcom X,en 1965 y el segundo, Marthin Luther King, en 1968.

Época en la que toman mucha importancia los movimientos que abogan por la igualdad.

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Los años 60 marcaron fuertemente a la cultura americana en todos sus niveles, es época para grandes mitos que influenciaran luego la cultura pop que alimentara la estética de incontables películas. En 1969 los Premios de la Academia son por primera vez retransmitidos a nivel mundial.

Surge el movimiento hippie, probablemente como consecuencia del deseo de paz, debido a la guerra de Vietnam y conflictos en distintos sectores de la sociedad, y el creciente mercado de las drogas, fuente de la que bebieron múltiples corrientes, en especial musicales, movimiento que trajo consigo algunos de los elementos más destacables e interesantes de la cultura (o contra cultura) estadounidense.

Janis Joplin, emblema de la contracultura americana.

La cultura popular de la época continua, y continuara, influenciada por las nuevas formas de comercio y el consumismo que empezaron a desarrollarse en la mentalidad estadounidense años atrás como consecuencia de la profunda crisis (popularmente, con motivo del crack del 29) y de la necesidad norte americana de reinventarse, reflejada sobretodo en la publicidad, la estética pop marca fuertemente a la comunidad norte americana durante décadas, que siempre reciclara los aspectos de esta, convirtiendo a la estética pop en un signo de identidad tanto para el cine comercial de la época, como para el posterior cine independiente, e incluso se convertirá en un símbolo, un emblema, del “espíritu americano”.

Antigua maquina de CocaCola.

En lo referente al cine fueron unos años en que surgieron brillantes películas, clásicos de géneros dispares en una época en que empezaban a surgir cineastas con nuevas ideas que revolucionarían la industria y en la que nombres como Kubric se reinventarían y filmarían grandes títulos indispensable como: 8½ (1963) de Federico Fellini, À bout de souffle (1960) de Jean-Luc Godard, o 2001: A Space Odyssey (1968) Stanley Kubrick. 23


También a principios de esta década surgió, como consecuencia directa de la decadencia de clásico western americano, el Spaghetti Western, genero de cine independiente que apareció de la mano de Sergio Leone, el maestro del genero, y con la inconfundible mirada de Clint Eastwood, en la Trilogía del Dólar, formada por : Por un puñado de Dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El Bueno, el Feo y el Malo (1966), desplazarían la atención de el publico objetivo para el western dejando espacio para el surgimiento de nuevos géneros y llevando el western a fusionarse con otros estilos y a convertirse en un genero más abierto, probablemente debido a las nuevas películas western de bajo presupuesto, de autores más jóvenes con ideas más frescas.

Sergio Leone y Clint Eastwood.

Estos son algunos de los títulos indispensables que aparecen en esta década : Bonnie y Clyde (1967) Arthur Penn, Desayuno con diamantes (1961) Blake Edwards, Easy Rider (1969)., El Graduado (1967) Mike Nichols, Fahrenheit 451 (1966), La dolce vita (1960) Federico Fellini, La semilla del diablo (1968) Roman Polanski, Matar a un ruiseñor (1962) Robert Mulligan, Psicosis (1960) Alfred Hitchcock, The Great Escape (1963) John Sturges, West Side Story (1961). (Entre muchos otros.) Entre estas películas, todos títulos indispensables, podríamos incluir, aunque muchos probablemente no fueran a estar de acuerdo, la que he decidido analizar como pieza clave del cine independiente americano, la sangrienta Blood Feast (1963), de Herschell Gordon Lewis, la primera película gore de la historia. Un precedente del cine moderno de terror y un clásico del bajo presupuesto y la serie b.

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Blood Feast. 1963

Ficha Técnica

Título original: Blood Feast Año: 1963 Duración: 67 min. País: Estados Unidos Director: Herschell Gordon Lewis Guión: Allison Louise Downe Música: Herschell Gordon Lewis Fotografia: Herschell Gordon Lewis

Reparto: William Kerwin, Mal Arnold, Connie Mason, Lyn Bolton, Scott H. Hall, Christy Foushee, Ashlyn Martin, Astrid Olson, Sandra Sinclair, Gene Courtier, Louise Kamp,Hal Rich, Al Golden

Productora: Friedman-Lewis Productions Inc.

Genero: Terror | Gore. Slasher. Serie B

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Análisis. Las valoraciones que haga sobre esta película están totalmente exentas de connotaciones positivas o negativas, no creo que existan defectos o virtudes en el cine de bajo presupuesto, que, por naturaleza, hace gala de los aspectos comúnmente menos aceptados, son estos los que lo diferencian, como subgénero, del género al que pertenecen. Se trata de una película con un argumento simple, muy simple, casi pueril, en el que el mayor atractivo y protagonista es el intenso rojo technicolor de la sangre y las tripas, y demás casquería de animales varios, que en el film utilizan para rellenar los maniquíes que el propio H. Gordon Lewis confecciono.

Podría decirse que el argumento tan solo cumple el papel de justificación para un espectáculo visual morboso y violento.

A pesar de su carácter “lowcost”, H. Gordon Lewis creó un nuevo subgénero y cambio para siempre el cine de terror, sin saberlo, redefiniéndolo, con Blood Feast. Así, una vez más, el cine independiente transformaba sin pretenderlo la industria de la que huía o de la que se había visto marginado y ejercía una influencia directa sobre esta.

En los créditos iniciales la sangre inunda el titulo sobre la imagen de una famosa estatua del antiguo Egipto.

En mi opinión, que por lo que he podido leer en distintas criticas se corresponde bastante con la general, el mayor logro de Blood Feast es haber sido quien abrió las puertas a un nuevo concepto de cine de terror, se trata de una pieza clave por la influencia que tuvo en tiempos posteriores en distintos géneros que van desde la serie b, cine independiente, a las, ya tan comercializadas, películas de terror adolescente. Por lo demás se trata de un film no demasiado destacable por su aspecto amateur exagerado, aun así hay escenas con tintes de

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innovación, con una estética muy acertada que junto con la desquiciada música del propio H. Gordon Lewis y la crudeza y violencia (casera) de su contenido resultan muy interesantes. Es difícil resumir el argumento ya que tampoco viendo la película es demasiado claro.

El argumento se centra en los crímenes que Fuad Ramsés, quién además de haber escrito un libro llamado “La Religión Del Antiguo Egipcio Y Sus Misterios” es propietario de una tienda de comida exótica egipcia. Ramsés un personaje extraño, posiblemente más de lo debido dada su curiosa, y forzada, forma de actuar lleva a cabo como ofrenda para devolver a la vida a la diosa Ishtar, a quien en una ceremonia celebrada en el antiguo Egipto, hace 5000 años, le era ofrecido el sacrificio de varias vírgenes en unas fiestas macabras donde la población hacia un banquete que consistía en un plato compuesto por las extremidades y los órganos de estas jovenes .

Fuad Ramsés arranca la lengua a una de sus víctimas mientras suenan unas notas desquiciantes, esta es una de las escenas más famosas de la película.

