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Art en Suisse

Summer / Sommer / Été / Estate 2015

Switzerland’s multilingual, multicultural art magazine

• Sprigionando l’energia del momento • Das Spiel mit den Grooves • Il piu innovativo stilista della macchina fotografica • Goûter à la cultur du café

CHF 12.-


Award-winning photographer of the most unique ecosystem in the USA

Cindy Rose

Florida Everglades Wildlife Photography - photo excursions - training - trips Purchase award-winning images online www.cindy-rose.artistwebsites.com

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Sprigionando l’Energia del Momento

10 Die Energie des Moments freisetzen

Das Spiel mit den Grooves

22 Quando lo Spettacolo nasce col groove

Il piu innovativo stilista della macchina fotografica

30 Fotografien neuester Meister Designer

Eine coolere Schattierung

48 A Shade Cooler

Ein Geschmack von Kaffeekultur

52 Goûter à la cultur du café

66 Shooting Beavers sind hier Willkommen

Summer / Sommer / Été / Estate 2015

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Sommario

Sommaire Contents Cuntegn Inhalt

Les Foufounes flingueuses sont les bienvenues ici

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22 52

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66 Editorial Portfolio Holism 

Art en Suisse

4-8 20-21, 40, 42, 72-73 28

Interaction du lecteur / lettore / Leser / reader Kunst ist ein Wort mit drei Buchstaben Junge Künstler Impressum / empreinte / impronta / masthead

45 60 62 74

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Editorial

Our late-summer edition

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fter the surprising success of our maiden issue, rummaging about in Switzerland’s cornucopia of artists, and then making a selection for this second edition, has proven to be twice as challenging. But somehow we have managed to put the ink onto the paper and we now bring to you another interesting lineup within these pages.

The winner of the photographic competition, Dominique Dubied, has submitted an image of outstanding artistic quality and we invite your attention to pages 43 and 44 to view this marvel.

I must add that our favourite part of this whole endeavour is having the opportunity to meet with these unique Swiss artists in their studios and to discuss their muses and their passions To welcome you to this issue, an image from as they expose their creative processes and share Serena Maisto’s atelier in Masagno graces our their stories. It is this passion that we strive to cover: her is featured in our main article on page share with you. ten. We have also inaugurated some new sections; the brilliant comic strip on page 60, for example, We hope you enjoy the last echoes of the and you also will find artist ‘portfolios’ scattered summer season as well as the short discussions we throughout the issue. We have even coerced a have had with these magnificent artists. foreigner to step within the Swiss borders to be interviewed; the article on master camera designThank you again for supporting our magazine er / builder Alessandro Gibellini is to be found on and our artists. page 30. Johnny Keggler Publisher – Art en Suisse

I personally welcome any comments or criticism and look forward to hearing from our readers. Feel free to voice your opinions directly to me via e-mail at : voice@artensuisse.ch – or, if you choose to share your opinion with others, join us at : www.facebook.com/ArtenSuisse, like our page and speak out.

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Editorial

Nossa ediziun silla fin dalla stad

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uenter in success da surpresa da nies emprem magazin eis ei semuossau dubel grev ded intercurir en quella abundonza de svizzers artists, per saver far ina secunda schelta. Mo enzaco ei quei reussiu a nus de metter la tenta sil pupi e presentar a vus vinavon ina interessanta gliesta sin questas paginas.

Il victur dalla concurrenza da fotografia, Dominique Dubied, ha tarmess in maletg che muossa ina qualitad artistica e nus vulin trer vossa attenziun sillas paginas 43 e 44 per saver admirar quella fotografia miraculusa.

Jeu stoss aschuntar ch’il meglier per nus ei de haver art e part da quella pusseivladad de saver Per saver beneventar vus tier quella ediziun, sentupar cun quels unics svizzers artists en lur ornescha il fegl titular cun in maletg oriunds ateliers per saver risdar sur de lur musas e pissidigl atelier da Serena Maistos da Masagno. La sia uns, duront ch’ei reveleschan a nus lur process historia vegn presentada en nies artechel sin pagi- creativs sco era las historias davostier. na diesch. Nus havein era aschuntau entgins novs capetels - sco per exempel la brillianta schnocca Nus sperein che vus gudis ils davos resuns sin pagina 60 e vus vegnis ad anflar entgins «Port- silla fin dalla stad ed era quels cuorts discuors, folios » ch’ein starni dapertut en quei magazin da che nus havein giu cun quels grondius artists. differents artists. Nus havein aschizun surplidau in jester per ina intervesta de vegnir en Svizzra; Aunc inagada grond engraziament per il igl artechel sur da Alessandro Gibellini, in meister susteniment de nossa revista e nos artists. dil svilup dalla construcziun da camera ei d’anflar sin pagina 30. Johnny Keggler Editur - Art en Suisse

Commentaris u critica èn adina bainvegni ed jau m’allegrel d’udir da nossas lecturas e da noss lecturs. Scrivai voss opiniun directamain a mai: voice@artensuisse.ch - ni sche Vus lais parter voss avis cun auters, ans visitai sin: www.facebook.com/ArtenSuisse, cliccai sin plai a mi ed as exprimi.

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Editoriale

La nostra edizione di tarda estate

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opo lo straordinario successo del nostro primo numero, con il quale siamo andati a frugare tra l’abbondante schiera di artisti svizzeri, operare una selezione per questa seconda edizione si è dimostrato ancora più arduo, eppure siamo ugualmente riusciti a gettar un po’ di inchiostro sulla carta e ad allineare tra queste pagine un’altra interessante schiera di artisti tutta per voi.

Il vincitore della competizione di fotografia, Dominique Dubied ci ha inviato un’immagine di incredibile qualità artistica, vi invitiamo pertanto a soffermare la vostra attenzione a pagina 43 e 44 per osservare questa meraviglia.

Dovrei poi aggiungere che la cosa più piacevole di tutto questo lavoro è comunque avere l’opportunità di incontrare nei loro studi questi artisti svizzeri davvero unici ed ascoltare quali A porgervi il miglior benvenuto a questa siano le loro ispirazioni e le loro passioni mentre edizione campeggia in copertina un’immagine ci raccontano il loro processo creativo e condividell’atelier di Serena Maisto a Masagno. Potrete dono le loro storie. E’ questa passione che cerchitrovare la sua storia a pagina dieci. Abbiamo inol- amo di condividere con voi. tre inaugurato alcune nuove sezioni: ad esempio una sfavillante striscia di fumetti a pagina 60 e Speriamo che apprezzerete questo ultimo eco potrete anche trovare i portfolio degli artisti spar- della stagione estiva attraverso queste brevi chiacpagliati qua e la. Siamo pure riusciti a convincere chierate con questi magnifici artisti. uno straniero a varcare i confini svizzeri per essere intervistato, l’articolo dedicato allo stilista/ Grazie ancora per il vostro supporto alla artigiano della macchina fotografica Alessandro nostra rivista e ai nostri artisti. Gibellini lo travate a pagina 30.

Johnny Keggler Editore - Art en Suisse

Do il mio personale benvenuto a tutti i vostri commenti e suggerimenti, e aspetto con impazienza il feedback dei nostri lettori. Sentitevi liberi di comunicare la vostra opinione direttamente a me via e-mail all’indirizzo: voice@artensuisse.ch, oppure, qualora preferiste condividere la vostra opinione con altri, unendovi a noi su: www.facebook.com/ArtenSuisse, mettendo Mi piace alla nostra pagina e facendo sentire la vostra voce.

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Éditorial

Notre édition d’été indien

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près le surprenant succès de notre numéro pilote, fouiller dans la corne d’abondance d’artistes que la Suisse a à nous offrir pour ensuite faire une sélection pour cette deuxième édition s’est avéré être un défi doublement stimulant. Mais nous nous en sommes plutôt bien sortis et nous sommes fiers de vous présenter dans ces pages une nouvelle programmation digne d’intérêt. Pour vous accueillir dans ce numéro, c’est une photo de l’atelier de Serena Maisto à Masagno qui orne notre couverture, et nous présentons l’histoire de cette artiste dans notre article principal de la page 10. Nous inaugurons aussi quelques nouvelles sections comme par exemple la bande dessinée géniale de la page 60 ; vous trouverez aussi des «  portfolios  » d’artistes dispersés un peu partout dans le magazine. Nous avons même contraint un étranger à s’infiltrer à l’intérieur des frontières suisses pour se faire interviewer  ; l’article sur le maître de la conception et de la fabrication d’appareil-photo Alessandro Gibellini vous attend à la page 30.

Le gagnant de notre concours de photographie, Dominique Dubied, nous a proposé une image d’une qualité artistique exceptionnelle, et nous vous invitons à vous en émerveiller en pages 43-44. Il me faut ajouter que notre partie préférée de toute cette aventure reste l’opportunité de rencontrer ces artistes suisses uniques dans leurs studios et de discuter de leurs muses et de leurs passions pendant qu’ils exposent leurs procédés créatifs et partagent leurs histoires. C’est cette passion que nous entreprenons de partager avec vous. Nous espérons que vous apprécierez les derniers échos de la saison estivale ainsi que les courtes discussions que nous avons eues avec ces merveilleux artistes. Nous vous remercions une fois de plus de soutenir notre magazine et nos artistes.

Johnny Keggler Editeur - Art en Suisse

Je reçois personnellement volontiers toutes critiques ou tous commentaires et me réjouis d’entendre parler de nos lecteurs. N’hésitez donc pas à me faire part directement de votre opinion par e-mail à : voice@artensuisse.ch – ou, si vous préférez partager votre opinion avec d’autres, rejoignez-nous sur www.facebook.com/ArtenSuisse, aimez notre page et exprimez-vous.

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Editorial

Unsere Spätsommerausgabe

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ach dem überraschenden Erfolg unseres allerersten Magazins hat es sich als doppelt so schwierig herausgestellt, die Fülle an Schweizer Künstlern zu durchsuchen und dann eine Auswahl für diese zweite Ausgabe zu treffen. Aber irgendwie haben wir es geschafft, Tinte auf Papier zu bringen, und wir präsentieren Ihnen nun eine weitere interessante Zusammenstellung auf diesen Seiten. Um Sie zu dieser Ausgabe zu begrüssen, schmückt ein Bild aus Serena Maistos Atelier in Masagno unser Cover: ihre Geschichte wird in unserem Feature auf Seite zehn vorgestellt. Wir haben auch einige neue Abschnitte eingeführt; zum Beispiel den brillianten Comicstrip auf Seite 60, und Sie werden die ‘Portfolios’ von Künstlern überall im Magazin verstreut finden. Wir haben sogar einen Ausländer dazu genötigt, für ein Interview in die Schweiz zu kommen; der Artikel über Alessandro Gibellini, einen Meister in Kameraentwicklung und Konstruktion, ist auf Seite 30 zu finden.

Der Gewinner des Fotowettbewerbs, Dominique Dubied, hat ein Bild von herausragender künstlerischer Qualität eingereicht, und wir möchten Ihre Aufmerksamkeit auf die Seiten 43 und 44 lenken, um dieses Wunder zu bestaunen. Ich muss hinzufügen, dass für uns das Beste an diesem ganzen Unterfangen die Möglichkeit ist, sich mit diesen einzigartigen Schweizer Künstlern in ihren Ateliers zu treffen und ihre Musen und Leidenschaften zu diskutieren, während sie uns ihre kreativen Prozesse enthüllen und ihre Geschichten mitteilen. Es ist diese Leidenschaft, die wir versuchen, mit Ihnen zu teilen. Wir hoffen, Sie geniessen die letzten Echos der Sommersaison - und auch die kurzen Gespräche, die wir mit diesen grossartigen Künstlern hatten. Nochmals vielen Dank für die Unterstützung unserer Zeitschrift und unserer Künstler. Johnny Keggler Herausgeber – Art en Suisse

Kommentare oder Kritik sind von mir herzlich erwünscht und ich freue mich von unseren Lesern zu hören. Melden Sie sich mit ihrer Meinung ruhig direkt bei mir via e-mail: voice@artensuisse.ch - oder falls Sie gerne ihre Meinung mit anderen teilen möchten, verbinden Sie sich mit uns auf: www.facebook.com/ArtenSuisse, klicken Sie auf “like” und sprechen Sie sich aus.

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Wir pr채sentieren Ihre K체nstler aus Ihrer Region in Ihrer Sprache www.facebook.com/ArtenSuisse www.artensuisse.ch Bitte senden Sie uns eine Email an abo@artensuisse.ch und wir liefern es Ihnen nach Hause


Pittura

Sprigionando l’energia del momento Molti stili di pittura piacciono a poche persone e solo pochi stili piacciono a molti; ma c’é un’artista a Lugano le cui creazioni trasmettono a tutti pura energia e passione creativa.

Johnny Keggler

Traduzione – Chiara Finola

o incontrato Serena Maisto più di tre mesi prima che lei inaugurasse il suo nuovo atelier a Massagno, un piccolo sobborgo sopra Lugano. Il pavimento e le pareti erano ancora grezze ed era evidente che lo spazio era in fase di rinnovamento, ma si poteva già avvertire la pulsante vitalità del vasto studio, era già stato animato dall’energia di Serena che gli aveva inalato il soffio vitale con le sue cure e il suo incredibile e disarmante sorriso. Sentivo come se le sue idee traspirassero dai muri ed era come se lo spazio dovesse letteralmente prendere vita con un flusso di dirompente energia simile all’ondata di colori che scorre dalla sua tavolozza.

sul mio sito web è già stato venduto. Se qualcuno mi chiede di creare qualcosa, vado direttamente a casa loro o sul luogo dove svolgono la loro attività per osservare l’arredamento e le pareti. Osservo gli abbinamenti di colore e cosa hanno esposto nella stanza. In quel momento riesco a immaginare cosa necessita la stanza e cosa vorrei creare, riesco a visualizzare la mia opera come se fosse già sulle pareti. Poi mi prendo un po’ di tempo per riunire tutti i materiali, spesso giorni prima di iniziare, e poi nel mio studio traduco sul supporto scelto l’immagine che avevo visualizzato, semplicemente riproduco ciò che avevo visto nella mia mente. La mia grinta, la mia passione sta nell’Energia del Momento. Io già so cosa farò e il lavoro una volta completato è sempre esattamente quello che avevo visualizzato quando ero con il cliente. Mi siedo o mi bevo un tè e semplicemente mi rilasso un po’ prima di cominciare perchè, quando incomincio a lavorare, non mi fermo più. Voglio essere sicura che sia il momento giusto per incominciare a dipingere, ovvero quando entro all’interno della creazione con il punto iniziale. Infatti tutte le mie opere hanno due punti o gocce di colore: uno segna l’inizio e l’altro la fine. Spesso utilizzo due colori diversi per i due punti.

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Come descriveresti il tuo stile pittorico? Le ho chiesto. Non ho un’etichettatura per il mio stile, nonostante alcuni dei miei amici dicano che io faccia semplicemente degli scarabocchi. A volte mi chiamano o mi mandano delle foto per dirmi che i loro bambini hanno appena creato delle opere d’arte simili alle mie ed io trovo tutto ciò piuttosto divertente. Io lavoro esclusivamente su commissione. Tutto ciò che puoi trovare nel mio atelier oggi o

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Viele Malstile sprechen einige Menschen an, sprechen viele an; aber es gibt eine Künstlerin ihre wahre Energie und kreative Leidenschaft verrät.

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ch sass mit Serena Maisto zusammen, mehr als drei Monate, bevor sie ihr neues Atelier in Massagno, einem kleinen Vorort oberhalb von Lugano, eröffnet hatte. Die Fussböden und Wände waren noch unverarbeitet, und es war offensichtlich, dass dieser Raum in einem Zustand der Renovierung befand, aber man konnte schon den Puls des grossen Studios spüren – Serenas Energie, ihr förderndes Naturell und ihr umwerfendes, entwaffnendes Lächeln hatten ihm den Lebensatem eingehaucht. Ich konnte fühlen, dass sich ihre Vision in diesen Wänden entfaltete und dass dieser Platz bald lebendig werden würde, mit einem Energiefluss gleich einer Farbwelle, die aus ihrer Palette herausströmt. Wie würdest du deinen Malstil beschreiben? fragte ich.

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Malerei

Die Energie des Moments freisetzen

und nur einige Stile in Lugano, deren Kunst all

Übersetzung – Dörte Diestel Ich habe keinen Namen für meinen Stil, obwohl einige meiner Freunde sagen, dass ich nur kritzele. Sie rufen mich manchmal an oder schicken mir Fotos und sagen, dass ihre kleinen Kinder zu Hause gerade ein Kunstwerk kreiert haben, welches meinem ähnlich ist. Das finde ich wirklich ganz witzig. Ich arbeite nur auf Kommission. Alles, was man heute auf meiner Website oder in meinem Atelier sieht, wurde verkauft. Wenn Leute möchten, dass ich etwas kreiere, treffe ich mich mit ihnen bei ihnen zu Hause oder am Arbeitsplatz und dort schaue ich mir den Raum, die Möbel und die Wände an. Ich schaue auf die Zusammenstellung der Farben und was sie in diesem Raum stehen haben. Dann kann ich mir vorstellen, was der Raum braucht und was ich kreieren möchte; ich visualisiere schon mein

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Pittura Considero il plexiglass con cui lavoro imperfetto, come se la sua superficie trasmettesse confusione. Le linee delle mie opere non fanno altro che aggiungere caos che tramuta il pandemonio generale in un’immagine grafica. Il caos comincia dalla mia mano; le linee sembrano caotiche ma è possibile notare che i disegni, una volta completati, sono lineari. Quando comincio non mi fermo, le linee sono continue dall’inizio alla fine. Cosa ti ha ispirato quando hai cominciato a creare utilizzando questo stile? Circa 11 anni fa mi iscrissi a una scuola d’arte che non conclusi mai perchè accettai un lavoro per la televisione. Poiché studiavo arte mia madre credeva che, come tutti gli artisti, potessi dipingere praticamente quasi ogni cosa. Venne da me un giorno e mi

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chiese di dipingere qualcosa per il suo dottore che le aveva chiesto informazioni sul mio lavoro. Le dissi che era impossibile perchè non avevo mai dipinto su richiesta. Ma per compiacerla incominciai a mettere del colore sulla tavola utilizzando una spatola con la stessa tecnica con cui un pittore userebbe un pennello. Quello fu il mio primo momento davanti a una tela bianca e l’effetto fu davvero interessante. Poco tempo dopo un amico mi diede un DVD sulla storia di Jackson Pollock. Quando lo guardai ebbe per me un effetto quasi narcotizzante, fu subito passione e mi ritrovai completamente sopraffatta dal suo lavoro. Volevo sentirmi come lui si sentiva quando creava le sue opere. Era dinamico ed aggressivo, anche io dipingevo con lo stesso stato d’animo, infatti la mia prima tavola fu molto aggressiva, quasi una lotta. L’immagine è piacevole, mi piace ancora, ma quando la creai non avevo sentito l’Energia del Momento. Nel corso degli anni ho cambiato il mio stile. Ma il momento in cui ho trovato il mio supporto prediletto è stato solo quando sono passata dalla tela al plexiglass e ho realizzato che girando l’opera su un lato è possibile vedere la consistenza emergere dalla superficie e che quindi il colore si può davvero toccare. Ho incominciato a comprare grossi riquadri in plexiglass e ho incominciato a trasmettere tutta la mia energia in questo stile. Nelle case moderne le mie opere si distinguono prepotentemente e allo stesso tempo si amalgamano perfetteamente con il resto degli arredi. Lavorando con il plexiglass ho scoper-

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Gemälde an den Wänden. In Gedanken kann ich tatsächlich die Farben und das vollendete Bild an ihrer Wand sehen. Ich nehme mir dann etwas Zeit, bevor ich mein Material zusammensammele – es sind oft Tage bevor ich anfange – und dann, in meinem Studio, übertrage ich das Bild, welches ich visualisiert habe, auf mein Arbeitsmaterial. Ich bringe einfach wieder hervor, was ich in meinen Gedanken gesehen habe. Meine Dynamik, meine Leidenschaft ist die Energie des Moments. Ich weiss schon, was ich machen werde, und wenn ich das Werk vollendet habe, ist es immer genau so, wie ich es visualisiert hatte, als ich bei meinem Kunden war. Ich setze mich hin oder trinke Tee und entspanne mich ein bisschen bevor ich beginne, weil ich, wenn ich einmal anfange, nicht mehr aufhöre. Ich möchte sicher sein, dass ich weiss, wann ich mit dem Malen beginnen soll - das bedeutet, wo ich den Anfangspunkt der Kreation setze. Wissen Sie, alle meine Bilder haben zwei Punkte oder Farbtropfen; einen, wo ich anfange, und den anderen, wenn ich aufhöre. Oft benutze ich unterschiedliche Farben für die Punkte. Ich betrachte das Plexiglas, mit dem ich arbeite, als unvollständig, und die Oberfläche ist nur Verwirrung. Die Linien meines Bildes sind hinzugefügtes Chaos, was das gesamte wilde Durcheinander in ein Gemälde verwandelt. Es liegt in meiner Hand, wo das Chaos beginnt; die Linien scheinen chaotisch zu sein, aber man kann sehen, dass die fertigen Zeichnungen linear sind. Wenn ich anfange, höre ich nicht mehr auf, die Linien sind fortlaufend von Anfang bis Ende. Was hat dich dazu inspiriert, mit diesem Malstil zu beginnen? Vor ungefähr elf Jahren war ich an einer Kunstakademie eingeschrieben, welche ich nicht abgeschlossen habe, weil ich einen Job beim Fernsehen annahm. Da ich Kunst studiert habe, nahm meine Mutter wie selbstverständlich an, dass ich als Künstlerin fast alles malen könnte. Eines Tages kam sie zu mir und bat mich, für ihren Arzt, der nach meinen Kunstwerken gefragt hatte, etwas auf Leinwand zu malen.

