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Fernando Martínez Campello Carlos M. Camba- Ana Trello Istvan Banyai Juan José García Sancho Roberto Parada Gemma Pellicer Beltrán H.G. Lewis Eva Caballé- David Palma Oleg Dou Lena Yau Javi Larrauri Ally Malinenko Vir Vireta Sue D. Marín Andreas Gefe Steve Schapiro Fernando Galán Marcos Chin Ryan Oliver Jorge Alderete Ivo Azza Joan Ripollès Iranzo Jason Mecier Lou Smith Santiago Munitiz Adele Elizabeth The Happy Hollows Danny Hellman Laurie Lipton Juan Crespo Gete- Rubén Francia John Grochalski Hans Kaneh Francisco Peral Bárcena Nuria Torrente David Hierro Leticia Reig José Carlos de la Fuente Fernández


Portada: Paco Martos Dirección y edición: Aída García Corrales Maquetación: Aída García Corrales y Gemma Vegas Coordinación: Óscar Varona, Sue D. Marín y Aída García Corrales. Redacción: Óscar Varona Gracias a todos los artistas que han hecho posible DELIRIO 8- CINE. DELIRIO es una revista cultural on line gratuita sin ánimo de lucro. Todos los contenidos que aquí se exponen han sido previamente pactados con sus respectivos autores. En caso de querer hacer uso de ellos con intenciones ajenas a la revista, rogamos se pongan en contacto con los propietarios de las obras. Al final tienen un directorio completo de los artistas que han participado en esta edición de DELIRIO. Visualización recomendada para este documento PDF: 76 Ó 77%, dependiendo del tamaño de su pantalla.


Recuerdo cuando mis padres, siendo un niño, me llevaban al cine. Aquel acontecimiento se convertía en el más importante de la semana, quizá del mes. Atravesar aquellas puertas majestuosas, esas cortinas aterciopeladas, recorrer pasillos de mármol y sumergirse en la oscuridad de la sala donde el público ocupaba la práctica totalidad de las butacas era algo mágico, la epifanía de un mundo imposible donde todo tenía una lógica aplastante pese a provenir de la imaginación más potente o de los sueños más recónditos. Recuerdo que por aquel entonces la gente aplaudía cuando el héroe se llevaba a la chica guapa, gritaba cuando el asesino estaba cerca o lloraba cuando la madre de un tierno cervatillo moría a manos de un siniestro cazador. El cine se vivía de otra forma. Conforme fui creciendo las películas se hicieron tan importantes en mi vida como el respirar. El cine del barrio se convirtió en lugar de encuentros fortuitos con chicas de las que estabas secretamente enamorado, en zona de juegos cuando tus amigos y tú habíais visto la misma peli tres o cuatro veces seguidas, e incluso, tengo que confesar, que en un lugar extraño donde perder la vida (por decirlo de manera exagerada) por intentar ver una película de estreno que ahora se programa mes sí y mes también en las televisiones . Sí, el cine se vivía de otra forma. En mi época de universidad trataba de ir todas las semanas al cine. He llegado a pagar religiosamente mi entrada para ver siete veces la misma película, y en cada una de esas sesiones algo nuevo sentía. No importaba que fuese solo o acompañado. Lo importante era ver la película y alejarse de una realidad monótona, que a veces se

hacía insoportable, durante un par de horas. Ahora las cosas han cambiado. Puede que gracias a la introducción de internet en nuestras vidas y en una forma de ver el cine cada vez más recluidos en nosotros mismos. O quizá se deba al excesivo precio de las entradas, convirtiéndolo en un lujo que pocos nos podemos permitir. O el cine en sí ha cambiado y son pocas las películas que consiguen remover nuestras entrañas. Ya no se comparten momentos con un público ávido de experiencias únicas, ni se habla a la salida del cine sobre lo que acabamos de ver mientras una jarra de cerveza descansa en nuestras manos. Ya no hay debates encendidos sobre tal o cual escena o sobre la intención del director al introducir la voz en off. Sí, es cierto, el cine se vivía de otra forma. En DELIRIO nos hemos propuesto que vuelvas a ver el cine como antes, que vuelvas a sentir la magia recorrer tus venas, que abras tu imaginación a mundos imposibles, surrealistas, donde todo puede ocurrir, lo bueno y también lo malo. Queremos que abras las páginas virtuales de este número ocho con la mente desnuda, hambrienta y sedienta de estímulos visuales, de historias paridas por cabezas que bien podrían haberse dedicado a fabricar sueños en celuloide. Nos gustaría que sintieras ese cosquilleo que sentíamos al comprar la entrada de aquella película; que te sentaras en el sofá de tu casa tranquilamente, apagases las luces y te dejases llevar; y sobre todo, nos encantaría que al terminar de leerla quisieses volver a verla y lamentases no hacerlo con los ojos limpios que tenías al abrirla por primera vez. Damas y caballeros, bienvenidos a la fábrica de sueños.


Artista alicantino formado en la escuela de pintura Hort del Xocolater, Cam Cultural, 1989-1990. Ha trabajado como rotulista en varias empresas de publicidad exterior y en diseño gráfico en Estudio de grabación Supersonic, Alicante. Después de su última exposición, nos deleita en Delirio Revista con sus impresionantes acrílicos.


la película más larga Carlos M. Camba. un sonido de pisadas suena con eco sordo a mi espalda. la vieja moqueta, llena de polvo y excrementos de roedores, amortigua el sonido. el tiempo se podría haber detenido en el momento preciso, pero no, siguió adelante. el mundo siguió girando. la bola siguió rodando. todo avanzó, todo cambió, todo terminó. aquél día debió ser el día. pero no lo fue. y la vida siguió su curso por el otro camino. (la claridad inunda la sala. el agujero del techo, cada vez que regreso, es más grande. me cuesta encontrar butacas sin escombros. los pasos suenan más cerca). puedo recordar la película perfectamente. veo aún los rostros en la pantalla, incluso cuando el lienzo está descolgado, corroído y podrido. puedo oír las voces en mi cabeza, recrear el diálogo con todas las frases perfectamente enlazadas. no tiene sentido, pero puedo hacerlo. de hecho siempre lo hago. y llego hasta el punto, hasta el instante en que todo se volvió borroso. me congelo en ese fotograma, algo hace clic en mi cabeza y me encuentro en un bucle del que no puedo salir. así pasan minutos, puede que horas, hasta que despierto del ensueño, me insulto y me levanto. nada se puede cambiar.

Ilustración: Ana Trello

desde entonces regreso, me cuelo por la puerta mal encadenada. sé que un día de éstos las últimas vigas que quedan pueden ceder y caérseme encima, pero eso ya no importa. porque aquel instante pasó, y sé que desde entonces ya estoy muerto. a pesar de todo, no sé por qué, día tras día, repito la misma rutina, regreso a hurgar en la herida, a hacerla sangrar como para impedir que cicatrice jamás. quizás trato de comprender, quizás quiero saber por qué fueron las cosas así, pero no lo consigo. los pasos llegan hasta mí. una mano se posa en mi hombro. alguien me dice que debo salir. lentamente, le acompaño a la salida. el ruido de las excavadoras es atronador.

me llevan detrás de una cinta de seguridad, y todo empieza a caerse, como yo veo desmoronarse todo en lo que creí o quise. al final, entre polvo, maderas y ladrillo, el aire empieza a aclararse y mi espíritu también. ha llevado demasiado tiempo, pero es así. todo avanzó, todo cambió. todo menos yo, porque no asimilé, no comprendí que era lo que había ocurrido. pero ahora sí lo veía claro, entre los cascotes de lo que fue la película más triste que se puede recordar, mi segundo hogar demasiados años ya. eso era. estaba todo terminado. http://mundoidiotareloaded.blogspot.com/


Nacido en Hungría en 1949, Istvan Banyai, se ha convertido en una de las figuras más importantes de la ilustración de los últimos años. Tras su llegada a los Estados Unidos en 1981, en seguida llamó la tención con su estilo innovador y llamativo. Con un trazo limpio y unos colores planos que recuerdan mucho a la ilustración y el cómic de los años 80, Banyai ha colaborado con prestigiosas publicaciones como The New Yorker, Rolling Stone, Playboy y Time. En 1995 publicó el libro Zoom, nombrado mejor libro infantil del año por el New York Times y Publishers Weekly, y editado en más de 18 países. Años más tarde, aparecería su continuación: Re-Zoom. Además, ha realizado cortos de animación para Nickelodeon y MTV Europa, y algunos anuncios para la agencia de publicidad Saatchi & Saatchi. Él mismo describe su arte como “una combinación orgánica de la Viena retro de principios de siglo, mezclada con el pop americano, al que se le añade algo de absurdo europeo para darle sabor, y que se sirve en una paleta de colores de estilo dibujos animados ... sin realismo social añadido”. Actualmente, Istyan Banyai vive con su mujer en Connecticut.


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BASADO EN HECHOS REALES

Juan José García Sancho

Cuando hablo de cine con amigos y conocidos, el nexo de unión de la mayoría de conversaciones aparte de mí como interlocutor es la frase “Juanjen, ¿cómo puedes ver películas tan malas?”. Pues sencillamente porque antes de ir a verlas ya se que son malas, lo dice todo el mundo, aficionado y especializado, ves el tráiler y lo intuyes, se ve venir a la legua, lo que pasa es que quiero experimentarlo en primera persona, las veo y luego afirmo, efectivamente, que son malas de cojones. Ojeando una revista repleta de críticas de cine, leí la que pertenecía a una película que debía y tenía que ser mala. Tendría que ir a verla con mis propios ojos para cercionarme, pero me llamó la atención la puya envenenada con la que gustan de recrearse los críticos de cine para saberse originales a la par que “los más listos de la clase”. En el apartado dedicado a destacar LO MEJOR y LO PEOR, para la segunda opción optó por un simple “TODO LO DEMAS”, pero para decantarse por lo mejor dijo: “La escena extra que va después de los títulos de crédito”…¿Mande?. Ahora sí que estaba seguro de que debía ir a ver esa película.   El ritual de siempre. Cola para comprar entradas. Leve coqueteo con la vendedora de entradas no correspondido. Cola para comprar refresco y palomitas. Leve coqueteo con la vendedora de refresco y palomitas. Esta vez no distingo si el coqueteo es correspondido o es que a la chica le han entrado arcadas. Entro en la sala.   El sopor de la película tan mala que estoy presenciando sumado a la expectativa creada por la

curiosidad de ver qué hay después de los títulos de crédito, eterniza y desespera mi estancia. Dos horas para confirmar lo que ya sabía, que desperdiciaría tiempo y dinero. Durante los títulos de crédito veo que la gente abandona la sala, seguramente ignorante del tesoro que aguardaba al final de los mismos y acordándome del crítico sabelotodo al que al parecer solo mi propia minoría hace caso. Me quedo solo en la sala, las luces están encendidas y los acomodadores empiezan a limpiar. Letras que suben, agradecimientos, que si esta o aquella canción pertenecía a un grupo desconocido…y fin. Apenas un par de segundos después aparecen algunos actores de la película protagonizando…¡la mejor escena de la película, con diferencia además!. Desde entonces me quedo hasta el final de todas las películas que veo para ver si hay sorpresa. Mayormente no la hay. Pero en otra ocasión en la que otro amigo crítico me puso en preaviso de que era recomendable esperar al final de los títulos de crédito, intenté aprovechar esta información en mi beneficio. Ví que un par de chicas de muy buen ver estaban a punto de irse, así que les dije que no perdían nada si se esperaban a ver qué había después ya que sabía de buena tinta que, bueno o malo algo habría. Ellas sonreían expectantes. Con lo que yo no contaba era con las prisas del encargado de poner o quitar la cinta, pues apagó el reproductor antes del final sorpresa. Pude haber protestado, pero la cara que se les quedó a mis “amigas” hizo que la mía se me quedara como diciendo “¿y ahora qué película les cuento yo a estas?”. De gilipollas, vamos.