Ramsés encuentra la excusa para la ceremonia en un fiesta organizada por la madre de Suzette, quien le pide que le ayude a idear una sorpresa para su hija, una joven estudiante amante del antiguo Egipto que además mantiene una relación amorosa inverosímil, por la diferencia de edad, con un policía. La fiesta, de temática egipcia, consiste en la celebración de una pequeña y misteriosa ceremonia, una “recreación” de los ritos egipcios a Ishtar, que en realidad consiste en el sacrificio, posteriormente frustrado, de Suzette y el banquete de órganos, extremidades y demás partes del cuerpo de las jóvenes que Ramsés ha ido asesinando y mutilando. La película sigue un esquema básico, propio de un guion amateur y poco meditado, la mayoría de escenas consisten en diálogos, en ocasiones muy absurdos o muy forzados, entre dos de los personajes de la trama seguidos de un hecho impactante, un asesinato en la mayoría de los casos, este es el esquema que se repite provocando una tensión final nula en el desenlace. La cinta comienza con la imagen de una mujer, joven, rubia y en ropa interior, andando por su casa, preparándose para tomar un baño mientras por la radio escucha nuevas noticias sobre un asesino que ha matado a diversas chicas jóvenes y las ha dejado horriblemente mutiladas y una advertencia de la policía dedicada a prevenir a las mujeres jóvenes del peligro que supone salir solas a la calle de noche y rogándoles por su seguridad que no abandonen sus viviendas a no ser que sea extremadamente necesario. Entonces la mujer apaga la radio y se mete en la bañera, en ese momento aparece Ramsés, no se sabe muy bien de donde, y le clava un 27


cuchillo en el ojo, matándola, para después cortarle la pierna y guardarla en su bolsa de deporte. A continuación las distintas escenas presentan a los personajes principales, la policía, que parece ser incompetente, muy probablemente por los fallos de lógica del guion, la madre de Suzette que encarga a Ramsés la comida y la organización de una fiesta temática para su hija, Suzette, como ya he dicho, profunda admiradora de la cultura egipcia, a la propia Suzette, el prototipo de adolescente americana de los años 60 y a Ramsés, este último aparece en las escenas de los asesinatos, o bien alabando a la escultura, de aspecto curioso con una falsedad evidente, de la diosa Ishtar que tiene en la estancia donde prepara el banquete y realiza los sacrificios. Las distintas situaciones se suceden sin demasiado sentido hasta hacia el final cuando los acontecimientos empiezan a tener alguna relación entre ellos para el desenlace de la trama en el que Ramsés estará en casa de Suzette como organizador de la fiesta y en lo que es una de las escenas más absurdamente planteadas, tratara de convencer a Suzette para que se estire sobre una mesa de mármol con los ojos cerrados y pronuncie las palabras sagradas “Oh Ishtar, tómame en tu cuerpo.” Para así poder sacrificarla “como manda la tradición”.

Fuad Ramsés, el asesino, ruega a la joven que le conceda un favor, tumbarse sobre el mármol para recrear los antiguos sacrificios.

La madre, por casualidad, al entrar en la cocina para avisar al asesino de que los invitados se impacientan, interrumpe la ceremonia y Ramsés huye asustado ya que, además, la policía acaba de aparecer en la casa gracias a una deducción, que el espectador le parece evidente, del agente Pete Thompson, la pareja de Suzette. La deducción se basa en el testimonio de una chica que después de haber sido facialmente despellejada consiguió sobrevivir al ataque de Ramsés con el suficiente tiempo como para hacer una última declaración, es asesino se le acerco gritando “Itar! Itar!”. Más tarde, Thompson, a quien la victima hizo la declaración, hablando con Suzette sobre la fiesta que su madre le ha organizado, quién le dice que recreara los ritos a Ishtar, recuerda una conferencia sobre los antiguos ritos egipcios a la que asistió con la joven, pues los dos son amantes de la antigua cultura egipcia, y recuerda que les fue explicado el rito a Ishtar, es entonces cuando relaciona las palabras “Itar” e “Ishtar” descubriendo así a Ramsés como el asesino, yendo primero a la tienda de Ramsés y confirmando que es el culpable cuando 28


descubre una habitación con una estatua de Ishtar y un cuerpo y partes de otros, mutilados, sobre una mesa teñida de sangre y corriendo luego hacia la fiesta de su chica para salvarla a ella y al resto de invitados.

Finalmente la pareja de policías persigue a Ramsés que huye de la casa de Suzette, como he dicho antes al final parece ser la parte mejor construida por la condensación y la relación evidente de causa-efecto de las escenas pero también es la que contiene mas absurdeces en menos tiempo, la situación que da final a la persecución es demasiado absurda como para ser reprocucida en palabras y cuesta de comprender la impresión total que da sin la interpretación de los personajes, pero ocurre lo siguiente: Ramsés es perseguido por los dos policías, armados, y a pesar de su característica cojera, les lleva bastante ventaja, aprovecha esta ventaja para esconderse dentro de un camión de la basura, en marcha, la policía, que esta bastante cerca, pide al conductor, que no se ha percatado de nada, que detenga la maquinaria de la trituradora del camión, pero demasiado tarde, la trituradora acaba con la vida de Ramsés y entonces los mismos policías que le habían rogado el conductor que detuviera la maquinaria le felicitan ahora por no haberlo hecho y lo tratan de héroe por acabar con un peligro para la sociedad, después de lo que intenta ser un típica conclusión de película por parte de Pete Thompson, el agente, la policía se marcha del lugar dejando el cadáver de Ramsés a cuidado del conductor que decide continuar con su trabajo.

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Aspectos del film, propios del cine independiente, más destacados.

Quizá en una película como Blood Feast, predecesora de lo que hoy entendemos como serie B, no tiene mucho sentido tratar de aislar algunos aspectos como característicos del cine independiente cuando la cinta rezuma independencia por todos sus poros. En Blood Feast no hay aspectos “no independientes”, al menos si tenemos en cuenta la base de financiación, escasa, y el dominio del realizador total sobre el proyecto, que, tratándose de una afición, se implico en gran parte en la confección de maniquís, extremidades falsas y incluso de la fórmula para crear el liquido que interpretaría el papel principal, la sangre así como compuso la música, participo en el guion siendo la idea originaria suya, hizo el casting, etc. Puede dar la primera impresión, quizás acertada, de que la intencionalidad del film, o más bien la falta de esta, no se corresponde con el “ideal” de película independiente, pero hay que tener en cuenta primero que la variedad de géneros dentro del cine independiente es inmensa y, segundo, que, si uno piensa, Blood Feast, a pesar de su grosería, no se distingue tanto a nivel conceptual de otras películas más elegantes donde tampoco el dialogo importa realmente, donde no se trabaja sobre un argumento genial pero donde la estética y la rareza de las escenas del film hipnotizan al espectador. Está claro, por otra parte, que el nivel de innovación artística de Blood Feast no es equiparable al de obras, por ejemplo, de David Lynch o de Nicolas Winding Refn (director de Pusher, Drive o Only God Forgives), en Blood Feast, si no es de forma rebuscada, es difícil distinguir el concepto “arte”. En lo referente a la fotografía y la construcción de los planos, la primera, es atractiva, pero lo es por necesidad, no se trata de una fotografía meditada o intencionada, se trata de la fotografía correspondiente a la época, los 60, no parece que exista una verdadera preocupación por la estética en el film, respecto a lo segundo, la construcción de los planos, es torpe e inexperta, lo que no considero un aspecto especialmente negativo ya que, a mi parecer, produce cierta nostalgia.

Escena de Blood Feast.

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Herschell Gordon Lewis y cómo surgió Blood Feast

Si tratáramos de encajar al director Herschell Gordon Lewis ( 15 de junio de 1929 en Pittsburgh , Pensilvania) dentro de un genero cinematográfico, o dentro de una manera de hacer películas, nos resultaría, probablemente, imposible, pues aun ser conocido como “El Padrino del Gore”, H. Gordon Lewis, ha participado en cuantiosos proyectos, algunos de aspecto muy distante a otros, entre sus obras se cuentan tanto como películas para niños como el cine de explotación más crudo, donde un aspecto morboso de la existencia humana, por lo general la sexualidad o la violencia, es magnificado dando como resultado películas Gore, Eróticas… Nada, o mucho, tiene que ver el idolatrado Herschell Gordon Lewis de hoy en día con el inexperimentado director de Blood Feast, al fin y al cabo el resultado final de sus trabajos no ha cambiado demasiado, un joven Herschell que había dirigido su primera película en el año 1959, The Prime Time, un drama adolescente que sería un fracaso, con el que conoció al productor Dave Friedman, quien fue su socio, y durante el proceso de creación del cual tuvo la idea de crear un nuevo subgénero con la sangre y las tripas como razón de existencia, yendo así más allá en lo morboso y desagradable que cualquier otro director hubiera ido antes. Después de unos años en los que Lewis y Friedman buscaron el éxito fácil con películas nudies, un género cuanto menos curioso y de un éxito breve y sorprendente, finalmente terminaron por cansarse y, sobretodo Lewis, empezaron a sentir la necesidad de darle un giro a su carrera. La oportunidad se presento en 1963 cuando gracias a Friedman la pareja de socios consiguió el encargo de rodar una película de nudistas en las playas de Florida (una película nudie), y como son por lo general las cosas que cambian el transcurso del cine, por casualidad, o suerte, el productor, Eli Jackson, que estaba obsesionado con su esposa, una estríper llamada Virgina Bell, les exigió que esta se luciera en la película, pero estaba embarazada de unos meses lo que obligo a Lewis y a Friedman a terminar la película en tan solo 3 días, gastando de esta forma una pequeña parte del presupuesto, así con el dinero sobrante, aproximadamente 40.000 dólares, Friedman y Lewis se implicaron en su nuevo proyecto basado en un simple guion escrito por el director, Blood Feast.

