ARTNOBEL Revista 8

Javier Mariscus. “Sin artificios, con sentido del humor que cabe por el ojo de una aguja.�

en este número

encontrarás... iii. Las 22 Mujeres Más Destacadas del Arte

i.

Una manera de identificar el arte...

ii.

iv.

Javier Mariscus

Fotografía portada e interior de Joaquin Agne

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v. vi. vii. viii. ix.

x. xi. xii. xiii.

Bruce Munro lleva su luz al museo alt-architecture. Otra architectura es posible El Maravilloso Surrealismo de Igor Morski Festival Explora Convoca los Artistas Vascos La Creatividad de los Virus Informáticos Alberto Valverde, María Castellanos.

Texturas Sonoras.

Ming:Una Dinastía Resplandeciente Fair Saturday: Un día para cambiar el mundo...

Ignacio Beltrán Itinerarios de Transformación

redacción Maite Alonso Directora Todo le fascina.

Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón.

Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

Gregorio Alonso Redactor Saltando de un equilibrio a otro.

Descubriendo cosas en cada esquina.

Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

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Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión Atenta y contenta como la bondad.

Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta.

Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

eMe Alonso Reportera de Eventos Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne.

Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

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Detalle obra serie Servilletas no 12. Mixta sobre servilleta de algodรณn. Mร XIMA ROMERO

UNA MANERA DE IDENTIFICAR EL ARTE CONTEMPORÁNEO PARA NO INICIADOS Hasta hace poco había catalogado el arte contemporáneo de dos maneras.

Bueno y malo. Muy asociado a lo que me emociona, abstrae, eleva, apasiona, ensimisma, enturbia, zozobra, embelesa y cautiva.

Pero emocionado, abstraído, elevado, apasionado, ensimismado, enturbiado, zozobrado, embelesado y cautivado, no son más que la demostración de mi percepción subjetiva del arte. Y sin embargo, son aquellas emociones donde reconozco como arte sólo aquello con lo que me identifico y por sí mismo, en la mayoría de ocasiones, no lo es. Tan solo las observo como expresiones subjetivas.

Pero, ¿cómo puedo identificar el arte contemporáneo objetivo?

Lo entiendo como aquel capaz de producir en todos la misma reacción, independientemente de su nivel de conocimiento previo o preparación.

Pero, ¿cuál es la diferencia?

En el arte contemporáneo objetivo el artista hace lo que realmente quiere hacer, poner en su trabajo las ideas y sentimientos específicos para obtener las acciones y efectos precisos en quien lo experimenta. No puede darse nada de manera accidental y sin propósito.

En el arte contemporáneo subjetivo todo es accidental. Los efectos producidos y las reacciones en las personas no son invariables ni indefinidos. No persigue un fin ni un propósito concreto. Podemos medirlo por el nivel de consciencia e inconsciencia aplicado por el creador.

Al oír el sonido de la flauta del encantador, todas las serpientes reaccionan de la misma forma, aunque no entiendan de ningún tipo de arte.

Abate Bussoni ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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BRUCE MUNRO

LLEVA SU LUZ AL ASHMOLEAN MUSEUM DE OXFORD

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BRUCE MUNRO LLEVA SU LUZ AL ASHMOLEAN MUSEUM DE OXFORD

El Ashmolean Museum de Oxford, ha abierto un espacio de bienvenida recientemente reformado, con una escultura de luz de Bruce Munro como su pieza central.

Con el nombre de “Impression - Time Crossing Culture” en español Impresión Travesía de Cultura, fue concebida por Munro después de haber trabajado con Alexander Sturgis director del Ashmolean Museum, para crear una obra de arte interactiva que no sólo refleja la historia y las colecciones del museo, sino que también sería una instalación visual que atrae a la gente hacia el interior de la zona de bienvenida.

La instalación continúa desarrollándose en el interés de Munro con la luz y el lenguaje y en su forma sigue un tema que prevalece en gran parte de su trabajo, una repetición en el uso de un único o pocos componentes, dentro de una pieza. La forma general de la obra se inspira en la esfera de un reloj donde cada uno de los 12 números se representa 8

por medio de anillos de esferas idénticas suspendidas del techo. Mientras que la forma general representa el concepto de tiempo, cada esfera o globo (la forma creada a partir de las líneas de longitud y latitud) es representativa de la Tierra.

La escultura se superpone con una animación digital proyectando una imagen en movimiento suave -una mezcla ecléctica de símbolos antiguos y geometría- a través de las esferas en el piso de abajo.

“Impressión - Time Crossing Culture” se puede ver durante el horario de apertura del museo de martes a domingo y los lunes festivos de 10:00 a 17:00 horas. La entrada al museo es gratuita.

El Ashmolean es el museo de arte y arqueología de la Universidad de Oxford, fundado en 1683. Las colecciones de fama mundial van desde momias egipcias hasta el arte contemporáneo, contar historias humanos de todas las culturas a través del tiempo.

ashmolean.org/plan brucemunro.co.uk/about ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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LAS 22 MUJERES MÁS DESTACADAS DEL ARTE

Son las mujeres que marcan el pas Autoras, investigadoras, comisarias y emergentes, cuya firma añade un cualquier proyecto. El jurado exper con Arco, elige las profesionales m señalándolas como las protagonista 10

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so artístico en nuestro país. s y galeristas, consagradas n certificado de calidad a rto que cada año, coincidiendo más destacadas de esta materia as de 2016.

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LAS 22 MUJERES MÁS DESTACADAS DEL ARTE

CHUS MARTÍNEZ

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La curadora española más internacional, filósofa a la sazón, lo mismo comisaría el filme ‘Singularitat’ (12 horas de metraje) que da una charla TED en La Habana, asesora a la Bienal de Estambul o se convierte en personaje de una novela de Vila-Matas (‘Kassel’). Es, además, directora del Institute of Art of the FHNW Academy of Arts and Design en Basel, Suiza.

ESTHER FERRER

Puede que Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) no se sepa ni se quiera influyente, pero por suerte en ese punto no tiene mucho margen de maniobra. Una trayectoria insobornable, al margen de demandas ajenas a su propia conciencia. En los últimos años, la mujer más influyente del arte español para Yo Dona ha visto cómo su trabajo ha sido reconocido con varios galardones, entre ellos: el Nacional de Artes Plásticas en 2009, y el año pasado el Premio Velázquez y el de la asociación Mujeres en las Artes Visuales.

