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Historia de la mĂşsica negra


Historia de la mĂşsica negra


Revisión técnica: Edgar Erasmo Barbosa Álvarez Lerin Texto y diseño gráfico: Circe Oropeza Aguilar Diseño de la cubierta: Rodrigo Zenón Primero Martínez 1a. edición, 1a. impresión, 2010 Queda prohibida, salvo excepción prevista en la ley, la reproducción, distribución, comunicación pública y transformación de cualquier parte de esta publicación -incluido el diseño de la cubierta- sin la previa autorización escrita de los titulares de la propiedad intelectual y de la Editorial. La infracción de los titulares de la propiedad intelectual y de la Editorial. La infracción de los derechos mencionados puede ser constitutiva de delito contra la propiedad intelectual (arts. 270 y siguiente del Código Penal). La Editorial no se pronuncia, ni expresa ni implicitamente, respecto a la exactitud de la información contenida en este libro, razón por la cual no puede asumir ningún tipo de responsabilidad en caso de error u omisión. © Gato Negro Editores, México, 2010 Impreso en México ISSBN: 216-47-579-539-98-150 Gato Negro Editores, S.A. de C.V. Valle de Bravo 21, 53050 Naucalpan, México. Tel 5399-8150


Circe Oropeza Aguilar Rodrigo Zenón Primero Martínez

Historia de la música negra


ÍNDICE Introducción Prólogo Soul Gospel Motown Funk Rythm & Blues


INTRODUCCIÓN

L

a música, como toda manifestación artística, es un producto cultural cuyo fin radica en suscitar una experiencia estética en el oyente, e incluso puede cumplir diversas funciones como la de entretener, ambientar y comunicar. Toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, abarcando todas las sociedades y épocas; en su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y acorde a algunos estudiosos, está presente incluso antes de que éste comenzara a dispersarse desde África hace más de 50,000 años. Desde entonces ha pasado por diversas etapas: la música prehistórica, el periodo bíblico, el mundo antiguo en Egipto, Grecia, China; la Edad Media, el Renacimiento, hasta llegar a la Edad Contemporánea, donde en cierta forma pareciera que ha comenzado un nuevo ciclo volviendo a su punto de partida en África; por decirlo de alguna forma, refiriéndonos a la influencia de la música afroamericana en la música contemporánea de occidente particularmente a partir del S.XX, época en la que también tuvo una partida importante como medio de expresión de lo que sucede en la sociedad.

La música es el verdadero lenguaje universal. K. J. Weber

Desde que sus antepasados fueron traídos a América a la fuerza para trabajar como esclavos, los afroamericanos fusionaron sus múltiples tradiciones con las culturas nativas, y su música étnica compuesta típicamente de canciones polirítmicas con otros géneros tradicionales europeos.

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Esta influencia de la que hablamos es por demás amplia, y por dónde se mire, encontraremos referencias; por citar un par de ejemplos, en el estado de Luisiana, donde radicaba una gran cantidad de esclavos de color provenientes de Costa de Marfil, quienes debido a la prohibición en muchas áreas del sur de Estados Unidos, tuvieron que recurrir a la percusión mediante la palma de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y de su música característica, y así nació el Jazz. Por otro lado tenemos al Rock & Roll, fusión de dos tipos de música: el Rythm & Blues aportado por la música negra y las melodías campesinas Country aportada por la música blanca. Sin embargo, en estos claros ejemplos encontramos que el Jazz tuvo una aceptación tal que más tarde también incursionaron en el género músicos blancos; y en el caso del Rock & Roll, los blancos se apoderaron totalmente del género apoyados por una sólida estructura económica, industrial y comercial; lo que supuso la primera cultura musical estrictamente juvenil.

The Who, banda británica cuyo sonido tiene una fuerte influencia del Blues


PRÓLOGO

N

o es exagerar decir que el lenguaje musical afroamericano desde los 50s, se ha adueñado de todo el planeta, convirtiéndose en una fuerte influencia de la música de finales del siglo XX. En la década de los 50s, habiéndose introducido el Jazz, el R&B se desarrolla de gran manera y comienza lentamente su aceptación por parte del público blanco. Actores negros como Sidney Poitier y Harry Belafonte, se convierten en ídolos indiscutibles; y Dorothy Dandridge es nominada al Oscar®. El disco es ya sinónimo de música, sus ventas alcanzan cifras millonarias; y la discriminatoria etiqueta Race Music finalmente desaparece. El Gospel se introduce rápidamente en la escena gracias a voces formadas en la iglesia, ejemplos de esto son Ray Charles y Sam Cooke, quienes libres de complejos, no se preocupan de ocultar su influencia, lo que da origen a la era del Soul.

