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ONCE DIECIOCHO


ERRE / C’est PENTAGRAMA

BELL A CIAO

CANCIÓN DEL MUTILADO

ARMANDO PALOMAS

CELULOIDE

KILL YOUR DARLINGS

REBELDES

HUGH HEFNER

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“Yo seguiré aquí hasta que pueda, más gordo, más panzón, más viejo y jodido de salud, pero con el mismo corazón y me da impotencia no poder continuar con muchas cosas que quisiera en la vida… pero seguiré siendo un hijo de puta”. -PALOMAS ONCE DIECIOCHO


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¡NO PINCHES MAMES!

ERRE / Editorial

POR: ALBERTO BARAJAS

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e necesitan pantalones para ser un artista independiente y que sea congruente con lo que canta y hace, pues Palomas reconoce la sociedad mexicana, su letargo frente a la televisión, y señala al criticar los monopolios como Televisa y TvAzteca en sus canciones. No se ha presentado en dichos lugares, pues señala fiel y agradece al público por aceptar sus nuevas formas de crear y reproducir música. Sin lugar para Armando Palomas en una televisora o en un espacio público masivo, ha tenido que reinventar la manera en que su música y sus ideas se reproduzcan, pues señala que, a través de las redes sociales, él y muchas personas han encontrado las maneras de discutir nuevas ideas y pensamientos. No ha valido madres pertenecer a una subcultura transgresora de lo cotidiano.

EDITORA GENERAL Ariadna Josefina Maldonado Ruiz EDITORA Karime López Patiño EDITORES DE FOTOGRAFÍA Claudio Vazquez Gallegos Ana María Cortés Barragán

El arte es la salida, ya que el arte siempre va a construir, nunca a destruir. Menciona el autor de “Que se muera el rock” que, a pesar de ser una tarea ardua, se puede cambiar un país, se puede buscar un despertar diferente. El arte nos enseña una manera para mostrar a las nuevas generaciones una forma distinta de pensar y de actuar. “Los rupestres por lo general son sencillos, no la hacen mucho de tos con tanto chango y faramalla como acostumbran los no-rupestres, pero tienen tanto que proponer con sus guitarras de palo y sus voces acabadas de salir del ron; son poetas y locochones; rocanroleros y trovadores. Simples y elaborados; gustan de la fantasía, le mientan la madre a lo cotidiano; tocan como carpinteros venusinos y cantan como becerros en un examen final del conservatorio”.

REDACTORES Kevin Emmanuel Perez Mendoza Carolina Guadalupe Maldonado Ruiz Kevin Venegas Venegas Alberto Barajas rojas DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN Ariadna Josefina Maldonado Ruiz CORRECCIÓN DE ESTILO Kevin Venegas Venegas

Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación ERRE. IMPRESA EN MÉXICO-PRINTEND IN MEXICO TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS ONCE DIECIOCHO


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E C I D ÍN

TA ES COPE D L S R E KA E REB DR A. HEFNE OWS T A 31 HUGH PONIA AM R A 10 TAG 32 ELENA EVAR U PEN RTÓN 12 33 CHE G CA IAO E 6 1 D C 34 AS ELLA OM DE 8 IVO EBEL B 1 C AS D S E R R E VE O FR DO SUB MÉXIC TERIO OH UTILA M IS DE DEL LOI 5 36 MAG U N L CE ES 2 38 CIÓ T 6 2 CAN N CE NO NO I 27 S E S C G IN 28 VO ARL OSA D UR CURI SA 29 O Y L SOY R & RO KIL GE GIN

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PENTAGRAMA Un lenguaje universal replicó por generaciones la historia de esclavitud, genocidio y resistencia. La música como vía de expresión y reconocimiento a través de la experiencia de una trinitaria Debido al colonialismo, genocidio, esclavitud y la mano de obra extranjera contratada, gran parte de nuestra historia en américa no fue escrita por nosotros, no se escribió nada, fue desacreditada o fue destruida cuando se escribía. Por tanto, la música ha sido la vía para registrar gran parte de nuestra historia en américa: a través del sonido y la canción. Es vital que todo el caudal de nuestro patrimonio musical esté al alcance de nuestro pueblo. Necesitamos interiorizarlo y utilizarlo como referencia mientras seguimos creando y representándonos mediante el sonido. En la medida en que es en el recinto de la congruencia de la técnica compositiva en donde el sujeto y el objeto están confrontados, en la medida en que es en su imbricación en donde están sometidos a control; la dialéctica misma, al decir de Adorno, se ha desasido de su ciego nivel natural y se ha vuelto practicable: la suma rigurosidad de la técnica compositiva se devela en última instancia como libertad suma, es decir como la libertad del hombre para disponer de la música.

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CASAS DE CARTÓN Que triste se oye la lluvia en los techos de cartón. Que triste vive mi gente en las casas de cartón. Viene bajando el obrero casi arrastrando sus pasos por el peso del sufrir. Mira que mucho ha sufrido ONCE DIECIOCHO

mira que pesa el sufrir Arriba deja la mujer preñada abajo está la ciudad y se pierde en su maraña Hoy es lo mismo que ayer, es un mundo sin mañana. Que triste se oye la lluvia

en los techos de cartón. Que triste vive mi gente en las casas de cartón. Niños color de mi tierra con sus mismas cicatrices millonarios de lombrices y por eso... que triste viven los niños en las casas de cartón.