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CHRISTINA

IGLESIAS

La donostiarra está imparable. Reciente Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, trabaja con el agua y para el agua: tras maravillar en Toledo con ‘Tres aguas’, ultima para la Fundación Botín en Santander un proyecto compuesto por cuatro pozos y un estanque, y otra pieza pública para Londres (unirá dos importantes plazas), que será inaugurada en 2017.

VICTORIA CIVERA

‘Boreal’, su última exposición en la galería Moisés Pérez Albéniz de Madrid, abierta hasta el 23 de marzo, muestra la extraordinaria madurez de esta valenciana, pintora al fin tras experimentar en los años 80 con medios como el ‘happening’ o la fotografía. Estas últimas obras, realizadas en su mayoría sobre metal o ‘collages’ en aluminio y lona de gran tamaño, funden abstracción y figuración, logrando una atmósfera de gran recogimiento.

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ÁNGELA DE LA CRUZ

La Fundación Seoane nos dio la ocasión el pasado marzo de repasar la obra de una de nuestras artistas más valoradas internacionalmente. Marcada por un derrame cerebral que en 2006 la postró en una cama durante dos años, De la Cruz (La Coruña, 1965) ha sabido desarrollar una obra que refleja su motricidad alterada, con cajas abolladas de su misma altura o lienzos que se estiran infructuosamente para alcanzar marcos desproporcionados.

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ROSINA G. BAEZA

Segunda directora de Arco, de 1986 a 2006, una etapa que se recuerda como la más efervescente y rica de nuestra feria de arte internacional.

Su currículo es inabarcable: hoy es socia directora de YGB ART, sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural, y responsable de Factoría Cultural, Vivero de Industrias Creativas de Matadero-Madrid.

Desde ambas plataformas impulsa una actividad constante en favor de la libre circulación de ideas desde la creación.

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ELBA BENÍTEZ

Cumplidos los 25 años como galerista, puede presumir de dirigir uno de los espacios más influyentes del panorama español, con artistas de la talla de Cristina Iglesias, Carlos Garaicoa, Vik Muniz o Ignasi Aballí en su nómina de representados. Admite que se encuentra en un momento de cierre de una etapa y cambio de rumbo. “Estoy como cuando escribes una tesis doctoral, en la fase en la que recoges información y empiezas a elaborarla y encuentras que todavía tienes agujeros negros que en principio no sabes solucionar”.

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HELGA DE ALVEAR

Esta galerista alemana levantó su Fundación en Cáceres. El edificio principal se ampliará con vistas a mostrar todas sus obras en 2018. Gana la ciudad, pues su intervención incluye jardines y un remozado total de la zona. Sus habitantes disfrutarán de su plan de accesibilidad ‘De todos para todos’. Las personas con alguna discapacidad podrán acceder a las exposiciones tocando las obras o sus maquetas.

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PILAR SILVA

Conservadora del Museo del Prado y jefa del Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte (1400-1600), es la comisaria de la exposición de ‘El Bosco’ que se celebrará a partir del 31 de mayo. Defiende la autoría del pintor de tres obras del museo madrileño puestas en tela de juicio por un comité holandés, y ha de estudiar la reciente atribución de ‘Las tentaciones de San Antonio’, que viaja desde el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas a Madrid.

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CONCHA JEREZ Representa a

una generación de artistas que ha marcado el paso de la transición entre lo analógico y lo digital. Sus creaciones ocupan múltiples formatos pero se alimentan de una única mirada crítica sobre nuestro tiempo y sus ruidos, en una investigación que le ha valido el último Premio Nacional de Artes Plásticas. Nacida en Las Palmas de Gran Canaria, en 1941, se considera una comunicadora: “Todos tenemos que ser críticos, no solo los artistas. Si no, dejaríamos de ser humanos”.

PATRICIA ESQUIVIAS

Venezolana del 79, explora la historia y la idiosincracia española a través de su análisis de lo cotidiano, y logra poner de manifiesto perversiones pocas veces disponibles al ojo no iniciado. Su última investigación puede verse en el Centro de Arte 2 de mayo de Móstoles, hasta junio.

Se trata de un estudio de varios edificios del Paseo de la Castellana de herencia franquista, a través de los cuales los arquitectos de la época quisieron formular la modernidad.

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NURIA FUSTER

Afincada en Berlín, esta artista de Alcoy (Alicante) cerró 2015 con una exposición deslumbrante en la galería Marta Cervera. En ‘Cuando el fuego apaga el huracán’, Fuster continúa investigando cómo los procesos naturales afectan a los objetos, pero esta vez avanza un paso más y continúa explorando hasta revelar su conexión con nuestros afectos y emociones. El fuego como catarsis que nos ayuda a sanar los ‘huracanes’ existenciales.

BELÉN VALBUENA

Desde 2001 está al frente de la galería madrileña Maisterravalbuena, un espacio que se ha convertido en un centro difusor de cultura, sin despistarse de su misión de llevar a sus artistas por las más importantes ferias internacionales. Este año estarán, de momento, en Art Basel, Granpalazzo y Frieze Nueva York gracias a una nómina de creadores que incluye a Regina de Miguel, Maria Loboda o Antonio Ballester Moreno.

TANIA PARDO Tras una intensa

y extensa trayectoria como comisaria independiente y profesora asociada en el Departamento de Historia del Arte III de la Universidad Complutense, fue designada el pasado abril responsable del departamento de Exposiciones de La Casa Encendida de Madrid. Por el camino, Pardo (Madrid, 1976) ha tenido tiempo de crear ‘MADRE’, un fanzine dedicado a las progenitoras con deliciosas colaboraciones.

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RUTH ESTÉVEZ

La comisaria invitada de los Solo Projects de Arco, sección que explora la producción artística latinoamericana, apunta una gran trayectoria. Estévez (Bilbao, 1977) es comisaria del Roy and Edna Disney/CalArts Theater (REDCAT) de Los Ángeles, antes fue comisaria jefa del Museo de Arte Carrillo Gil de México DF, donde fundó el primer espacio privado mexicano dedicado a las prácticas urbanísticas y arquitectónicas.

