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Recorridos por la música de cámara

MAYA BEISER, violonchelo (Estados Unidos) Miércoles 27 de febrero de 2013 • 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango


TOME NOTA •

Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• •

Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.


Maya Beiser, violonchelo; Bassam Saba, ud y nay; Shane Shanahan, percusión; Matt Kilmer, percusión y Dave Cook, diseño sonoro. Definida por The New Yorker como “la diosa del violonchelo”, y como “la diva del violonchelo” por el Washington Post, Maya Beiser ha cautivado los auditorios del mundo entero gracias a su virtuosismo, su repertorio ecléctico y su incesante búsqueda de la redefinición de su instrumento. A lo largo de su osada y versátil carrera ha logrado reconcebir la vivencia del concierto creando música de grandes trazos sónico-visuales que trasciende barreras y géneros. Hija de madre francesa y padre argentino, la infancia de Beiser transcurrió en las montañas de Galilea, en Israel, donde creció rodeada de las músicas y los rituales de las culturas judía, musulmana y cristiana. Se graduó de la Universidad de Yale y sus profesores fueron Aldo Parisot, Uzi Weizel, Alexander Schneider e Isaac Stern. Fue la violonchelista fundadora de la agrupación de nuevas músicas llamada Bang on a Can All-Stars. Desde tiempo atrás se ha dedicado a reinventar la interpretación del violonchelo como instrumento solista en la escena de la música erudita, y durante la última década ha creado un nuevo repertorio para este instrumento tanto con composiciones propias como a través de obras encargadas y compuestas especialmente para ella por algunos de los autores más prominentes de nuestro tiempo. Así mismo, ha trabajado junto a compositores de la talla de Tan Dun, Brian Eno, Philip Glass, Osvaldo

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Golijov, Steve Reich, Louis Andriessen y Mark O'Connor, entre otros, y ha sido intérprete solista itinerante en los escenarios internacionales más importantes, como la Casa de la Ópera de Sydney, el Lincoln Center de Nueva York, el Barbican de Londres y la Exposición Universal de Nagoya, en Japón. Beiser es autora, productora e intérprete de sus propios conciertos multimedia: World to Come, que estrenó como parte de una temporada inaugural del Zankel Hall, del Carnegie Hall; Almost Human, trabajo en cooperación con el artista visual Shirin Neshat; y Provenance, estrenada en el Carnegie Hall en 2008, que fue además la base de su más reciente producción discográfica. Sus conciertos en el Zanker Hall, del Carnegie Hall, con entradas agotadas, fueron considerados por el New York Times unos de los mejores del año. Los momentos estelares de sus giras por los Estados Unidos incluyen presentaciones en el Kennedy Center de Washington D.C., el Royce Hall de Los Ángeles, el Kimmel Center de Filadelfia, el Ravinia Festival de Chicago, el Newman Center de Denver, la Celebrity Series de Boston y el Festival Internacional de las Artes y las Ideas de New Haven.

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Sus presentaciones más recientes incluyen varios escenarios y festivales muy destacados en Barcelona, París, Tokio, Shanghai, Atenas, Atlanta, Chicago, Filadelfia y Los Ángeles. Ha interpretado nuevas obras para violonchelo junto a muchas de las orquestas más célebres, entre ellas la Paul Chamber Orchestra, la Sinfónica de Montreal, la Filarmónica de Brooklyn, la Sinfónica de Sydney y la Filarmónica de China. En 2011 fue invitada a presentarse en la prestigiosa TED Conference, de Long Beach, California. Su interpretación allí obtuvo extraordinarios comentarios por parte de la crítica, además de cientos de miles de visitas en Internet. La premier mundial de Elsewhere, su nueva ópera para violonchelo, tuvo lugar en Carolina Performing Arts at Chapel Hill, seguida por la premier para Nueva York en el Next Wave Festival BAM 2012. La más reciente grabación de Beiser, titulada Provenance, fue uno de los álbumes de música clásica y música del mundo más exitosos de 2010. Su interpretación de la obra Cello Counterpoint, de Steve Reich, está registrada en el disco You Are, del sello Nonesuch, elegido por el New York Times como uno de los mejores álbumes del año. Esta artista aparece también como solista en la producción de Sony Classical de la obra Water Passion, de Tan Dun. Del mismo compositor ha tocado además su obra ganadora del Premio de la Academia, titulada Crouching Tiger Concerto, con orquestas de todo del mundo. Ha lanzado cuatro discos compactos con Koch Enterteinment, que incluyen las obras Oblivion, Kinship, World to Come y Almost human.