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Ich habe ihr gesagt, dass das unmöglich wäre, da ich noch nie auf Anfrage gemalt hatte. Aber, um nachzugeben, habe ich mit einem Spachtel begonnen und Farbe auf die Leinwand gebracht, mit derselben Methode, mit der ein Maler einen Pinsel gebrauchen würde. Das war mein erstes Mal vor einer leeren Leinwand. Die Auswirkung war sehr interessant. Kurz danach hat mir ein Freund eine DVD mit der Geschichte von Jackson Pollock gegeben. Diese anzuschauen hatte eine betäubende Wirkung auf mich – ich merkte, wie ich von seinem Werk total überwältigt wurde. Ich wollte fühlen, was er in diesen Momenten fühlte, wenn er kreativ war. Es war aggressiv und dynamisch. Es war dieselbe Art wie ich malte. Meine erste Leinwand war sehr aggressiv und fast ein Kampf. Das hierdurch entstandene Bild sieht nett aus – ich mag es immer noch, aber während ich es erschaffen habe, fühlte ich die Energie nicht. Im Lauf der Jahre habe ich meinen Stil geändert, aber ich hatte mein Arbeitsmaterial erst gefunden, als ich die Transformation von Leinwand zu Plexiglas machte. Denn als ich das Plexiglas auf die Seite legte und die Farbtextur über die Oberfläche erhoben sah, entdeckte ich, dass man die Farbe tatsächlich ‘anfassen’ kann. Da wusste ich, dass ich mein Material gefunden hatte. Ich kaufte ein sehr grosses quadratisches Plexiglas und begann, meine Energie auf diese Kunstform zu übertragen. In modernen Häusern fällt mein Werk sehr stark auf und vereint sich dennoch perfekt mit der Ausstattung des Raumes. Durch das Arbeiten mit Plexiglas habe ich herausgefunden, dass meine Kunst einen gänzlich unterschiedlichen Effekt durchsickern lässt, als wenn ich Edelstahl benutze, obwohl das Material für mich nicht so wichtig ist.

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to che la mia arte si animava creando un effetto nell’insieme differente rispetto a quando utilizzavo come supporto l’acciaio inossidabile, anche se il materiale non è poi così importante per me. Sia il plexiglass che l’acciaio sono per me supporti molto piú tattili, infatti il colore sopra queste superfici si vede, si sente ed emerge più prepotentemente rispetto alla tela. Non ho fatto particolari ricerche per approdare a questi materiali, nel senso che ho inizialmente cominciato a usare la tela e la scoperta del plexiglass e dell’acciaio è come se fosse caduta dal cielo. Circa sei anni fa fui invitata a esporre un’opera per una mostra organizzata per aiutare i bambini maltrattati, e uno dei criteri richiesti era proprio che tutti gli artisti presentassero opere eseguite su plexiglass. Essendo una donazione dovetti rispettare le richieste. A quel tempo non sapevo neanche cosa fosse il plexiglass. Quindi mi recai in ferramenta e me ne procurai un po’. Un altro episodio a conferma della mia teoria che tutto accade per una ragione. Mia madre e anche alcuni dei miei amici sostennero che il mio passaggio al plexiglass non era da considerarsi un caso fortuito. All’epoca pensai che fossero impazziti ma ripensandoci ora so che tutto ciò ha fatto parte del mio percorso. Avresti qualche minuto per illustrarci alcuni dei tuoi strumenti?

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Utilizzo colori acrilici a base d’acqua, gli stessi che normalmente vengono usati per dipingere le cucine. In questo modo se devo creare qualcosa che, per esempio, deve essere installato in un bagno, sono sicura che non verrà intaccato dall’umiditá. Questi colori poi possono anche essere puliti con un normale detergente per vetri. Come pennelli utilizzo le bacchette per suonare le percussioni, ho scoperto che la loro sagoma è perfetta per creare un flusso continuo di colore. Quando utilizzo un normale pennello utilizzo la parte senza le setole anche se non dona lo stesso effetto delle bacchette. Non utilizzo le setole perché io in realtà non tocco la tela, il plexiglass o il metallo. Mentre ero seduta nella sauna dopo aver fatto esercizio fisico ho avuto una visione, ho immaginato una particolare lampada che rappresentava i novi mesi di gravidanza. Questa lampada simboleggia i nove livelli dello sviluppo fetale, che rappresentano le nostre vite, la nostra crescita personale e i cambiamenti che attraversiamo. Ho persino un tatuaggio che recita “tutto cambia” poiché credo fortemente in questo mantra. Per me è importante aver la consapevolezza e accettare che io cambio, le persone cambiano, il mondo cambia. Una volta in occasione di un matrimonio ho preso delle spesse lastre di metallo e ho ritagliato simmetricamente la parola “Love” ripetuta più volte. Ho preso le lettere, le ho adagiate e ho montato perpendicolarmente su di esse degli steli d’acciaio all’interno dei quali potevano essere posti dei fiori, così, guardando attraverso il tavolo, era possibile vedere i fiori nello stelo, guardando invece dall’alto verso il basso era possibile vedere la parola amore ripetuta numerose volte. Ho poi preso la lastra di metallo dalla quale avevo ritagliato le parole e dietro ho montato uno specchio. In questo modo non ho sprecato nessun materiale e ogni singolo elemento è un’opera d’arte. Ho realizzato undici quadri e me ne è rimasto soltanto uno, gli altri sono stati tutti venduti. Ho lavorato con tele, acciaio, lastre di metallo e plexiglass e fino a ora il mio preferito è il

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Beides, Plexiglas und Stahl, sind für meine Arbeit erfahrbarere Materialien, da man das Bild viel stärker über der Oberfläche sehen und fühlen kann als bei einer Leinwand. Ich habe nicht recherchiert, wie man diese Materialien benutzt, ich habe mit der Leinwand angefangen, und dass ich Plexiglas und Edelstahl entdeckt habe, waren nur glückliche Zufälle. Vor ungefähr sechs Jahren wurde ich eingeladen, ein Kunstwerk für eine Austellung zur Unterstützung von missbrauchten Kindern einzureichen, und eins der Kriterien war, dass alle Kunstwerke mit Plexiglas erstellt werden mussten. Da dies eine Spende sein sollte, war ich gezwungen mich zu fügen. Zu der Zeit wusste ich noch nicht einmal, was Plexiglas war. Also bin ich zum Baumarkt gegangen und habe es gefunden. Dies war ein weiterer Beweis für meine Einstellung, dass alles aus einem bestimmten Grund passiert. Meine Mutter und sogar einige meiner Freunde haben mir gesagt, dass meine Umstellung auf Plexiglas kein Zufall wäre. Zu der Zeit dachte ich, dass sie verrückt wären, aber rückblickend verstehe ich, dass dies die ganze Zeit über meine Bestimmung war.

Ich mache auch Kunstwerke aus Blech. Als ich einmal nach einem Fitnesstraining in der Sauna sass, kam mir die Vorstellung einer bestimmten Art von Lampe, die die neun Monate der Schwangerschaft darstellt. Sie symbolisiert die neun Stufen des embryonalen Wachstums, unser persönliches Wachstum, die Veränderungen, die wir durchmachen. Ich habe sogar ein Tattoo mit den Worten ‘alles ändert sich’, da ich an dieses Mantra glaube, und ich finde, es ist wichtig für mich, zu akzeptieren, dass ich mich ändere und dass sich jeder einzelne Mensch und die Welt ebenso verändern. Für die Hochzeit von jemandem habe ich einen dicken Blechbogen genommen und daraus symmetrisch das Wort ‘Love’ ausgeschnitten. Ich habe die Buchstaben genommen, sie flach auf den Tisch gelegt und senkrechte Stahlröhren darauf befestigt, in die Blumen gestellt wurden,

Könntest du einige deiner Utensilien zu erklären? Ich benutze wasserlösliche Acrylfarbe, dieselbe die man benutzt, um Küchen zu streichen. Wenn ich zum Beispiel etwas für ein Badezimmer schaffe, wird es auf diese Weise nicht durch die Feuchtigkeit zerstört. Es kann sogar mit Glasreiniger gesäubert werden. Als Pinsel benutze ich einen Trommelschlägel, weil die Konturen des Schlägels einen optimalen Farbfluss ermöglichen. Wenn ich doch mal einen Pinsel benutze, verwende ich die Seite ohne Borsten, obwohl das nicht so einen feinen Farbstrom hergibt. Ich benutze nie die Borsten, da ich nicht wirklich das Plexiglas, die Leinwand oder das Metall berühre.

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Pittura

plexiglass. È il più versatile in quanto è possibile vedere l’immagine sia da davanti che da dietro. La trama davanti ha una vita propria, il retro invece rivela la stessa immagine e le stesse linee, ma poiché il colore risulta perfettamente aderente al plexiglass l’effetto è diverso, essenzialmente è come avere due quadri in uno. Pensi di esplorare altre forme artistiche oltre a quelle menzionate, hai altri programmi? Il mio nuovo atelier è il mio ufficio, il mio showroom e il mio spazio di lavoro. Il mio sogno è che le persone vengano a vedermi lavorare e che comprino ciò che espongo sulle pareti. Tutto ciò sarebbe una nuova esperienza per me, ma, come ho già detto, tutto cambia.

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Ho anche concesso gli spazi del mio atelier per organizzare eventi privati per grandi aziende, banche e altro. Mi avvalgo della collaborazione di personale specializzato, alcuni si occupano di portarmi i tavoli e le sedie, altri si occupano dell’illuminazione e degli impianti sonori, in questo modo riusciamo a creare una piacevole atmosfera per piccole cene o incontri d’affari. Grazie a questa iniziativa le persone sono a contatto con la mia arte, e siccome a Lugano non ci sono molti spazi cool e rilassati per questo tipo di eventi il profitto diventa reciproco. Praticamente io non pubblicizzo il mio lavoro, tutte le commissioni che ho ottenuto sono il frutto di passaparola o di divulgazione ottenuta grazie ai social media o al networking. La mia clientela è molto varia. La maggior parte delle mie opere è stata venduta a clienti privati, ma anche a ristoranti. Per ora vendo principalmente a Lugano e Milano ma voglio lentamente espandere la mia clientela. L’importante per me quando vado a Milano è che io possa parlare direttamente con i clienti. Fino ad oggi, negli ultimi 12 anni di creatività, ho venduto 250 o 300 opere. Non so se possa considerarsi molto o poco, visto che non ho mai lavorato molto fino al momento in cui ho incominciato a utilizzare il plexiglass. Mi ricordo di un ordine di 25 immagini su plexiglass da parte di un’industria farmaceutica. Nella loro sede principale c’è un corridoio che circonda una sorta di sala conferenze, ho installato queste 25 immagini sulle pareti esterne della sala e le ho dipinte con un unico tratto, quindi, sebbene ci siano 20 centimetri di spazio tra un’immagine e l’altra, sembrano tutte connesse. Per preparare l’opera ho affittato un grande spazio, ho adagiato le 25 lastre di plexiglass in linea una vicina all’altra, ho imbevuto il mio pennello (in realtà una bacchetta per la batteria) e ho incominciato a correre. Quel giorno la mia energia si è concretamente trasferita nella mia opera. Visto che il cliente aveva richiesto che l’ opera fosse realizzata in un unico colore ho realizzato la composizione in una sola volta. Anche la musica è molto importante nel mio lavoro, ogni tipo di musica suscita in me un diverso stato d’animo ed è possibile notare la differenza nelle mie creazioni.

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Malerei

so dass man, wenn man quer über den Tisch schaute, die Blumen in den Stahlröhren sah, und wenn man von oben schaute, sah man das Wort ‘Love’ sich wiederholend. Dann habe ich das Blech genommen, aus dem ich die Worte herausgeschnitten hatte, und einen Spiegel dahinter befestigt. Auf diese Weise habe ich kein Material verschwendet, und jedes Element ist ein Kunstwerk für sich. Ich habe elf Spiegel produziert und es ist nur einer übrig - die anderen wurden verkauft. Ich habe mit Leinwand, Stahl, Blech und Plexiglas gearbeitet, und bis jetzt bevorzuge ich Plexiglas. Es ist flexibler, da man das Bild von vorne und hinten betrachten kann. Die Textur der Vorderseite hat ein Eigenleben, doch die Rückseite gibt einem das gleiche Bild und die gleichen Linien, aber durch die geglättete Farbe auf dem Plexiglas ist der Effekt ein anderer. Man hat im Grunde zwei Bilder in einem. Hast du Pläne, dich in andere Kunstrichtungen weiterzuentwickeln, jenseits derer, die du schon erwähnt hast?

Private Veranstaltungen sollen ebenso in meinem Atelier stattfinden, für grosse Firmen und Banken und so weiter. Ich arbeite mit speziellen Teams, wobei das eine Tische und Stühle organisiert und das andere die Beleuchtung und das Soundsystem, und so erschaffen wir eine wunderschöne Stimmung für kleine Abendessen oder besondere geschäftliche Events. Auf diese Weise sind die Leute meiner Kunst ausgesetzt, und da es fast keine entspannten, coolen Locations für diese Art von Veranstaltungen in Lugano gibt, profitiert jeder davon. Ich mache nicht wirklich Werbung für meine Arbeit – ich habe all meine Kommissionen durch Mundpropaganda, Netzwerken oder soziale Medien verdient. Meine Kundenbasis hat eine weite Bandbreite. Die meisten meine Werke wurden an private Kunden verkauft sowie an einige Restaurants. Im Moment verkaufe ich meine Werke in Lugano und Mailand und möchte nun langsam expandieren. Es ist für mich wichtig, dass ich in Mailand direkt mit meinen Kunden sprechen kann.

Mein neues Atelier ist mein Büro, mein Ausstellungsraum und mein Arbeitsplatz. Mein Traum ist, dass Leute kommen, um mir bei der Arbeit zuzusehen und zu kaufen, was hier an der Wand hängt. Das wird eine neue Erfahrung für mich sein – einige meiner Arbeiten, die noch nicht verkauft wurden, auszustellen, aber wie ich vorhin schon sagte, alles ändert sich.

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Pittura Qual è il momento che percepisci come decisivo nel tuo flusso creativo? Il momento decisivo per me è quando installo il dipinto sulla parete e vedo la reazione del cliente. È importante per me poter vedere, prima di dipingere, dove deve essere appeso il dipinto sulla parete. Molte volte il cliente è un marito o un fidanzato alla ricerca di un regalo per la sua compagna. Mi dicono cosa vogliono e in quale colore. Spesso chiedo se sono davvero sicuri del colore. Poi realizzo il dipinto e dopo per me non è mai una sorpresa se la compagna destinataria del regalo mi contatta per chiedermi di realizzare la stessa cosa ma in un colore diverso. Qualche volta quando i miei clienti vendono la casa o si trasferiscono mi chiamano per andare a dare un’occhiata ai nuovi locali e per creare qualcosa di nuovo, o semplicemente per domandarmi dove installare ciò che hanno già comprato. Dei clienti mi hanno invitata a casa loro per ispezionare una stanza e creare qualcosa per loro. La stanza in cui la signora desiderava avere il dipinto era completamente bianca: le pareti,

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il tappeto, l’arredamento, tutto. “Ok, - ho detto - creerò proprio ciò di cui hai bisogno”. Alcuni giorni dopo quando tornai con il dipinto la moglie mi sussurrò delicatamente “ma è rosso”. “Lasci fare a me”- le dissi - e quando vide il dipinto sulla parete incominciò letteralmente a piangere e mi disse che il rosso era davvero ciò che ci voleva e che io so davvero quello faccio. AeS

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Malerei

In den zwölf Jahren, in denen ich kreativ war, habe ich 250 bis 300 Werke verkauft. Ich weiss nicht, ob das viel oder wenig ist, da ich erst mit der Arbeit auf Plexiglas begonnen habe, viel zu produzieren. Ich erinnere mich an einen Auftrag eines Pharmaunternehmens, 25 Bilder auf Plexiglas zu erstellen. In ihrem Hauptgebäude gibt es einen Korridor, der eine Art Konferenzraum umgibt. An den Aussenwänden dieses Raumes habe ich die 25 Bilder angebracht. Ich habe sie in fortlaufenden Streifen bemalt, so dass sie verbunden scheinen, obwohl ein 20 Zentimeter breiter Abstand zwischen den einzelnen Bildern ist. Um dieses Werk zu erschaffen, mietete ich einen sehr grossen Raum, legte die 25 Plexiglasteile in eine Reihe, tauchte meinen Pinsel (Schlägel) ein und begann zu rennen. Das war eine sehr starke Übertragung meiner Energie auf mein Werk. Da der Kunde nur eine Farbe haben wollte, kreierte ich das Werk in einem Durchgang. Auch Musik spielt eine wichtige Rolle bei meiner Arbeit - ich male immer nach Musik. Unterschiedliche Musik schafft unterschiedliche Stimmungen, und man kann die Unterschiede in meinen Werken sehen. Was ist der entscheidenden Moment in deinem Arbeitsablauf? Der entscheidende Moment ist für mich, wenn ich mein Kunstwerk an die Wand hänge und das Gesicht meines Kunden sehe. Es ist mir

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wichtig, den Ort, an dem das Werk angebracht werden soll, zu sehen, bevor ich zu malen beginne. Oft möchte ein Ehemann oder ein Freund seiner Partnerin ein Geschenk machen. Sie sagen mir, was sie wollen und welche Farbe sie wollen. Oft frage ich nach, ob sie sich bei der Farbe absolut sicher sind. Erst dann beginne ich mit meiner Arbeit, und später ist es oft keine Überraschung, wenn mich ihre Partnerin kontaktiert und nach dem ‘Gleichen’ fragt, aber in einer anderen Farbe. Manchmal, wenn meine Kunden ihr Haus verkaufen und in ihr neues Haus ziehen, rufen sie mich an und fragen, ob ich einen Blick auf die neuen Räumlichkeiten werfen könnte, um dafür etwas Neues zu kreieren oder nur, um zu empfehlen, wo sie das bereits Gekaufte anbringen könnten. Ich hatte sogar einen Kunden, der mich bat, ein Werk für ihr neues Zuhause zu entwerfen, und erst danach kauften sie die zu meinem Gemälde passenden Möbel. Ein andere Kundin hat mich zu sich nach Hause eingeladen, um die Räume zu inspizieren und etwas für sie zu entwerfen. Der Raum, wo sie das Gemälde haben wollte, war vollkommen weiss; Wände, Teppich, Möbel, einfach alles. Ich habe gesagt, ‘OK, ich werde genau das kreieren, was Sie brauchen.‘ Tage später, als ich mit dem Gemälde zurück kam, flüsterte mir die Ehefrau zu, ‘Aber es ist rot!’ ‘Lassen Sie es mich aufhängen’, antwortete ich ihr. Als sie das Gemälde an ihrer Wand sah, fing sie sogar an zu weinen. Dann sagte sie mir, ihr wäre nun klar, dass ich wirklich wüsste, was ich mache, und dass Rot besser wäre. AeS

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Portfolio 1mx1m

Hot summer day Microscopic World Series on Cristina Deliveries Cristina Ruiz de Casteñeda

Another hot summer day in 2015. The

sun shines at a 90° angle – the wind stopped blowing three days ago. It’s been now over four weeks without a drop of rain. ‘Another Rose Oil, two glasses’- she says. Sweet, refreshing and non-alcoholic, of course. A slice of lemon drifting between iced archipelagos. The seaplane looks as if it’s flying off the bottle, attempting a landing among the cooling ice cubes.