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ELENA BAJO Desde Berlín y Los

Ángeles, ciudades en las que vive y trabaja, desarrolla una actividad sobresaliente, con exposiciones abiertas en Hangar (Centro de Investigación Artística en Lisboa), en la galería de Bruselas D+T Arte o en la suiza Annex 14. Además, esta madrileña nacida en 1976 despidió el año con una muestra individual en la Kunsthalle São Paulo: ‘Elena Bajo Isle of Innocence (after Fordlandia)’, una reelaboración de la ciudad fundada por Henry Ford en la Amazonia en la década de 1930.

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DORA GARCÍA

En 2014 llevó a Buenos Aires, Vilnius, Tel Aviv y Madrid (Juana de Aizpuru) su proyecto ‘Exilio’, cuatro grupos de obras que giran en torno a la marginalidad como posición artística, un tema al que recurre desde ‘Lo inadecuado’, su propuesta en la Bienal de Venecia 2011. El año pasado, esta creadora (Valladolid, 1965) también reinventó los ‘18 Happenings in 6 Parts de Allan Kaprow’ en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

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IRENE GRAU

Esta valenciana del 87 posee uno de los 11 cerebros españoles presentes en la lista Forbes que destaca los 300 jóvenes más influyentes del mundo. Lo consiguió gracias a una exposición individual en la galería Beta Pictoris de Alabama. En España ya sabíamos de su talento: su galería madrileña, Ponce+Robles, ganó el Premio del Festival Off de Photoespaña con una exposición de Grau.

PAULA RUBIO INFANTE

La flamante Premio Ojo Crítico de las Artes Plásticas es autora de dibujos, fotografías, vídeos e instalaciones que destacan por su labor de recuperación de la memora histórica. Infante (Madrid, 1977) logra el máximo significado evocador en sus piezas gracias a una exhaustiva investigación documental e icónica sobre asuntos como la guerra, la represión, la historia carcelaria o la injusticia social, a las que se acerca desde un punto de vista biográfico y emocional. En 2011 ganó el Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas.

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IZASKUN CHINCHILLA

Diseñadora este año de la Sala VIP de Arco, Chinchilla (Madrid, 1975) ganó la quinta edición del concurso ‘City of Dream’ para construir el pabellón de veraneo de Governors Island, entre Manhattan, Brooklyn y la Estatua de la Libertad.

La arquitecta planteó una construcción titulada ‘Organic Growth’, hecha con paraguas, trípodes fotográficos y ruedas de bicicleta.

PATRICIA MAYAYO Profesora

titular de Arte en la Universidad Autónoma de Madrid, acaba de firmar junto a Jorge Luis Marzo Arte en España (1936-2015).

‘Ideas, prácticas, políticas’, publicado por la editorial Cátedra. El manual intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas o a las expresiones contraculturales y populares.

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SOLEDAD LORENZO

Coleccionista retirada desde 2012, esta galerista (Santander, 1937) legó el pasado año 385 obras (Antoni Tàpies, Txomin Badiola, Miquel Barceló, José María Sicilia, José Manuel Broto, Victoria Civera, Juan Uslé, Eduardo Chillida) al Museo Reina Sofía de Madrid. Un generosísimo gesto que califica a una auténtica amante del arte deseosa de hacerlo llegar lejos.

LAS 22 MUJERES MÁS DESTACADAS DEL ARTE

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) 2. Esther Ferrer (2) 3. Christina Iglesias (3) 7. Helga de Alvear (4)12. Nuria Fuster (5) 17. Dora García (6) 22. Soledad Lorenzo ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Javier MARISCUS “Sin artificios, con sentido del humor que cabe por el ojo de una aguja.”

mariscus.es

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M Onarchy Galerie DoK, Baden-Zurich, Switzerland, 2013 UAMO Festival, Einstein Kultur, Munich, 2013 Common Ground, Buena Vista Building-Miami Design District, Miami, FL 2013 Tu Valencia por yo Berlin, Asme Gallery, Berlin 2013 20

M Onarchy

“Como en su tiempo hicieran los más insignes pintores desde el Barroco –como Velázquez, Rubens o Goya, entre otros– , Mariscus retoma el oficio de pintor de corte, que antaño fue única fuente de ingresos segura para los artistas. En aquella época, el pintor pasaba penurias económicas y necesitaba del aporte monetario del clero y la nobleza. Por ejemplo, Velázquez cobraba lo mismo que el sastre o zapatero real.

El pintor entonces no era considerado un ‘genio’: este epíteto es utilizado posteriormente, desde período Prerromántico. Este término –genio– fue acuñado por Füssli para referirse a los maestros del pasado, especialmente los del Renacimiento.

Por otra parte, un hecho curioso de los privilegios de la monarquía viene dada en forma de nombre, más concretamente de traducción del nombre del monarca: según las normas de la Real Academia de la Lengua Española, el nombre de pila del monarca, príncipe o princesa se deben traducir al castellano, mientras que el de los dirigentes, presidentes o primeros ministros no. Si bien la forma correcta es Isabel II (y no Elisabeth II) o Gracia de Mónaco (y no Grace), los ‘plebeyos’ dirigentes preservan su nombre original; no es Jorge W. Bush (es George) o Margarita Tatcher (es Margaret).

Mariscus recoge en M Onarchy esa ‘necesidad’ pictórica, necesidad surgida por la coyuntura económica actual. Este trabajo es un estudio de las monarquías mundiales a través de las portadas de revistas del corazón: centrándose en la herencia de la corona, que normalmente pasa de mujer a mujer, el autor plasma es cada obra la herencia de la corona. Tradicionalmente, la imagen de la corona como objeto de poder se muestra siempre sobre la cabeza de la princesa/reina. La figura femenina suaviza esa ostentación de poder represivo, de nacimiento y sin mérito alguno que revela la corona posada en la cabeza del regente.”

Jean-Luc Langlois ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Buró

Hybrida Art Festival, Valencia, 2013 Impresión digital sobre Dibond 4mm, Tríptico, 103x35cm/c.u.

Un día, de vuelta de la compra, vi que el buzón contenía ciertas cartas y lo abrí. Cogí los tres sobres y, mientras subía a casa, ojeaba los remitentes de los sobres: una del Ayuntamiento de Valencia, otra del Servicio Valenciano de Empleo y otra una carta de amor devuelta. La primera era una multa de 300€ por una cena de amigos en mi casa, la segunda una cita para la oficina del paro y la otra un desplante amoroso.

Las tres cartas compartirían un mismo destino, por lo que decidí que antes deberían someterse a un juicio de analogía estética.