Que alegres viven los perros, casa del explotador. Usted no lo va a creer pero hay escuelas de perros y les dan educación pa’ que no muerdan los diarios,

pero el patrón hace años muchos años que está mordiendo al obrero. Que triste se oye la lluvia en los techos de cartón que lejos pasa la esperanza en las casas de cartón.


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OBRA DEL CANTO Y LA TROVA ESPAÑOLA Y LATINOAMERICANA MICHELL ZAVALA

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uestro pentagrama musical es un tributo hoy a la lucha guerrillera de toda nuestra América, en un panamericanismo musical, especialmente, un tributo a El Salvador y su guerra interminable, esa guerrilla sostenida por el pueblo durante años, y el imperialismo que reclutó a sus niños durante décadas

para hacerlos enemigos de los ideales de su pueblos. ¿Cuál sería la finalidad del autor al escribirla? Fue escrita por el fallecido Alí Primera, cantante y compositor venezolano que con sus trabajos aprovisionó de combustible a la popularidad de Los Guaraguao. Esta canción, de poética sencilla, describiría la vida miserable en los cinturones de miseria.

IMPACTO EN SU TIEMPO

En el Salvador, Casas de cartón fue una canción prohibida por el gobierno. Estuvo unos días en radio, pero luego se dejó de escuchar. Fue una canción revolucionaria de los años setenta del siglo pasado, pero su letra sigue actual: el patrón hace años que sigue mordiendo al obrero. Los guerrilleros la cantaban en silencio en las noches para darse fuerza para seguir en su lucha y era esta misma la que se cantaba en los entierros clandestinos de los compañeros caídos. Si lo jóvenes reflexionaran esta canción serían más jóvenes y más revolucionarios. Pero la escuela ya no produce gente así, a lo sumo, sumisos.

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Bella ciao T

odo verdadero fan de “La casa de papel”, la popular serie española sobre unos atracadores que intentan perpetrar un asalto multimillonario en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, conoce “Bella Ciao”, la canción que los protagonistas entonan en momentos clave de la trama. La canción se escucha por primera vez cuando Berlín obliga a El Profesor a prometerle que no se dejará atrapar si las cosas se ponen

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difíciles en el atraco. Una vez dentro de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, los atracadores cantan el “Bella Ciao” al excavar el túnel que les llevará a la libertad. “Bella Ciao” también acompaña a Berlín en el enfrentamiento final con la policía. “Bella Ciao” (Adiós, bella) tiene mucha historia, pero no solo dentro de la serie. Fue un himno de la resistencia italiana contra el fascismo de Benito Mussolini y las tropas nazis durante la Segunda Guerra Mundial.


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HIMNO

INTERNACIONAL Una historia de luchas resuena en las calles BBC MUNDO

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omo la belleza de algunas flores, hay himnos que están destinados a no morir nunca. Es el caso de Bella Ciao, el canto partisano italiano que los grupos de la resistencia cantaban contra los fascistas durante la II Guerra Mundial. “Bella ciao” es el himno de aquellos que luchan para revolucionar el mundo y prohibir toda forma de opresión (racismo, machismo, LGBTfobia, etc).

¡Qué vengan muchas versiones que arrullen todos nuestros sueños! Una canción de lucha de todos los oprimidos no puede y no debe ser utilizada para oprimir. “Esta es la flor del partisano, muerto por la libertad”. Así reza en su último verso Bella Ciao, una canción que nos recuerda que, como la belleza de algunas flores, hay ideas destinadas a no morir nunca.

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El origen de “Bella Ciao” podría ser incluso más antiguo. Algunos apuntan que la melodía es una adaptación de una balada klezmer, género que surge de la tradición musical de los judíos askenazis —judíos de Europa oriental—. El acordeonista ucraniano Mishka Ziganoff registró su canción “Oi oi di koilen” en Nueva York en 1919. Al escuchar esta melodía en yiddish (dialecto de las comunidades judías del centro y este de Europa) pueden reconocerse varias similitudes con el “Bella Ciao” de la resistencia italiana. Según esta versión, fue un inmigrante italiano en Estados Unidos quien llevó la pegadiza balada a Italia. Según otra nterpretación, la canción surge de los cantos populares de las trabajadoras de los campos de arroz del valle del río Po, al norte de Italia, en el siglo XIX. Canciones populares como “Picchia alla porticella” y “Fior di tomba” tienen fragmentos que recuerdan mucho al “Bella Ciao”.

La historia de “Bella Ciao” no acaba ahí. En los años 60, la canción se convirtió en un popular himno durante las manifestaciones obreras y estudiantiles en Italia. Más recientemente, durante la última movilización en Buenos Aires, los empleados bancarios que reclamaban un aumento salarial adaptaron la letra de “Bella Ciao” y cantaron al gobierno “somos bancarios, queremos aumento y Macri chau, Macri chau, Macri chau chau chau”, similar al “adiós bella, adiós, adiós” que se entona en la popular canción. También se hicieron varias versiones de la canción, que incluyen la de la italiana Giovanna Daffini, la del cantautor francés Yves Montand y la del español Adolfo Cebrián. Al otro lado del Océano Atlántico, durante el gobierno de Salvador Allende en Chile a comienzos de los 70, el grupo Quilapayún adoptó “Bella Ciao” como canción protesta. También ha entrado en el mundo del punk y del ska. Los argentinos Argie han incluido una versión punk de Bella Ciao en su disco Siempre Alerta, mientras que los italianos Talcorinden homenaje al himno antifascista en modo ska.