A Maya Beiser puede escuchársela en varias bandas sonoras, una de ellas de reciente aparición en el filme Snow White and the Huntsman, con música del célebre compositor James Newton Howard. También aparece en The Happening, de M. Night Shyamalan, The Great Debaters, de Denzel Washington, y Blood Diamond, de Edward Zwick. Para mayor información, visite su portal de internet: www.maya-beiser.com Bassam Saba, ud y ney Es una de las figuras más destacadas del mundo de la música árabe. Además de ser multi-instrumentalista intérprete del ud, el violín, el saz y la flauta clásica occidental, es un intérprete mundialmente famoso del ney. Inició con el ud, el ney, el violín a los cinco años de edad, y estudió la interpretación de estos tres instrumentos en el Conservatorio Nacional de El Líbano, donde recibió su grado en música clásica occidental e interpretación de la flauta, seguido por una maestría en interpretación de la flauta occidental y en educación musical que culminó en el Instituto de Pedagogía Musical Gnessin, en Moscú (1985). A su regreso a Beirut, Saba comenzó a trabajar junto a Fairouz, Ziad Rahbani y Marcel Khalife. Desde entonces y hasta hoy ha tocado con artistas de la talla de Yo-Yo Ma, Simon Shaheen, Marcel Khalife, Paul Simon, Alicia Keys, Wu Man, Sting y Santana, y ha compartido escenario con figuras del jazz como Herbie Hancock, Sonny Fortune, Wayne Shorter y Quincy Jones. Actualmente toca sus propias composiciones con su agrupación musical, el Bassam Saba Ensemble, y dirige la orquesta de música árabe más grande de Norteamérica, la New York Arabic Orchestra. También toca con el Absolute Ensemble, de Christian Jarvi, con quienes estrenó un concierto para ney, pionero en su estilo y que Daniel Schnyder compuso especialmente para él. En la actualidad, Saba toca como solista junto a la Filarmónica de Hannover y ofrecerá próximamente presentaciones en las salas de las Filarmónicas de Viena y de Berlín. Shane Shanahan, percusión Desde 2001 gira alrededor del mundo como miembro del Silk Road Ensemble y tocando junto a Yo-Yo Ma. Es miembro del Frame Drumming Ensemble, de Glen Vélez, y ha tocado con Philip Glass, Simon Shaheen, Jamey Haddad, Cyro Baptista, Sonny Fortune, Howard Levy y Steve Gorn, entre otros. Se ha presentado en la mayoría de los más célebres auditorios dentro y fuera de los Estados Unidos, incluyendo el Carnegie Hall, el Hollywood Bowl, el Lincoln Center y en cuatro ediciones de la Percussive Arts Society Convention. Varias han sido las emisiones radiales y de televisión que lo han presentado, y en muchos países, como el David Letterman Show, Good Morning America, National Geographic, NHK y NPR. En la primavera de 2000, Shanahan fue nombrado director del departamento de percusión

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de la Hartt School, donde trabaja con enfoque en la percusión manual multicultural. Recibió su grado y certificado como intérprete en la Eastman School of Music, y su maestría en la Hartt School. Matt Kilmer, percusión Es un artista que desde su graduación por el Berklee College of Music, en 2002, ha tocado con varios de los más célebres intérpretes de música contemporánea, incluyendo el vocalista ganador del premio Grammy, Lauryn Hill y su maestro de ud, Simon Shaheen. Actualmente reside en Brooklyn (Nueva York) y compone música para el show de televisión Louie, del comediante Louis C.K., realizado para la cadena FX. Su primer álbum, titulado Wild Poppies y grabado junto a su banda The Mast, se lanzó en el verano de 2011.