Esta obra formó parte de la selección de la galería Kessler-Battaglia para el Hybrida Art Festival

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COR P OR A LIU M

Con catorce años, ante aquel mármol labrado, quedé cautivado por el dinamismo y la fuerza contenida en esta obra que Michelangelo Buonarroti realizó en 1492, con apenas 16 años. En la Casa Buonarroti en Florencia se puede contemplar Centauromaquia o Batalla de Centaruros, una pieza de la cual nunca se separó. Esa maraña de cuerpos desnudos, apretujados, y en posturas que rezuman energía, fuerza y tensión, calaron en mi ya implantada pasión por el dibujo del cuerpo humano. Este interés me acompaña desde entonces, y ha dado como resultado miles de dibujos, bocetos y rayajos de cuerpos, miembros, partes amorfas, torsos, pies…

Desde que dibujaba con 10 años tumbado en mi cama, el dibujo como técnica expresiva siempre ha ejercido sobre mí una fascinación: el trato personal que cada artista le da al cuerpo humano, al retrato, a sí mismo. Es la desnudez del artista quien se aparece en la rapidez con la que el trazo construye. Y es tan determinante esta carga personal, que la simple contemplación de cuerpos, torsiones, posturas, trazos, etc. nos hace reconocer al artista por su trazo, por su estilo característico que nos es más que su visión íntima del mundo.

Desde Giotto hasta Bacon, pasando por Michelangelo, Schiele o Matisse, siempre me ha fascinado el trato personal que cada artista le da al cuerpo humano mediante el dibujo. Y es tan determinante esta carga personal, que la simple contemplación de sus cuerpos nos hace reconocer al artista por su trazo, por su estilo característico que nos es más que su visión íntima del mundo. Una originalidad orgánica propuesta por el cuerpo humano, bien sea por su belleza o por su monstruosidad.

Los dibujos a una línea de Picasso, los esbozos frenéticos de Toulouse-Lautrec, la sutil corporeidad de las escultura de Juan Muñoz… son antecedentes y referentes en mis dibujos. Muchos artistas han trabajado esta propuesta: e imbuidos en la experimentación y la re-concepción del cuerpo humano han derivado en otras obras, en otros temas, en otros finales de proceso. Creo fehacientemente que durante el proceso creativo-experimental es cuando la mente sintoniza con lo sublime. Y deseo trabajar exclusivamente en este proyecto para lograr esa sintonía.

Corporalium (del latín “material”, como lo que no es de los cuerpos) es un proyecto de investigación centrado específicamente en el dibujo y el cuerpo humano.

Este trabajo de investigación –compuestos previamente por cientos estudios y bocetos– responde a mi interés particular por la anatomía y los procesos artísticos que la abordan. En él trabajaré tanto la parcela de investigación técnica, temática y formal como la expositiva, esto es, su concepción y resolución –manera de mostrar–. Mi objetivo es trabajar y perfeccionar lo que ahora son bocetos para llegar a la consecución de diferentes obras.

Estos bocetos y dibujos a tinta son abordados mediante línea firme, sin ninguna corrección ni modelo real: son tensiones y cuerpos que comportan un movimiento y que poseen un ritmo interno propio.

Los cuerpos que represento salen asexuados, sin genitales. Otra característica de mis dibujos es la cualidad que tiene este para embellecer lo inacabado. Como hacía Michelangelo, sólo la esencia formal es la que interesa, ya que cualquier realización completa es decepcionante. El proceso es el que importa.

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Discursosº

Swapping the swifts, Galerie Freiraum, Berlin, Germany, 2013 Rotuladores Posca® y acuarela sobre papel A3 160gr.

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El contre-plongée o contrapicado es una angulación oblicua inferior de la cámara, la cual se coloca mirando hacia arriba. En el lenguaje audiovisual, esto sirve para transmitir una situación de control, poder, grandeza y seguridad.

Los planos contrapicados nos colocan en una posición aparente de inferioridad respecto al sujeto enfocado. En esta obra, compuesta por 9 dibujos, Jean-Luc Langlais y Javier Mariscus, analizan la angulación de diferentes líderes políticos en discursos televisados.

Según Langlois, filósofo y cartero francés, dependiendo del grado de contra, el sistema político que representa es más o menos dictatorial. Aunque es un proceso ilusorio: en la actualidad, “los líderes democráticos han rebajado la angulosidad del plano en un intento vano por ocultar sus tics totalitarios. Además, los políticos gritan sobre su estrado aun a sabiendas de que varios micrófonos amplifican su voz. Al “bajar del estrado”, estos líderes simulan una imagen de cercanía con el pueblo y, en definitiva, pretenden transmitir una cualidad democrática engañosa.”

Cada dibujo, realizado a partir de discursos televisivos, se complementa con una cifra referida al grado del ángulo: en esta comparativa se puede observar las coincidencias tanto de ángulo como de régimen político, más o menos basado en el culto a un líder quasi divino.

En esta instalación, se estratifica los ángulos de dibujos: de arriba a abajo, más ángulo a menos. Podemos observar que los regímenes se alinean solos, dejándonos ver qué discurso/ régimen tienen en relación.

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Conocí a Javier en 2008, en Goteborg, Suecia. Él estaba trabajando en Konstepidemin, en la residencia de artistas de Pépinières européenes pour jeunes artistes. Yo en la Facultad de Filosofía, investigando sobre la conexión entre el clima frío y la filosofía germánica y escandinava.

Entablamos una amistad entorno a discusiones y teoría del arte, de la filosofía y la historia. Desde entonces, hemos colaborado en diferentes proyectos.

Porque Javier trabaja a partir de conceptos libres e ideas sueltas. El medio no justifica el mensaje final, por lo que utiliza la técnica de una manera implícita, explicitando así el proyecto para llevarlo a un contingente reflexivo y crítico. Me parece interesante los artistas que trabajan de esta manera, descargando el aura fría -como refiere Brea- del proceso creativo hacia una mostración del desarrollo final. “Cualquier realización completa es decepcionante” apostilla el bikkhu mientras ensueña. Sus trabajos son desde luego poliédricos, difícil de encajar o encasillar, cualidad que se busca en estos tiempos en la esfera del arte, y que muy pocos logran de manera sincera.