HIMNO INTERNACIONAL

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Utilizar la canción como consigna es una tradición tan antigua como ella misma. Hay polémicas en torno a los orígenes de “Bella ciao”. Se piensa que haya surgido a fines de los años 1800, como canción de lucha de los campesinos italianos. Sin embargo, “Bella ciao” se volvió inseparable de la lucha de clases a partir de las protestas contra la Primera Guerra Mundial, en 1914, y en los años 1920, cuando fue adoptada por la Resistencia Italiana contra el fascismo de Benito Mussolini. La canción fue retomada en innumerables batallas internacionalistas. También fue himno de la Resistenza en las batallas de los patigiano (guerrilleros de la resistencia), dirigidas por el Partido Comunista contra el nazismo y el fascismo en la Segunda Guerra Mundial.

A TRAVÉS DE LOS AÑOS

Hasta Los Simpson cantan ahora la canción, gracias al divertido montaje de un fan que une extractos de la serie para mostrar a sus personajes entonando la melodía.

La letra italiana de aquella época cuenta la historia de un hombre que le dice adiós a su amada y se va a luchar: “Una mañana me levanté / Querida, adiós, querida, adiós, querida, adiós, adiós, adiós / Una mañana me levanté / Y encontré al invasor / […] Y si muero como un miembro de la Resistencia / Querida, adiós, querida, adiós, querida, adiós, adiós, adiós.” La canción resurgió de forma explosiva en las manifestaciones de la juventud y de los trabajadores en los rebeldes años 1960. En Brasil, como en toda América Latina, la represión y la censura dictatoriales hicieron que la canción fuese prohibida, lo que intensificó su propagación entre la militancia de izquierda. Una versión teatral, montada en 1982, se transformó, por sí sola, en un acto de protesta e, invariablemente, noche tras noche, todo el público se levantaba, con los puños izquierdos en alto, para entonar la canción junto con los personajes. Más recientemente, la canción resonó en gigantescas manifestaciones y procesos revolucionarios. Fue cantada en las plazas y calles durante la Primavera Árabe e impulsó a los griegos durante sus huelgas.

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ORIGEN DISPUTADO

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Tom Waits ‘Bella Ciao’ no muere nunca Tom Waits es el último en cantar este himno partisano italiano que este año es símbolo universal de la resistencia contra la ultraderecha

Tom Waits, en un concierto en París en 2008. FERNANDO NAVARRO

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sta canción sin autor reconocido podía haberse quedado enterrada en la memoria colectiva, como tantas composiciones tradicionales que tuvieron un significado determinado en la historia de un colectivo, una comunidad o un país. Como por arte de magia, Bella Ciao ha cobrado nueva vida en 2018, mucho tiempo después de que fuera cantada por primera vez, allá por el siglo XIX por trabajadoras de los arrozales del Valle del Po, en el norte de Italia. Tom Waits ha sido el último en rescatarla. Su voz cavernosa entona los versos en inglés de una canción que, como en las mejores fábulas, guarda las mismas dosis de idealismo y lucha. A diferencia del tradicional aire de marcha guerrera y triunfal de la versión más conocida, su interpretación suena tierna y cruda, como en esas baladas noctámbulas tan suyas, perfectas para escucharse en lo profundo de una cantina abandonada en un bosque. Guarda la atmósfera de esa parte de su personalísimo cancionero que podría llamarse vagabundo: cantos bastardos con un esqueleto de folklore.

Se trata de un álbum que incluye también colaboraciones de Steve Earle, Tift Merrit o Justin Vivian Bond cantando himnos de los derechos civiles o baladas de protesta mexicanas con el fin de desafiar las políticas de Donald Trump. A principios de junio, un grupo de viajeros comenzó a cantarla a pulmón abierto cuando reconocieron al ministro de Interior italiano, el ultraderechista Matteo Salvini, en el aeropuerto de Roma Fiumicino. Salvini ha tenido gravísimos gestos con los inmigrantes, a los que comparó con “esclavos”, y su política migratoria ha sido acusada de incitar al odio por la Unión Europea. Pero no sólo eso: Bella Ciao también fue entonada por organizaciones del Consejo Estatal del Pueblo Gitano en la puerta de la Embajada italiana en España. Incluso muchos han conocido la canción por formar parte de la exitosa serie de La Casa de Papel, la que tiene el concepto de resistencia como hilo conductor de varios de sus personajes cuando intentan atracar la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre en España. ONCE DIECIOCHO

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OH! FREEDOM

Fueron robados, comercializados, abusados y vistos como otra especie. A 50 años del asesinato de uno de sus mayores defensores, Martin Luther King Jr.

OH, FREEDOM Oh, freedom, Oh, freedom Oh freedom over me And before I’d be a slave I’d be buried in my grave And go home to my Lord and be free. No more weepin,(don’t you know), no more weepin No more weepin over me And before I’d be a slave I’d be buried in my grave And go home to my Lord and be free. Oh freedom Oh, freedom, Oh, freedom Oh freedom over me And before I’d be a slave I’d be buried in my grave And go home to my Lord and be free. And before I’d be a slave I’d be buried in my grave And go home to my Lord and be free.

