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DOSSIER DE PRESSE


l’art en boîte est un évènement artistique entièrement pris en charge par et les entreprises partenaires et mécènes.


Sommaire Mot du Maire Avant-propos Une histoire de Containers De Mouv Art à L’art en boîte Pourquoi l’art en boîte ? PROGRAMMATION Les artistes #Allées Paul Riquet MAXIME LHERMET Chris AERFELDT Christian ASTOR Laure BOIN Fabien BOITARD Charlie BONALLACK Laurence BRIAT Ursula CARUEL Rika DERYCKERE Agnès DESCAMPS Abdelghafour ESSAFI Mylène FRITCHI-ROUX Kalie GRANIER Xavier JAMBON Sophie LICATA-CARUSO MAISON de La Gravure Méditerranée Antoine ROUSSELLE TIEN WEN Tilby VATTARD ZARNO #Hall du Théâtre Exposition « Petits Mousses » Ateliers Périscolaires # Place de la Mairie Guylaine BARTHELEMY DUOS STREET ART Raphael PORON SECTO Christophe STOUVENEL Résumé pratique Partenaires Mécènes Contacts

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Sommaire


Depuis trois ans, à Béziers, notre politique culturelle est claire : l’ouverture, à tous les publics et à tous les artistes. C’est pour cela que notre programmation est la plus éclectique possible. À la fois populaire, moderne, classique, et de haute tenue.

Robert Ménard Maire de Béziers

Recevoir L’Art en boîte, un an après Mouv’Art, va dans le sens de ce que je souhaite pour notre ville. Cette manifestation, qui ne coûte rien au contribuable, est une réussite dans son organisation, car elle est le fruit d’un partenariat idéal entre la société Arena Events, les mécènes et la municipalité. La culture et particulièrement l’art contemporain souffrent parfois d’une image élitiste : certaines familles n’osent pas franchir la porte d’une galerie, d’un musée... C’est pour cette raison que je suis heureux d’accueillir ces artistes, souvent avant-gardistes, en plein cœur de notre ville. Sur les Allées Paul Riquet et devant l’Hôtel de ville. Bienvenue à eux !

Le mot du Maire


L’ rt en boîte 2 édition ème

Pour la deuxième année consécutive,

Nicolas Garrigues Arena Events

société spécialisée dans l’évènementiel invite les publics - résidents comme promeneurs de la pentecôte - à venir découvrir les oeuvres d’artistes contemporains de talent et à partager avec eux leurs émotions en visitant un ensemble de vingt et un containers maritimes, convertis en galeries éphémères et ancrés sur les allées Paul Riquet, à Béziers, du 2 au 5 Juin 2017. Cette manifestation, anciennement Mouv’Art et rebaptisée “L’art en boîte” en référence aux containers qui l’abritent se veut plus que jamais une invitation aux voyages. Cette initiative n‘aurait pu voir le jour, cette année encore, sans le soutien renouvelé de la Ville de Béziers, ni sans le concours des nombreuses sociétés privées, mécènes pour l’ occasion de chacun des containers galeries qui vous sont proposés. Qu’elles en soient ici remerciées.

Avant-propos


De Mouv Art à L’art en boîte Pour « Monumenta 2016 », 300 conteneurs furent acheminés des quatre coins du globe jusqu’à la Nef du Grand Palais à Paris pour la réalisation d’ Empires, une création exceptionnelle de Huang Yong Ping. Dans le même temps, la ville de Béziers vivait plus modestement sa première rencontre avec ces boîtes voyageuses. Faisant référence à Marcel Duchamp : « C’est le regardeur qui fait l’art !» , Mouv Art réunissait au début Juin 2016 20 containers maritimes répartis dans plusieurs lieux de la ville, ouverts sur l’espace public et accueillant autant de créateurs contemporains pour y favoriser les échanges entre publics citadins, artistes et entreprises. Tous animés par la volonté de faire descendre l’art dans la rue, le faire sortir des musées, et de faciliter une approche de l’art contemporain par tous.

une his de cont

Et ce fut un succès ! Un succès populaire qui a encouragé Arena Events à renouveler cette expérience et pérenniser cette manifestation sur la ville de Béziers en 2017. Les containers vont et viennent, ils se déplacent par nature. Mouv Art aussi. Il fallait donc trouver une nouvelle identité, tout aussi parlante et évocatrice. C’est chose faîte et à Mouv Art succède L’Art en boîte.

Lionel LAUSSEDAT « Il faut cultiver notre jardin » Installation sur container, Béziers 2016

Des contenants...


L’ rt en boîte 2 édition ème

Pourquoi L’art en boîte?

stoire tainers Marcel DUCHAMP, «Boîte Valise», 1943

Symboles des échanges planétaires et des grands voyages, de la mondialisation et de la société de consommation, les containers sont avant tout des boîtes : boîtes à souvenirs, boîtes à sel, boîtes à jouets, boîtes à lettres, boîtes à épices, boîtes à mystères, boîtes à rire, boîtes à Meuh, boîtes à merveilles, boîtes maisons… Les boîtes ont de tout temps représenté le moyen le plus pratique pour l’homme de conserver ses biens matériels des plus chers aux plus dérisoires comme d’y réserver ses émotions les plus intimes des plus heureuses aux plus tristes... La boîte est donc la compagne fidèle de nos vies, elle est en quelque sorte le reflet de toutes nos activités physiques ou mentales et nous accompagne d’ailleurs jusque dans la mort. La boîte est aussi le pré-texte à notre représentation du monde. Pas de peinture rupestre sans parois de caverne, pas de pièce théâtrale sans espace scénique, pas de relique sans chasse, pas de graffiti sans mur. La boîte est condition pratique ou technique : pas de voyage sans valise, pas de photo sans boîtier, pas de film sans caméra,... Qu’elle soit obscure ou claire, chaste ou libertine, la chambre est une boîte. Que l’on dessine dessus, dedans ou dehors, ses parois sont les supports permanents de notre expression. Qu’elle soit ouverte ou fermée, elle indique avec constance les limites de l’espace privé donné à voir ou condamné. Que l’on y enferme Dieu (Ben Vauthier, 1966) ou de la merde d’artiste (Piero Manzoni, 1961), la boîte est le lieu de tous les possibles, de toutes les surprises, de tous les mystères, qu’ils soient sacrés ou profanes, personnels ou collectifs. Dès lors, quel symbole plus fort que celui ci pouvait-on retenir pour cette manifestation ?

Ben VAUTHIER, 1966.

Piero MANSONI, 1961

Que ces boîtes « habitées » par des créateurs contemporains sollicitent vos émotions, vous ouvrent des univers, vous émerveillent ou vous interrogent. Et pour citer à nouveau Marcel Duchamp : « C’est l’art qui fait le musée et c’est le musée qui fait l’art ! » nous invitant à nous interroger sur « les lieux » de l’art. C’est d’ailleurs à la même époque qu’il présentait sa boîte-valise (1943), considérée aujourd’hui comme le premier concept de musée portatif ! Il y a définitivement un rapport intime entre contenant et contenu dans l’expérience artistique. C’est cette expérience que nous vous invitons à partager en visitant les containers galeries de cette deuxième édition.

Aux contenus...


Mardi 30 Mai:

Installation des containers sur les allées Paul Riquet.

Mercredi 31 Mai:

Installation technique & régie générale

Jeudi 1er Juin:

(08h00 - 20h00) - Installation des artistes - accrochage 15h00: Conférence de Presse - Accueil des journalistes sur le parvis du théâtre visite de presse des containers en présence des artistes pendant l’accrochage.

Vendredi 2 Juin:

11h00: Ouverture au public 11h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 15h00: DUO STREET ART : Antoine ROUSSELLE + SECTO 17h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 19h00: Fermeture des containers.

Samedi 3 Juin:

11h00: Ouverture au public 11h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 11h30: Inauguration officielle / Discours du Maire 11h40: Performance d’artiste. 12h00: Vernissage de l’expositon «Petits Mousses» - Hall du Théâtre. 12h30: Apéritif inaugural ouvert à tous. 15h00: DUO STREET ART : Antoine ROUSSELLE + Chris STOUVENEL 16h30: Performance WALL DRAWING d’URSULA CARUEL avec accompagnement musical. 17h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 20h00: Fermeture des containers.

