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Los hermanos Sérgio y Odair Assad, nacidos en Brasil, se han convertido en el punto de referencia de los guitarristas a nivel mundial, imponiendo una nueva marca de innovación artística, ingenio y expresión en la guitarra. Su talento excepcional y su extraordinaria complementación y compenetración como dúo provienen tanto de la riqueza de la tradición musical brasileña en su familia como de sus estudios con los mejores guitarristas de América del Sur. Además de establecer nuevos estándares de rendimiento, los Assad han desempeñado un papel importante en la creación y la introducción de la nueva música para dos guitarras. Su virtuosismo ha inspirado a compositores de la talla de Ástor Piazzolla, Terry Riley, Radamés Gnattali, Marlos Nobre, Nikita Koshkin, Roland Dyens, Jorge Morel, Edino Krieger y Francisco Mignone a escribir para ellos. Los Assad comenzaron a tocar la guitarra juntos, a temprana edad, y estudiaron durante siete años con la famosa guitarrista Monina Távora, discípula de Andrés Segovia. Su carrera internacional comenzó con un importante premio en el Concurso de Jóvenes Artistas 1979, en Bratislava (Eslovenia). Actualmente, Odair reside en Bruselas y enseña en la Escuela Superior de Artes, mientras que Sérgio está radicado en San Francisco, donde es profesor del conservatorio de música y se dedica a ampliar su repertorio, componiendo para el dúo y para sus muchos colaboradores musicales, entre ellos Yo-Yo Ma, Nadja Salerno-Sonnenberg, Fernando Suárez Paz, Paquito D'Rivera, Gidon Kremer y Dawn Upshaw. El repertorio de los hermanos incluye música original compuesta por Sérgio, así como música latina de casi todos los estilos. Su repertorio clásico estándar incluye transcripciones de la literatura barroca para gran teclado de Bach, Rameau y Scarlatti y adaptaciones de obras de figuras tan diversas como Gershwin, Ginastera y Debussy. Sus programas de giras son siempre una mezcla atractiva de estilos, épocas y culturas. Los Assad han realizado trabajos discográficos para diferentes sellos como Nonesuch Records y GHA Records, tanto en

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dúo como en compañía de artistas de gran trayectoria como Nadja Salerno-Sonnenberg, Yo-Yo Ma, Egberto Gismonti, Cyro Baptista y Romero Lubambo, entre muchos otros. Algunas de sus grabaciones han obtenido los más importantes reconocimientos, como el Grammy latino a la producción Sérgio y Odair Assad Play Piazzolla, de 2001, y el Grammy al CD Obrigado Brazil, en 2004. Su actividad más reciente incluye una serie de presentaciones por diferentes ciudades de los Estados Unidos junto a Yo-Yo Ma, realizadas durante el primer semestre de 2012. Su concierto a dúo en Colombia hace parte de la gira por Suramérica, en la que además visitarán Chile, Argentina y Brasil, incluyendo el estreno suramericano de Phases composición de Sérgio Assad, con la Orquesta Petrobras Sinfonica en Río de Janeiro.

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PROGRAMA Córdoba

De Canto de España, Op. 232

ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909)

Versión de Emilio Pujol

De la Suite troileana

ÁSTOR PIAZZOLLA (1921-1992)

Zita

Versión de Sérgio Assad

Bandoneón

De la Suite troileana

A lenda do caboclo

Balada

Alma brasileira

Chôro No. 5

Ernesto Nazareth De la Suite retratos

Versión de Sérgio Assad

HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959) Versión de Sérgio Assad Versión de Sérgio Assad

RADAMÉS GNATTALLI (1906-1988)

Chiquinha Gonzaga De la Suite retratos

INTERMEDIO

Sonata del Caminante

Visión de la Amazonia El gran desierto Danza festiva Toccata nordestina

Tonadilla para dos guitarras

Allegro ma non troppo Minuetto pomposo Allegro vivace

Tahhiyya li Ossoulina

Homenaje a nuestras raíces

LEO BROUWER (n. 1939)

Guitarra sola: Odair Assad

JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999)

SÉRGIO ASSAD (n. 1952)

CONCIERTO No. 41

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NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque El dúo de guitarras potencia muchas de las posibilidades del instrumento, y la más obvia tiene que ver con el incremento en la intensidad del sonido. La sonoridad íntima de la guitarra crece en su proyección cuando se acompaña de otra y se evidencian, con claridad, muchas de sus otras características, en especial la lúdica entre melodía y acompañamiento. Una sola guitarra deberá asumir todas las texturas, incluidas las polifónicas (o contrapuntísticas) y generar los acompañamientos rítmicos y armónicos, mientras ejecuta melodías. Con dos guitarras, estas actividades de acompañamiento y las imitaciones entre melodías se hacen más notorias al oído. Por todo esto, la combinación de dos o más guitarras es un formato que permite experimentar, con gran nitidez auditiva, el potencial de la guitarra, uno de los instrumentos de mayor aceptación y popularidad en nuestros tiempos.

