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Entrevistas

CON MUCHA CARA

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EL MUNDO. SÁBADO 6 DE NOVIEMBRE DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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CON MUCHA CARA / «La poesía oficial me espeluzna» / «Me estoy tuneando con lo que quiero que sea mi vida» / «Con el desequilibrio que hay no me queda más remedio que ser feminista» / «Si no me conociera a mí misma, creo que me gustaría» / «Hace cuatro años, micropoema no aparecía en internet y me corregía preguntándome: ‘¿No estará usted buscando micropene?’»

AJO / MICROPOETA

«Me invento Madrid sobre la marcha» BEATRIZ PULIDO

Es una mujer muy aérea. Alcanza a su interlocutor, como lo hacen sus poemas, como olas significativas, que tocan y marchan. Autodenominada «practicante convulsa de la dispersión», Ajo se dedica desde hace varias décadas a cultivar brevedades. Dirige el festival de poesía Yuxtaposiciones que se ha celebrado estos días en la Casa Encendida. Pregunta.— Lo de agitadora lo llevaba en las venas. Respuesta.— Soy agitada y bastante agitadora. La dispersión misma me hace andar enredando desde pequeña. Lo mismo te bailaba jotas, que hacía una obra de teatro, que cantaba a la Virgen. Todo lo hago por eludir esa infelicidad que nos acosa a todos. P.— ¿Y la evita? R.— A veces me agarra pero no todas las veces que lo intenta. P.— ¿Quién le mostró el arte de componer? R.— Estoy influida por todo lo que me gusta y lo que no me gusta. No sé donde empieza lo mío y dónde acaba lo del otro. P.— ¿Nunca frecuentó la poesía de salón? R.— La poesía oficial me espeluzna. Me llamo micropoeta para alejarme de eso. Reinvento el camino que quiero transitar: es más difícil pero más divertido. P.— ¿La oda que ha levantado usted en torno a lo breve, tiene que ver con la impaciencia? R.— La gente cada vez tiene menos tiempo. Hacen cosas que habían planeado ya hace tres meses. Se roban el tiempo a sí mismos, cuando la improvisación está dentro del bocadillo. P.— Jamás declamaría un micropoema en... R.— Quizás en un mitin del PP. Aunque una vez le canté a Rajoy en un mitin en Pontevedra con un megáfono: «Dan dolor de gratis en el abismo de los demás». P.— ¿Y qué hacía usted en un mitin de Rajoy? R.— (Se ríe) Nada, yo pasaba por allí. P.— ¿Es sólo el tiempo lo que separa a un poema de un micropoema? R.— No, más bien es la vocación de ser entendido casi instantáneamente lo que les aleja. P.— Es como un Haiku sin esa vocación tan trascendente. R.— Mama de muchos sitios: de la greguería, del Haiku, del refrán, del eslogan publicitario, del ripio, de todas esas cosas que no pe-

san y que se entienden como un disparo. P.— Dice que escribe para saber lo que siente y piensa. Escribe para verse. R.— Sí y ver a los demás. En el fondo todos somos la misma persona. P.— ¿Ajo Micropoetisa es un personaje? R.— No, lo que ves es lo que hay. Todos llevamos una máscara pero yo trato de ir sin ella. Cada vez estoy más cerca de lo que quiero ser y de lo que creo que soy. P.— Es feminista. R.— Con el desequilibrio que hay, no me queda más remedio. Los que parten el bacalao en el siglo XXI siguen siendo hombres. Queda todo por hacer. P.— ¿Algún otro movimiento que declarar? R.— Estoy a favor de la legalización de todas las drogas. Soy antiprohibicionista declarada y practicante. Estoy a favor con todo lo que tenga que ver con el sentido común y el sentido de lo común. P.— Es una punki del siglo XXI. R.— No sé en qué ha quedado el punk, hija. No sé lo que soy. Lo he sido, pero más bien de vocación. R.— ¿Le gusta este Madrid más que el anterior? R.— Me gustan todos. En cada Madrid te encuentras con unas personas que hacen que la ciudad sea una u otra. Creo que también me lo estoy inventando sobre la marcha. P.— Decía Platón que «al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta».

«Todos llevamos una máscara, pero trato de ir sin ella. Cada vez estoy más cerca de lo que quiero ser y de lo que creo que soy»

La micropoetisa Ajo se dedica desde hace varias décadas a cultivar brevedades. / ALBERTO DI LOLI

RETRATO Origen. Palencia, 1963. Currículo. Comenzó su andadura artística en los 80 al frente de uno de los primeros grupos punk femeninos. Fundó el sello discográfico Por Caridad Producciones y el grupo Mil Dolores Pequeños. Desde 2001 es codirectora del festival de música experimental Experimentaclub y del festival de poesía Yuxtaposiciones.

Colabora en el programa de Radio 3 Música Estres. Ha publicado Micropoemas y Micropoemas 2. Aficiones. «La gente. Soy gran admiradora del paisaje humano». Defectos. «La dispersión». Virtudes. «La dispersión misma es remedio y veneno». Debilidades. «No lo quiero decir».

R.— El amor es lo único que puede venir al rescate. P.— ¿Le inspira más el desamor? R.— Cuando estás enamorado estás más ocupado y tienes menos tiempo de concretar. Te gusta compartirte. En el desamor buscas el recogimiento y la soledad, lamerte las heridas. Soy más prolífica cuando estoy así. P.— ¿Qué le gustaría poseer que no tenga aún? R.— Es que tengo todo lo que quiero. No tengo casa, ni coche, ni hijos pero no sé si los quiero. No me adscribo a ninguna manera de vivir. P.— Poeta de culto, ¿le gusta la idea? R.— (Se ríe) No, porque eso es que te dan carpetazo. Yo he enredado mucho y poco a poco he ido creando una microleyenda. Si no me conociera a mí misma, creo que me resultaría atractiva. P.— Más de 2.000 páginas web hablan de usted. R.— Hace cuatro años, al buscar micropoema en Internet no venía y me corregía preguntándome: «¿No estará usted buscando micropene?». Ahora ya no (Se ríe).


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EL MUNDO. JUEVES 21 DE MAYO DE 2009

CON MUCHA CARA / «Si alguno de los agujeros que está haciendo Gallardón nos lleva a un universo paralelo yo me apunto» / «No siento que pertenezca a ningún sitio» / «Hubo un profesor de música que me dijo que no servía para cantar» / «Debo de ser una mutación» / «La especie humana no me convence» / «El reloj es un atraso» / «Cambiar de aires me hace sentir muy viva»

PALOMA SAN BASILIO / CANTANTE

«Yo tengo muy poca vergüenza» BEATRIZ PULIDO

leva con armonía la paradoja de ser al mismo tiempo profunda y aérea, sólida y vaporosa. Nos recibe en su casa, muy lejos del caos urbano, bañada en un mar de gafas de sol (su gran debilidad). Mañana y pasado visita el Teatro Español con su último espectáculo: PSB. Pregunta.— ¿Sabe que lo del coleccionismo es una patología? Respuesta.— No soy mucho de acumular. No colecciono gafas, tengo afición a ellas. Es el único abalorio que me gusta. P.— ¿Por qué? R.— Quizá porque tengo mucho de actriz y la gafa me transforma en otros personajes. P.— ¿Y la padece usted hace mucho? R.— El vicio de comprarlas parece que se va desgastando. Aunque me cuesta resistirme a su llamada. P.— El PSB tiene un algo de partido político serio, ¿algo que declarar? R.— (Se ríe) Yo creo en las personas, no en los partidos. El partido me parece un concepto obsoleto y absurdo. Nunca apostaría por unas siglas que lleve detrás un montón de gente que no conozco. P.— La verdad es que internet, al teclear PSB, me remite a Pet Shop Boys. R.— Pues lo prefiero. Lo otro me frustraría. Tiene que ver también con el piano, el saxo y el bajo que me acompañan en el escenario. P.— Padece el síndrome de la maleta. R.— (Se ríe) Me encanta hacer maletas. P.— ¿De qué huye? R.— No es una huida, es una búsqueda. Pero además es que me gusta cambiar de aires, de cultura, eso me hace sentir muy viva. P.— ¿Dónde está su casa? R.— Donde estoy yo. No siento que pertenezca a ningún sitio. P.— En Madrid para poco, ¿teme los agujeros negros de Gallardón? R.— Si encuentra uno que nos lleve a un universo paralelo me apunto. P.— Su creciente interés por los universos paralelos y agujeros negros ¿tiene que ver con su futura retirada? R.— No, tiene que ver con la Filosofía. Me encanta meter las narices en todas partes. La Física me sigue pareciendo fascinante. P.— ¿A dónde iría si pudiera viajar en el tiempo?

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R.— Atrás hay que volver sólo para coger aire. Yo viajaría a otros universos. P.— ¿Cree que el hombre del siglo XXI se conoce más así mismo? R.— Hoy se da lo que decía Ortega de los sabios ignorantes: Todos mirando en una dirección y sin saber nada del resto. P.— ¿Qué hubiera sido de usted con aquella profe que consiguió hacerle odiar las mates? R.— Ni idea. Soy una pura improvisación. P.— Ella será consciente al menos de lo que regaló a la canción española. R.— ¿Quién sabe? Hubo un profesor de música que me dijo que no servía para cantar. P.— Se considera un poco hippie. En el siglo XXI, eso suena a utopía. R.— Ser hippie no significa que estés todo el día con el porro y la flor puesta. Yo no he fumado porros en mi vida. Es un espíritu de libertad, de hermandad, de tener la capacidad de despojarte de cosas en cualquier momento. Hay épocas más proclives a ello. P.— Según un ensayo norteamericano, «la felicidad aumenta con la edad». R.— Con los años creo que dejas de identificar la felicidad con algo ajeno y empieza a tener que ver con una conquista que logras cuando aceptas lo que eres, cuando pierdes la vergüenza. P.— ¿Usted la ha perdido? R.— Yo tengo muy poca vergüenza. P.— ¿Eso es de ahora? R.— De pequeña tenía muy poca, luego en

«He intentado hacer de la vida un sueño, por eso me he subido a un escenario, por eso he representado tantos personajes»

Paloma San Basilio posa rodeada de parte de su colección de gafas. / JOSÉ AYMÁ

RETRATO Origen. Madrid, 1950. Currículo. En 1975 graba su primer disco, Sombras. Desde entonces, su carrera la ha llevado a convertirse en una de las artistas españolas más internacionales. Se ha presentado en los escenarios más prestigiosos del mundo con artistas como Plácido Domingo o José Carreras. En 1980 realiza su primer musical, Evita, luego

vendrían otros como El Hombre de La Mancha, Victor o Victoria, o My fair lady, entre otros. Ha grabado más de 30 discos. Defectos. «No me paro mucho a buscarme las cosquillas. Posiblemente la inconstancia». Virtudes. «Mi vitalismo». Debilidades. «Las emociones». Aficiones: «Nadar, viajar y leer».

la adolescencia entré en esa etapa horrible a la que no pienso volver. P.— Es la edad la que vuelve y no usted la que vuelve a la edad. R.— Quiero hacer una regresión a mi infancia, en esa edad no hay trabas y puedes hacer todo lo que te apetece. P.— ¿Y en la adolescencia? R.— Te sientes muy rara pero es que realmente somos muy raros. P.— Usted es rara. R.— Yo me siento rarísima, pero para bien. Creo que no formo parte de una especie. P.— Está la especie humana y luego usted. R.— La especie humana no me llega a convencer mucho. Yo debo ser una mutación como la gripe porcina. P.— Si la vida fuera un sueño, como creen en Oriente, ¿le gustaría que la despertaran? R.— He intentado hacer de la vida un sueño, por eso he representado tantos personajes, me he subido a un escenario, he viajado, me he comprado gafas. P.— ¿Va a volver a dar cuerda a su reloj? R.— Me parece que no porque no creo en el tiempo. Eso es un atraso.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 29 DE NOVIEMBRE DE 2010

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CON MUCHA CARA / «En escena transmites lo que eres en persona» / «En la escuela siempre escuchaba lo mismo: ‘Larible, eso fue muy chistoso pero tiene que salir de la clase’» / «Es el ‘clown’ el que elige al hombre, y no el hombre al payaso» / «La figura del payaso tiene más sentido y más valor cuando la gente tiene menos de qué reírse»

DAVID LARIBLE / PAYASO

«Soy un malabarista de emociones» BEATRIZ PULIDO

Aún sin su nariz postiza y sin maquillaje, los traviesos ojos azules de David Larible al mirarte parecen estar urdiendo la manera de sonsacarte una sonrisa. Colecciona millones de carcajadas de todo el mundo. Apodado El clown de los clowns, dirige durante estas fiestas el espectáculo Vuelve al Price por Navidad (del 3 al 9 de diciembre). Pregunta.— ¿Quién le hace reír a usted? Respuesta.— En este momento Berlusconi (se ríe). En serio, me puedo reír con los cómicos grandes del pasado, con Woody Allen, pero también con un dibujo animado o con cualquier cosa de la vida. P.— ¿Dime de qué te ríes y te diré quién eres? R.— Mi sentido del humor se adapta mucho. En los primeros minutos de la actuación sé qué tipo de público tengo delante y me adapto a él. Lo mismo me ocurre si tengo que compartir escenario con un cómico. P.— Maneja todos los humores. R.— No, gozo con todos. Ninguno es mejor que otro, todo depende de cómo se hagan las cosas. P.— ¿El clown es un ser necesariamente optimista? R.— Sí, aunque lo pinten siempre como el que se alegra en escena y es un frustrado en la vida privada, no es así. Transmites en escena lo que eres como persona. A mí me gusta ver el lado bueno de la vida. P.— ¿Cuál es su definición de payaso? R.— Es un malabarista de emociones. Un payaso va a dar y no a recibir. En la pista saco todo lo que tengo en mis bolsas y lo doy, y cada persona se lleva lo que más necesita, un poquito de carcajada, un rato de melancolía, de poesía... P.— Es usted un poeta. R.— Eso no debería decirlo yo. P.— No, lo digo yo. R.— El payaso tiene que tener una poesía de fondo en lo que hace. Henry Miller decía que el payaso es el poeta en acción. P.— Habla usted inglés, francés, español, alemán, italiano, ¿no le parecen demasiados idiomas para alguien que trabaja en silencio? R.— Sí, es una paradoja, pero me sirve para hacer estas entrevistas (se ríe). P.— Su español me suena a México lindo.

R.— Mi esposa es mexicana, así que tengo el acento manito (se ríe). P.— Dice que es un ciudadano del mundo, ¿dónde está su casa? R.— Mi papá trabajó en el viejo Price, yo entonces tenía dos o tres años. Viajo desde que nací, así que mi casa está donde está mi espectáculo. Si no fuera así me pasaría la vida extrañando algo que no conozco. P.— ¿Cuándo reconoció su vis cómica? R.— En la escuela. Tuve problemas por eso. Siempre escuchaba la misma frase: «Larible, eso fue muy chistoso, pero tiene que salir de la clase». El director me veía fuera de clase y se reía antes de que le explicara lo que había hecho. P.— Se rindieron a su talento. R.— Comprendieron que el placer de escuchar la risa de mis compañeros era mucho mayor que el miedo al castigo. Era un placer casi inhumano. Ahora hago lo mismo. P.— Y ya no le castigan. R.— Ya no, pero en vez de tener 10 amigos ahora tengo 1.500 o 2.000. Eso es lo que pienso del público, que son mis cuates. P.— Lo tenía muy claro, pero en el escenario no empezó como payaso. R.— Mi papá me dijo algo que no entendí entonces y sí ahora, que el payaso es el final de un proceso, no el comienzo. P.— Yo pensaba que todos tenemos alma de clown. R.— Es verdad, pero son muy pocos los que

«Mi papá me dijo algo que no entendí entonces y ahora sí, que el payaso es el final de un proceso, no el comienzo»

David Larible dirige ‘Vuelve al Price por Navidad’. / ÓSCAR MONZÓN

RETRATO Origen. Verona, 1957. Currículo. Forma parte de la séptima generación de una dinastía de tradición circense emparentada con Los Travaglia. Se formó desde niño en todas las disciplinas del circo y complementó su formación en el Conservatorio y en la danza clásica. En 1998 obtuvo el premio Clown de Plata, en el Festival de

Montecarlo. Un año más tarde obtendría el de Oro. Ha sido galardonado con el Pierrot d’Oro a su carrera en el Festival Internacional de Circo de Budapest. Aficiones. «Compartir con gente que me agrada y quiero». Virtudes. «Respeto la opinión del otro». Defectos. «Soy adicto al trabajo». Debilidades. «La comida»

consiguen sacar el payaso cuando lo necesitan. Es el clown el que elige al hombre y no el hombre al payaso. P.— Dicen que es el payaso más célebre del mundo. ¿Siente esa responsabilidad? R.— La responsabilidad es parte del juego. Toda mi vida, desde niño, quería ser payaso. Y soñaba con ser el mejor, pero eso no existe. Yo trabajo para ser el mejor que puedo ser, de lo contrario sería desperdiciar el talento que Dios me dio. P.— Jerry Seinfeld decía que es más fácil hacer reír cuando corren malos tiempos. R.— La figura del payaso tiene más sentido de ser y más valor cuando la gente tiene menos de qué reírse. P.— Lo ha conseguido todo como payaso. R.— No me halagan los premios tanto como ver a tres generaciones de una misma familia en el espectáculo mirándome con la misma mirada. P.— ¿Qué le inspira? R.— Cualquier cosa de la calle y de la vida. Observo mucho a los niños y a los borrachos, son los únicos que no tienen control sobre la situación, no se contienen. Poseen esa libertad.


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M2 CON MUCHA CARA / «Un chico quiso que le sacara los ojos porque se parecía a Miguel Bosé» / «La gente teme más envejecer que la propia muerte» / «La mayoría de cirujanos plásticos no están operados» / «Nosotros buscamos rejuvenecer y no quitar las arrugas del paciente» / «Los pacientes empiezan con cosas pequeñas en la cara, cuando están terminando la treintena»»

ANTONIO PORCUNA / CIRUJANO

‘Me operaría de un par de cosillas’ BEATRIZ PULIDO

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ste cirujano sevillano, presidente de la SECPRE (Sociedad Española de Cirugía Plástica, Reparadora y Estética) no conserva los estigmas de su acento andaluz. Admite que trata de indagar en la personalidad de los pacientes antes de meterles el bisturí. Pregunta.— ¿Por qué la gente que se opera mucho se parece cada vez más? Respuesta.— Porque muchas veces lo que conservan son los estigmas de la cirugía. P.— De hecho, el estiramiento excesivo de la piel provoca el efecto momia. R.— Es el efecto acartonado. La cara tiene que ser natural y uno tiene que ser lo suficientemente artista para dejar la cara rejuvenecida, que no sin arrugas. No es lo mismo. P.— Definitivamente, la cara ya no es el espejo del alma. R.— La expresión de los ojos, ése es el espejo. P.— ¿Cuáles son las operaciones reinas? R.— En Occidente, las mamas y las liposucciones. P.— Dice lo de Occidente porque en Irán, por ejemplo, es la nariz. R.— Claro, porque es lo único que se ve. P.— ¿Usted es capaz de reconocer un trabajo suyo y en una playa soltar eso de ‘¡Ese pecho es mío!’ R.— No, si acaso miraría a la cara de la paciente para poder reconocerla. P.— Dicen que en el implante de mamas el tacto no engaña. R.— Sí que engaña porque está detrás de la glándula mamaria e incluso, a veces, después del músculo pectoral. Y si encima tiene un poco de grasita... P.— La proliferación del metrosexual, ¿anima un poco las consultas de estética? R.— Bueno, ya no están de moda, ahora aparecen más los hombres corrientes. P.— ¿Cuál es el caso más raro que se ha encontrado de alguien que se quisiera operar? R.— Un chico vino una vez para que le sacara los ojos porque decía que se parecía a Miguel Bosé... P.— ¿Perdón? R.— El caso es que no se parecía en nada y cuando yo le dije que no se podía operar se fue a la entrada y comenzó a cantar sus canciones. P.— ¿Le derivaría a sus compañeros de estética... cerebral? R.— Más bien. P.— Eso de rejuvenecer a toda costa me

suena a un nuevo mito. En el siglo XXI: Peter pan ha crecido pero no quiere envejecer. R.— Muchos pacientes rechazan esa sensación incluso más que la propia muerte. Ese mito existe en casi todos los pacientes de cirugía estética. P.— ¿A qué edad llegan los pacientes? R.— Empiezan con cosas pequeñas en la cara, cuando están terminando la treintena. P.— El hecho de que España esté a la cabeza de los países de Europa que más operaciones realiza y el tercero del mundo ¿es para enorgullecerse o para avergonzarse? R.— Hay que mirarlo desde el punto de vista positivo: significa un alto nivel de vida, un ambiente cálido y si a eso unimos el carácter extravertido que tenemos los españoles... Es un afán de sentirse siempre mejor. P.— Dicen que el Yoga facial puede quitarles el trabajo a ustedes. R.— Hay que estar predispuesto para hacer yoga y nuestras intervenciones duran muy poco y los resultados son prácticamente inmediatos. Buster Keaton me parece que lo practicaba mucho. P.— Bueno, si se refiere a que no movía ni un músculo... ¿Sabe si envejeció bien? R.— No lo sé, las fotos que hay eran en blanco y negro e imagino que estaban muy retocadas. Además se pintaba. P.— Y ¿los cirujanos practican eso de ‘en casa del herrero cuchillo de palo’? R.— Conozco a la mayoría de cirujanos plásticos en España y no hay muchos operados, y el que lo está lo dice sin problemas.

«Los cirujanos españoles luego tienen que arreglar los desaguisados que le hacen a la gente que se opera fuera»

Antonio, cirujano plástico, reconoce que él no se ha operado de nada . / JOSÉ AYMÁ

RETRATO Origen. Sevilla. Currículo. Tres décadas ejerciendo la cirugía plástica. Desde febrero es presidente de la Sociedad Española de Cirugía Plástica, Reparadora y Estética (SECPRE). Su formación como especialista la inicia en Madrid, ampliando estudios en diversos centros extranjeros (EEUU, Reino Unido e Italia). Es miembro de diferentes sociedades

médicas nacionales e internacionales y realiza su actividad profesional tanto en el ámbito público (jefe de Servicio de Cirugía Plástica del Hospital Militar de la Defensa) como en consulta privada. Aficiones. «La hípica». Debilidades. «El trabajo bien hecho». Virtudes. «Ninguna». Defectos. «La impaciencia».

P.— ¿Sin problemas? ¿Y usted? R.— Yo no. P.— No tiene pinta. R.— Quieres decir que lo necesito, ¿verdad? P.— No quería decir eso... R.— Habría un par de cosillas de las que me operaría pero no tengo tiempo porque sería en la cara, porque tetas no me voy a poner... P.— Una nunca sabe... En fin. Pechos que estallan en aviones, narices de platino... ¿Todos esos bulos de dónde salen? R.— Lo de los pechos, de Ana Obregón y las narices, del siglo XVII. P.— Los viajes ahora incluyen la semana en la playa y la operación. R.— Es un error, luego llegan y tienen las complicaciones de la cirugía que se hicieron a 7.000 kilómetros. ¿Dónde reclaman? Yo lo sé: a los cirujanos españoles que tienen que arreglar los desaguisados que les hicieron fuera. P.— Pero también vienen extranjeros a España para hacer lo mismo. R.— Mal hecho. Al menos en España gozamos de buenos cirujanos plásticos y aquí no ofertamos un safari o una subida al Machu Pichu.

Copia para redaccion (redaccion@sanitaria2000.com)

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O.J.D.: 307771 E.G.M.: 1337000

Fecha: 20/11/2009 Sección: MADRID Páginas: 24

EL MUNDO. VIERNES 20 DE NOVIEMBRE DE 2009

Tarifa (€): 13290

CON MUCHA CARA / «La luz aquí tiene una calidad más seca que la de los trópicos, pero es muy clara, muy brillante» / «La fórmula para la supervivencia del fotógrafo cambia de año en año» / «Ser presidente de Magnum es una carga pesada» / «Aunque seas el mejor fotógrafo del mundo, cuando vuelves a Magnum eres uno más» / «No sé hacia dónde va la fotografía»

ALEX WEBB / PRESIDENTE DE LA AGENCIA MAGNUM

‘La fotografía funciona como la poesía’ BEATRIZ PULIDO

«Es difícil ser un fotógrafo a plena dedicación y ser a la vez un ser humano completo». Es algo que Alex Webb, uno de los mejores fotógrafos del momento y presidente de la agencia Magnum, asegura haber aprendido con los años. Ayer recibía el Premio Internacional de Fotografía Alcobendas. Pregunta.— ¿Padece deformación profesional? ¿Ve fotos por todas partes? Respuesta.— Siempre veo las posibilidades, incluso cuando no trabajo, pero entonces voy más despistado. Cuando llevo mi cámara y me dedico a hacer fotografías, me centro completamente. P.— Usted dice que es más poeta que narrador, ¿es como decir que es más artista que fotoperiodista? R.— Los términos fotoperiodista o artista son ambiguos. La fotografía funciona en gran medida como la poesía: a través de la sugerencia. Hay un instante que capta la fotografía. Todo lo demás, ni si quiera existe. Queda a la imaginación del que la mira. P.— Tiene estudios de Literatura y de Historia. ¿Siente mayor predilección con el hecho literario que con el acontecimiento histórico? R.— Mis raíces están más en el aspecto literario, pero mis fotografías también tienen apuntes históricos, aunque en el sentido general del término, es decir, en cuanto al curso de la vida y del mundo. P.— Como mago del color que es, ¿qué tonos aprecia en la capital? R.— Fotografié Madrid a finales de los 90. En ciertas épocas del año tiene unas posibilidades lumínicas maravillosas. Hay una luminosidad que se percibe en sus calles, sobre todo a última hora de la tarde. P.— ¿Algún lugar especial? R.— Recuerdo los paseos por la Gran Vía, con esa sensación exultante que ofrecían las carteleras gigantescas de los cines. La luz aquí tiene una calidad más seca que la de los trópicos, pero es muy clara, muy brillante. P.— Lo que sí habrá notado es que está siempre en construcción. R.— (Risas) Eso sí que es cierto. P.— ¿Qué hace el presidente de Magnum? R.— (Risas) Esa es una buena pregunta. Entre otras cosas, preveo cuáles serán las actividades de la agencia a lo largo de todo el año.

Compruebo su supervivencia económica... P.— ¿La tiene asegurada? R.— Hay que tener en cuenta que el panorama fotográfico está sufriendo unos cambios a gran velocidad. En esta supervivencia, el modelo de Magnum que se estableció desde el principio tenía que ver con trabajar con revistas. Eso se acabó. Los fotógrafos de Magnum, como el resto, tienen que luchar para ver cómo sacan adelante sus proyectos. No es fácil. P.— Eso le quitará tiempo para callejear con la cámara. R.— Sin duda. La presidencia es una carga pesada. P.— ¿A los criterios de autoría e independencia que definían los valores de Magnum se le ha sumado algún otro con el tiempo? R.— Creo que lo realmente único de todos los fotógrafos integrados en Magnum, además de los que has mencionado, es el sentido de exploración del mundo a través de una cámara. P.— En esa lista de fotógrafos de Magnum, sólo una española: Cristina García Rodero. R.— (Risas) Desgraciadamente, es cierto. P.— ¿Por falta de conocimiento o falta de adecuación a los criterios de Magnum? R.— No es nada objetivo. Simplemente, se dan una serie de circunstancias. Hay extraordinarios fotógrafos que no pertenecen a Magnum. Por ejemplo, no tengo ni idea de por qué en los últimos años se han integrado muchísimos italianos. P.— La lista de espera debe ser enorme.

«Desgraciadamente, sólo hay una española en Magnum, Cristina García Rodero, pero no es nada objetivo»

Alex Webb recibió ayer el Premio Internacional de Fotografía Alcobendas. / OSCAR MONZÓN

RETRATO Origen. San Francisco, EEUU, 1952. Currículo. Estudió en el Carpenter Center for the Visual Arts, en la Universidad de Harvard. Ha trabajado para revistas como Life, Geo y The New York Times Magazine y en 1976 se unió a la agencia Magnum como miembro asociado, llegando a ser miembro completo en 1979. Desde el pasado

verano preside la agencia. Aficiones. «Navegar, leer, el cine». Virtudes. «Esa obsesión que resulta un problema para la persona seguramente le viene bien al fotógrafo». Defectos. «El nivel de obsesión que tengo como fotógrafo le pasa factura al resto de mi vida». Debilidades. «La resistencia al cambio».

R.— Hay mucha gente que quiere entrar pero es un sitio complejo y no todo el mundo encaja. No sólo por motivos profesionales. Una de las cosas que me atrae de Magnum es que aunque el mundo nos diga ‘usted es el mejor fotógrafo del mundo’, cuando uno vuelve a Magnum eres uno más y sólo tiene un voto. P.— ¿Hacia dónde va la fotografía? R.— Sencillamente, no lo sé. No sé qué va a ocurrir con Internet, por ejemplo. Para los fotógrafos, de momento, parece que existe como herramienta de promoción o centro de debate, pero aun así casi nadie recibe fondos para realizar fotografía específica para ese medio. P.— ¿Y en cuanto a usted? R.— Lo que tengo que hacer para sobrevivir como fotógrafo es mucho más variado que hace 15 años. Entonces trabajaba casi siempre para revistas. Ahora realizo talleres, doy conferencias y aún hago de comercial. La fórmula para la supervivencia cambia de año en año. P.— ¿Añora el pasado? R.— Creo que sí. Antes, para realizar un proyecto concreto, la posibilidad de que pudiera encontrar una revista era mayor. Hoy te lanzas y no sabes en qué acabará tu trabajo.

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EL MUNDO. VIERNES 19 DE MARZO DE 2010

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CON MUCHA CARA / «La rebeldía es una manera de ser» / «La vida para mí es una aventura» / «Nuestro producto es totalmente democrático» / «No soy artista, soy un entusiasta del trabajo creativo» / «Ser feliz es un trabajo que cuesta mucho» / «La piratería nos sacude bastante» / «No conozco a otra persona que se llame Custodio, excepto mi padre»

CUSTO DALMAU / DISEÑADOR

«Vivimos en el país del morbo» BEATRIZ PULIDO

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Ha vestido botellas de cava, relojes, perfumes, ha diseñado el maillot del ganador de la próxima vuelta a España. Custo Dalmau se atreve con todo. Ayer presentaba la Harley Custo, una espectacular motocicleta que se subastará próximamente con fines solidarios. Habla en plural, sin olvidar en ningún verbo a su hermano David, que completa su marca Custo Barcelona. Llegó vestido de Custo, sin artificios, con la simpleza y la llaneza de alguien que ha digerido bien el éxito. Pregunta.— La Harley Davidson es sinónimo de rebeldía y de libertad ¿cómo anda usted de los dos atributos? Respuesta.— Te diría que bastante bien. P.— ¿Hace falta una causa para la rebeldía? R.— No, es una manera de ser. P.— ¿Qué le queda a Custo Dalmau del gimnasta campeón de España? R.— Mucho, una época que duró 14 años, Me enseñó que sin disciplina y sacrificio es difícil llegar a dónde quieres. P.— ¿Y del aventurero que dio la vuelta al mundo? R.— De eso me queda todo, la vida para mí es una aventura. P.— ¿Si me encomendara a usted, Ángel Custodio, que conseguiría? R.— (Se ríe) No lo sé. Te pediría que no lo hicieras. P.— Pero no todo el mundo puede encomendarse a su estilo. R.— Que va, es una cosa que se dice pero no es así. Nuestro producto es totalmente democrático. Consigues productos de Custo a todos los precios. Pero para nosotros la calidad es lo primero y eso no lo sacrificamos por abaratar costes. P.— Habla de democracia, pero de todos los muñecos usted decidió vestir a la Barbie. R.— Eso fue un proyecto de colaboración que hicimos para su aniversario. Como lo nuestro es vestir mujeres, lo creímos pertinente. P.— ¿Alguien le sigue llamando Ángel Custodio? R.— Es que nadie me ha llamado así nunca. A mí me decían Custodio. Tampoco conozco a otra persona que se llame así excepto mi padre, y no sé de dónde sacaron el nombre. P.— Quizá a sus padres les gustaría haber

parido a un místico. R.— (Se ríe) Te aseguro que no, que es una cosa de tradición familiar. P.— Digamos que no tuvieron un hijo místico pero sí visionario. R.— Yo diría que entusiasta. P.— No se considera un artista. R.— No, yo soy un entusiasta del trabajo creativo. P.— ¿Es usted igual de osado en las demás facetas de su vida? R.— Creo que tienes que ser equilibrado en todo lo que hagas y eso es lo que procuro. P.— Pero le debe costar cada vez más sorprender. R.— No. Hay detrás una mecánica y muchas horas de trabajo. Nosotros no tenemos la suerte de tener a la inspiración detrás, pero contamos con una buena capacidad de trabajo y ganas de experimentar. No nos asusta tener que sorprender porque sabemos que con seis meses de trabajo vamos a sorprender siempre. P.— Pero sí que posee cierta inspiración. R.— Es más cuestión de decisión. Es cierto que siempre hay algo que te hace tomar una dirección, pero al final tienes que decidir cuál será el camino de la sorpresa. P.— ¿Tiene muchos enemigos? R.— (Se ríe) Espero que no. P.— Hubo mucha gente que se alegró porque los de la Warner pidieran cárcel para usted por lo del presunto plagio del pájaro Piolín en sus camisetas.

«Mis años como gimnasta me enseñaron que sin disciplina y sacrificio es difícil llegar a donde quieres»

El diseñador catalán Custo, sobre la Harley Davidson que ha customizado. / BEGOÑA RIVAS

RETRATO Origen. Lérida, 1957. Currículo. Fue varias veces campeón de España de gimnasia deportiva. A los 20 años decidió emprender un viaje por el mundo subido en una motocicleta con su hermano David. En California le impactó la moda surfera y la psicodelia. Los dos hermanos crearon Custo Barcelona a principios de los 80.

Poseen más de un centenar de tiendas en todo el mundo y su marca es sinónimo de estilo único y vanguardia. Está casado y tiene cinco hijos. Aficiones. «Estar con mis cinco niños». Virtudes. «El entusiasmo». Defectos. «La impaciencia, aunque no sé si es un defecto». Debilidades. «La pereza».

R.— Eso seguro, porque vivimos en el país del morbo. Aunque eso ocurre en casi todas partes. Todo lo que genere morbo crea una cierta ilusión. P.— ¿Y qué pasa con el pájaro? R.— Fue una noticia muy exagerada. En 29 años hemos hecho más de 49.000 grafismos sin ningún problema hasta 2005, cuando los de la Warner nos dijeron que el pájaro que salía en una de nuestras camisetas se parecía al suyo. Ha sido archivada dos veces la causa, pero mientras tengan recursos que hacer que los hagan. P.— ¿Les entiende? R.— Más que eso. Estamos de su parte. La piratería nos sacude bastante. Sólo digo que ni siquiera hay ni fecha para la vista y mira el ruido que ha hecho esto. P.— Dígame algo en lo que jamás veríamos aplicada la customanía. R.— Pues ‘jamás’ es una palabra que no está en mi vocabulario, porque todo depende del momento. P.— ¿Es feliz? R.— Procuro serlo, pero es un trabajo ¿eh? No es nada fácil.


EL MUNDO. MIÉRCOLES 3 DE JUNIO DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Mesas, despachos, cargos, todo lo que tenga connotaciones ‘kafkianas’ no va conmigo» / «La ‘tele’ de ahora es una puta mierda» / «A mis padres no les hacía mucha gracia mi vocación de ‘entertainment’» / «Le hemos hecho una canción a Sara Montiel que se llama ‘Smoking no smoking’, sobre la ley antitabaco y ella se ha prestado encantada»

JAVIER GURRUCHAGA / CANTANTE Y ACTOR

«¿Yo en un despacho? Ni hablar» BEATRIZ PULIDO

ecién aterrizado de México, Javier Gurruchaga esconde su cansancio bajo unas gafas de sol y un sombrero tejano. La hipocondría le ha tenido en vela todo el viaje y se queja: «En los aviones tengo que estar consciente, por si acaso». Este viernes actúa con la Orquesta Mondragón en el Teatro Lara para protestar por la situación que vive el país norteamericano debido a la Gripe A y, de paso, presenta su último trabajo ¿Por qué no te callas? Pregunta.— ¿El tema principal del disco se lo dedica a alguien en especial? Respuesta.— Es más bien un intento de tender puentes de diálogo. Es una canción muy Disney. Podían hacer los coros Zapatero, Chávez y el propio Rey de España. P.— Cuántos hubieran querido mandarle callar a usted. R.— Seguro que mucha gente, pero a mí también me hubiera gustado decírselo a otros. P.— Un poco mosca cojonera (con perdón) sí que es. R.— Sí, un poco, pero este mambo más bien es un poco Doris Day. P.— ¿Qué problema tiene con Doris Day? R.— Es el ejemplo de lo superlight, de lo suave, era tan ñoña con esa cara en forma de pera que ha tenido siempre. Era insufrible, salvo en El hombre que sabía demasiado. P.— ¿No se cansa de ponerse peluca? R.— No. Me gusta jugar con los looks, con los cambios. Ese es el oficio del actor, en constante metamorfosis. P.— Le puso una peluca a Carrillo en televisión, ¿a qué político actual le colocaría otra? R.— Es que me resultan tan grises todos los políticos. Además, hoy en día se las ponen ellos mismos o se injertan pelos, como Bono. Bueno, realmente se ponen de todo, es lo que tiene el deterioro humano. P.— Pues usted dijo que no le importaría que le ofrecieran un cargo. R.— Je, je, ¿yo en un despacho? Ni hablar. Eso lo hizo Melina Mercouri y otros prejubilados. Yo sigo trabajando. Este disco creo que es el mejor de los 14 que tengo publicados. P.— Bueno, nunca se sabe. R.— Mesas, despachos, cargos, escalafones, todo lo que tenga connotaciones kafkianas no va conmigo. P.— ¿Va a volver a la tele?

R

R.— Ahora en la televisión pública es todo más políticamente correcto y en las privadas se hacen cursos de selvas. La nuestra era una buena televisión, la de ahora es una puta mierda. Pero es general en todo el mundo. P.— Entonces no ve ningún hueco. R.— Debo de ser de otra época, porque tampoco me llaman. P.— Usted se dio cuenta a los cuatro años que hacía gracia, eso es madurez. R.— Tenía mucha gracia y un niño ya se da cuenta de esas cosas. No me equiparo, pero a los cinco Mozart ya tocaba conciertos en las cortes europeas. P.— A él le jaleaba su padre y ¿a usted? R.— A mí no me alentaban mucho, más bien me controlaban porque me pasaba un poco de rosca. En lo musical fue mi madre quién me animó. P.— ¿Y en lo escénico? R.— No les hacía mucha gracia mi vocación de entertainment. Procuraban no verme. P.— ¿Televisión, cine o canción? R.— Lo que más me tira es la música en directo, como cuando besas a alguien, es puro presente. Lo otro es más coitus interruptus. P.— Usted es un voraz lector. R.— Más bien tengo muchos libros antiguos pero muchos de ellos no los he leído. P.— Ya sabe lo que dicen del coleccionismo. R.— Sé que es una patología. Es una forma de sustituir alguna que otra carencia. P.— Ha recuperado de nuevo a Sara

«Lo que más me tira es la música en directo, como cuando besas a alguien, es puro presente. Lo otro es más ‘coitus interruptus’»

Javier Gurruchaga actuará con la Orquesta Mondragón en el Teatro Lara. / CARLOS ALBA

RETRATO Origen. San Sebastián, 1958. Currículo. «Empecé en un banco de botones y fui ascendiendo hasta llegar a auxiliar. Estuve 14 años trabajando en la banca privada y cogí una excedencia para poder dedicarme al espectáculo. Estudié música, saxofón, Filosofía y Letras, pero cantar era lo que más me tiraba». Ha compaginado la canción con la televisión

y el cine. Lleva 30 años liderando la Orquesta Mondragón. Aficiones. «La música en directo». Debilidades. «Viajar». Virtudes. «La perseverancia, que soy un poco cabezón en el trabajo». Defectos. «Mi compulsiva ansiedad por contar las cosas que al otro a lo mejor no le interesan tanto».

Montiel para la escena. R.— Le hemos hecho una canción que se llama Smoking no smoking, sobre la ley antitabaco y ella se ha prestado encantada. P.— Imagino que se fumará un puro. R.— Efectivamente, y de forma muy voluptuosa. Está estupenda, tiene 30 años más que yo y en las fotos parezco su tío. P.— ¿Se ve usted a los ochenta y tantos encima de un escenario? R.— Ya me gustaría. Mira los Rolling que van por los 70 y están muy bien. P.— A los 40 decía que usted era un tipo raro que prefería estar solo. ¿Ha cambiado? R.— Me gusta tener mi espacio. No creo mucho en la omnipresencia de la pareja. No me siento solo porque tengo mis pensamientos que me acompañan. P.— Madrid ¿qué es para usted? R.— La ciudad en la que más tiempo he invertido en mi vida. Llegué con 20 años y me atrapó su historia y personajes. Es una ciudad mágica. Ahora me cuesta más ir a provincias, que se me quedan pequeñas. P.— ¿Qué le pide el cuerpo ahora mismo? R.— Irme a la cama porque estoy reventado.

Copia para BIBLIOTECAINFORMACION (pserranoa@buc.ucm.es)

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EL MUNDO. MARTES 4 DE ENERO DE 2011

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CON MUCHA CARA / «Todos los madrileños tenemos vocación de concejales de urbanismo» / «Reírnos de nosotros mismos de forma socarrona es muy madrileño» / «No creo que sea bueno tener una ciudad tan cambiante» / «Todos tenemos un mapa preferido. Para mí el paseo que va de Vistillas a Ópera» / «Si vives en comunidad, o estás abierto a cualquier novedad, o te mueres»

AMELIA OCHANDIANO / DIRECTORA Y ACTRIZ

‘El Cercanías de Sol es una aberración’ BEATRIZ PULIDO

«Madrid es infinito. Está el que conocemos todos; el que no se ve; el que aparece en la función, que es el que está desapareciendo...»

Una mujer contempla la ‘estatua’ de Amelia Ochandiano en el Paseo de Recoletos. / SERGIO ENRÍQUEZ

RETRATO Origen. Madrid, 1959. Currículo. Desde 1982 pertenece a la compañía Teatro de la Danza de Madrid. En teatro ha llevado a escena obras como La gaviota de Beckett, Los días felices, El caso de la mujer asesinadita, La casa de Bernarda Alba, con la que obtuvo el Premio Rojas a la mejor dirección, y La casa de muñecas de Ibsen. En cine ha

trabajado en largometrajes como Hola, ¿estás sola? y Amores que matan, de Iciar Bollaín, Entre las piernas, de Gómez Pereira y Eso, de Fernando Colomo. Aficiones. «Me gusta todo. Así que nunca me aburro». Debilidades. «El buen vino tinto». Virtudes. «La ilusión». Defectos. «Que soy muy pesada».

P.— ¿Cómo es este mapa de Madrid que ha dibujado Margarita Sánchez, la autora de la obra? R.— Es el que está desapareciendo, el de los inadaptados a los que el tiempo y las circunstancias les han congelado. Algo que puede ocurrir en los barrios típicamente madrileños, que no se han acostumbrado a que no exista más el bar Las Gambas de San Cayetano y sí el chino de turno. P.— ¿Qué es lo mejor de Madrid? R.— La adaptación es una cualidad. Y una apertura mental que tiene que ver también con las grandes ciudades. No nos asustamos de nada. Si vives en comunidad, o estás abierto a cualquier novedad o te mueres. P.— ¿Cree que el género que mejor le sienta a Madrid es el humor negro? R.— Seguro, porque desde Valle-Inclán ese humor está presente. Reírnos de nosotros mismos de forma socarrona es muy madrileño. P.— Esta obra es su forma de saldar una deuda con los autores contemporáneos. R.— Yo, como con la nouvelle cuisine, lo intento. Leo muchísimo, pero me cuesta enamorarme y engancharme a los textos.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Dice que pierde todo, así que lleva el monedero, las llaves, el móvil, y todos los objetos, sujetos al bolso con cables. Bueno... a la maleta con ruedas en la que carga un presente lleno de trabajo. Vuelve a traer a la capital Mi mapa de Madrid, esta vez al Centro Dramático Nacional. Tiene buen sentido del humor que expresa sin reírse y confiesa que cualquier cosa es susceptible de apasionarle. Pregunta.— ¿A dónde le ha llevado esa pasión tan abierta a todo? Respuesta.— Pues a verme a las cuatro de la mañana yo sola, en mi casa, viendo un partido de rugby, o un combate de boxeo, algo que jamás me hubiera imaginado. P.— ¿Hay algo a lo que no le haya encontrado el punto? R.— Al ping pong, pero todo lo demás en cuanto le meto un poco la uña y empiezo a escarbar... P.— Hablando de escarbar... ¿Cómo es su mapa de Madrid? R.— Creo que todos tenemos un mapa preferido. Para mí el paseo que va de Vistillas a Ópera; también tengo un recorrido de parques: el parque Atenas, parque del Moro, los jardines de Sabatini... P.— ¿Qué dejaría fuera del mapa? R.— Gran cantidad de coches y de chorizos y algunas obras mal hechas. P.— ¿Cómo cuál? R.— Pues me parece una aberración haber hecho una salida del Cercanías en una plaza tan pequeña como la Puerta del Sol. P.— ¿No ve la necesidad? R.— Nada, se podía haber sacado en Ópera o en Santo Domingo. Un día va a ocurrir una desgracia. Aparte de las colas de las loterías, las rebajas y el saldo, está la otra de las maletas. ¿Qué hace en Sol la gente con una maleta? P.— Ésa es una buena pregunta. R.— Una obra mastodóntica que cuesta una pasta. A mí me ha puesto de muy mal humor. Bueno, yo he visto una cosa insólita: un guardia de movilidad dirigiendo la circulación de la gente: «No se paren por favor, sigan, sigan». P.— Un poco vocación de concejala de urbanismo sí que tiene usted. R.— Yo creo que la tenemos todos los madrileños. Soy de las pocas que ha vivido

siempre en el centro. A mí la gente no me molesta, pero yo lo que he visto los últimos años en el Puente de la Constitución no tiene nombre y lo que me quedaba por ver era a los guiris con maletas de 80 kilos en pleno Sol con cara de susto. P.— De todas formas creo que hay que estar hecho de una pasta especial para vivir en el centro. R.— Lo reconozco, pero a mí no me importa. Mira, el autobús 3 que viene de la Puerta de Toledo y se mete por el centro. Me decía el conductor que le encantaba esa línea porque, con las obras, las manifestaciones y las concentraciones, nunca sabía cuál iba a ser la ruta al día siguiente. Eso es lo que tiene también el centro, ahí está la vida. Me gusta mucho esta ciudad, lo reconozco. P.— ¿Cuántos madriles ha contado? R.— Es que Madrid es infinito. Está el que conocemos todos; el que no se ve; el que aparece en la función que es el Madrid que está desapareciendo; el emergente. Hace cinco años la calle en la que vivo, la de la Encomienda estaba llena de ultramarinos, panaderías y bares. Ahora hay un ultramarino y 37 tiendas de chinos. P.— Es un Madrid desconocido. R.— El que ves hoy no lo reconoces mañana. Por una parte creo que hay que adaptarse. Por otro lado, los responsables tenían que tener más tacto. No creo que sea bueno tener una ciudad tan cambiante.


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EL MUNDO. LUNES 7 DE MARZO DE 2011

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CON MUCHA CARA / « El peor enemigo de las especies vivas es el hombre y el perro no se libra » / «Si a un perro le das una boñiga de vaca se la come igual» / «Los veterinarios vivimos de la torpeza de los propietarios» / «Hay una perra labradora muy mayor que nada más entrar se va a la báscula para que la pesen» / «En Suiza hay que hacer un curso de cuatro días para tener una mascota»

CARLOS RODRÍGUEZ / VETERINARIO

«Hay quien lava a su perro con Fairy» BEATRIZ PULIDO

Carlos Rodríguez acaba de publicar el libro Cosas de perros para torpes, un manual para entender al mejor amigo del hombre escrito con bastante sentido del humor. Pregunta.— Tantos siglos de convivencia con los perros y ahora nos sale con esto. Respuesta.— Por más años que llevemos de convivencia no les vamos a entender nunca. P.— ¿A quién va destinado? R.— A quien le gusten los perros. Dice el subtítulo «para torpes», pero la gente que se lo termina me reconoce que se siente así con el animal. P.— Lo hacemos mal. R.— Generalmente tiramos del antropomorfismo: «Hago esto porque le viene bien al perro», pero en realidad le aplicamos los criterios de lo que nos viene bien a nosotros. Quizá a un Yorkshire Terrier un cocido madrileño le siente un poco mal... P.— ¿Qué es lo más raro que ha visto hacer a unos dueños con sus mascotas? R.— Lavarlos con Fairy. P.— ¡No! R.— Sí, desgraciadamente es muy típico. O con Norit porque es blanco el perro. También conocí a un pastor que lavaba a sus carneros con el mismo producto porque lo había visto en la tele. P.— ¿Y tenía algo? R.— Tenía la piel para verla. P.— El hecho de que escriba usted este libro no dice mucho del ser humano. R.— Claro porque el hombre se siente el amo de la naturaleza y eso nos está viniendo fatal. Con el perro ocurre igual. Salvo aquellos que lo intentan entender, el resto lo ve como un accesorio más de su entorno: «Tengo un coche tal, una casa cual y un perro x». P.— ¿Hay muchos perros torpes? R.— Ninguno, salvo que tenga alguna patología que le haya hecho ser más corto. Entre los perros hay inteligencias variables. P.— ¿Un perro mayor también es educable? R.— Totalmente. Lo único que tiene es una serie de rutinas que ha adquirido y hay que enseñarle otras que le sean positivas. Hay una perra labradora muy mayor que nada más entrar por la puerta del centro, sin que nadie le diga nada, se va a la báscula para que la pesen. P.— ¿Cuál es el error más frecuente que tie-

ne el ser humano tratándose de perros? R.— La alimentación. Nos gusta darle de nuestra comida, pero el perro no agradece que le des un filete. Si le das una boñiga fresca de vaca se la come igual. P.— La mía no. R.— Te aseguro que la sueltas por un prado y hay boñigas frescas de vaca y se da un festín. El problema que tienen los animales es que les damos de todo y te digo que a nosotros, los veterinarios, nos es muy rentable. Vivimos de la torpeza de los propietarios. P.— ¿Algún otro error? R.— En la misma línea, tratar de educarles como a personas. Si no te entiende, coño, por mucho que le grites: «¡Sit!». P.— ¿El perro es el mejor amigo del hombre, y no se quién añadía que el hombre es el peor enemigo del perro? R.— El peor enemigo de todas las especies vivas es el hombre y el perro no se libra. P.— ¿Qué lección enseñan? R.— El amor incondicional, en estado puro. No espera jamás nada de ti, aunque la gente crea lo contrario. Sólo te cree de su grupo. P.— ¿Lo más raro que ha visto hacer a un perro para llamar la atención de su dueño? R.— El perro puede fingir una cojera si, previamente, cuando ha cojeado de verdad le has prestado más atención. Es un comportamiento reforzado. Igual que cuando, al verte, se pone patas arriba. La gente cree que lo que quieres es que le rasques la barriga.

«El perro puede fingir una cojera si, previamente, cuando ha cojeado de verdad le has prestado más atención»

Carlos Rodríguez, veterinario y autor del libro ‘Cosas de perros para torpes’. / DIEGO SINOVA

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

RETRATO Origen. Madrid, 46 años. Currículo. Licenciado en Veterinaria por la Complutense; copropietario de la clínica veterinaria Parque Corredor. Ha trabajado también como presentador, director, asesor y colaborador en diversos medios como Waku Waku (TVE), Club Disney... Es autor de varios libros como Mi perro, sus amigos y yo o El encantador de gatos.

Dirige y presenta el programa radio Como el perro y el gato en Onda Cero, así como el programa de televisión del mismo nombre en Neox. Es director de contenidos en mascoteros.com. Aficiones. «La música y la pintura». Debilidades. «Los amigos y la comida». Virtudes. «Soy muy constante». Defectos. «Cabezón y perfeccionista».

P.— Y no es así. R.— El perro se pone en una postura de indefensión. Es una muestra de entrega, te ofrece su parte más vulnerable. Pero como cada vez que lo hace le rascas, pues lo aprende para recibir esa muestra de cariño. P.— ¿Perros y dueños acaban pareciéndose? R.— Sí porque adquiere las rutinas de sus dueños. Pero además hay estudios que dicen que cuando elegimos, en estado puro, a perros es porque se nos parecen. P.— ¿Los perros españoles están especialmente maleducados? R.— Yo diría que sí. A mí me entristece ver que en otros países los perros entran en restaurantes, en los medios de transporte o en los hoteles. Aquí si entran en cualquier lado lo primero que hacen es cagarse. P.— ¿Y eso por qué? R.— Quizá hemos pasado en 40 años de un uso del animal a un boom como animal de compañía y aún no hay esa cultura que haya absorbido ese tránsito. Ni siquiera hay una ley de protección al animal. En Suiza hay que hacer un curso de cuatro días para tener una mascota. Nosotros somos un poco paletos.


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EL MUNDO. JUEVES 24 DE SEPTIEMBRE DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Identifico bien al jeta del que lo está pasando mal» / «Lo peor que llevo es el mal gusto» / «Se me puede considerar un galáctico» / «Ronaldo estuvo a punto de comprar mi casa» / «Con la Torre de Babel intentaría contenerme» / «Si no es porque nos obliguen, los arquitectos de mi generación no tendremos en cuenta lo ecológico»

JOAQUÍN TORRES / ARQUITECTO

«La arquitectura es sobornable» BEATRIZ PULIDO

esde que salió en un programa televisivo en el que trabajaba, ocultando su verdadera identidad, como voluntario social, Joaquín Torres, arquitecto y director del estudio de arquitectura A-cero, ha cambiado muchas cosas en su vida. Practica la filantropía «es algo que me ofrece seriedad y es muy gratificante». Pregunta.— ¿Sigue recibiendo peticiones de gente que quiere que les pague la hipoteca? Respuesta.— Fue una locura. No estaba acostumbrado a todo eso. Yo quería contestar a todo el mundo. Ahora identifico al jeta del que lo está pasando mal. P.— ¿Cómo? R.— El que lo pasa mal no suele pedir. P.— ¿Usted diseña casas de marca? R.— La pretensión de todo arquitecto es ésa, conseguir una señal que le identifique. P.— Las casas diseñadas a medida, ¿definen más al arquitecto o al inquilino? R.— Al arquitecto. A los clientes les digo que tienen que conocer y gustarles mi trabajo. P.— ¿Qué lleva peor, la excentricidad o el mal gusto? R.— El mal gusto. P.— Se le puede considerar un galáctico. R.— Si lo dices porque le he hecho casas a muchos futbolistas... P.— También por los presupuestos que maneja. R.— Eso no lo manejo yo, sino el cliente, pero imagino que estoy metido en un sector en el que se me puede considerar galáctico. Aun así el futbolista es el prototipo de cliente que menos tengo. P.— Pero son muchos los que viven o han vivido en una casa suya. R.— Porque han comprado proyectos que yo había diseñado. El cliente que suele valorar mi trabajo tiene un nivel adquisitivo alto, pero también un nivel cultural alto. El otro lo hace por la calidad o como inversión. P.— Ronaldo estuvo a punto de comprar su propia casa. R.— Sí, incluso vino a verla. P.— ¿Y la hubiera vendido? R.— No hubiera recogido ni los cuadros, si los pagan. Yo no compro para guardar. No tengo ningún apego a lo material. P.— ¿Dónde está realmente su casa? R.— Donde están mi mujer y mis hijos.

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P.— Florentino anda buscando un arquitecto para que le cambie la cara al Bernabéu. R.— Le conozco desde hace mucho tiempo y estoy seguro de que no contaría conmigo. P.— ¿Uno se marcha a Dubai a hacer casas por la pasta? R.— Yo trabajo por dinero, como todo el mundo, pero me marché a Dubai porque podía hacer un tipo de arquitectura que aquí no puedo. No me iría hasta allí para hacer palacetes griegos. P.— ¿Por qué aquí no puede? R.— Este tipo de proyectos son muy reducidos y están reservados a una pequeña mafia, un pequeño círculo o élite, a nivel de concursos, colegio de arquitectos o escuela, a la que yo no pertenezco. P.— ¿Cómo influye su carácter en la arquitectura que hace? R.— Mucho. Por ejemplo, si tienes una época oscura planteas cosas más retorcidas. También influye el último libro que te has leído. P.— Pues ahora que está leyendo temas espirituales, ¿cómo diseñaría la Torre de Babel? R.— Precisamente ahora me motivaría muchísimo diseñar un espacio espiritual, que no una iglesia. Con la Torre de Babel intentaría contenerme. Querría hacer algo muy sutil, y no tan espectacular o visual, que pasara más desapercibido. P.— ¿Cuál es el mayor pecado del arquitecto?

«No compro para guardar. Todo lo que hago está en venta. Nada me produce más placer que hacerme otra casa»

Joaquín Torres posa en la puerta de su estudio. / DIEGO SINOVA

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

RETRATO Origen. Barcelona, 1970. Currículo. Nació en la Ciudad Condal por «motivos familiares». Se considera medio madrileño y medio gallego. Destacó en la Universidad de La Coruña, donde se licenció en Arquitectura. En 1996 funda el estudio A-cero en La Coruña, junto con dos compañeros de facultad. Uno de ellos, el arquitecto Rafael Llamazares, continúa

siendo su socio. A-cero crece hasta llegar a la capital y continúa su proceso de expansión. Aficiones. «Tienen que ver con mi trabajo, el arte. Ahora estoy leyendo libros de temas espirituales». Debilidades. «Mi mujer». Virtudes. «Mi carácter». Defectos. «Mi carácter».

R.— La vanidad. Y sin embargo es necesaria para ser un arquitecto, no ya bueno, sino relevante. Hay mucha gente buena que no llega porque no tiene la oportunidad de construir. P.— ¿Para qué sirve la arquitectura? R.— Debería servir para mejorar la calidad de vida de los seres humanos. P.— Decía Octavio Paz que la arquitectura es el testigo menos sobornable de la Historia. R.— No lo creo en absoluto. Es totalmente sobornable. Ya se sabe que la Historia la escriben siempre los vencedores. P.— La arquitectura del siglo XXI, ¿necesita más curvas o más esquinas? R.— Necesita una revolución en el sistema constructivo. No se puede seguir construyendo como en el XIX, de forma artesanal. El proceso debería ser más industrializado, más manipulado en taller, bajando costes, tiempo y aumentando calidad. P.— El arquitecto, ¿deber ser ecológico? R.— No tenemos esa mentalidad, al menos los de mi generación, porque no nos han formado con ella. Si no es porque nos obliguen no lo tendremos en cuenta. En Dubai hablar de arquitectura ecológica no tiene sentido.


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EL MUNDO. MARTES 3 DE MAYO DE 2011

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CON MUCHA CARA / «La identidad nacional nos sirve para ser ciudadanos y no siervos como en el Antiguo Régimen» / «Sería una pena decir que Daoíz y Velarde murieron por un cabreo» / «Estoy a punto de terminar mi primera novela histórica» / «Aunque sea historiador mi visión de la vida tiene que ver más con el futuro que con el pasado»

FERNANDO GARCÍA DE CORTÁZAR / HISTORIADOR

«Intuyo que puedo ser influyente» BEATRIZ PULIDO

El despacho de la Fundación del 2 de mayo que dirige es un fortín lleno de cajas y de libros que llegan hasta el techo. Se nota que no lo ocupa habitualmente pues a los objetos les falta algo de la vida que otorga el roce con su poseedor. Fernando García de Cortázar se considera medio madrileño, «porque los vascos nacemos donde queremos». Habla tan rápido como su boca le permite, lo que indica que su pensamiento vuela. Pregunta.— Alguien le describía como jesuita, díscolo y provocador. Respuesta.— (Se ríe) Defiendo mi libertad, pertenezco a una institución que fomenta la libertad de los sujetos y entiendo que hay que suscitar, emocionar, alertar y... ¡guerra a la vulgaridad! P.— Le concedieron la Orden de las Palmas Académica de Francia, ¡por reivindicar la nación española! R.— Eso es lo que me dijo el embajador cuando me la impuso: «Usted ha contribuido a construir la identidad de la nación española y eso es bueno para la Humanidad». P.— Alguien que es capaz de vender tantos libros de Historia como usted debe de tener poder. R.— Prefiero la influencia al poder. Intuyo que puedo ser influyente. Miles de ciudadanos españoles han podido configurar la idea que tengan de España a través de mis libros. P.— Decía usted: «He hecho historia contra el pesimismo y contra los mitos del fatalismo». ¿Tan pesimistas somos los españoles? R.— Somos pesimistas respecto de nuestra propia nación. Muchas veces ese mito ha venido dado por grandes poetas y escritores que han cantado el dolor y que han insistido en esa idea del naufragio, que diría Machado. P.— Según Pérez Reverte, el 2 de mayo no fue un movimiento patriótico, sino un día de cabreo. R.— ¿Pero por qué existe ese cabreo? porque consideraban a los franceses ajenos a ellos. En ese sentido es un movimiento protonacional, anterior a la construcción de la nación. Sería una pena decir que Daoíz y Velarde mueren por un cabreo. P.— ¿España es una nación inacabada o inacabable? R.— Puede ser inacabable en el sentido de

que necesitamos un plebiscito diario. Todos los días hay que complementar la nación. Es algo que está en movimiento y que no se puede dar por terminado. Habríamos de imitar el modelo de los nacionalistas, que se definen como un pueblo en marcha. P.— O sea que seguirá habiendo problema español dentro de 100 años. R.— Me gustaría pensar que no en las mismas líneas de discutir la existencia de la nación. Es algo insólito en Europa que un país con las fronteras diseñadas desde el siglo XV y con el árbol genealógico más frondoso se siga preguntando ¿qué es España? en lugar de decir construyamos España. P.— ¿Para qué le sirve a un ciudadano de a pie la identidad nacional? R.— Para afirmarse en sus derechos y libertades individuales y para defenderse de los abusos del poder. Nos sirve para ser ciudadanos y no siervos como en el Antiguo Régimen. P.— ¿Parece que la identidad nacional pasa hoy más por el deporte que por la Historia? R.— Efectivamente, los grandes movimientos de masas vienen hoy dados por las grandes emociones relacionadas con el deporte. Construye más la nación Induráin con sus éxitos en el Tour que las que las declaraciones de los políticos. Cuando ganó la selección el Mundial cantaban soy español tanto las señoras Chanel, como los jóvenes con greñas y camisetas del Che Guevara o de Metallica. P.— Hobsbawn decía que las sociedades

«Cuando ganó la selección el Mundial, cantaban ‘soy español’ las señoras Chanel y los jóvenes con camisetas del Che»

Fernando García de Cortázar el pasado sábado en la Plaza del 2 de Mayo. / ANTONIO HEREDIA

RETRATO Origen. Bilbao, 1942. Currículo. Es catedrático de Historia Contemporánea de la Universidad de Deusto, de la Fundación Vocento y de la Fundación 2 de Mayo. Ha sido condecorado con la Orden del Mérito Constitucional de España. Ha escrito más de 60 libros. Su Breve Historia de España ha sido uno de los best sellers

más importantes de la historiografía en los últimos años. Aficiones. «Charlar, caminar y el mar». Virtudes. «La laboriosidad». Defectos. «Habría que preguntárselo a mis enemigos». Debilidades. «La capacidad de ser engañado por personas que considero buenas».

basadas en el individualismo están concebidas para que tengan unas débiles identidades colectivas. R.— Pero la nación nunca debe apagar al individuo. El problema con los nacionalismos es que muchas veces imponen la nación al individuo y los derechos colectivos a los individuales. P.— «La Historia tiene que hacerse dueña de la calle», decía usted. R.— Los historiadores debemos intentar que nuestros libros se lean en el Metro o en la calle. Para eso debemos aprender a comunicar y escribir mejor. La Historia ayuda a luchar contra los absolutos. Nos sirve para transmitir la utopía, entendida como deseo de cambio y de hacer una sociedad mejor. P.— Usted va a entrar ahora en el terreno de la novela histórica. R.— Sí, estoy a punto de terminar mi primera novela ambientada en la Europa de entreguerras en América y Europa. P.— Decía Azorín «Vivir, es ver volver». R.— Aunque sea historiador mi visión de la vida tiene que ver más con el futuro que con el pasado. Tengo un gran sentido vitalista.


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EL MUNDO. LUNES 27 DE DICIEMBRE DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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CON MUCHA CARA / «Nunca debería negociarse con la salud» / «En la cuestión de las epidemias se ha avisado tantas veces de que viene el lobo que cuando venga de verdad se va a poner seria la cosa» / «Los virus son demasiado chiquitos; aún no logré entender su psicología» / «Uno triunfa ante los ojos de los seres que ama, y ante ellos uno cae»

MANUEL ELKIN PATARROYO / MÉDICO E INMUNÓLOGO

«No aspiro a ser ningún santo» BEATRIZ PULIDO

De una amabilidad apabullante, Manuel E. Patarroyo parece inmerso en una cruzada contra la enfermedad. Descubrió la vacuna contra la malaria pero no se conforma. Hace unos días recibía el Premio Haz Tu Acción, entregado por AISGE. El doctor se mostraba encantado «Vine a dar las gracias, no sólo por el premio, sino por el apoyo que me ha dado España». Pregunta.— ¿Qué anda buscando ahora? Respuesta.— Sólo tengo un proyecto de vida: tratar de encontrar una metodología lógica, racional y matemática para desarrollar todas las vacunas. Ahí me moriré. P.— ¿Y cómo va? R.— Este año entregaremos las primeras reglas. P.— ¿Tiene usted sucesores? R.— Muchísimos. He educado a más de 1.000 investigadores en mi país. Desgraciadamente allí no se dan las mejores condiciones para ello, algo que ha mejorado drásticamente en España desde hace 25 años. P.— ¿Cuál es el mal del ser humano? R.— Se expresa a nivel de la envidia, la avaricia, la rabia, y el resto de los pecados capitales. Algo de eso nos toca a cada uno y algo tiene de genético, igual que la bondad. P.— Reza, ¿a qué clase de Dios? R.— El mío no tiene forma. Creo en un Dios superior, mi familia es católica, pero nunca nos adscribimos a ninguna iglesia en particular. P.— ¿Y qué le pide? R.— Que me enseñe cuál es el camino correcto. Hasta ahora creo que no se ha equivocado (se ríe). Hace décadas lancé ideas que en su momento eran revolucionarias. Tenía muchas dudas pero hace un par de años se demostró que eran acertadas. P.— ¿La enfermedad es un negocio? R.— Desgraciadamente sí. Nunca debería negociarse con la salud. Las multinacionales nos vendieron las vacunas de la gripe h1n1(A) obteniendo unos beneficios morbosos, nos quieren vender la del papiloma, nos querrán vender la de la malaria y todo lo que quieran. P.— ¿Y qué es lo peor? R.— Lo peor es que se ha avisado tantas veces de que viene el lobo que cuando venga de verdad se va a poner seria la cosa. P.— No tardaron mucho en aprobar la vacuna de la gripe A.

R.— Para que obtuviera todos los permisos de mi vacuna me demoré 6 años y ellos tardaron 15 días en sacar la h1n1. P.— Da la sensación de que a veces parece no se quisiera investigar demasiado. R.— Lo que ocurre es que la industria farmacéutica siempre busca comprar un producto terminado, que el costo de las investigaciones lo financien las universidades o los Estados y cuando ya esté hecho el producto entran a llevarse los beneficios. P.— Es usted el azote de la industria farmacéutica. R.— No, no me interesa azotar a nadie. Sería suicida ponerme en contra de un poder semejante. Yo camino al margen. P.— Ha sonado usted para el Premio Nobel muchas veces. R.— Nunca lo he perseguido. El único premio que quise ganar fue el Príncipe de Asturias, era un premio con el que se reconoce a los de casa. Uno triunfa ante los ojos de los seres que ama, y ante ellos uno cae. P.— ‘De las bacterias en adelante sólo buscamos reconocimiento y afecto’, decía usted. R.— Donde nos equivocamos es en la manera de obtenerlo, el dinero tiene buena culpa. P.— ¿Y los virus qué buscan? R.— (Se ríe) Son demasiado chiquitos; aún no logré entender su psicología. P.— El hacer cosas por los demás dicen que es una de las condiciones para la felicidad. R.— Es que es muy satisfactorio. Nunca qui-

«La gente no sabe que estuve dos años y medio rayando entre la vida y la muerte por una enfermedad bacteriana»

Manuel Elkin Patarroyo, descubridor de la vacuna contra la malaria. / ÓSCAR MONZÓN

RETRATO Origen. Colombia, 1946. Currículo. Es médico catedrático de la Universidad Nacional de Colombia y profesor adjunto de las Universidades de Rockefeller de Nueva York y Estocolmo en Suecia. Fundador y actual director de la Fundación Instituto de Inmunología de Colombia. Pese a las ofertas que recibió por su descubrimiento de la vacuna

contra la malaria, cedió la patente a la OMS. Premio Príncipe de Asturias, que recibió en 1994. Aficiones. «Soy coleccionista de arte, me fascina la plástica, soy muy visual». Debilidades. «Mis hijos y mis nietas». Defectos. «Pienso mucho en los demás y poco en mí mismo». Virtudes. «Puede ser el propio defecto».

se hacer algo distinto que tratar de resolver los problemas universales para el bienestar de la humanidad y en medio de eso logré avanzar algo y eso me hace muy feliz, pero me olvidé de mí y me encontré con enfermedades a las que no puse cuidado. P.— ¿Qué le pasó? R.— La gente no sabe que estuve dos años y medio rayando entre la vida y la muerte por una enfermedad bacteriana que cogí y que descuidé. Salí de ello hace año y medio. P.— ¿Se moría? R.— Eso le dijeron a mi familia, pero yo pensaba que no tenía derecho a morirme porque aún no he terminado lo que tenía que hacer. P.— ¿Le ha cambiado algo esa enfermedad? R.— (Se ríe) Nada. Ha conseguido que yo vaya más deprisa, que camine más rápido. P.— Si hubiera unos cuantos como usted arreglábamos el mundo. R.— Pues no aspiro a ser ningún santo. P.— ¿Piensa usted alguna vez en las vidas que ha podido salvar? R.— No porque no me dejaría vivir, pensaría en las que aún me quedan por salvar. Nunca paso cuenta de cobro.


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EL MUNDO. LUNES 3 DE ENERO DE 2011

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CON MUCHA CARA / «Lo más grande y bello de esta vida es el hombre y lo más feo es el hombre » / «Hay que tener corazón para todos, vengan de donde vengan» / «Nunca pienso en la religión de la gente, si son puros de corazón, para mí son dioses» / «Durante el baile la idea es llegar al punto cero, al vacío, soltarlo todo» / «El peor enemigo del hombre es él mismo»

MAJID JAVADI / MAESTRO SUFÍ

«Danzando he visto el rostro de Dios» BEATRIZ PULIDO

Alberga en el corazón esa paz, esa sencillez que posee el sabio. Majid enseña música, danza sufí y misticismo en la Casa Persa, que fundó en Madrid hace siete años. Llegó huyendo del radicalismo islámico de su Irán natal. Dice que la vida es bella, «es tan bella que vale la pena morir por esa belleza». Pregunta.— Usted es maestro. Respuesta.— Me llaman así, pero nunca he dejado de ser alumno. Llevo muchos años enseñando música y sufismo. P.— Leí una vez que la misión del místico es recordar al alma su belleza y divinidad. R.— Lo más grande y bello de esta vida es el hombre y lo más feo es el hombre. El misticismo persa desea encontrar esa verdad que está dentro del hombre. Lo llaman el secreto. Rumi dice: «Si llegas a ti mismo alcanzarás a Dios». P.— ¿Cuál es el secreto que ha encontrado usted? R.— Conocimiento, nada más. P.— Y de forma práctica, ¿por dónde hay que empezar? R.— Por ser consciente de tus actos, de tus palabras, de tus movimientos. P.— ¿Y qué ocurre después? R.— Que algo se abre y llegas al Amor. Hay que tener corazón para todos, vengan de donde vengan. P.— ¿Cómo deviene uno maestro? R.— Un maestro es un guía. Es uno que está en el camino, que conoce el camino. El maestro te conoce y te señala el camino, que tú debes andar. Éste es largo o corto depende de la madurez de la persona. P.— ¿Qué hay al final del camino? R.— Dios o la Verdad. P.— ¿Es indispensable tener un maestro? R.— Sin él no puedes caminar, te puedes perder o volver loco. P.— ¿Cómo se relaciona la música con Dios? R.— Es el mejor elemento para conectar con el más allá. Las palabras son un invento del hombre. Pero la música, ¿de dónde viene? P.— Se refiere a la música improvisada. R.— Sí. Mis conciertos los titulo siempre Música mística y, cuando me preguntan, yo digo: «No existe la música mística», lo que es místico es la persona y da igual que lo que uno toque sea flamenco, rock, heavy o rap. P.— ¿Qué le ocurre durante un concierto?

R.— Me sorprendo a mí mismo. No sé si estoy en do o en sol y el público siento que está en el mismo punto. No lo saben, pero están borrachos, embriagados, y así seguirán durante tres o cuatro horas. P.— ¿Usted huyó de Irán en los 80? R.— Nos engañaron con la revolución. La cosa se puso dura para los músicos y los derviches. En Europa he aprendido del otro lo que necesitaba y he ofrecido lo que yo conocía. Al final, acabé en Madrid. P.— ¿Le gusta vivir aquí? R.— Es muy parecido a Teherán. La gente tiene esta energía de vivir, es muy abierta. Nunca pienso en la religión de la gente, si son puros de corazón, para mí son dioses. P.— ¿Es un derviche? R.— Sí, desde niño participaba en las ceremonias. El giro es un tipo de baile, más que baile, es Samá (escuchar con el oído del corazón las vibraciones del amor). Esto existe en todo el mundo, no sólo en el sufismo, en el chamanismo, en el budismo, incluso en la discoteca puede ocurrir. A veces te pasas 30 años en un templo sufí y jamás has experimentado esa vibración que te mueve y estás en una discoteca y eso te llama. Ese es el misterio, el secreto. P.— ¿Qué ocurre durante el baile? R.— La idea es llegar al punto cero, al vacío. Soltarlo todo. Es ese es el trabajo del místico, vaciarse. El hombre tiene dos problemas que generan un tercero: tristeza del pasado y miedo del futuro. Eso provoca que te olvides del

«El hombre tiene dos problemas que generan un tercero: tristeza del pasado y miedo del futuro, que hace que olvides el presente»

Majid Javadi, maestro de música y danza sufí. / DIEGO SINOVA

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

RETRATO Origen. Hamadán (Irán), en 1962. Currículo. Comenzó desde niño a aprender instrumentos como el tambour y daf y con 16 años radif (repertorio clásico persa) con los grandes maestros de la región. A mediados de los 80 emigra a Europa, huyendo de la revolución iraní y realiza proyectos y conciertos en Dinamarca, Suecia, Alemania, Reino

Unido y Francia. Hace siete años que llegó a Madrid donde fundó la Casa Persa (www.casapersa.com). En ella imparte clases, cursos y conciertos. Aficiones. «La música, el misticismo». Debilidades. «Trabajo para no tener debilidades». Virtudes. «La lucha por la libertad». Defectos. «Soy fumador».

presente. Para estar en el presente tienes que estar vacío, abierto a lo que venga. P.— ¿Y nunca se marea? R.— (Se ríe) Ese el primer miedo del alumno. Pero ni te mareas, ni quieres parar. Son los pensamientos los que te marean. Rumi giraba día y noche. A veces no comía, ni dormía, los otros creían que había enloquecido. P.— ¿Y cuándo gira usted? R.— Por la mañana, cuando me levanto de la cama o por la noche. Ahora, al no tener un templo, lo hago durante las clases. P.— ¿Los españoles qué tal lo hacemos? R.— Muy bien. La mayoría que viene a las clases son bailarines. Ellos lo pillan rápido porque conocen su cuerpo. No es complicado este baile, aunque sí filosóficamente hablando. P.— ¿Y si una no es bailarina? R.— (Se ríe) Yo te digo: «Piensa que no tienes huesos, que todo es carne, que estás suelta, porque si estás tensa te mareas seguro». P.— ¿Danzando ha visto el rostro de Dios? R.— Muchas veces. Llegas al amor, al amor y sientes que eres una parte de él. P.— ¿Cuál es el peor enemigo del hombre? R.— Él mismo.


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EL MUNDO. JUEVES 23 DE JULIO DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Para la mujer, cualquier época pasada siempre fue peor» / «El primer documento firmado de una composición es de una mujer del siglo X» / «De la música de Beethoven se decía que eran aullidos de gato» / «El siglo XXI es muy manierista» / «El defecto profesional de un músico es que cuando escucha música no habla, sólo escucha»

CONSUELO DÍEZ / DIRECTORA DEL FESTIVAL CLÁSICOS DE VERANO

‘El mundo de la composición es machista’ BEATRIZ PULIDO

iene entre ceja y ceja situar a la música contemporánea en el lugar que le corresponde. Mujer en un mundo de hombres, se ha tenido que abrir paso un poco «a empujones». Risueña, optimista y con una fe inquebrantable en sí misma, Consuelo Díez dirige por cuarto año consecutivo el festival de música de cámara Clásicos de Verano que se celebra en julio y agosto en 66 municipios madrileños. Pregunta.— Es usted compositora, programadora y docente, ¿en qué orden? Respuesta.— Soy compositora. Lo demás es un medio de vida. La gestión es un compromiso de militancia en un país que está aún de espaldas al hecho musical. P.— Es también una activista. R.— Creo que aún hay mucho que hacer en este terreno para que la música esté en el lugar que le corresponde. P.— Defensora de la música contemporánea, compositora... le va la marcha. R.— (Se ríe) Estamos en un territorio en el que o empujas o nadie va a llamar a tu puerta. El mundo de la composición es muy machista, como el de la dirección de orquesta. Son los puestos de mando. P.— Si fuera ministra de Cultura... R.— Daría todas las facilidades para que lo niños supieran leer una partitura. P.— Se imagina un Ministerio de la Música. R.— (Se ríe) Tanto no, pero no estaría nada mal. P.— Tenga en cuenta que luego los ministerios son intercambiables y podría acabar en el Ministerio de Hacienda o en el de Defensa. R.— (Se ríe) Con uno de Educación y Cultura lo suficientemente comprometido me conformo, y si encima el ministro fuera músico, mejor. P.— ¿Es usted partidaria de las cuotas? R.— Sí, para las orquestas que siguen sin programar música española y no sólo de esta época, sino de todos los tiempos. P.— ¿Independientemente de la calidad? R.— La mayoría de las orquestas se financian con dinero público y se les podría exigir esa cuota de obra nueva. Me parece escandaloso que en distintas temporadas repitan siete veces la Cuarta de Brahms. P.— ¿Qué es lo que le hace competencia a la música contemporánea?

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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R.— La Historia de la Música. P.— Pues si tienen que competir con Beethoven o Bach lo llevan claro. R.— La cosa ha empeorado con las grabaciones. P.— ¿Por qué se sigue llamando a la música del siglo XXI música clásica’? R.— Es que el término es tremendo. A veces yo escucho eso de música clásica contemporánea, que es un popurrí. Quizá no se ha inventado aún un término que englobe todo lo que representa la música contemporánea P.— Y usted, ¿qué dice cuando le preguntan lo que hace? R.— Pues digo que compongo lo que llaman música clásica, música actual. P.— ¿Cree que el público llegará a disfrutar de la música contemporánea como lo hace de la clásica? R.— Absolutamente convencida. De la música de Beethoven se decía que eran aullidos de gato. P.— ¿Y cómo describiría la actual? R.— Siempre se piensa en música dodecafónica, pero en el siglo XXI hay miles de tendencias. Éste es un momento muy manierista. P.— ¿Le gusta la época que le ha tocado vivir? R.— Soy consciente de que, para una mujer, cualquier época pasada siempre fue peor. P.— Para la compositora, ¿éste es el mejor momento? R.— Ahora se está descubriendo que ha ha-

«Normalmente, si programo no utilizo mi música. Aunque sí que utilizo la de mis colegas vivos»

Consuelo Díez dirige el festival Clásicos de Verano por cuarto año consecutivo. / ANTONIO XOUBANOVA

RETRATO Origen. Madrid, 1958. Currículo. Estudió Música en el Real Conservatorio Superior de Música. Prolongó su formación musical en la Universidad estadounidense de Hartford con un máster y los cursos de Composición, Música Electrónica y Composición por ordenador. Ejerce como Asesora de Música de la

Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid y por cuarto año consecutivo programa el festival Clásicos de Verano. Aficiones. «Leer, pasear, nadar, esquiar». Debilidades. «Mis hijos y la música». Virtudes. «La constancia». Defectos. «Soy demasiado confiada».

bido muchas mujeres que han escrito música. El primer documento firmado de una composición es de una mujer, en el siglo X. P.— No me diga. R.— Sí, la abadesa alemana Hildegard von Bingen. P.— Usted es doctora en música electrónica y por ordenador, eso suena a dj Consuelo. R.— (Se ríe) Desgraciadamente han tomado el término electrónico por dj, pero eso es porque se han apropiado de un elemento que los demás hemos estado años investigando. P.— Fuera de la música clásica, ¿qué escucha? R.— De todo porque hay una polución acústica excesiva en estos momentos. P.— Es lo que nos faltaba. R.— Hay música por todas partes. El defecto profesional de un músico es que cuando escucha música no habla, sólo escucha. P.— Siendo compositora y programadora corre el riesgo de programarse a sí misma o de dejarse fuera injustamente. R.— Normalmente, si programo no utilizo mi música. Aunque sí la de mis colegas vivos.


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EL MUNDO. MARTES 16 DE NOVIEMBRE DE 2010

CON MUCHA CARA / «Coco Chanel representa mejor el papel de diva rebelde» / «Todas eran unas grandes mentirosas» / «María Callas decía que una diva además de cantar y saber interpretar tenía que ser una diosa en la vida cotidiana» / «Ninguno de los hombres que aparecen en el libro está a la altura de estas mujeres» / «Muchas tenían tendencias autodestructivas»

CRISTINA MORATÓ / ESCRITORA Y PERIODISTA

«La diva es una raza en extinción» BEATRIZ PULIDO

Frente al glamour que inunda su último libro, Divas rebeldes, en el que se sumerge en la vida de mitos como Coco Chanel, Audrey Hepburn, María Callas o Jackie Kennedy, Cristina Morató es la sencillez personificada. Sigue fiel a su empeño en profundizar en grandes mujeres de leyenda. Pregunta.— ¿Qué tienen en común todas sus divas? Respuesta.— La rebeldía. P.— Yo pensaba que todas tenían hambre emocional. R.— Tienes razón, pero me refiero a que eran mujeres poco convencionales que engañan. Audrey Hepburn, por ejemplo, tras esa aparente docilidad poseía una personalidad muy fuerte. Entonces se llevaban mujeres voluptuosas como Marilyn Monroe y ella da una imagen de aspecto andrógino, que se niega a llevar tacones y que no se creía nada especial. P.— Menudos dramas vivieron. R.— Todas llevaban a cuestas un trágico pasado que no les gustaba airear. Tuvieron una infancia solitaria y desdichada, carecieron de padres normales. La madre de Callas la explotaba por su voz desde los cinco años. Estaba muy acomplejada por su físico, con 14 años pesaba 90 kilos y su madre la exponía a actuar. Todas ellas también comparten los divorcios o la pérdida de hijos. Los abortos de Jackie Kennedy son casi idénticos a los de Audrey Hepburn: las dos ansiaban ser madres. P.— ¿Cuál representa mejor el papel de diva rebelde? R.— Coco Chanel. Me resulta increíble que una muchacha humilde, hija de un vendedor ambulante y de una madre soltera campesina que muere de tuberculosis, que ingresa en un orfanato donde aprende a coser, se convierta en la inventora del glamour y la reina de la alta costura. Estaba orgullosa de haberlo aprendido todo por sí misma. P.— También se inventó su pasado. R.— Todas eran unas grandes mentirosas porque eran divas. María Callas decía que una diva además de cantar y saber interpretar tenía que ser diosa en la vida cotidiana. P.— ¿No fue Coco Chanel la que le dijo a su doncella «así se muere» justo antes de irse al otro barrio? R.— Sí, eran divas hasta en la intimidad. Y

en el fondo detestaban ser divas y que las trataran como tal. P.— ¿Cuál es su favorita? R.— Como persona Audrey Hepburn, tenían razón al definirla como un ángel. Siendo una diva, predominaba en ella el atributo de la sencillez. Estando en la cúspide de su carrera decidió devolver lo que le habían dado y se convirtió en embajadora de UNICEF. P.— ¿Qué hecho le impresionó a usted más? R.— Siempre había leído que Onassis había obligado a abortar a María Callas pero no fue así. Cuando él estaba de viaje ella, embarazada de ocho meses, fue al ginecólogo a que le practicara una cesárea para recibir a Onassis con el niño en brazos. El bebé nació con problemas respiratorios y murió a las pocas horas. P.— En cuanto a los hombres que aparecen en el libro... R.— Ninguno está a la altura de ellas. P.— Pero Cary Grant no está por debajo de Barbara Hutton. R.— Vale, fue un auténtico caballero, el único que no se aprovechó de ella, que sólo tuvo a su lado a verdaderos crápulas. P.— Ellas los elegían. R.— Es que muchas tenían tendencias autodestructivas y muchas buscaban a ese padre que no habían tenido. María Callas se casa con ese impresentable casposo de su agente, 30 años mayor que ella; el general Perón le dobla la edad a Evita, Audrey con Sam Ferrer... P.— Eran los Kennedy los que decían eso de

«Es un cierto consuelo para el resto de las mortales saber que estas divas también lo pasaron mal»

La escritora y periodista Cristina Morató. / SERGIO ENRÍQUEZ-NISTAL

RETRATO Origen. Barcelona, 1961. Currículo. Es periodista, fotógrafa y reportera. Fue directora de programas de televisión. Lleva más de 20 años recorriendo el mundo. Desde 2000 se dedica a escribir libros de viajes y biografías sobre las grandes exploradoras, como Viajeras intrépidas y aventureras (2001), Las damas de Oriente

(2003) y Cautiva en Arabia (2009). Aficiones. «La lectura, el cine, comer con mis amigos y los viajes». Debilidades. «La gente comprometida». Virtudes. «Soy buena amiga de mis amigos, el optimismo y mi capacidad de trabajo y tenacidad». Defectos. «Soy perfeccionista y un poco mandona».

que una mujer vale lo que vale su marido. R.— No estoy segura pero la vida de Jackie Kennedy se podía titular «falsas apariencias». Y no sólo por las infidelidades de su marido, que poseía esa imagen pública de deportista y sin embargo estaba tan enfermo. P.— ¿Cree que egoístamente consuelan en cierta manera sus dramas? R.— (Se ríe) Es un cierto consuelo para el resto de las mortales saber que estas divas también lo pasaron mal. P.— ¿Queda alguna en el siglo XXI? R.— Hoy no hay divas, hay mucho divismo. Una diva es alguien que tiene una gran personalidad, un estilo propio, fama, dinero y que ha llegado a lo más alto en su profesión. P.— No me dirá que Belén Esteban... R.— Más que princesa del pueblo a lo mejor es una diva popular del siglo XXI. Los medios están consiguiendo que ella se crea el papel. P.— Junto a quién la ponemos. R.— La diva es una raza en extinción. Ahora hay mucha chabacanería. A lo mejor Carmen Lomana crea serlo. Quizá Nati Abascal tiene más clase y estilo y sea una de las pocas damas elegantes y divas de este país.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. JUEVES 19 DE FEBRERO DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Una avispa me dio un beso en el labio y supe que volvería a por más» / «A alguno le he tenido que picar 25 veces en una sola sesión» / «El dolor dura sólo 30 segundos» / «Curan la artrosis, artritis, dolores de espalda y la psoriasis» / «Hay quien llama a la picadura de la abeja el beso fogoso» / «Cuando notas la picadura lo entiendes»

PEDRO PÉREZ / APITERAPEUTA

‘La política es una enfermedad incurable’ BEATRIZ PULIDO

ecir que Pedro es un experto en el mundo de las abejas es quedarse corto. No sólo las conoce a la perfección y sabe cuándo están tristes, alegres, enfadadas, sino que además emplea el veneno de su picadura para ayudar a curar enfermedades. Cuando le pido el perfil, él me muestra uno de los lados de su rostro. Respuesta.— Es que tengo cara de abeja (se ríe). Pregunta.— ¿Cuántas abejas tiene aquí? R.— Como mucho 300. En colmenas, alrededor, de un millón. P.— Venir a su consulta es peor que ir al dentista. R.— Duele mucho más la picadura de una avispa. P.— Eso no consuela mucho. R.— El que viene aquí lo hace porque tiene muchos dolores y aguanta lo que le echen. El dolor dura sólo 30 segundos. P.— La tortura es no saber si el bichito se va a decidir o no a picarte. R.— Eso ocurre el primer o segundo día, luego los pacientes me piden más. P.— ¿Qué tipo de enfermedades cura? R.— La artrosis, artritis y dolores de espalda es lo más tradicional que se cura muy bien. También la psoriasis. En Estados Unidos están probando con esclerosis múltiple, incluso la ELA, aunque eso son palabras mayores. P.— ¿Pueden tener un día tonto y negarse a picar? R.— Claro, se enroscan y dicen que ni hablar. P.— ¿Por qué le tienen ustedes tanta manía a las avispas? R.— (Se ríe) No les tengo manía. Las avispas les roban la miel a las abejas, se ponen chulas... P.— ¿Son chuletas? R.— Y valientes y ladronas. Son carnívoras, comen de todo y reciclan. Cuando no tienen comida se van a robarles la miel a estas pobres y me da rabia. P.— O sea que no puede verlas. R.— Una me dio un beso en el labio. P.— ¿Perdón? R.— Supe que iba a volver porque pensé ‘a mí me ha gustado y a ella también’. P.— Y volvió.

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R.— Ya te digo y tengo una foto que lo demuestra. P.— ¿Cómo se descubrió que las abejas eran eficaces contra esas enfermedades? R.— Desde la apicultura. Los primeros recolectores se dieron cuenta, seguramente por casualidad, y se ha transmitido de generación en generación, casi como la alquimia. P.— ¿Y no ha pensado en transmitir su sabiduría? R.— Es como una iniciación, no se lo puedes pasar a cualquiera. Yo digo: ‘primero hazte apicultor, cuando lleves varios años hablamos’. P.— ¿Cuántas veces hay que picarse para poder curarse? R.— Lo normal son siete u ocho agujas y entre siete y 10 sesiones. Aunque a alguno le he tenido que picar 25 veces en una sola sesión, depende de la gravedad y de la capacidad de reacción del cuerpo. P.— ¿También curan la mente? R.— Lo que curan en realidad es la mente y el espíritu. P.— Pues conozco un par de políticos... R.— Esos son los más difíciles. La política es una enfermedad incurable. Están tan metidos en ese otro mundo que les resulta casi imposible salir. Les ocurre como a los periodistas. P.— Oiga, no se pase. R.— Es que se retroalimentan unos a otros. Yo tengo un paciente político y le recomendé que se retirara porque es buena persona y está en conflicto permanente.

«Los primeros recolectores se dieron cuenta, seguramente por casualidad, y se ha transmitido de generación en generación»

Pedro Pérez muestra una de sus abejas a través de una lupa. / JAIME VILLANUEVA

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

RETRATO Origen. Madrid, nació hace 58 años. Currículo. «Me dedico a la apicultura desde el año 80». «Observando a las abejas me di cuenta de que a veces picaban sin razón aparente». «Estudiando su comportamiento llegué a la conclusión de que ellas notaban en ciertos puntos del cuerpo un exceso o defecto de energía». «Lo interesante es que las personas que

habían sido picadas sentían mejoría: Información en curándote.com. Aficiones. «Estar con las abejas, con mi familia, hacer fotos, dibujar». Debilidades. «La miel». Defectos. «Me entusiasmo con todo», lo que mal aprovechado es un defecto. Virtudes. «Bien aprovechado, el defecto de antes».

P.— ¿Y se ha ido? R.— Está en ello, pero tiene un dilema. Si la cosa está mal piensa ‘¿cómo me voy a ir ahora?’ y si le va bien dice lo mismo. Y luego a ver qué hace con su vida. P.— A las abejas las tiene usted pluriempleadas, con un disco en el mercado y todo. R.— Ellas están encantadas. P.— ¿Se lo han dicho? R.— No, pero eso se nota. Por ejemplo hay una canción que no les gusta nada y sólo hay que escucharlas para saberlo. P.— El disco se llama El Beso de la Abeja, eso sí que es ironía. R.— Es que las parejas se tocan con la lengua. Así se pasan la miel y transmiten el olor de cada colmena y de la reina, que es quien le da entidad al conjunto. P.— Cuando la abeja besa... R.— Bueno, a la picadura hay quien la llama el beso fogoso. P.— Muy cariñosas, ¿eh? R.— Cuando notas la picadura lo entiendes. Es como el fuego que te entra cuando te enamoras. Duele al principio, pero luego es una sensación increíble.


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EL MUNDO. LUNES 31 DE ENERO DE 2011

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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CON MUCHA CARA / «Los que mejor lo pronuncian son los de los países balcánicos» / «Ahora es más fácil hablar con gente de otros países porque notamos cierto cansancio de la utilización del inglés» / «En medio año puedes aprenderlo si tienes interés y una facilidad media para los idiomas» / «El esperanto se habla menos cuanto mayor es la importancia de tu propio idioma»

JOSÉ ANTONIO BARRIO / DIRECTOR DE LA FUNDACIÓN ESPERANTO

«Tenemos un ‘Lepe’ en esperanto» BEATRIZ PULIDO

Antes de comenzar la entrevista José Antonio contesta una llamada. Su interlocutor está buscando un ejemplar de Cien años de soledad para su colección. «Ahora mismo está agotado», le contesta el director de la Fundación Esperanto. Una lengua curiosa creada en el siglo XIX y que a pesar de las vicisitudes sigue bien viva. Pregunta.— Son unos supervivientes. Respuesta.— El esperanto nunca ha desaparecido pese a que la gente puede pensar que es algo del pasado. Quizá esté menos de moda o aparezcamos menos en los medios. P.— ¿En qué momento se encuentra? R.— Se ha mantenido constante a lo largo de la Historia. Bajó en los años 40 por las persecuciones a que fueron sometidos sus hablantes en la Unión Soviética y en Alemania. A partir de los 50 se mantuvo estable. P.— Nada ha cambiado. R.— Bueno, en los últimos años hemos visto un aumento del interés por el esperanto, sobre todo debido a las facilidades de los contactos: los viajes o internet. Los contactos antes se hacían más en los clubes locales. P.— ¿Por qué le dio por aprender esperanto? R.— Porque me interesan otras culturas y otros idiomas. El esperanto es más profundo. El encuentro que tienes con alguien que habla otro idioma normalmente es más superficial. P.— ¿No cree que tenemos ya demasiadas lenguas en España como para aprender otra? R.— Normalmente no se suele emplear para hablar con los de tu país. P.— ¿Usted dónde lo usa? R.— Yo hablo con gente de casi todos los países, sobre todo a través de internet: correos, blogs, redes sociales. P.— ¿Es bilingüe? R.— Sí que lo soy. P.— ¿No tiene acento? R.— Hay una pronunciación más o menos bella, que es parecida al español, porque tiene las mismas cinco vocales. P.— ¿Somos los que mejor lo hablamos? R.— No, se suele considerar como modelo los países balcánicos. P.— ¿Qué otros idiomas habla usted? R.— Inglés y chapurreo algún otro. P.— Algunos estudios hablan de que es más fácil aprender otro idioma después de haber

aprendido esperanto. R.— Siempre aprender un idioma nuevo te ayuda con los otros, pero el esperanto además por la regularidad, la sencillez, predispone a aprender otro idioma. P.— Es sencillo. R.— Sí, porque se evitan las declinaciones y todo aquello que no aporta demasiado a un idioma pero que se ha ido creando por su propia historia. Además no hay reglas raras y se escribe como se pronuncia. P.— Incluso pensar en esperanto parece que es más fácil, según un traductor de la ONU. R.— Tiene mucha lógica en la formación de palabras. Crea palabras con combinaciones de raíces y prefijos. P.— Bueno, quien lo critica dice que no cumplió con las expectativas. R.— El esperanto puede servir para dos cosas: para que lo hablen a nivel oficial en las Naciones Unidas y en todos los organismos internacionales, eso no se ha cumplido, pero a pesar de ser minoritario sí sirve para comunicarnos con otras personas que ya lo conocen. P.— ¿Es optimista con respecto al futuro? R.— Claramente sí, porque ahora es más fácil hablar con gente de otros países y porque notamos cierto cansancio con el inglés. P.— ¿Lleva implícita una ideología? R.— No, es un malentendido frecuente. Entre los esperantistas se dan todas las ideologías, desde la derecha hasta la izquierda, hay budistas y católicos. Ni es de anarquistas, ni de

«Entre los esperantistas se dan todas las ideologías, hay budistas y católicos. No es de anarquistas ni de frikis»

José Antonio Barrio, director de la Fundación Española de Esperanto. / ANTONIO M. XOUBANOVA

RETRATO Origen. Palencia, 1961. Currículo. Estudio Física en Valladolid y vive desde hace 25 años en Madrid. Desde el año 2001 trabaja en una empresa de telecomunicaciones, en el Área de Medio Ambiente. Aprendió esperanto hace 30 años, en su época universitaria, para comunicarse con gentes de otros países. Es el director de

la Fundación Esperanto desde hace siete años, ligada a la Federación Española de Esperanto que es una asociación nacional que aglutina a todos los clubes. Aficiones. «Soy lector de toda la vida y me interesan las otras culturas». Debilidades. «Mis niños». Virtudes. «La curiosidad». Defectos. «La dispersión».

viejos, ni de frikis. P.— ¿Por qué me aconsejaría aprenderlo? R.— Para conocer de verdad lo que piensan y viven las personas de otras culturas, sin instituciones o medios de por medio. P.— ¿En cuánto tiempo puedo aprender a hablarlo con fluidez? R.— Unos meses, en medio año si tienes interés y una facilidad media para los idiomas. P.— Leía que había alrededor de dos millones de esperantohablantes en el 99. ¿Y ahora? R.— Es la pregunta maldita. Es difícil hacer una estimación o hablar de cifras, no tienen por qué estar apuntados en ningún sitio. P.— ¿Qué tanto por ciento aportamos? R.— El esperanto se habla menos cuanto mayor sea la importancia de tu idioma. Donde más se habla es en Polonia o Hungría. P.— ¿Prefiere usted contar un chiste en esperanto o en castellano? R.— Es español, pero también se cuentan chistes en esperanto. Tenemos hasta un Lepe en esperanto que se llama Bervado. P.— Dígame algo en esperanto. R.— Mi estas tre gaja ke vi venis (estoy muy contento de que hayas venido).


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EL MUNDO. MARTES 11 DE ENERO DE 2011

CON MUCHA CARA / «Con 17 años ya supe que quería estudiar oratoria» / «Los primeros discursos de Obama eran catastróficos» / «La mejor improvisación es la preparada» / «Un orador demasiado sometido a los papeles los acaba perdiendo» / «Ruiz-Gallardón es un ejemplo de cursilería» / «Me gusta Albert Rivera, de Ciudadanos. Sabe dominar los debates»

FRANCISCO CARRILLO / ORADOR

«Nuestros políticos improvisan» BEATRIZ PULIDO

Es tan apasionado por el discurso y la oratoria que en un país como éste difícilmente podría dedicarse a ejercer de político. En un momento histórico de parcos discursos en el Congreso, el joven Francisco Carrillo asesora a candidatos políticos y directivos. Pregunta.— Cordobés, ¿qué le ha pasado a su acento? Respuesta.— Eso dice mi madre, que soy un desheredado, pero te aseguro que lo conservo. P.— ¿Dónde? ¿En las pausas? R.— (Se ríe) Es cierto que soy más natural cuando hablo con mi acento, pero desde pequeño me acostumbré a pronunciar todas las letras. Si me traes a dos andaluces te cambio de registro. P.— ¿Ya era usted un poco repelente desde pequeño? R.— (Se ríe) Me gustaba hacer las cosas bien. Quizá sí que lo fuera. P.— ¿Recuerda el primer discurso político que le sedujo? R.— Una intervención parlamentaria de Felipe González en el 92. Tenía 11 años. Con 17 años ya supe que quería estudiar oratoria. P.— Imagino que es autodidacta. R.— Sí, porque en España no se le hace demasiado caso a esta disciplina. Luego me formé en seminarios y cursos y aún lo hago. P.— Defíname al orador del siglo XXI. R.— El orador humilde es el comunicador triunfante. A finales del siglo XX se había producido un distanciamiento del orador con el receptor de su mensaje. Eso está cambiando. P.— Se está invirtiendo la tendencia. R.— Ahora está de moda la inteligencia emocional o el PNL. Se han dado cuenta de que se dirigen a personas y no a entes. Hoy el orador tiene que ser humilde y sincero. P.— En las antípodas de lo político, oiga. R.— (Risas) Ése es el problema, de ahí el desapego de la ciudadanía hacia la política. P.— Póngame un ejemplo de credibilidad. R.— Lo que le ha pasado a Obama, que es un orador excelso, es que no ha cumplido gran parte de las promesas con las que arrastró a millones de votantes. Ha perdido credibilidad. P.— Sí, es buen orador, pero no sale de la Casa Blanca sin el teleprompter. R.— Sí, va con dos, pero hay que saber leer. Sus primeros discursos eran catastróficos.

También te digo que deja un espacio a la improvisación. Él sí entrena el discurso. P.— ¿Y nuestros políticos? R.— Son demasiado improvisadores. Se lo leen un poco antes e improvisan sobre la marcha. Yo siempre digo que la mejor improvisación es la preparada. Dicen que la improvisación y la naturalidad van juntas pero... P.— Mucha sensación de naturalidad no dan, la verdad. R.— (Ríe) En este caso, improvisación es falta de preparación. No tengo preparado el discurso y empiezo a soltar lugares comunes sin la mínima estructura, pausa, ni tono adecuado. P.— Decía usted que la oratoria política contemporánea española está formada en un 90% de elementos populistas y de dialéctica cursi. R.— El principal defecto que tiene la mayoría de los políticos y oradores es que están demasiado pegados a los papeles. P.— ¿Y eso es malo? R.— Un orador demasiado sometido a los papeles los acaba perdiendo. Pierde frescura, empatía, naturalidad, cercanía. P.— ¿Y lo de cursilería? R.— Intentamos ser cursis cuando no tenemos ni idea de cursilería. Si quieres ser cursi está bien, pero hazlo hasta el final. P.— Póngame un ejemplo. R.— (Ríe) Alberto Ruiz-Gallardón. No es mal orador, pero como tiene una formación y una cultura por encima de la clase política habitual, muchas veces, no adecúa

«Rubalcaba es de lo mejor que hay como orador, pero es un excelso dominador de falacias porque lo ha entrenado mucho»

Francisco Carrillo, experto en comunicación y oratoria. / ANTONIO HEREDIA

RETRATO Origen. Córdoba, 1981. Currículo. Periodista. Socio-director de La Fábrica de Discursos (www.lafabricadediscursos.com). Mejor orador nacional 2008 y mejor orador en la I Simulación Política del Congreso. Formador y asesor de candidatos políticos y directivos empresariales. Formador de equipos universitarios en

debate de competición. Profesor de Comunicación en el Instituto HUNE y en la Universidad Carlos III de Madrid. Aficiones. «Me gusta perderme por el campo a pensar». Virtudes. «Lo tendrían que decir otros». Defectos. «La impaciencia y el perfeccionismo». Debilidades. «Mi madre».

su mensaje al foro en el que está. P.— ¿Y un ejemplo de populista? R.— Lo digo en el terreno del uso y abuso de las falacias. P.— Como usted quiera. R.— Rubalcaba. Es de lo mejor que hay como orador pero es un excelso dominador de falacias porque lo ha entrenado mucho. La falacia es un arma mortífera para contaminar la mente del oyente de cosas que no son ciertas. P.— ¿Miente? R.— Parte de premisas reales pero el razonamiento final es falso. Lo hace mucho cuando habla por la mayoría o emplea argumentos ad hominen (construidos a medida de la persona a la que se dirige) contra el contrario o de autoridad. La falacia es cierto tipo de populismo. Obviamente, no es el de Chávez. P.— ¿Y qué les pide a los políticos? R.— Que me argumenten, que enfrenten dialécticamente sus opiniones de forma sencilla, pulcra y elaborada. Sin ser cursi. P.— Sálveme a alguno. R.— Albert Rivera, de Ciudadanos. Sabe dominar los debates. Otros: Rubalcaba, Durán i Lleida o Basagoiti.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. VIERNES 20 DE FEBRERO DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Cada vez que hablo en España me dicen que les recuerdo a su psicoanalista » / «La maternidad es un lugar que quedó vacío de valor social» / «A pesar de las críticas, algo bueno haremos, porque si no, no hubiéramos sobrevivido» / «En cualquier otra especie, cuando un extraño toca a la cría, la madre lo rechaza»

LAURA GUTMAN / TERAPEUTA FAMILIAR Y ESCRITORA

«Un bebé no pide lo que no necesita» BEATRIZ PULIDO

demás de terapeuta, o sobre todo, Laura Gutman es madre. Ha sido y aún se considera feminista, de las de Mayo del 68, defensora de todas las causas, aunque la última bandera que porta, desde hace casi 30 años, es la de la maternidad. Ayer presentaba en la Casa de América La revolución de las madres. Pregunta.— Es usted la supermamá de la Argentina. Respuesta.— No, porque lo peor que se puede hacer es proyectar los ideales que uno tiene sobre algo en la figura de alguien. P.— Su obra es una enciclopedia de cómo ser madre y no morir en el intento. R.— No son libros de autoayuda, ni libros que enseñan nada al otro. Son propuestas para acompañar la indagación profunda de cada uno, para que cada uno sea libre en su manera de ser y no esté sometido a las modas, opiniones o prejuicios. P.— Los argentinos son los reyes de la autoindagación. ¿Se han encontrado ya? R.— (Se ríe) Cada vez que hablo en España me dicen que les recuerdo a su psicoanalista. P.— El hecho de que usted exista significa que algo va mal en el mundo. R.— Claro, a grandes rasgos los niños están cada vez peor, más solos, desamparados, más abandonados y más expulsados del hogar. Las mujeres hemos conquistado el mundo público. La maternidad es un lugar que quedó vacío de valor social. P.— ¿Qué hacer? R.— Ese es el desafío de las próximas generaciones: integrar el mundo interno con el externo. Nos merecemos los dos. P.— Para usted la maternidad es algo místico, una oportunidad de profundizar en el yo. R.— Cada bebé llega al mundo con toda su capacidad emocional a flor de piel y aún no tiene desplegada su capacidad racional. La madre es la única que está en condiciones emocionales de entrar en contacto con el bebé. P.— ¿Y cuál es el problema? R.— Cuando entramos en el mundo emocional del bebé estamos entrando en realidad en el nuestro, con su recuerdos y vivencias. P.— Parece complicado. R.— La mamá tiene dos opciones: quedarse en ese mundo emocional o escapar y correr al mundo racional, porque el otro lugar, debido a

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sus propios recuerdos, lo siente doloroso. P.— Eso es lo que usted llama hambre emocional. R.— Sí, es la consecuencia de no haber recibido en nuestros primeros años los cuidados, la presencia, la mirada y el alimento necesarios para el recién nacido. P.— ¿Por qué está mal visto dar el pecho en público? R.— Porque estamos locos. En las sociedades ecológicas y matrilineales, la fertilidad, el respeto a la Madre Tierra, la nutrición, la lactancia, el parto respetado, el altruismo y la alegría hacia los niños es lo natural. En las sociedades donde se maltrata a los niños en el parto, está mal visto dar de mamar, les damos comida basura y les educamos para matar... P.—Perdone, ¿hay algo bueno que hagamos? R.— (Pausa de 23 segundos) Supongo que algo bueno haremos, porque si no, no hubiéramos sobrevivido. Algunas personas me dicen que soy pesimista, pero soy realista. Testeo a miles de familias y lo que veo es que el sufrimiento de los bebés son consecuencia del sufrimiento de las madres y padres que fueron niños. P.— ¿Tanto como para llamarnos depredadores? R.— Por eso digo que tenemos una gran capacidad de supervivencia. En cualquier otra especie, cuando un extraño toca a la cría, la madre lo rechaza, en cualquier hospital los bebés nacen rodeados de gente des-

«Dejémoslo llorar en la cuna, que se volverá guerrero, rabioso, lleno de furia y saldrá a matar en Harvard»

Laura Gutman presentó ayer en Madrid su nuevo libro, ‘La revolución de las madres’. / BEGOÑA RIVAS

RETRATO Origen. Argentina, 1958. Currículo. Dirige el centro Crianza. Es terapeuta familiar, desde hace más de 30 años, licenciada en Psicología Clínica, especializada en la atención de madres y padres de niños pequeños. Es profesora en la Escuela de Capacitación Profesional de Buenos Aires y supervisa al equipo de profesionales que trabajan dentro de esta

institución brindando asistencia.. Es autora de los libros La maternidad y el encuentro con la propia sombra y Puerperios y otras exploraciones del alma femenina entre otros. Aficiones. «Trabajar». Debilidades. «Mis hijos». Virtudes. «La vitalidad y la energía». Defectos. « La obsesión».

conocida, no nos dejan ni olerlos y nos los devuelven perfumados P.— ¿Y lo de dejarles llorar en la cuna? R.— En el futuro se volverá guerrero, rabioso, lleno de furia y saldrá a matar en Harvard o en la Guerra de Irak. P.— ¿De dónde le viene la inspiración? R.— Siempre quise ser mamá, lo fui muy joven, en París, a los 22 años. Era pobre, estaba sola y me apunté a todas las causas. Mi tesis de psicología clínica trataba de por qué las mamas no amamantan. P.— Dice que muchos traumas de bebés se manifestarán luego en la adolescencia, o sea que tiene el remedio contra la edad del pavo. R.— Un bebé no pide lo que no necesita. Si está pleno, bien alimentado, cuidado amorosamente será un niño seguro y satisfecho, una inversión con riesgo cero en el futuro. En la adolescencia sabrá que puede recorrer cualquier camino. P.— La conclusión, citándola a usted, sería «Hay que estar loca para ser madre». R.— (risas) Nos sentiremos locas porque los demás nos tratarán como tal. Quizá en un futuro sintamos el apoyo de la sociedad.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 1 DE JUNIO DE 2010

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CON MUCHA CARA / «Mi marido es el juez de mis platos» / «En la vida por ‘cojones’ tiene que valer todo» / «Hay mucha gente de mi profesión que acaba ‘locatis’» / «En una película tuve que estar sin afeitarme las piernas mucho tiempo y me dio una depresión terrible» / «La revista me enseñó a dominar la escena» / «Lo mejor es viajar con poco equipaje»

ESPERANZA ROY / ACTRIZ

«Creo que el azar es un dios» BEATRIZ PULIDO

Es dicharachera y natural, «más que salvaje yo lo llamaría finamente una predominancia de mi estado silvestre». Rodeada de flores y aromas en el camerino que ocupa en el ValleInclán representa con éxito la obra de Francisco Nieva, Tórtolas, crepúsculo... y telón. Confiesa que ha aprendido a cocinar hace bien poco. Pregunta.— No me diga que va usted al mercado. Respuesta.— He descubierto que hacer la compra es una gozada. Bueno, compro la carne y el pescado. Lo demás lo traen a casa. P.— ¿Y qué tal se le da a usted? R.— Tengo un vasco al lado (Javier Aguirre) que no cocina nada. Es el juez de mis platos. P.— ¿Es severo? R.— Mucho, pero le tengo apasionado y es formidable, después de una vida juntos, tenerle apasionado por la comida. P.— ¿Se le ve poco por las tablas? R.— Lo que pasa es que he hecho cosas estupendas. He podido elegir. Cuando ya no te ofrecen tanto, y lo que te ofrecen es repetitivo o flojo, prefiero saborear la vida. P.— ¿Se ha prejubilado? R.— Bueno, nosotros le echamos tanto fuego y entrega a nuestra profesión que cuando ésta falta, mejor hacer otra cosa, y yo tengo pasión a ratos. P.— ¿Cree, como Francisco Nieva, que en el teatro vale todo? R.— Si ese todo es sin arte, no. El arte es lo que atrae la atención del otro, su interés. P.— ¿Y en la vida vale todo? R.— Por cojones tiene que valer. Todo lo que te viene tienes que vivirlo. En esta obra se dice «Creemos que es suerte pero no es suerte, es azar». La vida no se escoge. Puedes hacerlo ahora o retrasarlo, pero tienes que vivirlo. P.— Dicen que usted le va muy bien a la locura de Nieva. R.— Me impresionó mucho su teatro. Al principio casi ni lo entendía, pero cuando comprendes las claves te das cuenta de que dice verdades como puños. P.— ¿Cuál es su mejor virtud como actriz? R.— Creo que la riqueza de mi baile le ha dado a mi cuerpo mucha facilidad de expresión. P.— ¿Nunca se lleva sus personajes a casa?

