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MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO

PALLADE MUSICA (Canadá / Colombia) ensamble de música antigua A MIO MODO Miércoles 28 de mayo de 2014 • 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 29 de mayo de 2014 • 7:00 p.m. Barranquilla, Teatro Amira de la Rosa


TOME NOTA • Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. • Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. • Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. • Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. • Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por la Dirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 071 del 14 de febrero de 2014.


Pallade Musica une a cuatro de los más prometedores intérpretes de la música antigua de Montreal. Ganador del Gran Premio de la Early Music America Baroque Performance Competition en octubre de 2012, el cuarteto está compuesto por Tanya LaPerrière, violín barroco; Elinor Frey, violonchelo barroco; Esteban La Rotta, tiorba; y Mylène Bélanger, clavecín. En la temporada pasada se presentaron junto a grupos como el Ensemble Caprice, Arion y Proemio antes de lanzar sus propias series de recitales en Montreal, en la capilla Notre-Dame-de-Bon-Secours. La exploración del repertorio para violín, violonchelo y continuo ha estado acompañada de una búsqueda incesante de colores y texturas del sonido. Entre los próximos conciertos del ensamble se incluyen presentaciones en el Early Music Vancouver, el Festival de Música de Cámara de Ottawa, el Festival Alexandria, y los festivales de música antigua de Connecticut e Indianápolis, entre otros. La trayectoria de los integrantes de Pallade Musica es variada, con miembros provenientes de Quebec, Estados Unidos, y Colombia, y con estudios en el programa de música de la Universidad McGill, la Schola Cantorum Basiliensis, el Conservatorio Real de Bruselas y la Escuela Juilliard. Tanya LaPerrière, violín barroco Graduada de la Universidad de McGill como aprendiz de Chantal Remillard, Tanya LaPerrière es una prometedora violinista barroca cuyas interpretaciones, sensibles e intensas, le aseguran el más alto aprecio por parte del público. Se la puede escuchar en escenarios en Montreal y el exterior, con conocidos grupos tales como Arion, Ensemble Caprice y Les Boréades de Montréal. También se presenta regularmente al lado de Les

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Idées Heureses y la Bande Montréal Baroque. Ha grabado para los sellos Analekta y Atma, y algunas de estas grabaciones han sido merecedoras de priemios incluyendo dos Juno-Award para el Ensemble Caprice y Arion. Actualmente, Tanya LaPerrière realiza una maestría en interpretación musical en el Conservatorio Real de Bruselas bajo la dirección de Mira Glodeanu.

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Elinor Frey, violonchelo barroco Fascinada por los orígenes del violonchelo y el proceso creativo de la nueva música, Elinor Frey interpreta instrumentos de época e instrumentos modernos. Entre sus galardones se cuentan una beca italo-americana de intercambio, gracias a la cual estudió violonchelo barroco con Paolo Beschi, la beca CICSHC (Consejo de Investigación en Ciencias Sociales y Humanidades de Canadá) de postgrado en Canadá y una beca del Consejo de Canadá para las Artes. Todas estas experiencias académicas han servido para enriquecer su trabajo en torno al barroco italiano y la música solista moderna para el violonchelo. Se ha presentado recientemente con diferentes ensambles, entre ellos el Ensemble Caprice, Les Idées Heureuses, y Bradamante. Su nuevo disco compacto, La voce del Violoncello, se lanzó en el verano del 2013 en el sello discográfico Belga Passacaille, el cual fue elogiado por su “esmerada academia y sus bellas capas de tempos y ánimos musicales” (Toronto Star). Su interpretación del programa del disco compacto con Esteban La Rotta fue la ganadora del premio del público del 2013 Utrecht Early Music Festival Fringe. Esteban La Rotta, tiorba Esteban La Rotta es uno de los principales laudistas de Canadá. Estudió en la Escuela Cívica de Música de Milán bajo la tutoría del laudista Paul Beier, y en Montreal con Sylvain Bergeron, donde en 2008 obtuvo su doctorado en interpretación especializada en la guitarra barroca. Desde 2012, gracias al apoyo del Consejo de Canadá para las Artes, ha estudiado en la Schola Cantorum Basiliensis bajo la tutoría de Crawford Young, concentrándose en el repertorio de la baja edad media para laúd solista. Especialista en instrumentos antiguos de cuerda pulsada, La Rotta tiene gran experiencia en la interpretación del repertorio para la tiorba solista del Renacimiento, y del Barroco italiano y francés. Participa con frecuencia en el Festival Barroco de Montreal y se ha presentado al lado de agrupaciones musicales tales como los Copenhagen Soloists, el Ensemble Gilles Binchois y el Ensemble Caprice, entre otros. Ha participado en numerosos festivales, y sus presentaciones han sido transmitidas por la CBC en Canadá y la BBC en Inglaterra. Puede escuchársele en el sello discográfico Atma, ya sea como solista o con Pallade Musica, y en el sello Passacaille con la violonchelista Elinor Frey.