Frau gespachtelt Acrylfarbe schwarz / weiss Leinwand 60x60

Sie zeigt sie ungeschminkt, verschwommen, kontrastreich, zerbrechlich und zu gleich stark. Sie vermag es durch ein Bild eine unglaubliche Emotionspalette zu transportieren ohne den Betrachter damit zu überrumpeln. So ermöglicht sie ihm einen unverblümten Blick hinter die Maske der Gesellschaft.

Mädchen gespachtelt Acrylfarbe schwarz / weiss Leinwand 60x60

Portfolio

Frauen stehen im Fokus des Kunstschaffens von Janet Müller.


Musik

Das Spiel mit den Grooves Johnny Keggler Die aktuelle Vinyl-Revolution ist vielen Menschen entgangen, vor allem wegen der Quellen, die wir für unseren Musikgenuss verwenden (iTunes, Spotify, etc.). Ein kreativer Künstler spricht über seinen Anteil daran, die Plattenteller weiterhin am Drehen zu halten. Übersetzung – Dörte Diestel

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ls ich mein kleines Aufnahmegerät für unser Interview vorbereite, lehnt sich mein Gastgeber mit einem Ausdruck totalen Selbstvertrauens im DJ-Stuhl zurück, sein Gesicht hinter dem grossen Mikrofon fast völlig versteckend. “Ich bin ein Teil eines Kollektivs”, beginnt er. “Wir machen Radio und ich bin ein Discjockey”. Davide Grossi ist Mitglied einer kleinen Gruppe von DJs (Discjockeys), deren Leidenschaft für Original-Schallplatten durch ihre Radioshows im Vinylszene & Vinylirium-Programm der Radiostation Kanal K in der Stadt Aarau gepflegt wird. “Am ersten Freitag im Monat, von 22 bis 4 Uhr, spielen wir passionierte Vinylsammler stundenlang Schallplatten. Der Name dieses Programms ist ‘Vinylszene’“, fährt er fort. “Während der ersten Stunde präsentieren wir einige Hintergrundinformationen zu einer ausgewählten Band, oft mit Live-Interviews, obwohl das vom DJ abhängt.” “Die Sendezeit von 23 bis 4 Uhr ist dann DJ-Sets gewidmet. Es gibt vier DJs in unserem ‘Al-JAZZeera’ Team, jeder spielt eine Zusammenstellung von Musik, die er auswählt.“ “Für meine Musikthemen wähle ich Schallplatten aus meiner persönlichen Plattensammlung aus. Wir entscheiden, ob wir entweder ein Album oder eine Gruppe vorstellen, einfach etwas Musik spielen oder ein Thema entwickeln wollen. Ich lade am liebsten Gäste zu Interviews ein - ich mag die Live-Interaktion, wo ich Menschen

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mit mir im Studio habe, wo fast alles passieren kann“, erklärt Davide. “Mein Interesse an Vinyl kommt aus der Zeit, wo ich DJs zugehört habe, die Technooder Dance-Tracks in Clubs spielten - viele von ihnen benutzten Schallplatten, und ich habe sehr darauf geachtet, wie sie spielten, mischten, scratchten. Es war faszinierend.“ “Um das Schicksal, das mich in die DJSzene geführt hat, etwas anders zu beschreiben; vor etwa zehn Jahren, als ich gerade einen Job suchte, habe ich zu meinem Arbeitsamtberater gesagt, dass ich an Musik interessiert sei, er schlug vor, dass ich eine Lehre bei diesem Radiosender mal in Betracht ziehen sollte. Kanal K hat ein Programm, das in der Schweiz einzigartig ist, wo man eine Lehre machen kann – also habe ich mich bei dem Programm beworben und wurde angenommen”, fährt Davide fort. “Ich war fasziniert davon, die DJs hier zu beobachten, aber nach einiger Zeit hatte ich den Eindruck, dass man Schallplatten auflegen muss, wenn man dem Discjockey-Handwerk wirklich treu sein möchte.” “Als ich endlich die Chance bekam, selbst in dem Stuhl zu sitzen und als DJ beim Kanal K zu arbeiten, begann ich mit dem Diskman-System, rutschte aber schon bald in die Vinylszene. Ich hatte zu Hause eine schöne Plattensammlung aufgebaut und es machte mich neugierig, dass hier schon Vinyl-DJs arbeiteten. Die Verwaltung fand heraus, dass ich auch Platten sammelte, so dass sie mir empfahlen, mich dem hauseigenen Vinylteam anzuschliessen.”

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Musica

Quando lo spettacolo nasce col groove La rivoluzione musicale odierna parte dal vinile, anche se questa rivoluzione a molti è passata inosservata soprattutto perché ormai per ascoltare musica utilizziamo gli ultimi strumenti offerti dalla tecnologia (itunes, spotify...), ma un artista davvero creativo ci ha rivelato come è riuscito a mantenere il giradischi acceso.

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entre preparavo il mio piccolo registratore vocale per procedere con l’intervista il mio ospite si è comodamente adagiato sulla sua sedia da DJ con atteggiamento decisamente sicuro anche se il suo viso era quasi totalmente nascosto dal microfono. “Sono parte di un gruppo” ha esordito “facciamo radio e io sono un disc jockey” Davide Grossi è parte di un piccolo gruppo di DJ (disc jockey) la cui passione per i dischi originali in vinile è alimentata e coltivata grazie a delle radio trasmissioni all’interno dei programmi Vinylszene & Vinylirium sulla stazione Canale K della città di Aarau. “Il primo venerdì di ogni mese dalle 22:00 alle 04:00 noi appassionati collezionisti di vinili suoniamo per alcune ore dei dischi”. “Durante la prima ora di trasmissione presentiamo la band prescelta con alcune curiosità e spesso procediamo con delle interviste, anche se la scaletta dipende dal DJ che conduce lo spettacolo” “Poi dalle 23:00 alle 04:00 il programma è interamente dedicato ai set dei DJ. La nostra squadra “Al- JAZZ-era” è composta da quattro DJ e ognuno di noi esegue dei set di musica personalmente selezionata”. “Per programmare il mio on air set seleziono personalmente alcuni vinili presi direttamente dalla mia collezione privata. Insieme poi decidiamo se presentare un gruppo o un album o se sviluppare una tematica oppure semplicemente suonare della musica. Io preferisco invitare

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Traduction – Chiara Finola degli ospiti da intervistare. Mi piace l’interazione diretta e avere persone in studio perchè può accadere qualsiasi cosa”. “La mia passione per i vinili risale ai giorni in cui ho incominciato ad ascoltare la musica techno e dance selezionata dai DJ nelle discoteche. Molti DJ utilizzavano dischi in vinile e io ero molto interessato ad ascoltarli mentre suonavano, mixavano e scratchavano. Era davvero affascinante”. “La provvidenza poi ci ha messo lo zampino e mi ha aiutato a inserirmi sulla scena come DJ. Circa 11 anni fa, quando ero alla ricerca di un lavoro, accennai al consulente del collocamento che amavo molto la musica, lui allora mi suggerì di seguire uno stage come DJ. Canale K in Svizzera era l’unica stazione radiofonica che offriva la possibilità di intraprendere uno stage, così mi decisi a fare domanda e fui accettato”. “Ero molto interessato a osservare i DJ che lavoravano qui in radio e col tempo ho realizzato che essere fedele alla vera arte del DJ significa utilizzare dischi in vinile”. “Quando ebbi finalmente l’occasione di sedermi al tavolo del DJ per esibirmi, qui su Canale K, utilizzai il Diskman system, ma subito dopo passai al vinile. Avevo a casa una bella collezione di dischi e mi intrigava sapere che qui lavoravano altri DJ interessati al vinile. L’amministrazione venne a sapere della mia collezione e mi spinse a inserirmi nella squadra dedicata al settore”.

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Musik Ich bitte Davide, eine Pause zu machen, um für einen Moment darüber zu reflektieren, wie er sich als ein ‘altmodischer’ DJ in der heutigen Welt der Hochtechnologie fühlt? Ist seine Entscheidung, Schallplatten aufzulegen, eine Art Rebellion? Davide sieht mich für einen Moment mit einem ironischen Lächeln an, bevor er antwortet: “Ich bin in die Fusstapfen der Vinyl-DJs getreten”, verrät er. “Ich habe ihre Methoden studiert, habe das, was sie machen, mit der Arbeit mit Digitalmusik verglichen, und meiner Meinung nach sind Schallplatten die wahre Art, Musik zu spielen - das ist traditionell. Es ist nicht so, dass ich MP3- oder CD-DJs nicht respektiere ... aber für mich ist Vinyl der einzige Weg, als DJ Musik treu zu sein.” “Ich bin 30 Jahre alt”, fährt er fort. “Mein Interesse an Schallplatten fing an, als ich 20 war. Ich hatte ein paar Platten zu Hause, aber vor allem Kassetten und CDs. Innerhalb eines Jahres nach meiner ‘Vinyl-Offenbarung’ hatte ich meinen eigenen Plattenspieler und einen Stapel Platten gekauft und begann meine Sammlung.” “Es war mir schon immer ein inneres Bedürfnis, Menschen mit Musik zu gefallen”, erzählt Davide. “Als ich ein Kind war - sieben, acht oder neun – feierten meine Schwester oder einige Freunde Parties, und ich war immer derjenige, der die Musik für alle gespielt hat. Ich weiss nicht, ob man das wirklich DJ nennen kann, und es hat mich auch nie einer darum gebeten, ich habe es gemacht, weil ich fasziniert war, erstens davon, ein Publikum zu haben und zweitens davon, die Reaktion des Publikums auf meine Musikauswahl zu erleben.” Um Davide von den Erinnerungen wieder zurück zu Kanal K zu bringen, frage ich ihn nach seinem ersten Mal vor dem Mikrofon.

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“Ich hatte wirklich Angst”, sagt er. “Ich habe in den Studios gearbeitet, und wir wurden gebeten, einige Übungen mit einem offenen Mikrofon zu machen. Wir sollten Filmkritiken machen und ich wusste, dass ich reden und etwas auf einer MiniDisc aufnehmen sollte, das sie später “streamen” wollten.” “Ich war zuerst so befangen. Ich wollte einfach nur Musik spielen, weil ich den Klang meiner Stimme nicht mochte. Ich war damals nicht so vom Mikrofon angezogen, ganz im Gegensatz dazu, wie ich mich heute fühle; ich liebe es wirklich, Radio zu machen. Ich beobachtete ein paar Sessions des DJ , wie er über die Hintergrundmusik hinweg redet und dann Songs spielt. Ich wurde gefragt, ob ich es versuchen wollte und so habe ich es gemacht. Später fand ich heraus, dass ich mehr Interesse daran habe, Gäste einzuladen, auch wenn die Vorbereitung dafür oft umfangreiche Planung und Recherche erfordert. Ich denke mal, es macht mir einfach Spass, ein Publikum zu haben.“ “Wenn ich plane, Gäste dazuhaben, suche ich erstmal eine Musikauswahl in Richtung der Musik des Gastes zusammen oder ich wähle etwas von seiner eigenentwickelten Musik aus. Für eine Show ohne Gäste, fange ich an, ein Musikprogramm zusammenzustellen, indem ich eine Melodie aussuche, die ich lange Zeit nicht gehört habe, und ich konzentriere mich auf diese Art Musik oder das Gefühl – ich suche dann die Musik mit diesem Thema im Hinterkopf.“ “Ich liebe es, Musikprogramme zusammenzustellen”, erklärt Davide. “Manche Songs kommen wieder in die Musikbibliothek, wenn sie nicht zu meinen Parametern passen, aber normalerweise inspiriert ein Song den nächsten, was es sehr einfach macht. Ich folge meiner Inspiration und erstelle dann ein Musikprogramm entsprechend der Sendezeit, die ich zugeteilt

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Ho chiesto a Davide di fare una pausa per soffermarsi un attimo a pensare cosa significa per lui essere, per così dire, un antiquato DJ che utlizza vinili in un mondo votato all’alta tecnologia. Se utilizzare dischi in vinile è forse una sorta di ribellione. Davide mi ha guardato per un attimo con sorriso ironico prima di rispondere alla mia domanda: “Ho seguito le orme dei DJ devoti al vinile. Ho studiato il loro modo di operare con i dischi e ho poi confrontato quello che facevano con la musica digitale, a quel punto ho capito che far girare un vinile sul giradischi è il modo più autentico per far ascoltare della musica, il più tradizionale. Non è che non rispetto i DJ che lavorano con gli mp3 o con i CD, ma per me l’unica maniera per essere davvero fedele alla musica come DJ è utilizzare il vinile”. “Io ho 30 anni” ha proseguito “Il mio interesse per il vinile è iniziato quando ne avevo 20. Avevo qualche disco a casa ma come tutti possedevo principalmente cassette e CD. Il vinile fu una vera e propria folgorazione e nel giro di un anno comprai il mio primo piatto per dischi, alcuni vinili e cominciai la mia collezione”. “Ho sempre avuto un innato desiderio di intrattenere le persone con la musica, quando ero piccolo e avevo 7, 8 o 9 anni e mia sorella o degli amici organizzavano una festa ero sempre io a mettere la musica. Non so se si possa considerare essere un DJ. Non lo facevo perchè qualcuno me lo chiedeva, lo facevo perchè ne ero affascinato e mi piaceva avere un pubblico, osservare le reazioni delle persone alla musica che io sceglievo”. Per riportare i ricordi di Davide alle sue esperienze qui su Canale K gli ho chiesto di raccontarmi la sua prima esperienza davanti a un microfono. “Ero davvero terrorizzato” mi ha detto “Stavo lavorando negli studios e mi chiesero di fare

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delle prove a microfono aperto. Dovevamo preparare delle recensioni di alcuni film e sapevo che avrei dovuto parlare e registrare qualcosa in MD che avrebbero poi trasmesso in un secondo momento”. “All’inizio ero davvero intimidito e volevo solo suonare musica perchè non mi piaceva il suono della mia voce. Al contrario di adesso non mi sentivo molto attratto dal microfono. Osservai il DJ che parlava sopra il sottofondo musicale per poi suonare alcune canzoni, mi chiesero di provare e quindi accettai. Più avanti scoprii che preferivo invitare ospiti anche se la preparazione di un set richiede molte ricerche e abilità di programmazione. Alla fine credo che quello che più mi piace è avere un pubblico”. “Quando prevedo di avere ospiti come prima cosa ricerco nella mia personale raccolta qualcosa che si addica all’ospite in questione, oppure scelgo qualcosa dal loro repertorio. Per uno spettacolo senza ospiti invece incomincio a creare il mio set partendo da una melodia che non ho ascoltato per un po’ di tempo e poi, partendo dal quel tipo di musica o dal sentimento che suscita, incomincio a selezionare altre melodie seguendo lo stesso tema”. “Adoro creare set musicali” ha continuato Davide “se alcune canzoni non rispettano i miei parametri le rimetto in libreria, ma generalmente una canzone ispira quella successiva e tutto procede molto semplicemente, seguo la mia ispirazione e poi progetto il set in base al tempo che ho a disposizione in trasmissione. Ricercare e creare il set da trasmettere è l’aspetto di questo lavoro che prediligo”. Ho chiesto a Davide quanto, secondo lui, questa rivoluzione del vinile potrebbe durare. “Sono contento di sapere che nuovi vinili continuano a essere prodotti. Penso che l’arte

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Musik bekommen habe. Recherche für ein Musikprogramm und es dann aufbauen ist einer meiner Lieblingsaspekte bei dieser Arbeit.” Ich frage Davide, wie lange er glaubt, dass diese Vinyl ‘Revolution’ anhält. “Ich bin froh zu wissen, dass neues Vinyl kontinuierlich gepresst wird”, antwortet er. “Ich glaube nicht, dass die Kunst des Plattenauflegen jemals sterben wird. Viele Menschen, die ich treffe, sind neugierig und ein wenig misstrauisch, dass wir hier Vinyl-DJs sind; sie wollen wissen, warum das so ist. Ich glaube, es ist das Bewusstsein für den Geist der Musikqualität und des Kunstwerks, das diesem Bestreben Glaubwürdigkeit verleiht. Die Wärme der Musik ist auch ein Faktor, der zur Atmosphäre beiträgt.“ “Es hat vor kurzem ein Wiederaufleben von Vinyl gegeben”, betont Davide. “Der Markt hat dies erkannt, und neue Investoren springen auf den fahrenden Zug, weil Retro cool ist. Es ist das gleiche mit Filmfotografie. Vinylauflegen ist etwas Besonderes, und die heutige Jugend sieht es als ein einzigartiges Handwerk, während es immer noch Leute gibt, die sich an die Zeit erinnern, als es der neueste Stand der Technik war, so dass es für sie eine Reise in die Vergangenheit ist.“ “Wenn Sie die Rückkehr von Vinyl mit CDs oder Kassetten vergleichen (ganz zu schweigen von 8-Spur-Bändern), die man als vollständig tot betrachten kann, werden Sie sehen, dass das, was bleibt, MP3-Dateien und Schallplatten sind. Es gibt neue Leute, die neue Unternehmen zum Pressen und zum Verkauf von neuen Schallplatten aufbauen. Ich kenne einige Künstler, die für ihre Testpressungen nach Österreich und Deutschland fahren. In der Rockszene ist der Trend zum Vinylpressen zurückgekehrt.“

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“Ich mag es, das Mikrofon für mehr offen zu haben, als nur zum Produzieren des Musikprogramms, das dann später gesendet wird. Ich hatte Schulungen in Event-Management, und obwohl ich mich in der Zukunft als DJ sehen kann, will ich mehr erreichen, mehr interessante Leute und Bands kennenlernen. Ich freue mich darauf, Bands zu managen und PR-Arbeit zu machen - Al-JAZZeera ins Rampenlicht zu bringen ist ein weiteres Ziel.” “Aufgrund meines Schulwissen und meiner Erfahrung hier habe ich das Gefühl, dass ich mich besser ausdrücken und mich auf einige meiner zukünftigen Bestrebungen konzentrieren kann.” “Jeden Monat haben wir sechs Stunden Sendezeit, und mit den heutigen Multimediaund Social Media-Tools haben wir viele weitere Möglichkeiten, unseren Stimmen Gehör zu verschaffen. Ich denke nie darüber nach, ob die Zeit, die ich investiere, es wert ist - wir alle lieben unsere Arbeit hier und engagieren uns fuer die Vinylszene. Wenn wir hart arbeiten, sehen wir die Ergebnisse, und das ist ziemlich befriedigend.“ Als unser Gespräch zu Ende geht, fügt Davide hinzu: “In der Zukunft kann ich mich mit meiner eigenen Bar oder meinem eigenem Club sehen, wo ich arbeiten könnte, um viele Elemente unserer Kultur zu promoten. Man kann Geld verdienen und berühmt werden, aber ich denke, was wirklich zählt, ist, was man tut, um das eigene kulturelle Umfeld zu unterstützen und zu bereichern.” “Ein weiteres mögliches zukünftiges Berufsfeld ist gesellschaftspolitische Comedy - manchmal speise ich sogar ein bisschen Gesellschaftskritik ein, wenn das Mikrofon offen ist, und dies könnte etwas sein, auf das ich mich eines Tages etwas stärker konzentriere.” AeS

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di far girare dischi non potrà avere fine. Molte persone che incontro sono incuriosite e anche un po’ sospettose per il fatto che qui siamo tutti DJ del vinile. Si domandano il perchè di tutto ciò. Io penso che ciò che dona credibilità alla nostra impresa sia l’arte insita in questo lavoro e la consapevolezza dello spirito della musica di qualità. Il calore che trasmette una musica suonata con un vinile è l’altro fattore che contribuisce a creare l’atmosfera”. “C’è stata una vera e propria rinascita del vinile e il mercato ha intuito il business che ne può derivare, per questo molti stanno tentando di saltare sul carro del vincitore, ormai tutto ciò che è retrò è anche cool. Sta accadendo lo stesso con la fotografia da rullino. Far girare un vinile tuttavia è qualcosa di diverso, i giovani lo considerano un’arte unica, altri invece si ricordano quando il vinile era il massimo della tecnologia e per loro è un viaggio indietro nel tempo”. Se poi consideriamo i CD e le musicassette (o addirittura le musicassette a otto tracce) ci accorgiamo che sono completamente scomparse, rimangono solo gli mp3 e i vinili. Qualcuno per esempio ha deciso di fondare delle nuove aziende che producono vinili. Conosco artisti che si recano in Germania o in Austria per procedere con i test di pressing. La moda del vinile poi è decisamente ritornata sulla scena del rock”. “Mi piace anche tenere il microfono aperto per qualcosa in più di un set destinato a una trasmissione. Ho studiato event management e anche se desidero ancora lavorare come DJ le mie ambizioni spaziano oltre, desidero conoscere persone ancora più interessanti e nuove band. Spero di gestire nuove band e fare per loro del lavoro promozionale. Portare alla ribalta “Al-JAZZ- era” è un altro dei miei obiettivi”. “Combinando le conoscenze acquisite attraverso lo studio con l’esperienza guadagnata in

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radio penso che potrò esprimere al meglio me stesso e potrò dedicarmi alle mie aspirazioni”. “Ogni mese abbiamo sei ore di airplay, poi, grazie ai nuovi strumenti multimediali e ai social media presenti oggi, le possibilità di far sentire la nostra voce sono aumentate. Non mi soffermo mai a pensare se valga la pena impegnare tempo e energie, qui in radio amiamo tutti il nostro lavoro e siamo devoti alla causa del vinile. Quando lavoriamo duramente possiamo ammirarne i risultati e questa è la maggiore soddisfazione”. “Quando la nostra intervista stava per concludersi Davide ha aggiunto dell’altro: “Nel mio futuro riesco a vedere un bar o un club tutto mio, dove promuovere i molti elementi della cultura musicale che amo. Si possono fare molti soldi e diventare famosi ma quello che conta maggiormente è quello che si fa per supportare e migliorare il proprio ambiente culturale”. “Un’ulteriore possibilità per me potrebbe essere l’ironia socio politica, a volte quando il mio microfono è aperto mi butto nella critica sociale, questo potrebbe essere un altro obiettivo a cui potrei dedicare del tempo”. AeS

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Holism

Auf einmal war die Lebensfreude weg, oder war sie nie wirklich da?