Sin artificios, con sentido del humor que cabe por el ojo de una aguja, Mariscus nos relega al sillón del espectador inteligente a priori, que más o menos suele devenir en un lector de arte encarnado. Me atrae esa idea casi abstracta del espectador como alguien que muerde sin soltar a su presa, exige su participación en la obra, y que al final queda disturbado por lo inconcuso de la misma. El arte es conocimiento con bisagras oxidadas, que cuesta abrir al principio, chirría, pero que luego deja entrar la brisa fresca de la tarde. Siempre que sea ésta mediterránea.

Jean-Luc Langlais Cartero y filósofo francés

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Javier Mariscus

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) M Onarchy. Técnica mixta sobre papel 110x80cm (2 - 4) M Onarchy. Animación con luz (5) Three Girls, One Crown: Holland Técnica mixta sobre papel 100x70cm (6) Three Girls, One Crown: England Técnica mixta sobre papel 100x70cm (7) Buró (Citación del Paro, Carta de Amor y Multa) Impresión digital sobre Dibond 4mm, 103x35cm (8 - 9) Corporalium (estudios anatómicos/anatomical studies) Tinta sobre papel Canson® 120gr/Ink on paper Canson® 120gr (10) Dança i Lluita VI, 2015 Óleo sobre lienzo/Oil on Canvas, 150x150cm.

(11 - 12) Discursosº Swapping the swifts, Galerie Freiraum, Berlin, Germany, 2013.

Rotuladores Posca® y acuarela sobre papel A3 160gr.

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alt-architecture.

Otra arquitectura es posible

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La arquitectura y el urbanismo desde la perspectiva del arte, en la última muestra del ciclo Comisart, el programa de la Obra Social ”la Caixa” de apoyo a comisarios emergentes.

Una reflexión sobre la arquitectura, la ocupación del espacio, la realidad y la utopía alt-architecture se plantea como un repertorio de herramientas críticas para repensar lo construido, dentro del contexto actual de revisión de los modos de edificar y habitar que emergieron con el estallido de la burbuja inmobiliaria, hace ya casi una década. Se trata de un cuestionamiento impulsado por respuestas colectivas que impugnan los modelos dominantes de acceso a la vivienda y a los recursos urbanos comunes.

Son propuestas que se nutren de experiencias previas, fundamentalmente del urbanismo radical de los años sesenta y setenta del pasado siglo, un momento en el que se ensayaron colaboraciones entre arte y arquitectura que transgredieron y desdibujaron los límites de ambas disciplinas. Son obras que cuestionan el concepto tradicional de espacio, otorgándole nuevas formas y significados, al tiempo que reactivan y evidencian el carácter político de la arquitectura.

La exposición se articula en torno al diálogo entre dos estrategias artísticas diferenciadas pero no excluyentes: por un lado, repensar la arquitectura desde su representación —la maqueta, la reproducción a escala, la abstracción de sus elementos mínimos— y, por otro, reinterpretar lo arquitectónico desde la acción directa sobre la realidad construida.

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alt-architecture. Otra arquitectura es posible

En el primero de esos dos modos en los que el arte se acerca a la arquitectura se encuentran las fotografías de Michel Le Belhomme, desplegadas tanto en el interior de la sala como en distintos muros de la ciudad, que inciden en la dualidad entre la realidad arquitectónica y su representación. Igualmente, Zona de obras, de Fod, realizada a partir de materiales recuperados, sugiere nuevos espacios habitacionales, convirtiéndose en una metáfora de la posibilidad autoconstructiva.

Daniel Chust Peters, en Cielo mío, reproduce su taller convirtiéndolo en un juguete con valor de uso directo. Carlos Bunga continúa con el juego de la escala reducida y registra en vídeo su manipulación de pequeñas construcciones precarias, cuestionando la rigidez de la arquitectura convencional. Unbuilt. After Conjunto habitacional em Scalaheen, Tipperary, Irlanda, 2005. Atelier Soma, Portugal, de Fernanda Fragateiro, es una abstracción de modelos arquitectónicos nunca construidos que sugiere la necesidad de repensar constantemente nuevos modelos de relación con el habitar. Por su parte, Daniel Buren, en Cabane (Les Parallèles), reinterpreta el concepto de cabaña a partir de una construcción a escala 1:1.

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Sirviendo de nexo entre ambos conjuntos de prácticas, Untitled (Resin Corridor), de Rachel Whiteread -un vaciado en resina del pasillo de una casa victoriana-, es tanto la huella de una acción directa sobre lo arquitectónico como una ausencia que deviene objeto, aludiendo así a la memoria y a su cualidad sensible y afectiva.

En el segundo de esos dos modos que articulan la exposición se encuentran piezas como Anarchitekton, de Jordi Colomer, en la que, mediante una instalación compuesta por cuatro proyecciones, se desarrolla una crítica sobre varios iconos de la arquitectura moderna. El vídeo Splitting muestra cómo Gordon Matta-Clark divide por la mitad una casa, un gesto radical que desvela el interior de la vivienda suburbana norteamericana. Lara Almarcegui, en Un café al aire libre para los hortelanos. Asociación de huertas Van Houten, Weesp, Ámsterdam, verano 2003, muestra cómo se puede realizar una intervención arquitectónica mínima generada desde las necesidades de un colectivo de usuarios.

Las fotografías de Cao Guimarães, Gambiarras, registran pequeños gestos espontáneos que aportan soluciones alternativas a problemas cotidianos. Por último, Sin título (The Adversary), de Pello Irazu, enlaza de nuevo con la idea de representación, a partir de una suerte de deconstrucción de la pared de una casa a escala casi real. Obras que, en definitiva, invitan a cuestionar la realidad arquitectónica, desde su construcción simbólica hasta su experiencia cotidiana. Érika Goyarrola. Bilbao, 1984 Es doctora en Humanidades, máster en Estudios Comparativos de Literatura, Arte y Pensamiento por la Universidad Pompeu Fabra, y licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la autorreferencialidad en la fotografía contemporánea y la confluencia entre el arte y la arquitectura.

Ha comisariado «De la forme à l’émotion» en el CENTQUATRE-PARIS (2016), el ciclo de exposiciones «1 + 1 = 12. Encuentros de Fotografía Contemporánea» en el Institut Français de Madrid (2014) junto con Nicolás Combarro, «Ideas construidas» en la galería Vilaseco de La Coruña (2015), y «Apuntes constructivos» en la galería Mad is Mad de Madrid (2015), junto con Xurxo Ínsua.