Dimanche 4 Juin:

11h00: Ouverture au public 11h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 15h00: DUO STREET ART : Antoine ROUSSELLE + Ralph PORON 17h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 19h00: Fermeture des containers.

Lundi 5 Juin:

11h00: Ouverture au public 11h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 11h00: DUO STREET ART : Antoine ROUSSELLE + SECTO 17h00: Atelier découverte-démonstration par la Maison de la Gravure Méditerranée. 17h30 : Clôture de L’art en boîte 2ème Edition

Une programmation entièrement


L’ rt en boîte 2 édition ème

Maxime LHERMET & Nicolas Garrigues, lors de l’édition 2016.

UNE DEUXIÈME ÉDITION PLACÉE SOUS LE PARRAINAGE DE MAXIME LHERMET, PEINTRE SÉTOIS, DÉJÀ PRÉSENT À BÉZIERS LORS DU FESTIVAL 2016.

Une séléction populaire ! Pop! faît la boîte en s’ouvrant : Pop comme Populaire ! Pop comme Pop Art ! Pop comme Pop Culture ! Cette 2ème édition de l’art en boîte est placée sous ce signe. Des bâches peintes de Maxime Lhermet aux collages numériques d’Antoine Rousselle, des interventions Street Art de Ralph Poron, Secto et Chris Stouvenel aux vanités évolutives d’Agnès Descamps la pop culture nous saute aux yeux. Elle est partout ! La photographie, le numérique, les techniques multiples et la récupération s’invitent joyeusement dans et sur les containers des allées Paul Riquet. L’humour aussi ! Bien sur les expressions plus intimistes et les techniques plus classiques ne sont pas oubliées ! Explorations du corps et de ses expressions, de mondes rêvés ou transposés, ou traduction du mouvement et de l’espace, elles s’offrent toutes au regard du visiteur pour, nous l’espérons, votre plus grand plaisir. La gravure contemporaine est mise à l’honneur dans cette édition, une pratique qui a su évoluer avec son temps et qui se nourrit des mêmes thèmes actuels. N’oublions pas, les artistes sont tous présents sur les lieux pendant l’art en boîte !

gratuite et accessible à tous !


25 artistes


Maxime LHERMET - Peinture sur bâche

Maxime LHERMET EXPOSITIONS PERSONNELLES

1998 :

2014 :

M’ART Galerie, MONTPELLIER, France Galerie Daniel Balesdens, MONTPELLIER, France Galerie Arnold Ashkenasy, LOS ANGELES, USA Hôtel de région, MONTPELLIER, France

2012 :

EXPOSITIONS COLLECTIVES

2009 :

2005- 2008 :

2015 :

Be Diversion - Art to be Gallery Expo Bang Bang - Galerie Sakura, paris Art Jacking - AD Galerie, Montpellier, France Exposition à la ville de Poussan, France

2008 :

ST-ART, foire européenne d’art contemporain de STRASBOURG, France ARTénim, GRENOBLE, France

2005 :

2002 :

2003-2004 :

2001 :

2002 :

2000 :

La Mals à Sochaux, France AD GALERIE BEZIERS, France AD GALERIE BEZIERS, France Galerie André Journo, PARIS, France Salon des Indépendants, PARIS, France Exposition USA : Galerie André Journo, PARIS, France

2000 :

Hôtel Movenpick, MUNSTER, Allemagne Hôtel Movenpick, HAMBOURG, Allemagne

1999 :

Semaine culturelle française, Hôtel Movenpick, LUBECK, Allemagne Maison du Languedoc Roussillon, BARCELONE, Espagne

Exposition Artamis, BAILLARGUES, France Galerie les Remparts, TOULOUSE, France Vente de Charité, Hotel Martinez, CANNES, France

1999 :

Un autre regard sur l’Egypte, avec Jean Claude Novaro, CAP D’AGDE, France

1998 :

Alors Peint 98, MONTAUBAN, France

1997 :

17 de SETE, Musée des Beaux Arts de MONS, Belgique ...

# ALLÉES PAUL RIQUET


L’ rt en boîte 2 édition ème

Maxime LHERMET - Bowie

Maxime LHERMET - Capot Stone

Invité d’honneur de cette seconde édition de « L’art en boîte » , Maxime LHERMET est né en 1974, à Sète, où il vit et travaille actuellement.

Ses premières toiles ont voyagé très tôt aux EtatsUnis, en Allemagne ou en Espagne. Maxime Lhermet fait partie d’une jeune génération d’artistes nourris de la publicité, des séries TV, du cinéma, de la bande dessinée, des différents médias…

Maxime LHERMET - Capot Batman

maxime.lhermet@wanadoo.fr

Porté par son inspiration, il n’a pas eu le temps de s’installer dans un mouvement et sa peinture non académique s’affirme aujourd’hui entre figuratif et abstrait. Un mélange subtil de plastique brûlé, d’huile et d’acrylique ou de pigments traduit le succès de ses recherches sur la matière qui le passionne depuis toujours. Il charge ainsi ses oeuvres d’une contenance et d’un relief hors du commun.

Maxime LHERMET


Chris AERFELDT - My Magic Mountain - 140x130 cm - 2016

Chris AERFELDT EXPOSITIONS COLLECTIVES: ÉDUCATION:

2014

2007

Melbourne Art Fair, This Is No Fantasy, Melbourne

2001

Volta Art Fair, Bâle, Berloni Gallery, Londres

Master of Fine Art, Chelsea College of Art & Design, Londres Bachelor of Visual Art (Hons), Adelaide Central School of Art, Adelaïde

EXPOSITIONS PERSONNELLES: 2015

La Vie en Rose, Castang Art Project, Perpignan, France

2012

2013 2011

Home Stories, Adelaide Central Gallery et The Migration Museum, Adelaïde Helen Gory Galerie à MOP Projects, Sydney

2010

Melbourne Art Fair, Helen Gory Galerie, Melbourne

2008

Chris Aerfeldt & Elinor Evans, Wyer Gallery, Londres

2007

Be Prepared, Helen Gory Galerie, Melbourne Art Fair, Melbourne Recent Graduates Exhibition, The Affordable Art Fair, Battersea 2009 Park, Londres Silver threads and golden needles (cannot mend this heart of Future Map, The University of the Arts Gallery, Londres mine) 2006 Wyer Gallery, Londres ABN AMRO 2006 Emerging Artist Award, ANZ Building Melbourne

2006

Flying Visitation, Helen Gory Galerie, Melbourne

2004

heav’n & hell, Helen Gory Galerie, Melbourne

1999

A Very Modern Girl, Art Images, Adelaïde

2003

SALA Festival Exhibition, Art Gallery of South Australia, Adelaïde, Hatched, Perth Institute of Contemporary Art, Perth Adelaide Contemporary, Eva Breuer Art Dealer, Sydney

2002

Melbourne International Art Fair avec Cube Contemporary Art Adelaïde

# ALLÉES PAUL RIQUET


L’ rt en boîte 2 édition ème

BIOGRAPHIE: Chris Aerfeldt est artiste peintre, née à Adélaïde en Australie, d’origine estonienne. Elle à obtenu des bourses pour faire ses études d’art en Australie et à Londres où elle à acquis en 2007 un Master of Fine Art au prestigieux Chelsea College of Art and Design. Ses tableaux font partie de collections permanentes renommées dans le monde de l’art, acquis par exemple, par Charles Saatchi et l’University of the Arts London. Aujourd’hui elle vit à Montpellier, et expose ses oeuvres à Londres, en Australie, et maintenant en France.

Chris AERFELDT - Même durant les week-ends - 180x160 cm

INTENTION: Nous avons notre histoire, bien que personnelle, à raconter ; on peut s’imaginer invisible, ignoré; malgré cela on vit notre voyage de héros et nos vies ont un sens et de la valeur.

Chris AERFELDT

COLLECTIONS (SÉLECTION) Charles Saatchi, Londres David Roberts, Londres University of the Arts London, Art Gallery of South Australia, Adelaïde Artbank, Australie

www.chrisaerfeldt.com hello@chrisaerfeldt.com Visite d’atelier sur rendez-vous.