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ines Tages wusste ich einfach nicht mehr was Sache war. Ich wusste nicht mehr was ich fühlte, wer ich war und wohin in gehen sollte. Ich vergass Dinge, ich erinnerte mich nicht mehr an was ich noch vor wenigen Minuten machen wollte, ich war leicht zu erschöpfen, leicht zu ermüden, mochte morgens nicht wirklich auf und hatte schlichtweg einfach keine Lust und Motivation irgendetwas zu tun. Was war passiert? Ich die Powerfrau, die mit 5-6 Std. Schlaf auskam, die nach einem strengen Arbeitstag noch ausging und am frühen Morgen bereits bei Sonnenaufgang am Seeufer ihre Yogaübungen mit dem Sonnengruss begann und danach noch Tennis spielte, bevor der Arbeitsalltag startete. Ich hatte Ideen, war erfolgreich und häufig auf Reisen. Ich war aufgestellt und fröhlich. Hatte Muse und Zeit, für andere da zu sein. Die Welt schien mir zu Füssen zu liegen. Nichts schien unmöglich. Ich war zufrieden mit mir und meinem Leben. So dachte und fühlte ich es zumindest. Aber im Grunde rannte ich davon. Ich rannte vor mir selbst davon. Vor lauter Aktivitäten vergass ich die Muse zu mir selbst. Vergass ich irgendwie zu Leben. Ich funktionierte. Nun, Ausstehende mochten denken, aber Du lebst ja. Du hast ein volles und farbiges Leben… Ja, das schon. Aber füllte ich mit dieser Art von Leben nicht einfach mein leeres Herz? Rannte ich nicht einfach davon? Vor der Einsamkeit? Vor der Leere? Vor der Stille? Vor der Sinnlosigkeit des ständigen Konsums? Vor der Oberflächlichkeit meines Umfeldes? Vom ständigen Wettbewerb, vor dem Leistungsdruck immer besser zu sein? All mein Wissen über Asanas (Yogaübungen), Meditation, Atemübungen, Weisheiten, Tips und Tricks, die ich anderen stets gut weitergeben konnte, nutzen mir in dem Moment rein gar nichts. Es funktionierte bei mir in meinem Zustand dann gerade überhaupt nicht. Und so drehte ich mich im Kreis,

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Crystal Namo ein Kreis, dass mich immer tiefer zog. Ich verlor die Lust mich zu bewegen, unter Menschen zu gehen, mich auszutauschen und etwas zu unternehmen. Ich war einfach nur froh morgens rechtszeitig aus dem Haus zu kommen, zur Arbeit zu gehen, den Arbeitstag unauffällig und ohne dass jemand meinen Zustand bemerkte, zu überstehen. Abends zu Hause endlich ins Bett zu fallen und unter der Decke friedlich einzuschlafen. Schlafen konnte ich zum Glück immer und überall. Wohl meine Rettung. Und so vergingen die Monate, gar Jahre… Eines Tages als ich bei Freunden zum Nachtessen war und mir kurz die Hände waschen ging, blieb ich an den Augen meines Spiegelbildes hängen. Ich schaute in meine Augen und konnte weder wegschauen noch blinzeln. Es war faszinierend. Der Blick ging immer tiefer in diese braungrünen Augen vor mir, ich näherte mich mehr und mehr dem Spiegel und schaute erstaunt. Eine faszinierende Ruhe überkam mich und auf einmal erstrahlte ein Schmunzeln mein ganzes Gesicht. Nach jenem Abend wurde mir bewusst, dass mein Leben in den letzten Jahren irgendwie an mir vorbei gegangen war, wie wenn ich nicht wirklich da gewesen wäre. Ich fühlte mich wie ein Zuschauer, ein Mitläufer, ein Unbeteiligter. Ich war irgendwie abgestumpft und lief nicht wirklich mit offenen Augen herum. Ich funktioniert nur noch und ich merkte es nicht einmal. Ich fühlte mich versteinert. Schritt für Schritt nahm ich wahr, wie ich wieder zu beobachten begann. Zu hören, zu riechen. Ich fing an die Gesichter der Menschen wieder zu sehen, beim Rauschen der Bäume im Wind stehen zu bleiben, das Zwitschern der Vögel klar zu hören. Ich fing an wahrzunehmen, was um mich herum geschah. Menschen, Situationen, Gefühle, das Leben. Ich begann dankbar und zufrieden zu sein für das was da war. Das Leben lebte. Es lebte immer. Nur ich war aus dem Leben „gefallen“ Unbemerkt, schleichend, unverhofft.

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l’artista in visita

Il piu innovativo stilista della macchina fotografica

Ho trascorso un pomeriggio a Lugano, scattando fotografie con Alessandro Gibellini, considerato da molti un maestro artigiano della fotografia specializzato in grandi formati con banchi ottici (conosciuti anche come folding cameras). Ha solo 25 anni ma in pochi anni ha imparato da solo il mestiere ed è diventato una sorta di icona all’interno dei circoli di fotografia su grande formato.

Johnny Keggler

Traduzione – Chiara Finola

Prima di scattare le foto a Lugano ho in realtà incontrato Alessandro nel suo laboratorio casalingo a Sassuolo, a 15 chilometri circa da Modena.

Ho usatolegno di mogano quindi un materiale piuttosto pesante da trasportare, funziona ancora e anche se non viene più utilizzata è esposta su una mensola come pezzo storico della mia collezione. Prima di costruire la mia prima fotocamera mi sono interessato alla fotografia su pellicola, mi dedicavo principalmente agli scatti con il 35 mm. Ho studiato fotografia per avere una maggiore consapevolezza di tutti gli elementi che compongono quest’arte, durante gli studi ho incominciato anche a interessarmi alla fotografia su grande formato stampata su grandi negativi, tralasciando letteralmente le fotocamere di media grandezza che ancora oggi mi sembrano troppo piccole. Per questo i miei studi si sono concentrati sulla fotografia e sulle fotocamere di grande

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vevamo appena incominciato a parlare e nella piccola stanza è entratala madre di Alessandro, reggeva un vassoio con del caffé e dei biscotti e ci guardava con un grande sorriso. Dopo i primi brevi ma decisamente piacevoli convenevoli, mi sono seduto e ho incominciato ad ascoltare le parole di Alessandro, mentre con grande piacere sorseggiavo il caffé e sgranocchiavo i biscotti. “Ho realizzato la mia prima fotocamera tre anni fa, è una 4x5 ma è piuttosto grande e basilare se paragonata a quelle che costruico adesso.

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die Gastkünstler

Fotografien neuester Meister Designer Ich verbrachte einen Nachmittag in Lugano, fotografierte mit Alessandro Gibellini, der von vielen als Meister der Grossformat (LF) Faltenkamera-Systeme (auch als “Feldkameras” bekannt) angesehen wird. Er ist 25 Jahre alt, aber in nur wenigen Jahren hat er sich sein Handwerk beigebracht und ist zu so etwas wie einer Ikone in Kreisen der LF Fotografen geworden.

Übersetzung – Dörte Diestel

Bevor wir entlang des Sees von Lugano zusammen fotografierten, traf ich mich mit Alessandro in seinem Heim, in Sassuolo, Italien, etwa 15 km südwestlich von Modena, wo er auch sein Studio hat.

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ie wir unsere Diskussion begannen, trat Alessandro’s Mutter in den kleinen Raum, mit einem Tablett mit Kaffee und kleinen Keksen und zeigte uns ein grosses Lächeln. Nach einigen angenehmen, kurzen Einführungen , sass ich in meinem Stuhl, knabberte und trank ich (in völliger Hingabe könnte ich hinzufügen) und hörte mir Alessandro’s Geschichte an, die er vor mir entfaltete. Ich baute meine erste Kamera vor drei Jahren. Es war eine 4 x 5, aber ist recht gross und sehr einfach, im Vergleich zu dem, was ich heute tue. Ich baute sie aus Mahagoni, das ist ein sehr schweres Holz, um im Feld herum zu tragen. Die Kamera funktioniert noch immer, aber ich verwende sie nicht mehr. Sie liegt auf einem Regal als ein Stück meiner historischen Sammlung.

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Bevor ich meine erste Kamera baute, interessierte ich mich für Filmfotografie und begann mit 35mm zu schiessen. Ich studierte Fotografie um zu verstehen, wie alle Elemente zusammenpassen, und während dieser Zeit begann ich mich dafür zu interessieren, wie man grössere Fotos mit grösseren Negativen erstellen könnte. Ich sprang über Mittelformat-Kameras, aber die erschienen mir immer noch zu klein. Also konzentrierte ich mein Studium auf Grossformat-Fotografie und Kameras, lernte welche Auswirkungen “Bewegungen” haben, und wie wichtig sie sind, in der Fotografie. Als mir klar wurde, dass ich meine wahre Leidenschaft gefunden hatte, suchte ich nach einer Grossformat-Kamera, aber der Preis für eine neue Kamera, die alle Möglichkeiten bot, die ich wollte, waren weit über mein Budget, also beschloss ich, eine zu bauen. Meine erste Kamera, die ich im Jahr 2013 baute, hat alle Möglichkeiten einer professionelle LF-Kamera – sie ist nicht sehr genau, aber die Kamera funktioniert und ich habe sie verwendet.

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l’artista in visita formato. Ho imparato soprattutto gli effetti che i “movimenti” hanno e quanto siano importanti per la fotografia. Quando mi sono reso conto di aver trovato la mia vera passione mi sono messo alla ricerca di una fotocamera per grandi formati, ma una macchina che potesse offrire tutti i movimenti che desideravo era al di sopra delle mie possibilità economiche, così ho deciso di costruirne una. La prima fotocamera l’ho realizzata nel 2013 e presenta tutti i movimenti di una fotocamera LF professionale, forse non sono perfettamente accurati ma funziona e l’ho utilizzata io stesso. La seconda fotocamera l’ho realizzata sei mesi dopo utilizzando legno di quercia, è una 4x5 (10x15 cm) pieghevole e l’ho costruita perchè la prima era davvero spartana e non era pieghevole, quindi difficile da trasportare. La terza fotocamera invece era una 8x10 (20x25 cm) costruita con alluminio, mogano e ottone anche questa non era pieghevole visto che il sistema di ripiegatura della precedente non era molto raffinato, anzi diciamo pure che non funzionava per niente. Ho continuato ad appore miglioramenti al design di ogni fotocamera che ho costruito cer-

cando di studiare i sistemi e il legno con cui realizzarle. Quando sono arrivata alla quarta avevo finalmente una 8x10 che si ripiegava molto bene ed era realizzata in legno di Iroko, un legno africano molto leggero ma robusto. Nel luglio del 2014 ho approntato la mia prima fotocamera pieghevole 8x10 che poteva anche vantare il prototipo di una base in alluminio. La struttura e gli standards erano in mogano. Dopo aver costruito questa fotocamera ho postato alcune immagini su Facebook e sono riuscito a venderla. Fino ad ora tutti i miei clienti mi hanno contattato tramite Facebook. Ho studiato accuratamente i materiali con cui realizzare i diversi elementi delle fotocamere, quindi le basi e gli standards da me creati sono disponibili in diversi tipi di legno, in alluminio e anche in fibra di carbonio. C’è una fabbrica proprio qui a Sassuolo, non lontana da casa mia, che lavora per la Ferrari e la Maserati ed esegue le lavorazioni dei miei pezzi in alluminio e carbonio. Sono ovviamente molto professionali e lavorano prefiggendosi standard molti elevati, quindi i miei pezzi sono lavorati perfettamente e i materiali sono di alta qualità.

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die Gastkünstler

Meine zweite Kamera, sechs Monate später wurde aus Eiche gebaut. Es ist eine 4 x 5 (10 x 15cm), faltbar, die ich machte , da meine erste sehr grob war und nicht faltbar, was wichtig für den Transport ist. Als dritte Kamera baute ich meine erste 8 x 10 (20 x 25 cm), diese produzierte ich aus Aluminium, Mahagoni und Messing. Die dritte ist auch keine Falt-Kamera, da bei der zweiten Kamera des Faltsystem nicht verfeinert wurde. . . Eigentlich ist es nicht sehr gut funktionieren. Ich fuhr fort Anpassungen am Design jeder neuen Kamera zu machen, studierte Kamera-Systeme und Hölzer zur Verwendung. In der Zeit baute ich meine vierte Kamera, eine 8 x 10, das Falten klappt sehr gut und sie besteht aus afrikanischem Iroko-Holz, welches leicht und sehr stabil ist. Im Juli 2014 baute ich meine erste Faltbare 8 x 10, um über einen Prototyp aus Aluminium zu verfügen. Der Rahmen und die Einheiten sind aus Mahagoni. Nachdem ich diese Kamera zusammengebaut hatte, postete ich einige Bilder dieser Kamera auf Facebook und jemand kaufte sie. Bis jetzt haben alle meine Kunden mich über Facebook kontaktiert. Ich habe viele neue Materialien für alle Kamera-Elemente untersucht, und so sind meine Basen und Elemente in vielen Holzarten, aus Aluminium und auch aus Kohlenstoff-Faser erhältlich. Es gibt hier eine Fabrik in Sassuolo, nicht weit von meinem Haus, die arbeiten für Ferrari und Maserati, und die bearbeiten meine Aluminium und Kohlenfaser Stücke. Sie sind natürlich auch sehr professionell und arbeiten mit

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anspruchsvollen Standards, so dass alle meine Stücke perfekt aus hochwertigen Materialien hergestellt werden. Als Beispiel für die Entwicklung der Kamera-Elemente und aufgrund meiner ständigen Studien der Materialien ist der Gewichtsunterschied von der ersten Prototyp-Alu-Basis und der endgültigen, die ich heute nutze, mehr als ein Kilogramm; der Prototyp wiegt 1,6 kg und ist 10 mm dick, so sind die neueren Basen acht Millimeter bei 500 Gramm und die aus Kohlenfaser drei Millimeter dick bei 300 Gramm. Meine 16 x 20-Zoll-Kamera habe ich für eine Bestellung hergestellt, aber ich habe noch eine in meinem Shop, die aber nur ein Prototyp ist, obwohl ich sie nicht als Prototyp sehe, da ihr Design perfekt ist. Ich zeigte sie in Berlin an einer Expo. Sie verfügt über zwei Stativ-Halterung aufgrund des Gewichts, was notwendig ist, um sie auf einem einzigen Stativ auszubalancieren. Die 16 x 20 ist genau viermal so gross wie eine 8 x 10-Kamera. Ich möchte bis zu 20 x 24 Zoll gehen. Ich bleibe stets innerhalb der Grenzen des normalen Formats, im Gegensatz zu Panoramakameras.


l’artista in visita

Per esemplificare i miglioramenti apportati ai diversi componenti delle mie fotocamere, dovuti soprattutto al costante studio sui materiali, potrei citare la differenza di peso di ben un chilogrammo che esiste tra il primo prototipo della base in alluminio e quella definitiva che utilizzo attualmente; i prototipi pesano 1,6 kg e sono spessi dieci millimetri, mentre i modelli più recenti sono spessi otto milimetri e pesano 500 grammi, il modello in fibra di carbonio pesa solo 300 grammi e ha uno spessore di tre millimetri. La fotocamera 16x20 l’ho realizzata in seguito ad un ordine, ma quella che ho in negozio è soltanto un prototipo, anche se non la considero un prototipo poichè il design è davvero perfetto, l’ho anche esibita a Berlino in occasione di un expo. Per sostenere il peso ha due supporti per il treppiede poiché sarebbe difficile bilanciarla su un treppiede singolo. La 16 x 20 è esattamente quattro volte più grande di una 8 x 10. Vorrei passare alle 20 x 24, cerco di rimanere sempre entro i confini dei formati normali, piuttosto che pensare alla realizzazione di fotocamere panoramiche. Adoro le panoramiche, ma avere una fotocamera che può scattare solo foto panoramiche significa dover sempre portare un’altra macchina in caso si voglia scattare una foto normale.