Roberto Parada (North Arlington, New Jersey – 1969) es un ilustrador freelance que ha realizado trabajos para las principales revistas estadounidenses durante los últimos 15 años, convirtiéndose en uno de los artistas más reconocidos del momento. Se graduó en bellas artes e ilustración en el instituto Pratt, y nada más terminar sus estudios se metió en el campo de la ilustración editorial. “Las cosas cambiaron drásticamente para mí y para mi carrera gracias a una llamada al gran ilustrador, Tim O’Brien. Sentí la necesidad de diferenciar mi trabajo con respecto a lo que se estaba haciendo en ese momento y pasé

a ser un pintor al óleo; Tim me dio la confianza para cambiar al oleo en lugar de los medios a base de agua con los que había estado trabajando. El trabajo y los clientes se incrementaron una vez que empecé mi estilo refinado al oleo. Estos clientes incluyen Esquire, Playboy, Entertainment Weekly, Rolling Stone, y la revista Time por solo nombrar solo unos pocos. Vivo en Nueva York en este momento, y he entrado en el ritmo frenético y el exigente mundo de los semanarios y las revistas mensuales, lo cual me encanta.” Parada ha creado un amplio portafolio rebosante de calidad y estilo, en el que se recoge gran cantidad

de retratos que van desde la caricatura más inocente a la más incisiva provocación, ilustrando diferentes cubiertas de las más importantes publicaciones estadounidenses. En septiembre de 2004, Parada se somete con éxito a un trasplante de médula ósea para curar una grave anemia aplástica que sufría. “Ahora me dedico a intentar lograr una mayor comprensión de los peligros que existen con algunos de los materiales con los que trabajamos y aún así ser capaz de crear grandes ilustraciones.”


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Una de miedo Gemma Pellicer Beltrán

Se derrumba frente a la pantalla con la esperanza de dar con alguna peli o serie de televisión que le entretengan de veras. Scully le sale al encuentro, mientras insiste en decirle a Mulder que se está equivocando una vez más, pues esos resultados no prueban nada, y mucho menos la desaparición de su hermana. Cambia de canal justo en el momento en que Tony Soprano y su sobrino Christopher discuten a grito pelado sobre si éste ha conseguido deshacerse por fin del maldito fiambre. Harta de tanto desacuerdo como ve que existe entre personajes de ficción, pulsa de nuevo el mando a distancia para ver si esta vez da con algo distinto. Clint Eastwood dispara a quemarropa en Sin perdón, mientras en el tercer canal Mister Proper lucha a brazo partido con una mancha endiabladamente resistente. Así que decide apagar la tele y acostarse. A las tres de la mañana, sin embargo, la despierta Mister Proper, aunque ella juraría que se trata del mismo John Lock de Perdidos, quien ha irrumpido en su habitación con el argumento peregrino de impedir que Los Soprano la conviertan en un fiambre, pues él cree de veras en su inocencia. Le ha prometido conducirla sana y salva hasta el paradero secreto de Clint Eastwood, a la sazón dispuesto a batirse con ella en un duelo formal. Mulder y Scully accedieron hace apenas quince minutos a ejercer de padrinos. A las 5:00 de la mañana, todavía no ha aparecido su hermana. Me temo lo peor.

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Herschell Gordon Lewis tiene el honor, dudoso años 60. Algunos de los temas tabú que tocó en sus

o no, de ser el padre de un género cinematográfico que continúa en auge en nuestros días y cuyos seguidores se cuentan por miles, quizá millones: el gore. Figura indiscutible del cine independiente de los años 60 y 70, el director de 85 años logró la fama mundial al empapar de sangre y vísceras las pantallas de los autocines y los televisores de las nuevas generaciones con Blood Feast (1963). Con pocos medios y mucha imaginación, su alianza con el productor David F. Friedman, dio a luz, aparte de gran cantidad de películas nudies (entre las que caben destacar Living venus -1961, The adventures of Lucky Pierre – 1961, o B-O-I-N-G - 1963) una de las trilogías más extrañas, impactantes y casposas que se recuerdan (Blood Feast, 2000 Maniacs – 1964 y Color Me Blood Red - 1965), marcando las retinas de los jóvenes inocentes de aquellos años. A partir de aquí, Friedman y Lewis rompen su relación profesional por diferencias en la forma de hacer películas. Mientras el primero apostaba por una mayor calidad en la realización de las mismas para hacer competencia a directores como Russ Meyer, Lewis pensaba que lo importante era sacar tantas películas como fuese posible. Lewis siguió rodando cintas como The Gruesome Twosome (1967) o The Wizard of Gore (1970), que no consiguieron el favor del público como las anteriores. En 1972 firma la que sería su última película durante treinta años, The Gore Gore Girls. Es entonces cuando se dedica al mundo de la publicidad de lleno, dejando a un lado el cine hasta 2002, año en que vuelve a la dirección con la segunda parte de Blood Feast. Aparte del gore, Lewis exploró una amplia gama de temas con posibilidades de explotación a lo largo de los

películas incluyen la delincuencia juvenil (Just for the hell of It, 1968), el intercambio de esposas (Suburbam roulette, 1968), la corrupción de la industria de la música (Blast-off girls, 1967), y el control de la natalidad (The girl, the body and the pill, 1967). También intentó introducirse en el mercado infantil con Jimmy Boy Wonder (1966) y The magic land of mother goose (1967). Hacia el final de los años sesenta, Lewis volvería al mundo de la sexploitation, con la normativa ahora mucho más laxa en los Estados Unidos. Esas películas rápidamente desaparecieron en la oscuridad y el olvido. En la actualidad, Lewis es uno de los personajes más importantes del mundo de la publicidad de su país, habiendo publicado más de una docena de libros sobre el tema. Sin duda, nos encontramos ante una de las figuras clave para comprender el devenir del género fantástico y del cine en general durante los últimos 40 años. Un reconocimiento que ha tardado en llegar por parte de la crítica, pero cuyos seguidores han aupado desde el primer momento. Lewis, junto a directores tan importantes del cine independiente y de explotación como Russ Meyer o Ted V. Mikels, consiguió con poco dinero y mucha imaginación abrir las puertas de un mundo prohibido en aquellos años y que en estos momentos resulta incluso naif, pero con un gusto y una forma de hacer cine que hoy en día se echa de menos. Señoras, señores... El padrino del Gore.


¿Cuál es la primera película que recuerdas? La primera película que recuerdo es “Drácula” protagonizada por Bela Lugosi. Sin duda, plantó una semilla en mí ¿Cuáles fueron las películas que marcaron tu juventud, tu vida? ¿Crees que fueron una influencia posterior en tu trabajo? Fui un niño de la depresión, de modo que las películas eran un lujo que no me podía permitir. La imagen que tenía del cine entonces era que representaba el glamour. ¿Fue el mundo del espectáculo algo que te atrajo desde un primer momento? Desde un punto de vista meramente profesional, lo que me atrajo fue la posibilidad de hacer dinero basándome en la maravillosa combinación de creatividad y capacidad técnica. ¿Cuál fue el primer contacto que tuviste con la dirección de películas? ¿Te enamoraste en seguida del oficio, o se trataba de una forma de ganarse la vida tan buena como otra cualquiera? Mi primer contacto fue a través de la televisión. Fui el encargado de televisión en una agencia de publicidad, y

rodábamos anuncios en cine. ¿Cuál es la diferencia entre el cine y la publicidad? ¿Ves en ambos solo una forma de negocio o hay una gran parte de arte en ellos? Hoy en día no veo ninguna diferencia. Los dos son negocios, en todos los niveles ¿Cómo y cuándo conociste a David Friedman? Cuando estaba rodando my primera película (“The Prime Time”) en Chicago, un amigo me recomendó un distribuidor local. David Friedman era el asistente del dueño de aquella distribuidora. ¿Qué te enseñó sobre el negocio del cine? Me enseñó que el arte de la venta es mucho más importante que los actores caros o los efectos especiales. Empezaste haciendo nudies. ¿Por qué decidiste cambiar a algo más fuerte, más violento? Las nuestras eran películas inofensivas. Aquel género estaba tomando una dirección por la que no quería ir. Así que busqué un hueco en el que las películas de bajo presupuesto pudieran competir.


¿De dónde vino la idea de la sangre y las vísceras? Era obvio que las películas de alto presupuesto no estaban explotando los efectos sangrientos. Así que ahí tenía un hueco que podía llenar. ¿Cómo era el proceso a la hora de realizar estas películas? Prestábamos muy poca atención al talento de los actores o a la brillantez del guión. El propósito era completar un proyecto con el bajo presupuesto del que disponíamos. ¿Cuánto de arte y cuánto de negocio hay en el cine y en tus películas? Es cien por cien negocio. ¿Qué sentiste al ver que “Blood Feast” se convertía en un éxito? ¿Pensaste que todo el mundo se había vuelto loco o creíste que habías encontrado algo que explotar? Ambas cosas. Me resultaba difícil de creer que una llamada primitiva a la sed de sangre pudiese ser tan exitosa. Y rápidamente, decidí explotar tal descubrimiento. ¿Cómo abordaste tu siguiente proyecto, “2000 Maniacs”? ¿Estabas más ilusionando o se trataba solo de otro trabajo? Al ser “Blood Feast” una producción tan básica, decidí probar a la industria que con un poco más de dinero podría conseguir un éxito igual que no escandalizase tanto a los críticos cinematográficos.

¿Cómo era el mundo del cine independiente en aquellos años y cómo ha cambiado hasta ahora? Por aquel entonces, una película o tenía éxito en los cines o moría. Hoy en día hay múltiples modos de distribuirla. ¿Cómo era hacer películas con tan bajo presupuesto? ¿Era mejor para la imaginación? Por supuesto que la imaginación triunfaba sobre el dinero. Aquella era la llave fundamental del éxito de una producción de bajo presupuesto. ¿Qué pensabas de otros directores de cine independientes de aquella época como Russ Meyer? Russ fue un genio a su manera. Creo que se centró en un solo tema, pero fue el maestro indiscutible de ese tema. ¿Por qué rompiste tu relación con David Friedman? ¿Cambió algo en tus películas cuando esto sucedió? Dave decidió trasladarse a California. Nada cambió en mi filosofía de hacer películas. ¿Cuál, de las películas que dirigiste, es tu preferida y por qué? “2000 Maniacs”: En primer lugar porque la escribí, la dirigí, escribí la música y controlé casi todos los aspectos de la misma. En segundo lugar, porque a día de hoy pienso que produjimos una película muy divertida y amena.


¿Sigues viendo tus películas ahora? ¿Por qué tendría que seguir viéndolas? Ya las he visto suficientes veces.

¿Es más difícil sorprender a la audiencia en la era de internet? Sí. Todo el mundo afirma haber visto de todo.

lo que parece la misma película una y otra vez, de modo que la formula ahora mismo está un poco trillada.

¿Qué sientes cuando, después de todos estos años, eres una especie de héroe para directores de la talla de John Waters y para los miles de fans que tienes? Estoy muy agradecido por el reconocimiento de ciertas personas a las que respeto mucho.

¿Qué piensas de la evolución del cine de terror? No creo que haya evolucionado. Lo que ha ocurrido es que ha crecido la dependencia hacia los efectos generados por ordenador, y eso distorsiona la definición de evolución.

¿Echas de menos dirigir películas? Acabo de terminar una – “The Uh-Oh Show”. Si quieres financiar “Mr. Bruce and the Gore Machine” estoy dispuesto a ponerme en marcha.

¿Qué piensas del negocio del cine en estos momentos? Esa es una pregunta imposible de responder y demasiado amplia.

Sexo, violencia y humor negro. ¿Es esta una buena combinación para hacer dinero o la formula ya no tiene sentido? Sigue funcionando en las manos adecuadas. Pero muchos productores y directores siguen haciendo

¿Qué sientes al oír o leer el término “Padrino del Gore”? No querría que apareciese escrito en mi lápida, pero estoy muy agradecido por el reconocimiento.

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Foto: David Palma

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La habitación está casi vacía, sólo hay una cama y una mesita de noche vieja, ningún tipo de decoración ni cortinas, todo de colores claros. Da sensación de calma y silencio. La mujer se sienta en el borde de la cama, delante de la ventana, buscando la luz del sol, que es anaranjada porque es el atardecer. Echa una ojeada rápida y después observa más detenidamente estirando el cuello como si buscara alguna cosa. Se gira y comenta con la joven que acaba de entrar en la habitación, con una sonrisa entre irónica y preocupada.

SQM

Joven: ¡Eres un poco alarmista! La afecta a muy poca gente, no hace falta preocuparse. Y hoy en día casi todo el mundo tiene alergias o asma, y ya nos avisan que 1 de cada 4 tendremos cáncer a lo largo de nuestra vida. (Retrocede y habla desde el umbral cogida al marco de la puerta.) Es la vida moderna. ¡De algo tenemos que morir! La mujer se gira y contesta indignada desde la cama.