Dans mes images vous faites face à des événements de tous les jours où nos drames gigantesques personnels et accablants sont transformés en images aux dimensions héroïques comme dans le genre de la peinture d’histoire. Pas vraiment ‘Homer’, mais plutôt ‘The Simpsons,’ où Marge est la vraie héroïne. Nos vies sont pleines d’événements quotidiens et répétitifs, mais on y trouve, si on cherche bien, un élément profond et révélateur. La vie est belle et mystérieuse et c’est cela que je souhaite célébrer.

Chris AERFELDT


Christian ASTOR Études de peintre en lettres et de décors de théâtre.

2000 double exposition « Guerre à la tristesse » Chapelle de la sala1977 mandre et Galerie des arènes à Nîmes. La municipalité de Nîmes cesse toutes ses activités pour se consacrer uniquement aux arts édite un catalogue « Astor, guerre à la tristesse » plastiques. 2005 1982 / 2000 « Rétrospective Astor » au Cercle d’art contemporain du Cailar intervenant formateur dans les maternelles, écoles primaires, collèges (Gard). Catalogue « Astor » édité par le C.A.C.C. et lycées, pour les instituteurs, professeurs et inspecteurs d’académie. 2007 2000 / 2007 « La platine de l’étrier » Octobre participe à l’association Artopi pour aider les artistes plasticiens en « Rides de l’eau » Novembre difficulté. « In situ » Décembre, Artopi à Alès. Livre « Rides de l’eau » éditions Artopi 1971 Film « Rides de l’eau » d’Estelle Rodier et Audrey Papin première exposition personnelle au Théâtre du Chêne noir en Avignon. 2011 Avril/Septembre « Errance colorée » est peinte à même les murs 1980 de la Galerie du bout du monde à Saint Hyppolite du fort dans le peinture murale de 12 x 25 m à Nîmes Gard. Chaque mois une exposition différente est accrochée sur les murs. Lors du vernissage de septembre le public effacera les 1991 exposition « Traces » à l’usine du plan Vacher à Nîmes. La DRAC fi- peintures et détruira les installations réalisées d’Avril à Septembre nance le film : « Astor » de Jean Louis Chevreuil et Jean Michel Ya- (volonté de Christian Astor) Film « Danse sur les murs » Estelle Rodier. goun, musique d’Adrian Burns. 1996/ 1997 double exposition « Guerre à la tristesse » Musée Pierre André Benoît à Alès et Artothèque Sud à Nîmes. Le musée P.A.B édite un catalogue « Guerre à la tristesse ».

2016 Installation des 365 peinture « d’Errance colorée » à Vergèze. Projection du film : « Errance colorée » de Jean Discours et Christian Astor

# ALLÉES PAUL RIQUET


L’ rt en boîte 2 édition ème

« La couleur, dans un de mes tableaux, est tout autant définie par sa vitesse, sa transparence, sa matité, son épaisseur, ses couches profondes, que par sa teinte qui la rapprocherait de tel paysage aimé ou de telle figure connue. La peinture ouvre mon imagination à des espaces infinis où les notions communes de haut et de bas, de proche ou de lointain, se fondent dans la courbure de l’univers.

Christian ASTOR

Le tableau me permet d’accomplir une errance colorée, un voyage qui me conduit de la pesanteur du limon à l’éclat de l’étoile. Cet espace en expansion, contenu dans la matière dont est faite la peinture, dans le bref espace de la toile, dans le geste de la main peignant, est devenu actif dans mon oeuvre dès le moment où j’ai compris que le tableau ne pouvait se contenter de figurer une fenêtre ouverte sur le monde mais qu’il était un champ, beaucoup plus large, beaucoup plus ancien, où circule l’énergie fossile du monde visible. Inlassablement, chaque jour, je cherche à faire coïncider matière et vision parce que l’expansion du monde, sa courbure,sa musique - je l’ai reconnu, cela me trouble et me stimule à la fois -, font écho à la course sans fin de l’univers, écho à mon errance colorée.» Christian Astor

christian.astor@wanadoo.fr www.christianastor.net

Christian ASTOR


Bondieuseries: « Ressuscitées d’une existence moribonde, ces représentations goûtent à la fontaine de jouvence en ré arborant un nouveau sens, souvent humoristique et satirique. Jésus, Marie et les autres, n’en déplaise à certains, sont mis en scène dans des tableaux avec des thématiques implicites liées à l’environnement, à la sexualité, à la sur-consommation… L’oeil découvre avec jubilation les modifications et détails si adroitement apportés qu’ils semblent faire partie de l’original. Avec ce travail, l’artiste défend l’humour et le revendique comme démarche à part entière. En ré-interprétant les notions de vice et de vertu, sans aucune volonté de blasphémer ou de provoquer, elle y exprime également sa colère vis à vis des dérives du profit et du pouvoir. » L’ART DANS L’AIR BOIN Laure - Saint Marc

Laure BOIN EXPOSITIONS 2016 :

«Bondieuseries» Numéro 5 galerie - Montpellier Salon Mac Paris «Curiosités» Galerie LARNOLINE Sauve, exposition collective «Trait pour trait» Galerie LARNOLINE Sauve, exposition collective «Bondieuseries» galerie LE SPOT, Nîmes, exposition personnelle «Animus» galerie LARNOLINE chez Dragon prod, Lyon, exposition personnelle

2015 :

«Animus», salon Mac Paris «Bondieuseries», galerie JJV, Rodez, exposition avec Aline K Crumb «Incipit» galerie LARNOLINE Sauve, exposition collective «Bondieuseries» galerie/librairie Le Monte en L’air, Paris, exposition personnelle

2014 :

«Animus» Festival de Tresques (Gard), exposition collective «Portraits d’inconues familières» galerie Emiliani, Dieulefit, avec le sculpteur Michel Wohlfahrt «Animus» L’art à demeure (Drôme), exposition collective

2013 :

«Animus» Salon des Hivernales Montreuil «Bondieuseries» Galerie HD Nick, Aubais, exposition collective «Animus» Biennale de Laudun l’Ardoise «Bondieuseries» galerie AtelierRufem, Marseille, avec Aline K Crumb

2012 :

«Bondieuseries», Galerie VidourlePrix, Sauve, exposition personnelle «Verdures &Bondieuseries» AIMLOFT, Paris, exposition personnelle

2011 :

«Autoportraits» galerie VidourlePrix, Sauve, exposition colletive «Inconnues familières» La Vénus Noire, Paris «Dessins & peintures» Le Logis des Arts, Uzès, exposition personnelle

FORMATION 1982

Ecole des Arts Appliqués Duperré Paris

1983 -2006

travaille comme illustratrice et graphiste pour l’édition et la pub.

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BOIN Laure - Monsainto-Abeilles

Biographie: A l’âge de 5 ans dessiner devient pour elle une nécessité et le jeu principal, c’est une bulle protectrice, un lieu où s’expriment tous les sentiments, où se régule l’équilibre de l’inconscient. Après un bac dessin et une école d’art, Laure devient illustratrice à l’âge de vingt ans dans les domaines de l’édition et de la publicité. Elle passe ensuite par la case prêt à porter en inventant un nouveau concept d’imperméable ethno-chic : Djella-bag. Elle continue sa route en lançant une ligne d’objets et T-shirts illustrés de messages de paix et de pensées positives : P.O.E.M. (Peace On Earth Messages). Un cancer mettra fin à cette aventure. Laure l’affronte et le vainc. Il y a dix ans, elle revient s’installer dans les Cévennes de son enfance et reprend alors le dessin et la peinture. Chacune de ses oeuvres est née d’une intention, d’une histoire à raconter qu’elle traduit en images.

BOIN Laure - «Gaz de Schiste»

boinlaure@gmail.com www.laureboin.org

Laure Boin fait partie de ces artistes qui cultivent une pluridisciplinarité artistique. Elle se définit elle-même comme une «touche-à-tout», et explore une vaste étendue de techniques, de supports et de médiums, déroulant un panel d’oeuvres qui composent un univers dense, riche et éclectique. On pourrait croire que son inspiration est sans limite et sa soif de créer insatiable.