Per un cliente francese ho realizzato una panoramica 4x10, in realtà era una 8x10 con un reducing back 4x10. Da maggio 2014, quando ho iniziato la mia attività professionale, a luglio 2015 ho venduto 40 fotocamere e solo utilizzando i social networks. Anche se la fotografia su pellicola è stata devastata dall’avvento e dalla proliferazione dei sistemi digitali, esiste una folta schiera internazionale di fotografi che opera ancora sul grande formato da pellicola o in digitale, fotografi che lavorano su pellicola e che vogliono specializzarsi sul grande formato e altri fotografi molto specializzati, per esempio quelli che lavorano con collodio umido, ambrotipo o ferrotipo, foro stenopeico e infrarossi. Alcuni professionisti sviluppano le fotografie addirittura utilizzando soluzioni di caffè chiamate caffenolo. La fotografia su pellicola sta diventando la nuova forma d’arte sebbene sia stata inventata nel 1820. Alcuni puristi considerano la fotografia su pellicola come alcuni collezionisti considerano i vinili, e giurano che le foto sviluppate su pellicola abbiano un’immagine più pura e siano più vicine all’immagine reale. Io ho 25 anni e nonostante abbia una fotocamera digitale scatto esclusivamente su pellicola. Vendo le mie macchine negli Stati Uniti, in Brasile, in Russia e ne ho venduta una in Svizzera. A quanto ne so nessun fotografo utilizza le mie fotocamere con il fondo digitale, nonostante il cinquanta per cento dei miei clienti acquista le mie macchine per lavorare con il collodio umido. L’intero processo per produrre una fotografia richiede 40 minuti a questo poi si aggiunge il tempo per predisporre la camera e il treppiede. Tutte le fotocamere sono state progettate per essere modulari, quindi se un cliente desidera una fotocamera in teak con i bottoni in ottone con soffietto in fibra di carbonio e la base in alluminio, predispongo le diverse parti e realizzo a

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die Gastkünstler

Ich liebe Panoramen, aber mit einer Kamera, die nur für Panoramen ist, müssen Sie immer eine zweite Kamera mitnehmen, will man ein normales Foto machen. Für einen französischen Kunden machte ich eine Panorama 4 x 10 - es war tatsächlich ein 8 x 10 mit der Option auf 4 x 10 zu reduzieren. Zwischen Mai 2014, als ich geschäftlich zu arbeiten nafing, bis Juli 2015, habe ich 40 Kamerasverkauft, und dies nur durch mein Sozial Media Netzwerk. Obwohl durch die Einführung und Verbreitung der digitalen Fotografie, gibt es eine grosse internationale Gemeinschaft von Grossformat-Fotografen, sowie Digital- und andere Filmfotografen, die in Grossformat arbeiten wollen und auch andere Spezial-Fotografen -damit meine ich Nassplatten Kollodium, Ambrotyp-

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ie oder Ferrotypie, Lochkamera und Infrarot. Leute entwickeln nun auch in Kaffee-Lösungen, genannt Caffenol. Filmfotografie ist zur neuen Kunstform geworden, obwohl sie in den 1820er Jahren erfunden wurde. Einige Puristen sehen Filmfotos wie andere Schallplatten sehen, sie schwören, dass das Bild reiner und lebensechter wirke. Ich bin erst 25 Jahre alt, und obwohl ich eine Digitalkamera habe, fotografiere ich ausschliesslich mit Film. Ich verkaufe meine Kameras in die USA, nach Brasilien, Russland, und eine habe ich in die Schweiz verkauft. Soweit ich weiss, verwendet keiner von diesen Fotografen meine Kameras mit digitalen Hintergrund, obwohl ca. 50 Prozent meiner Kunden meine Kameras für Kollodium-Arbeiten kaufen. Der Vorgang dauert 40 Minuten um ein

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l’artista in visita mano il soffietto, li realizzo tutti personalmente, qui nel mio negozio, e poi procedo all’assemblaggio e ai test. Si è rivolto a me un cliente italiano che desiderava un camouflage 4 x 5 che realizzasse sia fotografie su pellicola che foto polaroid. In seguito a questa richiesta ho realizzato lo speciale meccanismo per il fondo intercambiabile, grazie a questo accorgimento la fotocamera non si muove cambiando formato. Ho anche progettato uno speciale sistema di messa a fuoco che è estremamente semplice, molto veloce e che si aggancia facilmente. Dopo aver studiato diversi sistemi di messa a fuoco ne ho progettato uno che non necessita di avere pulsanti ma che è comunque molto preciso. Ritengo di essere qualificato per realizare questo tipo di fotocamere perchè io stesso ho utilizzato e ho studiato macchine fotografiche a lastre. Nessuno mi ha insegnato il mestiere o mi ha spinto a farlo. Tutto quello che realizzo è stato accuratamente studiato e progettato per soddisfare appieno gli standard che mi sono prefissato, il preciso sistema di messa a fuoco, il soffietto personalmente progettato e costruito, la flessibilità degli standard posteriori che tutte le mie fotocamere hanno. Tutto questo traspare soprattutto grazie alla mia passione per il design, io adoro progettare cose nuove e realizzare cianografie, poi è stata la

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mia passione per la fotografia su pellicola a catapultarmi in questo regno. Io sono un ingegnere civile, volevo progettare grandi edifici e ponti, ma la fotografia ha soppiantato quei sogni e ora concentro le mie abilità e competenze nella costruzione di fotocamere. Io lavoro con la fibra in carbonio che rende le mie macchine indistruttibili e resistenti all’acqua. Le macchine in fibra di carbonio interessano principalmente a fotografi che lavorano con la pellicola e meno a fotografi che lavorano con il collodio umido, questi ultimi infatti prediligono fotocamere tradizionali in legno. I fotografi che lavorano su pellicola amano “abusare” della loro fotocamera , non intendo dire che amano farla cadere o sporcarla o altro, ma semplicemente che vogliono utilizzarla ovunque, con la pioggia e con qualunque situazione atmosferica. Ho realizzato 50 standards posteriori e anteriori e 50 basi che vengono poi montate quando ricevo un ordine. Se devo lavorare con il legno devo solo rifinire la smerigliatura e dare il mordente, verniciare o lucidare la superficie a seconda delle richieste del cliente. Ho parti in ebano, mogano, iroko e tutte le mie fotocamere sono personalizzate, inserisco anche il nome del cliente su una piccola placca metallica montata sulla fotocamera. Adoro l’ebano ma è estremamente

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Foto zu machen, nicht zu vergessen das Kamera-Stativ-Setup. Alle Kameras sind so entwickelt, um mit verschiedenen Modulen zusammengebaut zu werden, falls ein Kunde eine Teakholz-Kamera mit Messing-Knöpfen, einem Kohlenfaser-Balg und eine Alu Grundplatte will, greife ich einfach nach den Teilen, mache den Balg von Hand (ich mache alle meine Faltenbälge hier in meinem Shop), baue alles zusammen und teste die Kamera. Ich hatte einen italienischen Kunden, der beim Militär arbeitet und dieser wollte eine getarnte 4 x 5, die Film und Polaroid Platten aufnimmt. Dafür entwarf ich den speziellen austauschbaren Platten Mechanismus, damit die Kamera beim Ändern der Formate, sich nicht verstellt. Ich habe auch ein besonderes Fokus System entworfen, das unglaublich glatt, sehr schnell ist und leicht einrastet. Nach der Recherche vieler fokussierenden Systemen entwickelte ich etwas, das keine Drehknöpfe erfordert und trotzdem immer noch sehr präzise ist. Ich glaube, dass ich qualifiziert bin, um diese professionellen Kameras zu bauen, da ich verschiedene Kameras studiert und selber erforscht habe. Es gab niemand der mir half oder einen bestimmten Weg zeigte. Das genaue Fokussierung System, entwerfen und erstellen von Bäl-

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gen, die spezifische Beweglichkeit der hinteren Elemente, die meine Kameras besitzen, all dies habe ich studiert und dann nach meinen eigenen Standards entwickelt. All dies brachte mich, aufgrund meiner Leidenschaft für Design, ich liebe neue Dinge zu entwerfen und die Herstellung von Blaupausen, und meine Liebe zur Filmfotografie, in diesem Bereich. Ich bin Bauingenieur, ich wollte grosse Gebäude und Brücken entwerfen, aber die Fotografie hat diese Träume überholt und jetzt konzentriere ich meine Ingenieurs-Kompetenz auf die Kameras. Ich arbeite mit Kohlenfaser, wodurch die Kameras unzerbrechlich und wasserdicht sind. Kohlenfaser Kameras sind meist für Film-Fotografen, im Gegensatz zu den Kollodium-Fotografen,welche lieber traditionelle hölzerne Kameras nutzen. Film Fotografen ‘ missbrauchen ‘ ihre Kamera – damit meine ich nicht, diese mit Absicht fallen zu lassen oder sie zu verschmutzen - ich meine, sie verwenden sie überall; im Regen und allen Bedingungen Ich habe 50 Front und hintere Elemente und 50 Grundplatten und diese können sofort montiert werden, wenn eine Bestellung reinkommt. Module aus Holz muss ich schleifen und dann färben, lackieren oder ölen, je nach Wunsch des Kunden. Ich habe Teile in Ebenholz, Mahagoni,

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l’artista in visita

duro quasi come l’acciaio, quindi praticare dei fori e tagliarlo è molto difficile. Ho realizzato i miei soffietti in maniera che una volta ripiegati siano molto piatti, questo è un particolare decisivo per le fotocamere ripiegabili. Utilizzo materiali che proteggono dalle infiltrazioni di luce oltre a essere anti-graffio, possono quindi essere utilizzate all’aria aperta senza il pericolo di dannose infiltrazioni di luce. Si estendono da 0 a 68 cm e posso realizzarle in qualsiasi colore e modello. Sono riuscito a realizzare un soffietto in fibra di carbonio che funziona piuttosto bene. Questi soffietti sono leggermente più pesanti dei soffi-

Hanno tutte lo stesso meccanismo di messa a fuoco, lo stesso legno e il soffietto dello stesso colore. A quel punto ho pensato: ‘Non siamo più nel 1800, è arrivato il momento di realizzare una macchina fotografica per grandi formati di nuova concezione’ e così ho iniziato a realizzare delle cianografie per il sistema di messa a fuoco che avevo in mente. Poi ho pensato: ‘Ehi, ma io sono Italiano, noi italiani siamo i migliori nel design’, quindi ho incominciato a realizzare il primo soffietto di colore bianco, altri di colore mimetico e un fantastico colore verde che ho scoperto essere molto amato dalle donne. Mi sono detto che avrei dovuto progettare una nuova fotocamera di concetto, ho fatto prima uno schizzo a mano a luglio 2014. Ora disegno i miei progetti direttamente a computer, è molto più semplice. Le prime idee le abbozzai in realtà sul mio diario scolastico mentre assistevo alle lezioni. Osservando questi primi schizzi è possibile notare quanto sia maturato il mio design nel giro di solo un anno. Credo di voler continuare a lavorare da solo. Sono molto concentrato sulla progettazione e realizzazione delle mie fotocamere, sulla mia attività e sulle quindici aziende e negozi di macchine fotografiche che lavorano per me. Fare tutto da solo è a volte difficoltoso ma non impossibile. Nel futuro penso che cercherò un collaboratore ma al momento mi piace prendere tutte le decisioni da solo e superare tutte le difficoltà. AeS

etti realizzati con materiali più tradizionali ma sono praticamente indistruttibili, quindi per chi deve fotografare in situazioni e luoghi difficili è sicuramente il materiale migliore. Ho chiesto alla stessa azienda che realizza per me le basi e le altre parti in carbonio di realizzare anche il materiale per i soffietti e devo dire che hanno fatto un ottimo lavoro. All’inizio ho incominciato a fare ricerche sulla fotografia in grande formato utilizzando esclusivamente internet. Poi ho avuto occasione di vedere direttamente fotocamere ripiegabili e ho analizzato maggiormente le singole parti, interessandomi anche al lavoro dei produttori e mi sono reso conto che sono praticamente tutte uguali.

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Iroko, meine Kameras sind alles Spezialanfertigungen, ich schreibe auch noch den Namen des Kunden auf eine kleine Metallplatte, welche auf der Kamera montiert wird. Ich liebe Ebenholz, aber es ist sehr hart - fast wie Stahl – und ist sehr schwierig um Löcher zu bohren und zu fräsen. Ich habe meinen Faltenbalg mit sehr flachen Falten gestaltet, was sehr wichtig für die Fatlkameras ist. Ich benutze lichtundurchlässige, kratzfeste Materialien, so dass sie im Feld ohne Angst vor Lichtlecks verwendet werden können. Sie reichen von null bis 68 cm. Ich kann sie in jeder Farbe oder Design herstellen. Ich habe einen Kohlefaserbalg gemacht, der eigentlich ganz gut funktioniert. Sie sind etwas schwerer als die regulären Materialien die ich benutze, aber sie sind vollkommen unzerbrechlich, also für jemanden, der wirklich in Schlamm und schwierigem Gelände arbeitet, Kohlenfaser robuster als alles andere. Ich fragte in der Fabrik, die meine Kohlenfaser Grundplatten und andere Teile macht, zu versuchen, das Material für einen Balg zu verwenden und sie machen einen tollen Job. Am Anfang suchte ich zunächst im Internet nach Grossformat Fotografie. Anschliessend sah

ich einige Falten Kameras und suchte Kamera Hersteller und deren Teile und Produkte und erkannte, dass sie alle gleich gebaut sind. Sie haben denselben Fokussier Mechanismus, das gleiche Holz und die gleiche Farbe des Balgs. Ich dachte dann, wir sind nicht mehr in den 1800er Jahren und es ist Zeit für ein neues Grossformat-Kamera-System, so dass ich einige Blaupausen für mein Fokussierung System entwickelte. Als nächstes dachte ich, hey, ich bin Italiener und wir lieben Design, also machte ich meinen ersten Faltenbalg weiss, einige Tarnung-Faltenbälger, eine schöne grüne Farbe, die ich da gefunden habe, welche viele Frauen lieben. Ich sagte mir, dass ich ein neues Kamera Konzept entwerfen muss. Ich skizzierte zunächst von Hand im Juli 2014, obwohl ich die Baupläne nun auf meinem Computer mache, was viel einfacher ist. Meine ersten Konzepte skizzierte ich in meinem Schuletagebuch, während ich im Unterricht war. Aus diesen anfänglichen Skizzen können Sie sehen, wie meine Designs in nur einem Jahr gereift sind. Ich plane weiter alleine zu arbeiten. Ich denke an das Entwerfen und Erstellen von Kameras, ich denke über mein Geschäft nach, über die fünfzehn Fabriken und mechanischen Werkstätten, die für mich arbeiten. Dies alles allein zu machen ist schwierig aber nicht unmöglich. Irgendwann in der Zukunft plane ich mit jemand zusammen zu arbeiten, aber jetzt ich geniesse ich noch, alle diese Entscheidungen und die Bewältigung der Herausforderungen selber zu bewältigen. AeS


Portfolio Ich arbeite mit abstrakten Motiven, und beschテ、ftige mich auch mit dem Thema Frauenportraits. Ich verbinde die Portraits ebenfalls in abstrahierender Richtung. Die Techniken, die ich verwende, sind vielfテ、ltig. Meist arbeite ich mit Acryl sowie auch in Kombination mit テ僕 und anderen Materialen. Experimentiere gerne und liebe das vielfテ、ltige. Gaby Derungs (mgm-art Gaby) 40

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Puoi ammirare l’arte ovunque intorno a te; ma sei davvero sicuro di conoscere gli artisti?

www.facebook.com/ArtenSuisse www.artensuisse.ch Invia un’e-mail abo@artensuisse.ch per concordare la spedizione a casa tua 41


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Š2015 Dominique Dubied


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Concorso fotografico

ome ben vedete le pagine al centro della nostra rivista sono dedicate all’arte della fotografia. Noi di Art en Suisse invitiamo chiunque sia appassionato di fotografia ad inviarci la miglior immagine e a cogliere dunque l’occasione che quest’ultima sia pubblicata. Alcune regole da considerare: 1) Il copyright della fotografia deve essere vostro– cioè o la fotografia è stata fatta da voi oppure l’autore vi ha dato i diritti per pubblicarla 2) Dovete essere un cittadino svizzero, o esser residente o lavorare in Svizzera Cogliete l’opportunità di veder pubblicata la vostra fotografia nella nostra rivista “Art en Suisse” ed inviateci una versione a bassa risoluzione a: photo@artensuisse.ch.

A

Foto-Wettbewerb

rt en Suisse widmet die Mittelseiten dieses Magazins der Kunstfotografie und gibt jedem Fotografen die Möglichkeit, auf diesen Seiten ihr bestes Foto zu veröffentlichen!

Es gibt nur einige Richtlinien zu beachten: 1) Sie müssen das Urheberrecht über das Foto besitzen, d. h. dass Sie das Foto selbst gemacht haben oder Ihnen das Urheberrecht übertragen worden ist 2) Sie müssen entweder Schweizer Staatsbürger sein oder in der Schweiz leben oder arbeiten Um für eine Veröffentlichung berücksichtigt zu werden, senden Sie uns bitte Ihr Foto in Niedrigauflösung an: photo@artensuisse.ch.

Dans ce numéro:

Dominique Dubied

Canon EOS 5D MkII, EOS EF-16-35mm f/4 L, filtre Lee Big Stopper, trépied Gitzo

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e suis un photographe autodidacte passionné, toujours enthousiaste à capturer ces instants magiques que peut nous offrir la nature. À l’âge de 18 ans, mon père m’a offert un appareil photo, et donc m’a permis de prendre mes premières photos. Puis je découvre une véritable passion pour les

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voyages et les grands espaces avec la personne qui allait plus tard devenir ma femme. J’éprouve aujourd’hui un véritable bonheur à capturer des images à la recherche incessante des lumières, des couleurs, des formes et des matières. Ma spécialité est le paysage et la photographie de nature, avec un accent sur la Suisse, l’Europe et les USA.


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Concours photo

es pages centrales de ce magazine sont dédiées à la photographie d’art, comme vous le constaterez ci-après. Nous, à Art en Suisse, invitons quiconque en possession d’un appareil photo à prendre son meilleur cliché et à nous l’envoyer pour qu’il soit peut-être publié dans ces pages. Il suffit de respecter ces quelques règles : 1) Vous devez être titulaire des droits de la photographie, ce qui signifie que vous en êtes l’auteur ou que quelqu’un vous a donné le droit de l’envoyer aux fins de publication 2) Vous devez être de nationalité suisse, vivre ou travailler en Suisse Si vous voulez tentez votre chance et voir votre photo- graphie publiée dans Art en Suisse, merci d’en envoyer une version en faible résolution à : photo@artensuisse.ch.

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Photo competition

he centre pages of this magazine are dedicated to fine art photography, as you will see overleaf. We at Art en Suisse invite anyone with a camera to take their best photograph and send it to us for a chance to appear on these pages. There are only a few rules to consider: 1) you must have the copyright to the photograph - this means that either you took the photograph or someone has given you the right to send it for publication 2) you must either be a Swiss citizen or living or working in Switzerland For a chance to have your photograph published in Art en Suisse - please send a low-resolution version to: photo@artensuisse.ch.

Nom de la photo: Mes images ont été exposées dans de nombreux endroits et certaines de mes photographies ont reçues des distinctions lors de concours internationaux. J’ai été publié dans des livres et magazines photographiques dans le monde entier. Faire découvrir mes tirages lors d’une exposition ou dans un magazine est très important pour moi. En effet, à quoi sert une photographie sommeillant dans une boîte ou dans un disque dur si elle ne peut pas vous redonner les émotions qu’elle a procurées lors de sa prise de vue ?

Le dernier saut J’ai réalisé cette image en utilisant un fitre ND (gris neutre). Ce type de filtre permet de bloquer une partie de la lumière entrante et de réaliser ainsi une pose longue. Un long temps d’exposition offre de nombreuses possibilités artistiques sur des sujets en mouvement. Pour cette image le temps de pose était de 72 secondes ce qui a eu pour effet de lisser la surface de l’eau et de lui donner un velouté tout en douceur et en sérénité.

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Portfolio

Dusted memories to be shared

POLINA Chizhova 42

Somewhere between reality and fairytale

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What is this thing we call ‘Art’? It moves us so; stops us from simply walking by and often brings us to tears. Are these artists actually creating? Or simply releasing what is boiling inside of them? Or are these two concepts one and the same? There remains much to be written, to discuss - much over which to contemplate. Pensive moments await us still. Art en Suisse humbly aspires to do its part in bringing the stories of these unique artists to its readers. We hope you find the time to discover our artists - they have invested much of their time to bring their visions to you.


Im Fokus

Eine coolere Schattierung

Sol Sol Ito Brillen entstanden aus der Harmonisierung der Visionen einer Künstlerin (Monika Fink) und einer Industriedesignerin (Sandra Kaufmann). Die sich ergebende Kombination aus Form, Funktion und Ästhetik hat dazu geführt, dass das Unternehmen den Red Dot Award in 2014 und den Swiss Design Award in 2013 mit nach Hause nehmen konnte; und das sogar schon, bevor die Brillen zum Kauf zur Verfügung standen.

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ehr als ein Monat ist vergangen, seit ich eingeladen wurde, Sandra und Monika in ihrem Büro in Zürich zu besuchen. Sie führten mir einen scheinbar endlosen Strom von einzigartigen Designerbrillen mit verschiedenen Designs, Farben und Linsen vor; beginnend mit der sportlichen Marke des Unternehmens (mein persönlicher Favorit) über die Modekollektion bis hin zu ihren luxuriös gestalteten optischen Linsen (klare und getönte). Gestohlene Schätze Nach einer einstündigen inspirierenden Diskussion über ihre Brillen verliess ich das Sol Sol Ito Büro mit zwei Sonnenbrillen für eine Produktbewertung; eine aus ihrer sportlichen Linie und eine Modebrille. Ich sollte hinzufügen, dass meine Tram-Zug-Bus-Fahrt nach Hause etwas angespannt war, da diejenigen, die normalerweise nie von ihren Smartphones aufsehen, mich ständig anstarrten. Ich hatte die Sportversionbrille noch keine Stunde getragen, da wurde ich schon von zwei Leuten gefragt,

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Übersetzung – Dörte Diestel

wo ich meine Sonnenbrille gekauft hätte. Das war für mich eine Überraschung - Menschen in öffentlichen Verkehrsmitteln sind heutzutage eher abgeneigt, miteinander zu reden. Man bemerkt das selbstentwickelte Sol Sol Ito Design auf den ersten Blick – ein einzigartiger Stil, der sowohl erfrischend avantgardistisch ist als auch dekorativ ausgezeichnet. Die dünnen Doppelträgerbügel sind aus Federstahl, die hochstabile Elastizität bieten, aber dennoch den Wünschen des Brillenträgers entsprechend umgestaltet und angepasst werden können. Die Vielfalt der Formen und Farben der Brillengestelle ist auf Sol Sol Itos eindrucksvolle Auswahl an durchsichtigen und undurchsichtigen Acetaten zurückzuführen, die oft in bunten Schichten auf den Endkappen liegen. Das Glas ... nun, ich nehme an, es ist am besten, bei der Herkunft zu beginnen. Technisch gesehen werden die Linsen aus CR39 hergestellt - einem Kunststoff-Polymer, das im sichtbaren Spektrum transparent und im ultravioletten Bereich fast völlig undurchsichtig ist (dies entspricht 100% UV-Schutz). Es bietet die höchste Kratzfestigkeit von allen unbeschichteten optischen Kunststoffen. CR39 ist insofern einzigartig, als dass es eine fast nicht wahrnehmbare chromatische Aberration erzeugt. Glauben Sie dem Wort eines professionellen Fotografen, dies ist eine sehr gute Sache. Selbst

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In Focus

A Shade Cooler

Sol Sol Ito eyewear was born from the harmonisation of the visions of an artist (Monika Fink) and an industrial designer (Sandra Kaufmann). This resulting combination of form, function and aesthetics has resulted in the company taking home the Red Dot award in 2014 and the Swiss Design Award in 2013; these before the glasses were even available for purchase.