R.— No, porque la interpretación es el arte más efímero que hay. Salvo que estés un poco mal, puedes tener desequilibrios porque te puedes obsesionar con un personaje. P.— Eso es peligroso. R.— Por eso hay mucha gente de mi profesión que acaba locatis. P.— ¿Nunca le ha pasado a usted? R.— Una vez, en una película basada en la novela Vida perra, que dirigió mi marido. Tuve que estar sin afeitarme las piernas mucho tiempo. Me dio una depresión terrible. P.— No me diga. R.— Claro, porque sentí que tenía que frenar mi condición femenina, callarla. Hubo un momento que le dije a Javier, «si no te hace falta verme las piernas me voy a afeitar» porque no podía más. P.— Su mejor escuela fue la revista. R.— Me enseñó a dominar la escena. P.— ¿Y su maestro? R.— La vida. Y la suerte de haber tenido al lado a un hombre culto como Javier. Ahora ya no me dirige películas, pero me dirige espiritualmente (se ríe). P.— ¿Lleva usted muchas maletas? R.— Lo importante es tener un baúl bien grande que no se mueva del sitio y viajar con poco equipaje. Si llevas mucho vas exigiendo demasiado y no eres libre. P.— ¿Hay muchas cosas que quiera olvidar? R.— No, no. No quiero recordarlas porque la emoción me embarga, pero no quiero olvi-

«Mi madre me inculcó su filosofía positiva de la vida; creía que el dolor siempre te hace más fuerte»

La actriz posa con su perro Lolo en los camerinos del Teatro Valle-Inclán. /GONZALO ARROYO

RETRATO Origen. Madrid, 1935. Currículo. Tras estudiar ballet clásico y danza española con Karen Taff, debutó en la compañía de Rafael Farina. A partir de 1965 se convierte en una de las reinas de la revista española. En 1978 participa junto a Miguel Narros, Juan Carlos Plaza y Wiliam Layton en la fundación del Teatro Estable Castellano, donde

interpreta obras de Lorca, Lope de Vega, Aristófanes, Miguel Mihura o Darío Fo, entre muchos otros. Aficiones. «He aprendido a cocinar». Debilidades. «No aguanto el desorden y por eso tengo que trabajar el doble». Virtudes. «Quizá que soy buena gente». Defectos. «Tengo carácter, soy maniática del orden».

darlas. Son parte de mi vida. P.— Decía en una entrevista que no sabe hacia dónde va. R.— Nunca sé lo que va a pasar. Creo mucho en el azar. Lo que ocurre o deja de ocurrir viene determinado por él. El azar es un dios. P.— A estas alturas de la película, ¿se deja sorprender? R.— (Se ríe) La vida es una maravilla. Mi madre me inculcó su filosofía positiva de la vida; creía que el dolor te hace más fuerte. P.— Su madre se casó para tener hijos madrileños. R.— El pueblo se le quedaba pequeño. Se dio cuenta de que vivir allí era terrible. Se enamoró de Madrid cuando llegó. P.— ¿Qué Madrid prefiere? R.— Cuando fui a Nueva York, supe que Manhattan era lo que más se parecía al Madrid de mis tiempos. La Gran Vía, el bullicio que llevaba la salida de los cines y teatros, la plaza de Santa Ana, donde iban los artistas. P.— ¿De quién se acuerda? R.— De Orson Wells. Decíamos: «Vamos a ver al borracho americano». Le llamábamos y nos tiraba unas perras.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. VIERNES 24 DE DICIEMBRE DE 2010

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CON MUCHA CARA / «No hay nada creado por la mente del hombre que sea cierto» / «La meta de un chamán es fundirse con el todo» / «No hay nada más importante que el amor» / «No se necesitan aspavientos, ni ceremonias, ni faldones, ni cánticos en arameo para que en una experiencia uno pueda ver a Dios» / «Estoy aquí pero mi corazón y mi alma están en otra parte»

JOSÉ LUIS NAROM / CHAMÁN

‘Es imposible ser chamán en Madrid’ BEATRIZ PULIDO

A pesar de su metro noventa de estatura, José Luis es un hombre sumido en una agradable discreción. Alejado de forma natural del estereotipo que uno podría tener del chamán, mira profundamente a los ojos a su interlocutor, sin invadirlo. Aunque a veces pareciera que lo atravesara. Es una luz en mitad de la espesura urbana. Pregunta.— Afirma que le atrae el espíritu. Respuesta.— Lo intocable, lo intangible. Este mundo no es el mío. P.— ¿Y cuál es el suyo? R.— Está en otro sitio, en otro plano. Estoy aquí pero mi corazón y mi alma están en otra parte. P.— ¿Qué es un chamán? R.— Es ese ser que trabaja para ayudar a los demás y que está en este mundo porque así lo ha decidido. P.— Les llaman «los que ven», «la gente que sabe», «los creadores de orden», ¿tienen más respuestas que el resto? R.— Seguramente. P.— Mago, hechicero, brujo y sacerdote, ¿son sinónimos de chamán? R.— Dentro de algunas tradiciones sí que son brujos pero no de pócima o puchero como se imagina. En la tradición tolteca un chamán, un hechicero y un brujo son lo mismo. En la peruana o colombiana, un taita es un padre espiritual que te va a ayudar a trascender. P.— ¿Cómo deviene uno chamán? R.— No deviene, le devienen. Chamán es una palabra que existe por la necesidad que tiene el ser humano de nombrar, pero el nombre no es la cosa. Uno no elige serlo. P.— A usted le tocó. R.— Unos seres de luz me señalaron qué es lo que debía de hacer a partir de ese momento. P.— ¿Es usted un maestro? R.— No, y cuando alguien se me acerca y me llama así, me retiro. Cualquier dependencia es peligrosa para las dos partes. P.— Se habla mucho últimamente de la nueva conciencia, ¿qué le pasa a la vieja? R.— Que va a desaparecer. Los sistemas que estamos viviendo en el plano social, político, económico se están agotando. P.— ¿En su búsqueda ha conocido muchas sectas?

R.— Sí, entraba y salía de ellas porque me daba cuenta de que únicamente eran jerarquías donde los de arriba subyugaban a los de abajo. Ahí se da descaradamente la esclavitud. P.— ¿Dígame una verdad? R.— Que no hay nada creado por la mente del hombre que sea cierto. O lo que es lo mismo, la verdad no está en la mente del ser humano. P.— ¿Un místico es experto en entregarse, en qué es especialista un chamán? R.— No creo que haya mucha diferencia entre los dos. Un chamán en trance lo ve todo como un místico y su meta es fundirse con el todo. P.— ¿Qué hace por los demás? R.— Nada. Amarlos, escucharlos, abrazarlos, quererlos, curarlos. P.— Dígame una verdad que haya conquistado. R.— El amor, no hay nada más importante. P.— Desmónteme algún tópico sobre el chamanismo. R.— No se necesitan aspavientos, ni ceremonias, ni faldones, ni cánticos en arameo para que en una experiencia uno pueda ver a Dios. P.— ¿Cree en Dios? R.— Como no sé lo que es Dios tengo que creer, pero no creo en los dioses de las religiones. No me interesa nada que esté dirigido o focalizado.

«Un chamán es ese ser que trabaja para ayudar a los demás y que está en este mundo porque así lo ha decidido»

José Luis Narom asegura que le atrae lo intangible. / BEGOÑA RIVAS

RETRATO Origen. Alemania, en los 60. Currículo. Lleva en Madrid desde los cinco años. Es director de teatro, compositor, maestro de música, sanador, músico terapeuta, técnico de enfermería, titulado en Nutrición Energética y Biológica, maestro reiki, profesor de yoga. Desde muy pequeño experimenta sueños lúcidos. A los 20

años tuvo una experiencia de iluminación. Aficiones. «Soy muy familiar y me atrae el espíritu». Debilidades. «Cierto miedo a no ser querido, que arrastro desde la infancia». Virtudes. «El tesón». Defectos. «Hasta hace poco pensaba que podía conseguirlo todo»

P.— La ayahuasca o vino de los muertos no tiene mucho predicamento en Europa. R.— Hay mucha investigación sobre los beneficios. Los laboratorios han presionado para que la metan en la lista de medicamentos perjudiciales. Si fuera rentable estaría en todas partes. P.— ¿Quién asiste a una ceremonia de ayahuasca? R.— No es sólo para iniciados. Suele ser gente con la cabeza bien amueblada. En las que yo he estado había de todo: jueces, banqueros, médicos, artistas. P.— ¿Visita mucho el otro lado? R.— Siempre estoy allí. P.— ¿Y qué hay? R.— Lo que no hay aquí: amor, compasión, equilibrio, estabilidad. P.— ¿La experiencia mística nos cambiaría? R.— Sólo una vez, sólo una experiencia y jamás volveríamos a ser los mismos. P.— ¿Es difícil practicar el chamanismo en Madrid? R.— (Se ríe) Es imposible. Cada persona está tan aislada que es difícil encontrarla consciente y en el presente.


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EL MUNDO. MARTES 20 DE ABRIL DE 2010

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CON MUCHA CARA / «Cuanto mejor quiere hacerlo el adulto es peor» / «El niño que se queda con hambre emocional y luego quizá desarrolle anorexia o bulimia» / «Es muy esclavo ese periodo de crianza, pero es fundamental porque si no tendremos niños de 60 años» / «Las mujeres, a pesar de haberse incorporado al trabajo, están muy solas, se necesita volver a la tribu»

CECILIA PÉREZ-MÍNGUEZ / PSICOANALISTA Y ESCRITORA

«Qué paciencia tienen los bebés» BEATRIZ PULIDO

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Esta mujer dulce y paciente ha aprendido a hablar el idioma de los bebés, un universo extraordinariamente rico y complejo que ha vertido en su primera novela No decía palabras, una historia real, muy intensa, en la que introduce investigaciones que ella misma ha llevado a cabo. Pregunta.— El mundo mental del bebé sigue siendo desconocido. Respuesta.— Para la sociedad, totalmente. Se sigue dudando de que tengan emociones en las primeras etapas, cuando está comprobado cómo, desde los primeros días de vida, tejen sus estrategias afectivas. P.— En su trabajo, ¿qué es lo que hace? R.— Enseño cuál es la estructura del diálogo, les doy unas pistas a los padres para que luego sean ellos los que descubran qué es lo que les está diciendo su bebé. P.— ¿Es que usted habla ese idioma? R.— A lo largo de los años se han hecho transparentes. P.— ¿Cuál es la etapa más conflictiva? R.— El puerperio o periodo de crianza es una etapa de la mujer extraordinariamente rica, pero dolorosa porque la naturaleza ha querido que la madre se ponga a nivel del bebé y vuelva de alguna manera a la infancia. P.— ¿Es la depresión posparto? R.— Claro, y la madre que en esos momentos tiene que apoyar a su bebé se encuentra con un torrente emocional tremendo. P.— Y eso el bebé lo capta. R.— Sí porque en esa primera etapa el bebé y la madre forman una unidad. P.— ¿Cree que se le ha empezado a dar la importancia que tiene esta etapa? R.— Ahora se empieza pero las mujeres, a pesar de haberse incorporado al trabajo, están muy solas, se necesita volver a la tribu. P.— ¿...? R.— Sí, somos mamíferos, necesitamos la manada. Es tanto lo que tiene entre manos: el afianzamiento del yo de la criatura, conseguir que se integre en la sociedad y en la vida. P.— Claro, pero es algo que cuesta compatibilizar con el trabajo. R.— Es la gran contradicción de la sociedad moderna. La mujer encuentra su identidad en el trabajo y cuando llega a casa estresada se da cuenta de que está sola en el mundo con su be-

bé. La suya es una situación poca valorada. P.— ¿Tan difícil es comunicarse con el bebé? R.— Una madre se pone a escuchar a su bebé y entra en su ritmo y te aseguro que lo entiende. Eso es lo que yo enseño: las fases del diálogo. P.— ¿La personalidad del bebé está latente desde la cuna? R.— Hay niños más llorones, más tranquilos, pero hay que dejar que se expresen. Con mucho dolor me di cuenta de la inmensa paciencia que tienen los bebés con los adultos. P.— ¿Y eso? R.— He estado trabajando, llego a casa y me siento culpable, así que me digo: «Voy a ser la madre maravillosa» y le bombardeo con mil juguetes, sin darme cuenta de que a lo mejor ése no es el momento. P.— Ocurre en el libro con una cuidadora. R.— Sí, ella quería que el bebé aprendiera en ese momento una habilidad y le ofrecía un objeto y otro. No se daba cuenta de que el bebé sólo quería una arandela. Cuando lo notó entraron en comunicación. Por eso digo que cuanto mejor quiere hacerlo el adulto, es peor. P.— Al bebé hay que acercarse virgen de conceptos e ideas. R.— Exactamente, porque de lo contrario se te cuelan en tu relación con el bebé otras historias, de tu infancia, y ya no ves al bebé. P.— En el libro deja caer que un bebé puede morir de pena. R.— Lo he comprobado yo. En el hospital

«El puerperio o periodo de crianza es una etapa de la mujer extraordinariamente rica, pero dolorosa»

Cecilia Pérez-Mínguez posa con una muñeca con forma de bebé. /ANTONIO HEREDIA

RETRATO Origen. Madrid, 1941. Currículo. Licenciada en Filología Hispánica, sección Literatura, por la Universidad Complutense de Madrid y Doctora en Psicología por la UNED. Su experiencia como psicoanalista e investigadora de la infancia se ha plasmado en varias publicaciones, seminarios y numerosos trabajos sobre la

comunicación infantil. Acaba de publicar su primera novela: No decía palabras. Aficiones. «Leer y escribir en paz». Debilidades. «Abrazar a mis hijos a través de mis nietos». Virtudes. «Ayudar a los demás y terminar las cosas que empiezo». Defectos. «Meterme en camisas de once varas»

había una red de protección que el niño percibía: las enfermeras, la madre, que bajaba a verlo desde la planta de psiquiatría y la psicoanalista. Se lo llevaron a una institución ajena donde el niño no recibía en su piel ninguna señal de comunicación. Murió de pena. P.— Con esa observación que hacen ustedes se pueden detectar enfermedades como la bulimia, la anorexia... R.— El niño que se queda con hambre emocional va buscando esa comida o negándosela porque a él se la negaron. Es muy esclavo ese periodo de crianza, pero es fundamental porque si no tendremos niños de 60 años. P.— También la violencia, las enfermedades psíquicas pueden venir de esos años. R.— Los primeros años de vida el cerebro tiene una plasticidad asombrosa y lo capta todo. Va conformando y va haciendo su sinapsis, esas pequeñas redes neuronales. P.— El bebé es mentalmente curioso y está deseoso de aprender. R.— Sí, por eso hay que tener cuidado con la excesiva estimulación. No hay que bombardearlo. Hay que intentar que sea él quien tome la iniciativa.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 5 DE ENERO DE 2011

CON MUCHA CARA / «El Gobierno de Canarias nos pidió el diseño del olor de Canarias» / «A un juzgado yo le pondría un aroma relajante para que se serenaran los ánimos» / «Este marketing olfativo se emplea en oficinas para fomentar la creatividad» / «Bravo Murillo: huele a palomita, bollo, perrito caliente» / «El café molido es un amnésico de la memoria inmediata del olor»

JESÚS GONZALO / DIRECTOR DE AROMAS Y ESPACIOS

‘Hemos diseñado un olor a coche nuevo’ BEATRIZ PULIDO

Llega con un cigarro eléctrico y un maletín lleno de las más increíbles esencias: tabaco, pizza, cielo, oficina limpia, verano, pan, especias. Al abrirlo se vuelca el mundo resumido en una catarata de aromas. En Aromas y Espacios crean olores y los venden a todo tipo de empresas y comercios. Es una nueva tendencia de marketing que se está abriendo camino en España. Pregunta.- Ustedes crean un perfume para seducir clientes. Respuesta.- Sí, es una fórmula de seducción, que sirve como reclamo para el potencial cliente, al que le afinan las papilas gustativas... P.- Hablamos de seducción pero aromatizar una tienda de móviles o una pollería está en la antípoda de lo poético. R.- Lo poético consiste en la búsqueda de ese olor que potencie sensaciones al cliente. P.- ¿Dónde han colocado ustedes sus olores? R.- En hoteles, centros comerciales y en tiendas de moda, que son los que más nos buscan. P.- ¿Y lo más raro que les han pedido? R.- El Gobierno de Canarias nos pidió el diseño del olor de Canarias. Les enviamos varias muestras para que eligieran. P.- Entre sus muestras he visto que tiene aroma de pizza, de especias, de bollería, de pan... ¿quién lo demanda? R.- Pues, por ejemplo, hay pizzerías que calientan la pizza y quieren reforzar el aroma a pizza recién hecha; o una cadena de bollos de canela, que antes los horneaban allí y ahora sólo los calientan; luego, panaderías... P.- Oiga, que al final va a ser todo mentira, que aquí ya nadie elabora nada. R.- (Se ríe) Casi todo es mentira. También hemos diseñado un olor a coche nuevo, aunque ese ya estaba inventado. Si no, prueba a entrar en un Mercedes o en un Jaguar nuevo a ver a qué te huele. P.- ¿A dinero? R.- Huelen a algo más que a cuero y madera. P.- De la mayor parte de esa información olfativa no somos conscientes. R.- El secreto es que no seamos conscientes. P.- Hablamos de publicidad subliminal. R.- (Se ríe) Bueno, es una manera de estimular al cliente. P.- ¿A qué debería oler el Ayuntamiento de Madrid?

R.- Tendría que tener unas notas muy suaves, como de aire, que cree un ambiente cálido. P.- ¡Un ayuntamiento cálido! Eso sería un milagro. R.- Pues sí. Igual te digo que la Comunidad de Madrid tendría que oler a verde. Notas de bosque, que inspire el aire limpio de fuera de la ciudad. P.- ¿Y un juzgado? R.- Yo le pondría un aroma relajante para que se serenaran los ánimos. P.- Leía que el marketing olfativo ha entrado hasta en algunos aparcamientos de la Comunidad de Madrid. Conseguir disfrazar el olor a garaje sí que es un reto. R.- Nosotros estamos trabajando con Cruz Roja para aromatizar los autobuses de donación de sangre. P.- ¿Y a qué puede oler eso? R.- Tiene que ser un olor suave para que el donante se sienta muy a gusto, con la idea de que vuelva. P.- ¿Cuál es la calle que más huele de Madrid? R.- Quizá Bravo Murillo: huele a palomita, bollo, perrito caliente. P.- El famoso perfumista Jimmy Boyd decía que su perfume ideal era el cuerpo desnudo de una mujer, ¿cuál es el suyo? R.- El olor a lluvia en el mes de junio. P.- ¿Y usted a qué huele? R.- Vaya preguntita... ¿a mar? P.- ¿A mar un madrileño que vive en Madrid? R.- Bueno, concretando, debería evocar

«Nosotros estamos trabajando con Cruz Roja para aromatizar los autobuses de donación de sangre»

Jesús Gonzalo, con algunos de los aromas que ha diseñado. / ROBERTO CÁRDENAS

RETRATO Origen. Madrid, 1963. Currículo. Casado y con dos hijos. Estudió hasta tercero de la rama sanitaria de prótesis dental. «Un trabajo bonito e interesante pero está mal desarrollado. Se trabaja con mucha prisa y no hay creatividad posible. Es un poco cadena de montaje». A pesar de ello estuvo 15 años dedicado a esa actividad. Creó la empresa

Aromas y Espacios hace tres años. Ellos son el rostro visible del negocio en el que trabajan codo con codo con un laboratorio y un fabricante. Actualmente poseen más de 100 creaciones. Aficiones. «La música y la fotografía». Debilidades. «Una copa, una cena y un concierto nocturno». Virtud. «La empatía».

notas orientales: a sándalo. P.- ¿Sus precios dependen de los metros cuadrados del local o del reto? R.- Para que te hagas una idea: un negocio de 50 metros cuadrados gasta al mes lo que cuesta un menú económico: 12 ó 15 euros. P.- También parece ser que, con esto de los aromas, se quiere influir en el ánimo de los empleados y en su productividad. R.- Eso entra dentro de lo que es la aromaterapia, pero es cierto que se emplea en oficinas para fomentar la creatividad: yo introduciría un té verde por ejemplo, o menta suavecita. Algo no muy relajante, sino refrescante. P.- ¿Los olores se patentan? R.- Nosotros firmamos contratos de exclusividad con los clientes, pero registrar un olor, como tal, es muy complicado. P.- ¿Una marca de pelotas de tenis patentó el olor en sus pelotas a hierba recién cortada? R.- Pues legalmente es difícil, ¿cómo lo patentas? ¿Por componentes? ¿Por descripción? P.- ¿El cliente se embriaga con tanta muestra? R.- Llevamos a las catas tarros de café molido que es un amnésico de la memoria inmediata del olor.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 22 DE DICIEMBRE DE 2009

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CON MUCHA CARA / «Tenemos que intentar que parezca que el muerto está descansando» / «En EEUU es una barbaridad lo que hacen con los fallecidos» / «La muerte cambia tanto a los vivos que no parecen ni ellos» / «Una familia me pidió que desmaquillara a una señora de 110 años porque aparentaba 85» / «Hay gente que le mete al muerto banderitas de fútbol o botellas de vodka»

ENRIQUE ALÓS / TANATOPRACTOR

«A mí no me disgusta mi trabajo» BEATRIZ PULIDO

u vida laboral ha estado siempre vinculada de alguna manera a la muerte. Primero en la zona de restauración de uno de los tanatorios de la M30 y luego como tanatopractor, «la tanatopraxia es el conjunto de técnicas de acondicionamiento y conservación que permiten presentar al fallecido tal y como fue». Así lo define Enrique Alós. Lleva maquillados unos 24.000 muertos. Pregunta.— ¿Lo suyo es pura vocación? Respuesta.— Realmente es que alguien lo tiene que hacer. P.— ¿Por qué cree que me ha costado encontrar a uno de ustedes para entrevistar? R.— Porque no nos dejamos (se ríe) y porque no está demasiado extendida la profesión. P.— En España se conoce poco. R.— Se realiza sólo Madrid o en Barcelona. En Francia, están mucho más avanzados. Tienen una licenciatura. Aquí la tanatopraxia, que es la conservación y embalsamamiento, la suelen practicar los médicos forenses. Los demás nos dedicamos a la tanatoestética. P.— Tanatopraxia, vaya nombrecito. R.— (Se ríe) Ya te digo, pero yo no se lo he puesto. Tanathos, es muerte y praxix, manipulación. P.— En Perú creo que los llaman naturalizadores posmortem, mucho más poético. R.— (Se ríe) Sí que es un poco más de calle. P.— Que parezca vivo el muerto, ¿ése es su trabajo? R.— No, no, que parezca natural. P.— Pero si la muerte es natural. R.— Por eso, que parezca todo lo natural que era en vida. P.— He escuchado que su trabajo servía para que pareciera que estaba dormido. R.— Bueno, en realidad es para que parezca que está descansando. P.— O sea, vivo. En cierta manera es un eufemismo y de los gordos. R.— (Se ríe) Puede ser. P.— Una compañera suya decía que era como llevar a la máxima expresión el culto a la imagen de la sociedad moderna. R.— Yo creo que es humanizar la muerte. Ponemos un granito de arena en esos momentos tan difíciles para la familia. P.— Y con este trabajo ¿consigue usted relativizar la muerte?

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R.— Tienes el mismo miedo. En mi caso yo no lo tengo, pero confieso que me lo pienso dos veces. Tiendes a valorar más el riesgo. P.— ¿Cree que la sociedad sigue escondiendo la muerte? R.— Siempre se intenta. Es una forma de engañarse pensando que no va a llegar nunca. P.— ¿Qué es lo más delicado del proceso? R.— El maquillaje, que debe ser realizado muy sutilmente de forma que la familia no se dé cuenta. P.— ¿Cuál es la máxima? R.— Que se aprecie, pero que no se note. En Estados Unidos, por ejemplo, es una barbaridad lo que hacen con los fallecidos. P.— ¿Cuánto tarda de media? R.— Media hora. Realizo unos cinco o seis diarios y trabajo siete horas al día. P.— ¿Todos ustedes siguen su propio ritual o hay uno estándar? R.— Cada profesional tiene sus hábitos. A uno le gusta darle un poco más de colorete en el pómulo o a otro más en el labio. Eso suele ser más a petición de la propia familia. P.— Es de suponer que todos ustedes saben maquillar. R.— Uno de los cursos que se realizamos es de estética. P.— Jean Monceau es considerado el mejor tanatopractor del mundo, ¿eso qué significa? R.— Tendrá mucha experiencia o a lo mejor es que le gusta y lo hace por vocación (se ríe). P.— ¿Conoce alguno que le guste?

«Procuro no llevarme el trabajo a casa, pero hay ocasiones en que es imposible, como el 11-M o la catástrofe de Spanair»

Enrique Alós, tanatopractor, con sus útiles de trabajo. /GONZALO ARROYO

RETRATO Origen. Nacido en Madrid, en 1965. Currículo. Trabajaba como camarero en el tanatorio de la M-30. En 1988 entró en la EMSFMSA (Empresa Mixta de Servicios Funerarios de Madrid, S.A.) como oficial de cementerios, exhumando e inhumando. En el 91 realizó el primer curso de Tanatopraxia, que surgió como una novedad, impartido por un profesor

francés, y se inició como oficial de Tanatopraxia. Lleva 18 años trabajando como tanatopractor. Aficiones. «Trastear con la informática y con la música». Debilidades. «Mi familia». Defectos. «Confío demasiado pronto en la gente». Virtudes. «El don de gentes».

R.— A mí no me disgusta. Me gusta ese momento en el que se lo presentas a la familia en el túmulo. P.— ¿Le ha tocado trabajar con conocidos? R.— He hecho a algún compañero, pero la sensación es la misma. La muerte cambia tanto a los vivos que no parecen ni ellos. P.— A lo mejor es una coraza que se ponen. R.— Sí porque si no esto sería imposible. Procuro no llevarme el trabajo a casa pero hay ocasiones en que es imposible, como el 11-M o la catástrofe de Spanair. Aquello fue horrible. P.— No le habrán pedido muchas veces el libro de reclamaciones. R.— No es que se quejen, pero a veces prefieren que les quites o que les pongas. P.— ¿Qué es lo más común? R.— Una familia me pidió que desmaquillara a una señora de 110 años porque decían que le habíamos dejado con 85. Eso pasa. P.— ¿Se dan muchas extravagancias? R.— Hay gente que le mete al muerto banderitas de equipos de fútbol, botellas de vodka o paquetes de cigarros. P.— No le parece bien. R.— Por muy vicioso que fuera el fallecido...


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EL MUNDO. MARTES 13 DE ABRIL DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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CON MUCHA CARA / «La realidad supera con creces a la ficción» / «Un hombre sacó un arma de la riñonera porque decía que quería acabar con los malos» / «Madre e hija se liaron en mi taxi a mordiscos, patadas y tirones de pelo» / «A veces el que se lleva el ‘boli’ Bic con la capucha mordida es alguien del barrio de Salamanca» / «Los taxistas madrileños tenemos fama de malhumorados»

DIEGO PÉREZ / TAXISTA

«Los taxistas somos muy raritos» BEATRIZ PULIDO

Cada vez que Diego Pérez baja la bandera de su taxi dice que sube el telón del espectáculo. Las calles de Madrid son el escenario y dentro de su vehículo y sobre el asfalto se representa una tragicomedia, contada con mucho humor en el libro Anécdotas de taxistas. Pregunta.— En su libro, Madrid parece una peli de Almodóvar. Respuesta.— Te aseguro que he tenido que rebajar el tono de algunas anécdotas, porque en esta vida la realidad supera a la ficción. P.— ¿Sigue pensando que es una buena ciudad para ejercer de taxista? R.— Sí, porque es bastante cosmopolita y no demasiado conflictiva. Yo llevo 20 años de taxista y nunca me han atracado. P.— ¿Lo peor que lleva? R.— Las obras y las inclemencias del tráfico. P.— ¿Su momento cumbre en el taxi? R.— Me tocan la fibra sensible los alumbramientos, soy de lágrima fácil. He tenido varias roturas de aguas y unas cuantas contracciones pero nunca han llegado a nacer en mi coche. P.— Y también ha visto alguna muerte. R.— Sí, un hombre falleció y a los pocos días otro se me quedó dormido. No había quien lo despertara y me dio otro susto. P.— Es que lo que no le pase a usted. R.— Mira, recuerdo un hombre que sacó un arma de la riñonera porque decía que quería acabar con los malos. P.— ¿Y usted era el malo? R.— No, no, pero no es la única vez que me han sacado armas en el coche. Dos hombres discutían y uno de ellos sacó un revólver para poner más énfasis a lo que estaba diciendo. P.— ¿Por eso lleva ese pedazo de espejo retrovisor? R.— No te quepa la menor duda. Así les veo de cintura para arriba y también las manos, y todo lo que manipulan. P.— También se pegaron madre e hija. R.— Con una violencia que no veas; con tirones de pelo, mordiscos, patadas... P.— Ahí sí que se atrevió a poner orden. R.— Sí, me paré y dije que ya estaba bien. Me contestaron que no había que preocuparse, que era algo habitual en ellas. P.— Todo le pasa a usted. R.— Quizá sea mi actitud receptiva. Cuando veo al cliente con ganas de hablar le digo: «A

ver, alma de cántaro, qué le ocurre». P.— Es usted un confesor. R.— Más bien un cotilla (se ríe). P.— ¿Prefiere a la fauna española o la extranjera? R.— En esta profesión descubres que, al final, todos somos lo mismo. Así que me da igual la carne que el pescado. P.— Un compañero suyo decía que ustedes eran licenciados en mundología. R.— Es cierto, pero también te digo que no soy una esponja que lo absorba y recicle todo. A veces tengo un día malo, subo la radio y no quiero saber nada de nadie. P.— Pues si nos juntáramos unos cuantos clientes podríamos escribir un anecdotario sobre los taxistas. R.— Totalmente de acuerdo. Lo que nos caracteriza a los taxistas es lo raritos que somos. P.— Es que hay cada pieza... R.— El 99% de los que trabajamos nos queremos ganar la vida honradamente. Luego está el típico garbanzo negro que se coloca justo en Barajas, en chanclas, camiseta sucia de tirantes y dando al cliente extranjero la vuelta al mundo. Y ése nos mancha a los demás. P.— Ha empleado el taxi como laboratorio sociológico, explíqueme eso. R.— (Se ríe) Cuando me aburro dejo atrás algunas golosinas: unas monedas, un mechero, una especie de crucifijo que me encontré... P.— ¿Alguna conclusión a la vista? R.— Ninguna. Pero a veces te dejas llevar

«Un señor se montó en mi coche, me enseñó una placa rápidamente y me dijo: ‘Siga a ese autobús de la EMT’»

Diego Pérez, en su taxi, con el libro de anécdotas que ha escrito. / BEGOÑA RIVAS

RETRATO Origen. Madrid, 1965. Currículo. Empezó a trabajar en un taller de cristalería de la familia nada más salir del colegio, a los 15 años. A los 24 años abrió un taller de cristalería por su cuenta pero le golpeó de lleno la crisis del 90- 92. Cerró el taller y compró la licencia del taxi. Acaba de publicar su primer libro titulado Anécdotas de

taxistas en Libros Cúpula. Aficiones. «La lectura. Me gustaba el deporte, pero con la falta de tiempo ya no lo practico». Debilidades. «La comida». Virtudes. «La empatía, me suelo poner en el lugar del otro». Defectos. «La vehemencia, quizá me pongo nervioso en las discusiones».

por los prejuicios y resulta que el que se lleva el boli Bic con la capucha mordida es alguien bien arreglado del barrio de Salamanca. P.— No llevará cámara oculta. R.— No, y mira que he llevado famosos. P.— ¿Cómo a Rappel? R.— Yo no digo en el libro que sea él. P.— Hombre... pitoniso, túnicas estridentes, gafas con monturas retro... R.— Bueno, pero dije que aunque no me gustaba demasiado, después de conocerle eliminó mis prejuicios y me resultó encantador. P.— Lo que he echado de menos es la anécdota de «siga a ese coche». R.— También se me ha dado. Un señor se montó en el coche, me enseñó una placa que, por la rapidez, podía haber sido la tarjeta de Sabeco y me dijo: «Siga usted a ese autobús de la EMT». P.— Más que de 007 eso parece una escena de Mr. Bean. R.— (Se ríe) Me dijo: «Si ve algún semáforo rojo, con precaución, rebáselo». Pero no se dieron los derrapes ni los adelantamientos. P.— Los taxistas tienen fama de... R.— Malhumorados.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 20 DE DICIEMBRE DE 2010

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CON MUCHA CARA / «Siempre suspendía piano porque me inventaba las partituras de Bach» / «Me fascina la psicodelia y el arte alucinado que juega con la percepción» / «En el siglo XX inventamos palabras nuevas. Ahora que hay que hacer poesía con ellas» / «Yo, en todo caso, sería un poeta maldito» / «El buen arte es invasivo. Te invade de una forma inevitable»

JESÚS NAVARRO / COMPOSITOR

«Para mí la partitura es un conflicto» BEATRIZ PULIDO

Gafas de pasta, pelo alocado, barba de varias semanas, vestido con ropa que oscila entre el gris y el negro, Jesús Navarro es el ganador del XXI Premio Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC 2010, con su obra Inertia. Pregunta.— Parece usted más un publicista que un compositor. Respuesta.— Me han dicho de todo. Soy bastante descuidado en cuanto a la estética personal. P.— ¿Viste siempre tan oscuro? R.— Es para no tener que combinar colores. P.— ¿Fue un niño prodigio? R.— No me considero así. He tenido suerte con los profesores y he trabajado mucho. P.— Un poco empolloncillo y sabelotodo, sí que parece. R.— No, que va. Me saltaba muchas clases, salvo las de composición. De hecho siempre suspendía piano porque me inventaba las partituras de Bach. P.— No estaba de acuerdo con ellas. R.— (Se ríe) Es que me gustaban más de otra manera y las tuneaba en el examen. P.— ¿Cómo es su presente? R.— La crisis ha tumbado a esta profesión en general. Ha parado muchos proyectos. Es un enemigo a batir. P.— ¿Y cuáles son sus armas? R.— La creatividad, la originalidad. Las crisis democratizan, en el sentido de que todo el mundo puede hacer cosas. Yo, por ejemplo, busco otras alternativas a los auditorios y las salas de concierto. P.— No me diga que se va a las discotecas a colocar su música. R.— No, pero sí a teatros, que en Europa es más común que ello ocurra. P.— ¿Cuál es primer recuerdo musical? R.— Los discos de Pink Floyd, King Crimson de mi padre. Me fascina la psicodelia y el arte alucinado que juega con la percepción. La música, como el olfato, tiene una capacidad de evocación increíble. Engaña y reconduce al cerebro para provocarle sensaciones. Eso me atrae. P.— Descríbame al compositor del siglo XXI. R.— El siglo XX se caracterizó por las escuelas, el XXI hay que olvidarse de ellas. En el siglo XX inventamos palabras nuevas. Ahora que hay que hacer poesía con ellas.

P.— Es un poeta. R.— Mi música es bastante contundente para ser un poeta, en todo caso sería un poeta maldito (se ríe). P.— ¿Y su música se parece a usted? R.— Sí, soy activo y tengo un punto nervioso y mi música es tensa e intensa. P.— El siglo pasado no tuvo en cuenta al público ¿qué ocurrirá éste? R.— En el XX, muchas veces se tenía un concepto potente y unas herramientas interesantes, pero se perdió de vista el resultado. Creo que hay que venir experimentado de casa y no experimentar en el concierto. Al público hay que darle ya un resultado. Me refiero a la música escrita y no a la experimental. P.— Y en la improvisación experimental que usted practica, ¿vale todo? R.— En la música escrita se intelectualiza demasiado, por eso me gusta la música improvisada. Tiene a lo mejor imperfecciones que no puedes corregir, pero posee una fuerza artística que le da la inmediatez que la música escrita no posee. P.— Pero si hay varios músicos en una improvisación todos serán compositores. P.— O ninguno porque cada uno de ellos se ve afectado por lo que hace el otro. P.— El papel no le gusta a usted demasiado. R.— Para mí es un conflicto la partitura. Es una renuncia a muchas cosas. Es imposible que todo lo que un ser humano pueda hacer se pueda codificar en un papel, por eso las parti-

«La música escrita se intelectualiza demasiado, por eso me gusta la música improvisada; posee inmediatez»

El compositor Jesús Navarro, con una clave de sol. / ALBERTO DI LOLLI

RETRATO Origen. Santander, 1980. Currículo. Cursó sus estudios superiores de Composición en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza. Se especializó en el ámbito de la música electrónica y programación en la Universidad Paris 8. Le interesa el Jazz y la improvisación experimentral. Ha ganado varios galardones, como el Premio

Internacional de Composición Musical Jóvenes Orquestas Europeas, en 2004. Aficiones. «Leer, la fotografía en blanco y negro y holgazanear». Debilidades. «La improvisación en la música». Virtudes. «La tenacidad». Defectos. «Mi vehemencia al decir las cosas».

turas de la música contemporánea cada vez son más complejas. Es una guerra que nunca se va a ganar. P.— ¿Qué busca en la música? R.— Es una cuestión vital, me divierte y desfoga. A nivel menos personal espero ofrecer al público un entorno sonoro de sensaciones que lo seduzca. El buen arte es invasivo. Te invade de una forma inevitable. P.— Es muy pretencioso. R.— Hay que serlo. Otra cosa es que se consiga, pero hay que apuntar alto porque la flecha siempre cae más bajo. P.— ¿Qué cambiaría del sistema? R.— La forma de consumir música contemporánea está agotado. P.— Quiere modernizar los auditorios. R.— Quiero emplear elementos de una sociedad predominantemente visual. Mira el concierto de Lady Gaga, ahí está asumido el empleo de luminotecnia o los cañones de luz. P.— Pero esos elementos desvían la atención de la música. R.— Es lo que opinan muchos músicos. Pero hay que renovarse o morir. Hay que darle un pequeño caramelo al público.


Otras entrevistas


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EL MUNDO. LUNES 19 DE JULIO DE 2010

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Ocio DIEGO EL CIGALA Cantaor El artista madrileño actúa en Puerta del Ángel dentro de Los Veranos de la Villa, donde presenta el próximo 31 de julio su último trabajo ‘Cigala & Tango’, grabado en directo en un teatro de Buenos Aires, con músicos de la talla de Marconi o Juanjo Domínguez

«Siempre canto por necesidad; me desahogo»

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

Busca el arte que escuece en el fondo del alma y cuando lo encuentra lo hace suyo y lo devuelve habiendo escarbado aún más en la herida, ¿cómo no iba a doler la música de Diego El Cigala (Madrid, 1968)? Su último trabajo Cigala & Tango que presenta en Madrid el próximo 31 de julio en Puerta del Ángel, consiguió vender en Argentina 65.000 copias el primer día. Fue grabado en directo en un concierto en el Teatro Rex de Buenos Aires, con músicos de la talla de Néstor Marconi o Juanjo Domínguez. Cuentan que al terminar le dedicaron un «Oé, oé, oé, Diego, Diego», algo que los argentinos sólo le cantan a Maradona. Precisamente Andrés Calamaro le llama «el Maradona de Lavapiés». Pregunta.—¿Cigala&Tango posee flamenco y tango a partes iguales? Respuesta.— Sí, no quise meter más flamenco, le hubiera quitado la gracia. El único tema flamenco, flamenco, es la bulería con Diego Morán, Nostalgia. La respuesta del público fue increíble, me pedían más flamenco. Pero sentía que debía preservar la parte de tango y para eso estaban Marconi y Juanjo Domínguez, que han tocado con Goyenesque y con Piazzolla. Los músicos son siempre el 50% de mi éxito. P.— ¿Satisfecho con el resultado? R.— No tuve que forzar mucho la máquina. Hubo tres ensayos que fueron mortales. Fue curioso lo que ocurrió con Marconi. Habíamos hablado por teléfono, pero se pensaba que yo era un gitano de 60 años, ortodoxo, de cante jondo y no sabía muy bien lo que iba a hacer conmigo. Cuando me vio bajar en chándal por la escalerilla y le dije «Oye, vamos hacer Youcali con libertad», nos pusimos a tocar y de ahí surgió la magia. Para mí, esta unión de tango y flamenco es un sonido del alma. Es lo que he sentido que es el tango y así lo quiero dibujar. Ahora sólo intento traspasarlo a los otros para que sientan lo que yo siento. P.— ¿Qué es lo que le aporta el flamenco al tango, más tragedia quizá? R.— No necesariamente más tragedia porque el tango también es trágico. Lo que le aporta es que el tango siempre se había cantado plano, nunca se había hecho así. A mí lo que me atrajo del tango es que, como el flamenco, es una música nocturna, nostálgica y de barra. Por eso en esa unión he encontrado más espacios incluso que en la música latina o afrocubana para ejecutar, por ejemplo, Soledad o El día que me quieras. Decía Marconi que lo que le gustaba del proyecto es que en ningún momento El Cigala ha querido cantar como Goyeneche, ni como Gardel. Ha preservado el tango, pero lo ha llevado a su terreno. P.— La acogida en Argentina ha sido excelente.

BERNARDO DÍAZ

R.— Ya sólo en el teatro, llenamos, y la sensación de ver a 1.500 almas en pie aplaudiendo y con su música (Gardel, Goyeneche) fue increíble. Estoy muy feliz. Lo que ha tenido tanto éxito es el descubrimiento de cómo se puede relacionar el tango con el flamenco, algo parecido ocurrió con Lágrimas negras. No se

«Para mí, esta unión de tango y flamenco es un sonido del alma y así lo quiero dibujar» «La sensación de ver a 1.500 almas en pie aplaudiendo y con su música fue increíble» imaginaron entonces que la música afrocubana se relacionara con un flamenco abierto. P.— ¿Cuándo se empezó a fraguar el proyecto? P.—Seis meses antes de esta actuación, también en el Gran Rex

en un concierto, ya en los bises, canté Garganta con arena y al ver la reacción del público supe que quería hacer un disco de tango ¿Te imaginas qué clase de reacción tendría ese público para despertar en mí un deseo así? P.—¿Allí son tan puristas con el tango como aquí con el flamenco? R.—Bueno, hemos tenido nuestros más y nuestros menos en los ensayos, sobre todo Marconi y Juanjo Domínguez. La guitarra y el bandoneón son diferentes instrumentos y diferentes puntos de vista. Yo nunca he visto tocar la guitarra criolla como a Domínguez. Sólo al maestro Paco [de Lucía]. Cuentan que se bajaba del avión con Goyenesque y le preguntaban a este último: «Maestro, ¿dónde está su banda?». Y él respondía: «¿Mi banda? Mi banda es éste», señalando a Domínguez. P.— Sabiendo que iban a grabar el concierto para el DVD y el disco… R.— Salí acojonado al escenario. Si hubiera recordado que estaba grabando no hubiera resultado así. Yo miraba para atrás y veía a esos músicos con una seguridad que me contagiaba. Pero ese miedo lo tengo siempre y cuando no lo tenga, malo. P.— Además usted siempre impro-

visa, no se aprende los temas. R.— A Juanjo le preguntaron diez minutos antes de salir: «¿Qué vas a hacer con Diego?». Y él respondió: «¿Se lo preguntaste a él?». Y dijo sí. «¿Y qué te dijo?». «Que no sabe». «Pues eso mismo sé yo». Yo tenía un atril con las letras, pero como el miedo te obliga a estar alerta, lo tenía to-

«Yo nunca había cantado tangos, pero había escuchado a mi tío Rafael Farina» «Yo vivo desde que me levanto hasta que me acuesto con mi música y con mi flamenco» do en la cabeza como en un disco duro. Sabía que si fallaba una palabra la cagaba. Sólo había una oportunidad delante de 1.500 almas y si dices la letra de Alfonsina mal ese público te hunde. Eso es el milagro de la música. Yo nunca había canta-

do tango, pero había escuchado a mi tío Rafael Farina cantando Los iguales para hoy, Vino amargo. Después de 40 años va el sobrino a Buenos Aires y siente la misma música. Todo tiene un porqué. P.—Algunos especialistas ven en el origen del tango la semilla del flamenco. R.—Totalmente. Sin ir más lejos, el otro día descubrí Naranjo en flor, que ya lo hubiera querido grabar pero no lo tenía muy seguro y no me arriesgué en el escenario. P.— Suele emplear el término «música de verdad» para referirse a la música que le interesa. R.— Tiene que ver con esa música de raíz como el flamenco, la música árabe, el jazz, pero ese jazz que duele, como la música de Bebo Valdés o el de Matt Davis. Cómo me hubiera gustado conocer a Ray Charles... Ahora voy a luchar con los dientes para que todo esto no se pierda. P.— ¿Canta por necesidad? R.— Siempre. Incluso cuando estoy de fiesta y la necesidad me empuja a cantar, me desahogo, echo todo lo nuevo que tengo dentro, como las letras. Vuelvo a casa y duermo como un niño chico. Yo vivo desde que me levanto hasta que me acuesto con mi flamenco y con mi música.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MIÉRCOLES 31 DE MARZO DE 2010

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Cristina Rota y Roberto Álamo, en un momento de su animada charla. / REPORTAJE GRÁFICO: DIEGO SINOVA

CRISTINA ROTA Y ROBERTO ÁLAMO Profesora de actores y actor Hace años la maestra le enseñó al aprendiz a caminar con seguridad y aplomo sobre el escenario. Ya han pasado dos décadas y ambos se reencuentran en la cima de su carrera, cosechando premios

«Se necesita un actor que nunca dé la espalda a la vida» BEATRIZ PULIDO

Se encontraron hace algunos años cuando Roberto, con apenas 18 años, daba sus primeros traspiés en el escenario y Cristina le enseñaba a caminar con soltura y a deshacerse de los miedos. M2 ha vuelto a reunirlos más de dos décadas después. Él triunfando, metido en el pellejo del mítico boxeador Urtain, ella acaba de recoger la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes 2009 por su trayectoria profesional. Pregunta.— Se encuentran en un momento dulce de sus carreras. Cristina Rota.— Cuando me dieron el premio lo primero que pensé es «ya soy de aquí, ya no estoy de paso. Ya puedo colgar los cuadros en las paredes de mi casa» y, como en el tango, resbalaron dos lagrimones. Quizá algo he hecho bien después de todo. Pero me conmueve mucho que los actores que han pasado por la escuela, con los que he tenido siempre una relación y he seguido su trayectoria, triunfen. Aun-

que un premio no significa demasiado porque hay actores extraordinarios que no tienen la película o la obra que les permitiría poder obtenerlo. Que Roberto esté nominado a los Max, que le hayan dado el Premio Ercilla, que Marta Etura haya recibido por fin su Goya, que Juan (Juan Diego Botto) esté nomi-

Álamo: «El premio vital es el recorrido. El éxito de ‘Urtain’ es un hecho puntual» nado por Hamlet en la Unión de Actores me alegra mucho en una profesión donde estar significa luchar cada día. El actor que piensa que ya está consagrado fracasará porque hay que seguir formándose hasta el día que te mueras. Roberto Álamo.— Estoy muy de

acuerdo. El gran premio vital es el recorrido. En mi caso el éxito de Urtain es un hecho puntual. Yo salí de la escuela con todos mis defectos y virtudes luchando cada día por intentar trabajar y cambiar las cosas, comprometerme con la vida; en eso ella es un verdadera maestra. En la escuela escuchabas cosas que ella decía, que con 20 años te las tomabas intelectualmente. El problema es que emocionalmente no las podías acoger porque no teníamos vida para ello. Pero todo eso quedaba registrado. Ahora con 40 años entiendo todo lo que me decía. Lo importante es lo que viene de atrás. No sé cuál es la meta, vivir seguramente. El premio se agradece también. C.R.— Un premio también es afecto, ¿eh? R.Á.— Claro, un afecto reconocido. Yo tengo muchos defectos y virtudes. Recuerdo que yo era muy nervioso, temblaba ante las críticas. Cristina era consciente de ello.

Cuando terminábamos una escena ella decía: «¿Cómo os sentís?». Eso me revolvía siempre porque cuando estás perdido una pregunta tan directa te remueve. Me preguntaba: «Roberto ¿estás bien?», y al decirle que sí, continuaba. Ese simple detalle para mí es un mundo de amor.

Rota: «Cuando me dieron el premio pensé, ‘ya soy de aquí, ya no estoy de paso’» P.— Ese gesto se lo devuelven a la hora de recibir un premio. R.Á.— Cada día. Cuando mis compañeros o yo le damos las gracias hay algo mucho más profundo. Ella lleva creando vida muchos años. Procede de un sitio donde la vida casi estaba mal vista y su lu-

cha constante por crearla es lo que me emociona y lo que a mí me toca. Es una paridora de vida, es mi maestra, la que me enseñó a amarme cuando uno ni siquiera sabe que tiene armas para quererse. Son cosas que debían darse de por sí en la vida, pero en este sistema es muy jodido que ocurra. Por suerte, en este camino de la interpretación hay alguien que te dice «ámate» y cuando en esa relajación seas consciente de tu sensibilidad podrás conocer mejor al otro. No sé si Cristina se acordará de todo eso porque éramos muchos actores. C.R.— Si no estuvieras delante no hablaría de estas cosas. No eras nervioso. El nerviosismo es general y yo siempre digo: «Especifica, contéstate preguntas». Lo que le ocurría es que se angustiaba mucho más por aquello de lo que carecía que por lo que tenía. Se trataba de conseguir que tuviera más autoestima y sostuviera lo que le faltaba sabiendo muy bien lo que poseía. Es entonces cuando se puede relajar y sacar la sensualidad, que es lo más importante porque es lo primero que se va reprimiendo con la educación que recibimos. Se necesita un actor que nunca dé la espalda al dolor, ni a la alegría humana, a la vida en definitiva. Es difícil que yo me olvide de ellos porque igual que ellos tienen la vivencia yo tengo que estar muy alerta. Tiene que ser alguien muy descomprometido para que eso ocurra. Yo hablo también mucho de la gratitud, es la manera de crecer, para dar hay que saber también de quién recibimos.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MIÉRCOLES 31 DE MARZO DE 2010

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P.— No cree que exista el actor autodidacta. C.R.— No existe nadie autodidacta. Aunque yo nunca hubiera tomado clases, siempre tengo referentes. Las clases te dan destreza. Lo que yo intento inyectar en cada uno de los actores, de los seres humanos, es la destreza: el cuerpo, la voz, la interpretación, pero lo que no se adquiere es una vida interior, una movilidad interior que me permita no temer al cambio. Un actor no se pone nervioso, un actor teme al cambio. El actor cree tener todo estructurado y cree que viene a aprender una técnica. Y viene a aprender de sí mismo. Eso angustia porque le estás moviendo el suelo que pisa. Y yo tengo que contener la angustia porque si no entrarían en pánico. R.Á.— Yo recuerdo en primero que tenía muchos miedos. Hablaba fatal en el escenario. Salía y me bloqueaba. Tenía la pulsión de intentarlo, pero no podía. Estudiaba todo el día un monólogo pero al llegar al escenario me bloqueaba, era todo angustia y la voz no me salía. Cristina me decía: «No digas el monólogo, habla. Di lo que quieras, cuenta un chiste, explica cómo te sientes». De manera muy inteligente, quería que comprendiera que lo que me estaba pasando tenía que ver con la vida. Me estaba diciendo: «Vive fuera y dentro también». Todos esos pequeños detalles ahora me quedan para mi vida. El reto en cada uno de mis días profesionales es estar presente. C.R.— Ha dicho una cosa funda-

mental «yo tenía la pulsión». Lo que no tenía era el instinto porque es lo primero que nos reprimen. Lo importante es que no te reprimas, por eso le decía «di lo que te parezca». Cuando actúas no puedes pasar por encima de lo que estás sintiendo. Empléalo a favor del personaje. Eso es todo un arte. De lo contrario se crean resistencias. Soy lo que soy ahí presente: con lo que tengo, lo que me falta, mis inhibiciones. Poco a poco iremos llegando al monólogo. El personaje ya está, lo que nos falta es liberar lo que estamos sintiendo y abrir el corazón y que me vean con lo que estoy sintiendo. Ese es un ejemplo de sensualidad. Roberto ha entendido de qué va esto de la sensualidad. Sabe que hay que trabajar mucho el cuerpo pero no como destreza. El resultado es un proceso de vida. Lo que importa en la vida es que la transites estando lo más posible. P.— ¿Creen que se aprecia el método Rota en los actores que pasaron por la escuela? R.Á.— Al menos los actores que yo conozco todos diariamente hacen el intento de estar aquí y ahora. A veces lo consiguen y a veces no, como todo en la vida. Es un compromiso. Necesito estar aquí y ahora contigo, si no, no soy. C.R.— La otredad es muy importante: cuando se entiende que el 50% de nuestro acto lo está poniendo el otro, casi todos se relajan mucho. Así le hacemos una gambeta al narcisismo. Si no, te estás mirando y eso te reprime más aún. Pero si sabes que otro está y pone lo suyo, le escuchas y te relajas. Eso lo noto en la mayoría de los que han pasado por la escuela que buscan la verdad. P.— Parece un maestro zen. R.Á.— Eso no tiene nada de zen. Eso es lo humano. No hay meditación mejor que estar por estar. Es la vida y no tiene nada de raro. C.R.— Lo que pasa es que yo tengo una formación filosófica larga. No soy ecléctica, pero tengo de todo un poco. Cada uno hace una síntesis de lo que aprende. Les dije a ellos que leyeran El libro del arquero zen, que lo importante no es acertar en el centro sino el proceso de tirar. Hay que mirar alrededor y ver cómo está el mundo y comprobar qué fuerzas tienes y qué estás haciendo tú en este mundo. Crear vida en el escenario es una enorme responsabilidad. Yo os solía decir «habrá un momento en el que subiréis al escenario y no importará el texto que digáis porque lo que verá

Rota: «No existe nadie autodidacta. Siempre hay referentes. Las clases te dan destreza» el público será un actor tenso o un actor sensual y relajado, y lo que le llegará es una voz falsa y descomprometida con la vida o una voz de verdad, matizada, llena de intenciones y no de tonos y prefabricada, que está ahí presente y viviendo y eso es una verdad de vida».

Roberto Álamo

Un aprendiz con muchas ganas Roberto Álamo (Madrid, 1970) Se formó con Cristina Rota en la Escuela de Nuevos Creadores. En cine ha participado en películas como Al calor de las brasas, de Santiago Lorenzo; Días de cine, de David Serrano; Los dos lados de la cama, de Emilio Martínez Lázaro; Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín; Días de fútbol, de David Serrano; Noche de reyes, de Miguel Bardem; Valentín, de Juan Luis Iborra; Km. 0, de Juan Luis Iborra y Yolanda García; La mujer más fea del mundo, de Miguel Bardem, y Karting, de Fernando Merinero. En televisión ha intervenido en las series: Génesis, Maneras de sobrevivir, La casa de los líos y Éste es mi barrio, Águila roja, Lex, Aída, Sin tetas no hay paraíso, Los hombres de Paco o La familia Mata. Ha trabajado además en otras obras como El obedecedor, Borges cabaré, Ni el dolor ni el fracaso, de Gustavo Gonzalo (dir. Roberto Álamo); La Barraca, de Federico García Lorca (dir. Cristina Rota); Bola de sebo (dir. Secun de la Rosa), Náufragos (dir. María Boto), y Cinco noches, cinco estilos, Esperando al zurdo, Lo bueno de las flores es que se marchitan y La madeja, todas ellas dirigidas por Cristina Rota. Es integrante de la compañía Animalario y

Roberto Álamo regresa a las tablas con ‘Urtain’.

ha participado en casi todos sus montajes, como Alejandro y Ana, Pornografía barata, El fin de los sueños o Marat Sade. Precisamente el último montaje de la compañía, Urtain, en el que el actor se pone los guantes de uno de los míticos boxeadores españoles le está valiendo el reconocimiento del público y de la crítica, avalado por numerosos premios. Fue elegido Mejor Actor Revelación por la Unión de Actores en 2008 y ha sido Premio Ercilla de Teatro por la misma actuación. Está nominado a los Max. Precisamente, la obra ha recibido 12 nominaciones a estos premios. El personaje le ha hecho cambiar hasta de fisonomía y engordar músculo a base de horas de gimnasio.

Cristina Rota

Toda una maestra del presente Cristina Rota (La Plata, 1945) bebe de tantas fuentes vitales, filosóficas, psicológicas, emocionales, que se puede decir que lo que enseña en el Centro de Nuevos Creadores desde hace más de tres décadas es una forma de encarar el mundo. Una sabiduría que implica subordinar la actuación al servicio de la vida, poner al actor al servicio del ser humano, con un lema que se resume en la frase «ser antes que actuar». Como directora, de 1973 a 1975 dirige la Sala Planeta de Buenos Aires. Llegó a España en la década de los 70, con sus tres hijos (Juan Diego, María y embarazada de Nur), después de que su marido, el actor Diego Botto, se convirtiera en un desaparecido de la dictadura Argentina. Suele decir que se siente muy agradecida con España por haberla acogido y sin embargo, si alguna vez recibió algo, con su trabajo se lo ha devuelto con creces. En el 78 fundaba el Centro de Nuevos Creadores, con sede en la Sala Mirador de Madrid, que mantiene una gran actividad artística, siendo sede de las compañías 10&10 danza o de la Dani Pannullo Dance Theater. Por la Escuela de interpretación de Cristina Rota han pasado numerosos actores españoles como Penélope Cruz, Marta Etura, Ernesto Alterio, Alberto San Juan, Roberto Álamo o sus propios hijos. Directora y actriz de más de 60 obras de teatro.

Cristina Rota fundó el Centro de Nuevos Creadores.

Ha obtenido diversos galardones, como el conseguido por la dirección de Ross y Guild han muerto, el Premio Max al Mejor Teatro Alternativo y un premio al Mejor guión Original en el Festival de cine de Málaga por Sin vergüenza. Hace escasos días le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes 2009. Como actriz ha trabajado en más de 50 montajes y bajo la dirección, entre otros, de Agustín Alezzo, Carlos Gandolfo, José Luis Gómez o Lluís Pascual. Cristina Rota es también guionista, productora y autora de los libros Los primeros pasos del actor y Diré que te recuerdo. Este último, publicado en 2008, es un intenso relato contado en primera persona de sus memorias.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 2 DE MAYO DE 2011

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Chucho Valdés y Omara Portuondo el pasado viernes en Madrid. / JAVIER BARBANCHO

CHUCHO VALDÉS Y OMARA PORTUONDO Pianista y cantante Después de 14 años se han reunido por segunda vez para grabar un disco que acaban de presentar en la capital y que contiene grandes clásicos latinos como ‘Esta tarde vi llover’

«Nosotros nos queremos como niños» BEATRIZ PULIDO

A ella la siguen llamando la diva del Buenavista Social Club o la novia del ‘filin’, aquella versión cubana de la canción romántica que pusieron de moda algunos cantantes cubanos de los años 40, que más que cantar hablaban, susurraban, contaban historias de amor. En esa manera que tenía de estar y de interpretar sobre un escenario la compararon con cantantes de la talla de Edith Piaf, Billie Holiday o Judy Garland; a él lo bautizaron como el piano milagroso, y su inagotable y meritorio currículo se resume en el hecho de que nunca ha dejado de ser considerado como uno de los cinco mejores pianistas del mundo, junto a Bill Evans, Os-

«El primer disco era bueno pero éste es más profundo, más íntimo que aquel» car Peterson o Chick Corea. Omara Portuondo (Cuba, 1930) mide aproximadamente la mitad que Chucho Valdés (Cuba, 1941), así que da vueltas y vueltas al cojín del sofá, a las sillas, al propio Chucho para no caer al lado suyo en la entrevista. Lo hace con mucho sentido del humor. Se nota que se entienden. Esa complicidad curtida lejos de los escenarios había de trasladarse a la música. «Nos queremos»,

advierte Omara, «pero como niños», puntualiza. Así han jugado y han creado música juntos. Una colaboración en el disco Gracias, homenaje a Omara Portuondo los reunió oficialmente y quedaron en encontrarse en otra ocasión. Así sucedió con Desafíos, grabado hace 14 años. «Llegamos al estudio e improvisamos sin saber lo que iba a salir. Era completamente espontáneo, creado en el momento. De ahí el nombre de Desafíos. Si hubiera habido una toma dos, algo que nunca sucedió, hubiera sido diferente», decía Valdés. Omara por su parte confiesa que nunca llegó a escuchar aquel trabajo. «Mejor, así no te influenció para este otro disco», le contestaba el músico cubano, refiriéndose a Omara&Chucho, que presentan estos días. Son grandes éxitos de la música latina que escogieron a medias, con la ayuda de Ariel, el hijo de la cantante. Para Omara este disco es «romántico pero nada empalagoso»; en opinión de Chucho «el primer disco era bueno pero éste es más profundo, mucho más íntimo que aquel». Valdés vio por primera vez a Omara cuando era sólo un niño. «Ella cantaba junto a Frank Emilio Flyn e incluso la acompañé muchas veces cuando yo era pianista de la orquesta cubana de música moderna, en el teatro Amadeo Roldán» y no ha dejado de quererla y de admirarla. «Es como familia pero además eso está ligado con la admiración artística que siento. Omara es la cantante que cualquier director inteli-

gente quisiera tener, porque es una cantante completa». Omara le mira con ojos de madre orgullosa. «Le he visto crecer desde niño y hacerse pianista. Me ha emocionado mucho ver en lo que se iba convirtiendo». Y en cuanto su piano, también lo tiene claro: «Este muchachito de vez en cuando pone unos acordes ahí que son increíbles». Juntos repasan éxitos latinos como Noche cubana, Alma mía, Mis sentimientos, Si te contara, una versión nueva del único tema que repiten del anterior disco. «Es muy bueno y nos apetecía incluirlo de nuevo», aclara Valdés. También incorpora este disco una extraordinaria versión del clásico Esta tarde vi llover en la que asoma

también la trompeta de Wynton Marsalis: «Es el solo de guitarra más hermoso que he escuchado, eriza los pelos», advierte el pianista cubano, nombrado hace poco junto a su padre, Bebo Valdés, doctor Honoris Causa por el Berklee College Music of Boston. En España el disco salió a la venta el pasado viernes y la pareja, después de una gira promocional, volverá a nuestro país el 12 de julio para un único concierto en Cartagena. Sobre el escenario el dúo se convertirá en grupo con la incorporación de otros músicos. «Hay temas que vamos a interpretar en los conciertos que no están en el disco y que precisan tener una base rítmica», dice este genio del jazz.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. VIERNES 6 DE MAYO DE 2011

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Ocio MINE KAWAKAMI Pianista

«No me cansa el olor que tiene Madrid» BEATRIZ PULIDO ceptible de ser transformada en na. En casa traduzco el sonido al La llaman la pianista del alma aun- música? piano. No siento que estoy creanque igual la podrían haber llamado R.— Solía pensar que sí hasta do. Me siento más una artesana. la pintora del alma. Sus dedos son que pasó lo del terremoto en Ja- Por ejemplo, traduzco el sabor el sus pinceles, el piano su paleta de pón. Está fuera de mi capacidad de pulpo o el del vino... colores, el sonido la pintura y entender. Quizá he sido muy arroP.— ¿El del vino? aquél que la escucha es el lienzo gante, hasta ahora, pensando que R.— Sí, estoy haciendo un cuadonde se desarrolla una obra llena podía hacer cualquier cosa con el derno de sonidos de vinos españode color. Mine Kawakami (Nagoya, piano. Sin embargo, he estado un les, que hay muchos y son muy Japón, 1969) procede de una generación de descendientes de la II Guerra Mundial donde los niños tenían que ser a la fuerza pianistas. Acaba de sacar el disco O meu camiño, dedicado al camino de Santiago que presenta hoy y mañana en el Fernán Gómez. Pregunta.— Usted parecía destinada a ser pianista pero su alma quería ser pintora. Respuesta.— Quería ser dibujante de manga y pintaba a escondidas. Con la mano izquierda tocaba el piano y con la derecha dibujaba. Un día mi padre me dijo: «No tienes talento para dibujar, céntrate en el piano». P.— Define su música como pintura, ¿de qué clase? R.— Más impresio- Mine Kawakami actúa hoy y mañana en el Teatro Fernán Gómez. / ROBERTO CÁRDENAS nista, quizá. Me gustaría expresar la luz, las estrellas y tiempo sintiéndome incapaz de entodo lo que me emociona. Por frentarme al piano. ejemplo, en un campo cada flor tieP.— ¿Qué cuadro musical está Presenta su disco ne un rocío y cada rocío tiene un pintando en esta etapa vital? ‘O meu camiño’, reflejo del sol. Es imposible dibuR.— Yo dejo salir la música, no inspirado en el jarlo todo pero es posible traducir- me impongo ninguna presión. Llelo a sonido. vo un cuaderno blanco y anoto Camino de Santiago P.— ¿Cualquier imagen es sus- cualquier paisaje que me emocio-

buenos. Cada uno tiene su sabor y eso se puede traducir al sonido. Esas son mis etiquetas. P.— Y lo que anota es la impresión que le provoca a nivel poético. R.— Cualquier cosa tiene una armonía y tiene su sonido, su vibración. Tú, por ejemplo, tienes un sonido. Es curioso pero si te viera

dentro de un tiempo te atribuiría el mismo sonido. P.— ¿Cuál fue su primer recuerdo musical? R.— La canción de cuna de mi madre. P.— ¿Y en España? R.— El sonido de los taxistas en

Regreso a los sueños eléctricos Música. The Human League recuperó anoche

el brillo ochentero del pop de sintetizadores CARLOS MORAL

La excusa era presentar su nuevo álbum Credo pero cuando se trata de una institución del pop electrónico como la Liga Humana no se puede hacer un concierto sin mirar atrás. Con lo cual su concierto de anoche en el Teatro Circo Price fue una reivindicación de tiempos en los que la electrónica representaba una revolución respecto a los planteamientos musicales de la época que le tocó vivir entonces. El tiempo ha dado la razón a Philip Oakey, el cantante que se sumó al proyecto de Ian Mash y

Martin Ware y acabó quedándose con él. Le acompañan por supuesto las cantantes originales Susanne Sulley y Joanne Catherall. Juntos se atreven a rememorar tiempos dorados del electropop, sin cortarse en hacer únicamente en todo su repertorio tres temas de su última entrega discográfica, Credo. Al margen de puestas de largo de catálogo, Oakey y los suyos siguen ofreciendo un repertorio repleto de clásicos en el que da lo mismo un tema de hace 20 años o algo actual. La clave es que sea algo bailable. Aparecieron en escena como en

Un momento de la actuación de ayer de Human League. / D. SINOVA

una máquina del tiempo, vestidos con guardapolvos de cuero y faldas reajustadas siguiendo haciendo honor a su fama base de títulos indiscutibles, aunque para empezar la fiesta se recrearon en lo último, por eso tocaron Never let me

go, el tema que abre Credo. Pero, conscientes de que el público que había ido a verlos buscaba algo especial, se sumergieron de lleno en las glorias del pasado. En el primer bloque de la nostalgia clavaron como en su tiem-

Barajas. Luego la calle, la gente. Es una caja de tesoro de sonidos. P.— Usted vive a medio camino entre Japón y España, entre el silencio más absoluto y el mayor bullicio. R.— Por eso tengo un equilibrio. Estoy muy contenta de haber encontrado esos dos sitios para vivir. P.— ¿Madrid a qué suena? R.— Tiene su sonido pero curiosamente éste surge a través del olfato. No me cansa el olor que tiene Madrid. Cada bar, cada soportal, desprende un aroma distinto. P.— Es novedoso el concepto que plantea para el concierto de hoy. R.— Es lo que siempre he querido hacer. Está el piano en la escena pero también hay una pantalla que emite imágenes del Camino de Santiago que tomó un fotógrafo muy conocido de Japón. Y tocaré un chotis con estilo cubano. Va a ser un viaje a muchos sitios. P.— ¿Qué puerta le abrió Chucho Valdés cuando viajó a Cuba? R.— Me enseñó a ser libre con el piano, que se puede gozar tocando. Es tan dura la vida con el piano, muy sufrida. Chucho me enseñó que puede ser una parte de tu cuerpo. P.— En Cuba la llamaban chinita de Japón ¿y en Córdoba, donde usted vive? R.— Somos cuatro japonesas en la ciudad así que me llaman chinita a secas.

po dorado Open your heart, The sound os the crowd o The Lebanon. En una especie de ejercicio de yin y yan las coristas representaban la antítesis entre lo sofisticado y lo ordinario, algo que no permitía olvidar el título Perversion non profit, con el que enfilaron los bises, comenzando por una cuajada adaptación de su Bing boiled, con Oakey convertido en una especie de hombre elefante. El final corrió a cargo, cómo no, de Togedher in electric dreams, un himno generacional para quien creció en los 80, auténtica declaración de principios en cuanto a nostalgia electrónica. Una generación que creció al abrigo de melodías concebidas por grupos como Depeche Mode o The Cure. No hay duda, por lo visto, de que la mirada al pasado sigue garantizado enteros respecto a la aceptación popular, pero cuando se trata de inventores de la Historia es necesario cuadrarse y, haciendo gala al título emblemático del grupo, abrir el corazón.


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EL MUNDO. MARTES 20 DE JULIO DE 2010

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Ocio

ÓSCAR MONZÓN

ÁNGEL CORELLA Coreógrafo y bailarín La compañía del artista madrileño actúa en la capital dentro de la programación de Los Veranos de la Villa

«Yo no me llevo nada de nadie» BEATRIZ PULIDO

Posee una locuacidad que emplea en línea recta. Ángel Corella (Madrid, 1975) no sólo sabe lo que quiere sino que le gusta llamar a las cosas por su nombre. Estará durante tres semanas (del 3 al 22 de agosto) en el Lope de Vega con su compañía, la única clásica que hay en España. Pregunta.— Dijo que 2009 era para demostrar lo que podía dar de sí la nueva compañía. ¿Cree que en 2010 se ha consagrado? R.— El segundo año para una compañía es decisivo y lo hemos pasado con nota. El éxito en Nueva York de crítica y de público ha sido apabullante a pesar de que se haya dicho lo contrario. Eso va a hacer

que este fin de año vayamos a tener una gira internacional muy extensa. P.— Hubo gente que afirmó que les había ido mal en Nueva York. R.— Lo peor es que suele ser gente del gremio. Nunca he entendido por qué, cuando salió nuestra compañía y llevamos La Bayadera al Real, fuimos tan criticados. Quizá fue porque lo hicimos tan a lo bestia y a lo grande que los del gremio que tenían sus propios intereses, para bien o para mal, no lo digirieron. Se dijo que una compañía no se hacía de la noche a la mañana, pero en algún momento has de empezar. La gente no sabe que llevábamos trabajando desde 2001 para que tuviera una solvencia eco-

nómica y artística. Se comenta que la compañía ha sido creado por y para Ángel Corella y para que Ángel y su familia se lucren. Es una fundación pública, los beneficios se han de reinvertir y las cuentas están para quien las quiera ver. P.— Siempre que le escucho tengo la sensación de que se está justificando. R.— Eso es lo triste. Es un ataque constante, que yo no me llevo nada de nadie. Me siento feliz pudiendo utilizar ese nombre que haya podido conseguir en el extranjero como bailarín para algo de provecho. Me llena de orgullo ver a bailarines españoles que estaban en compañías extranjeras regresando a España.

P.— No se siente muy valorado... R.— Sí por la crítica y el público, pero en este país donde hay tan buenos investigadores y artistas, parece mentira que sólo se le dé importancia al deporte. Es triste que uno se sienta increíblemente valorado en Estados Unidos o Japón y aquí tengas que llevar un paquete con todo lo que has hecho y las críticas recibidas para que te valoren. P.— El coreógrafo Stanton Welch se sentía impresionado por el tratamiento de «estrella pop» que se le hacía a usted aquí. R.— Sí, he sentido ese apoyo de casi todos, menos de las instituciones. A veces tienen miedo de mantener a todos contentos y al final lo-

gran que todos estén descontentos. Siento que en España se me ha valorado, pero por lo que he hecho fuera. P.— Su compañía presenta un programa muy variado. R.— Cada año hacemos un espectáculo nuevo de gran formato y un programa de repertorio de los mejores coreógrafos que hay en el extranjero. Queremos el estilo de repertorio de compañías como La Royal Ballet, el Bolshoi o del American Ballet, sin llegar nunca al estilo de rebozarse por el suelo, lo que yo llamo «el baile croqueta», o sea el «todo vale». Para mí si la obra sólo la entiende el autor, no ha comunicado nada y para mí no es arte, sino una exageración mental. Yo he hecho contemporáneo: Duato, Kylian, Forsythe, pero hasta un límite. P.— Es más cara una compañía de danza clásica que una de danza contemporánea, pero ¿es más rentable? R.— No, quizá por eso hemos tenido durante 22 años una compañía de contemporáneo y no de clásico. Aunque creo que con el dinero que se ha invertido en la CND [Compañía Nacional de Danza] se podían haber tenido una o dos compañías. P.— Veo que aún no le han contestado sobre su propuesta de crear dos compañías en el seno de la CND. R.— No, pero yo no sé si a mí me gustaría dirigirla. Está sucediendo lo mismo que hace 20 años aunque a la inversa y mucho más difícil porque convertir a bailarines del contemporáneo al clásico es muy complicado, casi imposible. Quien tiene que coger la antorcha lo tiene muy difícil. Estamos todos expectantes a ver qué es lo que deciden. P.— ¿Está de acuerdo con las críticas vertidas por Nacho Duato en Moscú hace poco, diciendo que en España sólo interesa el fútbol? R.— Él está viviendo ahora lo que nosotros vivimos hace 16 años. Es triste. El anuncio a lo Bette Davies también lo podía haber puesto yo entonces cuando me fui a Nueva York: «Bailarín que ha triunfado en el American Ballet, Royal Ballet o Scala de Milán busca su sitio en España». Nosotros nos remangamos y nos pusimos a trabajar para que la compañía se formase, pero ha sido triste que se hayan deshecho de Nacho o que él se haya ido.

El pasado ya tiene casa Visita. Terminan las obras de remodelación del Museo de la Historia E. M.

El Museo de Historia de Madrid, que recoge los cinco siglos desde que la capital era villa y hasta la actualidad, se convierte en un museo de «última generación» tras unas obras de renovación y modernización que han costado 18 millones de euros. El alcalde, Alberto Ruiz-Gallardón, visitó ayer este espacio, el antiguo Hospicio del Ave María y San Fernando, que se encuentra en la calle Fuencarral y engloba varios edificios alrededor del Patio de la Fama, de espaldas al mercado. Con la visita del alcalde concluye la tercera y última fase de las obras

de renovación del museo, que ha visto ampliada su superficie total en un 35% pasando de 4.566 a 6.129 metros cuadrados, mientras que su superficie expositiva ha aumentado de 2.269 a 3.051 metros cuadrados. El incremento en superficie permite «crear nuevas formas de mostrar los fondos y, con ellas, de contemplar la evolución de Madrid en los últimos cinco siglos, desde aquella pequeña villa poblada de conventos e iglesias, pasando por ser el centro de un gran imperio, hasta llegar a ser la metrópoli moderna y cosmopolita del siglo XXI», dijo Gallardón. Se han construido un área especí-

fica de acogida, una sala de exposiciones temporales, talleres didácticos, librería, cafetería y almacenes especializados por colecciones, que presentan «unas instalaciones y unas prestaciones técnicas capaces de albergar colecciones de acuerdo a los estándares más exigentes. Las obras, firmadas por el arquitecto Juan Pablo Rodríguez Frade, estaban concebidas en tres fases, que partían del mantenimiento de la estructura original del edificio, planteaban la opción de habilitar el patio como espacio interior y construir una nueva planta en el sótano. En este espacio renovado los visi-

Uno de los espacios del remodelado Museo de la Historia. / EL MUNDO

tantes podrán disfrutar mejor de los fondos que incluyen cerca de 40.000 objetos entre estampas, pintura, dibujos, porcelana, monedas, medallas, fotografías... con un único pun-

to de referencia: Madrid. En el museo hay piezas tan excepcionales como La Virgen y el Niño, de Pedro Berruguete, y La Alegoría de Madrid, de Francisco de Goya.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

que han durado ocho años y han costado 18 millones de euros


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EL MUNDO. VIERNES 22 DE ENERO DE 2010

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Ocio

Una carcajada por minuto en el Maravillas ESTHER ALVARADO

El director Esteve Polls, ayer en el Teatro Español, donde dirige ‘Me huele a cuerno quemado’. /

SERGIO GONZÁLEZ

«Soy hijo cultural de Lope y Calderón» Escenario. El decano de los directores españoles, Esteve Polls, estrena en el Teatro Español

la versión de Juan Antonio Castro de la obra ‘Me huele a cuerno quemado’ BEATRIZ PULIDO

En algún lugar de esa pasión por la vida y por el teatro reluce el resplandor desencantado de Cyrano de Bergerac. Este personaje con lengua afilada de versos ocupa su corazón y un espacio perenne en su mesilla de noche y en su memoria asombrosamente octogenaria, «aún puedo decir el texto entero, o casi entero, en tres idiomas». Aunque ha sido actor y director, es este último oficio el que escogió Esteve Polls (Barcelona, 1922) para hacerlo todo o casi todo sobre el escenario: zarzuela, revista, ópera, clásicos, recitales poéticos, drama y una tragedia que fue durante un tiempo su «gran obsesión gracias a que tenía siempre en mente a Nuria Espert, el fenómeno teatral de este país en los últimos 50 años», dice el que fuera su mentor. Vuelve a Madrid con la obra Me huele a cuerno quemado, escrita por Juan Antonio Castro «en clave humorística y con bastante mala uva». En ella asumen el protagonismo los personajes más conocidos de Molière, como el enfermo, el burgués gentilhombre, el avaro... descontentos con el rol que les ha tocado representar. Se desmadran una noche loca saliendo de los cajones y estanterías en los que reposan y se remedan a sí mismos con bastante humor. «Los personajes no pretenden reformar sino experimentar divirtiéndose», admite el director catalán.

Aunque la comedia le atrae, reconoce que lo suyo han sido los clásicos: «Siempre que he tenido ocasión, he subido un clásico a los escenarios», añade Polls «catalán hasta la médula» que, sin embargo, ha sido «incapaz de renunciar a la herencia de Lope o Calderón. Soy su hijo cultural». ¿Se equivocó al marcharse a América? Al contrario, dice que nunca debió regresar de allí. Al

de régimen tenía que significar que todo lo que se había hecho antes había que echarlo por la borda y que no tuvieran en cuenta que aquello que se creó entonces se hizo en unas condiciones brutales. No se puede ir enterrando a la gente sin más». Así que lo del Teatro Nacional duró más bien poco y le tocó tratar de amoldarse a las nuevas circunstancias de los escenarios españo-

Puntos clave de Esteve Polls >Director. Ha sido director en los teatros Alexis, Romea, Orfeó Gracienc, Poliorama, Candilejas, Windsor, Barcelona, Còmic y Espanyol, de Barcelona, y en Recoletos, Reina Victoria, Fuencarral y Centro Cultural de la Villa, entre otros, de Madrid. >Fundador. Fundó los teatros nacionales de Costa Rica y Colombia.

otro lado del charco fundó dos teatros nacionales: el de Colombia y el de Costa Rica. Como legado dejó «trece teatros abiertos y una profesión prácticamente consolidada». Fue la morriña la que le trajo de vuelta a España y la promesa de dirigir el Teatro Nacional de Barcelona, pero todo había cambiado: «Nunca entendí por qué el cambio

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

>Mentor. Ha sido mentor de

actrices como Nuria Espert y trabajado con todas las generaciones de grandes actores y actrices de Cataluña, enseñándoles teatro clásico. >Honores. En el 98 se le concede la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña en reconocimiento a su trabajo y a su proyección internacional.

les: «Buscarse la vida en el teatro de hoy en día tal y como está planteado en este país es una aventura brutal, delirante a veces. Hay que saber que te juegas todo cuando no tienes el respaldo de un teatro oficial». No es de extrañar que Polls se haya arruinado varias veces por culpa siempre del teatro. En el 98 se le concedió la Creu de Sant Jordi (que luce orgulloso

en su solapa) por su trayectoria profesional y el reconocimiento internacional que había obtenido. Pese a las dificultades no ha dejado de trabajar en esta pasión, que ha sido también «obsesión». En estos últimos años destacan las escenificaciones de El Poema de Nadal de Josep Mª de Sagarra, dentro del espectáculo Nadal que lleva realizándose por las catedrales de Cataluña desde el año 2003. Me huele a cuerno quemado, que se ha representado en Cataluña con éxito, estará hasta el próximo 30 de enero en el Español. Para el director catalán «el punto más difícil del texto de Castro es que sucede en mil escenarios a un mismo tiempo». Los intérpretes deben adentrarse en el ritmo frenético que se establece desde el principio, «de lo contrario se quedan fuera sin poder entrar». Esteve Polls dice que la vida se le queda demasiado corta para todo lo que aún le queda por hacer. Si tuviera tiempo quizá representara Ana Karenina, Crimen y Castigo y probablemente Guerra y paz. De reojo mira el broche que le quieren poner en junio, un homenaje en la Plaza del Rey, «seguramente será un clásico». ¿Pero seguro que se marcha? «Si me dieran cinco años más me conformaría». Me huele a cuerno quemado. Hasta el 30 de enero, en el Teatro Español (calle del Príncipe, 25).

Primero estuvo de moda estar casado. Luego, vivir en pareja, pero sin bendición eclesiástica ni visto bueno legal. Más tarde, lo más in era salir del armario. Y ahora, lo que más se lleva es estar soltero. Santi Millán dirige a Toni Moog en Singles, un monólogo de una hora y media de duración en la que el cómico explica los motivos por los cuales hace apología del ser impar. El espectáculo cerró temporada en el Club Capitol de Barcelona después de 34 semanas en cartel y se presenta ahora en el teatro Maravillas, de jueves a domingo, en sesión doble con Arte. Toni Moog explicó ayer que el público que más le gusta a él es el que no le conoce, «el que viene sin haber oído hablar de mí, porque es el que más sorprendido se queda». Santi Millán reconoció que él mismo fue uno de los que se quedó prendado de Moog, cuando le vio en uno de los monólogos de Paramount Comedy. «Ver a Toni en el escenario es como cuando miras al sol, que te deslumbra y luego tienes todo el rato su imagen grabada en la retina». La idea de hacer un monólogo sobre la soltería llegó porque Moog se declara soltero por vocación, «y quería que él lo contara desde su punto de vista particular, así es que, más que dirigirlo, le contengo», explicó Millán. Según el director, la media de carcajadas que provoca el espectáculo de Toni Moog es «una por minuto» y, medio en broma medio en serio, prometió devolverle el dinero a «quien venga a verlo y no se lo pase bien». «En esta obra hay un momento de colapso de la risa». Producido por Zoopa, el espectáculo aborda un fenómeno en el que se pueden encuadrar más de 160 millones de personas en Europa, entre solteros, separados, divorciados, viu-

Toni Moog y Santi Millán. / EL MUNDO

dos así como otras denominaciones de personas que viven solas. Con experiencia en el mundo de la comedia, en intervenciones en La Cocina de los monólogos, Paramount Comedy, Boquería 357 y Wanted, el Show de los cómicos más buscados, Toni Moog se convierte en este espectáculo en un «gurú del amor». Singles. Desde el 28 de enero. Teatro Maravillas (Manuela Malasaña, 6).


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E L M U N D O, M A R T E S 1 9 D E O C T U B R E D E 2 0 0 4

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

M2 MÚSICA CARLINHOS & BEBO Hora: 21.30 horas Lugar: La Riviera Precio: 30-35 euros

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JULIÁN JAÉN

B E AT R I Z P U L I D O

arlos Vives tiene la facilidad de palabra del buen conversador, del que busca proferir la palabra precisa, la metáfora pertinente y 43 años han calado en el artista colombiano, quien parece haber encontrado el auténtico camino musical y personal. Vives presenta su último disco, El Rock de mi pueblo, un mestizaje entre el folclore colombiano y el rock de siempre, que no deja de sonar a Carlos Vives. Pregunta.— Cuatro años de ausencia, ¿tanto cuesta cruzar el charco? Respuesta.— Yo sólo cruzo el océano para venir aquí. Con mi último disco, Déjame entrar, no hubo propuestas para realizar alguna gira. P.— El Rock de mi pueblo es folclore y rock, una extraña mezcla... R.— Hemos perdido el temor que poseen las discográficas de que algo no funcione. He tardado tiempo en demostrar que lo que estamos haciendo no es raro, ni siquiera estamos inventando nada. De la música folclórica sale una música más comercial. Pero yo no soy un folclorista, ni he pretendido serlo nunca. Sí quiero hacer una música auténtica a partir de la tradición oral del Caribe colombiano y proponerla a la industria

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CARLOS VIVES

“El folclore es el alma de la música” un sonido. P.— Igual que ocurre con el tango, el flamenco, incluso el fado, todo lo que huele a fusión o innovación conlleva el ataque de los puristas, ¿Le ha ocurrido algo parecido? R.— Los puristas tienen que entender que una cosa es el folclore y otra la industria. Cuando alguien graba un disco o lo ilumina en un escenario, pierde folclore por el camino. Porque éste no se graba, no se mete en un estudio ni se lleva a un escenario, es el alma de la música. P.— Su música, la de su pueblo, expresa la alegría incontenible, ¿cómo se puede relacionar eso con la pobreza y la miseria en la que viven muchos de sus paisanos colombianos? R.— Lo bonito que veo yo en mi pueblo es la manera de exorcizar los demonios. El colombiano humilde es el que me ha enseñado todo lo que soy. Lo poco que tienen lo dan con gusto. Ése el el pueblo

del que yo hablo, el siempre optimista. P.— ¿Y la suya, de dónde brota? R.— La mejor reserva que hay en Colombia no es la selvática sino la espiritual. Los indígenas arruacos (cuyo líder ha viajado con él a Madrid)viven en la sierras de Santa

El colombiano humilde es el que me ha enseñado todo. Lo poco que tiene lo da con gusto Marta, su única ley es la naturaleza, no creen en la política, ni en los paramilitares. Su estado ideal es el de estar de acuerdo. Yo lo comparto todo, me gusta eso de «tener poquito y estar contento». Mi mentalidad es positiva. P.— Todo el que siempre innova es

porque está buscando desesperadamente algo. ¿Ha encontrado lo que estaba buscando? R.— Toda mi vida he querido ser útil con lo que hago, ser útil a la gente. Desde que era un actor, y ahora como músico, busco porque las posibilidades que ofrece este tipo de música son infinitas. Encuentras y sigues buscando porque un disco te lleva a otro y ese otro te fuerza a seguir buscando. P.— La grabación de Rock de mi pueblo es especial porque ha sido grabado en directo... R.— Cuando los productores nos escuchaban tocar en vivo siempre decían «yo quiero que suene así». Es cierto, todos coincidimos en buscar ese espíritu único que sale en los conciertos, el concepto del rock para la banda, de camaradería del grupo que toca, por eso muchos de los temas han sido grabados en directo. P.— Decía que esta es tu última oportunidad de plantear este estilo de música, ¿qué ocurriría si no se entiende o no gusta? R.— Mi contrato con la discográfica termina aquí, después de seis años. Una vez entregado este disco ya estoy fuera de contrato. Es mi última oportunidad de demostrar que en este tiempo el mercado, la industria, quiere más música mía.

uelo de ases esta noche en Madrid, en una velada con los dos hombres del momento. El músico brasileño Carlinhos Brown y el cubano Bebo Valdés cierran hoy en La Riviera (Paseo de la Virgen del Puerto, s/n) la gira de ocho conciertos que han ofrecido en España para presentar su último disco, la banda sonora de la película de Fernando Trueba El milagro de Candeal. El disco propone un recorrido por la música brasileña con la que los músicos ilustraron un documental en el que se cuenta el viaje de Bebo Valdés a Salvador de Bahía para reencontrarse con sus raíces africanas, un viaje en el que descubre la favela Candeal, el barrio marginal que Carlinhos Brown ha transformado en un proyecto musical y solidario. La gira que cierran hoy se inició el pasado 8 de octubre en Fraga y continuó en Murcia, Lugo, Granada, Zaragoza, Alicante y Durango.

CINE PABLO DEL AMO Hora: Desde las 17.00 horas Lugar: Cine Doré Dirección: Santa Isabel, 3

a Filmoteca Española rendirá hoy un homenaje a Pablo del Amo, fallecido el pasado 4 de agosto, montador de más de 200 películas y uno de los profesionales más significativos del último medio siglo del cine español. Desde el primer momento y por espacio de 20 años, Del Amo trabajó con el productor Elías Querejeta, lo que le dio la oportunidad de trabajar al lado de los grandes cineastas españoles, desde Carlos Saura a Víctor Erice, o Fernando Fernán Gómez en los últimos tiempos. Su brillante aportación al cine español fue reconocida con el Premio Nacional de Cinematografía en 1983, y con tres premios Goya al mejor montaje.

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EL MUNDO. SÁBADO 9 DE OCTUBRE DE 2010

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CENTRO CULTURAL

Un otoño transversal Ignacio Amestoy

El Festival de Otoño pasó a

Cristina Higueras y Fiorella Faltoyano, ayer en un momento de la presentación. / GONZALO ARROYO

FIORELLA FALTOYANO / CRISTINA HIGUERAS Actrices y productoras Presentan ‘Galdosiana’, un espectáculo basado en personajes novelescos del escritor canario, creado por Fernando Méndez-Leite

«A Pérez Galdós tampoco le gustaría esta sociedad» BEATRIZ PULIDO

Que ejercen de productoras además de actrices se aprecia en el marketing que viste sus camisetas el día de la presentación. En ellas exhiben los carteles de su última inversión artística y económica. Pregunta.— En una misma obra son narradoras, actrices, presentadoras y hasta productoras, ¿cómo llevan la esquizofrenia? Cristina Higeras.— Ya estamos muy acostumbradas, aunque es cierto que es mucho más duro que limitarte a tu trabajo en el escenario, más apasionante y más creativo. Fiorella Faltoyano.— Lo que es verdad es que cuando ha pasado el tiempo de dedicarle a la producción, nos plantamos. Dos días antes del estreno sólo existe el personaje. P.— ¿Y lo de poner el dinero y el arte a la vez condiciona la elección de los papeles? C.H.— Precisamente si producimos es para hacer lo que nos gusta. Tratamos de compaginar la calidad con el entretenimiento. Un espectáculo está descalificado si aburre. F.F.— No se trata de ir a buscar al público o la rentabilidad, sino de

ofrecerle algo que le interese desde los planteamientos que nos interesan a nosotras. P.— Intuyo que el teatro es su verdadera pasión. F.F.— A mí me gustan todos los medios. He hecho mucho teatro, mucha televisión y ahora mucho teatro gracias a Cristina que fue la que me empujó. C.H.— Yo sólo te animé, ¿cuántos años hacía que no pisabas un teatro cuando nos encontramos? F.F.— 30 años, pero mi profesión

«Es difícil trabajar con ese lenguaje, pero una vez que te acostumbras es música» «Dos días antes del estreno sólo existe el personaje, aparcamos la producción»

es la de actriz y me da igual donde se desarrolle siempre que el tipo de personajes me interese. El problema es que lo que te ofrecen muchas veces es menos apasionante que lo que tú te puedes procurar. P.— Dicen de Galdosiana que es un «espectáculo popular y culto al mismo tiempo». F.F.— Era capaz de unir una calidad extraordinaria como escritor con una trama que enganchaba C.H.— Sus personajes son muy pasionales. F.F.— Los de sus novelas son más interesantes incluso que sus propios personajes teatrales. Fernando Méndez-Leite ha tenido que incorporar de su propia cosecha elementos necesarios para poner en escena una novela. C.H.— El acierto de Fernando es que ha escogido personajes a los que les ocurren cosas y conflictos que le suceden a la gente hoy en día, con una revolución tecnológica por medio, pero seguimos sufriendo y alegrándonos por las mismas cosas. P.— O sea que no evolucionamos. C.H.— El alma humana no, por eso Shakespeare sigue siendo actual. Pero además en la obra se encuentran esos personajes galdosianos con personajes contemporáneos. Eso es muy de Fernando. F.F.— Él ha empleado el humor de Galdós, que lo hay y mucho, y lo ha elevado al cubo. C.H.— La ironía es totalmente galdosiana. P.— ¿Qué han descubierto del escritor canario que no supieren antes de Galdosianas? C.H.— A mí me fascina su lenguaje. Cuando trabajas con él en el escenario como actriz me produce mucho placer. F.F.— Es difícil trabajar con ese lenguaje, pero una vez que lo asimilas y te acostumbras, es muy fácil también porque es como música. P.— Galdós conocía bien el alma femenina. C.H.— Es verdad que sus personajes femeninos son mucho más ricos, con más aristas que los mascu-

linos que son más primarios. F.F.— Yo no estoy de acuerdo con la misoginia que se le ha achacado, porque creo que conocía el alma femenina. A veces la criticaba, como ocurre con el personaje de La de Bringas (Tormento) y a veces la ensalzaba, como en la de Augusta (Realidad) pero conoce las diversas facetas del alma femenina. C.H.— En su literatura se ve claramente que le interesaban más las mujeres que los hombres. P.— Emilia Pardo Bazán mencionaba que el asunto principal de la novela de Galdós era la «esclavitud moral de la mujer en el siglo XIX». C.H.— Él lo critica de forma directa esto en Realidad, en Doña Perfecta y en Tormento. Efectivamente to-

«Méndez-Leite ha tenido que incorporar elementos para poner en escena la novela»

una mejor vida en primavera, por lo menos a una vida más sosegada. Y no podemos decir que no se note su ausencia en esta rentrée. De todas formas, sí se han conseguido dos cosas. La primera, que los empresarios teatrales privados sean más felices en el arranque de la temporada sin competencias internacionales. Y la segunda, que se ponen de una forma más clara en valor los espectáculos propios de los teatros madrileños que, por lo general, van incrementado de forma notable su calidad, tanto los privados como los públicos. Sin duda, se nota una mutación generacional favorable. Desde los empresarios de paredes y de compañía hasta los actores, pasando por los espectadores, están cambiando.

Y no sólo de teatro vive el otoño madrileño. Y eso está bien en estos tiempos tan transversales. En teatro, han pasado con gloria La fiesta de los jueces, de Caballero, y Proyecto Youkali de Miguel del Arco. Siguen El Evangelio de San Juan, de El Brujo; Todos eran mis hijos, con Hipólito, o El cerco de Leningrado, de Sinisterra, con Carvajal-Mira. Y hay otros placeres. Lope, con ese Ammann, que aunque no vaya a los Oscar vale la pena verse. En el libro, ahí está la novela de Almudena Grandes, con Inés y la alegría, o la poesía de Luis Alberto de Cuenca, con El reino blanco. Y, a destacar, ArteMadrid, las exposiciones de 46 galerías unidas. Un Festival de Otoño de la Plástica.

La transversalidad, lo

«No sé por qué se le consideraba un misógino. Sus novelas reflejan crítica» das sus novelas reflejan esa crítica a la situación de la mujer, no sé por qué se consideraba un misógino. F.F.— Hay una cosa muy interesante. A partir de ese sometimiento de la sociedad a la mujer, ésta tuvo que encontrar nuevas armas de defensa de sí misma y de su sitio en el mundo, a veces empleando triquiñuelas repugnantes. Eso lo deja ver Galdós perfectamente. En realidad él era muy crítico con la sociedad de su tiempo. No le gustaba como tampoco le gustaría esta. C.H.— Pensamos que somos muy modernos, pero en las cosas fundamentales seguimos padeciendo de hipocresía, arrivismo y doble moral.

decíamos, es el signo de los tiempos. Novela, poesía, pintura, escultura, foto, vídeo, instalaciones, música, cine, teatro…, todas las artes se mezclan en este Madrid mestizo de este otoño que será caliente si queremos que lo sea. Y hablando de transversalidad no podemos dejar de lado la ópera y la danza. El Real, ahora de la mano del dinamitero Mortier, inicia una renovadora andadura. Y en la danza, se va a celebrar un aniversario de relieve. Se ha presentado ya la interesante programación de la conmemoración de los 25 años de Madrid en Danza. Posiblemente en ninguna de las artes como en la danza hay una mixtura tan completa de géneros. Nacho Duato, en esto, estaba al loro. Todos, transversales.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 25 DE OCTUBRE DE 2010

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Jesús Mateo posa delante de uno de los cuadros de la exposición, en la galería. / DIEGO SINOVA

JESÚS MATEO Pintor

‘No quiero ser un funcionario del arte’ BEATRIZ PULIDO

Tenía 23 años cuando Jesús Mateo (Cuenca, 1971) entró por primera vez en la iglesia de San Juan Bautista, en el conquense pueblo de Alarcón. Era de noche y a través de la perezosa luz de la calle, Mateo sintió el palpitar del arte sudando en las blancas paredes. Esa llamada le retuvo durante casi siete años en el interior del edificio desacralizado. «Me colocaron dos andamios que movía yo solo como podía. No tuve ayudantes que me subieran los botes de pintura, ni medios mecánicos. Entré con 23 años y salí con 29. Era mi vida». Su proyecto consiguió la simpatía y el mecenazgo de miles de ciudadanos anónimos. Cuando terminó había creado una de las obras más asombrosas y peculiares del siglo XX. La Escuela de Fotografía EFTI le rinde homenaje con una exposición en la que diferentes fotógrafos de la talla de Chema Madoz, Luis de las Alas, Chema Conesa, Cristina GarcíaRodero o Alberto Schommer, se sumergen en el universo creativo del joven artista. Pregunta.— Sus pinturas parecen más la obra cumbre de un artista. R.— Eso dijo Federico Mayor Zaragoza, que había empezado por una obra final y que es un raro privilegio porque pocos pueden acabar su vida artística generando una obra de este tipo. Él me preguntaba si sabía lo que se me iba a pedir a partir de entonces. Yo no sé nada. La obra ha dejado de ser mía, representa lo que fui, yo cada vez estoy más lejos de ella. P.— Está muy viva.

R.— La obra está viva en el sentido de que genera expectativas en las personas que la van a visitar y cierta autonomía porque al entrar no hay texto alguno, ni nada que dirija la mirada, por tanto las pinturas pasan a ser de cada uno, a estar vivas, y es generatriz en el sentido que promociona otras formas de acercarte al arte. Se han escrito sinfonías, poemas, ensayos... P.— Y se han tomado fotografías. R.— Igual que ya existía un tra-

da pura del siglo XVI, sin contaminación arquitectónica posterior, en desuso y en un pueblo de 200 habitantes, con un potencial patrimonial y cultural importante. Como hace, por ejemplo, Christo recubriendo objetos o Richard Long con la Naturaleza, en principio me interesaba únicamente cubrir con color el interior de una forma muy contemporánea y radical. Realicé numerosos bocetos y maquetas y luego, duHomenaje a Jesús Mateo realizado por Chema Madoz, una de las imágenes que se exponen en EFTI.

rante el proceso se fue modificando todo. Durante siete años hubo lecturas, viajes, visitas que me hacían ir cambiando sobre la marcha. La obra seguía moviéndose. Los cambios que iban produciéndose eran los cambios que yo iba experimentando. R.— Usted es autodidacta. R.— Sí, en Cuenca ha habido una fusión cultural y artística muy importante de arte contemporáneo. Tuve la suerte de conocer a Antonio Saura muy joven y a Gerardo Rueda, por ejemplo. P.— ¿Es más un pintor abstracto tendencialmente realista o realista tendencialmente abstracto, como se preguntaba Saramago? R.— Él hace un juego de pala-

El apoyo de la sociedad civil

bajo objetivo de la obra, con fotografías de ella, se invitó a otros creadores para que se vincularan a un proyecto donde convergieran sus miradas subjetivas, dándoles la libertad absoluta. Esta exposición es parte de esos trabajos. P.— ¿Cuándo entró en la iglesia cuál fue su visión? R.— Vi una iglesia desacraliza-

El 3 de diciembre de 1997 la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) otorgaba el patrocinio oficial de las pinturas murales de Alarcón declarándolas de interés artístico mundial. Hasta entonces el joven Jesús Mateo no había encontrado ni una sola ayuda oficial en su sueño artístico de libertad. Sin embargo, un grupo de amantes del arte se fueron reuniendo alrededor de la obra y constituyeron un asombroso mecenazgo de la sociedad civil. En el 95 nacía la Asociación Cultural para apoyar el proyecto. Cerca de 2.000 personas anónimas y que no se conocían entre sí ampararon la pintura de Mateo, cuyo trabajo se prolongó durante siete años. La obra cuenta con el respaldo que le ofrecieron numerosas personalidades del mundo de la cultura como Ernesto Sábato, Gustavo Bueno, Francisco Nieva, Saramago, Fernando Arrabal o José Antonio Marina, entre otros muchos. Algunos de los cuales han escrito sobre los murales.

bras para intentar encajar esta obra y otras anteriores. Pretende con el texto crearte una emoción. Es un trabajo que en el sentido orgánico de las formas está muy cerca de El Bosco, repleto de ensoñaciones; está Borges, la literatura fantástica. Sábato también está; la Divina Comedia de Dante. P.— Muchos creadores dicen sentirse vacíos después de terminar una obra. ¿Qué le ocurrió a usted? R.— Ahora estoy dedicado a un arte radicalmente distinto: obras de pequeño y mediano formato y materiales muy pobres y corrientes: papel, cartón, en libros de autor, xerigrafías, grabados, con ese juego que ofrece la obra gráfica, la literatura y el ensayo. No pico todos los días porque no tengo la intención de ser un funcionario de la pintura ni del arte. P.— A pesar de que esté desacralizada la iglesia, hay un misticismo inevitable que rodea a su obra. R.—Hay gente que percibe ese misticismo. Es como si gracias a las pinturas hubiera entrado de nuevo en la sacralidad. Como decía Gustavo Bueno, ‘el reino de la cultura invade el reino de la gracia’. El nuevo halo de espiritualidad que rodea a la obra, aunque sea profano, se percibe. También está lleno de negaciones y de sacrificios, pues se ha ido generando a partir de la negación y del sacrificio, de tapar y tapar. P.— ¿Y qué queda a final cuándo todo ha sido tapado? R.— El final se produce cuando pinto la bóveda, que es la matriz, la madre, que es la que cierra, es la que va dando las claves definitivas. Todo el proyecto está tejido a partir de la línea recta y en la bóveda está tejido a partir del punto. Exposición fotográfica sobre las ‘Pinturas Murales de Alarcón’. Centro de Imagen EFTI (Fuenterrabía, 2). Hasta el 28 de noviembre.


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EL MUNDO. VIERNES 29 DE ABRIL DE 2011

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Madrid vuelve a levantarse en armas

MAR REGUERAS / CARLOS SOBERA Actores Llevan al Bellas Artes ‘La guerra de los Rose’, que interpretaron en el cine en los años 80 Michael Douglas y Kathleen Turner

GISELE SOUSA DIAS

La plaza del Dos de Mayo retrocederá mañana más de dos siglos en el tiempo. Se espera lluvia, como aquel día de 1808, y 120 voluntarios utilizarán réplicas exactas de artillería, fusiles y trajes de la época para representar a los civiles y militares que defendieron el Parque de Monteleón de las tropas napoleónicas. El escenario no es una copia del original sino la misma plaza del Dos de Mayo, que en aquella época se conocía como el Parque de Artillería de Monteleón. Era allí donde se almacenaban los cañones, el armamento y las municiones que el pueblo fue a solicitar para defenderse de las imposiciones francesas. A las 19.00 horas, y durante una hora y media, un grupo de madrileños llegará pidiendo las armas que los capitanes Daoíz y Velarde –aún bajo órdenes de no ceder y de reprimir– acabarán entregándoles. Otros voluntarios –que se trasladarán desde Málaga, Jaén, León y Zaragoza– recrearán a aquellas mujeres que prepararon vendas con sábanas de sus casas a los soldados y civiles que construyeron barricadas y a los soldados del entonces ejército más poderoso del mundo. Llegarán los franceses, pedirán la rendición, les contestarán con fuego de cañón y comenzará el combate. El parque quedará sembrado de cadáveres.

«En esta versión hay destrucción pero duele menos» BEATRIZ PULIDO

El escritor alemán F. Heumer decía que el amor tiene un poderoso hermano, el odio y advertía: «Procura no ofender al primero, porque el otro puede matarte». A los Rose se le puede acusar de muchos pecados pero nunca de falta de pasión. Quien recuerde a Michael Douglas y a Kathleen Turner colgados de aquella gigantesca y cristalina lámpara en la última escena de La guerra de los Rose sabe que no fue simplemente el desamor lo que los elevó a esas alturas mortales. Allí se han subido Carlos Sobera y Mar Regueras en la versión teatral de la famosa película que llega estos días al Teatro de Bellas Artes. Aunque, todo hay que decirlo, el animus de la pareja española es más iocandi que el que tenían los de Hollywood. El propio Carlos Sobera ha bautizado esta pieza escénica como «comedia negra con toques de drama». «El tono es lo que diferencia a un texto teatral del otro. Algo que va marcado y subrayado por la interpretación actoral», dice el intér-

Sobera ha bautizado esta pieza como «una comedia negra con toques de drama» La obra está inspirada en el divorcio real de un periodista americano prete vasco. «Como en la versión cinematográfica, hay destrucción pero al ser más cómica duele menos», apuntaba su compañera de escena, Mar Regueras. Basada en la novela que escribió Warren Adler, quien se inspiró en un divorcio real del periodista William Billy Rose y su esposa Eleanor, que alimentó los periódicos en los años 50 del siglo pasado, la versión está dirigida por Garbi Losada. Trasladada a la ficción, Adler describe la situación de una familia que ha vivido aparentemente feliz durante 18 años. Jonathan es un abogado de éxito, un poco estirado y egocéntrico. Considera que

la posición y la felicidad de su familia dependen exclusivamente de él y de su trabajo. Su mujer, Bárbara, se ha dedicado a la casa y los niños, buscando edificar el hogar perfecto. Los niños crecen y Bárbara decide montar un negocio que le va bien. Un día cualquiera le pide dos cosas a su marido: primero, el divorcio y segundo, que abandone inmediatamente el hogar que comparten, lo único que aún tienen en común. En ese preciso instante se desencadena la guerra. Se hace difícil hablar de razones en esta lucha a muerte. Aunque cada actor parece comprender un poco más a su personaje que a la parte contraria. «Tengo la sensación de que los dos pierden la razón en un momento de la discusión, por forma y por fondo. Pero en ese correcalles del final, donde ambos se persiguen para matarse, él aún tiene la capacidad humana de abrir una puerta para buscar una solución». Para Regueras el texto mancha con tintes algo misóginos. «Las mujeres suelen ser más generosas en la vida. En este caso, Bárbara trabaja mientras que el marido se saca la carrera y, cuando lo ha hecho, ella se queda en casa para cuidar de los niños. Lo que desencadena la guerra es que la mujer, en un momento dado, se pone a la altura de su marido y le trata de igual a igual. Discuten por la casa, pero esto es sólo una excusa para expresar una guerra de poder». Algo que comparte a medias Sobera, quien estima que quizá Adler esté por defender más al hombre que a la mujer. «Intenta dibujar un personaje masculino más humano. Al final el último gesto de él en la película, después de que se caigan de la lámpara, es tenderle la mano a su mujer para morir juntos. Bárbara lo rechaza». El territorio neutral de esta guerra lo pone Koldo Losada (Dani de Vito en la película), que interpreta el papel de abogado pero al que, a diferencia de la versión cinematográfica, no se le reserva la gracia del humor. «Los personajes que interpretamos Carlos y yo son los que ponen ese toque de humor y el de Koldo le pone un poco de sobriedad al asunto», dice Regueras. La hora y media de función ha sido distribuida a lo largo de 22 escenas de cuatro minutos, algo que agradece el público y la propia Re-

Regueras y Sobera protagonizan ‘La guerra de los Rose’. / S. ENRÍQUEZ-NISTAL

gueras, pues le otorga un ritmo en el que ella se siente a gusto. Pero para Sobera resulta agotador. «Es frenético por momentos. Hay cambio de vestuario, cambios cronológicos y de actitud de los personajes. Algo que lo hace muy exigente en lo actoral, en lo emocional y en lo físico». Llevan cinco meses de gira y después de Madrid seguirán unos meses más por otras tierras de España. Ninguno de los dos actores se ha prodigado demasiado en teatro últimamente. Mar Regueros, desde el año 2000 y su participación en la obra Top Dogs de Mario Gas, no se subía a un escenario. La protagonista de Herederos dice

que fue sólo por circunstancias y no por elección personal. «Me encantaría volver para representar, por ejemplo, Sweet Charity, ya que debuté teatralmente con el musical Chicago, soy bailarina y me gustaría seguir por ahí». Sobera ha sido muy demandado en televisión en los últimos años y eso le ha separado de la escena, algo que también quiere enmendar. «Después de decidir hacer teatro, tardé un año en encontrar un guión como éste. Me gustaría seguir unos años en la carrera teatral». La guerra de los Rose. Hasta el 19 de junio. Teatro Bellas Artes (Marqués de Casa Riera, 2).

Espíritu nacional «Estos actos reflejan el espíritu nacional. No es la exaltación de un acto militar sino de la voluntad del pueblo madrileño de no dejarse avasallar», resumió ayer el historiador Fernando García de Cortázar, director de la Fundación Dos de Mayo, Nación y Libertad, durante la presentación de la recreación histórica. «Siempre digo que el Dos de Mayo es una de las fechas más importantes para los españoles: es el inicio de la España constitucional y de la España de los derechos y las libertades individuales», agregó. Por segundo año consecutivo los voluntarios estudiaron a sus personajes. La idea es ser artífices de lo que García de Cortázar llamó «una gran clase de Historia» en la que los personajes puedan interactuar con el público. Allí, además de los capitanes del cuartel, estará Manuela Malasaña –la bordadora que se inmortalizó como una de las heroínas populares del 2 de Mayo–, Clara del Rey -que murió animando y ayudando a los defensores– y el niño Pepillo Amador Álvarez –la víctima más joven de aquella jornada–. «Mucha gente no sabe qué pasó aquel día», concluyó Alicia Rubio, directora de la agrupación Los Castizos, una de las organizadoras. «El año pasado, algunos se acercaban cuando estábamos muertos y nos preguntaban: ¿Aquí realmente pasó esto?», contó. Un paseo por la historia pero en vivo.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. VIERNES 27 DE MAYO DE 2011

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MÓNICA NARANJO Cantante Estrena esta noche ‘Madame Noir’, un espectáculo musical con tintes teatrales

«Tengo terror escénico» BEATRIZ PULIDO

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Llega a la cita vestida de rojo, con una estética de los años 50, suave, relajada. Aunque el fuego le recorre por dentro. En los ojos le brilla ese fulgor salvaje con el que incendia luego los escenarios. Mónica Naranjo adapta su estética al proyecto que tiene en ciernes. El último, Madame Noir, es una comedia musical que estrena esta noche en Madrid. «No sé por qué la mujer ha dejado de vestir de esta manera», dice mirándose el vestido. «En el fondo, esta ropa es cómoda, salvo los zapatos. En cambio el jean es como violador, es horrible». Madame Noir es el espectáculo «más íntimo y personal» de toda su carrera. Un piano de cola y una puesta en escena con vocación teatral dan forma al espectáculo. «Posee una estética bucólica, romántica, sofisticada, glamourosa. Aunque trabajamos sobre guión, no es una obra de teatro». El texto, escrito por Miriam Díaz Aroca, presenta a una actriz veterana llena de inseguridades y una buena dosis de narcisismo.

«Trabaja con un director joven que se ve un poco cojo a la hora de domar a la fiera. Sufre tanto de divismo que es hasta graciosa», asegura la cantante nacida en Figueres. Mónica asegura que nada tiene que ver con la diva que representa sobre el escenario. «Hay una transformación. Llevarte el personaje a casa es lo más insano del mundo. Ir por el monte con las botazas llenas de barro, mi hijo y los perros, eso sí que no tiene precio», asegura. Con los 37 años se mueve muy bien en las distancias cortas, cuando ve los ojos de su interlocutor. En las largas, confiesa que titubea sólo un poco. «Tengo un terror escénico apoteósico. Salgo al escenario como si me dieran una patada. Los primeros 15 minutos son terribles. Luego empiezo a fluir, empiezo a sentirme cómoda, a sentir el cariño de los que están allí». Posee una garganta privilegiada que administra a su antojo, pues sólo se inmiscuye en los proyectos con los que siente un feeling especial. Entre los temas que presenta

Mónica Naranjo, en una imagen sofisticada acorde con el estilo de su último trabajo. / EL MUNDO

esta noche hay algunos tan conocidos como Nessum dorma o Balada para mi muerte y algunos nuevos que nunca ha cantado en público. «Quedaron descartados en el disco Minage (2000) porque la Sony tenía mucho miedo de hacer el disco que hice, pero había que respetar: pagaban ellos». Ahora es ella misma la que se produce sus trabajos, teniendo en cuenta exclusivamente su criterio artístico. «Hacer un espectáculo como éste era arriesgado como tam-

bién lo era Adagio. Sabíamos que si nos dábamos una torta nos la dábamos de verdad y, sin embargo, estuvimos dos años de gira». Como dice que no puede estarse quieta, lleva entre manos varios proyectos. El más fascinante es la creación de una ópera rock que ya está en fase de posproducción. «Crear sobre los textos de un escritor está siendo muy bonito. Es uno de los trabajos más bonitos que he hecho. Nunca pensé que iba a componer un réquiem».

No piensa demasiado en el futuro. Aunque es consciente de que posee una profesión privilegiada, ha aprendido que es sólo un trabajo. Hace años que para ella dejó de ser una carrera sin fondo. ¿Y si lo dejara todo, qué haría?: «Estaría encantada de ser ama de casa. Con la emancipación femenina nos engañaron como a gilipollas, porque trabajamos dentro y fuera de casa». Madame Noir. Hoy y mañana en el teatro Arteria Coliseum.