Laure BOIN


Fabien BOITARD, « L’eau et le Feu » - 2015 - huile sur toile - 110 x 145 cm

Fabien BOITARD FORMATION 1998-1999

DNSEP (avec les félicitations du jury), Ecole Nationale des Beaux- Arts de Bourges

2013 « Court-Circuit », Galerie Léonardo Agosti, Sète « Voir si les saisons ne sont vraiment que quatre », Centre d’art contemporain, Bédarieux

EXPOSITIONS PERSONNELLES (sélection)

2012 Galerie Odile OMS, Céret La CIT, «I love nature Tampoco» Aniane

2016 Galerie Derouillon, Paris

2009 Galerie Odile OMS, Céret GM Galerie, Montpellier

2015 Galerie Dupré&Dupré, Béziers Galerie Odile OMS, Céret Maison de la Catalanité, Perpignan 2014 « La lumière est verte », Galerie Benjamin Derouillon, Paris « Pile et Face », festival d’art contemporain Dordogne , Sarlat

2007 GM galerie, Montpellier 2003 Galerie 4 Barbiers, Nîmes RLBQ «Clin d’oeil de Triangle France», Marseille ...

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Quelles sont les motivations d’un jeune peintre en ce début du xxIe siècle ? À peu de choses près, les mêmes qui animaient ses aînés hier ou avant hier: «Qu’est-ce que je peux voir de ma fenêtre ? Qu’est-ce que je peux dire du monde?», explique Fabien Boitard à propos de ce qui le pousse à commencer une toile...

« L’eau et le Feu » - 2015 - huile sur toile - 110 x 145 cm

Sorti de l’École des beaux-arts de Bourges avec les félicitations du jury, la question du choix du médium ne s’est jamais posée pour lui. Peindre contre vents et marées, voici un défi qui ne souffre aucune hésitation. Il sait la plasticité de la peinture sans limites et ses ressources infinies. Pour répondre à son désir impérieux de transmettre la palette complexe des émotions qu’il ressent à propos d’une situation, d’un paysage ou d’une relation, Fabien Boitard adopte un style hétérogène. Il explique: «On n’a pas le même rapport face à une maison, à un arbre ou à une personne, donc pourquoi traduire cela par la même façon de peindre ». Aussi refuse-t-il de s’attacher à un style unique. Il préfère jouer avec la matière et juxtaposer, dans une même toile, des techniques mixtes, selon qu’il veut transmettre, par exemple, un sentiment de bonheur, d’étonnement ou de colère... Il confronte ainsi des temporalités différentes et des humeurs contradictoires. Ses rapprochements formels énigmatiques, parfois grinçants, souvent intrigants, obligent à une lecture polyphonique de l’image. Il s’appuie en général sur une photographie qu’il a ou non prise lui-même. Mais il peut aussi bien peindre directement sur le motif ou encore créer une composition originale. Quoi qu’il en soit, il fait volontiers cohabiter sur la même surface un flou, des giclures, des graffitis tracés à la bombe, un dessin et même un glacis. Il explique: «Toutes les façons de poser la peinture sur la toile m’intéressent. Par la matière, l’image prend tout son sens». Il ajoute: «Plus que le sujet, c’est l’ambiance que je cherche à définir ». Et il est incontestable qu’à première vue sa peinture déroute.

« L’eau et le Feu » - 2016 - huile sur toile - 110 x 145 cm

Les cadrages, les thèmes traités, les associations visuelles, les couleurs utilisées, tout sort de l’ordinaire: «J’ai envie que ma peinture fasse réagir » explique celui dont les portraits peuvent être saignants et les vue extérieures biffées avec rage. La nature et son devenir obsèdent Fabien Boitard, qui vit dans la campagne montpelliéraine. Quelle place l’homme lui accordera-t-il demain? Comment occupera-t-elle alors son imaginaire? Comment continuer à rêver dans une société où tout devient marchandise ? Il précise « ne pas vouloir être dans la démonstration, mais rechercher une certaine tension ». Tel est, en filigrane, le fil rouge qui court d’une série à l’autre. Faire passer des idées, sans en avoir l’air. Revendiquer une ultra subjectivité et partager ses interrogations à travers des compositions puissantes et fortes, constitue, pour lui, un enjeu majeur. Elisabeth Couturier critique d’art membre de l’AICA

Fabien BOITARD


Charlie Bonallack, « LoopDivers 2 »

Charlie BONALLACK EXPOSITIONS: 2016

LOOPDIVERS – La Friche de Mimi, Montpellier, France LANG+LAUF Installation – Festival à Valleraugue des Arts dans la Rue, Valleraugue, Cevennes, France GHOSTWALKERS – La Friche de Mimi, Montpellier, France PHOSSILS chez Zoid & Co – exposition collective ‘Journées du Patrimoine’

2015

Studio 1.1 ‘Osman’s Xmas Bazaar’, Londres, UK Sluice Art Fair, Oxo Building, Londres, UK JEAN’S CABANE – La Friche de Mimi, Montpellier, France STUDIO OPENING – La Friche de Mimi, Montpellier, France

2014

Atelier ouvertes avec Karen Thomas & Christian Martel, Montpellier, France TERRACE ANNUAL 2014, Terrace Gallery, Londres, UK HORS CIRCUIT 01 – exposition collective, 4 Boulevard de la Perruque, Montpellier, France FLORIDA MEMORIES INSTALLATION – Festival à Valleraugue des Arts dans la Rue, Valleraugue, Cevennes, France

2013

2013

TERRACE ANNUAL 2013, Terrace Gallery, Londres, UK

2012

TERRACE ANNUAL 2012, Terrace Gallery, Londres, UK

2011

TERRACE ANNUAL 2011, Terrace Gallery, Londres, UK

2007

GONE SUD – BGourmand, Montpellier, France

2006

NO FOR AN ANSWER – Terrace Gallery, London Photomonth, Londres, UK ONE HOUR AHEAD – collaboration with Dave Dragon, LPA Gallery

2004

WHERE AND WHEN – 77 Gallery, Hackney, Londres, UK

2001

YR1 Channel 4 – Photographers Gallery, Londres, UK

EDUCATION:

Peintresx6, with Chris Aerfeldt, JoAnne Beck, Christian Martel, Patrice Palacio and 1988-1991 Karen Thomas, Montpellier, France BA (hons) Arts Plastiques, L’Université de Reading, UK. TAIF London 2013, The Independent Artist Fair, Mile End Art Pavilion, Londres, UK. Dirigé par les artistes Richard Wilson, Rose Finn-Kelcey and Ron Haseldon

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L’ rt en boîte 2 édition ème

Mes oeuvres découlent du croisement de deux disciplines. Nonobstant mon respect pour la technique en elle-même et la poursuite de mon travail photographique, je perçois les photographies comme des reçus visuels plats – des fossiles. [...] J’examine minutieusement et questionne la composition visuelle d’une image photographique et choisis entre les éléments visuels qui méritent d’être approfondis et ceux qui resteront suspendus dans l’oubli, de vagues traces.

Charlie BONALLACK - « LoopDivers 1 » - installation

Charlie Bonallack

www.charliebonallack.com

Pour cette exposition intitulée, « LoopDivers II », je continue d’explorer les liens entre la mémoire, l’histoire et l’univers photographique. Installation artistique utilisant l’eau, « LoopDivers II », présente une série de peintures sur plaques de porcelaine cuites, immergées et qui ressemblent à des photographies. Ces peintures sur porcelaine sont inspirées de vieilles photos trouvées au fil des années au marché aux puces de Carnon. Ces photos ayant été découvertes dans la région, on peut facilement supposer être relié à leurs contenus, d’une manière ou d’une autre – les personnes, les bâtiments, les paysages et la nature. Il s’agit là de faire le grand plongeon dans notre mémoire collective, un bassin de connaissance souvent négligé de par notre vision axée sur l’avenir. Une partie de mon travail actuel concerne l’utilisation de la porcelaine pour transformer et rendre permanentes des séries d’images photographiques par un procédé de peinture qui m’est propre - des oxydes servent de pigment et sont peints directement sur la porcelaine d’après des photographies. Ces peintures sur porcelaine sont cuites au four, imprégnant ainsi et de façon permanente l’image. Une mémoire impérissable qui ne saurait jaunir ni faner comme le peut une photographie imprimée. CB 2017