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Isaac Albéniz Junto con otros destacadísimos compositores españoles como Manuel de Falla, Enrique Granados y Joaquín Turina, Isaac Albéniz (1860-1909) puso la música de su Península en un primer lugar dentro del panorama mundial. El estilo contemporizante de Albéniz y el gran dominio que poseyó sobre el piano lo salvaron de ser un compositor de simples apuntes folclóricos. De origen catalán, se formó musicalmente en Leipzig, Bruselas y Weimar, en donde recibió la influencia de Liszt. En París fue acogido por D'Indy y Dukas. La obra más original e inspirada de Albéniz fue concebida para el piano, si bien en muchas ocasiones tomó la guitarra como su modelo instrumental, e inspirado en la tradición musical de Andalucía, logró una estilización espontánea de la música española. Tal es el caso de obras tempranas como las populares Seguidillas, Córdoba, Granada, Sevilla, Cádiz y el Tango en re. Estas obras de índole nacionalista se pliegan de singular manera a la noción de la “pieza de carácter” -tanto en Europa como en el continente americano hay un repertorio rico y vistoso de este tipo de pieza, que surgió a mediados del siglo XIX y se desbordó en el XX. La pieza de carácter predomina en nuestro repertorio para piano y figura también en el de guitarra, canto y algunas combinaciones de cámara. Entre las características generales de estas obras se deben mencionar:


el alejamiento de la forma sonata-allegro y el empleo de formas seccionales que se adaptan a intenciones descriptivas; el deseo intenso de expresar sentimientos, emociones y estados de ánimo; la utilización de títulos descriptivos e indicaciones de tiempo precisas para transmitir estos sentimientos; la búsqueda de efectos poéticos y dramáticos; las tendencias pictóricas y la estilización de danzas regionales. Con su gran obra para piano, Isaac Albéniz contribuyó al renacimiento de la música española en el siglo XX. Su obra está llena de evocaciones de los paisajes y las gentes de España y sus músicas, si bien en ocasiones aparecen como gestos apenas sugeridos. Se inició en el mundo musical como concertista precoz y a lo largo de su vida mantuvo una actividad incansable en los escenarios. En la época en que compuso Canto de España (1892) Albéniz se había mudado con su familia (esposa y tres hijos) a Londres. Allí se inició en el mundo del teatro y escribió la música de la ópera cómica El opal mágico con texto de Arthur Law. Esta experiencia con la música lírica habría de dejar una huella significativa en el desarrollo musical de Albéniz, pues a partir de ese momento sus composiciones se tornaron más dramáticas y extensas. Canto de España aún refleja su gusto por la pieza de salón inspirada en aires de corte popular. La obra completa consta de las siguientes piezas: Prélude, Orientale, Sous le palmier (Bajo la palmera), Córdoba y Seguidillas (las dos últimas, adicionadas en 1898). Ástor Piazzolla Pese a las ventajas sonoras de un dúo de guitarras, la escritura original para el conjunto no es muy común y en los programas se incluyen no solo muchas piezas originales, sino otras tantas adaptaciones. Precisamente, el programa se inicia con una adaptación de una conocida obra de Ástor Piazzolla (19211992), a manera de homenaje al célebre compositor argentino, cuya obra profundamente original gana cada día más adeptos. El mundo musical de Piazzolla nació y se desarrolló entre el tango, y en cada obra examina un aspecto diferente del mismo: su energía rítmica, su adaptación a los cánones armónicos y contrapuntísticos del Barroco, la amalgama con las sonoridades del impresionismo, su posible ornamentación melódica y su juego con el espíritu bonaerense y la musicalidad occidental. Por una parte, el compositor conservó la instrumentación tradicional del tango durante la década de los años treinta

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así como gran parte de su estructura en secciones de 16 compases, pero luego se tomó la libertad de jugar con el fraseo alargado y sinuosamente dibujado de las melodías, y se atrevió a imprimir rasgos de flexibilidad a un ritmo que por definición era agresivo e incesante, hasta el punto de hacer imposible el baile con sus composiciones. Piazzolla quería, precisamente, escribir un tango que fuera escuchado, no bailado, aunque sus contemporáneos se negaran a imaginarlo. Luego de la muerte de Aníbal Troilo, acaecida en 1975, Piazzolla compuso una suite en su honor, con cuatro secciones tituladas Bandoneón, Zita, Whisky y Escolaso.

