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ALVIN AILEY El legado afroamericano

ISSN N 1855 0-62 275 7 . A帽o 20 N潞 224 2 - S ep eptiem e bree 2013 Ree vi vist staa me mens nss ua uall de dist di stri st ribu b ci bu ci贸n 贸n g ra ratu tuit itaa en C ap apit itt all Fed eder eral al y Gr Gran an B ue ueno n s Ai Aire ress

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NOVIEMBRE 2009 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // SEPTIEMBRE 2013


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NOTA DE TAPA 6 Tributo a la Herencia ACTUALIDAD 13 En la Pantalla 14 Archivo Sudamericano 15 A Todo Clown

Antonio Douthit-Boyd, Yannick Lebrun y Kirven Douthit-Boyd, del Alvin Ailey American Dance Theater Foto: Andrew Eccles

PROVINCIAS 16 Santa Fe. Don Quijote 16 Córdoba. Primaveral 18 Tucumán. Música y Danza 20 Misiones. De la Selva Colorada ENTREVISTA 26 La Expresión de la Nostalgia 32 De la Alemania Nazi a los Orígenes Locales 34 El Arte de Morder el Piso TEATRO MUSICAL 40 Argentinos en Primera Línea

Sumario 224

FOLKLORE 44 El Chúcaro BALLETIN DANCE 48 Primer Concurso de Fotografía de Danza

COMENTARIOS 50 Esto 52 Se Comparte 54 La Noble Perfección 58 Primera Despedida 62 De Galaxias y Golondrinas Primaverales ARGENTINOS EN... 67 Folklore Argentino en Europa del Este 67 Brasil. Wainrot en Río INTERNACIONALES 70 Chile. Nueva Dirección en el Banch 71 Uruguay. De San Pablo a Montevideo IN MEMORIAM 68 Adiós a Fernando Alonso, el Noverre cubano CARTELERA 31/46/64 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/73/74 Audiciones, becas, congresos, convocatorias, residencias

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Carlos Bevilacqua Miguel Cabrera Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Natascha Ikonicoff Laura Lifschitz Daniel Sousa corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) comercialización EG Media Brokers Esteban Gallego info@egmediabrokers.com diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com

INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

Septiembre 2013 - Año 20 - Nº 224 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Ascociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5081363. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275


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Tributo a la Herencia N

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Por Eliana Gissara

La compañía de danza moderna

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American Dance Theater regresa a la Argentina, del 26 al 29 de septiembre en el Teatro Coliseo, con dos programas que condensan el espíritu afroamericano a través de los sonidos y el movimiento

Kirven Douthit- Boyd, Alicia Graf Mack y Demetia Hopkins en Revelations Foto . Gert Krautbauer SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 7


En su segunda temporada como director artístico, Robert Battle apuesta a la mixtura del repertorio clásico de la Alvin Aley American Dance Theater (AAADT) y las nuevas dinámicas coreográficas que actualizan su tradición afroamericana. La compañía presentará en el programa A las obras Revelations y Night Creature del fundador, Takademe de Robert Battle y Grace de Ronald K. Brown. El programa B estará compuesto por From Before de Garth Fagan, Strange Humors de Battle, Minus 16 de Ohad Naharin y nuevamente Revelations de Alvin Ailey. “Estoy muy contento de seguir ampliando el repertorio de AAADT en esta temporada, incorporando nuevas voces y talentosos coreógrafos contemporáneos que muestran la profundidad y la versatilidad del talento de los bailarines”, señaló el director artístico, que en esta oportunidad exhibirá dos coreografías, Strage Humors y Takademe. La primera, muy aclamada por el público, muestra el enfrentamiento entre dos hombres con secuencias que van desde la agresión a la picardía, alternadas en sonidos de cuerdas y tambores africanos. Con influencia de danza kathak, la segunda obra navega en la mística hindú haciendo gala de movimientos depurados y saltos, bajo un ritmo acelerado y percusivo. Por otra parte, el ballet AAADT presentará From Before del innovador maestro de la danza moderna Garth Fagan, ganador del premio Tony en 1998 por la mejor coreografía El Rey León. Será

Kirven Douthit-Boyd en Takademe Foto . Andrew Eccles 8 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013

la primera vez que una compañía distinta a su homónima lleve al escenario esta puesta, que combina ritmos de la danza africana e influencias caribeñas. También interpretará Grace, una obra originalmente creada por Brown para la compañía en 1999 y que ha vuelto al repertorio en una nueva versión, entre la danza moderna y la gestualidad del África occidental. “El público tendrá la oportunidad de experimentar estos nuevos tesoros, junto con reposiciones de obras notables presentadas en la temporada pasada y un programa en el que se destaca especialmente la virtud de nuestro fundador, el legendario Alvin Ailey”, resume Battle, previo a la gira que los llevará a Brasil y Argentina. La AAADT está compuesta hoy por más de 30 consagrados bailarines, que sostienen desde el escenario la distinción “Embajadores Culturales en el Mundo” concedida por el Parlamento de Estados Unidos. No es poco para una compañía de su envergadura, que se ha presentado ante 23 millones de personas, en 71 países de los 6 continentes. REVELATIONS, LA OBRA MAESTRA DE AILEY El público argentino también podrá disfrutar de Revelations, la obra más representativa del estilo Ailey. Se trata de un clásico,


Alvin Ailey American Dance Theater en Revelations Foto . Paul Kolnik SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 9


un tributo a su herencia y a su genio. La pieza, originada en 1960, remite a las crónicas de la niñez de su autor, en la ciudad norteamericana de Texas. A través de una danza variada, el coreógrafo indagó en la condición humana y se fundió en los rituales de la tradición gospel. Exploró con fervor el espectro emocional del ser que va de la más profunda pena a la más santa alegría. Ailey, quien tenía 29 años al crear esta pieza, se inspiró no sólo en la gestión simbólica del cuerpo afroamericano sino que también hizo propia su música, de carácter religiosa. Sobre su creación, el artista reflexionó: “Sentimientos profundos, fe, esperanza, alegría y tristeza que se expresan a través de los coros, los predicadores, los diáconos… la espiritualidad de la religión bautista y los cantos evangélicos. De niño recuerdo que ellos cantaban y tocaban la música con tal fervor que no sólo los oía sino que también los veía. Traté de poner todo ese sentimiento en Revelations”. El ballet es, por otra parte, un ícono que representa los mecanismos de supervivencia que permitieron a los esclavos africanos mantener su mente en libertad aún en cautiverio. Además de destacarse por las dinámicas coreográficas, Revelations se sostiene argumentalmente desde los sonidos, mediante los denominados ritmos negros. “Las canciones son poéticas y representan un conjunto de ideas que vienen a mi cabeza; la energía juvenil y el entusiasmo son el reflejo de mis propios sentimientos acerca de la opresión que sufrieron los afroamericanos en Texas. Se trata de recrear la música que se escuchaba mientras las mujeres Linda Celeste Sims en Grace Foto . Paul Kolnik

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vendían manzanas y cantaban canciones espirituales; todo eso, sumado a los recuerdos más íntimos de mi madre dando vueltas alrededor de la casa”, rememoraba el artista, que falleció de una grave enfermedad en 1989. EL LEGADO Una de las características más distintivas de la AAADT es su carácter multirracial. La integración de las etnias es el pilar primero que supo transmitir Alvin Ailey no sólo a través de sus coreografías sino también en la composición de los grupos de trabajo. Este atributo es en gran parte el legado de su maestro Lester Horton, fundador del primer ballet que incluía afroamericanos entre sus miembros. Tras la muerte de su mentor, Ailey se convirtió en director de su compañía y empezó a diseñar sus propias creaciones. En 1958 erigió la AAADT para llevar a la realidad sus ideas: un grupo de personas dedicado a enriquecer el patrimonio de la danza moderna estadounidense y preservar la singularidad de la experiencia cultural afroamericana, en una sociedad que había sufrido los peores pecados de la guerra civil. Con el correr de los años, Ailey se consolidó como uno de los principales exponentes de la danza que fomentó los programas de promoción de las artes en la educación, con particular atención en el desarrollo de las comunidades marginadas. Hoy, la AAADT es un engranaje más de la denominada “organización Ailey” que incluye, además del cuerpo de baile principal, un establecimiento educativo donde se preparan más de 3500 bailarines por año (una de las docentes es nuestra compatriota Graciela Kozak), una compañía complementaria Ailey II, para entrenar a nuevos talentos en una especie de semillero de artistas y un programa de extensión especialmente diseñado para el aprendizaje de amateurs de danza moderna. “La danza es un acto de progreso, un acto de crecimiento, un acto de música, un acto de enseñanza, un acto de celebración, un acto de alegría”. Esta frase de Alvin Ailey se replica hoy en cada emprendimiento que llevan a cabo desde su escuela. Con sede en New York, el objetivo que guía a sus directores, tal como ayer, es utilizar la danza para educar, inspirar y entretener. Bajo esta perspectiva, pusieron en marcha un programa de acercamiento interdisciplinario llamado Revelations, que se implementa en escuelas públicas de distintas ciudades de Estados Unidos. Utilizando la obra más trascendente de Ailey, el programa busca ser un marco para el estudio exhaustivo del lenguaje, los estudios sociales y la danza. “Hay una especie de acontecimiento ritual para transmitir toda la sabiduría y la experiencia de los bailarines veteranos a los más jóvenes”, señaló Battle. Y agregó: “Eso está en la tradición africana también. Y hay algo que sucede durante la actuación, cada vez que sube Revelations al escenario, que supera toda sensación de aburrimiento o cansancio de hacer la misma obra. Definitivamente es una pieza que te atraviesa y se apodera de tu cuerpo, en el más amplio de los sentidos”. __BD


Samuel Lee Roberts and Kirven Douthit-Boyd en Strange Humors Foto . Paul Kolnik SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 11


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En la Pantalla Del 24 al 29 de septiembre se realizará la 14º edición del Festival Internacional VideodanzaBa, dirigido por Silvina Szperling, con entrada libre y gratuita El Festival Internacional VideoDanzaBA es un espacio abierto que propone la difusión, formación y reflexión del desarrollo de las redes de manifestaciones artísticas cuyo eje se centra en la dupla cuerpo-tecnología (ver Balletin Dance Nº 221, junio de 2013). Con el fin de fomentar la investigación, el intercambio y la diversidad, VideodanzaBA propulsó la creación del Circuito Videodanza Mercosur (CVM) y del Foro Latinoamericano de Videodanza (FLV), además de desarrollar planes de residencias e intercambio con países latinoamericanos y organizaciones extranjeras, organiza capacitaciones en diversos seminarios, conferencias y publicaciones. “Nuestras prioridades son la formación de público, el intercambio artístico y el fomento en la producción de obras de la región” aclaró la directora. En concordancia con el 30º aniversario de la democracia en argentina este año el festival se desarrollará bajo el lema Memoria.Cuerpo.Imagen, en la sede principal: el Centro Cultural para la Memoria Haroldo Conti (la ex ESMA, Av. Libertador 8151). Pero también habrá actividad en el Área Transdepartamental de Crítica de Artes del Instituto Universitario Nacional del Arte (Bartolomé Mitre 1863, 3° piso). La apertura (martes 24, a las 19 hs) incluirá una exposición de fotografías seleccionadas por convocatoria abierta, la intervención Magnética en el Hall principal y la proyección del largometraje Los Posibles (director de cine Santiago Mitre y el corógrafo Juan Onofri Barbato).

Alejandro Alvarenga en Garras, una de las proyecciones de este festival Foto . gentileza de la producción

Como todos los años, la programación se basa en las proyecciones de los videodanzas y documentales seleccionados, pero además se programaron tres muestras especiales: Butoh opera prima de Constanza Sanz Palacios (viernes 27, 19 hs) un retrato de Marie-Louise Alemann, fundadora del Grupo Cine Experimental Argentino de los años ’70; la retrospectiva Vidal-Mazza con tres creaciones de la dupla Cayetana Vidal y Sofía Mazza; el estreno nacional de Tao, obra comisionada en el programa Experimental Media and Performing Arts Center Empac, Troy, New York (Empac Dance Movies 2011-2012) que se acompañará por los cortos El Progreso y Acquadamas. Como una expansión del lenguaje de la videodanza hacia otros formatos artísticos, el Festival presentará experiencias escénicas que combinan la danza y la imagen en diversos soportes, todas a las 21 hs, las obras serán La Sonámbula por el ensamble de cellos Arre! dirigido por Claudio Peña y la danza de Ana Laura Osses (viernes 27), Como una Niebla de Andrea Servera (sábado 28), desde Finlandia llegará Tango Noir de As2wrists Dance Company (domingo 29). Las Intervenciones del Espacio Público fruto de un taller, se mostrarán el sábado 28 y el domingo 29, a las 20 hs, y ese mismo fin de semana se mostrará un Pre-Lab, de la segunda edición del Lab Vd13 en coproducción con la Fundación TyPA (Teoría y Práctica de las Artes) que tendrá lugar en Buenos Aires en noviembre. __BD

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Archivo Sudamericano En el marco del ambicioso proyecto Danzasur Escena Contemporánea, los chilenos Tamara González Marchant y David González Cifuentes emprendieron la confección de un archivo audiovisual que los traerá este mes a Uruguay y Argentina Los mentores del Registro-Documental sobre la Danza Contemporánea en Sudamérica, señalaron a Balletin Dance que se trata de una iniciativa particular, que nació del deseo de visibilizar la danza en Sudamérica, con una duración de un año, en un recorrido por siete países de Sudamérica. “Nosotros hemos dejado nuestros trabajos, nuestro hogar y familia para realizarlo”, aseguraron. Como el proyecto es autofinanciado “hemos apelado a apoyarnos por nuestro medio (el medio de la danza contemporánea) que nos ha recibido con mucha apertura y amabilidad. Nos han abierto sus casas y escuelas, y así el proyecto se va haciendo con el apoyo de la misma comunidad. Hemos estado en Perú, Ecuador y Bolivia y vamos rumbo a Uruguay”, explicaron previo al arribo a nuestras tierras, planeado para fines de septiembre y principios de octubre. “Ya hemos estado en cinco ciudades de tres países, con mucha gente de la danza, entrevistándonos y compartiendo nuestros talleres”. Hasta el momento han sido entrevistados Andres Delgado, Angelica Galarza, Carolina Vascones, Cesar Orbe (Coordinador del BCC), Ernesto Ortiz, Esteban Donoso, Josie Caceres, Klever Viera, María Luisa González (Directora de la Compañía Nacional de Danza), Sandra Gomez, Valeria Andrade y Wilson Pico, en Ecuador. Amelia Usategui, Carola Robres, Cristina Velarde, Guillermo Castrillon, Marlon Cabellos Michel Tarazona, Mirella

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Carbone (Directora de la escuela de danza de la Universidad Católica), Mónica Silva, Morella Petrozzi y Pachi Valleriestra, en Perú. Ana Cecilia Moreno, Camila Rocha, Carmen Collazos, Dayna Martinez, Ida Peñaranda, Kathia Salazar, Maque Pereira, María José Rivera, Melo Tomsich, Pachi Sejas, Sylvia Fernandez, Tania Carafa y Vincent Verburg, en Bolivia.