Louis Armstrong, una de las figuras más innovadoras y carismáticas de la historia del Jazz.

Durante la década de los 60s, inicia la lucha por los derechos civiles y la conciencia racial, hecho que es mucho más notorio en la música negra y junto a los movimientos políticos encabezados por Martin Luther King provocaron la revalorización de elementos tradicionales. El concepto musical Soul cobra importancia adquiriendo valor de símbolo. Los entertainers negros se convierten en ídolos de masas interraciales encabezados por Sam Cooke, The Supremes, Otis Redding y Aretha Franklin, quien posiblemente, cuando cantaba “Respect”, pensaban que simplemente narraba una desavenencia de

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carácter doméstico pero otros que escucharon toda su alma vibrando en las cuerdas vocales, tenian muy claro que alcanzaba niveles más trascendentales. Por otro lado, en Europa se descubre el R&B y nace un verdadero culto a su alrededor que fructifica en la aparición de The Beatles y The Rolling Stones, grupos de gran poder comercial que explotan y dan a conocer la música afroamericana tras un sutil proceso de trivialización. Epoca de los 70s, otra época dorada. Sigue creciendo la industria del disco y con esto desarrolla la industria del espectáculo negro, alcanzando tamaños impensables. Hombres de negocios negros invierten en artistas negros y el cine y la música negra se desarrollan prodigiosamente: Consolidando una burguesía negra en la sociedad norteamericana y las empresas entonces crean y lanzan productos para ella. El Black Message domina los Hit Parades y la búsqueda de las raíces culturales y musicales hace renacer valores y costumbres olvidadas mientras se continua investigando en el rico acervo del pasado común africano. Hay muchas conversiones al Islam, que ha adquirido valor de fuerza política, como por ejemplo los Black Muslims, entre los que destacababan Malcom X y Muhammad Ali. Aparece el SofistiSoul con artistas como Barry White. Renace con auge inusitado una dimensión de la música negra muchas veces subvalorada: la música bailable y con esto la música Disco


Con la existente crisis del petróleo aparece una necesidad de diversión a ultranza que crea un mercado enorme para las producciones del soul discotequero. El boom tiene alcance intercontinental y esto supone un paso gigante en la integración de la música negra en el mercado comercial desde que sucediera con el Rock & Roll. Para los 80s La música negra se convierte en mainstream absoluta: artistas negros como Michael Jackson baten records de ventas y popularidad y el pop blanco considera que la inclusión de elementos funkies es garantía. Desaparecen las distinciones entre pop blanco y negro. Cuando, en el 84, murió asesinado Marvin Gaye a la par que Michael Jackson se convertía en la estrella pop más grande de todos los tiempos, nos dimos cuenta de que había acabado una era. En los 90s, el Urban derivó en el R&B contemporáneo, que a finales de la década tomaría un giro hacia sus raíces dando lugar al Hip-Hop Soul y más reciente al Neo Soul con un sonido mucho más puro. En la actualidad, con artistas y productores como Timbaland, solicitado de igual forma por blancos que negros en una época en que ya no existe tal distinción y mucha gente pareciera dejar el pasado de discriminación racial como un mal sueño; mientras que otros más, prefieren recordar para que de esta forma, se aprenda de los errores y esto no vuelva a ocurrir jamás.

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SOUL


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s un término difícil de definir, pero nada difícil es saber que el Soul simboliza la revaloración de la identidad negra y de su cultura. Describir la música con palabras es tarea condenada al fracaso. Se trata de un género musical que proviene de la combinación de estilos y subestilos anteriores, como el Gospel y el R&B, las secciones de ritmo al estilo del rock, vibrantes arreglos de metales, ensamblantes sincronizados de instrumentación y vocales, también fueron sellos del sonido soul clásico. El Soul es la música que recoge el momento histórico de la integración de los negros en la sociedad americana, la identificación geográfica del soul clásico, al igual que racial, ofrece pocas dudas salvo casos aislados. El grueso de la música soul es creado por la población negra de los Estados Unidos de América, y se dice que comienza a mediados de los cincuenta.