En la actualidad trabaja como comisaria independiente y profesora en varias escuelas de fotografía, y también colabora en revistas especializadas como Contratiempo o la publicación semanal Ahora. Asimismo, ha participado en varios congresos y seminarios sobre historia del arte y ha trabajado con el estudio de arquitectura Carlos Arroyo (2010-2011) y la agencia Contact Press Images New York (2008).

Xurxo Ínsua. Vilalba, 1978 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, se ha dedicado profesionalmente al diseño (premio Laus de Comunicación Gráfica 2005 con Sebastián Alós).

Tras cursar el máster en Investigación Etnográfica, Teoría Antropológica y Relaciones Interculturales (Universidad Autónoma de Barcelona) y obtener la suficiencia investigadora (Bellas Artes, Universidad de Barcelona), de 2007 a 2015 trabajó en el Grupo de Investigación en Historia del Arte y del Diseño Contemporáneos de la UB. ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Ha presentado comunicaciones en distintos congresos nacionales e internacionales, y ha comisariado «Apuntes constructivos» (galería Mad is Mad, Madrid, 2015) e «Ideas construidas» (galería Vilaseco, La Coruña, 2015), ambas junto con Érika Goyarrola. alt-architecture es la tercera y última de las muestras que han podido verse en CaixaForum Barcelona esta temporada en el marco de Comisart, el programa para ofrecer oportunidades de profesionalización al sector del comisariado y promover nuevas miradas sobre los fondos de arte contemporáneo de la Colección ”la Caixa” y los fondos de la Colección MACBA. alt-architecture del 29 de junio al 25 de septiembre de 2016 en CaixaForum Barcelona #Comisart

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alt-architecture. Otra arquitectura es posible

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) Fernanda Fragateiro. No construido. A partir de Conjunto residencial en Scalaheen, Tipperary, Irlanda, 2005. Atelier Soma, Portugal. 2010 Contrachapado de madera de chopo (2) Gambiarras 03 [Improvisaciones 03] 2005. Fotografía en color (3) Gambiarras 28 [Improvisaciones 28] 2005. Fotografía en color (4) Michel Le Belhomme. The Blind Beast. [La fiera ciega] 2009-2013. Fotografías en color impresas en plexiglás, papel Blueback y Hahnemühle Cortesía de Galerie Binôme, París ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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EL MARAVILLOSO SURREALISMO DE IGOR MORSKI

I

gor Morski, nacido en 1960, es un diseñador gráfico, ilustrador y escenógrafo de origen polaco. En la actualidad, se centra en el arte gráfico basado en técnicas mixtas. Igor se graduó con honores de la Arquitectura Interior y Diseño Industrial de la Facultad de la Escuela Estatal Superior de Bellas Artes de Poznan (ahora la Universidad de las Artes). A finales de los 80 y principios de los 90 trabajó para la compañía de radiodifusión pública la televisión polaca creando escenografías para teatro y televisión.

A principios de los años 90 se dedica a la ilustración en la prensa, trabajando en revistas polacas incluyendo “Wprost”, “Newsweek”, “Businessweek”, “Manager Magazine”, “Charaktery”, “Psychologia dzis” y recientemente en “Focus”. Ha sido ganador de numerosos premios, incluyendo el premio de las Artes de la comunicación Excellence Award (2008, 2010) y el Premio de Artes Aplicadas (2010). Se interesa por las ciencias naturales en un sentido amplio, la genética, la cosmología y la física teórica.

Andres Schuschny humanismoyconectividad.wordpress.com ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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EL F E ST I VA L EXPLOR A A C O V N O C A LOS A RT I STA S VASCOS 48

CONVOCATORIA ARTISTAS VASCOS / FESTIVAL EXPLORA BILBAO Por tercer año y gracias al apoyo recibido por parte del concurso Ideiak Martxan del Área de Juventud y Deporte del Ayuntamiento de Bilbao, el Festival Explora abrió, hasta el 15 de julio, su convocatoria a todos aquellos jóvenes creadores vascos, que quieran participar en la nueva edición del festival que se presenta con una temática común: Contrastes.

DONDE En el Espacio Open de Bilbao, antigua fábrica de galletas Artiach CUANDO Los dias 24 y 25 de septiembre de 2016 PARTICIPANTES Jóvenes entre 18 y 40 años de cualquier disciplina artística o cultural para generar un encuentro entre artistas y colectivos afincados en el País Vasco.

PROPUESTAS El comité de selección busca obras que muestran la creatividad, el discurso, y la coherencia con la temática de Contrastes.

- no se evaluarán proyectos que no cumplan los requisitos o estén incompletos - incluye una descripción y quedara definido según el discurso realizado por el/la autor/a

PLAZO DE ENTREGA Envia a festivalexplora@gmail.com hasta el 15 de julio con el titulo de la forma: [disciplina]_[nombre del proyecto]_[nombre del artista/colectivo]

INCLUYE

- Nombre y apellido del o de los/las concursantes - Correo electrónico, dirección postal, ciudad y teléfono(s).

- Disciplina/s a la que aplica, enlace a sitio web (si se dispone de uno) y CV (máximo 200 palabras) - Descripción del proyecto (máximo 500 palabras) y material gráfico (fotos, vídeo, etc.) En los casos que corresponda, incluir la ficha técnica de la obra

LA PRODUCCIÓN, PROMOCIÓN Y LA VENTA DE OBRA en el espacio dependerá

de cada artista; siendo el importe íntegro de la recaudación por la venta de su obra/pieza/idea exclusivamente para el autor/a o autores/ras de la/s misma/s. *La organización cubrirá las dietas y se

reserva el derecho a sufragar la producción de algunas propuestas/iniciativas presentadas, así como los honorarios de los músicos, performers y/o de los talleres.

Todas las propuestas deberán adaptarse a las características del secadero de jamones del Espacio Open Bilbao (unos 500m 2 de superficie) *Disponible mapa del recinto a petición del interesado.

EVALUACIÓN DE PROYECTOS Y RESULTADOS El comité evaluador está formado por el

equipo que integra Festival EXPLORA y la participación en este concurso implica el conocimiento y aceptación de la presente convocatoria.

Los resultados se harán públicos en las redes sociales oficiales de Festival EXPLORA y en la web w ww.colectivovita.com, además de a través de un comunicado personalizado por correo electrónico a todas aquellas personas que se hayan presentado.*Todas las cuestiones no previstas serán resueltas individualmente por la organización de Festival EXPLORA.