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EL MUNDO. JUEVES 4 DE MARZO DE 2010

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Eun Sum Directora de orquesta

«Cuando estoy en el podio me siento feliz» BEATRIZ PULIDO

No le ha costado demasiado aprender a hablar español. Apenas un año y medio y casi cuenta chistes en nuestro idioma. No en vano dice que el humor coreano y el español se parecen. Eun Sun ganó hace dos años el II Concurso Internacional López Cobos para jóvenes directores de orquesta. Será la primera mujer en subirse al podium del Real para dirigir ópera. Lo hará el 18 y 21 de abril con dos funciones didácticas de la obra de Rossini Il viaggio a Reims. Hoy, en el Auditorio Nacional al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid con un programa que incluye a Chaikovsky, Prokofiev y Urrutia. Pregunta.— Tiene pinta usted de ser como una esponja. Respuesta.— Lo más importante que he aprendido de los directores con los que he trabajado ha sido a ser parte de la orquesta sin perder de vista que uno es el director. P.— De todos los directores, ¿cuál es el que le ha sorprendido más? R.— He conocido a unos 14 directores desde que estoy aquí. Me gusta cómo se toma la música López Cobos. Él sabe cómo extraer de los músicos lo que quiere. Es muy previsor, prepara con mucha antelación

R.— En la juventud, quizá. No me cuesta estar en el podio, pero el director tiene que ser muy conciso al emplear la palabra exacta en el momento preciso para no molestar a los músicos, ni dejar de conseguir lo que desea de ellos. P.— Tengo entendido que usted dirige más con las cejas que con la batuta. R.— Un buen director no comunica con palabras. Hay que mostrar primero con la batuta y con el cuerpo y ahí es donde entran los gestos de mi cara, que salen automáticamente. P.— ¿Cómo le influye su carácter a la hora de dirigir? R.— En el podio intento ser una jefa dura pero trato de no molestar a los músicos porque ellos tienen que disfrutar, yo no. Tiene que haber química entre nosotros.

«Me gusta cómo se toma la música Jesús López Cobos, es muy previsor» «En el podio intento ser una jefa dura, pero trato de no molestar a los músicos» «Echaré de menos la comida. He engordado con tanta morcilla, jamón, cocido...» los programas. Su experiencia es lo que a mí me falta. P.— Eun Sum es también una alpinista surcoreana muy conocida. ¿Qué hay más en su país directoras de orquesta o mujeres alpinistas? R.— A ella no la conozco, en lo que a música se refiere sé que hay una directora joven que ganó dos concursos muy importantes en Alemania y ha trabajado en Estados Unidos y también una profesora de conservatorio que dirige. P.— ¿Dónde encuentra más trabas a la hora de dirigir en el hecho de ser mujer, coreana o en el de ser tan joven? Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

P.— ¿Cuál ha sido el momento más especial que ha vivido en el Real? R.— Está por venir. He aprendido mucho, pero cuando estoy en el podio soy feliz. En ese momento, aquello que se escucha es mi interpretación sobre la obra, es mi música de alguna manera. P.— ¿Y el más difícil? R.— Antes de conocer a la orquesta estaba un poco nerviosa porque aún no sabían lo que yo quería y tenía que transmitírselo. P.— Pensaba que me iba a decir aquel momento en el que tuvo que sustituir a un tenor en el ensayo general de la ópera Lulú. R.— Ese también. Se puso enfermo el tenor y no podían seguir sin el cantante, así es que con un atril canté y hablé para darle la réplica a los demás cantantes.

Eun Sun dirigiendo a la orquesta. / JAVIER DEL REAL

P.— ¿Qué va a echar de menos de Madrid cuándo se marche? R.— La comida. Aquí he engordado con tanta morcilla, jamón, cocido... P.— ¿Cree que los directores jóvenes tienen demasiada prisa por triunfar?

R.— Parece como si quisieran triunfar en seguida. A mí me gustaría tener un poco más de pausa y lograr conocer la música en profundidad. Saber qué es lo que quiso expresar cada compositor en cada obra de las que me toque dirigir.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 9 DE MARZO DE 2011

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Ocio

Un cachito vibrante de La Habana BEATRIZ PULIDO

Héctor Alterio y Julieta Serrano, protagonistas de ‘La sonrisa etrusca’, adaptación teatral de la obra de José Luis Sampedro. / SERGIO ENRÍQUEZ

HÉCTOR ALTERIO Y JULIETA SERRANO Actores protagonistas de ‘La sonrisa etrusca’

«A medida que nos hacemos mayores nos encerramos en sueños perdidos» ESTHER ALVARADO

En sus rostros pueden leerse las cicatrices del tiempo y, en sus currículos, que una se enfrenta a dos maestros de la escena. Héctor Alterio y Julieta Serrano son Salvatore y Hortensia en la adaptación teatral de La sonrisa etrusca, de J.L. Sampedro. Pregunta.— ¿Ha sido complejo hacer la versión teatral de la novela? Héctor Alterio.— Complejo ha sido todo. La adaptación; porque va de atrás para adelante y de delante para atrás. Mucho más compleja es la puesta en escena, que también tiene que reflejar el pasado y el presente y eso, en teatro, si no tienes un hacedor como José Carlos Plaza se pone más difícil. Y nosotros allí, pululando en ese laberinto... Pero estamos contentos porque, en las dos funciones que hemos hecho, parece que la cosa está bien encaminada. Aunque nunca se sabe... Tenemos proyectado unos seis meses de trabajo. Julieta Serrano.— Que en estos tiempos es bastante. No se puede precisar mucho el futuro. Está en el aire todo y para todos. P.— ¿Qué sentimientos afloran? H.A.— Hay amor, hay odios ancestrales de este personaje del sur que sufre secuelas de la última guerra mundial que tuvo una participación en los partisanos. También se van transformando los personajes que provocan rechazo al principio, como la nuera, que es milanesa y tiene actitudes distintas a las de la gente del sur. Todo va evolucionando y le llevan a un final de la vida feliz.

J.S.— Sí, porque muere con amor, con paz en lugar del odio que sentía hacia el rival fascista. El niño, la mujer que encuentra en el límite de su vida con la que sabe vivir el momento. Viven el momento con paz, y serenidad porque el futuro no existe. En ese personaje tan rudo y aparentemente tosco va floreciendo una ternura que descubre Hortensia, que es una mujer sencilla del pueblo, pero que ha aceptado todo su tránsito de vida con serenidad y paz. Ese en-

«‘La Sonrisa’ de Sampedro es un canto a la vida que bien vale para hoy» «Ese señor que pagó su butaca y se tomó el tiempo de vernos... Eso es un milagro» cuentro es sorprendente. Ella no espera nada y lo espera todo, porque es una mujer abierta. Se ha hecho mayor sin resentimientos y sin agravios y ha ido aceptando la alegría y el dolor con la misma serenidad. H. A.— Y todo esto está salpicado con humor, lo que lo hace mucho más atractivo. J.S.— Sí, se crea un conflicto en-

tre los milaneses y este hombre que llega tan puro... H.A.— Se desarrolla en Italia pero es una propuesta universal. La imagen del sarcófago le provoca al personaje una cosa casi erótica. ¡Parece que están gozando! Esa sonrisa vale para hoy. Vale la propuesta de Sampedro que es un canto a la vida. J.S.— Yo creo que está muy bien como está, porque es muy bonita la sonrisa etrusca como síntesis de la obra. Porque parece que los etruscos que bailaban y lo pasaban muy bien. Y llegaron los romanos y se los llevaron por delante. H.A.— Sí, Bruno odia a los romanos como odia a Cantanotte, que es el personaje éste que le promueve a él la necesidad de estar vivo. Su objetivo de inicio es vivir un poco más que Cantanotte, pero cuando muere se encuentra huérfano de odio. ¿Y ahora, a quién odio? Por eso se vuelca en el nieto y en Hortensia. J.S.— Es una llamada a la reconciliación, la paz, lo absurdo del resentimiento. P.— El amor a esta edad tiene algo de incomprendido... H.A.— Y de absurdo. Fíjate hasta qué punto, porque se enamoran a sabiendas de que eso va a durar nada. Esta relación no es una relación común de amor. Es más positivo. Ahí no hay nada, ni un futuro, sólo hay un presente y los personajes son más generosos, más realistas. Ellos no programan, ellos viven. J.S.— Ahora la gente mayor está mucho más abierta, pero hace años,

cuando venía la menopausia, la mujer desaparecía. Lo que es bonito de eso es que viven el momento y no piden nada más. El encuentro les llena, les estimula y les gratifica y les lleva a un terreno de paz y armonía que impregna a toda la familia. Y el amor del niño... hay una semillita que es el futuro y se lo deja a ella como legado. P.— Parece que el amor en esos términos fuera más honesto. J.S.— Claro, ella se lo dice a él: «No te quejes de lo que tenemos, que casi nadie lo consigue en esta vida: ni a nuestros años ni en la juventud». Porque todos nos vamos encerrando y, a medida que la gente se va haciendo mayor, se encierra en los sueños perdidos, en los que no ha podido realizar. La gente mayor vive un poco amargada y por eso recuperar un poco la alegría de vivir es muy importante. P.— ¿Qué les aporta esta obra? H. A.— Me ofrece un entorno de trabajo que me proporciona la felicidad de esa repetición constante que es el teatro. La alegría de que esté funcionando bien y la posibilidad de vivir de esto. Lo que pasa es que el teatro tiene la posibilidad de poder ir mejorando noche a noche. J.S.— Cada día tiene que estar vivo. El teatro ya es algo sagrado. H.A.— Ese señor anónimo que pagó su butaca y dispuso de un tiempo para vernos... Eso es un milagro. La sonrisa etrusca. Teatro Bellas Artes. Desde el 11 de marzo.

Energía caribeña en estado puro. Un vendaval cubano hace vibrar a partir de hoy los Teatros del Canal con el espectáculo Bésame mucho. El Musical de las pasiones. Buena dosis de humor, alegría y fusión de ritmos latinos son el ingrediente de este musical, el primero 100% cubano que exporta la isla al mundo. Un género, este del musical cubano, que está investigando Yolena Alonso, fundadora de la compañía Yoldance, heredera de la prestigiosa saga Alonso. El musical es un homenaje al bolero y en él se pueden reconocer temas clásicos como Bésame mucho, Sabor a mí o Contigo aprendí, aunque algo versionadas, como dice Alonso, para conseguir acercarlos a la juventud e intercalándolos con géneros como el hip hop, el mambo, el funky, la salsa o la bachata y todo tipo de ritmos latinos contemporáneos. De hecho, Alonso admitía que en Bésame mucho «se refleja el quehacer de la juventud cubana en este momento». Sobre el escenario 30 artistas, entre cantantes, bailarines y músicos que pretenden transportar al espectador a un barrio de La Habana para contarle una historia de amor entre dos jóvenes de diferente condición social. El espectáculo, que contiene 10 coreografías y 30 títulos de canciones resulta, según Alonso, muy homogéneo y no hay una parte que predomine sobre el resto. Música, baile y texto tienen la misma relevancia escénica. «Aunque sucede en La Habana podría ocurrir en cualquier lugar del mundo», añade la fundadora de la compañía. Si bien es cierto que quien conozca la capital cuba-

Escena de ‘Bésame mucho’. / E.M.

na reconocerá a los personajes típicos de la ciudad, como el artista barrendero, la bicitaxi, el trío de músicos del malecón o la vendedora de calenticos (ropa interior de mujer). Bésame mucho. Hasta el 3 de abril en Los Teatros del Canal (Cea Bermúdez, 1).


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. SÁBADO 25 DE SEPTIEMBRE DE 2010

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Ocio ZAHI HAWASS

drid habrán despertado tanta expectación como la suya. Gracias a usted y a los medios de comunicación Egipto vive una segunda juventud. R.— Acabo de estar en Estados Unidos y vendieron para otra conferencia 2.500 entradas. Aquí parece que ha pasado algo parecido, eso quiere decir que Egipto ha llegado ya al corazón de mucha gente. P.— Está empeñado personalmente en que le devuelvan todo el arte que yace desperdigado por el mundo. R.— Acabamos de conseguir que nos devuelvan cinco ataúdes que estaban en Estados Unidos y esta misma semana he enviado una carta oficial de petición del ministro de Cultura egipcio a su homólogo alemán para que nos devuelvan el busto de Nefertiti. P.— Pasa mucho tiempo promocionando Egipto, ¿no echa de menos estar al pie del cañón? R.— Si te digo la verdad, me siento en mi despacho sólo cuando estoy escribiendo mi libro y realizo poca labor administrativa, porque delego. Paso por mis excavaciones todos los días. Hay muchas personas a mi cargo. No podría dirigirlas si no las controlara directamente. P.— Usted concede los permisos a las expediciones, algunos se quejan de lo duro que es para dar permisos. R.— Todos los criterios que mane-

Secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto

«La pasión ha edificado mi personalidad» BEATRIZ PULIDO

Zahi Hawass (Egipto, 1947) es uno de esos personajes que si no existiera, habría que inventarlo. Lo llaman el Indiana Jones cairota. Jamás suscita indiferencia. Arqueólogo de reconocido prestigio, es también el encargado de conceder los permisos para las excavaciones que se realizan en su país. El secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades y viceministro de Cultura de Egipto es criticado por su excesivo protagonismo y su nada disimulada egolatría y es alabado por su trabajo a partes iguales. Lo que es un hecho es que ha devuelto a Egipto a la primera plana internacional y generado una expectación inusitada por el país. Pregunta.— ¿Por qué Egipto es la reina de la Historia antigua?, ¿quizá porque es una de las pocas esperanzas que tiene el hombre de encontrar en el pasado el misterio de su propia existencia? Respuesta.— Eso es cierto. El Antiguo Egipto captura los corazones de medio mundo porque el misterio está ahí. Por ejemplo, algunos piensan que el mundo desaparecerá dentro de poco tiempo y creen que dentro de las pirámides existen las claves para salvar el mundo. El misterio, la magia, las momias, todo esto lo encontramos en Egipto, por eso sigue cautivando al público. P.— Afirma que sólo se ha encontrado un 30% de lo que aún hay enterrado, ¿cree que sólo poseemos ese porcentaje del conocimiento que tenían los egipcios sobre la realidad? R.— Estoy de acuerdo. Ahora mismo estamos realizando excavaciones en la pirámide escalonada. Llevamos tiempo buscando nuevos ha-

llazgos relativos a Imhotep, prácticamente un dios de la arquitectura. La parte occidental de esta pirámide nunca había sido investigada. Si descubrimos la tumba de Imhotep conoceremos la sabiduría oculta que albergaba este hombre. Hay tantas cosas que no conocemos aún del antiguo Egipto: el secreto de las pirámides, la tumba de Cleopatra y Marco Antonio... Descubrirlas nos desvelarán, sin duda, todos los secretos relativos a su conocimiento. P.— Un grupo escocés aseguraba hace poco haber encontrado los restos de Imhotep, ¿qué probabilidades hay de que lo sean en realidad? R.— Ninguna. Lo que vieron a través de satélite fue una construcción de mampostería, pero hay centenares de ese tipo en Saqqara. El único sitio donde podían estar los restos de Imhotep, en mi opinión, es en el lado occidental de la pirámide escalonada. Hay evidencias que tienen que ver con la princesa Hatshepsut y su amante, el arquitecto Sen-en-Mut, que vivieron 1.000 años después que Imhotep. En eso estamos trabajando. Es algo que aún no habíamos contado a nadie. P.— ¿Lo más importante está aún por descubrir? R.— Por supuesto. Ahora mismo estoy buscando en Alejandría las tumbas de Marco Antonio y de Cleopatra, en Saqqara, la de Imhotep, seguimos investigando en la Gran Pirámide. Son grandes hallazgos que revelaremos este año y en 2011. Y en un mes anunciaré algo muy importante que tiene que ver con Ramsés III, el último soberano importante del Imperio Nuevo. P.— ¿Es usted tan apasionado en la vida real como en su trabajo?

El Antiguo Egipto captura los corazones de medio mundo porque el misterio está ahí Lo más importante está por descubrir. Busco las tumbas de Cleopatra y de Marco Antonio Hawass, con su característico sombrero, ayer en el hotel Ritz. / GONZALO ARROYO

R.— Todo lo que hago está teñido de pasión. Esa pasión ha edificado mi personalidad. Que algo te guste no es suficiente, ni siquiera lo es que lo ames. Si colocas tu pasión en ello lo haces grande. La pasión es lo más importante que tengo en la vida. P.— Antes los mecenas de las excavaciones eran ricos algo extravagantes con ganas de aventura. Hoy

¿cuál es el perfil del que financia las excavaciones? R.— A mí particularmente me financia el Gobierno egipcio y alguna televisión, como Discovery Channel, la televisión japonesa o National Geographic. Estos últimos pagan por construir luego una historia que exhibirán en sus canales. P.— Pocas conferencias en Ma-

El vigilante del sagrado patrimonio de Egipto F r a n c i s c o J . M a r t í n Va l e n t í n / T e r e s a B e d m a n Algunos dicen que se trata del mismo Kheops vigilando fieramente las pirámides de Guiza, y Egipto entero. Yo prefiero verle como Hemi-Unu, el arquitecto de la Gran Pirámide. Él fue quien concibió y desarrolló la materialización de lo que, sin duda, constituye la primera de las siete maravillas del mundo: es Zahi Hawass. Teresa Bedman, mi esposa, y yo mismo, lo conocimos antes de ser encumbrado a la responsabilidad máxima de la custodia de las antigüedades egipcias. Este sumo sacerdote del siglo XXI es el vigilante atento del sagrado patrimonio del Egipto de los faraones. Los rasgos de nuestra

experiencia personal con él tienen los perfiles del trato con un personaje salido de las brumas de lo antiguo. Desde la respetuosa lejanía recordamos una entrañable cena con él y con Hamdi Zaki, su buen amigo, en Madrid, cuando dio su primera conferencia en el aula magna del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de la calle de Serrano, justo a la espalda del lugar donde Howard Carter vino a contar a los madrileños su descubrimiento.

El doctor Zahi Hawass está muy cerca de nuestros corazones porque, desde que fue designado para regir los destinos del

patrimonio arqueológico egipcio, se convirtió en adalid de la defensa a ultranza de la memoria de Egipto, que es nuestra propia memoria. Él ha reivindicado y luchado por el regreso al Valle del Nilo de todo lo que a Egipto pertenece; él ha dignificado a los que prestan sus servicios cuidando del patrimonio de Egipto; él se ha enfrentado a quienes han querido seguir colonizando lo que no les pertenecía. Y, sin embargo, Hawass ha sido y es un hombre que ha abierto sus brazos a los que limpia y honestamente se han colocado detrás de él para trabajar por la memoria y el espíritu del Egipto Eterno. Ha dado todo su

jo para concederlos están públicamente registrados. Cuando llegué a esta oficina en 2002 lo puse por escrito. Es igual para todo el mundo: la necesidad de estar bajo el auspicio de una institución, como una universidad o un museo, o la obligación de publicar todo lo que se descubra, etcétera. Esas reglas preservarán nuestro patrimonio.

generoso y desinteresado apoyo a personas como nosotros para que podamos trabajar de acuerdo con su ideal para proteger los monumentos de Egipto y rescatar su historia. Hawass ha distinguido muy especialmente a la egiptología de nuestro país, amparando proyectos como los nuestros: el Proyecto Sen-en-Mut (TT353), y el Proyecto Visir Amen-Hotep, Huy (TA 28) en Asasif que, actualmente, se llevan a cabo en Egipto. Él es un gran amigo de España y lo sigue demostrando hoy, al igual que lo hizo cuando su reino eran las pirámides de Kheops, Kefrén y Mikerinos. ¡Bienvenido doctor Hawass a su otro hogar: España! Francisco J. Martín Valentín y Teresa Bedman son director y gerente del Instituto de Estudios del Antiguo Egipto de Madrid.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. SÁBADO 26 DE JUNIO DE 2010

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Ocio IVÁN MELÓN LEWIS Pianista de jazz El músico cubano acaba de publicar su primer trabajo titulado ‘Travesía’, grabado a la manera tradicional, en directo, sin edición, ni plaquetas. Actúa el lunes con su quinteto en la sala Clamores y contará con invitadas como Concha Buika o Sandra Carrasco

‘Siempre ha habido sectarismo en el jazz’ BEATRIZ PULIDO

Concha Buika dice de Iván Melón Lewis (Cuba, 1974) que es un músico que dice la verdad. El pianista cubano se expresa verbalmente con una apertura, una extroversión y un optimismo que a fuerza había de manifestarse en su forma de entender el jazz. Es uno de los músicos con más talento que viven en España, acaba de sacar su primer disco titulado Travesía. Pregunta.— ¿Travesía es la culminación de un sueño? Respuesta.— Totalmente. De alguna manera, el publicar un disco venía incluido en el mismo pack que

«El publicar un disco venía incluido en el mismo pack que me trajo de Cuba» «Yo soy extrovertido, me estoy riendo todo el tiempo. Mi música tiene que ir por ahí» «Los músicos de jazz solemos ser bastante espontáneos para lo bueno y lo malo» me trajo de Cuba. Pasaban los años y no se materializaba. Llegar aquí y adaptarse a otra vida lleva tiempo. P.— ¿No cree que es un poco arriesgado para el primer disco grabarlo a la manera antigua, esto es, en directo, sin edición, ni plaquetas? R.— En mi caso no, porque lo sentí como un concierto más. Quizá llevaba un poco el nervio de saber que sólo tenía una vez para tocar. P.— ¿Es que en el jazz nunca sale mal nada? R.— Al revés, en jazz siempre sale algo mal, pero tocamos muchísimo juntos era un poco hacer lo que sabíamos hacer. P.— Alguien decía que el Jazz no es más popular porque a la gente no le gusta demasiado la incertidumbre. R.— Nunca lo había escuchado, puede ser. La gente no está mucho por la labor de intentar entender, leer entre líneas o ver lo que hay entre las imágenes. Quiere conexión rápida, disfrutar desde el principio y no tener que pensar demasiado. Eso ocurre en todo el arte. P.— Y eso que el jazz, por ese carácter de improvisación que posee, no necesita pasar por el filtro de la mente y va directamente al sentir. R.— Pero precisamente ofrece

mucho espacio a los intérpretes y creadores introvertidos. Es el terreno perfecto para que desarrollen ese intimismo y ellos son muy sinceros. No buscan el aplauso fácil y por eso mucha gente no concuerda con ellos, porque no quiere oír a un intérprete rebuscado. P.— ¿Pero usted no es de esos? R.— No podría, por mi carácter. La gente toca, pinta, actúa, baila, canta como es y por esa regla muestra lo que es. Yo soy extrovertido, no oscuro, me estoy riendo todo el tiempo. Mi música tiene que ir por ahí. A pesar de que por mi formación, mis gustos y mis estudios me gusta darle vueltas a las cosas, pero no me colocaría en ese espacio reservado. P.— Y los músicos de jazz que emplean tanto la improvisación, ¿viven luego en esa incertidumbre? R.— En general, los músicos de jazz solemos ser bastante espontáneos para lo bueno y lo malo. P.— Trabaja mucho con Concha Buika, ¿qué le aporta a su música? R.— Con ella he encontrado casi un alma gemela. Es la espontaneidad controlada. A veces se descontrola y le sale su más puro espíritu africano y entonces es maravillosa. Me aporta mucha motivación. Cuando voy a tocar con ella siento los nervios de la primera vez y llevamos ya cinco años tocando. Tenemos muchas cosas en común a la hora de plasmar la música. P.— Su quinteto cubano es escandalosamente joven. R.— Eso aporta mucha frescura. Nos conocemos hace mucho tiempo y todos somos cubanos. Es una coincidencia porque yo no busco colegas para tocar. Creo que debes interactuar con la mayor cantidad de músicos que puedas para enriquecerte. El hecho de ser cubanos aporta un plus porque hay códigos entre nosotros que no se aprenden, ni se escriben, se dan a la hora de tocar.

«Quiero que el flamenco entre en mí, pero que lo haga a su aire, a su tiempo» «Ser músico de jazz es un ejercicio bastante antiguo de superviencia» «A los festivales vienen los de siempre: Corea, Marsalis... Son muy buenos pero hay otros»

P.— Uno de ellos, Roman Filiú, decía que un pianista de jazz tenía que sonar como una orquesta y que usted lo hacía. R.— El piano es un instrumento muy completo que se toca con todos los dedos de la mano. Es un instrumento de percusión, porque son cuerdas percutidas, posee melodía y armonía. Es la referencia de la orquesta. Cuanta más capacidad de pensar como una orquesta, en grande, más aportarás al grupo. P.— Lleva muchos sonidos en la mochila y últimamente ha introducido uno más: el flamenco. R.— Es fácil aliar el jazz con el flamenco, son músicas tan espontáneas. Tienen muchas cosas en común. Miles Davies ya lo sabía y sacó un disco hecho sobre flamenco. Lo

reclamo que no sea el de los grandes nombres. R.— Sí, es la única razón por la que lo hacen. En parte estoy de acuerdo porque así me nutro de su sabiduría, pero es hora de que los músicos de las nuevas generaciones, que tienen ya una edad y una madurez importante, encuentren más espacio. P.— Pero en Europa hay una especie de corriente de intercambio en la que España no participa. R.— No y eso me duele porque vivo aquí. Lo que atañe al gremio musical español jazzístico para bien o para mal a mí me influye. Este es mi modo de vida y lo necesito expresar como necesito respirar. Diría que en mi caso es una necesidad espiritual. Veo que hay hueco porque lo hay, entonces ¿qué pasa? ¿por qué siempre viene BB King? Hay gente en Europa, en África, en Rusia, buenísimos y muy jóvenes y luego vienen y tocan los de toda la vida. Yo no digo que venga todo el mundo, hagamos una selección pero hay nivel de sobra para que suenen también otros. P.— Diría que ser músico de jazz en España es ser un superviviente? R.— Sí, y eso que a mí no me va mal, pero ANTONIO M. XOUBANOVA es un ejercicio antiguo de superviencia. que quiero es que el flamenco entre P.— ¿Hacia dónde va el jazz, hacia en mí, pero que lo haga a su aire, a el mestizaje étnico quizá? su tiempo y que mi forma de maniR.— Totalmente. Es muy buena festarlo sea lo más coherente con la cosa que lo sea. No todo es espontaforma de entenderlo. Que vaya sur- neidad y buena onda en el jazz. A giendo en mí sin forzar. ver si se elimina así el sectarismo. P.— ¿No cree que en España miraP.— ¿Hay sectarismo en el jazz? mos demasiado al jazz de EEUU? R.— Sí, hay músicos que tratan de R.— Desafortunadamente, porque establecer clases. Eso lo ha habido esa inercia juega en contra de la gen- siempre y en otros géneros, como en te que está saliendo. Está claro que la música clásica, también. Lo que aquel país ha aportado muy buenos consigue es limitar el desarrollo y la jazzistas y en cierta época, los mejo- creatividad. Es absurdo porque tores, por eso luchar contra los iconos dos aportan tantas cosas al resto es muy complicado. A los festivales ¿por qué perdernos eso? Por ahí voy de jazz vienen los de siempre: Mar- y por ahí seguiré, además lo hago a salis, Chick Corea... Ellos son muy conciencia. buenos pero hay otros. De hecho Iván Melón Lewis presenta Travesía. El siempre ha habido muchos. P.— Quizá el problema es que los lunes, a las 23.00 horas en la Sala Claprogramadores no confían en otro mores (Alburquerque, 14).


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 29 DE JUNIO DE 2010

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Ocio JAIRO ‘MUCHACHITO’ Líder de Muchachito Bombo Infierno

«En la calle aprendí a no tener ansias»

Genuina danza árabe en el Raks Festival de Rivas MAURILIO DE MIGUEL

CARLOS MORAL

Se ha curtido como músico tocando en la calle y es en ella donde se encuentra cómodo. Por eso nos cita en una céntrica terraza en la que Jairo ‘Muchachito’ se presenta de blanco inmaculado («me voy a hacer las fotos de la primera comunión», bromea). Junto a su grupo, Muchachito Bombo Infierno, será uno de los platos fuertes de los Veranos de la Villa, que arranca hoy con Paco de Lucía. Ellos se subirán al Escenario de Puerta del Ángel el próximo lunes 5 de julio para presentar los temas de su tercer álbum Idas y vueltas. Pregunta.– ¿Lo de la moto en la portada del disco es porque va como una moto o porque sólo lo hace en su moto, como Obús? Respuesta.– ¿Cómo quién? P.– Como Obús, el grupo heavy español… R.– ¡Ahhhh! Había entendido como Bush… (risas). La moto es, en realidad mi bicicleta. Primero hicimos el vídeo de La noche de los gatos, después grabamos el disco y cuando tuvimos que solucionar el arte del disco, como queríamos hacer una cosa distinta, las fotografías del vídeoclip nos dieron mucha vidilla para cambiar el tercio. P.– ¿Cómo ha sido la grabación entre Barcelona y Jerez? R.– Cada disco es partir de cero. Me encerré en el garaje (el estudio La Cueva, en Barcelona) e hice como 30 canciones. No funcionábamos por horarios. Me iba para allá a las nueve de la mañana y lo mismo salía a las cinco. Y había días que ya ni salía. Todo el equipo iba turnándose y yo iba haciendo la producción con cada uno de los chicos. También estuvimos dos o tres días

BERNARDO DÍAZ

en Jerez, en los estudios La Bodega. P.– Y allí colaboró el grupo flamenco Soniquete de Jerez, en el tema Palabras. ¿Cómo los descubrió? R.– Son unos chavales del barrio de Santiago. Les escuchamos en el estudio y a mí me encantaron. Tienen una energía guapísima. Llevan poco tiempo, pero es que en Jerez juegan a hacer el compás desde que son pequeños. P.– También ha contado con Estopa

en el tema Cuestión de suerte ¿Qué han aportado los hermanos Muñoz? R.– Sobre todo mucha alegría. Yo con Estopa me encerraría a grabar discos y podríamos hacer tres seguidos porque me encanta la cabeza pensante que tienen los dos. Tienen mucho talento. P.– ¿Qué influencia ha tenido el vino fino en el sonido definitivo del disco? R.– Total. En el estudio, a las do-

Premios a las mejores miradas PHotoEspaña. Graciela Iturbide y Chema

Conesa obtienen los principales galardones BEATRIZ PULIDO

La búsqueda del efecto poético y de la abstracción la condujeron al blanco y negro. La mirada de Graciela Iturbide (México, 1942) es una de las más reputadas de América Latina. Desde el principio de su carrera como fotógrafa le interesó reflejar la vida cotidiana de las culturas indígenas de México, aunque últimamente se ha centrado más en los objetos y los paisajes. La fotógrafa mexicana ha obtenido el Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2010, como se declaraba en el fallo, «como reconocimiento a sus más de 40 años de trayectoria profesional, en los que se ha erigido como una figura fundamental de la

fotografía contemporánea. Sus imágenes, plenas de belleza y potencia, han plasmado gentes y lugares de todo el mundo a los que ha accedido de forma cercana a la antropología y siempre desde el respeto. Iturbide, mediante herramientas como la paciencia y la invisibilidad nos revela realidades asombrosas que trascienden las fronteras de su país natal». PHE ha querido reconocer también la labor del editor Chema Conesa (Murcia, 1952), subdirector de El Magazine, concediéndole el premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en fotografía. El galardón tiene en cuenta no sólo la obra fotográfica del artista murciano, en la que destaca sobre todo el retrato, si-

‘Nuestra Señora de las Iguanas’,

no también su dirección de la colección PHotoBolsillo (con obras de fotógrafos españoles), además de su trabajo como editor gráfico, tanto en prensa como en el mundo editorial. El premio del público, que conceden los internautas de www.phe.es y www.elmundo.es a la mejor muestra de la Sección Oficial del festival, ha

ce de la mañana, era un ritual que todo el que estuviera allí sacara el catavinos. Yo no me daba cuenta y me he zumbado una cantidad de botellas de fino… Pero bueno, tampoco tenía que conducir ni nada. P.– Para este Idas y vueltas también ha resurgido el G-5 (grupo formado por Muchachito, Kiko Veneno, Tomasito y Los Delinqüentes). ¿Cómo ha sido ese reencuentro en el estudio? R.– Aprovechamos el tiempo muy bien. También grabamos El mosquito suicida para el disco de Kiko, grabamos un tema para Los Delinqüentes y alguno más que no recuerdo, por el fino (risas). P.– Ahora que parece que el G-20 no se pone de acuerdo en nada, ¿cuál es la receta del G-5 para capear la crisis? R.– Kiko Veneno te respondería que nuestro plan es conquistar el mundo y gobernarlo. Como plan queda un poco lejano (risas). P.– Otro tema del disco es Cuatro días tú y yo. ¿Cuál es su plan perfecto para cuatro días? R.– Uno muy simple: cuatro días sin hacer nada con una persona que te quiera. P.– La bella y el músico es una adaptación libre de La bella y la bestia. ¿Los músicos como usted tienen mucho de bestias? R.– Se nos trata como tal. Hay recogidas de firmas para quitar la música ambulante, las terrazas… Pero cuando la cosa funciona parece que es muy importante para los ayuntamientos. P.– ¿Qué es lo más importante que aprendió tocando en la calle? R.– A no tener ansias.

correspondido a la muestra Entretiempos, Instantes, Intervalos y Duraciones, que se puede ver en el Teatro Fernán Gómez; Vanesa Winship ha obtenido el galardón Descubrimientos PHE Brugal Extra Viejo, que le permitirá en 2011 presentar una exposición en solitario. En cuanto al resto de los premios que ha repartido el festival destaca el obtenido por la galería Casado Santapau en la exposición Yesterday’s sandwich 1969-1970, de Boris Mikhailov; el reconocimiento como mejor libro de fotografía del año ha correspondido a Soviet Aviation, editado por Lampreave en la categoría nacional, y Atlas Monographs: Max Pam, editado por T&G Publishing, en la categoría internacional. Aperture Foundation ha sido premiada como editorial destacada del año. El revelación Room Mate Hotels ha sido para Carlos Irijalba. Mientras que Giuseppe Moccia ha resultado ganador del Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos por el trabajo El chico de los miércoles, un trabajo que aborda el día a día de Christopher, un joven de 18 años con síndrome de Down.

El 80 aniversario del coreógrado Mahmud Reda sirve como leitmotiv al festival Raks 2010, que desde hoy extiende su programación hasta el próximo 4 de julio en distintos espacios culturales de Rivas-Vaciamadrid. Secretario de Estado para las artes y neofolclorista de danza oriental en Egipto, renovador de su escena con trabajos de campo impagables, Mahmud Reda fue la figura internacional que presentó el Raks Festival, ayer tarde, en la Casa Árabe, acompañado por Farida Fahmy (primera bailarina de la compañía Reda) y Gema Martín Muñoz (directora de Casa Árabe). Versó su conferencia sobre la arqueología y el nuevo alcance del baile egipcio antes de que se proyectase en la sala la película Amor en Karnak, relato romántico entre bailarines de Medio Oriente. Y, a renglón seguido, se anunció la próxima comparecencia de Mahmud Reda el 3 de julio en el auditorio Pilar Bardem, firmando la coreografía que Nesma y su compañía Al-Ándalus servirán como plato fuerte de este festival. Una compañía española de danza oriental, que el año pasado bailó en la Ópera de El Cairo y en la mismísima Biblioteca de Alejandría. El flamenco árabe de Luciano Galiani en solfa, acompañado de más danza, marcará el listón artístico en el Centro Cultural García Lorca de Rivas, una vez que allí se celebren talleres y otros shows, hasta el jueves. Nugum llevará bajo los focos la danza tribal y de Bollywood, en el citado auditorio Pilar Bardem el viernes. Y, entretanto, se sucederán los espectáculos inspirados en las caderas del Creciente Fértil, a cielo descubierto, en la plaza del Ayuntamiento de Rivas. El oasis de Siwa y Asswan son dos de los grandes epicentros de la danza egipcia, tal y como ha llegado hasta nosotros. Que haya hecho fortuna bajo formulaciones como la danza del vientre ya es otro cantar. La progresiva afición del público español al baile árabe viene a despejar dudas, en escuelas como la que frecuenta la bailarina Nesma, estrella en esta edición del Raks Festival.

ឣ Mañana 30 de junio a las អᅲ19.00 horas se celebrará el

coloquio «NH Hoteles y RPT Tenis, el triunfo de la marca», acto presentado por Emilio Sánchez Vicario que tendrá lugar en la Ciudad de la Raqueta, en la calle Monasterio de El Paular, 2 (Madrid). Estarán presentes Gabriele Burgio, presidente de NH Hoteles, y Luis Mediero, presidente de RPT (Registro Profesional de Tenis).


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. SÁBADO 11 DE SEPTIEMBRE DE 2010

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JOSEP PONS Director de la Orquesta y Coro Nacionales de España OCNE

«Hemos construido mucho, hemos conseguido girar la piel al proyecto» BEATRIZ PULIDO

Posa tras la falda de una docena de partituras de películas de cine decoradas con un lapicero con dos puntas: una de color azul y otra roja, que lleva siempre en la caja de la batuta. Josep Pons es locuaz y entusiasta de su trabajo. Emplea las manos para conducir sus respuestas y, si es necesario, canta para aclarar algún concepto. «Los músicos no conocemos el blanco y el negro. Todo está lleno de matices», alega, justificando así su desbordamiento gestual y de palabra. Esta tarde sube el telón de una temporada diseñada bajo la inspiración del cine, con el ciclo Septiembre Sinfónico. Pregunta.— Póngame un titular a la presente temporada. Respuesta.— Creo que el de Séptimo Arte sirve. Contiene un poco de todo: música de cine, música para el cine.... El cine nació más con vocación de música que de texto. Esta temporada entablamos un flirteo entre la música y el cine. P.— Decía usted que inventar conlleva riesgo, ¿en qué se arriesga este año? R.— Siempre hay novedades, por ejemplo contamos con la presencia de Osvaldo Golijov en Carta Blanca. Además, dentro de la temporada, aunque el tema principal sea el cine, éste es tratado desde diversas ópticas. Tenemos obras sinfónicas hechas para el cine, pero también hay obra que nos interesa más que es la música que escogieron los cineastas para sus películas. Es curioso, porque en algunos casos la película consigue cambiarnos la percepción que teníamos de una pieza en particular. Es lo que ocurre, por ejemplo, con el Adagietto de la Quinta Sinfonía de Mahler después de ver Muerte en Venecia. Ya nunca se volverá a escuchar de la misma manera. P.— En su forma de entender la dirección de esta casa ha pretendido siempre tender puentes entre las diversas disciplinas artísticas. R.— Solía decir que nuestro trabajo debe ser pedagógico, pero sin ofender, sin que se note. No debo defraudar al espectador más inteligente, pero tampoco puedo condicionar al que no tiene más interés que relajarse un rato en la butaca. Lo que exprima cada oyente de la obra es cosa suya, pero si uno busca más no debo defraudarle. Si una obra consigo ponerla en un contexto con otras, mejor. Si ofrezco la Octava Sinfonía de Mahler en una temporada donde el tema es Fausto le ofrezco otras posibilidades al oyente. Una obra es una experiencia acústica pero puede resultar una experiencia estética. P.— Cuando llegó usted al cargo se le comparó con Simon Rattle, ¿sigue teniéndolo como referencia? R.— Simon Rattle me ha gustado mucho por bueno. Cuando yo llegué no era tan popular, yo le vengo si-

«El reto sería conseguir que los veinteañeros vinieran al auditorio masivamente» «He recibido mucha ayuda de los políticos. Ellos me han ido ganando» «Desde que estoy ha habido ganancia, pero este año creo que perderemos abonados»

ran masivamente. Haría falta un trabajo muy fuerte, sobre todo en las universidades. P.— ¿Dónde podemos encontrar la identidad de la OCNE? R.— En muchos sitios. Hay una identidad sónica que hemos ido moldeando con el tiempo. Yo he podido dejar una huella en el repertorio, en cómo lo afrontamos, en los discos que irán quedando y que darán buena cuenta del repertorio, que es clásico pero posee un aspecto de modernidad que se manifiesta en la forma de abordarlo. P.— Ahora que ha consolidado la orquesta, dijo que prestaría mayor atención al coro, ¿eso en qué se traduce? R.— En la orquesta hemos venido realizando reajustes a nivel interno y eso es lo que pretendemos llevar a cabo también en el coro. Aunque trabajemos juntos creemos que el coro puede tener vida propia, con sus programas y otras orquestas. Queríamos potenciar esto, pero ahora todo lo que es actividad externa se encuentra paralizado. P.— El año pasado hubo 400 abonados más, ¿qué pasará esta temporada? R.— No hemos cerrado aún. Tenemos todas las salidas externas paralizadas. La Orquesta SERGIO GONZÁLEZ ha tenido un 12% de recorte en operaciones coguiendo desde que entrara en la Bir- merciales. Desde que estoy yo, siempre ha habido ganancia pero este mingham Symphony Orchestra. P.— Él hablaba de la necesidad de año creo que perderemos abonados. P.— A los tres o cuatro años de su pensar cómo hacer la música del pasado más actual, tratar de olvidar las llegada decía que le costaba adaptaremociones que produjo y no recupe- se al tempo de la administración, ¿se rarlas. No sé a quién le resultará eso ha arreglado eso? R.— Ahora siento que remamos más difícil, si al oyente o al director. R.— Se refiere a nosotros. El cap- todos en la misma dirección. He tar la atención del público es cosa cambiado mucho mi idea de la funnuestra. El oyente ya ha hecho mu- ción pública. Hay mucha burocraticho, ha pagado una entrada. A noso- zación porque el Estado debe de ser tros nos toca el resto. A veces el pú- garantista. Hemos construido mublico llega con prejuicios de otras cho, hemos conseguido girar la piel versiones que, por un motivo u otro, al proyecto. Quizás a veces no a la les gustaron, cuantos menos se lleve velocidad que yo hubiera deseado, pero se ha hecho. He recibido muuno a la sala de conciertos, mejor. P.— ¿Es usted de los que creen cha ayuda de los políticos. Me han que hay que salir a buscar al público, ido ganando. P.— ¿No se estará burocratizando a evangelizar, como decía Rattle? R.— Sí, pero eso cuesta un dinero. usted? R.— (Se ríe) Quizá, puede ser y Sabemos que el oyente mayor prefiere la música clásica. El reto sería ahora sólo lo que queda es que me conseguir que los veinteañeros vinie- echen.

Llum Barrera es ‘la peor cantante del mundo’ ESTHER ALVARADO

Teniendo en cuenta los personajes que triunfan hoy día en la televisión, el de Florence Foster Jenkins, una mujer que quiere triunfar en el mundo de la música sin tener ni una pizca de talento, nos podría parecer, como mucho, flor de un día. Sin embargo, cuando esta peculiar cantante lírica comenzó su carrera, en 1912, el panorama artístico internacional aún no estaba saturado de friquis. Glorious! es un espectáculo teatral, protagonizado por Llum Barrera y dirigido por Yllana, que recuerda la hazaña artística de esta mujer que, pese a su incapacidad de dar una nota a derechas, fue feliz sobre los escenarios. El Pequeño Teatro Gran Vía estrena el próximo miércoles esta comedia de Peter Quilter, que es la primera vez que se representa en castellano y que lleva a las tablas el «espíritu humano, generoso e ilusionante» de Foster Jenkins. Joseph O’Curneen, director del montaje, explicó que, aunque existen versiones con cinco personajes, ellos han optado por representar la versión de tres, que le da la opción a la actriz Alejandra Jiménez-Cascón de interpretar tres papeles ella sola.

Una función «necesaria» Ángel Ruiz es Cosme McMoon, pianista y, según las críticas de la época, novio «joven y alocado» de Florence, que en la versión teatral ejerce de «punto de vista del autor, que ha transformado al personaje para ser los ojos del público», comentó el actor. Llum Barrera calificó esta historia de «tierna y divertida» y señaló que resulta «muy adecuada» para los tiempos que corren, en los que lo fácil sería «hacer algo sobre la crisis». «Es una función necesaria, porque nos da una lección de vida y de felicidad», corroboró Ruiz. Josema Yuste, productor del espectáculo, hizo hincapié en la lección de Florence, que es «capaz de defender su sueño frente a quien sea». Para interpretar el papel de Florence Foster Jenkins, Barrera explicó ayer que ha tenido que aprender a cantar mal, para ofrecer al espectador la sensación de estar escuchando una canción mal cantada, no únicamente «graznidos». «La gente que haya conocido algo de Florence no puede esperar que sea una imitación perfecta. La historia no está copiada al 100%, sino que está basada en hechos reales», señaló el director. Glorious! La peor cantante del mundo. Pequeño Teatro Gran Vía (Gran Vía, 66), desde el 15 de septiembre.


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EL MUNDO. VIERNES 20 DE NOVIEMBRE DE 2009

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Ocio MAGÜI MIRA Y JUAN JOSÉ OTEGUI Directora y protagonista de ‘La marquesa de O’ Se reúnen en el proscenio del Bellas Artes para llevar a escena un cuento de Heinrich von Kleist. Ella, como director, y él como primer actor en la que será su despedida de las tablas. También es el debut teatral de la actriz Amaia Salamanca

«El teatro es inherente al género humano» BEATRIZ PULIDO de intercambio de pareceres. Lo que maneje un instrumento? Pues es P.— Eso a pesar de que esta sea su Llevan sus vidas subidos sobre el es- más me impresionó es que sabía igual. Lo que ocurre es que estamos última actuación. Imagino que se va cenario, contando historias desde la perfectamente lo que quería. Eso no demasiado habituados a los directo- y no por falta de vocación. piel de múltiples personajes. Magüi implicaba que no valorara las opi- res que desconocen absolutamente J.J.O— Que va. Mi vocación está Mira y Juan José Otegui coinciden niones de los demás, sino que las la formación, el trabajo y la psicolo- intacta. Ahora gozo encima del esdesde ayer, en el teatro de Bellas Ar- acomodaba a sus puntos de vista. gía del actor. Él es el último eslabón, cenario exactamente igual que cuantes, con la adaptación de un cuento P.— Se nota que es actriz. todo lo que conecta al actor con el do empezaba. Por eso creo que es el de Heinrich von Kleist, La MarqueJ.J.O.— Eso se nota en todos los público. Lo puedes tener todo, que momento, precisamente antes de sa de O. Mira como directora y Ote- directores que han pasado por la co- sin actor no tienes nada. En cambio, que se acabe esa pasión y esa ilusión gui como actor que dice adiós a las cina actoral. un buen actor te puede hacer bueno que siento. Supongo que tendré mono. Lo que voy a hacer con mi vida a tablas tras una larga carrera. M.M.— Yo quiero hacer una pe- un mal texto. Eso lo he vivido. Pregunta.— ¿Por qué La Marque- queña apostilla. ¿Se puede concebir J.J.O.— Es que un actor es uno partir de ahora será lo suficientesa de O? un director de orquesta que no ten- encima de una mesa y otro escu- mente potente como para manteMagüi Mira.— Son cosas que no ga formación como músico y que no chando, y ya está. Lo demás que nerme ocupado. se pueden explicar. A veces hay algo que te conmueve especialmente. Te viene ese impulso de contarlo al público y de crear esa complicidad. Esta narración corta también ha fascinado a mucha gente. Kleist es un autor muy poco conocido en España. Un clásico alemán con mucho crédito y muy representado en toda Europa. Ahora está muy de moda en Alemania. Fue un autor maldito. Juan José Otegui.— A mí la historia me impactó. Me pareció fascinante en lo que se refiere a pelea, lucha, de victoria del rompimiento de la mujer ante el inmovilismo de su padre y el humor que suda la obra constantemente. No es Shakespeare ni falta que le hace. Es una joya. M.M.— Me parece que está inspirado en un hecho real. Hay que imaginarse el escándalo que produjo aquel acontecimiento publicado en un diario en la sociedad de la época: Una mujer que se queda embarazada sin saber quién es el padre y que lo busca a través del periódico. P.— Hay dos versiones del cuento: una cinematográfica, de Eric RohMagüi Mira, que ejerce de directora en esta función. mer y una teatral france- Juan José Otegui posa en el Teatro Bellas Artes. / FOTOS: ÓSCAR MONZÓN sa de 2007. Las dos resultaron muy narrativas ¿Cómo se venga (la luz, la escenografía, el baiha planteado esta versión? le, etc.) bienvenido sea mientras que M.M.— Va muy pegada al cuento. «El trabajo de Magüi no moleste. Magüi, como actriz, sa- «Juan José tiene ese Se trataba de llevarlo a escena. Pre- con los actores ha be que el actor cuando empieza una algo que poseen los tendíamos dar a conocer al autor. El obra es como un niño que comienza sido excelente. Sabe grandes actores. Sale texto es prosa poética pero está a andar. Hay que dejarle que camibien lo que quiere» adaptado a la escena. ne, sin presionarle. Estando ahí por y sólo puedes mirarle» P.— Ahora que no nos oye Masi se cae. Eso no lo puede hacer algüi... ¿cómo es como directora? guien si no ha sudado como actor. M.M.— Está aprendiendo. P.— ¿Cómo se porta Juanjo? «En el cine o el teatro «El teatro es un niño J.J.O.— Pues no se nota. Cuando M.M.— Es un maestro. Le ha daen un partido de fútbol no se habla puede haber vocación. do una gran seguridad a los otros que se pone unos del árbitro es porque ha estado bien. En el teatro hay que tres compañeros. Es una estrella en zapatos de tacón y No se nota la dirección. Su trabajo el escenario. Sale y ya no puedes micon los actores ha sido excelente. sentir la llamada» rar hacia otro lado. Tiene ese algo dice: ‘Soy mamá’» Muy amable. Con una gran fluidez que poseen los grandes actores.

M.M.— Estaba reflexionando al hilo de eso que decías y me da la sensación de que el teatro es más vocacional que lo puede ser el cine y la televisión, ¿no lo crees tú así Juanjo? Es un oficio, necesitas vivir, pero hay un plus que quizá la gente que se dedica al cine y a la televisión no tiene. J.J.O.— Estoy de acuerdo. En el cine o en la televisión puede haber esa vocación, pero en teatro es necesario sentir la llamada. De lo contrario no podrías aguantar. M.M.— Tienes que salir a escena en ese momento y no en otro. No se puede posponer. No hay más tomas. Es todos los días a las ocho y media, pase lo que pase en el exterior o en ti mismo. En ningún otro arte tienes ese plus de estar disponible para contarle al público la misma historia. J.J.O.— Y que parezca que es la primera vez que la cuentas. M.M.— Hay algo ahí que no se llega a pagar, que no está en venta, ni tiene precio. Imagino que eso es la vocación. P.— ¿Es posible que estemos viviendo por fin un momento dulce en el teatro español? Las descargas de internet, el mal momento del cine, la mediocridad televisiva todo parece que influye. M.M.— El teatro no tiene competencia, es inherente al género humano. Es artesanía. El cine, por ejemplo, es industria y sí que le afectan circunstancias como internet. Tendrán que buscar otros formatos porque no se pueden poner puertas al campo. Eso no le ocurre al teatro. No desaparecerá jamás. El teatro es un niño que se pone unos zapatos de tacón y dice: «Soy mamá». El ser humano necesita ese desdoblamiento. P.— A la marcha de Juan José Otegui se le une el estreno sobre las tablas de Amaia Salamanca, ¿cómo ven las nuevas generaciones que asoman en el horizonte teatral? M.M.— No se puede generalizar. Dentro de esas nuevas generaciones hay gente como Amaia que tiene interés en aprender, que se mide su valía en la propia vida, que se empeña aunque no tenga necesidad. Hay otros a los que no les interesa. J.J.O.— Es muy cíclico. Siempre pasa lo mismo. Hay gente como Amaia con talento y otros que creen que van a hacerse ricos.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. SÁBADO 9 DE ABRIL DE 2011

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La fiesta del mundo ‘cañí’

Londres en 1971, cuando asociaciones de gitanos de 25 países distintos se reunieron para oficializar ese día como su día, reconociéndose entre ellos como un pueblo único a pesar de los diferentes grupos que lo integran. Las intervenciones se suceden y Alberto Ruiz Gallardón, alcalde de Madrid, recuerda el apoyo que ofrece el Ayuntamiento a la integración de esta etnia en la sociedad. «España es gitana, pero Madrid también es gitana», afirmaba Gallardón. Mientras, Leire Pajín, ministra de Sanidad, Política Social e Igualdad, destacaba la gran influencia que el pueblo gitano ha tenido en la cultura española. El acto político termina, pero es ahora cuando empieza la verdadera Ceremonia del Río. Una guitarra y un organillo acompañan la voz de una gitana en una canción romaní que recuerda a un lamento por el pueblo calé. Mientras, las mujeres lanzan pétalos de rosa de todos los colores al Manzanares, recordando con ello al pueblo nómada al que pertenecen. Y los hombres, detrás de ellas, encienden pequeñas velas en honor de sus muertos durante el Holocausto nazi. La prensa empieza a retirarse,

Celebración. Los gitanos festejan su Día

Internacional con la Ceremonia del Río a orillas del Manzanares SARA PERUGA MARTÍN

El Sol acompaña a los gitanos en su día. En el Puente del Rey, junto al Manzanares, empiezan a llegar los primeros calés. Casi todo son mujeres y se resguardan del calor en las sombras que dan los árboles de los jardines de la Casa de Campo. Van a celebrar la Ceremonia del Río en el Día Internacional de los Gitanos. Es su 8 de abril. Se oyen acordes de guitarra y algunas palmas sueltas, pero aún no son muchos. «Yo esperaba más gente de la nuestra, no tantos de los otros», comenta una de las mujeres ante el escaso número de cañís en el evento que tuvo lugar ayer. Sin embargo, no tardan en llegar los autobuses con los gitanos que vienen de los actos institucionales programados para ese día.

Los gitanos más jóvenes afirman sentirse integrados en la sociedad Una amalgama de colores llena entonces el puente. Desde camisas naranjas y moradas, hasta azules chillones y vistosos estampados, pasando por el riguroso negro de los más mayores. Pieles morenas que recuerdan a sus antepasados hindúes del Punjab. Ca-

bellos frondosos y rizados recogidos con pinzas de vivos colores. Su característico acento llena el ambiente. Y cuando se les pregunta por la integración, los más jóvenes afirman sentirse parte del resto de la sociedad, aunque sin renunciar a su cultura. Al poco llegan los políticos y las chicas más jóvenes los reciben gritando «¡Guapo!, ¡Guapa!», mientras de fondo suena una guitarra. Diego Fernández Jiménez, director del Instituto de Cultura Gitana del Ministerio de Cultura, declara que este es un día para todos los gitanos y para recordar la historia de un pueblo perseguido. Mientras, Lisardo Hernández Barrul, presidente de la Federación de Asociaciones Gitanas para la integración laboral y social, promoción y desarrollo del pueblo gitano Calí de Madrid, destaca la importancia de integrarse en todos los ámbitos de la sociedad. «Nosotros somos los arquitectos de nuestras próximas generaciones, por lo que tenemos que hacernos visibles en todos los sitios», afirmaba con orgullo el presidente. Detrás de ellos, una tela azul y verde destaca entre la gente. Es la bandera del pueblo gitano. Verde por los campos, porque son ciudadanos del mundo y azul por el cielo, el techo que los cobija en sus viajes. Éste, además, no es otro 8 de abril. Ayer se cumplían 40 años de la reunión que tuvo lugar en

Lanzan pétalos al río y encienden velas en recuerdo de sus muertos y su historia

Leire Pajín y Alberto Ruiz Gallardón, ayer en el Manzanares. / GONZALO ARROYO

LITA CABELLUT Premio Nacional de Cultura Gitana

«Las formas físicas no son importantes, me interesa el alma de las personas» BEATRIZ PULIDO

El nombre de Lita Cabellut (1961) quizá no le diga nada aún. Es la eterna paradoja de un país que espera siempre que vengan otros de fuera a reivindicar al artista antes de abrirle la puerta del museo o del auditorio. Dicen que fue la calle la que forjó a la mujer y a la artista por partes iguales. Lita nació en la Barcelona humilde. Su sangre gitana latió en el Raval, en el puerto, en el Mercado de la Boquería y en las Ramblas, donde creció rodeada de artistas callejeros y de prostitutas, vendiendo estrellas de colores que ella misma confeccionaba. Ella dice que ahora hace lo mismo. «Cuando vendo un cuadro tengo la sensación de que me están comprando una estrella». Se empapó de calle. Cuenta que en el orfanato cambiaba platos de comida a compañeros para que le

escribieran obras de teatro que ella misma les dictaba, pues no sabía escribir. «Podía haber sido cantaora o bailaora», pero el caprichoso destino la llevó de puntillas hacia la pintura. A los 19 años marchó a Holanda para profundizar en la pintura y ya no regresó. Estos días vuelve a España y a Madrid para recoger el Premio Nacional de Cultura Gitana, en la modalidad de artes plásticas. Además, dentro de unos días inaugurará la Galería Kai-Dikhas, la primera galería de arte gitano del mundo, situada en la Moritzplatz, en pleno centro de Berlín. A pesar del impacto que supone encontrarse cara a cara con cualquiera de sus retratos, la fuerza de aquellos rostros que miran desde el otro lado descansa en esos ojos que parecen escrutar al visitante y pene-

trarle hasta las entrañas. Trabaja en series de personajes que le interesan: Camarón, Don Quijote, Edith Piaf, Frida Kahlo... «He vivido tanto que estoy acostumbrada a reconocer la intensidad de la vida. Los personajes que escojo son ejemplares. Ojalá que la gente estuviera tan intensamente consciente como ellos de lo que es la vida». Con cada serie puede permanecer de cinco meses a dos años. Depende de lo que consiga extraer del personaje. «Para mí es una obsesión profundizar, conseguir sacar esos ocres que no son visibles», dice. Esa visibilidad se hace más evidente al crear cuadros inmensos que requieren para pintarlos una mayor destreza y una técnica depurada. Dice Lita que al ser una gitana adoptada por unos payos, algo que ocurrió cuando tenía 13 años, se encontró

Lita Cabellut. / SERGIO GONZÁLEZ

de repente en tierra de nadie y el pintar cuadros tan grandes «era una forma de decir aquí estoy yo». En sus lienzos se mezcla la pintura clásica y la modernidad cromática, gracias al uso de una intensa paleta de color. Como dice el crítico Robert C. Morgan, Lita Cabellut tiene el don, esa gracia de «trasladarnos al

pero ellos no quieren terminar aún su fiesta. Puestos en círculo, hombres y mujeres empiezan a dar palmas y una joven gitana baila en el centro. Las cámaras los enfocan y ellos no tardan en ponerse a cantar. Lo llevan en la sangre y no dudan en demostrarlo.

desconocido mundo del espíritu». Es eso lo que la lleva hacia sus personajes. «Las formas físicas no son importantes. Es el alma de esa persona, el misterio que guarda lo que me interesa», confiesa antes de desvelar que le hubiera gustado ser psiquiatra y escritora. Lita consiguió verter el dolor de Frida Kahlo en el instante en el que le quitaban la prótesis los médicos para descubrir si podría o no volver a andar, y lo hizo a través de una canción de Enrique Morente. Pintó a Edith Piaf, con la que se identifica mucho y tuvo que dejarla a medio camino. «Las dos hemos vivido de forma extrema las mismas experiencias. Tuve que parar. Cuando traté de retratar su decadencia sentí que me estaba encorvando como ella». Dicen que los grandes artistas acaban pintando el mismo cuadro. Es precisamente lo que hace Lita: «Empiezas pintando algo ajeno y lo haces tan propio que acabas haciendo un retrato tuyo. Cada retrato que pinto es un autorretrato».


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EL MUNDO. LUNES 25 DE OCTUBRE DE 2010

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CON MUCHA CARA / «Dennis Succo es un chaval de colegio americano pijo, insoportable» / «Mi sangre italiana se ve a través de mi sangre argentina» / «Me puse en bolas a los 20 años en una ópera porque en aquel momento me daba igual» / «Me gusta más la ironía que el absurdo» / «No soy falso pero de primeras no se me conoce» / «Me gusta provocar»

JUAN PABLO DI PACE / ACTOR Y CANTANTE

«España no es un país cruel» BEATRIZ PULIDO

«En los grupos de gente me cohíbo, me crié solo y socialmente quizá me falte algo, aunque en el escenario me sobrepongo»

Juan Pablo Di Pace ha trabajado con Meryl Streep en ‘Mamma mia!’. / ANTONIO HEREDIA

RETRATO Origen. Buenos Aires (1979). Curriculo. Actor, cantante y bailarín de origen argentino y de sangre italiana. Ha participado en musicales como Fiebre del sábado noche, Grease o Chicago. En cine actuó junto a Meryl Streep en Mamma mia! Hace cuatro años, obtuvo su primer protagonista con el filme Three, sólo volverán dos, interpretó a Felipe en la

adaptación de Quién teme a Virginia Wolf para la BBC. Debilidades. «La familia, no veo nada más importante». Virtudes. «Soy perfeccionista. Me gusta el detalle». Defectos. «Soy muy desorganizado en mi vida privada». Aficiones. «Estar con los felinos».

sical y sus vídeos los tuve en cuenta para crear mis videoclips. Thriller fue el primer disco que nos regaló mi padre. Después de la muerte de Michael me volvió toda esa pasión por él. Y en cuanto a La Historia Interminable, bueno, me siguen atrayendo las cosas fantásticas. La interpretación, por ejemplo, me trae a la realidad, pero la música es más intuitiva. P.— Decía en una entrevista que iba para artista... R.— Mi madre es pintora, nací en un ambiente de artistas y con un interés por las cosas prácticas. Me pasaba horas dibujando. Tuve incluso una entrevista a mis 12 años con los estudios Disney para ser dibujante. Eso hasta que pisé el escenario por primera vez. P.— Meryl Streep o .... R.— O nadie más. P.— Iba a decir Kelly Brook. R.— No, Meryl Streep. Es la reina del universo en su profesión. Verla afrontar después de 1.000 películas los papeles como si fuera la primera vez. Se notaba que antes de entrar al set y de actuar hacía mucho trabajo. Te das cuenta de que no hay nadie que lo haga fácil aunque lo parezca a veces.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

En este polifacético artista argentino late una pasión algo contenida por una buena dosis de timidez. Al menos fuera del escenario. Su canción acaba de inaugurar temporada en el programa de Antena 3 El Club del chiste y el año que viene publica su primer disco. Pregunta.— Dice que es caótico, puntilloso y detallista, ¿eso casa bien? R.— Viniendo de una familia de artistas, siento que el caos es mi hogar. Quizá padezca algo de la neurosis del artista, al menos en lo que se refiere a la vida cotidiana: lavar, planchar, etcétera... pero en lo creativo, en el trabajo, sí que soy muy tiquismiquis. P.— ¿Y hacia dónde va? R.— (Se ríe) Aunque he hecho un poco de todo en escena mis dos grandes pasiones son la música y la interpretación. Así que cualquier camino que me lleve por ahí. Mi primer disco saldrá en el mes de febrero. Y me gustaría hacer más cine. P.— ¿Cuándo se subió por primera vez a un escenario? R.— A los 17, por accidente, en una producción grande que se hizo en el colegio de Grease. A mí me tocó hacer el personaje principal. P.— ¿Prefiere a Tony Manero o Dennis Succo? R.— A Tony Manero. Dennis Succo es un chaval de colegio americano pijo, insoportable. Manero tiene valores y pasión por el baile. P.— ¿Dónde se aprecia su sangre italiana? R.— Se ve a través de mi sangre argentina. El argentino es una mezcla de italiano, español y sudamericano. P.— Latino en todo caso. R.— Sí, aunque viví en Londres y eso me enfrió un poco. Me enseñó la puntualidad y la disciplina. P.— ¿En Madrid qué ha aprendido? R.— A disfrutar más de la vida, de la cualidad humana de la gente. La belleza de España es que su gente es normal y buena. Hay otros países que son crueles, España no lo es. P.— A veces va un poco de provocador, ¿es una actitud o usted es así? R.— Bueno, si te refieres a los vídeos musicales y algunas escenas subidas de tono, son cosas que uno hace en una determinada edad. Me puse en bolas a los 20 años en una ópera porque en aquel momento me daba igual.

P.— Ahora no lo haría. R.— Creo que no. No sabes la experiencia que es estar delante de 3.000 personas. Es intimidante. Pero diste en el clavo, sí que me gusta provocar. P.— ¿Y lo de la timidez dónde encaja? R.— En los grupos de gente me cohibo, me crié solo y socialmente quizá me falte algo, aunque en el escenario me sobrepongo. P.— ¿Cuándo descubrió su lado cómico? R.— A los 17 años. Me atraen las series británicas de humor como The office. Es humor negro y sutil. Me interesa más la ironía que el absurdo. P.— ¿La improvisación se le da bien? R.— Siempre que sea en argentino. Si le tengo que poner acento español me resulta difícil. P.— ¿La última vez que lloró de la risa? R.— Hace poco, jugando con las cartas a policía y ladrón con mi familia. P.— ¿En qué circunstancias se le puede conocer mejor? R.— Por la mañana, con los pelos levantados. P.— ¿Es transparente? R.— Depende. No soy falso, pero de primeras no se me conoce. P.— Dígame una frase que me haga pensar. R.— La única certeza en la vida es la muerte, el resto es todo posible. P.— De pequeño adoraba el vídeo Thriller y La Historia interminable. R.— Michael Jackson fue un referente mu-


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EL MUNDO. SÁBADO 16 DE OCTUBRE DE 2010

Ocio

La alargada sombra de la desigualdad E. M.

BEGOÑA RIVAS

L. MERLO y M. BARRANCO Actores Protagonizan la obra ‘Tócala otra vez, Sam’, dirigida por Tamzin Townsend en el Teatro Maravillas

«Nadie se pelea tanto con sus sentimientos como Allen» BEATRIZ PULIDO

Luis Merlo y María Barranco poseen química cómica, si se puede decir, fuera y dentro del escenario. Incondicionales de Woody Allen, exhiben su talento interpretativo en una de las primeras comedias del genio del humor. Pregunta.— ¿Recuerdan cuándo se percataron ustedes de su vis cómica? Luis Merlo.— En el escenario, haciendo personajes. Los personajes de humor que funcionan son aquellos que no saben que lo que les está sucediendo es gracioso. Esa es la clase de humor que a mí me gusta ver y también el que intento hacer. El actor no pretende ser gracioso, como todo lo que le ocurría a María Barranco en Mujeres al borde de un ataque de nervios, sino que deja que el personaje lo sea. María Barranco.— Yo creo que también depende de cada cuál. Luis, por ejemplo, tiene mucho humor. Te dice: ‘hola, como estás, me he tomado un sandwich’ y te mueres de la risa por cómo te lo cuenta. Cuando yo empecé a hacer teatro en Málaga, hi-

ce mucha tragedia. Allí había gente muy graciosa y yo no lo era. Fue al venir a Madrid cuando me decían que era muy graciosa. Y yo que pensaba que iba para tragedia griega. P.— Viendo la cartelera teatral parece claro que lo que el público demanda es comedia. L.M.— Creo que el público suele relacionar la diversión con la risa. Woody Allen fue el filósofo de la carcajada porque habla de los grandes temas pero tiene una visión muy de-

«Se habla del miedo a envejecer, el miedo a morir, a la soledad, al abandono» «Woody Allen es un neurótico maravilloso. El ateo con más rabia de ser ateo del mundo»

formada hacia lo cómico. No es un humor vacío. La gente se ríe pero de temas que le interesan. Curiosamente, a mí el género que más me interesa es la tragicomedia. M.B.— En el humor de Woody Allen siempre están sucediendo cosas. Se habla del miedo a envejecer, el miedo a morir, a la soledad, al abandono. Casi todos sus personajes están bastante tocados. En nuestra misma función somos cinco personajes y el que más y el que menos... L.M.— Woody Allen es un neurótico maravilloso. El ateo con más rabia de ser ateo del mundo, el psicoanalizado con menos fe en el psicoanálisis, el romántico menos romántico. Todo eso le imprime tanta personalidad a todo lo que hace que te acabas contagiando de la infelicidad del personaje y del que lo ha escrito, pero es una infelicidad cómica. Nunca conocí a nadie que se peleara tanto con los sentimientos como Allen y sus personajes. M.B.— Sí, nuestros dos personajes son, además, un poco clónicos, como dos Woody Allen caminando por un espejo. P.— Se dice que Tócala otra vez, Sam es la comedia perfecta. M.B.— Yo creo que es una obra maestra. Tiene momentos muy tiernos, de morirte de risa, de pena. Es redonda. L.M.— Además, recurre a un personaje de ficción como Bogart. Así, dentro de la ficción teatral, conviven cine y teatro a la vez. Es perfecta, no sólo por la construcción de la comedia, sino porque cuando después de la carcajada parece que lo que queda es la cáscara vacía Allen introduce elementos humanos, como el miedo a la muerte, a la soledad. Me gusta esa frase que dice que en el teatro no tienen razón los críticos, ni los que hacemos teatro, ni los que lo ven. El único que tiene razón es el tiempo. Si después de 30 años, esta obra sigue teniendo vigencia es que es buena.

P.— Un creador así vendría bien en España. L.M.— Y en todas partes. Es el Valle-Inclán americano, quería proponer algo en contra de la sociedad americana, que exhibe el culto a la belleza, el culto al éxito, el todo vale si ganas y él se ríe de todo eso, como hacía Valle. Y propone otra visión: los americanos somos gente culta, sensible, inteligente y perdedora, y fea y baja. Cuando veo la cartelera me doy cuenta de que un 80% son reposiciones. Todo está inventado. M.B.— Todo está inventado, pero es verdad que en esta historia la gen-

«Nuestros dos personajes son, además, un poco clónicos» «Si después de 30 años esta obra tiene vigencia, es que es muy buena» te que la ve se siente identificado con algunos de los personajes. P.— ¿Cuánta libertad habéis tenido a la hora de interpretar vuestros personajes? M.B.— Luis lo tenía muy limitado porque es un señor que mide uno ochenta y pico, guapísimo, pero se transforma y entre camerinos no se le reconoce. Se queda debilucho. L.M.— Si Woody Allen supiera que hay uno en Madrid que le gana no a talento, sino a neurótico. M.B.— Hay que darle el mérito a la directora, que nos mueve de aquí para allá. Yo mi personaje lo siento como si me hubieran hecho un vestido, me queda monísimo. No me sobra ni me falta por ningún lado.

Los fotógrafos Gervasio Sánchez, Javier Bauluz, Walter Astrada y Juan Median protagonizarán hasta el 14 de noviembre la muestra La alargada sombra de los muros, múltiples visiones en la que reflejan las distintas desigualdades sociales en el mundo. La exhibición se enmarca en el ciclo organizado por La Casa Encendida, en colaboración con el Instituto de Estudios sobre Conflictos y Acción Humanitaria (IECAH), en el que se analizarán los principales muros físicos y psicológicos que hay en el mundo y «las alargadas sombras que proyectan». El ciclo incluye seis mesas redondas, la citada exposición de fotografías, la proyección de documentales, el estreno de películas y una esquina del hablante. «A través de su mirada, los fotógrafos nos cuentan distintas desigualdades sociales en diferentes rincones del planeta, fruto de los trabajos que han elaborado durante años y que nos presentan en una selección de

Una imagen de Javier Bauluz.

seis imágenes cada uno», confiesa Maite Carrasco, comisaria de la exposición y coordinadora de las jornadas. Las imágenes de Bauluz, Premio Pulitzer, servirán para ver cómo el muro de la pobreza separa a los ricos de los miles de niños que recogen basura en los vertederos de Nicaragua. Astrada, World Press Photo 2010, reflejará a través de sus imágenes las consecuencias del machismo en Guatemala, India y El Congo, «el muro de la violencia contra las mujeres». Sánchez, Premio Nacional de Fotografía 2009, enseñará el «muro de la mutilación» a través de las víctimas discapacitadas del conflicto de Sierra Leona. Por último, Juan Medina exhibirá los muros físicos de las fronteras mediante las imágenes de inmigrantes «empeñados» en prosperar. Más información en www.lacasaencendida.es

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EL MUNDO. SÁBADO 17 DE JULIO DE 2010

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Ocio me, que ahora cojo los papeles y lo primero que busco es dónde tengo que llorar. La gente tampoco quiere ver más dolor. Ya hay bastante dentro de uno mismo y alrededor. Creo que el público entra con más facilidad en el humor. P.— En Porno casero actúan con poco acompañamiento escénico. R.— Sí, queríamos que el escenario estuviese totalmente limpio. Hay cuatro alfombras y varios asientos de cartón. El vestuario es mínimo y los cambios de sketch se hacen de cara al público. Estamos completamente al servicio de la interpretación.

«Quiero reírme. Creo que el público entra con más facilidad en el humor» «Soy todo tripas. Yo soy contraria a ese tipo de teatro que te produce dolor» La actriz, protagonista de la obra ‘Porno casero’, posa el pasado jueves en la Sala Triángulo. / GONZALO ARROYO

MARIANA CORDERO Actriz

«Ahora quiero hacer comedia» BEATRIZ PULIDO

La experiencia y las ganas están conduciendo a Mariana Cordero, a sus 60 años, a tantear los riesgos de su profesión. Y los riesgos una actriz los suele acometer sobre el escenario de un teatro. Más, si cabe, si éste es independiente (Sala Triángulo) y lo que se plantea es una comedia titulada Porno casero, dirigida por un director novel, como Luis Luque, y protagonizada por la propia Cordero y Helena Castañeda. Dos actrices que, a lomos de seis personajes, participan en cuatro piezas decoradas con escasos mimbres escénicos. Pregunta.— Queda claro que a usted le apasiona el riesgo. Respuesta.— Pues sí, y eso que durante bastante tiempo, después de terminar la carrera y hacer mu-

cho teatro independiente, me prometí no volver a hacerlo, pero ha llegado un momento en el que me he dado cuenta de que hay que apostar por hacer cosas que te interese contar. P.— ¿Qué le aporta el teatro independiente? R.— Sobre todo mucha libertad y poca economía que no sacia del todo esos vicios que tenemos de comer todos los días. La cosa está muy difícil para sobrevivir sólo de teatro. P.— ¿Cómo surgió el proyecto de Porno casero? R.— Acababa de terminar una obra de Valle Inclán y quería hablar sobre cuatro temas que me interesan mucho. Los pusimos sobre la mesa y hablamos sobre ellos. José Padilla, que va a ser un magnífico

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

dramaturgo, escribió el texto empleando todo lo expuesto. Aparece, por ejemplo, el tema de la prostitución. Desde que hice Princesas me impresionó la historia de muchas de las mujeres que se dedican a esa profesión. Eran mujeres que no les llegaba el dinero a fin de mes y tenían que sacar a sus hijos adelante. En este caso, las protagonistas hacen porno en casa y luego lo venden; también me interesaba el tema de la soledad, el dinero y la Iglesia. P.— ¿Cómo se relaciona el tema de la Iglesia con Porno casero? R.— A través de la culpa. Tengo 60 años y aún siento ese ingrediente flotando alrededor, así como el del miedo con el que crecimos. Precisamente el tema de la culpa es el que más me ha impactado. No nos damos cuenta,

pero está siempre presente. P.— ¿Pero es comedia? R.— Es comedia, pero de humor negro. Se ve todo el morbo, relaciones entre las personas. Es un porno del alma, no es físico. P.— Parece que ha destapado por fin en esta obra su vis cómica. R.— Solía hacer teatro independiente, sobre todo comedia del arte. Luego decidí aparcar el teatro y empezar a hacer cine y lo primero que me ofrecieron fue Padre coraje y me vieron esta cara de mala leche, con ese pedazo de drama detrás y los directores y productores ya me encasillaron en el drama. Ahora acabo de hacer una película sobre la sensualidad en la tercera edad con Pilar Bardem (La vida empieza hoy) y es comedia. Yo, de verdad, quiero hacer comedia, quiero reír-

P.— Usted es actriz de tripas más que de método. R.— Todo tripas. Yo soy contraria a este tipo de teatro que te produce dolor, pero cuando he tenido que realizar, por ejemplo, alguna escena de celos he trabajado con el recuerdo del perro que tenía cuando era chica. No dejaba que se fuera con ninguna perra. Nunca un hombre me ha dado los celos que me dio ese perro a los siete años. P.— Qué original. R.— Desde luego, aún recuerdo la fuerza de esos celos. También la edad para un actor es fundamental. Ya hemos sentido casi todo: la tristeza, la soledad, los celos, la culpa... Una vez que comprendes el texto lo que queda es llevarlo a emociones reconocidas. Sigo trabajando cuando estoy fuera del teatro. En el metro lo hago mucho. Si observas a la gente te das cuenta de que algunos incluso hablan y te preguntas ¿a esa persona qué le está pasando por dentro? Porno casero. Sala Triángulo (Zurita, 20). Hasta el 1 de agosto.


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EL MUNDO. JUEVES 4 DE MARZO DE 2010

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Ocio para la felicidad. M.A.S.— Pues aquí sí que lo hay. En el escenario también hay sitio para la felicidad, igual que en la vida cotidiana y también para la tristeza. Todas las formas de teatro son necesarias. Lo que me repatea es aquellos que dicen qué es o no es teatro y qué se debe ver. P.— ¿Cómo son las expectativas de El placer de volver a verla después de lo que pasó con El diario? B.O.— Durante la gira que hemos hecho antes de llegar a Madrid, la gente que vio El diario de Adán y Eva no se ha sentido defraudada. En

«El público nos ha demostrado que éste es el teatro que necesita y quiere» «La mayor parte de la gente normal sale con ganas de llamar a su madre y de ir a verla»

Blanca Oteyza y Miguel Ángel Solá (de espaldas), en un momento de la obra ‘El placer de volver a verla’. / EL MUNDO

MIGUEL ÁNGEL SOLÁ Y BLANCA OTEYZA Actores Después del éxito de ‘El diario de Adán y Eva’ y, tras el accidente que él sufrió en enero, vuelven a subirse al escenario el próximo día 8 para interpretar, en el Teatro Amaya, ‘El placer de volver a verla’, en cartel hasta el 2 de mayo

«En el escenario también hay sitio para la felicidad» BEATRIZ PULIDO

En un salón repleto de vida cruje el fuego dentro de la chimenea. Lo hace suavemente, como para no desentonar con la música dulce de guitarra y piano. Los perros entran, saludan y marchan, igual que una de las

hijas de la pareja que se detiene para acariciar el pelo de Miguel Ángel Solá (Buenos Aires, 1950), recuperado del accidente que sufrió hace mes y medio y que les retrasó el estreno de El placer de volver a verla. Solá y su mujer, Blanca Oteyza (Madrid,

1965), llevan ese brillo de teatro en los ojos que se incendia cuando hablan de papeles y personajes. Pregunta.— Está usted plenamente recuperado. Miguel Ángel Solá.— Sí y también teníamos que estrenar ya. Apenas quedan dos meses para terminar la temporada y todo eran gastos. Se perdió el dinero invertido en la publicidad y lo que se hizo previo al lanzamiento. Sólo se han acumulado deudas. Si a la gente le gusta la obra volveremos al Amaya en septiembre. P.— ¿Cómo se ven el uno al otro? Blanca Oteyza.— A nivel artístico es un grande y no porque lo diga yo. Respira talento por todos los lados. Es absolutamente creativo y muy generoso con el otro. Aporta todo lo que tiene en cualquier proyecto y sabe mucho porque lleva mucho en esto. Yo le tengo un profundo respeto. M.A.S.— Blanca es la ilusión viva. Es una compañera maravillosa. Me da mucha tranquilidad y seguridad estar trabajando con ella y me divierto mucho. El diario de Adán y Eva lo hicimos dos 1.000 veces. Ésta la podríamos hacer 3.000 y seríamos igualmente creativos cada día. Es mi cómplice inventando, trabajando o hipotecándonos. Soy feliz trabajando con ella.

P.— El autor de la obra, Michel Tremblay, en su literatura tiene a la mujer en un lugar destacado. M.A.S.— Sí, en este caso, el protagonista se encuentra a los 50 años preguntándose a quién tiene que agradecerle todo lo que es y se da de bruces con su madre. Creo que Tremblay habla por boca de la mayoría de los seres humanos.

«Miguel Ángel es un grande y no porque lo diga yo. Respira talento por todos los lados» «Blanca es la ilusión viva. Me da seguridad. Trabajando con ella me divierto mucho» B.O.— Es muy honesta la obra. Normalmente las relaciones madrehijo que se llevan al escenario suelen ser muy tortuosas. P.— Tremblay es optimista, pero dice que en el escenario no hay sitio

Madrid llevamos una venta adelantada impresionante. Después del accidente, nadie devolvió la entrada a pesar de no saber cuándo íbamos a estrenar. El público nos ha demostrado que éste es el teatro que necesita y quiere. P.— Se están acostumbrando a hacer teatro con pocos mimbres. B.O.— Es cierto que para nuestros montajes no empleamos ni grandes efectos especiales, ni grandes escenografías, ni grandes alharacas. El acento lo ponemos en otras cosas. M.A.S.— Tanto los montajes de El diario como el de ésta eran complicados. Tenían 230 movimientos de luz y de sonido que no se veían. Eso era lo maravilloso de nuestro director, que se excluye como personaje. Cree que la historia la tienen que contar los actores y se escapa. Hay otros directores que tienen grandes subsidios y pueden armar grandes parafernalias y a lo mejor olvidan al ser humano. P.— ¿El teatro de los sentimientos entraña un riesgo? M.A.S.— El riesgo es que los secos de vientre lo llamen cursi pero no pasa nada porque la gente es la que decide. Nosotros no somos actores mediáticos, no pertenecemos a ninguna primera plana de nada. Somos actores-actores, de comer lo que generamos y tiene que ser buen pan. El diario de Adán y Eva estuvo tres años en un cajón. Nadie quería saber nada. Por eso cuando estrenamos lo hicimos con escenografía y vestuario, no teníamos un céntimo para nada más. B.O.— El teatro que nos gusta hacer es muy cercano. A los 10 minutos de la función sabes que la historia que está ahí es la tuya. Si te abres a la emoción, te emocionarás. M.A.S.— Igual que El diario te acariciaba en un lugar esta obra te acaricia en otro. La mayor parte de la gente normal que conocemos sale con ganas de llamar a su madre y de ir a verla.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 10 DE MARZO DE 2010

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De izquierda a derecha: Belén Gómez, Charo Fuentenebro, Ione Hernández y Juana Macías, realizadoras participantes en la sección femenina de la II Semana del Cortometraje. / JOSÉ AYMÁ

BELÉN GÓMEZ, CHARO FUENTENEBRO, IONE HERNÁNDEZ Y JUANA MACÍAS Realizadoras Participan hasta el próximo domingo en la XII Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid. Sus trabajos podrán ser visionados en los cines Golem durante toda esta semana dentro de una sección del festival que privilegia la realización femenina

Protegida y reconocida mirada de mujer

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

Tienen en común su condición de mujeres españolas y el hecho de que emplean el corto para contar sus historias. Charo Fuentenebro, Belén Gómez, Ione Hernández y Juana Macías pertenecen a dos generaciones de realizadoras (las dos primeras son más jóvenes que las dos últimas), algo que se pone de manifiesto, sobre todo, a la hora de entender la protección especial que se debe o no otorgar a la mujer por el hecho de serlo. Pregunta.— Se decía que el corto era el gimnasio para los cineastas, pero en los últimos años ha adquirido entidad propia Ione Hernández.— Ahora encontramos con que mucha gente, después de hacer largos, sigue haciendo cortos. El corto es una pieza cinematográfica que a todos nos gusta. Juana Macías.— Es un campo de experimentación. Se ha convertido en un camino de ida y vuelta, ya no es un género sólo de paso. P.— La década de los 90 fue buena para el despegue del cortometraje, ¿qué le ha traído el siglo XXI? J.M.— Para mí, el verdadero boom ha ocurrido a partir del año 2000. Todos los directores ya consagrados hicieron sus cortos por aquel entonces, pero ahora hay una producción enorme y llega muy lejos, a muchos festivales. Belén Gómez.— El hecho de que los festivales se hayan abierto a aceptar otros formatos que no son sólo de cine ha dado unas oportunidades enormes a mucha gente.

I.H.— Y la revolución tecnológica ha ayudado mucho. Me asombra la cantidad y la calidad de cortos que hay cada año. P.— Y dentro de eso el corto español se puede decir que está a muy buen nivel. J.M.— Yo lo veo mucho más variado y arriesgado que el nivel que puede tener el largometraje.

«El ‘boom’ ocurrió a partir del año 2000. Pero ahora hay una producción enorme» «La riqueza creativa y de contenidos la veo en los festivales de cortos, no en el cine» «Siempre está ese hombre que te dice que estás en este festival porque tienes tetas» I.H.— La riqueza creativa y de contenidos la veo en los festivales de cortos, pero no en el cine. B.G.— También ha ocurrido en muchos casos de realizadores de cortos que tenían una creatividad que han perdido al pasar a dirigir largometrajes. I.H.— Hay muchos factores que

intervienen en el largometraje. Has de contar con la audiencia, las preventas y ventas. Hay mucha gente que opina y al final se pierde esa libertad que a todos nos gusta tanto en el corto. P.— Las cuatro participan en La mujer en corto, ¿creen que aún hace falta cuidar especialmente a la mujer? I.H.— Ese debate es complicado. Si reivindicamos algo como minoría no se entiende, porque no está basado en el hecho artístico. Se debe defender el buen cine, esté hecho por quien sea. Pero viendo la trayectoria de la mujer en el mundo del cine se ve bien por qué le cuesta más hacer una película. No tiene que ver con el hecho de ser mujer si no con su ciclo natural, por ejemplo, con el hecho de tener hijos. J.M.— Dedicarse a este oficio de dirigir es más difícil para una mujer que para un hombre, por sus circunstancias como mujer. Para mí lo importante es que ya que hay mujeres que dirigen y que su trabajo se ve un poco menos, este tipo de muestras puede servir para que sean un poco más visibles. P.— ¿Creen que hay una mirada femenina? I.H.— Yo me atrevo incluso a decir que sí. En esa mirada están nuestras vivencias, nuestro filtro como mujeres. Aunque luego es cierto que cada mirada es única. Charo Fuentenebro.— Yo tengo una opinión totalmente opuesta. A veces me ha ofendido el hecho de que alguien me haya dicho que uno de mis cortos se notaba que estaba hecho por una mujer.

ciación si no que se acentúa más. I.H.— Es que de ahí hemos partido. Estoy de acuerdo con que lo que hay que defender es el cine bueno, pero ese cine lo hace alguien y ese alguien tiene un género. No puedes obviarlo. Yo soy la primera que no quiere que la asocien con cine de mujeres. C.F.— Por eso yo los suelo evitar porque siempre está ese hombre que te dice, sin dejar de Historias en pocos minutos tener razón, que >Charo Fuentenebro (1981). ‘La M con la A’. estás en este festiPara que Matilde pueda descifrar lo que pareval porque tienes ce ser una carta de abandono que le ha dejatetas. do escrita su marido tendrá que aprender a J.M.— En este leer, algo inusual para una mujer de su época. festival puede que sí, pero eso no qui>Juana Macías (1971) . ‘Frozen souls’. Tres ta que puedas acudir a otros. hombres conversan con tres mujeres a las que nunca vemos. Los tres hombres sólo B.G.— Si hubiera hablan de sí mismos. un festival sólo de hombres la gente se >Ione Hernández (1970). ‘El palacio de la echaría a la calle. luna’. Una madre escribe una carta a Paul J.M.— Pero no Auster. se debe olvidar de dónde venimos. La >Belén Gómez (1982) . ’Los planes de Cediscriminación pocilia’. Un día antes de su 30 cumpleaños Cesitiva es sólo una cilia encuentra un diario infantil con sus transición. proyectos para la treintena. Aún no ha conB.G.— ¿Pero seguido cumplir ni uno solo de ellos. hasta cuándo vamos a estar así? J.M.— Era como tamos prácticamente equipara- cuando surgió el cine gay y se hidos. cieron multitud de festivales de ciB.G.— A mí, por ejemplo, me es- ne gay. tán seleccionando más que a mis B.G.— Pero era un festival tecompañeros porque hay más festi- mático, el director no tenía que ser vales para mujeres. gay para participar. C.F.— Lo que se consigue sepaJ.M.— Es una forma de darles rando miradas es que nunca se lle- un espacio, un contenido a algo ga a romper esa barrera de diferen- que no lo tiene.

No hay ninguna diferencia entre las miradas. Cada mirada es única independientemente del género. Me molesta mucho que se celebren ciclos dedicados a la mujer o que se hable de miradas de mujer. Es un caso de marginación, porque entonces habría que hablar de miradas de hombre, cosa que no ocurre. En el siglo XXI es-


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EL MUNDO. JUEVES 1 DE JULIO DE 2010

M2 Premio Visibilidad

PETER PAIGE Actor y director Conocido por su papel en la serie ‘Queer as Folk’, recibe esta noche el Premio del Festival Cultural MUESTRA T por la labor que ha realizado en defensa de los derechos del colectivo LGBT

«Soy optimista respecto al futuro porque creo que hemos ganado» BEATRIZ PULIDO

Se puede decir que Peter Paige (Estados Unidos, 1969) siempre estuvo fuera del armario. Nunca ocultó su condición sexual, ni tuvo problemas hasta que su papel de Emmett Honeycutt en la serie Queer as Folk, en la que interpretaba el papel de un joven homosexual, pusiera los focos sobre él. Ocurrió entonces lo que suele suceder en estos casos: dejaron de ofrecerle papeles. Por segundo año consecutivo, el Festival Cultural MUESTRA T concede un Premio a alguien por su contribución a la visibilidad y compromiso con el reconocimiento de derechos LGBT. Si el año pasado el galardón le fue entregado a Stuart Milk, como homenaje a su tío Harvey Milk, al cumplirse los 40 años de los sucesos de Stonewall, este año se ha decidido que sea el actor norteamericano el que lo reciba. Paige es uno de los rostros famosos que han hecho pública su orientación sexual junto con Wanda Sykes, Neil Patrik Harris o Jodie Foster. Admite que lo mejor que se puede hacer para normalizar la situación de los homosexuales es vivir con normalidad y abiertamente esa condición. «Es necesario decirle a la

gente quién eres. Por encima de todo somos personas y no ideas». El actor norteamericano salió del armario con 15 años. Sin embargo, la popularidad que alcanzó con el papel de Emett fue también un freno a su carrera como actor. «Los papeles que venía interpretando antes de Queer as Folk ya no los volví a interpretar más. Si no está escrita la palabra gay en la descripción de un personaje no me lo ofrecen. Y sé que no es a causa de mi forma de trabajar puesto que antes solía hacer esos mismos papeles». Admite que lleva una vida cómoda en EEUU «Hay retos que acometer y algunas dificultades en materias de visibilidad en EEUU, pero yo vivo sin problemas en Los Ángeles. Hay mucha gente homosexual que no tiene tanta suerte y es para esa gente para la que hay que trabajar». Paige es también escritor y director: «Afortunadamente ése es el camino en el que puedo trabajar, ya que como actor lo tengo más difícil, pero sigo decepcionado al respecto». Las misma palabra: «decepcionante» le resulta demasiado fuerte para calificar la actuación de Obama en materia de homosexuales. «Más bien hablaría de un poco de frustración.

Creo que a veces piensa mucho, algo que contrasta con Bush, que nunca pensó demasiado». Sigue confiando en que el actual presidente lleve a cabo las reformas que prometió. «Se ha visto salpicado por una tormenta de mierda», una expresión que el actor emplea para referirse a la crisis con la que se ha encontrado Obama. «Tiene demasiado que hacer en estos momentos, pero les seguimos vigilando». Para el futuro, Peter Paige se encuentra escribiendo una serie y quizá este año dirija la película Sex Crime Panic, inspirada en el libro de Neil Millar y que cuenta la historia de un grupo de hombres incinerados en un psiquiátrico norteamericano por ser gays. «Sentí que era importante que se conozcan los hechos y si no lo hago yo ¿quién lo hará?». Es optimista respecto al futuro: «Creo que hemos ganado porque a los jóvenes les da igual la condición

«Obama piensa mucho; contrasta con Bush, que nunca pensó demasiado»

El actor y director norteamericano Peter Paige. / BERNARDO DÍAZ

sexual de las personas. Hemos luchado muy duro para llegar hasta aquí, pero lo único que puede ocurrir es que todo mejore». Espera que se den dos cambios pronto en su país: la situación de los militares obligados a guardar silencio sobre su condición sexual con la famosa máxima Don’t ask, don’t tell (No pregunte, ni diga), y que se avance en la lucha contra la Ley Federal en Defensa del Matrimonio, aprobada en el 96 en contra el matrimonio gay.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

>ORGULLO GAY


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. VIERNES 5 DE MARZO DE 2010

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SATKIRIN KAUR KHALSA Cantante de mantras

«El mantra cantado en español suena muy bien» BEATRIZ PULIDO

Sea usted un profano o alguien acostumbrado a esta clase de experiencias, asistir a un concierto de Satkirin Kaur no le dejará indiferente. Los mantras que se entonan en el Naad yoga (yoga del sonido) poseen una delicadeza y una hermosura muy profundas. Satkirin lleva casi cuatro décadas siendo el instrumento para que la música vibre en lo más profundo de cada ser humano. Actúa mañana en el Teatro Fernán Gómez dentro del II festival de Mantras que se celebra hasta el domingo. Pregunta.— ¿Cómo supo que el canto de mantras era su camino? Respuesta.— Cuando era joven sentía un intenso deseo por poseer alguna identidad espiritual y comencé a practicar Kundalini yoga. La música llegó como un regalo. Aprendí los mantras, pues son una parte esencial de ese yoga en particular. Más tarde visité el Golden Temple, en la India, y comprobé la fuerza que podía llegar a tener su sonido. Aquello significó para mí una tremenda y profunda experiencia. P.— ¿Qué diferencia los mantras de los sikhs de otras clases? R.— Son de origen hindú también. Pero el sikhismo es muy reciente. Lleva existiendo unos 500 años. Creo que el mantra al ser más contemporáneo le ofrece la posibilidad al ser humano de experimentar la divinidad dentro de sí y no fuera, de ser divino. Cantar estos mantras para mí es un nuevo tipo de yoga, el Yoga del Kirtan

(cántico en sánscrito). Todos los cánticos espirituales tienden a provocar un efecto en el que canta y en el que escucha, pero específicamente los de kundalini son muy poderosos. Sus efectos suceden rápidamente y de una forma profunda. P.— Desde luego los suyos suenan muy occidentales. R.— Será porque nosotros lo somos (Estados Unidos). Los interpretamos y los traemos de oriente. De alguna manera manifiestan esa unión entre occidente y oriente. Para nosotros, los sikhs, todo está

«Los cánticos espirituales afectan a los que cantan y a los que escuchan» «En Occidente la gente no piensa que las palabras poseen un efecto» incluido, nada se excluye. No es una religión separada; es un camino, una forma de vivir. Estos mantras están dirigidos a todos los seres humanos y todos pueden notar sus beneficios. Es una tecnología muy refinada y elevada. P.— ¿Qué es lo que ocurre durante uno de sus conciertos?

R.— Es como cualquier otro pero la gente que asiste se ve involucrada en él y participa activamente tanto en las respiraciones como en los cánticos. Se puede meditar en silencio, cantar o lo que deseen. Lo que bebes no es alcohol sino las palabras de los mantras y en seguida te sientes, y eso es un hecho, muy feliz y elevado. Tendrán seguro una experiencia y sentirán que algo dentro está cambiando. Cuanta más gente venga más fuerte será la experiencia para todos. P.— El idioma que emplean no es el sánscrito. R.— En el origen, el sánscrito era estudiado por una minoría dentro del hinduismo. Así que se creó otra lengua, para que todo el mundo pudiera leerla y entenderla, llamada gurmukhi. Muchos santos indios y musulmanes cantaban esas canciones en aquella lengua y devinieron nuestros mantras. P.— ¿Qué importancia tiene la técnica a la hora de cantar? R.— Ofrece una experiencia y comprensión más profundas. Pero cualquiera puede cantar. Hay que recordar que cantar un mantra es una meditación. Todo sonido porta una vibración que nosotros llamamos naad y el sonido tiene un efecto. En occidente, la gente no tiene la sensación de que las palabras que emplean poseen un efecto. Y ya creo que lo tienen. Si eres consciente de las palabras que empleas y lo haces con cuidado generas un impacto

Satkirin Kaur actúa mañana en el Fernán Gómez. / EL MUNDO

positivo a tu alrededor. P.— Pero también cantan mantras en otros idiomas. R.— El gurmukhi tiene efectos poderosos sobre mente, cuerpo y espíritu. En otros idiomas los efectos se concentran en la mente porque es a ella a quien se dirigen. Nuestro maestro, Yogui Ba-

jan, siempre empleaba el inglés o cualquier otro idioma para que la gente supiera lo que estaba cantando. Lo principal era demostrar que cualquier lengua puede ser sagrada. Por cierto, el mantra en español suena muy bien. Hemos creado uno que se podrá escuchar durante el concierto.


FotografĂ­a


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EL MUNDO. JUEVES 10 DE JUNIO DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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El del escritor Gabriel García Márquez, sentado en la cama, es uno de los sorprendentes retratos que pueden verse en el Instituto Francés de Madrid. / DANIEL MORDZINSKI

El ojo de la literatura PHotoEspaña. El Institut Français reúne 150

retratos de Daniel Mordzinski realizados a escritores iberoamericanos y franceses BEATRIZ PULIDO

A la derecha de la imagen se intuye una ventana que Gabriel García Márquez encara de lejos, con cierta apatía, como si a estas alturas estuviera cansado de mirar. Daniel Mordzinski le ha retratado sentado en el costado de una cama de hotel. A Mario Vargas Llosa también lo imaginó escribiendo tendido en la cama a la luz de vela, como si la inspiración le hubiera llegado de imprevisto entre las sábanas. Más de tres décadas lleva fotografiando aquellos cuerpos que contienen el arte de la literatura. Las tres orillas es el nombre de la exposición organizada por la SECC (Sección de Conmemoraciones Culturales) que se celebra en el marco del festival PHotoEspaña, en el Institut Français de Madrid. Tres orillas son las que bañan la experiencia vital de Mordzinski, argentino de nacimiento, residente en Francia hace tres décadas y con una relación emocional con España. Tres orillas

son también las que dan forma a un triángulo cultural entre América Latina, España y el país galo de donde proceden los escritores fundamentales de Mordzinski. Las 150 fotografías se exponen con motivo de la presidencia española del Consejo Europeo de la UE y

«Los escritores me dan libertad porque les propongo algo rápido, seguro y respetuoso» por las celebraciones del bicentenario de las independencias de los países latinoamericanos. Esta pasión por retratar a los rostros de la literatura la empezó con el titubeo propio de un adolescente. Tímidamente se acercó a Borges y lo capturó en mitad de su oscuridad, aferrado a su bastón, inseparable

compañero de ceguera o a Bioy Casares al que capturó desconcertado en mitad de una barroca habitación. Al artista argentino le sigue sorprendiendo la libertad que le conceden los escritores. «Quizá porque el viaje que les propongo es rápido, seguro y respetuoso». En ese viaje, Mordzinski se ayuda del sentido del humor y de la ironía. Gesto y actitud que le devuelven con un guiño algunos de los fotografiados, como Pierre Michon: «El que mire este retrato, –dice refiriéndose al suyo en el que aparece con los ojos cerrados– debe saber que no estaba quedándome dormido, en aquel preciso instante de junio de 2009; imitaba a Borges, su ceguera, su noche interminable». No pretende desnudarles, extraer de ellos su alma, eso ya lo hacen ellos mismos sobre las letras. Lo que persigue, y suele encontrar, es ese momento de libertad en el que el escritor se libra por un instante de las reticencias de ser fotografiado. Cercas decía al respecto: «Yo, créanme, soy una persona seria, una persona normalísima, pero el tipo de las fotos no; la culpa es de Daniel Mordzinski, que primero le saca a uno el alma de las tripas y luego le retrata». El fotógrafo argentino ha repetido la experiencia con algún escritor como ocurre en el caso del propio Cercas, que denuncia a Mordzinski como «peligro público» porque la primera vez que le conoció acabó medio sumergido vestido en una piscina con un libro de Hamlet en la

mano. También ha retratado a personajes que ya no podrá volver a mirar, como es el caso de Francisco Ayala, Mario Benedetti, Miguel Delibes o Camilo José Cela. Esta fotografía surge un poco por amor al arte, «yo no vivo de retratar escritores», afirma, pero en la película de su memoria, además del regue-

mensaje que más o menos decía: ‘Me llamo Daniel, no soy nadie y nunca hice nada, pero mañana hago mi primera exposición…’. Y le dejaba la dirección. Al otro día estaba allí. Enorme, gigante. Hoy me arrepiento de no haberle dicho que me vine a París por él». Dice también que se presentó en

Javier Cercas, en una imagen de la muestra ‘Las tres orillas’. / DANIEL MORDZINSKI

ro de papel que deje su cámara, quedan cientos de experiencias con personajes desconocidos por el público en su vida cotidiana. Cuenta, por ejemplo, que cuando expuso en 1980 por primera vez en París, llamó por teléfono a Julio Cortázar: «Me atendió un contestador y corté, inmediatamente volví a marcar y le dejé un

casa de Nathalie Sarraute con una caja de bombones en la mano: «Llamé al timbre y le dije: ‘Hola soy un lector’, y me invitó a entrar. Aquella tarde nos comimos el chocolate e hicimos fotografías». Las tres orillas. Hasta el 31 de julio. Institut Français (Marqués de la Ensenada, 10).


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EL MUNDO. SÁBADO 19 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAÑA 2010

Adriana Lestido

da Madres adolescentes (1989-1990) que evoca la soledad y el miedo que sienten jóvenes que han sido madres a destiempo. Una joven es envuelta en una sábana blanca y transparente por su hijo de unos dos años. La situación parece asfixiar a la madre, mientras que el niño la reclama. Todas las sensaciones que brotan de su fotografía tienen que ver con el sentir. La suya es una mirada poética que nace de la introspección a la que somete su proceso creativo. «Hay que echar luz sobre las zonas de penumbra», admite Lestido. La fotógrafa bonaerense mira para comprender. «Me interesa el conflicto humano». Otro dramático trabajo es el que se incluye en Mujeres pre-

El hombre apenas asoma en sus trabajos. La mirada va siempre dirigida a la mujer Su fotografía se interesa por la historia y las emociones que hay detrás ‘Imprisoned women’ (1991/92), en esta serie repite el elemento de la maternidad e incluye el de la ausencia de libertad.

Los anchos muros del amor PHE. Casa de América expone la primera retrospectiva en España de Adriana Lestido,

una de las fotógrafas contemporáneas de referencia en Argentina BEATRIZ PULIDO

A Adriana Lestido (Buenos Aires, 1955) no le gusta mucho hablar de su obra «le quita fuerza y la redirecciona mucho». Por eso deja que sean las citas literarias las que conversen con el espectador en cada serie. Quien quiera encontrar un hilo conductor en su trabajo expuesto en la Casa de América percibirá la dificultad de amar navegando entre las líneas y las imágenes. Lestido resulta esencial para conocer la fotografía contemporánea argentina y, sin embargo, es la primera vez que se puede ver su trabajo en España, a pesar de llevar casi 30 años dedicada a la fotografía. «Más que una retrospectiva de mi obra, lo que aquí se muestra es un proyecto

en sí mismo», dice la fotógrafa. La muestra titulada Amores difíciles comienza por una primera fotografía: Una madre con su hija en brazos. Ambas reivindicando con fuerza y pasión la libertad en la plaza de Mayo (1982). Lestido se involucra en las fotografías. Por eso los niños de la serie Hospital Infanto juvenil (198689) tienen todos nombre. Sus imágenes en blanco y negro están repletas de emociones, de sentimientos y de tiempo. Porque cada fotografía cuenta una historia. «Fotografiar es una manera de ver y de conocer», dice. Su fotografía se interesa siempre por la historia y las emociones que hay detrás de cada instantánea. Esto ocurre de manera clara en esa otra serie titula-

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

‘Imprisoned women’ (1991/92).

sas (1991-93) donde en muchos casos repite el elemento de la maternidad e incluye el de la ausencia de libertad. La artista admitía que la experiencia de esta serie fue la más dura e intensa de su carrera. El hombre apenas asoma en sus trabajos. La mirada va siempre dirigida a la mujer pero Lestido señala que sus fotografías no se detienen únicamente en una problemática de género. «En realidad el hombre está presente en todo mi trabajo. Su ausencia subraya de alguna manera su presencia». Una solitaria camisa de hombre extraída de la serie Amor (1992-2004) parece darle la razón. Sus imágenes se nutren de la fotografía documental aunque le agregan, quizá, la implicación de la fotógrafa en aquello que retrata. En esa implicación consigue no invadir la escena que va a retratar: «Ser una especie de gato que está ahí pero que no hace mucho ruido». Amores difíciles. Hasta el 29 de agosto, en Casa de América (Paseo de Recoletos, 2).


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Las cicatrices de la violencia PhotoEspaña. El Complejo El Águila dedica su

espacio al Premio Descubrimientos y expone ‘Apaleados’, el trabajo ganador del año pasado B E AT R I Z P U L I D O

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

a violencia televisada ha acostumbrado a la sociedad contemporánea a ese tipo de imágenes explícitas donde la agresión es más que evidente. Aún así las fotografías de Harri Pälviranta resultan impactantes por su forma de retratar las huellas que deja la brutalidad en rostros y cuerpos. El año pasado sus imágenes de violencia no pasaron desapercibidas para el jurado que otorgaba el Premio Descubrimientos de PHE. El fotógrafo finlandés estuvo durante dos años persiguiendo obsesivamente peleas, acompañó a la policía durante 50 ó 60 noches, mientras realizaban sus patrullas. «Buscaba jóvenes que se hubieran visto involucrados en escenas de violencia». Así se topó con miles de magullados, cicatrices, heridas y, sobre todo, rostros partidos que miran al objetivo con la escena que acaban de vivir aún fresca en las pupilas. Pälviranta ganó el concurso con su trabajo Apaleados. Algo que le ha permitido exponer este año su obra de forma individual en el Complejo El Águila. Los protagonistas de la serie son las víctimas de una violencia ejercida en espacios públicos. «En Finlandia cualquier cosa que ocurre en la calle puede ser fotografiado, no hay debate sobre la intimidad en estos espacios», admitía el joven finlandés. El rasgo común de todas ellas es la inminencia de la pelea en la escena que está fotografiando. El abuso de drogas y alcohol también está latente en los retratos. Pälvi-

ranta hurga en la herida de un problema social que salpica a toda la sociedad occidental. El tamaño de las imágenes llaman la atención del espectador, no obstante el artista añadía que para evitar jugar con lo morboso construyó todas las imágenes con las mismas dimensiones. Otra de las particularidades que convierten en interesante su documento es su trabajo con una cámara analógica. «Tengo una relación distinta con lo que estoy fotografiando», admitía el finlandés. «Descubría errores o accidentes en el proceso de revelado. Al no trabajar con una cámara digital no puedo ni deseo cambiar nada. Es todo un poco más auténtico». Dedicado al arte y al diseño, el fotógrafo prefiere abordar desde hace unos años otras temáticas más comprometidas. «Ya no puedo trabajar con diseño ligero, para mí se ha convertido en una cuestión de responsabilidad». En la planta de abajo del complejo, tiene lugar la muestra de Descubrimientos de este año. Casi 1000 candidatos presentaron sus trabajos. Sólo 70, pertenecientes a 42 países diferentes, accedieron a la final. Los trabajos han sido elegidos según los criterios de originalidad, interés y coherencia, por profesionales del medio como directores de museos, comisarios, galerías y centros de arte y editores. Descubrimientos08. Hasta el próximo 27 de julio, en el Complejo El Águila (Calle de Rasmírez de Prado, 3).

Una de las fotografías de los participantes en la edición de este año.

Harri Pälviranta ganó el Premio Descubrimientos el año pasado con su trabajo ‘Apaleados’.

Sólo 70, de a 42 países, accedieron a la final.


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EL MUNDO. JUEVES 10 DE JUNIO DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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BEATRIZ PULIDO

El peso del tiempo

La edición número XIII de PHotoEspaña, que se presentó ayer oficialmente, será recordada por varios motivos: primero porque es el último PHotoEspaña. Ayer se inauguró oficialmente el Festival de Fotografía y año de Sergio Mah como comisario Artes Visuales, que se celebra hasta el 25 de julio y reúne 69 exposiciones de la muestra, que completa con éste un ciclo de tres años. También quedará en la memoria PHE10 por el lema propuesto por el propio Mah: Tiempo, concepto que ofrece infinitas posibilidades poéticas y metafóricas que los organizadores de la muestra han sabido materializar con propuestas interesantes. En total 69 exposiciones que se podrán visitar hasta el 25 de julio, 31 de ellas en la sección oficial. La Fundación ICO produce la primera antología de Helen Levitt tras su fallecimiento el año pasado. La suya es una de las grandes miradas norteamericanas de la segunda mitad del XX. Influida por Cartier Bresson y Walker Evans, su trabajo fue un encuentro poético entre la fotografía del instante cotidiano de la gran ciudad y la documentación social de las clases populares. El instante de lo que acontece en una escena cotidiana es desmenuzado por el profesor de ingeniería electrónica Varias personas caminan por la exposición que acoge el Jardín Botánico, donde ayer se inauguró PHotoEspaña. / ANTONIO HEREDIA Harold Edgerton que, interesado por las aplicaciones científicas László Molí-Nagy. Su obra se puede dos o el cine para crear. Su teoría titulada Manhattan: Uso mixto. de la fotografía, consigue descompo- ver en el Círculo de Bellas Artes. Le estética sobre la luz alimentó a vaAdriana Lestido, por primera vez ner la imagen hasta un grado oculto llamaban «el hombre del pasado ma- rias generaciones de artistas. en nuestro país, presenta algunas de al ojo humano. La muestra se exhibe ñana» y fue un artista total: empleaEl Reina Sofía alberga la expo- sus mejores series como Hospital Inen la sala de exposiciones Azca. ba la fotografía, la pintura, la escul- sición colectiva dedicada a la ciu- fanto Juvenil o Madres Adolescentes. Otro pionero en su campo fue tura luminosa, el diseño de decora- dad de Nueva York en los años 70 Sus fotografías, sumergidas en un

tiempo que fluye, cuentan historias. Sus personajes no dejan de tener un nombre. Lestido siempre se implica. La muestra se recoge dentro del título Amores difíciles y se puede ver en la Casa de América. Entre las propuestas de los proyectos invitados destaca la de Isabel Muñoz, que se embarca en un viaje por la mística sufí, de países como Irak, Siria, Turquía o Irán en la exposición El amor y el éxtasis, dispuesta en la sala del Canal de Isabel II. Diecisiete artistas reflexionan en el Fernán Gómez sobre el tiempo en la gran exposición colectiva de PHE, titulada Entretiempo. Instantes, intervalos, duraciones. La imagen de la estética de la moda se transforma cuando se filtra por el objetivo de Juergen Teller, quizá sea porque el prestigioso fotógrafo alemán se ha negado siempre a separar su trabajo dedicado a la publicidad de aquel más autobiográfico. Expone en la Sala Alcalá 31. Un arte efímero que se desvanece o se transforma por el roce de la luz y el aire es el que plantea Óscar Muñoz en el Círculo de Bellas Artes. Allí, Fernando Sánchez Castillo reflexiona en torno al poder y el peso que ejercen determinados símbolos en la sociedad. El Museo de la ciudad entabla un diálogo entre la fotografía española del siglo XIX y autores contemporáneos como Fontcuberta o Fischer.


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E L M U N D O, M I É R C O L E S 4 D E J U N I O D E 2 0 0 8

M2 Ocio

El fotógrafo que pinta paisajes PhotoEspaña. El Museo Thyssen-Bornemisza recoge el original trabajo del artista Florian Maier-Aichen,

en el que conviven el paisajismo alemán del siglo XIX con la experimentación e incluso la documentación B E AT R I Z P U L I D O

F

lorian Maier-Aichen (Stuttgart, 1973) podía haber suscrito aquella famosa frase del díscolo Sigmar Polke: «No podemos confiar en que algún día se harán buenos cuadros. Debemos ponernos manos a la obra nosotros mismos». Sus imágenes se acomodan en esa línea sutil que la modernidad ha dibujado entre la pintura y la fotografía. La del Museo Thyssen-Bornemisza es una de las exposiciones más originales que exhibe este año el festival PHE 08. Como hacían los fotógrafos paisajistas del siglo XIX para retratar los paisajes más inaccesibles, Maier-Aichen ha visitado lugares extremos. Ha alcanzado las cimas de las montañas y sobrevolado en helicóptero diversos territorios para mirar desde allí y conseguir la mayor amplitud posible en el campo de visión. «Lo que importa es el resultado final. No quiero ofrecer pistas que puedan perturbar la mirada», afirmaba el artista. Esa afirmación se ve subrayada por la ausencia de información en la mayoría de pies de foto y, sobre todo, por la manipulación a la que somete su trabajo empleando para ello las nuevas tecnologías. El visitante se aproxima a esos cuadros de fotografía como si lo hiciera a un lienzo, atraído por el color y la belleza. Dejándose atrapar por esas pinceladas que colorean la espuma del mar de rosa onírico y los árboles de un rojo sangre, sin duda, algo extrañado y apabullado por ese cromatismo que le descoloca. El comisario de la exposición y también de PHE, Sergio Mah, ad-

Aunque la mayor parte de las imágenes están tomadas en la costa californiana, al autor no le gusta dar datos concretos. / FOTOS: FLORIAN MAIER-AICHEN

Ante obras como ésta, se aprecia «a los artistas como apasionados fotógrafos» mitía que el joven artista es pintor y fotógrafo. «Ahora que se habla de la crisis que atraviesa la fotografía contemporánea, del fin de una determinada fotografía y de su crisis epistemológica, una discusión poco productiva, lo más interesante es pensar cómo se relaciona la fotografía con otras disciplinas». La forma de trabajar de MaierAichen tiene que ver, también, con esa creatividad que por necesidad se generaba en los albores de la fotografía, cuando los artistas buscaban formas de salvar las dificultades que la técnica de entonces les negaba, como hacía Gustave Le Gray con sus fotos de paisajes marinos, combinando los negativos del cielo y el mar, o Peach Robinson fundiendo dibujos y fotografías. «No es un momento de tiempo lo que pretendo representar. No quiero ser tan explícito como se suele ser en la fotografía. Por eso para mí no es importante el lugar», insiste el artista, aunque muchas de las imágenes de la muestra per-

En ocasiones, su trabajo se acerca a la imagen topográfica. tenezcan a la costa californiana. Su forma de mirar es reaccionaria frente a un tipo de fotografía iniciada en Alemania por el matrimonio Becher (Hilla y Bernd), quienes centraron su trabajo en la arquitectura industrial. En ocasiones, como hace en su

obra Sobre el lago June, su trabajo se acerca a la imagen topográfica. El tratamiento de la fotografía ofrece al espectador una impresión de rugosidad, de textura y de volumen incluso del agua. Pero además, Maier-Aichen, al que se relaciona inevitablemente

Para tomar las imágenes ha sobrevolado en helicóptero muchos territorios. con los pintores alemanes de paisajes del siglo XIX, continúa la tradición que los fotógrafos más innovadores han realizado sobre todo en California, cuyo paisaje parece adaptarse a la perfección a la experimentación. Ante obras como ésta, no se

aprecia a los fotógrafos como apasionados artistas, sino, como decía Rudolf Schmitz, «a los artistas como apasionados fotógrafos». Florian Maier-Aichen. Hasta el 17 de julio en el Museo Thyssen-Bornemisza (Paseo del Prado, 8).