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PROGRAMA The Echo of Decay

Violonchelo y electrรณnica en vivo

Samai Nahawand

Violonchelo, ud y percusiรณn

Mar de leche

Voz, violonchelo, ud y percusiรณn

RAZ MESINAI (n. 1973) SIMON SHAHEEN (n. 1955) TAMAR MUSKAL (n. 1965)

Like Smoke

ANร“NIMO

Only Breath

DOUGLAS J. CUOMO (n. 1958)

I was There

KAYHAN KALHOR (n. 1963)

Violonchelo y voces

Violonchelo

Violonchelo, ud y percusiรณn

Longa Farahfaza Kashmir

Arreglo: Evan Ziporyn

RIYAD AL-SUNBATI (1906-1981) JIMMY PAGE (n. 1944) / ROBERT PLANT (n. 1948)

CONCIERTO No. 5

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Provenance1 Notas al programa y traducciones de Rodolfo Acosta R.

Vio Sara al hijo que Agar la egipcia había dado a Abraham jugando con su hijo Isaac, y dijo a Abraham: "Despide a esa criada y a su hijo, pues no va a heredar el hijo de esa criada juntamente con mi hijo, con Isaac." Sintiolo mucho Abraham, por tratarse de su hijo, pero Dios dijo a Abraham: "No lo sientas ni por el chico ni por tu criada. En todo lo que te dice Sara, hazle caso; pues aunque por Isaac llevará tu nombre una descendencia, también del hijo de la criada haré una gran nación, por ser descendiente tuyo." Génesis, 21:9-13 (Biblia de Jerusalén)

Así describe la Biblia aquella mítica y polémica separación de los medios hermanos Isaac e Ismael, este último patriarca del pueblo árabe y antepasado directo de Mahoma, profeta fundador del islam. A su vez, Isaac es considerado patriarca del pueblo israelita y por ende una de las figuras fundacionales del judaísmo; al ser antepasado directo de Jesús, sin embargo, figura también como antecesor del cristianismo. De esta manera, las tres principales religiones monoteístas del mundo -judaísmo, cristianismo e islam- quedan trenzadas en un único antepasado: Abraham, padre común de los medios hermanos.

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No debemos olvidar, sin embargo, que una cosa es religión y otra grupo etnolingüístico (cristianismo o judaísmo profesado por comunidades árabes, por ejemplo); una es nacionalidad y otra religión (vemos, por ejemplo, que 20% de la población israelí -sin contar los territorios palestinos ocupadoses islámica); y recordemos que las prácticas de una sola religión pueden ser diversas y hasta enfrentadas (visto, por ejemplo, en el fraccionamiento del cristianismo en catolicismo romano, ortodoxia oriental y numerosos protestantismos). Es precisamente la complejidad de esta red de relaciones lo que ha generado incontables conflictos, desde la anécdota bíblica de hace cuatro milenios arriba citada hasta nuestros igualmente convulsionados días. El evento que abre nuestra temporada de conciertos en 2013 nace del deseo de la violonchelista Maya Beiser de aportar a una coexistencia pacífica entre musulmanes, judíos y cristianos. Beiser toma como ejemplo una lectura optimista del antiguo reino de al-Ándalus2, donde estas comunidades “vivieron y trabajaron juntas en relativa armonía”3. Uno de los principales legados del mestizaje cultural de aquel período es, justamente, la música que ha llegado a nuestros días. Esto queda como una prueba más de cómo la música forma parte integral de los más complejos procesos socioculturales -bien sea generándolos, registrándolos o acompañándolos- y no es solo un En español, proveniencia u origen. al-Ándalus es el nombre dado a los dominios islámicos en la Península Ibérica entre la Conquista Islámica en 711 y el final de la Reconquista Cristiana en 1492. 3 Notas enviadas por Maya Beiser. 1 2