Charlie BONALLACK


BIOGRAPHIE: Laurence Briat est artiste plasticienne. Née à Valence en 1951, elle vit et travaille près de Montpellier. Elle anime des ateliers d’arts plastiques depuis une quinzaine d’années. Elle a suivi une formation initiale à l’Ecole des Beaux arts de Marseille. Tout d’abord peintre, elle a ensuite appris les techniques de la gravure auprès d’artistes graveurs et a suivi de nombreux stages en France et en Italie. Son champ d’activité artistique s’est plus récemment étendu à la photographie, au photomontage numérique et à la photogravure. Une des particularités de son travail actuel est de faire interagir ces différents médiums dans des oeuvres où la présence humaine dans l’espace et le temps constituent le fil conducteur. Laurence BRIAT

Laurence BRIAT EXPOSITIONS PERSONNELLES 2015 “J’attends - Quoi?- L’inattendu.” MPT Boris Vian, Montpellier

2004 Galerie les Halles, Castries Collégiale de Bollène

2013 “Hasards et intentions” Chapelle de Baillarguet, Montferrier “Peintures”, Centre Culturel F. Arnaud, St Clément de Rivière

2003 Hôtel des Consuls, Uzès Musée des Matelles

2011 “Réminiscences”, Maison de la Gravure Méditerranée, Castelnau le Lez

EXPOSITIONS COLLECTIVES RECENTES

2010 Centre d’Art Contemporain, Briançon

2017 “narration(s) ”,chapitre1, N°5 Galerie, Montpellier “narration(s) ”,chapitre2, Le lieu multiple, Montpellier “narration(s) ”,chapitre3, L’ATELIER, Sète

2008 Maison des Arts, Bages Espace Culturel, Hôtel Lacoste, Pézenas 2007 Galerie Anne Cros, Pézenas Jardin Médiéval, Uzés 2006 Galerie Henri Willem, Bargemon 2005 Galerie Saint Ravy, Montpellier Espace Ripert, Bollène

2016 “Points de vue” MPT Mélina Mercouri Montpellier Graveurs du Sud, Galerie de la Salamandre, Nîmes Parcours d’ateliers d’artistes Les BRISCARTS, Montpellier 2015 “ Vanités”, N°5 Galerie, Montpellier “ Figure humaine”,le 75 Espace d’Art, St Vincent de Barbeyrargues 10e Salon Artpage, Octon 3e Salon ART&papiers, Vézénobres ...

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Le propos de Laurence Briat est centré sur la présence humaine, sa fragilité. Le temps, la disparition, la mémoire, l’incertitude, sont au coeur de ses préoccupations. Le corps est le support de son imaginaire. Ses oeuvres sont habitées de présences fragiles, dissimulées, d’absences perçues. Fidèle à sa démarche intuitive, Laurence Briat poursuit simultanément la pratique de la peinture, de la gravure, du monotype, du collage, de la photographie… Dans son travail, ces différents médiums agissent comme des vases communiquants et se nourrissent les uns des autres. Elle se consacre à chacun par période et les associe souvent avec une grande liberté.

Laurence BRIAT

L.B accorde une grande place à l’expérimentation. Elle conçoit la pratique artistique avec un état d’esprit d’ouverture devant ce qui vient, advient, s’invente au fur et à mesure. Son protocole de travail intègre le hasard. “Dans le désordre de l’atelier je laisse venir les images à ma rencontre. ” LB dit saisir son inspiration n’importe où. Ses sources sont multiples. Elle a le goût du fragment, de l’écart, du détournement. Son écriture plastique est marquée par des recadrages rigoureux, des coupures, des interruptions, des manques. Formes inachevées, silhouettes dépouillées, schématisées, répondent à un désir de simplification qui vise à exprimer le plus par le moins. La dissimulation d’ une partie du sujet se fait aussi représentation de l’absence, du manque, de la fragilité de la mémoire.

Laurence BRIAT

“Je cherche à faire se rencontrer des éléments disparates, à faire exister des tensions, des contradictions ouvertes que chacun peut lire à sa façon. ” Avec une grande variété formelle, LB construit un univers absolument personnel, fidèle à luimême, sans lassitude ni répétition.

laurbriat@free.fr www.laurencebriat.com

Laurence BRIAT


WALL DRAWING Wall Drawing - Ursula Caruel - 2016 - © Photo Philippe Lagarde

Ursula Caruel se déplace dans le monde comme une grande fille mal élevée. Elle dessine sur les murs notamment, ce qu’on lui pardonne aujourd’hui lorsque cette paroi qui fut blanche, de bois, ou de pierre soudain se transforme en arc d’énergie. Elle trace ainsi dans les maisons de longues ondulations noires, implante de vastes cercles vivants, d’étranges auréoles de plumes et d’éclat. Elle vous écoutera beaucoup, avec délicatesse, laissant les silences de la pièce expliquer ce reste que vous ne traduirez jamais. Je dirais volontiers qu’elle écoute aussi aux portes, mais ce serait bien faiblement décrire ce qui d’abord la traverse et la soulève, attentive, l’oeil soudain fixe, déviée ailleurs, en arrêt devant l’inouï....

Ursula Caruel se déplace dans le monde comme une grande fille mal élevée. Elle dessine sur les murs...

Ursula CARUEL Née en 1976 et originaire de la grande forêt des Ardennes, Ursula Caruel vit à Montolieu (le village du livre de l’Aude) depuis 8 ans. Son trait au noir se décline de multiples façons : dessins, gravures, wall drawing, installations, performances. Son travail, nourri de son parcours dans l’édition et l’art textile, propose un accès direct à l’émotion présente. Le végétal est un fil rouge dans ses créations. Elle développe aussi son travail d’illustrations. Ses partenaires sont multiples : Musée Soulages de Rodez, Chocolatree, le CAUE de l’Aude, Musée du Canal du Midi.... Son expérience et son amour de la poésie la conduisent actuellement à imaginer des livres d’artistes pour la collection des livres pauvres de Daniel Leuwers Wall Drawing - Ursula Caruel - 2016 © Photo Philippe Lagarde

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Alors elle s’absente, vous ne l’atteindrez plus, elle se colle à la paroi, elle échappe. Vous observez seulement cette main traçante qui se déplace doucement sur les surfaces, dans le profil égyptien du corps, pendant que la main caressante appuie à peine sur le point d’équilibre. Elle évolue silencieuse dans l’espace même du dessin en train de naître. Au cours de cette genèse tellurique, elle n’a rien à envier aux diamants des lecteurs de vinyles : elle reçoit, éperdument, douloureusement parfois, et la capture précède de peu la gravure musicale, inexorable, continue, développement d’une matrice graphique dont les pulsations retentissent dans la pièce, pour peu que vous soyez attentifs à ce qui relève du coeur. Ce que l’imperceptible perçu dicte à ce corps de danseuse lente, c’est l’impératif de l’empreinte adressés aux vivants.

Wall Drawing - Ursula Caruel - 2016 - © Photo Philippe Lagarde

Devant les pointillés cellulaires, les montagnes de signaux, devant ces paysages abstraits qui sortent animés d’une vie propre du plan, le vertige n’est qu’introduction à une autre forme de pensée et d’existence. L’écriture de cette partition, qui se poursuit sur des surfaces moins interdites et dans des alphabets moins sismiques, doit beaucoup à la porosité volontaire des frontières sensorielles : cet abandon de soi à la perception globale qui demande un courage sans nom.[...] On s’est peut-être trompé de sujet à vrai dire, parce que tout autour, dans son atelier, si l’on détache un instant l’attention de ce travail hypnotique et des micro-bruits qu’il produit, on réalise qu’on assiste à un acte séparé, parfaitement incompatible avec la vie ordinaire. Je suis chez une dessinatrice, un graveur, une performeuse, peut-être, un peintre bientôt, mais ce que les mondes accrochés autour de moi disent, c’est un mystère actif d’hybridation et de fusion : les lettres et les images aspirent à se confondre, Ursula Caruel écrit. Luc VIGIER (extraits)

Samedi 3 Juin, 16h30, Allées PAUL RIQUET

Wall Drawing - Ursula Caruel - 2016 © Photo Philippe Lagarde

caruel.ursula@gmail.com www.ursulacaruel.com

Ursula CARUEL réalisera un Wall Drawing en direct sur une paroi intérieure de son container galerie. Cette performance fera l’objet d’un accompagnement musical.