Ray Charles, sesion en vivo en los estudios de la NBC.

Es un hecho que la música que grababa Ray Charles a finales de los 50s era prácticamente igual a lo que se llamó más tarde Soul, empero esta etiqueta no se generalizó sino hasta entrados los 60s. Charles junto a Sam Cooke y James Brown son considerados comúnmente y a grandes rasgos los pioneros del género. Mientras que Solomon Burke a inicios de los 60s con sus temas “Cry to Me”, “Just Out of Reach” y “Down in the Valley”, codificó y dió algunas de sus bases más importantes.

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En Memphis nació la compañía discográfica Stax con artistas como Otis Redding y Wilson Pickett. En 1967 llegó la revolución del Soul, acrecentada por la reivindicación de los derechos raciales y la aparición del álbum de Aretha Franklin “I never loved a man the way I love you”. Estos momentos son considerados como los de máximo apogeo del soul. Durante este tiempo artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor hicieron grandes contribuciones. Por estos momentos el fenómeno Motown estaba en lo más alto con artistas como The Supremes, Gladys Knight & The Pips, The Temptations, Stevie Wonder o Marvin Gaye. Atlantic seguía manteniendo en lo más alto a artistas como Ray Charles. En 1968 artistas como James Brown y Sly & The Family Stone empiezan a dar un nuevo sentido al Soul; debido a la muerte de Marthin Luther King en abril de ese año, y la pérdida de aquellos ideales de revolución Soul. El Soul que es predominantemente vocal, introduce la técnica del llamadorespuesta entre el cantante y el coro, resultó más apto que ningun otro género musical para estimular la nueva conciencia negra. Mientras el Blues estaba basado en la experiencia del fracaso, el Soul afirmaba el ideal de cómo debían ser las cosas. El Soul liberó al negro de muchos de sus complejos, tanto políticos como sociales, de gusto y sexuales. Las metáforas sexuales escondidas en el Blues se hacen evidentes en el Soul.


La evolución de la música marcha paralela con la lucha por los derechos civiles y la autodeterminación. En este mundo rico, variado y lleno de emotividad reinan las voces hechiceras de James Brown, Marvin Gaye, Aretha Franklin, Diana Ross y demas magos de la música negra norteamericana. Con la llegada de la década de los 70s el Soul comienza a decaer y a renovarse, surgiendo nuevos estilos derivados. Cada vez empezaba a quedar menos de la esencia Gospel, que sólo conservaban puramente artistas como The Staple Singers. Uno de los fenómenos musicales fue Al Green, que incluso con uno de sus temas creó un subgénero denominado Quiet Storm. Con la llegada de los 80s la música disco empezó a decaer, y el Soul resurgió en forma de Retro Soul. A mediados de la década se transformó en Urban por la influencia del Disco y el Hip-Hop. En este tiempo triunfaron artistas como Michael Jackson o Chaka Khan que tenían un estilo que combinaba el Soul o Funk con la música disco europea de los 80, pero surgieron dentro del urban otros que daban un nuevo sonido al Soul, como Whitney Houston, Babyface y Janet Jackson. Pero también las viejas glorias del Soul como Stevie Wonder, Aretha Franklin o Patti Labelle se adaptaban a las nuevas formas del género, teniendo gran éxito. Cabe mencionar que en en esta misma década se formó en Europa Simply Red, grupo británico de mucho éxito.