entretenimiento inerte, un adorno inútil para el ocio, como algunos insisten en creer. Claro está que hay numerosos precedentes de ciertos aspectos del proyecto de Beiser, como por ejemplo la Orquesta West-Eastern Divan, fundada por Daniel Barenboim y Edward Said. Esta orquesta reúne jóvenes instrumentistas de Israel y otros países de Oriente Medio para hacer música juntos y así generar un acercamiento cultural que aporte a la solución pacífica del conflicto palestino-israelí. En Provenance Beiser busca algo diferente. En primer lugar, los compositores están vivos, con la única excepción de Riyad al-Sunbati, quien murió apenas en 1981; esto sugiere que al componer están reflexionando sobre problemas reales y actuales. En segundo lugar, la agrupación combina instrumentos occidentales y medio-orientales, algo importante ya que todo instrumento es portador de contenidos culturales. En tercer lugar, todas las piezas fueron encargadas o escogidas con la intención de que reflejen el mestizaje cultural que nos ocupa. Todo esto apunta a la creación de un espacio de diálogo entre diversas tradiciones “en el cual las diferencias culturales son reunidas justamente por la energía artística que liberan con cada encuentro”4. -Cómo aceptamos la diferencia sin violencia y hostilidad? -se preguntaba el ya mencionado Said en alguna entrevista- 5. Más adelante, equiparando el estudio de literatura comparativa con el encuentro de diferentes culturas, afirmaba: “el ideal [...] es mostrarlas existiendo, podríamos decir, como líneas contrapuntísticas en una gran composición por medio de la cual la diferencia es respetada y entendida sin coerción. Y es esa la actitud que, pienso, necesitamos.” El resultado artístico de Provenance puede gustarnos o no, puede aburrirnos o emocionarnos, conmovernos u ofendernos; hay muchas variables que lo definirán a la postre y de manera individual. La actitud de la cual surge el proyecto, sin embargo, parece acertada, y la meta que Beiser proclama seguramente es una que compartimos. Una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa. Por lo pronto, aplaudo una vez más los conciertos que no son meras coincidencias irreflexivas de piezas en un programa, sino que reúnen los medios sonoros y visuales necesarios para, conscientemente, ofrecer una metaobra6 con un concepto que la sostenga. Acerca de los compositores y sus obras El músico, productor, escritor y artista visual Raz Mesinai nació en Jerusalén (Israel), en 1973, y creció en Nueva York (Estados Unidos). Inicialmente fue criado por su madre siguiendo las tradiciones budista, judía, sufí y cristiana. Ibíd. Edward Said, On ‘Orientalism’, www.mediaed.org/assets/products/403/transcript_403.pdf 6 Me refiero con este término a la idea de ‘una obra hecha de otras obras’, en la cual se logra –conscientementeun mensaje general a través de los mensajes parciales de cada obra constitutiva. 4 5

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A los doce años se alejó de ella para estudiar judaísmo en la comunidad ultra-ortodoxa de Mea Shearim en Jerusalén. Tres años después abandonó la religión y regresó a Nueva York para dedicarse de lleno a la música. Bajo el nombre Raz Mesinai compone música académica contemporánea, mientras que bajo el alias Badawi trabaja otros estilos más propiamente populares como el dub. Sea cual sea el estilo, su música suele concentrarse en elementos rítmicos, afinaciones microtonales7 y claras alusiones a músicas tradicionales de Oriente Medio. Respecto a su pieza para violonchelo y electrónica en vivo8, Raz Mesinai dice:

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Compuesta de una intrincada red de ritmos que inducen al trance y frágiles armónicos [del violonchelo] que son procesados electrónicamente en tiempo real, The Echo of Decay [El eco de la descomposición] es una meditación acerca del ciclo de vida, muerte y ascenso y caída de antiguas civilizaciones escuchados a través de los tonos y pulsaciones de las arenas del desierto. A medida que pasamos por este paisaje podemos escuchar el eco del futuro llamándonos desde la distancia.