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ÁLVARO LÓPEZ FRANCO

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a consecución de derechos civiles e igualdad ante la ley de quienes no gozaban de ella en EE.UU. llegó después de casi dos siglos de historia. Nos centramos en la representación de este movimiento en algunos ejemplos de la música afroamericana. Suena una voz, es de una mujer. Dice, en inglés, «Oh, libertad, oh libertad, libertad por encima de mí». No lo recita, sino que lo canta con una voz poderosa y de manera pausada, sin prisa. Luego continúa con «y antes que ser esclava seré enterrada en mi tumba». Termina diciendo «y volver a casa ante mi señor y ser libre». Luego, a su voz se añade un coro de personas, sin más instrumentos que sus voces, que continúan cantando por la libertad. La consecución de derechos civiles e igualdad ante la ley de quienes no gozaban de ella en Estados Unidos, especialmente la población negra, llegó después de casi dos siglos de historia como país independiente. En cualquier caso, aunque se considera la fecha del asesinato del reverendo Martin Luther King como el cul-

men del proceso, todavía hoy continúan esforzándose multitud de colectivos y organizaciones para que dicha igualdad sea efectiva. Hoy somos testigos en todo el mundo de los abusos policiales, por ejemplo, en Baltimore o Ferguson. A pesar de lo mediático del asunto, y de todos los debates que se pueden generar en torno a él, lo que hoy querría destacar es el uso de la canción y de otras manifestaciones de cultura popular relacionadas con el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. La canción que citaba al principio de este texto se llama Oh Freedom. Mantiene la estructura tradicional de la canción espiritual, que se popularizó en el siglo XIX por parte de trabajadores afroamericanos que, normalmente, eran esclavos o se veían perjudicados por algún tipo de discriminación. El origen estaba en himnos cristianos protestantes, que se adaptaron en sus letras a los problemas a los que esta comunidad se enfrentaba y en la música a la evolución de la canción negra en Estados Unidos.


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Oh, freedom, Oh, freedom Oh freedom over me And go home to my Lord AND BE FREE

Hay que decir que la primera grabación de Oh Freedom data del año 1931, y fue interpretada por E. R. Nance Family con Clarence Dooley, y se bautizó como Sweet Freedom. En su origen, estas melodías eran difundidas de manera oral, y pasaban de generación en generación. De ahí que se utilizara otro nombre la primera vez que se grabó. No cuesta imaginar a los esclavos que trabajaban en grandes campos de algodón o en cualquier otro tipo de plantación en Estados Unidos, especialmente en el sur, cantando este tipo de melodías al anochecer o en diferentes momentos de la jornada. Su valor social puede analizarse desde diferentes prismas. Por un lado, servían a la cohesión entre los miembros del grupo, que se veían identificados con una misma realidad. También ponía de La madre de Emett Till sufre un colapso cuando el manifiesto una aspiración y cuerpo de su hijo llega después de su tortura y asesinato unos objetivos que, a través de la música, eran compartidos e interiorizados. el ánimo, único respaldo que tenían El mensaje simbólico de la libertad ante la espalda, golpes o discriminación por encima de mí y el de «habrá gloria que les ofrecían las autoridades. No sobre mí», que encabeza una de las es- fue la única canción entonada en este trofas, tiene un poder indudable sobre movimiento, pero sí podría ser una de

las más significativas respecto a su mensaje tan vinculado a la búsqueda de la libertad. Por ejemplo, el pianista de jazz Oscar Peterson compuso el Himno a la Libertad, Hymn to Freedom, que transmite el mensaje de que la unión y la comprensión mutua entre todos será lo que permitirá que seamos verdaderamente libres. Son sólo dos ejemplos de lo que se transvasó del movimiento por los derechos civiles iguales para todos, con independencia del color, a la tradición musical norteamericana, de marcado carácter afroamericano (Oscar Peterson era canadiense). Acontecimientos como el brutal e injustificado asesinato —si es que alguno puede justificarse— de Emmet Till en 1955, o el famoso caso de Rosa Parks —que se negó a ceder su sitio a un blanco en el autobús, en Montgomery— fueron los que prendieron la mecha del cambio en la legislación para proporcionar los mismos derechos a toda la población. Pero en la tradición popular, que se identifica claramente con la música, había voces que clamaban por ello mucho antes. ONCE DIECIOCHO

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Canción del

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Armando Palomas Luna tú como vez no tengo pies pues me los corto un juez. Luna de mis hermanos no tengo manos me las carcomieron los gusanos. Luna no tengo tripas ni tengo vientre me lo clausuraron para siempre. Luna no tengo lengua ni tengo boca me la taparon con estopa. Y me dicen mil nombres para detenerme porque no pienso igual que toda la gente que ve televisa y yo ni de broma veo teleneovelas gavilan o paloma. Y me dicen cholo, pacheco, pasado hippie, punketo, mechudo, rapado muestrario de aretes poeta frustado pintor de segunda y tercera mano skato, sandino, rockero, tumbado marquista, guevaro, rojillo tatuado

loco, orate, avionado y demente y todo por pensar diferente. Pero tengo calzones pero tengo pasión tengo fe, pantalones y una que otra canción Yo quiero un cambio y una revolución. Y aunque no tenga pies ni manos, ni boca tengo una guitarra que toca y que toca la misma canción. Que dice viva, viva la revolución que dice viva, viva la revolución que dice viva, viva la revolución. Y aunque no tenga pies ni manos, ni boca tengo una guitarra que toca y que toca la misma canción. Que dice viva, viva la revolución, que dice viva, viva la revolución, que dice viva, viva la revolución.