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LA CREATIVIDAD DE LOS VIRUS INFORMÁTICOS_

The Malware Museum es una colección de programas de malware, que se distribuyeron en los años 1980 y 1990 en los ordenadores personales. El término malware del inglés “malicious software” es muy utilizado por profesionales de la informática para referirse a una variedad de software hostil, intrusivo o molesto.

Infectados los sistemas, algunos mostraban un mensaje o una animación burlona con la que dejaban totalmente pasmados a los usuarios que no daban crédito a lo que estaba pasando en sus pantallas.

Como parte de la historia de la informática que no podemos olvidar, The Internet Archive, conocido como la biblioteca digital, mediante el uso de emuladores y eliminando las rutinas destructivas, ha publicado esta colección que te permite experimentar con total seguridad y comodidad desde tu navegador, cómo eran las primeras infecciones.

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Entra al Museo Malware: archive.org/details/malwaremuseum

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Frecuencias Que Nuestro Cerebro Ignora

Texturas Sonoras:

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UNA INSTALACIÓN SITE SPECIFIC DE ALBERTO VALVERDE COMISARIADA POR MARÍA CASTELLANOS

Con un programa creado específicamente para este proyecto, el artista Alberto Valverde ha creado un algoritmo matemático que recoge el amplio espectro de frecuencias que nuestro cerebro ignora. En el proyecto, las frecuencias sonoras que no somos capaces de procesar están construidos como un imagen gráfica del sonido a tiempo real. Texturas Sonoras es una obra interactiva que es alterada por la presencia de los visitantes. En la instalación site specific, el sonido de los visitantes contribuye a la imagen que genera.

Artista y tecnólogo, Valverde tiene amplia experiencia en el diseño de sistemas, la creación de entornos interactivos, los espectáculos multimedia, el diseño web y la robótica. Ha sido docente en el Máster de Animación Audiovisual y Libro y en asignaturas multimedia de la licenciatura de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. En su obra, Valverde enseña como se forma el orden usando el caos y investiga la relación entre el humano y la máquina.

El proyecto fue comisariado por María Castellanos, licenciada y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo en la especialidad de arte y tecnología.

Tiene experiencia como gestora cultural, directora artistica y cordinadora de diferentes publicaciones, y támbien ha sido invitada como conferenciante a varios eventos. Es co-fundadora de la plataforma Editante y co-dirige desde 2012 el espacio expositivo experimental Gloria Heldmound.

a-valverde.net mariacastellanos.net

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#Noches

DeVeran

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del 15 de junio al 2 de octubre de 2016 en la CaixaForum Barcelona

Por primera vez en España, la muestra nos introduce en el arte y la cultura de este fascinante periodo de la historia de China a partir de los objetos procedentes del Museo de Nankín ‘Gran resplandor’, este es el significado de la expresión china Da Ming, que da nombre a la dinastía que dominó China durante cerca de tres siglos. Entre 1368 y 1644, dieciséis emperadores Ming gobernaron sobre una población que pasó de 65 millones a casi 175, y que vivió el desarrollo de un complejo sistema imperial, la ampliación de las estructuras sociales y el impulso de la economía y la cultura del consumo. Este mandato tan prolongado y estable proporcionó una sólida base para la creatividad y el progreso social, lo que condujo a las excepcionales transformaciones artísticas, sociales y económicas que se analizan en esta gran exposición.

Ming. El imperio dorado realiza un recorrido por la sociedad, la cultura y el arte chino de esta época a partir de 126 extraordinarias piezas entre cerámicas, textiles, orfebrería, pinturas y obras sobre papel. Los objetos provienen del Museo de Nankín, que posee una de las mejores colecciones de arte de este periodo que, por primera vez, pueden verse en nuestro país.

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#DinastiaM

ACTIVIDADES EN TORNO A LA EXPOSIC CONFERENCIA INAUGURAL

Miércoles 15 de junio | 19 h A cargo de Li Zhu, jefe del Departamento Educativo del Museo de Nankín Precio por persona: 4 €

CICLO DE CINE

Lunes 20 de junio | 20 h Soñando juntos Chen Kaige, 2002, 117 min, VOSE

Lunes 18 de julio | 20 h Un toque de violencia Jia Zhangke, 2013, 130 min, VOSE

Lunes 27 de junio | 20 h Las flores de la guerra Zhang Yimou, 2011, 146 min, VOSE

Lunes 25 de julio | 20 h La asesina Hou Hsiao-Hsien, VOSE

Lunes 11 de julio | 20 h El arte de la guerra Wong Kar-wai, 2013, 130 min, VOSE Comisariado por Menene Gras, directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia y directora del Casa Asia Film Week Precio por sesión: 4 €

ACTIVIDADES PARA PERSONAS MAYORES

CAFÉ TERTULIA Los miércoles, a las 16.30 h Grupos de un mínimo de 10 personas y un máximo de 25. Es necesaria inscripción previa, a través del teléfono 931 847 142.

Precio por persona: 4 €.

ARTE EN FAMILIA

VISITAS EN FAMILIA Los sábados, a las 19 h Precio por persona: 2 € ESPACIO EDUCATIVO +5 LA VAJILLA DEL EMPERADOR En la exposición, un espacio dedicado a las familias propone actividades en torno a distintas ideas extraídas de la muestra.

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CIÓN NOCHE DE CHINA

Miércoles 10 de agosto 19 y 20.30 h. PASACALLE CHINO Espectacular pasacalle con un gran dragón, leones y tambores chinos Actividad abierta 19.30 h. CEREMONIA DEL TÉ Demostración de la ceremonia del té que acabará con una pequeña degustación Precio por persona: 4 € 19.30 h. TALLER DE CALIGRAFÍA En el mundo oriental, la escritura se convierte en una ceremonia, en un ritual.

Precio por persona: 4 € 21 h. SHOWCOOKING Demostración culinaria y degustación de platos típicos de la cocina china Precio por persona: 4 € 22 h. CONCIERTO. SILK STRING QUARTET Cheng Yu, pipa; Wang Xiao, erhu; Chao Yujing, yangqin; Wu Mengmeng, guzheng Música china clásica y contemporánea con instrumentos tradicionales Precio por persona: 6 €

VISITAS A LA EXPOSICIÓN

VISITAS COMENTADAS PARA PÚBLICO GENERAL Los martes, a las 17 h, y los domingos, a las 11 h Precio por persona: 3 €

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FAIR SATURDAY: un día para cambiar el mundo...