Herschell Gordon Lewis. “El Padrino del Gore”

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Influencia del film en la industria general.

A pesar de la importancia, relativamente menor, de Blood Feast, con ella Herschell Gordon Lewis consiguió revolucionar, como pocos otros lo han hecho, el cine que se haría posteriormente. Al romper los limites convencionales sobre lo que mostrar y lo que no mostrar en pantalla abrió las puertas a incalculables subgéneros, abrió la mente de muchísimos realizadores e hizo posible el surgimiento de genialidades que luego aprovecharían muchos de los elementos del Gore para crear obras más complejas. Desde las películas más macabras e independientes hasta el tópico cine de terror adolescente le deben mucho a Herschell Gordon Lewis, quien adelanto el inevitable surgimiento de un género tan sucio.

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1970-1979.

Los años 70, la etapa final de la guerra del Vietnam y el conflicto árabe-israelí tiñen de conflictos la vida política de la década que definirá la “forma” que tomara el mundo y será causante de muchos otros conflictos posteriores, época que comienza con la perdida de Janis Joplin y Jimi Hendrix, además de la separación de los Beatles (1970), y luego la perdida de Jim Morrison (1971).

Jimi Hendrix. (1942-1970)

Jim Morrison. (1943-1971)

Encontramos una sociedad americana abierta, que mira hacia la paz, ansiosa por un cambio que no llega en respuesta a una etapa que, vista con perspectiva, y para algunos sin tanta perspectiva, fue políticamente nefasta. La intervención americana ayudara a instaurar diversas dictaduras militares, y antimarxistas, en varios países de América del sur, por ejemplo la de Pinochet en Chile, la política americana enloquece en el poder mientras el bloque soviético comienza a dar las primeras señas de desintegración. En 1972 estalla el famoso caso Watergate, que luego porvocaria el abandono de la presidencia por parte de Richard Nixon en 1974. En 1975 Vietnam del Sur se rinde a Vietnam del norte (caída de Saigon) quien anteriormente, 1973, había pactado la paz con Estados Unidos. En 1976 se crea la joven empresa que cambiara el mundo, Apple Computer, el mismo año que Estados Unidos celebre su bicentenario.

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Richard Nixon, presidente de EEUU


En 1977 los demócratas llegan al poder con el presidente Jimmy Carter, el 16 de agosto del mismo año, a los 42, muere el cantante Elvis Presley.

Elvis Presley, en los últimos años de su vida.

En 1979 los fundamentalistas musulmanes toman el control de Irán bajo el liderazgo de Ayatolá Ruholá Jomeini, con lo que este país se retira de la influencia occidental y se encierra en el más radical de los estados basados en la Sharia (ley islámica). Durante la década de los 70 la cultura popular americana sufre un gran cambio, la perdida y mitificación de grandes iconos para esta la obligan a reinventarse, es la década en que la tecnología comienza a desemvoluparse en sentidos mas comerciales. Respecto al cine, la década de los 70 es especialmente buena para los realizadores independientes, durante estos años aparecen películas de gran importancia e influencia como son La naranja mecánica de Stanley Kubrick (1971), Bananas de Woody Allen (1971), El Padrino de Francis Ford Coppola (1972), El Exorcista de William Friedkin (1973), Chinatown de Roman Polanski (1974), Young Frankenstein de Mel Brooks (1974), Tiburón de Steven Spielberg (1975), Carrie de Brian de Palma (1976), Taxi Driver de Martin Scorsese (1976), Star Wars Episodio IV: Una Nueva Esperanza de George Lucas(1977), El Amanecer de los muertos de George A. Romero (1978), Apocalypse Now de Francis Ford Coppola (1979) o Alien de Ridley Scott (1979).

Una nueva visión que tendrá una influencia total sobre el resto de cineastas independientes aparece con la década, David Lynch, paradigma del director independiente, llegando a declarar que se suicidarías antes de perder el control total sobre su obra, que ya muestra su carácter en The Grandmother, cinta de 30 minutos que trata de cómo un niño que vive en la calle se las ingenia para conseguir una abuela a base de una semilla, comienza a trabajar en 1971 en un largometraje que no terminara, por motivos de financiación, hasta 1977. 34


Eraserhead. 1977

Ficha Técnica

Título original: Eraserhead Año: 1977 Duración: 90 min. País: Estados Unidos Director: David Lynch Guión: David Lynch Musica: Peter Ivers

Fotografía: Frederick Elmes (B&W)

Reparto: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts

Productora: David Lynch / The American Film Institute for Advanced Film Studies

Género: Fantástico. Drama | Cine independiente USA. Cine experimental. Surrealismo.Película de culto

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Análisis.

Eraserhead es una de esas películas donde el argumento se sacrifica a favor de la estética y de la incomprensión que genera la atmosfera propia de Lynch, con tendencia hacia películas donde el subconsciente, lo onírico y lo grotesco se mezclan y elevan todos los componentes de la cinta a la misma categoría, viendo películas como Eraserhead uno siente que todos los elementos de esta están perfectamente equilibrados y todos, las emociones de los personajes, su forma de actuar ( y de interpretar) , la estética…todos provienen de un mismo punto oscuro en la mente del realizador, quizás sea esta una de las ventajas de una obra en que el creador tiene el control total y una de las ventajas de una mente laberíntica como la de Lynch, que consigue fusionar sueños y realidad haciendo desaparecer la línea divisoria entre ambas ,donde en ocasiones a veces incluso los sueños tienen más sentido que la realidad. Lejos de parecer tan solo una sucesión de escenas extrañas, Eraserhead o Cabeza Borradora, es un film compacto, si bien es cierto que no por el argumento pero las escenas están conectadas entre sí por muchos otros motivos, cuando uno contempla una obra como esta siente una especie de relación invisible entre escenas y Lynch es único consiguiendo crear este tipo de emociones en el espectador.

“I don't think about technique. The ideas dictate everything. You have to be true to that or you're dead.” -David Lynch

No creo que sea especialmente necesario comentar el argumento de Eraserhead, el comentar elementos de una película, o de cualquier otra obra artística, de los que precisamente el realizador se ha abstraído, solo porque son los elementos convencionales, creo que es un hecho de simpleza y lo veo como una especie de ofensa a la cinta y al creador de esta. Además en Cabeza Borradora hay aspectos mucho más interesantes que el argumento, de todas formas, a continuación un pequeño resumen.

La historia, que parece irse fragmentando conforme avanza la película, el planteamiento, si es que en algún punto se origina, se desvanece con mucha facilidad, nos presenta a un hombre, Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), nervioso, quizá inseguro, y enigmático, un personaje ciertamente extraño rodeado de personajes y situaciones ciertamente extrañas. Henry recibe una carta de Mary X, su ex novia, donde esta le invita a cenar esa misma noche en la casa donde vive con sus padres. 36


En lo que transcurre de forma diametralmente opuesta a una “magnifica velada”, Henry conoce a la inquietante familia de Mary y conoce, lo que es más inquietante aún, la noticia de que su ex novia ha dado a luz a un ser grotesco y abominable, aunque nunca se hace mención en la cinta al hecho de la deformidad del hijo, los personajes sí que parecen percatarse de ella en lo que quizás sea un secreto a voces, una metáfora de la contradictoria forma de actuar de la sociedad en frente a estas situaciones, o quizás no lo sea. Henry, quien se sentía dolido por el abandono de Mary, se ve ahora obligado a casarse con ella y a cuidar de su nuevo hijo. Luego la ambigua cinta es un espectáculo de incomprensión que juega con los planos y con el subconsciente creando imágenes casi hipnóticas para el espectador que acompañadas del continuo silencio en forma de zumbido crean una atmosfera idónea para el simbolismo que, algunos dicen, caracteriza la película. La forma en la que está construido el guion no es ni mucho menos la convencional así que, si bien podemos tratar de distinguir una introducción e incluso puede que un nudo, la existencia de estos es breve y la de un desenlace claro es, cuanto menos, imperceptible.