Escena contemporánea Sudamericana

Para mayores informes visitar: http:// danzasur.wordpress.com, aunque el sitio se vaya actualizando lentamente, en la medida en que el proyecto avance, se irán publicando allí las experiencias. __BD


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A Todo Clown Del 19 al 22 de septiembre la ciudad de San Pedro de la provincia de Buenos Aires, recibirá al primer Festival de clown que se plantea como “un recital de rock” pero de Clown! Participarán del festival, siete elencos de Capital Federal, Córdoba y Tandil junto a artistas locales, que realizarán espectáculos y talleres en la Sala Cuarta Pared, Sala El Cuadrilátero, Club Viejo y en la vía pública. Con organización de la Sala Cuarta Pared, Santiago González Pérez, Néstor Sánchez y Roberto González, actuarán entre otros, Guillermo Angelelli, Chacovachi y Makujarrak, Walter Velázquez, Cristina Martí, Darío Levín y Las Pérez Correa. Los talleres estarán dirigidos tanto a principiantes, con diversas aproximaciones al mundo de los payasos, el humor, las mímicas, la improvisación y los textos. __BD Darío Levin en Criatura de Dios Foto . Kevin Orellanes

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Primaveral El Ballet Oficial de la Provincia dirigido por Alejandro Cervera, estrena este mes La Consagración de la Primavera, en un programa compartido en el Teatro del Libertador San Martín

Una ensayo de La Consagración de la Primavera Foto . gentileza del Teatro del Libertador

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Con la majestuosa partitura de Igor Stravinsky y a cien años de su estreno, el propio Alejandro Cervera creó una visión particular, que se presentará en la sala mayor de la ciudad mediterránea, a partir del 23 de septiembre. Se han programado siete funciones de este programa, tres de las cuales estarán destinadas a alumnos y artistas de artes visuales, que se completa con dos estrenos aún sin título: una obra grupal en clave de tango de Leonardo Cuello sobre música de Astor Piazzolla, y un dúo de Walter Cammertoni sobre música de Arvo Part. Por otro lado, en el mismo Teatro del Libertador, se presenta este mes Cecilia Figaredo junto a la compañía Boulevard Tango (martes 10) y continúa el ciclo Córdoba Danza en la Sala Luis de Tejeda, con Cuerpos con Puertas de Rodolfo Ossés y Flores No, Gracias de María José Díaz Cerutti. (viernes 20, sábado 21 y domingo 22). __BD

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Don Quijote El Koi Ballet que dirige Carina Odisio, repone Don Quijote, en el Teatro Astengo de Rosario, el sábado 28 de septiembre La ciudad de Rosario sufrió el mes pasado dos accidentes inusuales, que costaron la vida de varios ciudadanos, el derrumbe de un edificio en pleno centro, causado por la explosión de su caldera por un lado y el desprendimiento de un juego del parque de diversiones. “En Rosario estamos muy tristes todos... hay un gran silencio en la calle” señaló Carina Odisio a Balletin Dance. “Estoy enfocando mi vida desde otro lugar tanto en lo personal como en lo profesional” explicó en referencia a su próxima maternidad y a haber dejado de bailar para dedicarse de lleno a la docencia, a los ensayos y a la dirección. Franco Cadelago tendrá a su cargo el rol protagónico de Don Quijote (Basilio) a la vez de la reposición, de la versión integral que Sara Rzeszotko realizó en 2008 para el Koi Ballet. Su compañera (Kitri) será Carla Vincelli (Teatro Colón), y en los roles solis16 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013

Cupidos del Koi Ballet en 2009 Foto . gentileza de la producción

tas participarán Elisa Bennasar (Ballet del Sur), Federico Dinamo (Don Quijote), Jorge Benderman (Sancho Panza), Martín Lasiar (Torero), Sabrina Suarez (Mujer de la calle), Rocio Maidán y Griselda Dahi (amigas) y Verona Fideless (Cupido), todos del elenco local. Unos cincuenta niños de la escuela harán de cupiditos. Se trata de una nueva producción, con diseño escenográfico de Arquitectos en Tránsito con vestuario de Paula Allocco, edición musical de Sebastián Cox, iluminación de Head y, peinados y tocados de Miguel Domínguez. __BD


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P Del 31 de agosto y durante todo septiembre se realizará la 53º edición del Septiembre Musical en el jardín de la república, el añejo evento que reúne lo mejor de la música y la danza El Septiembre Musical Tucumano se inauguró el 31 de agosto con el estreno de la ópera Nabucco de Giuseppe Verdi en el Teatro San Martín. Organizado por el Ente Cultural de Tucumán, y considerado por su permanencia y calidad como el encuentro más importante del país en su tipo. En coincidencia con el bicentenario del nacimiento del compositor italiano, las cinco funciones de Nabucco estarán a cargo de los elencos artísticos oficiales (Coro y Orquesta Estables) y destacados solistas bajo la dirección del maestro invitado Emir Omar Saúl y reggie de Ricardo Salim. Durante todo el mes, se ofrecerán conciertos sinfónicos, coros, música de cámara, ciclos de música folklórica y popular, exposiciones y actividades complementarias en seis sedes diferentes. En materia de danza este año podrá verse el estreno tucumano de La Consagración de la Primavera por el Ballet Estable y el Ballet Contemporáneo de la provincia de Tucumán, con motivo del centenario de su estreno (Ballets Russes). La coreografía corre por cuenta de Patricia Sabbag y se presentará el 21 de septiembre en el Tea-

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Música y Danza

tro San Martín. Además llegará a Tucumán Carmen por Maximiliano Guerra y el Ballet del Mercosur (1º de septiembre, en la Plaza Independencia), Boulevard Tango Ballet de y por Cecilia Figaredo (14, en el Teatro San Martín). Y Argentina, Poesía, Música y Baile con puesta en escena de Inés Gonzales Alvo y Martín Concha Mendez (el 22 en el Teatro Orestes Caviglia). Además se presentará el musical infantil Locos Recuerdos de Hugo Midón (26, 27 y 28 en el Teatro San Martín) con música de Carlos Gianni, bajo la dirección de Lala Mendía. Participarán entre otras agrupaciones y artistas de la música, Bruno Gelber, Horacio Lavandera, Nelson Goerner, Hermeto Pas-

Boulevard Tango de Cecilia Figaredo Foto . Franco Trovato Fuoco

coal, Pablo Milanés, Adrián Iaies, Gustavo Santaolalla, Pedro Aznar, Juan Falú, Silvia Iriondo, Deborah Dixon, la Banda Sinfónica, Gorgias Sanchez, German Paz Trío, La Porteña Jazz Band, alumnos del Conservatorio Provincial de Música, desde Francia el Trío Azul, Gustavo Guersman y Fernando Pérez, el Quinteto Cinco Esquinas, la Camerata Bariloche, Trío Layqay, Jelly Roll Jazz Band y un encuentro de Orquestas Infanto Juveniles de todo el país. __BD


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De la Selva Colorada Por Agustina Llumá Misiones, la segunda provincia más chica del país después de Tucumán y con 60 años recién cumplidos, cuenta con un ballet provincial que vale la pena conocer. En este informe, una visita a sus instalaciones, su escuela y el estreno de La Bayadera protagonizada el mes pasado por los argentinos Herman Cornejo y Luciana París del American Ballet Theatre

Laura de Aira apostó a la profesionalización del sector Foto . gentileza BCC

El Ballet del Centro del Conocimiento (BCC), tal el nombre del elenco misionero, comenzó a trabajar en el año 2005 por una iniciativa del entonces gobernador Carlos Rovira, que solicitó a Laura de Aira la puesta en marcha del ambicioso proyecto. A los dos años se creó la escuela como semillero para dotar al elenco de bailarines, y ya dos de sus alumnas integran la compañía. En poco más de siete años, el BCC ha logrado producir las versiones integrales de Giselle, Don Quijote, El Lago de los Cisnes y La Bayadera además de piezas breves, con escenografía y vestuario realizados en sus propios talleres. El emprendimiento significó la formación y perfeccionamiento de los profesionales en cada una de las áreas y oficios, que componen una institución de esta envergadura, y el balance, a los ojos de esta cronista, es alentador. En una charla íntima, realizada en el Centro del Conocimiento de Posadas, sede de la compañía y de la escuela, junto a un espacio de exposiciones, la Biblioteca y el Teatro Lírico, Laura de Aira señaló a Balletin Dance que si bien todavía faltan algunas cosas, cada año se va logrando cubrir las nuevas necesidades en función del progreso de los organismos. LA COMPAÑÍA Todos los años, a fines de noviembre o principios de diciembre, se realizan audiciones para incorporar bailarines al ballet, que inicialmente se integró con 33 artistas locales, pero hoy cuenta con 49 bailarines de distintas ciudades de Argentina, Brasil, Uruguay y Colombia. Allí, en sus salas, en la tierra litoraleña de la yerba mate, se mezcla el español, con tonada guaraní, con el portugués y el ruso de una extraña manera natural. “El año que viene vamos a tener a una nueva integrante norteamericana, que elegí en junio en el Concurso Internacional de Ballet Valentina Kozlova de Nueva York (ver Balletin Dance Nº 221, junio de 2013)”, recuerda Aira. Con este viaje que incluyó otras ciudades de Estados Unidos, la directora consolida la proyección internacional que pretende para el elenco. “Nuestra provincia es muy chiquita, recién empezamos con la compañía y ya tiene trascendencia a nivel internacional, lo que para nosotros es muy importante”. En 2012, el BCC realizó 21 funciones en su sede y cantidad en otras provincias donde son invitados repetidamente, al igual que en Brasil, país que envuelve a la provincia de Misiones, “hemos tenido muchísimas funciones en el Sur de Brasil, en ciudades chicas donde les encanta el ballet, con más de mil espectadores por función”, aseguró la directora. EL REPERTORIO Además de las versiones integrales de los grandes ballets (se presentan dos estrenos por año), la compañía incluyó en su joven repertorio pas de deuxs de diferentes coreogragfías, las danzas del Príncipe Igor y Noche de Walpurgis, “en contemporáneo se puso Suite de Angeles de Omar Saravia junto al quinteto de la Fundación Piazzolla, y otras obras con música regional. Uno de los integrantes del ballet Roberto “Tiky” Vangelis, es muy buen coreógrafo -se está formando como coreógrafo-, ha puesto Estampa Argentina basado en nuestro folklore y Cherogapé sobre música de Raúl Barboza que es muy solicitada”, explicó Aira.

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“Sasha” Ananiev entrena a los bailarines para unificar el estilo Foto . gentileza BCC

nuestro público que llena siempre la sala (de poco más de 500 localidades), ya son habitués”. Puntualmente la directora mencionó “funciones para chicos con Pedro y El Lobo dedicado a los jardines de infantes y escuelas primarias, y para los colegios secundarios Don Quijote, que estudian en el cuarto año en literatura,” entre otras propuestas junto a la Biblioteca del CC. INVITADOS Como el elenco no tiene antecedentes, la posibilidad de invitar a bailarines de otras latitudes ofrece el doble rol de guía o modelo para los artistas y el público. “Del Teatro Colón vinieron Nadia Muzyca y Alejandro Parente, Franco Cadelago estuvo más de un año trabajando con nuestra compañía. Del exterior, han bailado Herman Cornejo, Erica Cornejo, Carlos Molina y Luciana París. Luego el elenco local sigue haciendo las funciones. Tenemos programadas muchas más de La Bayadera, sí. Trato de que bailen lo más posible, porque estar siempre en actividad incentiva a los bailarines.”

NUEVOS PÚBLICOS Más allá de que todas las actividades realizadas en el Centro del Conocimiento (que está emplazado en las afueras de la capital provincial, en una zona en desarrollo) son gratuitas, el organismo necesitó crear programas para atraer nuevo público. “Esto se llama el Centro del Conocimiento, nosotros transmitimos conocimientos, es lo que queremos, que se vayan interesando por el ballet clásico que no se veía todos los días, ni frecuentemente. Cuando la gente empezó a venir comenzó a entusiasmarse y ahora tenemos

LA ESCUELA Con el objetivo de formar a los bailarines que integrarán la compañía, en 2007 se creó la escuela de enseñanza gratuita, a la que asisten cerca de cien alumnos, que ingresan a través de una selección anual. “Utilizamos la técnica del ballet clásico ruso, la Escuela Vaganova”. Luego de dos años de negociaciones ante la Embajada de la Federación Rusa, “se firmó un convenio entre el gobierno de la Provincia de Misiones y la Universidad Natalia Nesterova de Moscú”, explicó Laura de Aira. Desde Rusia llega un nuevo maestro cada dos años, actualmente se trata de Olga Potoskaya que probablemente finalice su ciclo en diciembre. Por otro lado, Alexander Nicolaevich “Sasha” Ananiev , encargado del entrenamiento de la

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Herman Cornejo: elegante virtuosismo

La Bayadera

Luciana París, sufre al verificar el inminente casamiento de Solor

El sábado 17 y el domingo 18 de agosto, se presentó en el CC, La Bayadera protagonizada por Herman Cornejo y Luciana París La reposición coreográfica recayó en manos de Claudia Pontoriero, quien secunda a Mario Silva al frente del Ballet del Teatro Argentino de La Plata. Con muy poco tiempo de preparación, en tres breves viajes que le posibilitaban continuar con sus funciones en la capital bonaerense, Pontoriero realizó una sólida puesta de La Bayadera en dos actos que finalizó luego del acto del Reino de las Sombras (el sueño de Solor luego de inhalar opio), evitando así la venganza de los Dioses. Colaboró en el montaje de las escenas pantomímicas Sabrina Streif proveniente del mismo coliseo. También viajaron desde el Argentino de La Plata, Walter Aon para encarnar al Gran Brahmin (o Brahman), Esteban Stevanec al frente de la iluminación, y Carlos Villamayor para el registro fotográfico. Los ensayos estuvieron a cargo de la maestra local Daniela Mazo y del propio Sasha Ananiev, quien tiene a su cargo el entrenamiento y perfeccionamiento técnico de los bailarines, ambas tareas se reflejaron magníficamente en las funciones. El cuerpo de baile no solamente consiguió homogeneidad en sus intervenciones, con prolija ejecución y cuidado estilo, sorteando así ciertas

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Denison Pereyra: cuerpo escultural

Solange Caramés, malévola Gamzatti

compañía, pareciera haber llegado a Misiones para quedarse, aunque reparta su tiempo con la provincia de San Luis donde acaba de crear una Fundación que lleva su nombre. “Los maestros que tenemos acá se están perfeccionando en la técnica para poder seguir enseñando ellos, porque no vamos a estar trayendo docentes toda la vida. Hay varios bailarines del ballet que ya están dando clase”. CUERPO MÉDICO “Este año ya tenemos un departamento médico, con un traumatólogo especializado, la doctora pediatra y la doctora clínica para los más grandes, estamos esperando la autorización del Colegio Médico para abrir nuestro propio consultorio, con todo el equipo del Hospital Ramón Madariaga. Además tenemos un enfermero todos los días desde que empieza el ballet hasta que termina la escuela”, remarcó la directora, dando cuenta de la importancia que tiene la salud en la vida de un bailarín. “Faltan muchas cosas todavía -asegura la santafesina, que luego de casi cuatro décadas en Misiones ya se siente misionera- pero las vamos a conseguir. Los padres colaboran mucho, están muy entusiasmados con que sus hijos puedan estudiar en Posadas, sin necesidad de irse a Buenos Aires”. SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 23


Correcto estilo para el cuerpo de baile, en el Reino de las Sombras Fotos . Carlos Villamayor

limitaciones, sino que aportó las dosis justas del clima necesario para cada cuadro de la obra. La Bayadera es una obra monumental, al igual que las otras piezas de Marius Petipa, incluye mucha pantomima, divertissements y un cuadro blanco. Pero ésta se destaca por la cantidad de personajes que narran la historia, que con las variantes que ha sufrido desde 1877 hasta nuestros días (tenía 4 actos), la mayoría de las veces resulta incomprensible. Bailarinas sagradas, faquires, guerreros, monjes y soberanos serán parte y testigo de amores, rituales, cacerías, alucinaciones, desengaños, venenos, antídotos, traiciones, hasta de un asesinato; ambientado en la India de aquellas épocas, una cultura totalmente diferente al mundo occidental, que resultaba tan exótica como misteriosa. En las funciones del mes pasado en el Centro del Conocimiento de Posadas, Nikya (la bayadera destacada del templo) fue interpretada por la encantadora Luciana París (a quien en la última representación el teatro a coro le cantó el feliz cumpleaños) junto a Herman Cornejo que encarnó a un sólido Solor (el guerrero líder) ambos del American Ballet Theatre de Nueva York. Gamzatti (la hija del gobernante) corrió por cuenta de la indomable Solange Caramés del elenco local. Luciana París se mostró atenta a las exigencias físicas de la difícil coreografía, con port de bras típicos de la escuela norteamericana (un tanto más altos y rígidos, como las manos) enfatizando el trabajo impecable de sus piernas, más allá de algunas dificulta-

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des para las bajadas de las puntas. En cuanto a su dramatización fue sobre todo la segunda función (más segura y extrovertida) en la que pudo diferenciar mejor la alegría del inicio, su naif enamoramiento, el fulminante odio hacia Gamzatti y el desgarrador sufrimiento del final. Técnicamente, dibujó con su cuerpo cada línea claramente, con un aporte extra al variar las dinámicas durante diferentes secuencias, un detalle que resulta sumamente agradable para el balletómano. Herman Cornejo, se destacó fundamentalmente al bailar solo, en sus variaciones, demostrando su capacidad con un elegante virtuosismo que lo llevó a volar sobre el escenario. Magnífico su doble cabriole derrière, su manège zurdo de saut de basque y el posterior de doble tours en l´air, en los que pareció detenerse en el espacio en una pose perfecta, para bajar suave y elásticamente sobre el escenario. Y por último sus piruetas con aumento de velocidad, que detonaron tremendos aplausos de la audiencia. Solange Caramés, por su parte, también se lució más en la segunda función, con ejes exactos que le permitieron extender sus equilibrios y recargar sus piruetas. Los solistas que se destacaron del cuerpo de baile provienen de Brasil. Vinicius Moretti fue un excelente Faquir Líder muy convincente en su dramatización con aditivos de destrezas físicas de impecable presentación. Denison Pereyra encarnó al Idolo de Oro, con un cuerpo escultural y pulida técnica. Suellen Villar, dejó ver a una artista en su solo del acto blanco, que aportó alma, seguramente de mayor lucimiento en otros estilos. También Ana Claudia Magagnin y Brenda Vera se destacaron por su ágil liviandad una y por sus giros valseados la otra.