Mujer: ¿No ves como van despareciendo todos? No es casualidad. Empezaron a fumigar el parque, día tras día, mientras los niños estaban jugando y los padres y abuelos Mujer: ¿Y te parece normal lo que me dices? ¿En serio? ¿Y cuando te toque a ti seguirás pensando igual? tomaban el sol y charlaban mientras los vigilaban. La joven se lleva una mano a la cintura con aire cansado y responde haciendo gestos con La joven sale finalmente de la habitación y su voz se escucha desde el pasillo con un tono la otra mano, mientras resopla dando a entender que está cansada de hablar siempre de lo entre cansado y sarcástico. mismo. Joven: Bueno, hasta la semana que viene. No sigas espiando a tus vecinos, que acabarás Joven: Tú sólo ves conspiraciones, para ti todo es muy simple. ¿Cómo lo puedes tener mal de la cabeza. Te conviene distraerte y no imaginarte más películas.

tan claro si apenas sales de casa? ¡Si vives a través de tu ventana! En vez de pasarte las horas escribiendo panfletos, que seguro que nadie lee, y tomando fotos, ¿no deberías La mujer responde alzando la voz, mientras la joven cierra la puerta del piso y sale. centrarte en tu próximo libro? Mujer: Tranquila, que lo mío ya no tiene solución. (Y acaba hablando para sí misma, enojada.) Aunque tu estupidez tampoco. La mujer se pone seria y se gira enfadada respondiendo con cierta indignación. Mujer: ¡Pero si es evidente! ¡No hace falta ser un Sherlock Holmes! El perro de los del primer piso murió a los pocos días de la primera fumigación. Dicen que algo había comido y se intoxicó... A la abuela de los de arriba, se la llevó la ambulancia a media noche pocos días después y aún sigue ingresada, cuando en los 40 años que llevo viviendo aquí nunca la había visto ni resfriada. ¿Y qué me dices de los niños del cuarto? (Hace una pausa para coger aire, porque habla tan rápido que hasta le cuesta respirar.) ¡Cada día los veo con el Ventolin y cada dos por tres en urgencias! Su vecina con cáncer y desde que está haciendo la quimioterapia ha dejado de tolerar los perfumes y ahora va con mascarilla por la calle. (Ahora ya casi gritando.) ¡Dicen que tiene Sensibilidad Química Múltiple (SQM) y que los médicos se la quitan de encima! La mujer hace muecas parodiando el sermón de la joven, que ya espera y sabe de memoria.

La mujer sigue mirando por la ventana con cara de indignación y preocupación a la vez, y piensa en voz alta. Mujer: ¿Es que nadie se da cuenta? Yo lo veo todo tan claro que me asusta. Me dan ganas de abrir la ventana y gritarlo a los cuatro vientos, pero ¿alguien me oirá? ¿Por qué ni cuando se les avisa quieren escuchar? (Con tono sarcástico.) La falta de tiempo, la vorágine del día a día me suenan a excusa barata. (Se levanta de la cama y se pone frente a la ventana.) Es más sencillo. Nos hemos convertido en menos que burros, porque ni hace falta que nos pongan las anteojeras para que no miremos más allá del camino que nos marcan. ¡Es que ya ni tenemos el instinto de hacerlo! No sea que nos asuste lo que vemos y tengamos que reaccionar. (El sol ya se ha puesto y la mujer empieza a bajar la persiana.) Será que no tengo miedo de mirar o no tengo nada que perder. Será que mi ventana es diferente…


Oleg Duryagin (Oleg Dou) nació en Moscú en 1983. Sus fotografías

álbumes de fotos familiares o periódicos o revistas. Traté de encontrar algo que hiperrealistas, su estilo luminoso y aséptico, su intento de desnudar el rostro hu- me atraía y me disgustaba al mismo tiempo. mano y hacerlo un reflejo de nuestro vacio existencial ha llamado la atención de Más tarde me di cuenta de la voluntad que tenía de crear algo para mí mismo. Y un gran número de personas a lo largo y ancho del mundo. Numerosas exposi- la fotografía fue mi elección. ciones y premios internacionales abalan la carrera de este joven artista ruso, Mi pasatiempo favorito es mostrar algo distinto a una manera estereotipada. Pueden ser monjas aterradoras, gente que finge llorar o niños infelices - todo cuyo estilo quirúrgico nos explica él mismo a continuación: aquello que no se espera ver. Uso la naturaleza artificial de una fotografía digital “Nací en una familia de tradición artística y descubrí el arte desde pequeño. Una vez vi un libro con artistas proto-renacentistas que se convirtió en mi favori- como herramienta para alcanzar el punto intermedio entre los opuestos, como to durante muchos años. Encontré gran cantidad de retratos impresionantes con vivo y muerto, atractivo e inquietante, o lo bello y lo feo. Así que intento buscar y extrañas emociones en ese libro. Algunas personas estaban enfermas, algunas plasmar la sensación que se obtiene al pasar al maniquí de plástico. enojadas, algunas locas y otras tenían los ojos vacíos e indiferentes. No se uti- Mientras tanto, creo que la superficie de la fotografía es muy importante. Y yo lizó para mostrar a la gente que aquella “perversión” formaba parte de nuestros trato de hacer fotos de una manera hermosa, inspirado en la pintura clásica. No es la misma belleza, pero se crean imágenes más potentes.” días, y se convirtió en un verdadero descubrimiento para mí. Desde entonces he sentido pasión por el rostro humano y he tratado de encontrar ese tipo de imágenes en todas partes. Pasé mucho tiempo buscando en los

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Pet Shop. Lena Yau

Un rosetón móvil, pensó. Torció la muñeca suavemente para que la luz rompiera el agua en colores.

“- Quién sabe - dijo la Maga-. A mí me parece que los peces ya no quieren salir de la pecera, casi nunca tocan el vidrio con la nariz. (...) - Pero el amor también podría ser eso- dijo Gregorovius-. Qué maravilla estar admirando a los peces en su pecera y de golpe verlos pasar al aire libre, irse como palomas”. Julio Cortázar. Rayuela.

O un tiovivo herido por un arcoíris… Giró sobre sí, balanceando el paquete en alto, casi rozando la lámpara del techo. El espectro tornasol tembló para luego lamer las paredes, el suelo, la camisa de Suso. Una voz lo devolvió a este mundo: ¿Efectivo o tarjeta? Pagó con dos billetes. No quería hacer esperar a Lisette. Aprovechó que ella consultaba la cartelera del cine para observarla. Parecía una bailarina de Degas. Hombros hacia atrás. Vientre contraído. Mentón apuntando al sol. Absorta, los rizos enmarcando su rostro, los labios en puchero y el peso de un ave en reposo. Era perfecta. Sintió pena. Sacarla de sí era romper el momento. La función de las ocho estaba a punto de comenzar. Se acercó en silencio.

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Ocultó las manos tras su espalda. Traigo una sorpresa para ti… Ella jugó a adivinar. Miró las tiendas que los rodeaban buscando pistas. Un reloj, un par de zapatos, una cámara digital, un viaje al Caribe, una pata de jamón. Suso negó con la cabeza. Ella cogió uno de sus rizos. Estiró el mechón y deslizó los dedos hasta llegar a la punta. Empieza por B. Lisette simuló que se quedaba en blanco. Como cuando juegan al trivial y no le viene nada a la cabeza. Estiró los brazos y despejó la incógnita. De las manos de Suso pendían seis bolsas. En cada bolsa un pez de colores. Son Betas, le dijo. Ella lo miró fría. Luego sonrió. Tomó las bolsas, las miró al trasluz, bautizó a los peces. Toribio, Ausencia, Celeste, Praga, Kiko, Papaya. Les hizo carantoñas.

Él le pasó el brazo por los hombros. En la tienda de animales, el dependiente estaba feliz. Vendió seis de sus mejores ejemplares. Los más robustos, los más brillantes. Recuerda el mimo con que el cliente los escogió. Detalló las peceras un buen rato. Los seis peces se acercaron al reflejo de aquel hombre. Danzaron alegres. Tocaron con su nariz el vidrio. Quiso imaginar que algo le decían entre burbujas. Suspiró satisfecho. No le compró nada más. Seguramente el cliente tenía  fabulosos acuarios en casa. Los peces y las personas se intuyen. En el cine, Suso y Lisette ocuparon los asientos 24 y 25 de la fila diez. Él le hizo cosquillas en el cuello y ella ahogó risas. Abrió un paquete de palomitas. - ¿Quieres? - ¿Y los peces?, preguntó él muy alarmado. - ¡Es verdad, los peces!, contestó ella llevándose la mano a la boca para tapar un gesto de susto…


- ¿Qué ha pasado? - Me vas a matar - ¿Los has perdido? - No. Me los comí. - ¿Qué? - No pude resistirme, tan graciosos, tan coloridos, tan vistosos… ¡Parecían caramelos! - ¡No puedo creerlo! ¡Eres una desalmada! - Que no, cariño. Los peces están aquí. Mira… Los seis nadaban aburridos en las bolsas de agua. Suso cambió la expresión. Se sintió aliviado. Por un momento la creyó otra. Una persona vil, cruel. Una alimaña. Una víbora. Se había equivocado. Se aproximó para besarla, arrepentido de haber desconfiado de ella. Lisette frotó la punta de la nariz contra la de él. Se sonrieron con los ojos.

Luego le acercó las palomitas.

Qué desconfiado eres. Suso le dio las gracias con un guiño. Cogió un puñado. Y pensar que por un momento pensó lo peor… Pero no. Su novia era una bailarina de Degas. Le acarició la mejilla. Quiso quitarle los peces del regazo para que estuviera más cómoda. Lisette se aferró a la bolsa. Yo los cuido, cariño. No insistió. Ella tenía un brillo especial en los ojos. Brillo que se acentuaba y se hacía de acero cuando volvía a los peces. Toribio, Ausencia, Celeste, Praga, Kiko, Papaya, recitó hipnotizada. - Verás que bien estarán en casa. - Sí, dijo Lisette. Estarán muy bien. Suso la miró de reojo. Su novia hablaba amorosa a los peces. Y salivaba.


La obra artística de Javi Larrauri es un espejo donde la cultura popular, la estética pop, el intimismo más reflexivo e inquietudes sociales devuelven un reflejo lleno de matices y lecturas diversas, simultáneas y sugerentes. No es casual: la propia formación y trayectoria de Javi Larrauri es un mosaico polifacético. Nacido en Madrid en 1971, y con inclinaciones artísticas y creativas desde pequeño, sus orígenes gaditanos, por parte de madre, su intensa relación con su abuela materna (con quien convivió durante años) y su estrecho contacto con esa tierra durante su infancia y adolescencia, marcarán su forma de ser y de crear, y su universo como autor. Su experiencia activista en el colectivo queer ‘La Radical Gai’ también influye decisivamente en su obra.

A partir de los años 90 cultiva estudios de canto, música, teatro, danza y cine, que alterna con su pasión autodidacta por el dibujo y la pintura, y durante un tiempo participa en proyectos escénicos y de teatro de calle, como actor y bailarín, aunque a partir de 2004 concentra su inquietud artística en la creación plástica. En julio de 2005 expone por primera vez en una muestra colectiva, y en febrero de 2006 se celebra –en el espacio Nanai de Madrid- su primera exposición individual.


A lo largo de su obra conviven retratos de su abuela, gitanas de Marín coloreando escenas costumbristas, folclóricas captadas desde una mirada irónica y muy personal, oníricas fronteras entre la realidad y la ficción, reivindicaciones del travestismo como arma contra la homofobia, y estudios sobre el lenguaje del contacto físico en las relaciones personales. Así, las temáticas abordadas por Javi Larrauri han ido evolucionando desde una lectura mordaz y renovada del folclore y el universo mitómano hacia, por un lado, reflexiones más introspectivas y sugestivas y, por otro, cuestiones más expresamente sociales y comprometidas.

mensaje.