Mylène Bélanger, clavecín Doctora en música (2012) y poseedora del premio con gran distinción unánime del Conservatorio de música de Rimouski (2001), Mylène Bélanger inició desde muy joven sus estudios de clavecín bajo la tutoría del maestro Josée April. Ha participado en diferentes grupos musicales quebequeses, particularmente en Les Violons du Roy. Desde 1996, ha sido laureada con varias becas provenientes del Fondo de Investigación sobre la Sociedad y la Cultura de Quebec (FQRSC), la Fundación Wilfrid-Pelletier, la Fundación Giorgio Cini (Italia) y la Universidad de Montreal. En 2012, junto con el ensamble Pallade Musica, ganó el primer premio en el concurso Early Music America Baroque Performance. Mylène. Bélanger se dedica no solo a la interpretación del clavecín y el órgano, sino también al acompañamiento y a la docencia.

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PROGRAMA Sonata Séptima a 2

de Sonate Concertate in Stil Moderno, Libro II, Venecia, 1629

Arpeggiata a mio modo

del manuscrito Capricci a 2 stromenti cioè tiorba e tiorbino e per sonar solo varie sorti di balli e fantasticare

Sonata No. 6, C. 143

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Largo Passacaglia. Adagio Gavotte

Sonata No. 1, BuxWV 252 Vivace – Lento Allegro – Adagio Andante Grave Presto

Sonata para violín y continuo ‘La Cesta’, Op. 3 No. 2

DARIO CASTELLO (1590-1658)

BELLEROFONTE CASTALDI (1581-1649)

HEINRICH IGNAZ FRANZ BIBER (1644-1704)

DIETERICH BUXTEHUDE (1637-1707)

GIOVANNI ANTONIO PANDOLFI MEALLI (1630-ca. 1669)

INTERMEDIO


Sonata No. 2, BuxWV 253 Lento – Vivace Adagio – Allegro Largo – Arioso con variaciones