2014 “En octubre tengo que tener cerrado todo lo que vamos a hacer el año que viene. Estoy en tratativas con Marianela Nuñez y Thiago Soares del Royal Ballet de Inglaterra, él me respondió que vendría gustoso, pero tenemos que ver la fecha”. Ante la mirada dubitativa y cierta sonrisa de esta cronista, la directora explicó “cuando invité a Herman [Cornejo] le dije, ‘decime qué querés bailar y nosotros lo preparamos’, él me dio a elegir entre La Bayadera y El Corsario. Y acá está Herman ”

Alrededor de cien alumnos concurren hoy a la escuela Foto . gentileza BCC

A FUTURO La nueva ley de educación de la provincia de Misiones, da pie a la presentación del proyecto de la Nueva Escuela Artística que Aira viene estudiando hace tiempo. Se trata de una variedad de tecnicaturas de oficios teatrales que los bailarines podrían elegir sobre el final de la educación secundaria. “Queremos que además de estudiar la carrera de danza, los niños puedan hacer la escuela primaria con orientación artística, la secundaria acelerada en tres años y después, tres años de tecnicatura, para que egresen con dos títulos. Soy muy persistente …” __BD

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La Expresión de la Nostalgia

El cuerpo de baile al mejor estilo modern jazz

Por Natascha Ikonicoff

Rodolfo Olguín, padre fundador del Modern Jazz Ballet en la Argentina junto a Noemí Coelho, estrena un nuevo espectáculo en el Centro Cultural Borges. Lisboa, Nunca te Conocí, Siempre te Amé… apuesta al uso de tecnología para narrar la historia de un inmigrante europeo en la Argentina de principios del siglo XX En una de las sedes de la escuela Coelho-Olguín, instituida junto a Coelho en 1977, el coreógrafo y director no se mantiene ocioso. Sin embargo, Rodolfo Olguín, pone entre paréntesis sus actividades para acomodarse sobre la butaca detrás del mostrador del estudio, para dialogar con Balletin Dance sobre su nueva obra, que podrá disfrutarse todos los domingos de este mes. Espontáneo y natural, su estilo es más bien sobrio, y se entrega a la conversación sin demasiado preámbulo.

“el bailarín es el atleta de los sentimientos” Fotos . gentileza de la producción

¿De qué trata la historia de Lisboa…? La historia está narrada por el hijo del protagonista y se sitúa en los años ‘20 o ‘30, época en que la Argentina era una tierra provisoria y Portugal pasaba por una fuerte crisis económica. Siendo joven, el protagonista emigra no porque así lo quisiera sino porque su padre, que ya es grande y no consigue trabajo, lo manda a la tierra prometida, con la ilusión de que salve la casa de la familia (hipotecada) y luego regrese. Pero la vida a veces no es lo que vos querés sino lo que ella quiere. ¿Quiénes son los bailarines principales? Gustavo Carvalho interpreta al protagonista y Miriam Coelho, mi sobrina y primera bailarina del Teatro Colón, hace de Joaquina, la amada del inmigrante. Y por supuesto, los bailarines de Modern Jazz Ballet, que el próximo año cumplirá 40 años de creación.

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Casualmente, Gustavo tiene apellido portugués y sus abuelos vinieron a la Argentina por una crisis económica y nunca pudieron volver. La abuela ahora es muy viejita y vive en Misiones.

¿Por qué Portugal? Situé la historia en Portugal porque conozco Lisboa y es una de esas ciudades que uno puede llegar a extrañar mucho, con cierta nostalgia… Además escucho bastante música portuguesa, me gusta mucho. Para ambientarlo de este modo me informé bastante, lo hice respetuosamente. El espectáculo cuenta con el auspicio institucional de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões de Cooperación de la Lengua Portuguesa. Ellos me dirán si lo logré. ¿Con qué música cuenta esta narración? Hay música de guitarra portuguesa, que tiene un sonido muy particular, pero predominan los fados. Hay fados tradicionales, cantados por Amalia Rodrigues, y fados más modernos. Encontré unos que por su letra, se adaptan perfectamente a la historia. También hay un tango, El Porteñito de Villoldo, en una situación que se da en Buenos Aires. ¿En qué se diferencia Lisboa de otras obras suyas? Es una propuesta diferente porque, si bien ya incluí textos míos en otras obras, esta vez se trata de un espectáculo multimedia con tres manifestaciones de arte diferentes: la acción teatral, la

danza y lo audiovisual (fotos y videos). Yo tenía las imágenes que quería y con Pedro Riveros, encargado de la parte técnica, hicimos los montajes. Hicimos las fotos en un estudio, después las recortamos y las montamos en el puerto de Lisboa, todo en sepia. Una foto importante es la que retrata la despedida de la familia en el puerto (que subí a mi perfil de Facebook). Noemí [Coelho] es la madre del protagonista, se ve como una gran actriz muy dramática. Y hay dos videos centrales, uno al inicio que contextualiza la situación y el segundo, cuando el protagonista se despide de su amada. La tecnología es fascinante.

¿Qué busca generar en el espectador? La idea de la obra es que desde el comienzo te transporte, te metas dentro de la historia, la vivas junto al relator, y cuando termine te quede la nostalgia de las cosas que pasaron, pero también de las que no fueron y podrían haber sido. Busco movilizar poniendo al espectador en ese lugar de inmigrante, de quien sufre el desarraigo de la familia, de los hermanos, del país, que se va solo a un lugar que no conoce… Eso es muy fuerte. Todos los inmigrantes comparten una misma columna vertebral, tienen que dejar su país, obligados por distintas situaciones, ya sean políticas o económicas. Olguín recita: Dichoso el árbol que es apenas sensitivo / y más la piedra dura porque ésta ya no siente / que no hay dolor más grande que ser vivo / ni mayor pesadumbre que la vida consciente. “Esta poesía es un poco la historia de Lisboa, si uno no sintiera…

Noemí Coelho interpreta a la madre, en la creación audiovisual

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Miriam Coelho y Gustavo Carvalho, protagonistas de la inmigración Foto . gentileza de la producción

Ser sensitivo permite apreciar las cosas de la vida, pero a la vez angustia”.

¿Experimentó en carne propia esa nostalgia? Yo sentí mucha nostalgia estando en España, con otra magnitud, claro. En Francia, en cambio, estaba bárbaro, como si fuera mi país, tanto que en un momento pensé en quedarme allá, pero por esas cosas de la vida, con Noemí nos volvimos y nos terminamos quedando acá. Hoy en día sigo teniendo amigos de esa época. La danza en sus obras tiene una fuerte impronta interpretativa… La danza por sí misma, sólo por movimiento, no es lo que más me gusta. Me gusta que exprese. No reniego de la técnica, creo que es primordial, pero no es el fin, es más bien un medio para la expresión. Si veo atletas compitiendo, me maravillan y lo admiro, pero no me movilizan. Me guía la frase que dijo un gran hombre de teatro, Jean Louis Barrault: “el bailarín es el atleta de los sentimientos”. Me parece espectacular porque mezcla los dos aspectos, lo físico y la emocionalidad. __BD 28 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013


El Sr. Enrique Lommi desea integrar al estudio la Obra de Arte de Antonio Pujia, que representa la presencia de la Sra. Olga Ferri por siempre entre nosotros. Invitamos a bailarines, maestros, alumnos ex alumnos a participar del homenaje.

Marcelo T. de Alvear 1435 Tel: 4811-6298 www.balletestudio.com.ar

Foto . Antonio Fresco

Por razones de seguridad y espacio conÀrmar asistencia por mail a info@balletestudio.com.ar

Homenaje a Olga Ferri

Con motivo del 1º Aniversario de la pérdida de Olga Ferri, se rendirá un homenaje en el Ballet Estudio el Viernes 13 de Septiembre a las 19.00 hs.

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-mixtura A Más Hechos más Pechos

-variedades Burlesque al Cubo

-teatro Doña Rosita y el Don Juan

Ballet 40/90. Dirección: Elsa Agras. Viernes 21 hs. Proyección del documental Elsa y su ballet. Miércoles 16 de octubre y 13 de noviembre, 20:30 hs. Teatro Garrick (Av. Avellaneda 1359, Tel: 3526-7439).

Dirección: Gabriela Bevacqua, Agustín y Nicolás Pérez Costa. Acrobacia Aérea: Agustín Pérez Costa, Matias Landi Bratt. Dirección Musical: Rodrigo Villani. Miércoles 20:30 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

Compañía Teatral Farolito. Dirección: Rodrigo Cárdenas. Bailaora y Coreógrafa: Gabriela Moreno. Domingos 19 hs. Teatro Payró (San Martín 766, Tel: 4312-5922).

-contemporáneo Apnea -infantil Caracachumba a la carta

De David Señoran. Con: Belen Ortiz, Alegre Bartoli, Oscar Farias, Luciano Cejas, Julieta Albornoz, Luciana Brugal, Gastón Gatti, Nicolás Baroni, Daniela Conti, Virginia Rossi, Matías Furio, Iván Asborno, Eliana Lion, Vanessa Worsnop, Nahuel Valenzuela, Leandro Bustos, Patricia Ferraro y Andrés Avendaño. Jueves 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8000).

Silvio Cattáneo, Javier Estrin, Pablo Moral, Julieta Carrera, Marina Sauber y Florencia Steinhardt. Sábado 28, 17 hs. Espacio Grisino (Mario Bravo 948, Tel: 4863-1188).

-contemporáneo Eleni Grupo Calle 46 Contemporánea. Dirección: Laura Cucchetti, Liliana Carri. Domingo 15, 19:30 hs. Teatro Coliseo Podestá de La Plata (Calle 10 N° 733, Tel: 0221-424-8457).

-musical Bulebú De Diego Reinhold. Con Ivanna Rossi y Sebastián Codega. Bailarín y coreógrafo: Alejandro Zucchi. Arreglos vocales: Gaby Goldman. Sábados 20:30 hs. Sala Siranush (Armenia 1353, Tel: 48994101).

Cartelera

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-ballet Gala -teatro Chau Misterix De Mauricio Kartun. Dirección: Laura Conde. Coordinación: Rubén Szuchmacher y Graciela Schuster. Coreografía: Milbia Tagliavini. Sábados 20:30 hs. El Kafka Espacio Teatral (Lambaré 866, Tel: 4862-5439).

Grupo Alfredo Gurquel-Juana Lederer. Sábado 14, 20:30 hs. Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254). Foto: Carlos VIllamayor

-danza teatro Doméstica Grupo Pleimóvil. Coreografía: Laura Stivelman, Lucrecia Pierpaoli y Teli Ortiz. Sábados 23 hs. Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

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Por Laura Lifschitz

De la Alemania Nazi a los Orígenes Locales

A T S I V E R T N E

En el marco de las VII Jornadas de Investigación, organizadas por el área de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte, a cargo de Susana Tambutti, en agosto, tuvo lugar el seminario Danza y Política en la Alemania de Hitler, dictado por la Dra. Susan Manning (Northwestern University). Balletin Dance dialogó con ella. El seminario Danza y Política… giró en torno a una investigación que comenzó en 1986 sobre la figura de Mary Wigman, bailarina y fundadora de la escuela de danza de Dresden, que en el período de entreguerras formó parte de la vanguardia de la danza expresionista o “Ausdruckstanz”, y que en los primeros años del nacionalismo ocupó un rol preponderante en la difusión de la idea de supremacía del “hombre ario”. El método utilizado en este trabajo, se basó en la consulta de los archivos ministeriales de Joseph Goebbels, factótum del primer período de las políticas culturales del nazismo, por un lado, y de la reconstrucción a través de la historia oral (narrada por bailarines que integraron la compañía y la escuela de Wigman) por el otro. En ese punto, la investigadora acuñó el término “archivos en colisión”, pues mientras quienes permanecieron en el elenco durante el régimen nazi recordaban haber sido considerados como una forma de “arte degenerado”, los bailarines expulsados de la compañía -por no corresponder a ese ideal ario- reconocían el papel fundamental ocupado por la bailarina en el periodo 1933-1939. Las investigaciones del archivo Goebbels informaron sobre esto último: los importantes subsidios y el impulso que desde el Tercer Reich se le dio a la bailarina, quien supo coreografiar la monumental inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín en 1936 -en detrimento de su propio maestro, Rudolf von Laban-, festejos inmortalizados por la nazi Leni Riefenstahl en la película Olympia.

¿Por qué estas figuras que colaboraron con el Tercer Reich a través de la danza como instrumento ideológico fueron desplazados hacia el inicio de la guerra? ¿Fueron cuestiones arbitrarias o formales respecto de la danza en sí como arte? “En la cronología general, tras descubrir los archivos de Goebbels, uno se da cuenta de cómo fue cambiando la política cultural nazi a lo largo de los años. Hubo un primer momento de fuerte patrocinio de la danza moderna donde Wigman y Laban tuvieron un fuerte apoyo. Pero a partir de 1937, tras los Juegos Olímpicos, cuando comenzó el período de radicalización del régimen, la cultura comenzó a perder preponderancia y hubo un fuerte crecimiento del armamentismo. Ahí hubo cambios de personajes de poder: Laban perdió

La danza expresionista: nacida desde la vanguardia, resignificada para enseñar a las masas del Tercer Reich

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Durante el curso, Manning interpeló sobre la necesidad de continuar esta investigación en la Argentina. Mostró sumo interés en volver la mirada hacia los orígenes de la danza moderna en nuestro país, muy ligada a la danza alemana.

Susan Manning recorrió el papel de Mary Wigman como líder de la cultura del Hombre Nuevo durante el nazismo Fotos . Pablo Stubrin

a su patrocinador y Wigman sufrió la clausura de sus escuelas. Por eso aparece Gret Palucca como nueva figura. Si el problema fue político o estético depende del punto de vista que tomemos. Lilian Karina y Marion Kant plantean en Hitler´s Dancers: German Modern Dance and the Third Reich que Wigman y Laban apoyaron al nazismo y que solamente le retiraron su apoyo cuando el ballet y la revista empezaron a ganar importancia como forma representante del régimen. Cuando Wigman plantea que ella no pudo ser nazi al haber sido catalogada por el régimen como artista degenerada -sinónimo de opositor- solamente está haciendo referencia a su experiencia una vez que fue desplazada del centro de la escena. Ahora, cuando uno va a los archivos descubre que Wigman estaba desilusionada por haber sido excluida”.