De su estilo destacan la riqueza colorista y la constante del retrato, más allá de las etiquetas formales, como un recurso expresivo donde queda encarnada y subrayada la fuerza del

Curro. G. Corrales

Tras embarcarse durante más de un año en el intenso proyecto ‘Mujeres republicanas’, una serie de retratos y reseñas biográficas, y un documental audiovisual, de veteranas luchadoras antifranquistas con la que rinde homenaje a la belleza y sabiduría de su vejez, ha seguido tirando del hilo de la memoria histórica, primero explorando los ecos del exilio republicano español en Francia y, ahora, reconstruyendo la experiencia de persecución de personas homosexuales y transexuales durante el franquismo.


http://www.javilarrauri.com/


Small Town

Ally Malinenko

There was only one movie theater in town and hardly anyone went there. It smelled like urine – possibly from stray cats and there was a rip down the screen. But I liked it – a sanctuary – the deep cool of the space tall and theatrical the way they used to build theaters for the art of escape, for the presentation for the hell of it. This place was wide and big in a town that was getting smaller and tighter. I went alone and then snuck over to the library. There wasn’t much else to do. And these moments were the ones I could count on, when the reel sputtered to life and I could hear the wheeze of the projector begin it’s spin. The screen would count down the seconds and then the blue black darkness would flicker and crackle. Little slivers of light would dance across the screen And for an hour or two I would be somewhere else, someone else, capable of feeling things I could not feel in this small town and that never changed. Even when I got older and the boys came and their fingers snaked their way up my shirt slipping past my bra, and afterwards they told me not to tell anyone leaning against the door of their cheap cars, staring at the concrete and I nodded because I was still thinking about those men and women and their big shining teeth and their perfect words and their big love, and bigger heartache and how much closer I was, each second, to getting out of here.

http://shipwreckedpoetry.blogspot.com/


http://www.vireta.com/


Andreas Gefe (Küssnacht,

http://www.gefe.ch/

Suiza – 1966) es un dibujante de comics e ilustrador que vive y trabaja actualmente en Zurich. Tras sus estudios en la Escuela de Lucerna de Arte y Diseño comenzó a ilustrar para diversas publicaciones y ha publicado comics en Strapazin, Das Magazine, Hangar 21 y Attrabile. Con dos novelas gráficas (“Madame Lambert”, basado en una historia de Jérome Charyn, y “Mein Bruder Flo” en colaboración con José Luis Bocquet), varias historias e ilustraciones publicadas en diferentes revistas, algunos diseños de escenarios y decorados, y la cubierta de algunos CDs, Gefe tiene una extensa relación de trabajos que le hacen ser un artista a tener en cuenta en el panorama artístico europeo actual.


Su estilo extraño, de cuerpos levemente deformados y una profusión del color que en seguida impacta, acorde con la sensación melancólica y la atmósfera agobiante de algunos de sus comics e ilustraciones, Gefe nos asombra con su mirada personal del mundo que le rodea.


Steve Schapiro

descubrió la fotografía cuando tenía nueve años en un campamento de verano. Entusiasmado por el potencial de la cámara, Schapiro pasó las siguientes décadas recorriendo las calles de su Nueva York natal tratando de emular el trabajo del fotógrafo francés Henri Cartier Bresson al cual siempre ha admirado. A comienzos de 1961, Schapiro trabajó como fotógrafo freelance.


Sus fotografías aparecieron en las páginas y en las portadas de revistas internacionales de la talla de Life, Newsweek, Rolling Stone o Vanity Fair. Durante la década de los 60 en Estados Unidos, llamada “la edad de oro” de la fotografía periodística, Schapiro realizó fotografías en temas tan variados como la adicción en las drogas, la Pascua en Harlem, el teatro Apollo, Haight-Ashbury, las protestas políticas, la campaña presidencial de Robert Kennedy… Tan activista como como documentalista, Schapiro cubrió muchas historias relacionadas con los derechos humanos. Requerido por la revista

Life tras el asesinato de Martin Luther King Jr., Schapiro captó algunas de las imágenes más emblemáticas de aquel evento. En los 70, Schapiro centró su mirada en el cine. Teniendo como clientes a las grandes productoras, el fotógrafo produjo materiales y fotografías publicitarias, así como carteles de películas tan variadas como El Padrino, Taxi Driver, Cowboy de Medianoche, Rambo o Risky Business. También colaboró en proyectos con músicos de la talla de Barbra Streisand y David Bowie, para portadas de discos y arte relacionado.

Las fotografías de Schapiro han aparecido en numerosas revistas y libros relacionados con la cultura popular norteamericana desde los años 60. Sigue trabajando en la actualidad dentro de la vertiente documental, realizando fotografías de la India, el festival de jazz de Newport o la reforma de la inmigración. Su trabajo está representada en numerosas colecciones, tanto privadas como públicas, incluyendo el museo Smithsonian, High Musem of Art, y The National Portrait Gallery.


http://www.steveschapiro.com/


- ¿Vamos esta noche al cine? - ... - Sí, claro que puedes. - ... - No, no importa que estés lejos; es que allí también la ponen. - ... - Que no; no es otra película, es la misma. - ... - Pues porque el proyectores muy grande. - ... - Sí, claro, la sala también es grande. - ...

- Entonces, quedamos en eso. Vamos la sesión de las diez. Nos sentamos, miramos al cielo e imaginamos tu cabeza en mi pecho y mi brazo sobre tu hombro. Así, en la distancia, nuestras miradas se encontrarán en la pantalla.

LA GRAN PANTALLA. Fernando Galán

http://losojosdefer.wordpress.com/


Marcos Chin es considerado uno de los ilustradores más conocidos en América del Norte. Originario de Toronto, se graduó en el Ontario College of Art y ahora enseña ilustración de moda en la Escuela de Nueva York de Artes Visuales. Sus ilustraciones han aparecido en diversos anuncios publicitarios, catálogos de moda, y revistas como Time, Rolling Stone, Complex y Sports Illustrated. Ha recibido numerosos premios de ilustración como la medalla de oro de la Sociedad de Ilustradores de Los Angeles, y ha visto su obra publicada en numerosos anuarios de ilustración, tales como The Society of Illustrators de New York y LA, Communication Arts, American Illustration y Applied Arts. Marcos ha impartido conferencias en todo EE.UU. y Canadá, y actualmente vive en Nueva York . Su estilo inteligente, elegante e hipnótico, representa de forma estilizada y ensoñadora, el mundo de la moda y el cuerpo humano. Él mismo reconoce tener un estilo hiper-estilizado a partir de la inclusión del ordenador en su trabajo, orientándolo hacia la moda y el estilo de vida. “No voy buscando un estilo; el estilo me encuentra a mí”.


http://www.marcoschin.com/


http://www.ryanoliverart.com/


Ryan Oliver nació en 1977 en Inglaterra. En la actualidad vive en Bristol, y se licenció en The University of the West of England en la rama de ilustración. Ha aparecido en diversas publicaciones y exposiciones como Dark Inspiration: Grotesque Illustrations, Art and Design.Viction:ary (2010); Audio Bullys ‘Higher Than The Eiffel’ Album art work commission (2010); Plan 9, Bristol “Did I Tell You Last Week That I Am Going To Become A Barbarian?” (2008);Centre Space, Bristol: “So, What do You Do?” (2007); Spike Island, Bristol: Spike Open (2005 – 2010); The Labyrinth Of The Gaze: Five Magazine – Gavin Turk (2005); Jamaica Street Studio, Bristol: Open Studios (2002 – 2005). Él mismo nos explica en qué consiste su obra: “Trabajo con el collage. Mi práctica actual examina el lenguaje visual de las revistas de moda y estilo de vida. La preocupación por la posición de las mujeres con respecto a las imágenes y su representación ha sido probada, investigada y analizada; la constante belleza / perfección. De manera previsible, la banal y superficial objetivación de la forma femenina se corta desde sus orígenes y se yuxtapone con una mala alianza extenuante que invalida la importancia de que la belleza es un equilibrio simétrico.” “Otros trabajos facilitan el diálogo entre las insinuaciones cargadas de lenguaje visual de las imágenes de la moda con la pornografía mediante el intercambio de lo implícito a lo explícito, estableciendo paralelismos donde la forma femenina es un producto. Los nuevos trabajos se enfrentan al pacto falaz de la moda sobre la eterna juventud; carnes tumorales, la muerte y el dolor se imponen como réplica.”


Jorge Alderete


Ilustrador pop, influenciado por las películas de ciencia ficción de los 50, la lucha libre, la música surf, las subculturas tiki, hotrod, trash, etc. que plasma este universo en sus psicotrónicas ilustraciones, animaciones e historietas. Como animador independiente realizó animaciones para MTV de Latino América y Japón, Nickelodeon en Latino América y Brasil, Canal Fox etc. y también fue coordinador de la sección de animación de la web de MTV en Latino América. Fue jurado en los premios MTV online 2001, en el apartado de animación, y en el de diseño en los premios One Show 2004 en Nueva York.


En 2006 funda la tienda-galería Kong. Desde ese mismo año es conservador del espacio Terraza del Centro Cultural de España en México. Junto a Andres Amaya crea Plan B la primera productora de urban toys de Mexico. En 2008 publica su libro Yo soy un Don Nadie en la editorial francesa Black Cat Bones celebrando sus primeros 10 años en la ciudad de Mexico. Recientemente funda junto a Clarisa Moura, la galería Vértigo, que poco a poco va transformándose en un centro cultural independiente con exhibiciones enfocadas en el diseño y la ilustración, pero también con talleres, cursos, proyecciones de cine y video, librería y tienda de discos,

Su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como por ejemplo Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los Logos series, Latino, Play Loud, (Die Gestalten Verlag); Place (Actar); Tatto Icon 3 (Victionary); Iconography II (idN), Kustom Graphics (Korero) etc. Es co-fundador y propietario junto a Juan Moragues del sello discográfico Isotonic Records, especializado en rock instrumental.

donde además se presentan bandas de la escena independiente local e internacional. Actualmente y desde su laboratorio en México DF, sigue desarrollando su arte en distintos medios y editoriales de Argentina, México, España, Italia, Alemania, Portugal, Estados Unidos, Suiza, Finlandia, Grecia, etc. Dr. Alderete es representado en Europa por Pocko (www.pocko. com) y en Estados Unidos por Bernstein & Andriulli (www. ba-reps.com)


http://www.jorgealderete.com/


Ivo es el diminutivo por el que la mayoría de personas tanto familiares como conocidos llaman a Ivaylo,de nacionalidad Bulgara y nacido en la ciudad de Nikopol el 19 de Octubre del año 1979.Hijo de un interiorista,desde pequeño se siente atraido por el mundo del arte y en concreto por el dibujo.Cursa estudios de historia en Bulgaria y acaba emigrando a España,residiendo actualmente en Rivas Vaciamadrid.

a transplantes transgénicos y creación de clones.Un tema recurrente en su obra es la transformación,la comunión entre humano y máquina no tan lejana como en un principio pudiera parecer.Ironicamente es la destrucción del mundocomo lo conocemos,y la creacción y al contrucción de otro paralelo y alternativo.

En sus propias palabras describe de donde vienen estas criaturas biomecánicas:”Dibujo siempre según me siento. No busco un tema concreto.Simplemente cojo el boligrafo,la Sus dibujos estan claramente influenciados por H.R Giger y hoja de cartón y empezo a crear un mundo.Mis dibujos repSalvador Dalí.La estética de Ivo es claramente futurista y fu- resentan mis emociones.Una forma de salir del entorno de siona personajes y máquinas en un mismo universo,creando la vida cotidiana y meterme en lo más profundo de mis penseres biomecánicos ,de corte realista y con una precisión samientos y sentidos.Una forma de liberar mis emociones. conseguida a base de un magistral manejo del boligrafo, Estoy sacando a la luz lo que sale de mí mismo” capaz de crear un gran número de detalles y capas translúSus creaciones son dignas herederas y comparables a los cidas que hacen de sus seres algo perturbador. Su obra tiene una tremenda capacidad descriptiva en de la cinta Dune de David Lynch,del Alien de Ridley Scott,y el terreno anatómico por su conocimiento del cuerpo hu- por que no, de alguna manera en su génesis con Frankmano y también por haber captado la esencia interior de estein film de ciencia ficción,visionario y pionero en reconesos seres,el momento exacto de la fusión entre humano strucción humana basada en transplantes. y máquina,quedando atrapado en su expresión ese momento concreto.Piezas de acero,y tubos artificiales remplazan las partes más débiles del cuerpo humano,resultando un paso en la escala evolutiva de la especie humana díficilmente imaginable,pero no imposible, debido a los constantes avances de la medicina contemporánea, enfocados C.H.