¡Viva la revolución! ONCE DIECIOCHO


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Armando Palomas ERICK MONTERO

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anción del mutilado es un tema original del Palomas, en el cual refleja el sentimiento de andar contra corriente pese a todo y con todos en contra, pues si bien la recompensa por dedicarse a eso que llamamos “rocanrol” es algo a lo cual todo mundo aspira, lo cierto es que muy pocos resisten el andar por tan duros caminos, pues cuando todo el mundo quiere disfrutar del resultado, pocos son los que verdaderamente están dispuestos a hacer el trabajo. Es una canción de descontento, habla de una sociedad que la ha pasado mal, a la cual se le han negado muchas cosas, la forma en que se discrimina a la gente… es hablar en contra de un sistema, para darle voz a quien no la tiene, alas a quienes quieran volar, y que ha pesar de todo es un cúmulo de gente que no da su brazo a torcer. Sí, se necesitan huevos para señalar lo que está mal, “porque la sociedad está jodida, está manipulada por las novelas, el futbol, los noticiero. Debes de tener los pantalones para no ser un títere y conformarse con una pantalla o un frutsi.

¿QUIÉN ERES?

Hola, me llamo Armando y soy alcohólico (pero feliz). Soy un huevón que nunca ha trabajado, sólo sé hacer canciones y cantar los fines de semana. Regularmente me levanto tarde. Me caga la televisión. Bebía cerveza cuando era adolescente y ahora, más viejo, bebo cosas más fuertes pero conservo el vicio de tomar café por las mañanas. Soy un ex adicto a la cocaína. Soy una bomba de tiempo. No sé en qué estado se encuentren mis arterias, porque no me gusta el ejercicio y mucho menos el aire

limpio del campo. Soy un animal de asfalto. Vivo en los hoteles que son ya una extensión de mi casa. Vomito antes de salir al escenario, me emborracho, canto, regreso a la habitación del hotel y me duermo con la esperanza de que la botella sea eterna. Me despierto, me bebo una michelada y me emborracho en la carretera. Me gasto el saldo de los celulares de todos los que me acompañen, para marcarles a mis ex novias ya casadas. Las hago reír. Me gusta que me respondan en voz bajita y me digan: “Palomas, nunca cambiaste”.

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NEORUPESTRE

HASTA LA

MADRE

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rmando Palomas, alias Armando Jiménez Veloz, representa al llamado Movimiento Rupestre y sus canciones tienen la característica de hacer una descripción de la vida tal como el músico la percibe a su alrededor, agregándole una fuerte de dosis de ingenio y sarcasmo. Cabe señalar que el Movimiento Rupestre surge en nuestro país en la década de los ochenta, en el cual debido a la falta de recursos, los exponentes se hacían acompañar únicamente de guitarra, teclado o armónica, destacando el contenido irónico y social en sus composiciones. Las groserías mexicanas son hermosas: engloban en unas cuantas palabras toda una idea. Son letras que se escuchan día a día en cualquier lado de la Ciudad de México: en el metro, en el mercado, en los camiones y las iglesias; en voz baja cuando una mamá regaña a su hijo mientras lo pellizca en “secreto”, entre dientes y al oído del niño diciendo: “—Chingá contigo, verás cuando lleguemos a casa.”

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“Que se muera el rock de la televisión y que viva el mambo locos”

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ELULOIDE

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VOCES

INO CEN

TES FRANCESC RELEA

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uenta la historia de chava (carlos padilla); un niño de once años que atrapado por las circunstancias tiene que convertirse en “el hombre de la casa”, después de que su padre los abandonara en plena guerra civil.Reclutaban niños de doce años sacándolos de sus escuelas. Si chava tiene suerte, aun le resta un año de inocencia, un año antes de que él también sea enrolado y luche la batalla del gobierno contra los rebeldes del ejército. La vida de chava se convierte en un juego de supervivencia, no solo de las balas de la guerra, sino también de los efectos desoladores de la violencia diaria. Mientras lucha por encontrar trabajo para ayudar a su madre soltera a pagar sus cuentas, experimenta el primer amor por una hermosa compañera de clase, el pequeño pueblo de chava se transforma en campo de juego é campo de guerra. Con el amor de su madre como única arma, una pequeña radio que transmite un prohibido himno de amor y paz, y con la imposible decisión de tener que unirse al ejército o a los rebeldes, chava encuentra el coraje para mantener su corazón abierto y su espíritu vivo en su carrera contra el tiempo.

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NO

Año: 2012 Duración: 116 min. País: Chile Dirección: Pablo Larraín Guion: Pedro Peirano

Reparto: Gael García Bernal, Alfredo Castro, Luis Gnecco, Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Alejandro Goic y más.