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Heitor Villa-Lobos Este versátil compositor suramericano obró un cambio radical y particularmente imaginativo en el devenir de la música brasilera moderna. No solo supo responder a las exigencias del nacionalismo como ideología cultural y materia básica de la música, sino que también participó en la generación de un lenguaje moderno para la música del siglo XX. Las obras de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), junto con las del argentino Alberto Ginastera y las del mexicano Carlos Chávez, representaron los mejores logros de la música latinoamericana de la primera mitad del siglo XX. Les correspondió demostrar el dominio de las técnicas de composición europeas, mientras paralelamente indagaban acerca de un estilo nacionalista y desarrollaban un lenguaje personal. Cada uno de ellos lo hizo de diferente manera y con diversos resultados. Villa-Lobos partió de sus orígenes populares para realizar un análisis concienzudo de la música tradicional del Brasil en sus más variadas expresiones. La imaginación desbordante de VillaLobos -compositor prácticamente autodidacta- lo indujo a desarrollar un estilo profundamente personal y espontáneo moldeado por las impresiones más diversas. El elemento constante en la obra de este gran músico brasilero es el los sonidos tradicionales del Brasil que conoció de primera mano como intérprete y en sus innumerables viajes por el país. La leyenda del caboclo, original para piano, es una obra construida sobre el bajo cadencioso del tango brasilero, basado en el ritmo de habanera. Sobre el movimiento hipnótico se desarrolla una sentida melodía. Entre 1920 y 1930, Villa-Lobos compuso un ciclo de singular importancia para la vida musical brasilera: 14 Chôros y una Introducción a los Chôros. Si en las Bachianas Brasileiras


Villa-Lobos se había propuesto aplicar técnicas de composición barrocas a la música tradicional brasilera, en los Chôros su propósito fue el de trabajar aun más intensamente los aires populares y darles plena cabida en el repertorio de conciertos. Citamos las palabras del mismo compositor para definir este ciclo: Chôro: impresión popular que define las tonadas típicas de pequeños conjuntos de cantantes rurales o de instrumentistas, ejecutadas generalmente al aire libre. Fue el título encontrado para denominar una nueva forma de composición musical en donde se sintetizan varias modalidades de la música indígena brasilera primitiva, citadina o popular, teniendo como elementos principales el ritmo y cualquier melodía típica popularizada que aparece de cuando en cuando de manera incidental. Los procesos armónicos y contrapuntísticos son casi una estilización del original.

Radamés Gnattali La figura de Radamés Gnattali (1906-1988) fue importante para la vida musical de Río de Janeiro en los años 30, pues se movió cómodamente por entre el mundo clásico y el popular realizando composiciones originales y dirigiendo orquestas de sabor popular para satisfacer el auge de la naciente radiofonía. En 1956 inició la composición de una suite para recordar a cuatro importantes compositores del mundo del chôro y los aires más característicos interpretados por sus ejecutores propios. Gnattali hizo cuatro versiones instrumentales de su popular obra, la última, para dos guitarras, dedicada a los hermanos Assad. En su versión original, los retratos fueron interpretados por un conjunto “regional” y bandola solista. La suite está organizada en cuatro movimientos, cada uno de ellos dedicado a un músico en particular: Pixinguinha (1898-1972), Ernesto Nazareth (1863-1934), Anacleto de Medeiros (18661907) y Chiquinha Gonzaga (1847-1935). Todos ellos generaron el rico repertorio del chôro. La obra fue pensada para el célebre bandolista Jacob de Bandolim, quien grabó la obra por primera vez en 1964 (de esta suite hay un estudio detallado en <www. musiquesdumonde.net/La-Suite-Retratos-de-Radames.html>). La imagen que de Nazareth nos pinta Gnattali viene en forma de un vals cadencioso y ricamente decorado, mientras que de Gonzaga se nos presenta con un maxixe, agitado y activo. Los dos polos que representan estas obras abarcan el mundo variado y sentimental del chôro.