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Aspectos del film, propios del cine independiente, más destacados.

Eraserhead, película de culto y emblema de cine independiente, brilla, entre muchos otros motivos, por la coalición de todos los elementos de la cinta, y por la perfecta, y grotesca, armonía de estos. Un hilo musical experimental, un zumbido continuo, salvo por algún momento melódico, que cambia para darle intensidad a determinadas escenas, nos acompaña durante toda la visualización, creando así una atmosfera que deja huella en el espectador. El evidente dominio total de Lynch sobre la cinta, lo experimental de esta, con un surrealismo que recuerda a Buñuel y la rotura de una estructura narrativa convencional así como el oscuro y laberintico mundo interior del realizador que queda plasmado en el film, son sin duda, por encima del resto, los aspectos que definen Eraserhead como paradigma de película independiente. En Eraserhead todo parece responder al mismo principio independiente, la fotografía, un blanco y negro casi impresionista, el onírico guión, la falta de una finalidad clara en el film, la construcción de los planos, la secreta voluntad de provocación que se esconde detrás de todas las grotescas pero elegantes deformidades y deformaciones, la interpretación y los escasos diálogos… todos parecen elementos escogidos a la carta para crear un reflejo de la tardía y tétrica genialidad de David Lynch. Quizá no sea acertado, en especial para Eraserhead que tardo en ser rodada seis años por motivos económicos, decir que la escasa financiación que se presta a estos proyectos sea una bendición para los mismos, si bien esto podría parecer una exageración, lo cierto es que para películas como esta si es necesaria una base financiera escasa y la visión pura de un realizador inflexible con sus ideas.

Sin duda alguna otro elemento en el que debe hacerse especial énfasis son los personajes, personalmente, son de la clase de personajes con los que más disfruto, personajes detrás de los cuales parece haber un psicopatía latente que los lleva a actuar de las formas más extrañas pero en los que, en lo que es una contradicción ya demasiado clara y evidente como para seguir siendo vista como una contradicción, brilla una especia de genialidad artística y una especia de reflejo de la verdad que ha trastornado y desequilibrado a los personajes. Además el entrono, en perfecta simbiosis con quienes lo habitan, y los elementos de este, como el pollo minúsculo que se mueve una vez debería estar muerto después de haber sido cocinado y segrega fluidos bastante desagradables (es necesario haber visto la película para entender esta referencia, se trata de una escena difícil de reflejar en texto) crean situaciones 38


que podr铆an llegar a ser c贸micas si no fuera por la impasividad de los personajes que parecen estar demasiado perdidos en su ca贸tico mundo interior como para dejarse impresionar por hechos tan banales como son los de su enfermiza vida comunitaria.

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David Lynch y cómo surgió Eraserhead

Como ya se ha dicho otras muchas veces, David Lynch (20 de enero de 1946, Missoula, Montana, EEUU) , el hombre cuyas obras provienen sin duda de una perturbada mente, tuvo una infancia feliz, incluso idílica, según sus propias palabras, sin traumas que lo persiguieran luego toda la vida. Lynch sintió desde joven impulsos artísticos, en un principio sobretodo orientados hacia la pintura, que lo llevaron a estudiar en Corcoran School of Art en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia, y en School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año. Estos fuertos impulsos artísticos y su evidente innovación estética se vieron favorecidos y completados por el toque de perturbación que necesitaban cuando Lynch, en 1966, con 20 años, se instala en Filadelfia, la que comenzaría por ser una de las etapas mas emocionalmente oscuras para el realizador y en la comenzaría a filmar sus primero metrajes, entre ellos Eraserhead, pero antes de eso hubieron algunos hechos remarcables. En Filadelfia, David Lynch, asisesta a la Pennsylvania Academy of Fine Arts, durante estos años su actividad artistic se baso en unos complejos mosaicos formados por figuras geométricas a los que llamo Industrial Symphonies, tambien comenzaba por aquel entonces a introducirse en el mundo cinematográfico, su primer cortometraje, llamado Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermando") (1966) pertenece a esta época. Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.

Imágenes de “Six men getting sick” 1966, primer cortometraje de David Lynch.

En el año 1970 Lynch se implica de pleno en el arte cinematográfico, gracias a un premio de 5.000 dolares que consiguio por su mediometraje The Grandmother. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar. 40


En 1971, Lynch se trasladó a Los Ángeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje,Eraserhead, aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla. Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los íconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.

Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica más avanzada la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.

“Una historia kafkiana e inquietante donde encontramos humor negro, canciones del más allá, criaturas supurantes y un omnipresente ruido industrial de fondo.” -blog: RizomaFestival

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Influencia del film en la industria general.

Eraserhead es una película que genero una importante influencia en los realizadores independientes desde el principio, su estética ha sido imitada i homenajeada en varias ocasiones. La innovación de Lynch respecto a la estructura argumental y la ruptura con la forma narrativa común, que podría encontrar tímidos precedentes en películas como L'Année dernière à Marienbad (1961, Alain Resnais) , se deja entrever en cuantiosos films posteriores que acompañan oníricos guiones de diálogos escasos y conflictos que quedan sin cerrar. Lynch participa con fuerza en el imaginario popular entre los adeptos al cine de autor, y aunque, como ya he dicho, ya ha sido imitado, jamás podrá ser igualado por la originalidad total de su opera prima, el cine de Lynch y el propio Lynch, son, sin duda, elementos de mucha importancia para la historia del cine que se escribe con los nombres de los cineastas más rompedores.

David Lynch

La densa atmosfera que crea Lynch la podemos encontrar en dispares films como en Killing Them Softly (2012, Andrew Dominik), en mi opinión una sobria obra maestra del cine negro (neo-noir) que mantiene a lo largo de todo el metraje una atmosfera casi asfixiante, o la francesa, controvertida y surrealista Holly Motors (2012, Leos Carax).

Cartel de Killing Them Softly para USA

Uno de los distitos carteles de Holy Motors

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1980-1989.

La década de 1980 esta marcada por la tensión que desencadenaría el desenlace de la guerra fría a finales de la misma. En 1980 comienzan a parecer los primeros teléfonos móviles con tarjeta, muere asesinado John Lennon e Irak invade Iran En 1981, mismo año en que fracasa el golpe de estado de tejero, el presidente de EEUU, Ronald Reagan, sufre un intento de asesinato. Se comercializa el primer ordenador personal de IBM PC.

Ronald Reagan En 1982 tiene lugar la guerra de la Maldivas, entre Argentina y Reino Unido, fruto de la política de Margaret Tatcher . El disco Thriller, de Michael Jackson se convierte en el más vendido de la historia. En 1984 se presenta la primera mujer en ser candidata a la vicepresidencia de los estados unidos, Geraldine Ferraro , por el partido demócrata En 1985 se detecta un agujero en la capa de ozono, en la artantida. En 1986 EEUU bombardea Libia en respuesta a un atentado en la Belle, una dicoteca de Berlín, entre las bajas se cuentan civiles. Ese mismo año tiene lugar el catástrofe nuclear tras el incidente de Chernóbil. Primer clonación de un embrión de oveja. En 1987 acontece de nuevo un desastre mundial financiero. El tercer álbum en solitario de Michael Jackson "Bad" sale a la venta.

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En 1988 finaliza la guerra guerra irano-iraquí.

En 1989 un hecho sobresale por encima del resto, cae el muro de Berlín, comenzando así el fin de la guerra fría y el declive de la unión soviética.