LUIS JOSÉ

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n 1988, ante la presión internacional, el dictador chileno Augusto Pinochet se ve obligado a organizar un referéndum de apoyo a su presidencia en 1988. Los líderes de la oposición convencen a René Saavedra, un joven y atrevido ejecutivo publicitario, que se encargue de la campaña a favor del no. A pesar de disponer de recursos muy restringidos y del férreo escrutinio de la policía del déspota, Saavedra y su equipo llevan a la práctica un plan audaz para ganar las elecciones y liberar el país de la opresión.

TRAMA

Después de 15 años de dictadura militar y enfrentando una considerable presión internacional, el gobierno de Chile exhortó a la ciudadanía a votar en el plebiscito nacional de 1988, sobre si el general Augusto Pinochet debería permanecer en el poder por otros 8 años o si debía darse paso a una elección presidencial al año siguiente. René Saavedra, un exitoso publicista, es abordado por el comité del lado

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del No para consultas sobre su propuesta publicitaria. A espaldas de su políticamente conservador jefe, Saavedra accede. Atraído con este desafío de mercadeo propone un enfoque promocional alegre y optimista, destacando conceptos abstractos como “felicidad” para enfrentar preocupaciones de que votar en un referendum bajo una notoriamente brutal junta militar podría ser peligroso y políticamente sin sentido.

El jefe de Saavedra, Lucho, se entera de las actividades de su empleado. Cuando Saavedra rechaza una oferta para volverse socio si renunciaba a la campaña, Lucho va a dirigir la campaña del Sí como un asunto de supervivencia. La campaña tuvo lugar durante 27 noches de anuncios televisivos. Aunque el gobierno trató de interferir con la campaña del No con más intimidación y censura evidente, Saavedra y su equipo usan esas tácticas a su favor en su estrategia de mercadeo y la simpatía pública se inclina hacia ellos. Mientras la campaña se calienta en los días finales con el No respaldado por celebridades internacionales y ampliamente populares conciertos callejeros, incluso los ataques policiales no logran desanimar a la campaña del No, reduciendo al lado del Sí a parodiar desesperadamente los anuncios del No. En el día del referendum, temporalmente aparece que el Sí lleva la delantera, pero el resultado final resulta ser una victoria del lado del No.


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KILL YOUR DARLINGS SERGIO BURSTEIN

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ientras asiste a la Universidad de Columbia en 1944, la vida del joven Allen Ginsberg (Daniel Radcliffe) se pondrá patas arriba cuando ponga sus ojos en Lucien Carr (Dane DeHaan), un compañero de clase extremadamente guapo y engreido que se comporta con el mayor refinamiento. Carr introducirá a Ginsberg en su mundo bohemio y le presentará a William Burroughs (Ben Foster) y a Jack Kerouac (Jack Huston). Los cuatro comenzarán a rechazar las reglas de lo políticamente correcto y decidirán desafiar a la sociedad de momento, formulando los postulados que más tarde darían lugar a la Generación Beat.

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CASIMIRO TORREIRO

SOY CURIOSA - AMARILLO: La película es una mezcla entre ficción y documental en la que se nos muestra a una joven, Lena, que analiza la sociedad sueca de los años sesenta. Lena quiere comprender la sociedad en la que vive, sus contradicciones y sus cambios, y se esfuerza por obtener respuestas sobre todas las cosas. Hace preguntas a la gente de la calle, líderes sindicales y políticos sobre temas como la posición de Suecia ante la guerra del Vietnam o ante la dictadura de Franco, sobre la ONCE DIECIOCHO

SOY CU RIO SA

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s una de las películas más controvertidas del cine sueco. Este destacado documento sobre la sociedad sueca durante la revolución sexual ha sido catalogado como obsceno y revolucionario. Rompe en pedazos los tabúes y traspasa la línea que separa realidad y ficción. Dos películas en paralelo, con los mismos personajes y la misma historia... Aunque dos películas diferentes.

no-violencia o sobre el sistema de clases. Organiza demostraciones públicas y funda un instituto en su propia habitación con el único fin de encontrar respuestas a sus preguntas.

SOY CURIOSA - AZUL Soy Curiosa - Azul se desarrolla en paralelo a Soy Curiosa - Amarillo. Continúan los esfuerzos de Lena por comprender la sociedad sueca. En esta ocasión sus preocupaciones giran alrededor de asuntos como la religión, la sexualidad y el sistema de prisiones, a la vez que mantiene la exploración de sus propias relaciones personales. De la misma forma que en Amarillo, Azul atraviesa libremente las líneas que separan realidad y ficción, empleando una mezcla de técnicas propias del drama y del documental. exploración de sus propias relaciones personales. De la misma forma que en Amarillo, Azul atraviesa libremente las líneas que separan realidad y ficción, empleando una mezcla de técnicas propias del drama y del documental. Y por encima de todo, y eso es lo que lo hace un producto tan estimulante hoy como entonces, la absoluta libertad con que está construido.