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En la década de los 90 el urban derivó en el R&B contemporáneo, que a finales de la década tomaría un giro hacia sus raíces dando lugar al Hip-Hop Soul y al Neo Soul, con un sonido mucho más puro ; siendo representado por artistas como Mary J. Blige, Seal, TLC, Lauryn Hill, Erykah Badu, India Arie, Joss Stone, Macy Gray, Amy Winehouse, Alicia Keys y Duffy. De entre esta camada cabe destacar a Mary J Blinge como pionera del género; a Joss Stone, quien con 4 álbums de estudio y pese a ser interprete blanca, ha sido bien aceptada por la comunidad negra, y en particular por la Motown, quienes para su primer álbum puso a su disposición a los míticos músicos The Funk Brothers, lo que resulta en un álbum con un sonido Soul auténtico. Por otro lado tenemos a la británica Amy Winehouse, quien a la fecha con 2 discos y con una imagen 100% apegada a la moda de la época de oro del Soul es la máxima representante del género así como del R&B en la actualidad. Indiscutiblemente, lo que llamamos Soul ha entrado ha formar parte de la cultura popular del siglo XX y ha sobrepasado los límites del tiempo y del espacio, superando las barreras que los intereses de la industria y el comercio discográfico le han impuesto.

Al Green, vastamente reconocido por fusionar los génerosGospel, Soul y Funk .


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MOTOWN


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onsiderado uno de los sellos más importantes de la historia de la música negra, así como una de las pocas compañías que pueden presumir haber dado nombre a un estilo musical el Sonido Motown. La historia de la Motown es la historia de Berry Gordy Jr., nació en Detroit el 28 de noviembre de 1929, séptimo de ocho hijos. Sus padres habían emigrado a Detroit desde Georgia en 1922. En 1951, se alista en el ejércit. Dos años más tarde se casa con Thelma Coleman con quien procreó tres hijos, pero se divorciaron en 1959. En 1955 comenzó a trabajar en la línea de montaje de la Ford. Etapa en la que escribió canciones constantemente, enviándolas a las revistas especializadas, a concursos y a cantantes. Su primer éxito como compositor llegó en 1957 cuando Jackie Wilson grabó “Reet Petite”, una canción que Barry escribió junto a su hermana Gwen y Billy Davis (bajo el seudónimo de Tyran Carlo). “Reet Petite” llegó a tener un éxito modesto y Berry consiguió 1000 doláres por la canción.

Marvin Gaye en los estudios ABC circa 1966

Gordy tenía una extraordinaria capacidad para reconocer el talento. En 1957, durante un espéctaculo para la búsqueda de nuevos talentos en Detroit, vió a un grupo muy especial, The Miracles, y decidió ofrecerles grabar. El cantante del grupo William “Smokey” Robinson más tarde sería vicepresidente de Motown Records.

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En 1958, Kudo Records publicó cuatro producciones de Gordy, dos de ellas fueron importantes para la historia de la Motown: fue el primer disco de Marv Johnson, llamado “My Baby O”, y un disco vocal de Brian Holland (hermano de Eddie), llamado “Shock”. Junto con Smokey Robinson y los hermanos Holland, Berry descubrió tres compositores y productores extraordinarios. Gordy decidió tomar el control total de sus canciones. De este modo, el 12 de enero de 1959, pidió 800 dólares prestados a su familia y fundó su sello discográfico, Tamla Records, que un año más tarde renombró a Motown debido a que se ubicaban en Detroit, la ciudad del motor Motor City. Durante los 60s, su época más exitosa, siguieron llegando éxitos periódicamente, gracias a artistas como Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Four Tops, The Jackson 5 o Diana Ross & The Supremes, es decir, algunos de los nombres más importantes de la música negra con quienes consiguió 110 éxitos en el Top10 a lo largo de la década. A mediados y finales de los 60s se comenzó a llamar a la discográfica “The Sound of Young America” (“El sonido de la América joven”) debido a la popularidad que tenía entre los jóvenes, tanto blancos como negros. Pero no sólo fue un gran sello por la calidad de los temas que editaba, sino también


por otros muchos aspectos que normalmente no se tienen en cuenta pero que Gordy cuidaba celosamente. Uno de los más llamativos es su departamento de “desarrollo de artistas”, en los que los más jóvenes recibían clases sobre cómo vestir, caminar o comportarse (debían ser ejemplos para los afroamericanos). También es conocido lo estricto que era a la hora de editar nuevo material, llegando incluso a rechazar inicialmente temas que posteriormente han sido grandes éxitos, como What’s goin’ on de Marvin Gaye, -album considerado por los críticos como el mejor álbum de soul de la historia- o Ain’t to proud to beg, de The Temptations. Además, contaba con una serie de músicos en nómina, denominados The Funk Brothers, que eran los encargados de grabar los instrumentales y acompañar a los músicos en el estudio. Ahora bien, además de sus artistas, una pieza fundamental de su sonido era el trabajo de los productores, y eso se notó especialmente cuando el trío Holland-Dozier-Holland dejó la compañía en 1967, porque el número de éxitos y la calidad de las ediciones se redujo drásticamente. Norman Whitfield fue el único que siguió facturando hits con cierta regularidad. Y durante los 70s y 80s continuó siendo una de las grandes disqueras de la industria con artistas como Lionel Richie, The Commodores, Rick James, Teena Marie y DeBarge.