¿Qué pudo haber pasado entonces al llegar a la Argentina la danza expresionista, creada, en principio, con una cosmovisión diferente, pero atravesada a partir de 1933 por la ideología nazi? “En primer lugar, había en las escuelas Wigman una formación claramente centrada tanto en lo psíquico como en lo kinético en apoyo al régimen nazi. La pregunta que cabe hacerse es por qué tantos bailarines apoyaron tal estado social. Ahora bien, ¿qué implicaciones puede tener el método de “archivos en colisión” en la historia de la danza moderna en Argentina? ¿Presentan hoy en día las fuentes de archivo evidencias que presenten algún conflicto con las imágenes visuales o con la historia oral? ¿Cómo pueden explicarse las trayectorias transnacionales de Renate Schottelius y Miriam Winslow, formadas con los parámetros de las escuelas Wigman? ¿Cómo han negociado los bailarines de danza moderna argentinos los dramáticos y sutiles cambios de las políticas estatales desde el peronismo hasta la dictadura militar o al capitalismo neoliberal? Hay que investigar cómo las políticas de estado en Argentina han formado el entrenamiento, coreografía, la presentación y la recepción de la danza moderna”. __BD

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El Arte de Morder el Piso Por Carlos Bevilaqcua Leyenda viviente de la danza argentina, Juan Carlos Copes fue el inventor del tango como espectáculo escénico de jerarquía internacional. En esta charla, el veterano bailarín reflexiona sobre el estilo que supo lucir a lo largo de más de seis décadas y narra episodios fundamentales de su cinematográfica carrera A los 82 años, Juan Carlos Copes sigue en actividad. Es más: tiene un par de nuevos motivos de orgullo. Al momento de la entrevista, a fines de julio, el bailarín más famoso de toda la historia del tango intervenía en las cuatro funciones semanales que el sainete El Conventillo de la Paloma, en versión de Santiago Doria, tuvo desde el 13 de junio en el Teatro Cervantes de Buenos Aires. “Está muy bien montado -opina-. Es una obra muy especial, que tiene una riqueza particular porque habla de la mezcla de colectividades que se dio en la Argentina hace cien años. En principio, yo fui convocado sólo como coreógrafo y después Doria me preguntó si me animaba a bailar. ¿Cómo no me voy a animar?, le contesté”.

Asimismo, desde hace varios años forma parte del elenco estable del enorme y lujoso restaurant-concert Tango Porteño, ubicado frente al Obelisco, en el mismo predio donde funcionara el cine Metro. Allí despliega su experimentada pericia durante un solo tango y abrazado a la joven bailarina Soledad Rivero. El rito se repite cada noche ante la mirada de un público compuesto casi exclusivamente por turistas extranjeros. “Saber que estoy vivo. Eso representa para mí bailar todos los días esa piecita, que es nada menos que Danzarín, de Julián Plaza”, explica él. Su intervención es algo así como la frutilla de un postre que tiene ingredientes varios: desde la danza de otras cinco parejas, una orquesta de doce músicos capitaneados por la violinista Érica Di Salvo y la participación del cantor Carlos Morel hasta las actuaciones estelares de Juan Darthés y Luciana Salazar. Todos dirigidos por la coreógrafa Dolores De Amo. Paralelamente, Copes preparaba por entonces una reposición de La Pesada del Tango, su espectáculo de 1991, para el Mundial de Tango que cada agosto organiza el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. “Es un trabajo que habla de todo lo que sufrió el tango ante la irrupción de la televisión y de las músicas foráneas”, resume. Tras narrar la escena que funciona como puntapié inicial de las acciones, Copes se empieza a meter en la historia: “Los palos en la rueda que le pusieron al tango fueron increíbles. Cuando éramos jóvenes, en la entrada de algunos bailes nos ponían carteles que decían ‘Prohibido bailar con cortes y quebradas’. Hasta se llegó a prohibir el lunfardo por decreto. El tango sorteó todas las dificultades. Tal vez porque siempre fue marginal. Hoy en día lo sigue siendo”. La charla será un animal indócil, difícil de manejar. El entrevistado no siempre contesta lo que se le pregunta o bien deriva en asuntos aparentemente inconexos. Aun así, el saldo es riquísimo, por las vivencias que transmite y la inusual visión panorámica que pueden dar más de seis décadas de escenario. Uno de los conceptos que se repite en el discurso de Copes es la ponderación del abrazo para entender el éxito del tango en todo el mundo y en diferentes épocas. “Yo llegué a Nueva York en 1960 -evoca-. Estaba naciendo el twist. Las escuelas de danza buscaban con desesperación un baile en pareja. Con el rock se bailaba separado. Ya habían probado con el cha cha cha, el mambo, el vals... pero nada de eso prendió. Entonces siguieron Una prestancia de varón tanguero que se mantuvo con el tiempo Foto . Nicolás Foong

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Con su hija Johana formó una impensada pareja artística Foto . Nicolas Foong

inventando danzas cuyos nombres ni siquiera recuerdo. Lo que descubrieron en el mundo entero con el tango es la continuidad del abrazo. El abrazo es lo que conquista, lo que atrae en todo el mundo. Hasta en Alemania, donde uno espera encontrarse con gente fría, marcial, conocí una milonga donde la gente bailaba con un fervor, unas sutilezas y un respeto, increíbles hasta las cuatro o cinco de la madrugada”. Progresivamente, el devenir de la charla ancla en anécdotas alusivas a su estilo. “Estuve tres veces en Broadway. En el ‘62 participé de un casting en el que la consigna era ‘New faces’, porque buscaban caras nuevas para el espectáculo. Conseguí ser seleccionado por el ‘fast tango’, o sea por lo que ellos llamaban tango rápido. Yo llamaba la atención porque la referencia previa que tenían era la de Rodolfo Valentino, que había impuesto en todo el mundo un tipo de tango más lento, con el eje del cuerpo en el ombligo. Algo completamente distinto a lo que estábamos acostumbrados a hacer nosotros en las milongas, que arrimábamos las caras y estábamos más abrazados”. Una diferenciación estilística que se acentúa cuando asegura, ya refiriéndose a las figuras: “Yo tuve un sello distintivo, que eran los famosos diez ganchos consecutivos. Con [María] Nieves los hicimos muchas veces actuando con Aníbal Troilo en vivo, durante la parte final de Quejas de Bandoneón. Lo hemos hecho

incluso sobre una mesa de café, a gran velocidad, como parte de un show en Estados Unidos”. También por el estilo, explica la coronación en un campeonato celebrado en 1951 en el Luna Park, a la postre trampolín para su extraordinaria carrera profesional. “Ganamos gracias al público. Con Nieves sabíamos por varias fuentes que el título estaba arreglado, pero el público coreó tanto nuestro número que el jurado se vio obligado a elegirnos. La clave de nuestro éxito fue que pertenecíamos a una generación diferente a la de las otras dos parejas finalistas, acostumbradas a la música de Villoldo, Firpo y Canaro, o sea al tango milonga. Las mujeres todavía usaban polleras largas como Carmencita Calderón con El Cachafaz. Hacían apenas lo que dice Alberto Castillo en Así se Baila el Tango: ‘ahora una corrida / una vuelta una sentada’. Nosotros innovamos con giros, ganchos y paradas. Es que en Atlanta ya bailábamos a Pugliese, Di Sarli, Troilo y a todas las orquestas más modernas”. El tradicional club de Villa Crespo vuelve a asomar cuando evoca sus años de tenaz aprendiz a través de la práctica en la pista, a lo largo de los años ’40 y ‘50. “Para poder integrarme a la milonga tuve que mandarme a hacer ropa para pagar a plazo. Porque los milongueros tenían todo un atuendo. Se vestían de acuerdo a pautas muy estrictas. Por suerte pude encontrar mi lugar: el club Atlanta. De esa época recuerdo que había tangos de Pugliese que me producían algo muy especial, aquí en el pecho, algo así como una hermosa angustia. Y en cuanto a nuestra forma de bailar, había una consigna que nos definía: morder el piso”. SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 35


Un malevo sobre el escenario Foto . Gentileza Myriam Copes

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A pesar de haberse formado en la escuela informal de la observación, la prueba y el error, Copes admite que la actual manera de aprender a bailar, organizada en clases, es mucho más efectiva. “Yo me iba todas las noches a bailar a algún club, por más que al día siguiente tenía que trabajar y estudiar. Yo necesitaba ver cómo se bailaba, porque en aquella época nadie te enseñaba. Hoy es todo mucho más sencillo, pero hay que tener cuidado. El aprendizaje es sistemático y progresivo. Hay muchachos que están ansiosos por hacer los pasos que les enseñan sus maestros. Y se ponen a hacerlos en la milonga, olvidándose que viene gente atrás. Así terminan dando patadas. Conozco colegas a los que les han roto los meniscos. ¿Por qué? Si con paciencia llega el dominio. Lo más difícil en cualquier danza es la sutileza. Cuando vos dominás la sutileza, dominaste todo, porque después lo podés acelerar”. A la hora de seleccionar los espectáculos más importantes de su profusa carrera, dice: “Hay uno que implicó un cambio de paradigma para las danzas populares en escena. Lo presenté al comienzo de mi carrera, en 1956, curiosamente en el cine Metro. Basándome en un poema de Belisario Roldán, representé una partida de billar con seis bailarines. Después de verlo, Santiago Ayala me dijo: ‘Hace al menos diez años que no veía una idea como esta’. Después de eso, incorporó el tango a sus espectáculos y me ofreció hacer sociedad con él. Pero el mejor de todos creo que fue Entre Borges y Piazzolla, estrenado en 1997 en Mar del Plata y repuesto poco después en el Teatro Astral de Buenos Aires. En los papeles protagónicos actuaban Pepe Soriano y Raúl Lavié. Siempre había alguien moviéndose, incluso cuando los actores hablaban o cantaban. No tuve ni una crítica en contra y arrasamos con los Premios Estrella de Mar, pero no conseguimos buena cantidad de público en Buenos Aires”. EL BAILARÍN DEL SIGLO Juan Carlos Copes se crió en un hogar humilde, primero en el barrio porteño de Mataderos y, luego de varias mudanzas, su familia recaló en una casa de Villa Pueyrredón. En esa etapa, siendo apenas adolescente, germinó su pasión milonguera, la que lo llevaría a restarle horas de descanso a la noche (aunque al día siguiente esperara, impiadosa, la escuela técnica o el trabajo), la que lo empujaría a dirimir a las trompadas diferencias con barras milongueras rivales, la que le permitiría desarrollar un estilo espectacular pero basado en las raíces del tango social y la que lo llevaría a cruzarse con una chica flaquita, bajita y tímida, igual que él tan amateur como entusiasta: María Nieves. Con ella fue que logró transformar una danza popular en un trabajo profesional. Si bien otros habían cobrado por clases, números vivos o exhibiciones, Copes y Nieves fueron los primeros en montar espectáculos teatrales atractivos. Así, Juan Carlos logró seguir los ejemplos de sus admirados Fred Astaire, Ginger Rogers y Gene Kelly pero con el tango como materia prima. Tras armar algunos audaces espectáculos tangueros con amigos, en 1961 llegó a Broadway gracias al New Faces Show. Desde entonces, recorrería el mundo entero con su arte. Siempre junto a Nieves (una bailarina excepcional), logró actuar varias veces para el Ed

Con María Nieves en el Show de Ed Sullivan Foto . Gentileza Myriam Copes

La tentación de dar con alguna clave que explique su vigencia después de tanto trajín escénico resultó irresistible. Así resumió los cuidados que tomó con su cuerpo: “El baile te exige disciplina. Cuando actuaba en shows de una hora y media o dos horas, bajaba entre dos y tres kilos. Eso lo tenés que recuperar, pero sobre todo tomando agua sin gas. Siempre me cuidé con la comida. Desde que empecé a dedicarme a esto profesionalmente que no almuerzo. Al mediodía, si

Sullivan Show de la TV estadounidense, se radicó en Las Vegas, luego en diferentes puntos de Europa y giró varias veces por México y América Central, mechando los viajes con temporadas artísticas en Buenos Aires junto a artistas como Aníbal Troilo, Ástor Piazzolla y Horacio Ferrer. A principios de los ’80, el trabajo empezó a mermar, según cuenta. Pero al poco tiempo fue convocado para participar de la antológica revista musical-coreográfica de Claudio Segovia y Héctor Orezzoli Tango Argentino, con la que recorrerían el planeta entre 1983 y 1991. Antes y después de aquel hito, Copes siguió generando sus propios shows con un espíritu emprendedor que recién en los últimos años se relajó con actividades docentes, breves intervenciones en espectáculos for export y honores como el de la Legislatura porteña, que en 2001 le otorgó el título de “bailarín del siglo”. SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 37


LA DESCENDENCIA Recién en 1997 Copes rompió su pareja artística con María Nieves. Aquel año estrenó en Mar del Plata el que hoy considera su mejor espectáculo, Entre Borges y Piazzolla, ya sin ella. Por entonces como mera curiosidad, en algunas funciones de la temporada que el show cumplió en el Teatro Astral empezó a aparecer Johana, una de las hijas que Juan Carlos tuvo tras divorciarse de Nieves. Si bien la diferencia de edad y el vínculo filial tornaban improbable la conformación de una nueva pareja artística, al poco tiempo padre e hija empezaron a protagonizar exhibiciones con un lenguaje coreográfico uniforme y convincente. Así evoca Copes los inicios de su hija: “A principios de los ’90, cuando casi no había jóvenes bailando tango, convoqué a chicos de entre 15 y 25 años para guiarlos en el aprendizaje y Johana quiso sumarse. Yo pensé que para ella sería como un divertimento, algo pasajero. Pero siguió, y siguió y siguió...” Tanto perseveró que logró ser la pareja de baile de Juan Carlos durante aproximadamente diez años. “Me pareció que podía ser una forma de ayudarla en el desarrollo de su carrera”, explica él. Johana recibió el espaldarazo de su padre y sigue teniendo a favor un apellido que es sinónimo de tango, pero ya demostró sobrados méritos propios. Dueña de un estilo depurado y

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Bailando con su hija Johana Foto . Gentileza Myriam Copes

tengo hambre, engaño al estómago tomando unos mates con unas galletitas. Además de joven hacía mucho deporte. Jugaba al fútbol y al basquet. Después, cuando pude viajar, probé deportes más exóticos, como paracaidismo y esquí acuático. Todo eso, unido a la práctica misma de la danza, me ayudó mucho”. __BD

elegante, ha lucido su técnica en incontables espectáculos y exhibiciones con otros compañeros, como Julio Altez, Martín Ojeda o Bruno Gibertoni. Con ellos también recorrió buena parte del mundo participando de festivales de tango basados en clases temáticas y noches de milongas con shows de música en vivo y exhibiciones de danza. Johana también es una apasionada del tango. En los últimos años, sus conocimientos del género típico porteño redundaron en varios trabajos como coreógrafa y en convocatorias para integrar jurados en finales de campeonatos de tango organizados por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Además, se destaca como una entusiasta productora de eventos creados por ella misma: desde mediados de la década pasada lleva adelante el Festival Bailemos Tango (que atrae a bailarines de todo el mundo hacia Buenos Aires) y el Festival Lady’s Tango (focalizado en las particularidades del rol femenino y concretado también en la ciudad cuna del género).