Ursula CARUEL


BIOGRAPHIE: Née en 1962 à Courtrai en Belgique. En 1994, je suis venue m’installer en France dans le Gard. Entre les années 1970 et les années 1991 je fréquente ateliers et écoles de beaux arts, en Belgique, en Espagne (Madrid), aux Pays-Bas et à Chypre. Pas uniquement pour pratiquer les Arts Plastiques -à l’instar de la sculpture- mais aussi pour approcher la danse et le théâtre. Je travaille en parallèle le dessin, la gravure et la peinture figurative.

DERYCKERE Rika - I’m a stranger here myself.

Paysages urbains. Linogravures 40 x 60 cm (dimensions de la plaque) Orange et Gris de Payne encre Charbonnel sur papier de 300gr Hahnemülhe

Mes oeuvres attestent d’une forte expressivité corporelle et émotive.

Rika DERYCKERE L’art peut permettre d’imaginer un monde diffèrent. L’art est connecté aux changements et aux transformations sociales, il me permet de porter un regard spécifique sur ma conception du monde et influe sur mes relations envers les autres. Je travaille intuitivement. Mes expériences pour manier différentes matériaux, techniques et sujets sont toujours stimulantes, illimitées et fascinantes. Le plus remarquable, dans notre histoire et notre identité, est de constater que nous avons gardé une croyance fondamentale dans la dignité face au déroulement de l’histoire. Le monde change très rapidement et une partie de ce mouvement est irréversible. Nous en sommes tous affectés.

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DERYCKERE Rika - Fusain

La mémoire est dans le corps. «Il danse et voilà tout !» vous dit l’artiste. L’union se réalise dans l’action, à travers l’acte de dessiner ou de peindre. Lorsque l’artiste n’a plus besoin de penser à l’oeuvre qu’il exécute, il devient centré sur son action. Il n’anticipe pas le prochain mouvement et ne s’attarde pas sur ce qu’il vient de faire. Il est spontanément dans la création. Elle devient sa conscience. C’est elle qui, dorénavant, le guide vers une valeur artistique. À ce momentlà, l’unité du corps, de l’action et des intentions est complète. Plus le créateur est expérimenté, plus il devient apte à accomplir cette unification. Cette recherche donne forme aux sujets qui me sont chers. Passant des corps flamboyants aux désastres de la décrépitude, nous sommes là dans notre sauvagerie originelle, nous engendrons le monde, nous le dévorons, et rendons les armes. Ailleurs, nos compagnons, comme séparés de nous à jamais. Débarrassés de leurs oripeaux, ils apparaissent tels que nous les connaissons et tels qu’ils s’ignorent, totalement démunis et si proches, si semblables à nous. Je montre tout, avec impatience mais aussi avec beaucoup de compassion.

Rika Deryckere

L’art peut permettre d’imaginer un monde différent. L’art est connecté aux changements et aux transformations sociales, il me permet de porter un regard spécifique sur ma conception du monde et influe sur mes relations envers les autres. Je travaille intuitivement. Mes expériences pour manier différentes matériaux, techniques et sujets sont toujours stimulantes, illimitées et fascinantes. Le plus remarquable, dans notre histoire et notre identité, est de constater que nous avons gardé une croyance fondamentale dans la dignité face au déroulement de l’histoire. Le monde change très rapidement et une partie de ce mouvement est irréversible. Nous en sommes tous affectés. R.D

www.rikaDeryckere.com rika_deryckere@hotmail.com

Rika DERYCKERE


Jimi - © Agnès Descamps 2016 sculpture évolutive 49 x 45 x 19 cm visualisation du processus de transformation, temps réel environ 10 mn L’Origine - © Agnès Descamps 2016 sculpture évolutive 52,5 x 52,5 x 45 cm visualisation du processus de transformation, temps réel environ 10 mn

Agnès DESCAMPS Beaux-arts de Mulhouse, diplôme avec les félicitations du jury.

GALERIES: Galerie Chifflet Nice - 1990 / Cheloudiakoff Belfort / Bear Galerie Uzès en permanence / Galerie Bourbon Saint Paul - 2011 / Galerie de la Perle Noire Agde / Galerie Berthéas les Tournesols Vichy - 2016 / Galerie Audet Colmar en permanence.

COMMANDES de «Marianne»: Villes d’Agde, Audincourt, Vergèze, Bourogne, Essert.

DESIGN: INSTALLATIONS: Les forts de l’art - Giromagny - 2001 / CAPM Montbéliard / Ville d’Altkirch - 2004 / Badenweiller (Allemagne) - 2007 / Château d’Oricourt 2010 / Sentier d’art de Belvoir - 2012 / Citadelle Belfort - 2015 / Foires d’art contemporain: ST’ART Strasbourg- 2006 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 / Art3F Mulhouse - 2012 2013 2016 / ART UP Rouen 2016./ Résidence Art Lab City organisée par Intersites ATP Pézenas

Création d’objets d’art de la table pour Guy Degrenne / Peugeot PSP / Deshoulières / Lagostina / Chambly / Hampton Forge - USA / Création de bijoux pour Daum / Cristallerie La Rochère/ Doucet Paris.

TROPHEES: PRINCIPALES ACQUISITIONS: Préfecture, Trésorerie Générale et DDE du Territoire de Belfort / Préfecture du Haut-Rhin / Champagne Taittinger / Villes de Rougegoutte, Besançon, Ronchamp, Belfort / Seita Paris / Cirque Arlette Gruss / Parc Naturel Régional des Ballons des Vosges.

Française des Jeux / Parfums Givenchy / PMU / Championnat du monde d’échecs des jeunes / Ministère du Tourisme / La Nuit des Etoiles / Société des autoroutes Paris Rhin Rhône...

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Il y a beaucoup de portraits de Marilyn mais très peu en volume. Le mien est très personnel. J’ai voulu qu’il laisse apparaître ce double face de paillettes et de drames qu’a été sa vie. L’idée de créer une Marilyn-vanité d’après ce bas relief, en me servant de ma technique «évolutive» est vite devenue une évidence...

Marilyn-vanité - © Agnès Descamps 2016 sculpture évolutive 58 x 54 x 20 cm visualisation du processus de transformation, temps réel environ 10 mn

SCULPTURES EVOLUTIVES Un procédé unique, une révolution dans la perception d’une oeuvre en volume.

Agnès DESCAMPS

Au milieu du foisonnement de la création contemporaine, Agnès Descamps ouvre une voie inédite. Il est assez rare de découvrir une oeuvre qui fait date, une oeuvre totem, un cairn qui va baliser une nouvelle itinérance sensible. Agnès Descamps l’a fait. Marilyn-vanité fait référence. Seule, dans le monde de l’art, à maîtriser cette technique totalement innovante, Agnès projette ses sculptures dans l’espace temporel. Elles vivent, se transforment, vieillissent, meurent ou renaissent sans qu’aucun artifice ne vienne brouiller l’expérience sensorielle, émotionnelle, du visiteur. C’est unique, jamais encore éprouvé.

agnesdescamps@wanadoo.fr www.agnesdescamps.com contact presse : philippekern.info@gmail.com

Agnès DESCAMPS


Abdelghafour ESSAFI BIOGRAPHIE: Né en 1967 au Maroc, Abdelghafour Essafi est arrivé en France en 1985 pour des études universitaires d’arts plastiques à l’issue desquelles il a obtenu une Licence et une Maîtrise. Il a exposé individuellement et collectivement en France et au Maroc et a participé à la grande exposition collective de Casablanca: «Cent ans/ 100 artistes» organisée par la Société Générale. Peintre de formation, il s’est intéressé aux autres domaines de création ; la sculpture, l’installation et depuis peu, à la photographie. Abdelghafour Essafi vit et travaille actuellement à Marseille comme artiste et professeur dans l’enseignement secondaire.