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GINGER & ROSA Crecer en tiempos de guerra CRISTINA BRINGAS

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urante la Guerra Fría y el constante temor de una bomba nuclear, dos familias se unen por las “coincidencias” políticas y conviven hasta crear vínculos ineludibles entre ellas. Ginger y Rosa son las hijas de la depresión y de estas dos familias, cuyos lazos sobrepasan la amistad para convertirse en cómplices. Rosa es una chica sin padre, y con la inquietud de una adolescente curiosa; Ginger es hija de un hombre de principios firmes, pacifista y liberal y su madre es un ama de casa frustrada. Ambas chicas, en plena adolescencia, viven sus cambios de edad en un ambiente complejo, cuando la sociedad se halla sumergida en la Guerra Fría, casi encontrándose con la liberación sexual. Así, sus conversaciones no versan sobre moda y chicos, sino sobre política, religión y el miedo a la muerte, contrapuesto por la necesidad de hacer algo por preservar la vida y cambiar al mundo. Ginger y Rosa son como el Yin y el Yang, una, discreta y de principios sólidos; otra, curiosa y rebelde. Una, pelirroja; otra, de cabello negro. Una, política, y la otra, sexual. Junto a ellas, los opuestos continuamente presentados: una mujer abandonada, madre soltera y fuerte; la otra, casada, sintiéndose mujer-florero, ama de casa. Una mujer ignorada y dependiente, y su marido, pacificista y ateo, sin vínculos. Una sociedad cerrada en guerra, y una pareja de homosexuales viviendo una vida “feliz”. Todos estos conceptos hechos personajes retratan un capítulo en la vida de la humanidad, en donde, pese a todo, lo importante es tener un día más de vida, aún cuando el miedo ronda en todos los hogares. Las vemos usar la misma vestimenta, caminar igual, moverse y gesticular como si fueran una, y poco a poco, sus diferencias culturales y familiares las van separando cada vez más, hasta que sus vidas cambian radicalmente. En la guerra, las familias a veces se desintegran, los países se enfrentan por intereses y todo lo que está alrededor se afecta. Ginger y Rosa sentían un amor fraternal, que se convierte en una pequeña guerra, a través de enfrentamientos que las distancian y que tal vez nunca se imaginaron que sucederían.

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BERTHA MUÑOZ MIER

DRA. ESCO P E TA JESÚS LÓPEZ

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ertha Elena Muñoz Mier no nació en Oaxaca. Pero se hizo oaxaqueña. Nació en Morelia, Michoacán, el cinco de julio de 1945. Estudió y vivió en esa ciudad hasta que se graduó con una especialidad en epidemiología. En 1975 emigró a la capital de Oaxaca y empezó a dar clases en la Facultad de Medicina y Cirugía de la UABJO. También trabajó en el Hospital Civil, Aurelio Valdivieso. La vocación social de su práctica y su docencia fueron claros desde el principio: «Soy de Morelia, pero oaxaqueña por elección y conozco a fondo el estado. Según sus propias declaraciones, La Cruz Roja oaxaqueña se negó a curar a los heridos por bala y ella no pudo aguantarlo más. Cuando el movimiento se replegó en la universidad, decidió entrar a la locución. Se le podía escuchar previniendo a las personas para que no cayeran en provocaciones de la policía, mas también arengando para continuar la resistencia. Hay otras versiones que dicen que el Quizá por eso fue apodaapodo fue puesto por sus estudiantes desde da la Doctora Escopeta, 1998, debido a la franqueza y frontalidad sobrenombre puesto por con la que la voz de la doctora se proyecallegados a Ulises Ruíz que taba. El poder no le perdonó la resistencia. pretendía desprestigiarla Empezó a ser acosada; “Te vamos a cortar por “violenta”, sin embargo, la lengua”, “Te vamos a violar con el micróel mote fue reivindicado en fono”, la amenazaban. Luego del enfrentamuchas ocasiones y ahora miento del Día de Muertos, decidió exiliarqueda como muestra de la se de Oaxaca y del país. En diciembre de acción que Bertha Muñoz 2006 salió con rumbo a Bolivia. tomó durante el conf licto. “¡A todos les pedimos que traigan botellas, trapos, clavos, hay que defendernos de estos malditos, ladrones, violadores!” dijo alguna vez la doctora. Se le juzgó por ello y quizá de allí viene su polémica reputación. Su hijo Víctor explicó que a Bertha Muñoz la quisieron utilizar como bandera política y que por eso no asistió al homenaje que en vida le hicieron. Habló en contra, igualmente, de Marcelino Coache Verano, líder de la APPO, y de Flavio Sosa que según ella vendieron al movimiento. Quedan, sin embargo, sus palabras al despedirse y tal vez sea la unívoca manera de recordarla: “Si están viendo esto es porque ya no estoy, muero tranquila… la vida no me debe nada, ni yo le debo a la vida… amo Oaxaca por encima de todas las cosas”.

“Despacito, muy despacito, sin darme cuenta, amo oaxaca por encima de todas las cosas” ONCE DIECIOCHO

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ugh Hefner, el hombre que creó la revista Playboy y la convirtió en un emporio de los medios de comunicación y la industria del entretenimiento. La vida de Hefner y la historia de la marca Playboy fueron inseparables. Ambos eran considerados como emblemas de la revolución sexual, un escape ante la pacatería estadounidense y ejemplos de una tolerancia social más amplia. También fueron ridiculizados a lo largo de los años siendo calificados de ser vulgares como adolescentes, explotadores y finalmente anacrónicos. El primer ejemplar de Playboy fue publicado en 1953, cuando Hefner era un hombre casado de 27 años que recientemente se había convertido en padre. Solía decir que

se casó con la primera mujer con la que tuvo sexo. Hefner fue vilipendiado, primero por los guardianes del orden social de los años cincuenta y posteriormente por las feministas. No obstante, la circulación de Playboy alcanzó un millón de revistas para 1960 y llegó a su punto más alto con alrededor de siete millones en los años setenta. En “la filosofía Playboy”, una mezcla de argumentos liberales y de libertinaje que Hefner escribió en 25 entregas en 1962, su mensaje era sencillo: la sociedad tiene la culpa. Sus causas —derecho de abortar, despenalización de la marihuana y, lo más importante, el rechazo a las leyes sexuales del siglo XIX— fueron atrevidas en esa época. Diez años después, eran normal.