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En 1972 Motown se trasladó a Los Angeles, con la intención de introducirse en la industria cinematográfica, para lo que creó Motown Productions, produciendo films como Lady sings the blues (un biopic sobre Billie Holiday interpretado por Diana Ross), Mahogany, The Wiz o Berry Gordy’s last dragon. Musicalmente su época dorada ya había pasado, pero siguió ampliando su catálogo, en los 70 y 80, con artistas de éxito como The Commodores, Rick James, Lionel Richie, DeBarge y Teena Marie. No obstante, a Gordy no le salían las cuentas, de modo que en 1988 lo vendió a MCA Records por 61 millones de dólares. Un año después también vendió la compañía cinematográfica a Suzanne de Passe, denominándose a partir de entonces de Passe Entertainment. El sello musical fue cambiando de dirección constantemente e incluso de propietario (fue adquirido por PolyGram), lo que, naturalmente, no favoreció nada los intereses artísticos. Ahora bien, siguió editando a artistas de éxito como Boyz II Men, Erykah Badu, Brian McKnight, Queen Latifah, India.Arie, Michael McDonald, Nick Cannon o Damian Marley. Actualmente es una filial de Universal Music Group, y si bien desde el inicio a Gordy le preocupó que sus propuestas fueran comerciales, cuidaba también la calidad artística; sin embargo, actualmente el sello ha decaído un poco haciendo parecer que la única preocupación de sus responsables es hacer dinero.

Smockey Robinson y Berry Gordon, vicepresidente y presidente de Motown Rec.


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FUNK


L

os claros antecedentes del funk, está en las innovaciones, de varios bateristas de R&B de la ciudad de Nueva Orleáns, inspirados por la extraña mezcla de ritmos que se podían escuchar en los desfiles callejeros como el Mardi Gras. Esto les hizo llegar a gente como Joseph ‘Smokey’ Johnson, Charles Hungry Williams de Huey Smith and The Clowns y Earl Palmer (de la banda de Dave Bartholomew y Little Richard) un sentido de sincopa y de la necesidad de intrincar redobles y doble bombos en sus interpretaciones, trasladando, por decirlo así, el sonido de los polirítmicos desfiles al kit de batería. Se atribuye a Earl Palmer el aplicar la palabra funky para indicar cuando iba a tocar algo con ritmo en síncopa. Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk están en tempranos éxitos de Nueva Orleans como “Trick Bag” escrito por Dave Bartholomew para Earl King en 1961 y en 1964 “Out of Sight” de James Brown, quien ya en ese momento era una estrella del soul y comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferenció de sus competidores (los artistas de Motown por ejemplo) y comenzó a dar un cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodía y exaltando más el aspecto rítmico en sus temas.

James Brown en el Teatro Apollo

Recientemente en una entrevista, Clayton Fillyau, baterista que había tocado con Etta James y en el “I’ve Got Money” del mismo James Brown, reconoció abiertamente la influencia del estilo de Nueva Orleans.

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“Papa’s Got A Brand New Bag” de James Brown, lanzado en junio de 1965, que rápidamente se convirtió en#1 R&B en EEUU; en donde el bajo y el bombo de la batería marcan un contagioso ritmo mientras Jimmy Nolan hace un puente con rasgueo en las cuerdas más agudas de su guitarra, de esta forma inventando el chicken scratch un sello característico del funk, y especialmente “Cold Sweat” de mayo de 1967 fueron la confirmación de esa formula. El trombonista de la banda de Brown, Fred Wesley, dijo “antes de unirme a su banda quedé muy impresionado con ‘Cold Sweat’” Volviendo a la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans; la banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y luego la banda de estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno de las bandas pioneras y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco homónimo de 1969, incluye su éxito Sophisticated Sissy, en donde crean fuego en base a instrumentales llenas de sentimiento y poder de ritmo. Tres años antes, los hermanos Stewart, el DJ Sylvester (Sly) y Freddie, de