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MATÉRIALITÉ ET REPRÉSENTATION

Abdelghafour ESSAFI - « Encyclopédie » - 2014 - sculpture

Abdelghafour ESSAFI

Dans mon travail, il est question de matérialité et de représentation investies comme réinterprétation du monde. Objet, image, matériaux se combinent pour créer un ensemble signifiant. La couleur noire est récurrente dans ma démarche fonctionnant comme marqueur visuel permettant la focalisation du regard sur l’oeuvre. La décontextualisation, les glissements, les décalages entre les éléments sont les principaux leviers plastiques dans mon travail qui permettent de proposer à travers les oeuvres un regard autre sur le réel.

Abdelghafour ESSAFI


Mylène FRITCHI-ROUX. « Mues » - Papier huilé moulé et coton perlé (Avec cadre) 30 x 24 x 7 cm

Mylène FRITCHI-ROUX Diplômée en Arts Plastiques - Université Aix-Marseille . Vit et travaille près de Béziers.

TECHNIQUES: La pratique du dessin à l’encre et de la sculpture explore les notions de vivant et de mutation.

AXES DE TRAVAIL: Le corps est au centre de ce travail. Il est envisagé à travers le filtre de pseudosciences ancestrales telles la métoposcopie, la physiognomonie ou la théorie des signatures faisant de l’organisme et de son enveloppe les intercesseurs entre un monde intérieur et l’univers. Microcosme fascinant, le corps, avec ses traits et caractéristiques physiques, serait la manifestation extérieure de la nature profonde de l’homme et de son destin. Considéré d’autre part en tant que reflet de l’univers, il présente des analogies avec l’animal, le végétal et le minéral engendrant ainsi l’idée de mutations et de passage d’un règne à l’autre. Est alors suggéré un monde alternatif fantastique et troublant où évoluent des formes hybrides et aléatoires.

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MUES

Mylène FRITCHI-ROUX. « Mues » - Photo © J.P Planchon.

Mylène FRITCHI-ROUX - 2016 Installation – coton perlé, laine et volumes en papier huilé. H 230 x L 100 x l 100

Phénomène animal, la mue, associée au visage et aux émotions, devient le résidu d’un être mutant. Résidu, attribut, voire prothèse d’expression, quand la chirurgie esthétique et le leurre médiatique tendent à uniformiser les traits et à éviter les déformations dues aux émotions et au temps. Mylène FRITCHI-ROUX. « Mues » Photo © J.P Planchon.

Les graphismes brodés évoquent dans un cas la promesse d’un temps oublié grâce aux dessins préparatoires à une chirurgie. Dans l’autre, ils reprennent les lignes du front et les grains de beauté nécessaires à la lecture d’un destin irrémédiablement marqué sur la face selon la science divinatoire appelée métoposcopie.

Mylène FRITCHI-ROUX


Kalie GRANIER - 5ème Saison - Acrylique fine sur bois tourné- Ø 100cm

Kalie GRANIER PARCOURS: Née à Toulouse en 1984 Vit et travaille à Paris et San Francisco Diplômée de l’ESAG Penninghen, Paris

EXPOSITIONS: 2017 - Vente aux enchères par Pierre Cornette de Saint Cyr 2016 - Cheloudiakoff Gallery. 90000 Belfort

2013 - Art Élysées . Paris - OFF ART FAIR - Brussels - site Tour and Taxi - Salon du dessin contemporain . 75005 Paris - Galerie Linz. 75004 Paris - Alliance française du Maroc 2012 - Révolution du jasmin, Paris - Vente aux enchères par Pierre Cornette de Saint Cyr - Galerie Bresson, Béziers

2015 - La Mouche Gallery avec Robert Schad & Anne Delfieu

2008-2011 - Care. H3 Gallery. Paris - Galerie L’art de rien. 75018 Paris - Painting & Poetry Collection. 75011 Paris

2014 - Art Élysées. FIAC 2014 LE «OFF». Paris - Exposition personelle. Galerie Linz . Paris - Résidence. Song-zhuang, Beijing. Chine. - Galerie Dock Sud

Voyages à travers le monde : Brésil, Pérou, Cap Vert, Chine, Philippines, Indonésie, Colombie, Jordanie, Egypte, Togo...

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Kalie GRANIER - Hiver - Acrylique fine sur bois - Ø 100cm

Une oeuvre de Kalie est un champ visuel où se superposent plusieurs réalités.

Kalie GRANIER - Printemps - Acrylique fine sur bois - Ø 100cm

L’oeil s’ y promène. Être proche, se reculer de quelques pas en change la focale. Le regard est sans cesse soumis à des perturbations. Un plan apparaît un autre disparaît, du flou au net sans que nous puissions toujours choisir, acceptant qu’une part de l’oeuvre se dérobe immanquablement, ne jamais rien pouvoir saisir dans son ensemble, expérience du manque toujours présent. Fil rouge d’une expérience vécue, chemin inhérent de notre propre condition au monde ? Cette sensation visuelle, autour du thème des 4 saisons plus une est décomposée en trois parties. Un mobile, 5 tondi et les esquisses préparatoires. Le tondo issu du camée romain, se pose à la renaissance au plafond pour glorifier telle ou telle personnalité pour glisser ensuite sur les murs. Il s’offrait aussi aux femmes accouchées sous forme de plateaux peint.

Kalie GRANIER

Ce qui est en haut est comme ce qui est en bas, pas de gravité mais un point central, axe autour duquel tourne le motif. le corps largement présent dans les oeuvres précédentes laisse place à la nature, à ses rythmes. Confrontations d’impressions, de voyages en asie, en ses appartements intérieurs. La déstabilisation visuelle s’en trouve renforcée accordée aux lignes d’un réseau à la géométrie cristalline et aux pointillismes de la couleur posée. Ce vertige où le regard bascule nous amène à nous dessaisir de nos propres rythmes pour accéder à la cinquième saison. Jean-Yves Mesguich

kalie.granier@gmail.com www.kaliegranier.com/ www.lamouche-art.com

Kalie GRANIER


Xavier JAMBON - « A pas de velours »

Xavier JAMBON BIOGRAPHIE: Né en 1970, à Bègles , dans la région bordelaise, Xavier Jambon est un artiste peintre qui vit et travaille à Bordeaux. Il prend conscience de son attrait pour la peinture à l’âge de 12 ans, en feuilletant chez ses parents un livre d’Antoine Watteau, célèbre peintre de la fin du XVIIème siècle. Après de brillantes études à l’Université de BWordeaux en Arts Plastiques, il se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Bordeaux, qu’il décrit comme étant un « lieu magique ». Grâce à cet enseignement académique, nourrit par des professeurs passionnés et des peintres qualifiés, il a pu se nourrir de peinture, de sculpture et de gravure. il décide de consacrer sa vie au service des écoles des beaux-arts en enseignant les formes artistiques des grands maîtres de la peinture, tels que Michel Ange, Balthus, Edward Hopper et bien d’autres.

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Xavier JAMBON - « Nomades »

Xavier Jambon démarre par un croquis intuitif sur un carnet à dessin, ou bien avec un modèle qui vient poser pour lui. Une fois les traits grossiers mis sur papier, il commence à créer en aplat le fond et à retranscrire l’esquisse sur la toile.

Xavier JAMBON

En règle générale je travaille sur trois plans en aplat, sur lesquels je superpose les personnages qui vont faire bouger ma peinture.

La composition se fait à l’instinct, guidée par les touches de peinture acrylique diluée, qui va volontairement flouter les détails. Ainsi les personnages sont présents mais pas envahissants.

jambonxavier@yahoo.fr

Xavier JAMBON


Sophie LICATA-CARUSO - 2014 - « A l’heure au rendez-vous » - 90cmx180cm

Sophie LICATA-CARUSO BIOGRAPHIE: Native de la ville de Marseille et professeur certifié en Arts-Plastiques, elle vit et travaille à Lyon. Sotie diplômée de l’ Ecole Supérieure des Beaux-arts de Marseille en l’an 2000 et après une Brève interruption dans sa production artistique , c’est en 2013 qu’elle est sélectionnée parmi plus d’une centaine d’artistes pour participer au Parcours d’Art contemporain de Carcassonne. Elle expose ensuite au Chai centre culturel dans L’Aude dont l’espace peut accueillir ses toiles aux grands formats. Elle entre à la Galerie Polysémie sur Marseille en 2014 pour une exposition collective. Expose ses toiles au Hang’ Art à Marseille en 2015 dans le cadre du FESTIFEMMES à Marseille, Capitale Européenne de la culture en 2013.