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EL MUNDO. MARTES 15 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAÑA 2010

Helen Levitt

Ocio

Helen Levitt, una poeta del instante PHE. El Museo ICO celebra la primera retrospectiva dedicada a la fotógrafa tras su fallecimiento el año pasado BEATRIZ PULIDO

Alguien denominó ese arte de retratar el instante que ocurre en el escenario del mundo el arte del accidente poético. El maestro en fotografiar ese momento decisivo fue Henri Cartier-Bresson. Durante más de 50 años Helen Levitt (Estados Unidos, 1913-2009) no le fue a la zaga, pero además revistió a la cotidianeidad de un sentido metafórico y así fue capaz de documentar la vida de las clases populares. La Fundación ICO expone la primera retrospectiva de la artista americana, tras su desaparición el año pasado, titulada Lírica Urbana. Fotografías de 19361993, que traza un esbozo cronológico de la obra de la artista. Al mirar las fotografías de Levitt surgen inevitables preguntas ¿Qué es lo que hacen los personajes en ese preciso instante en que ella los capta? ¿Hacia dónde van? ¿Por qué sonríen? ¿a dónde miran?: «La gente pregunta ‘¿qué significa esto o aquello?’. Y yo no tengo una respuesta adecuada para ellos», declaraba Levitt. La artista nacida en Brooklin se movía por los barrios populares de Manhattan y captaba a sus gentes actuando. La calle era el escenario. Sus fotografías parecían composiciones donde la propia casualidad pintaba la escena cotidiana. El comisario de la muestra, Jorge Ribalta, decía que Levitt desplegaba «una coreografía de cuerpos en movimiento». Aunque al principio ella misma hablaba de sus primeros intentos de fotografiar a la clase trabajadora y de mostrar sus condiciones, algo cambió al conocer el trabajo de Cartier-Bresson: «Sus fotografías del instante decisivo fueron una revelación (...). Él nos mostró que usar la cámara para

‘Niños mueca’, Nueva York (1940). Colección privada. / FOTOS: COPYRIGHT ESTATE OF HELEN LEVITT

La artista se movía por los barrios de Manhattan y captaba a sus gentes actuando Levitt continuaría la poética documental que desarrollara Walter Evans ‘Niños caretas’, Nueva York (1942). Colección privada.

captar condiciones era una opción limitada. Así que empecé a fotografiar a personas». Levitt continuaría la poética documental que desarrollara Walter Evans, fotógrafo con el que colaboró durante un tiempo y que se empeñó en construir el equivalente a la poesía en la fotografía. Sin embargo, había algo que la separaba tanto de Evans, como de CartierBresson. Se decía que Evans era

frío, no emocional o distanciado. Y de igual manera Cartier Bresson, parecía provocar un «aura de distanciamiento olímpico, como si el artista hubiera decidido ausentarse voluntariamente», escribía un crítico de fotografía. La visión de Levitt, en cambio, era mucho más cercana y ella, de alguna manera, se convertía en parte de lo que fotografiaba La invisibilidad es otro de los rasgos esenciales de su forma de foto-

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

grafiar. La Leika le permitió esta condición. La mayoría de los fotografiados continuaban en su papel de actores sin percatarse de la presencia de la artista. Incluso solía emplear un visor lateral que le permitía fotografiar sin ser vista. Levitt desarrolló prácticamente su vida profesional en el entorno metropolitano de Nueva York, Comenzó fotografiando el Spanish Harlem en 1936, en donde convi-

‘Niño pistola’, Nueva York (1939). Colección privada.

vían múltiples razas: negros, gitanos y latinos. En su única salida, viajó en 1941 a México. Allí retrató una calle más rural y dramática donde habitaban desposeídos navegando errantes entre la miseria y la locura, como en una especie de supervivencia épica. En la muestra, compuesta por unas 120 fotografías, hay una serie dedicada a su trabajo en color que Levitt frecuentó durante unos años

y en la que no varió su forma de retratar. Posteriormente volvería al blanco y negro. Walter Evans tildó el trabajo de Levitt como de antiperiodismo. Se dice que ella fue una de las inventoras de la gramática fotográfica para el siglo XX. Helen Levitt. Hasta el 29 de agosto en el Museo Colecciones ICO (calle de Zorrilla, 3).


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EL MUNDO. VIERNES 11 DE JUNIO DE 2010

M2 Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

>PHOTOESPAÑA 2010

Juergen Teller

Ocio

El fotógrafo alemán Juergen Teller posa en la sala de exposiciones de la Comunidad de Madrid, donde se exhiben sus obras. / EL MUNDO

«Me gusta la carnalidad del cuerpo» PHE. El polémico creador de campañas para Marc Jacobs o Helmut Lang expone en solitario por primera vez en España BEATRIZ PULIDO

«¿Se considera usted un artista?». Tarda en contestar la pregunta. Después de varias respiraciones, sonríe y dice «sí, por qué no». Lo afirma de la misma manera que podría haber dicho que no. Y añade una muletilla que repite cuando se le pregunta sobre el arte en general y el suyo en particular: «Pero eso tampoco es una cosa que me preocupe demasiado. No me suelo plantear esas cosas». A Juergen Teller (Alemania, 1964) aún le acecha la sombra de cierta timidez. Ha resquebrajado la clásica fotografía de moda de tal manera que su osadía le ha valido un puesto entre los más prestigiosos y cotizados fotógrafos del momento. Se presenta por primera vez en España con una exposición individual titulada Calves and thighs (Terneros y muslos) que ha organizado la Comunidad de Madrid en Alcalá 31. La muestra refleja el trabajo del polémico artista de los últimos cinco años. Teller medita cada respuesta, aunque la mayoría de las preguntas rondan los mismos conceptos y definiciones, aquellos que él mismo ha creado, como que «los artistas son aquellos que desarrollan algo que nadie más podría hacer». Considerado por muchos como una especie de demiurgo viviente de la fotografía, sus trabajos han cruzado el grueso margen de las revistas de moda para adentrarse sin freno en el universo de los museos. A él se le debe la disolución de la frontera entre fotografía de moda y ese trabajo más íntimo, de autor, por

así decirlo, que normalmente queda lejos de las marcas y de la publicidad. «Cuando realizo un trabajo, que no es por encargo, lo que hago surge de mi interior, de lo que siento y de mi intelecto. Si trabajo para Marc Jacobs está claro que tengo que sacar las siglas pero, cómo lo hago, eso ya es cosa mía y me gusta el desafío». Teller comenzó diseñando cubiertas de discos de bandas de música. «La fotografía de moda procede mu-

cho del mundo de la música y trasladé, de forma natural, un mundo al otro porque no quería ceder en absoluto sino hacer cosas a mi manera». Confiesa que le apasiona el mundo de la moda: «Es un espectáculo agradable, emocionante y muy loco. Muchas veces no lo acabo de entender, pero aún así soy sensible a lo que representa visualmente. Me gusta lograr lo que el diseñador quiere mostrar y expresar».

En sus fotografías consigue que dialoguen amistosamente la inocencia y la provocación. De ahí el carácter heterogéneo de su mirada que lo incluye todo. «Mi trabajo es complicado, como la vida. Me interesan muchas cosas: todo lo que me toca, lo que me llega». Otra de las particularidades del trabajo de Teller es el hecho de haberse incluido a sí mismo como un objeto más de su obra. En realidad,

Las piernas de Victoria Beckham, devorada por una bolsa de Marc Jacobs. / JUERGEN TELLER

Un retratado entregado al artista De la campaña que Teller realizó para Marc Jacobs asoma una desconocida Victoria Beckham que parece devorada por la propia marca. Así es Teller, dotado de un poder de convicción tal que es capaz de convertir al retratado en un aliado y conseguir que se

entregue al hecho fotográfico, como él mismo afirma: «Yo trabajo en conjunción con los objetos fotografiados. Necesito que me aporten. Les explico lo que quiero y la idea puede cambiar con ellos. Es una colaboración en cierta manera. Por supuesto que dependo de ellos».

de una manera u otra, todas las fotografías de Juergen Teller son una prolongación de sí mismo, de su personalidad y de su forma de entender el mundo. En 2001, después de mucho tiempo dedicado a la moda, a las actrices y actores, cansado y agotado emocionalmente, quiso sentir, a nivel emocional y físico, cómo sería que le fotografiaran. «Esa experiencia me podía hacer entender cómo se sienten las personas como objetos de fotografía y además descubrir algo sobre mí mismo. Me ayudó mucho. Me hizo más fuerte y consiguió que adquiriera más confianza». En la muestra los espectadores podrán ver los autorretratos del autor siempre inocentemente desnudo, normalmente acompañado, con personajes como Charlotte Rampling. «Desde el principio posé desnudo, porque al trabajar en una fotografía de moda no quería darle muchas vueltas a cerca de un código de vestimenta. Quería que fuera un autorretrato en estado puro. Me gusta la carnalidad del cuerpo humano». Preocupado por el efecto que quiere provocar en el espectador y lo que quiere expresar, Teller no busca la pulcritud en el encuadre o la iluminación. La mayor parte de las fotos están muy preparadas aunque no lo parezca. «Las mejores fotografías parecen conseguidas de forma casual, pero tienen mucho trabajo detrás, aunque a veces me encuentro con algo y lo fotografío sin más». Calves and thighs. Hasta el 22 de agosto, en la sala Alcalá 31.


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EL MUNDO. VIERNES 18 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAÑA 2010

Concurso de fotografía

Ocio

Tres de los participantes, ayer, en el concurso sobre la Gran Vía impulsado por PhotoEspaña en una de las azoteas de la calle centenaria. / REPORTAJE

La Gran Vía desde la azotea

GRÁFICO: GONZALO ARROYO

que había: «Está calimoso pero es un atardecer decente». Hay algunos románticos que buscan otras fotos. Como Virginia que se niega dejarse absorber por PHotoEspaña. Medio centenar de fotógrafos tuvo acceso a los tejados de varios el universo digital. La joven artista edificios y hoteles desde donde pudo retratar el atardecer del cielo de Madrid porta cuatro pequeñas cámaras de los años 50. «De esta manera no BEATRIZ PULIDO mayoría busca otras fuentes de «torvo y sin estrellas, con helicóp- en especial de considerables di- tengo más remedio que pensar Desde este cielo de Madrid, el abis- inspiración: a otros fotógrafos, a tero y sin Dios», el de la Gran Vía mensiones que consigue aplastar mucho las fotografías. Con la digimo parece sonreír a la eternidad. los improvisados turistas de la es un cielo agradecido, abierto y la imagen de las casas y obtiene un tal uno dispara a todo lo que se Desde allá arriba la mirada poética azotea que se han mezclado con atento. Que se lo digan a la norte- interesante efecto de aglomera- mueve». Así que sus fotos en blannaufraga y el encuadre del objeti- ellos, a la Cibeles que recibe con americana Rhynna Santos que es- ción, de asfixia. co y negro miran a la Gran Vía vo es el único ancla capaz de po- paciencia de estatua a miles de tá enamorada de él. «Este cielo se desde muy lejos, pero ner el límite en alguna parte. Acos- vehículos. la miran sólo una vez. mueve mucho. Algo siempre está tumbrados a toparse con el hormiDesde el edificio de «Minerva sí que haría una buena pasando allá arriba». Nacida en el ‘El cielo de Madrid’ Telefónica se aprecia gón, el escaparate y el otro, foto», le dice un hombre a otro re- Bronx, ha visitado medio mundo. >48 fotógrafos. Un total de 48 fotógrahabitantes, estos, perpetuos de la la comisura de la poétiA Madrid llegó de vacaciones y ya fos retrataron anoche la Gran Vía con motiGran Vía, los 48 fotógrafos madrica calle del Desengalleva un año y medio viviendo en vo de su centenario, una actividad denoleños invitados por PHotoEspaña a ño. La teja salpica la esta ciudad: «Me inspira tanta fotominada ‘El cielo de Madrid’, organizada por elevarse a las alturas para coque- «Este cielo se mueve ciudad de un brillo grafía». Lo dice con la tarde bañánla Oficina de Centro del Ayuntamiento de tear desde allí con la ancha calle mucho. Algo siempre bermejo. Los vicios de dole la espalda en lo alto del Hotel Madrid y PHotoEspaña. sienten un orgasmo de libertad. la calle quedan mucho Vincci Capitol. está pasando allí Cinco alturas, cinco cielos, cinco más abajo y se intuyen Desde uno de los aleros del míti>Recorrido. Los participantes, miembros perspectivas desde las que acome- arriba», dijo Rhynna ocultos entre vericueco edificio se yerguen estiradas las de la Asociación de Amigos de PHotoEspater el atardecer de la calle centenatos y enmarañadas catorres de la Plaza de España. El sol ña, realizarán un recorrido fotográfico en ria: la que ofrecían los techos de la llejuelas. se está muriendo en el horizonte y cuatro grupos de 12 personas. Fundación Telefónica, el Círculo de Este cielo está replebaña a su marcha edificios y tejaSobre los tejados se Bellas Artes y dos hoteles: el Tryp to de rincones para hados con una luz anaranjada y mor>Selección. De entre todas las imágenes Cibeles, el Vincci Capitol y el Cata- juntan todo tipo de cer fotografías. Únicatecina y crea sombras que acechan tomadas PHotoEspaña realizará una seleclonia Gaudí. mente hay que sortear objetivos y que provocan los pricámaras: miniaturas, ción que podrá verse mañana en las proUnos 20 minutos tienen los fotólaberintos de tuberías meros flashes. yecciones de ‘La Noche de la Fotografía’. grafos para desplegar su talento enormes y antiguallas y bajar angostas escaSobre los tejados se juntan todo en el tejado del Círculo de Bellas leras de metal y Matipo de cámaras: enormes y sofistiArtes. Quizá sea esta la terraza drid está a sus pies en cados aparatos, miniaturas que más limpia de todas y, sin embar- firiéndose a la gigantesca estatua viajan en cualquier bolsillo, anti«En invierno y en otoño, Madrid todas las direcciones. Para tomar go, el quitamiedos que bordea la que mira con insistencia, posada guallas. La de Andrés H. Suazo no tiene una luz especial, muy limpia, la Gran Vía en dirección a Callao cornisa impide a los artistas acer- sobre el tejado del Círculo, en di- pasa desapercibida. Ha decidido a pesar de la contaminación», dice hay que hacer un pequeño escorzo carse a la ansiada vía, que apenas rección a la Gran Vía. no viajar ligero. Lleva un gigantes- el fotógrafo. Ayer, sin embargo, se que todos los fotógrafos no dudan se intuye en un costado. Así que la Si el de Benedetti era un cielo co trípode y varios objetivos, uno conformaba con la iluminación en realizar.


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EL MUNDO. MARTES 8 DE JUNIO DE 2010

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Ocio tografía y de que su trabajo haya sido expuesto en los principales museos del mundo este profesor de ingeniería electrónica tenía claro que era más un experimentador que un fotógrafo. De hecho, como mencionaba José Gómez Isla, unos de los comisarios de la muestra, junto con Sergio Mah, Edgerton poseía más de 40 patentes como inventor de dispositivos que han permitido mejorar la captura audiovisual. El norteamericano combinaba el uso del estroboscopio, un aparato que emite centelleos con una frecuencia regular y que permite visualizar un objeto que está girando como si estuviera inmóvil o girando lentamente, con el del flash fotográfico, lo que daba como resultado la descomposición de las imágenes. El estroboscopio se venía empleando desde mucho tiempo antes, la innovación de Edgerton fue el empleo de esa iluminación que emitía una gran cantidad de destellos por

La fotografía, entre otras cosas, otorga al hombre la ilusión de control del tiempo Este profesor de ingeniería electrónica era más un científico que un fotógrafo ‘Martillo rompiendo una bombilla. 1933’. / HAROLD & ESTHER EDGERTON FOUNDATION 2010

segundo coincidiendo con el disparo de la cámara. Esto permitía, según Gómez, materializar visualmente las paradojas planteadas por Zenón de Elea quien afirmaba que el tiempo y el espacio son infinitamente divisibles. Según el filósofo «todo movimiento de un objeto (por ejemplo una flecha disparada) no era más que la suma de las distintas posiciones en reposo que adopta ese objeto en el espacio durante su trayectoria». Así venía a concluir que el movimiento no existe como una continuidad, «sino a modo de paradas múltiples en el espacio recorrido». Gómez resaltaba el carácter lúdico que poseía la experimentación de Edgerton, «como la de un niño» y la sorpresa que le produjeron al propio Edgerton algunos de los resultados visuales de sus imágenes. Entre otras aportaciones científicas, Edgerton desarrolló cámaras subacuáticas y equipos de flashes submarinos colaborando con Jacques Cousteau en la exploración de los fondos marinos. También realizó fotografías de los primeros segundos de una explosión atómica. A pesar de la inspiración científica que tuvo su trabajo, se puede decir que Edgerton experimentó también con la fotografía y muchas de sus imágenes, como la Salpicadura de una gota de leche o Disparando a la manzana, se han convertido en iconos visuales del siglo XX.

El fotógrafo que retrató el tiempo PHotoEspaña. Azca acoge una muestra sobre

Harold Edgerton, quien desarrolló la tecnología que captura imágenes en movimiento

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

El término «enfermedad del tiempo» lo acuñó Larry Dossey hace ya tres décadas y el padecimiento al que se refiere no sólo sigue vigente sino que se ha visto agravado en pleno siglo XXI. Conforme va avanzando la historia del hombre pareciera que, en su relación con el tiempo, éste se ha hecho cada vez más corto, que no tiene suficiente, que se le escapa de entre las manos y en ese intento de acumularlo trata de ir cada vez más rápido para mantener su ritmo. El festival PhotoEspaña 2010, que inicia este miércoles su andadura oficial, ha escogido precisamente el tiempo como leit motiv o hilo temático que conduce su edición número XIII. La fotografía, entre otras muchas cosas, otorga al hombre esa ilusión de control del tiempo y pareciera que satisface su deseo de estandarizarlo, de controlarlo, de ralentizarlo y de dividirlo. Carl Honoré pedía «abrazar la lentitud» y Harold Edgerton (Estados Unidos, 1903-1990) descompone el

instante fugaz a través de su fotografía y le devuelve al ser humano la sensación de que el tiempo que no percibe, el que deja de vivir, es mucho mayor que el que experimenta. Parte de su trabajo se puede ver en la muestra titulada Anatomía del movimiento, en la Sala de exposiciones BBVA de Azca. Instantes plásticos que muestran aquello oculto al ojo humano en escenas cotidianas, como la salpicadura de una gota de leche, el agua de un grifo que parece tornarse una escultura amorfa cristalina o una gota de agua cayendo de un grifo que se asemeja a un collar de perlas. Apasionado por el análisis y de la representación del tiempo, como lo fueran Eadweard Muybridge o Jules Marey, que realizaron sus estudios de secuencias fotográficas con análisis de los movimientos humanos, Edgerton se centró para sus experimentos en los cristales, los líquidos o los disparos. A pesar de la expresión estética de sus imágenes, de su pasión por la fo-

‘Gussie Moran, 1949’./ HAROLD

& ESTHER EDGERTON FOUNDATION 2010

Harold Edgerton. Hasta el 25 de julio en la Sala de Exposiciones BBVA (Paseo de la Castellana, 81).


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 9 DE JUNIO DE 2010

M2

Ocio

El retrato del éxtasis PhotoEspaña. La artista Isabel Muñoz exhibe en la sala de exposiciones del Canal de Isabel II su último trabajo,

un exótico y emocional viaje por la mística sufí de países como Turquía, Siria, Irán e Irak adeptos de la cofradía Al Qadiriya, en la que los hombres se tragan cristales y cuchillas de afeitar y se hieren con puñales. En otras ocasiones, el cuerpo gira sin parar, al son de una música hipnótica, como hacen los derviches o girovagos, buscando siempre el éxtasis o la liberación del peso del cuerpo. La particular sala de exposiciones del Canal de Isabel II, de la Comunidad de Madrid, levanta un escenario donde tiene lugar la escenificación de este trabajo. La organización de la muestra ha sido bastante complicada por la especial disposición de la sala, como aseguraba uno de los comisarios de la exposición, Christian Caujoll, antiguo discípulo de Barthes y Foucault. Caujoll aseguraba que en estas fotografías se aprecian «las prácticas alrededor del cuerpo en su estado menos folclorizado». La exposición contiene más de 40 instanténas y cinco audiovisuales que se proyectan en la cúpula del edificio. El conjunto ofrece al visitante la sensación de una performance en la que todos los materiales audiovisuales permiten el diálogo del espectador, ‘Sin título’, de la serie Nubes (2008). la fotógrafa y el sujeto místico de la obra. Esta serie es, sin duda, atípica en la forma de trabajar de Muñoz. La representación que asoma en las instantáIsabel Muñoz lleva varios años asentada neas no se escenifica como uno de los grandes referentes de la para el objetivo, como fotografía española. Reconocida a nivel suele ocurrir en sus internacional, últimamente le han sido trabajos, si no que suconcedidos numerosos galardones entre los cede sin que ella tenga que se encuentran el Premio de Cultura de control alguno sobre la la Comunidad de Madrid 2006, el Premio realidad que fotografía. Bartolomé Ros en PHotoEspaña 2009 y la En las imágenes el medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes amor está envuelto en en 2009. Además de los dos prestigiosos gestos, en ojos abiertos premios World Press Photo, en el año 2000 que parecen mirar, pey en 2005. ro no ver este lado de la realidad. El cabello broria profesional española en fotogra- ta abundante y desciende en cascafía. Muñoz se acerca a la mística da por las espaldas de los danzantes. sufí de países como Irak, Siria, Tur- Los derviches sirios giran bañados quía o Irán. Allí captura algunos ri- en un único anhelo: la unión con tos en los que el cuerpo a veces es Dios. Era éste un mundo exclusivo mortificado, como en la reunión de de hombres al que le costó acceder. BEATRIZ PULIDO

Cantaba Rumi que «el amor es la realidad y la poesía su tambor. Raro es que escuchemos la música interior. No obstante todos danzamos a su son». El cuerpo en la fotografía de Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) suele servir como caja de resonancia donde se expresa el alma. Cuerpos ondulantes, sinuosos, sensuales. Cuerpos que gesticulan sin palabras bordan la temática de su obra sin perder jamás de vista al ser humano que los habita. El cuerpo, otra vez, se convierte en protagonista de su último trabajo titulado El amor y el éxtasis que se expone con motivo de la concesión a la artista catalana del Premio Bartolomé Ros a la mejor trayecto-

Reconocimiento a una trayectoria

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

‘Sin título’, una obra de la serie Nadie Sabe (2009).

«No puedo fotografiar nada que no me emocione», asegura Muñoz ,y en esa emoción se vuelca sobre estos ritos que conoció en un viaje a Damasco y en los que profundizó antes de acometer el proyecto foto-

gráfico. «Estos ritos me transportaron a imágenes visuales y conceptos más cercanos a nosotros como la mística de Santa Teresa, la Semana Santa o incluso el flamenco», con los que, según Mu-

ñoz comparten una estética y una intención muy parecida. El amor y el éxtasis. Hasta el 29 de agosto en la sala de exposiciones de Canal de Isabel II (Santa Engracia, 125).


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EL MUNDO. LUNES 28 DE JUNIO DE 2010

M2 Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

>PHOTOESPAÑA 2010

Eustachy Kossakowski

Ocio

‘Concierto en el mar. Happening panorámico del mar de Tadeusz Kantor’. / EUSTACHY KOSSAKOWSKI /MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE VARSOVIA

Imaginación sin fronteras Fotografías. El Teatro Circo Price alberga dos exposiciones, la del polaco Kossakowski y el concurso de la

Comisión Europea ‘Imagina un nuevo mundo’, que recoge el trabajo de 29 fotógrafos de 16 países BEATRIZ PULIDO

Eustachy Kossakowski (Polonia, 1925-2001) admitía en una entrevista que su manera de mirar se alejaba de la manera convencional de contemplar el mundo: «Diría que poseo una especie de claridad de visión, un regalo en la percepción visual que consiste en el modo diferente de ver las cosas. Siento que las veo más claramente, o de manera diferente tal vez». La exposición que alberga el Teatro Circo Price deja constancia no sólo de su particular forma de entender la fotografía, sino de la evolución que sufrió esa mirada desde sus comienzos, en los que se ejercitó en diversas revistas de fotografía, a las

En los 60 Kossakowski se introdujo en los círculos de la vanguardia polaca que ayudó a modernizar su mirada, empleando siempre un enfoque humanista, hasta la revolución posterior que sufrió al entrar en contacto con las vanguardias ya en la década de los 60. Dos trabajos audiovisuales, medio centenar de fotografías, un vídeo documental, dos proyecciones de diapositivas y libros y portafolios del autor completan la muestra y en con-

junto ofrecen esa evolución en la mirada del artista polaco. En los 60, Kossakowski se introdujo en los círculos de la vanguardia y fotografió los trabajos de creadores como Tadeusz Cantor, Henryk Stazewski y Wlodzimierz Borowski. En la exposición se ofrecen algunas muestras de estas series. Emigró a París en la década de los 70. De aquella etapa destaca la serie Seis metros antes de París, mostrada en el Price a modo de diapositivas. El modus operandi en la serie consistía en fotografiar carteles en los que se podía leer «París». Lo hacía siempre de modo frontal, con un solo disparo y a seis metros exactos del letrero. Esa forma de fotografiar provocaba una reflexión iconoclasta. El fotógrafo se convertía en un mero instrumento, un simple operador, y la fotografía dependía enteramente del «instante decisivo». Como admitía una de las comisarias de la exposición, Anka Ptaszkowska: «La autenticidad de su fotografía se lograba por medio de la casualidad». Sus estudios sobre la luz tuvieron como colofón creativo la serie Luces de Chartres (1983-1990), que también está recogida en la exposición. Durante dos años el artista polaco acudió puntual cinco horas de la mañana dos veces al mes. La luz atravesando las vidrieras tintadas de la capital adoptaba todo tipo de formas y dejaba a su paso un reguero de pintura de color sobre la pared, las columnas o el suelo. Sacó más de un

DANIEL HALASZ

Un mundo soñado. La serie Imaginary diary del fotógrafo polaco Daniel Halasz nos avisa de que el futuro del mundo es inseparable de su pasado. Entre los miembros del jurado que escogieron a Halasz como ganador estaba la directora de PHE, Claude Bussac. millar de imágenes. La serie permite una reflexión sobre la fugacidad del tiempo y de la luz. Anteriormente, Kossakowski había realizado otros ensayos empleando la luz como sujeto y no como un mero instrumento al servicio de la imagen. En su serie Venecia (1979), por ejemplo, apuntaba directamente al sol, únicamente una bandera que ondeaba al viento le otor-

gaba los claroscuros que necesitaba. El Price también alberga los Premios de fotografía 2009 de la Comisión Europea. Recoge las fotografías ganadoras del concurso Imagine a New World (Imagina un nuevo mundo), en el que se invitaba a los participantes a realizar un pronóstico sobre el nuevo mundo y que recoge el trabajo de 29 fotógrafos de 16 países. El concurso tiene como objetivo di-

fundir la importancia de la innovación y la creatividad para demostrar cómo influyen en nuestro desarrollo personal, social y económico. El jurado se basó en las cualidades técnicas y artísticas de los concursantes, más de 5.000, que mostraron, en general, un mundo sin bordes, ni fronteras en el que cualquier ciudadano tendría las mismas oportunidades de cumplir sus sueños. El primer premio fue para el húngaro Daniel Halasz con la serie de imágenes titulada Imaginary diary (Diario imaginado). En ella, Halasz presenta un conjunto de imágenes en forma de postales que podrían estar en el álbum de fotos de cualquiera. En segundo lugar quedó James Naylor con la serie Anuario, inspirada en las fotos que los estudiantes norteamericanos se hacen para figurar en sus anuarios de instituto y que daba buena cuenta del carácter multirracial de las escuelas en el futuro. Y lo hizo empleando una estética típica de la Norteamérica de los 60. Vincent Bitaud, que obtuvo el tercer puesto, presentaba una urbe tomada sin demasiado desorden por una naturaleza incontenible que se desborda por el hormigón. El asfalto ha sido cubierto por el césped y los puentes, anegados por el agua. Algo que el fotógrafo bautizó como La ciudad sin cuidado. Exposiciones. En el Teatro Circo Price (Ronda de Valencia).


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 22 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAÑA 2010

Fondo Fotográfico de Navarra

50 años de danza contemporánea BEATRIZ LANCHO

Cuando el coreógrafo checo, Jirí Kylián, abandonó la compañía de danza holandesa Nederlands Dans Theatre en 1999 tras más de 20 años, muchos creyeron que sería el fin. El éxodo de muchos de sus bailarines auguraba una muerte próxima para una de las mejores compañías de danza contemporánea del mundo, pero nada más lejos de la realidad. Ahora, el Nederlands Dans Theater vuelve al Teatro Real para celebrar su 50 aniversario y cerrar la temporada demostrando que está más activa que nunca. Con un programa conmemorativo de la mano de su actual director Jim Vincent, la compañía ofrece, a partir de hoy y hasta el 26 de junio, un espectáculo con dos de sus obras más emblemáticas Whereabouts Unknown y Sinfonía de salmos, ambas de Kylián, y Subject to Change de los coreógrafos residentes Paul Ligthfoot y la española Sol León, con los jóvenes bailarines de entre 16 y 22 años que integran la escuela Nederlans Dans Theatre II.

‘Arch Alambra’ de Roland Fisher (2006), colección del Fondo Fotográfico de la Universidad de Navarra.

Las profecías de la imagen PHE. El Museo de la Ciudad alberga una exposición en la que dialogan la fotografía

española del siglo XIX y varios autores contemporáneos como Fontcuberta o Basilico BEATRIZ PULIDO

El término profecía tiene que ver con la anticipación de un acontecimiento, con la traslación al presente de circunstancias futuras y, por tanto, se relaciona con el tiempo. En el caso de la exposición del Fondo Fotográfico de Navarra que lleva el mismo nombre, la pertinencia del término profecía viene determinada en función del diálogo que se ha establecido entre la fotografía española del siglo XIX y una serie de artistas contemporáneos que han entrado en conversación con algunos de aquellos trabajos. En esas primeras fotografías del XIX, el pasado ha quedado fijado a través de la imagen. Muchas de las veces no es posible conocer la intención que tuvieron aquellos primeros fotógrafos y las preguntas que dejaron abiertas tratan de ser respondidas por los autores contemporáneos. Artistas como Joan Fontcuberta, Sergio Belinchón, Xavier Rivas, Gabriele Basilico, Lynne Cohen, Roland Fischer o Valentín Vallonrat, que también es junto con Rafael Levenfeld, comisario de la muestra, dialogan con fotografías del XIX. En total 13 autores contemporáneos exponen una obra inspirada en la revisión de casi un centenar de fotografías de aquella época. En realidad, la exposición está directamente relacionada con el proyecto de ampliación de los fondos del Fondo Fotográfico de Navarra que nació en 1998. A los dos comisarios se les encargó que nutrieran de otras obras la colección. La incorpo-

ración de las nuevas miradas vendría de la mano del proyecto que ellos llamaron Tender puentes y que nutre la presente exposición. Para ello, Valentín Vallhonrat y Rafael Levenfeld escogieron a algunos artistas contemporáneos que pudieran crear en base a la obra del XIX. Y lo hicieron en virtud de criterios como la valoración de su propio trabajo, la afinidad temática, la capacidad teórica «y la disposición a explorar un diálogo con la colección histórica ya existente», como señala el propio Levenfeld. La única condición o limitación de la colección es que las obras que lo compongan se refieran iconográficamente o con-

En esas primeras fotografías del XIX, el pasado se fija a través de la imagen ceptualmente al ámbito español. De esta manera, por ejemplo, Sergio Belinchón se inspira en dos álbumes del clásico William Fox Talbot: Annals of the artists of Spain y Sun Pictures of Scotland, para crear su serie titulada Sun Pictures of Spain. En esta serie, a los ojos de Belinchón, la costa española ha pasado de ser un entorno de pescadores a convertirse una explotación turística de hoteles, urbanizaciones y turistas. Joan Fontcuberta y Jordi Bernar-

ja. Bleda y Rosa, que presentan también una exposición individual de PHE en el Jardín Botánico, centran su mirada en la memoria que generan los espacios. Xavier Rivas recorre la valla que hace de frontera en Ceuta revisando el concepto actual de territorio y Basilico recorre los municipios de Pasaia y Lezo captando el paisaje urbano industrial. Los autores contemporáneos recorren el tiempo en dos direcciones aparentemente opuestas: la que mira en dirección hacia el pasado y el ‘Alambra’ de Charles Mauzsaise (1872). origen de la fotografía y aquella dó abordan una relectura de Gibral- que camina en el presente. tar y Bleda y Rosa trataron de rebaLa muestra resulta también un pajar el carácter de monumento que seo por el fondo Fotográfico de Naposee La Alhambra. Los fotógrafos varra, compuesto por cerca de captan los lugares intermedios del 10.000 originales fotográficos de los complejo y no se centran en las imá- siglos XIX, XX y XXI. Contiene origenes institucionales, que han gene- ginales de fotógrafos como Gustave rado una especie de memoria colec- de Beaucops, Gaston Braun, Joseph tiva del complejo. Pretendían así Vigier, William H. Fox, Jean Laurent ofrecer una manera de cotidianeidad o Robert P. Napper, entre otros. o familiaridad del monumento más fotografiado del país. Algo que la fo- Profecías. En el Museo de la ciudad (Príntografía del siglo XIX también refle- cipe de Vergara, 140).

Búsqueda del origen Whereabouts Uknown será la encargada de abrir el espectáculo. Concebida por el creador checo Kylián en 1993 y con la música de Arvo Pärt, Anton Webern y Steve Reich, la obra trata uno de los temas constantes en los trabajos del coreógrafo: la búsqueda del origen de la propia existencia. Para el director artístico, Jim Vincent, fue muy difícil escoger las obras que representaran los 50 años de existencia de la compañía, pero tenía claro que «las obras elegidas deben representar la esencia de la compañía y reflejar el espíritu de Kylián», comentó en la presentación. Pero Sinfonía de Salmos, estrenada en 1978 y también de Kylián, será la encargada de cerrar el repertorio por su especial significado. «Sinfonía de Salmos es una pieza muy importante para la compañía y, después de tantos años, hemos conseguido mantener el espíritu de una obra tan atemporal como esta», explica Vincent. Con la música de Stravinski, Sinfonía de Salmos se ha convertido ya en un clásico. Entre ambas, la escuela NDT II, dirigida por Gerald Tibbs, ofrecerá el presente y el futuro de la compañía con Subject to Change. El trabajo conjunto del británico Paul Ligthfoot y la española Sol León reflexiona sobre la muerte con La muerte y la Doncella de Franz Schubert. «Durante su creación sufrimos la muerte de un ser querido y, debido a esa experiencia, convertimos el concepto abstracto de la muerte en algo auténtico», explicó Sol León. «Fue un proceso terapéutico para nosotros», añadió Ligthfoot. Durante la presentación, el director Jim Vincent, ex bailarín de la Compañía Nacional de Danza, quiso hacer referencia a la decisión de Nacho Duato de abandonar la compañía y expresó su temor ante el futuro. «Tengo miedo de lo que pueda suceder con la danza contemporánea, pero esto forma parte de la naturaleza de la danza», concluyó.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 2 DE JUNIO DE 2010

M2

Ocio

László Moholy-Nagy, pintor de la luz Exposición. El Círculo de Bellas Artes inaugura el festival PHE con una muestra dedicada

al artista húngaro, esencial en la creación de vanguardia del siglo XX

La Filmoteca celebra el XX aniversario de ‘Metrópoli’ E. M.

BEATRIZ PULIDO

Le llamaban «el hombre del pasado mañana». László MoholyNagy (Hungría, 1895-Chicago, 1946), además de ser un pionero que se adelantó a su tiempo, fue un artista total: empleaba la fotografía, la pintura, la escultura luminosa, el diseño de decorados o el cine para crear. Elaboró una teoría estética que alimentó a varias generaciones de artistas a través de una práctica puramente experimental en la que no existía una jerarquía entre las artes, y el propio arte no estaba separado de la vida. Dos centenares de obras suyas pueden contemplarse desde hoy en el Círculo de Bellas Artes en una exposición titulada El arte de la luz, que se enmarca dentro de la sección oficial del festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PhotoEspaña y que incluye fotografías, pinturas, elementos de diseño gráfico, litografías o proyecciones de diapositivas que él mismo empleaba para sus clases en la prestigiosa escuela Bauhaus, donde fue profesor y llevó a cabo una intensa actividad docente. A pesar de emplear toda clase de medios «en todas sus producciones se aprecia la misma mirada. La búsqueda de nuevas formas y de pureza otorga un aire familiar a sus obras», admitía la comisaria de la exposición Oliva María Rubio, que ha reunido la producción del artista húngaro a partir de 1922. «No he querido realizar una retrospectiva del artista sino mostrar de dónde venía». La muestra se centra en aquellos años en los que desarrolla su teoría de la luz. En su arte, Moholy-Nagy buscaba la creación de la realidad, no la limitación o la copia. Por eso en sus foto-

Una de las obras de Moholy-Nagy que se exponen en el Círculo de Bellas Artes.

grafías y pinturas, el ojo pierde toda referencia, se siente incómodo porque busca un centro argumental que no existe o como dice Rubio, el espectador se disloca y debe, tal y como hace el artista, empezar desde cero a contemplar la obra. En su Defensa del arte (abstracto), el artista húngaro aclaraba este punto y señalaba que «hay que dejar las artes co-

mo una superficie limpia a la cual se pueden adherir únicamente los significados permanentes y vitales, originarios de una era todavía futura». La luz para Moholy-Nagy es la matriz del arte, en sus fotografías genera un despliegue abstracto de claroscuros. Una teoría que aplicó no sólo en la fotografía, sino en la creación de decorados y que desa-

rrolló en el ensayo Pintura fotografía cine. «No nos preocupa lo más mínimo si la fotografía produce o no arte. No será la opinión de los historiadores de arte, sino únicamente sus propias leyes las que determinen la línea de su evolución», escribía el propio Moholy-Nagy. Aspiraba a la utopía de crear un mundo nuevo a partir de un hombre nuevo, hambriento y abierto a nuevas sensaciones. «La época en la que vivían necesitaba a un espectador activo en todos los sentidos», afirmaba Rubio. Por eso en sus propuestas, el artista húngaro trata de «dislocar al espectador, para de esta manera hacerle participar, volverle activo». Quizá éste sea un buen momento para acercarse a esta particular producción artística. «Dicen que estamos en un momento de crisis, de fin de las ideologías y encontramos a un hombre que a pesar de todas las dificultades (tuvo que huir de Alemania con la ascensión del Nacionalsocialismo) persiguió una forma de arte que pudiera mejorar al hombre y hacerle estar en el mundo de forma ejemplar», añadía la comisaria. Puede que no llegara a ser popularmente tan conocido como otros artistas de su generación. Es sin duda un referente de la modernidad pero la paradoja de MoholyNagy fue que aunque trató de acercar el arte al ciudadano terminó alejándolo y recluyéndolo en sabios tratados de arte y estética. El arte de la luz. Hasta el 29 de agosto, en el Círculo de Bellas Artes (Alcalá, 42).

Homenaje flamenco a una duquesa artista ESTHER ALVARADO

Cecilia Gómez tenía un sueño: fundar su propia compañía, y una musa: Cayetana Alba. De la mezcla oportuna y afortunada de ambos anhelos (con romance de por medio con Fran Rivera, ex yerno de la duquesa) ha nacido Cayetana, su pasión, el espectáculo que presenta mañana en el Teatro Lope de Vega, con ropajes de Victorio & Lucchino, en el que estará arropada por el bailaor Antonio Canales, que ha ejercido una labor tutorial de ayudante de dirección. «La duquesa siempre ha apoyado el flamenco y ya se merecía un homenaje, con toda la humildad y desde el cariño», comentó ayer la bailaora gaditana, que siente los lógi-

La bailaora Cecilia Gómez, en el bar del Teatro Lope de Vega. /SERGIO GONZÁLEZ

cos nervios del estreno engrandecidos «por la responsabilidad de debutar en un teatro como éste». Crear su compañía «ha sido un paso a paso de muchos meses y mucho trabajo. Pero he contado con mucha gente que me ha ayudado y me ha asesorado», reconoció. Cayetana, su pasión es un recorrido en siete actos por las siete pasiones de la duquesa de Alba, empezando por el flamenco (soleá y soleá por bulerías), con la figura de Enrique el cojo (Antonio Canales), como el maestro de la duquesa. Le siguen la poesía (zambra tangos), los caballos (tangos), la Semana Santa (tangos), las fiestas (alegría), los toros (bulerías), la pintura (tanguillo) y la propia Cayetana como

Dentro de los actos conmemorativos del XX Aniversario de Metrópoli, el equipo cinematográfico del suplemento de ocio y cultura de los viernes de EL MUNDO ha elegido la mejor película española y la mejor internacional de sus dos décadas de vida. Las seleccionadas han sido La buena estrella (Ricardo Franco, 1997) y Deseando amar (Wong Kar-wai, 2000). Ambos títulos se proyectarán hoy, miércoles 2 de junio, a las 19.30 y 22.00 h., respectivamente, en la Filmoteca Española (Cine Doré, C/ Santa Isabel, 3), que se suma de este modo, con gran generosidad por parte de sus responsables, al cumpleaños de la revista. Es éste un acto que completa una larga lista de celebraciones entre las que se incluyen un ciclo de conciertos que comenzó la semana pasada y se prolongará hasta bien entrado el verano y la publicación de un número especial de Metrópoli, el proximo viernes 11, que resumirá exhaustivamente el cine, la gastronomía, la música, el teatro y el arte de los últimos 20 años. La buena estrella es la cima de la irregular filmografía de Ricardo Franco, una imposible historia de amor y traición a tres bandas entre un carnicero impotente, una tuerta y un macarrilla, espléndidamente interpretados por Antonio Resines, Maribel Verdú y Jordi Mollá. Mientras, Deseando amar, llena de lirismo y romanticismo fou a ritmo de los boleros de Nat King Cole, ha marcado la estética del siglo XXI y probablemente sea el filme más copiado del último medio siglo. Pero nadie ha conseguido acercarse, ni de lejos, a la indiscutible obra maestra del hongkonés Wong Kar-wai.

inspiración (seguiriyas). «No hay una parte dramática o triste, porque para mí ella es alegría de vivir, con una fuerza y una personalidad única». La bailaora explicó que la duquesa vio alguno de los actos «y le gustaron todos. Nos ha ayudado a la hora de definir los cuadros. Ella es la inspiración total de esta obra; todo lo que ella opine para nosotros es fundamental». La duquesa de Alba estará presente mañana en su homenaje flamenco, junto a un buen número de invitados que llenarán la platea de este inmenso teatro. La polémica por las entradas vendidas del patio de butacas que se ha incautado a última hora la organización no ha salpicado a Cecilia Gómez, que ayer dijo no saber nada al respecto. Cayetana, su pasión. Del 3 al 27 de junio. Teatro Lope de Vega (Gran Vía, 57).

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 23 DE JUNIO DE 2010

M2 Ante el tiempo

Ocio

Los lugares de la memoria PHE. El Jardín Botánico exhibe la exposición de Bleda y Rosa, con su serie ‘Memoriales’ y los

paisajes del británico Jem Southam, concebidos ambos bajo el título ‘Ante el tiempo’ BEATRIZ PULIDO

Ante el tiempo es el título de la exposición que organiza Telefónica en el Jardín Botánico y que reúne por separado dos trabajos de artistas cuya forma de concebir la fotografía se apoya directamente en la metáfora del paso del tiempo. Si hubiera que atribuirle a Jem Southam (Bristol, 1950) una sola cualidad artística, que sin duda debe poseer también en su carácter, sería, sin duda, la paciencia. Su arte está lleno de tiempo, de espera. Es el paso del tiempo el que lo forja a fuerza de transcurrir, de fluir. Su mirada se dirige hacia los paisajes, generalmente británicos, los captura y aguarda el cambio. El mero suceder de las semanas, los meses y los años transforman el lugar. «Siempre me ha estimulado pensar cómo una imagen funciona con otra y después otra y cómo puedo construir un significado a través de este proceso de secuenciar y construir series», admitía el artista británico. Southam, que expone de forma individual, por primera vez en España, es un referente de la fotografía británica contemporánea. Al Botánico ha traído 30 imágenes de series como Rockfaills (Derrumbamientos de terreno), Ponds (Estanques) o Painter’s pool (La charca del pintor). Southam muestra cómo una serie fotográfica puede sumergirse en el flujo estacional del tiempo. Su observación no está carente de referencias personales, como él mismo dice: «Las imágenes que capto están imbuidas de mis pensamientos acerca de la vida, incluso si estos rara vez son obvios o accesibles». El trabajo de Bleda y Rosa o, lo que es lo mismo, María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970), premio Nacional de Fotografía en 2008, es una continua reflexión a cerca de la memoria de los espacios. Empezaron fotografiando campos de fútbol abandona-

Una de las imágenes de Jem Southam que se puede ver en la exposición del Jardín Botánico.

El arte de Jem Southam está lleno de tiempo, sus imágenes rezuman paciencia Bleda y Rosa empezaron fotografiando campos de fútbol abandonados ‘Jüdische Friedhof’, fotografía de Bleda y Rosa.

dos que aún guardaban vestigios de su pasado, pero que habían perdido el uso primitivo de espacio de juego. Dirigieron su mirada hacia los históricos campos de batalla, escenarios de importantes conflictos armados y de ahí se dirigieron a las antiguas ciudades desaparecidas, engullidas por el paso del tiempo y el desuso.

Pero lo suyo no es el mero retrato del vestigio. Así lo demuestran en la serie Memoriales que presentan en esta exposición individual de PHE. Bleda y Rosa han buscado en tres ciudades la memoria que ha dejado la historia en edificios y monumentos. Jerusalén, Washington y Berlín. En cada una de las tres capitales se

detienen en las huellas que aún conservan de su pasado y de su historia y que, de alguna manera, está presente en la fisonomía de las ciudades. «Nuestra intención no es fotografiar los grandes memoriales, si no desarticularlos. Hay muchos tipos de memoria: hay una memoria de tipo individual y, aunque haya cosas que

‘Neue Synagoge’(Bleda y Rosa), imagen de la exposición del Botánico.

provengan de la memoria que se institucionalizan, hay cosas que son particulares y que no quedan nunca reflejadas». En Berlín, por ejemplo, insisten en el periodo que va desde el régimen nazi hasta el final de la II Guerra Mundial. En Jerusalén han buscado puntos espaciales que son referentes sagrados entre los judíos,

musulmanes y cristianos, y que los tres grupos reivindican como propios. En cambio, los espacios que asoman en Washington están relacionados con la construcción de una identidad nacional. Ante el tiempo. En el Jardín Botánico (Plaza de Murillo, 2).

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

>PHOTOESPAÑA 2010


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EL MUNDO. JUEVES 17 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAĂ‘A 2010

Ă“scar MuĂąoz y Fernando SĂĄnchez Castillo

Una de las obras de la exposiciĂłn del colombiano Ă“scar MuĂąoz en el CĂ­rculo de Bellas Artes. /EL MUNDO

Lo efĂ­mero y el fantasma de la memoria PHE. El CĂ­rculo acoge la exposiciĂłn de Ă“scar MuĂąoz y el Ăşltimo proyecto de SĂĄnchez Castillo BEATRIZ PULIDO

El arte de Ă“scar MuĂąoz (Colombia, 1951) es una metĂĄfora visual del paso del tiempo. Sus obras desaparecen delante del espectador con la misma fugacidad con la que se asoman a la superficie. El aire, la luz, el sol o el mismo paso del tiempo terminan por diluir su arte.

Volverse aire es el tĂ­tulo de la muestra que se exhibe en el CĂ­rculo de Bellas Artes compuesta por cuatro videoinstalaciones en las que el artista colombiano explora temas como la corporeidad, lo efĂ­mero, la desintegraciĂłn o la transformaciĂłn. En proyecto para un memorial, por ejemplo, asoman varios vĂ­deos en los

que se ve una mano pintando con insistencia un retrato con agua a una superficie de cemento. AĂşn no ha terminado de forjarlo cuando el sol ha empezado a absorber parte de la humedad que hacĂ­a las veces de tinta. En las pantallas quedan unos ojos, una boca, un garabato, quizĂĄs, una sombra y finalmente nada.

En Aliento, varios espejos reflejan las imĂĄgenes de los espectadores hasta que estos exhalan su aliento sobre ellas. Entonces unas imĂĄgenes de personas desaparecidas aparecen y desaparecen cuando el aliento se gasta. El autor reconocĂ­a que la sequedad del ambiente madrileĂąo no aguantaba las nuevas imĂĄgenes de-

masiado tiempo. El agua escapĂĄndose por un sumidero serĂĄ la que agote el autorretrato de MuĂąoz en Narciso, mientras que serĂĄ el sol y el aire los que deshagan su Proyecto para un memorial. El CĂ­rculo tambiĂŠn acoge la curiosa exposiciĂłn de Fernando SĂĄnchez Castillo (Madrid, 1970) titulada Episodios Nacionales TĂĄctica, en la que el autor reflexiona en torno al tema de la memoria histĂłrica y polĂ­tica en EspaĂąa, en concreto en torno a la dictadura de Franco. El escultor espaĂąol llevaba aĂąos intentando fotografiar las estatuas de Franco, saber quĂŠ es lo que habĂ­a ocurrido con las 12 Ăł 13 que se calcula que existen. Su proyecto comenzĂł en 2002 cuando preparaba una exposiciĂłn en Santander con una estatua de Franco que, segĂşn el artista, fue censurada: ÂŤEntonces preguntĂŠ por quĂŠ no querĂ­an que un artista utilizase algo que pertenece a nuestra HistoriaÂť. MĂĄs tarde quiso que un grupo de invidentes pudiera acceder a las estatuas para palpar el rostro, pero se ha encontrado con el silencio de aquellos que las custodian. Su exposiciĂłn consiste en tres fotografĂ­as: sĂłlo una de ellas ha sido sacada por el autor con normalidad en el almacĂŠn catalĂĄn donde duerme. La segunda es una imagen envuelta bajo una funda de color carne y la tercera un negativo tomada por la propia instituciĂłn que la cobija, que le ha prohibido a Castillo mencionar el lugar donde ha sido tomada. Dos exposiciones. En el CĂ­rculo de Bellas Artes (calle AlcalĂĄ, 42)

  

          

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducciĂłn.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MIÉRCOLES 16 DE JUNIO DE 2010

M2 >PHOTOESPAÑA 2010

Exposición en el Fernán Gómez

Ocio

Mil formas de atrapar el tiempo PHE. 17 artistas reflexionan en el Fernán

Gómez sobre uno de los temas fundamentales de la fotografía contemporánea BEATRIZ PULIDO

De todas las exposiciones de PHotoEspaña10 articuladas en torno a la noción de Tiempo, aquella titulada Entretiempos. Instantes, intervalos, duraciones, que se exhibe en el Fernán Gómez, constituye el estudio más profundo en torno al lema sobre el que gira PHotoEspaña. En ella, 17 artistas ofrecen diferentes perspectivas sobre su experiencia acerca de uno de los temas fundamentales de la fotografía contemporánea que han realizado valiéndose de todo tipo de métodos. Steven Pippin (Reino Unido, 1960), por ejemplo, se podía incluir entre los artistas que reflexionan sobre la fijación del tiempo. El fotógrafo británico rinde su particular homenaje a Eadweard Muybridge, que consiguió registrar en 1873 la primera secuencia del galope de un caballo colocando diversas cámaras que se accionaban al paso del animal delante del objetivo. De manera similar, Pippin hace un experimento incorporando lavadoras y secadoras que el artista manipula y emplea como instrumentos de representación. El resultado:

imágenes algo toscas que rememoran los primeros intentos de interrumpir el tiempo para fijarlo en alguna parte. Hay dos artistas para los que cualquier instante se convierte en decisivo, como son Jeff Wall y Paul Pleiffer. Otros, como Erwin Wurm, de formación escultórica, representa momentos únicos, irrepetibles y forzados por él mismo. El artista incorpora todo tipo de objetos cotidianos a sus estatuas humanas. Una botella, una silla, un zapato, cualquier cosa es susceptible de entrar en conversación, con bastantes dosis de humor, con las estatuas de carne y hueso que fotografía. Por su parte, Clare Strand (Reino Unido, 1973) e Ignasi Aballí (España, 1956) muestran diferentes formas de narran un acontecimiento de una manera tal que provocan en el espectador cierta extrañeza. La primera deja ver una realidad inquietante formada por imágenes aparentemente de estilo documental que podrían formar parte de cualquier ficha policial pero alejadas de un contexto al que asociarlas, y el segundo incorpora a su proyecto

Sin título, de la serie ‘Terezin, 2007’, de Daniel Blaufuks, una de las fotos de la exposición.

imágenes extraídas de la prensa diaria que le sirven para mostrar las paradojas visuales que continuamente ofrecen los medios. Demuestran, como afirma el comisario de la exposición, Sergio Mah, que «cada imagen fotográfica siempre arrastra con ella un indicio de interrupción perturbadora, que constriñe cualquier lógica sustentada en la continuidad». La mayoría de los 200 trabajos ex-

puestos han sido creados en la última década. Resultan interesantes las imágenes de Michael Weseley (Alemania, 1963), preocupado por el tiempo histórico y su representación. Empleando tiempos de exposición que oscilaban entre los 14 y los 16 meses, retrató las transformaciones arquitectónicas que ocurrieron en la berlinesa Postdamer Platz. El resultado son imágenes únicas y

estáticas que recogen el movimiento del paso del tiempo. También se incluyen en la muestra, organizada por la Fundación Santander, trabajos de imágenes en movimiento, tanto de película como en vídeo, de Tacita Dean, David Claerbout o Ceal Floyer entre otros. Entretiempos. Hasta el 25 de julio en el teatro Fernán Gómez, Plaza de Colón.


Exposiciones


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EL MUNDO. VIERNES 25 DE SEPTIEMBRE DE 2009

M2

Ocio se engalanan para la ocasión. Incluso la sangre, mirada bajo las gafas de esta exposición, puede ser a veces también el vestido rojo de una banderilla blanca que apunta al cielo o cubre el lomo negro de un toro. Rivas asume que no es una experta del toreo. Ni siquiera una apasionada. Su mirada es otra y eso se aprecia en las imágenes. «Si yo fuera defensora a ultranza de esta fiesta quizás no hubiera sacado ciertas fotos», admite señalando la mencionada banderilla salpicada de sangre. Aquella posición privilegiada

La espada, los trajes de luces, la montera, el capote, todo lleva su propia tela Aun sin ser aficionada, el traje de luces atrae como un imán el objetivo de Rivas

La mano de un torero asomando por el capote de paseo. /REPORTAJE GRÁFICO: BEGOÑA RIVAS

Las costuras del toreo Exposición. La fotógrafa Begoña Rivas inaugura la muestra ‘La tela de torear’, una mirada

que se detiene en los detalles de esta fiesta popular contemplados desde el callejón

que le ha permitido mirar la fiesta con otros ojos también le ha dado algún susto, como aquella vez en la que el toro a punto estuvo de saltar la barrera justo donde se encontraba. «He aprendido a ver si tienen carencia de la puerta de toriles». O lo que es lo mismo, si buscan desesperadamente la salida por donde han entrado en la plaza. El traje de luces atrae como un imán el objetivo de Rivas. En un trozo de pecho de torero hay colocado un lazo morado como recuerdo de las víctimas del 11 de marzo. En esa imagen empezó a fraguarse esta exposición. Aunque la fotógrafa aún no lo sabía. «Aquella fotografía fue hecha sin intención alguna, pero fue la primera que saqué de esta serie», atestigua. El sombrero blanco de un picador, la divisa que corona a uno de los toros, el pliegue de un pantalón demasiado ceñido, la lente-

BEATRIZ PULIDO tela. Todos son primerísimos plaAunque no asomen las plazas, jo de la plaza. «Desde allí todo u forma de mirar cambió nos. Por no haber, no hay espacio Rivas afirma que no todos los ca- me llamaba la atención. Además, en el momento en el que siquiera para los rostros, salvo el llejones son iguales. «En el de Las la luz que hay a la hora de las coempezó a contemplar la de un banderillero que apura has- Ventas los protagonistas están cer- rridas es la mejor para hacer fofiesta de los toros desde ta el final el cigarro que se está fu- ca de los fotógrafos». De hecho, la tos». el callejón. En aquella antesala mando: «Para mí es el retrato de la mayoría de las instantáneas perEn los ratos muertos, entre todel espectáculo, lejos del folklo- tensión, de la espera. Después de tenecen a la plaza madrileña. ro y toro, buscaba La tela de tore, el pase, la muleta, el colorido, la pasión de la grada, Begoña Rivas se topó con el miedo, la espera y, sobre todo, con la tela que cubre este ritual de muerte en el que «hasta el toro va vestido», como señalaba la fotógrafa del diario EL MUNDO. Dos ferias de San Isidro en Las Ventas, la plaza de toros de Colmenar y la de San Sebastián de los Reyes son el telón de fondo que se intuye más allá. Quizá se aprecie la plaza en el refle- Un subalterno muestra una imagen piadosa en su montera. La plaza se refleja en la armadura de un picador. El sombrero del picador antes de salir a la arena. jo de la mona, la armadura que lleva el picador en la pierna dar esa calada, lo apagó y salió a La silueta de un picador de es- rear. Ése es el nombre de la ex- juela del traje de luces, la envolderecha. Pero sólo eso, porque el poner las banderillas». Por ahí se paldas que inmortalizó justo en posición que se puede visitar en tura roja que envuelve la espada, escenario no son las plazas, sino intuye otro, el de Morante de la el momento en el que se encen- el Centro Cultural Galileo. La es- todo este arte es tela de torear. las luces y el colorido. Lo que hay Puebla, del que sólo nos muestra la día una de las luces de las Ventas pada, los trajes de luces, la monalrededor no importa esta vez. No coleta y la redecilla que lleva enci- le dio la idea de hacer algún tra- tera, el capote, todo lleva su pro- La tela de torear. Centro Cultural Gaen este retrato del toreo. ma. «Esta coleta es auténtica y no bajo con todo ese mundo que res- pia tela. Uno descubre que hasta lileo (Galileo, 39). Hasta el 22 de noApenas hay espacio lejos de la un postizo», asegura la fotógrafa. pira, lejos de los focos, por deba- las mulillas que arrastran al toro viembre.

S

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. VIERNES 23 DE ABRIL DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

M2

Ocio

La seducción de la Gran Vía Exposición. Una muestra exhibe algunos de

los trabajos que realizó el fotógrafo Francesc Català-Roca, fascinado por la calle centenaria BEATRIZ PULIDO

No es de extrañar que la Gran Vía, escenario palpitante de la capital, fascinara a mediados del siglo pasado a los mejores fotógrafos. La modernidad había empezado a latir por esa enorme cicatriz de cemento y hormigón y un artista como Francesc Català-Roca (1922-1998) se sintió seducido, no sólo por la vida que recorría esta ancha vena sino por la que inundaba el resto de la ciudad. De esa fascinación quedaron sus huellas en forma de instantáneas que inmortalizaron su paso por Madrid en viajes que realizó a lo largo de dos años, a partir de 1952. Una muestra del trabajo de este gran fotógrafo se puede ver en la galería Tiempos Modernos. Treinta imágenes en las que abundan las escenas urbanas cotidianas que sucedieron en varias ciudades además de Madrid, como Cádiz, Pamplona, Barcelona o Cuenca y que han titulado Los viajes de Català-Roca. En la capital se detuvo sobre todo en la Gran Vía o, más bien, en aquello que sucede en la Gran Vía: como esa mítica fotografía tituladas Señoritas de la Gran Vía, en la que seis costurerillas caminan juntas en hilera cogidas del brazo. El fotógrafo captó sus espaldas, pero quizá por su paso decidido se pueda intuir la fiesta de sus rostros. Català-Roca se detiene también en el peligroso efecto que producen sobre las miradas varoniles las curvas de una ninfa saliendo de una boca de metro o en el galanteo de varios soldados con unas turistas.

Precursor del reporterismo >Vanguardia. Francesc Catalá Roca fue hijo del fotógrafo Pere Catalá i Pic, uno de los principales representantes de la vanguardia fotográfica catalana que le inició en este arte. Trabajó como reportero gráfico de revistas como ‘Destino’ o ‘Revista’. También le interesó el trabajo documental, como consta, por ejemplo, en las fotografías que publicó sobre Gaudí, o el documental cinematográfico que realizó en el 52 sobre la Sagrada Familia. >Premiado. Catalá-Roca fue

uno de los pioneros en el reporterismo gráfico español. Obtuvo el premio Ciudad de Barcelona dos veces y el Nacional de Artes Plásticas. Una mujer sale del metro admirada por dos hombres y seguida por otros dos. / FRANCESC CATALÀ-ROCA

Instantes tan fugaces como unas pompas de jabón sopladas por un individuo al cielo de la Gran Vía. Ya caída la noche, el Lope de Vega luce con esplendor sus galas de cine. El fotógrafo catalán manejaba las alturas: desde arriba Madrid asoma angulosa y pinta sombras en la calzada. La luz del sol estira sombras que lamen suelos y escaleras. El blanco y negro ayuda; desde abajo, unos niños que juegan a los bolindres parecen gigantes de carne y hueso.

A pie de calle, el fotógrafo asiste a la escena, es un captador de momentos, de instantes que duran lo que un parpadeo. Se introduce en la conversación que tiene el clero con un alto cargo militar o aguarda en una esquina a que simplemente fluya la vida. Nadie parece reparar en él, ni siquiera esa mujer que se protege del frío ante la mirada de mármol de las estatuas del Palacio Real. Català-Roca viajó incansable a lomos de su vespa y algunos de esos

destinos a los que fue a parar se exhiben en la muestra que recoge imágenes que tomó entre 1950 y 1955. En ella abunda lo urbano aunque en sus obras también incluyó el paisajismo, la documentación artística o etnográfica. Un extravagante Dalí aparece saltando a la comba con sus bigotes apuntando al cielo del barcelonés parque Güell. Asoman otros rostros conocidos, como el de Hemingway, retratado en una corrida. El escritor

La mirada amiga tras el objetivo Foto. El reportero de Magnum David Alan

Harvey expone un proyecto sobre la familia B. PULIDO

Chapotea el español que ha aprendido de su trato con el otro. Es importante esta circunstancia porque David Alan Harvey es completamente extrovertido y eso ha de plasmarse a la fuerza en su forma de mirar y de captar la vida que se mueve delante de su cámara. Cualquier cosa es susceptible de ser atrapada por su Leika. «Yo vivo con la gente», afirma y, en ese fluir del artista y del retratado, la foto es una forma de estar con él. Estos días expone en la Escuela de Fotografía Centro de Imagen (Efti) el proyecto que comenzó hace un año y que aún le llevará dos años

más. Quince imágenes enmarcadas bajo el título American Family Work con el que, de alguna manera, Harvey rememora aquel primer álbum que realizó de su propia familia cuando tenía 14 años. «Quería mostrar esa pluralidad social y de gentes que es hoy Estados Unidos». Pero al fotógrafo de Magnum y de National Geographic le apasionaba también lo que tenía el proyecto de viaje. Inspirado en la literatura de escritores como Jack Kerouak o John Steinbeck, para este proyecto David recorre en coche la carretera y se deja llevar por el destino. «Ésa es la palabra: destino. Todo depende de él».

Una de las fotografías de la muestra ‘American Family Work’. / DAVID ALAN HARVEY

Tanto tiene que ver el azar en esta fotografía que una circunstancia como la de escoger el blanco y negro o el color depende enteramente de la casualidad: «En la bolsa llevo cinco carretes en color y cinco en blanco y

negro. Los elijo sin mirar. En este proyecto no quiero ser demasiado profesional». Nada estaba predeterminado, ni siquiera el tiempo que permanece con las familias: «Puede ser un día,

americano es el único del tendido que parece darse cuenta de la presencia del fotógrafo. En la imagen de un encierro, Català-Roca ha logrado captar el momento en el que toros y corredores desembocan en la plaza, y el instante en el que uno de ellos acaba de ser pinchado por una de las afiladas astas. Los viajes de Català-Roca. Hasta el mes de julio, en Tiempos Modernos (Arrieta, 17).

dos o tres o decidir regresar más adelante. A diferencia de CartierBresson yo tomo parte de la foto». Habla de Cartier- Bresson porque se confiesa un antiguo admirador del que llamaron el Ojo del Siglo, como también lo fue de los impresionistas franceses. «Los fotógrafos de la guerra necesitan una guerra, los de moda necesitan modelos, los paisajistas, necesitan vistas. CartierBresson no necesitaba nada, como yo. Yo tengo mi cámara y puedo sacar fotos en cualquier parte», dice mirando con interés a la sucia calle. Luego encontró su propio camino cuando se dio cuenta de que lo suyo no era mirar desde fuera y tomar fotos, como hacía el mítico fotógrafo. «Yo necesitaba entrar en contacto con la gente. Irme con los retratados a los cafés, entrar en sus casas». Harvey viaja con lo puesto. «Cuanto más tienes, más necesitas», asegura. En su maleta no caben demasiadas cosas, ni conceptos. American Family Work. Hasta el 1 de junio, en la Sala Efti (Fuenterrabía, 4-6).


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E L M U N D O, LU N E S 3 0 D E A B R I L D E 2 0 0 7

M2 Ocio

El autor establece «un paralelismo» entre los apóstoles, pescadores de hombres para la causa cristiana, y los ‘osos’ como cebo para otros hombres.

La mirada crítica de un ‘hereje’ Fotografía. David Trullo busca sus miedos y sus símbolos en la exposición titulada ‘Ecce Homme’

H

ace tiempo que la belleza se diluyó dentro del arte, destronada por la saciedad y el hartazgo de la mirada cansada ya de contemplar estereotipos. El artista dirigió un espejo hacia el individuo y trató de reflejarle, no desde fuera sino desde dentro, buscando sus miedos, sus símbolos. Algo que es interesante tener en cuenta para adentrarse en la exposición fotográfica de David Trullo (1969), titulada Ecce Homme. Varios son los temas tratados en las escenografías que compone empleando iconografía religiosa. «No es la religión lo que me interesa sino la manera en la que cambian los símbolos y la forma de entenderlos». La mirada se dirige indudablemente a los rostros deformados por la muerte que se extienden por la pared. Allí yacen diferentes cabezas de San Juan Bautista. La perspectiva permite contemplar los huesos que sobresalen de las gargantas en una reflexión que ha realizado Trullo sobre el tema del deseo y cómo en esta sociedad, «para conseguir algo (como hizo Salomé), primero hemos de matarlo. Una vez poseído el objeto ya no interesa más». Cristo conforma la siguiente serie que Trullo ha denominado El salvador salvado. La sociedad nece-

sita desesperadamente héroes y cuando vengan, ¿qué hará con ellos? Bomberos y policías han encontrado al salvador pero al contemplar la escena uno no sabe muy bien si defienden al héroe de su condición o se protegen a sí mismos. «He preferido que quedara así, como una imagen abierta a la interpretación. Da igual que se llamen Cristo, Ché o Superman. Yo hablo de la necesidad de tener héroes. ¿Qué hacemos después con ellos?». «Hereje» es la palabra con cuya definición el artista más se identifica. «Pero no en el sentido de polemista, sino como alguien que interpreta de otra forma la realidad oficial». Al artista madrileño no le preocupa la controversia que suscita el tratamiento artístico de este tipo de temas. «El único límite a la hora de componer que yo concibo es el interés comercial o el político. Este tipo de obras seguro que no escandalizarían en las paredes de un museo». También incluye en la exposición la serie de los doce apóstoles, representados como hombres corpulentos. El autor establece «un paralelismo entre los apóstoles, pescadores de hombres para la causa cristiana, y los osos como cebo para otros hombres». Cada uno de ellos ha sido representado con sus símbolos

cristianos: Tomás con unos guantes dispuesto a introducirle los dedos en la herida a Jesús, Pedro con las llaves, Judas con una fusta y vestido de cuero. Cristo no aparece entre ellos: «Está demasiado estereotipado, tiene unas claves muy concretas y es difícil tratarlo». Le interesaban más los acólitos, los que siguen al líder que les ha dejado un poco desamparados. «Quería saber cómo interpretaban el mensaje que él les había dejado». Por último, en la exposición asoma una fotografía de la serie Yacente, en la que aparece un hombre desnudo fotografiado en su habitación, rodeado de libros de arte y títulos escogidos con conciencia, como El paraíso perdido de Milton, o algunos ejemplares de Wilde o Dickens, que acompañan al protagonista en ese singular viaje interior de sueño o muerte. José María Buxán dice que los ideales a los que aspira el hombre sólo pueden reivindicarse desde un arte de raíz contestatario e insumiso. La tentación es muy fuerte, pero no es nueva: «Ya se escandalizaron cuando Caravaggio pintó su Muerte de la Virgen».

Una de las fotografías perteneciente a la serie ‘El salvador salvado’.

La serie de los doce apóstoles está representada por un conjunto de retratos de hombres corpulentos.

Ecce Homme. Hasta el 19 de mayo, en la galería Rita Castellote (Torrecilla del Leal, 3)

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B E AT R I Z P U L I D O


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EL MUNDO. SÁBADO 29 DE ENERO DE 2011

Ocio

CENTRO CULTURAL

La colección de Aguirre Ignacio Amestoy

Había que hacerlo. Por lo de visualizar, que se dice. Aguirre ha presentado el primer catálogo de la Colección CA2M; o sea, la Colección de arte contemporáneo de la Comunidad, que se acoge en el Centro de Arte 2 de Mayo. De ahí, las siglas CA2M. Tiene su sede en el Móstoles de Esteban Parro, alcalde emblema del PP en el otrora «cinturón rojo», ¿o todavía? Tomás Gómez no pierde «su» esperanza. Aguirre está orgullosa de que su querido Fisas, antes de irse a Bruselas, construyera en el meollo urbano de Móstoles, que dejó hace tiempo de ser «ciudad dormitorio», el Centro de Arte que dirige Ferran Barenblit, bregado en la polémica Rambla barcelonesa, y que lo está haciendo bien, dentro de las limitaciones.

«Un testimonio de nuestro ‘Alrededor del sueño’, una imagen del fotógrafo Ángel Marcos tomada en Nueva York antes del atentado del 11 de Septiembre de 2001. / ÁNGEL MARCOS

Nuevos paisajes de ciudad Exposición. EFTI reúne a 11 fotógrafos de la talla de Bleda y Rosa o José María Mellado en la

muestra ‘Urbscapes’, una reflexión en torno a la hibridación entre lo natural y lo urbano BEATRIZ PULIDO go que parece la naturaleza en liber- hombre lo altera y cómo el propio ellos cuando han dejado de ser noti«Existen montañas, lo sé. Y los an- tad y en plena expansión, sólo para paisaje lo recupera cuando el hom- cia». T (t)ierra callada es el nombre teojos para la sabiduría, lo sé. Pero descubrir que lo que está mirando bre deja de utilizarlo», comenta este de la serie en la que implícitamente yo no he venido a ver el cielo. He ve- no son sino espacios creados por el artista que se considera a sí mismo se inscribe una denuncia puesto que nido a ver la turbia sangre», decía hombre para su exclusivo deleite. un «cazador de imágenes». Este dis- la última fotografía es una excavadoLorca en su cántico a Nueva York. Así, el aparente exotismo que se curso se expresa perfectamente en ra vaciando el terreno y preparándoLa urbanidad de rascacielos y anoni- abre delante de su mirada proviene una fotografía de una casa solitaria lo para la construcción. «La mayoría mato se vertía sobre su mirada y era de la estación de Atocha, de los jar- islandesa abandonada en mitad de de las veces no esperan el plazo legal inevitable que lo expresara con ce- dines del Banco Nacional de Francia un valle. La naturaleza en forma de para empezar a construir, como ocumento y sangre. Su paisaje tenía que o de un lujoso hotel sevillano. «Trato hierba ha arrinconado el inmueble rrió, por ejemplo en Terra Mítica». ver con el hombre. O dicho de otro de que el trabajo sea ambiguo y no semiderruido y se ha ido apropiando La huella del hombre asoma en la modo, el hombre había tomado las dar demasiadas recetas», comenta- de lo que era suyo. «En todas las obra de Adrián Tyler como cicatrices riendas del paisaje. ba el artista, que lleva tres años via- imágenes está el ser humano de for- en forma de rodaduras y huellas de Algo parecido se expresa en la jando con la serie Paisajes mínimos. ma indirecta». Lo que le interesa a neumáticos en carreteras y autovías. muestra titulada Frente a ese vacío se Urbscapes: espacios yergue la exuberancia de hibridación, que se del proyecto Antártiexhibe en EFTI, en la da de Mireya Masó. que 11 fotógrafos se Un paisaje apenas inacercan a los nuevos tervenido en el que la paisajes con los que vegetación es amo y se topa el hombre señor de la vida y la moderno. Una exposihuella del hombre se ción conjunta de Bletorna insignificante. da y Rosa (Premio La transformación Nacional de Fotograde los barrios, la colifía), Ángel Marcos, sión entre lo rural y lo Adrián Tyler, Rafael urbano, la divulgación Liaño, Anna Malagride un pensamiento da&Mathieu Pernot, sostenible que muMireya Masó, José chas veces, como deMaría Mellado, cía Jorge Yeregui, Eduardo Nave, Jorge «tiene que ver más Yeregui, Gerardo Cus- Al fondo, las casetas rojas de la Estación Científica ‘Jubany’ en Shetland del Sur, Argentina. / MIREYA MARSÓ con la apariencia que tance y Jesús Rivera. con el fondo», la neceLos trabajos de los participantes José María Mellado aporta a la Mellado es «transmitir la belleza que sidad del ser humano de traer lo naestán relacionados con la arquitectu- muestra dos fotografías en gran for- hay en lo vulgar y anodino». tural a su mundo de ciudad. ra y el paisaje. En las fotografías de mato de su serie Paisaje: el eterno reEduardo Nave lleva varios años Jorge Yeregui, por ejemplo, el espec- torno: «Trato de plasmar la huella fotografiando lugares que acaban de Urbscapes. Hasta el 27 de febrero, en tador observa desde la distancia al- humana en el paisaje. Cómo el sufrir un incendio: «Me acerco a EFTI (Fuenterrabía, 4-6).

tiempo», dice Aguirre que es la Colección. Y lo es. 1.500 obras, de las cuales 1.157 son fotográficas. «Esta es una colección que cuenta muchas historias y formula muchas preguntas. Quizá la más recurrente es la que analiza el valor mismo de la imagen, su estatus contemporáneo, la validez que tiene para cuestionar la realidad», apunta con intención Barenblit. El arco de los fotógrafos se abre con el objetivo Masats y llega al corrosivo García-Alix. La foto es el arte de hoy. Todos, artistas. ¡Ojalá! El catálogo va más allá de la foto, columna vertebral de la colección: pintura, escultura e instalación... Hasta las 1.190 piezas catalogadas. Queda para otro volumen la obra gráfica.

No al archivo de moda. Sí a la colección. Lo afirma Barenblit, y se la juega ante colegas como Borja-Villel, que conduce el Reina Sofía. Un Barenblit que, además de ese laboratorio que es el CA2M, debería tener un ámbito expositivo más amplio. Un museo, comm’il faut. Una galerista, hablando del tema, le comentó al cronista: «La Consejería de Medio Ambiente se podía ir a Móstoles y que Barenblit se viniera al antiguo Banco Bilbao». El CA2M está bien donde está. Pero sí, el BB de las cuadrigas podría ser un museo. Ya se ha dicho que en su interior están los 12 frescos de Arteta, muerto en el exilio mexicano, joya del arte vasco y español contemporáneo. Aunque la Mariño siga sin permitir verlos.

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EL MUNDO. MIÉRCOLES 26 DE ENERO DE 2011

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JAZZ

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GRACE KELLY, TRIBUTO A WOODS Fecha: 5 de febrero, a las 20.00 h. Local: Clamores (Alburquerque, 14) Precio: 10 euros

Con más de medio siglo de experiencia en el mundo del jazz, Phil Woods no es sólo una de las leyendas vivientes de la música, sino un verdadero aficionado de la labor de sus compañeros instrumentistas. Por lo que dice mucho que, la primera vez que compartió el escenario con Grace Kelly, quien en ese momento contaba con 14 años de edad, se quitase su icónica gorra de cuero y se la colocase en la cabeza. Cuatro años más tarde, el prodigio del saxofón, que ahora tiene 18 años, le devuelve el favor con un nuevo CD en el que rinde un homenaje a Woods; un disco titulado Man with the Hat. Es un acercamiento fresco y diferente al legado de bebop que Woods ha abrazado durante toda su carrera. El álbum llega justo a tiempo para inaugurar el cumpleaños número 80 de Woods y consta de siete temas interpretados por un ensamble de talentosos músicos. Grace Kelly Jazz Quintet actuará el próximo 5 de febrero, a las ocho de la tarde, en Clamores (Alburquerque, 14).

Wafa Jerala ante el ataúd de su marido, desaparecido durante 15 años en Abu Grhaib (Irak). / FOTOS: GERVASIO SÁNCHEZ

Un retrato contra el olvido Exposición. El fotoperiodista Gervasio Sánchez presenta su trabajo ‘Desaparecidos’ en La

Casa Encendida, un proyecto realizado en 10 países sobre personas que nunca volverán BEATRIZ PULIDO

MÚSICA HOLOCAUSTO Fecha: 26 Y 27 de enero Local: Pza. de la Villa y Auditorio Nac. Inf.: www.casasefarad-israel.es

El jueves se conmemora el Día Oficial de la Memoria del Holocausto, en recuerdo al día que el ejército soviético liberó en 1945 el mayor campo de exterminio (Auschwitz, Polonia) este año dedicado a la idea central de la música, particularmente a la de los violines en los guetos y los campos que simbolizaron esperanza y resistencia. Casa Sefarad-Israel se une a esta conmemoración organizando un seminario internacional que, desarrolla esta idea central, y que bajo el título los Violines de la memoria, violines de la esperanza. Música del Holocausto reúne el 26 de enero a partir de las 17.00 h. en el Patio de Cristales de la Plaza de la Villa, a Hervé Roten, doctor en musicología; Arnoldo Liberman, escritor y musicólogo; Amnon Weinstein, maestro lutier, y Cihat Askin, violinista. El jueves se celebrará el concierto Violines de la Memoria, en la Sala de Música de Cámara del Auditorio Nacional, interpretado por el violinista Shlomo Mintz que interpretará varias piezas con cuatro de los violines rescatados del Holocausto.

Todos los rostros tienen nombre y el fotógrafo los conoce: José Lino, Carmen Lorefice, Baker Amin Said, Ghorbat Mohamed, Brígida Gutiérrez... y un inacabable etcétera. Esos nombres lejanos y exóticos pertenecen a algunos de los familiares de desaparecidos forzosos en países como Camboya, Bosnia Herzegovina, Guatemala, Irak, Argentina o El Salvador, que el fotoperiodista español, Gervasio Sánchez, ha retratado entre 1998 y 2010. Pero no sólo sabe sus nombres sino también sus historias. Ése es su deber, su trabajo: contar historias humanas. Lo ha hecho con su objetivo durante toda su carrera y aún lo sigue haciendo. «No soy un periodista comprometido. No me llaméis así. Soy simplemente un periodista», dice, y se vuelve en dirección al dolor. Y lo mira a los ojos: «Las víctimas son la única verdad incuestionable de las guerras», afirma. Desaparecidos es precisamente el nombre de una muestra con una estructura novedosa, comisariada por Sandra Balsells, que se ha repartido en tres sedes: la Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid, el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. En total se han reunido 255 imágenes, repartidas en estas tres sedes. Cada una de las exposiciones representa un todo y se complementa a su vez con las otras dos. Era difícil retratar ese drama sin poder visualizar a los verdaderos protagonistas, así que Gervasio se centró en la posibilidad de despertar la evocación y fotografió, por

Laureano Marcos (1939) muestra los retratos de su padre y su hermano.

ejemplo, los lugares en donde desaparecieron: espacios vacíos, pero repletos de interrogantes; también se acercó hasta los monumentos que habían erigido en su memoria;

a los objetos personales, único recuerdo material que guardan como auténticas joyas sus familias; retrató también el proceso de búsqueda, de localización y el de exhumación

de los restos; los lugares donde se almacenan aún sin identificar; la identificación y la inhumación o la entrega de restos a las familias, que son «los grandes olvidados de las guerras», según Gervasio Sánchez. «Éste es el proyecto más duro al que me he enfrentado y tengo la convicción de que el dolor de las víctimas ha dejado profunda huella en mí», añadía el fotoperiodista. En ocasiones se enfrentaba a tal dureza en las escenas que la cámara de fotos no le daba abasto y empleaba la cámara de vídeo. Por ejemplo en alguno de esos almacenes con miles de cuerpos hacinados en bolsas y paquetes. «No hay objetivo que pueda abarcar esa brutalidad». Hay un epílogo que el periodista le ha dedicado a España y que quiere completar en los próximos años: «En Guatemala se desentierra a los asesinados hace 25 años. En Irak a los fusilados hace 20... Sus guerras fueron tan brutales como la nuestra. Sus transiciones tan complejas como la nuestra. Sus políticos tan viciados por el olvido y la comodidad como los nuestros. Pero ellos han avanzado y nosotros seguimos empantanados», afirma Gervasio. «La desaparición es una de las formas de crueldad más terribles. A la tortura y a la muerte se le añade la negación de la víctima», dice uno de los textos del catálogo. A Gervasio Sánchez no le interesa provocar sentimientos al espectador, «lo que me interesa es saber qué es lo que va hacer cuando abandone la sala de exposiciones». Desaparecidos. La Casa Encendida (Ronda de Valencia, 2), desde el 2 de febrero hasta el 20 de marzo


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EL MUNDO. JUEVES 14 DE OCTUBRE DE 2010

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Ocio les sirve como fuente de inspiración, pero la mayoría no entiende su trabajo», dice Samuel, y asegura con cierto fastidio que tiene varias demandas entabladas contra fotógrafos por presunto plagio. La impronta de Guy Bourdin en la fotografía de publicidad es más que notable. «Cuando hojeo las revistas de moda actuales veo la influencia de Guy por todas partes: el pelo, el maquillaje, los colores, la teatralidad...», añade Nicole Meyer, una de las modelos que aparece en muchas de las imágenes. Meyer comenzó su carrera a los 17 años de la mano de Bourdin. «Su fotografía era tan transgresora y sus imágenes tan fuertes que luego me costó ser aceptada por otras revistas porque no me veían natural y les daba cierto reparo contratarme. Afortunadamente, él

Su impronta en la fotografía de publicidad es más que notable Se exhiben 75 fotos de finales de los 70, entre ellas las que hizo para ‘Vogue’ y Jourdan Una de las imágenes que realizó Guy Bourdin para el calendario Pentax en 1980 y que se pueden ver en la exposición.

La perturbadora belleza Muestra. La sala Canal de Isabel II presenta por primera vez en España una exposición de

Guy Bourdin, uno de los fotógrafos de moda más innovadores de la segunda mitad del XX BEATRIZ PULIDO

«Somos tan pobres de palabras, y algunas palabras están aún por nacer», dejaba escrito Guy Bourdin (París, 1928-1991) en mitad de un poema. Quizá por esa carencia del verbo para expresar su extraordinario y desconcertante universo, el artista francés encontró la fotografía como fuga donde plasmar su audacia creativa. Por primera vez se expone en España la obra de uno de los grandes fotógrafos de moda de la segunda mitad del siglo pasado. Quiso ser poeta y acabó vendiendo su fotografía, sin dejar jamás de pintar. En sus composiciones, de una extraordinaria fuerza visual, estas tres artes se combinan consiguiendo que Bourdin sea algo más que un fotógrafo que revolucionó el mundo de la moda. Por fin, su obra ha empezado a desfilar sin pudor por las paredes de los museos y las galerías de arte más prestigiosos del mundo. Más ahora, a punto de conmemorarse el 20 aniversario de su muerte. La sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid exhibe A message for you, que ahonda en el proceso creativo del genio francés. La muestra se detiene en el lugar donde empiezan sus notas,

Foto de la campaña de publicidad de la firma de zapatos Charles Jourdan, de 1978.

sus apuntes, sus bocetos, en su peculiar forma de mirar, y descubre algunos de sus contactos inéditos, sus ensayos, su poesía que, desparramada por las paredes, reafirma su sensibilidad estética. Pero, además, la muestra exhibe 75 fotografías de finales de los 70,

entre ellas, las instantáneas que hizo para Vogue y las fotografías para la firma Charles Jourdan. La poesía de Guy Bourdin fluía casi como su pintura y su fotografía, desbordante de sensualidad, erotismo, belleza y sensibilidad. Su propio hijo, Samuel, que ha es-

tado presente en la inauguración de la muestra, admitía que se quedó impresionado cuando descubrió, hace una década, que casi todo el material fotográfico del artista estaba relacionado con la moda. «Aún hoy siguen tratando de copiarle, de imitarle. A muchos

abrió la puerta a la transgresión y las modelos ya no tienen esos problemas», admitía Meyer. La puesta en escena en el trabajo de Bourdin difiere dependiendo de dónde se tomara la instantánea. «Fuera, Guy era más espontáneo; dentro era más contenido, más teatral», añade la ex modelo. Cada imagen es una búsqueda narrativa que culmina justo en la fotografía. Antes de hacerla hubo película, bocetos, apuntes, otras imágenes. «Guy fue antes que nada un pintor con su cámara», dice Meyer, mientras insiste en la iluminación de las fotografías. «Fue un maestro de la luz». En las paredes, los colores que bordean la estridencia se insertan en uñas, mejillas, paredes, esculpiendo la carne blanca y sensual de las modelos, concediéndoles una inquietante estética de muñeca infantil donde la inocencia y el erotismo perturban la mirada del espectador. Hay un toque de humor en la mayoría de las instantáneas. Fue inspirado entre otros por artistas como Man Ray, quien firmó la presentación de uno de sus primero catálogos con motivo de una exposición fotográfica, en 1952, Dalí o Balthus. La excusa del zapato de tacón le llevó a crear historias que navegaban entre lo absurdo y lo sublime y que generaron para la historia de la fotografía una estética totalmente reconocible. A message for you. Hasta el 9 de enero. Sala Canal de Isabel II. Santa Engracia, 125.


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EL MUNDO. MARTES 1 DE JUNIO DE 2010

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Ocio Ese pesimismo se ha ido cristalizando con los años. Sus ojos han visto demasiado sufrimiento, demasiada guerra como para mantener la esperanza de que sus fotografías pueden ayudar. Se ha ido posando sobre él una costra de cansancio, de desencanto, de mal humor. «He visto demasiadas muertes de compañeros y nunca cambia nada. Los ricos son cada vez más ricos y los pobres cada vez más pobres». Ha estado en muchas guerras pero nunca se llamaría a sí mismo reportero de guerra. Primero porque asegura no escoger entornos de guerra sino lugares donde vive gente menos afortunada, «los proletarios de la Historia», una expresión que le gusta emplear para referirse a «la humanidad que siempre pierde». Ivo huye de las definiciones: «Soy fotógrafo a secas, una perso-

«Soy fotógrafo a secas, una persona que camina por la calle con una cámara» Una imagen de la colección ‘Paisaje en la niebla’, que se expone en la galería Efti hasta el 29 de junio. / FOTOS: IVO SAGLIETTI

El ojo del proletariado de la Historia Exposición. La sala Efti acoge la muestra ‘Paisaje en la niebla’ del fotógrafo Ivo Saglietti BEATRIZ PULIDO

Escribía Borges que «la poesía nace del dolor». La fotografía de Ivo Saglietti (Toulon, Francia, 1948) es un llanto contenido, una pregunta lanzada en mitad de la guerra acerca de la condición humana en la que siempre hay vencedores y vencidos. Él se vuelca con estos últimos. Como un homenaje al director griego Theo Angelopoulos y a su largometraje, Landscape in the mist (Paisaje en la niebla), la muestra que exhibe en la sala Efti lleva el mismo título y el mismo ancla narrativo: la frontera. Durante nueve años, los que van desde 1999 a 2008, Saglietti ha re-

Ivo Saglietti. / SERGIO ENRÍQUEZ

Otros datos >Corresponsal. Estuvo interesado en el cine hasta los 30 años, aunque se considera demasiado «solitario» para ese entorno. Empezó a colaborar con agencias francesas y americanas en África y Oriente Próximo. Sus referencias: Eugène Smith y Cartier Bresson. >Premios. Ha sido ganador del prestigioso World Press Photo en 1992 y en 1999.

corrido diversos países que se vierten al Mediterráneo rebozados en un conflicto permanente: «El Mediterráneo es la cuna de la filosofía, de la democracia, donde viven las tres grandes religiones monoteístas, pacíficas, en principio y sin embargo es uno de los lugares más conflictivos del planeta». Ha residido en Kosovo, Palestina, Líbano, Siria y en Bosnia. Lugares donde las fronteras sobresalen como cicatrices de metal. «Hay fronteras no sólo políticas, también las hay religiosas». En esa búsqueda, que comienza en el mar de Albania, donde realizó la primera foto de la muestra, para terminar ahogándose en el desierto de Siria, donde realizó la última, el que sale siempre perdiendo es el hombre. El blanco y el negro que emplea captura el dramatismo y la poesía y repele el sensacionalismo. En su mundo conviven dos realidades: la luz y la oscuridad, el bien y el mal. «Empecé trabajando en color para la prensa internacional. A finales de los 80 comencé a usar el blanco y negro porque creo que eso es la fotografía. El blanco es el color de la esperanza, de la boda, de la alegría. El negro es el color de la desesperación y de la muerte. Los dos se mezclan y edifican el mundo con su alegría y su tristeza». Alguien dijo de la mirada de Ivo estaba mucho más cerca de los ideales románticos del XVII que de la revolución digital. Él no lo niega: «El color es ilustración. Nunca se ha visto tanta fotografía mala en la prensa o en las galerías» . Así explica su regla de oro que dice que acuñó en Polonia: «La fotografía no va a cambiar el mundo pero la mala fotografía puede empeorarlo».

Un ejemplo de lo que Saglietti llama «los proletarios de la Historia».

Una evocadora imagen de una mujer en situación de conflicto.

na que camina por la calle con una cámara. De vez en cuando algo me llama la atención y hago una foto y luego la muestro. Soy bastante crítico con esos colegas que van a lugares como Kosovo o Palestina y hacen fotos artísticas. Yo quiero que se vea lo que ocurrió». Y así lo hace. En una de las fotos asoman millones huesos que están tratando de recomponer para darles sepultura; en el Líbano muestra el muro de una prisión; muy cerca, un hombre con un niño en brazos cruza la frontera en Kosovo. «Mira la cara de ese hombre. Podía ser mi padre o tu abuelo», afirma angustiado. Aquí no se exime nadie. No culpa a un pueblo o a otro, sólo a esa parte oscura que aún duerme dentro de todo ser humano y que se manifiesta quizá sólo por las circunstancias. «Ésa es una pregunta que me da miedo hacerme». Pero aún en su mirada hay cierto brillo para la esperanza. «Todavía hay gente que pelea y lucha para que haya cambios. Por eso creo que hay que creer en el ser humano». A él le hirieron tres veces, una de ellas, en la Guerra del Líbano le produjo una herida de bala que le tocó el hueso de la pierna en un fuego cruzado. «La subestimé y pensé que en dos días estaría curada y, al contrario, se infectó y no estuvo carente de peligro». No se plantea el hecho de que pueda alcanzarle el miedo. «Cuando estás allí no lo piensas. Luego con más calma he visto algún vídeo en el que está tomando fotografías de pie, con los soldados tumbados a mi alrededor cuando empezaba el tiroteo y sí que me doy miedo». Su fotografía es como una pregunta abierta al presente y al futuro. Como dijo Mark Twain, «el hombre es un experimento. El tiempo demostrará si merecía la pena». Paisaje en la niebla. Sala EFTI (Fuenterrabía 4-6), hasta el 29 de junio de 2010


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EL MUNDO. JUEVES 10 DE MARZO DE 2011

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Se especializó en retratar el movimiento, como esta carrera.

A los 10 años inmortalizó a una prima en este increíble salto. En sus fotografías ni siquiera se intuye el sufrimiento.

El arte de retratar la felicidad Muestra. CaixaForum expone la obra de Jacques-Henri Lartigue, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX mostrado a lo largo de la historia esa precocidad artística y ese talento estético que manifestó Lartigue. A los 10 años inmortalizó a una prima suya en mitad de un increíble salto desde unas escaleras del jardín de su casa. Los expertos aún se preguntan cómo pudo lograr esa quietud pétrea en pleno vuelo con el equipo técnico con el que contaba en aquella época. Lartigue se especializó en retratar el movimiento. Una carrera de coches, un hombre lanzando a su perro al otro lado del riachuelo, un niño a punto de caer al agua después de un buen salto. Era capaz de detener el tiempo a su antojo. Compartía la idea de Cartier-Bresson sobre el «momento decisivo» de la fotografía. «Antes de que te dé tiempo a pensar has tenido que tomar la foto», solía decir. Alguien le preguntó una vez dónde tenía su ojo y él respondió: «En el corazón y en las tripas». La suya fue sin duda una de las miradas del siglo XX. Gracias a su longevidad atravesó dos gue-

«No oculto las fotos trágicas, sólo que no me gusta conservar esos momentos» La suya fue una de las miradas del siglo XX. Atravesó dos guerras mundiales rras mundiales, que apenas le tocaron. En su fotografía ni siquiera se intuye un solo atisbo de dolor o sufrimiento. Después de 90 años haciendo fotos Jacques-Henri Lartigue, que se dedicó profesionalmente a la pintura, no dejó de considerarse un mero aficionado.

Jacques-Henri Lartigue era capaz de detener el tiempo a su antojo.

Un mundo flotante. Hasta el próximo 19 de junio, en CaixaForum (Paseo del Prado, 36).

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instantáneas originales tomadas y reveladas por él mismo –algunas de ellas con la técnica estereoscópica–, así como cámaras, cuadernos, agendas y algunos tomos del diario que realizó durante toda su vida. La cámara era para JacquesHenri Lartigue una prolongación de su memoria. El fotógrafo francés fue un coleccionista de instantes de su vida. De hecho, nunca salía de su casa sin la cámara. Y guardaba cuidadosamente sus imágenes en decenas de álbumes familiares, como hacía con sus dibujos. Su fotografía era como la magdalena empapada en té de Marcel Proust, un recuerdo que le devolvía a otro tiempo. La diferencia con Proust era que el fotógrafo francés conservaba sólo aquellos instantes que deseaba prolongar. «No oculto las fotos trágicas, sólo que no me gusta conservar esos momentos ni siquiera en mi memoria porque me hacen daño», diría en una entreLa luz, otra de sus grandes pasiones. vista poco antes de morir. «Por eso hago fotos, para continuar un poco la vida». Lartigue pensaba En sus apuntes, en los que dibujaba las fotos que había tomaque «la realidad es do con mucha precisión, incluía demasiado bella todos los detalles de la imagen y para ser retratada» en ellas el tiempo siempre era «bueno» o «muy bueno». Cuando uno se asoma al universo de LarUna exposición en CaixaForum tigue siempre tiende a sonreír. titulada Un mundo flotante. Foto- «Para mí todo lo que ocurre está grafías de Jacques-Henri Larti- bien, muy bien», diría. gue (1894-1986) le dedica una La Belle Époque recibió su tamonografía a una de las más im- lento con los brazos abiertos. Paportantes miradas del siglo XX. rís era entonces el centro del En la muestra, comisariada por mundo en materia de arte, sobre Florian Rodari y Martine d’Astier todo en lo que se refiere a cine, de la Vigerie, directora de la Do- pintura y fotografía. nation Jacques-Henri Lartigue, se Empezó su pasión fotográfica pueden ver más de 200 piezas retratando a su excéntrica famiprocedentes de esta colección de lia en mitad de sus actividades y París, entre copias modernas e juegos. Pocos fotógrafos habrán BEATRIZ PULIDO

Alguien dijo una vez que «Jacques-Henri Lartigue tenía hambre en la mirada». Con esa voracidad devoraba la vida que tenía delante de sus ojos. Retrataba la belleza del instante, de la mujer, de cualquier cosa que le hubiera conmovido con el único objeto de conservarlo y poder paladearlo después. Al asomarse a su universo feliz en blanco y negro, uno no puede dejar de quedarse atrapado. Es normal, la belleza tiene esa capacidad de capturar la atención, de asombrar a quien la detecta. Para Lartigue, sin embargo, «la realidad es demasiado bella para ser retratada».


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 23 DE DICIEMBRE DE 2009

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Ocio

Rafael Alberti, pensativo. / JUANTXU RODRÍGUEZ

Dos mujeres pasean a sendos bebés por uno de los puentes de Manhattan. / JUANTXU RODRÍGUEZ

El testimonio de un caído Imagen. EFTI rinde homenaje a Juantxu Rodríguez, primer fotógrafo

español muerto en un conflicto durante la invasión de Panamá en 1989 BEATRIZ PULIDO

Borges hablaba de todas esas «pequeñas sabidurías» que se perdían en todo fallecimiento: la forma de manejar las pertenencias, la manera de caminar, lo que se lleva en los bolsillos. Todo aquello que echará de menos el entorno de un muerto. Pero de un fotógrafo nos queda a los demás lo más valioso e intransferible: su forma de mirar el mundo. La mirada de Juantxu Rodríguez se perdió hace ya 20 años. En la memoria quedan sus imágenes, que hablan de él sin conocerlo. Y quedan en la imaginación todas las fotos que no hizo. Dicen que estaba «perdida» esa bala que acabó con su vida y que le convirtió en el primer fotógrafo español en morir en un conflicto armado. Pero él no fue a la guerra, él se la encontró mientras trabajaba. Ocurrió durante la invasión de los norteamericanos a Panamá, en el año 89. Es una vieja historia que le ha convertido sin querer en un mito del periodismo español. Desde entonces, el joven fotógrafo, que de haber vivido habría sobrepasado ya los 50, se ha llevado varios homenajes, como el Premio Ortega y Gasset (1989), por su última fotografía de la morgue de Panamá o la Medalla al Mérito en el Trabajo, en 2004. El que le dedica el Centro de Imagen EFTI, titulado Juantxu Rodríguez, es el último escaparate que muestra su ventana al mundo. Medio centenar de sus fotografías han sido divididas en varias series: Españoles en Estados Unidos,

Boxeo, Margen izquierdo, Travestis, Retratos... Todas expresadas en blanco y negro, algo que realza de alguna manera el tema social que tanto frecuentaba. En su objetivo: la vida, «esa herida abierta», que dijera el poeta, con toda su crudeza. El boxeo, por ejemplo, no es el combate, son unos guantes a los que va pegado un rostro y una familia. Hay una niña que sufre mirando a la cámara y lanza un llanto sordo. En otra fotografía se reconoce a un jovencísimo Poli Díaz que mira con descaro al fotógrafo con todo un futuro por venir que ahora es ya pasado.

La droga asoma en casi todas las series de la muestra, que se detiene en la marginalidad El artista merodea el ring pero se detiene sobre todo en las inmediaciones, en la gris atmósfera que se respira. Observa al público enfervorizado pidiendo más o se cuela en los instantes previos, durante el calentamiento de los boxeadores antes del combate. La droga asoma en casi todas sus series. Juantxu se detiene en unos brazos cosidos de agujeros, en esa juventud robada, en esa marginalidad y suciedad que esconde la calle. Aparece en la serie Españoles en Estados Unidos y en un gran panel que acompaña la

muestra se añaden los comentarios que hizo el propio Juantxu a la escena: «Me piden cinco dólares para fotografiarlos mientras se chutan. Acepto, uno de ellos decide no salir».

Drogas, prostitución y alcohol La droga también se cuela en las instantáneas de la serie Margen Izquierdo: allí un joven se inyecta heroína encima de un puente. Son tan frescas sus fotografías que parece que sus protagonistas van a seguir moviéndose en cualquier momento. La realidad que mira es la de los excesos, la de la marginalidad, la prostitución, el alcohol. «Las calles despiertan llenas de cadáveres de coches que los otros humanos devoran durante la noche», escribe en el margen de una de las fotos en la que se muestran varios coches destrozados en plena calle del Bronx neoyorquino. También se exhiben algunos retratos que realizó cuando trabajaba para la Universidad Menéndez Pelayo. ¿De qué hablaban Borges y Torrente Ballester cuando el artista disparaba? En otro retrato encuadra la juventud y la rebeldía de Ágatha Ruiz de la Prada dibujada en un vestido de terminación imposible. «Mi filosofía de trabajo es mostrar unas imágenes de tal forma que la gente que las mire se tome un tiempo para preguntarse a sí mismo algunas cuestiones», escribe el fotógrafo. Juantxu Rodríguez Hasta el 26 de enero en EFTI (Fuenterrabía 4-6).

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Bañistas tomando el sol en una dársena. /JUANTXU RODRÍGUEZ


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EL MUNDO. JUEVES 24 DE DICIEMBRE DE 2009

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‘Live at the high place 5’, una de las obras que forma parte de la exposición ‘Beijing time’, que se muestra en Matadero Madrid. / KRAUSE JOHANSEN

El gigante asiático muestra su talento

cientos de retales de vistosos colores que se elevan como tiras hacia el techo formando una especie de pared circular cerrada. A su interior se puede acceder por pequeños agujeros que dejan entrever mesas, agujas, máquinas de coser y la sensación de estar penetrando en un espacio escondido. La obra remite a una nueva clase de esclavitud que está aportando el nomadismo masivo que está experimentando el planeta.

Muestra. Matadero Madrid reúne en ‘Beijing

time’ las obras de 17 artistas chinos que trabajan en diferentes formatos país, la hora de Pekín (Beijing) es la hora de China. La excusa es la próxima Exposición Universal que tendrá lugar en Shangai en el año 2010. El objetivo: la proposición de una visión panorámica de la creación del país. Las contradicciones de una sociedad que se ha desarrollado en muy poco tiempo se abren paso en estas visiones en las que pugnan modernidad y tradición, individualidad y comunidad, y los artistas buscan, por encima de todo, una nueva identidad. El abrazo entre el arte europeo y el chino se produce gracias a la espectacular videoinstalación de Miao Xiaochum, titulada Microcosm, inspirada en la obra de El Bosco: El jardín de las delicias. Un año ha tarUna fotografía que forma parte de la colectiva. dado Xiaochum en terminar esta obra en 3D que, según uno de los comisarios de la exposiEl objetivo de la ción, Menene Gras, «interpreta críticamente el original» y habla del muestra es ofrecer de los grandes relatos». una visión panorámica «finOtro puente entre nuestro país y de la creación del país el asiático es el que tiende Zhou Wendou (1970), que lleva una década estudiando y residiendo en la Siempre es un buen momento capital, gracias a su monumental para acercarse a esta forma parti- escultura titulada Skateboards, cular de expresión. Matadero al- formada por 90 monopatines. «El berga una exposición en la que se artista español es más natural y el puede contemplar el trabajo de 17 chino se diría que es más artifiartistas chinos que hablan en dife- cial», añadía Wendou, que se vino rentes formatos. Beijing Time: la a vivir a la capital atraído por la hora de China es el nombre de la pintura de Velázquez. muestra organizada por Casa Asia, Entre las instalaciones destaca el y es que, a pesar de los kilómetros trabajo de Yin Xiuzhen; un curioso que separan un extremo y otro del taller clandestino formado por

Dos mujeres También Shen Yuan, una de las dos mujeres que participan en la exposición colectiva, investiga sobre el fenómeno de las diásporas y la emigración forzosa que exige un mundo económicamente desequilibrado. Una preciosa metáfora en la que cientos de zapatos de campesinos y aquellos otros típicos de loto (que sólo miden 13 centímetros y que esclavizaban los pies de las mujeres y les obligan a tener ese tamaño) forman una frase que la artista traduce al idioma de cada país que visita: «Ellas se fueron, pero no saben a dónde van». Jin Shi, premio PHE 2009, reconstruye el minimalismo de las viviendas en las que malviven muchos ciudadanos chinos en mitad de la ciudad a pesar del apogeo de los nuevos modelos urbanísticos. La fotografía está presente de la mano de Li Wei. La suya es una exhibición de escenas imposibles, de posturas inverosímiles que desafían, como mínimo, la ley de la gravedad. Para Wei la fotografía no es un soporte de representación sino de creación. Los artistas seleccionados vienen de todas partes de china, ofreciendo así una muestra creativa global del país. El otro comisario de la muestra, Fang Zhenning admitía que no estaba siendo un buen momento para este tipo de muestras. «Fuera de China apenas se están desarrollando exposiciones tan grandes».

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Que el mundo se estaba escorando ligeramente hacia el este es un hecho. El siglo XXI le ha ofrecido buena parte del protagonismo a China y el gigante asiático ha aceptado el reto. Prueba de que el arte no está desligado de la política, ni de la economía, es que en la última década la mitad de los artistas más cotizados del mundo pertenecen a aquel país.

Instalación de Miao Xiaochum inspirada en ‘El Jardín de las delicias’.

Beijing Time. Hasta el próximo mes de marzo, en Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14).


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EL MUNDO. LUNES 30 DE NOVIEMBRE DE 2009

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Dos imágenes de la exposición ‘Nubes de un cielo que no cambia’, del fotógrafo Ricky Dávila, en La Casa de América. / RICKY DÁVILA

Los versos ocultos de Ricky Dávila Imagen. El fotógrafo vasco expone en La Casa

de América ‘Nubes de un cielo que no cambia’, una mirada poética sobre la ciudad de Bogotá con poemas de Dufay Bustamante BEATRIZ PULIDO

¿Hacia dónde mira su mirada? Ésa es la primera pregunta. Luego vendrán muchas otras. Por lo que dice, pareciera que hubiera sido la inercia la que llevó a Ricky Dávila (Bilbao, 1964) a la ciudad de Bogotá. Lo que es cierto es que podía haber sido en cualquier otro mundo porque la realidad que fotografía la lleva dentro y emplea el espacio únicamente para descargar esa mirada. Nubes de un cielo que no cambia es el título de este poema que se exhibe en La Casa de América. Es poema porque cada imagen está construida verso a verso por un poeta de la imagen y porque, en lugar de pies de fotos, hay poemas escritos, éstos sí, con el fresco palabrear de Dufay Bustamante (Colombia, 1985). ¿Dónde convergen el escritor y el fotógrafo? En el poema. La metáfora es el cauce por el que viaja el arte. Definitivamente Bogotá es sólo la excusa para encontrarse y expresarse, cada uno desde su propio pincel. Dufay le introdujo en la

ciudad y ambos dieron forma a este poema compartido, a esta «experiencia sentida». Ricky Dávila guarda celosamente el secreto de su fotografía y ella, fiel como una enamorada, tampoco desvela el misterio. «20 años llevo tratando de que el hecho fotográfico coincida con la mirada». Y su mirada está plagada de acertijos en blanco y negro. Un hotel es una escultura cubierta a medias (o descubierta) con

El escritor y el fotógrafo convergen en el poema. La metáfora es el cauce «20 años llevo tratando de que el hecho fotográfico coincida con la mirada»

Un fotógrafo polivalente

una funda que actúa como gasa inquietud, se mueve, porque el desinuante. En esa otra foto asoma senfoque también tiene su finaliuna suciedad que el cielo de nubes dad poética de velar, de ocultar. se encarga de subrayar. Hay una Alguien decía de su fotografía realidad mojada pero la lluvia que que «muestra la intimidad de los B. P. ve Dávila en Bogotá no purifica. espacios cuando no miramos». Ricky Dávila forjó su arte en la En otra ventana, un reguero de Se podría añadir también que fotografía documental. Traba¿sangre? parece vertida con sentiDávila retrata esa realidad que jos como el de Herederos de do poético en el asfalto. ¿Acaso innadie mira. Como esa muñeca de Chernobyl, Cárcel de varones terviene el artista en la realidad labios finos desnuda y roída. El de Cochabamba (Bolivia), Beque fotografía? «No pretendo papoeta Dufay le regala a la metánidorm y Los trabajadores de sar desapercibido. Mi presencia fora unos versos que titula En la los Altos Hornos de Vizcaya le está asumida como parte del esceprisión de plástico. «Esta cosecha hicieron un hueco y le dieron nario». Y recuerda que altera lo la hicimos nosotros, ciencia ficun nombre en el mapa de la foque percibe exactamente igual ción, esa nueva oleada de formas tografía internacional. Formaque hace con el retrato, un imporde vida y mira cómo quedamos: do en Nueva York ha colaboratante punto fijo dentro de su regisirreconocibles...». do con distintos medios como tro fotográfico. La epopeya se gesta en la muerte No le gusta descubrir de una gallina gigante. su método de trabajo. Una muerte épica gracias Cada imagen es una a la sombra que provoca nueva pregunta que el viel blanco y negro, a esas sitante debe tratar de garras sueltas y a ese ojo responder. Su mundo inabierto que mira sin ver. terior es el único vínculo Hay personas en sus que, como ese cielo que imágenes. A veces en no cambia, sirve de forma de retrato. Entonpuente entre todas las ces vuelve a los rostros, a imágenes. la antropología que tanto ¿Desde cuándo el horha frecuentado en su tramigón forjado a base de bajo. Curiosamente el líneas verticales es verrasgo de los retratados es so? El efecto poético lo el único elemento que consiguen el filtro de Ricky Dávila, junto a una foto de su muestra. / SERGIO ENRÍQUEZ parece echar el ancla en unas suaves cortinas que la ciudad de Bogotá. el diario El País Semanal, El dibujan a su vez líneas verticales y Llueve más allá del cristal pero Sol y la agencia Contact Press la luz de unas nubes rugosas volel cristal está lamido de gotas de Images.Fueeditorgráficoenla cando una luz difusa sobre la imalluvia. La realidad está más allá del revista EGM. gen. «Tengo cierto método diluido cristal. Más allá de la propia ciuHa obtenido distintos premios con la experiencia». dad que mira. Dávila advierte: como el Fotopress 95, el Best Hay que imaginar entonces al «Soy subjetivo, no deshonesto». American Picture of the Year poeta y al fotógrafo saliendo a la Pero ¿qué puede haber de deshoen EEUU y el Premio Ortega y ciudad a pasear el mirar. A buscar nesto en un poema? Esta es la últiGasset. Tiene tres libros publisin propósito. «No hay ningún afán ma pregunta. cados: Photobolsillo, Ricky Dádocumental en esta fotografía», diNubes de un cielo que no cambia, de vila; Retratos y Manila. Esta úlce y la calle le da la razón. La úniRicky Dávila. Hasta el 21 de febrero en tima publicación fue premiada ca certeza de esa imagen de la noLa Casa de América (Plaza de Cibeles, 2). en PhotoEspaña 2005. che es que es noche y que en su


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EL MUNDO. JUEVES 17 DE DICIEMBRE DE 2009

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Bibiana Fernández con la directora de ‘Yo Dona’, Charo Izquierdo, ayer en la exposición de Ruvén Afanador. / CARLOS ALBA

Ruvén Afanador, el objetivo de moda Exposición. Moda Shopping exhibe las fotografías de Inés Sastre y

Bibiana Fernández que publicó ‘Yo Dona’ el pasado mes de octubre BEATRIZ PULIDO

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Lo mismo pinta a modelos de estridentes colores y les coloca la ropa como simple accesorio de su embadurnado rostro, que las viste de poemas de Neruda y las lanza a surcar la ciudad de Santiago. Puede dedicarle una serie a los zapatos, dejando a su dueño, no sólo descalzo, sino como una simple sombra de su propio calzado o vestir al torero de su misma piel y hacerle posar en cueros, sumido en una ingenuidad desconocida. Esto ocurre si es el anonimato lo que aparece delante de su cámara

porque Ruvén Afanador (Colombia, 1959) ha retratado a los rostros más conocidos del mundo, entre los que se encuentran Michael Jordan, Val Kilmer, Salma Hayek, Jennifer Lopez, Scarlett Johansson, Jennifer Aniston, Lenny Kravitz, Al Pacino, Céline Dion, Robert De Niro y muchos otros. No importa a quién tenga delante que el resultado será perturbador y estará cargado de sensualidad. Sus fotografías han sido publicadas en las revistas más prestigiosas como de GQ, Vogue, Rolling Stone, Vanity Fair o New York Magazine.