Variaciones para clavecín ‘Unter den Linden grüne’ Sonata Octava a 2

de Sonate Concertate in Stil Moderno, Libro II, Venecia, 1629

Canzona ottava ‘La ambitosa’ Sonata Segunda

de Sonate Concertate in Stil Moderno, Libro II, Venecia, 1629

DIETERICH BUXTEHUDE

JAN PIETERSZOON SWEELINCK (1562-1621) DARIO CASTELLO

5 GIROLAMO FRESCOBALDI (1583-1643) DARIO CASTELLO

CONCIERTO No. 39


A MIO MODO Por Ellie Anne Duque

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El programa que ofrece la agrupación Pallade Musica en la velada de hoy nos invita a contemplar un rico ramillete de música instrumental de compositores activos, casi todos, hacia mediados del siglo XVII, identificados con el stile moderno que rompió con las estrictas prácticas contrapuntísticas de los compositores del renacimiento tardío. En manos de este conjunto de creadores se puede ver la consolidación del estilo Barroco lejos del ámbito poético de la palabra, si bien la monodia cantada fue uno de sus pilares. El stile moderno recibió también el nombre de stile concertante, stile concitato, stile nuovo (espressivo, rappresentativo, y recitativo), términos todos que apuntaban a la clara concepción de algo novedoso en la práctica musical del momento, que dejaba atrás las músicas del pasado. Esta música nueva se reconocía porque simplificaba los procesos contrapuntísticos complejos de la polifonía del siglo XVI, dando gran importancia al bajo y a la melodía; introducía una rica variedad sonora al contraponer instrumentos de timbres contrastantes en una misma obra y obtener así un colorido sonoro lleno de contrastes, ecos y renovada fuerza expresiva; daba gran importancia a la transmisión de afectos, no sólo los líricos y bellos, sino los apasionados, desesperados y dolorosos. Para lograr este último objetivo era necesario que en el canto se llegara a una línea monódica en la que se expresara de manera convincente los estados de ánimo indicados por la poesía. El estilo recitado, casi hablado ayudaba a la narración de hechos y la monodia expresiva, a veces desgarradora, se ponía al servicio de la entonación de los sentimientos más profundos. Capítulo aparte merece el desarrollo de la música instrumental, que fue encontrando su sitio propio, apartado de la asociación con la palabra y la danza que tanto la inspiraron en el renacimiento. Formas como la sonata y el concierto, la suite y la partita, la toccata y la fuga, fueron encontrando sus caminos propios. En el programa de hoy se podrá echar una ojeada “auditiva” al tránsito variado de la sonata en sus primeras manifestaciones como obra instrumental autónoma. La sonata de Dario Castello (15901658) guarda cierta familiaridad con la canzona, una forma instrumental renacentista que partía del encabezamiento de una chanson francesa, con un ritmo determinado, para ir construyendo su mensaje propio. En muchas sonatas tempranas el término se usa para hacer énfasis en su carácter instrumental y diferenciar la pieza de obras para bailar (ballatta) o para voces (cantata). Castello fue un reconocido intérprete de instrumentos de viento en San Marcos en Venecia. Sus sonatas de 1621 y 1629 fueron publicadas varias veces, en señal del aprecio que se les tenía. Constan estas sonatas de tres o cuatro secciones contrastantes, la primera de ellas a la manera de la antigua canzona. Hay pasajes para solistas y uso del estilo concitato en


las cuerdas, tan empleado por Monteverdi, y que consta de un movimiento agitado del arco. La personalidad poco convencional de Bellerofonte Castaldi (1581-1649), un músico diletante y original, le permitió acoplarse rápidamente a las nuevas tendencias musicales. Heredero de una buena posición económica, usó su independencia para expresar su inconformidad con la iglesia y el orden político en su Módena nativa. Violento y poderoso, Bellerofonte mandó asesinar a su propio hermano y fue herido en un pie en una de sus trifulcas. En su autobiografía da pautas acerca de su vida, que se pueden reconocer en la técnica virtuosística exagerada de sus composiciones. Sus obras son originales y obedecen a sus propias urgencias artísticas. Las obras escritas para la tiorba son consideradas como algunas de las más refinadas que se hayan pensado para el instrumento. Son rítmicamente incisivas y en ellas abunda la disonancia. Ilustró y realizó los grabados de sus Caprichos para dos instrumentos de 1622, en donde se mezclan aires de danza, como correntes y galliardas, con trozos libres y fantasiosos; También hay sonatas y en general, experimenta con la afinación, la tablatura y la expresividad exuberante. Las composiciones de Biber, Buxtehude, Mealli y Frescobaldi, nos ofrecen una visión histórica muy completa de lo que fue el desarrollo de la sonata a lo largo del siglo XVII, si bien para apreciar la evolución de esta forma hay que referirse en primer lugar a la canzona de Frescobaldi. Oriundo de Ferrara, la carrera de Frescobaldi se desarrolló en Roma y si bien se formó dentro de la gran tradición de madrigalistas italianos, optó por dedicarse de manera muy exitosa a la música instrumental. Reconocido por sus dotes interpretativas al órgano y al clavecín, publicó unas ocho colecciones de obras para teclado durante su vida. La canzona ocupa un lugar importante en su producción, en especial la canzona da sonare que fue cediendo lugar a la sonata. Esta sonata primigenia consta de un movimiento con cinco o más secciones breves de tiempos y estilos contrastantes. La ambitiosa pertenece a una primera colección Il primo libro delle canzoni per sonar con ogni sorte di stromenti (El primer libro de canzoni para tocar con toda suerte de instrumentos), en donde aparecen títulos fantasiosos y descriptivos, tales como: Toccata, La Tegrimuccia, La Gualterina, L'Ambitosa, La Lucchesina, La Masotti, L'Altera, La Capriola, La Bernardina, L'Henricuccia, La Tromboncina, La Donatina, La Franciotta, La Superba, La Bonvisia, La Lipparella y La Nicolina. La sonata italiana tuvo en las composiciones de Giovanni Mealli, un importante precedente. Poco se sabe de este músico de carrera internacional que legó dos colecciones publicadas en 1660 (Opus 3 y 4) de sonatas para violín y bajo continuo (preferiblemente con órgano) que se interpretan también con flauta dulce y con refuerzo en el bajo de viola da gamba. Esta sonata