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Leo Brouwer Indudablemente, el guitarrista y compositor cubano Leo Brouwer (n. 1939) es uno de los artistas latinoamericanos que más ha contribuido al desarrollo del repertorio para la guitarra en las cuatro últimas décadas. En su obra conviven las evocaciones nacionalistas junto con los efectos sonoros y las prácticas vanguardistas de la composición. Brouwer ha incursionado en muchos estilos de composición en torno a la guitarra. Se ha inspirado en las tradiciones afrocubanas (como en Elogio de la danza), de donde ha tomado ritmos de danza y canción y los ha combinado con un lenguaje moderno inspirado en la música de Stravinsky y del cubano Amadeo Roldán. También reconoce haber transitado por una fase creativa de nacionalismo romántico (como en su obra El Decamerón negro) y haber empleado series de tonos en un gesto francamente vanguardista. El jazz, el rock y la música latinoamericana se dieron cita en su trabajo junto al grupo Irakere. En la grabación de la Sonata del caminante, producida por GHA Records en 2012, el compositor Leo Brouwer hace la siguiente anotación sobre su obra:

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Sonata del caminante fue compuesta en pocos días, para Odair Assad. La composición es un alumbramiento con dolor, esfuerzo y alegría, pero, en este caso, todo fue orgánico. El pensar y el hacer fueron uno solo y el mismo. Un reto imposible para un virtuoso de la guitarra es algo común para Odair. Esto contribuyó a la fluidez del sonido en la Sonata. El Sertão [Desierto] y la gran jungla se encuentran en cataratas de sonidos distantes y estáticos, calmados como las llanuras. Temáticamente no se encontrarán en la Sonata del caminante melodías dulces ni batucadas graciosas; si tuve alguna intención fue la “intensidad” y espero haber tenido éxito.*

Joaquín Rodrigo El compositor español Joaquín Rodrigo (1901-1999) escribió una de las obras más conocidas del repertorio musical para la guitarra del siglo XX: el Concierto de Aranjuez. Con esta obra, Rodrigo se perfiló como uno de los autores más importantes en el campo de la guitarrística. Suyas son también otras conocidas obras para guitarra, tales como Fantasía para un gentilhombre, Invocación y danza y el Concierto madrigal. Si bien Rodrigo se formó en el ambiente moderno propiciado en su patria por Manuel de Falla, su estilo es, en general, conservador y fiel a la tradición española. En las canciones y obras para piano compuestas en las décadas de 1920 y 1930, Rodrigo encontró su propia voz, luego de observar los alcances de las sonoridades novedosas de Granados, Ravel y Stravinsky. La Tonadilla, original para dos guitarras, es reflejo de sus


conceptos más modernos, con mayor presencia de disonancias y una gran energía rítmica con visos de mecanicismo en su insistencia. El movimiento central, un minué, es el más tradicional de los tres que conforman la pieza. Sérgio Assad El recital finaliza con una obra de Sérgio Assad (n. 1952) en la que evoca sus raíces libanesas ancestrales y los sonidos de su país. Tahhiyya li Ossoulina traduce Homenaje a nuestras raíces, y en esta obra se escuchan elementos del cercano Oriente (ritmos y escalas) con ecos de la música del Brasil. Hay pasajes de improvisación, compases de gran vivacidad rítmica y, ante todo, un gran juego con el colorido sonoro de las guitarras, que se prestan para la ejecución de melodías muy ornamentadas, juegos de sonidos en ecos imitativos, efectos percusivos, empleo de armónicos delicados y un despliegue de la maestría del dúo de hermanos. Tahhiyya li Ossoulina mereció un premio Grammy en la categoría de mejor composición clásica en el CD Jardim Abandonado. Encuentre música de los Hermanos Assad en el catálogo de música de la Biblioteca Luis Ángel Arango Farewell [registro sonoro] / Sérgio & Odair Assad Número topográfico CD2799 Saga dos migrantes [registro sonoro] / Sérgio Assad. Número topográfico CD4225 Sérgio Assad [registro sonoro] violao / Sérgio Assad. Número topográfico CD8289

* Tomado de <AfriClassical.com>

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Los Hermanos Assad, dúo de guitarras (Brasil)  

Cuando se habla de guitarristas famosos es inevitable mencionar al dúo Assad, dos hermanos excepcionales a quienes su virtuosismo interpreta...

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