La sociedad americana de los 80 es una sociedad cada vez más definida que ahora ya conoce de pleno cual es su papel en el mundo. La comunidad afro americana que luchaba activamente por sus derechos desde los años 60 y había comenzado a ser reconocida hacia los 70 prosigue en su cruzada contra el racismo obteniendo algunas victorias legales para sus reclamos aunque muchas veces los fallos del jurado fueran incongruentes, como en el aspecto de extender la línea de autobuses escolares hasta los barrios con con el numero de población inmigrante más 44


alto, para así combatir el sectarismo y conseguir una verdadera igualdad de trato y oportunidades. La cultura popular americana que crece de forma exponencial encuentra en los 80 muchos de sus mitos aunque, en mi opinión, hacia los 80 comenzaron a torcerse las cosas artísticamente hablando encontramos en esta década una mentalidad en la gente joven, unida a una innovadora estética, muy interesante. Desde los 60, y más en los 70, se hace muy difícil definir un solo movimiento como identificadora de una década, en los 80 surgen bandas como Metallica y cantantes como Michael Jackson obtienen su máximo reconocimiento. En lo referente al cine en los 80 encontramos una industria que ha crecido de forma exagerada y comienzan a surgir títulos que se corresponden plenamente con la idea de película comercial actual con los que Hollywood encuentra de nuevo el éxito así como el apogeo de la ciencia ficción y el surgimiento de las grande franquicias, del cine de terror (Halloween, Viernes 13…) y otras como podrían ser Rocky, algunos films de relevancia son : El resplandor de Stanley Kubrick (1980), Viernes 13 de Sean S. Cunningham(1980), American Gigolo de Paul Schrader (1980), Toro salvaje de Martin Scorsese(1980), The Blues Brothers de John Landis (1980), El Hombre elefante, de David Lynch (1980), El cartero siempre llama dos veces (1981), Blade Runner de Ridley Scott (1982), E.T.: El extraterrestre de Steven Spielberg (1982), Poltergeist de Tobe Hooper (1982), Pink Floyd The Wall de Alan Parker (1982), Creepshow, de George A. Romero (1982), Scarface de Brian De Palma (1983), 1984 de Michael Radford (1984), Érase una vez en América de Sergio Leone (1984), Los cazafantasmas (1984), Gremlins de Joe Dante (1984), Brazil de Terry Gilliam (1985), Los Goonies de Richard Donner (1985), La Mosca de David Cronenberg (1986), Hannah y sus hermanas de Woody Allen (1986), Buenos días, Vietnam de Barry Levinson (1987) My Best Friend's Birthday de Quentin Tarantino (1987) (pelicula semi- perdida), Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore(1988), Beetlejuice de Tim Burton (1988), Chucky, el Muñeco Diabólico de Tom Holland(1988). En la lista anterior faltan muchísimos títulos los cuales harían la lista eterna, entre ellos, la primera película de los hermanos Coen, sorprendentemente madura, de 1984, Sangre Facil.

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Sangre Fácil. 1984

Ficha Técnica

Título original: Blood Simple

Año: 1984 Duración: 96 min. País: Estados Unidos

Director: Joel Coen Guión: Joel y Ethan Coen Musica: Carter Burwell

Fotografía: Barry Sonnenfeld

Reparto: John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, Samm-Art Williams, M. Emmet Walsh, Deborah Newmann. Productora: Foxton Entertainment / River Road Productions Género: Thriller. Cine negro | Neo-noir. Crimen. Película de culto. Cine independiente USA

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Análisis

Sangre Fácil puede parecernos una obra maestra del cine negro, una clase magistral de sobriedad, una obra innovadora a la par que mantiene la esencia de los clásicos del género, pero lo que no parece, a causa de todo lo anteriormente mencionado, y lo que en cambio realmente es, es la opera prima de Joel y Ethan Coen, la madurez de la obra que se limita a mostrar de forma casi minimalista solo lo justo y necesario, y los tintes de surrealismo que toma el guion, quizá debido a las extrañas relaciones entre personajes, que toman un aspecto pasivo a pesar de tener un trasfondo muy pasional, además de algunos momentos oníricos, crean un film perfectamente equilibrado que abrió las puertas de la industria a los hermanos y que les otorgo el reconocimiento que merecían. Como he dicho, sorprende, ante todo, la madurez de la retorcida obra.

La secuencia a la que pertenece esta imagen (un travelling a través de la barra) esta construida de una forma particularmente interesante.

La trama se desarrolla a partir de la relación de infidelidad que mantienen Abby y Ray, Marty, marido de Abby y jefe de Ray, este último trabaja en su bar, contrata a un detective privado que le confirmara sus sospechas. Los cuatro personajes principales Marty, Abby, Ray y el detective privado se muestran desde el principio como seres complejos y contradictorios, así el guion crea un juego muy interesante entre las relaciones personales, las consecuencias de estas, y las actitudes de cada uno de los cuatro. Cuando Marty conoce de forma innegable la verdad que ya sospechaba, el odio, que probablemente ya existiera antes pero ahora con mas fuerza, empieza a crecer dentro suyo, torturándole y consumiéndole llevándole a lo mas bajo de las pasiones humanas y encarga al, abominable, detective privado, un hombre sin escrúpulos con una visión cruda, y tristemente 47


acertada,de la vida, que actua solo por interés, el asesinato de su mujer y el amante, es entonces cuando la trama empiza a retorcerse, cuando el detective decide no asesinar a la pareja, los motivos no son especificados, quizás por miedo o quizás por comodidad, dudo que por moral, y tomarles varias fotos durmiendo, que luego retoca para que parezcan las víctimas de un tiroteo. El detective entrega las fotos a Marty, exigiéndole que luego se las devuelva, como prueba de que él ha cumplido su parte del trato, ahora le toca cumplir a Marty y cuando se dirige a la caja fuerte para coger los 10.000 dólares acordados aprovecha para guardar una de las fotos sin que el detective se de cuenta, una vez a cobrado, el detective dispara a Marty en el pecho con la pistola que había robado previamente en el apartamento en que estaban Ray y Abby y donde les había tomado las fotos, creyendo así que lo ha matado, deja la pistola en la escena del crimen para que la culpa caiga sobre Abby

Marty y el Detective

El detective disparando a Marty

Poco después de que el detective se marche del bar de Marty, donde ha tenido lugar el crimen, Ray llega al bar, encontrando a Marty muerto y la pistola de Abby establece la conexión lógica, creyendo que Abby a matado a Marty y se ve en la obligación de ayudarla. Carga el cadáver en su coche y conduce algunos kilómetros hasta unos campos de cultivo, mientras conduce cree ver con vida a Marty y asustado baja corriendo del coche, cuando reflexiona vuelve a este, pero Marty, quien realmente estaba vivo no está, y lo ve a unos metros del coche jadeando y arrastrándose, Ray finalmente entierra a Marty con vida en uno de los campos de cultivo.

Creyendo que hace lo correcto, después de que amanezca mantiene una conversación con Abby de la cual ella no entiende nada, dado que Ray piensa que Abby ha matado a Marty 48


cuando esta ni siquiera sabe que Marty ha muerto, y le deja preocupada. Las relación comienzan a torcerse y los acontecimientos dejan indefensos a todos los personajes que desconocen quien está vivo y quien muerto para que finalmente el detective trate de asesinar a Ray y Abby con un franco tirador cuando ambos están en el apartamento que habían alquilado, Ray muere sin poder aclarar las cosas a Abby quien consigue evitar ser disparada por el detective con un franco tirador, ella cree que quien dispara es Marty. Entonces el detective entra en el piso de Abby y comienzan a jugar al gato y al ratón, finalmente Abby salva su vida disparando al Detective, creyendo que se trata de Marty, por cómo se desarrolla la situación no se llegan a encontrar cara a cara, Abby y el detective, en ningún momento. Finalmente por las últimas palabras, entre sus habituales carcajadas, del detective entiende que no se trata de Marty a quien ha matado y aquí termina el film.

Frances McDormand en el papel de Abby

La película nos muestra la crudeza del ser humano y la facilidad con la que llega la muerta pero lo difícil que es aceptarla, más, cuando tú eres el causante. Como es costumbre en los films de los hermanos Coen la confusión y los errores acaban llevando a todos los personajes a la perdición a la que de alguna manera ya estaban predispuestos

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Los hermanos Coen y cómo surgió Blood Simple.