Abono familiar Hay niños a los que resulta inútil darles órdenes, porque nunca las cumplen, y Mart es uno de ellos. No le gusta esa crema de cereales para el desayuno, cuando sus padres no le ven y sus hermanos miran para otro lado, la reparte entre las demás tazas y, lo poco que queda, lo vacía en el fregadero, mojándose los labios con los restos, para que parezca otra cosa. - Así me gusta, Mart. Necesitas desayunar fuerte, es el día más importante de nuestras vidas, hijo. - ¿Puedo comer un poco de pan con mermelada? Tengo más hambre, mamá. - Hoy no puede ser, ya lo sabías. Y límpiate que parece que lleves bigote. En el momento en que todos lavan la vajilla, pasándose las tazas en cadena, Mart aprovecha para meterse un taco de galletas integrales en el bolsillo y, mientras simula lavarse los dientes, se las come en el cuarto de baño. Arriba, en las habitaciones, están los trajes blancos, perfectamente doblados, y las gafas pálidas de pasta, colocadas sobre cada una de las camas. Los cinco forman un círculo en el salón, estrechándose las manos, murmurando la oración, el haikú de Coxel, se sonríen, se abrazan de uno en uno y suben a sus cuartos a vestirse para el viaje. A Mart no le queda más remedio que enguantarse ese mono blanco de tela elástica que le cubre desde las puntas de los pies y las manos hasta el cuello. Tironea varias veces de él, para hacerlo más holgado y flexible. Respira. Esperan juntos en la parada. Y no están solos, también han venido los Hemmings y los Trier, todos de blanco, con las gafas enfundadas en los bolsillos del pantalón. Es todo cuanto llevan en este viaje definitivo, además de la tarjeta de la Sociedad Interval. El autobús también es blanco, ya han viajado otras veces en él, pero hoy parece más limpio y reluciente que nunca. Dentro van algunos miembros solitarios de

la Sociedad, pero también hermanos, parejas y familias enteras como la suya. Por lo común, el sofisticado monitor de televisión emite algunos fragmentos de las películas de Coxel, pero hoy está apagado. Mart percibe a su alrededor los efectos de la papilla del desayuno: sus hermanos, sus padres y el resto de viajeros se van adormilando poco a poco, conforme el vehículo gana kilómetros y va recogiendo al resto del pasaje. Lo observa todo con los ojos entornados, simulando un sueño que no siente. Pasan las horas y, al fin, sobre la llanura del valle volcánico, se divisa el pueblo, tan blanco como sus trajes, como el autobús que avanza levantando una ligera polvareda rojiza a su paso. Centellea a lo lejos la techumbre de placas solares que corona la cúpula del edificio principal, como un espejismo que se fuera abriendo paso a través de esta extraña realidad telúrica. El vehículo rezonga y se detiene junto a otros dos autocares aparcados a la entrada del pueblo, cuyas calles curvadas y estrechas se vuelven intransitables para el tráfico rodado. Nadie se apea todavía, queda por llegar el transporte del Sur. Transcurre más de una hora y, con el sol quemando casi en lo más alto, el último autocar aparca junto a ellos. Se abren todas las puertas a la vez y bajan en fila, a un tiempo y, casi en formación, ven alejarse los cuatro vehículos, que los más pequeños despiden agitando la palma enguantada de sus manos. Hombres, mujeres y niños se internan en el espiral de callejas desiertas hasta alcanzar la plaza, donde se encuentra el edificio, que no fue nunca una iglesia, ni el ayuntamiento, sino el cine, la única sala de proyección que antaño hubo en la comarca. Es el único edificio remodelado. Cuando la Sociedad compró el pueblo, pensaron repoblarlo para estar todos juntos. Pero no hubo ocasión, debían permanecer en sus respectivas ciudades si querían continuar ganando el dinero necesario para la obra, y

Coxel tuvo pronto la iluminación, se dio cuenta de que lo que se les pedía no era convivir allí por espacio de años, sino estar material y espiritualmente preparados para realizar juntos este viaje. Ella siempre se ha sacudido las ínfulas del liderazgo, a sabiendas de que todo lo que ha venido promulgando le llega desde el otro lado, a través del intervalo que se abre entre los planos y secuencias de sus propias películas. Pero, no cabe duda que Ilsa Coxel es la madre, la ideóloga y, por así decirlo, la suma sacerdotisa de la Sociedad Interval. De su ópera prima, Intervalos secretos de silencio, nació toda la luz que ahora les proyectará a todos hacia el infinito. Aquella primera película causó una conmoción en las salas de cine de autor. Fue una obra tan redonda, tan perfecta, que, desde entonces, Coxel sólo se ha dedicado a trabajar en ella, dando giros, manipulando sus segmentos como si se tratara de un intangible cubo de Rubik y, para la proyección de hoy, está segura de haber sabido encajar todas las piezas. Gracias a ella, penetrarán la intersección, la sutura, y viajarán juntos a la dimensión definitiva, a la plenitud del ser que ella lleva vislumbrando desde hace quince años, cuando Mart aún no había sido siquiera engendrado en la mente de sus padres, cuando ellos ni siquiera se habían conocido. Coincidieron en la proyección de la segunda versión de los intervalos, justo antes de que Ilsa fundara la Sociedad con el apoyo de una pareja de empresarios del sector eco-energético radicados originalmente en Alemania. El amor de sus padres, la génesis de la familia coincidió con el origen de Interval y tanto él como sus dos hermanos, Jan y Nuna, fueron concebidos para formar parte de la expedición que hoy, al fin, están capacitados para llevar a cabo.


La pantalla plateada es enorme, el equipo de sonido de última generación, las viejas butacas han sido recompuestas, tapizadas e higienizadas hasta el último detalle. Cada cual tiene la suya según el abono: individual, doble, familiar... La primera fila le corresponde a Ilsa y a su equipo de allegados, incluidos los dos empresarios, que se afincaron en el país después que ella detectara aquí el chacra terrestre en el que debía ubicarse la sala de exhibiciones. El resto de miembros de la Sociedad se distribuye por orden y categoría de afiliación. La familia de Mart puede presumir de ocupar un buen lugar en la séptima fila, junto a algún que otro actor y periodista. Pero Mart –no sabe porqué-, nunca ha creído una palabra de todo esto. Finge. Aún permanecen todos en pie, delante de sus respectivos asientos. Recitan en voz baja el haikú de Coxel, parecen más dormidos que despiertos. Ha debido de ser sin duda la crema de cereales, piensa Mart, que simula sufrir el mismo estado de flacidez mental, incluso cuando se dictan las nuevas instrucciones y reparten nuevos tazones con una segunda dosis de crema, más blanca, casi podría decirse que fosforescente. Los asistentes se la van pasando de izquierda a derecha de la fila y las tazas calientes llenan el cine de un incierto aroma a desayuno infantil que embota más y más los sentidos. ¿Hay que ser niños? ¿Hay que ser ángeles? Una cámara encuadra a Coxel, transmitiendo su imagen a la pantalla de plata, para que todos puedan repetir su gesto al ingerir la bebida.

Mientras la engullen, Mart idea cómo sacarse la papilla de encima. Sabe que otra cámara escruta el cine, una secuencia de monitores le delataría. Simula beber y, justo cuando empiezan a devolver los tazones de derecha a izquierda de la fila, aprovecha el movimiento de sus brazos para volcar el suyo discretamente al pie de la butaca. Confía en que el adormecimiento general le mantenga por unos minutos en el anonimato, aunque la masa líquida ha empezado ya a deslizarse sobre el suelo inclinado y, tarde o temprano, terminará por asomarse bajo los pies de la primera fila, en línea recta, donde se encuentra Coxel. Todos la imitan, despliegan las butacas y se acomodan en ellas. La somnolencia, la distensión muscular, son tan grandes que permanecer en pie hubiera resultado imposible en pocos minutos. Todos se ponen las gafas de pasta blanca que parecen ahumadas, atornasoladas, medio opacas desde dentro, pero luminosas por la parte de afuera. Luego se agachan y tiran del primer mecanismo, situado bajo la butaca. La espesura de la crema de cereal ya ha traspasado el límite de las filas de delante, pero los ocupantes de las butacas están tan abstraídos en reproducir las acciones que Coxel realiza en la pantalla, que no han reparado en ella, y la baba blanca continúa deslizándose hacia abajo. Mart recuerda el día que recibieron los medidores, cuatro cintas métricas, dos para las muñecas y dos para los tobillos. Eran para esto, para fabricarles el fijador a medida. No sabe porqué, tuvo el instinto, el disen-

timiento, la precaución de sumarle uno o dos centímetros a cada medida. Sus padres nunca dudaron de su obediencia. Ahora todos emulan a Ilsa Coxel y se colocan los grilletes de acero lúcido -conectados con un cable a la butaca- alrededor de los tobillos, y el artefacto se cierra con un chasquido metálico. Ha probado el mismo truco otras veces, al cambiarse de ropa en la soledad de su cuarto, y aquí también funciona. Puede descalzarse sin sacar los botines del traje del interior de las botas, de modo que el grillete se cierra alrededor de la pernera abotinada, dejándole libres los tobillos por encima del encajonamiento. La posición es incómoda, pero podrá aguantarla unos minutos, mientras observa el devenir de los acontecimientos. Todos tiran ahora del segundo mecanismo, que es doble: dos grilletes cableados que fijan las muñecas a los brazos de la butaca. Su subterfugio se vuelve más dificultoso, pero también tiene un truco para esto: desenguantarse las manos dentro del traje y apretarlas como globos hinchados por detrás del grillete, que se cierra automáticamente, de modo que los guantes parecen estar llenos sin que el acero se haya fijado a sus muñecas. Nuna lo ve, balbucea, pero la somnolencia hipnótica le priva de erigirse en una mayor amenaza, parece como si la segunda crema de cereal hubiera desencadenado una química interna entre quienes le rodean, concentrando todos sus sentidos en dirección a la gran pantalla.


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No sabe porqué, pero a Mart todo esto le parece siniestro y ridículo. La baba blanca persiste en su declive, cada vez más fina, en dirección a las primeras filas, mientras la atmósfera se llena de un hormigueo indescifrable, gaseoso, que penetra por su nariz aunque se resista a ello, sellando los labios y las fosas nasales. A medida que lo inhala, se siente más vivo, más despierto; le crecen las pupilas, penetra en ellas más luz, a pesar de la interposición de las gafas. El gas estimula, contrarrestando el sopor general, se oyen gemidos de bienestar, admiración, aquiescencia... La baba baja, acaricia las botas de Ilsa Coxel, cuando su imagen ya ha desaparecido de la pantalla y la sala se oscurece para dar paso a la proyección del montaje definitivo de Intervalos secretos de silencio. Se diría que todos levitan, aún amarrados de pies y manos a las butacas inmóviles. Gemidos, maullidos, semejanza de orgasmos. Nuna conserva todo el tiempo una sonrisa idiota, al igual que su madre. Su padre y su hermano babean. La finísima línea de crema de cereal se ha detenido pocos centímetros antes de llegar a la pared donde cuelga la enorme pantalla plateada ahora cubierta de imágenes geométricas, a un tiempo abstractas y concretas: trenes, muros, cielo, metal, campo, piel, fluido, papel, cemento fresco, bruma... El gas le ha excitado, le resulta casi imposible guardar la forzada postura que simula mantenerle fijo al asiento. Los demás parecen eléctricamente conectados por un cable invisible que uniera sus ojos/gafas a la gran pantalla. A él también le atrapa algo desde el fondo de esa superficie de luz y, avanzado el metraje, ocurre lo que nadie, salvo Ilsa, esperaba: la cúpula del techo comienza a abrirse en dos mitades simétricas: un ala a la izquierda, la otra a la derecha... Bajo el sol seco de la canícula, lo que ocurre en la pantalla es un espectáculo prodigioso: cine para ser visto a pleno sol. Todos tiemblan de placer, todos menos Mart, que no consumió el brebaje iniciático y ahora se siente perdido, ciego, inadecuado. En un punto de eclosión inexplicable, los mecanismos de fijación se disparan, dos agujas atraviesan los talones de Aquiles, los chacras yurvédicos de la conexión con la tierra, y otras dos puntas empalan

quirúrgicamente las muñecas, descargándose una ligera corriente eléctrica en los cuatro puntos tántricos. Un zumbido blanco recorre la sala, pero la electricidad sólo le llega a Mart difuminada a través de la tela del traje ensartado por las agujas. No puede más, tira de sus manos y de sus pies, rasgando el tejido, hasta liberarse de la butaca. Ahora es un náufrago. Nadie le mira, nadie excepto las cámaras, si es que todavía hay cámaras. La luz ciega, pero lo que ocurre en la pantalla sigue siendo visible gracias a las gafas. Al quitárselas, el mundo se torna más blanco, invisible, como si la realidad se hubiese transfigurado en una materia tan líquida como esa baba blanca que ha derrochado hoy por dos veces. Si la hubiera tomado, ahora vería, sería, viajaría infiltrado en la sutura de los intervalos. Pero se ha extraviado. Se arrodilla, busca la crema a gatas por el suelo, desesperado, pero no la encuentra. Todos viajan a alguna parte, todos menos él. Trata de quitarse de nuevo las gafas: el mundo no existe sin ellas, sin las lentes ni la pantalla. Vuelve a ponérselas, aún a gachas, y husmea entre las butacas y lo que debieron de ser piernas,. Olfatea sin éxito el rastro de la crema fosforescente para lamerla, engullirla, volverla parte de sí mismo. Busca una conexión, la llave que lo devuelva a algún punto reconocible del espacio o del tiempo, pero ya es tarde, todo parece haber volado, descomponiéndose, evaporándose en una nada viscosa como sus ojos de ahora, y siente que, para su desgracia, tal vez aquellos idiotas, Coxel, sus padres y sus hermanos, tuvieran parte de razón. Perdido en si mismo o quién sabe dónde, no sabe si esto es todavía eso que llaman vida o cualquier otra cosa.