San Francisco unieron sus bandas respectivas Sly & The Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: Fue un primer claro ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de una época en donde aún Norteamérica se luchaba la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos; además de presentar una interesante fusión del sonido de Rock Psicodélico del área de San Francisco y el Soul. Pero volviendo algunos años antes, en Detroit, con Motown, el sello que tenía los artistas de Soul más exitosos de Estados Unidos, aparte de James Brown y Aretha Franklin; también vio en el Funk una veta que explotar para no quedarse en el pasado. Fue un joven compositor y arreglista llamado Norman Whitfield junto a Barret Strong quienes movidos más por un motivo de seguir asegurándose de tener grandes dividendos que por una motivación puramente artística, tal como declara el columnista musical David Ritz en el documental de la BBC “Soul Deep: Aint It Funky”. Esto los hizo llevar a The Temptations al estudio a grabar en 1968 “Cloud Nine”, un tema que empieza con un hipnótico riff con algo de pedal wah-wah y seguido de una apretada

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línea de bajo y contrapuntos. The Temptations dieron a conocer un sonido Soul Psicodélico muy ad hoc al experimental período de los últimos 60’s, con temas como “Psychedelic Shack” y “Papa was a Rolling Stone” de 1971, que tomó la efectiva técnica de Jimi Hendrix de hacer el ‘chicken scratch’ de Jimmy Nolen en su guitarra cerrando y abriendo su pedal Wah-wah para la introducción del “Voodoo Child” del disco Electric Ladyland. Ese sonido característico, fue ejecutado por el guitarrista Melvin wah-wah Watson, quien también lo capitalizó en el tema principal de la película Shaft, cantada por Isaac Hayes. Las incursiones con el sintetizador por parte de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock (como se ve en el disco “Headhunters”) y el P-Funk de George Clinton (vía su tecladista Bernie Worrell en el Minimoog); sumado a la caída de los precios de la electrónica a finales de los 70s, pusieron la semilla para que a comienzos de los 80s se popularizara un tipo de funk hecho sólo con instrumentación electrónica (incluida su percusión), conocido como Electro Funk o simplemente electro, y cuyos primeros exponentes destacados son Afrika Bambaataa, D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star. Finalmente, en Cuba surgió la timba, a finales de los 80 y principios de los 90, también llamada Salsa Cubana o por los críticos prestigiosos denominada como Hipersalsa por su alta complejidad, en el que el virtuosismo del bajo funk con frecuentes slaps es la columna vertebral de dicha corriente musical.

La influencia de la música de Isaac Hayes es tan gramde como su obra


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APÉNDICE A continuación una lista de los que consideramos lso 5 álbums indispensables de cada género: SOUL • Sam Cooke - Night Beat • Al Green - I’m Still in Love with You • Otis Redding - Otis Blue • Isaac Hayes - Hot Buttered Soul • Aeretha Franklin - Lady Soul MOTOWN • Marvin Gaye - What’s Going On • The Temptatins - Getting Ready • The Supremes - Reflections • Marvin Gaye - Let’s Get It On • Smokey Robinson - Going to Go-Go / Away we Go-Go FUNK • James Brown - Live at The Apollo • Stevie Wonder - Songs in the Key of Life • Sly & the Family Stone - Stand! • Parliament - Mothership Connection • Funkadelic - One Nation under a Groove

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BIBLIOGRAFÍA • Soul Deep: The Story of Black Popular Music David Ritz, BBC, 2005 • Souled American: How Black Music Transformed White Culture Kevin Phinney, Billboard Books, 2005 • The Power of Black Music: Interpreting Its History from Africa to the U.S. - Samuel A. Floyd Jr., Oxford University Press, 1996 • Blues People: Negro Music in White America Leroi Jones, Harper Perennial, 1999


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GATO NEGRO EDITORES

Impreso en el mes de marzo de 2010, en los talleres de Gato Negro Impresores en la Ciudad de de MĂŠxico. Tiraje: 3 ejemplares. Distrito Federal, MĂŠxico


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