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Hugh

Hefner

Símbolo de la revolución sexual

LAURA MANSNERUS

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ELENA ISABEL GARCÍA

PONIATOWSKA

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s conocida como la gran dama de la literatura mexicana, pero ella cuando se presenta antes que escritora dice ser “periodista”. Comenzó su carrera en la década de 1950 y vivió en carne propia lo difícil que es ser mujer en dos rubros bastante machistas: el periodístico y el literario. No es coincidencia que las grandes protagonistas de sus novelas sean mujeres de carácter fuerte. “Es un gran mundo de mujeres olvidadas”, asegura la autora, galardonada con el Premio Cervantes en 2014. “No sólo olvidadas, sino muy expuestas, consideradas locas. En México las mujeres que se salían fuera del camino establecido eran satanizadas, tenían una vida muy dura y acababan enloqueciendo de tanto que sentían que eso era lo que el público quería que ellas fueran, que demostraran con su vida que ellas no eran normales”.

co”, uno de los referentes del movimiento estudiantil y de la matanza. En él hablan los estudiantes, padres de familia, profesores, pero también soldados y políticos. Poniatowska, de origen aristocrático, no recuerda si cumplió los 10 años ya en México, o todavía en el barco en el que su madre la trajo desde Francia, huyen-

«no es el deseo de poseerla, sino esa profunda melancolía que sentimos por todo lo que no es, por todo lo que no alcanza su plenitud. Es la tristeza del arroyo seco, ese caminito que se retuerce sin agua. Del túnel en construcción y nunca terminado, de las caras bonitas con los dientes manchados. Es la tristeza de todo lo que no está completo».

do de la Segunda Guerra Mundial. Se declara seguidora del presidente electo Andrés Manuel López Obrador, a quien apoyó en sus campañas. “Le tengo una gran esperanza”, dice. ntonces, y como para recordarle sus orígenes en la realeza europea, la Poniatowska va por el universo con el sobrenombre de la princesa roja. «Lo que las hace llorar», asegura,

«Muchas veces la gente llora porque encuentra las cosas demasiado bellas», ha escrito Elena Poniatowska

LA NOCHE DE TLATELOLCO

Elena Poniatowska es una de las voces de referencia sobre el movimiento estudiantil de 1968 en México. Su libro, “La Noche de Tlatelolco”, recoge los testimonios de la matanza de estudiantes que marcó la historia del país y que este 2 de octubre cumple 50 años. La escritora y periodista llegó a la Plaza de las Tres Culturas, en Tlatelolco, en la Ciudad de México, la mañana siguiente de la matanza de estudiantes del 2 de octubre de 1968. “Cuando llegué estaban todavía los tanques y los soldados en la plaza. Había muchos vidrios rotos y muchos zapatos tirados”, le cuenta a BBC Mundo Poniatowska, de 86 años. A partir de ahí, comenzó a construir su libro, “La noche de Tlatelol-

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CHE GUEVARA "Es mejor morir de pie que vivir de rodillas" GABRIELA PONTE

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“Si usted es capaz de temblar de indignación cada vez que se comete una injusticia en el mundo, somos compañeros”

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de octubre de 1967, Ernesto "Che" Guevara, un héroe revolucionario, fue capturado en una batalla en la jungla de Bolivia. El Che lideraba las guerrillas bolivianas y cubanas en una lucha para liberar a Bolivia de la explotación capitalista e imperialista. El 9 de octubre, el ejército boliviano, a instancias de la CIA, ejecutó al Che. Tratando de ocultar la ejecución sumaria, los soldados le dispararon varias veces en la pierna. El cuerpo del Che fue fotografiado y exhibido en una exhibición espantosa de arrogancia imperialista. Che y Fidel Castro, líder de la revolución cubana, fueron vistos como héroes para los oprimidos de América Latina, África y Asia. Por eso los imperialistas sintieron que era necesario exhibir el cuerpo del Che.

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Aunque el Che fue asesinado en la batalla, el legado revolucionario de su carrera como guerrillero y pensador comunista perdura. A pesar de décadas de difamación durante su muerte y su comercialización, el Che sigue siendo un potente símbolo de la lucha revolucionaria por la liberación nacional y el socialismo. Nació el 14 de junio de 1928 en Rosario, Argentina, el mayor de cinco hijos. Sus padres, Ernesto Guevara Lynch y Celia de la Serna, participaron en campañas políticas. Celia de la Serna era una ardiente feminista. Mantuvo reuniones interminables en su propia casa durante las muchas luchas lideradas por mujeres argentinas durante los años veinte y treinta. Ernesto Guevara Lynch inscribió al Che, a los 11 años, en un grupo juvenil antifascista llamado Acción Argentina.


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