Lo que atrae a Afanador es tener un proyecto, o mejor dicho, un reto, en el que poder desplegar su creatividad. Su trabajo en el mundo de la moda fue reconocido en el año 2000 cuando recibió el premio Fashion Awards-París 2000. Sin duda, habrá visto usted muchas de sus fotografías, quizá pasara de largo pero, aún sin quererlo, se le habrán quedado guardadas en la retina. El trabajo de Ruvén Afanador no deja indiferente por su fuerza y su impacto en el espectador. Dicen que es uno de los mejores fotógrafos de moda. En los últi-

mos tiempos se ha convertido en un en España, en un reportaje con colaborador habitual de la revista Rossi de Palma en el que mostraba Yo Dona. Fruto de ese entendimien- a la actriz envuelta en abanicos to nace la exposición que se exhibe creados por ella misma. La relaestos días en el Moda Shopping. ción revista-fotógrafo continúa. CiTodas las imágenes que se mues- ne, rock’n ‘roll y moda, dijo altran sirvieron de fondo al reportaje guien de Afanador, quien se acerfotográfico que publicó la revista el pasado mes de octubre. Bibiana Fernández e Inés Sastre codo con codo y ataviadas con ropa de alta costura. Afanador juega con esa dualidad que ofrecen Fernández y Sastre, inventándose el lado más andrógino de Sastre, morena, con el pelo recogido y echado para atrás y el más sensual y femenino de Bibí. Dos mujeres muy distintas a las que unió la moda, la mágica ciudad París y el objetivo del prestigioso fotógrafo. Las imágenes exhiben entre otras cosas el buen Inés Sastre, con una enorme pamela. / RUVÉN AFANADOR entendimiento que hubo entre los tres durante la sesión, que duró dos días. Channel, Christian Lacroix, Loewe, Versace, Jean Paul Gautier recubren sus delgados cuerpos. Aquí una sombra se cierne sobre el rostro de Bibí cayéndole hasta la mitad como un tocado que nadie firma; sólo los labios entreabiertos la recuerdan. Allí Inés posa convertida en una especie de mesa de Loewe. Las dos visten en otra imagen una chaqueta de Elie Saab que las convierte en divertidos angelitos, la pared pintada a brochazos le dan a Bibiana Fernández con guantes y tocado. / R. AFANADOR la escena un marcado carácter onírico. que a su universo sabrá que el Aunque Afanador vive en Nueva artista colombiano tiene mucho York conoce muy de cerca la cultu- más en la chistera. ra española y sus rostros más internacionales. Ya colaboró con Yo Do- Exposición de Ruvén Afanador. En el na, revista con la que tiene exclusi- Centro Comercial Moda Shopping vidad para publicar sus fotografías (Avenida General Perón, 40).


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EL MUNDO. MARTES 13 DE OCTUBRE DE 2009

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Ocio

Soriano logra captar la nota discordante, el elemento que no parece formar parte del cuadro y lo ofrece al espectador como un guiño.

El guiño fugaz del objetivo Fotografía. La galería Efti recoge una selección de 45 imágenes inéditas que el artista catalán

Tino Soriano realizó durante varios años en sus viajes para la National Geographic BEATRIZ PULIDO el que no es necesario alejarse uando un artista deja en demasiado en pos de una imasu trabajo una huella gen, basta con tener los ojos bien identificable, un estilo, abiertos. una seña de identidad, Soriano logra captar la nota disno importa de qué arte se trate, cordante, el elemento que no pahabrá dado el primer paso hacia rece formar parte del cuadro y lo su consagración, al menos hacia la ofrece al espectador como un guidiferenciación, lo que reportará un ño. Es el caso de esa instantánea especial interés por parte de la crí- en la que aparecen tres ancianas tica y del público hacia su obra. ataviadas de riguroso negro que Eso le ocurre al fotógrafo catalán, Tino Soriano. Todas sus imágenes ofrecen al espectador una especial condición que las diferencia de otras miradas. Algo que le ha valido, sin duda, el reconocimiento internacional. Estos días expone en la Efti (Escuela de Fotografía Centro de Imagen) 45 imágenes inéditas que pertenecen a una selección de fotos obtenidas en los viajes que realiza por todo el mundo para la National Geographic. La muestra ha sido Las imágenes de Soriano destilan optimismo. bautizada con el título Pasiones de viaje: Viajar, National parecen proteger en la calle de un Geographic y Tino Soriano. Países pueblo italiano un espectacular tan dispares como Rusia, Sudáfri- deportivo azul metalizado, o esa ca, USA, México, España, Gran en la que una mujer con una espeBretaña. Lituania, Rumanía, Italia cial dignidad, que la aleja de su o Turquía son el escenario de sus condición de frutera, aguarda a composiciones. sus clientes, rodeada de naranjas. Todos los viajes están hilvanaSoriano juega con los elementos dos por la aguja certera del retra- que tiene a su alcance para termitista; un fotógrafo con una gran nar de componer el lienzo: estacuriosidad por los detalles para tuas, cuyos gestos pétreos convi-

C

ven con los de los humanos que las revolotean, sin saber que ellas mismas son sobrevoladas por el inquieto objetivo de un fotógrafo. Lo mismo ocurre con los anuncios publicitarios que parecen interactuar de forma burlona con los protagonistas. El artista catalán, ganador en 1999 del World Press Photo, parece dominar todos los recursos de

que parece ganarse a los retratados con esa especial habilidad que tienen los buenos fotógrafos para sacar petróleo de un desconocido. Aunque él practica, seguramente por instinto, la máxima de «dispara primero y pide permiso después». Eso ocurre, por ejemplo, en esa imagen en la que retrató a una mujer (intuimos que por la ilusión óptica) mirando las partes pudientes

Una instanténea de Tino Soriano tomada en México.

la fotografía: la luz, el juego de los primeros planos con el fondo. Sus colores asoman muy vivos, como en ese fondo azul y blanco de azulejos portugueses que sirve como único escenario a una pareja de ancianos sentada en un banco situado en primer plano que se limita a esperar. El sentido del humor, sin duda, acompaña la mirada de Soriano

de una estatua desnuda colocada de espaldas con un gesto que invita al espectador cuando menos a sonreír. Sus imágenes respiran optimismo. En todas las circunstancias siempre hay un toque para el humor, para la sonrisa, parece decir el fotógrafo de Barcelona. Una muestra se aprecia en el posado en bañador de una gruesa mujer justo delante de la publici-

dad en la que sale una joven en biquini, o en aquel siciliano que parece tomarse un respiro apoyado en la espalda de un hombre que arrastra una pesada cruz durante una procesión. Sus cielos nocturnos suelen ser de un azul oscuro relampagueante, bordeando la estridencia, su noche se vuelve poética, mágica. No importa si la escena a la que el firmamento da su abrigo es la de un misterioso castillo escocés o una procesión andaluza. La vida de Tino Soriano dio un vuelco cuando decidió, durante la década de los 70, dejar su trabajo en la administración y lanzarse como freelance a la aventura de la fotografía. En el 78 empezó a colaborar con Mass Media y Flash Foto y ha trabajado para el Times Magazine, Los Ángeles Times, Specchio, Paris Match, o L’Express. Desde 2001, su obra forma parte del catálogo de la National Geographic Image Collection. En esta exposición presenta pequeñas historias que trasladan al espectador a un momento de intimidad que puede ocurrir en cualquier lugar del mundo. Pasiones de viaje: Viajar, National Geographic y Tino Soriano. Del 16 de Octubre al 24 de Noviembre, en Efti (Fuenterrabía, 4-6).

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. SÁBADO 24 DE JULIO DE 2010

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Ocio

Una imagen de la exposición que muestra a un inmigrante leyendo una pintada contra la persecución de ‘sin papeles’. / EDU LEÓN Y OLMO CALVO

Ventanas a vidas olvidadas Muestra. Las Escuelas Pías exhiben la exposición de fotografías ‘Fronteras invisibles’ formada por más de 30

imágenes que reflejan la parte más sensible y vulnerable de la inmigración en la capital BEATRIZ PULIDO

Asomarse a esta ventana no es un ejercicio muy placentero, ya les aviso. Ocurre cada día delante de nuestros ojos y no lo vemos, o quizás no lo queremos ver. Esta última puntualización la realizan los dos fotógrafos responsables de la exposición Fronteras invisibles que se puede ver hoy en las Escuelas Pías, dentro del programa Creadores Nómadas. Los objetivos de Olmo Calvo y Edu León llevan años retratando al inmigrante en la capital. En la muestra, formada por más de 30 fotografías y un vídeo en el que se incluyen testimonios, se dibujan simbólicamente dos fronteras: la frontera norte recoge las imágenes cotidianas de inmigrantes de todas las nacionalidades: ecuatorianos abrazados antes de disputar un partido de fútbol; jóvenes latinos jugando al baloncesto con una canasta en la que reina una esvástica; en un primer plano asoma el locutorio, refugio del extranjero; hay escenas de dolor ante la pérdida de uno de los suyos o inmigrantes realizando aquellos trabajos que nadie más quiere. En la frontera sur, en cambio, se

Un grupo de personas contempla las imágenes de la muestra. / ROBERTO CÁRDENAS

trata el tema de las redadas diarias de la policía. En una imagen aparece un inmigrante africano de espaldas en mitad de la calle siendo registrado con los pantalones bajados.

«¿Por qué ese trato tan denigrante?», se pregunta Edu. Aseguran que los inmigrantes están empezando a irse de los barrios porque no aguantan la presión poli-

cial. «Muchos evitan pasar por los puntos conflictivos como Usera, Lavapiés o los intercambiadores huyendo de tanto control». Muchas veces Radio Latina hace eco de dónde

se están produciendo esas redadas para que se eviten esos lugares. Ellos mismos aseguran que están siendo perseguidos por tratar de reflejar esa realidad. «A mí me han detenido hace poco por hacer fotografías y me tienen fichado», admite Edu. La frontera norte y la sur se relacionan directamente «porque los inmigrantes que aparecen en las primeras fotos tratando de llevar una vida normal son los protagonistas de las segundas». Edu lanza otra pregunta al aire: «Les suelen obligar a identificarse cuando van o vienen de sus trabajos. ¿Por qué no se dedican a perseguir delincuentes?». Los dos jóvenes aseguran que no es un problema político sino social. Cada una de sus imágenes aparece datada y descrita. Llama la atención que los dos fotógrafos conocen la historia de muchos de los fotografiados. «¿Ves esa mujer que se llevan en el furgón blanco?», dice Olmo, «iba a comprar y había dejado a sus hijos pequeños en casa». Aún así los fotógrafos se resisten a hablar de denuncia, «tratamos de dar visibilidad a un tema que la sociedad silencia».


Ópera


O.J.D.: 311579 E.G.M.: 1075000

Fecha: 12/01/2007 Sección: PORTADA Páginas: 1,12

Ocio

Laúltima escena del’Wozzeck’ ¢ol¢ebldo porCafBto Bieito,enla queaparecen decenas dehombres y mujel~ destajos, ensilencio, desaflando al publico. / REPORTAJE GRAFIC~ JULIÁN JAI~N

Bieito

’corrompe’ el Real

¿~ra. El director artístico catalán estrena una controvertidaversión de ~~Vozzeck’,la óperade AlbanBerg, una apocalíptica visión del hombrey su obsesiva destrucción del medioambiente, con Josep Ponsen la dirección musical BEATRIZ PULIDO mabael artista catalán, quien adi las entrañas del ser hu- mitía que la única licencia que se mano,que le nutren y le ha tomadoera la de cambiara los sirven de regenerador mo- soldados de la obra original por ral, estuvieran contamina- obreros, con una estética quele sugirió la película Metr6polis, de das, qué le quedaría al hombresino la desesperación. Ungran man- Fritz Lang.~~Todoestá en la música, esta ópera ya se pregunta¿qué to de desasosiego se cierne esta tarde sobre el Teatro Real. La cul- es el hombre.%. pa la tiene Wozzeck,la ópera comBasadaen una partitura que el puesta por AlbanBerg (1885-1935) director arflsfico del Real, Antonio ¯ Moral, calificó comoramade las que se estrena esta noche, y el montajediseñado por el polémico, cinco grandesóperasde la historia, y especialmentedel siglo XX~~ (y, muya pesar suyo, Calixto Bieito. Si el propio Berg compusouna se podñaañadir, obra maestra del obra apocalíptica, tanto en el fon- Expresinnismo), Wozzecknarra la historia de un hombrepobre que do (basada en una obra de teatro escrita por Georg Büchner) como no puedesoportar las injusticias y en la forma, Bieito ha terminado la degradaciónde la sociedaden la de rematar la faena proyectando todavía más su imaginación hacia el futuro y encontrandoallí visinnes nada halagüeñas para el género humanoy para el planetafierra. En esta coproducción del coliseo madrileño conel Liceode Barcelona,Bieito se ha inspirado en imágenes reveladoras e impactantes, comolas del chapapote o Chernóbil. Ha convertido el escenario en un gigantesco estómago con forma de fábrica dondelos gases y el metal aprisinnany asfixian a los personajes, y el público se siente incómodo,ahogado. ~dVIeimaginéuna : post-petróleo una sociedad víctima de la

que vive y acaba asesinando a su infiel mujery suicidándose. Este extraordinario lamento fue tejido por la manode Berg, empleandoen la partitura todo tipo de elementos de expresión que le sirvieran para mostrar las miserias existenciales y la decadencia de la sociedad: una partitura que a Bieito le provocaba sentimientos muyíntimos, comodesasosiego y angustia existencial: ~~La música me deja convulso cuandola oigo~>. No es de extrañar. Dentro de un marco formal sinfónico, Berg entremezclala atonalidad con la tonalidad,

los elementosdodecafónicos,el caos que asoma en diversos tramos orquestales, incluso un piano desafinado que suena en algún momento dentro de la propia representación. Todoello termina de configurar un paisaje musical angustioso. ~~Sirvea la escena. La músicaentra por los poros~>,admitíael director musical Joseph Pons. El maestro comentabaque 6sta era una de las óperas máscompletas y difíciles de interpretar, tanto

para la orquesta como para los cantantes: ~d)ibujael ambienteexpresionista de los afios 20 y ofrece tambiénun tufillo vienés>~. El trabajado reparto lo conformanintérpretes de la talla de Jochen Schmeckenbecher(Wozzeck), Johann Tilli (doctor), JomVfllars, GerhardSiegel (capitán) y Angela Denokey Susan Anthony, ambasen el papelde Marie. ~~E1hombrees un abismoy me da v6rtigo mirar dentro~~.Esa afirmaciónque se vierte dentro de la ópera, comoun desgarro existencial, le sirve a Bieito para conseguir qüe el público se haga preguntas: ~~¿Somossólo esto? Eso me obsesionaba desde el principio. El cambioclimático, la polución, la contaminación, todo eso está recogidoen la escena~~. Cuando se sube el telón, el destino de los personajes ya ha sido trazado. Desdesus butacas, el público sólo tiene que aguantar la respiración y esperar su destino trágico. Comola propia partitura de Berg, dondela última nota presagia un final abierto, que hace dudar al público si iniciar o no el aplauso, Bieito deja el destino del hombreen manos de los espectadores: Unos50 individuos se asoman completamente desnudos con una luz blanquecina filtrándose a su espalda. Se acercan lentamente al público y se quedan mirándolo de frente, construyendo una me~táfora provocadorapero efectiva. Wo¢¢e¢~ Hastael pró~~no 28 de enero,


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EL MUNDO. LUNES 21 DE JUNIO DE 2010

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Ocio

El Templo de Debod, ayer al atardecer, abarrotado de gente en sillas y en el suelo para ver la representación de la obra de Giuseppe Verdi ‘Aida’. / AYUNTAMIENTO DE MADRID

Aida revive en el Templo de Debod Escena. Unas 5.000 personas asistieron a la

representación de la ópera de Verdi que se celebró anoche en el monumento egipcio BEATRIZ PULIDO

La trama de la ópera Aida compuesta por Giusseppe Verdi suele hacer sucumbir a los directores artísticos en la tentación de los excesos. Ayer tuvo lugar una nueva representación del drama escrito por Antonio Ghislanzoni y estrenado el 24 de diciembre de 1871 en el Teatro de Ópera de El Cairo. En esta ocasión, el centro de la capital no asumió las manadas de elefantes y caballos que suelen desplegar otras funciones. Tampoco se reunieron allí poderosos ejércitos cubriendo el escenario, ni siquiera el vestuario o el atrezzo fueron tan ostentosos. Y, sin embargo, en las entrañas de Aida asomaba un decorado de piedra difícilmente superable: el propio Templo de Debod, que se mostraba erguido y orgulloso en el centro de todas las escenas. El monumento parecía construido para albergar la historia de amor entre la esclava etíope Aída y el capitán de la guardia egipcia, Radamés. Si el año pasado fue Don Giovanni la ópera encargada de

los festejos de El día de la Música, este año, el distrito Centro eligió la famosa ópera de Verdi para la fiesta que oficialmente se celebra mañana. No obstante, la ópera de Mozart se celebró en otro escenario construido de espaldas al monumento y tuvo más carácter de representación. Tres mil asientos dispuestos alrededor del agua se quedaron cortos para semejante maraña de público que ocupó piedras, suelo, pasillos y cualquier hueco que

Tres mil sillas se quedaron cortas para que todo el público se pudiera sentar A partir del segundo acto, el fresco empezó a hacer mella en una parte de los asistentes

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Oportunidad para los niños

encontrara para ver el espectáculo. La mayoría aguantó por lo menos hasta las 10 de la noche, que es lo que duraron aproximadamente los dos primeros actos. B. P. Luego el frío se encargaría de seAlgunas familias aprovechaleccionar al público amante de la ron para llevar a sus hijos a la ópera del resto. representación, ya que no toHubo quien aprovechando la dos los días se puede ver y esaltas temperaturas que aún cacuchar ‘Aida’ gratis en un eslentaban durante la última hora cenario como el Templo de de la tarde decidió descalzarse y Debod. No obstante, muchos remojarse los pies en el agua del pequeños no aguantaron templo y quien se trajo directamás allá del primer y segunmente la banqueta de casa, como una señora que consiguió de esa manera una primera fila totalmente improvisada. Lo de anoche fue más un concierto teatralizado que una ópera en sí. Sólo un ensayo en el lugar de la función habían tenido los cantantes, dirigidos escénicamente por Ignacio García. El elenco de voces estaba formado por Dolores Granados en el papel de Aida; José Cuevas como Radamés; Tea Demurishvili como Amneris; Claudio Malgesini en la piel de Amonasro; Ar- Un momento de la ópera, anoche. / A. HEREDIA mando del Hoyo en la do acto. Además, entre el púde Ramfis; y Francisco Santiago blico hubo muchas personas como Rey de Egipto. que se llevaron a sus mascoEl único problema que ofrecía tas a ver ‘Aida’. el entorno era la deficiente acúsÁlvaro Ballarín, concejal del tica que corrigieron a base de midistrito de Moncloa, lo resucrófonos y amplificadores. Ello mió así: «Sacar la música a la llevó, por ejemplo, a que en micalle es precisamente una de tad de la escena del primer acto las señas de identidad desde entre la princesa Amneris y el casu origen, de este Día, y tampitán de la guardia, Radamés, se bién lo es de Moncloa, que colaran en la escena un helicópcon estas actuaciones pretentero y el sonido del viento que de, además, acercar los géneparecía rugir enfadado y de paso ros exclusivos al público». hacía volar ropas, partituras y

hasta tiró, ya en el segundo acto, una pequeña escultura que formaba parte del escueto atrezzo. Los cantantes y figurantes surgían de la espalda del templo. En aquella parte y al aire libre aguardaban, a la vista de todos los curiosos, sus entradas y salidas. El público aplaudía entusiasmado al final de cada aria y en aquellos momentos en que sonaban los acordes más conocidos de la ópera. Se notaba que se lo pasaba bien. La orquesta la formaban cerca de 30 músicos y el coro reunía a unos 20 cantantes que con los micrófonos resultaban suficientes. Todos ellos estuvieron dirigidos por Sergio Kulhmann. Como suele ocurrir en los eventos de este tipo que tienen lugar en el Templo, las praderas colindantes habían sido tomadas sobre todo por la juventud. Los mayores preferían los bancos de la zona y desde allí escuchaban la función y comían pipas de girasol. El anochecer que iba cayendo como un espeso manto dejaba una bella estampa que nadie quiso desaprovechar. Los flashes de las cámaras salpicaban en el agua formando un lago de estrellas fugaces. Sobre todo en el tercer acto que se desarrollaba de noche, a orillas del Nilo, cuyas aguas se mostraban cada vez más revoltosas por el empujón constante del viento. La muerte de los amantes al final del cuarto acto llegó con la única iluminación del templo, ésa amarilla que florece desde el suelo.


O.J.D.: 295276 1330000 EL E.G.M.: MUNDO. MIÉRCOLES 17 DE NOVIEMBRE DE 2010

Fecha: 17/11/2010 Sección: MADRID Páginas: 11

Tarifa (€): 12950

BEATRIZ PULIDO

Era la primera vez que se navegaba oficialmente en el interior de ese oleaje espumoso y acristalado que parece el Centro de Arte de Alcobendas. Aun sin encender todas las luces, la noche lo convertía en lámpara que se vertía como una exclamación a toda la ciudad. La calle en su desconcierto parecía mirarlo a oscuras. El espectacular edificio brillaba para un concierto que abría la puerta por primera vez a la música. Sonaba, por fin, ese auditorio refugiado en la madera y la cal blanca. Lo hacía en la potente y suave garganta de Ainhoa Arteta (Tolosa, 1964). No se ocuparon las 348 butacas que posee el auditorio pero se registró una buena entrada. Por la alfombra roja hubo un desfile de trajes de chaqueta y tacones altos. Atraídos por la luminosidad y el bullicio, decenas de ciudadanos se adentraban en el espectacular edificio con la intención de visitarlo, pero todos volvían sobre sus pasos, dado que la entrada era sólo con invitación. Ya en su interior, un ejército de acomodadores y ayudantes ataviados con sus uniformes subrayaban con su presencia la importancia del evento. En el escenario iba a brillar la voz de la soprano tolosana bajo el ritmo que imponían las manos de Rubén Fernández Aguirre, que ya la ha acompañado otras veces al piano en sus recitales. Ella caminaba sola, como le gusta, entrando y saliendo de pequeños mundos, de historias llenas de vida, como hace en cada recital. Esta vez con un programa de sabor español y sudamericano.

Ainhoa ilumina Alcobendas Música. La soprano guipuzcoana inauguró el moderno Centro de Arte con

un recital en el que interpretó canciones españolas y sudamericanas

Ainhoa Arteta, anoche durante su recital en el Centro de Arte de Alcobendas. / JAVIER

Recorría las canciones con su cuerpo y gesto y con ese chorro de voz que lejos de decaer ha evolucionado en los últimos años. Ainhoa, que presentará próximamente su segundo disco de canciones popula-

res, demuestra que es capaz de frecuentar otro tipo de música más allá de la lírica, esa que según dice «canta habitualmente en voz baja». Ataviada con un vestido de seda que viajaba entre el marrón y

BARBANCHO

el rosa y se perdía en la hermosa indefinición, nada más entrar pidió silencio a los fotógrafos que disparaban sus cámaras como posesos. La artista reclamó cierta solemnidad para la interpretación

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del nostálgico tema de Jaime León titulado A ti. Y la logró. Ella que se introduce hasta el fondo en todos y cada uno de los temas que interpreta su voz, no dudó anoche tampoco en hacerse amiga de la melancolía y de la ternura. Nadie se atrevió a toser en mitad de esa canción y, cuando el tema se hubo acabado, nadie osaba tampoco perturbar el silencio que se impuso después. Oswaldo Lacerda cerraba su periplo por tierras brasileñas y de allí la soprano vasca saltaba buscando la pasión en la Argentina de la mano de Carlos Guastavino y su canción La rosa y el sauce. Fue ésta la que consiguió despertar el primer «Bravo». Luego vendrían más. El pianista Rubén Fernández tuvo su momento a solas con su instrumento con un tema de Astor Piazzolla titulado Verano Porteño, un guiño lejano que le brindó el genio argentino a Vivaldi. A Ainhoa Arteta, Cuba se le cayó de la garganta con las canciones breves cubanas de Xavier Montsalvatge, que consiguieron que el reloj volara hacia el descanso. El público celebró especialmente la tierna Canción de cuna. Para la segunda parte, Ainhoa reservó a los maestros españoles, como Isaac Albéniz, de quien interpretaba algunas de sus baladas italianas, que por su artificio José Luis García de Busto denominara «Albéniz de salón»; también estuvo representado Joaquín Turina, Enrique Granados y tres Canciones de Valldemosa, de Antón García Abril, sobre poemas de Antonio Gala.

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O.J.D.: 311579 E.G.M.: 1075000

Fecha: 27/09/2006 Sección: MADRID Páginas: 10-11

Varios cantantes discuten enel escenario./REPORTAJE aRArlCO: CARLOS MIRALLES

Algunos Intérpretes muestran le orlq[nal concepción deChristof Loyy Murauer.

comoEl caballero de la rosa o Elektra. Concebidaen dos versiones, la primera, de 1912, nació comoun mero divertimento, un apéndice del Bourgeois gentilhomme, de Moliére.El rotundofracaso que tuvo entre el públicode la época, sobre todo por la duraciónde la función completa, consiguió que se revisara, cuatro años mástarde, creando una versión enteramente lírica, en la que la relación conel Bourgenis desaparecía completamente. El mismo Hoffmannsthal escribiría el prólogo, siendo esa la estructura que ha llegado hasta nuestros días. En Ariadne Auf Nexosse intercala el mito con la Comedia del Arte, en un juegodel teatro dentrodel teatro. El prólogo describe lo que ocurre tras el telón de una ópera: los intereses entrecruzados que hay en juego y las divergenciasentre los protagonistas. LOSacontecimientos tienen lugar en la residencia de un nuevorico que quiere celebrar una fiesta en la que serán representadas: Ariadne Auf Nexos, una pieza cómicatitulada La infiel Zerbinettay sus cuatro amantes y culminará con unosfuegosde artificio. El dueñode la propiedad, y promotorde la fiesta, pide mtíltiples ajustes de la obra, lo queindignaal

Enla óperase intercala el mitoconla Comedia del Arte,enunjuegodel teatrodentrodel teatro Unmomento delensayo general dela ópera ’Adadna AufNaxos’.

Muestra dela comuni6n quehayen la obraentre claslcismo y modernidad.

compository a los cantantes que no quieren ver reducidos sus papeles. El prólogoes un ir y venir de personajes. La ópera, al contrario, se adentra en un episodio de la mitología griega en el que se cuentael desamorque sufre Ariadna por Teseo y aparecenninfas y dioses. TeatroReal. La temporadaoperística se inauguraesta tarde con la obra ’AriadneAuf (~Es una ópera sobre nosotros, Naxos’, compuestapor Richard Strauss en colaboración con el poeta Hoffmannsthal cómotrabajamos, nuestros problemas. En el pr61ogose aprecia tanto el arte de la ópera comoel de los BEATRIZ PULIDO Esta producción,propiedadde la este género. Aunque en su moTemáticamente, Ariudne Auf propios actores y tambiénel asun1 tiempo le ha dado a la mento Ariadne Auf Nexos apenas RoyalOpere Housede Londres, fue Nexos no sólo es considerada una to del dinero, ya se sabe que el que ópera de Richard Stranss despertó un breve murmullo de ’concebidapor el director de escena especie de opus summum de la fe- paga manda~),añadía Murauer. aprobación, hoy puede abrir la Christof Loy, aunquepara esta an- cundacolaboración que existió enAñadne Auf Nexos el luEste último ha trasladado la gar que le correspondeen temporadaoperística de un teatro daduraen el Real, ha sido llevada a tre RiehardStrauss y el poeta Hugo ~pero de RichardStrauss a la ~pola historia de la ópera. La obra es comoEl Real. la escenaper Justine Way. van Hoffmannsthal,creador del lica actual, convirtiendo a los perconsiderada comoun paso adelanEn realidad esta ópera <qaonea La escenografia corre a cargo de breto, sino que supone, además, sonajes de la Comediadel Arte en te en la evolución de la música, pruebaa cùa!quierteatro~~, admitía Herbert Muraner, quien admitía una metáfora de aquella relación vistosos punkis. que por aquel entonces y desdela el directorartístico del coliseo,An- que ~(el decoradoparece hechoa la laboral y de los desacuerdos que Enel escenariose elevandos aldesaparición de Richard Wagner, tonio Moral. <<Esuna de las gran- medidadel Teatro Reab. La batuta nutrieron dicha tmióncreativa. turas o niveles diferentes, a la maviajaba un pocodesorientada en la des obras del primertercio del si- de la orquesta la llevará una vez Hoffmmmsthaly Strauss cola- nera de los antiguos teatros, cobúsqueda de nuevas fórmulas en glo XX)~, afiadia. másel maestro Jesús LópezCobas. boraron también en otras óperas mentabaMurauer.Allí se podía ver un piso confortable, de terciopelo rejo, dondese acomodaba al públiLa relación establecida UNA FRUCTÍFERA COLABORACIÓN ner, llegó sin embargoa co, y otro desvencijadoy con desentre Riehard Strauss y sobrepasaral compositor conchonesa dondeiban a parar los Hugovon Hoffmannsthal entre ambosnació la ~pe- a los textos que escribía ’Elektra’, algo quefue ob- alemán, bordeando la artistas y sus camerinos. constituye una de las cora ’Elektra’ en 1909, y para otros llamaron la jeto de eñtieasquelo ealiatonalidad sobre todo en ~~Enrealidad todo ha sido conficontinuó con ’El cahalleficahan de obsceno. laboracionas más proliatenciónde Strauss. A lo las óperas ’Salomé’y en gurado comolo que es: dos obras ro de la rosa’, la propia que había que añadir la jas que ha surgido en el Compository poeta de ’Elektra’. independientes. Con una especie mundode la lírica. Se ’Ariadne Auf Naxos’, alenormecarga freudiana la mano, buscaron nueMástarde, Stranss ende reality show(que es el prólogo), prolongó másde 20 años, guna que otra eantata y que el escritor solía invos caminospara profun- contraña el eje central con muchoajetreo y gente sobre el hasta que devinola muer- otras óperas como’Intercluir en sus textos y que dizar, de una maneramás sobre el que habríande escenario,y la óperaen sb~. te deeste último. mezzo, La mujer sin som- erandel gustode Strauss. compleja que sus predegirar el resto de sus comPara López Cebos, Ariudne Auf Para cuando se inició bra (1919), considerada Aunque el compositor cesores, en la psicología posiciones, cuando Nexos significa una continuidad aquella relación, Stranss comola mejorpartitura alemánsolia discutir con de los personajesy en los Hoffmannsthallepresenrespecto al fin de la temporadapaya se había consolidado de Strauss yel libreto más su colaborador para pe- I sentimientos que ható el texto de’El caballero sada, cuandoEl Real concluyó con con la ópera ’Salomé’, simbólicode todos los esdirle mayorvitalidad y bñan de tener los protade la Rosa’ y su concepDiálogode Carmelitas. Y destacó ~ inspiradaen un texto hocritos por el poeta. ción especial de la vida menor ¯ simbolismo [ guhistas. que éste es ~~unespectáculototab~ mónimode Oscar Wilde. La sensualidad que Esta tendencia ya se El propio Strauss, hecomoalgo en permanen- donde todos los músicos (37) son Del primer contacto aportaba Hoffmannsthal redero de Riebard Wag- te cambio. tratados comosolistas y ademásse pudo apreciar en

Un ’reality

show’ teatral


O.J.D.: 311579 E.G.M.: 1075000

Fecha: 27/09/2006 Sección: MADRID Páginas: 10-11

espera de ellos que se comporten como una orquesta más numerosa, ((que suene casi como si hubiera 80 músicosen el foso~~. La Orquesta Sinfónica de Madrid tendrá que actuar ~~comosi trabajaran ocho Verdis~~, concluyó López Cobos. Dentro de la parte vocal el director de Zamora destacó la labor de Joyce Didonato, que interpreta el papel travestido de Compositor (ya que Strauss lo creó para una mujer). El papel lo comparte con Katharine Margison. También hizo referencia al de Anja Kampe (que alterna con Anne Schwanewilms), en la doble piel de la Primadonna y en la trama propiamente dicha interpreta a Ariadna. A Kampeel propio Cobos la calificó como un (~gran descubrimiento~~. A pesar de contar con dos repartos bien diferenciados Moral destacó el equilibrio vocal que hay en ambos ~q~orque es sumamente necesario que así semi. Hay que hacer una mención especial a la actuación de Anne Schwanewilms, Diana Damrau o Pichard Margison, todos ellos actúan por vez primera en el coliseo madrileño. Completanel reparto: en el do: ble papel de Tenor y de Baco, Piebard Margison y Robert Brubaker. Este doble papel está cargado de una notable ironía que alimenta esa leyenda de la fobia que sentía Strauss por todos los tenores y la cñtica que les profefla, por sus exeesos, en cuanto tenía ocasión. ’AriadneAufNaxos’.En el Teatro Real (Plazade Isabel II, s/n). Se estrenaesta noche,a partir de las 20:00horas.

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EL MUNDO. MARTES 1 DE FEBRERO DE 2011

Ocio

Doce personas que vencieron al cáncer E. M.

GONZALO ARROYO

PILAR JURADO Compositora de la ópera ‘La página en blanco’ y soprano

«La vida me va trayendo todo lo que necesito» BEATRIZ PULIDO

Si hubiera que describir con una sola frase la impresión que deja Pilar Jurado (Madrid, 1969) en su interlocutor es el de ser una mujer muy feliz o, con sus propias palabras, una persona «absolutamente enamorada de la vida». El hecho de que sea la primera mujer que estrena una ópera en el Teatro Real es casi una anécdota comparado con el hecho de que esta prolífica y versátil creadora es la primera compositora que actúa en esa misma ópera como cantante en toda la historia de la música. La obra en dos actos se llama La página en blanco y su estreno tendrá lugar el 11 de febrero. Así no es de extrañar que esta premiada creadora, delante del decorado recién montado, se sienta como Leonardo Da Vinci: «Me gustaría dejar constancia de esa concepción global y renacentista de la creación, que en el fondo es con lo que he nacido». Esto es algo que ha llevado con naturalidad por todas las sendas de la música: la composición, la interpretación, la dirección de orquesta. Quizá sea precisamente esa naturalidad con la que vive esa esquizofrenia creativa lo que sorprenda a algunos. «Esto que hoy parece tan raro ocurría con naturalidad en el pasado: Bach o Mozart eran virtuosos intérpretes, además de creadores».

Pilar Jurado ha estrenado durante su carrera obras de compositores como Luis de Pablo, Tomás Marco, Beat Furrer, José Luis Turina o James Macmillan, entre otros muchos. No obstante, asegura que nunca pensó en dirigir esta ópera: «Habría perdido por el camino toda la objetividad necesaria para mirarla desde fuera». Sobre el escenario se levanta una metáfora que recuerda la forma de vida del hombre del siglo XXI y las consecuencias que pueden acarrear las nuevas tecnologías en ese futuro en blanco, aún

«Es una ópera con mucho ritmo. La música acompaña a lo que está sucediendo» por escribir. «Cada vez estamos más metidos en un cubículo y, cada vez más, vivimos la vida a través de las nuevas tecnologías». Uno de sus grandes retos en esta obra era el de reconciliar al público con la música contemporánea: «He procurado crear una música muy ecléctica. Es una ópera con mucho ritmo. La música acompaña continuamente a lo que está sucediendo

sobre el escenario. Los momentos más vanguardistas están mezclados con otros más reconocibles para el público. Todo fluye». En el argumento de la ópera, cuyo libreto también ha escrito, cuenta lo que le ocurre a un compositor durante el proceso de creación de una ópera. «Su drama es el de muchos creadores, que tenemos a veces miedo a que alguien se apodere de nuestra música». La paradoja es que, «en el fondo, lo que creamos los compositores no es real hasta que otros (el director de escena, el de orquesta, los cantantes, el público) lo hacen suyo. Es un juego macabro en el que vivimos: la obra sólo es mía hasta que la termino».

Empatía hacia el otro En el personaje que ella interpreta, una soprano de la que se enamora el compositor, Pilar Jurado ha vertido algo de su propia maleta emocional: «Lo que le diferencia a ella de los otros personajes es la empatía que siente hacia el otro. Ésta es una cualidad que hoy en día no es muy común. No podemos dejar de ser conscientes del deterioro de los valores, parece que todo vale y cuando esto ocurre nos olvidamos de la esencia del ser humano». Si hubiera que localizar el motor que hace moverse todo este engranaje creativo de Pilar Jurado, quizá lo encontráramos en el punto del corazón: «Si estuviera vacía no podría escribir. El amor es fundamental. Más en la mujer, porque para el hombre el trabajo es lo que sostiene lo demás. Por eso muchas mujeres no han brillado en sus profesiones. No sé si muchos hombres renunciarían a su carrera por amor». El hecho de salir a escena la distrae un poco de los nervios que suele tener cualquier compositor el temido día del estreno: «El papel es muy comprometido vocalmente y eso me mantiene concentrada en el personaje. Estar en la butaca es muy duro y tienes la sensación de que na-

da depende de ti sino de los otros». La creadora madrileña ha vivido grandes momentos en el Teatro Real, como su temprano debut en el 97 con La vida breve de Manuel de Falla, que precisamente reinauguraba el coliseo tras su última remodelación. Como ocurre con los creadores teatrales que son también actores, Pilar Jurado ha cuidado y mimado los papeles de la ópera, haciéndolos brillar a todos. En estos últimos seis meses admite que ha dormido tres horas diarias por exceso de trabajo. Es consciente de que cada vez se le exige más y que sus retos no van a dejar de crecer, pero asegura que, al vivirlo momento a momento, no es tan consciente de esa responsabilidad. «Hay gente que ve mi presencia en este escenario como una anécdota y no saben lo difícil que es estar aquí. Más cuando he tenido que pasar por la decisión de dos directores del Teatro». (Antonio Moral la contrató y Gerard Mortier la ratificó a su llegada). Desde su estreno como solista en el 92, con la obra Antigua fe de Luis de Pablo, su carrera no ha dejado de crecer a nivel nacional e internacional. Hoy, la apreciada so-

«Si estuviera vacía no podría escribir. El amor es fundamental, sobre todo en la mujer» prano tiene la agenda repleta de proyectos para los próximos meses. Por principio, no piensa demasiado en el futuro. Hace buena gala de la máxima de Paulo Coelho: «cuando deseas mucho una cosa, el universo siempre se confabula para que se cumplan tus deseos». Así que ella se limita a dejarse fluir con la vida: «Es ella la que me va trayendo lo que necesito».

Metro de Madrid pone en marcha una campaña a través de la que 12 personas que han superado un cáncer lanzan mensajes positivos y de superación respecto a esta enfermedad, por medio de una exposición fotográfica que abarcará una docena de estaciones y que es iniciativa de La Fundación Grupo IMO y del Instituto Madrileño de Oncología. Esta singular muestra, que se podrá ver a partir de este martes, pretende eliminar tabúes y mitos sobre el cáncer, favorecer una actitud positiva y de afrontamiento ante la enfermedad, además de ayudar a las personas que han recibido un diagnostico de cáncer, mostrándoles cómo otras han superado la enfermedad. La campaña Doce recorridos para vivir después del cáncer ha creado una ruta a través de 12 retratos, cada uno situado en una estación, en los que se puede ver a diferentes personas que han pasado por esta enfermedad. Se pretende con ello transmitir un mensaje para hacer hincapié en la actitud positiva durante

Imagen de la campaña. / EL MUNDO

la enfermedad, que según la fundación IMO, es el «tratamiento» más eficaz para superarla. Las estaciones elegidas para la campaña, que se prolongará durante todo el mes de febrero, son Avenida de América, Nuevos Ministerios, Moncloa, Plaza de Castilla, Alonso Martínez, Plaza de España, Cuatro Caminos, Legazpi, Gran Vía, Pacífico, Diego de León y Argüelles. Algunos de los protagonistas de la campaña son Isabel, que dará a luz a una niña después de haber superado un linfoma de Hodgkin; Pedro Pablo, que ha superado un cáncer de pulmón; María José, cáncer de mama; Enrique, un tumor cerebral; Candela, dos cánceres de colón y endometrio; Amalia, cáncer de mama; y Maite, una leucemia que ha logrado superar gracias a la donación de su hermana Ana.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 4 DE MAYO DE 2010

Ocio

La música y San Germán se unen por Haití ESTHER ALVARADO

Asistentes a la presentación pública de la temporada 2010 del Teatro Real a la salida del acto. / ALBERTO DI LOLLI

Expectación para conocer a Mortier Ópera. El nuevo director artístico del Teatro Real presentó ayer por la tarde el programa

de la temporada a centenares de aficionados que se acercaron hasta el coliseo BEATRIZ PULIDO

Con espíritu conciliador, consciente de la corriente de escepticismo que ha despertado su llegada al Teatro Real, Gerard Mortier ha decido amainar las aguas y subir a la barca de su proyecto a todos los sectores amantes de la ópera. Primero presentó la nueva temporada como director artístico a los periodistas, igual que hizo con todo el personal del coliseo madrileño. Ayer le tocaba el turno a aquellos que han de decidir y opinar si dan el visto bueno a los aires de modernidad que exhala el aliento de Mortier. Inspirado de alguna manera por ese nuevo concepto que pretende materializar en el Real denominado democracia cultural, abrió las puertas a cualquier interesado en conocer las nuevas ideas que inspiran su gestión. Y los interesados respondieron atraídos, unos por la novedad del acto, otros por la gratuidad del evento; hubo quien sin tener nada que hacer vio el cielo de la ópera madrileña abierto y no se lo pensó dos veces: voló dentro. El patio de butacas asomaba prácticamente lleno, aunque el público no se llegó a desbordar por las costuras de los palcos. Entre los asistentes había un poco de todo, aunque la mayoría eran abonados. Alfonso, por ejemplo, admitía que el mundo de la ópera está lleno de tópicos y uno de ellos era el que insistía en catalogar al público del Real de conservador. «Yo estoy expectante y abierto a lo que pueda hacer este

señor. Me parece bien que se representen óperas modernas, es mucho mejor que representar las clásicas del repertorio con esos montajes que hacen ahora». Otros como Alfredo aseguraban, sin embargo, que el público del Real prefiere las obras belcantistas y las del siglo XIX. «El momento clave de la temporada para Mortier sucederá con la ópera San Francisco de Asís, ya que nos obligan a verla a todos los abonados en la Caja Mágica». Y añadía este entendido, que lleva 45 años escuchando ópera en Madrid, que la ausencia de director de orquesta principal no beneficiará a nadie. «Lo normal es poner un direc-

tor y luego traer batutas invitadas de lujo y no veo mucho lujo entre lo que van a traer». En el escenario desnudo brillaba una solitaria silla de terciopelo rojo y la pantalla blanca colgada donde habían de proyectarse imágenes sobre las óperas. Gerard Mortier llegó balbuceando un español «no suficiente», como él mismo admitía, que produce un sonido a medio camino entre el acento italiano y el francés. «Me parecía importante conocer a mi público, por eso estoy aquí». Y siguió hablando con una sinceridad con la que pareció ir acogiendo poco a poco a los asistentes. «Han leído muchas cosas de

El Real sale de su teatro >La Caja Mágica. Mortier realizó especial hincapié en las 14 óperas

que componen la temporada. Sobre todo en ‘San Francisco de Asís’, una producción de seis horas de duración que los aficionados podrán ver en La Caja Mágica. La ópera Montezuma también saldrá de los escenarios del Real para desembocar en los Teatros del Canal. >Público joven. El director artístico belga insistió en la necesidad de renovar al público y de atraer a los jóvenes, recordando los precios especiales que pueden obtener los menores de 28 años, que tendrán acceso, además, «a las mejores butacas». >Programa. A todos los que se acercaron al acto les fue entregado

un extenso programa de la temporada en el que se detallan todas las actividades y funciones que organiza el coliseo. >En directo. Durante la presentación de la ópera ‘La página en blan-

co’, su creadora Pilar Jurado interpretó en directo una de las arias que se podrán escuchar en la representación. Un encargo que realizó el propio Teatro Real a la compositora española.

mí, que si soy un terrorista moderno porque amo el teatro moderno. Lo que sí soy es un hombre con pasión por la ópera y quiero una ópera que cuente cosas de nuestra vida», decía.

«Numerosos escándalos» En uno de los laterales, Margarita movía la cabeza bañada en un escepticismo que va a ser difícil de eliminar en el futuro: «Llevamos 10 años viniendo al Real y puede que este año sea el último», admitía un poco antes de que diese comienzo el acto. «Y mucha gente piensa igual que yo. Este hombre viene precedido de numerosos escándalos y su programa no me convence en absoluto». Mortier habló de todas las óperas que estarán en escena la próxima temporada. Para explicar sus ideas sobre la modernidad acudió a Eugenio Oneguin, la primera de las obras líricas que estará en cartel. «Me gustan las óperas que se puede decir que son de nuestro tiempo, a pesar de que hayan sido escritas siglos atrás». Otras frases se le fueron cayendo como perlas escondidas en ese español aún por despertar, como ese deseo de convertir el Real «en el centro de Europa de la ópera» o la necesidad de entablar un diálogo con los abonados «para hablar y discutir, si es necesario, sobre ópera». Luego, exhausto de tanto esfuerzo, hizo mutis por el foro sin esperar casi a los aplausos de los asistentes, que todo cabe decirlo, fueron comedidos y repletos de expectativa.

Al drama de Haití le hace falta ritmo, letra, música y voces que reclamen una solución (que lamentablemente tendrá que ser a largo plazo) para el país más pobre de América. Cuando el foco de la información se ha marchado a otros lugares, la fundación Non Profit Music organiza el concierto Madrileños por Haití, con el que pretenden recaudar fondos para un proyecto solidario de la Parroquia de San Germán. Esta tarde, a las 19.30 horas, el Auditorio Nacional de Música acoge este recital en el que nadie (ni músicos ni artistas) cobra un solo euro con el fin de que todo lo que se recoja en taquilla sea para aliviar las necesidades de los niños de la localidad de Pedernales. En esta localidad fronteriza con Santo Domingo, la misión sostiene un Centro de Nutrición para niños, donde reciben asistencia sanitaria y clases de español. Según explicó José Miguel Pérez Sierra, director del concierto, el recital constará de dos partes. Una primera en la que se interpretarán dos piezas (Santuario del corazón, de Albert Ketélbey, y Danzas de la luna, de Vahktang Kakhize) y otra en la que sonarán piezas compuestas por George Gershwin, Leonard Bernstein y Alberto Ginasterra. Pérez Sierra dirigirá a la Orquesta Clásica de España, una formación compuesta por músicos de las cuatro orquestas residentes en la Comunidad de Madrid, que tendrá como estrellas invitadas a la violoncelista Beate Altenburg y a la soprano Angel Blue. Esta última, que interpretará Summer time, asistió ayer a la presentación del concierto en la parroquia de San Germán y comentó que está encantada de participar en un recital benéfico, ya que sus padres (ambos pastores) tienen misiones en Haití.

‘Contar (con) Haití’ Por otra parte, La Casa Encendida organiza hoy unas jornadas bajo el título Contar (con) Haití, que por la mañana están dirigidas a periodistas, mientras que por la tarde están abiertas al público en general. A las 17.00 horas tendrá lugar una proyección del documental Soberanía alimentaria en Haití. Posteriormente, a las 17.30 horas, se celebrará una charla coloquio con la intervención de Elena Sgobarti, responsable del área Humanitaria de Intermón Oxfam; Gérald Mathurin, coordinador general de CROSE; Javier García de la Oliva, responsable de Área Centroamérica y Caribe de Solidaridad Internacional; Jean Michel Sabat, subdelegado en Jacmel de la Dirección de Protección Civil; Francisco Rey, IECAH; Victoria Wulff, jefa del Departamento de Cooperación con Centroamérica, México y Caribe de AECID. Modera Ana Alcalde, directora de Solidaridad Internacional.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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la vida de sus tres hijos para poder recuperarla. Los hermanos deberán pasar por la Gran Puerta, tras la que acechan los peores peligros, los malos presagios, el miedo. Sólo uno de ellos, Al Kasim, interpretado por el gran Matthias Goerne, la atravesará para cumplir los deseos de su padre. En su peregrinar se encuentra con un Demonio (John Mark Ainsley), que le ayudará a que culmine la tarea, dejando incluso que le ronde la muerte. Las noches y los días se suceden sin interrupción, el espectador pierde la noción del tiempo y es guiado, durante los once cuadros, únicamente por la férrea voluntad del protagonista de recuperar la famosa abubilla. Un viaje iniciático en el que Al Kasim conocerá la traición de su propia sangre y el amor al Demonio y a Badi’at, papel que interpreta Ofelia Sala, la única de las protagonistas que no estuvo en Salzburgo: «Cualquier cosa resulta difícil de cantar pero tratándose de música contemporánea hay que añadirle una motivación extraordinaria», afirmaba la intérprete valenciana, quien añadió que esta obra, especialmente, está plagada de poesía «desde la partitura hasta el libreto». Durante la representación, resuena el eco de la voz de Henze que profetiza que «no existe la armonía perfecta, ni en un cuento, ni

El compositor alemán Hans Werner Henze, posa delante de su cartel, durante la presentación de ‘L’Upupa’, en el Teatro Real. / JULIÁN JAÉN

Una eterna búsqueda Ópera. H. W. Henze, una de las personalidades más controvertidas del panorama musical

«No existe la armonía perfecta, ni en un cuento, ni en la vida», afirma el compositor alemán en la vida». Una sombra amenaza cada una de las escenas y no es precisamente el Demonio (que sorprende por su humanidad). Henze parece dejar la puerta abierta a la esperanza en su cuadro undécimo: La hora azul. Mientras exista el hombre hay ilusión y, sin embargo, también el caos se expresará a sus anchas. Esto se anuncia en el canto amargo del Demonio: «Ni el lobo, ni el tigre, ni la víbora conocen la astucia y el engaño que arden en el corazón humano». L’Upupa und der Triumph der Sohnesliebe. Se estrena hoy en el Teatro Real (plaza de Isabel II s/n) y continuará los días 9, 11, 14, 16, 19, 21 y 23 de diciembre. A las 20.00 horas

contemporáneo, recibe un homenaje en el Real durante todo el mes de diciembre B. PULIDO

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se mundo tremendo que tengo en la cabeza...», escribía Kafka en sus Diarios. Una sensación parecida podría experimentar el que ose aventurarse en el universo henziano. Un laberinto donde se despliegan con una asombrosa continuidad la música, la literatura, la filosofía, la pintura y todas las artes. Hans Werner Henze constituye una de las personalidades más enigmáticas y fascinantes de la música de la segunda mitad del siglo XX. Creció musicalmente bajo el influjo del dodecafonismo posweberniano, pronto se separaría de sus rígidos esquemas para buscar un lenguaje propio. «El principio más importante de mi vida ha sido precisamente el no pertenecer a ningún grupo». El músico alemán ha tenido que buscar sus propias respuestas y «eso me ha llevado más tiempo que a los demás».

Más allá de otros estilos, dice estar influido en toda su creación por la luna mágica y mística. «Hay días en que me encuentro extraordinariamente creativo y me doy cuenta, más tarde, de que me hallaba bajo la sugestión de la media». Lo tiene que decir bajando la voz «en seguida se creen que tienes influencias o relaciones sospechosas». El maestro apenas sonríe con la boca aunque lo hace con las palabras y las manos, dejando entrever un humor inteligente y despierto por encima de la pajarita de color burdeos. Estos días se muestra modesto y agradablemente sorprendido por los acontecimientos que le esperan en Madrid. El estreno de su ópera L’Upupa und der Triumph der Sohnesliebe, hoy y hasta el 23 de diciembre, en el Teatro Real, será el colofón a un mes de homenajes que rondarán la vida y obra del controvertido compositor.

Henze está poco acostumbrado al bullicio que se le viene encima siempre que abandona la casa que se construyera hace 40 años en la campiña italiana. Desde aquella natural soledad ha ido forjando ese universo propio de imágenes, letras y notas. Allí ha encontrado su estado musical más independiente. «Hace tiempo que he dejado de oír la música de los demás y de encontrarme con otros músicos». Respecto a su última ópera, L’Upupa, se fue formando en su cabeza desde que el cántico reiterativo y hermoso de las abubillas se le apareciera en el jardín. La humanidad de los personajes recorre la obra, de arriba abjo. Henze, que se muestra deseoso de hablar con los demás sobre esta ópera, describe a su héroe como «un hombre simpático que es uno de nosotros porque comete los mismos errores». Incluso refiriéndose al Demonio que aparece co-

mo uno de los personajes principales de la representación, lo veía de la siguiente forma: «Cada uno de nosotros carga con su demonio. Aunque es una figura mágica, el que aparece en la obra, muestra muchas debilidades». Al encontrarlo, el protagonista tiene dos posibilidades o enfrentarse a él o hacerse su amigo: elige lo segundo. «Lo siento, añadió. Es mi alma alemana que sale». No se propuso que su última ópera tuviera afinidades con otras, como La Flauta Mágica de Mozart. «Surgieron, al escribir me di cuenta de que había citas de los otros por todas partes» . Autor de 10 sinfonías y de una quincena de óperas, mira el futuro de esta última con gran optimismo: «Significa para mí lo que representaba el teatro griego en su momento. Sigue despertando un gran interés entre los más jóvenes y eso es importante».


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 13 DE DICIEMBRE DE 2010

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BEATRIZ PULIDO

El silencio tras el éxito

Alguien dijo una vez que su voz era químicamente pura y que poseía además una inteligencia que le hacía escoger bien los roles que interRecital. El Teatro Español rinde homenaje a Victoria de los Ángeles pretaba. Brilló con luz propia en con un concierto en el que Teresa Berganza actúa como anfitriona una época en la que el divismo se imponía sobre los escenarios de la lírica y lo hizo cultivando la sencillez. Muchas de sus actuaciones quedan hoy como parte de la leyenda de la historia de la ópera. Apenas hace cinco años que se fue Victoria de los Ángeles y su pérdida ha pasado desapercibida para la gran mayoría. «Está olvidada, como olvidan a casi todos los grandes, sobre todo en nuestro país», se queja Teresa Berganza (Madrid, 1935). La mezzosoprano participa esta tarde en un homenaje que se celebra en honor de la cantante catalana y a favor de la fundación que lleva su nombre, en el Teatro Español. Las dos cantantes tienen en común su retirada en silencio. «Yo no hago despedidas ni celebro los 50, los 60, ni los 100 años», se queja Berganza. Una vez Victoria le aseguró que las dos po- La ‘mezzosoprano’ Teresa Berganza, durante una actuación en San Sebastián. / ÍÑIGO IBÁÑEZ drían cantar hasta el final, «incluso con una octava, porque soen el que participó Teresa Berganza mos artistas, me dijo». Pero no ocuocurría hace dos años en Barcelona. rrió así en ninguno de los dos ca- «Victoria está olvidada, «Todo lo que se le dedique me pare- Un grupo de jóvenes sos. Victoria de los Ángeles se reti- como olvidan a casi ce poco. Fue la primera cantante interpretará piezas de ró en 1979 de la ópera que escuché en mi vida. Yo tenía 12 todos los grandes, Rodrigo, Granados, interpretando la obra Pelléas et Méaños. Nunca he dejado de quererla, Mozart o Donizetti lisande, aunque siguió realizando sobre todo aquí» de seguirla y de admirarla». recitales. Berganza lo haría en Al poco tiempo de aquella actua2008. La madrileña sigue imparción la propia Berganza decidiría tiendo clases de canto. De sus palabras se deduce que no dejar los escenarios. «He cantado Berganza y su hija Cecilia Lavilla «Vivimos en un país en el que se se siente muy valorada. «En Nueva con todo lo que he tenido hasta que iban a ser las encargadas de llevar olvida a los grandes. Todo eso me York hay cantantes que siguen en hace dos años, por una circunstan- el peso del homenaje. «Ésa es la ha hecho sentir más cerca de ella. los escenarios con 85 años y, aun- cia personal, mientras cantaba me pena que tengo. Han insistido muNo hemos sido artistas que haya- que lo hagan mal, los americanos quedé sin voz y mientras me ocurría cho en que iba a cantar yo pero mos dependido de la publicidad, ni están encantados porque las consi- decidí que ya no cantaba más». no me encuentro fuerte, ni prepade las televisiones. Hemos hecho deran sus cantantes y están vivas». Ni siquiera este homenaje le ha rada. Si no estoy al 100% de ninnuestras carreras en silencio», inEl primer recital en memoria de hecho cambiar de idea, a pesar de guna forma salgo al escenario». siste la mezzosoprano. la cantante Victoria de los Ángeles que en la idea original la propia Pero la mezzosoprano estará de

anfitriona. «Seré maestra de ceremonias o acomodadora, pero el caso es participar en el homenaje». De hecho, la cantante madrileña no se cansa de repetir que Victoria de los Ángeles, junto con María Callas, influyó de manera decisiva en su carrera. Para el programa se ha seleccionado a un grupo de jóvenes, incluida la propia Lavilla. Algo que agrada a la cantante: «Está bien que sean los jóvenes los que participen en el homenaje». Algunas de las voces elegidas son Ángeles Blancas, Milagros Poblador, Ofelia Sala, Enric Martínez-Castignani o David Alegret y estarán acompañados al piano por Miguel Ituarte y Aurelio Viribay y Mónica Climent (flauta), que intervendrá en la primera pieza. El repertorio incluye piezas de compositores españoles y extranjeros, como Joaquín Rodrigo, Enrique Granados, Franz Schubert, Rossini, Mozart o Donizetti, entre otros. Para Berganza, Victoria de los Ángeles es algo más que una cantante excepcional. «Recuerdo de ella sus recitales en Nueva York, la gente se volvía loca, pero sobre todo recuerdo cuando sacaba su guitarra y cantaba Granada. Era impresionante. Nunca quise copiarla, pero sí intuía que lo que hacía Victoria teníamos que hacerlo los demás». No hay sucesoras de Victoria de los Ángeles en el horizonte. «No hay nadie que haya podido cantar como ella y encuentro muy difícil que lo puedan hacer alguna vez. Pueden intentar copiarla pero era muy especial, con mucha sensibilidad, y era una gran artista». Homenaje. Esta tarde, a partir de las 20.00 horas. Teatro Español.


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Ocio

‘Idomeneo’ echa el cierre a la temporada Ópera. El Teatro Real se va de vacaciones con el estreno, esta tarde, de la única de las grandes óperas de Mozart que aún no

había subido a su escenario, una coproducción con la Scala creada por Luc Bondy y dirigida por el maestro López Cobos B E AT R I Z P U L I D O

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l Real baja el telón de la temporada con el estreno esta tarde de la única de las grandes óperas de Mozart que aún no había subido a su escenario: Idomeneo; considerada el primer paso importante que dio el genio alemán en el terreno de la lírica. Después de este título vendrán otros grandes, como Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, Così fan tutte, El rapto en el serrallo, La clemencia de Tito o La flauta mágica. La coproducción, que pone en escena el coliseo madrileño con la Scala de Milán, ha sido creada por el director de escena Luc Bondy (Zurich, 1948), un nombre de peso en el panorama lírico europeo y que debuta también en el Real. El suizo ha creado una atmósfera intemporal donde destacan los personajes y la relación que hay entre ellos más que una ampulosa estética de decorados. Es un diseño que parece encajar, y así lo ponía de manifiesto el propio Bondy, dentro de las dimensiones del teatro de la plaza de Isabel II. «Creo que la arquitectura de este teatro es propicia para esta ópera. Permite al espectador estar cerca

Un momento del ensayo general de ‘Idomeneo’, en el Teatro Real. / REPORTAJE GRÁFICO: JAVIER DEL REAL

sentación, lo extraño que resultaba el hecho de que el libretista de la obra, Varesco, no se hubiera relacionado directamente con el compositor y siempre fuera el padre el que actuara como intermediario. «Es difícil saber cómo lo manifiesta Mozart en la ópera». Precisamente, ese triángulo laboral consiguió que la composición de la partitura, que era un encargo, se retardara en exceso. Aún era fuerte y severa la influencia de Leopold Mozart sobre el trabajo de su hijo. Y se cuenta que hubo tensiones continuas. Idomeneo fue creada como una «ópera seria», aunque el compositor alemán añadió una serie de novedades formales y de estilo que han conseguido situarla en un lugar preeminente de su producción operística. Mozart escribió esta obra poco tiempo después de su llegada de París, donde se libraba una feroz batalla dialéctica entre los defensores de la tradición, representados por Niccola Piccinni y los reformadores del teatro lírico, con Gluck a la cabeza. En general, la obra mozartiana sigue el esquema tradicional pero también emplea elementos reformadores. François René escribió que la

La orquesta prolonga su percusión casi por debajo del escenario para lograr un efecto de intimidad

La relación personal de Mozart con su padre, llena de tensiones, pudiera reflejarse en la obra

de ella. La obra, como todas las de Mozart, rezuma intimidad». Esa intimidad ha sido lograda acercando la escenografía al público y a una orquesta que prolonga su percusión casi por debajo del escenario. Idomeneo es una obra que, según Bondy, hay que representar muchas veces para poderla entender. Por eso admitía que no quedó demasiado satisfecho de las anteriores versiones que ha realizado. «Es la ópera de un visionario en su estructura musical». Posee pasajes sonoros que al director de escena suizo le recuerdan a Verdi, aunque, como él mismo admitía, quizá no tenga una construcción dramática importante, en buena parte debido a la escasa calidad del libreto. Fue Giambattista Varesco el encargado de escribirlo, y se inspiró para hacerlo en el texto del francés Antoine Danchet. Según Bondy, la obra contiene una de las escenas más bonitas de la historia de la ópera, «de las más desgarradoras», cuando el hijo le propone al padre

ópera mozartiana constituye un logro solitario, que sigue siendo vano describir por referencias o comparaciones en el terreno de la lírica: «A partir de Idomeneo, todo es embrujador, todo es digno de admiración, sin que sea siempre posible dilucidar las razones». En el foso estará el director musical del Real, Jesús López Cobos, quien señalaba lo fundamental que resulta Idomeneo para la producción posterior de Mozart, «porque anticipa cosas importantes», como el personaje de Electra, que «avanza las figuras trágicas posteriores». Y advertía, rindiéndose a la genialidad del músico, que «si hubiera vivido un poco más, hubiera arruinado el siglo XIX y el XX». El director de escena alababa, a su vez, la forma de dirigir del maestro, y añadía que López Cobos consigue subrayar con la música que Idomeneo «es una tragedia construida de manera épica». Dos buenos repartos se alternan en el escenario encabezados por el tenor norteamericano Kurt Streit y el sudafricano Kobie van Rensburg, acompañados por voces femeninas como Emma Bell y Anna Caterina Antonacci, que hacen el papel de Electra, Bernarda Fink o María Bayo. Además de las intervenciones de Charles Workman y Francisco Corujo, entre otros.

Cinzia Forte, en el papel de Ilia. que le mate: «Es extraño e indigno para el espectador. El padre está dispuesto a hacerlo por la paz». La trama argumental, que se desarrolla en la isla de Creta, cuenta la vuelta del rey Idomeneo, que después de sobrevivir a una brutal tormenta promete al dios del mar que sacrificará al primer mortal que se encuentre en tierra. El que viene a buscarle es su hijo Idamante. El rey intentará que escape a Argos, pero Neptuno, irritado, hace revolverse

El protagonista, Idomeneo, interpretado por Kurt Streit. el mar y de él surge un monstruo marino al que Idamante, que ha aceptado su destino, da muerte. Los dioses finalmente le perdonan, con la condición de que abdique a favor de su hijo Idamante. Estrenada en 1781 en el teatro de la residencia de Munich, supuso el paso definitivo de Mozart, quien después de su estreno abandonaría su ciudad natal, Salzburgo, y a su entorno familiar, para establecerse definitivamente en Viena.

El director artístico del Real, Antonio Moral, señalaba que «es una de las siete grandes óperas de Mozart», y añadía que constituye, en cierta manera, una suerte de «reivindicación» del compositor respecto a su padre «para dejarse ver y escribir con una libertad que hasta entonces no había tenido». Esa relación padre e hijo pudiera, quién sabe, reflejarse en los personajes principales de la ópera. Bondy recordaba, durante la pre-

Idomeneo. Hasta el 27 de julio en el Teatro Real (Pza. Isabel II, s/n).

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EL MUNDO. VIERNES 4 DE DICIEMBRE DE 2009

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Experiencia en los escenarios

Un momento de la representación de ‘Jenufa’, de Leós Janácek, en el Teatro Real. / JAVIER DEL REAL

Janácek se asienta en el Real Ópera. El coliseo estrena ‘Jenufa’, el primer gran drama del compositor

checo y completa un ciclo en el que se han podido ver sus grandes obras BEATRIZ PULIDO

Se puede decir que la personalidad creadora de Leós Janácek (18541928) alcanzó su madurez con la creación de Jenufa. Estrenada en el año 1904 en Brno (Moravia), Janácek tardó más de una década en componer esta ópera, una de las más celebradas del repertorio moderno. Es su primer gran drama, aunque el éxito de la obra le llegaría con su representación en Praga en el año 1916. Esta noche se estrena en el Real y viene a corroborar la especial dedi-

cación que se le ha tenido a este compositor en el coliseo madrileño, donde en temporadas anteriores se han representado otras obras suyas como El caso makropoulos, Katia Kabanova o Desde la casa de los muertos. La tragedia del propio Janácek, cuya hija enferma de tifus moriría al poco tiempo de terminar la ópera, y la inspiración del autor en la novela de Gabriela Preissová, La hija adoptiva, terminaron de darle alimento al compositor para crear una música inolvidable. Milan Kundera escribi-

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ría que «Janácek era más romántico que todos los románticos. Su música no es otra cosa sino emoción». Stepháne Braunchweig, director de escena de esta producción alababa también la música por encima de todo lo demás. «Antes de acercarme al libreto me acerqué a la música, menos realista que el libreto, y me di cuenta de que tiene que ver con el alma de Janácek y de que transporta la ópera a otro nivel». Sobre las tablas un infanticidio ocurrido en la Moravia natal del autor abre de par en par las puertas al

drama. Sobre la madre de la criatura, Jenufa, recaerá la sospecha y sobre ella se verterá el desamor, los celos, el sufrimiento en una atmósfera rural y religiosa asfixiante. La dirección musical corre a cargo de Ivor Bolton. «Es la obra que siemStepháne Braunchweig es uno pre he querido hacer», comentaba el de los creadores escénicos más director británico. «Es lo más próxidestacados del panorama teamo a Monteverdi. En ella se da una tral europeo de la última décacorrespondencia entre la orquesta, da. Estudió Filosofía e ingresó el texto y la música». en la Escuela de Teatro NacioEn cuanto al reparto hay que desnal de Chaillot. Fundó su protacar la presencia de las sopranos pia compañía (Théâtre-MachiAmanda Roocroft y de Andrea Danková en el papel de Jenufa. La prine) con la que realizó sus primeros espectáculos. Fue nommera de ellas alabó el carácter de su brado director del Centre Drapersonaje. «Es un personaje muy matique National fuerte que se ha de enfrentar a granOrleans-Loiret-Centre poco des retos y sale victoriosa. La obra antes de asumir la dirección por ello ofrece mucha esperanza al del Teatro Nacional de Estraspúblico». burgo. El papel de Kostelnicka, la maHa dirigido obras teatrales drastra de Jenufa que asesina al nide Büchner, Brecht, Ibsen, Weño para proteger a su hijastra de la dekind, Chéjov, Pirandello, deshonra, estará representado en el Shakespeare y Molière, entre doble reparto por Deborah Polaski y otros autores. Anja Silja. Esta última, una de las En el campo de la ópera, ha cantantes más longevas del repertodirigido A kékszakállú herceg rio operístico, lleva medio siglo sobre vára (El castillo de Barba Azul) los escenarios. Ha trabajado en prácde Bartók, en el parisino ticamente todas las producciones de Janácek y lleva 25 años interpretando este papel. «Es el compositor más honesto que he conocido. Cada línea de esta ópera tiene sentido. La música transmite tanto sentimiento que la obra se entiende aunque esté en checo». Pese a que la coproducción del Teatro Real y del Teatro alla Scala de Milán es nueva, el montaje de Stepháne Braunchweig se estrenó en el Châtelet de París Una de las protagonistas de ‘Jenufa’. / JAVIER DEL REAL en el año 96. Por eso, el Théâtre du Châtelet; Rigoletto escenógrafo admitía durante la preen La Monnaie de Bruselas sentación en el Real que si tuviera (1999), Elektra en la Opéra Naque hacer una nueva concepción de tional du Rhin de Estrasburgo Jenufa «probablemente sería distin(2002) y para el festival de Aixta porque he madurado y quizás en-Provence creó la tetralogía puedo tener otra estética en mente». wagneriana, Wozzeck, Vec Pero el director francés añadía que Makropulos y Die Zauberflöte. «en realidad no haría ninguna otra En la apertura de la temporada producción. Cuando la veo en escede La Scala de Milán en 2008, na me sigue conmoviendo y creo, presentó Don Carlo. Es direcpor ello, que la producción era la tor asociado del Théâtre Natioacertada». nal de la Colline desde enero Jenufa. Hasta el 22 de diciembre en el 2009. En el Real ha dirigido FiTeatro Real (Plaza de Isabel II, s/n). delio (2001).


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Fecha: 31/10/2006 Sección: MADRID Páginas: 16-17

Ópera. El TeatroRealestrenahoy’El amorde las tres naranjas’,unade las creacionesmásreconocidasy¯ ’ :: sorprendentes de SergueiProkofiev.Enesta versiónpredomina la juventud de los participantes y unaestéticaoníricay de fábula

La apoteosis de la ¯

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lmaglnaclon [] majo alelio,mlSUS suqukloru, retaa FataMoRana (fueradela lmqqm). / FOTOS: ALVARO DELAM BEATRIZ

PULIDO

1 estreno de la ópera El amorde las tres naranjas, de Serguei Proko: fiev, en Chicagu, en el año 1 , tenía todos los ingredientes para sorprender a la crítica y al público norteamericano. Basadaen una fábula del italiano Carlo Gozzi, la ópera estaba dotada de un despliegue creativo desbordante, una música ligera y rica en matices y giros continuos, dentro de esa particular guerra que el compositor ruso había declarado a la tradici6n. Posela una comicidad colorista, másque rossiniana, que algunos compararon con el humor que Charles Chaplin desplegaba por aquel entonces en el teatro musical. Sin embargo, fue acogída con frialdad e indiferencia. Los estadounidenses nunca apreciaron la labor de composición de Prokofiev (1891-1953), sino su genial destreza al piano. Casi Un s~lo después esta ópera, que incluye una de las más famosas ¯ marchas de la música contemporánea, es la más reconocida del compositor ueranlano. El amorde las tres naranjas se

Losprotagonistas coleb’a~ unafiestaenunadelasfachades móviles quegiran conel cambio deescena.

estrena esta nocheen el Teatro Re. al, en una coproducción con el Festival de Aix-en-Provence. Un prólogo y cuatro actos, que muestran la capacidadde Prokofiev para la invenci6ny la búsquedade la novedady un talento lírico expresado en el dúo de amordel último acto. Si hay algo que predomina en esta versión de la 6pera es la ju¯ ventud, no sólo del maestroruso, TuganSokhiev,que dirige a la orquesta, con sólo 27 años, sino la presencia de jóvenes cantantes de la Academiadel Teatro Mariinsky de San Petersburgo, que formarán parte del coro. El propio Sokhiev mencionaba que ha tenido que realizar un importante trabajo con la orquesta y con el coro, por <<la enormecomplejidad del Prekofievescrito. En Españano hay costumbrede interpretar a Prokofiev. Sus partituras


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El ReyyLnandre enunaescena de4primer acto.

Fecha: 31/10/2006 Sección: MADRID Páginas: 16-17

El ruego ¢he41o y FataMorgana sope4ean redendos delosacantpudentes dela mujer.

no se puedentocar, ni cantar como gia del teatro aparece pero de tal si fuera Strauss o cualquier otro maneraque ((se ven los trucos, se compositaD).Pero en líneas gene- ve el proceso. Es el público el que tales se sentía satisfechodel resul- debe conseguir la mofa~). Eso tado: <~,horase puedenlucir unos ocurre, por ejemplo, con la prey otros~). sencia de algunos personajes, coEl libreto, inspiradoen la obrade moTruffaldino y su séquito, ataGmzzi,fue escrito por el propio viados con unos tacones altos y compositor, que consigue mezclar una estética a lo drag queen. Serguei Prokofiev demostró su perfectamenteel humory la sátira. Los movimientos alocados de precocidad y talento innatas para Narra las vicisitudes de un joven los personajes en algunos mola mtísica cuando dio su primer príncipe condenadopor la malvada mentos del espectáculo, algunos concierto a la temprana edad de Fata Morganaal maleficio de ena- de ellos subidos a unos imponentres años y comenzó,a los cinco, morarsede tres naranjas a las que tes tacones, no resulta del todo sus primerosescarceos con la comdeberescatar de algún que otro pe- cómodopara los actores: (~l emposición. ,.~ ligro. Unade ellas será su esposa,si brollo es parte del show~, comenEl músicoucmnianoera hijo de su prima(la princesa Clatisa) y taba Sokhiev.((Es el completoabuna profesora de piano. Fue consimalvadoLeandrele dejan. surdo. Es como unsueño,como deradopor los críticos comoultraEnla obra se dan tres niveles o una pesadilla. La gente debería modemistapor.el lenguaje musical fuerzas: aparece el mundode la volver a casa ri6ndose~). Eso lo que practicaba; una búsquedaque magia (del que forman parte el consigue en primer término la continuóen el exilio, cuandola Recoro y los magos), los humanos música: ~~Alescucharla, uno no Truffe4dlno y el Reymantienen unaanimada converssclGn sobre la salud delpr[nclpe. voluciónRusale llevó fuera de las el de los ridículos o los liufones. sabe si es dramática,lírica, cómifronteras de su país y recaló en EsLa puesta en escena, con el co- ca. Por eso la escenografia y el tados Unidos. lor y las luces alegres de una fábu- vestuario de los personajes resulEn la creación musical se adhila, establece una serie de visiones ta vital para contextualizar~). rió al Neoclasicismo,y muchasde sugerentes. Dos fachadas superLa complejidad propone cambio sus composiciones tienen claras repuestas que giran y ofrecen distin- de cuadros constantes. Stehlé coferenciasal estilo del siglo XVIIIy tos escenarios aparecen casi como mentabaque el director de escena, a Haydn,Este estilo aparece clarasi fueran el maestrode ceremonias Phllippe Calvario, habta sabido mentedefinido en su famosaSinfoy narran los cambiosde escena. Al combinarmuybien ((la seriedad nía Clásica, compuestaen 1917. fondo, una pantalla proyecta luces ligereza de esta fábula)). Fue, sin duda, un maestro en ese y crea ambiente. En el suelo se El artista alababala frescuradel arte de asociar lo clásico contécniabren y cierran varios agujeros, de vestuario, diseñadopor AurorePocas modernas. donde entran y salen distintos pineau, quese puedeapreciar en las Despuésde su periplo americano efectos y personajes. imágenes que acompañan a este recaló en París. La nostalgia se lo Es una óperadifícil para los in- texto. ((Esevestuariova conel espíllevó de vuelta, en 1936, a Rusia, térpretes ((porqueno tiene arias fí- ritu de querer contar una fábula~~y dondeno tendría tanta libertad para sica y vocaimente, sino pequeñas está inspirado en una tradición de componer. Los funcionarios del frases a cargo de másde 15 solis- dibujos animadoso cÓmics. Partido, enemigosformales de las tas~~, explicaba TuganSokhieven El director musicalde origenruso vanguardias, le acusaron de formala presentación de este montaje. hablabadel desplieguefisico que es Miembros delcarole muestran al Reysusropas rnan¢hadas desangre. lista y de atonal, y atacaronespeÉsta es una oportunidad,segúndi- necesarioen el escenario.(,.El cante cialmentela obra que Porkofievhajo, para que .España descubra más y el movimientovan juntos. Nose bía realizadoen el extranjero. la obra de Prokofiew), en su opi- puedenconcebirpor separado)). PaAsí que el compositorse volvió ni~n, <*unode los genios contem- ra Sokhiev,la vieja tradicióndel coun poco más conservador y popuporáneos~L ro, que no participa en la acción y lar en sus creaciones. Aúnasí, fue El escenógrafo suizo Jean del que siguen quedandorestos en capaz de crear obras maestras emMarcStehle afirmaba que la ma- Europa,se está acabando. pleando su propio lenguaje revolucionario y terminar con un bagaje nada desdeñable, formado por siete sinfonías, nue~¢econciertos, óperas, cantaras y sonatas. Desta’ELAMOR DELAS TRES can la ópera El amorde las tres NARANJAS’ naranjas, el ballet Romeoy Jalieta, ademásde su importante tra- ~’ [nel leatro Real (Plaza deIsabel II, s/al. £streno estamisma noche hasta el 16de bajo componiendo bandas sononoviembre (losdios pares). Alas20.00 ras para el cine. horas, excepto el domingo, a las18.00 Serguei Prokofievmurió, curiohoras. Duración: una hora y 45minutos. samente,el mismodía de 1953que : I.ostresmalvudos dela ~para enunaescena dela represontadón. lo hizoel dictadorJusif Stallu.

Prokofiev: exilio.y vuelta a Rusia


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EL MUNDO. LUNES 28 DE SEPTIEMBRE DE 2009

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Ocio

El Teatro Real sube el telón esta noche con uno de los títulos más dramáticos e intensos del repertorio. La ópera escrita por Alban Berg empleando el lenguaje dodecafónico narra el ascenso y declive de una ‘femme fatale’ que interpreta Agneta Eichenholtz. La apuesta escénica de Christof Loy es minimalista y se pone al servicio del drama y de la música. Eliahu Inbal dirige desde el foso

‘Lulú’ abre la temporada BEATRIZ PULIDO

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l escenario amanece desnudo, vacío de toda ornamentación que distraiga al espectador de la intensidad de la música y del libreto compuestos por Alban Berg. A excepción de una mampara traslúcida que se ilumina con fines dramáticos y poéticos, sólo los personajes vestidos en blanco y negro gravitan en torno a la protagonis-

ta: Lulú, una mujer fascinante y seductora o femme fatale, que deambula por la escena como lo hace por su propia vida. Casi todos los protagonistas avisaban el día de la presentación: la ópera que abre la temporada del Real, Lulú no es una ópera fácil. «Nos daba respeto. Creímos que el público la podía sentir como algo duro», admitía el director artístico Antonio Moral. Por ese motivo, el

máximo responsable artístico del coliseo pedía al respetable algo de complicidad. «Uno debe prepararse para esta obra como cuando se acerca a un cuadro moderno». Algo que facilita el Real que ofrece a los espectadores la posibilidad de asistir a una breve introducción sobre la ópera media hora antes de cada función. Coproducida con la Royal Opera House y el Covent Garden, el

Real presenta la versión de la obra que Berg no llegó a concluir por su muerte en 1935. Algo que hizo Friedrich Cerha cuando falleció la mujer del compositor, para ser finalmente estrenada en París en el 79. Basada en dos piezas dramáticas de Frank Wedekind: Espíritu de la tierra y La caja de Pandora, es un retrato de la vida de una mujer que ejerce una fascinación tremenda en los hombres y que parece destruir todo lo que toca, incluida a sí misma. Algo que le pasará factura en su declive, cuando llegue a ejercer la prostitución y a morir a manos de un asesino en serie. La dirección de escena corre a cargo de Christof Loy que no estuvo presente durante la presentación en el Real. Sí lo estuvo su ayudante, Axel Weidauer, quien dejó claro que «el enfoque de la ópera para Loy es el amor». Para Weidauer, Lulú es el arquetipo de la mujer fatal, un tipo de mujer que el propio Loy comparaba en una entrevista con los personajes de Carmen o Salomé. El papel será interpretado por Agneta Eichenholtz y Susanne Elmark. Un rol que sin duda representa un desafío dramático y vocal para las intérpretes que deben permanecer en el escenario prácticamente las casi cuatro horas que dura la función. Algunos de los cantantes interpretan varios papeles, sobre todo por el carácter simétrico que le imprimió Berg a la ópera. Así los tres esposos que aparecen en la primera parte y que Lulú destruye o asesina, reaparecen en la segunda con un rol simétrico en forma de clientes que tiene la protagonista como prostituta. El último de ellos será el que termine con su vida. El minimalismo viste la escena de completa desnudez. «No es por moda. La fuerza reside en el argumento y la música, y no puede haber nada que entorpezca esta circunstancia», añadía el coreógrafo Thomas Wilhelm. De hecho, la intensidad dramática que consiguen música y texto conducen con fluidez al espectador hasta el desenlace de la ópera. Como buen representante de la

segunda escuela de Viena, junto a Schonberg y a Antón Webern, Berg tenía una original percepción del teatro musical debido a las perspectivas escénicas abiertas por la experiencia expresionista. La música, escrita en lenguaje dodecafónico, se sumerge de lleno en las 12 tonalidades, un sistema que, según el director musical Eliahu Inbal, «hay que ser un genio para saberlo tratar». Pero además, el director de la Fenice de Venecia, añadía que «es un sistema muerto», y que hoy en día, «cada

Casi todos los protagonistas avisaban: Lulú no es una ópera fácil Es un retrato de una mujer que ejerce una fascinación tremenda en los hombres La música, escrita en lenguaje dodecafónico, se sumerge de lleno en las 12 tonalidades compositor tiene que encontrar su propio lenguaje para crear música». Aunque se exprese con este lenguaje no pierde de vista del todo la tonalidad: «Hay una parte al final que casi suena a Brahms, a Piccino o a Strauss», aseguraba Inbal, para quien la ópera le recuerda algo el cine negro americano. «Representa la tragedia de la humanidad». Incluso se atrevía a ir más allá y afirmaba que si el arte asoma como una profecía del futuro, «Lulú puede ser una metáfora del peligro del declive de la democracia occidental y de los tiranos como Hitler y del peligro de volver a repetir la Historia». Lulú. Hasta el 16 de octubre, en el Teatro Real (Plaza de Isabel II, s/n).

LULÚ. La mezzo soprano Agneta Eichenholtz interpreta a Lulú (papel que también encarna Susanne Elmark). La complejidad de este rol estriba en que Lulú permanece prácticamente todo el tiempo que dura la ópera en escena (casi cuatro horas). Su personalidad es la de una mujer fascinante y seductora; una ‘femme fatale’ que destruye todo lo que toca. / CLIVE BARDA

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. VIERNES 1 DE OCTUBRE DE 2010

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Ocio

Jane Henschel (Leocadia Begbick), en el centro, y las chicas de la ciudad de Mahagonny. / FOTOS: JAVIER DEL REAL

El Real aprueba con nota el ‘Mahagonny’ de Gerard Mortier

La ciudad triste y desconfiada Ópera. El público recibió entusiasmado el

BEATRIZ PULIDO

réquiem sobre el capitalismo triunfante ‘MAHAGONNY’ Libreto: Bertolt Brecht. / Música: Kurt Weill. / Director musical: Pablo Heras-Casado. / Director artístico: La Fura dels Baus. / Intérpretes: Measha Brueggergosman, Jane Henschel, Donald Kaasch, Michael König. / Escenario: Teatro Real / Fecha: 30 de septiembre. Calificación: ★★

ÁLVARO DEL AMO

El telón se alza para mostrar un prodigioso estercolero. La abundancia de los detritus sentencia de antemano lo que les cabe esperar a los fugitivos que podrían albergar alguna ilusión. La Fura ha optado por una contundencia en la imagen recurrente o, según el gusto de cada cual, por una obviedad que condiciona el discurso escénico desde el arranque. La eficaz contundencia, o la reductora obviedad, se prolongará después con lógica implacable; así, veremos a prostitutas envueltas en papel celofán o provistas de su colchón correspondiente; la voracidad de un comer sin tino se muestra en un abrevadero donde los ciudadanos engullen como animales; en el desenlace un despliegue de carteles proclamando el triunfo del crimen o invocando una hipotética justicia increparán a la audiencia, con toda la compañía entonando a un tiempo un redoble moral, tan de rabiosa actualidad que quizás alguien habría preferido un poco más sutil. Cuando el mensaje no es claro asoma la tentación de la obviedad. Y el posible interés de esa ambigua fábula reside curiosamente en la confusión de su moraleja. Es muy fácil resumir los acontecimientos aquí presentados como una crítica a la corrupción del poder, en su

versión capitalista, con el sucio dinero como fetiche de lo putrefacto. Pero si simplificamos así el sentido de la obra, como en gran medida simplifica este montaje, nos olvidamos del sugestivo impulso muy bien expresado en el arranque: el grupo de huidos busca la libertad y se instala en la ciudad rodeada por el desierto para plasmar el ideal anarquista de una sociedad donde el humano pueda vivir en el gozo y la inteligencia de que sus atributos no serán coaccionados, oprimidos, ni esclavizados. Bertolt Brecht no explica realmente por qué no se logra el programa libertario; el virus proviene de su propia contradicción; el dramaturgo se debate aún entre el pesimismo existencialista expuesto en su primera pieza teatral (Baal), y la doctrina marxista que le proporcionará una interpretación de la Historia y un esquema teórico para comprender el presente. Él quiere creer en la libertad del hombre, pero es demasiado sensible a su fracaso sistemático; de ahí que tienda a responsabilizar al capitalismo y al vil metal de todos los males, desde la muerte a la traición. El compositor Kurt Weill aporta el cinismo triste, la desencantada amargura de unas melodías que se recrean en el desaliento, agitadas por el ritmo sincopado propio del cabaret. Una música que acompaña el diálogo y el recitado con una desenvoltura apenas intuida aquí, en la conjunción de orquesta, coro y cantantes. La batuta impone un estilo brioso y algo precipitado, el reparto no domina sus respectivos papeles, y el coro oscila entre lo apagado y lo vociferante. Falta un criterio capaz de integrar el conjunto, conjugan-

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Measha Brueggergosman (Jenny Smith) y Willard White (Trinity Moses).

do la chispa de una partitura que pretende conmover sin quejarse con la actuación de unos tipos que en su vacío guiñolesco buscan continuamente engañarnos. Y el coro no es una masa amorfa, sino el río

revuelto de una ciudadanía desesperada y amoral. Tal vez la solemnidad de la escena, propia de una gran misa de difuntos, ha contagiado su particular catarsis católica a los demás.

Más de uno contuvo anoche el aliento durante todo el estreno de Mahagonny. Parece que en ocasiones como ésta no se calibra demasiado bien cuál puede ser la reacción del respetable del Teatro Real y ayer se temía lo peor. Al menos algo parecido a lo que ocurrió en la ópera Salomé, cuando los pataleos y abucheos ensombrecieron la labor de Robert Larsen, o la pitada que se llevó el Wozzeck de Calixto Bieito. Pero nada extraordinario sucedió. No hubo pataleo, ni abucheo. Es más, el público celebró la puesta en escena y aprobó con nota la primera producción propia de la era Mortier. El libreto de Bertolt Brecht ya contenía en su argumento la decadencia, el sexo, la podredumbre moral y la Fura dels Baus se limitó a expresarla levantando metáforas de basura y sexo. Así al menos se comentaba en el descanso de la función, cuando a una espectadora se le escapaba que aquello era una «cochinada» pero «moderadamente comprensible». Se refería con ello a las escenas de sexo explícito que aparecen durante la representación, pero la misma mujer se rendía ante la extraordinaria música de Kurt Weill. «Está muy bien traído a escena aunque se podían haber guardado alguna que otra escena subida de tono y no hubiera pasado nada», aseguraba otro espectador. 127 salas de cine de Europa ofrecieron en directo la función y todas ellas vieron el apoyo unánime de los espectadores, que casi llenaban el coliseo, no sólo al jovencísimo director de orquesta, Pablo Heras-Casado o al reparto, con Measha Brueggergosman a la cabeza, sino también a los miembros del grupo de La Fura que fueron ovacionados también. Aquel aplauso cerrado y casi unánime, que ya se intuyó al final del primer acto, seguro que también hizo resoplar de alivio a Gerard Mortier.


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EL MUNDO. JUEVES 17 DE JUNIO DE 2010

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Ocio

QUÉ: Encuentra y gana una cámara Sony NEX 5 CUÁNDO: Desde el 15 de junio al 4 de julio DÓNDE: Escondida por las calles de Madrid, con pistas

diarias en Twitter y Facebook para encontrarlas

Concurso/Fotografía

Gymkana para ganar una cámara nueva XISKYA VALLADARES

«Busca a Buda en el Banco de España». Esa fue la pista de ayer, segundo día, para encontrar una cámara escondida por Madrid. Quien la conseguía era el ganador de una Sony Nex 5. Del 15 de junio al 4 de julio la compañía regalará 40 cámaras y objetivos en Madrid y otro tanto igual en Barcelona. A diario los agentes esconden una en algún lugar de la ciudad. El día antes avisan a qué hora estarán colocadas y el día

mismo de la búsqueda dan algunas pistas para encontrarla. Una hora antes de la fijada escriben la última pista. Pero todas las comunicaciones se realizan sólo por Facebook y Twitter. Quien encuentra la réplica de la Sony Nex 5, sólo tiene que ir con ella a una tienda de la compañía para que se la entreguen igual, pero nueva. El primer día de búsqueda los participantes en la capital eran entre 15 y 20 personas. Los primeros ganadores fueron, según su nick en

Lugar donde ayer encontraron las cámaras escondidas los ganadores del segundo día del concurso/gymcana. / SERGIO GONZÁLEZ / LUIS ORCHEVEC

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Facebook, Lu Rodríguez y Salvatore Madonia. Encontraron las cámaras en la estatua del Ángel caído del parque El Retiro. Contaron en Facebook que dieron con ellas al ver a las agentes de la compañía sentadas esperando. Según las pistas de la organización, las cámaras estarán hoy a las 13.00 horas en la zona de la Plaza Mayor. En el concurso sólo pueden participar mayores de edad. Por lo que si algún menor se anima a ello deberá ir acompañado de alguien con más de 18 años. Además, las cámaras no se esconderán todos los días a la misma hora ni en la misma zona. Y los de la empresa sólo estarán en el sitio media hora. Si a los 30 minutos las cámaras no han sido halladas, las réplicas quedan en el lugar. Cuando la cámara ya es encontrada, los de Sony dejan un cartel en el sitio e inmediatamente avisan a todos por Facebook y Twitter. La gymkana ayer, a dos días de inicio del concurso, ya tenía 1.384 admiradores en Facebook y 234 seguidores en Twitter. Las carreras por conseguir una cámara no son sólo en los sitios indicados cada día, sino en las redes sociales donde los participantes intercambian experiencias y comentan sus luchas y deseos por conseguir uno de los 80 regalos de Sony. Uno de los participantes opinaba ayer en una de las redes sociales: «Por ejemplo hoy con la pista del Buda sin decir nada de la parada de metro también hubiese habido gente y hubiese estado más interesante y se habría molestado más en buscar todo el mundo, no que ves que hay 40 personas alrededor... y dices... pufff... pa qué?» Mientras otra, más optimista, decía: «Queridos amig@s de Buscadores de Imágenes... No es necesario que hagáis ningún esfuerzo. La próxima será míaaaa!!!!!» Alguno más realista opinaba: «Creo que el último día habrá una marabunta de gente, será para grabarlo en vídeo». Seguro que no se equivoca. La cámara, de14 MP, empezará a venderse en España a finales de junio y costará unos 550 euros. Según la compañía se trata de una compacta con lentes intercambiables con montura tipo E, fácil de usar, y con la calidad y tiempo de respuesta similar a una réflex. Además, graba videos HD con enfoque automático. Por lo que las carreras por conseguir una gratis no son de extrañar para los aficionados.

ALBERTO DI LOLLI

QUÉ: Estreno de la primera ópera de Carlos

Galán CUÁNDO: El 19 y el 20 de junio DÓNDE: Teatro de la Zarzuela (Jovellanos, 4)

Ópera

Oda a la locura del siglo XXI BEATRIZ PULIDO

Si alguien osara darle voz a la locura en una ópera ¿cómo creen que sonaría? ¿Qué imágenes contendría? Carlos Galán (Madrid, 1964) le ha dado forma y voz a esta ausencia de cordura en su primera ópera titulada A·Babel,op.70. Historias de un manicomio, que se estrena el 19 de junio en el Teatro de la Zarzuela. «Es una gran metáfora (a la par que parodia) sobre la ininteligibilidad del lenguaje», alegaba el propio compositor, que es también su director musical y escénico. A pesar de que todos los locos (en total 28) hablen en castellano cada uno naufraga en su propio mundo y la comunicación con el otro resulta imposible. Una arqueóloga acude por error a un manicomio buscando la Torre de Babel. Ahí se encontrará con multitud de personajes envueltos en su propia realidad. Galán se ha valido de diferentes lenguajes con códigos absolutamente dispares, como la música, la literatura, la danza, la escenografía, el vídeo o la técnica circense que coexisten formando un ópera «ES UNA GRAN completa. La obra se apoya en textos y METÁFORA (A LA frases de Góngora, Cortázar, Leonardo Da Vinci, Lewis Carroll o López de PAR QUE PARODIA) Ayala para formar múltiples universos SOBRE LA que cohabitan pero que no se tocan. ININTELIGIBILIDAD «La locura que aquí reivindico es la DEL LENGUAJE», simpática, la locura del disparate, ALEGA EL aunque soy consciente de que hay una COMPOSITOR mucha más dramática», aclara Galán. Partiendo de la milonga de Antonio el Sevillano que canta que «los locos son los de fuera», Galán ha creado una gran metáfora en la que habla de la locura de la sociedad actual plagada de incomunicación, de prisas, de consumismo. «No me quedo en la crónica sino en la crítica: la tragedia de fondo que hay en este mundo en que vivimos». La música sobre la escena la ponen, como alegaba el propio autor, los cantantes, el grupo Cosmos 21 y una orquesta completa, en este caso la de la ORCAM (Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid). Un espectáculo multidisciplinar que Galán recomienda también para los niños y los neófitos: «Creo que es una obra perfecta para introducirse en el mundo de la Música».


O.J.D.: 317815 E.G.M.: 1354000

Fecha: 10/01/2009 Sección: MADRID Páginas: 12

Unmomento dela ópera ’TheRake’s pro~ress’ quedestilauninconfundible aspecto cinematográfico. / JOSÉ AYMÁ

El Stravinsky

más cinematográfico

Escena.El TeatroReal estrena la ópera’TheRake’sprogress’del compositorruso, que el director de escena RobertLepagesitúa en el Hollywood de los años 50 y 60 BEATRIZ

PULIDO

1 compositor ruso Igor Stravinsky no se prodigó demasiado en la creación de óperas, pero sin duda The Rake’ s progress (La carrera del libertino), la última que compuso, estrenada en Venecia en 1951, fue para muchos la culminación de esa tendencia al Neoclasicismo que venía manifestando en obras anteriores. En una época en la que estaba en pleno apogeo el dodecafonismo, esta ópera, que imita ciertos formalismos de la música clásica y barroca, fue especialmente controvertida, criticada porque significaba para algunos un paso atrás en la música. <<Es una mirada atrás y no un paso atrás>~, admitía el director musical del Real Antonio Moral, ayer, durante la presentación de la ópera. Esta producción del Teatro Real, creada en colaboración con el Theatre de la Monnaie de Bruselas, la Ópera de Lyon, la San Francisco Opera, la Royal Ópera House y el CovenGarden de Londres y en colaboración con Ex Machina, que se estrena mañanaen el coliseo madrileño, cuenta con numerosos alicientes. Unode ellos es la propuesta escénica de Robert Lepage, un versátil hombrede teatro y de cine que se está acercando cada vez más a este género al que considera <~unaespecie de hiperteatrom El artista canadiense, a la hora de volcar su imaginación sobre la escena, se ha dirigido a la fascinación que debió sentir Stravinsky por el género cinematográfico y los valores americanos cuando llegó a Hollywood.~~Noparticipó en nin~~una Delicula pero estaba se-

guro de que el cine y la televisión iban a cambiar el mundo», admitía Lepage. Sobre el escenario asoman las visiones del western, fipicas de la época dorada de cine norteamericano recreadas a base de vaqueros y salones. <<Aquelestilo que lucía ese falso aire barroco, encajaba de maravilla con la música>t, añadía el artista canadiense. Las propias bandas sonoras que se escuchan en sedes de televisión, como Barman o Embruiadas de entonces hablan sido prestadas de la gran música..De hecho esta fue la primera ópera pensada para telex~lsión. Ese fue, al menos, su punto de inicim>. La visión creada por Lepase se completa con la inclusión de una cicloramacon la apariencia de cinemascope en la que se proyectan panorámicas, puestas de sol y se dan forma a los cuadros. <<Esta obra mepermite jugar al teatro y creo que a los cantantes también. Ellos se divierten sobre la escena», admitia el director canadiense y añadía que <da música está llena de ideas>~ y que por eso no necesita <<desplegar demasiada imaginación para transmitir esa riqueza,>. Ademásde la presencia de Lepase, destaca la del director musical Christopher Hogwood,un erudito musical, experto en Clasieismo, Barroco y con un buen conocimiento de Stravinsky, a quien consideraba «el gran compositor del mundo.. Hogwood reconocía que «se necesita una buena educación cinematográfica para com-

oRobert Lepage: Director, escritor, realizador cinematográfico, actor.., su carrera no hace más que crecer en el universo de las artes escénicas. Consiguió fama internacional con la obra teatral ’The dragon’s

RobertLepaqe, tñlogy’ (1985), una fama que consolidó con ’Vinci’ (1986), ’Poligraph’ (1987) y ’Tectonic plates ~ (1988) En el 92 se convirtió en el primer norteamericano en dirigir una obra de Shakespeare (’El sueño de una noche de verano’) en el Royal Theatre de Londres. En el 94 fundó la compañía Ex Machina. El mismo año comenzó su andadura cinematográfica y últimamente se ha adentrado en la ópera con títulos como’El castillo de Barba Azul’ o ’La damnation de Fanst’.

prender todas las referencias y homenajes que se hacen al mundo del cine». Stravinsky se inspiró en los grabados de William Hogarth para componer The Rake’s progress. Unas pinturas seriadas y con una conclusión moralizante que cuentan lo que le puede ocurrir a un hombreque se desvía de las reglas sociales. En la ópera se introduce la figura del Diablo comoagente que incita al protagonista, Toro Rakewell, a desviarse de las buenas costumbres, concediéndole tres deseos a cambio de su alma. La presencia del Diablo interesó especialmente a Lepage, tanto que, en su opinión, <Nuizá sea el más interesante de cuantos figuran en el repertorio teatral. Aunque él no haya querido emplear la referencia directa a los grabados porque la moral que transmitían <,ya no están en vigor». En el reparto se ha trabajado ~da caracterizaci6n de los personajes porque es fundamentab, como afirmaba Antonio Moral. En el mismo destaca la presencia de Darren Jeffery (Trulove), María Bayo (Anne Trulove), Toby Spence (Toro Rakewell) o Johann Reuter (Nick Shadow). The Rake’s progress, que permaneeerá en el Real hasta el 28 de enero, inaugura en el coliseo madrileño un nuevo ciclo dedicado a Stravinski, que incluirá también el cuento lírico El ruiseñor, la óperaoratorio Edipo rey, el ballet con narrador Historia del soldado y tr~~ ohra~ da c5marn Jhe Rake’s progress. Estreno mariana en elTeatro Real (Plaza de Isabel II, s/n), hasta el próximo28 de enero.


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E L M U N D O, LU N E S 7 D E J U L I O D E 2 0 0 8

M2 Ocio

Bob Dylan, el plato fuerte de la última jornada de Rock in Rio, comenzó el concierto más tarde de lo previsto. / FOTOS: ALBERTO DI

LOLLI

Eterno, lejano e inmutable Dylan Música. El cantante norteamericano ofreció buenos momentos de su

mejor repertorio, aunque no se comunicó con el entregado auditorio B E AT R I Z P U L I D O

N

ada más comenzar algo le hizo sonreír desde la primera fila. Ésa fue la única concesión de comunicación que propició Bob Dylan a los suyos durante toda la noche. Al menos por una vez levantó la prohibición de registrarle en pantalla grande y se le pudo ver desde todo el recinto, que registraba la mitad del aforo que tuvo anteayer de The Police. Un crítico estadounidense dijo de Dylan que nadie había sido, en la historia de la música, tan inteligente durante tanto tiempo. Desde luego, ninguno habrá vertido tantos ríos de tinta, ni habrá promovido, muy a su pesar, tantos accesos de idolatría, a pesar de que el rock y la música son muy propensos a mostrar esa querencia de profetas. Con la voz un poco más descarriada y que va adquiriendo ese tono sabiniano (los años también se han cruzado en su camino), en el ecuador de esa descomunal gira en la que se ha embarcado por toda

Europa se detuvo un momento en este festival. Aquí se sacó de la chistera de las esencias sobre todo temas de su último disco Modern times, como Thunder on the mountain o Working man’s blues # 2. Un trabajo, publicado en 2006 que demuestra que su efervescencia creativa sigue intacta y el que dicen, aunque el viejo poeta lo niegue, que completa la trilogía que inició con Time out of mind y continuaba con Love & theft. Los intercaló con canciones clásicas como Watching the river flow just like thumb’s Tom blues. Aunque con otro rostro gracias a esa capacidad del norteamericano de revisarse una y otra vez y disfrazar sus canciones hasta hacerlas completamente irreconocibles. Algo que suele sacar de quicio a más de uno que le recrimina cualquier cambio y que seguro quisiera mantener sobre la inmovilidad del formol a este rebelde de los 60. A pesar de que el calor no apretaba a eso de las 21.45 horas una mujer se desmayó cuando Dylan enfi-

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laba su famoso Summertime. Una noche más sus seguidores volvieron a demostrar que le aman a pesar de su evidente crepúsculo. Dicen que el de Minessota se ha vuelto más ensimismado, más distraído sobre el escenario. Ayer reivindicó ese sambenito que le han colocado de hosco y ni siquiera saludó al respetable. Se colocó detrás del teclado, de medio costado y ahí se quedó plantado durante toda la actuación, dando instrucciones a ese grupo de músicos con los que dice sentirse tan a gusto y sacando a relucir buenos sonidos de swing, de ragtime, de blues o de folk-rock. «El disparo de Dios», como le apodó un conocido actor norteamericano, se dirigió a los nostálgicos elevando temas como Just like a woman y cerró su actuación una hora y 40 minutos más tarde con la mítica Like a Rolling Stones. Si comenzó con algo parecido a una sonrisa, antes de partir dejó algo que se asemejaba a un baile. Mañana descansa antes de continuar su periplo por tierras españolas.

El colchón para lanzarse fue una de las atracciones con más seguidores.

EL ÚLTIMO SALTO AL PÚBLICO A.C.

Como si se tirara de cabeza a la piscina, dando volteretas en el aire o tirándose al vacío con el torso desnudo, para no faltar a la tradición de quien inventó el denominado stage diving, Iggy Pop. Hombres y mujeres de todas las edades se sintieron ayer estrellas de la música cuando, tras subir una escalera y tratar de mostrar carisma de ro-

quero, se arrojaron sobre un colchón hinchable, en el que había serigrafiadas las siluetas de varios jóvenes con los brazos levantados, a modo de público. En función de la pericia y las aptitudes mostradas para el show, el encargado de la atracción ponía nota a las caídas de los intrépidos, que casi siempre fotografiaba un amigo o familiar a poca distancia.

«Por lo menos me doy el gustazo, porque no me quiero imaginar el miedo que me daría si yo fuera cantante y no me cogieran», comentó Diana, una gran aficionada a Franz Ferdinand, que probó suerte poco antes de la actuación de los escoceses. «¡Algún día lo haré de verdad!», desafió Eduardo desde lo alto, antes de impulsarse.


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EL MUNDO. JUEVES 28 DE ABRIL DE 2011

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La Noche de los Libros y del Fútbol.

Ana María Matute inició la lectura del Quijote con una gran asistencia de público pese al partido

Matute y la niñez que nunca se fue La ganadora del Cervantes se encontró con jóvenes lectores en el Círculo de Bellas Artes BEATRIZ PULIDO

Ana María Matute dijo una vez que se acostaba entre sus sueños. Sería bonito haberse asomado anoche desde cualquier umbral para deshilvanar esa madeja de sueños que la merodearon al irse a dormir, ya rendida después de navegar por tantas sensaciones. Su rostro viajaba a última hora de la tarde marcado por un surco profundo, una resaca que suele dejar la emoción en el cuerpo y en la mente. Es difícil decir si las dos horas de soledad diaria que se impuso la escritora catalana hace años, destinadas a la reflexión y a la creación, se vieron truncadas ayer. Seguramente así fue. El viaje que comenzó con el acto de entrega del Cervantes continuó con la inauguración de la lectura del Quijote y desembocó en una charla amistosa con los lectores en el Círculo de Bellas Artes. Aún cuando los focos y las luces insistían en mirar hacia otros campos más balompédicos que de tinta, la sala destinada al encuentro estuvo a rebosar y parte del público se tuvo que quedar de pie en los pasi-

llos. Comprobando el éxito de la convocatoria a alguien se le escapó desde el patio de butacas que los seguidores del Bernabéu y los de Matute a la fuerza habían de ser distintos, pero en seguida vino un lector futbolero a contradecirle. «Tenga usted claro que yo salgo disparado en cuanto esto se acabe, ¿eh?». Con la huella del Cervantes aún entre sus manos, Matute terminó de entregarse a este auditorio juvenil y eminentemente femenino, como hace siempre: con sencillez,

«Yo salgo disparado en cuanto esto se acabe», dijo un lector futbolero Ana María Matute leyendo ayer ‘El Quijote’. / BERNARDO DÍAZ

honestidad y un sentido del humor que genera la risa del otro, raras veces la suya propia. Invitaba especialmente a los jóvenes a cruzar con ella el espejo que conduce siempre al otro lado.

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¿Quién es capaz de resistirse a traspasar de su mano el hilo invisible que separa realidad y ficción? «La fantasía ha sido muy importante en mi vida». Ha habido en ella mucha fantasía «como escritora, como ma-

dre, como esposa... Bueno, como esposa menos», bromeaba y cada vez que lo hacía despertaba aplausos. Con esa fantasía enhebró sus cuentos para niños y para adultos y confesó que a los dos les había da-

do la misma importancia. «Aunque quizá sentía una mayor responsabilidad al escribir cuentos infantiles». Ana María Matute lleva su infancia tan cerca que le basta con girar la cabeza para palparla con los dedos. Es algo en lo que insiste siempre que puede. «A mí me empujaron fuera de la infancia, pero algo de mí sigue allí». Esa magia es la que transporta magistralmente a sus cuentos. Ya puestos en disposición, con el auditorio entregado a la causa de Matute, Gustavo Martín Garzo, que hacía las veces de moderador, le pidió que les entregara un cuento y Ana María Matute buscó en su memoria uno que le contaba su abuela: la niña de la nieve, y lo regaló preguntándose en voz alta : «¿Por qué ciertos cuentos como éste se encuentran en diversos idiomas con otros personajes?» Y como ella misma dice que hay dos Matutes: la que acata y la que dice «no me da la gana», ayer vimos a las dos en acción. El carácter se le desbordó con una cuentacuentos que, primero la halagó por su forma de contar, y luego le pidió permiso para seguir cambiando sus cuentos «porque los personajes malos eran demasiado malos y los buenos, demasiado buenos y los niños no los entendían». Ahí no se contuvo la escritora catalana y le lanzó, con mucha educación, su enfado: «Eso es lo que más me repatea, la gente que cambia a los autores. Si ves que no es adecuado para los niños, caray, invéntate uno».


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 27 DE ABRIL DE 2011

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Antonio Gades en estado puro

rar, de pararse sobre el escenario. Algo muy complicado que me ha costado mucho llevar a escena». Por último, el 9 y el 11 se reponen en el mismo programa Bodas de sangre y Suite flamenca. La primera de ellas ha sido, al parecer, la más difícil de recuperar puesto que no se representa desde el 87. Es, según los expertos, una obra que abriría nuevos caminos a la danza española y el flamenco. «Gades ha sido siempre un trasgresor. Cuando todo

Danza. El Real rinde tributo al gran bailarín

alicantino poniendo en escena ‘Carmen’, ‘Fuenteovejuna’ y ‘Bodas de sangre’ BEATRIZ PULIDO

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Decir que el corazón de Antonio Gades (1936-2004) aún palpita en el de su gente no es exagerado. Sólo hace falta escuchar a los que son depositarios de su legado, encargados también del solemne acto de devolver su obra a la vida, para darse cuenta de que su arte aún respira. La compañía que puso en pie la Fundación Antonio Gades forma hoy la tercera generación de bailarines que han mamado las enseñanzas del que llamaron renovador de la danza española. Todos ellos siguen sus pasos y respetan los principios que edificó el artista alicantino: respeto al maestro, esfuerzo, cuidado de la técnica, estética y ética y una humildad que en palabras de Stella Arauzo, directora artística de la compañía, se refleja en una sencilla máxima: «El teatro es una catedral a la que hay que entrar de puntillas». El Teatro Real le rinde un homenaje en el mes de mayo, poniendo en escena tres de sus grandes obras maestras: Carmen, Fuenteovejuna y Bodas de sangre. Inspirado en el libro de Prosper

Marimée y en la música de Bizet, Carmen (6 y 13 de mayo) fue el tercer ballet narrativo creado por Antonio Gades. Nació de su colaboración con Antonio Saura y fue estrenado en París en el año 83. Triunfó durante toda una década en los escenarios sin que el bailarín hubiera de modificar ni un solo gesto. En el reparto, destaca la presencia de Vanesa Vento y Ángel Gil. La primera comentaba que siempre quiso ser la Carmen de Gades. Un deseo que curiosamente compartía con el propio Gades, quien afirmó alguna vez que le hubiera gustado nacer mujer para poder representar este papel. El personaje encarna algunas de las características vitales que poseía el artista nacido en Elda: conciencia de clase y amor a la libertad. Todos insisten en calificar Fuenteovejuna (8 de mayo) como su obra magna. Considerada uno de los grandes ballets del siglo XX, fue estrenada en el 94 en el teatro de Génova. Ángel Gil, en el papel de Frondoso, reconocía que para él Gades fue mucho más que baile. «Era su expresión corporal, la forma de mi-

«Gades ha sido un transgresor. Pensaba que había que economizar el gesto»

Un momento de la representación de ‘Carmen’. / MARÍA ESTEVE

el mundo hacía líneas redondeadas, él se estiró y nos llevó a otra estética», decía Arauzo. Una trasgresión que se mantiene hoy en día, «que todo tiende a lo barroco, con mucho movimiento. Él contrasta porque pensaba que había que economizar el gesto». La Suite flamenca se resume con una palabra: la farruca. «Todo es difícil en Gades, pero la farruca representa un papelón de los más difíciles», añadía Arauzo, porque en ella estaba representada toda su forma de sentir el baile. Miguel Lara, que actúa en la pieza como solista, será el encargado de darle movimiento. «No estamos acostumbrados a expresar desde dentro y Gades lo hacía, muchas veces sólo con su presencia».


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EL MUNDO. MARTES 15 DE DICIEMBRE DE 2009

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Solemnidad de barrio Música. Estopa traslada su rumba callejera al

Teatro Häagen Dazs para celebrar su décimo aniversario y pone al público de pie domesticar la energía salvaje de un dúo acostumbrado a actuar sin corsés. Nada más lejos de lo que ocurrió: los Muñoz supieron adaptarse con soltura al entorno y resultar igual de voraces y festivos que si se encontraran sobre las tablas del estrado colocado en una verbena. En un principio parecía que se iban a limitar a un formato acústico, con ellos solos amparados por sendas guitarras. Así enfrentaron Tan sólo y Qué bonito es el amor. Una propuesta con la que desde luego no hubieran llenado un recital completo, por mucho ejercicio de ‘Club de la comedia’ que hicieran. Porque los chavales también ejercen de graciosos: «Me suenas de algo, tío». «Empezamos bien, soy tu hermano». «De algo más». Afortunadamente con Luna lunera, la canción por la que su discográfica les dio su primera oportunidad, apareció tras un telón el resto de la banda que les acompañó el resto del concierto: batería, percusión, guitarra, acústica, eléctrica y bajo. Eso cuando consiguieron solventarse los problemas técnicos que se hicieron patentes al irse el sonido en La raja de tu falda. Las gargantas de los incondicionales que abarrotaban el teatro taparon el hueco. Es lo Estopa, anoche con Ana Belén. / SERGIO ENRÍQUEZ que se consigue cuando una canción pasa a formar parte del patrimonio popular, que hasta de un momento crítico se Uno de los momentos sale airoso. Arropados por los gritos que desintensos de la noche de la platea lanzaban algunos oriunfue la aparición de dos del pueblo pacense de Zarza CaAna Belén para cantar pilla, del que son oriundos los padres del dúo, llegó uno de los momentos intensos de la noche: la aparición de por delante entre rajas de faldas y Ana Belén para cantar Ya no me homenajes explícitos a Los Chichos. acuerdo. La cantante supo elevar la Así, disco tras disco (y van siete) has- canción a la categoría de acontecita traspasar fronteras, vender millo- miento. Emocionados, los Estopa nes de discos, abarrotar auditorios y prosiguieron con emblemas rumberecibir un respetuoso homenaje de ros como El del medio de Los Chimuchos compañeros de profesión chos o Run run, para pasarse des(entre ellos Sabina, Serrat, Ana Be- pués al flamenco más ortodoxo con lén, Rosendo o El Canto del Loco), la colaboración de otro invitado de que cantan con ellos en su último ál- lujo: El bicho. bum. Todo esto sin perder su esenHemicraneal marcó la cuota de cia, porque si algo son estos dos fi- intimismo para enfilar la recta figuras, parafraseando a su admirado nal con Cuando amanece y los biJosé Antonio de la Loma, es ‘Perros ses, que cerraron con Como Cacallejeros’. marón. Los Muñoz se fueron con Así que, a priori, la idea de verles una sensación clara, que ellos missobre el escenario de un teatro podía mos pronunciaron: «En el teatro sugerir como experimento la idea de se puede vacilar». CARLOS MORAL

Poco imaginaban los hermanos Muñoz hace un par de lustros, cuando se juntaban a tocar y cantar por las plazas y parques de su Cornellá natal, que una década después estarían recibiendo cerradas ovaciones de un público en pie en los teatros con mayor solera del país. La historia de David y Jose en este tiempo se ha escrito así, con naturalidad y peldaño a peldaño, sin más pretensiones que las que su intuición les dictaba ni poses forzadas que enmascarasen carencias. De ese modo han ido contagiando de su rumba callejera a todo el que se les ponía

Los artistas Millán Salcedo y Beatriz Díaz, anoche en el homenaje a Manuel Gas en el Teatro Español. / EFE

Despedida a Manuel Gas Homenaje. Casi un centenar de artistas cantaron anoche en el

Teatro Español en recuerdo del fallecido músico catalán BEATRIZ PULIDO del maestro Solozábal que tanto Lo de ayer en el Teatro Español frecuentó. Y hubo sesión de jazz e supo más a celebración que a des- incluso temas compuestos por el pedida. Tuvo más regusto a reu- propio Gas, como Marismas o Dinión de amigos que de homenaje. vertimento trío, un espectacular Vibró definitivamente más la emo- diálogo entre el violín y el chello ción que la nostalgia, que también en el que el piano sirve de interla hubo, en el penúltimo adiós a mediario. Al final de la pieza gana Manuel Gas, fallecido el pasado la música, que sabe un poco a fumes de octubre. Penúltimo porque ga y a tango. nunca se sabe. Era difícil que apareciera resuAbierto de par en par a la mú- mida toda la vida profesional de sica, el escenario amaneció desbordado de partituras, notas, instrumentos y músicos. En el centro: un podium vacío del que parecía haber brotado una rosa roja y una presencia muy viva. Un vídeo dejaba entrar al maestro y congelaba la imagen en su saludo al público. Ahí se llevó también, quizá, la penúltima ovación de los presentes que abarrotaban las butacas rojas. Eran cientos los rostros conocidos que se repartían encima y debajo del escenario. Cantantes como Víctor Manuel, Massiel, Concha Velasco, Javier Gurruchaga, Miguel Ríos, Joan Manuel Serrat, Esteve Ferrer, Mone, artistas como Vicky Peña, Paco Valladares, Nuria Espert y un larguísimo etcétera desbrozaron la memoria musical de Gas. Llevaron a El músico Manuel Gas. / EL MUNDO escena proyectos que dejó por hacer, como el del musical Fo- Gas, que se metió en la piel del llies, grandes éxitos como Golfus director musical, del pianista, del de Roma o Sweeney Todd, que le arreglista, del productor y del vervalió el premio de la crítica de sionador. La vanguardia le dejó en Barcelona y el Premio Max 2007 los 60 las costuras abiertas y él se al mejor director musical. adentró por la espontánea y geSonó el género de la zarzuela nuina corriente del jazz. La ciudad

condal permitía esas licencias al que tuviera el torrente del arte en las venas y Manuel lo tenía: por condiciones y por genética familiar. Su hermano Mario, director del Teatro Español, vestido de blanco, sirvió como maestro de ceremonias. Lo hizo sin perder ni un minuto el humor, ni las ganas de estar. Piezas cortas, a veces en forma de dúos cómicos, como el que interpretaron Millán Salcedo y Beatriz Díaz de la zarzuela Eterna Canción, o un canto a la nostalgia, como el que llevaron a escena el coro de prostitutas interpretando un tema de Adiós a la bohemia. Víctor Manuel lanzó al aire Quiero abrazarte. «Fue la primera canción que grabé con Manolo en 1970» y Massiel desgarró el tema Balada de María Sanders.