Fair Saturday, la mayor movilización cultural del mundo con impacto social llegará el próximo 26 de noviembre, justo después de Black Friday. Se trata de la mayor movilización cultural con impacto social.

Ese día, según la organización, tendrán lugar más de 500 eventos culturales en más de 100 localidades de varios países, en los que parte del valor generado en cada evento se destinará a proyectos sociales elegidos por los propios artistas. En palabras de Jordi Albareda, fundador del movimiento, “Fair Saturday tiene como objetivo provocar una reflexión social sobre el valor del arte y la cultura en la construcción de una sociedad más desarrollada. La cultura no es importante, es esencial en nuestro futuro. Y no la tratamos como tal. Es hora de cambiar.”

Fair Saturday ha tenido una acogida fantástica en el mundo social desde sus inicios, contando con el apoyo de organizaciones como Fundación Vicente Ferrer, Ayuda en Acción, Fundación Pequeño Deseo, Médicos del Mundo y Sonrisas de Bombay, entre otros. Más de 50 proyectos sociales de todo carácter apoyan el movimiento.

El próximo 26 de noviembre más de 10.000 artistas provocarán la mayor movilización cultural del mundo con impacto social. Según la Fundación Solidarters, promotora de Fair Saturday, esperan movilizar entre 150.000 y 200.000 personas y generar más de 200.000 para proyectos sociales.

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Mรกs informaciรณn en fair-saturday.org Video promociรณn youtu.be/UkY7uug7emo

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BELTRÁN

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Centaura y centauro, 2015. DĂ­ptico. 130 x 81,3 cm cada imagen.

ImpresiĂłn digital sobre aluminio.

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IGNACIO BELTRÁN facebook.com/beltran.ignacio Ignacio Beltrán nace en Soria donde vive hasta que se traslada a Segovia. Estudia arquitectura en Milán y trabaja como arquitecto hasta que en el 2007, empieza a colaborar con el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia, donde realiza carteles, ilustraciones y el diseño de instalaciones para el Día Internacional de los Museos. En 2009 se incia como fotografo utilizando una cámara Zeiss Ikon de 1956. Al sigiente año, vuelve a Soria y abre su proprio laboratorio fotográfico. Expone por primera vez sus instantaneas en la X Bienal de Fotografía de Olot. En el 2015 les siguen exposiciones en la galería Noox de México, Incubarte 7 Festival Internacional de Arte Contemporaneo de Valencia, y finalmente, en la XX Muestra de Arte Stripart de Barcelona.

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) Arquitecturas, 2010-2011. Papel: 24 x 30,5 cm.

Imagen: variable. Gelatina de bromuro de plata.

(2) Arquitecturas, 2010-2011. Papel: 24 x 30,5 cm.

Imagen: variable. Gelatina de bromuro de plata.

(3) Ascensores I, 2014. Tríptico. 35,6 x 80 cm cada imagen.

Impresión digital sobre aluminio.

(4) Ascensores II, 2014. Tríptico. 35,6 x 80 cm cada imagen.

Impresión digital sobre aluminio.

(5) La isla, 2014. Díptico. 70 x 51 cm cada imagen.

Impresión digital sobre aluminio.

(6) Paraíso e infierno, 2014. Díptico. 130 x 91 cm cada imagen.

Impresión digital sobre aluminio.

(7) Centaura y centauro, 2015. Díptico. 130 x 81,3 cm cada imagen.

Impresión digital sobre aluminio.

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ITINERAIRIOS DE TRANSFORMACIÓN Caminos de Pertenencia 2016 artistas

INAUGURACIÓN 9 DE JULIO

Ester Baulida Marta Darder Rosa Suñer Roser Domènech

actuaciones danza poesía música video instalación intervención de poesía visual cuerpo y palabra con el territorio presentado por

ARBAR - Asociación para la Investigación Biocultural y Artística de Rodes

ARBAR es una iniciativa fundada en 2012 pensada para ofrecer a la comu=nidad artística la posibilidad de investigar e intervenir -con propuestas de arte contemporáneo- en el entorno natural de La Vall de Santa Creu.

PROYECTO ARTÍSTICO El objetivo principal de esta iniciativa es indagar la esencia del paisaje encubierta por el paso de los años, a través de una mirada imaginativa de los artistas para dar una nueva percepción cultural contemporánea del entorno, concretamente de los espacios naturales de ARBAR. PRÁCTICAS DE ARTE DE ACCIÓN SITUACIONAL En los últimos tiempos un sector de los artistas vinculados con el arte de acción, han ido mostrando interés por trabajar una serie de propuestas que les permitan profundizar en el estudio de metodologías que, a partir de la participación del público, puedan inducir el resultado de las piezas.

De acuerdo con esta idea el eje expresivo será el uso de diversas manifestaciones ligadas al lenguaje del arte de acción, que pueden ir desde el campo sonoro, al cuerpo en movimiento, la poesía, el happening ... como a mediados de un ritual creativo, para conseguir unos resultados plásticos, visuales y sonoros de videoarte, videodanza, fotografía, textos teóricos y / o poéticos ... Entonces, la forma en que los artistas hagan, con sus trabajos, las incursiones en el entorno, responderán a una voluntad de interrelación holística entre la presencia humana y el medio natural, que genere una nueva noción del paisaje: el paso de la cultura agrícola en la cultura artística.

El reto de las propuestas de ARBAR es potenciar el arte como herramienta de diálogo intersubjetivo, promover la descentralización política e impulsar nuevos discursos de cooperación y comprensión de escenarios artísticos inéditos para contribuir a redefinir el mapa conceptual del arte actual.

ARBAR, gracias al apoyo del Ayuntamiento del Port de la Selva y la colaboración de la Asociación de Vecinos de Sant Marçal de la Vall de Santa Creu, ha podido ofrecer a los visitantes la oportunidad de participar y / o visionar propuestas de arte contemporáneo centradas en la construcción de una relación armónica entre el entorno, el arte y la cultura, con la intención de destacar la idiosincrasia de la Vall de Santa Creu.

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arbar.cat/es/presentacion

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“Un día para cambiar el mundo a través del arte y la cultura.”