El compositor, udista9 y violinista palestino Simon Shaheen nació en Tarshiha (Israel) en 1955. Estudió música árabe con su padre, el maestro udista Hikmat Shaheen, y música occidental en Haifa y en la Academia de Música de Jerusalén. Esta combinación se hace evidente en el estilo de fusión árabe-occidental que ha ido desarrollando paulatinamente y que expone a través de su grupo Qantara. A los 23 años emigró a Nueva York para realizar estudios posgraduales en interpretación y educación en la Escuela de Música de Manhattan y la Universidad de Columbia; allí, en 1982, formó el Near Eastern Music Ensemble para la interpretación de música tradicional árabe. El altísimo nivel de su trabajo y su residencia en Nueva York lo han convertido en uno de los músicos árabes de mayor visibilidad, por lo menos en Occidente. El título de su obra para violonchelo, ud y percusión Sama'i Nahawand es simplemente una descripción técnica de la composición en la medida en que sama'i es el nombre de un tipo de composición y su ritmo característico, mientras que nahawand es el nombre del maqam10 utilizado para componer la melodía. Es por este motivo que podemos encontrar muchas piezas diferentes que se llaman igual (por ejemplo, muchas diferentes Sama'i Nahawand), situación comparable con muchas piezas occidentales que se llaman, por ejemplo, “Minueto en la mayor”. Microtonal se refiere a la división del espacio sonoro en intervalos de alturas que difieren de la gradación en semitonos, los intervalos más pequeños utilizados en los instrumentos ‘clásicos’ de Occidente. 8 Electrónica en vivo se refiere a la transformación en tiempo real del sonido, realizada por medios electrónicos o digitales para luego ser amplificado; en este caso, el sonido a trasformar es el del violonchelo. 9 El ud o laúd árabe es un instrumento de cuerda pulsada -sin trastes- ampliamente difundido en Oriente Medio y el norte de África. 10 Maqam es el nombre genérico que se le da a los modos melódicos (algo así como escalas, pero con comportamientos tipificados) en las tradiciones musicales árabe, turca y persa. 7


La compositora Tamar Muskal nació en Jerusalén (Israel) en 1965. Estudió viola, teoría musical y composición con Mark Kopytman en la Academia Rubin para la Música y la Danza, en Jerusalén. A los 29 años emigró a los Estados Unidos y obtuvo una maestría por la Universidad de Yale, donde estudió composición con Jacob Druckman, Martin Bresnick y Ezra Laderman, así como con David Del Tredici y Tania León en la CUNY. Si bien su música está claramente estructurada en elementos de la tradición musical occidental, en todo caso Muskal intenta reflejar siempre la dualidad de sus influencias israelíes y estadounidenses. La pieza Mar de leche, para voz, violonchelo, ud y percusión, es una serie de variaciones sobre la canción tradicional sefardí11 del mismo título; acerca de ella Muskal dice: “Como parte de la visión de su concierto, Maya me pidió escribir una pieza que estuviese basada en una canción ladina12 [...] Antes de componer la pieza escuché docenas de grabaciones de música ladina; finalmente encontré una canción que realmente le habló a mi corazón: Mar de leche.” Consultando diferentes fuentes se encontró que música y textos muy parecidos aparecen en el repertorio sefardí bajo por lo menos tres nombres: Mar de leche, En la mar hay una torre y La Serena. En las fuentes halladas bajo el primero, aparece el siguiente texto: Si la mar fuera de leche, yo me haría un pescador. Pescaría mis dolores con palabricas de amor. Dame la mano, paloma, para subir a tu nido. Maldicha que duermes sola, vengo a dormir contigo.

Cuando aparece con el segundo nombre, la canción comienza con el siguiente texto antes de presentar las dos estrofas anteriores: En la mar hay una torre, en la torre una ventana, en la ventana una paloma (o ‘una niña’) que a los marineros llama.