Rocío Jurado En la segunda parte hubo un emotivo recuerdo a Rocío Jurado, artista con la que Gas trabajó durante 16 años. La velada se prolongó casi hasta la medianoche. Más de 30 músicos sirvieron de guía y referente a este sentido homenaje musical en el que se interpretaron algunas de las debilidades de Gas: como el caso de la banda sonora de La Misión de Ennio Morricone o La chica de Ipanema. Como escribía su hermano Mario en el programa de mano: «Muchos amigos y compañeros en el escenario y en la sala del Teatro Español. No para recordarte, porque siempre estarás entre nosotros: para celebrarte».


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EL MUNDO. SÁBADO 27 DE MARZO DE 2010

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M2

Ocio BEATRIZ PULIDO

La luz de Miguel Hernández

Trece años, 13, y siempre la bohemia mira al cielo por si ha de recorrer Madrid bajo la sombra de sus paraguas. La Noche de Max Escena. La edición número XIII de La Noche de Max Estrella rindió Estrella es ya un clásico en el que durante el recorrido un homenaje al poeta con motivo de su centenario los personajes de Luces de Bohemia salen de sus páginas para ser revividas sus andanzas en míticos callejones y callejuelas. Este año un nuevo personaje se incorporaba con luz propia al cortejo de gatos: El poeta Miguel Hernández era llamado y recibido con entusiasmo por la comitiva: «Aunque mi amante cuerpo / bajo la tierra esté, / escríbeme a la tierra / que yo te escribiré». El muchachón de Orihuela, como lo nombrara Neruda, cumplió su promesa y acudió al reclamo de la muchedumbre. Pero eso ocurriría más tarde, ya transcurrido medio peregrinar por esta ciudad «espléndida de arañas. Difíciles barrancos de escaleras, calladas cataratas de ascensores», que cantara el poeta al mirar a Madrid por primera vez de frente. Un par de horas antes, concentrados todos en el pretil de los Consejos, en la plazoleta que hay delante de Casa Ciriaco, Jorge Urrutia levantaba la voz para traer al presente al malo- Uno de los participantes ayer en La Noche de Max Estrella señala una placa con el nombre de Valle-Inclán. / ALBERTO CUÉLLAR grado pastor de metáforas que nació hace ya 100 años y cu- pe, Calderón, Tirso, Lorca y sobre que guiaba a los cofrades hasta la casa de Lope de Vega, la direcyo recuerdo aún sigue doliendo: todo Valle, que con un acto de ge- la vivienda de Larra. Bajo el mis- tora del festival de Almagro, Na«¿Qué le ocurre a esta tierra rese- nerosidad cedía gran parte de su mo árbol escueto, a estas alturas talia Menéndez leía un fragmento ca que no riega a sus poetas?» protagonismo al de Orihuela. del año, en el que dormían rese- de La lámpara maravillosa: «El Subiendo y bajando del impro- Urrutia buscó y encontró al poeta cas las rosas del año pasado, Luis arte es bello porque suma en las visado púlpito, que es la pequeña optimista, al que, a pesar de todo, Araújo pondría voz a un escrito formas nuevas evocaciones antiescalera de cocina, y precedidos dejó clavada la esperanza en mi- de Enrique Centeno y, allí mismo, guas». La prosa de Valle se entredel maestro de ceremonias, Igna- tad de un poema: «Pero hay un ra- Jesús Miranda se acordaría de su mezclaba lastimosamente con los cio Amestoy, van tomando la pa- yo de luz en la lucha / que siem- ilustre antepasado. excesos de la juventud. Luciano labra periodistas, escritores, dra- pre deja la sombra vencida». A la altura del número 61 de la García Lorenzo sacaba de nuevo maturgos, para llamar uno a uno Unas 300 personas siguieron el calle Mayor, entre la que fuera re- brillo a uno de los poemas de Mia los grandes nombres: Larra, Lo- metálico chillido de la campana sidencia de Calderón y el solar de guel Hernández y traía la versión

más reivindicativa del poeta: «y aún sonarán los nombres y las pisadas rojas cuando el bronce no suene y el cañón eche canas». Ramón Irigoyen soltó su afilada lengua en la buñolería modernista e invitó a la fiesta a José María Aznar, pidiendo un aplauso para el ex presidente que nadie se atrevió a secundar. Por si fuera poco, el poema de Miguel Hernández Sepultura de la imaginación le evocó la derrota una vez más del Real Madrid en octavos de la Champions.

«Un poeta preso» Después de un refrigerio en el Buñolería modernista o chocolatería de San Ginés, la comitiva desembocaba en la Puerta del Sol. A la orilla de la fuente, con un frío de río golpeando rostros y manos, hubo otra parada antes de desembocar en los calabozos de la Gobernación, oséase la sede de la Comunidad de Madrid. Allí se encontrará Miguel Hernández con Max Estrella y el anarquista Mateo: «Queréis más esperpento que ver a un poeta preso», exclamaba Francisco Esteve, director de la cátedra Miguel Hernández. No será éste el último tributo que se le rendirá al poeta, porque volverá a ser recordado durante toda la velada hasta medianoche cuando en el Círculo de Bellas Artes, organizador del evento, esta vez sí, aflore la poesía de Miguel Hernández en la piel de las actrices Izaskun Azurmendi y Alicia Mohíno. «Recordar a Miguel Hernández, que desapareció en la oscuridad, y recordarle en plena luz es un deber de España, es un deber de amor», escribía el chileno Neruda.


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EL MUNDO. DOMINGO 13 DE DICIEMBRE DE 2009

MADRID

Música gratis en el Festival Vía Magna para las fiestas navideñas E. M.

El Festival Vía Magna Caja Madrid de música vocal de Navidad vuelve un año más, y son ya 19, a pesar de la crisis. Este certamen con gran parte de programación gratuita (o a precios populares) llena iglesias y otros recintos, algunos de gran belleza. La programación completa se puede consultar en: www.obrasocialcajamadrid.es. eIGLESIA DE SAN JOSÉ (Alcalá, 41). Entrada libre hasta completar aforo. –Domingo 13, 21.00 h. Polifonía Religiosa en Tiempos de Adviento. Coro Cristóbal de Morales. –Viernes 18, 20.30 h. Recital Sacro. Teresa Villuendas, soprano. Javier Recio, tenor. Laurence Verna, piano. –Sábado 19, 21.00 h. Música en la Iglesia Barroca de Europa y del Nuevo Mundo. Coro de Cámara Duque de Calabria. –Domingo 20, 21.00 h. Aba Taano (la alegría de África). –Lunes 21, 20.30 h. Concierto de Clausura del Festival Entrada.

Medio centenar de voces para adorar al ‘Mesías’ de Haendel El coro, formado por aficionados, cantará martes y miércoles en el Auditorio Nacional BEATRIZ PULIDO

Quién sabe por qué en todas las corales abundan las mujeres y escasean los hombres. Esto saltaba a la vista ayer en el ensayo general de El Mesías de Haendel, un clásico de los últimos años en Madrid que impulsa desde hace años la Fundación La Caixa. Cerca de 500 aficionados, llegados de todas partes de la Comunidad, se reúnen exclusivamente para ensayar e interpretar, el próximo martes y miércoles en el Auditorio Nacional, el famoso oratorio barroco, este año dirigido por Harry Christophers. Como la música atrae todo tipo de amantes, no hay un perfil de cantante que sobresalga, pero sí que asoman casos curiosos entre el personal que deambulaba ayer por el Gran Auditorio del Colegio de Médicos, donde tenía lugar el ensayo. Por ejemplo, Fernando ha logrado embarcar a ocho miembros de su familia: su mujer, sus hijos, sus cuñados e hijos, además de la novia de uno de estos últimos. Y eso que no ha podido venir otra hija que estudia canto en la Sorbona. «Nos falta una soprano pero las demás voces las tenemos». Se puede decir que sus ensayos caseros son ciertamente privilegiados. Precisamente uno de los requisitos que exigían los organizadores a los interesados en participar en el evento, además de tener buen oí-

do, era el de que pudieran preparar la obra por su cuenta y tiempo para poder ensayar los fines de semana todos juntos. Así lo aseguraba Javier Corcuera, director ayudante y uno de los que ha llevado el peso de la preparación durante estos tres meses. «Me gusta mucho esta versión de Christophers, es más expresiva y menos historicista», admitía el sub-

Dirigirá la formación ‘amateur’ la batuta del británico Harry Christophers «Estar aquí es como entrar en un mundo paralelo», dice Alma, una joven de 14 años director de la Orquesta de RTVE. Confiesa que desconoce cuál es el motivo por el que abunda tanta mujer. Estima que hay un 70% de participación femenina. «Es algo común en los coros» y asegura que no se ha dejado de aceptar voces femeninas por este motivo. «Nos adaptamos a lo que hay». A pesar de estos datos, es hom-

bre, sin embargo, el más veterano cantante de 76 años y mujer la más joven, con 14. Alma, se llama esta última y a pesar de su juventud, canta desde los seis años. Forma parte, como sus padres, del coro de Coslada. «Estar aquí me produce emoción, desahogo. Es como entrar en un mundo paralelo». Su juventud se nota, quizá, en los nervios que se le cuelgan de la boca del estómago ante la inminencia del estreno. Vendrán a verla al Auditorio «unas 15 personas entre familiares y amigos». Ese día podrá cantar algunas de las partes corales del oratorio junto con el Coro, Orquesta y los solistas de The Sixteen, formación dirigida y fundada por el propio Christophers, que estará con ellos el lunes para el ensayo general. Mientras Alma habla cruje la madera de la sala semicircular por debajo del famoso fragmento del Aleluya. Tenores a la izquierda, bajos a la derecha y una emoción que parte de las gargantas y rebota en los coloridos frescos del techo alto. «Más alegría, más alegría en el aleluya, pero no más fuerte. No golpeéis la última sílaba», insiste Corcuera desde la parte de debajo de la sala. Desde Valladolid ha llegado Rosa, una médico aficionada al canto que procura no perderse ninguna oportunidad como ésta: «Es una buena forma de aprender técnica vocal»,

ePARROQUIA DE NUESTRA SRA. DEL CARMEN Y SAN LUIS (Carmen, 10). Entrada libre. –Viernes 18, 20.30 h. Concierto de Navidad. Coro Villa de Las Rozas. eREAL ORATORIO DEL CABALLERO DE GRACIA (Caballero de Gracia, 5). Entrada libre hasta completar aforo. –Domingo 13, 19.00 h. Magnum Mysterium. Coro de Cámara de Madrid.

dice, y asegura que «todo el mundo debería tener esta experiencia por lo menos una vez en la vida». A Angeline, una chica francesa eIGLESIA DE NTRA. SRA. DEL PERque reside desde hace un año en PETUO SOCORRO (Manuel Silvela, Madrid, le sorprende el nivel que se 14). Entrada libre. puede alcanzar con gente de la calle. –Sábado 19, 20.30 horas. VillanciPertenece al pequeño coro de Valde- cos del Mundo. Coral Polifónica luz, junto con Camilo, un joven co- Sagrada Familia. lombiano que asegura no tener una bonita voz. «Para mí lo verdadera- eIGLESIA DE SAN MARTÍN (Desenmente importante es el oído. Si lo tienes desarrollado puedes participar en cualquier coro». Llevan varios fines de semana ensayando ocho horas diarias, realizando anotaciones en la partitura, repitiendo los fragmentos hasta la saciedad. Yolanda asegura que Actuación musical del Festival Vía Magna. / E. M. tiene El Mesías tan presente que su hijo mayor se gaño, 26). Entrada libre. sabe su parte de soprano de memo- –Sábado 19, 20.00 h. In Natali Domiria. «Si canta dentro de dos años ni (historia de la Navidad en la épotendrá que aprenderse la de tenor». ca Medieval). Grupo Vocal Nuba. El Mesías de Haendel se lleva celebrando desde que se iniciara eREAL PARROQUIA DE SANTIAGO en Barcelona en el año 95 (en Ma- Y SAN JUAN BAUTISTA (Plaza de drid lleva cuatro). En total unas Santiago, s/n). Entrada libre. 15.000 personas han vivido la ex- –Domingo 20, 20.00 h. Noche en el Mundo. Coro Noialtre. periencia de su canto.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

El coro de 500 aficionados al canto que interpretarán ‘El Mesías’ de Haendel en el Auditorio Nacional, ensayando en el Colegio de Médicos. / DIEGO SINOVA

eLA CASA ENCENDIDA (Ronda de Valencia, 2). Entradas tres euros. –Jueves 17, 21.00 h. Remate en concierto.


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EL MUNDO. DOMINGO 28 DE MARZO DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

M2

La Noche de los Teatros. «Entretenemos, educamos e iluminamos a nuestras audiencias, sin las cuales no existiríamos»

Un niño con máscara juega con instrumentos musicales. / FOTOS: R. CÁRDENAS

Un momento del espectáculo del faquir.

Un espectacular y sensual dragón dormitaba en la plaza de Quevedo.

Piratas, faquires y disfraces de asfalto Varios cientos de personas se reunieron en la calle de Fuencarral para disfrutar de espectáculos llenos de humor BEATRIZ PULIDO

Pasadas las cinco de la tarde el teatro tomó la palabra. Sobreponiéndose a las sonoridades de la calle y, sobre todo, a las extrañas máquinas que cuidan el medioambiente de la ciudad a golpe de ruido, alguien tomó el micrófono para subir el telón oficial y celebrar la fiesta del teatro: «Entretenemos, educamos e iluminamos a nuestras audiencias, sin las cuales no existiríamos». Ese mensaje, que justo en

ese punto podría coincidir con el de un directivo televisivo, lo dice un hombre de teatro desde el lugar donde se besan la plaza de Quevedo con la calle de Fuencarral. En ese mismo lugar la señora Veronique des Chapeaux enseñará a los presentes que la palabra fashion no tiene regio abolengo. Empleando materiales reciclables, hojas de revistas, hueveras, muñecos, pajitas, espumillones, es capaz de armar tocados a cualquie-

Veronique es capaz de armar tocados a cualquiera que se lo solicite.

ra que se lo solicite, generalmente a señoras, más osadas y con más ganas de fiesta. Tiene un arte peculiar, mezcla de inspiración y horas de oficio que sabe ejecutar con muy buen humor. Mueve la dulce señora las caderas a ritmo de ABBA mientras crea un collage en el que tiene en cuenta cabello, cara y atuendo de la participante. Ponte el sombrero en La Noche de los Teatros, quiso llamar Veronique a su performance. Para entonces la aglomeración en la acera derecha descompensaba la calle de Fuencarral, que bajaba inclinada en dirección a Bilbao. La pegatina rosa viajaba ya en la mayoría de las solapas y era un bien curiosamente demandado por cada recién llegado, como si aquello constituyera una forma de entrar dentro o quedarse en el margen de la celebración. Varios escenarios le daban a la tarde el olor a tabla y a interpretación. «Guapa», es la voz que se escapa de la sombrerería callejera de Veronique. Alguien le grita a la última dama en calzarse uno de los

tocados, de estilo hippy. El suyo era todo un colgajo. Aunque el último toque se lo dio la artista francesa con una muñeca Barbie sin ropa exhibiéndose justo en la coronilla. A su vera, el gran faquir y su compañera, esa bailarina que suena cuando anda, hacen reír a niños y mayores con un arte oriental venido de Kajaestán. Así se llama una función en la que demuestran que un diminuto panel puede esconder todo un universo. La pareja emplea

Veronique enseña a los presentes que la palabra ‘fashion’ no tiene regio abolengo El faquir conseguirá con su fallida destreza despertar la primera carcajada infantil

el doble lenguaje para entretener a los niños que miran a la bailarina con la boca abierta y a los papás, que también miran a la bailarina con la boca abierta. El faquir conseguirá con su fallida destreza despertar la primera carcajada infantil de la tarde de teatro. Luego vendrán muchas otras. La música que miraba a India se mezcla en el punto más sutil con el estruendo lejano de Mamma mia. Cerca del dúo Por Humor al Arte están los piratas, con su barco semihundido en el asfalto que regalan a los niños cicatrices de pirata y les lanzan caramelos de una forma que se acerca peligrosamente a una tradicional noche de enero de camellos y Magos de Oriente. Los niños les buscaban con ahínco por toda la calle. Ellos lo saben y en la mitad hacen ondear sus banderas con calaveras sonrientes. A esas alturas, el paseo que lleva de Quevedo a Bilbao es un goteo incesante de tocados verdes, rojos y amarillos.

Un dragón en Chamberí A las 19.00 horas en punto se iniciaba el pasacalles en la misma zona. El teatro se echo a andar encabezado por Lo monstre, un espectacular y sensual dragón que dormitaba en la plaza de Quevedo hasta que su dueña le hizo despertar con una suave nana salida de su acordeón. La acarició y el animal abrió los ojos por primera vez. Gimió y echo a andar apoyado por dos hombres que le guiaban desde unos mandos, empleando todos los dedos para hacerle gesticular y enternecer a todos los allí congregados. Detrás, un grupo de androides con los trajes y armas que recordaban vagamente a Los soldados de La Guerra de las Galaxias hacían espectaculares piruetas subidos en unos medios zancos de metal que les proyectaban al cielo de Madrid. Un poco más atrás, cerrando el grupo, caminaban, mirando también a la ciudad desde lo alto, la Gran familia. El bebé era el único que no empleaba prótesis para elevarse y debía medir entorno al metro noventa. Eso sí, calzaba dodotis de medio metro y sus traviesos hermanos bicicletas de tres. Con ellas iban atropellando a los transeúntes que podían mientras se metían el dedo en la nariz. A una niña de lazo rojo no le gustó demasiado la parodia y le frunció el ceño al bebé, que le respondió sacándole la lengua. Cerraba el grupo la música de Missisipi Dixieland y, detrás de ellos, marchaba el público siguiendo la estela de teatro callejero que dejaba la comitiva. El respetable, esta vez sí, se repartía entre las dos aceras. El pasacalles consiguió reunir a varios cientos de personas siguiendo un recorrido que murió en la plaza de Bilbao. La noche acababa de empezar. Una noche recortada por el cambio horario que prometía.


Teatro


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EL MUNDO. LUNES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2010

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Ocio marca de la casa». Lo que es seguro, según Gamero, es que, tal y como ocurre en el original «sigue sonando a swing y a Music Hall». La producción no tiene nada que ver con aquella que ya se representó en la capital hace 11 años, así lo asegura el propio Gamero que también participó en aquella. «Aparecen nuevas armonías, nuevas transiciones entre escenas, nuevas coreografías y es un espectáculo completamente diferente». Los 13 niños que forman parte del reparto no tenían experiencia alguna sobre el escenario. Desde los seis hasta los 11 años encontramos prácticamente todas las edades. Aunque la protagonista, Annie, es representada por dos niñas de 10 y 17 años: Miriam Frías y Lis Ureña. Esta última no aparenta la edad que tiene. Ninguna de las dos chicas se mostraba nerviosa por el inminente estreno. Miriam Frías, porque ya había

Annie la interpretan dos niñas de 10 y 17 años: Miriam Frías y Lis Ureña La producción de ‘Annie’ es dinámica y completamente coral, el protagonismo está muy repartido. / SERGIO GONZÁLEZ

‘Annie’ vuelve a cantar en Madrid Teatro. El Nuevo Teatro Alcalá estrena una producción musical que narra las

aventuras de la pequeña huérfana en la que participan 13 niñas y un perro BEATRIZ PULIDO

Once años tenía Annie, la pequeña niña huérfana, cuando se empezó a escribir su historia. El único deseo que le alimentaba en el Orfanato Municipal de Nueva York era el de encontrar a sus verdaderos padres y ser feliz. Por ello decide escaparse y buscarlos en plena crisis económica. Este cuento infantil que aparecía en las tiras cómicas creadas por Harold Grey en 1924, lo descubrió Martín

Charnin en la década de los 70 y se planteó convertirlo en un musical. Sería estrenado en 1977 en Broadway, la patria de este género. Los números que obtuvo lo dicen todo: 33 años de éxito mundial, siete premios Tony, tres premios Grammy y más de 2.377 representaciones durante los seis años que permaneció en cartel. Recordarán el famoso tema Tomorrow que le otorgó fama mundial. Una nueva producción, esta vez

española, llega ahora al teatro Nuevo Alcalá con ganas de quedarse un tiempo. De momento permanecerá los sábados y los domingos de toda la temporada 2010-2011, realizando dos funciones por día, una matinal y otra vespertina. 20 intérpretes, trece niñas y un perro real forman el grueso de las protagonistas. Detrás está la productora Theatre Porperties que ya que auspició títulos como El hombre de La Mancha,

Jeckyll & Hyde, Hermanos de sangre, La magia de Broadway y Musicales en concierto, así como otros de corte familiar, Peter Pan y Aladdin. Miguel Ángel Gamero, director musical y uno de los protagonistas, admitía que han tratado de respetar al máximo el libreto pero, como en todas las producciones anteriores, «siempre lo adaptamos a los actores que lo interpretan porque aprovechamos sus capacidades. Es una

Para entender una separación Escena. La compañía Uroc Teatro representa

en el Teatro Español ‘El niño colchón’ B. P.

La vida de un niño cuyos padres acaban de separarse parece partirse en dos. A partir de ese doloroso momento el pequeño pasará a tener dos familias, dos ambientes, dos casas, dos cuartos, dos armarios llenos de ropa... y dos colchones. Éste es un hecho que cada vez ocurre con más frecuencia. La compañía Uroc Teatro ha decido llevarlo a las tablas, tratándolo con una gran dosis de humor y de ternura. Practican desde hace más de 15 años un teatro que se podría llamar de gran formato, más teniendo en cuenta que su destino último y su

fuente de inspiración es el público infantil. Con su última obra, El niño colchón, la compañía Uroc Teatro lleva más de 200 representaciones en toda España. Ahora desembarcan en el Español hasta finales del mes de octubre. El tema que plantea la función quizá podría resultar arriesgado destinarlo a un público infantil. Sobre el escenario se desarrolla un viaje, el que realiza Juan después de escaparse de casa. No acepta la noticia que le acaban de transmitir sus padres de que ya no vivirán juntos. A través de diversas encuestas llevadas a cabo en diferentes colegios

Una escena de ‘El niño colchón’. / JUAN CARLOS HIDALGO

en los que se preguntaba a los niños sus mayores preocupaciones llegaron a la conclusión de que precisamente esta cuestión de la separación

estaba marcando mucho a los escolares. A pesar del descubrimiento, Olga Margallo, directora de la función y de obras como de Clown Qui-

representado el papel en funciones escolares muchas veces y Ureña porque la tranquilidad parece su condición natural. En el casting lo único que no requerían era experiencia. En cambio buscaban niños que reunieran adjetivos como el de «la versatilidad, la alegría, la disciplina y una capacidad de aprendizaje rápido», como aclaraba el coreógrafo Lamberto García, quien señalaba además, que la producción es «dinámica y completamente coral. El protagonismo está muy repartido. Potenciamos la dinámica de Broadway en la que el movimiento se transforma en energía». Annie. En el Nuevo Teatro Alcalá (Jorge Juan, 62), los sábados y domingos a las 12.00 y a las 16.00 horas.

jote de la Mancha o La Familia Solfa, y los demás miembros del equipo, no lo terminaban de tener claro: «Por ser un tema tan delicado nos costó decidirnos. Lo hicimos, pero lo tratamos con mucho cuidado y, sin quitarle importancia porque una separación siempre es traumática, le ponemos humor. Es una obra que desprende emoción, algo que últimamente parece que no se busca demasiado», admitía Margallo. El niño colchón ha tenido buena acogida. Está destinado a un público familiar y a niños mayores de seis años. Sobre la escena seis actores, uno de ellos maneja al muñeco que hace de Juan. Curiosamente, como dice Margallo, «los niños a quien más humano ven es la muñeco». El niño colchón. Los fines de semana, hasta finales de octubre en el Teatro Español (C/ Príncipe, 25). A partir de seis años.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MARTES 1 DE DICIEMBRE DE 2009

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Profecía sobre la crisis Escena. El Teatro Español estrena ‘Glengarry

Glen Ross’, un drama de David Mamet, dirigido por el argentino Daniel Veronese BEATRIZ PULIDO

En esta obra de teatro no hay conversaciones, hay diálogos bruscos e hirientes. Los personajes lanzan granadas y todo el arsenal de que disponen para defenderse de la humillación. Cuando el hombre se acerca a la desesperación, roza la indignidad, entonces la única ley que obedece es la de la selva. David Mamet (1947, Estados Unidos) se mueve muy bien en estos terrenos resbaladizos y Glengarry Glen Ross es una buena muestra de ello. El argentino Daniel Veronese presenta en el Teatro Español este drama que le valió a Mamet el Pulitzer en 1984 y en plena actualidad por la crisis económica. Es precisamente la crisis la que lleva a una empresa inmobiliaria a la determinación de incentivar a sus empleados y los empuja a una lucha sin cuartel por la supervivencia. El trato es el siguiente: el mejor vendedor obtendrá un Cadillac, el segundo un juego de cuchillos y los demás, a la calle. «Desde hace un par de años ha recobrado vigencia la obra», explicaba Veronese, para quien «siempre ha habido un capitalismo feroz que de-

ja fuera a la gente. Estos, lo único que pretenden es recuperar la dignidad en el trabajo y en la vida». Quizá una obra que empezó siendo una crítica del sistema capitalista norteamericano se ha trasladado en la actualidad al resto del mundo y tenga incluso mayor sentido ahora que cuando se estrenó en el Royal National de Londres en el 83. Glengarry Glen Ross, que fue llevada al cine por James Foley, en el 92, de la mano de actores como Al Pacino, Jack Lemon o Alec Baldwin, ha sido comparada en numerosas ocasiones con Muerte de un viajante de Arthur Miller. También por el propio Veronese, que la considera una «prima hermana» de la de Miller. Ambas ponen de manifiesto lo que la sociedad de consumo puede acarrear en la mente del ser humano. Ensayista, novelista, dramaturgo, director de cine y guionista (en varias ocasiones ha estado rozando el Oscar), la pluma de David Mamet, autor fecundo y mordaz, ha creado inolvidables guiones, como el de Los intocables de Eliot Ness o El cartero siempre llama dos veces. En teatro, destacan otros títulos como Noviem-

Gonzalo de Castro, en el centro, durante la representación de ‘Glengarry Glen Ross’. / ROS RIBAS

«Siempre ha habido un capitalismo feroz que deja fuera a la gente», dice Veronese bre, El búfalo americano o esta Glengarry Glen Ross, «una auténtica radiografía del culto al poder y al dinero», según Veronese. Es una obra coral, en la que no hay papeles protagonistas. Por eso

advierte Veronese que «suele gustar más a los directores que a los actores» y por eso mismo, por la falta de actores, se vio frustrado su intento de llevarla a escena en Argentina. En el reparto equilibrado asoman nombres importantes de la escena: Carlos Hipólito, Gonzalo de Castro, Alberto Iglesias, Ginés García Millán, Alberto Jiménez, Jorge Bosch y Andrés Herrera. «Lo maravilloso de esta obra es que no hay papel pequeño», advierte Hipólito, «los personajes se definen por lo que dicen pero también por lo que los

otros personajes dicen de ellos». Precisamente, los pocos cambios que ha introducido Veronese en la obra tienen que ver con aquello específico que aporta cada actor. «Suelo introducir variaciones en los trabajos pero Mamet no las necesita. Esta obra tiene mucha pulsión sobre el escenario y una vigencia abrumadora. Invertir algo que emociona es innecesario». Glengarry Glen Ross. Hasta el 17 de enero, en el Teatro Español (calle del Príncipe, 25).


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. JUEVES 14 DE ABRIL DE 2011

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Suma: 80 artistas rinden homenaje a Enrique Morente E. M.

Rafael Álvarez El Brujo, durante la presentación, ayer, de ‘El Evangelio de San Juan’, que puede verse en el Teatro Infanta Isabel. / EFE

Rafael Álvarez El Brujo, un juglar del siglo XXI Escena. El actor cordobés estrena una segunda

versión de ‘El Evangelio de San Juan’ BEATRIZ PULIDO

«En el principio existía el Verbo». Con esta expresión que desvela la eternidad de la existencia se empieza a revelar El Evangelio de San Juan. Hace tiempo que Rafael Álvarez El Brujo se volvió hacia las palabras y les cedió el testigo del teatro. Hace tiempo que el misticismo se empezó a revelar también en su vida y en su obra. «Buscaba la autosuficiencia. Poder ser actor y la obra al mismo tiempo. ¡Ser un juglar!», dijo alguna vez, y en juglar se ha convertido este maestro cordobés de la escena. Esta noche sale al Teatro Infanta Isabel para contar, a la manera de los antiguos trovadores, El Evangelio de San Juan, que

cierra la trilogía junto con San Francisco, Juan de Dios y Los misterios del Quijote. Cuatro años de estudio profundo, de oración, de búsqueda, de apertura han dado forma a este texto que se mueve entre lo poético y lo místico, sin perder la picardía del humor. Se trata de una reposición, o más bien de una «segunda versión», como el prefiere denominarla, de la obra estrenada en Almagro en 2010. «Un versionista la ha retocado para que pudiéramos estrenar sin miedo al ataque», comentaba El Brujo ayer mismo. Una cláusula en un contrato, firmado con el Ministerio de Cultura, le impedía volver a los escenarios madrileños con la misma función que ya había sido repre-

sentada en el María Guerrero meses atrás. Parece que los problemas han sido resueltos. «No hay nada escrito, pero creo que hemos llegado a un encuentro y a un desenlace feliz del asunto», admitía el actor andaluz. La obra es la misma en esencia que aquella que vio la luz en el festival almagrense. Se ha acortado un poco la versión y se ha cambiado la música, pero nada más. «Es la proyección externa de un proceso de búsqueda interior». El actor se sumergió en todos los evangelios existentes: canónicos u oficiales, apócrifos y gnósticos.. «Son textos increíbles, llenos de ternura y amor, aunque han estado mediatizados por una educación religiosa que ha limitado su verdadera luz». Siempre que le dan la oportunidad reconoce la maestría de Darío Fo en esta forma de emplear las antiguas técnicas de transmisión y narración oral. «El teatro es el propio cuerpo, la propia voz y, sobre todo, las ideas que se expresan. Lo demás es accesorio», diría Fo. Así que en los espectáculos de Rafael Álvarez también cobra protagonismo la desnudez de la escena o, mejor dicho, la desnudez devuelve el protagonismo a la palabra y al que la detenta. Mira a Fo y mira a

Jesucristo y el arte que empleaba para dirigirse al auditorio. «Jesús era un contador de historias. Empleaba todos los resortes teatrales a su alcance y la gente le escuchaba sentada en las colinas como si estuviera en un teatro». Para El Brujo, «el evangelio de San Juan es el evangelio de la palabra y de la luz que lucha con la sombra. Esa lucha que forma parte del misterio interior del hombre». Así pues, consciente del carácter místico de lo que tenía delante, su forma de encontrar el

«La gente se sentaba en las colinas y escuchaba a Jesús como en un teatro» texto no ha sido nada convencional. «He trabajado con velas y música, viendo cómo se expresaba la cera a mi alrededor. Empleaba todo tipo de influencias para que la imaginación creadora se abriera a algo más grande que lo que yo soy». El Evangelio de San Juan. Del 13 al 15 de mayo, en el teatro Infanta Isabel (Barquillo, 24).

Más de 80 artistas participarán en el Festival Suma Flamenca que en esta VI edición estará dedicado a la memoria de Enrique Morente. La cita se celebrará entre el 9 de junio y el 2 de julio. El vicepresidente y consejero de Cultura de la Comunidad de Madrid, Ignacio González, y Juan Verdú, director del festival, presentaron ayer el certamen que incluye más de 20 espectáculos, que se representarán en ocho espacios de la capital y otros cuatro municipios de la región (Buitrago del Lozoya, La Cabrera, Rivas y San Lorenzo de El Escorial). La inauguración de Suma Flamenca se desarrollará en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid (Sala Roja), de la mano de Estrella Morente. Tras su reaparición en el Palau de la Música de Barcelona (tras el fallecimiento de su padre, el Maestro Enrique Morente), el 9 de junio actuará en Madrid con un concierto cargado de sensibilidad, titulado Morente en concierto. Este mismo escenario acogerá otros cinco grandes espectáculos del festival. Siguiendo con el cante, otros dos jóvenes maestros, Valderrama y Arcángel, ofrecerán un mano a mano; Diego El Cigala, Niño Josele y el baile de Rocío Molina, Danzaora, y de la pareja formada por Belén Maya y Olga Pericet, estarán presentes en este espacio. Una de las novedades de esta edición es el acercamiento a músicas hermanas del arte jondo en la sección Flamenco en la frontera. Dentro del mismo, la embajada de Hungría ha propiciado la presencia de la voz de Márta Sebestyén, con motivo de la finalización de la Presidencia Húngara de la Unión Europea. Será compartiendo escenario con Niño Josele, en los Teatros del Canal El segundo de los ciclos Off Vallecas reunirá, en el Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas, a las más destacadas figuras de los jóvenes flamencos de Madrid. Abrirán las jornadas vallecanas Caño Roto, con el maestro de la guitarra El Entri al frente, y el bailaor Nino de los Reyes, ganador del I Premio Suma Flamenca, en un espectáculo doble.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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E L M U N D O, M I E R C O L E S 2 7 D E O C T U B R E D E 2 0 0 4

M2 Ocio

Contradicciones de un instrumento Teatro. Rafael Álvarez, El Brujo, presenta

‘El contrabajo’, un monólogo lúcido y divertido basado en la obra de Patrick Süskind B E AT R I Z P U L I D O

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l contrabajo, ese instrumento enorme «asentado en la tierra, arcaico (...) imprescindible a causa de su gravedad básica (...). En cualquier orquesta se puede prescindir hasta del director, pero no del contrabajo». De esta manera introduce Patrick Süskind, a través del músico que lo maneja, el pesado instrumento de cuerda en la obra que lleva el mismo nombre. Un monólogo sutil que plasma con una capacidad de síntesis asombrosa la relación de amor y odio de un músico con su instrumento. El contrabajo es, a la vez, su vida y su cárcel, su capacidad de expresión y su limitación musical, su compañero inseparable hasta la saciedad. Con una visión más tranquila y reposada, Rafael Álvarez, El Brujo, vuelve a dar vida a aquel personaje sincero, sabio e irónico, cinco años después de que lo representara por vez primera. «Entonces me enfrenté a él inmerso en ciertas dudas y contradicciones de mi propia vida». Le atenazaban otros demonios interiores y el actor cuenta que le costó distanciarse lo suficiente de aquel joven músico. Hoy se acerca al hombre (y a su instrumento) «más feliz, más sincero y sintiendo que hay algo no resuelto entre ambos» y que ahora es el momento de hacerlo. El cordobés se ha especializado en los últimos años en los trabajos en los que actúa como solista. «Las circunstancias me han arrastrado

hacia estos papeles y creo que he encontrado mi verdadera vocación», comentaba durante la presentación de El contrabajo. Su magnetismo, su cercanía con el público, el peculiar e inconfundible timbre de voz que saca de su garganta y su capacidad dramática ofrecen suficientes garantías para acercarse a cualquier teatro donde actúe. Posibilidades no faltan ya que suele visitar aproximadamente 150 teatros por temporada. La diferencia entre la representación de entonces y la de ahora, para el actor, es que con la distancia que dan los años el personaje hoy le ofrece incluso «cierto patetismo» y, además, «cuando uno tiene 45 años pelea todavía mucho por todo, aunque inconscientemente sabe que ya no tiene que hacerlo. A los 50 uno se retira un poco y encara la vida con un punto de vista más filosófico». En este caso, el extravagante autor de El perfume, Patrick Süskind, manejando un frío e inteligente sentido del humor, introdujo al personaje en la paradoja de vivir como músico (¡contrabajista, además!) y funcionario, en una habitación insonorizada desde donde le hace proferir una lúcida crítica social, utilizando como vehículo la música y su instrumento. En aquel pequeño cuarto, recibe también las sonrisas inevitables del lector cuando le echa en cara al contrabajo su frustración amorosa. «... Cuando uno quiere estar solo con una mujer, él lo presencia y lo vigila todo. Se inti-

Rafael Álvarez, El Brujo, le hace reproches a su instrumento, en un momento de la representación de ‘El contrabajo’. / KIKE PARA

El autor de ‘El contrabajo’ dejó al personaje en la paradoja de vivir como músico y funcionario ma con ella... y él observa. Siempre tiene uno la sensación de que se burla y ridiculiza el acto. Y esa sensación se transmite, como es natural, a la pareja, y entonces...» Rafael Álvarez dijo que con El contrabajo, «como en los buenos libros, el autor consigue contar lo mínimo para que el lector reconstruya en su mente el verdadero significado de las cosas». Además «tiene cierto paralelismo con nuestra situación actual». Las críticas que lanza des-

de las tablas el personaje de la obra se relacionan con su condición de funcionario y miembro de la orquesta nacional. El músico se queja del papel que juega la burocracia en un arte como la música. Algo parecido ocurre, para El Brujo, con ciertos organismos en España que debían proteger al teatro y los derechos de sus actores y no lo hacen. Álvarez comentaba que «hoy se invierte en todo menos en las tablas». Pidió más ayuda en forma de congreso, debate, promoción en televisión o una ley. «Sólo quiero que la ministra se entere de que existimos y que las mejoras que se aprecian a nivel cultural, también nos afecten» Rafael Álvarez, quien tuvo que aprender unas nociones para tocar

el instrumento, permanecerá en cartelera con El contrabajo tan sólo seis días, aunque si el éxito le acompaña no descarta volver a repetir en otro momento. Ahora está preparando El ingenioso caballero de la palabra, que será presentada en el Festival de Almagro el próximo verano, como parte de las celebraciones de El Quijote. Una última advertencia y ruego del propio actor para los interesados en asistir a esta función musical. «Por si acaso vengan tosidos, a él (al músico) le sienta fatal que no haya silencio una vez que empieza a sonar la orquesta. Y los móviles... ¡desconecten los móviles!». El contrabajo se estrena mañana en el Teatro Infanta Isabel (calle de Barquillo, 24). A partir de las 20.00 horas, y durante seis únicas funciones.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 10 DE MARZO DE 2010

M2

QUÉ: ‘Lang Toi’, el Nuevo Circo de Vietnam CUÁNDO: Hasta el próximo 21 de marzo. DÓNDE: En el Circo Price (Ronda de Atocha, 35). Precio: de

15 a 25 euros.

Escena

El circo visto desde los ojos del bambú BEATRIZ PULIDO

Decenas de cañas de todos los tamaños, como abanicos de mikados, guían al espectador por las escenas que se tejen en este exótico viaje poético llamado Lang Toi (Mi pueblo) creado por la compañía Nuevo Circo de Vietnam. Todavía aguanta la expectativa del «más difícil todavía», aunque el circo contemporáneo logra conciliar la espectacularidad con la belleza y la estética y generar un argumento. Amanece en el escenario cuando el gallo canta y la pequeña aldea se despereza. Comienza una nueva jornada. Los hombres salen a trabajar en los campos de arroz. La tarde será para las parejas y para la ceremonia. Vietnam se intuye en este

cuadro de palos y sonidos. Lo exótico siempre viene de lejos. Catorce artistas y cinco músicos ataviados con trajes originales dan forma a la narración empleando géneros como el teatro, los malabares, la acrobacia, las artes marciales o la música. La compañía vuelve al Price tras su paso en el pasado Festival de Otoño. El director del espectáculo, Le Tuan Anh ha tejido las diferentes escenas gracias al simbolismo que le provocaba el bambú. Será esta frágil planta, uno de los mayores productores de biomasa del planeta, la que sirva como elemento de unión entre los distintos cuadros escénicos. La que asuma su papel de protagonista con todo el simbolismo y la importancia que históricamente ha tenido

en Oriente. La música tiene mucho peso evocador. De carácter tradicional, se viste de flauta, de cítara o de tambor para llevar al espectador de la mano hacia aquellas tierras. Los músicos no sólo tocan sus instrumentos, sino que se ven inmersos en las acrobacias. La cuerda y el viento remontan al espectador a un tiempo muy lejano. El Nuevo Circo de Vietnam fue levantado por Nhat Ly Nguyen y Lan Maurice Nguyen. Los hermanos proceden de una saga familiar que refleja un siglo de historia que se desarrolla entre guerras, sueños, ideas de independencia y comunismo. Y lo hace a medio camino entre Francia y Vietnam. De hecho, esta producción es eminentemente gala. Hay que remontarse al año 1980, momento en el que Lan Maurice monta una escuela de circo en la ciudad Ho Chi Minh; en el 85 partirá rumbo a Francia. Tras unos comienzos difíciles, Lan se incorpora al Cirque Plume y más tarde crea una escuela de circo en Besançon. Por su parte, Nhat Ly crea la asociación Art Ensemble con el objetivo de que los niños asiáticos se reencuentren con sus raíces musicales. Después de un largo periodo de actividad profesional en Francia, los hermanos vuelven a Hanoi donde se establecen para la creación y producción de este Nuevo Circo de Vietnam. Los hermanos han conseguido crear un circo que no sólo da cobijo a números asombrosos, sino que cuenta su propia historia. El circo nunca fue tan tradicional.

El Nuevo Circo de Vietnam presenta ‘Lang Toi’ (’Mi tierra’), en el Price. / BEGOÑA RIVAS

EL MUNDO

QUÉ: El cómico Pepe Garamendy estrena su

nuevo espectáculo ‘Teleporquerías S. L.’ CUÁNDO: Del 10 de marzo al 4 de abril DÓNDE: Teatro Fernán Gómez (plaza de Colón)

Teatro

Los monólogos de la ‘telebasura’ BEATRIZ LANCHO

Cuando el cómico argentino Pepe Garamendy se sentaba frente al televisor de su casa no podía evitar sentir asco. Por más que hacía zapping con su mando a distancia, lo que encontraba en las cadenas le indignaba. Hasta que un día decidió que debía hacer algo al respecto. Así nació Teleporquería S.L., un nuevo espectáculo teatral que, con el humor como arma, apunta directamente contra los reality shows, las tertulias del corazón y los programas de cocina. «Uso el término teleporquería para referirme a la telebasura, porque me parece la manera más explícita de definir lo que se hace en televisión», expresó Garamendy en la presentación de su espectáculo, que se estrena hoy en el Teatro Fernán Gómez. En Teleporquería S.L., aunque no se mencionan ni personajes ni programas conocidos, se recrean algunos espacios televisivos de gran audiencia y el público, de repente, se convierte en el protagonista. «En el primer monólogo pido al público que se «VIENDO UNA nominen entre ellos», explicó el TERTULIA DEL actor. La obra se compone de tres CORAZÓN PUDE monólogos donde, a través del humor OBSERVAR QUE corrosivo y la crítica cáustica que LO PEOR NO ES EL caracterizan a su autor, el único PROGRAMA EN SÍ, objetivo es «ayudar al público a SINO LOS distanciarse del fenómeno», apuntó COMENTARISTAS» Garamendy. En la segunda parte del show, un relato descarado, obsceno y delirante de un ficticio programa del corazón se convierte en uno de los momentos más destacados. «Viendo una tertulia del corazón pude observar que lo peor no es el programa en sí, sino los comentaristas que critican desde sus sillas», apuntó el cómico. Pero los programas de nouvelle cuisine tampoco escapan a las críticas del cómico. «Estoy harto de ver en la tele como se cocinan unas cebollitas caramelizadas mientras yo me como un plato de garbanzos», bromeó el actor. De esta manera, Teleporquerías S.L. pretende hacer reflexionar al espectador a través del humor porque, según Garamendy, «el humor te permite decir barbaridades». Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. JUEVES 15 DE OCTUBRE DE 2009

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El Español viste de largo a Boccherini Escena. El teatro madrileño repone la zarzuela

‘Clementina’, con música dirigida por Andrea Marcon y dirección escénica de Mario Gas viera para definir situación, personajes y conflicto. Así el ritmo de la obra permite respirar al espectador». Gas la definía como una ópera «con comicidad pero sin llegar a lo bufo». La obra, de alguna manera, saca a la luz un tema bastante desconocido como fue el papel que jugaron los miembros de la alta nobleza española en la promoción del teatro musical en la España del siglo XVIII. Andrea Marcon, estudioso de la música barroca, advertía que la partitura que Miguel Ángel Martín ha versionado tomando como punto de partida las dos existentes sobre la obra (una en Madrid y otra en Berlín), no se corresponde exactamente con el estilo barroco y más con uno posterior. «Es una evolución que tiene más que ver con la ópera de Mozart que con la de Haendel». De hecho, el maestro italiano comparaba esta pieza de Boccherini con un singspiel, o lo que es lo mismo, una ópera popular alemana con recitativos hablados. Marcon que estará al frente de la Orquesta Barroca de Venecia, especializada en la interUna escena de ‘Clementina’. / BEGOÑA RIVAS pretación historicista con instrumentos de de Oro de la Fundación Caja Ma- época, aseguraba que la música de drid y que será interpretada por la esta zarzuela es perfectamente Orquesta Barroca de Venecia, con identificable y que el autor habla dirección musical de Andrea Mar- español con la música. «Se escucon y escénica de Mario Gas. cha España sin conocer al autor», El director del Español admitía al que definía como un itañol. que se ha tocado un poco el libreto: «Hemos operado cortes en el Clementina. Mañana y el sábado en el texto para que su adaptación sir- Teatro Español (Calle del Príncipe, 25) BEATRIZ PULIDO

No es de las obras más conocidas de Luigi Boccherini pero el público madrileño ha tenido varias oportunidades de acercarse en los últimos años a Clementina, la zarzuela en dos actos basada en un texto del dramaturgo Ramón de la Cruz. El Teatro Español la sube de nuevo a escena en dos únicas funciones (mañana y el sábado) dentro de una producción que se enmarca dentro del ciclo Los Siglos

Alvar Aalto en su estudio, en una fotografía realizada en 1940. / ALVAR AALTO MUSEUM

La vida según un mito del diseño Exposición. El Museo de Artes Decorativas exhibe un compendio

de los muebles, lámparas y otros diseños de Alvar Aalto industriales son sus grandes aportaciones». Este arquitecto y diseñador «decía siempre que para el hombre es el centro de todo, y los muebles que diseña siempre los hace pensando en el ser humano». Un ejemplo es la silla diseñada para el sanatorio antituberculoso de Paimio, de respaldo semiinclinado y fácil limpieza. Las 28 piezas que la conforman proceden del Alvar Aalto Museum, en Finlandia, excepto una mesa que pertenece a la colección del Museo Nacional de Artes Decorativas. A través de ellas, se puede observar la evolución de Aalto desde su formación clasicista en los años 20 hasta el funcionalismo, del que se desvió en los años 30 para centrarse en el diseño a medida del ser humano. Su gran contribución fue el principio de estandarización o fabricación flexible en el mobiliario fabricado en madera, sobre todo,

pero también lo aplicó a otros materiales. Por todo ello, su obra conjuga técnica, forma y necesidades sociales. El visitante podrá ver las famosas patas en L o en Y, y en X en la última sala. «Él dice siempre que todo forma parte del mismo tronco, que es la arquitectura», detalla la comisaria. El finés también proyectó edificios, además de preocuparse por la decoración de los interiores: «Su obra arquitectónica es importantísima y su mobiliario, lámparas, cristales y tejidos las considera como acompañantes de su arquitectura», aclara Villalba. «Sus objetos son muy versátiles, los puede utilizar en distintos contextos», tanto institucionales como privados. Alvar Aalto. A nuestra medida. Hasta el 15 de noviembre en el Museo de Artes Decorativas (Montalbán, 12). La entrada a la exposición temporal es gratuita.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

MARIA LUISA TORIBIO

Alvar Aalto (1898-1976) fue una de las figuras del diseño más destacadas del siglo XX. El Museo Nacional de Artes Decorativas acoge A nuestra medida, una exposición de muebles y otros elementos que ilustran su carrera. La muestra comprende tanto muebles como lámparas y textiles firmados por este creador: sillas, mesas, cortinas e incluso el famoso jarrón Savoy, primer premio de la Exposición Universal de París de 1937. La comisaria de la exposición y profesora de la Universidad Autónoma, María Villalba, explica lo que supone Aalto respecto al diseño del siglo XX: «En mobiliario de madera es el máximo innovador y el precedente de todo lo que se ha hecho después. Previó la falta de espacio». Añade: «Las piezas apilables, el curvado de la madera y hacer muebles cálidos siendo piezas


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EL MUNDO. JUEVES 8 DE ABRIL DE 2010

M2

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«Sentir a Edith Piaf duele mucho» Musical. La cantante y actriz argentina Elena Roger interpreta el

papel del ‘ruiseñor de París’ en el Nuevo Teatro Alcalá El antecedente inmediato de esta versión dirigida por Pam Gems hay que buscarlo en el cine y el éxito que tuvo la película interpretada por la oscarizada Marion Cotillard: «Por suerte yo la vi mucho tiempo antes de saber que iba a ser Edith Piaf. Después no quise volver a verla porque prefiero copiar a la original». A pesar de eso, Roger asegura que esta obra no tiene que ver nada con el largometraje. «En teatro hay que buscar otras fórmulas y aquí las encontramos». Será una Edith Piaf que hable un español con acento argentino o, mejor dicho, porteño. «Piaf hablaba con un argot de las afueras de París por eso nosotros hablamos con acento porteño de barrio, que es el nuestro». Los momentos más especiales de la función llegan con la interpretación de los grandes éxitos de la cantante francesa, como Je ne regrette rien, La vie en rose o L’hymne a l’amour . «Es ahí donde el público puede dejar de pensar y conectarse con una emoción, independientemente de que entiendan o no la canción». Para Roger, Edith Piaf tenía una «conexión enorme con el universo y una manera increíble de transmitir sentimientos. Iba a Estados Unidos, cantaba en francés y la gente acababa llorando». Eso es precisamente lo que pretendía Piaf y así lo aseguraba: quería emocionar y hacer llorar con su canto aunque no entendieran sus palabras. Al preguntarle si es el personaje más fuerte que ha interpretado hasta ahora ella lo tiene claro «Sí,

Comedia de amor, enredos y mentiras Teatro. Ainhoa Amestoy presenta su versión

del clásico ‘Mucho ruido y pocas nueces’ ESTHER ALVARADO

A vueltas con las bromas del amor y las mentiras del teatro, la dramaturga Ainhoa Amestoy se apoya en los textos de William Shakespeare y Jacinto Benavente para presentar su versión de Mucho ruido y pocas nueces. El Teatro Fernán

Gómez acoge, hasta el 2 de mayo, la representación en la Sala II de una obra con dos vertientes: la ficticia, en la que los actores interpretan a sus personajes; y otra más cerca de la realidad, en la que ellos mismos hablarán de su condición de cómicos.

Un momento de la representación de ‘Mucho ruido y pocas nueces’, en el Teatro Fernán Gómez. / EL MUNDO

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

La actriz argentina copia con exactitud actitudes y poses de la francesa. / EL MUNDO

BEATRIZ PULIDO Piaf salvo, quizá, en la altura. La Nació bajo una farola y tuvo co- idea es que el público compre la mo cuna la calle. Su vida fue un ilusión de que soy Piaf porque de apasionado himno a la intensi- eso se trata el teatro». Habiéndodad: amores prohibidos y perdi- se empapado durante tanto tiemdos, excesos que la terminaron de po del personaje, sobre el escenaconsumir y que se la llevaron an- rio aseguran que una chispa de tes de tiempo. «Jamás conocí a un nostalgia se enciende y ya no se ser menos ahorrador de su alma. apaga hasta el final de la repreNo es que la gastara es que la sentación. despilfarraba, como si fuera oro, Ella insiste en que no quiere coarrojándola por la ventana», dijo el escritor Jean Cocteau de Edith Piaf (1915-1963). La môme, el ruiseñor de París pisa el escenario del Nuevo Teatro Alcalá envuelto en el espejismo del espectáculo Piaf. Sus vestidos, su piel y su garganta, llena de gorgoritos, se los coloca la actriz argentina Elena Roger que viene de cosechar con este personaje un rotundo éxito en Londres (reconocida con el Premio Laurence Olivier 2008) y también en Buenos Aires. Éxito que empieza a tener mérito al conocer que la actriz y cantante ché no habla nada de francés y que estuvo dando clases de dicción en el país galo para preparar las canciones y, sobre todo, esa forma tan genuina Elena Roger, caracterizada como Piaf. / EL MUNDO de pronunciar la r que tenía la Piaf. piarla, no habla siquiera de imiNo parece sentir demasiado tarla, sino de «sentirla». Y al senvértigo al convivir con una mujer tirla, Roger se ha dado cuenta de tan tormentosa: «Creo que había que ser Piaf duele. «Pero duele mucho humor en toda su tragedia lindo, no es un dolor desagraday ella misma era muy dramática, ble. Me emociona tanto el pensar en el sentido de la actuación». en todos esos amores suyos que La crítica británica aseguraba no tuvieron éxito». De hecho, Piaf que Elena se parecía a Piaf, y que sentía el amor hasta sus últimas incluso sonaba como ella, pero consecuencias. Lo sentía, y así lo Roger no lo ve tan claro: «La que afirmaba ella misma, como «luse escucha es claramente mi voz cha, grandes mentiras y un par de y no me parezco físicamente a bofetadas en la cara».


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EL MUNDO. MARTES 6 DE ABRIL DE 2010

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Los disfraces del poder

Como ruido de fondo una revolución que salpicará al burdel cuando los verdaderos representantes del poder caigan y los protagonistas decidan ejercer sus papeles más allá de sus paredes. Así, introduce Genet la ambigüedad y la eterna pregunta teatral: ¿Dónde empieza el ser y dónde la representación? Facio se ha valido de las tres versiones que escribió Genet de la obra, (en el 56, en el 60 y en el 68). «He escogido elementos de todas ellas y luego he peinado y repeinado el resultado», añade. El director reivindicaba la plena actualidad de El Balcón: «Sigue habiendo poder y figuras de poder, aunque hoy vayan con corbata». Para Fernando San Segundo, uno de los actores que participan en la producción, la actualidad de la obra pasa por redirigir la crítica de la imagen del poder y centrarla en el poder de la imagen. Por su parte, Celia Nadal, que se pone la piel de Carmen, admitía que, en su opinión, «la obra está inconclusa. Posee un potencial salvaje, con la sangre más roja que he visto en mi vida». También actúan, entre otros, Noelia Benítez, Paco Maestre, Yolanda Ulloa, Sonia de Rojas o Raúl Sanz. El Balcón Las Naves del Español. Pº de la Chopera. Hasta el 9 de mayo.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

No habrá demasiadas oportunidades de ver representado El Balcón, pieza del novelista, poeta y dramaturgo francés Jean Genet, como ésEscena. Ángel Facio lleva a las Naves del Español ‘El Balcón’, de Jean ta que ofrecen estos días las tablas Genet, que considera la mejor pieza dramática del autor francés de las Naves del Español. No sólo porque hoy en día pocas producciones pueden soportar un reparto de 18 actores y una escenografía compleja como la requerida, sino porque desde que fuera escrito, en 1956, el rumor de la polémica salpicaba sus estrenos por tratarse de una obra muy descolgada de lo políticamente correcto. Ha sido muy pocas veces representada en España. El propio director de esta producción, Ángel Facio, le seguía la pista desde 1974 y no es de extrañar, pues la considera «el más importante e interesante trabajo dramático de este creador autodidacta», autor de obras como Las criadas o Diario de un ladrón. Admitía haberla ofrecido desde entonces varias veces sin obtener respuesta hasta ahora, 36 años después. Quizá porque, como dice el propio Facio: «Es una crítica de las imágenes del poder». Escena de ‘El Balcón’ en la que los clientes del burdel aparecen vestidos del obispo, juez y general. / EL MUNDO Esta producción del Teatro Español es ya la sexta versión que dro en el medio centrado en la Revolución Espartaquista. ojos del espectador, de teatro denha creado el director madrileño. revolución, despistaba». Aunque El Balcón es el nombre de un tro del teatro, los clientes buscan En esta última, ha eliminado uno admite que la revolución aparece burdel al que acuden diferentes ponerse las vestiduras y ejercer de de los cuadros que hablaba de la como telón de fondo. La acción clientes para poner en escena sus tres símbolos históricamente relarevolución. «Al ser un discurso so- se ha situado en la Baviera de fantasías eróticas. Así, en este jue- cionados con el poder: el de obisbre el poder, el introducir un cua- 1920, precisamente durante la go que se despliega delante de los po, el de juez y el de general.


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EL MUNDO. SÁBADO 27 DE JUNIO DE 2009

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Ocio CENTRO CULTURAL

La fragancia de la Danza

La libertad, ¿para qué? Ignacio Amestoy

Escena. Eleonora Cassano y Cecilia Figaredo

presentan ‘Clásicos y Perfumes’, un espectáculo que combina clasicismo y vanguardia

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A estas dos bailarinas las han bautizado como las «viudas de Julio Bocca» Sintieron especialmente su ausencia, aunque parece que el cuerpo se va acostumbrando, aunque no la mente. «Sigue siendo extraño no verle ahí encima del escenario». Figaredo, Cassano y la compañía Ballet Argentino, traen al Teatro Nuevo Apolo Clásicos y perfumes,

un espectáculo que combina la tradición y la modernidad de la Danza. «Los teatros españoles nos pidieron Danza clásica, por eso la incluimos en el programa. Quizá porque ahora no hay demasiadas compañías de ballet clásico girando», admite Cassano. El espectáculo que se presenta el próximo 30 de junio fue estrenado en Argentina. Está dirigido por el propio Bocca y Ricky Pashkus, aunque Bocca se encarga en esta ocasión de elegir el repertorio que se lleva a las giras y es el director residente, Raúl Candal, el que ha estado día a día con los bailarines. «A Julio, como director, nosotras no le sufrimos», bromea Figaredo, refiriéndose a su fama de exigente que ella no niega. Clásicos y perfumes contiene dos partes bien diferenciadas: en la primera se presentan los pas de deux clásicos El Corsario, Diana y Acteón y Espartaco. En la segunda, por el contrario, tomará el protagonismo la visión del baile que posee Ana María Stekelman. La prestigiosa coreógrafa presenta varias de sus más reconocidas obras. En ellas fusiona lo más depurado de la danza contemporánea con ritmos y estilos dispares como el tango tradicional y el de vanguardia. Algunas de aquellas coreografías fueron creadas originalmente para la compañía Ballet Argentino y otras pertenecen al repertorio de Tangokinesis. Esta segunda parte contiene varios números de tango bastante variados, algunos de ellos cantados y

faltar, aunque llegó tarde a la Residencia de Estudiantes por sus actuales competencias como diputado. ¡Las votaciones! Llegó con retraso, pero sus palabras se escucharon con mucha atención. Se presentaba el libro Periodismo y literatura, de Corpus Barga, uno de nuestros más relevantes exiliados. Molina, gran conocedor de la prensa cultural del pasado siglo, quiso destacar a Barga como periodista: «Es el único verdadero maestro de periodistas que ha existido en el siglo XX». Y también recordó, cómo Barga, por periodista, fue testigo de acontecimientos importantes de nuestra Historia. Así, cuando Fernando de los Ríos se entrevistó con Lenin y le preguntó por la libertad. Y Lenin le contestó: «La libertad, ¿para qué?».

La libertad fue el norte de

Eleonora Cassano y Cecilia Figaredo bailan en el Nuevo Apolo . /A. DI LOLLI

contiene también la música de Gershwin, el vals de Strauss. Figaredo confesaba que «hay momentos muy cómicos dentro de la función». Hay piezas de danza moderna y se cierra con seis versiones del bolero Bésame mucho. «Son diferentes versiones interpretadas por varias personas. Incluso hay una en polaco. Es muy divertido», admite Figaredo.

La compañía ha notado algo la crisis en el último año. Ha habido que reducir un poco el equipo y quizás la ausencia de Bocca no ayude: «La convocatoria que tenía Julio era inigualable», concluye Cassano. Clásicos y perfumes. Teatro Nuevo Apolo (plaza de Tirso de Molina, 1). Del 30 de junio al 5 de julio.

Barga, del que Javier Aguado, director de la Fundación Santander, edita el libro dentro de su Colección obra fundamental. Hay que decir que la colección promovida y movida por Aguado se ocupa de rescatar la obra acallada de autores que perviven en nuestras penumbras: de Ridruejo a Bergamín… Aguado describió a Barga como «autor de escritos cortos sobre temas largos». El libro es una antología realizada por Arturo Ramoneda, conocedor cabal de toda nuestra literatura y máximo especialista en Barga. Ramoneda reprochó a Madrid el que no haya tenido un detalle con Barga, que en su periódico Luz, en el año 33, puso en marcha una campaña singular: «Por un Madrid menos feo».

Una calle a Corpus Barga, sí, es lo menos que Madrid podría dedicar a Andrés García de Barga y Gómez de la Serna, que así se llamó tras nacer en el Corpus de 1887. Para Luis Alberto de Cuenca, también oficiante en el acto, Barga es «más madrileño que la Cibeles». Aunque fue corresponsal en París y Berlín, y exiliado en Francia y Perú, retrató a fondo a Madrid. No perteneció a ningún partido, pero fue republicano. Es curioso un artículo suyo, Hay que republicanizar Madrid, en el que dice: «Los diputados de Madrid son republicanos, los concejales de Madrid son republicanos; pero Madrid sigue siendo una ciudad víctima de la Monarquía. La Monarquía hizo a Madrid, la hizo para ella». Lo escribió el 23 de noviembre del 31.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

llá donde va, la estela que deja el Ballet Argentino tiene aún la fragancia de Julio Bocca. Tanto que a pesar de su ausencia en los escenarios es difícil decir Ballet Argentino y que no salga por inercia su nombre. Hasta sus dos compañeras, que tantas veces han compartido escenario con él, Eleonora Cassano y Cecilia Figaredo, primera bailarina fundadora y primera bailarina de la compañía, dudan al tratar de recordar cuándo colgó las mallas. «Fue hace un año, no dos. No ¿Hace cuánto?», pregunta Figaredo. «En diciembre hará dos años», le contesta Cassano, partenaire durante muchos años del genial bailarín. Será por algo que a las dos grandes bailarinas las llaman las «viudas de Julio Bocca» y ellas ejercen de tal.

El ex ministro Molina no quiso


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E L M U N D O, J U E V E S 2 9 D E A B R I L D E 2 0 0 4

M2

Un gran monólogo para un actor consolidado

El hombre ante el espejo Teatro. Franco Di Francescantonio

protagoniza ‘Confessione’, de Tolstoi B E AT R I Z P U L I D O

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l escribir un diario, uno no sólo se encuentra consigo mismo, sino que además percibe de inmediato cualquier matiz, por pequeño que sea, que no se ajusta o que deforma la realidad que intenta plasmar, su propia mentira. Esta idea, fruto de la madurez y de haberse encontrado a solas mucho tiempo, se desprende de los diarios de León N. Tolstoi. Uno de los rituales que llevó a cabo el escritor ruso durante toda su vida fue precisamente el de enfrentarse desnudo al espejo de sus diarios. Tolstoi escribió Las Confesiones en 1947, cuando sólo tenía 19 años y le aguijoneaba una profunda crisis religiosa, una obsesión que lo acosaría durante toda su vida. La adaptación de este diario tan especial se representa, a partir de hoy y durante dos semanas, en el Centro de Nuevos Creadores. Confessione, que se representa en italiano, ha resultado todo un reto para el actor italiano Franco Di Francescantonio y el director de montaje Ricardo Sottili, los encargados de transformar un lenguaje creado para ser leído por uno que pudiera ser representado. La capacidad dramática e irónica de Tolsoi convencieron a Sottili de que el texto «no sólo era un buen material para una obra de teatro, sino una oportunidad para entablar una relación entre el teatro y la filosofía». Si un autor se convierte en universal cuando su prosa y el contenido de lo que escribe escapa de los márgenes estrechos de una época,

León Tolstoi, autor de libros como Guerra y Paz, Ana Karenina o Sebastopol, pertenece a este selecto grupo de escogidos. En la interpretación, Scottili y Francescantonio han querido conservar los elementos esenciales de la obra, como el problema del hombre y su soledad, el lenguaje de Tolstoi, la crudeza de su razonamiento y la misma intensidad dramática que plasmaba en todos sus escritos. Sin embargo, se ha cambiado la profesión de escritor y aristócrata del personaje principal por la de actor y se ha trasladado el contexto del siglo XIX al presente. Cualquier hombre que se enfrenta a su destino, la muerte, se encuentra «desnudo ante la vida», dice Francescantonio. Comprender su sentido más profundo es el viaje que emprende el autor ruso. Una búsqueda moral, religiosa y filosófica que le lleva a establecer la

Cualquier hombre enfrentado a su destino fatal se encuentra desnudo ante la vida El actor Franco Di Francescantonio durante la representación. / CARLOS MIRALLES oposición entre la razón y el corazón. La fragilidad de un hombre aristocrático y culto que lo tiene todo menos lo que verdaderamente importa: la tranquilidad interior. Por ello inicia un viaje que lo llevará más allá de sí mismo, dirigiéndolo hacia la gente sencilla que tiene a su alrededor. «El artista, para poder influir

Jesús Quintero se ha colado en la tele de Esperanza Aguirre con un paquete de sus Ratones Coloraos montados a gusto y conveniencia de entre los ya emitidos en Canal Sur. Algo es algo. Se estrenó con Isabel Pantoja, a la que reunió con José Mercé y Moraíto Chico, y cantaron y tocaron como soniquetes airosos de Jerez. Tremenda ahí, tan natural la Pantoja. Le sienta bien el flamenco en la silla. Se hace un disco con el Mercé, Diego Carrasco, El Pele o Remedios Amaya y revoluciona el mercado. Lástima que cerrara con esa aparición impostora de voz y música enlatada con una copla de orquestación seudomoderna, con esas guitarras rockerillas de musical de Queen. Fue la misma semana de omnipresencia audiovisual de Miguel Bosé. De ‘Lo + Plus’ a ‘UHF’, el hijo de Dominguín y Lucía a contrarreloj saltó de programa en programa para avalar Por vos muero, su nuevo disco titulado según los dos tercetos de un soneto inmortal de Garcilaso de la Vega, una decena de historias cinematográficas con puesta orquestal en escena. En la portada Bosé posa como novio viudo de cola larga ¿Cola? ¿Qué cola? Ana García Siñeriz se sonrojó entre la confusión de sinónimos. Nuria Roca se quedó sin lengua y también se puso como un tomate. Y a Flo,

en los demás -decía el escritor- debe buscar; su obra ha de ser una búsqueda. Si ya lo ha encontrado todo, si lo sabe todo y adoctrina o se divierte deliberadamente, no ejerce ninguna influencia. Sólo si busca, el espectador, el oyente, el lector se unirán a él en su búsqueda». Poco importa si esa situación se encuadra en el siglo XIX o el

XX . Al final, la búsqueda de respuestas, el planteamiento de las eternas preguntas es el mismo siempre. Confessione, de Leon N. Tolstoi. Protagonizada por Franco Di Francescantonio y adaptada por Riccardo Sottili, se estrena hoy en el Centro Nuevos Creadores (C/ Doctor Fourquet, 31).

Delicias madrileñas Santiago Alcanda

que no sabe qué hacer para ganarle la partida a Sardá, no le hizo falta vestirse de bombero para meterse en el armario y comerle las amígdalas al cantante. Lo que hay que hacer para pillar audiencia o vender discos. No sonó canción alguna ni aquí ni acullá. Música ni hablar en la tele, porque ese programa que ha sustituido Música, sí es otro dolor de muelas; otro empeño en dirigirse a jóvenes y melómanos como si fueran idiotas, con esos presentadores de sonrisa hipertensa en la mejor tradición de Ingrid Asensio o Leticia Sabater. Los niños nunca tuvieron la culpa. ¿Dónde están los periodistas musicales, los comunicadores profesionales de la música? José Miguel López, Patricia Godes, Rafael Abitbol, Carlos Finali, Jota Mayúscula, Luis Lapuente y tantos y tantos.

las ondas al mal tiempo, desde su programa El Ambigú: «Delicias madrileñas con sabor brasileño», describe la música de Ramón Leal, compuesta y grabada en su estudio domiciliario de Algete, de donde salieron Los Nikis. Cuenta Manrique que Leal, productor y músico del sello Siesta, es artista de Sony en Japón. Tiene mucha clase Leal, demasiada para ser profeta en su villa. Esas melodías con cuerdas y metales que le canta Ana Laan son exquisiteces de periferia. Como las de Jorge Drexler y de la propia Ana, su compañera, que pregraban en su casa de San Lorenzo de El Escorial. Son estudios de grabación caseros y/o profesionales para que este mundo nuestro suene mejor. Carlos Raya grabó en su casa de RivasVaciamadrid (Salitre 48) a Quique González y ahí ya trabajan estos días el quinto álbum del madrileño de San Juan Bautista. Ambos ensayan y graban en La Cabaña entre Boadilla y Majadahonda, los es-

BANDO SONORO

Diego A. Manrique, más de 20 años de periodismo ilustrado en Madrid, sonríe por

Confessione, planteada en forma de monólogo, ha cosechado numerosos éxitos. Obtuvo en 2001 el Primer Premio en el Festival Monokl´de San Petersburgo, así como el de la Crítica de Barcelona a la Mejor Interpretación a Franco di Francescantonio, en 1998. Se estrenó hace ocho años y entra dentro de lo que Sotilli llama teatro necesario. Un teatro que no busca las salas comerciales, sino que se plantea en pequeños centros y que busca algo más que el puro entretenimiento. Francescantonio inició su actividad teatral en 1971, interpretando papeles protagonistas del repertorio clásico y contemporáneo como Victor o i bambini al potree, de R. Vitrac o Don Giovanni, de Moliêre. A partir de ese momento su carrera seguirá un doble camino: el teatro en prosa y el teatro gestual y musical. Desde 1989 empieza a trabajar con el Piccolo Teatro di Milano, en una relación que dura hasta hoy. Ha buscado durante toda su trayectoria artística papeles que le acercaran a sí mismo. Tanto en el otro monólogo de su carrera, Carta al Padre, con el que el italiano emprendió una búsqueda expresiva que le valieron importantes premios, como en Confessione, el actor ha tratado «no sólo de comunicar algo, sino de encontrar, más allá de una realidad concreta, aquello que nos permita seguir soñando». Un teatro que sea capaz de destruir los muros aparentemente indestructibles. Para Francescantonio, la obra de Tolstoi es un alegato de odio a la cultura occidental. «Es una búsqueda de las verdaderas relaciones afectivas, de las pasiones y de uno mismo».

tudios del percusionista César Araque, ex Tam Tam Go, el mismo refugio de Ariel Rot. Y Bosé en lo que llama La Cuadra de su casa en Somosaguas. De norte a sur, de Carabanchel a Vallecas, de Arturo Soria a Atocha, los músicos sonorizan sus sueños.

En la sala Manuel de Falla del edificio de Autores, Alex Ubago recibió dos discos de platínisimo por haber vendido dos millones de copias de sus dos discos. Dijo que hace cuatro años no podía imaginar estar donde está y nos regaló con su guitarra acústica su primer y su último éxitos, acompañado a la guitarra solista de Javi Pedreira, un tipo con mucha madera y mucha onda que estuvo en Latino Diablo y arranca ahora su banda nueva Desheredados, una esperanza de último rock capitalino e ibérico.

En el mismo lugar, por la tarde del pasado jueves, Jorge Flo, la voz radiofónica por antonomasia de la mejor música instrumental, presentó disco Alborada y concierto del madrileño Julio García, guitarrista en escena desde hace 20 años. 2 2, ex Alarma y Llámalo X, la cantante neoclásica Teresa Barrientos, incluso el gran Mastretta, que va a componer la banda sonora de la próxima película de Oliver Stone, están con su música.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. VIERNES 4 DE MARZO DE 2011

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TALLER

Ocio

JUGANDO CON NÚMEROS Fecha: Del 4 al 6 de marzo Local: Medialab Prado (Alameda, 15) Precio: Gratuito

Medialab-Prado acogerá durante este fin de semana y entre los próximos 25 y 27 de marzo el taller interdisciplinar Jugando con números. La propuesta parte de la artista digital estadounidense Chris Sugrue y del malabarista y acróbata profesional Daniel Sánchez, quienes han querido unir dos ámbitos tan diversos como el de la tecnología y las prácticas circenses para generar obras cuyo único límite es la imaginación de los participantes.

Los tres personajes de la obra ‘Pacto de Estado’, Pepe Luis, Monseñor Cloa y Mariana Rajons, en un momento de la representación. / GONZALO ARROLLO

‘La niña de Rajoy’ a escena Tablas. El Teatro Nuevo Apolo presenta ‘Pacto de Estado’, una sátira política de la

compañía CríaCuervos con tres actores, que no deja títere con cabeza BEATRIZ PULIDO

Más de cuatro millones de parados, una economía en cuidados intensivos, unos líderes políticos que nadan en el despropósito en una especie de sálvese quién pueda, donde reina la corrupción y la sociedad, narcotizada, aguanta el chaparrón. Panorama tan desolador difícilmente podría hallar mejor aliado expresivo que la farsa, ni mejor alivio que la risa. En todo este hervidero de corrupción ha encontrado carnaza la compañía CríaCuervos, que estrenaba ayer en el Nuevo Apolo la obra con el título Pacto de Estado y el subtítulo ¿Aún crees en la Democracia? En el año 2032 un Pepe Luis dirige un país instalado en plena crisis. De hecho el nuestro es el único de la Unión Europea que aún no ha conseguido levantar su economía. Pepe Luis preside la nación sin rumbo ideológico (tanto que ha confundido completamente al electorado y ahora le votan de un lado y de otro) y una política a base de remiendos y de privatizaciones. En la oposición le vigila Mariana Rajons, la famosa niña de Rajons, ¿se acuerdan? En esta ficción es hija de Mariano, al que han recluido en un manicomio. «Le he regalado a mi padre una camisa de Fuerza Nueva», dirá Mariana durante la función. Esta, con un forzado parecido a la portavoz del Partido Popular en el Congreso, Soraya Saéz de Santamaría, es

también nieta de Ansar y suspira en secreto por los huesos del confuso presidente del país. El trío de personajes lo completa un obispo, Monseñor Cloa, un híbrido entre Rouco Varela y el famoso doctor House, que dirige psicológicamente y en secreto a toda la clase política. A él le lloran los diputados todas sus penas parlamentarias. Siete legislaturas después, Pepe Luis quiere desembarazarse del poder a toda costa y pretende proponer un pacto de Estado a la niña de Rajons para que esta ocupe

el poder directamente, sin pasar por votaciones, ni acuerdos. «Usted es esa niña», le recuerda el presidente. A partir de estos mimbres, la compañía CríaCuervos levanta una sátira política osada, dirigida y escrita por Pilar G. Almansa, que se lanza a la yugular del público para hacerle reaccionar. No les resultó difícil crear esta obra, que dicen muy lejanamente, está emparentada con Petición de mano de Chejov. Todo «consistió en empezar a decir a voces lo que susurra mucha gente. Le añadimos cierta ironía y salió esto», dice la directo-

LAS PALABRAS DEL CANDIDATO DEL PP (2008)

«Heraldo de la libertad y la tolerancia» Rajoy dijo en 2008 durante un cara a cara con Zapatero: «Yo quiero que la niña que nace en España tenga una familia, y una vivienda y unos padres con trabajo. Esto es lo mínimo que debemos exigirnos para todos». «Yo me esforzaré, principalmente, para que la familia esté atendida, y la vivienda se pueda conseguir y para que no falte el trabajo. Pero quiero que esa niña, nazca donde nazca, reciba una educación tan buena como la mejor. Quiero que se pueda pasear por todo el mundo sin complejos porque sabrá idiomas y porque tendrá

un título profesional que se cotice en todo el mundo. Quiero que sea un heraldo de la libertad, de la tolerancia y de los Derechos Humanos, porque habrá crecido en libertad y no tendrá miedo a las ideas de los demás y habrá aprendido a respetar a todos los que respetan la ley». «Quiero que sienta un hondo orgullo por ser española, por pertenecer a esa nación tan vieja, tan admirable que le habrá ofrecido las mejores oportunidades, pero que habrá sabido ser exigente con ella para convertirla en una mujer madura y responsable».

ra del espectáculo. «Pacto de Estado es una criatura colectiva con vocación (auto) crítica», añade. Sobre el escenario de la sala 2 un sencillo despliegue escenográfico que resulta más, que suficiente durante el desarrollo de la función, y tres actores: Felipe Andrés, Rocío Vidal y Daniel Diosdado, que se transforman fugazmente en otros personajes durante la función. Este es el primer montaje de CríaCuervos como compañía estable, aunque ya presentó la obra el año pasado en la sala madrileña Tarambana. En su descarada crítica de la actualidad política española no dejan títere con cabeza. No se libra ni el respetable que ejerce de forma pasiva de votante. Nada más entrar los dos candidatos hacen campaña y les piden su voto con eslogan incluido: «Pepe Luis, Pepe Luis, no te vayas nunca de aquí» o «la nueva España cuenta contigo» y la música de los himnos de los partidos Popular y Socialista sonando a todo trapo. Parece que está creciendo el interés teatral por estos temas de actualidad y corrupción política. El año pasado fue presentado 19.30, un thriller escrito por Patxi Amescua. Y a principios de este año ocurrió lo mismo con Fuga, dirigida por Tamzin Towsend. ‘Pacto de Estado’. En la Sala 2 de Nuevo Teatro Apolo (Calle de Jorge Juan, 62). Jueves, viernes y sábados a las 20.00 horas y domingos a las 18.00.


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EL MUNDO. SÁBADO 28 DE NOVIEMBRE DE 2009

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BEATRIZ PULIDO

Brecht con ojos del siglo XXI

La obra de Bertolt Brecht ha vertido tinta en manuales, tratados de teatro, tesis, artículos de opinión. ConvertiEscena. Los Teatros del Canal estrenan ‘La ópera de tres do en un clásico del siglo XX, su interés y su influencia sobre el teatro dirigida por Marina Bollaín y Manuel Coves contemporáneo no se cuestiona. Por eso mismo poner en escena una obra suya es todo un reto para cualquier director. Marina Bollaín se ha enfrentado por primera vez al teatro del dramaturgo alemán y trae hasta los Teatros del Canal una actualización de uno de los éxitos más reconocidos del dramaturgo alemán. La ópera de tres peniques es una crítica mordaz de la burguesía de los años 30, que Bollaín traslada a la actualidad: prostitutas, mendigos, delincuentes, policías corruptos. El lumpen español del siglo XXI es el protagonista de la función y la propia Bollaín está convencida de que esa corrupción, ese clima de prostitución, de crisis económica, de miserias y abusos, ha ido a peor desde aquella época en que fue concebida la obra: «Brecht se quedaba corto de lo que ocurre actualmente. No hay que hacer un gran esfuerzo para comprobar que nuestra sociedad burguesa también es tremendamente corrupta», añade. Además de Ensayo general de la obra ‘La ópera de tres peniques’, de Bertolt Brecht. / EL MUNDO

peniques’,

cualquier momento y otras interrupciones que parecen querer cortar el desarrollo normal de la trama y que frustran las expectativas del espectador de asistir pasivamente a una función para entretenerse. Los fundamentos de lo que Brecht denominó «teatro épico» que, entre otras cosas, buscaba el compromiso y despertar la responsabilidad social del público, para Bollaín está en plena vigencia: «Ese el abc del teatro. Esa es la gran diferencia entre este teatro musical y el americano. Es muy entretenido, pero tiene muchísimos más niveles en todos los sentidos que un musical». En cuanto al reparto, la obra reúne a artistas de diferentes disciplinas, desde cantantes de lo lírico, actores, pues también hay partes habladas y declamadas, hasta cantantes del género musical: «Los cantantes de esta obra demuestran que son muy buenos actores», dice la que obtuviera el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Gijón 1992, hermana de la cineasta Iciar Bollaín. Las piezas musicales que se escuchan durante la función van desde la música de cabaret, el jazz, la música culta, con temas como el que canta el famoso Mack the

El lumpen español del siglo XXI es el protagonista absoluto de la función

Las piezas musicales que se escuchan durante la obra van del cabaret al jazz

todas las revoluciones formales que introdujo el autor alemán sobre el escenario, para Bollaín aquella idea de que fuera la clase más desarraigada la protagonista supuso todo una novedad para la época. Inspirada en La ópera del mendigo de John Gay, Brecht dejó la partitura en manos del compositor alemán Kurt Weil. Un equipo que funcionaba bien, tanto que el propio Weil admitía que le atraía la compenetración que había entre su música y las letras de Brecht. En la representación de los Teatros del Canal es Manuel Coves quien lleva el peso de

Knife que ha sido interpretada por los grandes como Frank Sinatra o Ute Lemper. Para terminar, Bollaín espera que el público pase un buen rato con la representación: «Espero que resulte un espectáculo ágil, entretenido y divertido que además cuenta cosas. En cuanto a las actualizaciones que hemos hecho, creo que hoy Brecht lo diría de este modo».

Un momento en el que los protagonistas cantan metidos en la cama. / EL MUNDO

la dirección musical. La escenografía, en palabras de Marina Bollaín, «es un armatoste grande que asoma en un ambiente callejero, con un punto de abstracto», que puede ser de exterior o interior, cambiando unos pocos elemen-

tos. «Es muy contemporánea, aparecen pintadas en las persianas, como ha habido toda la vida en el barrio de Lavapiés. Estoy mostrando todo el tiempo las tripas del teatro, aunque de una manera muy fluida». Esa idea de enseñar los entresijos

de la representación durante la función era precisamente otro de los elementos que empleaba Brecht en su teatro para profundizar en el concepto de distanciamiento. A eso hay que añadir otros recursos como el empleo de carteles que aparecen en

La ópera de tres peniques. Hasta el 13 de diciembre, en la sala verde de los Teatros del Canal (Cea Bermúdez, 1). Precio: de 6 a 18 euros.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 7 DE ABRIL DE 2010

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La venganza de Tricicle

del género conocido como classic movie, pues introduce versos extraídos de otras obras, además de la clara parodia que realiza de clásicos como Los amantes de Teruel, Don Álvaro o la fuerza del sino, Don Juan Tenorio o El Trovador. Para retocar los versos contaron con la ayuda de un experto en este género, como Salvador Oliva, quien reconocía la importancia de La venganza de Don Mendo en la historia de la comedia teatral española: «Se asienta sobre dos grandes tradiciones: la del teatro en verso y la de la parodia (...) Sobre todo está construida con un gran instinto teatral». ¿En qué punto se unen el humor de Muñoz Seca con el de Tricicle? Según Paco Mir, el escritor gaditano «no es un escritor lineal, buscaba al espectador inteligente que fuera capaz de relacionar unas cosas con otras. El juego de lo lateral y el anacronismo es la sintonía entre Muñoz Seca y Tricicle». Un buen ejemplo de ese anacronismo lo pone el vestuario diseñado por Marta Wazinger en el que se mezclan prendas modernas con trajes de época. En una hora y 40 minutos el público madrileño volverá a ver encarnado al noble arruinado por defender el honor de una mujer. La venganza de Don Mendo. Teatros del Canal. Hasta el 25 de abril.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

BEATRIZ PULIDO

Cuenta Paco Mir que cuando Pedro Muñoz Seca (1879-1936) escribía La venganza de Don Mendo salían de su estudio escandalosas Escena. El grupo catalán estrena en los Teatros del Canal una versión carcajadas. Ya era consciente el del clásico de Pedro Muñoz Seca que protagoniza Javier Veiga autor gaditano de la fuerza cómica que poseía su texto. Así se lo transmitió la hija del autor cuando Tricicle fue a adquirir los derechos teatrales de la famosa obra. El resultado de combinar ese género denominado astracán que dominaba Muñoz Seca y el grupo cómico catalán es un atracón de humor que ahora llega a los Teatros del Canal. Han respetado el espíritu de la obra y el texto en la medida en que se ha podido. «Al respetarla hemos tenido que traicionarla un poco para que funcione», admitía Mir. Esa «traición» tiene que ver con recortar lo superfluo, el retoque de algunas escenas buscando mayor ritmo y eliminar algunos chistes anacrónicos que no encajaban con esta versión creada por el propio Mir y dirigida por Tricicle. Aunque «ningún espectador echará de menos nada esencial», asegura el cómi- Un momento de la representación de la obra de Muñoz Seca. / KALOYAN KARAIVANOV co catalán, de la que es «quizá la obra más representativa Once actores interpretan a 25 «una función muy coral», como «cierta responsabilidad» al enfreny representada del teatro español personajes. Una cifra aparente asegura Javier Veiga, que encarna tarse a una obra tan conocida code humor de este siglo» y que el que han conseguido al reducir los a Don Mendo. mo ésta. Veiga, que actúa junto a propio Muñoz Seca bautizó en la 40 personajes originales. Cada El polifacético actor tenía mu- Laura Domínguez y Carlos Hereprimera edición como una «carica- uno de los actores interpreta a chas ganas de encarnar este per- dia, añadía que podría ser perfectura de tragedia». más de un personaje logrando sonaje aunque admitía sentir tamente un exponente adelantado


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EL MUNDO. MARTES 22 DE MARZO DE 2011

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Ocio LUIS SERRANO Director del Ballet de Monterrey

«No me fui de Cuba por motivos políticos» BEATRIZ PULIDO

No daba quizá la talla física para triunfar en el Ballet Nacional de Cuba. Le pronosticaron que su metro y sesenta y seis centímetros iba a ser un impedimento para que llegara a ser el primer bailarín de una compañía. Luis Serrano (Cuba, 1971) nunca se lo creyó del todo. Hace 30 años, en una clase de matemáticas pidieron voluntarios para ser bailarines. Luis levantó la mano. Tenía 9 años. No sabía que aquel acto espontáneo iba a cambiar su destino. «Pensaba que se referían a bailes de salón que yo había aprendido a bailar de chico». Le hicieron pruebas y descubrieron que tenía aptitudes. Así empezó a bailar. «Bailaba seis días a la semana y el séptimo veía a mi madre». La beca fue una huida de un pueblo humilde del que tenía pocas posibilidades de salir alguna vez: «Si aquel día no hubiera levantado el dedo no sé qué sería de mí hoy», dice con un acento en el que asoma remotamente su origen cubano. Al cumplir los 18 años pasó por el Ballet Nacional de Cuba. Allí permaneció sólo tres meses. «Si me fui de Cuba fue porque quería seguir creciendo y no por motivos políticos». Por aquel entonces, el famoso ballet pasaba por un momento extraordinario y era difícil competir con más de un centenar de bailarines. Estuvo en el Ballet Nacional de Caracas, antes de llegar al Miami City Ballet, donde ha

sido el primer bailarín durante casi una década. Para Serrano la danza lo es todo. Se ahoga en silencios al tratar de expresar sus sensaciones sobre un escenario. «Cuando estaba allí arriba me olvidaba de todo lo demás. Volaba». A los 34 años colgó las zapatillas porque le ofrecieron dirigir el Ballet de Monterrey. Una lesión en un dedo del pie terminó de convencerle. «La mejor etapa de un bailarín es de los 30 a los 38 años y yo podía haber seguido aún unos años, aunque fuera bailando contemporáneo que no es tan exigente como el clásico». Serrano descubrió la danza contemporánea en su etapa de Miami gracias a coreógrafos como Jerome Robbins o Paul Taylor.

Luis Serrano, con dos bailarines del Ballet de Monterrey. / ÓSCAR MONZÓN

Coreografías novedosas Hoy dirige al Ballet de Monterrey (México), una compañía de danza clásica para la que crea también novedosas coreografías que están triunfando en América. «En 2008, en Estados Unidos, llenamos en ocho ocasiones el Joyce de Nueva York, con gran éxito de crítica». Quiere hacer lo propio en Europa y en el Nuevo Teatro Apolo, donde su compañía permanecerá del 24 al 27 de marzo. Sabe que esta es una plaza difícil: «Llevábamos tres años tratando de llegar, pero es complicado que alguien apueste por algo que no conoce».

Sus señas de identidad descansan en el hecho de que todas las coreografías que crean son para la compañía. «Lo que proyectamos al exterior son ganas de bailar, mucha fuerza, energía y versatilidad. Además de ganas vivir y de crecer». Ha emprendido esta gira con un equipo de 20 bailarines. Sus edades oscilan entre los 18 y los 32 años, casi todos son mexicanos. «El bailarín latino se entrega y tiene mucha fuerza sobre el escenario». Como bailarín, Serrano estaba obsesionado con la técnica. Hasta que aprendió que «lo que importa no es la técnica sino lo que proyectas al

público y lo que le transmites». Una lección que le ha servido en su labor de coreógrafo. «Ahora trato de desarrollar todo el talento que posee el bailarín y no imponerle lo que yo quiero que haga. Que se sienta cómodo con la pieza pues él es quien va a estar sobre el escenario». En el Ballet de Monterrey sustituyó a importantes nombres como Fernando Alonso o Fernando Bujones: «En cuatro años la compañía ha evolucionado. He tratado de hacer cosas nuevas, buscando otros lenguajes que puedan atraer a los jóvenes, y respeto en general al público a nivel artístico y técnico».

La ciencia del pan Ifema Intersicop. La feria del sector recibe

a los primeros catadores profesionales JAVIER EXPÓSITO

Son capaces de identificar el grado de tueste del pan solo con olerlo. Localizan el tipo de horno a través del sabor de una muestra menor de dos centímetros. Detectan más de 50 atributos diferentes en apenas una hora. De esto y mucho más son capaces los primeros catadores de pan profesionales de España. Formados durante tres años y medio por el Centro de Difusión de Tecnología del Sector Panadero (Innopan), estos 10 elegidos ponen sus cinco sentidos al servicio de la causa. «Para seleccionarlos, hicimos una convocatoria entre el sector y la Universidad. Se apuntó gente variada, desde ingenieros a pana-

deros, pasando por catadores de aceites», afirma Águeda GarcíaAgulló, directora de Innopan. ¿Requisitos? «El único es que no sean alérgicos, porque deben tener sensibilidad para captar los matices». Estos boinas verdes del pan se congregan un mínimo de una vez por semana en las instalaciones de Innopan, en Lleida, para afinar unos conocimientos que más tarde servirán a las empresas para mejorar su producto. A partir del jueves estarán en el Salón Internacional de la Panadería, Confitería e Industrias Afines (Intersicop), que se celebra en el Recinto Ferial de Ifema, en Madrid, hasta el próximo lunes.

Momento de una cata de pan celebrada ayer en Innopan. / LAURENT SANSEN

«Los atributos se dividen en tres grandes grupos: visual (identificar el color, brillo, presencia de harinas...), olor (a cereal, levadura, ácido láctico...) y sabor (dulce, salado, amargo, a regaliz...)» explica

Mónica Elía, directora del panel de cata. Pese a formar la tercera generación de panaderos de su familia, a Manel Llaràs la idea le llamó la atención desde un principio. «Jamás pensé que existieran tan-

Admirador de Baryshnikov y Nureyev desde la escuela fue, sin embargo, Edward Villella, que le dirigió en el Miami City Ballet, la figura más importante de su carrera: «Me enseñó a valorar el trabajo y respetar al público. Algo que yo trato de inculcar a los jóvenes». El programa que ha traído a España es mixto. La huella mexicana se manifiesta en piezas musicales del país centroamericano reproducidas en la obra Mosaico Mexicano. Presenta también otros temas clásico en obras como Don Quijote Divertimento y Diana y Acteón Pas de Deux.

tos matices en el pan», asegura. Este ilerdense de 48 años preside el Gremi de Forners de Lleida y lleva toda su vida ligado a la tahona. «Este producto engancha: es diferente al resto. Cada mañana empiezas de cero y tienes un contacto directo con el cliente los 365 días del año». A esta primera hornada de catadores, de la que Llaràs es uno de los pioneros, le seguirá una segunda, en proceso de formación. El contraste entre un alimento a priori tan básico y su carácter cientifista es enorme. «La cata es una disciplina científica que, hasta hoy, el sector del pan no ha tenido», asegura Elía. «Trabajamos con una metodología cualitativa y cuantitativa que lleva años de esfuerzo», concluye. De hecho, aunque parezca increíble, desde Innopan señalan hasta 340 variedades de este producto sólo en España. «Al pan hay que devolverle el prestigio: no se cuida el envase ni la presentación», reclama García-Agulló.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 25 DE NOVIEMBRE DE 2009

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Ocio

El mago del humor Escena. Mag Lari se presenta en la capital con

el espectáculo ‘Sonrisas y Magia’, que combina la comedia con trucos visuales BEATRIZ PULIDO

Si hubiera que atender a lo que Mag Lari dice de sí mismo se podría afirmar que su espectáculo divaga entre el humor que inventó Tamariz hace décadas para barnizar sus geniales trucos de baraja y la magia visual al estilo David Copperfield. «Aunque nosotros jugamos a ser horteras y él lo es», bromeaba Lari durante la presentación de Sonrisas y magia en el Teatro Lara, donde estará hasta el próximo 10 de enero. Para Lari, «lo interesante del espectáculo es el personaje que interpreto y el hecho de que no sé hacer magia sin hacer reír». Así tenemos la hilaridad y la magia, o la «magia cómica», como él mismo ha bautizado la esencia del espectáculo. La inclu-

«Lo interesante es el personaje que interpreto; no sé hacer magia sin hacer reír» sión del humor en el mundo de la magia es cada vez más frecuente entre los magos, quizá, como dice el propio Lari, tenga que ver con que, a estas alturas, «todos se han dado cuenta de que no tenemos poderes». Al elemento cómico hay que añadir unas gotas de puesta en escena, buen sentido del ritmo y una técnica cuidada que dan forma a todos sus

espectáculos. El último elemento de la función sería el público, participativo y objeto del humor ácido del artista: «Me río de mí mismo e intento que el público haga lo propio». Con este espectáculo recomendado a todos los públicos se presenta Mag Lari en la capital, aunque ya tiene una trayectoria reconocida en Catalunya de más de 15 años. «Somos conscientes de que Madrid es una plaza dura, pero hemos apostado por devolver la magia a su mercado natural. Es como empezar desde cero». El mago catalán afirma que la capital es un lugar importante para la magia. «La escuela de Tamariz está aquí y tiene muchos seguidores». Hasta ahora no ha habido demasiados magos que se atrevan a programar sus espectáculos dentro de la temporada teatral y en horario nocturno. «Juan Tamariz lo ha hecho por la mañana y Anthony Blake es otro concepto». Precisamente Tamariz, genio de la baraja, fue su primer referente. «Pero no puedes acercarte demasiado porque es tan potente su imagen que te puedes contaminar y acabar repitiendo, sin darte, cuenta sus chistes». De hecho admite que fue un libro suyo, Secretos de Magia Potagia, que le regalaron sus padres cuando era pequeño, el que le hizo dar el salto definitivo al mundo de la magia. También le gusta Copperfield «porque convierte la magia en un espectáculo». Lari apareció por primera vez en escena en el año 94, con un espectáculo titulado La magia del mago La-

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

DIEGO SINOVA

Rostros famosos y solidarios El rastrillo navideño a beneficio de la Asociación de Afectados de Neurofibromatosis recibió ayer la visita de varios personajes famosos que aportaron su rostro solidario a esta buena causa. Los viajeros de Metro de

ri&Secundina. Luego le han seguido otros títulos como Millenium, Increíble o Secrets. Sus espectáculos han sido premiados en varias ediciones de la Feria de Tárrega. Entre otros reconocimientos, ha obtenido el Primer Premio Nacional de Magia Cómica de Valladolid, en el 1995, o el

la estación de Francos Rodríguez pudieron adquirir gangas despachadas por Miriam Díaz Aroca, Edurne, el cantante Raúl, Jorge Lucas, Alberto Amarilla, Musicalité y componentes de Pignoise, entre otros.

de mejor espectáculo Muestra de Teatro de Igualada 2007. Una docena de números repartidos en una hora y media conforman este Sonrisas y magia, una representación que parece encajar bien dentro de las hechuras del teatro Lara. «Trabajamos con dos formatos:

el grande y el mediano». Este último es el que acogerá este «espectáculo mutante». Durante la función, promete risas y sobre todo muchas apariciones y desapariciones. Sonrisas y magia. Hasta el 10 de enero. Teatro Lara (C. Baja de San Pablo, 15).


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EL MUNDO. JUEVES 15 DE ABRIL DE 2010

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Ocio

TEATRO DEBAJO DEL PELLEJO Fecha: 16 de abril, 20.00 horas Lugar: Casa de América Dirección: Marqués del Duero, 2

Philippe Gaulier posa con su alumna, Nathalie Seseña, ayer en el Teatro Circo Price. / ANTONIO HEREDIA

El maestro de la carcajada

El Anfiteatro Ganriela Mistral de la Casa de América acoge mañana, a las 20.00 horas, la representación de Debajo del pellejo, texto de Óscar Morales dirigido por Gonzalo Sarmiento. Debajo del pellejo es la historia de dos inmigrantes en un país del primer mundo. Ella hace mucho que tomó la decisión de olvidar quién era, de dónde venía, y encontró que fingir ser natural del nuevo país era la mejor forma de adaptarse, sacar beneficios y obtener el afecto de los otros. Sin embargo, pronto se da cuenta de que no puede borrar el pasado. Por su parte, él es un chico que busca trabajo y progreso económico, pero ve frenadas sus aspiraciones porque no puede adaptarse a la novedad de cuanto le rodea. El encuentro entre ambos es una aventura inverosímil donde ella promete ayudarlo a cambiar de piel y borrar sus recuerdos.

Escena. El director, actor y dramaturgo Philippe Gaulier, profesor de actores como Emma

Thomson o Nathalie Seseña, imparte estos días un curso de ‘clown’ en el Circo Price BEATRIZ PULIDO

«Todos tenemos un lado ridículo. Hay personas que se sienten tan orgullosas de lo ridículas que son que ganarán dinero con ello. Serán capaces de vender su ridiculez. La mayoría se siente, no obstante, avergonzada de su lado ridículo y lo esconde». Cualquiera le lleva la contraria a este genio de la risa que es Phillippe Gaulier (París, 1943), sobre todo cuando habla del ámbito que compete a su maestría y no sólo por esos 40 años que lleva dedicado a enseñar, los últimos 30 en la escuela que lleva su nombre. Es difícil no sucumbir a sus encantos teatrales y no soltarle una carcajada a la cara como respuesta natural a su talento. No necesita moverse demasiado, ni aletear con aspavientos. Basta que se lance a hablar con esa vocecilla proyectada como si saliera de un embudo, casi ronca y que remita unas cuantas miradas penetrantes a sus interlocutores, por detrás de las gafas redondas, para ganarse al auditorio. Lo puso de manifiesto ayer, delante de varias decenas de periodistas y de más de medio centenar de alumnos suyos que participan estos días en el curso de clown que imparte en el Teatro Circo Price.

Este dramaturgo francés, director de teatro y clown, suele decir que es fácil encontrar a nuestro propio clown siguiendo a rajatabla el siguiente refrán: «Si la risa estalla mi clown se acerca, si la risa calla mi clown se aleja». Diez años estuvo enseñando en la escuela de Jacques Lecoq antes de iniciarse por su cuenta. «Ahora creo que sé algo más. No mucho más, pero sí algo más». Admitía durante la rueda de prensa con un semblante

«Hay personas tan orgullosas de lo ridículas que son que venden su ridiculez» parco en muecas, a la manera de Buster Keaton. Ha enseñado a actores y actrices como Emma Thomson, Nathalie Seseña o Sacha Baron Cohen. «Muchos actores han pasado por mi escuela, pero ninguno de ellos se parece al actuar. Yo doy libertad, no pretendo imponer un estilo como hacen en otras escuelas. Muestro el placer del juego. Quiero que los actores permanezcan fieles a sí

mismos y no pretendo imponerles un estilo», insistía Gaulier. La mayoría de los actores que han trabajado con el artista francés admiten que con él consiguen recuperar el placer de la actuación, «de estar en un escenario; el placer de ser un idiota en el juego del clown, de tener la belleza de Electra o la mirada irónica, sutil e inteligente de un bufón», escribía Seseña en el prólogo del último libro escrito por Gaultier, una recopilación de textos teatrales y de propuestas de «juegos» para practicar, que presentaba ayer mismo. «En otras escuelas les dirán que deben servir al autor, a Shakespeare o a Calderón. En pocas le dirán que el personaje de la obra de teatro se aburre con el libro, se duerme dentro de la obra de teatro. Yo le digo al actor: ‘Despierta a tu personaje, dale vida con tu vida. No te aburras con el personaje que duerme dentro de la obra de teatro’», añadía de forma jocosa. «¿Y usted de qué se ríe?», le preguntaba alguien. «Muchos de mis alumnos son muy graciosos. Yo me río mucho, el mío es un buen trabajo». La atmósfera circense del Price le sienta de maravilla al oficio que Gaulier trata de enseñar que proyecta también la máxima

del más difícil todavía: «El trabajo del clown es provocar las carcajadas del público. El clown que hace al público simplemente sonreír no es más que un mimo bochornoso». Gaulier es mundialmente reconocido por sus cursos de clown y bufones. Creó su Escuela en París en 1980. En el 91 fue invitado por el Arts Council of England para establecerse en Londres. Allí acudió dice él para aprender inglés pero se quedó 11 años. En 2002 regresó

«Quiero que los actores sean fieles a sí mismos y no pretendo imponerles un estilo» a Francia y actualmente su escuela permanece en Sceaux. Las clases continúan impartiéndose en inglés aunque los alumnos, llegados de todas partes, improvisan y actúan en su lengua materna. Además de los ya mencionados ha dado clase a actores como Marcello Magny, Suzanne Osten, Yolande Moreau, Linda Kerr Scott, Simon McBurney, Josh Houben, entre otros.

POESÍA ABBAS BAYDOUN Fecha: 20 de abril, a las 19.30 h. Lugar: Casa Árabe Dirección: Alcalá, 62

Casa Árabe organiza, el próximo martes 20 de abril, un encuentro con el poeta Abbas Baydoun en el que el autor libanés recitará algunos de sus poemas en árabe, acompañado de Luz Gómez García, su traductora al español, que leerá algunos de sus versos en castellano. Poeta, periodista, crítico y traductor, Abbas Baydoun (Tiro, 1945), participa con asiduidad en eventos culturales internacionales. Realizó sus estudios en la Universidad Árabe de Beirut y cursó un Máster en Literatura Árabe en la Sorbona de París. Por lo que se refiere a su producción literaria, ha publicado 15 trabajos, entre los que destacan Tyr (1974), Crítica del dolor (1987), Habitaciones (1991) o Los hermanos de nuestro pesar (1993); y una novela, Blood test. Dirige la sección de Cultura del periódico As-Safir.


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EL MUNDO. VIERNES 16 DE ABRIL DE 2010

M2

Ocio

Un momento de la representación de ‘La última cena’, de Ignacio Amestoy. / EL MUNDO

El desgaste de las utopías Escena. La Guindalera estrena ‘La última cena’, de Ignacio Amestoy, con

la que inaugura un ciclo dedicado a autores españoles contemporáneos BEATRIZ PULIDO

La mítica sala La Guindalera da cobijo y mimo al buen teatro, ya sea éste clásico o contemporáneo, aunque es cierto que Juan Pastor, el artífice de este milagro escénico, tiene querencia por los autores vivos y gusta de compartir con ellos la experiencia de la representación. Ya lo hizo con

Juan Mayorga en 2003, poniendo en escena Animales nocturnos, obra que inauguró la pequeña sala y que partió de un taller de creación en el que participaban los actores, el director y el propio autor. Una experiencia que ahora repite con La última cena (2008), de Ignacio Amestoy (colaborador de EL MUNDO y pro-

fesor universitario), que dirige el propio Juan Pastor. La obra se estrena esta noche en la joven y mítica sala, que posee unas peculiares formas de trabajar: «Yo me he imbuido de su espíritu de trabajo, que no está muy alejado del mío. Juan Pastor y yo pertenecemos a la misma escuela de teatro y nos

hemos ido sirviendo en nuestra trayectoria», admitía Amestoy. El montaje ha sido supervisado por el propio autor, que se ha encargado, entre otras cosas, de adaptar el texto a los dos actores de la obra: José Maya y Bruno Lastra. Con esta representación, La Guindalera Escena Abierta inicia un ciclo dedicado a autores contemporáneos españoles. Estará en la cartelera hasta que La máquina de abrazar, de José Sanchis Sinisterra, le ofrezca el relevo. En un solo acto se gesta esta «tragedia contemporánea», como le gusta calificarla a su autor. La última cena es el encuentro entre un padre y un hijo. El primero siente la frustración de no haber satisfecho ninguna de las utopías que tanto anhelaba y el segundo, que también las tuvo, se valió de métodos más violentos para tratar de conseguirlas. Como ruido de fondo se escucha el conflicto de la violencia en el País Vasco, tema recurrente en la dramaturgia de Amestoy, reflejado en otras obras como Ederra (Premio Lope de Vega, 1982) o en Doña Elvira, imagínate Euskadi (1986). En esa cena, además de la sinceridad y del corazón abierto, rondará la tragedia cuando el hijo le pida al padre el último favor. Ricardo Doménech escribía que, aunque el autor vasco estuviera escribiendo otros textos, La última cena parecía ser su testamento político, intelectual, moral y poético. Algo que de alguna manera corrobora el propio Amestoy: «Hace unos años tuve un problema de salud ya superado. En ese momento me plantee una serie de cuestiones con relación a la vida y a la muerte y a la propia obra literaria y dramática. Había trabajado durante mucho tiempo la tragedia. Luego empecé a estrenar las obras sobre una tetralogía de la mujer que titulé Si en el asfalto hubiera margaritas y, ante aquella circunstancia vital, reflexioné si volver a la tragedia». Viendo el resultado de La última cena está claro que lo hizo.

IGNACIO AMESTOY Dramaturgo

«No reconocemos la tragedia» Hay diversos temas que rondan y se entrecruzan en La última cena y que Ignacio Amestoy aborda con profundidad: temas filosóficos o vitales, políticos y literarios. Pero por encima de todos ellos asoma esa búsqueda y reflexión en torno a la tragedia contemporánea. Pregunta.— Los guiños a ValleInclán que asoman en La última cena, ¿son conscientes? Respuesta.— De haberlos, son inconscientes. Valle-Inclán, Federico García Lorca y Buero Vallejo pesan de una manera extraordinaria sobre todo el teatro español contemporáneo y especialmente sobre mí. De una manera particular Buero, por su renovación de la tragedia; Federico también, anclado como estaba en la tragedia y Valle-Inclán, superando la tragedia, a través del esperpento. P.— Precisamente no se le otorga demasiado espacio teatral a la tragedia en el siglo XXI. R.— Exactamente. Estamos viviendo en un momento en el que todo es tragedia y apenas queremos reconocerla. Es la cruda realidad. Envolvemos la realidad en una especie de gran celofán y retiramos los espejos de nuestra vida porque no queremos ver nuestra realidad. P.— Igual que escondemos los hospitales. R.— Igual que hacemos con la muerte. El tanatorio es arquitectura de diseño, escondemos la muerte en espacios a lo Guggenheim. La última cena. Estreno hoy en la sala La Guindalera (Martínez Izquierdo, 20).

Los componentes del grupo Scapeless.

Presentación de Scapeless en el Orange Café Aplicando influencias cercanas al rock y con un estilo propio inconfundible, surge Scapeless. Una banda madrileña formada por cinco jóvenes (Alex, Cobi, Estalella, Javi y Steve) que harán temblar el escenario del Orange Café este próximo sábado. Siguiendo la estela de otros grupos madrileños, tras un duro trabajo y una maqueta pendiente por grabar, quieren dar un impul-

so a su carrera, presentando canciones propias y covers de Nirvana, Red Hot Chilli Peppers y Oasis, entre otros. Su poderosa y dinámica presencia sobre el escenario no dejará indiferentes a quienes se acerquen a escucharles el sábado, a las 21.30 horas, en el Orange Café (Serrano Jover, 3). La entrada con copa al concierto cuesta 8 euros, y 6 si es con refresco o cerveza.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 19 DE ENERO DE 2011

M2

Ocio

Una gata en la intimidad Escenario. Álex Rigola y el Teatre Lliure llevan

hasta el Centro Dramático Nacional una de las obras más aclamadas de Tenesse Williams BEATRIZ PULIDO

El autor norteamericano Tenesse Williams (1911-1985) descendía hasta los infiernos del hombre, de la mano de sus personajes. Seguramente en ese viaje no buscara la verdad, sino expresar la oscuridad que sentía al mirar al ser humano. Lo hizo una vez más con Gata sobre tejado de zinc caliente, obra con la que conseguiría, por fin, meterse en el bolsillo a la crítica norteamericana. La compañía Teatre Lliure asume el reto de Williams y revisa este drama familiar en coproducción con el Centro Dramático Nacional. La adaptación de texto y la direc-

La obra trata, sobre todo, de la falta de comunicación entre las personas queridas ción corren a cargo de Álex Rigola, que se presenta en la capital, por última vez, como responsable de la compañía. Rigola insistía en la necesidad de que una obra como ésta fuera representada en una sala pequeña, como la Francisco Nieva. La clave está en la intimidad que quiere conseguir: «Es una obra de pequeño formato y necesitamos que el espectador esté cerca de la escena». Gata sobre tejado de zinc caliente

trata varios temas, pero por encima de ellos destaca la dificultad de comunicación que existe entre las personas más queridas. «¿Por qué me cuesta tanto decirle a mi madre que la quiero?», se preguntaba Rigola. La función se estructura en tres actos: el primero pone en escena una relación de pareja rota desde hace tiempo (que interpretan Joan Carreras y Chantal Aimée), y que en la versión cinematográfica interpretaban Liz Taylor y Paul Newman. «Un cuadro de malos rollos y mucha violencia verbal», aseguraba Rigola, quien admitía que la escena había sido «muy desagradable de ensayar para todos». En el segundo acto se muestra la imposible comunicación entre un padre (Andreu Benito) y un hijo (Santi Ricart). Esta última es, para Rigola, la escena principal de la obra y el último acto resuelve lo que va sucediendo en escena. Éste es un montaje completamente de actores: «Nunca le dimos tanta importancia al trabajo actoral como aquí», aseguraba el director. Completan el reparto Muntsa Alcañiz y Ester Cort. Los demás personajes de la novela han sido suprimidos, «por razones económicas y artísticas». Según Rigola, valía la pena centrarse en los temas principales y no en los secundarios, «que son metáforas redundantes de lo que ya hay». Otro tema fundamental y que fue eliminado en la versión cinemato-

Una escena del montaje dirigido por Álex Rigola en el Centro Dramático Nacional. / ROS RIBAS

gráfica es el de la homosexualidad. Rigola se cuestionaba si la homosexualidad había sido admitida y asumida por la sociedad realmente. Siendo el protagonista un jugador de fútbol americano se preguntaba si es que en nuestra Primera división no hay un solo jugador homosexual o por el contrario es que hay más de uno pero lo esconden. Nuestra sociedad sigue sin resolver la convivencia absoluta en cuanto a gusto sexual».