Jason Mecier

lleva más de 10 años creando retratos-mosaico en 3-D de sus iconos favoritos de la cultura pop. Cada retrato es creado a partir de los propios objetos desechados de las celebridades, tales como gafas de sol rotas, maquillaje, envoltorios de chicle, joyería, desodorante, zapatos y otros artículos. Los participantes y clientes famosos de Mecier incluyen a Phyllis Diller, Rosie O’Donnell, Paris Hilton, Pamela Anderson, Farrah Fawcett, Florence Henderson, Nancy Sinatra, Elvira, Rosa, Pat Benatar, The GoGo’s, The B52, Mary-Louise Parker, Jimmy Fallon , Amy Sedaris, Parker Posey, Ricki Lake, Anna Nicole Smith, Tammy Faye, Morgan Fairchild, Tori Spelling, Debbie Reynolds, Kathy Najimy, Margaret Cho, Barbi Benton, Tura Satana, Susan Tyrrell, Sally Kellerman, Lydia Lunch, Allee Willis, Heidi Fleiss y otros.

Las obras de Jason aparecen en diversas publicaciones como el nuevo libro de Ripley Believe It or Not!, Prepare to be Shocked!, y el libro de Taschen Illustration Now! Otros clientes de Mecier incluyen a Wrigley’s, Ford, Quaker, Albertson’s, The Food Network, Neiman Marcus, Aveeno, Corona, MTV, el Hotel W, la revista Rolling Stone, Showtime, Entertainment Weekly, People, Harper’s, Seventeen, Nickelodeon, Cosmo Girl, Soap Opera Weekly, The Advocate, The Village Voice y The New York Times. Jason espera un día poder hacer los retratos de Marilyn Manson, Buffy Sainte-Marie, Jane Seymore y Yoko Ono. Jason Mecier vive y trabaja en San Francisco.


http://www.jasonmecier.com/


(S贸lo para rom谩nticos, amantes y ladrones).

www.myspace.com/elsinnombre58


* Sería un idiota sin la música rock. Hay un verso de la Velvet Underground que dice: “Her Life Was saved By Rock’n’Roll”. Es por esto que Bruno lleva el juke-box en el camión y el come-discos en la cabina: dos máquinas salvadoras. En un cierto modo la película trata de una generación de hombres que gastaban sus primeras monedas en los juke-box para oír “Tutti Frutti” o “I’m just a lonely boy”, pero aún demasiados jóvenes para calzar zapatos de punta. Ansiosos alrededor de los autos de choque mirando a otros que montados en los autos se divertían con las chicas y las manoseaban por debajo de las blusas. Tienen ahora 50 años. 2000 light years from home, todavía. Todo tiene que cambiar. * Win Wenders a propósito de su film de 1975 “En el curso del tiempo” ** Han pasado cien años desde hoy, y todos los que están leyendo esto están muertos. Yo estoy muerto. Tú estás muerto. Y algún chaval está siguiendo un curso de música en la escuela, y quizá esté escuchando a “Velvet Underground”, porque tiene que hacer un trabajo

sobre rock’n’roll clásico, y yo me pregunto lo que el chaval estará pensando. Me gustaría que que inventaran una máquina que pudiera revelar el mayor secreto de cada uno, el tuyo, el mío y el de Lou Reed. La diferencia entre el cine y el rock’n’roll es que el rock’n’roll no miente. Nunca pronete un final feliz. He de decir que “Velvet Underground” escribió y tocó música triste. Cuando escucho a cualquiera, pienso en gente a la que ya no volveré a ver. Pero ésa es la historia del mundo del arte. Van Gogh se corta una oreja, y su familia autoriza viajes campestres a los museos. Me gustaría estar escribiendo esto dentro de cien años. Entonces escribiría sobre música hecha por gente muerta. Habría un principio y un final. Mientras que hoy no sé dónde encuadrar este álbum. De cualquier manera, creo que esto es gran rock’n’roll. Creo que Alejandro El Magno, Lord Byron, Jack El Destripador, F. Scott Fitzgerald, Albert Einstein, James Dean, y otras estrellas del rock’n’roll estarían de acuerdo conmigo. Y quizá estemos en 1969, y algún chaval le haya pedido el coche a sus padres, y esté conduciendo por la ciudad, haciendo cosas

que nunca habría hecho antes, volviendo tarde a casa, metiéndose en líos, pero todo eso está bien, porque sabe que nunca volverá a ser el mismo. La gente del rock’n’roll tiende a vivir en el borde. El rock’n’roll siempre ha sido y sigue siendo una de las pocas cosas honradas que quedan en este mundo. ** Elliott Murphy y su texto tatuado, por los siglos de los siglos, en la carátula interior del LP “1969” de la Velvet Underground *** “… ví terminar el film y cual fue mi sorpresa de que que el protagonista era yo…” *** extráido de la letra de “Fin de Amor”, canción primeriza de Duncan Dhu En la cabina del proyector del último auto-cine estuvo, para Delirio, Lou Smith


http://kokotxa.blogspot.es/


Soy directora de cine Guerrilla, artista y una actriz que creció en el mundo del teatro donde el arte de la imaginación no conoce límites. Mi niñera siempre decía que yo había nacido en la época equivocada. Supongo que eso es parcialmente cierto. La mayor parte de mi inspiración viene del pasado, de los que caminaron delante de mí. Los pioneros del cine, los actores de antaño, los blues men y su narración sonora y los artistas de performance que hace tiempo descubrieron cómo crear espectaculares obras de arte de la nada. Pero yo soy un producto del Ahora. Nací en un mundo digital, y me encanta el potencial de la tecnología multimedia de hoy en día, ofreciéndome como artista. Los años de estar confinada en los teatros y en las estructuras de hormigón se han ido. La calle se convierte en el escenario y el público está en todas partes. Cualquier cosa es posible lograr con la imaginación. El arte no es por el dinero que viene después sino por el alcance de la mente delante.


http://www.myspace.com/digitaldatacorruption


http://www.myspace.com/thehappyhollows


Los Ángeles es la ciudad del cine por excelencia, el lugar donde durante más de un siglo se han ido labrando y creando los sueños, los mitos sexuales y los anhelos de millones de personas de todo el planeta, conformando un mundo aparte inalcanzable para la mayoría, lleno de glamur y belleza, de fiestas y lujo, e incluso de pesadillas y sueños rotos. Pero Los Ángeles también se caracteriza, entre otras muchas cosas, no todas ellas agradables, por tener desde siempre una de las escenas musicales más importantes de los Estados Unidos. Cuna de grandes y míticas bandas de la historia de la música mundial, cada año surgen infinidad de nuevos grupos que intentan alcanzar el sueño de poder ganarse la vida con lo que hacen y ser medianamente reconocidos. A veces despuntan y otras tantas se hunden en el más oscuro de los olvidos. Uno de los grupos que ha aparecido con fuerza en el panorama musical de la ciudad californiana, sobre todo en la escena independiente y underground de los últimos cinco años, ha sido Happy Hollows. El trío, formado por la carismática Sarah Negahdari (voz y guitarra), Charlie Mahoney (bajo y voz) y Chris Hernández (batería), ha atraído la atención de la prensa especializada y del público por sus canciones cargadas de un rock deudor, entre otras influencias, de la escena alternativa de los 90, y por sus directos viscerales y contundentes. La melodía y la fuerza se dan la mano en las composiciones del trío californiano, y no son pocos los comentarios que los comparan con grupos como Blonde Redhead, Deerhoof o Yeah Yeah Yeahs en estado crudo. Todas estas similitudes, algunas de ellas forzadas, se deben, sin duda, al carisma y la actitud de Sarah Negahdari, cuya voz alcanza registros que van del desgarro más surrealista, a la más penetrante melodía, arropada con contundencia por la base rítmica del resto del grupo. Happy Hollows ha abierto conciertos para grupos como Deerhoof, Why?, The Silversun Pickups o Architecture in Helsinki, en los que han expuesto la energía que les caracteriza y con los que se han ido ganando poco a poco una fama que les precede y unos seguidores incondicionales que cada día aumentan en número. Con tres EPs y un disco en el mercado, Happy Hollows no han demostrado todo de lo que son capaces, pero su tarjeta de presentación es impresionante. Como dijo Pitchfork en su reseña del disco en 2009 “Como buena introducción que es Spells a los talentos evidentes y aún crecientes de Negahdari, da la impresión de que lo mejor está por venir.”

Hablamos con Sarah Negahdari desde Los ángeles.


¿Cuál es la historia de Happy Hollows? ¿Cómo empezó todo? Estuve tocando por L.A. yo sola hace cinco años bajo el nombre de “Happy Hollows, mientras buscaba a un batería y un bajista para montar una banda. Chris y Charlie se acababan de trasladar a L.A. desde una universidad de Washington DC y estaban buscando un guitarrista para empezar un grupo. Después de un año de intentos fallidos en la búsqueda de la persona adecuada, pusieron un anuncio en Craiglist. Después de un año frustrante, decidí mirar en Craiglist. Su anuncio fue el primero que contesté. ¡Fue magia instantanea!

me gustó cómo expresaba dos emociones opuestas, y creo que se ajusta al tipo de música que hacemos. ¿Cómo describirías vuestro sonido? Melódico, crudo, arte, fuerte, divertido, luz, oscuridad, alegre, sol, luna, bonito, apasionado, rock.

¿Cuándo te diste cuenta que querías tocar en un grupo? Tenía unos seis años. Yo era extremadamente tímida en el colegio y con la gente en general. Tenía un pequeño piano de bebé en mi habitación y solía llenar mi cama con animales de peluche como si fuesen el público. Imaginaba que yo tocaba el piano ¿Cuál es el significado de “Happy Hollows” y los peluches cobraban vida y yo cantaba fuerte y o de dónde viene el nombre del grupo? me volvía loca a lo “Jerry Lee Lewis”. Me creía que Happy Hollows es un zoológico de mascotas en el el público me vitoreaba y yo seguía tocando durante norte de California. Cuando estaba pensando en un horas. Supe entonces que tenía que hacer música y nombre para el grupo, de repente lo vi en mi cabeza y expresarme a través de ella.

¿Cómo fue tu niñez? ¿Fue la música u otra forma de arte, una parte importante de tu educación? Mi madre era batería y teníamos tres set de batería diferentes en mi casa. Ella fue una gran inspiración para mí porque me enseñó distintos ritmos y me animó y me dio coraje para cantar y tocar música. Ella es la razón por la que hago música. Yo era muy tímida en el colegio y en cuarto curso quisieron que repitiese curso porque no hablaba con otros chicos o con los profesores. Recuerdo a mi madre protestando con todas sus fuerzas para que eso no sucediera, y después de eso, me obligó a tomar lecciones extra escolares de música y teatro musical para que me expresase por mí misma. Funcionó perfectamente y me hizo crecer como persona. La música me ayudó realmente a superar mi torpeza social.


¿Cómo ha influenciado L.A. en vuestro sonido? ¿Cómo describirías la escena musical de la ciudad en este momento? L.A. tiene una escena musical increíble. Hace años que la ciudad tiene una fantástica escena underground y últimamente está recibiendo cierta atención mundial, lo cual es genial. L.A. tiene un buen puñado de grupos y de diferentes sonidos por lo que resulta difícil de definir. Hay literalmente cientos de bandas, y cientos más cada año. Es abrumador, pero al mismo tiempo inspirador verse rodeada de tanto arte.  ¿Por qué os ha llevado tanto tiempo sacar vuestro disco “Spells”? Grabamos todas las canciones en 2008 y un sello canadiense escuchó el disco y nos fichó. Planearon un año de promoción antes de que sacasen el álbum en otoño de 2009. Cuando surgió la crisis económica a finales de 2008, el sello tuvo que reducir gastos y no pudieron sacar nuestro disco cuando pensaron que podrían. Me llamaron el “día de los inocentes” (April’s fool day) en 2009 para comunicarme que no podían sacar nuestro disco. Pensé que era una broma, pero no lo era. En ese momento, hicimos frente a la situación y conseguimos el dinero necesario para sacar el disco por nosotros mismos en otoño de 2009. Cuéntanos algo de “Spells”. ¿Con qué se va a encontrar la gente que aún no os ha escuchado? Es un disco muy especial para mí y me siento muy orgullosa de él. ¡Se van a encontrar mucha, melodía, pasión creativa y diversión!