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ore than one month has passed since I was invited to visit Sandra and Monika in their Zurich office. I was introduced to what seemed to be an endless flow of unique eyewear of various designs, colours and lens styles; beginning with the company’s sporty brand (my personal favourite) to the fashion series and on to their luxuriously designed clear and tinted-lens optical line. Stolen Treasure After an inspiring hour discussing their eyewear, I left the Sol Sol Ito offices with two pairs of sunglasses for review; one from their sporty line and a fashion pair. I should quickly add that my tram-train-bus ride home was fraught with many looks from those who would normally have their faces buried in their smart phones. Within the first hour of wearing a pair of the sporty version, two people had asked from where I had purchased my sunglasses. For me this was a surprise – people on public transportation are rather disinclined to engage in conversation these days. At first view one notices the proprietary Sol Sol Ito design, a unique style which is both refreshingly avant-garde and ornamentally distinguished. The thin, double-bar temples are made from spring steel, which provide high-tensile

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elasticity yet can be reformed and customised to the wearer’s preference. The variety of shapes and colours of the ‘chassis’ and rims are due to Sol Sol Ito’s striking selection of transparent and opaque acetates, which are often in multicoloured layers on the end caps. The glass. . .well, I suppose it would be best to try to begin at the source. Technically, the lenses are made from CR39, a plastic polymer which is transparent in the visible spectrum and almost completely opaque in the ultraviolet range (this translates to 100% UV protection). It offers the highest scratch resistance of any uncoated optical plastic. CR39 is unique in that it produces almost imperceptible chromatic aberration. Take the word of a professional photographer, this is a very good thing. Even the Cokin photographic filter system uses CR39 ‘glass’. These are not ‘rose-coloured glasses’, this is true eye protection in a high-fashion frame. The lenses of the ‘sporty’ version offer an incredibly clear and crisp representation of the world, I have almost come to dislike the evenings because I love wearing the sunglasses. They sit ever-so comfortably on my head and face that I often forget that I have them on. The ‘fashion’ version is a touch lighter but neither become the nuisance that can be associated with eyewear of lesser quality.

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Im Fokus das fotografische Filtersystem nach Cokin verwendet CR39 ‘Glas’. Dies sind nicht ‘rosarote Brillen’, sondern echter Augenschutz in einer hochmodischen Fassung. Die Linsen der ‘sportlichen’ Version bieten eine unglaublich klare und scharfe Darstellung der Welt, ich bin schon fast soweit, dass ich die Abende nicht mehr mag, weil ich die Sonnenbrillen so gerne trage. Sie sitzen immer so bequem auf meinem Kopf und Gesicht, dass ich oft vergesse, dass ich sie aufgesetzt habe. Die ‘Modeversion’ ist einen Hauch leichter, aber keine von beiden wird zu einer Beeinträchtigung, wie es bei Brillen von geringerer Qualität der Fall ist. Ich betrachte sowohl die sportlichen als auch die modischen Versionen als Luxusartikel und jeder, der darum gebeten hat, die Brillen mal aufsetzen zu dürfen (und davon gab es leider einige) hat mir voll und ganz zugestimmt. In Bezug auf Fahrsicherheit ist der UVSchutz am bemerkenswertesten. Die Genauigkeit und klare Trennung von Details auf und neben den Strassen bieten dem Träger eine deutlich verbesserte Sicht und ein erhöhtes Verkehrsbewusstsein. Und das gilt auch beim Fahrradfahren.

zum Mikli Büro, stand am Eingang und wartete darauf, dass er rauskommt. Ich entdeckte, dass das Gebäude nur einen Zugang hatte, und so wusste ich, dass ich ihn früher oder später treffen würde. Nach 22 Uhr sagte man ihm, dass ich immer noch draussen vor seinem Büro wartete, also schickte er jemanden, um mich zu holen. Als wir uns endlich trafen, fragte er, was ich draussen gemacht hätte. Ich habe ihm gesagt, dass ich für ihn arbeiten wollte. Er fragte: “Wann können Sie anfangen?” Ich antwortete: “Jetzt!” Er sagte: “Seien Sie morgen um 9 Uhr hier.” Ich antwortete dann: “Oh nein! Ich muss zuerst zurück in die Schweiz und mich um ein paar Sachen kümmern.” Er lachte mich an und sagte: “Okay, kommen Sie am Montag wieder.” Nachdem ich für ihn gearbeitet hatte, zeigte ich ihm die erste Brille, die ich entworfen hatte, und er warf sie nur durch das Büro an die Wand. Das war nicht sehr inspirierend, aber zumindest war die Botschaft ganz klar.” Sandra beendete ihr Praktikum und Sol Sol Ito ist ihr zweites Augenoptik-Unternehmen geworden.

Die Geschichte in der Kurzversion Ich muss hier eine kurze Pause machen, weil Sandra eine Anekdote über ihr Praktikum bei Alain Mikli 1998 in Paris erzählt hat - eine Geschichte, die meiner Meinung nach in diese Produktbewertung gehört. “Ich habe Industriedesign studiert”, erzählte sie mir. “Wir mussten ein Praktikum machen und meine erste Wahl war, mit Philippe Starck zu arbeiten, aber ich habe es nie geschafft, ihn am Telefon zu erreichen. Ein Freund erzählte mir, dass Alain Mikli ein Brillendesigner wäre und ein Freund von Herrn Starck, also ging ich einfach rüber

Zusammenfassung Die Sol Sol Ito-Produktlinien gehören ganz sicher in Luxus-Boutiquen und spezielle Online-Shops. Die Brückenentwürfe sind kühn und kurvenreich, manche etwas kantiger und ein bisschen ernster, aber sie alle wurden entwickelt, um Ihren persönlichen Stil zu ergänzen. Sol Sol Ito hat vielfältige Brillenproduktlinien entworfen, die ihren Träger ein bisschen aus der Masse hervorheben, ohne dass die Designs als protzig oder übertrieben gelten könnten. An den technischen Spezifikationen der Brillen gibt es nichts zu kritisieren, sie verleihen ihrer Position unter den ‘must haves’ in allen Lebenslagen eine hochwertige Glaubwürdigkeit. AeS

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In Focus

I consider both the sporty and the fashion versions to be luxury items and everyone who has asked to try them on (and there have been, uncomfortably, quite a few) has agreed wholeheartedly. With respect to driving safety, this is where the UV protection is most notable. The definition and clear separation of details on and around the roads offer the wearer a noticeably enhanced perspective and increased traffic awareness. The same can be said when bicycle riding. A brief history A moment’s pause must be inserted here because Sandra shared an anecdote about when she did her internship with Alain Mikli in 1998 in Paris, one which I feel belongs in this review. “I was studying industrial design”, she told me. “We were required to do an internship and my first choice was to work with Philippe Starck, but I never managed to reach him on the telephone. A friend told me that Alain Mikli was an eyeglass designer and a friend of Mr Starck, so I just went over to the Mikli offices and stood in the entrance, waiting for him to come out. I discovered that the building had only one access so I knew I was going to meet him sooner or later. About 22:00 he was told that I still stood outside his offices so he sent someone for me. When we finally met he asked what I had been doing outside. I told him that I wanted to work for him. He asked, “When can you start?” I replied, “Now!” He said, “Be here tomorrow at 09:00.” I then replied, “Oh no! I must go back to Switzerland and take care of some business first.”

He laughed at me and said, “OK, come back on Monday”. After working for him I showed to him the first pair that I had designed and he just threw them across the office against the wall. That was not very inspiring, but there was no confusion in that message.” Sandra completed her internship and Sol Sol Ito has become her second eyeglass business. In summary The Sol Sol Ito lineup most certainly belongs in luxury boutiques and special-order online stores. The bridge designs are bold and curvaceous, some slightly sharper and a touch more serious, but they have all been designed to complement your own personal style. Sol Sol Ito has created a diverse line of eyewear that takes the wearer a step above the crowd without designing something that would be considered gaudy or overstated. Their technical specifications are nothing to scoff at and lend high-quality credibility to their position amongst the ‘must haves’ for all walks of life. AeS

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Ein Geschmack

Übersetzung – Dörte Diestel

von Kaffeekultur Kaffeehäuser waren einst die gesellschaftlichen Schmelztiegel ihrer Zeit. Sogar Johann Sebastian Bach dirigierte regelmässig ein musikalisches Ensemble im Leipziger Café Zimmermann, die Kaffeekantate aus den 1730er Jahren gilt als eine seiner berühmtesten. Das Libretto für diese Abhandlung über Kaffeesucht wurde von Christian Henrici geschrieben - und eine angemessene Würdigung seines Namens kann in der Niederdorfstrasse 1 im Herzen der Altstadt von Zürich gefunden werden.

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afé Henrici ist ein von Olivia und Tito Huber betriebenes Familienunternehmen, obwohl seine Gründung auch auf ihren Vater und Halbbruder zurückgeht. Der Anstoss für die Familie, diese Art von Unternehmen zu beginnen, erzählte mir Tito, kam von seinem Vater: Zunächst einmal denke ich, dass Timing alles ist”, sagte Tito. Sie haben eine Idee und sie muss heranreifen und schliesslich ausgereift sein. Mein Vater hat uns die Initialzündung gegeben, um dieses Konzept zu entwickeln und unsere Kräfte, Kenntnisse und Fähigkeiten zu kombinieren. Er baute ein Dream-Team von Familienmitgliedern auf, in dem alle ihre besten Fähigkeiten zur Verfügung stellen. Im Jahr 2008 erkannte er, dass die Zeit reif war, um ein qualitätsorientiertes Kaffeehaus mit einer wirklich coolen Atmosphäre zu diskutieren – seine Idee war es, etwas ganz Besonderes aufzubauen.

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Antione de Marteau

Wir bereiteten uns damals auf die Rückkehr aus San Francisco vor. Wir waren dort in die lokale Kaffeehauskultur eingetaucht, umgeben von einem sehr diskussionsfreudigen Publikum. Wir haben dann das Wissen angewendet, das wir in dieser Zeit in der hippen Szene der kalifornischen Kaffeehäuser gewonnen hatten; eine Klientel aus mehreren Generationen, die Kaffee dafür schätzt,was er ist. Die Vision seines Vaters, zusammen mit seiner Erfahrung in einer solch progressiven Stadt wie San Francisco, machten den Aufbau eines sehr motivierten Teams möglich, mit dem er beginnen konnte, ihren Traum zu realisieren. Ich fragte Tito nach ihren ursprünglichen Zielen: Nach sechs Jahren Cafébetrieb ist es interessant, sich dem Thema unserer allerersten Ziele zu nähern, da wir immer noch nicht wissen, wohin dies alles führen wird. Wir hatten geplant, profitabel zu werden, obwohl Geld nicht das Hauptziel unserer Bestrebungen war. Das Hauptkonzept

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Traduction – Julie Sirbu

Goûter à la culture du café

Les cafés étaient autrefois des lieux de mixité sociale par excellence. Johann Sebastian Bach lui-même dirigeait régulièrement un ensemble musical au Café Zimmerman à Leipzig, sa « Cantate du café » écrite dans les années 1730 restant l’une de ses plus connues. Le libretto pour ce traité sur l’addiction à la caféine avait été écrit par Christian Henrici, et c’est dès lors un vibrant hommage à son nom que l’on peut découvrir à Niederdorfstrasse 1, dans le cœur de la vieille ville de Zürich.

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afé Henrici est un business familial tenu par Olivia et Tito Huber, dont les fondements n’auraient jamais pu être développés sans l’aide de leur père et de leur demi-frère. D’ailleurs, l’impulsion qu’a eue la famille à se lancer dans ce genre de business est venue, selon Tito, de son père : Avant toutes choses, je pense que le timing est essentiel, me raconte Tito. On peut avoir une idée, mais elle a besoin de mûrir et de s’épanouir. Mon père a allumé l’étincelle initiale qui nous a permis de développer ce concept et de combiner nos forces, nos connaissances et nos compétences. Il a assemblé une équipe de rêve composée de membres de la famille, chacun mettant ses meilleurs atouts sur la table. En 2008, il a décidé que le temps était venu de faire l’ébauche d’un bar à café basé sur la qualité, qui offrirait une atmosphère vraiment tranquille. Il voulait en faire quelque chose de véritablement spécial. Nous préparions notre retour de San Francisco, où nous avions été immergés dans la culture locale du café, entourés d’une foule très instruite.

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Nous avons donc mis en pratique les connaissances acquises pendant notre temps passé avec les consommateurs « branchés  » des bars à café de Californie, une clientèle multi-générationnelle qui apprécie le café pour ce qu’il est. La vision de son père, combinée à son expérience d’une ville aussi progressiste que San Francisco, a aidé à créer une équipe très motivée avec laquelle commencer à construire leur rêve. J’ai demandé à Tito quel était leur but initial : Après avoir passé six ans à faire tourner notre café, il est intéressant de revenir sur le sujet de ce que nous voulions atteindre au départ puisque nous ne savons toujours pas où tout cela va nous mener. Nous voulions devenir rentable, même si l’argent n’était pas un des buts principaux de nos aspirations. Le concept central était de créer l’expérience ultime pour nos convives, ainsi que d’avoir la vie et la culture qui viennent avec la gérance d’un bar à café, surtout si celui-ci nourrit aussi nos demandes personnelles de culture du café. Ce qui nous pousse à continuer en ce moment, c’est justement cette culture qui ressort de

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Hospitality bestand darin, das ultimative Erlebnis für unsere Gäste zu schaffen, und eine Kultur zu leben, die zum Besitz eines Kaffeehauses gehört, die auch unsere eigenen Bedürfnisse nach einer Kaffeehauskultur erfüllt. Unsere momentane Motivation zum Weitermachen ist die Kultur, die aus dem gewachsen ist, was wir geschaffen haben, und die Leute, die damit einhergehen. Das Feedback, das wir von anerkennenden Gästen bekommen, Weltreisende, die uns inspirieren, ist das, was wir brauchen, um motiviert zu bleiben. Ich weiss, dass es wichtig ist, so etwas wie Esprit in den Räumen zu haben, es ist ein Gefühl, ohne das wir nicht in der Lage gewesen wären, diese sechs Jahre zu überleben. Aber, um unser Endziel zu erklären; es ist, glücklich zu sein und ein ausgeglichenes Leben zu führen. Ich glaube, man sollte nicht in einer Branche arbeiten, in der man Kontakt zu so vielen Menschen hat, wenn man nicht auf einer positiven Ebene mit den Kunden interagieren kann. Eine ausgewogene Balance zwischen Arbeit und Freizeit und kontinuierliche Innovation und Selbstherausforderung bringen Leben in unsere Arbeit. Saisonal wechselnde Getränke und die Veredelung unserer Kaffeauswahl ermöglichen uns, der Community mehr zu bieten, und auf diese Weise erreichen und übertreffen wir unsere Ziele. Auf seinen Weltreisen sucht Tito nach Cafés und Coffee shops, die eine bestimmte Atmosphäre und Aura ausstrahlen. Was ihn anzieht, sind ihre Gestaltung und die Art, wie sie mit ihren Kunden kommunizieren und auf dem neuesten Stand bleiben. Er findet diese neuen Cafés inspirierend und verbindet das Beste aus den besten Komponenten mit Café Henrici. Man kann Getränke kreieren, die in fünf Minuten herstellbar sind, aber nicht zu der hohen Fluktuation in unserem Café passen. Es ist

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immer eine feine Balance zwischen dem, was einfach und dem, was richtig konzipiert und umgesetzt ist. Zum Beispiel die Planung für Einsatzvielfalt - ein bestimmter Inhaltsstoff kann in einem Getränk enthalten und auch in einem anderen Produkt verwendbar sein. Auf diese Weise gibt es keinen Überbestand und die Zutaten bleiben frisch. Diese Art der Planung ist mein Gebiet – also Essen und Trinken. Aufgrund von wenig Platz braucht die Lagerung frischer Zutaten und frischer Produkte Geschick, Planung und Kenntnis unserer Kundenbasis. Bei der Entwicklung und Kreation beziehe ich immer unser Team und manchmal auch unsere Gäste mit ein – ich verlasse mich nicht nur auf meine Entscheidungen, denn unser Service-Team verbringt mehr Zeit mit unseren Gästen und könnte einen besseren Einblick in die aktuellen Trends haben. Für den Sommer haben wir unser spezielles Cold Brew, das in einem feinen Prozess des Kaffee-Einweichens in kaltem Wasser für 16 Stunden hergestellt wird. Dieses Verfahren schafft eine sehr klare, saubere und erfrischend reine, kalte Version, es zieht die besten Aromen aus dem Kaffee. Im Gegensatz dazu zerstört die Schockkühlung eines heissen Espresso in einem kalten Getränk eine Menge der feinen Aromen - man muss dann Zucker hinzufügen, wegen der Bitterkeit, die durch diesen Prozess entsteht. Durch kaltes Brühen hingegen werden die Aromen langsam extrahiert und, da das Getränk schon kalt ist, braucht man keinen Zucker mehr, so dass ein mildes, veredeltes und sehr erfrischendes Sommergetränk entsteht. Ich habe persönlich einige interessante Apéro-Getränke entwickelt - einen Rosmarin Prosecco zum Beispiel - ein sehr interessantes Getränk, das sowohl Frauen als auch Männer

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Lors de ses voyages autour du monde, Tito recherche des bars à café et des magasins de café qui irradient une aura et une atmosphère particulières. Il est attiré par leur présentation et comment ils communiquent avec leur clientèle et maintiennent une certaine fraîcheur. Il trouve ces nouveaux endroits inspirants et rassemble le meilleur du meilleur de ces éléments au Café Henrici. On peut inventer des boissons qui prennent cinq minutes à concocter mais ne conviennent pas à la rotation constante dans ce café. C’est toujours une question de balance entre ce qui est facile et ce qui est conçu et implémenté correctement. Par exemple, il faut organiser la versatilité, afin qu’un élément original puisse être inclus dans une boisson mais aussi utilisé dans un autre produit. De cette façon, il n’y a pas de stock en trop et les ingrédients restent frais. Ce genre de planification fait partie de mon domaine, la nourriture et les boissons en tout cas. Dans un espace limité, parvenir à conserver des aliments et des produits frais demande de l’habileté, de l’organisation et la compréhension

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de notre clientèle de base. J’implique toujours notre équipe et parfois même des clients dans mes phases de développement et d’invention. Je ne me fie pas seulement à mes décisions parce que notre team de service passe plus de temps à interagir avec nos consommateurs et pourraient avoir une meilleure connaissance des modes du moment. Pendant l’été, nous avons produit une de nos spécialités, le Cold Brew, que nous obtenons grâce au processus délicat qui consiste à faire tremper le café dans de l’eau froide pendant 16 heures. Cette procédure crée une version très fraîche et agréablement pure qui fait ressortir les meilleurs arômes du café. Pour le contraste, jeter un expresso chaud dans une boisson glacée affaiblit beaucoup d’arômes délicats, ce qui force les gens à ajouter du sucre à cause de l’amertume engendrée par le processus. En brassant à froid, les saveurs et les arômes sont extraits lentement et comme c’est déjà froid, y ajouter de la glace annule le besoin de sucre et donne une boisson estivale douce, très raffinée et vraiment rafraîchissante. J’ai moi-même développé certaines boissons d’apéritif intéressantes, comme par exemple un prosecco au romarin, qui est une boisson fascinante appréciée autant des hommes que des femmes. Nous avons aussi des boissons à base de fruits. Un de mes amis produit de la poudre de pulpe de fruits frais totalement naturelle que nous utilisons pour faire des cocktails sans alcool. Nous concoctons ainsi un Strawberry Crush fantastique en ajoutant un peu de jus de citron et de l’eau gazeuse : c’est aussi rafraichissant que n’importe quelle autre boisson.