En todo caso, la obra deja abierta esta cuestión, pues como aseguraba el propio Rigola, del texto no se desprende claramente esta conclusión. Más aún, «el personaje es absolutamente bisexual», diría el director. En el escenario se ha realizado una instalación de una habitación en medio de un campo de algodón. Es la tilde poética de un montaje al que se le ha añadido otro elemento novedoso: la presencia de un pianista,

Haití en la memoria Solidaridad. La sala Caracol acoge un recital con el fin de recaudar fondos para el país caribeño

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

CARLOS MORAL

Ha pasado ya un año del devastador seísmo en Haití, pero todavía queda mucho por hacer para que el país se acerque mínimamente a algo parecido a la normalidad. Mientras la situación política se agrava con el regreso a la isla del sátrapa Jean Claude Duvalier, todavía quedan toneladas de escombros por retirar en el terreno y miles de desplazados que lo han perdido todo a la espera de un destino incierto. Consciente de la grave situación, la ONG Intermón Oxfam sigue trabajando para recaudar fondos que ayuden a paliarla y una de sus iniciativas es el concierto Músicos por Haití que anoche celebró en Madrid su segunda edición, tras la primera de urgencia convocada hace un año en la sala El Sol. El concierto de ayer tuvo lugar en la sala Caracol y en ella participaron desinteresadamente un total de 10 formaciones musicales que fueron presentadas en el escenario por Joa-

quín Guzmán, director de Rockola FM. Los encargados de abrir el fuego fueron Para Elisa, un sexteto de reminiscencias metaleras con ecos de Bunbury en la voz de su cantante. Poca gente había accedido a la sala durante su actuación, pero gradualmente se fue llenando hasta presentar una entrada más que aceptable pasadas las diez de la noche. Con aires folk salió el segundo grupo de la velada, JF Sebastian. Aires intimistas para una escudería de guitarra, bajo, violonchelo, batería y ukelele, que agradó a una audiencia benévola, teniendo en cuenta el objetivo de la cita. La tercera formación que participó en el recital estaba de estreno y era encabezada por una voz ya conocida de las salas de concierto madrileñas: Belén Arjona. Se trataba de Bel and The Boy, un dúo en formato acústico encabezado por la rubia cantante que desgranó tres temas en inglés con vocación intimista y alma de rock.

El dúo Bel ant The Boy, anoche, durante el concierto. / ÓSCAR MONZÓN

Conocidos son también para el público indie Pau Roca, guitarrista del grupo valenciano La Habitación Roja y Edu Baos, de Tachenko, que anoche participaron en la iniciativa

solidaria con su grupo paralelo, Litoral. Nombre de fabada para un proyecto que bebe a partes iguales del pop, el folk, la rumba, los sonidos orientales y la chanson francesa.

Raffle Pala, que interpreta temas en directo durante la representación. La obra no está sometida a una época determinada. Por ello, ni en el decorado, ni el vestuario existen elementos que ubiquen la función en los años 50, sino que lo sumergen en una neblina intemporal. Gata sobre tejado de zinc caliente. A partir de mañana, hasta el 22 de febrero. Centro Dramático Nacional.

«Somos unos perfeccionistas», fue su declaración de principios entre canción y canción. El quinteto Trestrece encauzó después el concierto por terrenos cercanos al rock anglosajón de nueva generación con influencias declaradas de The Killers o Radiohead, seguidos en el escenario por Deniro, grupo que comparte en su nombre las mismas letras que Dinero, ¡casualidades de la vida!, otra de las bandas que participó en el evento. Los primeros se sumergen para componer sus temas desde la década de los 50 hasta la actualidad y los segundos despliegan energía guitarrera con empuje juvenil e inmediato. Entre medias, Havalina, proyecto del ex Sugar Kane y actual Cabriolet Manuel Cabezalí, que presentó algunos temas del que será su próximo disco, Las hojas secas. Para el final quedaron las aportaciones en directo de Despistaos, el grupo de Guadalajara que saltó al estrellato a raíz de poner banda sonora a la serie Física o Química, desplegando su pop de guitarras sencillo y efectivo; y de Iguana Tango, grupo curtido a base de interpretar versiones de clásicos españoles de los 80.


Impreso por Beatriz Pulido Flores. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. MIÉRCOLES 2 DE MARZO DE 2011

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Ocio

MÚSICA MARTA SÁNCHEZ EN EL METRO Fecha: 8 de Marzo Local: Metro Chamartín Precio: Gratuito

Marta Sánchez, Chenoa y Tamara se convertirán en músicos del Metro por un día gracias a la IV edición del festival Creadoras en Metro, que recordará a los millones de madrileños que usan el suburbano que el próximo martes 8 se conmemora el Día Internacional de la Mujer. «Será una experiencia única que recordaré a mis nietos cuando sea una anciana», afirmó ayer Marta Sánchez. Ella será la encarga de abrir las tres jornadas del festival que no se desarrollará en los vagones de los trenes del suburbano, sino en el vestíbulo de la estación madrileña de Chamartín. A Marta Sánchez le tomará el relevo Tamara, que actuará el día 9. La encargada de cerrar este evento, un día después, será Chenoa. Los conciertos tendrán lugar a las 20.30 horas. Las entradas son gratuitas.

Aitana Sánchez-Gijón junto a Ernesto Caballero, en el Teatro Español. / SERGIO ENRÍQUEZ-NISTAL

El camino a la santidad Escena. Aitana Sánchez-Gijón protagoniza el tríptico ‘Santo’ en

El Español, una obra formada por tres textos de tres dramaturgos BEATRIZ PULIDO

Una charla informal sobre lo divino y lo diabólico del ser humano entre tres interesantes dramaturgos españoles condujo a una propuesta formal de generar tres textos que versaran sobre el tema de la santidad. Sin reglas ni condiciones sobre la mesa, Ernesto Caballero, Ignacio García May e Ignacio del Moral transformaban, dos meses después, el verbo en carne y decidían subir el resultado a escena. La obra que se estrena mañana en la sala pequeña del Español con el nombre de Santo, ha sido producida por la compañía Teatro El Cruce y tiene a Aitana Sánchez -Gijón como protagonista. La unidad de la obra viene determinada por la ocupación del mismo espacio escénico y por el hecho de que las tres historias han sido hi-

ladas por la aguja temática de la santidad. «Ha sido un trabajo de investigación y de autoconocimiento. El arte siempre debe tener ese componente religioso, de tocar ese mundo de lo desconocido», admitía Caballero, que dirige también el espectáculo. «Hoy en día el milagro es estar abierto al milagro», confesaba el dramaturgo madrileño al ser preguntado sobre el tema. Caballero se centró para su texto en Edith Stein (conocida como Santa Teresa Benedicta). Encontró en ella un personaje inconformista que buscaba ansiosamente la verdad, que pasó por el judaísmo, por la filosofía de Husserl, por el agnosticismo hasta que, leyendo a Santa Teresa, se le reveló lo que andaba buscando. Al final murió en un campo de concentración. Por su parte, Ignacio del

Moral se centra en el papel de los santos contemporáneos y García May en el mundo de las reliquias. El nombre de Aitana SánchezGijón le llegó a Caballero «casi como una revelación» para representar los tres papeles principales. Es más, para su texto parece que pudo inspirarse un poco en la Juana de Arco en la hoguera, de Honegger, que también protagonizó en su momento Sánchez-Gijón. La actriz nacida en Roma se mete en la piel de tres personajes totalmente distintos. «Hemos explorado muchos caminos para encontrar el lenguaje apropiado para cada una de ellos», decía Sánchez-Gijón. Para ella lo fascinante de los personajes que interpreta en Santo es que «son mujeres muy fuertes y poderosas, que no dejan de estar en conflicto interior pero están en una per-

manente búsqueda y en un compromiso brutal por la bondad, algo tan denostado hoy en día». En cuanto a la puesta en escena, el director de la obra reconocía que no es un espectáculo convencional, sino que «ha sido concebido a dos bandas. Es un pasillo, una zona de tránsito presidida por el cuadro de Zurbarán, El cordero místico». El cuidado juego de luces, el sonido y una escenografía peculiar, combinadas con la sugerencia y la poética que le inyectan los actores (José Luis Esteban, Esther Acevedo y Borja Luna) completan la puesta en escena. «Es un montaje eminentemente teatral. No manejamos las claves realistas o naturalistas». Escoltado por su mirada a los clásicos, Caballero es un confeso admirador de los autores contemporáneos, «creo que soy de los directores que más autores contemporáneos vivos he montado. Me gusta aprender de mis colegas. El suyo no es un teatro de evasión, si no que manifiesta preocupación». Santo. Hasta el 3 de abril en el Teatro Español. Príncipe, 25.

FERIA ANTIGÜEDADES Fecha: Del 3 al 6 de marzo Local: C.C. Moda Shopping Precio: Entrada gratuita

El centro comercial Moda Shopping acoge desde mañana y hasta el domingo la 4ª edición de la Feria Nacional de Anticuarios con 38 expositores de almonedistas y anticuarios de España, Francia e Inglaterra. El evento mostrará al público una amplia diversidad de piezas únicas de los siglos XVIII y XIX. Como novedad de esta cuarta edición, cada fin de semana (viernes y sábado de 18.00 horas a 19.00 horas y domingos de 12 a 13.00 horas), la feria ofrecerá al público la posibilidad de realizar, de forma gratuita, una visita de la mano de Arturo Resel, guía de turismo experto en antigüedades.


Exposiciones de


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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EL MUNDO. LUNES 25 DE ABRIL DE 2011

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Ocio

Carteles de circo del siglo XXI Muestra. ‘Safewalls’ reúne la visión de artistas del último espectáculo del Cirque du Soleil BEATRIZ PULIDO

Una escena de ‘Mandalá’. / D. SINOVA

Rojas estrena ‘Mandalá’ en el Teatro Arteria E.M.

El bailaor Amador Rojas aúna la tradición y la vanguardia flamenca en su último espectáculo, Mandalá, donde el autor repasa «las distintas formas y colores de ver el día». El Teatro Arteria de Madrid acoge este espectáculo hasta el próximo 1 de mayo. Rojas comenzó su formación a los siete años con Farruco. Hasta hoy, el artista ha compartido escenario con grandes nombres como la familia Montoya, Manuela Carrasco, Juana Amaya o Antonio Canales. Según explicó el artista en la presentación del espectáculo, el título Mandalá viene de una palabra hindú que significa «círculo sagrado», la ceremonia, el inicio y el final de la vida. Una forma de mostrar el «respeto» hacia todo lo flamenco, sin olvidar las raíces, pero tampoco las nuevas creaciones artísticas. Con este montaje, quiere recordar al público lo que significa el flamenco «primitivo» para llegar al flamenco de hoy y volver así «al flamenco de siempre». «Para dar la vuelta a todo hay que partir del mismo sitio», explica el bailaor. Su manera de entender y aprender el flamenco fue, según confiesa, «con los cantaores antiguos». «Mi manera de entender el baile fue esa». Por ello, para Rojas es más fácil entenderse con un músico que con un coreógrafo. Esto es, precisamente, lo que el público verá en directo: «el punto mágico entre la danza y el músico».

Coloridos, imaginativos, aludiendo siempre al misterio, remitiendo al mundo de las hazañas y de las gestas humanas. Los carteles de circo han acompañado el peregrinaje de las caravanas circenses desde hace muchos años. «Qué pintores han pintado esos carteles? Desde luego han sido unos pintores excéntricos que fueron los mejores interpretadores de las cosas que se dejan pintadas en las vallas y en las paredes... Su cuadro expresivo, genial, de gran escenografía, va a alcanzar las mayores posibilidades de exhibición en el mundo, pegado en todas las esquinas del Universo». Gómez de la Serna se dio cuenta del arte que encerraba el cartel, cuando se ponía al servicio de los portentos, las acrobacias, las proezas y, en definitiva, expresaba el más difícil todavía que siempre ha representado el circo. El Cirque du Soleil ha venido a revolucionar este concepto añadiéndole una mayor dosis de fantasía y modernizando su estética, otorgándole un carácter más poético y onírico que abraza por igual el mundo de la fantasía y el de la proeza. Algo que a fuerza debía de venir expresado también en sus carteles. El proyecto Safewalls, nacido en la órbita del Cirque du Soleil, recupera el arte del cartel de circo. Es un proyecto que comisiona a diferentes artistas nacionales del país que el circo visita para que creen carteles originales que tengan como fuente de inspiración sus es- Uno de los carteles de la exposición ‘Safewalls’. / EL M UNDO pectáculos. En esta ocasión, y con motivo to con todo lo que hasta ahora ha sionado a tres artistas: Miss Van, de la representación del espectá- hecho el circo y surge como un Nuria Mora y Ricardo Cavolo, jóculo Corteo en la capital (un es- montaje que pulula entre lo tea- venes creadores que emplean topectáculo que rompe por comple- tral y lo circense), se han comi- do tipo de lenguajes a su alcance.

Cavolo, por ejemplo, dice de su arte que es «simple y naïf». Pareciera extraído directamente de la imaginación de un niño. Fantasía compuesta sobre un lienzo en el que predomina el horror vacui «Trato de contener en el papel una historia que contenga a su vez miles de historias». Estampas coloridas, figuras principales que se descomponen en cientos de personajes. Es especialista en retratar personajes tatuados, como él mismo. El trabajo de Nuria Mora es más abstracto. Ella misma dice que trata más sobre preguntas que sobre afirmaciones. «Es una composición abstracta sobre trapecios y globos y, por supuesto, el sol, símbolo del Cirque du Soleil». Safewalls (paredes seguras), hace referencia a los espacios urbanos legales donde es posible la expresión sin miedo a la sanción. Precisamente, la herencia de Miss Van es más grafitera. Hace tan sólo un par de años que dejó de pintar en la calle para empezar a crear en espacios cerrados. En sus obras se refleja de forma casi obsesiva la feminidad, la sensualidad y la sugerencia. La exposición, que ha estado ya en Houston y Londres, se podrá ver durante sólo tres días en la sala Espacio Valverde, en donde incorpora también el trabajo de los artistas que ya han expuesto en otras ciudades y que llaman lowbrow: un movimiento artístico que se vale de códigos gráficos populares como cómics, publicidad, grafiti y todo tipo de imágenes de la cultura alternativa. Safewalls. La exposición permanecerá del 28 al 30 de abril en Espacio Valverde (Valverde 30, patio).

Los animales juzgan al hombre Escena. El Teatro Galileo estrena ‘Juicio a los humanos’, dirigida por José Piris B.P.

La humanidad ha forjado seres contradictorios, «deshabitados» que diría Octavio Paz. El hombre es un ser extraño y paradójico. Esa afirmación la constataría cualquier otro ser que con imparcialidad pudiera mirarnos desde fuera, los animales, por ejemplo, si hablaran nuestra lengua y les cediéramos la palabra. José Antonio Jáuregui lo hizo en su novela póstuma Juicio a los humanos. Los animales tienen la palabra, que su hijo Eduardo terminó de componer en el año 2006. El grupo Onira Teatro ha adaptado esta fábula satírica y ahora la sube al escenario del Teatro Galileo. La producción es una adaptación que

respeta el texto original, ya en sí muy teatral, pero a la que añade pinceladas de creación propia. Dirigida por José Piris, discípulo de Marcel Moreau, está interpretada por cuatro actrices (Belén Boluda, Sabrina Lüngen, Alexandra Calvo y Ana López), que se reparten 30 papeles y mutan su piel sobre el escenario. «Elegimos los animales que íbamos a representar en función de la personalidad de cada una», decía Ana López. Para ello se valen de todos los recursos teatrales a su alcance, empleando diferentes lenguajes teatrales como el mimodrama, la pantomima, la danza, la acrobacia, el clown, o la comedia musical... «Por debajo de la obra hay una

trabajo de visualización, de investigación de los animales para poder llevarlos a escena y del simbolismo que representa cada uno», comentaba Sabrina Lüngen. Así, el aséptico y atento búho habría de erigirse en imparcial juez; la amenazante cobra, podría representar al fiscal; el perro incondicional, seguro sería un buen abogado defensor. El respetable, después de derribado el muro de la cuarta pared, se convierte en uno de los protagonistas de la obra. «No estamos invitando al público a un espectáculo sino a un juicio contra los humanos». Al ser preguntadas por la oportunidad de llevar a escena la obra de Jáuregui las cuatro actrices que for-

man también la compañía Onira Teatro admitían que «es un ensayo que desafía, cuestionando los prejuicios y la propia forma de vivir del lector, pero sin caer en una visión unilateral, panfletaria o fundamentalista. Permite que cada uno llegue a su propio veredicto». La producción, dirigida a un público adulto y adolescente, es según Piris, «sencilla y humilde». Se estrenó en febrero del año pasado en Pinto. «Pretendemos que el público se pare y reflexione pero que lo haga riendo». Juicio a los humanos. Hasta el 15 de mayo, en el Teatro Galileo (Galileo, 39). Miércoles a viernes a las 20.30 horas, los sábados a las 20.00 y los domingos a las 19.00.


Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

E L M U N D O, J U E V E S 2 8 D E O C T U B R E D E 2 0 0 4

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Viva

la vida Hoy en Madrid... TEATRO / DE JERUSALÉN A JERICÓ 21.30 horas. Teatro Galileo (Galileo, 39). Tras su paso

Una escena de la película ‘X-Men 2’. / EL MUNDO

por la Muestra de Teatro de las Autonomías, aterriza en el Galileo esta obra escrita por Ignacio Amestoy en la

que el autor reflexiona sobre los derechos de una mujer discapacitada para elegir su destino. CINE / ‘X-MEN 2’ 19.00 horas. Centro Cultural Valdebernardo (Bulevar Indalecio Prieto, 16 Vicálvaro).

Dentro del ciclo juvenil de cine, el Centro Cultural de Valdebernardo proyecta X-men 2, de Bryan Singer, una de las mejores películas de superhéroes de la Historia. Pocos filmes han conseguido aprehender de tal manera el espíritu de una saga de cómics.

‘CIRCO INTERIOR BRUTO’ 20.30 horas. Teatro Pradillo (Pradillo, 11). La sala se atreve con el teatro más independiente y alternativo. Circo interior bruto es una apuesta innovadora que ocupará toda la sala y obligará a los espectadores a participar. TEATRO /

El Museo Tiflológico. Las obras arquitectónicas y escultóricas más importantes del mundo reducidas a escala se encuentran en un edicifio de la Once. Diseñado para personas ciegas y para las que no lo son. En sus dos pisos se puede palpar a la Dama de Elche, el Monasterio de El Escorial, la Torre Eiffel o la Mezquita de Córdoba y visitar la exposición sobre los instrumentos que han utilizado y usan hoy los que tienen problemas para expresarse y leer

Un mundo que

acariciar B E AT R I Z P U L I D O

U

na manada de bisontes, ciervos y jabalíes en perfecto movimiento recorre la pared. Lejos de Cantabria, de los resaltos de la roca y de la caverna que la forjó, la talla de madera policromada, sus colores, sus formas, el brillo de los animales, atraen las yemas de los dedos hacia su órbita. Este pedazo de la cueva de Altamira es la antesala de este pequeño oasis del tacto que es el Museo Tiflológico de la Once. Un lugar casi mágico para los sentidos, donde el visitante sólo debe desnudar sus manos y dejarse llevar. En la ejecución de las pinturas de las famosas cuevas del Paleolítico «el autor aprovechó los resaltes de la roca para ofrecer una cierta sensación de volumen», lo dice la voz anónima que se enciende al pulsar el botón adecuado. Independientemente de las imposibilidades físicas de los curiosos, desde la misma rampa de subida, el edificio, casi inteligente, se muestra accesible a cualquier persona: puertas, pasillos y ascensores advierten de su presencia y de su exacta ubicación al recién llegado. «Todo está lejos o no existe», decía Ramón Sampedro, «si no se puede acariciar». Este museo, abierto al público desde 1992, ha visto pasear a innumerables curiosos, ciegos o no, que han recorrido y palpado en sus habitaciones, sus torres, los palacios, iglesias y jardines más emblemáticos del mundo. En la sala internacional se yergue orgullosa la Torre Eiffel impa-

sible al frío que desprenden sus hierros, se pueden introducir las palmas de las manos en la arena del coliseo romano para sentir el palpitar de las gradas vacías de mármol o viajar a Lisboa y visitar el Monumento a los descubrimientos. Y... ¿Quién no ha sentido alguna vez la necesidad de mirar a los ojos a la Estatua de la Libertad? Ya en España, y acercándose con cierto respeto a la Dama de Elche, se pueden tocar sus labios y párpados, y tantear la forma en que le cuelga la nariz, sin el aliento del guardia de seguridad en la nuca. Al cerrar los ojos uno se da cuenta de lo difícil que es dibujarle o intuirle una mueca a la conocida mujer. Es posible que si Juan de Herrera hubiera tanteado el Monasterio de El Escorial hubiera sentido en sus manos la perfección geométrica y matemática de su arte escurialense. El mismo Sabatini no hubiera despreciado el metacrilato empleado para reconstruir la maqueta de la Puerta de Alcalá, que parece piedra y granito gracias a un producto que le confiere la rugosidad necesaria. Éstas y otras obras se asoman a los dedos en el Museo Tiflológico. La visita se completa con una sala de obras de artistas ciegos y un recorrido por la historia de la Once.

MUSEO TIFLOLÓGICO Dirección: C/ de La Coruña número 18. Horario: De martes a viernes de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00. Sábados de 10.00 a 14.00. Entrada gratuita.

Arriba: Una visitante palpa una escultura realizada por una persona con deficiencia visual. Abajo: Una mujer ciega observa los bombos de la exposición dedicada a la Once. /FOTOS: DIEGO SINOVA


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EL MUNDO. VIERNES 28 DE ENERO DE 2011

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DANZA AUDICIÓN DEL BOSTON BALLET Fecha: Mañana Local: Centro de Danza Canal Qué: Buscan nuevos bailarines

Un visitante contempla dos máscaras africanas de la muestra que acoge el Teatro Fernán Gómez. / FOTOS: ANTONIO HEREDIA

Otra mirada a África Muestra. Una ambiciosa exposición en la sala de arte del Teatro Fernán Gómez

se acerca a la creación contemporánea y tradicional del continente negro BEATRIZ PULIDO

«La parte más oscura de África es la ignorancia que tenemos de ella», venía a decir George H. T. Kimble en su libro Inside Africa. Lo más difícil en esta exposición es quedarse desnudo de tópicos y penetrar en este extraordinario mundo con la mente abierta y vacía. África necesita otra mirada. Es lo que demandan los organizadores de la exposición África. Objetos y sujetos que se exhibe en el Teatro Fernán Gómez hasta el mes de mayo. Es un viaje que recorre viarias áreas geográficas y culturales del continente africano de Oriente a Occidente. Es un acercamiento global que pretende conocer los objetos relacionados con las creencias tradicionales y los símbolos de poder, así como los sujetos que las produjeron y que tiene en cuenta, también, las circunstancias que provocaron esas creaciones. «En muchas ciudades y culturas africanas la creación artística tradicional convive con la contemporánea en el mismo espacio y en el mismo tiempo», dice Francisco Santos, uno de los comisarios de la muestra. La exposición tiene en cuenta esta premisa en su estructura y, en ella, contemporaneidad y tradición caminan juntas En total, se muestran 193 creaciones, de ellas 137 son objetos tradicionales recopilados sobre todo de instituciones europeas y que represen-

tan a 56 grupos étnicos de 25 países. «El mayor tópico que se ha ido repitiendo a lo largo del tiempo es el que considera el arte africano como primitivo frente a la creación occidental o de fuera de África», admite Santos. En su mayoría, estos objetos tradicionales son anónimos, pero sí se conoce la cultura a la que pertenecen. Un ejemplo de ese arte son las máscaras. Decenas de ellas observan al espectador con miradas huecas. Su presencia además de inevitable, por su importancia, había de ser también privilegiada dentro de esta exposición. Máscara como un objeto con una finalidad de ritual o festiva que, por un lado, sirve para ocultar la identidad individual y, por otro, termina otorgando representación a una identidad colectiva. «Es el significado antropológico de la mayoría de los objetos tradicionales de esta exposición», asegura el comisario. Las máscaras se siguen empleando en algunos lugares en ceremonias relacionadas con el ciclo estacional o vital, como forma de mantener la tradición. Para la exposición se han nutrido de los grandes museos antropológicos europeos. Se podría decir que las piezas más importantes del arte africano se en-

cuentran en Europa. «Al menos las más documentadas y que menos dudas despiertan en lo relativo a su autenticidad», dice Santos. En el arte contemporáneo es difícil destacar a un artista sobre los demás, pero la presencia en el acto de Leandro Mbomio (al que llaman el Picasso guineano) despeja las dudas. Su camino artístico es de la «integración total», como él mismo lo llama. Toma la tradición de la máscara y la actualiza incorporándole elementos de la técnica europea que asegura enriquecen su arte. «Ya no podemos caminar solos, sin esa aportación tecnológica que nos concede Occidente» y alaba la visión de los artistas occidentales como Picasso que se acercaron al arte africano y lo integraron en sus trabajos creando una visión moderna. Muchos de los artistas contemporáneos viven fuera del continente europeo y, como asegura Santos, manifiestan en su obra esa energía cultural y costumbres, «como Marléne Dumas o Malick Sidibé, que ya están en el mercado internacional del arte y hacen su aportación al mismo nivel que los creadores de otra parte del mundo».

Un ídolo africano.

África. Objetos y sujetos. Hasta el 1 de mayo, en el Teatro Fernán Gómez (Plaza de Colón, 4).

El Centro Danza Canal, adscrito a los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, acogerá mañana, sábado, la primera y única audición que la prestigiosa compañía de danza Boston Ballet realizará en España para buscar nuevos bailarines tanto para la compañía como para la escuela. En Europa sólo realizarán audiciones en otras tres ciudades, además de Madrid: París, Helsinki y Florencia. Esta decisión implica, según sus responsables, dos aspectos que pudieron comprobar personalmente en julio del pasado año, cuando sus maestros ofrecieron en el CDC dos días de clases magistrales a profesionales y futuros profesionales: por un lado el alto nivel de los bailarines en Madrid y en España en general y, por otro, las magníficas instalaciones del Centro Danza Canal. También les sorprendió el estupendo ambiente «que se respiraba» en el centro y su intensa actividad.

CICLO CINE Y ALIMENTOS Fecha: Hoy, 19.30 Local: Intermediae, Matadero Precio: Entrada libre

Con la proyección del documental Nuestros hijos nos acusarán, Intermediae inaugura un nuevo ciclo de proyecciones, en esta ocasión sobre cine y soberanía alimentaria. El ciclo se titula Mala siembra y se completará con las películas Black Gold (el 25 de febrero) y King Corn (el 25 marzo). Nuestros hijos nos acusarán pone en relieve la iniciativa del Ayuntamiento de una pequeña población francesa, Berjac, que decide servir en el comedor escolar únicamente alimentos biológicos para evitar el peligro sanitario derivado de las 76.000 toneladas de pesticidas que se utilizan en el riego anualmente en Francia. La proyección del documental contará con la participación de Jordi Menéndez Puiggalí, coordinador de Cooperación Norte de Veterinarios sin Fronteras. Según este documental, en Europa cada año mueren 100.000 niños por enfermedades causadas por el medio ambiente. 70% de los casos de cáncer está ligado al medio ambiente: 30% a la polución y 40% a la alimentación.


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EL MUNDO. MARTES 8 DE FEBRERO DE 2011

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Ocio

La última pesadilla del agua Muestra. El artista madrileño Daniel Canogar exhibe dos de sus trabajos más espectaculares y ambiciosos en la

Fundación Canal y en la sala Canal de Isabel II, coincidiendo con la Feria Internacional ARCO BEATRIZ PULIDO

El gran vórtice de basura del Pacífico, conocido como la sopa tóxica o la sopa de basura, recientemente detectada en esa parte del océano, sirvió de inspiración a Daniel Canogar (Madrid, 1964) para edificar la impactante metáfora que ha titulado Vórtices y que analiza visualmente la cultura del consumismo y del usar y tirar. La Fundación Canal exhibe esta obra, la más ambiciosa de su carrera, en palabras del creador y que se complementa con una escultura colosal expuesta en la Sala Canal de Isabel II, titulada Travesías. Una espectacular pantalla de leds en forma de lengua y de 30 metros de largo que recorre por dentro el antiguo depósito de agua del Canal de Isabel II. El agua es lo que sostiene el proyecto Vórtices, que contiene seis espectaculares instalaciones, para cuya construcción Canogar ha empleado las nuevas tecnologías. Nada más entrar, una enorme fotografía acoge al visitante. El artista ha reproducido el remolino de basura del Pacífico. Cientos de botellas y recipientes de plástico flotan en el agua junto con numerosas personas. Algunas tratan de mantenerse a flote, otras se aprovechan de la porquería o se protegen como pueden. «Refleja de alguna manera todas las contradicciones

‘Travesías’, una espectacular pantalla en forma de lengua, recorre el antiguo depósito de agua del Canal de Isabel II. / EL MUNDO

ximo partido a los nuevos componentes tecnológicos en la definición de una obra que siempre busca impactar sorpresivamente. La confluencia de estas tres exposiciones de Daniel Canogar en Madrid va a dar la oportunidad de poner de manifiesto la viveza y generosidad creativa que hay en una obra que siempre está pendiente de compartir su reflexión intrínseca a partir de la creación de estímulos directos y atractivos para el espectador. Una obra que no suele decepcionar pues siempre ofrece de una manera clara y evidente en su propia concepción sus entresijos creativos de tal manera que el que contempla no solo tiene una imagen sino todo su engranaje creativo a la vista, formando al mismo tiempo parte de la misma obra.

ñera a otro inodoro. Al mismo tiempo se proyectan diminutos cuerpos que parecen estar flotando y colándose por los sumideros. «Es una metáfora que refleja también la forma que tenemos de tirar la vida y perderla sin preocupación». Tajo es el nombre de la siguiente parada. 180 botellas de plástico sacadas del Centro de Recogida de Residuos de Pinto. «Quería que ya hubieran sido usadas para reciclarlas y darles una nueva vida a través del arte». En este caso eligió el nombre del río Tajo porque fluye a través de los madrileños. Canogar consigue despertar la belleza de materiales que jamás pareciera pudieran contenerla. En una pantalla se reflejan proyecciones de luz que han pasado por el filtro de las botellas y ofrece la sensación de ser el skyline de una ciudad. La instalación muestra el aumento y la disminución del consumo de agua en una ciudad a lo largo de 180 días. Termina el recorrido en la instalaciones que Canogar ha llamado Presión y Deriva. La primera es una obra formada por tuberías metálicas con las que el artista ha creado una delicada escultura sonora que representa la circulación de lo líquido, «la conexión entre lo orgánico y lo tecnológico». En la última, Daniel Canogar ocupa el espacio por el que antes fluía el agua. Las imágenes parecen desplazarse por un río imaginario. Niños de diferentes edades flotan sobre los deshechos y se dejan llevar por la corriente hacia un futuro nada halagüeño. Las dos exposiciones se estrenan coincidiendo con la celebración de ARCO 2011.

Rafael Doctor Roncero es comisario independiente y ex director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).

Vórtices y Travesías. Hasta el 10 de abril y 15 de mayo. Fundación Canal y Canal Isabel II.

En ‘Vórtices’ el artista ha reproducido el remolino de basura del Pacífico Canogar consigue despertar la belleza de materiales que jamás pudieran contenerla ‘Tajo’ está realizado con 180 botellas de plástico sacadas del centro de recogida de residuos de Pinto / EL MUNDO

que me encuentro como artista», admite Canogar, y añade que su pretensión con esta obra no es la de cambiar el mundo. «Como artista tengo herramientas para situarme delante de estas problemáticas sociales que me angustian». Si la primera imagen pareciera una foto de satélite, un piso más abajo el espectador se sumerge en la siguiente instalación titulada Marea, tomada desde dentro del agua. Es una especie de acuario donde la basura y los cuerpos flotan aparentemente en la misma inercia. «Lo queramos ver o no, no estamos separados de esta contaminación», admite. Para la tercera instalación, Caudal, el artista madrileño ha reciclado sanitarios de un punto limpio de Valdemoro. Admitía que necesitaba físicamente que hubiera agua en algún lugar de la muestra. El líquido fluye de un inodoro a un lavabo, de la ba-

Aventura creativa Rafael Doctor Roncero Partiendo de la fotografía, Daniel Canogar emprendió hace ya más de 20 años una de las aventuras creativas más interesantes de las acontecidas en el arte español contemporáneo. Pero la fotografía no fue nunca un fin para él, sino el origen de un amplio discurso siempre relacionado con el ser humano contemporáneo y su convivencia con las herramientas tecnológicas que habían pasado a formar parte de su vida. Primero reflexionó sobre el ser humano como sombra ya poniendo en entredicho el soporte-papel tradicional de lo fotográfico; luego sobre el paralelismo que los sistemas eléctricos de nuestras sociedades tienen con el sistema nervioso humano; más adelante se adentró en redefinir al ser humano en es el espacio de la representación y al final ha evolucionado a observar el mundo tecnológico desde diversos ángulos, uno crítico con la situación de esclavitud que conlleva y otro plástico sacando el má-

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EL MUNDO. JUEVES 15 DE JULIO DE 2010

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Egipto en la yema de los dedos Muestra. Cuarenta personas ciegas y deficientes visuales visitaron ayer la exposición ‘Tutankhamon: la tumba y sus

tesoros’, en la Casa de Campo, y pudieron tocar una gran parte de las más de 1.000 piezas que la conforman BEATRIZ PULIDO

Escribía José Luis Sampedro que todo está lejos o no existe si no se puede acariciar. Es lo mismo que cree Bernabé; Egipto es un país remoto incluso para su imaginación. Lo visitó hace algunos años, pero le quedaba demasiado lejos de esos ojos que lleva bordados en los dedos. Él es una de las 40 personas ciegas y deficientes visuales que visitó ayer, en exclusiva, la exposición Tutankhamon: la tumba y sus tesoros, en la Casa de Campo. A este intrépido aventurero que ha viajado por medio mundo le faltaba la experiencia de la caricia de alguno de aquellos mundos que captó con sus otros sentidos. «Recuerdo la sensación de los olores de El Cairo, el ruido o el hecho de caminar entre el público y sobre todo ese polvo histórico que cubría los objetos y la ciudad». Bernabé se refiere a esa vida que no vibra en una exposición, aunque sea tan espectacular como ésta. Pero la muestra le regala el acceso a la forma, que tanto alimenta la imaginación. Casi todos los invidentes acudieron a la cita acompañados de sus hijos, nietos, maridos, mujeres y perros, todos con la función de servirles de lazarillo. Condujeron sus pasos y sus manos hacia los objetos y hacia los relieves que tantas veces sobresalen de las superficies egipcias. No fue necesario adaptar la muestra para ellos. Salvo algún detalle, la de Tutankhamon es una exposición que se deja tocar. Bernabé penetra físicamente en este más allá que representa el mundo de los

Uno de los invidentes que visitó ayer la muestra palpa una réplica de la famosa máscara del faraón. / REPORTAJE GRÁFICO: ROBERTO CÁRDENAS

Salvo algún detalle, la de Tutankhamon es una exposición que se dejó ayer tocar

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

A todos les atrajo el primer objeto con que se toparon: una réplica de la piedra Rosetta Los visitantes pudieron tocar casi todas las piezas de la exposición.

muertos en Egipto con su hija Sofía, de siete años, que le remarca lo que a ella le llama más la atención. Todos ellos van como un imán atraídos hacia el primer objeto con el que se topan: una réplica, aunque a mayor escala, de la famosa piedra Rosetta. Allí mismo comienzan su viaje táctil por el país africano a través de los jeroglíficos, el griego y el egipcio demótico de la piedra de granito. La asesora científica de la exposición, Esther Pons, les guía con su voz a través de la muestra, los 3.000 metros cuadrados y las más de 1.000

piezas que, obviamente, no podrán palpar en su totalidad. No verán el desorden en el que naufragan los tesoros en una de las vitrinas y que muestran al espectador cómo se encontró Carter la más famosa tumba de todos los tiempos, pero sí pasarán las yemas de sus dedos por los sarcófagos dorados, las puertas de la antecámara funeraria, el carro o los tronos del ilustre hijo de Akhenaton. Antes de cambiar de sala, decenas de manos tantean los pies y los faldones del faraón que se yergue sobre una tarima. Hasta ahí es donde alcanzan sus brazos. Bernabé re-

cordará luego las sandalias que calzaba Tutankhamon. De la misma forma que otro de los visitantes preguntará por los pendientes del joven dirigente egipcio al tocar la dorada y fría máscara y descubrir que tenía agujeros en el lóbulo de las orejas. Hilan muy fino estos visitantes. Palpar la historia y el arte en los museos y exposiciones es una opción que no tienen con frecuencia los invidentes. Las adaptaciones que realiza la ONCE suelen consistir en la inclusión de información en braille, en macrocaracteres o en la ayuda de audiodescripciones y

Una mujer pasa sus dedos por unos jeroglíficos.

audioguías. Suelen crear planos en relieve, así como maquetas y piezas accesible al tacto e ir acompañados con personas formadas en la técnica guía. En esta muestra casi nada de lo anterior hace falta. En este caso únicamente se ha añadido una réplica de la máscara de Tutankhamon, que se exhibe normalmente a una altura considerable, para que estos visitantes la palpen. Con el mismo fin les acercaban otros objetos, como uno de los vasos canopos donde se depositaron las vísceras del faraón a su muerte o alguno de los reposapiés

que acompañaban a su trono. Conchi está encantada con la experiencia. Acostumbrada a acercarse a la historia de Egipto, primero por los libros y luego con el oído, echaba de menos un poco de dosis de realidad: «Ahora tengo la sensación de estar delante de una cosa hecha. Tuvo que ser tan emocionante ese momento en el que Howard Carter abrió la tumba», reconoce. No todos los visitantes invidentes emplean el tacto como herramienta. Hay alguno que prefiere acercarse al mundo de Tutankhamon auxiliado con unos pequeños prismáticos.


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EL MUNDO. SÁBADO 12 DE DICIEMBRE DE 2009

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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QUÉ: Natura, que este año tiene un especial interés al

cumplirse su 30ª edición CUÁNDO: Hasta mañana domingo, 13 de diciembre DÓNDE: Hotel Convención (calle O’Donnell, 53)

Natura 09

30 años seducidos por las piedras BEATRIZ PULIDO

Coleccionistas, paseantes, gente con tiempo que gastar, curiosos, Natura se llena desde hace 30 años de visitantes de todas las edades y condiciones. Hasta el próximo domingo decenas de puestos exhiben su espectacular colorido y centellean desde sus vitrinas reclamando la atención. Se pueden encontrar fósiles con millones de años de antigüedad, minerales, insectos... Precisamente los insectos portan una quietud de fósil, las cristaleras les separan de la naturaleza y le conceden un aroma de museo o de objeto decorativo. A partir de un euro y medio puede uno conseguir una de esas mariposas o escarabajos que

parecen dormir un sueño de espera. De ahí hasta los 350 euros que pueden costar los coleópteros más caros hay un paseo de formas, tamaños y rarezas. «¿Puedo tocar aquella tarántula?», dice alguien señalando un bicho negro que sobresaldría de la palma de la mano. «Claro, pero te provocará reacción alérgica», dice José. La curiosa se lo piensa mejor y retira la intención. Juan Carlos lleva 11 años coleccionando escarabajos. Es tal su pasión que cuando viaja a Perú sale a cazarlos a la selva con un guía local. Precisamente los escarabajos son los insectos que anhelan los hombres y las mariposas las prefieren las mujeres. En un stand cercano José

Luis trata de enfriar un poco su pasión por las piedras comprando una turmalina de cristal negro. Tiene unas mil que colecciona desde que tenía 9 años. «Empecé con los fósiles y me pase a los minerales». Ahora, ya jubilado trata de darle forma a un libro sobre el origen de sus nombres. Los dueños de los 50 puestos llegan de toda España. También hay representantes de otros países como Marruecos. En su stand sobresalen los dientes de tiburón y las mandíbulas de cocodrilo fosilizado. «Me llevo esto pero me rebajas algo, ¿eh?». Le pide Anastasia al marroquí. El africano asiente con media sonrisa y le invita a llevarse más cosas. «Así compro los reyes. Este año: todo piedras». En algunos puestos se puede encontrar instrumental para extraer los minerales, pulirlos, limpiarlos. En otro local asoma ya seco el fondo del mar: se venden estrellas de mar, conchas, caracolas espectaculares. Otro de los vendedores se queja con humor ante la insistencia de rebaja que le pide una clienta: «Estamos en crisis, deberíamos subir los precios y no bajarlos», pero accede al trato. Cerca de sus vitrinas sobresale una pequeña gorgónea, un diminuto árbol de mar que le brota como un misterio sin hojas a las rocas. La dueña del puesto señala los barnacles o esqueletos de coral rosáceos como el elemento más raro que posee. Recuerda, aún sin conocerlo, un paisaje fantasioso marciano.

Fósiles, insectos y minerales, a la venta en la feria Exponatura. / ALBERTO DI LOLLI

GONZALO ARROYO

QUÉ: Inauguración del espacio multidisciplinar

Fuentetaja CUÁNDO: Ayer, viernes, 11 de diciembre DÓNDE: San Bernardo, 35

Fuentetaja

El resurgir de una librería muerta AIRE PARDO

Ceci n’est pas une pipe, reza uno de los carteles que lustran la nueva fachada de la librería Fuentetaja. Como es lógico, la sentencia juguetona de Magritte viene acompañada de la representación de una pipa. Pero en esta ocasión hay una variante respecto al lienzo del pintor belga: la palabra pipe está tachada y sustituida por otra. El resultado: Esto no es una librería. El remedo a Magritte avisa al lector del intento de resurrección de Fuentetaja, una librería que ahora cumple medio siglo. «Hace un año, este organismo presentaba un cuadro clínico de gravedad extrema, con claro riesgo de fenecer», confesó ayer Jesús Ayuso, fundador de Fuentetaja y actual presidente del nuevo proyecto. «Entonces decidimos cambiar. Un equipo gestor diferente se hizo cargo de la librería para –respetando su historia– encontrarle un espacio estable en el futuro», añadió en el día de la inauguración, a la que acudieron Julio Llamazares y Javier Reverte, entre otros escritores. Fuentetaja venía de enfrentarse a la FUENTETAJA TUVO vez a un doble deterioro. Por un lado QUE MUDARSE DE tuvo que mudarse de emplazamiento debido al peligro de derrumbamiento EMPLAZAMIENTO que presentaba el edificio donde se DEBIDO AL encontraba. Y por otro, sus empleados PELIGRO DE denunciaron la precariedad de sus DERRUMBE QUE contratos. Amén de la deficiente PRESENTABA EL gestión que le hizo poner en EDIFICIO entredicho su prestigio como librería histórica e independiente. Pero como dicen sus nuevos gestores –el grupo Casa Palacio Atocha 34–, «eso forma parte del pasado. Fuentetaja se ha reformado de pies a cabeza con la intención de resurgir de sus cenizas. Se trata de un cambio radical», afirmó la consejera delegada de la empresa, Pilar Calabia. El nuevo establecimiento se divide en tres espacios: la librería de siempre a pie de calle; un sótano con diferentes salas destinadas a acoger exposiciones, conciertos, tertulias... y el Café Bistró Max Estrella en la planta de arriba. «Es la única propuesta en España que fusiona arte y gastronomía», matizó Ayuso.


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EL MUNDO. VIERNES 31 DE DICIEMBRE DE 2010

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Ocio

Una gran sala diáfana sorprende en la nueva distribución del Museo Arqueológico Nacional, todavía inmerso en un proceso de remodelación. / ROBERTO CÁRDENAS

Un paseo por la modernidad Itinerario. El Museo Arqueológico Nacional estrena visitas para mostrar a los ciudadanos la evolución

que ha sufrido el edificio con las últimas obras de rehabilitación, en las que ha ganado 2.000 metros expositivos BEATRIZ PULIDO

Por fuera, el viejo edificio guarda las formas intactas del siglo XIX cuando fue levantado bajo las hechuras del antiguo Palacio de Bibliotecas y Museo. Hoy, dentro, sin embargo, bulle otro calor que le sumerge de lleno en el siglo XXI. Aprovechando el avanzado estado de las obras de remodelación del Museo Arqueológico Nacional, una vez terminada la primera fase de renovación arquitectónica y recién comenzada la segunda (de renovación museográfica), se han organizado visitas guiadas con el título Obras en marcha que pretenden mostrar al ciudadano cómo ha evolucionado el edificio. El reto arquitectónico, sin duda, era el de mantener tanto su fisonomía, como el de las llamadas salas nobles o la escalera, así como los ele-

mentos históricos fundamentales, como la cornisa antigua que apareció con las obras, y transformar el resto atendiendo a las nuevas necesidades, como eran la de generar recorridos coherentes y accesibles a todos, la necesidad de adaptación a la normativa actual y la indispensable renovación de las instalaciones. Ayer, M2 se coló en una de las primeras visitas guiadas que se han programado de forma gratuita (como lo es la entrada al museo) dos sábados al mes hasta la primavera. El paseo dura aproximadamente 45 minutos y se ha distribuido en dos pases: a las 12.00 y a las 13.00 horas. El Museo ha ampliado su superficie de los 14.000 metros cuadrados a los 20.000, pero lo interesante es que la superficie expositiva ha aumentado de los 7.000 a los 9.000 metros

cuadrados. Esto último no implica, sin embargo, que vayan a incrementarse proporcionalmente las piezas expuestas. Como admite Francisco Juez, el guía en este recorrido: «Lo que gana sobre todo el Museo es en amplitud; en espacio».

Soluciones arquitectónicas Ha habido numerosas reformas de este edificio adosado en las espaldas de la Biblioteca Nacional, (de hecho, con las nuevas reformas el Museo se adentra con descaro en el espacio de la Biblioteca). La más importante ocurrió en los años 70. La modernidad se advierte no sólo en la calidez que ofrece la madera de Merbau que cubre las paredes, o los acristalamientos que le otorgan al complejo luz y calor, o la modernización general de las infraestructu-

ras, sino por las soluciones arquitectónicas encontradas para resolver determinados problemas. Por ejemplo, las tres últimas plantas del Museo Arqueológico (incluida la cámara acorazada), que hay sobre la Sala Cervantes de la Biblioteca Nacional, están literalmente colgadas del forjado superior y no del inferior. Eso alivia de una carga considerable a la sala de la Biblioteca. Otra de las soluciones tiene que ver con los recorridos que en muchas ocasiones acaban en puntos ciegos. Los visitantes tenían que desandar el camino andado para completar el paseo. Todo eso se ha tenido en cuenta al crear itinerarios lógicos. Además, el vestíbulo no es el único punto de acceso al Museo. «Este edificio necesitaba una reforma urgente», decía Piedad, licen-

ciada en Historia, asidua visitante que conoce bien el viejo edificio y que participaba ayer en la primera visita. «Ahora, además de la amplitud que obviamente ha ganado, no ocurren esos cambios bruscos de temperatura que se daban en la parte baja del Museo», añade. La visita concluye en una parte de la última planta. Allí se ha instalado el archivo histórico. «Al no querer cambiar la fisonomía, una de las soluciones para ampliar la superficie del museo era habilitar este lugar», dice Juez. Cumpliendo los plazos, el Arqueológico estará terminado de forma parcial en noviembre de 2011 y las obras concluirán durante 2012. Museo Arqueológico Nacional. (Serrano, 13). Sábados. Pases: a las 12.00 y a las 13.00 h. Entrada gratuita.

Fin de año con sabor español Escena. El Real organiza una gala con flamenco,

baile español, zarzuela y música clásica E. M.

El Teatro Real despedirá 2010 hoy 31 de diciembre, a las 19.00 horas, con una Gala de Fin de Año que será retransmitida en directo a toda Europa a través del canal de televisión franco-alemán ARTE, y que también podrá verse en La 2 de Televisión Española el día 6 de enero a las 18.30 horas. Este concierto extraordinario, con marcado acento español y dirección artística de Emilio Sagi, contará con la participación de la soprano María Bayo, el tenor Ismael Jordi, el guitarrista Cañizares y su grupo, la Compañía de Antonio Gades y los bailarines Aída Gómez y Christian Lozano, junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la di-

rección del maestro Alejo Pérez. La gala, presentada por Laura del Sol, será inaugurada a las 19.00 horas, con la Obertura Cubana de George Gershwin. A continuación, María Bayo y el coro interpretarán la pieza Salida de Cecilia, de la zarzuela de Gonzalo Roig Cecilia Valdés, sin olvidar a la Compañía de Antonio Gades, que interpretará fragmentos como la Presentación Torero o Tabacalera de la ópera Carmen. En otro de los momentos estelares, María Bayo cantará con Ismael Jordi el tema Le van a oír, de la zarzuela Doña Francisquita, y Aída Gómez y Christian Lozano bailarán El sombrero de tres picos, de Manuel de Falla.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.


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EL MUNDO. SÁBADO 27 DE NOVIEMBRE DE 2010

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ATENEO

Una de las instantáneas de Victoria Diehl que se exponen en la Galería Cero.

Entre la piedra y la carne Fotografía. La Galería Cero exhibe el trabajo

de Victoria Diehl ‘El cuerpo vulnerable’, en el que se confunde la escultura y lo humano BEATRIZ PULIDO

«Pigmalión se dirigió a la estatua y, al tocarla, le pareció que estaba caliente, que el marfil se ablandaba y que, deponiendo su dureza, cedía a los dedos suavemente...». Así narraba Ovidio el mito de Pigmalión, quien enamorado de una de sus estatuas y con la intervención de Afrodita la sintió despertar en uno de sus sueños. ¿Dónde empieza la estatua y dónde acaba el ser humano? ¿Dónde termina la piedra y empieza la piel? Esa es la pregunta que parece obsesionar a Victoria Diehl (La Coruña, 1978) en ese viaje que realiza desde hace años entre la fría piedra y la carne. Esta metáfora le sirve como excusa para su trabajo, que ahora expone en la Galería Cero. «Nunca me interesaron los pai-

sajes siempre fueron los cuerpos». Desde que era una estudiante de la Universidad de Bellas Artes se acercaba a ellos a través de bocetos y pinturas. Después, se encendió la chispa en 2003 delante de un busto de piedra blanca que fotografió y retocó. Nada separaba a esa escultura de su condición salvo la mirada. Unos ojos azules incomodaban al espectador desde dentro de la piedra. Esa fue la primera aproximación a la carne de Diehl, que ya empezaba a inquietar al espectador con esa especie de aberración estética. «Me di cuenta de que las estatuas reales, aún seccionadas y con amputaciones, no causaban impacto en el espectador. Algo que sí que ocurría con mis imágenes. En ellas parecía que por fin se empezaba a sentir el

Otra de las creaciones de la muestra.

dolor del cuerpo». Pareciera como si la enfermedad, el desgaste, la erosión, el arañazo del tiempo fuera el accidente que los hiciera más humanos y en esa imperfección de la piedra fuera surgiendo el alma. El trabajo de la artista ha ido evolucionando hasta esta exposición titulada El cuerpo vulnerable, cuyas fotografías son del año 2007. Su trabajo ha sido premiado en varias ocasiones. En la sala se exponen

ocho fotografías de gran formato que difícilmente despertarán la indiferencia del que las mira. En su forma de trabajar está primero la selección de la estatua, la idea que le ofrece esa escultura, Luego la fotografía y busca el modelo de carne y hueso en el que pueda reproducirla, que también será fotografiado. Sobre esta última imagen obtenida trabajará con programas de retoque fotográfico. Al espectador le resultarán familiares algunas de las imágenes pues cada una de ellas está inspirada en una escultura diferente que duerme en museos, como el del Prado, de Roma o Florencia. El culto al cuerpo, la obsesión por lo físico y lo material también están presentes en la obra de Diehl. «Esa obsesión por el cuerpo es algo de nuestra generación. Algunas de estas imágenes podrían parecer más reales que aquellas retocadas que aparecen en las revistas», dice Victoria. No tiene un interés excesivo por el ser humano concreto que habita cada escultura. Los encuadres, como de fotografía médica, cortan los cuerpos el rostro, y dejan la mayoría de las veces los troncos desnudos. «Así evito dar demasiada información sobre lo humano». La artista gallega es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura. «Seguramente si no tuviera esa formación no me atrevería hacerlo», asegura la joven artista. El tiempo está continuamente presente en la piel de sus estatuas durmientes. «Aquí existe una idea romántica del tiempo y del transcurso de la vida. Yo no hablo del principio ni del final. Siempre es una idea intermedia». El cuerpo vulnerable. Fotografías de Victoria Dielh, en la Galería Cero (C/Fuenterrabía, 13), hasta el 3 de febrero.

BAILE ROMÁNTICO Fecha: Hoy Lugar: Ateneo (Prado, 21) Precio: 20 euros con ropa de época

Con ocasión de la conmemoración del 175º aniversario de la fundación del Ateneo de Madrid, se pone en marcha la iniciativa de recrear aquel ambiente ateneísta del año 1835 con la organización de un baile romántico que se celebrará hoy sábado 27 de noviembre, desde las 23.00 horas hasta las 3.00 de la madrugada. El Ateneo de Madrid fue sin duda la entidad romántica por excelencia, ya que entre sus paredes se reunió todo lo que entonces tenía alguna significación literaria, científica y política, donde se pusieron en discusión los principios estéticos del Romanticismo, y fueron ateneístas ilustres románticos como: el Duque de Rivas, Olózaga, Lista, Castaños, el marqués de Molins, Zorrilla, Espronceda, Mesonero Romanos... y Mariano José de Larra, el primer socio de la entidad. Para la celebración de esta noche un grupo de Cámara interpretará música para baile de época: minué, vals, polka, marcha, etcétera. Las estancias donde se desarrollará el Baile: el Salón de Actos, La Cacharrería, y la Galería de Retratos (lugar donde estará instalado el buffet) y demás espacios como escaleras y pasillos de acceso lucirán adornos florales e iluminación con tradición romántica, con el fin de lograr la ilusión de un espacio evocador propio del siglo XIX. La entrada para los socios del Ateneo costará 25 euros, para los no socios serán 35 euros y para los más atrevidos, aquellos que asistan al baile vestidos de época, la entrada costará 20 euros. El precio de la entrada incluye buffet frío, buffet libre de Cava y una consumición diferente gratis.

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‘DRALION’ PRÓRROGA Fecha: Hasta el 16 de diciembre Lugar: Casa de Campo Entradas: Servicaixa, Corte Inglés

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Una mujer compara el catálogo con las obras expuestas en la casa de subastas Lamas Bolaño, un día antes de celebrarse la subasta. / CHEMA TEJEDA

Joyas que el tiempo forja

irque du Soleil para rato, y siempre sabrá a poco. El pasado 15 de octubre la compañía estrenaba su nuevo espectáculo, Dralion, en Madrid, en el Grand Chapiteu dispuesto en el Recinto Ferial de la Casa de Campo. Gracias a la acogida excepcional del público madrileño, la empresa francesa decidió prorrogar su estancia en la capital un día antes de su estreno. La respuesta en taquilla (más de 100.000 entradas vendidas) y de la crítica han propiciado que Cirque du Soleil decida prorrogar una vez más. Serán cerca de 40.000 nuevas butacas, hasta el 16 de diciembre. Dralion llegaba a Madrid dentro de la gira con la que ha recorrido Amsterdam, Londres, Viena y Amberes. La próxima cita con nuestro país es el próximo 17 de marzo en Barcelona.

Arte. La casa Lamas Bolaño celebra una subasta heterogénea en la que destacan obras de

Francisco Borés o Luis Graner, además de otras pinturas, esculturas y objetos de colección B E AT R I Z P U L I D O

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los objetos allí expuestos se les adivinan viajes en las costuras, otros hogares, otras vidas. Cuántas miradas y manos se habrán posado en su esqueleto. Permanecen en la galería, venidas de otro universo, de otro tiempo. Todavía late en ellos la inquietud de toda obra de arte. Un día antes de la subasta, los últimos curiosos contrastan la información del catálogo con el original. La sombra de los otros dueños se posa misteriosamente sobre su rostro de metal, sus colores y formas. Las razones que explican la presencia de aquel crisol de objetos en la casa de Lamas Bolaño son de diversa índole: necesidades económicas, ganas de mejorar una colección cambiando una obra por otra, una separación, un divorcio o quizá una herencia. Sea cual sea, un hilo de melancolía las borda al momento presente. En esta subasta predominan los lienzos y el rey es Interior rústico de Francisco Borés, con un precio de salida de 60.000 euros. Le sigue de cerca el Puerto nocturno de Luis

Graner, en el que casi se escucha el crujido de la madera vieja de la embarcación cuando palpa su destino portuario y que parte de los 42.000 euros. Un cuadro de gran tamaño, ¿en qué clase de pared podría estar posado? «Normalmente, los clientes con mucha pared tienen menos posibilidades que los que tienen poca», comenta Arturo Guinovart, gerente y la persona que llevará mañana y pasado el martillo de la subasta. Los retratos, que siempre son difíciles de vender cuando dibujan a desconocidos, como el del magistrado que deja a su espalda la catedral de Sevilla de José María Romero López, pueden resultar una ganga por el simple hecho, como en este caso, de aparecer firmado y no estar restaurado. Navegando por los pasillos de la galería se encuentran numerosas curiosidades: Un teleférico de hojalata que se mueve con cuerda. Ayer viajaba en un cuarto de juegos y hoy se subasta para los coleccionistas por 150 euros. Hay que buscar la razón en el tiempo (1950), en el origen

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(alemán) y sobre todo en la caja que lo mantuvo guardado desde el principio y que hoy lo sigue conteniendo. Según Guinovart «es importante guardar los envoltorios y los paquetes originales». Con cierto sabor marino se alcanza la pequeña isla dedicada al mar. Dos cronómetros marinos, que navegaron a bordo de algún gran barco a finales del siglo XIX y principios del XX, hacen que uno se pregunte qué fue de la embarcación que lo mecía. Igual que el catalejo con algunos arañazos de sal y de tiempo cuyo fabricante trabajaba para la casa real británica. La cuna de las primeras noticias se guarda en una pequeña caja, una máquina de colombofilia que aún pudiera registrar la información que transportaban en sus pequeñas patas las palomas mensajeras, cuando la sociedad de la información aún pintaba sus primeros trazos. Sobre los muebles asoma la novedad de la cerámica que se ha apuntado a este cambiar de manos y de tiempo que son las subastas. Las piezas no son demasiado anti-

guas pero la demanda se ha duplicado en los últimos tiempos. No como la porcelana, que siempre estuvo ahí, desplegando sus tazas y platos en tardes de café y de té. Aunque en España no hay mucha afición a esta delicatesse. Entre las esculturas deslumbra la genialidad y sensualidad de Dalí en los cajones incluidos en las curvas de una figura desnuda. En Oriente se ha enraizado un árbol de coral, quizá de la época Meiji, de 1890, tallado con nubes, geishas, pagodas, dragones y pájaros. De la pared cuelga un enorme tapiz del siglo XVIII con los nombres y los rostros de varios mandatarios chinos. Por el local se esparcen los relojes, que siguen fijando extrañamente las horas dispersas en aquellos objetos, las joyas que salen por un precio bastante asequible, muebles, lámparas y fuentes, candelabros y jarrones... tiempo. Lamas Bolaño (Montesa, 17) celebra una subasta mañana y el jueves a partir de las 18.30 horas.

MÉXICO GASTRONOMÍA Cuándo: Todo el día de hoy Lugar: Museo de América Dirección: Reyes Católicos, 6

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stán hartos de gastarse el dinero en facturas gastronómicas? Tienen una opción alternativa, y es la de ponerse ustedes mismos a ello. La cocina mexicana, por ejemplo, es una de las más demandadas junto con la italiana. El Museo de América imparte unas jornadas bajo el título Charlas históricas con degustación, en las que dará a conocer las recetas que se usaban en los conventos de la Nueva España. Clemole, manchamanteles, pucheros y potajes, pastillas de boca y los clásicos como el chile, el chocolate y el postre estrella, el guayabate. Todos estarán presentes en este recorrido por los fogones de los cenobios del siglo XVI hasta nuestros días.


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EL MUNDO. JUEVES 20 DE ENERO DE 2011

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Ocio ANTONIO FLORIO Músico

zas muy interesantes que, sin embargo, no pueden ser representadas porque necesitan un gran despliegue de voces e instrumentos que no podemos permitirnos en estos tiempos de crisis». Antonio Florio es investigador e intérprete desde hace más de 20 años. Esas dos facetas las toma como un todo. «Para mí es una forma global de hacer música. No estoy interesado en el éxito, la fama o el dinero si ello tiene como condición la de repetir repertorios». Aunque es cierto que en ocasiones, como él mismo admite, trabaja con música de repertorio. «Siempre procuro ofrecer una nueva lectura o inter-

ro, al mismo tiempo, era música de consumo, como puede ser la de hoy. El matiz, sin duda, se encuentra en la manera de vivir. Entonces, la gente que tenía dinero se sentía atraída por las Bellas Artes, el teatro, la música. Algo que no se da hoy en día». Ese fértil periodo en lo que a música se refiere, además, corresponde a la etapa en la que Nápoles pertenecía a la Corona española: «Siempre digo que la música napolitana hasta la primera mitad del siglo XVIII es una música compartida con España. Durante 400 años todos los músicos hablaban español y realizaban anotaciones en las partituras, también en español. Era una segunda lengua. En Nápoles el arte y la cultura se mezclaban con facilidad y armonía». Acostumbrado a nadar contracorriente y a encontrar apoyos fuera de casa, Florio admitía que «la ciudad menos interesada en su propia música es Nápoles». El director de I Turchini añadía que lo único que le interesa de la música es poder dejar algo que realmente merezca la pena ser rescatado y justifique «un momento de expresión maravilloso». El repertorio elegido para el concierto del Auditorio se centra en las cantatas de conjunto para 5 ó 6 voces y grupo instrumental, y se completa con dos sonatas de Pie-

«No estoy interesado en el éxito o el dinero si ello supone repetir repertorios»

«Durante 400 años todos los músicos hablaban español y anotaban en español»

pretación de este tipo de obras. Hay una cosa clara en lo que se refiere a la música: aborrezco la rutina». Florio desde siempre se sintió atraído por el hombre barroco y por su forma de entender el arte: «Aquella música podía expresar la exaltación de una festividad, como la Semana Santa o la Navidad pe-

tro Andrea Ziani. Actúan como solistas: Valentina Varriale y Silvia Frigato (sopranos); Filippo Mineccia (alto); Giuseppe De Vittorio y Rosario Totaro (tenores) y Sergio Foresti (bajo).

El director e intérprete italiano, al frente del prestigioso conjunto barroco I Turchini, actúa esta tarde en el Auditorio Nacional

«En cuanto a la música, aborrezco la rutina» BEATRIZ PULIDO

El recién inaugurado Centro Nacional de Difusión Musical, que dirige Antonio Moral, echa a andar esta tarde en el Auditorio Nacional de Música con una rareza no exenta de interés. Se trata de un concierto en el que el prestigioso conjunto I Turchini, especializado en música barroca napolitana de los siglos XVII y XVIII, presenta su disco L’ adoratione de’ Maggi. Al frente del conjunto napolitano se encuentra Antonio Florio que fundó la Cappella de Turchini en 1987 y que actualmente dirige el Centro de Música Antigua Pietà de Turchini de Nápoles. Un experto que lleva décadas reivindicando a nivel internacional la importancia de esta música. En el concierto de esta tarde recupera obras de los compositores italianos del siglo XVII, Cristofaro Caresana y Pietro Andrea Ziani. Florio y su grupo, que es ensemble in residence del Centre Lyrique d’Avergne de Clermont Ferrand, llevan años buceando en documentos antiguos para sacar a la luz la obra de Caresana, uno de los músicos barrocos más importantes de aquel momento histórico: «Hay muchas cosas que descubrir aún sobre Caresana y otros músicos contemporáneos a él. Estamos tan sólo en el primer escalón. Hay pie-

El músico italiano Antonio Florio actúa hoy en el Auditorio. / ALBERTO CUÉLLAR

El flamenco homenajea a Enrique Morente ALFREDO GRIMALDOS

«Con sólo 14 años, en 1972, vine a trabajar a Los Canasteros, el tablao de Manolo Caracol. Madrid ha sido muy importante para mí y siento una gran satisfacción porque aquí se reconozca mi trayectoria», señaló ayer la sevillana Manuela Carrasco, una de las indiscutibles representantes del baile más racial y pegado al hueso, durante la presentación del XIX Festival Flamenco de Caja Madrid. A lo largo del ciclo, que se celebrará en el Teatro Circo Price desde el 6 al 12 de febrero, recibirá el galardón Calle de Alcalá, reconocimiento honorario que se otorga cada año en esta prestigiosa cita flamenca. En la faceta de baile, este premio lo han recibido ya El Güito (1996), Blanca del Rey (1999), Antonio Gades (2002), Mario Maya y Pilar López (2005) y Merche Esmeralda

Festival Caja Madrid. La bailaora Manuela

Carrasco recibirá el premio Calle de Alcalá

La bailaora Manuela Carrasco, durante una actuación. / JAIME VILLANUEVA

(2008). Junto a Manuela, estuvieron en la presentación del festival otros de los grandes protagonistas de esta nueva edición: Carmen Linares, Tomatito y Juan Valderrama. Miguel Poveda, uno de los cantaores actuales con mayor tirón, será el encargado de inaugurar el certamen, el día 8. La siguiente sesión estará protagonizada por Juan Valderrama, que rendirá homenaje a las grandes figuras de la línea melódica del cante, como su propio padre, Pepe Marchena, Pepe Pinto o Porrina de Badajoz. La velada contará con dos invitados de lujo, madrileños ambos: El Güito y Paco del Pozo. El día 10, Carmen Linares presentará su nuevo y esperado trabajo, Oasis Abierto. Miguel Hernández Flamenco, que fue estrenado hace unos días en Alicante. «Es un homenaje a la poesía de Miguel, a su

I Turchini. Hoy, 19.30 horas, en el Auditorio Nac. de Música (Ppe. de Vergara, 146).

alegría y su compromiso. Un espectáculo vitalista y con mucho color», explicó Carmen. En el montaje interviene también Tomasito, que rapea, canta y baila los poemas del autor de Orihuela. Manuela Carrasco recibirá su galardón al día siguiente y presentará su nuevo espectáculo, Suspiro flamenco. Completará la sesión el cante de Luis de Córdoba. La última velada la protagonizarán Tomatito y Marina Heredia. Las jornadas preliminares del festival, dedicado este año a la memoria de Enrique Morente, se celebrarán en la Casa Encendida. El día 2 tendrá lugar la tertulia Chaquetón en el recuerdo y cantará María Vargas. El día siguiente se recordará a Morente y el flamenco en el Johnny y cantará India Martínez. El día 4 se presentará el libro Historia social del flamenco y a continuación intervendrá el cantaor Diego Agujetas, con la guitarra de Alberto San Miguel.

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EL MUNDO. MARTES 28 DE DICIEMBRE DE 2010

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Ocio

Cuando la sensualidad se convierte en arte Baile. Es la última moda en medio mundo. Una academia ofrece clases de barra americana y de ‘striptease’

a mujeres de todas las edades y condiciones. Dicen que eleva la autoestima y ayuda a sacar la feminidad Un edificio muy antiguo en la calle de Bordadores alberga en su seno esta contradicción de luces de neón y bolas de discoteca en la que se imparten nociones de sensualidad. Cualquier mujer está invitada a esta academia tan especial en la que Lola enseña a la mujer el arte del striptease y de la barra americana. No se equivoquen, no son bailarinas, ni stripers las que buscan los servicios de esta coreógrafa argentina. De hecho, en la sesión de pole dance o barra americana a la que asiste M2, hay una estudiante de Teleco, otra de Relaciones Internacionales y una camarera de un restaurante. Luego vendrá una ex concursante de Gran Hermano. Un largo y angosto pasillo iluminado por una serpiente de luces conduce a la sala principal. Allí cuatro barras doradas se estiran espectacularmente desde el suelo hasta el techo de la habitación. Un espejo que ocupa toda la pared refleja todo lo que allí ocurre. Las participantes emplean la barra para realizar ciertos escorzos, dependiendo del nivel. Esther, por ejemplo, una universitaria de 26 años, estudiante de Telecomunicaciones, llegó hasta la clase de barra americana aconsejada por una amiga. «Me parece interesante y novedoso. Parece muy sencillo pero posee una técnica muy compleja».

se marca en las rojeces de las extremidades. «En Helsinki esto es muy común. Lo realizan mujeres menores de 50 años. Para todas esto es un deporte y así lo considero yo también. Cuando termino me siento muy bien». Después de un breve calentamiento que comprende estiramientos, comienzan las piruetas y los giros tomando como protagonista a la barra. «Aquí viene mucha gente que se aburre de ir al gimnasio», dice Lola, algo que corrobora una de sus alumnas, Juliane, camarera de 25 años de un restaurante, que lleva tres meses dando clases. «A mí particularmente me desestresa y me levanta el ánimo». Una música marchosa les marca el ritmo y las alumnas, unas más aventajadas que otras, siguen las coreografías que les propone la profesora. «Hay gente que con unas sesiones han cambiado muchas cosas de su vida cotidiana. La forma de moverse, de bailar, hasta de mirar a los demás», añade Lola, que está convencida de que la sensualidad se puede adquirir, aunque luego es verdad que hay «mujeres que por naturaleza son más sensuales que otras». Florencia es una chica que participó en una de las pasadas ediciones de Gran Hermano. Su caso es diferente, pues ella desea dedicarse al mundo del espectáculo. «A mi representante le han preguntado varias

«Cuando la aíslas, esta actividad se puede considerar una forma de ejercicio»

Los prejuicios están bien arraigados por generaciones, aunque algo está cambiando

BEATRIZ PULIDO

Practicando en la barra americana un ejercicio.

En su entorno, todos conocen su nueva pasión por esta disciplina. A nadie le parece mal. «Cuando la aíslas del ambiente en el que siempre ha estado sujeta, esta actividad se puede considerar una forma de ejercicio». La joven alumna trata de ponerse al nivel de sus compañeras pero le falta experiencia. Apenas lleva unas clases y mirándola a ella una puede imaginar la dificultad que entrañan esos giros alrededor de una barra cada poco tiempo. Según la profesora Lola, que lleva tres años enseñando estas disciplinas de baile que son el striptease y la barra americana, la idea de enseñar a todo tipo de mujeres surgió de forma natural. «Al principio preparaba a streapers, luego empezaron a entrar mujeres que estaban lejos de este circuito y ahora la proporción ha cambiado totalmente». Parece que es más común de lo que parece. En Finlandia, por ejemplo, es algo cotidiano y alejado ya de lo exótico. Así lo cuenta Evelina, una finlandesa que lleva tres meses en Madrid y que parece una experta en permanecer boca abajo por ratos largos. Cuando desciende, el esfuerzo

Abierto a todas las mujeres El precio de la academia La Casa Oro, situada en el número 5 de la calle de Bordadores, es de 150 euros al mes para las clases de barra americana, dando dos clases por semana de una hora de duración. Si fuera individual, el precio sería el doble; en el caso del ‘striptease’, el precio es de 120 y 240 euros respectivamente. Se puede contactar con ellos en la web ‘www.lacasaoro.com’. En las clases se trabaja con cuatro alumnos como máximo «para garantizar la atención a la alumna», dice Lola. No se necesitan conocimientos previos. Ni importa la edad ni la complexión física. «Lo único que es indispensable son las ganas de divertirse». El horario de las clases es muy abierto: lunes a sábados de la 10.00 a 22.00 horas. Lola ofrece clases individuales a mujeres, aunque es más común que esta opción la

elijan para sesiones de ‘striptease’ y para temas concretos. «Suelen venir chicas o mujeres que quieren sorprender a sus parejas, grupos de amigas o despedidas de solteras que eligen una hora de barra y una hora de ‘striptease’». Dicen que se está convirtiendo en una moda en medio mundo. En Estados Unidos, en Inglaterra y en Latinoamérica está de moda. «Hay que separar esta disciplina de la actividad nocturna con la que se relaciona». Que algo está cambiando es comprobable con un dato: Lola empezó con dos alumnas y ahora tiene más de 20. En su país trabajaba como profesora ‘pole dance’ que es como se conoce a la barra americana en la Academia Art Dance Studio de Buenos Aires. Su dirección de correo electrónico es ‘lolapoledance@hotmail.com’.

veces después de mi actuación en Gran Hermano si sabía hacer striptease. Yo he empezado por la barra y luego ya veremos». Aquel día era su segunda clase. «Esto es muy duro. Estoy llena de moretones», se lamenta la joven aprendiz. «Aquí vienen mujeres de todo tipo. Dentro de unos días comienza en la clase de barra una mujer de 53 años y en striptease tengo una mujer de 50», asegura Lola. Ella dice que no hay más que efectos positivos en esta técnica de baile: «Hace falta tener cierta aptitud y ganas, pero te aseguro que ello servirá para que la mujer eleve su autoestima, la sensualidad y saque la feminidad que lleva dentro». A pesar de sus afirmaciones, es evidente que hace falta cierto estado de forma, que a lo mejor se puede ir adquiriendo con la práctica. Se trabajan las piernas, los brazos y las abdominales. Aprender a soltarse es lo más complicado. Los prejuicios están bien arraigados por generaciones enteras aunque, desde luego, viendo la naturalidad con la que estas jóvenes se enganchan a la barra parece que algo está cambiando.

Una alumna experimentada de la academia, haciendo un difícil ejercicio de ‘pole dance’ en la barra americana. / REPORTAJE GRÁFICO: GONZALO ARROYO


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EL MUNDO. LUNES 1 DE NOVIEMBRE DE 2010

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personas que vienen todas los fines de semana, que es cuando está abierto el parque. «El lugar es muy agradable para pasear y algunos vienen para encontrarse con otros dueños y charlar de sus cosas», insiste García. La media de asistencia suele ser de 30 ó 40 personas a la semana. «A aquella tumba de allí le toca el paño blanco esta semana», dice Silvano, uno de los trabajadores del lugar. «La señora que lo cuida lo cambia por uno de un color distinto cada sábado». También hay una familia americana que viene de Estados Unidos cada año como homenaje a su compañero canino. El precio del enterramiento oscila entre los 250 euros que cuesta una lápida pequeña hasta los 915 que valen las preferentes. En un alto del terreno unas 10 tumbas de gran tamaño indican al visitante que aquellos animales guardan alguna clase de

Los dueños de los terrenos prohíben la colocación de símbolos religiosos Panorámica de El Último Parque, el único cementerio para mascotas que hay en la Comunidad, situado en Arganda. / ROBERTO CÁRDEN AS

El último reposo para las mascotas Día de los difuntos. En el cementerio de animales de Arganda del Rey reposan los restos de

4.500 perros, gatos, cobayas, monos o loros. Los enterramientos han disminuido por la crisis BEATRIZ PULIDO

Duerme entre sus piedras el mismo silencio, la misma quietud y el mismo reposo que el destinado a albergar los restos de los hombres. No hay más que cinco o seis cipreses que se yerguen, quién sabe por qué razón, como fuera de contexto. Cuatro mil quinientos animales han sido enterrados en este suelo que bautizaron como El Último Parque, en Arganda del Rey, el único cementerio de este tipo de la región. En aquellas seis hectáreas de terreno reinaba al principio la anarquía, luego se fue ganando cierta simetría y hoy se aprecia un orden

dentro del caos que supone la muerte. El primer animal enterrado fue Chiluca, un perro mestizo que estrenó el parque el 27 de julio de 1983. Desde entonces otros perros, gatos, perdices, loros, periquitos, monos, cobayas y algún que otro hámster han seguido su estela. Los pequeños yacen en diminutas fosas para animales con menos de un kilo de peso. Sobre la lápida, asoma el nombre de la mascota seguido de inscripciones cariñosas de sus dueños, no siempre anónimos, pues allí descansan algunas mascotas de gente conocida como Gregorio Fernández Ordóñez, Fernando Tejero,

Pablo Carbonell, Gemma Cuervo o Radomir Antic. A veces sólo la fotografía los recuerda. No hay símbolos religiosos que los distinga. «Los hemos prohibido para que esto no se convierta en lo que no es y evitar guetos. Los perros son agnósticos», afirma Ángel García, uno de los dueños del cementerio. Un par de San Franciscos ataviados con sus hábitos parecen contradecirle en silencio. «Se colocaron al principio y la decisión la tomamos más tarde. San Francisco de Asís es el patrón de los animales». Como no hay puertas en el campo, resulta inevitable que haya algu-

na que otra huella discreta de la religión de los dueños. Los judíos, por ejemplo, suelen dejar piedras sobre las tumbas, una forma de reflejar que conservan al animal en su memoria. Los budistas depositan una botella de agua que emplean luego en sus oraciones. El resto de la decoración y del atrezzo consiste en gnomos, perros, hadas, flores de mentira, juguetes de viento que lanzan sus colores con el movimiento a los ojos del visitante. Las flores frescas determinan la cotidianidad de la visita. Llaman la atención los hermosos centros que hay en algunas de las tumbas. Hay

privilegio. «En su día les costaron a sus dueños 3.000 euros pero ya no se hacen más de este tipo», añade García. Hay una cuota de mantenimiento de 59 euros anuales. El amor por la mascota llega a extremos insospechados, García asegura que hay dueños que le han pedido ser enterrados, al menos sus cenizas, al lado de su compañeros de fatigas. «Aún no lo hemos decidido. Nos lo estamos pensando». La crisis se nota. «En los buenos tiempos teníamos un servicio cada día», asegura García. Ahora llegan con cuentagotas. La gente parece decantarse por las incineraciones. La instalación cuenta con un pinar ecológico donde es posible enterrar la urna biodegradable junto a un árbol. Decía Schopenhauer que el hombre ha hecho de la Tierra un infierno para los animales. El Último Parque confirma que algunos animales seguramente tocaron en vida su familiar paraíso.

600 ovejas por Halloween Un rebaño de 600 merinas inscritas en la Denominación de Origen Protegida Queso de la Serena tomaron ayer el centro histórico de Madrid, acompañadas por una docena de pastores, un grupo de caballistas, cuatro yuntas de bueyes, cinco vacas abulenses y otras 50 cántabras. El tradicional espectáculo fue observado por cientos de viandantes protegidos de la lluvia con paraguas, algunos de los cuales vestían máscaras y prendas de ropa de Halloween. La Fiesta de la Trashumancia, que se celebra en Madrid desde 1994, contó en esta edición con la asistencia del director general de Desarrollo Sostenible del Medio Rural, Jesús Casas, que junto a otras autoridades recibió a la comitiva en la plaza de la Villa. Allí los pastores les hicieron

entrega de los 100 maravedíes que en 1418 permitían el paso del ganado por la capital. Las ovejas llegaron el pasado viernes a la Casa de Campo procedentes de Cabeza del Buey, en la comarca de La Serena. En esa zona de la provincia de Badajoz pastan 160.000 ovejas merinas que se encuentran inscritas en este consejo regulador y que proporcionan cada año un millón de litros de leche para la elaboración de las Tortas de la Serena. El rebaño partió de la Casa de Campo a las 10.00 horas, atravesó el Puente del Rey –junto al que celebró la selección española su victoria en el Mundial de Sudáfrica– y recorrió la avenida de la Virgen del Puerto, el Parque de Atenas y la Cuesta de la Vega, al lado de la Catedral, para lle-

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gar en media hora a la calle Mayor. El recorrido continuó por la Puerta del Sol, Alcalá y la plaza de Cibeles. Según fuentes del Ayuntamiento, unos 60 policías municipales y agentes de movilidad fueron cortando el tráfico al paso de las ovejas, que también provocó el cambio de itinerario de 30 líneas de autobús. Este mismo ganado ya participó en la última edición de la Fiesta de la Trashumancia de Madrid y ovejas del mismo consejo regulador realizaron el pasado verano la ruta trashumante más larga de Europa, al recorrer durante 36 días los más de 600 kilómetros que separan la comarca de La Serena de la Sierra de la Demanda (Burgos), atravesando seis provincias españolas y tres cañadas reales distintas.

Un niño ataviado con una máscara observa el paso de las ovejas. / REUTERS


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 8 DE DICIEMBRE DE 2010

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Cementerio de la Florida. Desconocido para la mayoría de los madrileños, el histórico camposanto en el que descansan los 43 asesinados la madrugada del 2 al 3 de mayo de 1808, insignes anónimos y posteriormente reconocidos, reposa detrás del Parque del Oeste. Un espacio que acaba de ser restaurado

Guardián de los héroes BEATRIZ PULIDO

Restaurar aquel pequeño y honroso camposanto se sentía como una necesidad que venía escociendo a las autoridades año tras año, al llegar la primavera, en cada uno de los homenajes oficiales que se les rinde a los héroes que reposan en sus tripas de tierra y piedra. El cementerio de la Florida duerme en la calle de Francisco y Jacinto Alcántara, que fuera en otro tiempo Antiguo Camino de Molino Quemado. Aquel camposanto fue construido en 1796 como cementerio de la nueva Real Parroquia de San Antonio de Padua de la Florida para albergar los restos de los empleados del Real Patrimonio y sus familias. Fue clausurado en 1851, aunque se ordenaba el mantenimiento del monumento histórico que recordaba a los héroes asesinados en una zona cercana. «Alguien dijo que habían sido

asesinados aquí mismo», dice el presidente de la Sociedad Filantrópica de Milicianos Nacionales Veteranos, José Luis Sampedro Escobar, señalando una vieja columna pétrea coronada por una cruz que hay justo antes de entrar dentro del muro que escolta la ermita. «Pero la metralla que se aprecia es de la Guerra Civil», añade. El lugar del asesinato fue la zona de la Montaña del Príncipe Pío que hoy acoge el parking del teleférico. Aunque luego los cadáveres fueran inhumados por aquí. Con la efeméride del segundo centenario aún reciente, se ha escrito mucho sobre aquellos fusilamientos que acabaron con la vida de los 43 ciudadanos escogidos en un malogrado sorteo y fusilados por los franceses en la madrugada de 2 al 3 de mayo de 1808. Sin embargo, el preciso lugar en donde reposan los restos es apenas cono-

Dentro de poco se elevará la verja para evitar que se cuelen invasores.

cido por los madrileños. Algo que sorprende a los citados miembros de la Sociedad que custodian el camposanto desde 1917. Con motivo de aquella conmemoración hace dos años, el Área de las Artes decidió intervenir en la ermita. Las palabras «desprendimiento», «erosión», «hundimiento», «degradación», sinónimos todos ellos de una decrepitud incipiente, aparecían en el informe en el que se describía el estado del edificio en 2007. En el citado documento se culpaba al propio tiempo y a la calidad de los materiales empleados en su construcción como responsables del «deterioro» del conjunto funerario. Un total de120.000 euros invertidos por el Ayuntamiento le han devuelto cierta dignidad al famoso camposanto. Una dignidad que parece reclamar desde otro tiempo la propia verja de la entra-


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EL MUNDO. MIÉRCOLES 8 DE DICIEMBRE DE 2010

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De arriba abajo y en el sentido de las agujas del reloj: la verja de la entrada al cementerio de la Florida, la ermita construida en 1960 y un mosaico que recuerda a los héroes fusilados tras el levantamiento del 2 de Mayo de 1808. / SERGIO GONZÁLEZ

da, en la que se puede leer: «Este es un lugar sagrado; por favor, observad el respeto que merece». La ermita, construida en 1960, que se encuentra en el corazón de este pequeño pedazo de tierra, situado entre la Escuela de Cerámica y las vías del tren, detrás del parque del Oeste, ha sido restaurada por el arquitecto Antonio Lopera. «Se ha aplacado la humedad que se filtraba por las paredes a través de un drenaje perimetral», comentaba Lopera, que también ha intervenido en la fachada y, sobre todo, en la escalera que conduce a la cripta donde se encuentra la lápida de mármol con los nombres de los fusilados. Delante de aquella lápida se celebran cada año los actos conmemorativos de aquel trágico desenlace. «Un acto al que acude cada primavera el embajador francés», añade Sampedro sin ocultar la satisfacción que le produce. Detrás de aquella cubierta de mármol apenas dos cajas de cinc con unos cuantos huesos. «No hemos conocido a ningún descendiente de los fallecidos», añade el presidente de la Sociedad que custodia el monumento. «A pesar de todo lo que se ha dicho, no hay ninguna mujer enterrada aquí», admite Sampedro. Se refiere a la leyenda de que una heroína madrileña estaba entre los 43 fusilados. Los muertos tenían todo tipo de oficios: albañiles, pla-

teros, comerciantes, funcionarios o cerrajeros, entre otros. De todos los nombres que figuran en ella, sólo 29 fueron identificados. «Todos ellos fueron escogidos al azar excepto el capellán Francisco Gallego que aparece en el cuadro de Goya y que fue seleccionado directamente por el mariscal francés Murat, alegando que ‘quien a hierro mata, a hierro muere’».

Sánchez Ríos, en el que aparece representado el cuadro de Goya Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Un pebetero es encendido en cada celebración anual. La cerámica tiene su réplica dentro del patio castellano que precede a la cripta. Allí asoma la reproducción del cuadro de Palmaroli titulado Los desenterramientos. Delante, en el suelo, una lápida de mármol recuerda el lugar exacto donde fueron inhumados los cadáveres. Dentro de poco se elevará la verja para evitar que se cuelen invasores, como suele Desde 1917 es la Sociedad Filantrópica de ser habitual, y dejen Milicianos Nacionales Veteranos, lo que todo plagado de jerinqueda de aquella famosa Milicia Nacional guillas y botellas. Para creada en el sexenio democrático de 1868, ello, han recibido de la la que cuida del recinto. La citada Comunidad de Madrid Sociedad, formada por una treintena de 20.000 euros. personas, la mayoría descendientes de Es posible visitar el antiguos miembros, vendría a sustituir en cementerio todos los la custodia a la Congregación de la Buena días durante los meDicha y Víctimas del Dos de Mayo. Sin ses de mayo y junio. apenas recursos económicos, conservan el «Esos meses recibe monumento con cierta dignidad. una media de 50 visitas diarias», afirma El lugar, un pequeño pedazo de Sampedro. El resto del año, para tierra de unos 17 metros de largo los interesados en una visita guiapor 8 de ancho, posee una zona da, se puede solicitar a la propia ajardinada y un camino de piedra Sociedad Filantrópica. «Vienen que conduce a la ermita. Al traspa- sobre todo colegios y a veces nos sar la verja, recibe al visitante un sorprenden grupos franceses de pequeño monumento con un mo- estudios napoleónicos», concluye saico en cerámica, de Juan Manuel Sampedro.

Los herederos de la Milicia Nacional

Se puede solicitar una visita guiada a la Sociedad Filantrópica.


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EL MUNDO. LUNES 31 DE ENERO DE 2011

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

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Ocio

MAYURASANA. Fortalece muñecas, antebrazos, espalda y piernas. Tonifica el abdomen. Cura enfermedades del estómago, glándulas y bazo causadas por un exceso de bilis. / REPORTAJE GRÁFICO: ANTONIO HEREDIA

Posturas imposibles en el Círculo de Bellas Artes Certamen. La capital acoge el primer campeonato europeo de Bikram

Yoga que se disputa en España, una disciplina que se practica a 40 grados BEATRIZ PULIDO

El único foco de luz caía a chorros sobre el concursante que pugnaba por esculpir con su propio cuerpo un escorzo imposible para los demás mortales. Por momentos lo lograba, cuando se perfilaban en el aire sus costillas y se dibujaban músculos que no estaban en su gesto de reposo. El silencio en la sala de columnas era casi absoluto. Si en el yoga la concentración lo es todo, en un campeonato como el que se celebró ayer en el Círculo de Bellas Artes, es casi una cuestión de supervivencia. No se podía entrar en la sala hasta que no se escuchasen dentro los aplausos: señal de que el concursante había terminado su participación. Después de 30 años, el de ayer fue el primer Campeonato Europeo de Bikram Yoga que se celebra en España. Un yoga que se practica en una habitación a 40 grados. Obviamente, ayer la temperatura era más bien fresca para los concursantes. «Algo que puede agravar el riesgo de lesiones y que se minimiza durante una clase de Bikram Yoga», aseguraba uno de los concursantes. En total, competían 29 practicantes de siete países. No había ninguna condición para inscribirse, más que poder demostrar su práctica asidua. Así se daba alguna paradoja como la de Pablo, quien llevaba tan sólo cuatro meses trabajando estas posturas y ya estaba participando en un campeonato europeo. «Soy un apasionado de los deportes extremos y te digo que este yoga es lo más duro que he probado jamás». Como la mayoría de los participantes, temía la puesta en escena de la primera asana que debía realizar: mantener el equilibrio en una sola pierna mientras que la otra permanece estirada horizontalmente, siendo sujetada por las dos manos. Cuando la postura es estable, la fren-

VRIKASANA. Aumenta la atención y la capacidad de concentración. Desarrolla el equilibrio físico y psíquico.

te se inclina para tocar la rodilla de esa misma pierna. Los cuatro miembros del jurado torcían la cabeza para comprobar que, efectivamente, tocaba con la frente la rodilla. Casi como en los campeonatos de gimnasia deportiva, había que realizar en total cinco asanas obligatorias, que forman parte de las 26 pos-

turas que ha adoptado el Bikram yoga (de las 84 que componen las del yoga tradicional) y dos voluntarias. Tres minutos tenían como máximo los yoguis para completar su ejercicio. «No se premia tanto la perfección, o la mayor flexibilidad, como la seguridad, el control, la respiración y el autodominio que demuestre el concursante», afirmaba Rajashree Choudhury (India, 1965), presidenta de USA Yoga Federation y organizadora del Campeonato Mundial de Yoga, que actuaba como presidenta del jurado de este certamen. Además, fue cinco veces ganadora del campeonato de yoga en la India desde 1979 a 1983. De hecho, en aquel país, esta competición se celebra desde hace más de 1.000 años. Choudhury añadía que «el nivel de este año es mejor del que había el año pasado». Este campeonato europeo se celebra en aquellos países que no tienen campeonato propio. Según los que han organizado este certamen en Madrid, el año que viene España está en condiciones de organizar el suyo. 11 de los participantes eran nacionales. Volviendo al escenario, una atleta austríaca acaba de fallar una postura y durante un segundo duda si volver a intentarlo o pasar a la siguiente. Opta por esto último por falta de tiempo. El público es entendido y jalea las buenas actuaciones y agradece el esfuerzo de los que fallan. Los hombres emplean los músculos para sostenerse en las posturas. Algo que ejerce con maestría, Juan, el que a la postre resultará el campeón español, que lleva más de una década con el Bikram Yoga y que ha participado en diversos campeonatos en Estados Unidos. El premio para los ganadores, uno por cada país, era la posibilidad de asistir a la final internacional que se celebra en Los Ángeles.

RAJAKAPOTASANA. Alarga y flexibiliza toda la columna. Abre la zona escapular y pélvica. Estimula las glándulas del tiroides, las suprarrenales, las supratiroideas, las sexuales y da vitalidad.

YOGANIDRASANA. Esta postura estira los músculos de la espalda a lo largo de toda la espina dorsal, los ligamentos del cuello y los músculos de la parte baja de la espalda.

KAPOTASANA. Estira la parte frontal del cuerpo, el abdomen y el pecho, los cuádriceps y la garganta. Al estirar los músculos de la espalda, mejora la postura, estimula los órganos del abdomen.


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EL MUNDO. MARTES 12 DE ABRIL DE 2011

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La danza de una compañía atípica Escena. El Teatro Häagen Dazs Calderón

presenta ‘Las zapatillas rojas’, un espectáculo de nueva creación del Ballet Madrid inspirado en el cuento de Hans Christian Andersen Es un ballet completamente nuevo en el que hasta la música, compuesta por Emilio L. Galiacho, ha sido creada ad hoc para el espectáculo. Algo extraño en estos tiempos que corren. «Creemos que hay que atreverse a escribir nuevas historias para atraer no sólo al público aficionado al ballet sino a cualquier tipo de público», admitía María Graciani, autora del libreto. «La experiencia de escribir un ballet es increíble», añadía. La obra fue estrenada La compañía Ballet Madrid en España, en el Festival Internacional de > Otros montajes. Ballet Madrid ha Molina de Segura, el 29 estrenado otros montajes como ‘La lede septiembre de 2006. yenda del cascanueces’ (2005), ‘El toro Respecto a aquella very la luna’ (2007) y ‘El sueño de una nosión, lo único que ha che de verano’ (2008). cambiado ha sido el reparto. La primera baila> Música. La partitura creada por Emirina y protagonista, Valio Galiacho ha ido naciendo al mismo nessa Perrier, fue escotiempo que el libreto. Según el comporgida en un casting hace sitor, la autora del texto deseaba una tan sólo unos días. música apta para todos los oídos. Dos mujeres, una bailarina y una estrella > Libreto. Ballet Madrid recupera el liradiofónica, entrecrubreto en el sentido estricto y utiliza para zan su destino gracias a sus puestas en escena nuevas técnicas. la pasión por lograr la perfección en sus respectivas carreras artíslo desde su creación en 2005. «En- ticas. Las zapatillas rojas ha sido contramos mayor viabilidad fuera ambientada en los años 40; quizá, de España», admitía su director ge- como dice la propia Graciani, ésa rente, Tomás Lozano, y añadía que sea la parte que rememora la famoen esta compañía «todos hacemos sa película de Michael Powell, de de todo». Lozano forma, junto con 1948, ganadora de dos Oscar. la dramaturga María Graciani, el La estructura de la dramaturgia corpus del grupo. Y sin una sola de este ballet funde dos mundos ayuda: «La subvención genera es- absolutamente diferentes y antaclavitud. La libertad no se paga», gónicos: el mundo de la radio y el añadía Graciani. mundo de la danza. «Pensé en el Ahora llegan a Madrid con el es- cuento de Hans Christian Anderpectáculo Las zapatillas rojas, que sen pero luego los personajes y la presentan en el Teatro Häagen trama tomaron caminos distinDazs Calderón, una obra inspirada tos», insistía la autora del libreto. en un cuento homónimo de Hans Los únicos personajes que conChristian Andersen. serva del cuento son los de la proBEATRIZ PULIDO

Ballet Madrid es una compañía de danza atípica. No sólo porque carece en su seno de un cuerpo de baile, sino porque funciona con proyectos individuales y contrata al equipo en función de cada espectáculo. Les mueve exclusivamente su pasión por la danza. A pesar de llevar el nombre de la capital, apenas han tocado este sue-

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Vanessa Perrier, primera bailarina del Ballet Madrid. / ANTONIO HEREDIA

tagonista y los del Bien y el Mal. La compañía ha tratado de ahondar en ese deseo de contar nuevas historias, de crear dramaturgia. Ésa, dicen, es su filosofía y lo que les diferencia del resto. En este caso María Graciani se ha inspirado en su propia experiencia como bailarina y su amor por la danza. Quizá la obsesión que transmita en la obra tenga que ver con su truncada carrera de bailarina. «Mi obsesión por los pies es debida seguramente a que yo tenía los pies planos. Un maestro de baile en el pueblo me dijo que debía cortarme un poco los dedos gordos de los pies y yo

estaba dispuesta a hacerlo, aunque mi madre me lo impidió». Así expresa que la pasión por el baile y el deseo por llegara a ser una estrella llevada a su máxima expresión puede devenir en locura. «Yo conozco más de un caso en que ha ocurrido esto mismo». Es interesante la aportación del coreógrafo Pascal Touzeau, que empezó con la compañía en 2006 y que fue fichado en 2008 por el Teatro Nacional de Mainz. «Ha sido un reto, construir un estilo diferente para cada una de las tres solistas protagonistas», aclaraba Touzeau. El estilo de este joven coreógrafo no

es fácil, según uno de sus ayudantes. «No es el típico clásico; es muy duro para los bailarines». El propio Touzeau definía cuál ha sido su pretensión creativa en este espectáculo. «El cuerpo de baile enseña un abanico de distintas disciplinas coreográficas para que el público que está acostumbrado a ver un ballet entero pueda apreciar varios colores dentro de un estilo que va discurriendo al ir pasando por los diferentes momentos de la danza». ‘Las zapatillas rojas’. Teatro Häagen Dazs. Del 14 de abril al 2 de mayo.


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EL MUNDO. LUNES 24 DE MAYO DE 2010

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BEATRIZ PULIDO

Desvelos de danza

«La danza es poesía general de la acción», dice Frank Micheletti. El que fuera integrante de la Compañía de Josef Nadj, se inspiró en un viaje a Escena. El Institut Français celebra su centenario con varios espectáculos Japón realizado el año pasado, conde creadores galos como Frank Micheletti o Jean-Baptiste André cretamente a la villa de Kujoyama, para crear la coreografía la de la obra Paysages intérieurs que se podrá ver en el Teatro del Institut Français, dentro del programa que celebra el centenario de la institución gala en Madrid. Además del desarrollo de vínculos de cooperación lingüística y cultural entre España y Francia, el Institut Français pretende dar a conocer el arte contemporáneo del país vecino. Así, los espectáculos propuestos no excluyen ninguna de las artes sobre el escenario y ofrecen una manera poética y sensible de enlazar pintura, cine, vídeo-arte, poesía, circo y magia a través de la danza contemporánea de calidad. Para celebrar ese año 1919 en el que se inauguró oficialmente el Instituto galo se diseñó un programa titulado Cuatro solos de danza. Tras la representación hace unos días de Bobine’s music, apuesta de Catherine Vehelst Un momento de la representación de obra ‘Paysages intérieurs’. / EL MUNDO y Hervé Tougueron, y de Gravité, del joven Fabrice Lambert, sol naciente le desveló un paisaje en Kronenerg para crear Paysages in- de la Compañía de Danza Kubilaï una espectacular instalación que in- el que aullaban con intensidad las térieurs. Khan Investigations. Esta peculiar cluía agua, luz y sonido, le toca el pinturas de la naturaleza, el rumor «Tratamos de estar en medio de coreografía se abriga bajo el concepturno a la poesía en movimiento de permanente de los árboles, el calor las cosas, en el presente de estas es- to de que ninguna sustancia es perFrank Micheletti, que tendrá lugar del verano, el brillo del cielo. Miche- cuchas, al aire libre», dice el coreó- fectamente estable y el día y la noel próximo 27 de mayo. El país del letti se alió con el músico Romain grafo francés, creador e integrante che tienen una curva común. Por

otra parte, el trabajo de Kronenberg se desarrolla empleando el vídeo y la música que parecen embriagar hipnóticamente al espectador y le sumergen en una extraña melancolía. El mismo 27 de mayo se presenta también la obra Modules del bailarín Jean-Baptiste André (1979), un artista formado en el Centro Nacional de las Artes del Circo, donde se especializó en equilibrio sobre manos y en el arte del clown. Algo que se manifiesta en sus trabajos. Es uno de los creadores jóvenes con más talento expresivo en Francia, al menos eso viene a decir la crítica. Trabaja en la compañía de Philippe Découflé, Gilles Baron y Sylvain Prunenec y es fundador de la Compañía [W], cuyo proyecto artístico es hacer de las nuevas tecnologías y el arte contemporáneo un motor de investigación y creación. Baptiste André se vale de movimientos corporales, de la contorsión, la coreografía y el vídeo para ofrecer bellas piezas basadas en el concepto del equilibrio y el espacio. Juega con aquello que al público le parece imposible y le conduce a cuestionarse las relaciones entre el tiempo y el espacio, el interior y el exterior, lo real y lo imaginario. Programa doble. El próximo 27 de mayo, en el Institut Français (Marqués de la Ensenada, 19), a partir de las 20.30 horas. Precio: 8 euros.

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EL MUNDO. SÁBADO 17 DE ABRIL DE 2010

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Ocio CENTRO CULTURAL

Semana catalana Ignacio Amestoy

Es barcelonés el último

Veladas de mestizaje Tablas. Las Noches del Español sube a escena

propuestas para todos los gustos, como Rosendo, María de Medeiros o Sergi López BEATRIZ PULIDO

El Español sube el telón a sus mágicas noches en las que se degustará, entre el 11 y el 17 de mayo, mucha música y algo de teatro. María Lavalle inaugura el ciclo con una música donde el mestizaje sucede de forma explícita. La artista bonaerense empezó buscándole un ritmo común al tango y al fado y luego se atrevió a incorporar el flamenco formando un trío donde ya

no se sabe dónde empieza lo uno y dónde termina lo otro. La portuguesa María de Medeiros, sensualidad en acción, explora, como lo hicieran sus remotos antepasados, nuevas tierras, aunque a través de su música pretende descubrir, más que conquistar, mundos exóticos y en sus letras se queja del mundo y de sus banderas. Presenta Penínsulas & Continentes, un viaje a bordo de un «cru-

CARMEN CONESA

«La música es la banda sonora de mi vida» B. PULIDO

A estas alturas ya no sorprende demasiado ver a la polifacética Carmen Conesa vestida de jazz. Algo que lleva haciendo más de 20 años por amor al arte. La actriz catalana con su Big Band cierra las Noches del Español presentando al público madrileño un repertorio de canciones del cine español. Pregunta.— Decía que iba a patrocinar la gira de este concierto espectáculo con el dinerillo ahorrado con la serie La señora. Respuesta.— Sí, era una forma de explicar que, de alguna manera, esta gira la hemos coproducido entre Kamikaze Producciones y yo. P.— ¿Cómo surgió el tema de las canciones del cine español? R.— Buscábamos un hilo conduc-

tor que relacionara la música con mi trabajo de actriz. Yo ya había cantado con mi cuarteto temas de cine americano y pensamos en versionar otros de nuestro cine de toda la vida y hacerlo a mi ritmo. Casi todos los temas están en la memoria de los espectadores porque pertenecen a películas muy conocidas como El turismo es un gran invento, Sor Citroën. P.— ¿Alguno preferido? R.— Bueno el de Soy minero ha tenido mucha acogida porque empezamos con él, grabamos un videoclip que colgamos en YouTube y muchas veces nos han llamado para tocar gracias a ella porque el resto no lo conocían. Para mí tiene mucho sentido del ritmo y tiene unos arreglos de Raúl Gama muy acertados. El tema ha quedado muy optimista. En-

cero musical» que atracará en el puerto del Español el 14 de mayo evocando sonidos procedentes de las penínsulas itálica e ibérica y los continentes americano y africano. «El sueño va sobre el tiempo / flotando como un velero. / Nadie puede abrir semillas en el corazón del sueño», clamaba Lorca en su poema La Leyenda del tiempo. Esos versos también los cantaba Camarón de la Isla en el 79, en aquel disco homónimo con el que desgarró el corazón del flamenco en mitad de su hondura abriéndole nuevos cauces. Tres décadas se cumplen de aquel acontecimiento. Las mismas que tiene el Taller de Músicos de Barcelona, que celebra esa coincidencia con un espectáculo el día 15 que revisará los temas de aquel disco en las voces de Duquende, Chicuelo, Rafaela Carrasco y Silvia Pérez Cruz, entre otros. Sergi López representa su monólogo existencial Non solum el próximo 12 de mayo. Una comedia

difícil de catalogar teniendo en cuenta las pretensiones del espectáculo: «No me importa que sea raro. Quiero que vean una especie de actor habitado, poseído y que eso se les note en la cara». El monólogo, dirigido por Jorge Picó, parte de una escenografía muy simple formada por el sonido de un bolero, una caja de madera y unas gafas de plástico. Artista de asfalto y de barrio, el cantante madrileño Rosendo no ofrece tregua. Casi cuatro décadas pateando escenarios y ofreciendo a través del rock una salida a su forma de ver y sentir el mundo. Actúa el día 13 en el Español. La música clásica estará presente el día 16 con una orquesta de 17 profesores y cuatro solistas que interpretarán piezas de Bach y Vivaldi, entre otros. Noches del Español. Del 11 al 17 de mayo. A las 20.30 horas, en el Teatro Español (C/ Príncipe, 25).

mi trabajo como actriz. P.— ¿Qué le hace sentir la interpretación de una canción que no consigue la actuación cinematográfica o teatral? R.— La música. He convivido y crecido con música todos los días de mi vida. Mi padre era un fan de Frank Sinatra. Sinatra era mi maestro, cuando suena el jazz o el swing o el viento, vibro. La música es Carmen Conesa, con su Big Band. / EL MUNDO la carretera por la que circulo feliz, es gancha a los que lo escuchan. la banda sonora de mi vida. P.— ¿Sigue sorprendiendo verla P.— Y menos aún se conoce su faen un escenario con un micro? ceta como pintora. R.— No todo el mundo me conoR.— La gente no tiene por qué coce en esa faceta. No ha tenido tanta nocer tus hobbies, pero está bien dar repercusión. Me siguen asociando a una sorpresa de vez en cuando.

Barcelona siempre cerca... El Premio Manzanares que otorga la Empresa Municipal de la Vivienda, que está en la demarcación de Urbanismo que rige Pilar Martínez, se inició con la condición de que el tema debía de tener alguna relación con Madrid. Ya no es así. Se pensó, con buen criterio, que aunque podría haber algún tipo de discriminación positiva con las narraciones que tuvieran como motivo Madrid, no había que poner puertas al campo… ni al río. Así el Manzanares se daría a la novela que el jurado juzgara como la mejor, se desarrollara en Madrid o no. A la última convocatoria se han presentado 161 originales, bastantes de Latinoamérica y con desarrollo por allá.

A partir de hoy se celebra en Madrid la Semana de Cultura Catalana, que organiza la Generalitat. En el Centre Cultural Blanquerna, en Alcalá 44, que fue durante el franquismo sede de la Secretaría General del Movimiento, tendrán lugar muchas de las actividades programadas. También, en el Reina o en el Círculo. En la Plaza de España habrá sardanas. Y en la de Oriente, espectaculares castells… Destacan, entre todos los actos, los dedicados a Josep Pla: sus dietarios, su novia judía, su quadern gris… y, claro, su Madrid. Ocurrió que su padre le habló sobre el Madrid que él había vivido y tanto le interesó la descripción que escribió: «Me prometí ir a verlo por mí mismo». Y lo vió. El Madrid de Cataluña.

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La portuguesa María de Medeiros, que actuará en Las Noches del Español con ‘Penínsulas & Continentes’. / EL MUNDO

Premio Manzanares de Novela, Xavier B. Fernández. Lo ha ganado con una electrizante novela negra titulada Un trabajo nocturno. El protagonista es Ulises, un ex policía que se encarga de la seguridad de una gran empresa catalana, Mecánicas Masferré S.A. El heredero de la industria está en paradero desconocido, y el señor Másferré y su señora, llamada Penélope, encargan a Ulises su búsqueda, que será una odisea por los bajos fondos de Barcelona. Fernández estos días ha publicado El sonido de la noche, otra novela negra, también ambientada en Barcelona. Comienza el 23 de noviembre del 59, el día después del paso por la Gran Vía de Madrid del presidente Eisenhower…


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E L M U N D O, V I E R N E S 3 0 D E J U L I O D E 2 0 0 4

M2 Ocio las tripas del teatro», comentaba Álvaro del Castillo, el arquitecto del grupo. Si la sala principal sigue conservando los elementos originales del teatro, como el escenario que se esconde tras la pantalla y que hay que destapar, en la pequeña se van a retirar las cuatro primeras filas de asientos para incorporar un nuevo proscenio. El primero tendrá unas dimensiones de 14 por 19 metros y el segundo será de 8 por 10. «Estuvimos mirando muchos locales, pero nuestra pretensión era construir el mejor teatro de la capital y seguramente el más grande. Cuando lo vimos supimos que tenía que ser éste». Los nuevos «inquilinos» del local —el propietario del edificio sigue siendo Enrique Falcó— se han

«Los otros cines de la calle de Gran Vía pueden tener también los días contados» Aspecto que presentaba, ayer, una de las salas del nuevo Teatro Gran Vía, que por el momento seguirá funcionando como cine. / DIEGO SINOVA

El cine que soñó con ser teatro Escena. Las tablas del coliseo de Gran Vía 66 renacen en septiembre después de más de

50 años exhibiendo películas, en una rehabilitación que rondará los dos millones de euros B E AT R I Z P U L I D O

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l local de Gran Vía 66 siempre quiso ser teatro. Sus techos altos recorridos por lámparas de mil cristales, las recias columnas posadas sobre el mármol blanco del suelo, amplios espacios, habitaciones escondidas, la elegancia de la madera que decora las paredes... Hace más de 50 años que el Teatro Gran Vía bajó el telón por última vez. Fue el 1 de junio de 1950, llevaba tan sólo tres años funcionando y se representaba Angelina o el honor de un brigadier, de Jardiel Poncela. Entonces se sustituyó el telón por la lona blanca, el directo de las repre-

sentaciones teatrales por la ubicuidad de las películas. La fiebre del cine acabó con el sueño del teatro. Sin embargo, y pese a las numerosas reformas de aquel espacio de memoria (la última en 1994, con la creación de una segunda sala), el olor y el aspecto de este local conservó ese espíritu original, ese eco del escenario, de la representación, de los bastidores y camerinos. Hoy, tres empresarios de teatro, Enrique Salaberría, Pablo Larguía y Antonio del Castillo, han decidido insuflarle el aire escénico. Recuperar el Teatro Gran Vía, que nació con ese nombre en 1913, en la Pla-

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za de Callao, antes de su traslado definitivo en 1944 al lugar que ocupa hoy. Con una inversión de dos millones de euros, los empresarios han querido conservar las dos salas ya construidas. La principal, con capacidad para 850 butacas, albergará grandes espectáculos internacionales «principalmente europeos», aunque el propio Salaberría descartaba los musicales, que tanto éxito han proporcionado a sus recientes vecinos. La pequeña, con 250 butacas, dejará su escenario a los «autores de teatro españoles, contemporáneos y vivos».

Por el momento se desconoce el nombre que llevarán estas dos salas, únicamente se sabe que será el de dos grandes autores de la interpretación. El estreno del nuevo Teatro Gran Vía se ha fijado para el mes de septiembre. Conscientes de la dificultad de comenzar un proyecto a estas alturas, los productores aún no han concretado la programación. Las representaciones que se realicen mientras se completan las reformas no serán demasiado complicadas, ni implicarán grandes despliegues técnicos. «La rehabilitación va a consistir en recuperar

beneficiado del momento dulce por el que atraviesa el teatro y la protección oficial que se ofrece a la mayor parte de los edificios de la Gran Vía madrileña. «La imposibilidad de modificar la estructura de los edificios antiguos impide acometer las reformas de los cines para convertirlos en multicines», comentaba Salaberría. «Los días de estas salas en esta zona de la capital pueden estar contados». En cartelera, dos estrenos de Hollywood asoman en las paredes del cine Gran Vía: Spiderman y Yo, robot. Ningún papel advierte sobre la futura metamorfosis de este local que conserva en algún lugar los murmullos de los actores entre bastidores, las prisas y los ruidos de los tacones aproximándose al escenario, los nervios del estreno y los aplausos. Un cine, éste, que siempre ha tenido querencia de tablas y de escenario y que va a dejar de perseguir un sueño.


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EL MUNDO. MARTES 2 DE MARZO DE 2010

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Ocio como arquitecto, ingeniero y constructor, a parte de no necesitar el apoyo de ningún otro profesional, «se convirtió en un maestro de obras que a la manera medieval, reunía en una misma persona todos los conocimientos necesarios para crear». Proyectó más de 1.000 y levantó más de 800. La segunda parte de la exposición recoge sus últimos trabajos. Candela residía en Estados Unidos, pero volvió a Madrid en 1969. Era la primera vez después de su exilio. Aunque desde la década de los 50 había mantenido relaciones con la capital gracias a sus contactos con el arqui-

«Se convirtió en un maestro a la manera medieval. Reunía todos los conocimientos» El maestro proyectó más de 1.000 construcciónes y levantó más de 800 Un visitante de la exposición de Félix Candela contempla una construcción de tubos. / BEGOÑA RIVAS

El arquitecto multidisciplinar Muestra. El Conde Duque celebra el centenario de Félix Candela con una exposición BEATRIZ PULIDO

Hay quien dice que su mayor peculiaridad como persona tuvo que ver con el hecho de reunir en su cabeza cuatro mentes que normalmente andan en conflicto: la del ingeniero, la del arquitecto, la del constructor y por su puesto la del investigador. Félix Candela (1910-1997) no sólo albergó sin contradicción todas ellas sino que se valió de su concurso para levantar, entre otras cosas, sus famosas estructuras laminares de hormigón armado o cascarones. Se cumplen 100 años de su nacimiento y el Conde Duque lo celebra con una exposición que rememora esta figura que alcanzó reconoci-

miento internacional, pues fue precisamente en el extranjero donde pasó gran parte de su vida. La muestra titulada La conquista de la esbeltez es un viaje cronológico que comienza con una breve explicación de lo que significó el nacimiento de la llamada «Aventura laminar de la arquitectura moderna» para que el visitante pueda poner en contexto la creación de Candela. En esa primera sala se levantan maquetas, diseños y dibujos que no se habían visto hasta ahora del conocido arquitecto que, como menciona la comisaria de la exposición Pepa Cassinello, se movía en esa tierra de nadie que hay entre la arquitectura y

la ingeniería, siendo muchas veces incomprendido por unos y por otros. Candela realizó la mayor parte de su trabajo en México durante las décadas de los 50 y los 60. Allí viajó exiliado tras la Guerra civil, sobre todo después de crear en la capital centroamericana Cubiertas Alas, su propia empresa dedicada a la «aventura laminar». Entre las obras que se exponen en la muestra destacan los famosos cascarones del Pabellón de Rayos Cósmicos de la Universidad Autónoma de México, la Iglesia de la Medalla Milagrosa, La Capilla Abierta de Palmira en Cuernavaca o el restaurante Los Manantiales de Xochimilco.

Asoman, bajo los arcos de la sala de Bóvedas del Conde Duque, los famosos paraguas, una de las figuras más recurrentes empleadas por Candela. Aprovechando la pujanza del nuevo material que había aparecido en el espacio de creación arquitectónica: el hormigón armado, Candela lograría abarcar el máximo espacio empleando el mínimo de materia, haciendo cierta la frase atribuida a Mies Der Rohe de Less is more (menos es más). Y lo haría sin perder de vista la estética de la forma. Lo interesante de la obra de Félix Candela, según Cassinello, se debe a que debido a esa capacidad multidisciplinar, en la que podía actuar

‘Amortal’ levanta la Cuarta Pared E. M.