¿Cuál es el proceso de una canción y en qué te inspiras a la hora de escribir? Normalmente escucho una canción en mi cabeza y grabo la melodía y cojo una guitarra y trato de “pescar la canción” mientras está en el aire. Es como si estuviese flotando por encima de mi cabeza pero tengo que agarrarla. A veces escribimos tocando juntos en el ensayo. Otras veces veo películas con el sonido apagado y trato de hacer la banda sonora. Entonces le doy esas ideas a Charlie y él añade las suyas. Todos colaboramos, pero sobre todo somos Charlie y yo quienes escribimos las canciones y Chris añade los toques finales que hacen que todo sea mejor. ¿Qué música ha influenciado en ti o en vuestro sonido? Una extraña combinación de rock clásico de los 60 que mi madre solía tocar, con

el género musical, el rock de los 90 con el que crecí, y la música de Irán y del resto del mundo que mi padre ponía cuando yo era pequeña. Aparte de la música, ¿qué otras formas de arte te han influenciado? Todas las formas de arte me inspiran, especialmente el cine, el diseño y el teatro. Estoy constantemente creando y haciendo cosas artísticas de muchas formas. Es por lo que me despierto todos los días y lo que me hace sentirme viva. El arte es todo para mí. Crear arte con los demás es una bendición para mí. ¡Estoy alucinada con el ser humano y con las cosas brillantes que crea!  


Cuéntame algo de estos tres nombres: Joan Miró. Salvador Dalí y David Lynch. David Lynch es un genio. Es uno de mis héroes artísticos preferidos, y realmente me ha inspirado para dejar que mi mente se expanda y no juzgar lo que quiere venir a través de mí Salvador Dalí es uno de los fundadores del surrealismo. Soy una firme defensora de que algunas de nuestras mejores ideas y las más creativas vienen del subconsciente. Me gusta inspirarme en los sueños, justo como Dalí hizo. Me encanta el arte de Miró ya que es muy infantil, expresivo y colorido. ¡La mente de un niño está llena de inspiración y alegría genuina! He leído que sueles practicar la meditación. ¿Cuáles son sus beneficios cuando eres artista?  La meditación te conecta con tu quietud interna ... tranquiliza tu mente, y para un artista esto es realmente importante. Cuando la mente está tranquila ... las ideas puras que tienes dentro salen con más frecuencia y normalmente son más inspiradoras.   ¿Sueles escribir o pintar o hacer otras formas de arte? Soy también actriz y he creado muchos papeles cómicos. Me gusta también pintar; realicé la parte artística de “Spells”. Ultimamente he empezado a hacer videos para el grupo. Es mi nueva pasión.   ¿Qué sentiste la primera vez que te subiste a un escenario? Me sentí entusiasmada. Era como estar en casa en el mundo. Sentí algo mucho más grande que yo misma y me sentí muy viva y alegre. Todavía siento lo mismo. Siempre me pongo muy nerviosa antes de actuar, no importa si es para un concierto de mil personas o uno de tres. Es el mismo nerviosismo. Y luego, una vez

que estoy en el escenario, me siento muy cómoda y feliz. ¿Dónde prefieres tocar, en locales o en grandes festivales? Lo que más me gusta es tocar en grandes espacios abiertos. ¿Crees que internet os ha ayudado a daros a conocer? Sí, internet es incredible. No sabrías quienes somos sin internet. Me encantan vuestros videos. ¿Has tenido algo que ver en el desarrollo de los mismos? ¡Gracias! Algunos videos los realicé yo misma. Otros fueron dirigidos por grandes amigos. ¿Cómo es un concierto de Happy Hollows? ¿Cómo te sientes después de haber descargado toda esa energía? Un concierto de Happy Hollows es ruidoso. ¡Después de tocar, todos nos sentimos muy excitados y luego a la mañana siguiente estamos muy cansados, pero por la noche estamos dispuestos a hacerlo de nuevo! ¡Entonces otra vez! ¿Cuales son vuestros planes? Cuándo vamos a pod ¡Muy pronto! ¡Acabo de grabar un disco en solitario que suena totalmente diferente, un poco más suave que la música de los Happy Hollows, y estoy muy ilusionada con él! ¿Cuándo vais a venir a España? ¡NOS ENCANTARÍA TOCAR EN ESPAÑA! ¡ESPERO QUE PRONTO! Tenemos grandes amigos trabajando en un sitio llamado GrocDog. Charlie vivió en España un año durante la universidad. Realmente nos encantaría tocar allí.


¿Cuál es tu película favorita, o director, o actor? Es una pregunta difícil. Mi actriz preferida es Diane Keaton. Mis películas favoritas son Harold y Maude, Coming to America, Mulholland Drive, Dentro del laberinto, y Cuando Harry encontró a Sally. ¿De qué trata vuestra canción “DeLorean”? ¡Charlie escribió esa canción! Trata de cuando vio un OVNI mientras conducía a través de Nuevo México y cómo a veces desearía que los extraterrestres se lo llevasen. Va de cómo le gustaría que la ciencia ficción fuese real, porque sería terriblemente divertido tener un DeLorean y volar al futuro. Me encanta esa canción. Fue la primera canción que Charlie escribió para el grupo y la adoro. Me encanta mi parte de guitarra y la letra de la canción. Es una de nuestras mejores canciones, y una de las tres mejores de “Spells”. ¿Qué sueles hacer cuando no estás tocando o escribiendo música? ¿Cómo es tu día a día? Cuando no estoy tocando o escribiendo música, me encanta salir con mis amigos. Son todos muy creativos, así que terminamos creando cosas. Me gusta darme largos paseos e ir a clases de yoga y ver películas divertidas. Estoy dando clases de improvisación y me encanta. Me gusta también ir a ver a otros grupos y a espectáculos de improvisación tanto como pueda. ¿Tienes algo que decirle a nuestros lectores? Si estás leyendo esto ... y hay algo dentro de ti que sabes que quieres expresar o hacer en el mundo, pero tienes demasiado miedo para hacerlo, o crees que no tiene sentido y que a nadie le va a importar, espero que me escuches y lo hagas. Sólo di sí. Sólo tienes que hacerlo, crearlo, decirlo. Sólo hay un tú, ahora mismo, nunca habrá otro tú, y lo que tienes que decir o hacer, y quién eres tú, es tan precioso y único... No importa si a alguien más le gusta o lo entiende, o incluso si te gusta o lo entiendes. Si lo sientes dentro de ti, está tratando de llegar a través de ti, de la única forma en la que puede. Es un genio, y tú eres un genio. ¡De todos modos, sólo quise en decir eso! ¡jJaja! Muchas gracias por esta entrevista impresionante! ¡Mucho mucho, amor para todos!


Nacido en Nueva York en 1964 y graduado en la High School of Art and Design de Manhattan, el estilo de Danny Hellman es tan particular y distintivo que en seguida se reconoce una obra suya sin dificultad. Su estilo pulido, su trazo limpio, el uso que hace del color y el sentido del humor que impregna en cada una de sus ilustraciones le han convertido en uno de los ilustradores/ dibujantes de comics más importantes de los últimos años tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. Aparte de los asuntos legales que le atenazan, en los que no nos meteremos en este reportaje, y que le han hecho publicar la antología “Legal Action Comics” (que cuenta con el trabajo de importantes artistas del comic alternativo como Robert Crumb y Art Spiegelman) para costear los enormes gastos judiciales, Hellman, también apodado Dirty Danny, ha trabajado para periódicos locales como Village Voice y Guitar World, e importantes publicaciones como Time, Sports Illustrated, The Wall Street Journal o FHM. Hellman se ha convertido en un autor ampliamente publicado, cuyo particular estilo es uno de los favoritos de directores de arte y lectores por igual. Más allá de su trabajo como ilustrador, Hellman ha dibujado historietas para DC Comics, Fantagraphics, Mad o Last Gasp y otras editoriales de comic alternativo.


http://www.dannyhellman.com/


Que gente tan dispar como Avril Lavigne, Jennifer Aniston o David Bisbal lleven camisetas con ilustraciones de Laurie Lipton o que sus cuadros sean motivos ampliamente demandados en las tiendas de tatuajes no significa gran cosa, excepto que estamos ante una de las ilustradoras más reconocidas e importantes del arte actual. Su estilo hiperrealista, basado en el máximo detalle y en una temática grotesca y tétrica, impregnado de un sentido del humor bastante negro , y cierta ternura implícita, se basa e inspira en su gusto por la pintura religiosa de la escuela flamenca del siglo XVI. Fue durante un viaje a Europa como estudiante en el que comenzó a desarrollar su estilo y particular técnica de dibujo, basada en un tono con miles de líneas y rayas cruzadas, como una pintura al temple.


“Es una forma loca de dibujar”, comenta Lipton, “pero el detalle y la luminosidad que resulta hace bueno el esfuerzo.” “Yo sabía lo que quería: crear algo que nadie había visto nunca, algo que se estaba gestando en la parte trasera de mi cerebro. Solía sentarme durante horas en la biblioteca copiando la colección de Durero, Memling, Van Eyck, Goya y Rembrandt. El fotógrafo, Diane Arbus, fue otra de mis inspiraciones. Su uso del blanco y negro me golpeó en el centro mismo de mi ser...”

“...El blanco y negro es el color de las fotografías antiguas y los programas antiguos de televisión ... es el color de los fantasmas, la nostalgia, la memoria, el paso del tiempo y la locura. El blanco y negro duele. Me di cuenta de que era perfecto para las imágenes de mi trabajo. “


http://www.laurielipton.com/


http://elojodepezdeyonibismuler.blogspot.com/ http://rubenfranciarodriguez.blogspot.com/


John Grochalski

do the be kind rewind

maybe we could make this like a movie i could rewind the night you know, back to before you were crying on the couch back before we were shouting at each other between sips on cloudy glasses of wine yeah, tonight could be like a movie part that we’d want to see again and again maybe get a different take from it i could roll back the film to before i told you that i was getting sick of us to before that piece of french fry fell out of my mouth from all of the yelling that i was doing we could rewind scenes like that go back to before it began or even fast forward to when things got better when the drama was over and i asked you if you wanted a glass of scotch as a nightcap before bed i’d like a life like that like a movie where you only saw the good parts the scenes that you liked i could take us back and make myself the hero

to your damsel in distress instead of the angry child that i was calling you a bitch underneath my breath telling you that were getting just like my mother or i could take us forward to when it was all said and done to the happy ending and the closing credits our life a highlight reel of the best parts of the day but that’ll never happen life ain’t no movie no matter what my reputation precedes me by over thirteen years i’m known to you like i’m known to no other heroes and villains to each other and despite that fact, i love you to death, baby and in this life we’re taking the good and the bad together mixing them with drama and action surround sound and 3-d digital technology giving us a spectacular mediocrity our very own b-level film that’ll make a hundred-million bucks no oscars no golden globes set to play always just like everyone in a completely different way

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http://caoticaybuenrollista.blogspot.com/


Una película compuesta de miles de imágenes, unas reales y otras imaginadas, componen nuestra memoria. En nuestra memoria se realiza el montaje de esas imágenes que configura la película de nuestra vida, con muchas imágenes añadidas de forma artificial, al verlas en el cine de otras vidas, que añadimos como parte de la nuestra, viviéndolas de forma casi real. El cine forma ya parte importante de nuestras vidas, es parte de nuestra cultura. Quién no ha vivido una batalla contra los indios, cabalgado por las praderas. O vivido en una tribu lejana, en las pelis del oeste. Las películas de viajes nos han enseñado otras tierras y otras culturas dándonos ánimos e interés por viajar y vivir realmente estas experiencias. Las películas románticas nos mostraron muchas formas de amar. Sin el cine desaparecería gran parte de nuestra cultura y lo más importante: desaparecería la oportunidad de vivir otras vidas paralelas en nuestra imaginación. VIVA EL CINE.


http://franciscoperalbarcena.blogspot.com/


“Hay que imaginar seis cosas imposibles antes del desayuno...�


… Porque si no pensamos en cosas descabelladas, nunca podremos hacer nada extraordinario. Siempre me ha fascinado Alicia en el País de las Maravillas. La conocí de la mano de Walt Disney, la redescubrí en las letras de Lewis Carroll y, más recientemente, volvió a seducirme a través de la estética de la última revisión de Tim Burton. De manera inevitable, Alicia es, para mí, sinónimo de Magia, signo de la existencia palpable de un mundo paralelo en el que las cosas son disparatadamente fantásticas. Y yo siempre me he sentido un poco así, como Alicia. De modo que me pareció buena idea rendirle un pequeño homenaje en una de mis colecciones. Evidentemente era consciente de que se trataba de un tema que ya había sido fuente de inspiración para incontables diseñadores, artistas y demás. Pero mi sorpresa fue mayúscula cuando, buceando por Internet buscando imágenes para mi nueva colección, descubrí que mi adorado Tim Burton tenía entre manos llevar de nuevo al cine la historia de Alicia, al mismo tiempo que yo me disponía a sacar una colección sobre ella. Bingo. ¿Qué me fascina de Alicia? Como ella, caí en la madriguera del conejo hace 15 años, aunque podría decirse que la estaba buscando desde niña. Y, a pesar de la incredulidad de la mayoría de adultos que me rodeaban, logré encontrar el camino hacia mi mundo mágico de la mano de mi sombrerero loco.