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Argentinos en Primera Línea Por Daniel Sousa Cada vez más artistas locales se suman a las grandes producciones europeas de teatro musical. Silvia Luchetti, Gerónimo Rauch, Nicolás Martinelli y Guido Balzaretti son sólo algunos de esos nombres. Marcos Ayala, en París por partida doble

Tal vez no sean populares en nuestro país, aunque deberían serlo. Han dado el gran salto y hoy se los reconoce en las principales capitales europeas. Los medios hablan de ellos por su talento, su entrega y dedicación al trabajo. Son actores, cantantes, bailarines que se formaron en la Argentina y llegaron a ocupar un lugar destacado dentro del subgénero del teatro musical en España, Francia e Inglaterra. Sucesores de Elena Roger y Sandra Guida, artistas como Gerónimo Rauch, Silvia Luchetti, Guido Balzaretti y Nicolás Martinelli, así como Zenón Recalde (Drácula, Grease) y Noelia Noto (que aquí brilló en Annie junto a Raúl Lavié), gozan de un reconocimiento y un prestigio bien ganados, del que deberíamos sentirnos orgullosos. Luchetti llegó a España hace doce años. En Buenos Aires estaba trabajando en El Violinista en el Tejado cuando se enteró de que en Madrid se harían las audiciones para El Fantasma de la Opera. “Llevaba rato con la idea de hacer una experiencia fuera de la Argentina y justo surgió esta oportunidad. Trabajo no me faltaba pero me movilizó la idea de emprender algo distinto. Comencé a viajar a las audiciones y quedé como cover de Christine”, la protagonista, le cuenta a Balletin Dance desde su casa en Casavieja, un pueblo ubicado a unos cien kilómetros de la capital española. A partir de ahí no dejó de trabajar y llegó a encarnar a los personajes más emblemáticos del género musical. Fue Clementina en El Diluvio que Viene, fue Babette en La Bella y la Bestia, fue Eva Perón en Evita, trabajó en Mamma Mía, y hoy interpreta a la encantadora María Rainer en Sonrisas y Lágrimas, la versión española de La Novicia Rebelde, que después de una exitosa temporada en Madrid y una gira de nueve meses llegará el 18 de este mes a Logroño y desde el 27 recalará en Barcelona. Claro que el tramo fuerte en la carrera artística de esta hija dilecta de Mar del Plata no arrancó en Europa sino en la Argentina, donde ya había participado de obras como

María Rainer como la novicia rebelde, un personaje que le ha dado enorme satisfacción a Silvia Luchetti

“Tengo mucho que agradecerle a María” Fotos . gentileza de la compañía 40 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013


Gerónimo Rauch como Jean Valjean, en la puesta española de Los Miserables Foto . Deen van Meer

Fiebre de Sábado por la Noche y Los Miserables, en el rol de Cosette. “En realidad -cuenta Luchetti- yo comencé como bailarina. Balletin Dance era un clásico en mi casa. Hice la Escuela Nacional de Danzas, estuve en el ballet de Julio Bocca y en las compañías de Guido de Benedetti y Ricardo Rivas, entre otras. Mi primer amor es la danza. Nunca dejé de bailar, la necesito. Creo que es fundamental para hacer teatro musical. El conocimiento que poseés de tu cuerpo gracias a la danza no te lo da nada, y justamente para cantar y actuar tu instrumento es el cuerpo, y la emoción”.

¿Qué es lo más valioso que aprendió en nuestro país, que le sirvió luego para desempeñarse en España? Cuando llegué entendí el alto nivel de maestros que tenemos en la Argentina. En ese entonces, en España, era raro encontrar gente verdaderamente preparada en canto, danza y teatro. A la Argentina le debo mi formación, y el respeto y amor por la profesión. Aquí tuve que pulir muchísimo mi acento, y seguir aprendiendo y estudiando. Tuve la posibilidad de trabajar con directores prestigiosos, incursionando incluso en teatro de texto. A eso sumale lo que significa el aprendizaje social, porque compartimos el lenguaje pero los códigos para relacionarse son diferentes.

A lo largo de su carrera, ¿cuál fue el personaje que más le costó interpretar? ¿Y cuál es más adorado? Tal vez el más complejo fue Jenny, de la ópera Ascenso y Caída de la Ciudad de Mahagonny, bajo la dirección de Mario Gas. Fue un papel que tocaba la parte más oscura de un ser, en este caso una prostituta sin escrúpulos que manda a matar al único ser al que ama. Tocar esos aspectos es maravilloso y te hace entrar en terrenos que no siempre queremos entrar. Sin duda, el rol que más quiero es el que interpreto ahora, María Rainer. Ella es puro corazón, sin ñoñería, aunque se mueve desde allí. Tengo mucho que agradecerle a María. NUESTRO FANTASMA En la capital británica, Gerónimo Rauch protagoniza un raro fenómeno que da clara muestra de su elevado nivel artístico: en un mismo año habrá interpretado a Jean Valjean, el combativo protagonista de Los Miserables, y al atormentado Erik de El Fantasma de la Opera, en un hecho absolutamente infrecuente en el West End londinense. Rauch, que en la Argentina fue Doody en Grease, en 2001, e integró el grupo Mambrú, surgido del reality Popstars, desembarcó primero en España, en 2008, escogido a través de un video para protagonizar Jesucristo Superstar. Después de la experiencia en la banda teen, el argentino había regresado al teatro independiente con una puesta de esa misma obra, en inglés, en la sala Bristol de Martínez. “Fueron sólo tres funciones y la última la grabamos -recordó en diálogo con Balletin Dance-. Cuando en un momento se produjo una baja y SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 41


Nicolás Martinelli debuta el 17 de octubre como protagonista de Los Miserables Foto . gentileza de la compañía

comenzaron a buscar a un Jesucristo en España, mi amigo Zenón Recalde, que en ese entonces interpretaba al apóstol Pedro, dijo que sabía de alguien que podía interpretar ese personaje”. Aquel video casero comenzó a circular entre los responsables de la obra, que lo llamaron para audicionar (justo cuando había quedado en el elenco argentino de Rent, que abandonó) y le dieron el papel. Desde ese momento su carrera ha ido en constante ascenso. Su segundo trabajo fuera del país fue como Mary Sunshine en una puesta de Chicago, pero es el personaje de Valjean el que le abrió definitivamente las puertas en España, donde lo encarnó en dos temporadas sucesivas en Madrid y Barcelona, hasta marzo de 2012. Para entonces, el director asociado de Los Miserables en Londres, Chris Key, había puesto en alerta al productor estrella Cameron Mackintosh sobre la capacidad de Rauch para asumir el rol protagónico en la meca de los musicales. El argentino había actuado además en el estadio O2 Arena de Londres en ocasión del festejo por los 25 años del estreno de la obra. Finalmente, el 18 de junio de 2012 Gerónimo debutó en el Queen´s Theatre con la versión original del musical escrito por Alan Boublil y Claude-Michel Schönberg, que difiere de la que había mostrado inicialmente en España. Y cuando se cumplía el año de contrato previsto, otra sorpresa: fue tentado por los productores y desde el pasado 2 de septiembre se puso al frente de El Fantasma de la Opera, la emblemática creación de Andrew Lloyd Weber, en el Her Majestyc´s Theatre.

¿Con qué obra o personaje le gustaría volver a actuar en Buenos Aires? -le preguntó Balletin Dance el año pasado-. Ufff!!! ¡Qué difícil! Jean Valjean es uno. El musical Jekyll y Hyde, otro. O Judas, de Jesucristo Superstar, o El Fantasma… Son tantos… MÁS MISERABLES Con la ida de Gerónimo Rauch a Inglaterra no mermó, por cierto, la presencia argentina en las marquesinas españolas. Guido Balzaretti, con sólo 24 años, sigue ocupando el rol de Marius en Los Miserables, ahora en gira por el país luego de presentarse en Madrid y Barcelona. Balzaretti, nacido en Pilar, se formó junto a Pepe Cibrián Campoy (que lo dirigió en Calígula, Drácula y El Jorobado de París) y a Cris Morena, a cuyas órdenes trabajó en Despertar de Primavera (teatro) y Casi Angeles (televisión). También actuó en Sweeney Todd, con dirección de Ricky Pashkus. En España, además de en Los Miserables, ha trabajado en el mega musical El Ultimo Jinete, y rodó la película Un Dios Prohibido, donde encarna a un seminarista argentino en los inicios de la Guerra Civil. Asimismo, grabó la banda de sonido del filme. Para el personaje de Valjean que catapultó a Gerónimo Rauch desde España a Londres, los responsables de la gira de Los Miserables presentaron en junio pasado a otro connacional, el rosarino Nicolás Martinelli, que debutará el 17 de octubre en el Palacio de Festivales de Cantabria y seguirá la tournée hasta culminar en diciembre de 2014 en Bilbao. El paso de Martinelli por los escenarios locales tuvo escalas destacadas en Eva, El Gran Musical Argentino (con Nacha Guevara), Dominó, El Fantasma de la Opera (como Raoul), La Bella y La Bestia, y La Novicia Rebelde, entre otras obras. Martinelli estudió danza con Gustavo Wons, Rubén Cuello, Liliana Cepeda y Gustavo Carrizo, y teatro con Pepe Cibrián y Claudio Tolcachir.

Balzaretti como Marius, protagonista de una historia de amor Foto . gentileza de la compañía 42 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013


PARÍS X 2 El caso de Marcos Ayala es, en verdad, singular: se mostrará en dos de los más emblemáticos escenarios parisinos este mismo año, con espectáculos completamente diferentes. El bailarín nacido en Lomas del Mirador, que se formó en la Escuela Nacional de Danzas y fue becado por la academia de Julio Bocca, abrazó el tango a los diecisiete años y con él ha girado por el mundo entero, habiendo ganado incluso el Mundial de Tokio en 2006. Ayala comenzó el 2013 sacándole viruta al piso del mítico Folies Bergere, donde realizó una veintena de funciones como integrante de la célebre compañía Tango Pasión. Estas presentaciones fueron parte de una gira que llevó al elenco que hoy conducen Graciela García y Osvaldo Ciliento a ciudades de Polonia, Lituania, Marruecos, Reino Unido, Portugal y Alemania, entre otros destinos. De regreso en Buenos Aires, Ayala cumplió con una segunda temporada de Chantecler Tango en la sala Presidente Alvear, y ahora viaja junto a Mora Godoy y todo el elenco al monumental teatro Châtelet, donde la obra dirigida por el inglés Stephen Rayne realizará un mes de funciones a partir del 9 de octubre. Inspirada en el recordado cabaret de la calle Paraná 440, la historia de Madame Ritana, que es el eje de la trama, se narra enteramente a través de la danza, con una carga dramática y un despliegue físico y de recursos técnicos (vestuario, escenografía) que seguramente dejarán a los franceses absortos, vivando el desempeño de un puñado de artistas que, como todos nuestros exponentes del teatro musical, le hacen honor a la escuela argentina del género. __BD

Marcos Ayala, del Folies Bergere al Chátelet Foto . gentileza del artista

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El Chúcaro Cada 13 de septiembre, en Mendoza, se celebra el día del Bailarín Folklórico en homenaje a Santiago Ayala “El Chúcaro”. Este año, al cumplirse el 19º aniversario de su desaparición física, se realizarán una serie de actividades en la capital El Centro Cultural y de Divulgación del Folklore Cuyano y El Ballet Regional Huayra Cuyum dirigido por Roberto Oscar Torres organizan el Encuentro de Danzas Folklóricas - Día del Bailarín Folklórico y Homenaje a Santiago Ayala, El Chúcaro, del 13 al 15 de septiembre, con el apoyo del Área de Danza del Ministerio de Cultura del Gobierno de Mendoza, coordinado por Alejandra Tillar. Por un lado los días 14 y 15, se realizará un encuentro, con el objeto de reconocer -en memoria del maestro- a grupos y bailarines que dieron su aporte y conocimientos para que hoy la danza continúe evolucionando con la incorporación de nuevas técnicas. Este año serán reconocidos: Rodolfo Zapata (Malargüe), Marcelo Rosas (Junín), Viviana Gazzo (Guaymallén), Orlando Herrera (Tupungato) y el Grupo “San Rafael” (San Rafael). En este marco, Juan Cruz Guillén presentará el libro de su autoría Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma VioSantiago Ayala “El Chúcaro” Taller en Colón Todos Sabemos Bailar Foto . gentileza Secretaría de Cultura de Colón

la, el mismo 13 de septiembre, a las 19 hs en la Casa de la Cultura (Av. España y Gutiérrez). Las presentaciones del libro, se acompañan por la proyección de un video documental con fragmentos de los geniales 44 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013


Presentación del libro en Colón Foto . gentileza Secretaría de Cultura de Colón

maestros bailando y también de entrevistas realizadas en diferentes épocas de su copiosa trayectoria. Además del 13 al 15, en la misma sede Guillén, dictará el Taller de Danza Todos Sabemos Bailar. MÁS CIUDADES El sábado 6 de Julio Juan Cruz Guillén, homenajeó a Santiago Ayala, en los Altos de Casona de Colón (Entre Ríos), además de la presentación del libro, la proyección audiovisual y fotográfica, se realizó el Taller de Danza Todos Sabemos Bailar. Este último fue una propuesta de la Dirección Nacional de Artes de la Secretaría de Cultura de la Nación, a través de la Dirección de Cultura local.

El Director de Cultura de Colón, Francisco Rodríguez, indicó que la muestra y la charla “fueron experiencias muy enriquecedoras, principalmente para aquellas personas que están abocadas a la danza en nuestra zona, porque es una oportunidad de apreciar, conocer y aprender la forma de pensar y de trabajar de uno de nuestros íconos, como lo fue Santiago Ayala”. El domingo 7 por la tarde se entregaron los certificados a los participantes de los Seminarios de Danzas Folkóricas de Proyección, dictados por Sabina Di Salvo y el propio Guillén, en el salón de actos de la Escuela Nº 1 Juan José Paso. Con una duración de tres días, más de doscientas personas participaron de esta propuesta, integrantes de distintas agrupaciones y peñas folklóricas de Colón, Cerrito (localidad situada a 200 km de Colón), Concordia y Concepción del Uruguay. Por último, en concordancia con el Día Internacional del Folklore, el 22 de agosto, la experiencia se repitió en el Salón Cultural Manuel José de Guerrico de San Antonio de Areco, provincia de Buenos Aires. __BD

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-music hall Kermesse

-contemporáneo Lub Dub

-contemporáneo Muestra

Libro: Belisario Román. Coreografías: Estefanía Amoresano. Domingos 22 y 29 de septiembre, 13 y 20 de octubre, 20:30 hs. El Bombín Teatro (Calle 59, N° 886 e/ 12 y 13, La Plata, Tel: 0221 4212920).

De Roxana Grinstein. Con Carla Rímola y Julia Gómez. Sábados, 21 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Alumnos del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Dirección: Norma Binaghi. Sábado 14, 19 hs. Espacio Cultural Adán Buenosayres (Avenida Eva Perón 1400, bajo autopista). Entrada gratuita.

-contemporáneo La Idea Fija De Pablo Rotemberg. Domingos 20 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-teatro Mabel Dirección: Carlos Casella. Texto: Santiago Loza. Intérprete: Maby Salerno. Coreografía: Maby Salerno y Carlos Casella. Viernes 22:30 hs. Teatro La Carpintería (Jean Jaures 858, Tel: 49615092).

-contemporáneo Nuevas Voces Grupo de Danza de la Unsam. Dirección: Oscar Araiz. Si Pudiera Contarte de Germán Farías y Communitas de Martín Gil. Domingos 19:30 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

-contemporáneo La Lengua De Leticia Mazur. Viernes de septiembre y octubre, 22 hs. Espacio Callejón (Humahuaca 3759, Tel: 4862-1167).

-multimedia Lisboa Nunca te Conocí, Siempre te Amé. De Rodolfo Olguín. Con participación del Modern Jazz Ballet. Domingos 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

-musical Madagascar live

-musical Mi Voz en tu Alma

Dirección: Nancy Montenegro. Dirección Musical: Augusto Díaz. Coreografías: Mariel Weselowski. Sábado 21, 21:30 hs. Teatro Sha (Sarmiento 2255, Tel: 4953-2914).

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Dirección: Cristian Setién. En escena: Darío Rodríguez y Cristian Setién. Viernes 21 hs. Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 4862-1758).