De los dos hermanos Joel (1954) fue el único que siempre tuvo claro el querer dedicarse al cine, probablemente por eso solo aparezca él como director, Joel se licencio en la Escuela de cine de la universidad de Nueva York, luego su hermano, Ethan (1957), estudiaría filosofía en Nueva Jersey. Los dos hermanos crecieron desde pequeños filmando películas caseras con una cámara super 8 . Tras graduarse Joel inicia su carrera profesional como ayudante de montaje en películas bajo presupuesto, de entre las que destacan Posesión Infernal, pequeño clásico del cine de terror de bajo presupuesto de los años 80 (1981) que dirige Sam Raimi. Mientras Joel se forma en la escuela del cine independiente, Ethan tiene varios trabajos y aprovecha su tiempo libre para escribir guiones, es uno de estos guiones, escrito junto a su hermano, el que se convierte en su primera película, Sangre Fácil, después de que el guion fuera rechazado por varias productoras los hermanos Coen deciden autoproducirse, con sus bajas rentas les es imposible hacerlo por ellos mismos así que buscan financiación de la mano de sus propios padres y algunos amigos. Sumando en total 70.000 dólares al fin consiguen producir la cinta, cargada de referencias al cine negro, que fue recibida por la crítica como una de las mejores películas del año y galardona como la mejor película de ficción del año 1985 por el festival de Sundance, que entre otros también abrió las puertas del panorama independiente a Quentin Tarantino. Aunque de Sangre Fácil existe la opinión generalizada de que lo visual vence a la narrativa ya que hay algunos puntos incongruentes del guión. La inversión inicial de la familia y amigos, gracias al éxito del film, se multiplicó por 10. En la película algunos de los aspectos característicos que luego aparecerán en la mayoría de obras de los hermanos aparecen de forma evidente, personajes singulares, un estética muy trabajada, y universos únicos llenos de pequeñas licencias que los hermanos se toman respecto a la realidad. Algunos de los nombres que aparecen en la película acompañaran luego a los Coen durante largo tiempo, por ejemplo Frances McDormand, quien interpreta el papel de Abby y quien contraería matrimonio con Joel en 1985 o Barry Sonenfeld, director de fotografía. Luego en la carrera de los Coen encontraremos títulos de gran reconocimiento así como otras de increíble y sorprendente banalidad. Abajo Ethan (izquierda) y Joel (derecha) Coen.

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Influencia del film en la industria general.

En cierta manera los hermanos Coen y Sangre Fácil, son los culpables de el esfuerzo, reiterativo, al que se somete el cine negro, y el de otros géneros, en la últimas décadas de sorprender al espectador con los, quizá, cuando no se sabe hacer de forma adecuada, reiterativos, recovecos y cambios del guion. Es difícil saber si son predecesores del thriller independiente moderno o tan solo siguieron la corriente pero lo cierto es que consiguieron brillar por encima del resto y su estilo, sus escenarios, y la singularidad de sus personajes han sido imitados en diversas ocasiones por cineastas independiente y también por la gran industria que imita todo lo que vea como clave del éxito haciendo perder, en la mayoría de los casos, su esencia.

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Introducción a la década, contexto social y cultural.

1990-1999. En 1990, con la reunificación de Alemania, se da por terminada la guerra fría que había comenzado en 1949. A 10 años del cambio de milenio la sociedad parece verse frente a las puertas de una nueva etapa, probablemente debido a todos los cambios que sufrió el mundo con el cambio de Etapa, entre ellos la precipitada desintegración de la URSS. No es complicado tratar de comprender la década de los 90 por su proximidad a pesar del cambio evidente entre la vida actual y la de 20 años atrás. Tratar de definir la sociedad americana a través de un movimiento se hace totalmente imposible conforma avanza la historia y así es en los 90, son los años del grunge, el resurgimiento del Thrash metal y la moda del monopatín, la generación X y un cierto sentimiento de desengaño viste a los jóvenes de la década. En 1994 fallece Curt Kobain líder de nirvana, suicidándose, falleciendo, o creándose, así uno de los últimos grandes mitos musicales por el momento.

En 1995, año de lanzamiento de Toy Story, la primera película realizada por ordenador, un ataque terrorista en Oklahoma City (EE.UU.) provoca la muerte de 168 personas.

Kurt Cobain. 1967-1994

En 1998 Titanic, de James Cameron, consigue 11 premios Oscar. Año que también se considera como el inicio del boom de la tecnología móvil que cambiara nuestras vidas.

Cameron, Di Caprio y Kate Winslet en el rodaje de Titanic. 1997

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Respecto a lo audio visual, tanto en cine como en televisión, los 90 son unos años de una producción exagerada de marcaran con fuerza la cultura popular posterior, series como Friends, Embrujada, El príncipe de Bel-Air, Expediente X… En estos años aumentan notablemente las series de animación para adultos, surgen títulos como South Park, Los Simpson, Padre de Familia, El rey de la colina…Series que forman un importante sector de la contracultura en el que podríamos incluir el cine independiente, al tratarse de una burla grotesca y pasada de vueltas de la sociedad americana que en gran parte repudia el género de autor americano, muchos realizadores encontraror su sentido del humor reflejado en estas series.

El Rey de la colina. 1997

Padre de Familia. 1999

En lo referente al cine, a pesar de la continua perdida de calidad que sufren las películas comerciales de la gran industria de Hollywood, a pesar de contadas excepciones, desde años atrás, los 90 son una buena época cargada de nuevas ideas e innovación, aunque parece que un patrón se repite en diversos films, en lo referente al cine independiente. Durante estos años se toman muchas de las formulas que luego se repetirán en diversos generos. Entra una lista interminable de películas, encontramos títulos geniales como El silencio de los corderos (1991) de Jonathan Demme, Drácula de Bram Stoker (1992) de Francis Ford Coppola, Sin Perdón (1992), de Clint Eastwood, What’s Eating Gilbert Grape? (1993), de Lasse Hallström, Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino, Ed Wood (1994) de Tim Burton, Mars Attack (1996) Tim Burton, Fargo (1996), de los hermanos Coen, Trainspotting (1996) de Danny Boyle, Full Monty (1997) de Peter Cattaneo, Lost Highway (1997) de David Lynch, La vida es bella (1998) de Roberto Benigni, Fear & Loathing in Las Vegas (1998) de Terry Gilliam, Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodovar. Entre muchas otras. 1990 es la década en la que ascendió al podio de los directores mas valorados, aunque también haya sido muy criticado, de forma milagrosa, Quentin Tarantino, con su rompedora 53


segunda película, la primera, My best friend’s Birthday (1983-87), era quizá demasiado independiente y gran parte de la cinta se perdió en un incendio, Resevoir Dogs, en el año 1992.

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Resevoir Dogs. 1992

Ficha Técnica

Título original: Resevoir Dogs

Año: 1992 Duración: 99 min. País: Estados Unidos

Director: Quentin Tarantino Guión: Quentin Tarantino Musica: Varios. Selección de Quentin Tarantino

Fotografía: Andrzej Sekula

Reparto: Tim Roth, Harvey Keitel, Chris Penn, Steve Buscemi, Michael Madsen, Lawrence Tierney, Randy Brooks, Kirk Baltz, Eddie Bunker, Quentin Tarantino, Burr Steers Productora: Live Entertainment / Dog Eat Dog Productions Género: Thriller. Acción | Crimen. Neo-noir. Robos & Atracos. Cine independiente USA.Película de culto

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Análisis Resevoir Dogs es una de esas películas que le hacen a uno quere dedicarse al cine, e incluso verlo posible. Paradigma donde los allá de guion perfectamente adaptado a las posibilidades de un cineasta independiente, sin aspiración exageradas en lo referente a la localización y otros aspectos como los efectos especiales. Muy influenciado por la nouvelle vague, en especial por Godard, y fruto de una mente privilegiada con una verdadera obsesion por el cine, Tarantino escribe Resevoir Dogs, su film más minimalista, considerado por algunos, entre los que me incluyo, su mejor película, en la que quizá no muestre tanto la mezcla de violencia, estridencia y humor negro que se supone que es su y en la que obtiene un resultado elegante y sobrio donde no hay un solo atisbo de sobrecarga. Tarantino escribe la historia de lo que sucede tras un atraco fallido a una joyería, construyendo de manera original la estructura temporal, lo que más tarde pasaría a ser un sello de la casa llevado al extremo en films como Pulp Fiction o Kill Bill. El argumento parte de un atraco a una joyería organizado por un mafioso,Joe Cabot, del que no se nos da demasiada información, el film se centra mas en el carácter de los personajes que en su historia, que ha contratado a distintos individuos, todos de una ética cuestionable, algunos con los que ya había trabajado y otros con los que no. Como dice el propio Tarantino resevoir dogs está protagonizada por seis psicópatas que se han valido siempre de la mentira para sobrellevar su vida.