La versión presentada por Beiser en sus notas incluye una estrofa que en ninguna otra fuente he escuchado o leído, la cual dice: En este contexto, ladino se refiere al dialecto del castellano hablado por las comunidades sefardíes en la Península Ibérica durante el Medioevo. Hoy en día es hablado por los judeoespañoles orientales, descendientes de la diáspora sefardí del siglo XVI. No es ni está relacionado con la actual lengua noritaliana del mismo nombre; por ello puede resultar preferible el término judeoespañol o incluso sefardí.

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Si la mar fuera de leche, yo me haría vendedor caminando y preguntando: ¿dónde comienza el amor?

Like Smoke (Como el humo) es un arreglo para voz y violonchelo basado en Tsmindao Ghmerto (Santo Dios), un Sanctus anónimo del siglo XIII que pertenece a la liturgia ortodoxa georgiana. Acerca de la pieza que nos ocupa escribe Beiser:

En el arreglo de Evan Ziporyn, mi voz y la voz de mi violonchelo intentan trenzar una doble hélice de santidad e intimidad. Dos de las tres líneas melódicas son ejecutadas en el violonchelo, la tercera es cantada. El texto, cantado en hebreo, es mi propia adaptación de un poema de Yehuda Amichai. Like Smoke

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Texto original en hebreo por Yehuda Amichai Traducción al inglés de Maya Beiser

Dios, el alma que me diste es humo. Recuerdos de amor ardiendo sobre la pira eterna. Una vez nacemos, inmediatamente nos comenzamos a quemar. Y así, hasta que todo el humo desaparece. Como el humo.

La anterior pieza parecería ser la primera aparición en el concierto del elemento cultural cristiano, así el texto original haya sido reemplazado. La verdad, sin embargo, es que la formación de los compositores mencionados así como el uso que hacen del violonchelo y de la electrónica e incluso el rito social del concierto público en el cual estamos -producto, ante todo, del capitalismo europeo del siglo XVIII- son todos elementos culturales occidentales que, por ende, pueden ser entendidos como derivados de la cultura cristiana, así no tenga que ver con la religión como tal. El siguiente compositor del que hablaremos, al ser estadounidense también representa una cultura cristiana, algo que podríamos corroborar repasando el texto de la famosa ‘Promesa de alianza’ con la cual se inician muchas sesiones de entes públicos en los Estados Unidos (incluido el Congreso) así como todos los días de clases en escuelas públicas, y en la cual se proclama al país como “Una nación bajo Dios”. Nacido en Tucson (Estados Unidos) en 1958, el compositor Douglas J. Cuomo tocó trompeta y guitarra desde niño, y aún sin graduarse de la secundaria estudió con Max Roach y Archie Shepp en la Universidad de Massachusetts. Desde los 18 años combinó temporadas de gira como guitarrista con estudios de jazz y etnomusicología en la Universidad de Wesleyan, graduándose finalmente como intérprete de jazz en la Universidad de Miami. Coumo se dedicó eventualmente a la composición trabajando


para la escena teatral neoyorkina y para filmes estudiantiles y documentales televisivos antes de entrar a expresiones más comerciales de estos mismos medios. Con un estilo construido sobre el eclecticismo de su formación, su música combina influencias clásicas, populares y de la mal llamada ‘música del mundo’, con los que ha logrado siempre una amplia recepción y un notable reconocimiento. Acerca de su pieza para violonchelo y electrónica Only Breath (Sólo aliento) dice Cuomo que se inspiró “en la quietud y los sonidos del campo andaluz, así como en la experiencia de ser despertado antes del amanecer en una pequeña aldea en Turquía por el sonido del llamado sufí al rezo, emanando simultáneamente (y de manera totalmente independiente) de varios minaretes diferentes”13. Los sonidos del viento, las melodías y el tratamiento espacial que evoca Cuomo buscan recrear estas imágenes, pero también sugerir un paisaje sonoro “en absoluto hecho de elementos”: Only Breath Texto original en persa por Rumi Traducción al inglés de Coleman Barks con John Moyne en Essential Rumi, HarperCollins, 1995