Jueves 24, 20 hs, viernes 25, 19.30 hs y sábado 26 de octubre 16 hs y 20 hs. Estadio Luna Park (Av. Corrientes y Bouchard, Tel: 5353-0606). Foto: Carol Rosegg

Cartelera

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-contemporáneo Potosí

-flamenco Raíces del Flamenco De Sefarad al Cante Jondo. De Marcela Suez. Viernes 27 y sábado 28 de septiembre. Viernes 4 y sábado 5 de octubre 21 hs. Mediterránea Café Teatro (Tucumán 3378, Tel: 4863-7156).


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Gala Contemporánea, Buenos Aires, 2009 (Nora Robles en Happy Hours de Ana María Stekelman) Foto . Alejandro Zambrano

Esencia, Buenos Aires, 2011 (Rocio S Rodriguez) Foto . Maria Eugenia Pascariello

Tranformación, Buenos Aires, 2009 (Autorretrato) Foto . María Martha Labella Esteva Saenz

Primer Concurso de Fotografía de Danza


Como celebración del 19º aniversario de Balletin Dance, durante 2013, la editorial especializada en danza, publicará una serie de fotografías seleccionadas por los profesionales en la materia

1º Premio / Obra: Egocelula / Buenos Aires. 2012 Fotógrafa: Carla Rabuffetti / Bailarina: Ailén Cafiso

Pasiones, Buenos Aires, 2012 (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en La Consagración de la Primavera de Mauricio Wainrot) Foto . Liliana T Veronesi

El jurado presidido por Alicia Sanguinetti, e integrado por Antonio Fresco, Guillermo Genitti, Máximo Parpagnoli y Agustina Llumá, se reunió la calurosa tarde del sábado 9 de febrero, en el mítico estudio Heinrich-Sanguinetti de la ciudad de Buenos Aires, para seleccionar a los ganadores del Primer Concurso de Fotografía especializada en danza organizado por Balletin Dance. Las obras ganadoras serán publicadas cada mes en esta revista, a la vez de pasar a formar parte de los canales de difusión, impresos y digitales, de esta editorial. La alta calidad de las fotos que llegaron a la instancia final, que acompañan estas líneas, provocó la extensión de la jornada para definir cuáles serían las premiadas. Luego de un exhaustivo análisis, de cada obra, y por unanimidad, el jurado resolvió otorgar tres premios y dos menciones iguales.

2º Premio / Obra: Urban Dancer Buenos Aires. 2012 / Fotógrafo: Hernán Conde Bailarina: Nira Bravo

3º Premio / Obra: Sin título / Buenos Aires. 2012 / Fotógrafa: María Baumler Bailarines: Nicolas Quieta, Jenny Micó, Victoria Alcala, Maria José Papalardo y Roberta Davagnino; en Volare

Mención / Obra: Requiem del Fuego / Buenos Aires. 2012 Fotógrafa: Guillermina Bruschi / Bailarines: Victoria Balanza y Nicolas Berrueta; en Flamma Flamma de Mauricio Wainrot

Mención / Obra: Latidos / Mar del Plata. 2011 Fotógrafa: Laura Mercedes de Palma Bailarina: Monthserrat Otegui; en Espíritu Nacional Violencia, Buenos Aires, 2012 (Javier Coronel y Mariel Naumazev en Helele) Foto . Celeste Ailén Cibello

Carmina Burana DM, Buenos Aires, 2012 (Micaela Araceli Almirón, María Luján Burgos, Fiorella Federico y Paola Diosquez en Carmina Burana) Foto . Julián Aguirre

Leap, La Plata, Argentina, 2012 (Lisandro Ezequiel Rosales) Foto . Elías Alejandro Gadan SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 49


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Esto Por Román Ghilotti

En el Teatro Beckett se estrenó Deíctica, con idea y dirección de Julieta Rodríguez Grumberg, también intérprete junto a Ana Armas, Alejo Wilkinson, Federico Moreno, India Pernigotti, Lia Mazza y Matias Gonzalez Gava. En el programa de mano se aclara: “Deíctico: que indica o señala/palabras cuyo significado dependen del contexto, lugar y momento en que se manifiestan”. En efecto, Deíctica indica que sea vista como una obra que presenta lo que se ve. Pero también el programa de mano acerca algo con un poco de misterio: “La realidad depende de nuestras elecciones con respecto a qué queremos observar y cómo lo queremos hacer. Los momentos… son discontinuos y saltan” (cita de Anne Bogart, directora teatral). El misterio: viendo Deíctica se ven transcurrir, sin solución de continuidad, diversos momentos, saltos de situaciones y eventos, compaginaciones discontinuas. ¿Qué hacen los intérpretes? Aunque no se exponga de un modo distinto y claro como un entramado, sólo hacen lo que hacen, como siempre ocurre en danza, aunque, esta vez, el ex profeso de lo hecho y dado quiere que sea visto como esa construcción, antojadiza, libre, humorística, efectiva. Por tramos, desde una proposición al modo minimalista, agregando y quitando elementos de secuencias de movimiento. En otros, más directamente exteriorizan juegos en repeticiones de maneras de relacionarse en parejas. Y otros, directamente sueltos. En todos los casos: presentaciones directas de lo que pasa en cada oportunidad. El contexto es la continuidad de muestras de movimiento. Los lugares: los dos planos en que está dividida la escena, frente y fondo tras cortina semi traslúcida. El tiempo: una supremacía de instante, un presente continuo que va construyendo una memoria de las acciones, los gestos, las indicaciones de movimiento. 50 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013

Cuando de cuerpos en movimiento se trata, coreográficamente, es trivial que cada movimiento se expone a sí mismo, pero no siempre se aclara el punto

De izquierda a derecha: India Pernigotti, Julieta Rodríguez Grumberg, Alejo Wilkinson, Matias Gonzalez Gava, Lia Mazza, Federico Moreno y Ana Armas Foto . gentileza de la producción

Una notable prestación de todos los intérpretes, con sólidos dominios del lenguaje propuesto y ricas variaciones gestuales, lograron, en función, sostener un interés centrado en lo inmediatamente anodino de que un movimiento es ese movimiento (como si dijeran: no me pidas más). Deíctica, afirmándose en desplegar breves secuencias de variadas dinámicas, finaliza con un recorte completo de los cuerpos de los intérpretes, con su ausentarse, como si jugaran la última indicación (deíctica): en el final-final, no hay más movimiento ni cuerpo, sólo el vestigio de aquellas presencias. __BD


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Se Comparte Por Agustina Llumá El 7 de agosto, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea estrenó el segundo programa del año en su sede, el Centro Nacional de Música y Danza, en el marco del proyecto Partido y Compartido V, siempre con entrada gratuita Mediante una convocatoria abierta, Partido y Compartido, selecciona a un grupo autogestionado de la danza contemporánea local para compartir el programa con la CNDC. La selección que se realiza a través de videos, otorgó al galardonado seis mil pesos en concepto de cachet en 2013, que para esta quinta edición recayó en dos grupos: Herrero-Disalvo actuó la primera quincena del mes, y Proyecto Golondrinas la segunda. La función del día 14, se abrió con D/H del grupo Herrero-Disalvo, integrado por Rakhal Herrero y Lucía Disalvo que jugó simpática e ingeniosamente con las diferencias de tamaño de los bailarines. El enorme y ella diminuta. Con cierta reminiscencia al clown, con un toque infantil, cada duo despertó más de una risa en la platea. Río Conmigo

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Inmediatamente después se mostró el estreno de la fecha: Río Conmigo con idea y dirección de Diego Franco (integrante del elenco), a cargo de diez bailarines. Siguiendo el estilo con el que viene trabajando la CNDC, la puesta presentó una serie inconexa de cuadros, que incluyeron variadas técnicas de las denominadas nuevas tendencias coreográficas. Tal vez la similitud en la estructura (completamente ecléctica) y la estética con las anteriores propuestas, pueda deberse a que en todas ellas se menciona el aporte creativo de los intérpretes. En general son secuencias en el lugar, realizadas por uno, dos, tres o más bailarines, un desplazamiento (caminatas o corridas), otra secuencia parecida o no a la anterior, seguida de otro desplazamiento (filas, rondas, espirales, diagonales) y así sucesivamente, con excesivos momentos de silencio y quietud. También se repitieron efectos de anteriores puestas, como la agrupación cual montaña, el grupo que avanza como avasallando todo a su paso, el retroceso de espaldas en línea… El programa de mano incluía una frase para referirse a Río Conmigo, que al igual que el título, resulta difícil de comprender (si se busca una vinculación con la puesta). Lo más interesante de la propuesta resultó ser una parodia sobre un tema musical cantado por Pimpinela, mientras los bailarines realizaban la sincronización de labios, desarmando y armando una fila en la que se habían sentado, a la que llegaron reptando cual anfibios en una cuarta de Graham. Desplazamiento repetido a diferentes velocidades.


Lucía Disalvo y Rakhal Herrero Fotos . Ramiro Peri

En otro tema, dos bailarinas con castañuelas (en un toque desajustado), fueron acompañadas por el grupo con palmas flamencas, en algo así como una batalla percusiva. En otra instancia, luego de desnudar (no completamente esta vez) a uno de los bailarines, procedieron a humillarlo en masa de variadas maneras, rodeándolo, alentándose entre todos, gritando, en una escena larga, descontrolada, que finalizó cuando el joven que ya habiendo perdido su dignidad respondió con sus propios gritos para invertir en un segundo el cuadro planteado: todos cayeron al piso atemorizados. Un poquito de Antonio Vivaldi permitió asomar algo de danza, al igual que en un par de solos, muy bien resueltos. El vestuario otorgó un plus de atractivo, con trajes de tres piezas, de variados y chillones colores y sacos reversibles (se cambian quedando el interior hacia afuera). Con tan talentosos bailarines, quien escribe no deja de esperar el momento en que se convoque a un coreógrafo que esté a su altura, que no solamente tenga mucho para decir, sino que pueda utilizar esta materia para ofrecer una creación vinculada al mundo artístico, que sorprenda, que emocione, que angustie, que alegre, que modifique al espectador por fuera del aburrimiento o el fastidio. __BD SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 53


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La Noble Perfección Por Agustina Llumá Los días 22 y 23 de agosto, se presentó en el Teatro Coliseo un grupo de bailarines de la Opera Nacional de París, bajo la dirección artística de Elizabeth Maurin y Estela Erman, encabezados por la argentina Ludmila Pagliero

Paquita Foto . Antonio Fresco

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La perfección no existe. Sin embargo es posible acercarse mucho. El variado repertorio (complejísimo) ofrecido en Buenos Aires, dio una muestra de la actividad de la Opera de París, que invitó al público a inmiscuirse en la vida de palacio, con un formidable vestuario propio del Palais Garnier. Con su exposición contenida en un marco protocolar de extrema distinción y elegancia, el grupo mostró la perfección gestual a la que se debe llegar por pertenecer a estas elites de la escuela francesa de ballet. Con variaciones que parecieron sacadas de un manual de ballet, en las que cada milímetro del cuerpo se ubica en un preciso lugar por un determinado tiempo, la limpieza de los pasos y las poses del ballet hicieron que el más mínimo desacierto fuese fácilmente identificado. Es que cuando un bailarín de ballet se expresa suciamente (como se dice coloquialmente al trabajo que no busca estos cánones de perfección) sus errores pasan inadvertidos. Pero cuando un bailarín es casi perfecto, es común imaginarse que en realidad es completamente perfecto. Difícil de explicar en palabras. Ciertamente esta forma de expresarse en los límites de las buenas conductas no es divertida y bordea la falta de vida. Como la comida francesa, los perfumes o el champagne, es posible que a muchas personas no les guste. Es elegante, nobiliaria, palaciega. Nunca un exabrupto, ni alguna acción que permita salirse de los cánones establecidos, nunca una locura o un gesto desenfrenado de expresividad. Todo se rige por una muy cuidada y estudiada fórmula, que debe respetarse a raja tabla. Así fue Paquita, la suite con la que abrió la función, una reposición de Elizabeth Maurin sobre la original de Marius Petipa, con la intervención de todos los bailarines, encabezados por Ludmila Pagliero


El Lago de los Cisnes Foto . Alicia Sanguinetti La Fille mal Garde Foto . Alicia Sanguinetti

y Hervé Moreau. Se destacaron las posiciones de los brazos y la delicadeza de sus movimientos, con su flexible curvatura continuándose hasta las manos, en donde se cuida la calidad de cada uno de los dedos; la cabeza acompañando cada movimiento en su justo lugar con apenas sensuales movimientos de cuello; los epaulments y el trabajo de torsos también suave y distinguido; y por supuesto el impecable trabajo de piernas, y pies; las baterías

de los varones parecieron realizadas por computadora. Paquita fue impecable, pero a la única a la que le corría sangre por las venas era a nuestra compatriota, que se mostró refinada y a la vez combativa, destacándose considerablemente del resto del elenco. Moreau por su parte, con un físico espectacular (como el resto de los varones) es el prototipo del príncipe del ballet, con un porte propio de la realeza. Luego se mostró Improvisación, una pieza guiada al piano por Touve Ratovondrahety (maestro del Ballet de la Opera de París) que contó con la participación de alumnas porteñas para movilizar un inmenso paño blanco, que recibía proyecciones galácticas en interacción con Gregory Dominiak. El pas de deux de La Fille Mal Gardée de Joseph Lazzini, difícil a más no poder, con combinaciones de giros y saltos de un pie al otro, baterías de cruce y de choque, fouettes en attitude devant/ derriere pasando por ronde de jambe, y complicaciones de todo tipo, fue sorteado felizmente por Marion Barbeau y Axel Ibot. Continuó la escena del balcón de Romeo y Julieta de Rudolf Nureyev, otra coreografía de extrema complejidad, en la que abundan los “trucos” (para parafrasear a Otto Werberg) de partenaire. Con largas secuencias en las que la pareja no se suelta de las manos, entrelazándose entre ellos de todas las maneras posibles. Esta pieza no encontró en Charline Giezendanner y Dominiak a la SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 55


Carmen Foto . Alicia Sanguinetti Cantadagio Foto . Antonio Fresco

pareja de adolescentes frenéticamente enamorados en su primer encuentro, y con su primer beso. A medida que avanzaba el programa las cosas se ponían más interesantes. El segundo acto abrió con una excepcional Carmen de Roland Petit, a cargo de Pagliero y Moreau. Una coreografía bellísima, despojada de ornamentos, en la que la gitana llena de erotismo -siempre en un marco de distinción- se permitió jugar con las emociones del pobre Don José entregado por completo a su amor y dispuesto a complacerla como fuera. Sin lugar a dudas lo mejor de la noche. El Cisne Negro de Nureyev que incluye a Von Rothbart (Dominiak, divertido en su papel de hechicero) transformándolo en un pas de trois, estuvo a cargo de Valentine Colasante y Florimonde Lorieux, sin mayores destaques. La Troisième Fenêtre de Lazzini dio algo de vida con un coqueteo lúdico de Giezendanner y el simpático Ibot. Siguió el Grand Pas Classique de Victor Gsovsky prueba del puro

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clasicismo, con una delicada Barbeau junto a Germán Louvet de geniales baterías de cruce. Aquí es cuando la pureza de la escuela demuestra la belleza de estos saltos, en los que las piernas por su lado se sacuden ágilmente, mientras torso y brazos respiran suavemente siguiendo el recorrido del bailarín volando en el espacio. La noche culminó con Cantadagio, el emotivo dúo de Lazzini, a cargo de las etoiles (Pagliero y Moreau) sobre partituras de Gustav Mahler. Un encuentro de pareja, poético y minimalista, que atraviesa varias instancias amorosas, consumando sutilmente su sensualidad en cantidad de poses de extensas líneas. Es el acertado manejo de los tiempos, la genial musicalidad y la combinación con la iluminación, lo que logra emocionar hasta al más frío espectador en cada uno de sus clímax. Para los saludos, Ratovondrahety fusionó partituras de diferentes ballets al piano, que permitió a los bailarines -cada cual con su último traje-, realizar alguna proeza previa a la reverencia. __BD