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consta de cinco secciones contrastantes en las que se alternan tiempos lentos y rápidos de manera ininterrumpida. En esta obra se reconoce la gran influencia del estilo monódico, sobre todo cuando el acompañamiento cesa y el violín solista entona sus propias líneas expresivas y adornadas. Los gestos melódicos se asemejan a improvisaciones sobre el acompañamiento. En la publicación, el autor informa que pueden ser usadas tanto en la iglesia, como música de cámara. La sonata La Cesta, fue dedicada al compositor Antonio Cesti, colega de Mealli en Innsbruck.

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La sofisticación de las sonatas de Biber y Buxtehude no tiene precedentes y fueron una fuente de gran inspiración para Johann Sebastian Bach. De hecho, entre los tres compositores, se llegó a un desarrollo muy complejo de la sonata para violín (solo o con acompañamiento) que cesó durante un tiempo con la muerte de Bach y no se retomó hasta fines del siglo XVIII e inicios del XIX. Biber fue un intérprete virtuoso del violín y un destacado compositor austríaco de música vocal e instrumental. Hoy en día se siguen tocando sus sonatas para violín, llenas de expresividad y secciones de cambios de afinación, denominadas scordattura. En 1681 fueron publicadas ocho de sus sonatas para violín y bajo continuo en Núremberg, dedicadas al arzobispo de Salzburgo. Gracias a esta publicación hubo continuidad en el conocimiento del estilo de Biber, pues por su dificultad fue cesando su ejecución. Son piezas extraordinariamente elaboradas, con estructura formal sólida, si bien mantienen el estilo italiano de la variedad de tiempos. En el caso de la número 6, que se escucha en este programa, hay una introducción lenta seguida de una passacaglia (variaciones sobre un bajo dado) y, a manera de contraste, aparece un aire de danza, una gavota, seguida de tiempos lentos para finalizar. Por su parte las sonatas del gran organista Dietrich Buxtehude no se quedan atrás en invención, expresión y belleza. Publicó una colección de siete sonatas para violín y bajo continuo en Hamburgo en 1694, tituladas como Opera Prima. Por lo tanto se trata de obras que tienen poco que ver con el Buxtehude famoso por sus fugas escolásticas, su obra para órgano y cantatas, que ejerció una gran influencia en la consolidación del estilo barroco mismo. Desde su puesto de organista al norte de Alemania, en Lübeck, tuvo que ver con Handel, Telemann y Bach. Este último residió junto a Buxtehude durante tres meses y de él recibió las enseñanzas más influyentes sobre su estilo religioso. Las dos sonatas incluidas en este programa apuntan hacia la simplificación de los movimientos, si bien se mantiene la meta de realizar un profundo ejercicio de expresividad musical. La obra de Jan P. Sweelinck, reconocido organista y compositor, tuvo gran influencia en la conformación del estilo Barroco mismo. Las obras instrumentales más importantes de Sweelinck fueron pensadas para el teclado. Escribió piezas con intenciones didácticas, al igual que piezas de gran complejidad. Entre el listado de sus obras sobresalen los conjuntos de


variaciones sobre melodías seculares (a diferencia de las variaciones corales, sobre melodías religiosas), desarrolladas a la manera de los clavicembalistas ingleses como Bull y Philips. Estos conjuntos de variaciones son muy estructurados: una vez enunciado el tema, se trabaja en variación rítmica y en secciones de enriquecimiento melódico, en cuatro variaciones llenas de colorido armónico. La última, se destaca por el empleo del contrapunto, el cual organiza toda la inventiva suelta e imaginativa de las secciones anteriores.

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