Desde su estreno el pasado 18 de febrero en la sala Cuarta Pared, Amortal, de Ana Martín Puigpelat (Madrid, 1968), ha provocado reacciones de todo tipo excepto la indiferencia. La obra, dirigida por Salvador Bolta Ferrer y protagonizada por los actores Mercedes Castro, Francisco Olmo y Nacho Medina, es un espectáculo nacido durante un proceso de colaboración entre tres actores y una poetisa, que trae a la actualidad el eterno conflicto con el otro. El proceso se inicia con una se-

rie de propuestas escénicas a partir de improvisaciones alrededor del mundo de la pareja que acabará constituyendo el material de base para el trabajo posterior de la dramaturgia. Concretamente, Amortal consta de 13 escenas en las que él y ella se encuentran y desencuentran continuamente, mostrando al espectador la crueldad que destila lo cotidiano cuando se observa desde fuera. Así, la obra arranca con La soledad es muy tonta, un sketch de monólogos cruzados en el que los personajes se presentan con intri-

Un momento de la representación de ‘Amortal’, en Cuarta Pared. / EL MUNDO

ga y humor. Ella descubre que no se quiere atar a nadie y él necesita un mundo definido y estable. Esta definición marcará el deve-

nir de toda la representación, ya que se les verá bailar juntos y por separado (como el común de las parejas), y dirigirá situaciones co-

tecto Eduardo Torroja. En la década de los 60 los cascarones de hormigón habían perdido vigencia. En los 80 Candela trabajó en la capital colaborando en distintos proyectos como el de la estación de metro de la Puerta del Sol de Madrid o la cubierta del Estadio de la Universidad Islámica de Riyadh. Su último trabajo fue su participación en el L’Oceanogràfic de Valencia. En la última parte del recorrido por su vida y obra se recoge su labor docente con todas las distinciones y honores que le concedieron diferentes universidades, en algunas de las cuales ejerció, y se acompañan una serie de trabajos y maquetas realizados por estudiantes de Arquitectura e Ingeniería inspiradas en su obra y que forman parte de un Concurso Internacional de Ideas. La conquista de la esbeltez. Hasta el 16 de abril en la sala de Bóvedas del Conde Duque (Conde Duque 9-11).

mo la tensión sexual, que va del deseo a la crispación. Y es que las bases del pacto de fidelidad están definidos porque ella no cree que pueda serle fiel, a él le da igual todo con tal de tener estabilidad. Con semejantes mimbres, la escena quinta, Me como las lágrimas, trata la lógica crisis de incomprensión, que es la primera visión de la distancia real; de la imposibilidad de unión de mundos diferentes. Las promesas, la necesidad de amar, los sueños, el sexo, la fidelidad y los fantasmas del pasado componen la base argumental del resto de las escenas en Amortal, que estará en cartel hasta el domingo. Amortal. Sala Cuarta Pared (Ercilla, 17), a las 21 horas. Hasta el 7 de marzo.

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EL MUNDO. JUEVES 31 DE MARZO DE 2011

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Cantos que sanan el mundo Escena. Esta noche comienza el Festival de Mantras en el que actúan, entre otros,

los chamanes de Asia, los derviches turcos y monjes budistas BEATRIZ PULIDO

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El mundo tal y como lo conocemos está cambiando. Lo dicen los acontecimientos políticos y sociales. Lo dice la Madre Tierra que se expresa a su modo. Los analistas lo llaman crisis. Los visionarios lo ven como una oportunidad para el cambio. Bolat Barysev y Arjan Kezerekov pertenecen a esta última categoría. Son dos chamanes procedentes de la República de Altai, en territorio ruso. Se calcula que en Asia había chamanes desde hace 40.000 años. Los hay de diversas clases. Ellos dos pertenecen a la categoría de músicos. «Curamos a la gente a través de la música y el canto», asegura Arjan. En sus respuestas no se extienden más allá de lo imprescindible. Se describe al chamán como «el que sabe», Arján confirma que simplemente ve más allá que la mayoría: «Día y noche recibo información, pero jamás hablo de lo que veo». Viajan por el mundo llevando un mensaje: «La gente debe conocer su verdadera esencia y volver a la naturaleza, a formar parte de ella». Ninguno de los dos músicos se separa de su instrumento de cuerda, el topshur. «En él reside el espíritu y nos acompaña siempre en el canto». Ellos son los primeros en actuar esta noche en el Festival de Mantras. «Ahora es el tiempo del cambio».

DEPORTE 16.500 ATLETAS EN LA ‘MEDIA’ Fecha: 3 de abril Salida: Domingo 09.30 h. en el Retiro Inscripciones: 45 euros.

Bolat Barysev y Arjan Kezerekov, dos de los chamanes que actúan estos días en el Festival de Mantras. / ALBERTO DI LOLLI

Dejaba Arjan esta última frase suspendida en el aire, como si fuera uno de sus Kai, los poemas épicos que interpreta. El hecho de que este festival se haya consolidado en un espacio público como el teatro Fernán Gómez parece querer darle la razón.

Mañana será el turno de Durga Das, que interpretará hermosos cantos devocionales y música espiritual del mundo de la meditación y del yoga, llamados Kirtan. El sábado el protagonismo pasa a los giros de los Derviches de Konya, los girovagos

procedentes del sufismo turco que presentarán una ceremonia de Soma y, por fin, el domingo le tocará el turno a los Monjes Budistas Sakya Tashi Ling, cuyo primer CD logró el número uno en las listas de venta en España.

La XI Media Maratón de Madrid, que se disputará el próximo domingo a partir de las 09.30 horas con salida y llegada en el Parque de El Retiro, ha cerrado las inscripciones con 16.200 corredores, nuevo récord de participación. Además, saldrán 1.400 atletas para la prueba de cinco kilómetros que también organiza la Agrupación Deportiva Marathon. La carrera de 21 kilómetros, patrocinada por Ibercaja, ASICS y MMT, es la primera de España que consiguió clasificar a más de 10.000 corredores en meta, dato que alcanzó el pasado año 2010 con 10.602 clasificados. Todos los corredores participantes podrán comenzar a recoger su dorsal y la bolsa del corredor a partir de hoy jueves por la tarde en la Feria del Corredor en el Centro Comercial y de Ocio Barrio Art Decó (Paseo Ermita del Santo). El viernes y el sábado la Feria abre en horario ininterrumpido de 10.00 a 20.00 horas. / L. F. DURÁN


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EL MUNDO. JUEVES 8 DE OCTUBRE DE 2009

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Ocio

El abrazo universal Baile. Este fin de semana se celebra en el Círculo de Bellas Artes el II

Festival Internacional de Tango, que reúne a los mejores intérpretes BEATRIZ PULIDO

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o soy tango como vos», dice la canción. Ese «vos» que porta la letra, puede ser cualquier cosa y lleva al tango lejos, más allá de sus dos orillas rioplatenses: Buenos Aires y Montevideo, y de su otra capital que algunos aseguran que es París. Madrid aspira a volverse también tango. Afición no le falta. Se pondrá de manifiesto este fin de semana en el Círculo de Bellas Artes. Allí se presenta el II Festival Internacional de Tango. Y para corroborar ese carácter cosmopolita se le ha añadido la apostilla de Euroargentino. Música y baile universales inspirados en la tradición pero sin perderle el aire a la innovación. O lo que es lo mismo, De Gardel, pasando por Nestor Piazzolla llegamos hasta nuestros días. Algunos de sus mejores intérpretes realizarán en el Círculo ese dibujo de piernas y de notas heridas de bandoneón tan característicos. Pero además, el festival le brinda al madrileño la posibilidad de recibir clases de baile. «Hay que aprovechar el buen momento por el que pasa este arte que acaba de ser declarado Patrimonio de la Humanidad», admitía Marcelo Pola, uno de los cantantes que participa en este festival y que es también su director. Los aficionados al tango pueden optar por asistir a los espectáculos que se celebran de viernes a domingo a partir de las 22.00 horas, con cantantes como María Garay, icono de la música argentina, Osvaldo Zotto, reconocido por la UNESCO por su destacada trayectoria profesional o Rafael Rojas, del que dicen que sobre el escenario parece un espejo sonoro de Carlos Gardel. «Para los que conocieron a

Gardel es una sensación rara», resaltaba Pola. El carácter internacional del festival se aprecia, no en la canción sino, sobre todo, en el baile. De las tres parejas que participan en los espectáculos una de ellas proviene de Inglaterra y las otras dos son argentinas. «El canto es más complejo de aprender que el baile», añadía precisamente uno de los bailarines, Martín Soisa. Los más mayores también podrán

De las tres parejas que participan, una viene de Inglaterra y las otras dos, de Argentina tener su sesión de tango con tres funciones especiales que se han fijado a las 19.00 horas. Pero además, se ha pensado en ellos para las clases de baile que se han organizado de forma paralela a los espectáculos y que tendrá un coste de 10 euros. Los demás interesados también podrán elegir la clase que más se corresponda a su nivel. Todas ellas tendrán lugar en horario de mañana y a primera hora de la tarde. En cuanto a los grupos que estarán en cartel destaca Conexión Tango, el grupo hispano argentino Tango Trío y como solista destaca la presencia del francés Olivier Manoury, un reconocido bandoneonísta que ha actuado en medio mundo como intérprete y director de numerosas formaciones. Cada noche, después de cada función, se abrirá la barra libre de milonga

(baile) con orquesta en vivo y dj. A partir de medianoche y hasta las tres de la mañana los interesados podrán vivir una celebración típica de la Argentina y dar rienda suelta a su afición de baile. «Aquí en España el público es muy entendido de tango. Se nota que hay mucha afición. Seguramente porque conocieron y quisieron a Gardel», añadía Pola. Durante los tres días que dura el festival, que en la primera edición reunió a 1.200 personas, se podrán degustar productos típicos del país y asistir a la proyección de diversas películas con Argentina de fondo. Pero además, cada día se ofrecerá de forma gratuita una conferencia con el título La guitarra española y criolla en el tango, que irá acompañada de una exhibición. II Festival Internacional de Tango. Del 9 al 11 de octubre, en el Círculo de Bellas Artes (Marqués de Casa Riera, 2).

Una pareja interpreta un tango, ayer, en el Círculo de Bellas Artes. / SERGIO ENRÍQUEZ

‘Chicago’: el arte del crimen Escena. Natalia Millán, Manuel Bandera y

Marcela Paoli protagonizan el musical ESTHER ALVARADO

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ice Natalia Millán que fue Bob Fosse y su película autobiográfica All That Jazz lo que la convenció para convertirse en actriz. El mundo del espectáculo la llamó a través de este filme cuando sólo era una niña y ahora, algunos años después, es ella la que tiene que demostrar a todo Madrid de que el papel de Velma Kelly, la cantante de cabaret que Fosse creó para Chicago, se le ajusta como un guante. Aunque desde hace semanas era un secreto a voces, ayer se presentó oficialmente el elenco protagonista

del musical Chicago, que se estrenará el 27 de noviembre en el Teatro Coliseum de la Gran Vía. Junto a Natalia Millán repetirá Manuel Bandera (en el papel de Billy Flynn), con quien ya coincidió en Cabaret, y la argentina Marcela Paoli, que ya interpretó en su país a Roxie Hart. Aunque hace 10 años pudo verse una versión de Chicago en Madrid, ésta es la primera vez que se estrena el espectáculo concebido por Bob Fosse, con música de John Kander y letras del también guionista Fred Ebb. El trabajo de este último se verá sensiblemente modificado (como

Marcela Paoli, Manuel Bandera y Natalia Millán, caracterizados para ‘Chicago’.

es habitual en los musicales escritos originalmente en inglés), ya que las canciones están siendo traducidas. Quienes conozcan la trama a través de la película protagonizada por

Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere recordarán que está inspirada en un hecho real acaecido el 11 de marzo de 1924. La versión teatral (que ha sido

protagonizada por estrellas de la talla de Ute Lemper, Melanie Griffith, Brooke Shields y Patrick Swayze) cuenta la disputa entre dos asesinas, la cabaretera Velma Kelly y la apocada Roxie Hart, por centrar el interés de los medios de comunicación en sus respectivos crímenes, con el fin de ser declaradas inocentes y dedicarse al mundo del espectáculo. Tanto Millán como Bandera manifestaron ayer su entusiasmo y entrega al proyecto, mientras que Paoli calificó el trabajo de los bailarines y al «estilo Fosse», como «un gran desafío», ya que «obliga a poner todos los sentidos y el cuerpo al servicio del baile». Los tres elogiaron la estructura dramática del espectáculo que, ante la austeridad de la escenografía, gana protagonismo en este revival musical de los enloquecidos años 20. Chicago. Teatro Coliseum (Gran Vía, 78). Desde el 27 de noviembre. www.entradas.com y www.servicaixa.com


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EL MUNDO. SÁBADO 24 DE ABRIL DE 2010

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«La sexualidad nos podía», reconocía Galiardo, «y Umbral, elegante, apuesto, era un competidor peligroso,

hablaba mejor que nosotros y era más seductor» Jorge Urrutia contó una anécdota personal de un momento intermedio. El 24 de febrero del 65, él era un joven estudiante universitario y participó en una manifestación que sería histórica, porque la encabezaron catedráticos como Aranguren y García Calvo (Tierno estaba en Salamanca, pero llegó al día siguiente y acabaría expulsado igual). El caso es que cuando la policía empezó a actuar como acostumbraba y vino la desbandada estudiantil, Urrutia encontró refugio en la oficina del Instituto de Cultura Hispánica en la que Umbral velaba armas. En cuanto al Gijón, Jorge Urrutia insistió en algo que también han dicho otros: allí convivían los escritores republicanos y los otros, no se hablaba del pasado, sino de reconstruir un país. (Franco había dicho que había que reconstruir en los campamentos lo que se había des-

Se reveló la trastienda de la famosa anécdota «yo he venido a hablar de mi libro» Umbral: «Han ensalzado mi estilo para tapar mi pensamiento»

Ramoncín, Juan Luis Galiardo y María España, al fondo, en un momento de la tertulia en el Café Gijón. / ALBERTO CUÉLLAR

Cuatro personajes en busca de autor en el Gijón Galiardo, Ramoncín, Jorge Urrutia y Javier Villán recuerdan a Umbral ÁNGEL VIVAS

Como Umbral (no hace falta anteponer el Francisco, Umbral sólo hay uno, como Juan Ramón o Federico) como Umbral, decíamos, mezcló siempre vida y literatura, sus amigos solían acabar convertidos en negritas en sus artículos, esto es, en personajes. Ayer, en La Noche de los Libros, algunos de esos amigospersonajes (Juan Luis Galiardo, Ramoncín, Jorge Urrutia y Javier Villán) se reunieron para hablar del amigo y del escritor, para buscar a un autor que sólo se ha ido en la

carne mortal (y rosa), pero que queda en una literatura inmortal. ¿Dónde se reunieron? Dónde iba a ser. En el Café Gijón, al que una noche llegó Umbral dispuesto a comerse Madrid. La tertulia (ya lo hemos dicho) era una de las muchas actividades de La Noche de los Libros, pero era también la primera de un ciclo dedicado al autor de Leyenda del César Visionario. Se habló del escritor y del café, de las cosas de entonces y de algunas de ahora. De cuando se llegaba al Gijón, contaba Juan Luis Galiar-

do, cargados de ilusiones y vencidos por la sexualidad. «La sexualidad nos podía», reconocía Galiardo, «y Umbral, elegante, apuesto, era un competidor peligroso, porque hablaba mejor que nosotros y era más seductor». Umbral le dejó este buen consejo al entonces joven actor: «¿Cuándo vas a matar al galán?» Ramoncín recordó unos años posteriores, finales de los 70, primeros 80, cuando iban a los mercados de madrugada, compraban marisco y se iban a comerlo a un bar que sólo abría a los iniciados.

truido en los cafés –refugio y símbolo de los denostados intelectuales– y los inquilinos del Gijón le dieron en la práctica la vuelta a la frase). Urrutia y Villán fueron más a lo literario. Y ambos coincidieron en desfacer algunos tópicos que envuelven al autor de El hijo de Greta Garbo. Por ejemplo, el de su autodidactismo, reiteradamente proclamado por él mismo. Sería autodidacta, pero tenía lecturas por un tubo; haber leído a T. S. Eliot en el 64 no era cualquier cosa, señaló Urrutia. Y Villán rebatió lo de la prosa sonajero. Su prosa no era tal, sino cargada de pensamiento, como se ve bien en un libro como Un ser de lejanías. Eso sí lo advirtió el propio Umbral: «Han ensalzado mi estilo para tapar mi pensamiento». En fin, la velada fue tan jugosa que hasta se reveló la trastienda de una de las anécdotas más famosas del autor de Los helechos arborescentes: la de «yo he venido a hablar de mi libro». El caso es que aquel libro del que Umbral quería hablar con la futura presentadora de Gran Hermano era crítico con el entonces llamado felipismo. Y había órdenes de que la entrevista discurriera por distintos cerros. Umbral se olió la jugada, y de ahí el «yo he venido a hablar de mi libro, coño».

dd ddd4ddd dd P >Vea hoy en EL MUNDO en

Orbyt la tertulia sobre Umbral.

André Glucksmann. / BEGOÑA RIVAS

Glucksmann y el crimen de la indiferencia BEATRIZ PULIDO

Mantiene de su juventud esa extrema delgadez y ese peinado a lo Warhol que ha ido perdiendo volumen y ganando en color plata, conserva además esa genuina rebeldía que le ha llevado a aborrecer igualmente el pensamiento totalitario como a arremeter contra lo considerado «políticamente correcto». André Glucksmann (1937) se muestra muy contento «de haber sido un desarraigado». Ayer fue invitado a dar una conferencia en La Noche de los Libros y aprovechó para verter sobre la Literatura, entre otras cosas, la responsabilidad de haber sacado por primera vez al ciudadano de la Providencia. «Antes de escritores como Cervantes, Shakespeare, Montaigne o Goethe, vivíamos en un orden providencial. Había un sentido del destino humano inspirado en la mitología y la religión». Para Glucksmann, por fin, «un libro que no era ni la Biblia, ni estaba basado en otra tradición, definía la suerte de un individuo y de una nación». Libro y lector establecían un diálogo íntimo y único. Al salir de esa Providencia todo era posible: el ser humano descubría el caos y la violencia, la de la sociedad y también su propia violencia. «La literatura», decía Glucksmann, «no sólo desilusiona y desvela, sino que nos encara con el riesgo de lo imprevisible que tiene la naturaleza o la sociedad». El autor de Los dos caminos de la Filosofía, hablaba de que la crisis económica actual tiene mucho de ese mal que ha afectado al ciudadano en el último siglo: la indiferencia, uno de los peores crímenes que ha cometido y sigue cometiendo el ser humano. La crisis económica que ha absorbido mucho de esa indiferencia de las élites que se han sumido en la complacencia de que todo va bien y que «somos más fuertes que la crisis». El pensador francés aseguraba que esa actitud ha perseguido al hombre a lo largo de la Historia, sobre todo en el último siglo. Y mencionó las dos guerras mundiales o los genocidios de Ruanda, los judíos y cíngaros en la Segunda Guerra Mundial o los camboyanos. Cree que cada vez que el hombre se duerme con ilusiones y se pone a soñar le despierta el horror.


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CARTAS

27 / 04/ 2004

MADRILEÑAS

AGENDA

Huir de la basura

CONCIERTOS Pop-rock. Chirie Vegas actúa en la sala El Sol (calle de los Jardines, 3) a las 23.30 horas. Para entrar hay que presentar una invitación de Madrid Rock en la puerta. Clásica. Concierto, a las 19.30 horas en el Auditorio Nacional (calle del Príncipe de Vergara, 146), dentro de los Ciclos Musicales de la Comunidad de Madrid. Fusión. La sala Caracol (calle de Bernardino Obregón, 18) presenta a Bandabardó, que actuará a las 19.45 horas. Precio sin confirmar. Canción de autor. Las melodías de Inma Serrano pasearán esta noche por el Rincón del Arte Nuevo (calle de Segovia, 17) a las 22.00 horas. La autora alicantina cantará los temas de su nuevo trabajo, Soy capaz & Pequeñas joyas, editado por su propio sello discográfico. Precio de la entrada: suplemento en consumición.

Despreocupados padres... de alumnos absentistas. Sé que es fácil hablar cuando uno no debe recoger cartones o desguazar lavadoras para sobrevivir. Sé que cuantas palabras se viertan aquí o en cualquier otra parte apenas tendrán eco; principalmente porque los periódicos suelen ser para vosotros más relleno de colchones y almohadas que fuente de información. Y sé también que el hecho de que vuestros hijos estén creciendo al margen de la escuela, la mayoría en ámbitos tercermundistas, no implica que no los queráis tanto como a vuestra propia sangre. Sí, soy consciente de todo esto, pero también lo soy de que esto no significa que podáis influir de forma tan negativa en su futuro.

TEATRO Teatro universitario. Dentro del VIII Certamen de Teatro Universitario que organiza la Universidad Complutense de Madrid, hoy podrán verse dos repesentaciones en el Paraninfo de la Facultad de Filología (Ciudad Universitaria). A las 13:00 horas, Casting, de Rubén Vejabalbán y Eva Egido. Duración aproximada: una hora. A las 19.00 horas, Dime una mentira, de Rubén Buren, que durará alrededor de una hora y media.

Vuestros hijos, aunque os neguéis a reconocerlo, no os pertenecen sólo a vosotros. No son de vuestra exclusiva propiedad; no son un coche, un mueble, una herramienta de la que hacer uso a vuestro antojo. Vuestros hijos también lo son nuestros, del resto de la sociedad, la cual no puede permanecer impasible ante vuestra desidia o ante vuestras circunstancias, por muy duras que éstas sean. El eufemismo habla de familias desestructuradas. Pero sólo es eso: un eufemismo, porque lo que en verdad ocurre es que la gran mayoría sois familias muy estructuradas, sólo que situadas al margen de toda norma convencional. Lo cierto es que lo que abunda entre vosotros es la miseria más que unas inestables relaciones afectivas. Y a ello se unen tradiciones incompatibles con nuestro siglo, un afán por el oscurantismo y una preocupante tendencia a rozar los lindes de la ley. De modo que es una situación que no puede perpetuarse.

La educación de vuestros hijos no es una pérdida de tiempo, como creéis algunos. Es una inversión que, además, no implica la pérdida de vuestra identidad o de vuestro sustento, pues lo primero puede salir reforzado con más cultura, mientras que para lo segundo existen personas y organismos que se encargarán de suplir lo poco que vuestros vástagos os aporten. ¿Queréis acaso vivir en un continuo ghetto? ¿Queréis que vuestros hijos hereden la pobreza que arrastráis desde hace siglos? ¿Es que no tienen derecho a disponer de otras salidas que no sean el menudeo, revolver entre la basura o algo peor? Convenceos. Sólo hay un camino para que dejen de ser extraños en la tierra que los acoge. Y ese camino, con o sin vuestro apoyo, de fuerza o de grado, al final se va a recorrer. Javier Lorenzo

El pintor Jaime de Jaraíz en su casa de Montepríncipe (Madrid) con un ejemplar de su libro. /PACO TOLEDO

El goce de la luz Jaime de Jaraíz. El artista extremeño presenta en Madrid el libro Un clásico del siglo XX, un compendio de su obra pictórica ilustrado, entre otros, por poetas y críticos de arte B E AT R I Z P U L I D O

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escatar de las sombras la penumbra y dejarla crecer y henchirse hasta formar la caricia, o el tenue roce lumínico de uno de sus cuadros. Así es el arte de Jaime García Sánchez, un extremeño que le pidió prestado a su tierra natal, Jaraíz de la Vera (Cáceres), el apellido artístico y la vocación, que le llegó a la temprana edad de los ocho años. Desde entonces, su pretensión ha sido la de «exteriorizar su goce interior para dárselo al otro», a través de un lenguaje figurativo o realista que trasciende la pura imitación. A este pintor nacido el 23 de abril de 1934, viajero inagotable del arte y de la tierra, le gusta combinar la estética de la pintura con la de la música; compositor e intérprete de sus propios temas, durante algunas de sus exposiciones sorprende a los visitantes cuando lo ven con su guitarra, ilustrando musicalmente una serie de sus propios cuadros. De él dijo Francisco

Agustín que utiliza en sus pinturas no el color, sino las vibraciones del color; no el dibujo, sino la música de las líneas, apoyada en el ritmo y la cadencia de los cuerpos. El suyo es un arte de sábanas y pliegues donde la luz interpreta e insinúa cada detalle. Si se pudiera intuir a la persona debajo del cuadro, se podría decir que es un pintor radiante y desenfadado. Jaraiz, conocedor de la

xico lo acogieron calurosamente. A Jaime de Jaraíz el año 1969 le enseña una nueva técnica pictórica, el divisionismo cromático o puntillismo (técnica que se caracteriza por los toques cortos e imprecisos). Con esta forma de pintar la imagen adquiere una entidad desconocida. Produce la sensación de que la luz, tan importante en su arte, emana de los cuerpos, y en esta pin-

EL HOMBRE DEL DIA PINTOR 1934. Jaraíz de la Vera (Cáceres) Pinta desde los ocho años. /Su estilo se inspira en los maestros barrocos./ Presenta hoy su libro en el Hotel Wellington a las 20.00 horas. anatomía humana, se inspira en los maestros del Barroco, Rubens, Velázquez y Zurbarán, para interpretar la ternura, la inocencia o la meditación. Desde que ganara en 1950 el premio de pintura Caja de Plasencia, con el cuadro Alegría y vino, no ha dejado de exponer y de viajar. París, Madrid, Estados Unidos o Mé-

tura se establecen ciertas conexiones con el simbolismo. Puede ser la exposición en su tierra en el año 1980 la que representa, a nivel profesional, un antes y un después. Desde que el 18 de octubre el artista inaugurara una sala en la Diputación de Cáceres, que fue un rotundo éxito, se le empezó a reconocer en el ám-

bito nacional, y en la que realizara posteriormente en Barcelona, visitada por más de 30.000 personas, Jaraiz se consagraría definitivamente. Cuatro años después ingresaría como miembro número de la Real Academia de Extremadura de las Artes y las Letras. Desde 1992 lleva fraguando la idea de escribir su autobiografía a través de su pintura. La obra final, con el nombre de Jaime de Jaraíz: Un clásico del siglo XX, es un compendio de su pintura y la inspiración que generó en otros, poetas, catedráticos o críticos de arte, que se expresan de diferente manera. Clásico e innovador, Jaraíz busca en sus cuadros «crear una realidad basada en sus sentimientos», donde los colores representan diversas caras de un mismo referente: la maternidad, la infancia o la inocencia desnuda, y el contraluz desborda los márgenes de sus lienzos creando un relieve que se puede casi palpar.

CONFERENCIAS Shakespeare. El Salón de Actos del Ateneo de Madrid (calle del Prado, 21) ofrece, a cargo de Alfredo Gómez Gil, la conferencia El alma de los sonetos de Shakespeare, a las 19.30 horas. Intervienen: Stephen J.L. Wright, José Luis Abellán y Melquiades Prieto. Medios de comunicación. Dentro del ciclo de conferencias Tendencias globales y medios de comunicación, el Auditorio de la Casa Encendida (Ronda de Valencia, 2) presenta la ponencia Opinión pública internacional y medios de comunicación, a cargo de Javier de Lucas, catedrático de Filosofía del Derecho y Filosofía Política de la Universidad de Valencia. La conferencia comienza a las 19.30 horas.

OTROS Libro de bioética. El Círculo de Bellas Artes (calle de Alcalá, 42) presenta el libro de Javier Sádaba Principios de bioética laica, publicado por la editorial Gedisa, a las 19.30 horas. El acto, que se celebrará en la sala Ramón Gómez de la Serna, contará con la presencia del teólogo Juan José Tamayo y del director del Centro de Astrobiología, Juan Pérez Mercader. Debate taurino. El Centro Cultural Valle-Inclán (calle del Arzobispo Morcillo, s/n) celebra una mesa redonda titulada El complejo mundo de los toros a las 19.30 horas.

RECOMENDABLE

Pintura pop. El pintor madrileño Jesús Toledano rinde homenaje a su ciudad con la exposición Otra mirada de Madrid, que se abre hoy a las 10.00 horas en el Centro Puerta de Toledo (Gran Vía de San Francisco, 2). La muestra presenta unos lienzos coloristas y luminosos al más puro estilo pop de los edificios y calles más emblemáticos de la capital. La exposición se prolongará hasta el 6 de mayo.

Fiestas. Merienda y espectáculos para los mayores. A las 17.00 horas comienzan las fiestas de Valverde en la plaza de las Islas Azores (FuencarralEl Pardo). Para empezar, una chocolatada con churros, y después, una revista, con Carlos Catalino y María Liñán, además de flamenco y copla con Perico de la Mancha.


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Recrea con facilidad varios escenarios en un sólo espacio por donde circula esta locura organizada escrita por Rossini. El tenor peruano Juan Diego Flórez, al que han bautizado como el Beckham de la ópera, se estrena en el Real. «Cantar aquí, en uno de los lugares más importantes del mundo, es un gran paso en mi carrera, y volver a hacerlo en España es un placer inmenso, porque siento la calidez del entorno», declaró en la rueda de prensa. Con un pasado rockero, escasa formación operística desde la cuna y un padre especialista en canción popular, hoy por hoy, el tenor arrastra autobuses de fans allá por donde va. No es la primera vez que Flórez representa El barbero de Sevilla. De hecho, le debe su fama al maestro italiano. En más de una entrevista ha confesado que se dio cuenta de que Rossini era su fuerte en Filadelfia, cuando estudiaba. «Cada vez que interpretas una ópera haces una nueva versión, sin ignorar la tradición. Esta apuesta de Gelemetti surge sin cortes y con el final completo, que acaba con un aria que yo interpreto y que no se suele hacer

Flórez se asoma al escenario con ademanes refinados y con una voz que rezuma musicalidad habitualmente». Flórez, convertido en el conde de Almavida, asoma al escenario con ademanes refinados y con una voz que rezuma musicalidad, pero quizá lo que más impresione cuando uno se enfrenta por primera vez desde el patio de butacas es su asombrosa capacidad actoral, su gestualidad, su expresividad en el rostro. Rotundamente, Flórez es actor. Aunque el papel de Rosina fue escrito para una mezzosoprano, a lo largo de la historia ha sido interpretado por grandes sopranos como María Callas o Victoria de los Angeles. De hecho, dos años después de su estreno, el compositor escribió un aria para la soprano Elisabetta Fodo. Enamorado de Rossini y gran conocedor de su obra, cuando hace un año y medio Sagi le propuso a Gelmetti la posibilidad de que fuera una soprano la que llevara a cabo el papel de Rosina, se negó en rotundo. «Cuando me confesó que sería María Bayo me dije ‘cómo voy a decirle que no a la Bayo’ y acepté». Mientras, la soprano navarra se enfrentaba a su Rosina con el beneplácito del rostro español de la protagonista de esta comedia buffa, Teresa Berganza. «Ella me animó. Lo único que he tenido que hacer es adaptar las coloraturas, pero conservando la misma tonalidad que muestra Rossini en la partitura . Es la primera mujer feminista de la ópera, la primera en emanciparse y en hacer lo que le viene en gana». El barbero de Sevilla se representa desde hoy en el Teatro Real. Funciones a las 20.00 horas, 13, 15, 17, 18, 19, 20, 21, 22, 24, 25, 26, 27, 28 y 29 de enero.

Una de las imágenes eróticas de Esteban Palazuelos que se pueden contemplar en la exposición de la sala Versátile, hasta final de mes.

Donde terminan los labios Exposición. Pfizer, la empresa que comercializa la viagra, inaugura una muestra fotográfica

donde el erotismo de las imágenes se combina con los olores de esencias y la música sensual B E AT R I Z P U L I D O

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orque «dos cuerpos frente a frente son a veces dos olas y la noche es el océano... dos cuerpos frente a frente son dos astros que caen en un cielo vacío», como caen estos versos del poeta, a ratos sobre las paredes blancas y a veces sobre los muros vacíos. Tres fotógrafos reunidos frente al poema de un beso azul, en el brillo de unos labios que se asoman como puertas de hielo y regaliz, en la mirada de Juan Carlos de Marcos, como una leve caricia que llega, toca y marcha y no tiene conciencia de ser un tímido roce, un cariño pasajero. Esteban Palazuelos ofrece la sensualidad de unas curvas recién formadas, donde el erotismo a veces se aferra a una leve cortina blanca, por donde asciende la sombra de unas nalgas y en una esquina se intuye una cama deshabitada. La ausencia se filtra, como la luz, desnuda, por la ventana. Insinuaciones en el umbral de la pared. Otras veces, el terciopelo y el marco dorado que contiene a la imagen, esconden un instante de dos mujeres que no se miran (o que ya se han mirado), disfrazadas con objetos que seducen (o que ya han seducido). Mónica Suárez prefiere los torsos y las extremidades vestidos de azul que se tantean y se alargan para que los ojos se pierdan en la maraña de brazos, piernas y dobleces. Un tatuaje alargado en la espalda, que es la prolongación de un muslo que sube un ascenso interminable. Sus dueños, siempre anónimos, despiertan la curiosidad del que busca descubrir el rostro bañado en la sombra. Quiere ser exposición pero es un poema

grado encajar Eloy Martínez, colocando a los poetas en el margen de los amantes que «se presienten, se desean, se acarician, se besan, se desnudan, se respiran, se acuestan, se olfatean...», bajo la pluma de Oliveiro Girondo. Un lugar donde la tradición del beso, cansada de imitarse, bucea por allí en alguna telaraña «porque dos amantes dichosos... no se ataron con hilos sino con un aroma». Una de las foEn la planta de abajo la luz se tos de la exagrieta dentro de los focos, funposición de diendo el marrón con lo cálido y Juan Carlos como los párpados. Al cruzar la úlMarcos. tima puerta el cartel mitad premonición, mitad realismo, advierte: «Esto es amor y los que lo han probado lo saben». Las imágenes se abren y cierran lentamente. Secuencias de amor y de deseo languidecen desde la pared, desde donde ciudadanos anónimos responden a la pregunta ¿Qué harías por un beso azul?. Es quizá la interrogación que nace mucho antes que el remedio de la Viagra. Una mano que sugiere a medias por debajo de una sábana y que crece, tanteando el vacío de otro cuerpo, un suspiro de hielo derritiéndose, otra vez unos labios azules y abrazos furtivos descubierto en mitad del llanto. La imaginación vestida de piel, de seda, de sueños. Jane Birkin desde el otro lado de los sentidos, bajo el disfraz de un escándalo añejo, canta el mismo J’ai o Nabokov, y que esconden su nombre bajo t’aime, moi non plus. La peonía real derritienmiles de perlas azules. Y otra vez el olor a do el instante levemente detenido... porque en peonía real impregnando las aletas de la nala noche de los cuerpos cada uno se expresa riz, mientras la música despliega sus tentácomo puede. culos hipnóticos. Un proyecto educativo que se dirige a la intuición y a la imaginación, más que a la inteligencia. ¿Qué harías por un beso?. En la Sala Versátile (calle Un cubo de sensualidad (¿azul?) que ha lode San Marcos, 24). Hasta el próximo 26 de enero. que se pisa y se huele, con el aroma a peonía real posándose como escarcha sobre los objetos, y los libros que nacen semienterrados en las esquinas, en la parte de la memoria donde duermen algo más que las propias palabras. Quizá, el imaginario que crearon escritores como el Marqués de Sade, Bukowski


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A SACO / En Cuatro Caminos, dos agentes de seguridad de poco más de 20 años despertaron a mi amigo Ahmed violentamente / ¿Se puede consentir algo así?

Agentes de inseguridad LEOPOLDO ALAS

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El vestido de la princesa Juana de Austria, en primer plano, diseñado por Ágatha Ruiz de la Prada.

/ FOTO DE: JULIÁN JAÉN

Trece retratos de aguja e hilo Exposición. Varios diseñadores como Roberto Verino, Antonio Pernas o

Jesús del Pozo visten a mujeres que influyeron en la historia de la ciudad B E AT R I Z P U L I D O

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costumbrados a que sean los lienzos y los folios los que se adentren en los recovecos de la personalidad ajena y la plasmen con sus plumas y pinceles, resulta algo curioso que sea la aguja la que se entrometa en estos menesteres, reclamando su creatividad punzante. La personalidad determina el vestir, que es un apéndice del gesto y de esa mueca que llevamos bordada en el rostro. Varios diseñadores españoles de primera fila se han propuesto captar en tela, el temperamento y el genio de 13 madrileñas que se adelantaron a su tiempo. Nombres como Raúl del Pozo, Ágatha Ruiz de la Prada, Roberto Verino, Antonio Pernas o Javier Larrainzar, entre otros, han introducido a la Duquesa de Alba, a Isabel II, a María Guerrero o a la Princesa Juana de Arco, en su universo de tejidos. Se han aventurado a recorrer los pasadizos y los rincones de la Historia para rescatarlas María de las Mercedes a los ojos de Roberto Torretta. de sus vidas. El resultado tro, la literatura o incluso el heroíses la exposición Trece mujeres de la mo de alguna de las representadas. historia de Madrid, en el edificio del Predomina la osadía de los diseÁrea de Gobierno de Economía y ñadores y el intento por conciliar la Participación Ciudadana, que se pomoda actual con ciertos detalles de drá ver a partir del 13 de diciembre y la época de las retratadas. Un hasta el 7 de enero. ejemplo es el atuendo con el que Para la selección de esas biograRoberto Torretta definiría a María fías, que marcaron el desarrollo de de las Mercedes de Orléans y Bornuestra ciudad, se consultó a los bón, casada con Alfonso XII y que Cronistas de la Villa. En su selectuvo una muerte prematura. El moción no falta la aristocracia, el tea-

disto la imagina con mucho cuero, que para él representa ese deseo de modernidad, una levita y una falda con cremalleras. Por debajo de esa actualidad, Toretta le introduce un cuerpo de puntillas y un miriñaque de tul, que le cuelga hasta el suelo para mostrar la procedencia temporal del personaje. A la segunda hija de Carlos I, Juana de Austria, Ágatha Ruiz de la Prada le resta el negro (como suele hacer, por otra parte, en sus diseños), le suma el color plateado a un vestido con forma de Menina Contemporánea y le posa una gorguera blanca en el cuello y un corazón en el pecho. Manuela Malasaña, que ha quedado para la Historia como una de las heroínas de la Independencia, lleva el bajo de la falda cortada a tijeretazos y colgadas las tijeras que dicen que fueron la causa de su fusilamiento por el ejército francés en 1908. Destaca el mini vestido de flores de la Infanta Isabel, o el estilo de Luz Casal que a Antonio Pernas le inspira Consuelo Vello Cano (La Fornarina) o el rojo y el encaje que Roberto Verino le ha colocado a la Duquesa de Alba. Trece Mujeres. A partir del 13 de diciembre y hasta el 7 de enero en el Área de Gobierno de Economía y Participación Ciudadana (calle Gran Vía, 24). De lunes a jueves de 16.30 a 21.00 horas y viernes de 16.00 a 19.00 horas.

l miércoles, a las 22.00 horas, mi joven amigo marroquí Ahmed Dyane regresó a casa llorando, dolorido y humillado. Había cogido en Ventas la línea 2 de Metro y se pasó de estación porque se quedó traspuesto. En Cuatro Caminos, dos agentes de seguridad de poco más de 20 años le despertaron violentamente. Ahmed tenía todo en regla: su billete, su documento de identidad, su permiso de residencia (lleva más de 10 años en nuestro país). Pero ese par de descerebrados lo arrastraron fuera del vagón, lo esposaron, le taparon la boca para que no protestara (él lo hacía, claro, pedía ayuda a la gente, la mayoría también extranjeros que miraban la escena indignados, gritando a los vigilantes que dejaran tranquilo al chico), le golpeaban en las costillas, aplastaban su cabeza contra el suelo y, cuando intentaba levantarse, volvían a tumbarlo. La gente llamó a la Policía Nacional. Llegaron los policías, pero los de seguridad tardaron mucho tiempo en soltar a Ahmed alegando que habían perdido la llave de las esposas; hasta que más tarde la encontraron, las estuvieron manipulando con unos alicates, con el consiguiente daño en las muñecas de mi amigo. ¿Se puede consentir algo así? En Urgencias le han diagnosticado una fractura de dedo, dificultades respiratorias, contusiones en la cabeza. No se despierta así a un viajero. Pero estas bestias sí lo hacen cuando por ejemplo es marroquí. «Tú y los tuyos», le gritaban. Así actúan. Así trabajan por la seguridad, alimentando el odio. Insultan, dan palizas (me han contado varias: un amigo, hace poco, vio cómo golpeaban a un chaval negro) y pueden ser un peligro mortal: una amiga me recordó al día siguiente la terrible suerte del hijo de Paca Sauquillo, al que los seguratas sacaron a rastras del Metro porque se había desmayado, y lo dejaron tirado en la calle, en la boca de Lista, donde el pobre falleció. Ésa es la calaña de los vigilantes del Metro. ¿Sabrá la presidenta Esperanza Aguirre que la compañía de transporte recluta a jovenzanos que no dan los mínimos, incívicos, sin ninguna formación, xenófobos y racistas? Tenemos un problema, señora presidenta. Alguien tendrá que vigilar a los vigilantes: la administración, los poderes públicos. En general, tenemos un problemón con las compañías privadas de seguridad, que, como vemos, contratan a su personal sin apenas exigencias. Pero es intolerable que lo haga la compañía de Metro, un transporte público especialmente utilizado por los extranjeros. Es como poner al lobo a vigilar el rebaño.

Esperanza Aguirre, presidenta de la Comunidad de Madrid. / JULIO PALOMAR

Nacha Pop / Sube. El jueves se presentó la edición en DVD de los dos conciertos con que el grupo de la movida despidió su carrera en octubre de 1988, en la sala Jácara. Un documento que se daba por perdido y que revela el fin de una época dorada. 69 Pétalos / Sube. El local que lleva Jorge Albi (Alberto Alcocer, 32), además de club y discoteca, es un restaurante. Como tal abrirá sus puertas al público el día 15, pero la otra noche nos ofreció una opípara y divertida cena conspiratoria.

LKan / Sube. El miércoles 15, en Ocho y Medio (Mesonero Romanos), presentan su nuevo álbum, Discazo. Canciones incisivas y descaradas, querencia por el electropop de los 80. Nacho Canut y Jesús Ordovás pincharán con ellos.


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CARTAS

24 / 04 / 2004

MADRILEÑAS

AGENDA

Espe y Obélix

CONCIERTOS Pop-Rock. All Together Band actúan en Segundo Jazz Club a las 24. 00 horas. (Comandante Zorita, 8). La entrada es libre. En la sala El Sol (Jardines, 3), a partir de las 23.00 horas, actúa Malaracha. Clásica. La Fundación Orquesta Chamartín ofrece hoy en el Auditorio Nacional (Príncipe de Vergara, 156) un programa con obras de Smetana, Tchaikovsky y A. Dvorak. A las 22.30 horas. Flamenco. José Menese estará con su flamenco puro en Clamores (Alburqueque, 14) a las 22.30 horas. Jazz. Natalia Dicenta y Vicente Borland Cuarteto estarán en el Café Central hoy a las 22.00 horas. (plaza del Angel, 10)

Estimada presidenta de la Comunidad de Madrid: ¡menuda semanita! Primero le planta cara a Gallardón y a poco más monta un cisma en el partido a cuenta del Metro. Una vez superado el escollo, ahora a por la ministra de Educación, ¡anda que no! Mientras que el Gobierno de Zapatero se muestra contrario a la Ley de Calidad de la Enseñanza, usted da un paso al frente y saca su Ley con dos narices y un boletín (el BOCAM, órgano oficial de la Comunidad de Madrid). Se pasa por alto las recomendaciones que le sugieren esperar a la conferencia sectorial y hace oídos sordos a la moratoria que plantea Navarra. La Comunidad no quiere esperar más tiempo. La justificación oficial es que el curso que viene tienen que prepararlo y hay que sacar libros de texto.

La maquinaria oficial tiene que alimentar el horno de los docentes para que no se pare la combustión. Usted contra el resto del mundo le otorga estatus de compañera de Obélix en aquella pequeña aldea aislada de los romanos, la que resistía los envites de las legiones sin flojear la moral. La cuestión es saber de dónde saca la pócima mágica para no perder el ritmo, hasta cuándo va a fomentar su aislamiento sin tregua. También la imagino un poco Penélope, que teje durante el día y por la noche deshace para que le dure más el jersey, pero recuerde lo que decía Ortega: que todo esfuerzo inútil conduce a la melancolía. Razones tendrá para aguantar la apuesta, pero tenga en cuenta el desgaste que supondría dar marcha atrás y donde dije digo ahora me tengo que tragar un Decreto Ley del Gobierno de Zapatero. Con todo lo que supone de fracaso de ideas y de imprenta. Valor no le falta y personalidad tampoco, pero igual entre sus filas cunde el desánimo del que escribe versos en la orilla para que luego los borre el mar.

Tenga en cuenta que se ha quedado más sola que la una y que el timón ha cambiado de mano. Aunque le cueste reconocerlo y le salga la ministra de Educación que fue con el primer Gobierno popular. Empecinada y convencida navega ahora contra el viento, aunque me pregunto a qué precio. Titulares en los periódicos no le van a faltar y tampoco presencia en los medios, algo que le gusta especialmente porque los políticos alimentan el debate como los náufragos agitan la toalla. Pero ya que estamos en la semana de Cervantes, calcule vuestra merced si son gigantes o aspas de molino lo que tiene delante, no vaya a lanzar la caballería contra empresas que superan la mano del hombre. Rafael Martínez-Simancas

ESPECTÁCULOS

Guapo... ‘ma non troppo’

Danza. El XIX Festival Internacional de Madrid en Danza, que comenzó el 2 de abril, llega a su término mañana domingo con dos espectáculos de danza contemporánea y otro de baile flamenco que se podrán ver en Madrid y en San Lorenzo de El Escorial, respectivamente. Cine cómico. La Comunidad de Madrid ha organizado el Ciclo Cómicos del Cine Mudo, que dará comienzo hoy sábado en el centro cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas. Se han programado cinco sesiones en las que los espectadores podrán ver las mejores películas protagonizadas por Charles Chaplin y Buster Keaton. Teatro. Hoy a las 19.30 horas, en el Centro Cultural Moncloa (plaza de la Moncloa, 1) la compañía Karpas pone en escena la obra Música de ayer...gente de hoy. Mañana, a las 19.00 horas, la compañía Dispara representa El Lazarillo de Tormes. En el Centro Cultural Oporto, en la avenida de Oporto, 78 (Carabanchel).

Tiziano Ferro. El artista italiano canta hoy en el Palacio

VARIOS

El cantante Tiziano Ferro presenta hoy en Madrid su último disco. / DIEGO SINOVA

de Congresos de Madrid a las 21.30 horas en un concierto en el que presenta su último trabajo, ‘111’, al público español. B E AT R I Z P U L I D O

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n España se le conoce por sus canciones, su agitación rítmica en la pista, su voz peculiar, su nada desdeñable físico y un estilo de música que combina ritmos italianos con elementos del soul y del R&B Americano. Lleva su infancia aún prendida en el brillo travieso de sus ojos; en sus 24 años recién cumplidos y en Latina, una pequeña ciudad situada a 60 kilómetros de Roma, donde nació y donde sigue viviendo con su familia. Después del éxito de Rojo Relativo que le dio a conocer, su segundo disco 111, compuesto en memoria de los kilos que arrastraba al final de su adolescencia, le ha consagrado como uno de los cantantes italianos con mayor presencia internacional. Ferro ha iniciado una mini-gira por España y estará en el Palacio de Congresos de Madrid el próximo día 24 de abril. 111 ha sido calificado por la crítica como un trabajo maduro y completo. Desde su

primer trabajo, Rojo Relativo, que compuso con sólo 18 años, las circunstancias le hicieron crecer como persona. «El viajar sin descanso persiguiendo un sueño, el adaptarte a las situaciones, comiendo en cualquier parte o el dormir cuando se puede endurece el carácter. Todo eso se siente cuando uno escucha 111». Tiziano Ferro es un joven deshinibido y risueño que habla de la

lo único que le cuesta definir porque «es un camaleón que te engaña». Por eso no hay que tomárselo en serio, porque «no te da ni calor, ni satisfacciones, sólo cosas excitantes». La introversión de sus primeros años deja huella en sus canciones. «La música es el verbo con el que mejor me expreso». En ella dice cosas que no es capaz de manifestar de otra manera. Sus can-

EL HOMBRE DEL DIA CANTANTE Nació en Latina (Italia) el 21/2/80. Su primer trabajo, Rojo Relativo, lo compuso con 18 años. Con el segundo,111, se ha ganado el respeto de la crítica ./ Su música es una mezcla de soul, R&B y ritmos italianos felicidad y del sufrimiento como si la madurez le hubiera alcanzado antes de tiempo. Al cantante latino, que se inició en un coro de gospel, le gusta decorar las sensaciones y las emociones con colores, como hizo con uno de sus primeros éxitos Rojo relativo, donde el amor de una noche adquiría ese matiz fugaz. El éxito es

ciones son como «páginas de un diario» donde mezcla recuerdos, sensaciones y sueños que conquistar. Atrás dejó sus pretensiones de dedicarse exclusivamente a la composición cuando, antes de ser descubierto en 1998 por los productores Alberto Salerno y Mara Majonchi, deambulaba tristemente de puerta en

puerta con sus canciones bajo el brazo. Tiziano siempre ha dado mucha importancia a la letra, de la que se ocupa personalmente. Así se evita lo que le ha ocurrido con uno se sus últimos singles, Perverso, una canción que en Alemania y Francia ha sido traducida como Pervertido y varias cadenas la han censurado. Por eso Tiziano ha decidido componer su álbum 111 solamente en italiano y en español. Son los únicos dos idiomas con los se emociona de forma natural, «sin necesidad de pensar en la gramática». Después de trabajar durante mucho tiempo sin descanso, Ferro está pensando ya en tomarse un año sabático para volver a retomar sus sueños. «Ya he cumplido la mayoría de ellos. Ahora quiero reinventar mi vida privada, comprar una casa y pensar en lo siguiente». Hasta entonces le espera Madrid, una ciudad de color «rojo» que siempre le recibe «con mucho calor y que tiene hambre de música».

Fiesta solidaria. El parque de la Vaguada acoge hoy y mañana la décima edición de ‘Un Día para la Esperanza’, una fiesta solidaria dedicada a la mujer en el desarrollo, organizada por Intermón Oxfam en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid. Coral. En el salón de actos del Ateneo de Madrid (calle del Prado, 21) se podrá escuchar mañana domingo a la Coral Orfeón Moratalaz y a la Coral San Juan Evangelista. La actuación será a partir de las 19.00 horas. Feria de Abril. El Centro Cultural Federico García Lorca celebra hoy la Feria de Abril. A las 23.00 horas en la calle de Eugenia de Montijo, 105 (Carabanchel). Libros. Charla coloquio sobre El libro en todas sus dimensiones. En el Centro Cultural Fernando de los Ríos, en la calle de Camarena, 10, distrito de Latina.

RECOMENDABLE

Carnaval.

La plaza Mayor de Madrid será escenario hoy sábado, a partir de las ocho de la tarde, del Carnaval de Barranquilla, declarado por la UNESCO «patrimonio oral de la humanidad». Este espectáculo de danzas, cumbias, comedias, letanías y comparsas llega por primera vez a Madrid gracias a la Embajada de Colombia y la Junta Municipal de Centro. El Carnaval, que se celebra en Colombia desde hace más de un siglo, es una de las mejores expresiones de la alegría, ritmo, mestizaje y sentido libertario que caracterizan a la población caribeña.

Homenaje. Hoy sábado, a las 12.00 horas, se inaugura una escultura homenaje a Rafael Alberti que se ha sufragado mediante suscripción popular en Vallecas. El acto tendrá lugar en la calle de Rafael Alberti esquina con Los Andaluces. Habrá un recital de poemas además de banda de música y charangas.


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EL MUNDO. MARTES 23 DE NOVIEMBRE DE 2010

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RASTRILLO CHATEOS SOLIDARIOS Fecha: Del martes al viernes Local: Estación de Francos Rodríguez Horario: De 09.00 a 21.00 horas

Desde hoy y hasta el viernes, los invitados a los encuentros digitales de elmundo.es se trasladarán al Rastrillo de la Neurofibromatosis en Madrid. Es una manera de dar mayor visibilidad a esa cita benéfica. La XII edición del Rastrillo se celebrará hasta el sábado 27 en el hall principal de la Estación de Metro de Francos Rodríguez. Los fondos recaudados de la venta de los artículos que allí se ofrecen se destinarán a la investigación de esta enfermedad rara. Ana García-Siñeriz será la primera en contestar desde el Rastrillo. Lo hará el martes 23 a partir de las 12.00 horas. A las 17.00 h., El Langui tomará el relevo. El miércoles a las 16.00 h. se acercarán al espacio de los encuentros Andy & Lucas con Pido la palabra, su nuevo disco, bajo el brazo. El jueves a las 13.00 h. Carmen Posadas se pondrá a disposición de los lectores. Y a las 17.00 h. del mismo día, Macaco llegará con El vecindario, su grandes éxitos. Cerrará la semana Marta Robles el viernes a las 17.00 h.

BAILE ROMANTICISMO Fecha: 27 de noviembre, a las 23.00 h. Local: Ateneo (Prado, 21) Precio: 20 euros (si viste de época)

Con ocasión de la conmemoración del 175º aniversario de la fundación del Ateneo de Madrid, se pone en marcha la iniciativa de recrear aquel ambiente ateneísta de 1835 con la celebración de un baile romántico, que tendrá lugar el sábado 27 de noviembre, de 23.00 h. a 03.00 de la madrugada. El Ateneo de Madrid fue sin duda la entidad romántica por excelencia, ya que aquí se reunió todo lo que entonces tenía alguna significación literaria, científica y política, donde se pusieron en discusión los principios estéticos del Romanticismo, y fueron ateneístas ilustres románticos como: el Duque de Rivas, Olózaga y Lista, Castaños, el marqués de Molins y Zorrilla, Espronceda, Mesonero Romanos…. y Mariano José de Larra, el primer socio de la entidad. Para tal evento un Grupo de Cámara interpretará música para baile de época: minué, vals, polka, marcha, etc. Las estancias donde se desarrollará el baile lucirán adornos florales e iluminación con tradición romántica, con el fin de lograr la ilusión de un espacio del siglo XIX.

Ocio TONI ZENET Cantante y actor

«Cuando yo me pierdo vuelvo siempre hacia la voz del alma» BEATRIZ PULIDO

Sobre las tablas lleva una corbata desahogada que pone la tilde a una camisa blanca o negra remangada. En todas las actuaciones le verán coronado por un sombrero que le trae suerte. Así asoma Toni Zenet (Málaga, 1967). Por ese alivio que encuentra el ser humano en poner etiquetas al arte, el artista ha sido definido como el crooner andaluz o el Sinatra español. Aunque al cantante le falta una buena dosis de gravedad en la voz para ser lo primero y físicamente recuerda más al francés Aznavour que al cantante norteamericano. Después del rotundo éxito que supuso su primer disco Mares de China, hoy sale a la venta su esperado segundo trabajo Gente con mucha calle, algunas de cuyas canciones presenta esta noche en la Sala Galileo dentro del proyecto Girando por Salas (GPS). Aunque dicen que el segundo disco suele ser el más importante en la vida de un cantante, Toni es consciente de que el público aún le sigue descubriendo y no tiene prisa, ni temor. «Los ingleses suelen decir: ‘Si no está roto no lo arregles’. Si lo que hemos hecho hasta ahora parece que ha gustado por qué no seguir haciendo lo mismo». En este segundo disco han investigado un poco más en otros sonidos que no habían frecuentado en el primero. «Hemos trabajado con todas esas armonías que se fueron un día en barco a Sudamérica y volvieron transformadas». Zenet ha cogido una maleta y se ha embarcado por el Mediterráneo para descubrir en esa ruta que «un sirtaki se parece a la canción napolitana y esa misma armonía desarrollada se parece al fado y si continúas con esta última llegarás inevitablemente al tango».

La esencia de una nota Es difícil encasillar a Zenet y a su banda y a él mismo no le gusta demasiado que lo hagan. «Hacemos música popular antigua. Las revisamos y modernizamos sin alejarnos de la regla principal. Pasamos de ser ortodoxos a heterodoxos, un poco como la reforma del flamenco que hizo Camarón». ¿Y cuando se pierde? «Cuando me pierdo vuelvo siempre hacia la voz del alma», afirma. «Vuelvo a la esencia de una sola nota que te pueda llevar a casa». Esa nota la busca en la copla que escuchaba en casa de su abuela o en las armonías anglosajonas que sonaban en su propia casa cuando era niño. Zenet escuchaba decir que el español no servía para cantar

EL MUNDO

jazz y él se resistía a creerse esa afirmación: «Yo creo que todo depende de cómo lo cantes, si lo cantas con un español sudamericanizado, o andaluceado, parece que quita vértices en la pronunciación de la lengua, lo que te permite fluir en la melodía». Muchos de sus temas, como ese gran éxito de su primer álbum Soñar contigo, nacen con la

«Trabajamos con las armonías que fueron a Sudamérica y vuelven transformadas» «Las grandes melodías estaban antes que nosotros. Los grandes temas se descubren»

contundencia que poseen los clásicos. Algo que tiene que ver con la poesía que imprime en las letras Javier Laguna, la armonía de José Taboada y la calidad de los músicos que tiene detrás, «gente con mucha calle», como él mismo dice. «Las grandes melodías estaban antes que nosotros», dice Zenet y asegura que los grandes temas no se inventan sino que se descubren: «Como decía Picasso, si te pilla la inspiración que te pille trabajando». Así que él trabaja, compone, ensaya esperando esa chispa, ese «secreto de la melodía» que una vez descubierta le permita edificar todo lo demás. La primera edición de Girando por Salas (GPS), dentro de la que actúa Zenet esta noche, es una iniciativa del Ministerio de Cultura. El proyecto ha seleccionado a 50 artistas emergentes, escogidos entre más de 500 grupos para que toquen en salas de

programación estable de música en vivo de toda España. Alrededor de 200 conciertos de pequeño y mediano formato se celebran en los meses de noviembre y diciembre en todo el país. El proyecto pretende ofrecer una oportunidad a nuevos grupos de actuar en un circuito por distintas salas y ser conocidos en otros lugares más allá de donde suelen realizar sus bolos. Zenet, como artista consagrado, dará esta noche la alternativa a La Canalla en la sala Galileo. GPS ha programado en siete ciudades un concierto de lanzamiento que contará con artistas ya consolidados del actual panorama musical español, como Amaral, La Excepción o Barricada, que actuarán a modo de artistas mentores de los grupos emergentes. Zenet. Esta noche, en la Sala Galileo Galilei (Calle Galileo, 100), a partir de las 21.00 horas


O.J.D.: 315685 E.G.M.: 1348000

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Fecha: 17/04/2009 MADRID EL Sección: MUNDO. VIERNES 17 DE ABRIL DE 2009 Páginas: 10

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Ulises desembarca en el Real Escena. La ópera de Monteverdi, dirigida por

Pier Luigi Pizzi y William Christie, se estrena esta noche en el coliseo madrileño

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BEATRIZ PULIDO

e las tres formas de mirar y representar el mundo artística o estéticamente: de pie, de rodillas o levantado en el aire, que escribiera Valle Inclán, Pier Luigi Pizzi, el director artístico de Il retorno d’Ulisse in patria, (El regreso de Ulises a su patria) se rinde a la genialidad de esta obra: «Yo la veo delante y de rodillas», admitía durante la presentación de la ópera de Claudio Monteverdi. Y desde esa altura ha dado forma a este poema épico de dioses y hombres. Coproducida por el Real y la Fenice de Venecia, esta ópera de 1640, que se estrena esta noche, se asoma por primera vez a los escenarios españoles. Forma parte de la trilogía que el coliseo madrileño empezó a representar la pasada temporada con L’Orfeo y que se completará la que viene con L’incoronazione di Poppea. Todas ellas dirigidas por el propio Pizzi y el director musical,

William Christie, que ya han demostrado hablar el mismo idioma y cuya relación profesional ya fue definida alguna vez por ambos como «una alquimia perfecta que comunica y da placer». Ítaca es en los ojos de Pizzi una tierra perdida en el tiempo, la antesala del mundo homérico donde se encuentran héroes, dioses y hombres. El artista italiano se refugia en la simplicidad, no emplea demasiados aspavientos ornamentales, más que un puñado de arena blanca de playa, algo de vegetación y un ves-

La diosa Juno trata de convencer a su esposo Júpiter de que proteja a Ulises. /J. DEL REAL

tuario, también intemporal, en el que se distingue muy bien al dios del hombre. «Para comprender a Monteverdi hay que abrir una perspectiva hacia el pasado, hacia el Renacimiento. Allí todo es importante. Nada es superfluo. No se puede comprender una obra como ésta si no se tiene en cuenta toda la cultura que hay detrás», afirmaba el italiano. Pizzi dio clara muestra de su interés por esta época de la Historia de la Humanidad y su apabullante riqueza cultural, un momento «en el que la belleza y el arte tenían mucho sentido. Todo ello era cotidiano y no un lujo». Y comparaba los personajes de Monteverdi con los de Shakespeare. «Los personajes cómicos y dramáticos se mezclan. La armonía es perfecta», añadía el director italiano. En la ópera hay dioses y hombres, pero dentro de los hombres hay nobles y mendigos. Precisamente de uno de los personajes que pertenece a una extracción más humilde, el mendigo Iro, se dice que representa el primer papel cómico importante de la historia de la ópera. Cada uno de ellos tiene una forma de cantar que el compositor le asigna teniendo en cuenta su origen. «Éste es un teatro extremadamente moderno, que no necesita actualizarse en absoluto», concluía Pizzi. Los personajes hablan de los grandes dilemas del ser humano: el amor, la muerte, el tiempo y la amistad. El maestro italiano ha buscado una escenografía en la que predomina «la sencillez y la economía de medios. No minimalista o pobre», sino que «forma parte de una trilogía. Quien haya visto L’Orfeo verá un estilo reconocible». En el vestuario, ha perseguido «la credibilidad de cada personaje». Aunque se puede decir que los dioses parecen estar fuera del tiempo o inmersos en esa intemporalidad que poseen las estatuas de mármol griegas, con sus túnicas vaporosas. Mientras que las ropas de los mortales están más actualizadas. Compuesta 33 años después que L’Orfeo, Il retorno d’Ulisse in patria introduce en la historia de la ópera una nueva forma de entender este espectáculo. Es una de las primeras representaciones que se hace en un espacio público, ante espectadores que han pagado una entrada, alejada de los mecenazgos palaciegos y el proteccionismo que caracterizaban a aquella época. Monteverdi la compuso con 70 años de edad y fue ésta la primera ópera

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Diferentes escenas de la representación en las que, entre otras cosas, aparecen Ulises (Kobie Rice), disfrazado de mendigo, o el personaje de Melanto instando a Penélope (con vestido morado) para que encuentre un nuevo amor./ JAVIER DEL REAL

que compuso para el público veneciano. El libreto escrito por Giacomo Badoaro, inspirado en los Cantos homéricos XIII a XXIII del poema La Odisea, narra el regreso del héroe Ulises a su tierra después de 20 años de infructuosos intentos de volver tras la Guerra de Troya. «L’Orfeo es una de las grandes óperas que se hayan escrito, L’incoronazione es de una belleza increíble pero en ésta de Il retorno d’Ulisse hay una unidad de acción que no está presente en las otras dos», afirmaba Christie, que admitía sentir cierta predilección por esta obra: «De las tres, esta ópera es la que mejor encaja el libreto con la música», añadía el creador del grupo Les arts florissants, especializado en música barroca, que acompaña al elenco de cantantes desde el foso. Más que desde el foso, se puede decir que el grupo y sus espectaculares instrumentos antiguos, bajo las directrices escénicas del maestro Pizzi, han escapado de esa zona baja del teatro y se han vertido casi en el regazo del público. Desde allí evocan los colores expresivos que le hacían falta al drama. «Un drama que es el que particularmente más me toca», añadía Christie, «porque viene de la ausencia de alguien y el posterior reencuentro con alguien. Ningún compositor lo ha tratado mejor». Los cantantes emplean esa comunicación que establece Pier Luigi Pizzi con el público empleando las puertas de acceso al patio de butacas para irrumpir en la escena y alcanzar desde allí el escenario sin dejar de cantar. El director musical franco-americano se mostraba muy satisfecho del estreno absoluto en nuestro país de esta obra. «Es una tragedia mediterránea convertida en universal. Me conmueve que sea la primera vez que se trata en España y siento curiosidad por ver cómo va a afectar al público español». En cuanto al reparto, el director artístico del Real, Antonio Moral quiso destacar la juventud de los participantes. Algo que se manifiesta en casi todo el elenco «salvo en los papeles de Ulises y Penélope», que requerían cierta madurez y que se reparten Kobie van Rensburg y Christine Rice. Junto a ellos se dan cita otros nombres como Claire Debono, Ed Lyon, Humberto Chiumno y Marina Rodríguez Cusí. Il retorno d’Ulisse in patria. Hasta el próximo 30 de abril, en el Teatro Real (Plaza de Isabel II, s/n).


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EL MUNDO. JUEVES 27 DE ENERO DE 2011

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Ocio vertida en una especie de «obsesión» que de alguna manera asegura que le consume, está asegurada, pues su hijo, (como lo fue su padre) es también restaurador de violines.

Instrumentos como armas Muy comprometido también con el proyecto de los violines de la esperanza, el violinista Shlomo Mintz explica el espíritu de este proyecto: «La voz de los violines ha de servir para recordar lo que pasó y el valor que tiene cualquier vida humana. También han de servir como un puente para construir un mundo mejor. Los instrumentos han podido ser empleados incluso como armas, para distintos fines, pero en nuestro caso representan la esperanza. La música es la mejor manera de expresarlo cuando las palabras fallan. Incluso los alemanes se dieron cuenta del poder de sugestión de la música y permitieron estas orquestas con ciertos propósitos. El sonido no tiene fronteras. Tenemos que procurar mantener ese espíritu». Shlomo Mintz tocaba hace unos años en Auschwitz, en el mismo lugar en el que dramáticamente sonaron en el pasado. Para Amnon Weinstein «ese acto significó el triunfo definitivo sobre el nazismo». Amnon Weinstein, a la izquierda, y Shlomo Mintz, con dos de los violines de la memoria, que tocarán hoy en el Auditorio Nacional. / ÓSCAR MONZÓN

Los cuatro violines de la esperanza Concierto. Shlomo Mintz toca hoy uno de los

instrumentos ‘testigos’ del Holocausto, recuperados por el lutier Amnon Weinstein BEATRIZ PULIDO

El músico toca un violín con la estrella de David esculpida en el lomo y consigue hacer vibrar la habitación. El violín que exhala esos sonidos no es un violín cualquiera. Tampoco el músico es un músico más. Juntos lanzan una melodía que se mece entre la agonía y la esperanza. Cuando acaba, el violinista deja henchirse el silencio con los ojos cerrados. El ensayo ha resultado más que satisfactorio. Los llaman los violines de la esperanza. Son testigos del Holocausto. Desde hace unos años viajan por el mundo contando su experiencia. Algunos de ellos han quedado marcados de por vida, como los dueños de los dedos que los hacían vibrar. Amnon Weinstein, convencido de que los objetos tienen memoria, los conoce a todos. Como un detective, este famoso lutier, que huyó con sus padres de Lituania justo antes de que llegaran los nazis, ha seguido la pista de los instrumentos hasta reunir 27. En su taller de Tel Aviv los ha recompuesto por dentro y por fue-

ra y ha reconstruido su historia. Cuatro han viajado con él a Madrid. Uno de ellos sonará en el Auditorio Nacional de Música esta tarde como parte de la celebración del Día Oficial de la Memoria del Holocausto y la Prevención de los Crímenes contra la Humanidad, que se celebra cada 27 de enero y que ha organizado la Casa Sefarad-Israel junto con otros actos. Serán los dedos del moscovita Shlomo Mintz, uno de los más prestigiosos violinistas del mundo, quien lo toque.

Violines encerrados Los instrumentos que vivieron la experiencia de los campos de concentración tienen la parte superior más desgastada que la inferior. «Las duras condiciones climatológicas y el hecho de ser empleados en el exterior tuvieron la culpa de ese mayor deterioro», dice Weinstein, que ha llegado a tardar más de un año y medio en restaurar uno de ellos que le llegó hecho trozos. Dice que «no hay instrumento más judío que un violín». Muchos

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Violines de la memoria. Hoy, a partir de las 19.00 horas. En el Auditorio Nacional de Música (Príncipe de Vergara, 146). Imprescindible invitación.

de ellos fueron destruidos tras la II transmitir al mundo el sonido de Guerra Mundial porque llevaban estos violines. Perdimos 6 millones como un sello indeleble su proce- de personas. Tenemos algunas fodencia germana y el recuerdo de lo tografías, algunos libros, pero no Oddd4ddddd sucedido se hacía insoportable. tenemos el sonido de aquel mo«La guerra porta en su seno histo- mento. Estos violines lo pueden >Vea hoy en EL MUNDO en Orrias conflictivas y contradictorias. restaurar». Los otros violines los ha byt la entrevista con Amnon WeEs importante que las conozcamos conseguido en los últimos 12 años. instein y Shlomo Mintz y escutodas», admite el otro protagonista La continuación de su labor, con- che los violines de la memoria de este proyecto, Shlomo Mintz. Algunos músicos judíos los tocaban mientras que otros eran conducidos a las cámaras de gas. Cada uno de ellos lleva impresa con un sello invisible e indeleble su historia: la del niño bielorruso, virtuoso del violín, al que los alemanes hicieron tocar en la cantina todas las noches. Fue amontonando paquetes de dinamita que hizo explotar una noche matando a más de Enfermeras y militares soviéticas acompañan a los supervivientes de Auschwitz. / REUTERS 200 soldados alemanes; el de Alma Rose, la sobrina de Mahler, que creó su propia orquesUna fecha para no olvidar jamás ta dentro de uno de los campos de > El 1 de noviembre de 2005, la Asamblea General de las Naciones concentración; el de algún superviUnidas designó el 27 de enero Día Internacional de Conmemoración viente que oyó hablar del proyecto anual en memoria de las víctimas del Holocausto. Se eligió esta fecha y lo cedió desinteresadamente a porque el 27 de enero de 1945, el Ejército soviético liberó AuschwitzWeinstein. Veintisiete ha reunido Birkenau, el mayor campo de exterminio nazi. ya el veterano lutier. El último que ha adquirido, nos asegura, estará >Se calcula que en Auschwitz fueron asesinados entre 1,5 y 2,5 milisto en unos meses. llones de personas, la gran mayoría de ellas judías, además de eslaEl primer violín se lo llevaron havos, prisioneros de guerra... Otro medio millón de personas murieron ce 40 años. Sufrió tanto restauránpor enfermedades y hambre. Más de seis millones de judíos falleciedolo que juró que no volvería a toron durante la II Guerra Mundial mediante gas venenoso, balas, horcar otro. «Es bueno cambiar de opicas, porras, puños, hambre y trabajo extenuante. nión. Al toparme con su historia comprendí la importancia de poder


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EL MUNDO. DOMINGO 18 DE JULIO DE 2010

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

MADRID

Visita teatralizada al castillo-palacio de los Mendoza Paseos nocturnos con actores vestidos de época por la fortaleza de Manzanares BEATRIZ PULIDO

La visita comienza con la noche desplomándose por el patio corredor. Son las 21.30 horas y los invitados se concentran en torno a un malabarista que les entretiene con arriesgados juegos de fuego que ejecuta a ritmo de una música renacentista. El pasado viernes se abrían de par en par las puertas del Castillo de Manzanares el Real, joya del último gótico civil hispano aunque con influencias renacentistas italianas. Así comenzaban las visitas teatralizadas nocturnas, programadas para los viernes y sábados (en dos pases, a las 21.30 y a las 22.30 horas), que se prolongarán hasta el último sábado del mes de agosto.

La fortificación fue remodelada siguiendo las directrices estéticas del siglo XV Desde lejos, el Palacio de los Mendoza, asentado sobre la falda de la sierra de la Pedriza, había sido teñido de una luz ocre correspondiente a la época estival en la que estamos. El misterio de un pasado remoto envuelve torres, matacanes y almenas. Desde cerca se palpa el magnífico estado de conservación de la piedra. Ya en el interior de la fortificación, declarada Monumento Histórico Artístico en 1931, se aprecia la moderna remodelación de la mayoría de las salas, algo que se hizo siguiendo las directrices estéticas del siglo XV. La brisa nocturna alivia el sofoco de los visitantes. Don Pedro de Zúñiga y Salcedo y Doña Isabel Asensio,

personajes del siglo XVII, ataviados con trajes de época, servirán de anfitriones a niños y mayores y les conducirán, con un verbo cargado de ironía, por algunas de las estancias del Palacio. El encuentro entre los huéspedes y los nobles tiene lugar en el zaguán y su viaje por la Historia se iniciará subiendo por una monumental escalera de piedra. Propiedad de la Casa Ducal del Infantado, y administrada por la Dirección General de Turismo de la Comunidad de Madrid, el castillo de los Mendoza es una fortaleza-palacio de estilo gótico isabelino que empezó a construirse en 1475. Es lo que explica el matrimonio que conduce a los visitantes a través de los siglos gracias a los históricos objetos que se van encontrando a su paso: pinturas de caballete, armaduras, tapices y muebles de diferentes épocas. Aunque apenas albergan objetos originales de los Mendoza, cada estancia tiene su particular encanto. Juntos recorrerán el patio porticado, el zaguán, la sala Santillana, la sala del Infantado, el estrado de las Damas, la alcoba y el oratorio o la galería Juan Guas. Primero las damas y más tarde los caballeros, guiados por doña Isabel de Asensio, accedían al estrado de damas, una preciosa habitación en la que las mujeres cosían, leían, recibían a otras damas, rezaban. La señora les desvelaba la ventana mirador con parteluz; a través de ella se descubría una postal extraordinaria, con la apagada y misteriosa lengua del embalse de Manzanares al fondo. Todos juntos pasarán a la última estancia. Lo que ayer era biblioteca hoy ha sido «reconstruido» como aposentos y oratorio

Unos visitantes se asoman por una ventana de la fortaleza durante la noche. / FOTOS: DIEGO SINOVA

Los actores, en una representación en una de las salas del castillo.

privado, que era frecuente en las casa y palacios de los nobles. El paseo por el adarve almenado dará por concluida la visita de 45 minutos. En él destaca la galería de Juan Guas con arcos rebajados y decorados con tracerías ojivales. Recorriendo los pasillos exteriores los forasteros divisan la fiesta de luces que forman todos los pueblos de alrededor. En el horizonte descansa inmutable el embalse de Santillana, bajo una luna creciente. Aún brilla la luz de la agonizante Bola del Mundo en la cima de la montaña. Cincuenta escalones de piedra que se precipitan en un angustioso y angosto descenso conducen a los visitantes de nuevo al patio corredor donde el malabarista ejercita de nuevo sus primeros números para los siguientes invitados. Los visitantes se alejan echando un último vistazo a aquel palacio envuelto en el mismo misterio nocturno pero ya un poco más desvelado.

Una de las parejas que participó en el concurso de ayer. / ALBERTO DI LOLLI

primero de ellos. «Las chicas se suelen dejar llevar, pero es que en este caso llevamos el baile los dos», aclaraba, a su derecha, su novio y compañero artístico. Javier Checa, presidente del portal organizador, resaltó que este evento constituye «una apuesta firme por la tolerancia y la visibilidad del colectivo gay y lésbico, abierto a todos aquellos profesionales que quieran mostrar su arte sin miedo a etiquetas». El público que abarrotó el Lara vibró durante horas con un concurso original y diferente. El propio Checa y Antonio David Flores, famoso por su matrimonio con Rocío Carrasco, hicieron de maestros de ceremonias. Un jurado formado por doce expertos en la materia valoraron qué pareja de baile desplegó mejor su creatividad en el escenario. El evento fue también un medio de promoción de la Expo Gay que se celebrará en el mes de octubre en Torremolinos (Málaga).

Un tango por la igualdad sexual Ventiuna parejas participaron ayer en el primer campeonato de baile gay VÍCTOR MARTÍNEZ

Música, ¡y a bailar! El teatro Lara, en la corredera baja de San Pablo, ejerció ayer de pista de baile multiusos. Desde las 15.00 horas, y hasta bien avanzada la noche, decenas de parejas homosexuales se disputaron, a ritmo de tango, vals y pasodoble, el primer campeonato de España de baile gay. Un certamen organizado por el portal Reservasgays.com en el que participaron un total de 21 parejas, 11 masculinas y 10 femeninas, llegadas a la capital desde muy diversos puntos del país. «Hay gente de Cór-

doba, Sevilla, Baleares...», comentaba uno de los organizadores. Eso sí, todos los participantes compartían un mismo objetivo: probar una nueva experiencia y adquirir un cuantioso premio en metálico. Una de las coreografías más aplaudidas fue la desplegada por Jesús y Luis, una pareja de profesores de baile residentes en Barcelona. Aún sudorosos tras su actuación, ambos comentaron entre bambalinas su experiencia. «Nosotros estamos acostumbrados a bailar con chicas, y hay un gran cambio cuando tu pareja es otro hombre», explicaba el


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EL MUNDO. JUEVES 7 DE ABRIL DE 2011

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Exposición

Una mirada diferente sobre Akira Kurosawa EDURNE URRETA

Una ‘Luisa Fernanda’ muy tecno Escena. La conocida obra del maestro Torroba se estrena mañana en el Teatro de la Zarzuela

con un moderno diseño escénico en el que se recrean ambientes animados de Madrid BEATRIZ PULIDO

Es uno de los títulos más emblemáticos de la lírica española. Luisa Fernanda consiguió, junto con Doña Francisquita, renovar el género que hasta entonces venía arrastrando el calificativo de chico. El maestro Federico Moreno Torroba devolvió la zarzuela a su condición natural de los tres actos y la vistió con otros vuelos más operísticos, que la hacen hoy perfectamente reconocible. El estreno mañana en el Teatro de la Zarzuela (aunque ya fue presentada hace unos días en Oviedo) de Luisa Fernanda es siempre un acontecimiento cultural. Más si cabe teniendo en cuenta las circunstancias en las que se presenta y la seriedad de esta producción. Esta zarzuela, la penúltima de la temporada, es la última que dirige Luis Olmos, que se despide este año de la dirección del teatro, un cargo que ha ocupado desde 2004. Olmos admitía sentirse emocionado y agradecido a todo el equipo. «Cuando entré no tenía enemigos, luego tuve alguno. Yo he hecho lo que he podido en todo momento. Esta zarzuela me parece un final perfecto». Si hay algo que caracteriza a esta producción es la fidelidad a la obra original. «Luisa Fernanda sigue siendo uno de los títulos clásicos del gran repertorio», admitía el director musical Cristóbal Soler, que prefiere la consideración de género lírico español para definirla. «La partitura no tiene desperdicio».

Entre los cantantes asoman voces nuevas que gana el género, como la de Cristina Gallardo-Dômas, chilena de nacimiento y nacionalizada española quien asumía conscientemente el doble reto de entrar en el campo de la zarzuela y hacerlo con uno de los títulos más emblemáticos del repertorio. «Ésta es

narios del mundo se detiene ahora en este género que posee «un riesgo emocional y técnico evidente para cualquier cantante de ópera». Estos últimos suelen coincidir en la dificultad añadida que supone para la garganta el pasar de la parte cantada al diálogo hablado. «Ésta es una disciplina muy delicada y difícil y a mí me gustan los retos», aclaraba la sopraDESCUBRIMIENTO no, que comparte escenario con Yolanda Auyanet, Susana Cordón y María Rey-Joly; se turnan Carlos Bergasa y César San Martín, con Juan Jesús Rodríguez En cuanto al reciente descubrimiento de para interpretar a Vidal unos fragmentos inéditos de la zarzuela Hernando y José MaLuisa Fernanda, que eran anunciados hace nuel Zapata, Enrique tan sólo unos días por los responsables del Ferrer y Alex Vicens en Centro de Documentación y Archivo el papel de Javier. (CEDOA), los directores musicales de esta Sobre el escenario producción del Teatro de la Zarzuela, la historia de amor enCristóbal Soler y su ayudante Oliver Díaz, tre Luisa Fernanda, admitían que no han tenido tiempo una joven pueblerina, material para incluirlos cambios en la y el ambicioso soldado partitura. «Ya habíamos resuelto las Javier, que desde su transiciones escénicamente. Lo que es estreno en 1932 ha siseguro es que en el futuro los incluiremos», do más de 10.000 veadmitía Soler. ces representada. En el diseño escénico preuna producción equilibrada en la domina una tecnología que asoma que todo llama la atención pero en forma de pantallas de leds que nada sobresale por encima del res- recrean ambientes animados de to». Madrid, gracias a los zooms, traGallardo-Dômas con una trayec- vellings, picados o contrapicados toria a cuestas innegable interpre- de cámara. Un contraste entre lo tando a las heroínas verdianas y clásico y la propuesta creativa que puccinianas sobre los grandes esce- no por ello deja de transmitir la

Fragmentos inéditos

atmósfera de la época. Durante la rueda de prensa hubo tiempo para la queja, como la que profirió uno de los cantantes, Juan Jesús Rodríguez ,quien recordaba las recientes declaraciones del director Gerard Mortier aludiendo al inferior estilo y técnica de los cantantes líricos españoles.

Críticas a Mortier «Los cantantes españoles carecen de estilo. Cantan un aria de Verdi como si fuera de Puccini», decía el director belga. Para Rodríguez aquellas fueron unas declaraciones «muy desafortunadas» y concluyó asegurando que «los artistas españoles están actuando en todas las plazas internacionales excepto en el Real». Algo que vinieron a corroborar algunos de los presentes, como Cristina Gallardo-Dômas quien admitió que la contratación de Mortier en el Real supuso dos cancelaciones con el Teatro Real. «No le gustan los cantantes que expresen sentimientos» y añadió que «es imposible que conozca a todos los cantantes españoles». El director del Teatro, Luis Olmos, quiso zanjar el tema admitiendo que «hay cantantes que pueden cantar de todo. Quizá sea una falta de conocimiento. Si viene a esta representación Mortier, que vendrá, se dará cuenta de que tiene que rectificar lo que ha dicho». Luisa Fernanda. Del 8 de abril al 22 de mayo. Teatro de la Zarzuela.

Uno de los dibujos de Kurosawa .

ción. Con ellos trabajaba el encuadre, la psicología y las emociones de los personajes. ‘La mirada del samurái: Los dibujos de Akira Kurosawa. Hasta el 12 de junio. Museo ABC de Dibujo e Ilustración. Amaniel, 29-31.

Impreso por Joaquin Pulido Cordero. Prohibida su reproducción.

Una escena de ‘Luisa Fernanda’, que mañana se estrena en el Teatro de la Zarzuela. / EL MUNDO

Fue uno de los grandes maestros del cine, un genio de la imagen al que se rindieron realizadores como Geoge Lucas, Francis Ford Coppola, Jim Jarmush o Sergio Leone. Una exposición nos acerca a la figura de Akira Kurosawa a través de los storyboards originales de sus últimas películas. La mirada del samurái: Los dibujos de Akira Kurosawa muestra en el Museo ABC de Ilustración 120 dibujos que el director japonés realizó como base para el rodaje de seis filmes. Además, la muestra se completa con dos kimonos originales utilizados en Ran, la proyección de fragmentos de algunas de sus películas y 25 carteles originales de su filmografía. «Se trata de un acercamiento novedoso al cine de Kurosawa en el centenario de su nacimiento, una aproximación explicativa y didáctica del proceso de creación de sus películas y de su influencia en iconos del cine como Star Wars, Kill Bill o Por un puñado de dólares», señala el comisario de la muestra, el catedrático de Historia del Cine Josep María Caparrós. Él mismo se puso en contacto con los hijos de Kurosawa para conseguir los dibujos, que califica de «partituras plásticas». Con la exposición, que ha pasado por La Alhóndiga de Bilbao, Caparrós se ha propuesto recuperar al maestro japonés para los jóvenes. «Creo que no es muy conocido, a pesar de que es uno de los 10 mejores realizadores de la historia del cine, un genio con una vida artística más allá del cine». Kurosawa, descendiente de samuráis, realizó 2.000 dibujos de sus últimas películas, a raíz de ciertos problemas de financia-


ARTÍCULOS VARIOS


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EL MUNDO / AÑO VII

VIAJES

Nº 90 / OCTUBRE 2009

ESPECIAL / TURISMO INTERIOR pa con los modernos pies del santo Pedro de Alcántara que refulgen en una de las esquinas del templo con un brillo de besos. La estatua parece ser la última nota que se añadió a la sinfonía de este templo gótico levantado cuando empezaba a caminar la Reconquista y que fue incorporando elementos arquitectónicos en los siglos XV y XVI. Muy, muy de cerca se hace perceptible la impaciencia de la melva brotando de la comisura de la piedra (siempre la piedra). Y es que nadie podrá desterrar jamás a la Naturaleza de su propia casa. Siguiendo la ruta del adarve se puede cruzar la imaginaria Puerta de Mérida. El noble que se quedó prendado de esa parte de la muralla para construir su palacio en el mismo sitio sabrá por qué hoy la puerta, una de las cuatro que habitaban la muralla almohade, es sólo el nombre de una calle. En la Plaza de San Jorge las dos torres blancas de la iglesia jesuítica de San Francisco Javier, vigías del siglo XVIII, relampaguean en el corazón de la parte antigua. Ellas, como el propio edificio al que sirven, nunca terminaron de encajar del todo con la fisonomía cacereña.

La piedra es el elemento característico de la hermosa Ciudad Monumental de Cáceres, gran cruce de caminos. / FOTOGRAFÍAS: AGE FOTOSTOCK

CÁCERES De lejos, esta ciudad Patrimonio de la Humanidad apabulla con sus cruces al viento y ocultando, sin querer, su pasado árabe y judío

La atalaya del tiempo 5

BEATRIZ PULIDO

Pocas ciudades transmiten con tanta intensidad el peso del tiempo como Cáceres. El viajero que se adentra en sus viejas arterias y venas descubre que el tiempo asoma por todas partes como la propia piedra que sostiene a la Ciudad Monumental. Desde lejos, Cáceres apabulla ondeando sus cruces al viento, ocultando, sin querer, su pasado árabe y judío. En aquella silueta di-

bujada en lo alto, uno parece escuchar un solo latido medieval, un solo tiempo pasado, un solo silencio sobrecogedor y, sin embargo, al traspasar el Arco de la Estrella descubre con inquietud que, entre una piedra y otra, hay muchos siglos de diferencia, y que esa armonía temporal, que como un halo revestía la parte antigua, es sólo una apariencia. Para adentrarse en la Ciudad Monumental uno suele buscar la dignidad que le ofrece el

mencionado arco del XVIII sobre la Puerta Nueva. Si al entrar a la ciudad el arco es puerta, al salir se convierte en marco que contiene la modernidad que se intuye más allá de las imaginarias murallas, donde el nuevo Cáceres respira y vive orgulloso de su pasado. Uno puede serpentear sin plano por los estrechos pasillos que una y otra vez le conducen a la plaza de Santa María, donde descansa la concatedral homónima. Allí se to-

TIEMPOS DE CONQUISTA. Desde allí arriba se siente palpitar este otro Cáceres de cúspides y púlpitos, de palacios y templos, de señores y peleas feudales. Saluda de costado la Casa de los Golfines de Abajo que en su fachada muestra orgullosa, como una cicatriz, el único escudo de los Reyes Católicos que asoma en esta ciudad callada. Recuerda que aquella es tierra de los Perero, los Ovando, los Carvajal, los Saavedra, los Vargas o los Solís, a los que la aventura de la conquista americana llenó los bolsillos. Hay hasta un Toledo-Moctezuma, emparentado con el emperador azteca. El eco de aquel antiguo esplendor se aprecia desperdigado por la ciudad monumental en sus casas principales, que no son ni casas, ni palacios, sino casas fuertes: con alma de palacio y vestido de fortaleza. Se percibe ese rumor inconfundible que exhalan las alturas, una especie de ronroneo atemporal proveniente de los tejados. Hay quien cree que son sus torres, desmochadas, ocultas, olvidadas, secuestradas, reconvertidas, cambiadas de nombre, compañeras en el techo de este mundo que habita más allá del tiempo de los hombres. Apenas un puñado de ellas sobrevive hoy y divulga con voz de roca sus más ocultos secretos. La angostura parece ser la nota urbana predominante de esta ciudad que respira, por fin, al llegar a una Plaza Mayor en la que el mercader, el buhonero y el trovador se han transformado en comerciante, músico, paseante, turista y comensal. La última clase de gentío en asomar ha sido la juventud exaltada con cánticos y vasos de calimocho. Allí convive el tiempo de forma pacífica: desde la torre de Bujaco, ataviada con matacanes de piedra, que le otorga desde el siglo XII a la Ciudad Monumental el acento de fortaleza, hasta los restos de la muralla almohade del siglo XIII, un abrevadero plateresco, una

GUÍA CÓMO LLEGAR La forma más cómoda de llegar a Cáceres es en coche. El principal acceso es la A-5 (Autovía de Extremadura entre Madrid y Lisboa). También se puede llegar en autobús desde diferentes puntos de España. La estación se encuentra en la calle Túnez, s/n. (Tfno: 927 232 550. Internet: www.estacionautobuses.com). DÓNDE DORMIR Hotel Albarragena (Pizarro, 10. www.albagarrena.com). Muy cerca de la Ciudad Monumental, se trata de una hermosa casa solariega familiar levantada a finales del siglo XVIII y habilitada como hotel en este 2009. Cuenta con 18 habitaciones repartidas en dos plantas. Una de ellas es una suite. Su restaurante Torre de Albarragena está especializado en cocina tradicional extremeña. De 65 a 110 euros. NH Palacio de Oquendo. (Pza. San Juan, 11. Tfno: 927 215 800. www.nhhoteles.es). Renovado completamente en 2001, este hermoso palacio del siglo XVI está situado junto a las murallas romanas y árabes que rodean la ciudad medieval. Cuenta con 86 habitaciones. El restaurante Las Indias invita a probar los platos regionales basados en productos españoles frescos y de temporada. También ofrece servicio de niñera. Desde 83 euros.

La ciudad exhala un ronroneo atemporal proveniente de los tejados. DÓNDE COMER Los restaurantes La Tahona (Calle de Felipe Uribarri 4), Torre de Sande (Plaza del Conde de Canilleros, 3) y Atrio (Avenida de España, 30). Este último está considerado uno de los mejores restaurantes del país. MÁS INFORMACIÓN Encontrará todo lo necesario en la página web del Patronato de Turismo de Cáceres: www.turismocaceres.org ermita del XVIII... Más cerca de la modernidad, el edificio del ayuntamiento floreció en el siglo XIX, junto con pequeñas imprentas que salpicaban la plaza de conocimiento. Se equivocó el poeta al asumir que la piedra, «con un aroma que a nada recuerda, a nadie espanta, no despierta codicia». Quizá se refería a otra piedra, no a esta de la ciudad de Cáceres que a buena gala ostenta el título de Patrimonio de la Humanidad.


(COLOR) - Pub: ESPECIALES JUNTA Doc: 02495Q Red: 60% Ed: PRIMERA EDICION Cb: 00 Enviado por: Dia: 01/03/2004 - Hora: 11:49

PERIÓDICO MENSUAL DEL SERVICIO EXTREMEÑO DE SALUD, DIRIGIDO A TODOS LOS PROFESIONALES DEL SISTEMA SANITARIO PÚBLICO DE EXTREMADURA

Director: Tomás Pulido Cordero. Redacción: María Fe Barroso Pinilla, Ana García Ortiz, Juan Carlos Ramos Estévez. Consejo de Redacción: Gloria González Conde, Juan Carlos Escudero Mayoral y Miguel Simón Expósito. Secretaría: Avda. de Cristóbal Colón, s/n. Mérida 06800 (Badajoz). Teléfono: 924-382505. Correo electrónico: saludextremadura@ses.juntaex.es Delegados de Área de Salud: Ismael Rodríguez Hernández (Área de Coria), Juan Monge Martín (Área de Plasencia), Francisco Javier Mendo Vidal (Área de Navalmoral de la Mata), Montaña Vivas Jiménez (Área de Cáceres), Ricardo García Vinuesa Palo (Área de Badajoz), Eulogio González González (Área de Mérida), Juan Cruz González (Área de Don Benito-Villanueva) y Miguel Sánchez Ortega (Área de Llerena-Zafra).

E L MI R A D O R

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LA GUINDA

Más allá de las paredes del museo

Ángel Martín Rincón

Poder y saber

La reciente celebración de la Feria Arco en Madrid sirve a Beatriz Pulido Flores para hacer una breve reflexión sobre la desubicación del arte moderno Beatriz Pulido Flores

E

sto es arte. No una bolsa de basura” proclamaba un crítico de arte londinense en un periódico para describir una escultura que había resultado ganadora en un concurso. La obra trataba de responder a la pregunta sobre el futuro del arte, exponiendo una gran bolsa de plástico repleta de basura hasta los bordes. El experto alabó el buen gusto del jurado, compuesto por artistas e intelectuales, y explicó, en 600 palabras, la importancia que habría de tener “la exhibición” en el arte contemporáneo. Estos días se ha celebrado en Madrid, como cada año, la feria de ARCO. Una exposición, que da cobijo a 250 galerías de todo el mundo, en la que se despliega el arte moderno por las paredes, el suelo o el techo. Un espacio al que algún que otro crítico ha denominado “mercadillo” y que se levanta como un escorial, dispuesto a provocar reacciones, sobre todo de impacto, en el espectador. La expresión contemporánea se escapa de una ubicación simbólica en el museo, sale a la calle y se exhibe en lugares atípicos como fábricas, almacenes y terrenos industriales. Utiliza objetos comunes y los plasma en un lienzo, una fotografía, un vídeo o una escultura, en un intento de provocar el movimiento continuo. Porque el arte actual, como la vida del hombre contemporáneo, ansía que todo circule, que nada permanezca. Lejos de buscar la inmortalidad, el artista moderno escucha el eco consumista de una época que se caracteriza también por la destrucción, el uso y el desecho, y se acoge a lo efímero como respuesta a la pregunta sobre el arte. Frente a la ubicación del arte, que podríamos llamar clásica (cuya presencia en museos como el del Prado o el Thyssen nos resulta incontestable), la desubicación de una obra moderna caracterizada por el mestizaje. Un arte a veces apátrida, sin escuelas, sin tendencias obvias. Como si este siglo, y el final del anterior, anduviera con los ojos desquiciados buscando su forma de expresión en el desconcierto, y encontrara su razón de ser, su orden, dentro del caos. En ferias como la de ARCO, no se

ARCO ha sido un foro donde han tenido hueco todas las tendencias actuales.

entienden las obras individualmente sino en el contexto de la puesta de escena de este mercado del color donde se interrelaciona a Dalí, Picasso o Matisse con los jóvenes que escarban en la nuevas tecnologías y en los medios audiovisuales utilizando la novedad como principal paleta de reflexión. Y, en ocasiones, utilizando al propio visitante como vehículo expresivo, haciéndole intervenir en la obra, exaltando al máximo la esencia del arte: su necesidad de percepción. Nadie podía imaginar que el arte elegiría la puerta que abrieran Duchamp y Dadá al afirmar que “cualquier objeto, colocado en un contexto crítico deviene arte”. La polémica se adivina, a la salida de la exposición, entre los visitantes de ARCO. Algunos aceptan como válida cualquier forma de expresión y otros, los ortodoxos, creen que en este tipo de arte es muy difícil distinguir entre lo auténtico y lo accidental. Porque otra de las características del arte actual es sin duda su democratización. Cualquiera puede no sólo

contemplarlo sino adquirirlo. Es un arte, como dijera Francisco Calvo Serraller, “concebido, ejecutado y dirigido para el consumo anónimo, para el mercado Y el arte, ¿entre qué paredes está mejor contenido? ¿Es el arte un idioma como lo definía Platón? ¿O una forma de evocar un sentimiento experimentado y transmitido a los demás por medio de líneas, colores, movimientos, sonidos o palabras, como creía Leon Tolstoi? Marcel Duchamp montó la rueda delantera de una bicicleta, sin el neumático, en un pedestal y lo llamó arte. Muchos, entonces, criticaron esta tendencia a transformar los objetos cotidianos en arte. Sin embargo, los supuestos vanguardistas terminaron siendo figuras veneradas entre otros artistas y eruditos. Decía Paul Válery que el hombre crea, como respira, sin darse cuenta, pero que el artista se da cuenta de que está creando. Hoy más que nunca resulta interesante plantearse si es posible trasladar esta definición a nuestros días.

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A

ctualmente aparecen frecuentes noticias sobre los distintos descubrimientos de las ciencias médicas y afines. Nos centramos en el análisis de este eufemismo. Aparentemente, la ciencia, y ese es su principal recurso de legitimación social, necesita presentarse como desinteresada, como algo que no tiene que ver con luchas de poderosos intereses. En la vida real nos encontramos que el trabajo del científico-investigador depende del capital cultural (acumulación de conocimientos), del capital simbólico (lugar que ocupa en el escalafón burocrático) y del capital económico (acceso a los poderes económicos que lo subvencionan). Entramado de intereses que se complica cuando añadimos la dimensión del sujeto investigador. La estructura del campo científico (Bourdieu) está definido por la correlación de fuerzas de los distintos intervinientes en la lucha social: no solamente hay que saber (conocimientos), tener poder de publicar (publicidad) es decir, conseguir la evaluación de los colegas que utilizan los mismos criterios-visión de la realidad y, finalmente, la aprobación del representante del capital económico. Así las cosas, el investigador buscará uno u otro beneficio de acuerdo con su posición y sus propios intereses (habitus). El desinterés, agente legitimador de lo científico, no es producto de una especie de generación espontánea, sino fruto del trabajo de imposición del sistema educativo: la entrega desinteresada al desarrollo del conocimiento. Estos principios se materializan en la competición de los distintos equipos de investigadores, en la definición de los criterios de evaluación de las publicaciones, en la dotación de los departamentos, en la publicidad de los datos... El campo científico tiene cierta autonomía, pero está envuelta en mil pliegues de intereses egoístas. Son, en ocasiones, los intereses foráneos los que determinan aquel descubrimiento que no es sino una construcción social y, como tal, no desinteresada. Es preciso deconstruir el binomio poder-saber (Foucault).


(COLOR) - Pub: ESPECIALES JUNTA Doc: 02495Q Red: 60% Ed: PRIMERA EDICION Cb: 00 Enviado por: Dia: 01/03/2004 - Hora: 11:49

PERIÓDICO MENSUAL DEL SERVICIO EXTREMEÑO DE SALUD, DIRIGIDO A TODOS LOS PROFESIONALES DEL SISTEMA SANITARIO PÚBLICO DE EXTREMADURA

Director: Tomás Pulido Cordero. Redacción: María Fe Barroso Pinilla, Ana García Ortiz, Juan Carlos Ramos Estévez. Consejo de Redacción: Gloria González Conde, Juan Carlos Escudero Mayoral y Miguel Simón Expósito. Secretaría: Avda. de Cristóbal Colón, s/n. Mérida 06800 (Badajoz). Teléfono: 924-382505. Correo electrónico: saludextremadura@ses.juntaex.es Delegados de Área de Salud: Ismael Rodríguez Hernández (Área de Coria), Juan Monge Martín (Área de Plasencia), Francisco Javier Mendo Vidal (Área de Navalmoral de la Mata), Montaña Vivas Jiménez (Área de Cáceres), Ricardo García Vinuesa Palo (Área de Badajoz), Eulogio González González (Área de Mérida), Juan Cruz González (Área de Don Benito-Villanueva) y Miguel Sánchez Ortega (Área de Llerena-Zafra).

E L MI R A D O R

Edición: SERVICIO EXTREMEÑO DE SALUD JUNTA DE EXTREMADURA Consejería de Sanidad y Consumo

Diseño y distribucción: EDITORIAL EXTREMADURA, S. A. Impresión: SERVICIO DE IMPRESIÓN DEL OESTE, S. L. Quedan reservados todos los derechos. Depósito Legal: CC-270/2002

LA GUINDA

Más allá de las paredes del museo

Ángel Martín Rincón

Poder y saber

La reciente celebración de la Feria Arco en Madrid sirve a Beatriz Pulido Flores para hacer una breve reflexión sobre la desubicación del arte moderno Beatriz Pulido Flores

E

sto es arte. No una bolsa de basura” proclamaba un crítico de arte londinense en un periódico para describir una escultura que había resultado ganadora en un concurso. La obra trataba de responder a la pregunta sobre el futuro del arte, exponiendo una gran bolsa de plástico repleta de basura hasta los bordes. El experto alabó el buen gusto del jurado, compuesto por artistas e intelectuales, y explicó, en 600 palabras, la importancia que habría de tener “la exhibición” en el arte contemporáneo. Estos días se ha celebrado en Madrid, como cada año, la feria de ARCO. Una exposición, que da cobijo a 250 galerías de todo el mundo, en la que se despliega el arte moderno por las paredes, el suelo o el techo. Un espacio al que algún que otro crítico ha denominado “mercadillo” y que se levanta como un escorial, dispuesto a provocar reacciones, sobre todo de impacto, en el espectador. La expresión contemporánea se escapa de una ubicación simbólica en el museo, sale a la calle y se exhibe en lugares atípicos como fábricas, almacenes y terrenos industriales. Utiliza objetos comunes y los plasma en un lienzo, una fotografía, un vídeo o una escultura, en un intento de provocar el movimiento continuo. Porque el arte actual, como la vida del hombre contemporáneo, ansía que todo circule, que nada permanezca. Lejos de buscar la inmortalidad, el artista moderno escucha el eco consumista de una época que se caracteriza también por la destrucción, el uso y el desecho, y se acoge a lo efímero como respuesta a la pregunta sobre el arte. Frente a la ubicación del arte, que podríamos llamar clásica (cuya presencia en museos como el del Prado o el Thyssen nos resulta incontestable), la desubicación de una obra moderna caracterizada por el mestizaje. Un arte a veces apátrida, sin escuelas, sin tendencias obvias. Como si este siglo, y el final del anterior, anduviera con los ojos desquiciados buscando su forma de expresión en el desconcierto, y encontrara su razón de ser, su orden, dentro del caos. En ferias como la de ARCO, no se

ARCO ha sido un foro donde han tenido hueco todas las tendencias actuales.

entienden las obras individualmente sino en el contexto de la puesta de escena de este mercado del color donde se interrelaciona a Dalí, Picasso o Matisse con los jóvenes que escarban en la nuevas tecnologías y en los medios audiovisuales utilizando la novedad como principal paleta de reflexión. Y, en ocasiones, utilizando al propio visitante como vehículo expresivo, haciéndole intervenir en la obra, exaltando al máximo la esencia del arte: su necesidad de percepción. Nadie podía imaginar que el arte elegiría la puerta que abrieran Duchamp y Dadá al afirmar que “cualquier objeto, colocado en un contexto crítico deviene arte”. La polémica se adivina, a la salida de la exposición, entre los visitantes de ARCO. Algunos aceptan como válida cualquier forma de expresión y otros, los ortodoxos, creen que en este tipo de arte es muy difícil distinguir entre lo auténtico y lo accidental. Porque otra de las características del arte actual es sin duda su democratización. Cualquiera puede no sólo

contemplarlo sino adquirirlo. Es un arte, como dijera Francisco Calvo Serraller, “concebido, ejecutado y dirigido para el consumo anónimo, para el mercado Y el arte, ¿entre qué paredes está mejor contenido? ¿Es el arte un idioma como lo definía Platón? ¿O una forma de evocar un sentimiento experimentado y transmitido a los demás por medio de líneas, colores, movimientos, sonidos o palabras, como creía Leon Tolstoi? Marcel Duchamp montó la rueda delantera de una bicicleta, sin el neumático, en un pedestal y lo llamó arte. Muchos, entonces, criticaron esta tendencia a transformar los objetos cotidianos en arte. Sin embargo, los supuestos vanguardistas terminaron siendo figuras veneradas entre otros artistas y eruditos. Decía Paul Válery que el hombre crea, como respira, sin darse cuenta, pero que el artista se da cuenta de que está creando. Hoy más que nunca resulta interesante plantearse si es posible trasladar esta definición a nuestros días.

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ctualmente aparecen frecuentes noticias sobre los distintos descubrimientos de las ciencias médicas y afines. Nos centramos en el análisis de este eufemismo. Aparentemente, la ciencia, y ese es su principal recurso de legitimación social, necesita presentarse como desinteresada, como algo que no tiene que ver con luchas de poderosos intereses. En la vida real nos encontramos que el trabajo del científico-investigador depende del capital cultural (acumulación de conocimientos), del capital simbólico (lugar que ocupa en el escalafón burocrático) y del capital económico (acceso a los poderes económicos que lo subvencionan). Entramado de intereses que se complica cuando añadimos la dimensión del sujeto investigador. La estructura del campo científico (Bourdieu) está definido por la correlación de fuerzas de los distintos intervinientes en la lucha social: no solamente hay que saber (conocimientos), tener poder de publicar (publicidad) es decir, conseguir la evaluación de los colegas que utilizan los mismos criterios-visión de la realidad y, finalmente, la aprobación del representante del capital económico. Así las cosas, el investigador buscará uno u otro beneficio de acuerdo con su posición y sus propios intereses (habitus). El desinterés, agente legitimador de lo científico, no es producto de una especie de generación espontánea, sino fruto del trabajo de imposición del sistema educativo: la entrega desinteresada al desarrollo del conocimiento. Estos principios se materializan en la competición de los distintos equipos de investigadores, en la definición de los criterios de evaluación de las publicaciones, en la dotación de los departamentos, en la publicidad de los datos... El campo científico tiene cierta autonomía, pero está envuelta en mil pliegues de intereses egoístas. Son, en ocasiones, los intereses foráneos los que determinan aquel descubrimiento que no es sino una construcción social y, como tal, no desinteresada. Es preciso deconstruir el binomio poder-saber (Foucault).


(COLOR) - Pub: ESPECIALES JUNTA Doc: 01695D Red: 60% Ed: PRIMERA EDICION Cb: 00 Enviado por: Dia: 23/12/2003 - Hora: 11:30

PERIÓDICO MENSUAL DEL SERVICIO EXTREMEÑO DE SALUD, DIRIGIDO A TODOS LOS PROFESIONALES DEL SISTEMA SANITARIO PÚBLICO DE EXTREMADURA

Director: Tomás Pulido Cordero. Redacción: María Fe Barroso Pinilla, Ana García Ortiz, Juan Carlos Ramos Estévez. Consejo de Redacción: Gloria González Conde, Juan Carlos Escudero Mayoral y Miguel Simón Expósito. Secretaría: Avda. de Cristóbal Colón, s/n. Mérida 06800 (Badajoz). Teléfono: 924-382505. Correo electrónico: saludextremadura@ses.juntaex.es Delegados de Área de Salud: Ismael Rodríguez Fernández (Área de Coria), Juan Monge Martín (Área de Plasencia), Francisco Javier Mendo Vidal (Área de Navalmoral de la Mata), Montaña Vivas Jiménez (Área de Cáceres), Rosario de la Rubia Suárez (Área de Badajoz), Eulogio González González (Área de Mérida), Juan Cruz González (Área de Don Benito-Villanueva) y Miguel Sánchez Ortega (Área de Llerena-Zafra).

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Edición: SERVICIO EXTREMEÑO DE SALUD JUNTA DE EXTREMADURA Consejería de Sanidad y Consumo

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LA GUINDA

Desde tu memoria, Dulce

Ángel Paz Rincón

Esperar

La escritora extremeña era ‘Una mujer de carne y verso’. Sentía en cada regreso a su tierra extremeña “la mágica capacidad de estar siempre allí, estando lejos” Beatriz Pulido Flores

D

esde aquella mañana inestable de diciembre, en la que amanecimos con la resaca de tu ausencia, aún nos queda el mundo que te gustaría haber pintado, aunque la impaciencia no te dejara, y dibujaste con palabras y gestos. Un mundo, decías, “en el que las fronteras son -o al menos deberían ser- sólo una línea desteñida en el suelo”. Como en aquel júbilo infantil tuyo en La Raya, donde un solo paso significaba estar en dos países distintos. Así, sentías en cada regreso a tu tierra extremeña “la mágica capacidad de estar siempre allí, estando lejos”. Lo que nos queda, tu sonrisa siempre despierta y tu memoria, la única arma del poeta para vestir sus versos. Utilizaste la tuya para construir Cielos de Barro, ambientada por estas tierras y la de otros, para escribir una gran obra, La voz dormida, en la que unos rostros callados te regalaron sus amargos recuerdos de la Guerra Civil. Un día escribiste: “conozco el perfil/de la distancia/agazapada en rostros íntimos/el acto de ocultarse/la delata”. Creías que el pasado es un lugar y que acomodarse es otra forma de morir, por eso te vestiste de compromiso y saliste para escuchar el rumor de la calle, para contar lo que otros guardaban muy adentro, para “tomar una parte de la realidad de sus vidas y darle carne y hueso” a los personajes de tus novelas. Esa misma memoria te hizo llevar a Zafra prendido en el pecho y en el acento. Luis Landero decía que estabas en tu mejor momento. Aprendiste que “no hay que temer a las palabras y que uno debe llamar a las cosas por su nombre”. A eso le llaman “coraje”. Hace ya once años que publicaste tu primera selección de poemas, precisamente con el título Querrán ponerle nombre y le siguieron libros como Las palabras de la piedra o Algún amor que no mate. No perseguías premios pero era inevitable que ellos continuaran tu estela, como el de la Ciudad de Irán por Contra el desprestigio de la altura. Dijiste que preferías los versos a la prosa pero en el año 2000 premiaron tu novela, Cielos de barro, con el Azorín. “El pasado es un lugar/acomodar-

La memoria de Dulce Chacón sigue en el recuerdo de todos.

se, otra forma de morir”. En tu filosofía hay que luchar, luchar siempre y viajar muchas veces hacia uno mismo. En tu literatura, la muerte no es sólo el final del camino sino “una luminosa perversión que da sentido a todo lo demás”. Nos dices que la escritura es el vehículo capaz de crear y recuperar espacios. En el transcurso de esos viajes literarios, resulta que uno se encuentra consigo mismo y también con los demás y con las necesidades sociales. Te vistes de altavoz y de memoria y sonríes. Si alguien desconoce lo que significa la palabra “compromiso” sólo tiene que observarte, traspasando el umbral de la escritura para amortiguar el sufrimiento ajeno, encabezando una manifestación en tu Zafra natal, o en la Puerta del Sol de Madrid, reclamando un hospital o leyendo un manifiesto contra la guerra. Cuando te encuentres de frente con el alcalde poeta de Zafra, dile que te enseñó a hilar versos todas

las noches y a celebrar cada poema terminado. Cuéntale a tu padre que te tuviste que marchar, en plena adolescencia, lejos, quizá pesaba demasiado la carga de su ausencia. Y que en Madrid te acogió la fiebre de la prosa de Rilke y la de Cela y la de José Ángel Valente. Dile, como nos dijiste, “que la fiebre no es más que otra forma de delirio y que delirar es soñar y, soñar, sentirse lejos. Soñar es estar de nuevo en casa”. Una persona que como tú sonríe siempre, es inevitable que acoja a los que te miran desde la distancia. “Mientras que ella reía me di cuenta de que me iba enredando en su risa y haciéndome parte de ella”, dijo el poeta. Descubro que eres Una mujer de carne y verso, y “que nadie escapa/ a la desmesura de la risa”. Has vuelto a Extremadura para quedarte porque para ti “la palabra Fuga sólo huele a viento”. Como le gritaste a Couso, Dulce, “¿en qué rincón podremos amamantar esta tristeza tan recién nacida?”.

D

igo yo que veintiún días con hoy ya es tiempo dentro. Y yo no tengo por qué pensar que van lentos en el asunto, pero aquí, sin más que un pasillo que visitar, a ratos, claro, las horas se hacen días y los días no acaban y la noche es peor y más larga que el propio día, llena de soledad, rota por los golpes de cisterna de los servicios, los comentarios de las enfermeras y los ruidos de las mascarillas de oxígeno con su gorgoteo. Aquí, en mi habitación, mía y de Esteban, el cartero que vino por lo de la espalda, me voy haciendo al sitio, la 314, y al pasillo, que son todos iguales, aunque en éste hay un cartel pegado, donde están las enfermeras que dice lo de las misas. Ya sé qué cosa hacen a cada hora. A las siete y media me traen el termómetro, por si tengo fiebre, dicen, que yo no he venido para eso, pero supongo que será por si acaso, lo del termómetro, que lo de la hora no me lo han explicado y mira que se lo pregunté un día. No vamos a ponerle el termómetro a cada uno a la hora que quiera, me dijeron. Me levanto como si tuviera prisa, que, la verdad, aquí no la tengo, y a las ocho ya estoy listo. El resto es esperar. Esperar el desayuno que llega ruidoso. Esperar al médico para que diga cómo voy. Esperar que me bajen a hacerme la prueba ésa que no pudieron hacerme el otro día. Esperar la comida, y ver si con un poco de suerte me traen pollo. Esperar que en la tarde vengan a verme, mi familia, que los amigos son de lejos. Esperar que en la tele haya algo entretenido, que siempre ponen lo mismo y las películas aquí me gustan menos que en casa. Esperar la noche, que mira que me gusta poco, por lo larga que se me hace y lo mal que duermo, tantos ruidos y la cadera que no para de dolerme. A mí me parecía que esta habitación era la nuestra, la de Esteban y la mía, hasta que llega el médico y entra de golpe, sin llamar. No pude verle el nombre porque estaba tapado por un montón de bolígrafos, muchos, debe ser para separar por colores las cosas importantes. Y no sonríe. A lo mejor está preocupado por alguna cosa o es así de siempre.


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