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Primera Despedida Por Agustina Llumá

Sus compañeros de elenco, sus amigos, muchos con quienes ha compartido toda su carrera, pero también algunos noveles bailarines, resolvieron despedir a “la Perillo” con una función coreográfica en el Teatro ND Ateneo. Cada uno seleccionó las obras que bailaría para agasajarla, es decir, sus preferidas, desde súper clásicos hasta modern jazz. Por esto cada pieza ofrecida esa noche, sumó la pasión y el placer de bailarla, a la emotiva sensación generalizada de una siempre triste despedida. Realizar un pas de deux de repertorio clásico en un escenario de pequeñas dimensiones es siempre un reto difícil de sortear, obligados a modificar desplazamientos e incluso algunos pasos sobre la acción, con esa sensación de hacer todo en el lugar, la libre expresión del cuerpo queda reducida, en función del espacio. Más allá, de esto, y con la profesionalidad que caracteriza a estos Federico Fernández y Luana Brunetti en La Bella Durmiente Fotos . Alicia Sanguinetti

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Maricel De Mitri y Alejandro Parente en A Buenos Aires

El domingo 28 de julio, primeras figuras del Teatro Colón de Buenos Aires, organizaron un homenaje a Silvina Perillo, poco antes de su retiro definitivo del escenario, sobre una idea de Federico Fernández


Gabriela Alberti y Vagram Ambartsoumian en Espartaco

artistas, la función fue un amplio arco iris de ofrendas artísticas, honestamente sentidas, que se vio coronada sobre el final, con la actuación de Silvina Perillo, en el solo Se Dice de Mí de José Luis Lozano, que inmortalizara Tita Merello. Luciana Barrirero y Gerardo Wyss eligieron el clasiquísimo pas de deux de El Cascanueces, Gabriela Alberti mostró La Muerte del Cisne y junto a Vagram Ambartsoumian el dúo de amor de Espartaco, de El Corsario Carla Vincelli con Edgardo Trabalón y Federico Fernández hicieron el pas de trois, mientras que Natalia Pelayo con Trabalón eligieron el pas de deux de el mercader y la esclava. De extensas y pulidas líneas Federico Fernández con Luana Brunetti retomaron el clasicismo de Petipa con el pas de deux de La Bella Durmiente. Karina Olmedo y Nahuel Prozzi bailaron un fragmento de Carmen de Alberto Alonso y otro de Taurina de Leonardo Reale, quien junto a Pelayo mostró Pañuelos del Viento, una nueva e interesante creación propia de raíz folklórica. Maricel De Mitri y Alejandro Parente, fueron quienes mejor lograron el vínculo de pareja, dando sentido al ya tradicional A Buenos Aires de Gustavo Mollajoli. Luego de un cierre coreografiado por Olmedo con todos los bailarines en escena con entradas y salidas, mostrando cada quien lo mejor de sí, Maricel De Mitri leyó unas líneas de su autoría emitidas en nombre de todos sus compañeros: “Con su rubio rodete alto, altísimo, sus ojos de mar, su sonrisa al máximo, su postura altiva... ella entra, irrumpe, provoca ¡brilla!

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Natalia Pelayo y Leonardo Reale en Pa単uelos al Viento Fotos . Alicia Sanguinetti

Karina Olmedo y Nahuel Prozzi en Taurina

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Silvina Perillo emocionada

En el cálido estudio de sus maestros Mercedes [Serrano] y [Wasil] Tupín, en las tempranas mañanas en alguna sala del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, en la Rotonda llena de artistas e historias, en nuestro gran escenario, en la vida... Es “La Perillo”. Segura del amor y las ganas de bailar, sale al ruedo y arrasa. Dueña de un dominio singular, una simpatía desbordante y mucha luz, supo liderar la escena por más de 20 años. Divertida, ocurrente, sensible, reidora y llorona. El público la ama. Sus compañeros la admiran. Pronto llegará la noche en que, por tu decisión, dejarás los escenarios. Tal vez porque nos cuesta imaginarlo, fue buena -más que buena-, la idea de Fede [Fernández] de crear otra cita en la que nosotros, pudiéramos comenzar a decirte con nuestra danza gracias. Gracias Silvina. Por tu arte y tu alegría. Marcaste la historia del Ballet Estable del Teatro Colón con tu sello inconfundible y quedará tu estela para siempre...” Silvina Perillo, finalizó su carrera sobre las tablas, en una función de Don Quijote (cuando esta revista estaba ya en imprenta), en su casa: el Teatro Colón de Buenos Aires. Poco antes, con la Compañía Ballet de El Salvador y junto a Federico Fernández, realizó su última gira como bailarina, con la misma obra: aquella Kitri con la que debutó como primera bailarina hace 25 años, y que tiene tanto de sí misma. __BD

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Por Román Ghilotti

De Galaxias y Golondrinas Primaverales

O I R A T N E M O C

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín presentó un nuevo programa con estrenos de Margarita Bali, Daniel Goldin y una reposición de Mauricio Wainrot El programa incluyó Galaxias (Bali), Oscuras Golondrinas (Goldin) y La Consagración de la Primavera (Wainrot). La propuesta de Bali, con música de Gabriel Gendín, vestuario de Mónica Toschi e iluminación de Eli Sirlin, a partir de videos realizados por la coreógrafa que incluyen tomas del Hubble Space Telescope, compone, visualmente, un ambiente sideral de fondo para una escena, también de pretensión sideral, aunque naif. Las imágenes proyectadas, liberándose de problemas de escala, ofrecen astros y fenómenos astronómicos variados junto a cuerpos de bailarines en una suerte de armonía de movimientos celestes con aquellos. A la vez, en escena, los intérpretes, con idénticos vestuarios que en las imágenes, aparecen, recorren el espacio, giran o reposan, se alejan o acercan Hacia la partida como hacia el regreso (Oscuras Golondrinas) Fotos . Carlos Flynn

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Fenómenos astronómicos representados con inocencia (Galaxias)

entre sí, desaparecen. Representando desde enanas rojas a agujeros negros, aspectos remarcados por algunas convenciones del vestuario, dan cauce a una narración de fenómenos galácticos que incluyen creación, evolución y destrucción. Un bailarín, caracterizado como astrónomo de fines del siglo XIX, catalejo incluido, también deambula la escena. La simpleza de los movimientos, presencias en giros y trayectos más que desarrollos de secuencias, la representación esquemática en atuendos, junto al personaje del astrónomo, dan un enfoque de inocencia que pareciera remedar aquellos films mudos de Melliés. Diferente ámbito para Oscuras Golondrinas, con escenografía y vestuario de Matthias Dietrich, donde el juego propuesto por Goldin apela a diversos modos de la repetición. Como un gran ciclo (ya indicado en el título que remite al famoso poema becqueriano: Volverán las Oscuras Golondrinas), los personajes que bailan, habitantes de un sitio que sugiere arrabales, parten para retornar hacia el fin de la obra. Pero parten una y otra vez, como también repetidamente regresan. Lo escenográfico, el perfil de


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una calle nocturna, de casas pobres, y la indumentaria y gestualidad de los bailarines, con ciertos detalles retro hacia mediados del siglo XX, cargan de un tenor melancólico el producto. Pocos juegos de movimiento, pero muy desarrollados en sus repeticiones, individuales, de pareja o grupo, asociados a la música elegida, de iguales características (Dimitri Shostakovich y Johann Sebastian Bach), estructuran el trabajo de Goldin en el que se destaca, especialmente, la expresividad de los intérpretes para dar los matices del temple anímico general. Una vez más, la reposición de La Consagración de la Primavera (1999, Bélgica, Royal Ballet of Flanders, 2002, Argentina, BCTSM), completó un programa con un creciente dinamismo relativamente ausente en las obras anteriores. El ímpetu y el concepto de lo arrollador implícitos en consagrar la primavera, puestos a modo de ritual sin caer en estereotipadas gestualidades, eje constructor del trabajo de Wainrot, encontró a un elenco ajustado, especialmente las chicas, para el despliegue de la abigarrada sucesión de secuencias. De algún modo, esta última coreografía respondió a los estándares esperados para el BCTSM, esto es, cohesión y fuerza, rítmica y espectacularidad. De menor a mayor, en términos particularmente contemporáneos, las tres obras ofrecieron aproximaciones a estados emocionales: inocencia, melancolía y pujanza, manifiestas en los cuerpos, las imágenes y metáforas. __BD

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La fuerza vital (La consagración de la primavera)

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Centro Superior de Arte

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66 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2013

INVESTIGACIÓN Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H Destaville D

D Danza. IInvestigación n een Argentina VVicky Olivares Marcelo Isse M Moyano M


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Folklore Argentino en Europa del Este El grupo Los Mackay junto al Ballet Malambo Argentino, acaban de realizar su tercera gira en conjunto, en la que participaron de festivales, desfiles y actos protocolares, en Rumania, Bulgaria y Serbia

Desde la localidad de Piedritas del partido de General Villegas, ubicada al noroeste de la provincia de Buenos Aires, corazón de la región pampeana, el Ballet Malambo Argentino dirigido por Gastón Santiago Courreges, “contribuye a la difusión del patrimonio nacional, con la conservación de danzas que trascienden sus orígenes, el tiempo y abren sus caminos en distintas dimensiones”. En una tournée realizada del 22 de julio al 14 de agosto, las agrupaciones expusieron diferentes danzas argentinas en festivales internacionales con invitados de diversos países del Globo. El Ballet está integrado por ocho parejas: Juana Cambas, Felicita Cambas, Leticia Pascual, Lucrecia Pascual, Amaia Yeregui, Eugenia Yeregui, Anyelén Ponzi, Ailén Ponzi, José Prola, Patricio Porrato, Bruno Courreges, Alesandro Caviglia, Joaquín Iturria, Gonzalo Esteban y Lautaro Oga. Los Mackay, está conformado por Ariel y Walter Mackay, Eugenio Bianchi, Carlos Passegui, Daniel Sánchez y Carlos Bravo. __BD

Malambo Argentino en Europa del Este Foto . gentileza del elenco

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Wainrot en Río Mauricio Wainrot, director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, montó Carmina Burana en el Teatro Municipal de Río de Janeiro

Ensayo de Carmina Burana en Río Foto . gentileza de Mauricio Wainrot

Wainrot es el coreógrafo argentino, con mayor cantidad de montajes en compañías del exterior en este momento, sus obras fueron y son bailadas por elencos de los cinco continentes. Las siete funciones de Río de Janeiro, se integraron con la cantata Carmina Burana de Carl Orff, y los dos dúos Ecos sobre música de Samuel Barber y Chopin 1, a cargo de los primeros bailarines del Ballet del Teatro Municipal Cecília Kerche, Cláudia Mota, Márcia Jaqueline y Francisco Timbó, junto a la orquesta, solistas y coro en vivo del mismo coliseo. Además, una hora y media antes de cada función, se realizaron charlas, en el marco del proyecto Falando de Ballet, en este caso a cargo de Tobias Volkmann de la Orquestra Sinfónica del Teatro, para referirse a este espectáculo. Mauricio Wainrot, que el 13 de octubre estrenará La Canción de la Tierra sobre música de Gustav Mahler, en el Teatro San Martín, creó esta Carmina Burana para el Royal Ballet de Flanders (Bélgica) siguiendo la estructura de la partitura, con un prólogo, tres secciones y el final (fortuna, encuentro del hombre con la naturaleza, el vino, el amor, y nuevamente la invocación a la fortuna). __BD SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 67


El advenimiento de la Revolución Cubana en 1959, proporcionó al maestro Alonso infinitas posibilidades de realización profesional como director general del Ballet Nacional de Cuba (1959-1975), de la Escuela Nacional de Ballet (1962-1967), del Ballet de Camagüey (1975-1992), de la Compañía Nacional de Danza de México y del Ballet de Monterrey (1992-95). Cumplimentó también un extenso período de colaboración con el movimiento de danza internacional,

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Retrato de Fernando Alonso / Foto . Annemarie Heinrich

Por Miguel Cabrera, para Balletin Dance

Adiós a Fernando Alonso, el Noverre cubano

En horas de la tarde del domingo 28 de julio fue sepultado en la Necrópolis de Colón, en La ciudad de La Habana, el ilustre pedagogo de la danza, Fernando Alonso, quien había fallecido el día anterior, en el Instituto de Cirugía Cardiovascular, exactamente a cinco meses de cumplir 99 años de fecunda existencia. Una de las personalidades más relevantes del ballet de nuestro tiempo, cofundador del Ballet Nacional de Cuba y uno de los pilares en la gestación de la escuela cubana de ballet. Nacido en La Habana, el 27 de diciembre de 1914, se inició en el mundo de la danza en 1935, como alumno de la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de esta capital, y continuó su formación técnica y artística en Estados Unidos desde 1937, bajo la guía de eminentes profesores, entre ellos el italiano Enrico Zanfretta y los rusos Alexandra Fedorova, Anatole Vilzak, Pierre Vladimirov y Leon Fokine. A partir de 1938 integró los elencos del Ballet Mordkin, de varias comedias musicales llevadas a la escena de Broadway y del American Ballet Caravan. En 1940, ingresó en el Ballet Theatre de Nueva York, donde alcanzó el rango de solista y se mantuvo hasta 1948, fecha en que junto a Alicia Alonso y su hermano Alberto, se dio a la tarea histórica de fundar el actual Ballet Nacional de Cuba, cuya dirección general asumió durante veintisiete años. En 1950, luego de limitar su carrera como bailarín para dedicarse básicamente al trabajo de dirección en la Compañía y en la Academia de Ballet Alicia Alonso, fundada ese propio año, Fernando Alonso dio comienzo a su labor más trascendente: la de pedagogo de danza. En la Academia, la institución encargada de formar las primeras generaciones de bailarines cubanos profesionales, iniciaría junto a Alicia un serio trabajo de investigación encaminado a lograr un método de enseñanza propio, que con el paso de los años ha culminado en la escuela cubana de ballet, hoy mundialmente reconocida. En el difícil período que media entre 1948 y 1956 Fernando Alonso supo enfrentar la apatía oficial y las incomprensiones de los gobiernos que padeció Cuba, que negaban el más elemental apoyo a empeños culturales de la magnitud del ballet cubano. En profética y valiente Ponencia, enviada al Congreso Continental de Cultura, celebrado en Santiago de Chile en 1953, y que fuera leída por el poeta Nicolás Guillén, afirmaba: “El ballet empieza a enraizar en el pueblo, a extraer las esencias autóctonas de las distintas nacionalidades, a matizarse de nuevos colores, a vigorizarse con nuevas corrientes y a ayudar al hombre medio y al hombre de abajo en su superación artística e intelectual. Ya el ballet no será nunca más arte de reyes o potentados sino arte de pueblo, tal como lo exigen los nuevos tiempos. Por ello hemos de trabajar”.

que incluyó instituciones tan prestigiosas como la Opera de París (Francia), el Ballet Real de Wallonie (Bélgica), la Escuela Nacional de Ballet de Toronto (Canadá), el Ballet Clásico de Santiago de los Caballeros (República Dominicana), el Instituto de Cultura de Yucatán (México), el Instituto Colombiano de Ballet Clásico, así como Festivales y Concursos en Moscú, Varna, Nueva York y Perú, entre otros. Vigilante perpetuo de los principios técnicos, éticos y estéticos de la escuela cubana de ballet, aportó su rica experiencia al ballet cubano como Asesor del Ministerio de Cultura, de la Escuela Nacional de Ballet, de la Facultad de Arte Danzario del Instituto Superior de Arte, del Centro Pro-Danza y como Presidente de Honor y miembro de los Jurados de los Concursos y Encuentros Internacionales de Academias para la Enseñanza del Ballet, efectuados en La Habana. Por su valiosa contribución a la cultura de su país, se le confirieron numerosas distinciones, tanto en su patria como en el extranjero, entre las que figuran: la Orden “Félix Varela”, del Consejo de Estado de la República de Cuba (1981), los Doctorados Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de Cuba (1984) y en la Universidad Autónoma de Nuevo León, México (1996); el Premio de las Artes de la Universidad Autónoma de Nuevo León (1999), Medalla y Diploma de Honor y Título de Visitante


In Memoriam

Distinguido, Trujillo, Perú (1999), el Premio Nacional de Danza de Cuba (2000), el Premio Nacional de Enseñanza Artística (2001), así como el Premio “Benois” de la Danza, en Moscú; y el Título de Huésped Distinguido, en Santiago de los Caballeros, República Dominicana, ambos en 2008.