Sabemos por lo que cuentan los personajes, que están en una situación límite, que mientras tiene lugar el atraco uno de los integrantes del grupo, un hombre de confianza de Joe, Vic Vega, el llamado Sr. Rubio, comienza a dispara sin ningún motivo e inmediatamente, al segundo, aparecen cuerpos especiales de la policía, lo cual solo quiere decir que estaban vendidos y que alguno de los integrantes del grupo es un chivato. Con el caos del momento los hombres se separan, el Sr. Marron, interpretado por Quentin Tarantino, muere. El sr.Naranja y el Sr. Blanco huyen juntos, en su huida una mujer dispara en el estomago al Sr. Naranja y este la mata. El Sr. Rosa huye con los diamantes. Todos se dirigen al lugar de reunión, un almacén que la organización ha alquilado, el Sr. Naranja y el Sr. Blanco, que van en el mismo coche, intiman a causa de la herida de aspecto mortal que tiene el Sr. Naranja, se esta desangrando y

Michael Madsen en el papel de Vic Vega, Sr. Rubio.

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el dolor es insoportable. Poco después de que ellos lleguen al almacen aparece el Sr. Rosa, quien habla sobre lo ocurrido con Blanco, Naranja no está en condiciones de discutir, siente que se esta muriendo. La tensión entre los distintos protagonistas comienza a crecer y la situación entre ellos empeora cuando aparece le Sr. Rubio, quien hace que el resto de criminales parezcan perfectamente cuerdos a su lado, y a quien todos consideran culpable de la desgracia. La maestria que expone Tarantino con la situación que crea con apenas 5 o 6 personajes, depende del momento del film, en un solo escenario hace evidente la calidad de los diálogos y las interpretaciones que no dejan decaer en ningún momento el interés. Los escenas se suceden y la violencia, no solo física a pesar de la etiqueta que se le suele asignar por ignorancia a Tarantino, de cada una supera a la de la anterior, así encontramos una de las escenas más celebres de la filmografía del realizador, donde el Sr. Rubio, en una interpretación magistral, tortura a un policía, de diversas formas, una de ellas cortándole la oreja, al ritmo de Stuck In the middle with you, Finalmente en un desenlace precipitado descubrimos que el infiltrado es el Sr. Naranja, que pasa la gran parte de la película, excepto en los varios flashbacks, tumbado en una esquina del almacén sufriendo, desangrándose y observando lo que pasa para luego tener una intervención breve pero clave. El argumento evoluciona de forma desenfrenada pero sutil para que finalmente veamos a los pocos carismáticos ladrones que quedan con vida disparase entre ello de forma que solo el Sr. Rosa sobreviva, al menos hasta que sale del almacen*. Resevoir Dogs es una de las piezas mas importantes del universo propio de Tarantino donde gran parte de sus películas están relacionadas, hay un corto muy recomendable que habla sobre ello llamado Tarantino’s Mind (2006). Quentin Tarantino ocupa un espacio entre la minoría de directores que han sabido crear un estilo propio, un universo propio y además un sequito propio, es uno de los nombres más importantes del cine contemporáneo, otros directores que han llegado a un lugar similar, y además todos a una corta edad, son los hermanos Coen o David Lynch. Siempre ha sido atacado por el sector más conservador de la crítica y diferentes directores como Spike Lee o Jean Luque Godard, además de amplios sectores del publico más exigente o purista, que suele tener la costumbre de criticar la mayor parte del cine que consumen.

Tarantino utiliza este plano en la mayoría de sus flims.

Vista desde un maletero

*Tarantino juega con el espectador cerrando el final a que todos les pareció abierto, cuando el sr.Rosa abandona el almacén se escucha a un volumen muy bajo las voces de la policía primero obligándole a detenerse, por los disparos que se oyen a continuación debemos suponer que no les hace caso y luego podemos escuchar, si prestamos atención a los policías de nuevo, confirmando la muerte del sr.Rosa. 57


Quentin Tarantino y cómo surgió Resevoir Dogs

El realizador, que parece sacado de uno de sus propio guiones, nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de madre soltera que abandono su hogar antes de cumplir los 18 años y se instalo en Los Ángeles junto a su hijo, el cine definió su vida desde pequeño, debe su nombre al personaje interpretado por Burt Reynodls en la serie Gunsmoke mientras que su apellido proviene de su padre biológico, un actor de segunda al que apenas llego a conocer. Creció frente a la gran pantalla disfrutando sobretodo de las películas de artes marciales hongkonesas de los 70, además de otros géneros como el Blaxpotention o la mas bizarra serie B. Desde pequeño recibió una gran dosis de cultura pop debido a las revistas pulp que leía y la música tan variada que escuchaba, por influencia de su madre, así como las series de televisión y otros, nos encontramos frente a alguien que consume la cultura de forma frenética, y todo ello se mezcla para salir luego reflejado en las continuas referencias, conscientes e inconscientes, de sus películas.

Ejemplo de una revista pulp

Tarantino abandono los estudios a la edad de 17 años y comienzo a trabajar como acomodador en un cine X para así poder pagar sus cursos de interpretación. Cuando finalizo sus estudios de arte dramático comienzo a mover su currículo, en el que asegura haber intervenido como segundario en películas de Godard o George A. Romero, evidentemente se trata de hechos falsos. Pronto se dio cuenta de su predilección por la dirección frente a la interpretación y comienzo a escribir sus primeros guiones mientras trabaja como empleado en un videoclub, donde su exagerado conocimiento cinematográfico le fue de gran ayuda, allí conoció a Roger Avary, con quien creó un cine club con el que recuperaban la filmografía de grandes autores o programaban ciclos sobre temas absurdos, durante estos años Tarantino expresa un carácter muy violento, tomándola, en más de una ocasión, con alguno de los clientes del videoclub. Durante esta etapa escribió, con 22 años, el guion de su primera película como director, My Best Friend’s Birthday, rodada de manera amateur, en blanco y negro, la película parece ser de muy mala calidad. Partiendo de la trama de esta primera película Tarantino escribe el guion de The Open Road, que terminaría vendiendo por una cantidad ínfima y seria luego dividido en dos partes, Amor a Quemarropa y Asesinos Natos.

Escenas de My Best Friend’s Birthday, primer trabajo, amateur, de Tarantino.

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Después de escribir Abierto hasta el Amanecer Tarantino decidió por fin abandonar los guiones que exigían una producción costosa, y comienza a pensar en ideas aptas para un bajo presupuesto y fruto de esto nació Resevoir Dogs, que escribe animado por sus amigos Scott Spiegle y Laurence Bender, cineastas independientes. El guion de Resevoir Dogs que tardo tres meses en escribir, 100 hojas escritas a mano unidas por una pinza ne lo que era la presentación habitual del aspirante a director, se lo paso a Laurece Bender para que lo mecanografiase y le diera su opinión. Bender, sorprendido por la calidad del guion, le convence para que, en lugar de rodarla por sus propios medios como pensaba hacer Tarantino, intentase buscar financiación, después de contactar con diversos prductores que le exigieron cambios en el guion, a los que se negó de forma rotunda, envió el escrito al actor Harvey Keitel, que acepto protagonizar el film y se ofreció como co-productor, ofreciendo el respaldo que necesitaba Tarantino para que la película saliera a la luz. El reparto quedo completo con Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen, quienes, a parte de la valiosa interpretación, pusieron mucho de sí en el rodaje, incluso los trajes que utilizaron eran suyos así como los coches. El film fue rodado a un ritmo trepidante en 5 semanas, trabajando 6 dias a la semana y una media de 14 horas al día. Todo esto con más de 40 grados de temperatura. Las rarezas y exigencias del director ya se hacen perfectamente palpables en el rodaje de Resevoir Dogs, dejo atado al actor que interpretaba al policía torturado durante dos días a una silla para que su sufrimiento fuera más real y repetía las tomas hasta agotar la paciencia de los actores. La estética, el uso de la música, el dominio del tiempo narrativo y los brillantes diálogos hicieron de Resevoir Dogs una pieza indispensable.