Él me enseñó a pensar en cosas imposibles, pero, sobre todo, cómo ponerse a trabajar para conseguir hacerlas posibles. Empecé a estudiar el vidrio en todas sus facetas, desde su evolución a lo largo de la historia del arte hasta su manipulación convirtiéndolo en escultura, vidriera, mueble o joya. Me quedé en esta última disciplina, la joyería, en la que enseguida me sentí muy cómoda. Me gusta trabajar el pequeño formato. Para mí una joya puede ser tan obra de arte como una pieza de grandes dimensiones, pero con la ventaja de que la puedes llevar siempre contigo. Precisamente por esa razón, creo en la importancia de que contenga en su interior algo realmente único para ti.


En algunos casos ese contenido es bastante literal, como sucede con la colección Mimar, en la que entre las capas de vidrio se halla un puñadito de arena de un lugar muy especial. En otros casos, el contenido es más figurativo, y esconde algún mensaje a través de unas cuantas letras. Por supuesto, todas las piezas están realizadas por mí, porque me gusta ser artesana y porque no concibo otra manera de trabajar que no sea ésta. Pero eso no quiere decir que Nutopía sea exclusivamente Núria Torrente. Yo diseño y realizo las piezas, pero también necesito gestión, comunicación, marketing y un cable en lo que haga falta. Por eso son dos pilares importantísimos de Nutopía, David y Esther Hierro, que creen en la fantasía tanto como yo y me recuerdan que cualquier cosa puede ser lo que yo sea capaz de imaginar, invitándome constantemente a pensar en al menos seis cosas imposibles antes de desayunar.


www.nutopia.es


NUTOPÍA FLIMS presenta...

Hace mucho tiempo, y en una galaxia muy lejana, estaba yo viendo El Planeta de los Simios del gran Tim Burton. La peli original, la del 68, la de Cornelius y Cyra, aquella donde Charlton Heston podía fumar en la cabina de su nave espacial sin miedo a la Ministra de Sanidad, me sigue pareciendo sencillamente deliciosa. “Quítame las manos de encima, mono apestoso”. Una jodida delicia. Y qué decir de Tim Burton. Me he visualizado tantas veces remojando mis pies en su piscina que tarde o temprano el universo se confabulará para que mi sueño se cumpla. Y Helena me servirá un cóctel refrescante. Podría enumerar una docena de películas de Tim Burton que me han gustado pero probablemente no sea imprescindible. El caso es que viendo esa película, con ese monumental presupuesto, con esos sorprendentes guionistas, con todo ese equipo de profesionales, con ese pedazo de director, me pregunté: ¿Se sentirá avergonzado Tim Burton por haber dirigido y realizado semejante montón de mierda? Estuve dos noches sin dormir, analizando la cuestión. Finalmente tomé una

decisión que, probablemente algún día, cambiará la historia del cine español (todavía no he valorado si para bien o para mal). Si al bueno de Burton no le avergonzaba hacer versiones tan espantosas de películas tan maravillosas como El Planeta de los Simios, yo tampoco iba a sentir vergüenza por producir mis primeras y minúsculas creaciones en formato audiovisual. Sin formación ni criterio alguno. A pelo. O en pelotas, que también vende. Pero nos faltaba un nombre para semejante proyecto. Quise vincular la marca de complementos en vidrio que trato de gestionar (Nutopía) al proyecto que acababa de nacer de una idea completamente loca. Y siempre me ha gustado un chiste bastante idiota que dice algo así: Toda la vida llamándolas “pinículas” y ahora les dicen “flims”. Sencillo. Directo. Absurdo. Así nació Nutopía Flims. Como ya he dicho, tengo una extensa formación nula en técnicas audiovisuales y cinematografía. Incluso reconozco que, de adolescente, me gustaban Bud Spencer y Terence Hill o Andrés Pajares y Fernando Esteso


(¿quién puede olvidar películas como “Les llamaban Trinidad” o “Los Bingueros”?). Pero a pesar de que yo era al cine lo que Bush a la paz mundial, empecé a juguetear con las imágenes en acción. Sin pretensiones. Sin prisas. Sin presiones. Sin presupuesto. Con una dosis de analfabetismo audiovisual importante para un adulto pero sin miedo ni complejos. Tim Burton me había enseñado que la vergüenza es algo relativo cuando eres un puto genio. Algún día mi biógrafo me definirá como un hombre hecho a sí mismo. Quizás por eso estoy tan mal acabado.

nología del siglo XXI. Queremos presentar, con el genial Hugo Izarra de por medio, un falso documental sobre el mundo del reciclaje en la tercera edición de Reciclamadrid, donde ya hemos tenido la suerte y el honor de proyectar nuestros cortos en los últimos dos años (este año en el auditorio del Cosmo Caixa de Alcobendas): Basura Humana y Reciclator. Dos cortos que difícilmente encontrareis en el Top Manta. Merecen otro artículo, seguro. Pero tiempo al tiempo...

Han pasado ya tres años que probablemente merezcan otro artículo. O varios. Nutopía, nuestra empresa de complementos en vidrio se conoce principalmente por sus creaciones en bisutería y joyería en vidrio pero también por los modestos audiovisuales que hemos producido, mostrando lo que hace Núria, (mi epicentro de todo), cómo lo hace o simplemente buscando una excusa para pasarlo bien con la inestimable ayuda de nuestros colegas. Todo ello con unos medios técnicos más propios de Los Picapiedra. El año que viene igual mejoramos un poco en ese aspecto. Probablemente hagamos un esfuerzo para conseguir tec-

David Hierro http://www.youtube.com/Nutopia2007 www.nutopia.es


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INSTANTES DE CINE Algunos de los instantes más memorables de mi memoria cinéfila tienen relación con la utilización del espacio escénico cinematográfico por parte de los grandes autores de la historia de este joven arte que es el Cine. Cuando el cine en pañales rompe con la rígida bidimensionalidad de la “Comedia del Arte” es cuando comienza a ofrecer sus primeras grandes obras. No es, sin embargo, mi intención hacer aquí otra historia del Cine más, sino rememorar esas escenas en las que la poesía, la emoción, surgen del sabio uso del espacio. Todos los géneros clásicos ofrecen ejemplos y del Fantástico emergen momentos como el del hombre gusano arrastrándose por el barro, debajo del carromato en “Freaks” (1932) ,en la noche de la macabra venganza de los fenómenos de feria contra la belleza cruel de la trapecista, en el clímax de la maravillosa película de Tod Brownig, en la que lo poético rezuma desde el primer plano. En esa secuencia el maestro de lo “bizarre” hace bajar a los personajes al nivel en el que todos son iguales. Así, la bella trapecista no podrá utilizar su altura para burlarse del enano que no llega a ponerle la capa, no podrá mirar a las deformes criaturas desde su inalcanzable trapecio, en el punto álgido de la carpa del circo. Su terrible final será vivir el resto de sus días con los miembros amputados, convertida en un fenómeno de feria más. En una de las grandes obras maestras de Jacques Tourneur, “Cat people” (1942), Irina, una joven de origen serbio, interpretada por la enigmática Simone Simon (“la presencia más felina de la Historia del Cine”) se cree víctima de una

maldición que convierte a las mujeres de su pueblo en panteras. En una sucesión de acosos por parte de la mujer maldita hacia su rival amorosa, la pantera amenaza a la otra mujer desde el otro lado de un seto, la genial combinación del ruido de los tacones, el rugido del felino al que nunca vemos tras la valla, la iluminación nocturna en B/N del increíble Nicholas Musuraca y la descarga de tensión final apuntalada por el silbido de las puertas del autobús salvador, en el mismo instante en el que se acaba el seto que separa a la mujer de la fiera, crean una de las más imitadas secuencias del Cine Clásico americano. Inolvidable resulta también a la misma protagonista de la secuencia anterior asediada en medio de una piscina interior nocturna y a oscuras, mientras oye el rugir de una pantera que se pasea por el borde en la penumbra. Cuando se enciende la luz es la imagen de una Irina sonriente la que ha sustituido al temido depredador. Sólo el albornoz destrozado por unas zarpas afiladas como navajas de una advierten a la joven de que se está enfrentando a una amenaza sobrenatural. La magia de Cat people es tal que no necesita de grandes efectos especiales, no necesita hacer aparecer una pantera del interior del cuerpo de una mujer que se abre como una cáscara vacía, como resolvió Paul Shrader en el remake que firmó cuarenta años después, con una gran utilización del lenguaje cinematográfico, haciendo uso de la sugerencia más que mostrando, aprovechando al máximo las posibilidades de sus escuetos decorados, construidos con presupuestos que generosamente se pueden calificar de serie”B”, y con un aprovechamiento de los ruidos, de la luz y de las sombras, Tourneur hace una de las más lúcidas reflexiones que sobre el fenómeno de la licantropía ha dado el Séptimo Arte.


HYPERLINK “http://www.youtube.com/watch?v=_9xmUidNvw8” Enlace escena piscina CAT PEOPLE (1942) Otro de los maestros de la sugerencia, otro de los grandes directores del Cine Fantástico fue Terence Fisher. El gentleman que realizó una revisitación de los mitos clásicos del cine de terror que habían salido tan mal parados del ocaso de la Universal. Fisher les dio a aquellos monstruos cansados y ridiculizados un nuevo enfoque que los inserta con vigor de nuevo en el mundo de las pesadillas. El erotismo, la sangre en color tiñen aquel maravilloso ciclo de grandes películas surgidas de la factoría Hammer Films. Uno de los más alabados recursos del maestro británico del “Fantastique” es el uso del espacio escénico para generar esa atmósfera por la que se mide la calidad de un relato de terror. La tridimensionalidad de los decorados, llenos de recovecos y lugares oscuros en los que acecha la amenaza, que puede aparecer en cualquier parte. Esta utilización ha sido fantásticamente heredada y asumida en la narrativa de sus mejores películas por el cineasta catalán Jaume Balagueró, que transforma los tétricos y románticos decorados de obras maestras como HYPERLINK “http://www.youtube.com/ watch?v=MtKITW1w2Mc” “The Gorgone” (1964), o HYPERLINK “http://www.youtube.com/watch?v=6WOqvVRm-KE” Horror of Dracula (1958) de Fisher en tenebrosos pisos en el Eixample barcelonés. Sugerencia y elegancia se convertirían en los estandartes de Terence Fisher. Así, su manera de relacionar lo fantástico con lo real, con suavidad sin cortes en el montaje que coloquen estos dos mundos en compartimentos estancos, da lugar a alguno de los mejores momentos que recuerdo haber pasado en una sala de cine.


Es un ejemplo muy conocido el de la secuencia de Horror of Dracula en la que Jonathan Harker ha viajado hasta el castillo del conde inmortal para ejercer como bibliotecario. Estando en la biblioteca del castillo se le cae un libro al suelo, se agacha a recogerlo y tras él aparecen las piernas de una mujer que entra en la estancia en camisón. No sabemos quien es, pero el gran uso narrativo que Terence Fisher hace del espacio, sin estridencias, insertando la amenaza fantástica de manera no forzada unido a una atmósfera hábilmente generada, hace que el espectador perciba que el horror acecha al personaje, pues una mujer vampiro acaba de entrar en escena. M.Night Shyamalan tomaría prestado de esta secuencia en su obra maestra “The sitxt sense” (1999), HYPERLINK “http://www.youtube.com/watch?v=Vc5BercdKE” el paso en camisón de la aparición por la puerta del lavabo, a espaldas del niño protagonista, con una atmósfera tan bien creada previamente (la brúsqueda bajada de temperatura previa a las apariciones que hemos visto en secuencias ante-

riores y que hace tiritar al niño en pijama que orina en el lavabo) que, a pesar de no haber visto la cara de la mujer que ha pasado sabemos que no es la madre sino un fantasma que vaga por el pasillo a oscuras y que convierte esta situación en uno de los momentos más escalofriantes del cine Fantástico contemporáneo. A veces uno piensa que los viejos maestros nos dejaron llevándose consigo la magia del Cine Clásico, sin embargo, de tanto en tanto, surgen cineastas que han asimilado la sabiduría que queda en sus películas y que son capaces de crear relatos en los que aún se respira ese arte perdido en los añejos rollos de celuloide.

José Carlos De La Fuente Fernández


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