En esta triste hora de su despedida física, vienen a mi mente inolvidables recuerdos de mi vida junto a él, etapa que comenzó en 1968, cuando justamente había finalizado yo mis estudios en la Universidad de La Habana. Ingresé en las filas del Ballet Nacional dos años después, a instancias de él y de Alicia [Alonso], quienes no dudaron en confiar en un jovencito veinteañero, con un título académico, pero totalmente inexperto en las grandezas históricas del arte de la danza. Ellos me aportaron generosamente afecto, conocimientos e incalculables experiencias para que pudiera emprender la más difícil y honrosa tarea de mi vida profesional: organizar científicamente la historia de nuestro movimiento coreográfico y su conexión con el devenir secular de ese arte. Aunque a partir del 27 de enero de 1975 dejó de estar entre nosotros como Director General, nuestra cercanía no se rompió nunca gracias a un respeto y a una admiración compartidas. Mis reencuentros con él durante sus años al frente del Ballet de Camagüey y en las numerosas actividades en las que volvimos a estar juntos, como los Eventos pedagógicos en la Escuela Nacional de Ballet, en los Cuballets, en la Facultad de Arte Danzario del Instituto Superior de Arte, y en los Encuentros Internacionales de Academias para la Enseñanza del Ballet, fueron citas propicias para esa renovación de afectos y respetos. Me correspondió el honor de pronunciar las Palabras de elogio, en 1984, por el 70º aniversario de su natalicio, en la sede de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba; y las de sus 90º en una Gala organizada por la Escuela Nacional de Ballet, en 2004, en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba. En el año 2000 tuve el honor de presidir el Jurado que le otorgó el Premio Nacional de Danza, en una emotiva Gala celebrada en el Teatro Mella, también en la capital del país. Fueron ocasiones en las que comprendí, más que nunca antes, la verdad de la sentencia martiana de que Honrar, honra. En cada encuentro acostumbraba saludarlo con una frase que se relacionaba con su verdadero nombre. Solía decirle: ”Qué dice Fernando Evangelista?”. Entonces una lucecita aparecía de inmediato en sus vivaces ojos azules, como preludio a una invariable sonrisa, como una aceptación de la verdad de su vida. Ahora comprendo que más que como un pedagogo tenemos el deber de recordarlo como uno de aquellos bíblicos, que tuvieron como misión no dejar morir la verdad del Evangelio al que dedicaron sus vidas. __BD

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Fernando Alonso con Miguel Cabrera, en ocasión del Premio Nacional de Danza recibido en el año 2000 SEPTIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 69


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Nueva Dirección en el Banch El coreógrafo francés Mathieu Guilhaumon asumirá la dirección del Ballet Nacional de Chile, el elenco de danza contemporánea trasandino, hasta 2016

Guilhaumon, continuidad y permanencia Foto . prensa del artista

A fines del mes pasado Ernesto Ottone, director del Centro de Extensión Artística y Cultural de la Universidad de Chile (CEAC), organismo del que depende el ballet, anunció la asunción de Mathieu Guilhaumon, como Director Artístico del Ballet Nacional Chileno (Banch) para el período 2013-2016. Con una interesante trayectoria internacional, Guilhaumon (de apenas 34 años) se formó en el Conservatorio Nacional de Danza de Perpignan (Francia), en el Centro de Danza Alvin Ailey de Nueva York y en la Escuela Rudra Béjart de Lausanne. Por otro lado, acaba de colaborar en la Opera de París con la régisseuse Mariame Clément en la producción de la ópera Hänsel y Gretel de Humperdinck y estrenó Peer Gynt con el Ballet de la Ópera Nacional del Rhin. Ottone señaló que la elección se debió a que el artista reúne todos los requisitos para asumir una tarea compleja como ve-

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lar por el patrimonio que representan los 70 años que el Banch cumplirá en 2015. Además, “tiene que ver con la visión de nuestra Universidad de Chile, que si bien protege y cuida su patrimonio y memoria, está mirando hacia las futuras generaciones, en busca de esa renovación e innovación tan necesaria para seguir siendo uno de los pilares fundamentales del conocimiento y desarrollo de nuestra Nación”. Por su parte, el coreógrafo afirmó que pondrá a disposición del elenco sus capacidades y competencias “en pro de la realización de mi proyecto artístico”. Para ello planteó tres ejes principales para su nuevo cargo: una alianza entre la libertad creativa y el sentido de las responsabilidades, la continuidad y permanencia del ballet en el país, y por último apuntar a su desarrollo internacional. El 25 de septiembre, el Banch estrenará Añañucas la primera composición de Guilhaumon para el ballet chileno, basada en una leyenda del norte del país trasandino. __BD

Mathieu Guilhaumon en el workshop que dictó a comienzos de año al Banch Foto . gentileza CEAC-Chile


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De San Pablo a Montevideo La São Paulo Companhia de Dança se presenta este mes en el Auditorio Nacional del Sodre, debutando en Uruguay El versátil espectáculo que la compañía brasilera llevará a Uruguay del 19 al 22 de septiembre, que transmite su impronta, incluye tres de sus más famosas coreografías: Bachiana Nº 1 de Rodrigo Pederneiras, Supernova y Por Vos Muero de Nacho Duato. Creada en enero de 2008 por el gobernador del estado donde tiene su sede, la São Paulo Companhia de Dança es dirigida por Inés Bogéa, y se ha posicionado como uno de los más importantes elencos de la región, con un repertorio de obras de los más talentosos coreógrafos (Balanchine, Kylián, Nijinska, Duato, Chouinard, Cranko, Goeke, Gauthier, Petipa, Forsythe, entre otros) donde confluyen coreógrafos, iluminadores, fotógrafos, profesores invitados, repositores, escritores, artistas plásticos, dibujantes, músicos y vestuaristas de diferentes países. Entre ellos, el argentino Mario Galizzi viene trabajando en este último período y repondrá para ellos, uno de los grandes clásicos en 2014. La propuesta de São Paulo Companhia de Dança incluye programas de formación de públicos que incorporan conferencias, encuentros para experimentar la vida cotidiana de los bailarines, espectáculos abiertos para estudiantes y para la tercera edad y una Red de Danza en internet (con una enciclopedia de danza online). __BD Una escena de Supernova Foto . Wilian Aguiar

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balletin informativo BECAS La Secretaría de Cultura de Salta abrió la convocatoria para solicitar Becas de Estudio Culturales, con el objetivo de apoyar a estudiantes y profesionales para la capacitación y perfeccionamiento en carreras culturales (oficiales y privadas), terciarias y/o universitarias, que no se ofrezcan en el ámbito provincial. Cierre de inscripción: 31 de diciembre del 2013. Informes: Tel: 0387 4215763. Internet: www.culturasalta.gov.ar/content/view/11842/320/ CLASE ABIERTA GRATUITA Técnica clásica, nivel intermedio, por Alicia Bozzi. Martes 14 hs y jueves 9:30 hs. Ensayo Estudio de Danza (Carlos Casares 1159, Castelar Norte, Tel: 4628-7500).

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CONCURSOS España. VI Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas. Organiza: Asociación Cultural Artez Blai Kultur Elkartea. Podrán participar autores de cualquier nacionalidad con trabajos que investiguen, analicen, teoricen o propongan una práctica, en forma ensayística o crítica, fruto de una experiencia o de una tesis doctoral sobre cualquier disciplina de las artes escénicas (teatro, danza, circo, u otras), sobre asuntos artísticos, técnicos o de gestión. Deberán ser trabajos originales e inéditos (no haber sido editadas anteriormente, en ningún soporte). El Premio consiste en la publicación del trabajo ganador en la Colección “Teoría y Práctica” de la Editorial Artezblai, a quien el ganador cederá todos los derechos de publicación. Los originales se reciben hasta el 23 de septiembre en: Artez Blai Kultur Elkartea, Aretxaga, 8 bajo (48003) Bilbao, Vizcaya (País Vasco), España, o en el mail: artez@artezblai.com, indicando “Para el Premio Internacional ARTEZ BLAI de Investigación sobre Artes Escénicas”. Informes en internet: www.artezblai.com. España. XXV Campeonato de Europa de Baile. 25º edición. Palacio San Miguel, Torremolinos, Málaga. Del 24 de febrero al 1º de marzo de 2014. Organiza: Ayuntamiento de Torremolinos. Baile por parejas (vals, tango y pasodoble, chachachá). Los interesados en participar deberán enviar un video de 3 minutos de duración máxima que lleve entrelazadas como mínimo 3 modalidades de baile diferentes sin cortes. Baile grupal (todas las modalidades), deberán enviar un video de seis minutos de duración máxima. Cierre de inscripción: 8 de enero de 2014. Informes: Departamento Municipal de Baile: Tel: (00 34 95) 240-9210. E-mail: info@torremolinosbailando.com. Internet: www.torremolinosbailando.com/wp-content/uploads/bases/2013_esp_generales.pdf. CONVOCATORIAS España. Festival Barcelona Cultura Ulls. Del 2 al 6 de octubre de 2013. Podrán participar profesionales o compañías emergentes que trabajen e investiguen lenguajes o disciplinas escénicas contemporáneas y novedosas, que tengan presencia de algún elemento de la cultura latinoamericana, con creaciones (teatro de calle, teatro infantil, circo, títeres, danza, música, performance, instalaciones, intervenciones en espacio urbano, exposiciones, talleres) para espacios públicos (o que se adapten a espacios no convencionales). La organización abonará los gastos de alojamiento y comidas de la compañía los días de actuación y de montaje. Los interesados en participar, deberán enviar un dossier que incluya ficha artística y técnica, DVD (obra completa, sin editar) y la solicitud de participación, antes del 30 de septiembre, a: Asociación Cultural Ulls Art, Apartado Correos 209 (08080) Barcelona, España. Mail: info@ulls.org, Internet: www.ulls.org. Internet. Argus-a Artes y humanidades, una revista académica electrónica indexada en la base internacional del MLA, convoca a estudiantes de pregrado para enviar investigaciones en Artes y Humanidades para su publicación. Los trabajos tienen que seguir ciertas normas editoriales y deberán estar avalados por tres profesores de la institución a la que asiste el estudiante y que pertenezcan a la disciplina del tópico investigado; con niveles académicos profesionales; que demuestren una

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balletin informativo aproximación innovadora y fundada del estudiante, y deberán enviarse a argusaunderes1@gmail.com. Un comité especial decidirá la publicación de los materiales enviados. Informes en internet: www.argus-a.com.ar. Internet. Otra Alternativa. Organiza: XTRart (el portal de la cultura española en el exterior) y Fundación Fondo Internacional de las Artes (FIArt), en colaboración con la Fundación Ureña Rib de la República Dominicana. Convoca a artistas, curadores, gestores culturales, escritores, investigadores y periodistas culturales del mundo hispanohablante para difundir su trabajo a través de la plataforma XTRart. Los interesados podrán presentar sus propuestas hasta el 31 de diciembre de 2013. Informes: E-mail: a.fiartcomunicacion@gmail.com. Internet: www.xtrart.es. CONGRESOS Congreso Latinoamericano de Folklore. 23º edición. Del 5 al 8 de noviembre de 2013, Buenos Aires. Organiza: Area Transdepartamental de Folklore del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Se podrá participar como expositor o asistente. Puesta en común y debate en torno a aspectos vinculados al estudio y la revalorización de la cultura tradicional, atentos a las políticas de la región Latinoamericana de fuerte compromiso social, inclusivo e identitario. Informes: E-mail: folklore.congreso2013@iuna.edu.ar. Congreso Internacional de Danza/Movimiento Terapia. Encuentro Nacional Anual de la Asociación Argentina de Danzaterapia. 13° edición. “La expansión de Danza/movimiento terapia en Latinoamérica... Ampliando Horizontes”. Del jueves 3 al sábado 5 de octubre de 2013, Centro Comunitario Guesher (Tte. Gral. Perón 1878, Buenos Aires). Exponen Maralia Reca (Presidenta de la AADT), María Fux, Diana Maffia, Ana Sabrina Mora y Julia Pomiés, e invitados extranjeros. Inscripción: Av de Mayo 651, piso 2, oficina 9. Informes, E-mail: eventosytalleres@aadt.org.ar. Internet: www.aadt.org.ar. ENCUENTROS Encuentros de investigadores sobre el espectáculo contemporáneo en la Argentina. Organiza: Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), en el marco de la extensión de cátedra Historia de los Medios y el Espectáculo, los martes a las 16 hs, en el aula 323 (Sánchez de Loria 443), con entrada gratuita. Para indagar en los nuevos modelos de producción y de representación que han generado una disolución de los límites en la danza contemporánea, modificando su concepto tradicional presentándose como algo sujeto aún a definición, esta cátedra invitó a egresados recientes del Departamento y a profesionales del Instituto de Artes del Espectáculo Dr. Raúl Castagnino de la Universidad de Buenos Aires, a exponer sus tesis de graduación.

Martes 17 de septiembre: Brisa Videla y Natali Gross (Tesina de graduación, DAM, IUNA) Habitar la danza. Experiencias de movimiento en espacios urbanos. Martes 15 de octubre: Cecilia Gil Mariño (Tesis de maestría, IAE, UBA, CONICET) Las estrellas, ¿son o se hacen?. Martes 12 de noviembre: Rocío Antúnez Rubio (Tesina de graduación, DAM, IUNA) Características particulares de algunas producciones coreográficas en Buenos Aires del último lustro. INSCRIPCIÓN Se convoca a bailarinas/es aspirantes a la audición para el Ciclo Lectivo 2014 del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (curso trienal de perfeccionamiento con orientación bailarín), dirigido por Norma Binaghi. Podrán presentarse jóvenes de 17 a 20 años de edad (varones hasta 21 años), con nivel medio (4 años) de estudios continuos de técnica clásica y conocimientos básicos de danza contemporánea, estudios secundarios completos o en curso. La inscripción se realizará del 16 de septiembre al 4 de octubre, de lunes a viernes de 10 a 17 hs y sábados de 11 a 15 hs, en la sede del Taller (Av. Santa Fe 1440, Galería San Nicolás, 2º subsuelo, Buenos Aires). Información, Tel: (011) 48118936, e-mail: tallerdanzasanmartin@hotmail.com. PRÉSTAMO Estados Unidos. El Fondo Panamericano Leo Stanton Rowe de la Organización de los Estados Americanos (OEA) ofrece el Programa de Préstamos para Estudios en Estados Unidos, a estudiantes (pregrado, grado, postgrado) e investigadores, de Latinoamérica y el Caribe. Se otorgan hasta 15 mil dólares estadounidenses en calidad de préstamo, a devolver sin interés ni gastos extras al finalizar el período de estudio. Los beneficiarios del Fondo Rowe deben aplicar los conocimientos y entrenamiento adquirido en sus respectivos países, mientras continúan promoviendo la comunicación, el intercambio cultural y el desarrollo de la región. Se reciben solicitudes todo el año. Informes en internet: www.oas.org. TALLER GRATUITO Taller de nuevas tecnologías aplicadas a las artes escénicas y performáticas, a cargo de Juan Pablo Amato. Organiza: Fundación Telefónica. Miércoles de 17:30 a 20:30 hs, de octubre a noviembre. Cupo máximo: 8 proyectos. Podrán postularse ideas o proyectos individuales o grupales, enviando en un único documento información general (biografía, información de contacto, descripción detallada del proyecto, conocimientos en relación a las tecnologías, links a imágenes, videos, sonidos), antes del 22 de septiembre a espaciorecepcion.ar@telefonica.com.

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