Ni cristiano ni judío ni musulmán, ni hindú, budista, sufí o zen. Ninguna religión ni sistema cultural. No soy del Este ni del Oeste, ni del océano ni de la tierra, no soy natural ni etéreo, en absoluto hecho de elementos. No existo, no soy un ente de este mundo ni del más allá, no desciendo de Adán y Eva, ni de historia originaria alguna. Mi sitio no tiene sitio, un rastro de lo irrastreable. Ni cuerpo ni alma. Pertenezco al Amado, he visto los dos mundos como uno y uno llamo y conozco, primero, último, exterior, interior, sólo ese humano que respira el aliento.

El sufismo es una doctrina mística esotérica que puede o no estar ligada al islam. Con frecuencia, de hecho, ha sido perseguida y prohibida en sociedades que se rigen por la misma ley islámica (sharia). Por ello, los llamados a los cinco rezos islámicos diarios (adhan) no son realizados por un sufí sino por el almuecín de cada mezquita. Como las horas exactas cambian día a día, se supone que la mezquita principal de una ciudad dada debe contar con una especie de astrólogo que las defina. Es este quien le dice a su almuecín cuándo debe realizar el llamado; aquellos de las demás mezquitas de la ciudad reaccionan al primero.

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Kayhan Kalhor es un intérprete de kamanché14 y compositor kurdo nacido en Teherán (Irán) en 1963 y especializado en música kurda y persa. Comenzó a estudiar música a los 7 años, y a los 13 ya tocaba con la Orquesta Nacional de la Radio y Televisión de Irán. Continuó su aprendizaje en la tradición radif persa15 y estudió también en la provincia de Jorasán, donde pudo entrar en contacto con tradiciones kurdas y turcas. En Teherán estudió bajo la dirección del maestro de setar y tar16 Mohammad-Reza Lotfi, hasta lograr un estilo en el cual combina las estructuras de la música clásica persa con la riqueza melódica y modal de la tradición kurda. Más tarde viajó a Roma, Italia y Ottawa (Canadá) para estudiar música clásica europea, y, finalmente, tras una brillante carrera tocando con grandes músicos de Asia Central y del Sur, emigró a los Estados Unidos, donde ha obtenido éxito comercial con su trabajo. En relación con I was There, para violonchelo, ud y percusión, cuenta Beiser:

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Conocí a Kayhan en una casa de té en Brooklyn. Estaba de visita desde Teherán, de gira con Yo-Yo Ma. Hablamos acerca de Ziryab, el misterioso y legendario músico, poeta, cantante e impositor de modas. Siendo un persa de ascendencia kurda, Ziryab llegó a la corte Omeya en Córdoba a principios del siglo IX y fue aceptado como músico de la corte de Abderramán II [...] se convertiría en el más influyente músico de su tiempo y es considerado el fundador de las tradiciones andaluzas en el norte de África y el Medio Oriente. Kayhan [...] recordó una melodía de su región atribuida a Ziryab. Esta melodía se convirtió en la base de la pieza que me compuso.

Todas las piezas anteriores fueron compuestas o arregladas por amigos de Beiser, algo que explica por qué todos han emigrado a los Estados Unidos, al igual que la misma Beiser, quien nació en Israel. Supongo que esto es una coincidencia meramente circunstancial y que no sugiere que la única solución a la búsqueda de una coexistencia pacífica multicultural esté en emigrar a este país (o en general, al llamado Primer Mundo), ni tampoco que exclusivamente esté en vivir en una sociedad cristiana, en una economía capitalista o en un sistema supuestamente democrático. A diferencia de las anteriores, las últimas dos piezas del concierto son preexistentes. En estos casos estamos hablando de piezas escogidas por las características que ya poseían, y no que hayan sido compuestas a la medida del proyecto. El udista y compositor Riyad al-Sunbati nació en Farskor (Egipto) en 1906 y más tarde se trasladó a Mansuria. Su primer maestro fue su propio padre, también udista y cantante. Su formación instrumental continuó bajo la guía de Muhamad Shaaban. Hacia 1922 conoció a la legendaria cantante Um Kalsum, con quien colaboraría ampliamente a lo largo de su vida. En 1928 El kamanché es un instrumento de cuerda frotada, persa, ampliamente difundido en Asia Central y Occidental. El radif es el sistema de organización melódica fundamental de la música tradicional persa, el cual es transmitido -de manera conscientemente evolutiva- por tradición oral. 16 Setar y tar son instrumentos persas de cuerda pulsada también difundidos en el Cáucaso. 14