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Resevoir Dogs arraso en festivales como Cannes, Sitges o Sundance y, a pesar de que ya las criticas comienzan a acosarle desde el principio acusรกndolo de un excesivo uso de la violencia e incluso de plagio, se creรณ un lugar importante entre los cineastas mรกs destacados y ha tenido la habilidad de mantenerse en el nivel casi siempre, sin demasiados altibajos en su carrera, siempre a sido un nombre siempre respetado, sobrevalorado por unos, infravalorado por otros y mal valorado por muchos, Tarantino ha conseguido con pocos films situarse como uno de los cineastas mรกs rompedores e importantes de la historia.

Quentin Tarantino en Resevoir Dogs.

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Influencia del film en la industria general.

Si bien es cierto que Tarantino es uno de esos directores a los que les gusta coger, copiar, o inspirarse en, ideas de otros films el a sido igualmente, y probablemente mas aun, plagiado por la industria general, que de forma disimulada ha ido presentando films de estética y diálogos tarantinianos. Por otro lado Tarantino ha sabido crear un etilo propio, muestra de ello es el extendido termino “tarantiniano”, una manera propia de hacer las cosas y unos patrones muy definidos respecto al resto de cineastas del “estilo”. Su obra es tan inconfundible que pocos nombres propios han osado imitar su estilo, pero su influencia llega más allá del cine independiente siendo un nombre, quizá, demasiado masificado. Si Herschell Gordon Lewis rompía las barreras de la violencia explicita en los 60 con Blood Feast, Tarantino las rompió de nuevo, dándole a esta un uso distinto y mas artístico. La influencia de Tarantino de hace evidente en películas como Snatch (2000) o Rock’n Rolla (2008). Uno tiene la impresión de que ha surgido una especie de subgénero constituido por películas influenciadas por Tarantino, un subgénro que utiliza muchos elementos propios del cine del autor, como la violencia o el humor negro, las frases imponentes, divertidas y amenazadoras de sus personajes, la construcción de los peculiares caracteres o el uso del tiempo narrativo, con tramas truculentas sobre asuntos poco legales, películas que utilizan todos estos elementos pero que carecen de la esencia de Tarantino, por otro lado lógico, y que se quedan algo más atrás en lo referente a la profundidad de la cinta.

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Conclusión Final.

Desde sus complicados inicios, los cineastas independientes, nadaron a contracorriente de lo que les imponía la industria, es innegable. En su capacidad de massifacion la industria en gran parte trato de generalizar la forma de hacer cine. A través del trabajo he podido observar como en realidad son los cineastas independientes los que transforman la industria, no se trata de nada más que de la clásica posición del artista, avanzado a su época, incomprendida en vida y admirada después de muerto. En el cine independiente se hallan muchas de las claves que luego la industria a explotados con fines económicos, en la mayoría de los casos frivolizando y simplificando el asunto, banalizándolo, como en el caso del cine de terror. La figura del cineasta independiente, forjada durante décadas, es hoy en día la de un intelectual en el que se reflejan la genialidad y la turbación del artista romántico. Es una lástima ver como cada vez el cine de autor está más contaminado, y como las dificultades para los jóvenes cineastas contemporáneos crecen continuamente en una época en que la tecnología lejos de favorecer la producción independiente solo consigue que esta pierda romanticismo y poner las herramientas supuestamente adecuadas al servicio de demasiada gente. La popularización de la figura “bohemia” y “artística” del realizador independiente atrae a muchos sin una autentica capacidad de creación que tratan de formar parte de la industria cinematográfica tan solo por imagen, y es triste ver como muchas de estas personas son las que tienen más facilidades, por motivos económicos, a la hora de hacer cine. El arte del cine es demasiado joven como para morir pero la sociedad avanza sin tener en cuenta la nostalgia, sin detenerse a pensar en la esencia de las cosas y las antiguas formas se pierden para dejar paso a supuestas ventajas y facilidades que tan solo masifican un arte. Algunos ven lógico pensar que lo bueno para un cineasta o cualquier artista, o para cualquier moviento sea popularizarse, pero el cine independiente nos enseña la importancia de la individualidad para la obra artística. Haciendo este trabajo he aprendido algunos datos, historia y anécdotas sobre la producción de lagunas de las películas más importantes del genero independiente, ey he intentado plasmar todo eso aquí, pero no puedo plasmar lo que realmente me ha hecho sentir este trabajo y lo que el cine y el arte siempre me han hecho sentir. El espíritu de lucha por el triunfo del arte propio, que no es más que poder ver la obra de uno realizada, de los distintos realizadores que he tratado a lo largo del trabajo me ha resultado contagiosa. Las palabras no hacen más que simplificar y ridiculizar al tiempo que surgen un concepto tan abstracto y profundo como el que trato de expresar. El trabajo se alarga desde los años 40 hasta los años 90, evidentemente hay obras excepcionales fuera de estos márgenes, como la siempre sorprendente Metrópolis (1914) de Fritz Lang donde a través del considerado por muchos como el arte más completo de todos los tiempos ya se presentaba una obra de ciencia ficción rompedora que tanto podía tratar de reflejar la realidad como huir de la misma sin que eso importase, porque ambas cosas vienen a ser la misma. El cine independiente americano siempre ha tenido una interesante, e idónea, sociedad que reflejar y de la que huir.

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Bibliografía. La bibliografía que he utilizado ha sido diferente para cada parte del trabajo.

-La lista de películas la elabore a partir de recomendaciones y una consulta a la lista de los 50 mejores films independientes estadounidenses “The 50 Greatest American Independent Movies de Empire Magazine.

-La MPPC y las “primeras Productoras Independientes”. Información extraida de diferentes blogs sobre cine y wikipedia -Para el contexto histórico de cada década he utilizado wikipedia, blogs sobre las modas de las distintas décadas y además conocimientos propios -Para el análisis de Ciudadano Kane (1941) he extraido la información de documentales, uno sobre la obra del autor y otro sobre el tiempo que paso en España, e información de diversas paginas de internet, entre ellas wikipedia y blogs de cine, además de las paginas webs de revistas como Fotogramas. -Para el análisis de Creature with the atom brain (1955) me he basado en la película y en información que me cedió mi tio, quien me ha ayudado a conseguir las películas (ya que algunas están descatalogadas). Tampoco es una película de la que haya mucho que decir -Para el análisis de Blood Feast (1963) he consultado en fuentes como son wikipedia, blogs de cine de bajo presupuesto y serie B. Además de las criticas de filmaffinity. -Para el análisis de Eraserhead (1977) he obtenido la información del documental de TCM “Los Diez Magnficos de TCM: David Lynch”. He consultado su pagina web donde expone sus últimos proyectos de pago y wikipedia, además de varios blogs que me han sido muy utiles. -Para el análisis de Blood Simple (1984) Me he vuelto a basar en uno de los documentales de TCM “Los Diez Magnficos de TCM: Los hermanos Coen” y los contenidos extras de la edición que acompañan a la versión del director. Además de wikipedia y la revista fotogramas -Para el análisis de Resevoir Dogs (1992) he escrito a partir de conocimientos propios, así como los contenidos extras de la edición especial dos discos con comentarios del director e información adicional sobre las localzaciones, el documental de TCM “Los Diez Magnficos de TCM: Quentin Tarantino” . A parte he consultado wikipedia y la revista fotogramas.

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El Cine independiente norteamericano  

Autor: Marcel Valera Valverde | Tutora: Laura Canós | Tema: Cinema

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