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ce que nous avons créé et les gens qui l’accompagnent. Les retours positifs que nous recevons quand des clients appréciatifs viennent, les voyageurs du monde entier qui nous apportent de l’inspiration : c’est tout ce dont nous avons besoin pour rester motivés. Je sais qu’il est important d’avoir une vraie âme dans la pièce, c’est un sentiment sans lequel nous aurions été incapables de survivre pendant ces six ans. Mais pour ce qui est de notre but ultime, c’est d’être heureux et d’avoir une vie équilibrée. Je crois qu’on ne devrait pas travailler dans une telle industrie où l’on est constamment en contact avec tellement de monde si l’on n’arrive pas à interagir avec ces clients de manière positive. Un bon équilibre entre le travail et le temps libre, innover et se mettre au défi sans arrêt, c’est ce qui insuffle de la vie dans notre métier. En changeant le menu des boissons selon la saison et en améliorant la sélection de nos cafés, nous pouvons en apporter plus à la communauté  ; ainsi nous continuons à atteindre et même à surpasser nos objectifs.

Je lui demande alors ce qu’il en est de l’aspect « culturel » : Nos clients savent très bien quel genre de service ils vont recevoir ici, ils apprécient les échanges avec notre staff ouvert d’esprit et très amical. C’est une expérience unique et personnelle qui n’est jamais standardisée ni conventionnelle. Nos collaborateurs sont bien éduqués sur la culture du café et ont envie de partager leurs connaissances avec nos consommateurs.

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Hospitality zu schätzen wissen. Wir haben auch Fruchtgetränke; ein Freund von mir stellt frisches, rein natürliches Fruchtfleischpulver her, das wir für unsere Virgin-Cocktails verwenden. Wir machen einen Strawberry Crush mit dem Pulver, einfach nur mit Zitronensaft und Tonic Water - es ist so erfrischend wie ein Getränk nur sein kann. Was ist mit dem “kulturellen” Aspekt, frage ich: Unsere Kunden sind sich der Art von Service, den sie hier erhalten, sehr bewusst, sie schätzen die Interaktion mit unserem offenen und sehr freundlichen Personal. Es ist eine persönliche und einzigartige Erfahrung, nie standardisiert oder konventionell. Unsere Mitarbeiter sind in der Kaffee-Kultur ausgebildet und bereit, ihr Wissen mit unseren Kunden zu teilen. Es macht Spass, über Kaffee zu reden - es ist ein Volksgetränk. Kaffeekultur ist sowohl eine Wissenschaft als auch eine Kunst, es ist wirklich cool, über beide Aspekte zu fachsimpeln und sie zu symbolisieren.

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Wir im Café sind am Ende der “Kaffeekette”, es gibt etwa 20 Personen, oder Stufen, die von Anbau, Verarbeitung und Trennung des Fruchtfleischs von den Bohnen über Trocknung, Lieferung, Import und Röstung bis zum Barista beteiligt sind. Es ist soviel Arbeit, und es ist unglaublich wichtig für uns, die Verantwortung zu übernehmen, alle diese Phasen zu verbinden und die bestmögliche Tasse Kaffee zu kreieren. Spezielle Kaffeehäuser können ihren Kunden Diskussionen der Oberliga anbieten; zum Beispiel die Erörterung des Ursprungs des Kaffees oder des Kaffeebohnentyps. Darüber hinaus sehen unsere Baristas nicht sich selbst als das wichtigste Glied in der Kette, denn alles, was davor getan wurde, ist ebenso bedeutsam, auch wenn es in den Händen des Baristas liegt, ob am Ende das Getränk ein Meisterwerk wird oder nicht. Hier verbinden sich Kunst und Wissenschaft, hier entdeckt der Kunde unsere Leidenschaft, für ihn die perfekte Tasse Kaffee zu produzieren. Die Wissenschaft kommt ins Spiel, wo es um das Verständnis der Haupteinflussfaktoren für den Geschmack geht: die Mahlung, das Kaffee-zu-Wasser-Verhältnis, Brühzeit, Temperatur, Wasserqualität und sogar die tägliche Reinigung und Pflege. Wenn das alles unter Kontrolle ist, kann ein Barista mit verschiedenen Brühmethoden experimentieren, zB Espresso, Filterkaffee oder unsere Cold Brews, um ein einzigartiges Aromaprofil zu kreieren. Beim künstlerischen Aspekt geht es um den Ausdruck durch Gestaltung; das Aufschäumen der Milch, die Schaffung einer cremigen und

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nance et de nettoyage journaliers. Quand il contrôle ces éléments, un barriste peut expérimenter différentes méthodes de brassage, comme par exemple l’expresso, le café filtré ou nos Cold Brews, afin de créer un profile unique de chaque arôme. Le côté artistique tient de l’expression à travers la présentation : sublimer le lait, créer une unité crémeuse et finement homogène ou produire des motifs esthétiques. Il faut comprendre que les barristes ont besoin de nombreuses heures pour perfectionner leurs talents, et cela s’illustre dans leurs conceptions.

Hospitality

C’est amusant de parler de café, c’est un produit du peuple. La culture du café est autant une science qu’un art, c’est vraiment chouette de faire le « nerd » et d’être symbolique sur les deux aspects. Nous sommes au bout de la «  chaîne  » du café. Il y a environ 20 personnes, ou phases, impliquées dans le processus, à commencer par la culture, le traitement, séparer les grains de la pulpe, les sécher, la livraison, l’importateur, le torréfacteur et finalement la personne qui sert le café. C’est une œuvre tellement incroyable, et il en va de notre responsabilité de combiner toutes ces phases et de créer la tasse de café la plus délectable possible. Un bar à café spécialisé peut offrir un autre niveau de conversation à ses clients : on discute de l’origine des cafés ou du type de grains par exemple. De plus, nos barristes ne se considèrent pas comme étant l’élément le plus important de la chaîne puisque tout ce qui a été fait avant est tout aussi significatif – même si c’est bien entre leurs mains que se passe la réussite (ou la chute) de la boisson. C’est ici que se réunissent l’art et la science, ici que le consommateur découvre notre passion à produire pour lui la tasse parfaite. La science se trouve dans la compréhension des facteurs principaux qui influencent le goût : la façon de moudre, le pourcentage de café pour l’eau, le temps de brassage, la température, la qualité de l’eau, même la structure de mainte-

Café Henrici est le fruit du partenariat d’un frère et d’une sœur, tel que mentionné précédemment. Olivia Huber se consacre aux ressources humaines et à l’aspect commercial avec un flair artistique rendu évident par son interprétation personnelle du rôle qu’elle tient : Au café je prends soin du personnel, je crée la publicité et je fais passer les entretiens aux employés potentiels. On me considère comme la « maman » de la maison, et en ça je dois m’assurer que nous fonctionnons de manière cohésive, autant dans les périodes calmes avec dix clients que lorsqu’on est plein et en rotation rapide. Je suis attentive aux événements tant professionnels que personnels dans la vie des 18 membres de mon équipe.

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Hospitality feinen homogenen Einheit, die ansprechenden Muster, die wir kreieren können. Sie müssen verstehen, dass die Baristas viele Stunden brauchen, um ihre Fähigkeiten zu perfektionieren, und dies ist dann an ihren Designs zu sehen. Café Henrici ist das Produkt einer Bruder/Schwester Partnerschaft, wie zuvor erwähnt. Olivia Huber managt das Personal und die geschäftlichen Aspekte mit einem künstlerischen Flair, das sich in ihrer eigenen Interpretation ihrer Rolle zeigt: Im Café kümmere ich mich um das Personal, erstelle die Werbung und interviewe potenzielle Mitarbeiter. Ich bin die ‘Mama’ des Hauses, insofern, als dass ich sicherstellen muss, dass wir geschlossen funktionieren, ob gemütlich mit nur zehn Kunden oder bei einem vollen Haus mit einer hohen Fluktuation. Ich höre zu, sowohl was berufliche als auch persönliche Lebensereignisse meiner 18 Teammitglieder betrifft. Während meiner College-Zeit habe ich Kommunikation studiert, besitze aber mehr Talent für die zwischenmenschliche Ebene. Meine Spezialitäten waren Werbung und PR, aber das war nicht wirklich mein Stil. Ich habe in der Gastgewerbebranche gearbeitet und schnell erkannt, dass ich eine direkte persönliche Interaktion vorziehe, wissen Sie, diesen direkten Draht zu den Kunden. Ich habe mich für Gruppendynamik interessiert, und in diesem Gewerbe findet man all diese verschiedenen Geschichten, verschiedene Nationalitäten und Persönlichkeiten. Dies ist auch einer meiner Lieblings-Aspekte der Arbeit hier - die Nähe zu meinem Team und unseren Kunden.

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Bei jedem Schichtwechsel erzählen mir die Teammitglieder, was los ist, bei ihnen persönlich und im Café. Ich bin so ziemlich das Zentrum dieser zwischenmenschlichen Drehscheibe. Teil meiner Arbeit ist es, gesellig zu sein, und ich glaube an den Typus eines sozial aktiven Managers. In den letzten sechs Jahren hatten wir ein schönes Team, und was ungewöhnlich ist in dieser Branche, unser Kernteam ist seit dem Anfang bei uns. Ich glaube, einer der Gründe dafür ist die gegenseitige Achtung, die wir füreinander haben. Eine der schönsten Facetten der Arbeit hier liegt in dem Wissen, dass wir dieses Projekt von Grund auf begonnen haben und dass es heute sehr gut läuft. Oh, es kann mal haken, aber es regeneriert sich selbst und macht solide weiter. Ein weiterer positiver Aspekt ist für mich der Luxus, wählen zu können, mit wem ich jeden Tag zusammenarbeite, und nicht in einem Szenario zu stecken, wo man Arbeitsbeziehungen erzwingen muss und wo die Energie ungesund ist. Unabhängig davon, wie schwierig die Dinge zu sein scheinen, ist die gute Stimmung in unserem Café sehr befriedigend und die Anstrengungen, die wir in unsere Arbeit setzen, allemal wert. Das ständige Auf und Ab der Café Henrici-Besucher, lokale und ausländische, steht als Beweis für die entspannte und wohltuende Atmosphäre, erschaffen von Tito und Olivia. Ihre Vision hat die Züricher Kaffeekultur mit neuem Leben durchzogen, und bietet etwas für ein ständig wachsendes, multikulturelles Cafépublikum - diejenigen, die keine Lust mehr auf Fast Food-Coffee shops haben - eine ruhige, gemütliche und freundliche Oase inmitten der geschäftigen Flutwelle des täglichen Lebens. AeS

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Hospitality

J’ai étudié la communication à l’université, mais je suis plus douée pour travailler au niveau interpersonnel. Mes spécialités étaient la publicité et les relations publiques, mais ce n’était pas trop mon style. Je travaillais dans l’accueil et j’ai vite réalisé que je préférais avoir des interactions personnelles, vous savez, ce canal direct avec la clientèle. Je m’intéressais à la dynamique des groupes, et dans le domaine de l’accueil vous trouvez toutes les différentes histoires, les différentes nationalités et l’assortiment de personnalités. C’est aussi l’un de mes aspects favoris de travailler ici : la proximité que j’ai avec mon équipe et nos clients. A chaque changement de shift, les collaborateurs qui rentrent et ceux qui arrivent me racontent ce qui se passe dans leur vie, que ce soit à la maison ou ici au café. Je suis vraiment au centre de cette roue interpersonnelle. Une partie de mon travail est d’être sociale, et je crois bon d’être une gérante socialement active. Ces derniers six ans nous avons eu une équipe merveilleuse, et ce qui est assez inhabituel dans cette branche de commerce, c’est que le noyau du groupe est avec nous depuis le début. Je crois que l’une de raisons pour ça, c’est le respect mutuel que nous nous accordons à tous. Une des facettes les plus agréables du travail ici est le fait de savoir que nous avons monté ce projet à partir de rien et qu’aujourd’hui, il tourne bien. Bien sûr, on trébuche de temps en temps, mais on se relève et on continue plus fort. J’y trouve un autre aspect positif dans le fait d’avoir le luxe de choisir avec qui je vais travailler chaque jour et le fait de ne pas être dans un scénario où l’on doit forcer les relations de travail et où l’énergie est malsaine. Quelles que soient les difficultés que l’on peut rencontrer, l’environ-

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nement positif de notre bar à café est plutôt gratifiant et vaut bien les efforts que nous mettons dans notre œuvre. Le flux et reflux continuel des visiteurs du Café Henrici, tant locaux qu’étrangers, témoigne de l’atmosphère saine et décontractée qu’ont créée Tito et Olivia. Leur vision a insuffler une nouvelle vie à la culture du café de Zürich et offre à une foule multiculturelle et en constante expansion (tous ces gens qui en ont assez des cafétérias de type fast-food) un havre chaleureux de confort et de tranquillité dans la tempête animée qu’est la vie de tous les jours. AeS

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von Michaela Fisnar

Fotos : Images Argentiques & Christopher Garside

Wir trafen uns, wie immer nach einer Vernissage, in Pete's Bar und fragten uns und einander, ob das, was wir soeben gesehen hatten, Kunst war. Julie, mit ihrem charakteristischen Enthusiasmus einer pensionierten Primarschullehrerin, fand, dass alles, was mit Lust und gutem Willen kreiert werde, logischerweise Kunst sei. Reto schickte sich an, seine Meinung auf Französisch zu formulieren, doch nach einem ausgedehnten "Öööhh…" besann er sich eines Besseren und erklärte:

Alain, in guter frankophoner Manier, spitzte sogleich seine Lippen und liess ein nasales

Non non non non non

verlauten, während Antonella nachdenklich den Kopf hin und her wiegte.

Habe mich nett mit der Galeristin unterhalten.

War mir alles ein bisschen zu realistisch.

e! Se

…ereiferte sich Julie

Ich konzentrierte mich vorerst auf die Salzkristalle meiner Margarita und darauf, Ruby, die unter dem Tisch lag, nicht auf die Pfoten zu treten.

Worüber denn? . . . fragte Antonella.

Kunst.

Alain holte Luft und legte einen eloquenten Vortrag über Kunsttheorie aufs Parkett.

I to ld was you it art!

Es ging dabei um le phénomène artistique, l'aspect cognitif, l'intentionnalité propre, la capacité des êtres humains de se comprendre entre eux, le fondement du social und so weiter, und Pete kam und stellte uns eine Schale mit Salznüssen auf den Tisch.

Ich lächelte ihn an und sagte

Merci

was Alains Konzentration unterbrach und seinen Wortfluss jäh beendete.

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Es entstand eine bedeutungsleere Pause.


Und was, bitte, ist arte?

Mi sono piaciute queste fotografie.

Hübsch waren die Fotos schon. . . aber 'arte' ist etwas anderes.

erkundigte sich Antonella mit ihrem sanften Akzent.

Alain war ein bisschen beleidigt… Julie, die nach dem zweiten Glas Weisswein jeweils zur Weisheit tendierte, seufzte und erklärte laut und endgültig…

Mais … je viens de vous le dire!

is a er Art lett . eethr word Finis


Junge Künstler

Caris Mba

A

Zurich

ls ich eines späten Abends ruhig an einer Bushaltestelle sass, hörte ich auf einmal einige melodische, sehr leise gespielte Gitarrenklänge. Mit einem Blick über die Bänke sah ich einen jungen Mann, der seine Akkorde zu üben schien, während er versuchte, die anderen, die auf den Bus warteten, nicht zu stören. Als er aufhörte zu spielen, klatschte ich laut und rief “Bravo!” Die anderen sahen mich leicht abschätzig an, aber unser mitternächtlicher Akustikgitarrist begann wieder zu spielen, dieses Mal in voller Lautstärke. Die folgenden zehn Minuten erwiesen sich als meine lohnendste Wartezeit an einer Bushaltestelle seit vielen Jahren. Mit 19 Jahren lernt Caris Mba leidenschaftlich gern, Gitarre zu spielen, und er will auch in seiner Muttersprache Lingala singen, einer Sprache, die in seinem Geburtsort Kinshasa, Demokratische Republik Kongo, gesprochen wird. “Ich bin sehr daran interessiert, Gitarre spielen und auf Französisch und Lingala singen zu lernen”, sagt er. “Ich bin seit fast drei Jahren in der Schweiz. Ich gehe zur Schule, seit ich hier bin, und ich habe mein Bestes gegeben, Deutsch zu lernen und mich in diese Gesellschaft zu integrieren. Das hält mich sehr beschäftigt, und so muss ich üben, wann immer ich kann.” “Ich bin hierher gekommen, um bei meiner Mutter, meinem Bruder und meiner Schwester zu sein – diejenigen, die leiden müssen, weil ich zu Hause die ganze Zeit Gitarre spiele und in der Schule auch. Es kommt nicht oft vor, dass man mich ohne meine Gitarre sieht!” Caris hat sich selbst beigebracht, Gitarre zu spielen, und er hat ein paar Jazz- und Pop-

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Akkorde gelernt, aber einer seiner Lieblingsstile ist der Reggae-Rhythmus, obwohl er klassische Musik auch sehr interessant findet. Er sagt, dass er mit seiner guten Stimme jeden Stil singen kann, aber sein Bestreben konzentriert sich auf Reggae, Rumba Congolese und Ndombolo (oder Soukous Ndombolo). Seit seiner Kindheit ist Fussball Caris ‘Lieblingssport. Er spielt jetzt in der zweiten Liga in Zürich. Caris spielt für SC YF Juventus (Sport Club Young Fellows). Zur Zeit sind Fussball und Musik die Hauptattraktionen in Caris’ Leben, und er widmet seine ganze Zeit und all seine Gedanken diesen beiden Interessen (obwohl Mädchen dicht dahinter auf Platz drei stehen). “Die Schweiz ist ein sehr schöner Ort zum Leben. Hier ist das Leben sehr gut organisiert und man wird für die Arbeit, die man macht, bezahlt. Trotzdem vermisse ich Kinshasa. Das Leben war interessanter, manchmal dramatisch, aber unsere Kultur hatte einen Rhythmus, der in Musik und Freundschaft gründet.” Europa ist so etwas wie ein schwacher Abklatsch von Afrika, sagt er. In der Schweiz spielt er Fussball, übt Singen und Gitarre spielen, aber ‘wirklich leben’ ist für ihn mit dem afrikanischen Kontinent verbunden. AeS

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Jeune Artist

Caris Mba

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Zürich

l était assez tard un soir et j’étais assis tranquillement à un arrêt de bus, quand je commençai à percevoir les notes mélodieuses d’une guitare jouée très doucement. Je regardai autour de moi sur les bancs et vis un jeune homme qui semblait travailler ses accords tout en essayant de ne pas déranger les autres personnes qui attendaient le bus. Quand il eut fini de jouer, je l’applaudis bruyamment et criai “Bravo!” Les autres me regardèrent avec une once de mépris mais notre guitariste acoustique de minuit reprit de plus belle, cette fois à plein volume. Les dix minutes qui suivirent s’avérèrent être les plus enrichissantes que j’eusse passées à attendre le bus depuis bien longtemps. A 19 ans, Caris Mba se passionne pour l’apprentissage de la guitare et veut aussi chanter dans sa langue maternelle, le lingala, langage couramment parlé à Kinshasa, sa ville d’origine en République démocratique du Congo. « Je veux vraiment apprendre à jouer de la guitare et chanter en français et en lingala, dit-il. Ça fait bientôt trois ans que je suis en Suisse ; je suis à l’école depuis mon arrivée et je fais de mon mieux pour apprendre l’allemand et m’intégrer dans la société. Cela occupe beaucoup de mon temps alors je m’entraîne dès que je le peux. » « Je suis venu ici pour être avec ma mère, mon frère et ma sœur ; ce sont eux qui souffrent

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le plus parce que je joue de mon instrument tout le temps à la maison, et je le fais à l’école aussi. On me voit rarement sans ma guitare ! » Caris a appris à jouer de la guitare en autodidacte ; il connait quelques accords de jazz et de pop, mais l’un de ses styles préférés est le reggae rythmique, même s’il s’intéresse aussi à la musique classique. Il affirme qu’avec sa belle voix il peut chanter n’importe quel genre, mais le reggae, la rumba congolaise et la musique Ndombolo (ou Soukous Ndombolo) représentent le centre de ses aspirations. Le football a été le sport favori de Caris depuis sa plus tendre enfance. Il joue en ce moment en seconde ligue à Zürich pour le SCYF Juventus (Sport Club Young Fellows). Le football et la musique sont les intérêts principaux de la vie de Caris aujourd’hui, et il voue chaque instant et chaque pensée à ces deux passions – même si les filles y trouvent leur place aussi. « La Suisse est un endroit magnifique où il fait bon vivre. La vie ici est très bien organisée et on est payé pour le travail que l’on fournit. Mais Kinshasa me manque quand même. La vie y était plus intéressante, quoique parfois dramatique, mais notre culture possédait un rythme fondé dans la musique et l’amitié. » L’Europe est une sorte de parodie de l’Afrique, pense-t-il. En Suisse, il joue au football, s’entraîne à la guitare et au chant ; mais pour lui, « vivre pleinement » c’est être connecté au continent africain. AeS

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Fotografie

Aventicum Culture Club

un lieu de synergie artistique une association culturelle à but non-lucratif une salle de concert, vernissage exposition, fêtes privées etc. une résidence

club privé - ouvert du mercredi au samedi dès 15h pour les membres concerts, spectacles, expositions ouvertes au publique général conctactez nous pour devenir membre.

impasse de l’estivage 2 AeS 1580 avenches www.mostmusic.ch info@mostmusic.ch


Umschlag Front.qxp

01.09.2008

13:52

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AS TIME GOES BY

AVENTIA CROONERS DAS KULTUREREIGNIS

EIN FEUERWERK MUSIKALISCHER UND CHOREOGRAPHISCHER DARBIETUNGEN IM HOLLYWOODSTYLE BEKANNTE FILMMELODIEN NEU ARRANGIERT UND PRODUZIERT VON ATILLA SEREFTUG UNTER DER MITWIRKUNG EINES SYMPHONIEORCHESTERS

Im Album stecken 2 Jahre intensive Zusammenarbeit mit Künstlern und professionellen Musikern aus der ganzen Welt welche die bekanntesten Kompositionen und Lieder aus 60Jahre Filmgeschichte – von 1940 – 2000 neu harmonisiert und zeitlos schön aufgezeichnet haben.