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se trasladó a El Cairo, donde comenzó a enseñar ud y fue nombrado Director Artístico de la disquera Odeon. Su carrera llegó a un pico en 1940 cuando, tras un lustro de trabajo para la Radio Nacional de Egipto, llegó a componer sus más importantes piezas tanto para la radio como para la industria cinematográfica. Seguramente por el inicio de la Campaña Norafricana de la Segunda Guerra Mundial, en este punto su carrera se vio puesta en pausa. No obstante, en las décadas de 1950, 60 y 70 retomó su trabajo al lado de Um Kalsum incorporando nuevos elementos a la música popular egipcia, en gran medida combinándola con elementos de músicas populares occidentales que la hiciesen más ampliamente accesible. Así como se comentó antes respecto a Sama'i Nahawand, Longa Farahfaza es un nombre/descripción en el cual longa es el género musical -en este caso derivado de músicas rumana y turca- y farahfaza es el maqam sobre el cual fue compuesto. En esta ocasión, la pieza es realizada por violonchelo, percusión y ney17. La última pieza del concierto es Kashmir, una canción de la banda de rock inglesa Led Zeppelin. La música fue compuesta por el guitarrista Jimmy Page (con una participación inexplicablemente importante del baterista John ‘Bonzo’ Bonham), la letra fue escrita por el cantante Robert Plant (n. 1948) y, aunque no aparece en los créditos, se dice que la magia de esta canción fue dada por el que muchos consideran el mejor músico de la banda, el multiinstrumentista John Paul Jones. Aparentemente comenzada hacia 1972, Kashmir finalmente apareció en el sexto disco de Led Zeppelin, Physical Graffiti, publicado en 1975. En su contexto original la canción es atípicamente larga y compleja, con la superposición de planos polimétricos, una afinación inusitada de la guitarra, instrumentación ampliada y un tratamiento electrónico de la batería que da un aire surrealista al sonido. Todo esto, claro está, se pierde al transformarla para ser insertada en otros contextos musicales, bien sea uno de pop / hip hop como el de la canción Come with me de Puff Daddy o el de la música de cámara que hoy escuchamos. Ciertamente Kashmir utiliza gestos relacionables con músicas norafricanas y de Oriente Medio, pero creo que hacen esto y todo lo anteriormente descrito sin pretensión alguna, ni de ser progresivos ni transculturales18, sino simplemente llevando esta música a su máxima expresión. Los mismos miembros de Led Zeppelin expresaron siempre que Kashmir fue su mayor logro, el cual condujo a Plant a unas exploraciones textuales que nunca igualaría, y a la banda a hacer lo que tal vez haya sido la mejor composición/arreglo de sus carreras. En su versión original la pieza trasciende los supuestos límites de su género musical, de manera comparable a otros hitos de las músicas populares occidentales de aquel momento, como por ejemplo Contrução (1971) de Chico Buarque o Pedro Navaja (1978) de Rubén Blades. 17 Uno de los instrumentos más antiguos de todo el mundo y aún utilizado, el ney, es una especie de flauta de Oriente Medio. 18 Page ha dicho que la sucesión de acordes que funciona como base de la composición fue tomada de una canción inédita llamada Swang Song, la cual hace referencia a un mito netamente europeo.

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MAYA BEISER, violonchelo (Estados Unidos)