Ausschnitte beliebter Filmmelodien, neu inszeniert und von stimmlich hervorragenden Artisten „live“ gesungen, werden bei der Show von einem Symphonieorchester vorgetragen und einem Chor, einem Ballett und einer Rappergruppe begleitet. Damit die Verbindung Musik und Film perfekt ist, wird während der konzertanten Umsetzung der Melodien eine Video-Installation im Grossformat im Hintergrund die entsprechende Filmszene wiedergeben.

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Aventia Crooners Präsident – Atilla Sereftug info@dsas.ch

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Read about Serena Maisto on page 10 in this issue.


Shootin’ Beavers sind hier willkommen

Übersetzung – Dörte Diestel

Tony Dynamite and the Shootin’ Beavers, die immer noch aktiv ihr neuestes Album Bloody Surf promoten, erweisen sich als ein Rätsel der Musikszene, da sie möglicherweise die einzige Surfmusik-Band in der Schweiz sind.

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iese spezielle Band wurde 2008 gegründet, wenn auch die Musiker in den letzten 35 Jahren in verschiedenen Bands zusammen andere Musik gespielt haben, beginnend mit Hard Rock, dann Folk, Funk und Pop. Balboa Blue Eddie bekam ein Schlagzeug, als er 15 war, und Slim Dog Murphy (ja, Band-

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Antione de Marteau

namen) hatte bereits eine E-Gitarre, so dass sie beschlossen, eine gemeinsame Session zu machen. “Der erste Song, den wir zusammen spielten, war ‘Gimme All Your Lovin’ von ZZ Top”, erinnert sich Balboa. “Sechs Monate später hatten wir eine komplette Band mit Bassist und Keyboards und spielten unsere eigenen Songs.” Die Idee einer Surf Band entstand vor vielen Jahren bei der 60. Geburtstagsfeier von Slim Dog’s Eltern. Der Mann seiner Patentante hatte viele Jahre in einer Tanz Combo-Band Instrumentalmusik gespielt, wie die von The Shadows. Und so fragte Slim Balboa, ob sie so etwas für die bevorstehende Party machen könnten, er wollte etwas Witziges spielen. Sie spielten etwa zehn Songs der klassischen Surfmusik aus den 60er Jahren und merkten, dass ihnen das wirklich Spass machte. “Als wir uns zwei Tage später wieder trafen, hatte Slim Dog eine Idee für eine Surf Band – tatsächlich genau diese Band – die wir möglicherweise eines Tages zusammenstellen könnten”, erzählt Balboa. “Er hatte bereits den Namen ‘Tony Dynamite and the Shootin’ Beavers’, so dass wir in den nächsten drei Jahren zwar einen Namen hatten, aber keine Band.”

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Musique

Les Foufounes flingueuses sont les bienvenues ici En pleine promotion de leur dernier album intitulé Bloody Surf, Tony Dynamite and the Shootin’ Beavers restent une énigme de la scène musicale, sachant qu’ils sont probablement le seul groupe de style surf rock en Suisse.

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ette formation musicale particulière a vu le jour en 2008, même si chacun des musiciens avait déjà joué d’autres styles de musique dans des groupes différents sur les dernières 35 années, à commencer par le hard rock, puis le folk, le funk et la pop. Balboa Blue Eddy a reçu sa première batterie quand il avait 15 ans et Slim Dog Murphy (oui, des noms de scène) avait déjà une guitare, alors ils ont décidé de se faire une petite jam ensemble. « La première chanson qu’on a jouée ensemble était ‘Gimme All Your Lovin’ de ZZ top, se souvient Balboa. Six mois plus tard on avait un groupe complet avec bassiste et claviériste et on jouait nos propres chansons. » L’idée du groupe « surf » vient du 60ème anniversaire des parents de Slim Dog il y a quelques années. Le mari de la marraine de ce dernier avait fait partie d’un groupe de musique à danser pendant longtemps ; il y avait joué un peu de musique instrumentale, comme celle de The Shadows. C’est ainsi que Slim avait demandé à Balboa s’ils pouvaient organiser quelque chose dans le genre pour la fête à venir parce qu’il voulait jouer quelque chose d’amusant. Ils

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Traduction – Julie Sirbu

ont donc joué une dizaine de chansons du répertoire de surf classique des années 60 et ils ont vraiment apprécié le faire. « Quand on s’est retrouvés deux jours plus tard, raconte Balboa, Slim Dog avait une idée pour un groupe de surf – ce groupe-ci exactement – qu’on pourrait éventuellement monter un jour dans un futur proche. Il avait déjà trouvé le nom « Tony Dynamite and the Shootin’ Beavers » ; du coup, les trois ans qui ont suivi, on avait un nom, mais pas de groupe. Un jour que nous traînions les quatre dans un bar à boire quelques verres en parlant de musique, le patron est venu nous demander si on était dans un groupe et si c’était le cas, si on voulait faire un concert dans son bar. Slim, qui avait quelques bières de plus dans le gosier que nous autres, a immédiatement crié ‘Oui, on va le faire ! Quand est-ce qu’on joue ?’ Trois mois plus tard, en décembre 2008, on jouait notre premier concert live de 30 minutes. L’emportement de Slim nous avait forcé à mettre en place un vrai set musical parce qu’il nous avait engagé à nous produire. A cette époque on avait un autre bassiste avec qui on a joué deux ans ; ensuite de quoi Cock Rockin’ Joe nous a rejoints. On savait qu’il était

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Music “Eines Tages gingen wir vier für ein paar Drinks zusammen weg, um über Musik zu reden und einfach nur rumzuhängen. Der Besitzer der Bar kam zu uns und fragte, ob wir eine Band hätten, und wenn ja, ob wir in seiner Bar ein Konzert geben wollten. Slim war unter dem Einfluss von ein paar mehr Bier als der Rest von uns und so platzte er sofort heraus: ‘Ja, das werden wir machen! Wann können wir spielen?’ Drei Monate später, im Dezember 2008, hatten wir unser erstes 30 Minuten langes LiveKonzert. Slims Ausbruch war der Moment, in dem wir gezwungen wurden, ein richtiges Musik-Set zusammenzustellen, weil er uns zu einem Auftritt verpflichtet hatte. Zu dieser Zeit hatten wir einen anderen Bassisten, mit dem wir für zwei Jahre spielten, dann kam Cock Rockin’ Joe zu uns. Wir wussten, dass er ein Profi war, weil wir mit ihm in den letzten 30 Jahren in anderen Bands gespielt hatten.” Cock Rockin’ Joe hatte seine musikalische Karriere als Kind mit Klavierunterricht begonnen, aber als eine Schulband nach einem Bass-

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isten suchte, machte er eine 180 Grad Drehung und fing an, Bassgitarre zu spielen. Es wäre leichter, nur vier Saiten zu spielen, sagte er, als mit den Fingern auf 88 Tasten zu tanzen. Slim Dog Murphy schreibt die meisten Songs für die Band. Er erklärt, dass seine Inspiration für etwas Neues jederzeit kommen kann; in der Dusche, beim Autofahren oder sogar beim Üben eines anderen Songs. Sein nächster Schritt ist dann, das, was er im Kopf hat, aufzunehmen und danach erstmal liegenzulassen, um später wieder darauf zurückzukommen. Eine neue Melodie zu spielen und aufzunehmen ist für ihn der einfache Teil. Die Schwierigkeiten entstehen, wenn er zu einer Melodie zurückkommt und beginnt, die Feinheiten zu entwickeln, die dem Song Leben einhauchen. Einige seiner Konzeptaufnahmen wiederaufzugreifen, ist eine Übung in Bearbeitung (einige sind es nicht wert, aufbewahrt zu werden), Geduld und Kreativität. Für Slim, einen professionellen Gitarristen und Lehrer, erfolgt ein Grossteil seiner Arbeit (wenn auch nicht alles) automatisch. “Beim Schreiben für Bloody Surf ”, sagt Slim, “schien es, als hätte ich meine ganze Zeit mit meiner Gitarre verbracht. Und plötzlich hatte ich zehn Songs. Ich weiss wirklich nicht, wie oder warum das passiert ist.” Drei Wochen, nachdem die Gruppe beschlossen hatte, ein Album mit eigener Musik zu produzieren, ging Slim Dog in ihren Übungsraum und verkündete sehr zur Überraschung aller, dass er acht Songs hätte, mit denen sie arbeiten könnten. So begannen sie, zusammen an den Arrangements zu arbeiten und jedes Musikstück zu üben. Manchmal stehen nur die sehr einfache Melodie und Akkorde auf dem Papier, wenn sie anfangen. Nur der Schlagzeuger, Balboa Blue Eddy, erhält keine Noten, weil es, wie er sagt, seine Arbeit ist, den Takt und das Timing zu kreieren. Sogar der Bassist ist frei, seinen eigenen ‘Raum’ in der Musik zu schaffen. “Ich bringe eine Art von ‘Idee’ in die Band, mehr als einen kompletten Song”, sagt Slim. “Ich mag es, sie offen zu lassen, so dass wir einfach nur etwas passieren lassen können. Sie

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« Quand je composais pour Bloody Surf, déclare-t-il, j’avais l’impression de passer tout mon temps avec ma guitare. Et soudain j’avais dix chansons, et je n’ai vraiment aucune idée de comment ou pourquoi s’est arrivé. » Trois semaines après que le groupe avait décidé de produire leur propre album, Slim Dog entra dans leur studio de répétition et, à la surprise de chacun, annonça qu’il avait huit chansons avec lesquelles travailler. Ils se mirent donc à rechercher les arrangements ensemble et à répéter chaque morceau. Parfois il n’y a que la mélodie et les accords les plus basiques qui soient écrit sur le papier quand ils commencent. Le batteur, Balboa Blue Eddy, ne reçoit par contre aucune indication puisque son travail, comme il le dit lui-même, est de créer le rythme et le minutage. Même le bassiste est libre de générer son propre ‘espace’ à l’intérieur de la musique. « J’apporte plus une ‘idée’ au groupe qu’une chanson complète, avoue Slim. J’aime leur laisser de la liberté pour voir ce qui va se passer. Ils écoutent ce que j’ai enregistré et l’accompagnent. » « Ça ressemble plus à une jam, intervient Lowrider Stan. Dès que ce qu’on fait semble fonctionner, on prend ces idées et on les arrange

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professionnel parce qu’on avait déjà joué avec lui dans d’autres groupes ces 30 dernières années. » Cock Rockin’ Joe a débuté sa carrière musicale en prenant des cours de piano quand il était jeune, mais un groupe de son école cherchait un bassiste, alors il est immédiatement passé à la guitare basse. Selon lui, c’était plus facile de jouer sur quatre cordes que de faire danser ses doigts sur 88 touches. Slim Dog Murphy écrit la plupart des chansons pour le groupe. Il explique que l’inspiration pour de nouveaux morceaux lui vient n’importe quand : sous la douche, lorsqu’il conduit ou même quand il travaille une autre chanson. Ce qu’il fait alors, c’est enregistrer ce qu’il a dans la tête pour ensuite le laisser de côté pour plus tard. Jouer et enregistrer une nouvelle mélodie est la partie facile pour lui. Les difficultés s’annoncent quand il revient à un morceau et commence à développer la complexité qui donne sa vie à la chanson. Reprendre certains de ces enregistrements conceptuels est un exercice tant de révision (certains ne sont pas dignes d’être gardés) que de patience et de créativité. Pour Slim, qui est guitariste professionnel et professeur, la plus grande partie de ce travail (mais bien entendu pas tout) est automatique.


hören dem zu, was ich aufgenommen habe, und spielen einfach danach.” “Es ist mehr wie eine Session”, wirft Lowrider Stan ein. “Immer, wenn das, was wir tun, zu passen scheint, nehmen wir diese Ideen und arrangieren sie weiter. Es ist eigentlich gar nicht so einfach, auf diese Weise zu arbeiten, weil wir alle in der richtigen Stimmung sein müssen, uns wohl fühlen und einen ‘offenen’ Geist haben, einen, der bereit ist, die Ideen der anderen Bandmitglieder zu akzeptieren.” “Nehmen Sie zum Beispiel meine Trompete”, fährt Stan fort. “Es ist nicht an mir, zu entscheiden, ob ein Titel ein Trompetenstück enthalten wird, wir müssen uns alle einig sein, wann und wo dieser Ton erscheint. Ich benutze auch das Wahwah-Pedal und ein paar Spezialeffekte mit meinem Horn, das einige einzigartige Töne produziert. Normalerweise werden Hörner nicht für Surfmusik verwendet, so dass unsere Band einen sehr exklusiven Sound hat.” Typische Surfmusik enthält eine Fender Jaguar- oder eine Stratocaster-Gitarre. Man braucht wirklich den Hall und eine saubere Gitarrenlinie. Dick Dale benutzte eine Trompete für Miserlou, die Eröffnungsmusik des Films Pulp Fiction, aber es ist nicht typisch, diesen Sound zu hören. “Es war nie unsere Absicht, traditionelle Surfmusik zu spielen”, so Lowrider. “Unser Hauptziel ist es, ein neues Leben in diese Art von Sound einzuspeisen. Unsere CD Bloody Surf spiegelt dieses Konzept.” “Als wir im Jahr 2008 begannen, spielten wir nur Coverversionen, einfach, um uns mit dieser Musik und diesem Stil vertraut zu machen. Wir fanden, dass die meisten Songs ähnlich klangen und ohne coole Zwischentöne waren, also fingen wir dann an, mit den Songs zu experimentieren und unsere eigenen Persönlichkeiten und Stile einfliessen zu lassen. Wir haben versucht, unseren eigenen Sound zu finden

©2015 Natalie Grund

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- wir sind immer noch am Experimentieren, aber unser Stil reift und nimmt Gestalt an.” “Der Klang meines Schlagzeugs ist nicht typisch für den Surf-Sound”, beharrt Balboa. “Aber der Double Snare Beat, den ich spielen kann, ist typisch. Ich spiele auch klassische Becken, die einen sehr schönen ‘dunklen’ Klang haben. Mit Slim Dog Murphy an der Leadgitarre, Lowrider Stan, der Rhythmusgitarre und Trompete spielt, Balboa Blue Eddy hämmernd am Schlagzeug und Cock Rockin Joe, der die Basslinien schrammelt, nehmen sich Tony Dynamite und die Shootin’ Beavers selbst nicht zu ernst; aber die Musik, die sie spielen, ist eine andere Geschichte. Es ist ihr Bestreben, auch weiterhin diese Musik zu machen. Da sie nicht Mainstream ist, ist es oft schwierig für sie, Gigs für grössere Menschenmengen in Open Air Konzerten zu bekommen. “Eines Tages vielleicht”, sinniert Balboa. “Falls Quentin Tarantino mal einen unserer Titel für einen seiner Filme nehmen sollte, na ja, also, das würde unser Leben mit Sicherheit verändern.” AeS

©2015 Natalie Grund

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©2015 Rudi Eiermann

©2015 Natalie Grund

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encore mieux. Ce n’est pas si facile de travailler comme ça en réalité, parce qu’on doit tous être de bonne humeur, se sentir bien et ouverts d’esprit, le genre d’état qui nous permet d’accepter les idées des autres membres du groupe. Prenez ma trompette par exemple, continue-t-il. Ce n’est pas moi qui décide si une chanson contiendra un morceau de trompette, on doit tous se mettre d’accord sur quand et où ce son apparaîtra. J’utilise aussi une pédale wawa et quelques effets spéciaux pour mes cuivres qui produisent des tonalités uniques. Normalement, il n’y a pas de cuivres dans la musique surf, donc notre groupe a vraiment un son caractéristique. » Le surf typique inclut généralement une Fender Jaguar ou une Stratocaster. Une bonne réverbération et une ligne de guitare propre sont indispensables. Dick Dale utilisait une trompette sur ‘Miserlou’, la musique d’ouverture du film Pulp Fiction, mais ce n’est pas banal d’entendre ce son. « Nous n’avons jamais eu l’intention de jouer du surf traditionnel, continue Lowrider. Notre

but principal est d’injecter une nouvelle vie à ce type de son. Notre CD Bloody Surf reflète ce concept. Quand on a commencé en 2008, on ne jouait que des reprises, histoire de se familiariser avec ce genre de musique et la façon de la jouer. On s’est rendu compte que la majorité des chansons étaient similaires et sans nuances ; on a donc expérimenté sur les morceaux et on y a infusé notre personnalité et notre style propre. On essayait de trouver notre propre son – on expérimente toujours mais notre style s’améliore et trouve sa forme. » « Le son de ma batterie n’est pas typique du surf, insiste Balboa. Mais le rythme double de la caisse claire que je joue l’est. J’utilise aussi des cymbales vintage qui donnent un son « sombre » très chouette. » Avec Slim Dog Murphy à la guitare lead, Lowrider Stan à la guitare rythmique et à la trompette, Balboa Blue Eddy qui s’éclate à la batterie et Cock Rockin’ Joe qui balance à la basse, Tony Dynamite and the Shootin’ Beavers ne se prennent pas trop au sérieux ; mais la musique qu’ils créent, c’est une autre histoire. Ils aspirent à continuer de jouer cette musique ; cependant, parce qu’elle n’est pas « mainstream », il leur est souvent difficile de décrocher de plus gros concerts dans les festivals en plein air. « Un jour, peut-être, se dit Balboa. Si Quentin Tarantino achète un de nos morceaux pour un de ses films, c’est sûr que ça changerait nos vies. » AeS


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Born and raised in Russia during the

challenging 1990s, I studied in the US and have been living six years in Zurich. A fellow in the History of Art, I want to serve the world as a photographer and am eager to travel to the most remote nooks of the world to document people’s dialogue with nature. “Nature has been serving us since ever. Now the assignment of humans in the 21st century is to restore our feelings of sympathy, love, and gratitude toward Mother Earth. We must start giving instead of taking. Water mesmerises me most from all the elements. Water is an uncontrollable flow like fire and air, destructor of human dwellings and human order. It is the most palpable trace of the alien presence. Water is the universal element of art, for it reflects and refracts light around the objects it covers, removing them from everyday use while intensifying our visual contact with them. Water is first and foremost a medium of representation; it is the very basis of aesthetics, as a medium that transforms the world into image. Just like Tarkovsky’s fascination with the diaphanous element of water, used for his film scenes. Photography is very personal for me. While photographing, I’m totally present in the moment, I absorb it with all my senses and meditate. Stopping a moment, capturing that subjective reality, and then sharing it with the audience makes me complete.”

Julia Gogoleva photographer // art-historian


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Anticipating Dawn’s return © 2012 Images Argentiques 73


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EARTH WITHOUT “ART” IS JUST “EH”! SERENA MAISTO // ARTIST // SERENAMAISTO.COM ATELIER // VIA NOSEDO 15 // MASSAGNO // TICINO // SWISS

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