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Je cherche à échafauder des histoires à suspense . Il y a une volonté de rébus du «coq à l’âne policier» dont les scènes sont suggérées. La suggestion selon moi intrigue davantage, elle est porteuse de plus d’émotions. Sans doute une influence des films d’Alfred Hitchcock qui ont marqué mon enfance.

Sophie LICATA-CARUSO

sophiemma@gmail.com www.licata-caruso-sophie.com

Sophie LICATA-CARUSO - « Acte 2-Scene 2. » - Installation 2013- 120x100x190cm

Sur ses dessins elle travaille des techniques mixtes associant pastels à l’huile, fusains, encres, craies noires, vernis… Cette hétérogénéité des matériaux utilisées est parallèle à celle de ses volumes : du bois, du bêton, du tissus, du fils de fer, cordes, objets de récupération etc.… Au mur ses dessins planifient quelques étranges scènes qui font échos à ses installations.

Sophie LICATA-CARUSO


L’association maison de la gravure méditerranée est née de l’atelier de gravure de l’association «union des arts plastiques méditerranée». L’Union des Arts Plastiques Méditerranée est une association issue d’un mouvement national créé à la fin de la guerre pour défendre les intérêts matériels et moraux de la création artistique et la libre expression des artistes, l’Union des Arts Plastiques Méditerranée s’est installée en 1977 en Avignon. Picasso, Léger, Marquet, Gromaire furent les premiers présidents d’honneur. Dans les années 80, elle déménage à Montpellier. Aux buts de l’association s’ajoutent les valeurs de l’éducation populaire et la volonté de rendre la pratique artistique accessible aux gens qui, pour des raisons économiques ou sociales, en sont exclus. Les principaux animateurs sont Marie Banégas, Jacques Bringuier, Nicole Andreu-Manciet, Walter Barrientos, Danièle Sanchez, Pierre Neyrand et Vincent Dezeuze.

M.G.M L’Atelier

Mustapha BELKOUCH, Sans titre Collagravure 105x75 cm

Maison de la Gravure Méditerranée L’atelier est un lieu de travail, d’exposition, de rencontre et d’échange entre différents publics (l’artiste professionnel en résidence, les amateurs d’art, les enfants, les écoles...) - Un outil de travail pour les artistes. - Un espace d’information sur l’estampe et le livre d’artiste. - Un lieu de découverte de l’estampe ouvert à tous les publics. - Une résidence de travail pour les artistes sélectionnés. - Une aide à l’édition de multiples. - Un lieu d’exposition et de pratique artistique pour tous. - Une fédération des acteurs de l’estampe.

DEMONSTRATION

TOUS LES JOURS à 11h et à 17h

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Institution de référence dans la découverte des usages et des pratiques artistiques de l’estampe, la maison de la gravure méditerranée développe des projets d’actions culturelles, artistiques et éducatives en lien avec les technologies de l’imprimerie.

La maison de la gravure méditerranée participe également à de multiples initiatives et expériences innovantes, elle défend l’estampe en tant que médium de création à part entière. Ses activités sont organisées autour des résidences d’artistes et des expositions. L’édition de multiples permet de garder la trace de chaque artiste en résidence.

En tant qu’actrice de la vie culturelle régionale, la maison de la gravure méditerranée s’inscrit dans le réseau national des centres dédiés à la gravure et à l’image imprimée, elle favorise les échanges entre artistes régionaux, européens et internationaux (France, Espagne, Maroc, Lituanie, Canada, Mexique, Pérou, Allemagne...)

105 chemin des Mendrous 34170 CASTELNAU LE LEZ 09 80 96 05 51 info@maisondelagravure.eu www.maisondelagravure.eu

Ariane FRUIT. Projet « La Meute » réalisation de grands tirages en linogravure sur papier Fabriano 95x170 cm

Maison de la Gravure Méditerranée


Antoine Rousselle Arte, sangre, pasion y dios Photomontage numérique imprimé sur toile - 80 x 120 cm

Antoine ROUSSELLE EXPOSITIONS (Sélection) 2016 « One shot », Galerie Sophie Julien, Béziers – France « Art tour international – Top 60 masters of contemporary art », Château Saint-Martin de la Garrigue, Montagnac – France 2015 « Retrospectives », Villa Medicis, Béziers – France « D’eau & debout », Thermes Athena, Balaruc-les-bains – France 2013 « Couleurs », Galerie Yatta , Béziers – France 2012 « Mangattack », Galerie Yatta , Béziers – France « San titre 02 », Galerie Yatta , Béziers – France 2011 « Sans Titre», Ateliers du 1 bis , Béziers – France « La Féria s’affiche », Médiathèque Andrée Malraux, Béziers – France « Au-delà de l’icône », Galerie Yatta, Béziers – France 2010 « Printemps des artistes », Cessenon-sur-Orb – France 2009 « Parade 69 », Galerie Dock Sud , Sète – France « Tia ora tuakana », Espace d’art mobile, Sète – France « Antoine,Around the World », l’Orangerie, Castelnau de Guers – France « The graph side of life », AFK international, Berlin – Allemagne

2008 « On Stage », Hôtel des Arts, Sète – France « The graph side of life », Notar Bunhmann, Brandenburg A.D.H – Allemagne « Antoine, Around the World », Grand Hôtel, Sète – France 2007 Lieu Noir, Sète – France « The graph side of life », Open Space galerie, Sète – France Exposition collective, International Art Fair, Stockholm – Suède 2006 Espace Nogaret, Montpellier – France Devgraph show room, Sète – France L’étang d’Art, Bages – France Ecole des Beaux Arts, Montpellier – France 2005 Exposition collective, Musée Paul Valery, Sète – France Galerie Peschot, Sète – France Salon International d’Art Plastique, Perpignan – France 2004 «Sound for Understanding», Musée d’art Contemporain, Barcelone – Espagne Cine Garage, Sète – France 2002 Exposition collective, Musée d’art Contemporain, Palais de Tokyo, Paris – France

# ALLÉES PAUL RIQUET


L’ rt en boîte 2 édition ème

UN CRI NUMÉRIQUE Antoine-Emmanuel ROUSSELLE-LAURENT est un vrai citoyen du monde, il est de ceux qui le parcourent autant qu’ils le peuvent. Antoine est un artiste aux multiples facettes, aux nombreuses routes ; vidéaste, photographe, peintre, sculpteur, performeur mais surtout créateur numérique...

Antoine ROUSSELLE. The Graph side of life # 07 Photomontage numérique imprimé sur toile - 110 x 75 cm

Enfant de la génération X, il décide de faire de son art un métier au milieu des années 90, se nourrissant des maîtres classiques, s’abreuvant de Pop Art, baigné dans les émergentes cultures Street & Électronique. Son travail artistique et son exigence s’harmonisent entre une technique maîtrisée, un développement conceptuel humaniste et une esthétique riche et sophistiquée. Cette recherche de perfection, d’équilibre par cette trinité, n’aura de cesse de le guider. Dès le changement de siècle, la technique étant enfin au point, Antoine précurseur, crée une première série d’estampes numériques qu’il retouche manuellement pour en faire des oeuvres hybrides mi tableau, mi photo. Cette série grand format et celles qui suivront rencontreront un grand succès qui pousse Antoine à interpréter encore et encore ces portraits chargés, riches de détails et aux discours humanistes. L’art d’Antoine est inclassable ; Il paraît très Pop au premier abord, mais il est baigné de symbolisme, toute la narration y est méticuleusement structurée. Puis en s’affranchissant du message il vous entraîne dans une abstraction de formes et de couleurs hypnotiques. Antoine se balade les yeux grands ouverts dans notre monde d’hyper communication, bombardé d’images, fouetté d’informations, il y construit des ponts vers des réflexions, ouvre des fenêtres quand les portes sont fermées, invite le spectateur à pénétrer dans l’univers de ses personnages dont il revient plus riche, plus lumineux ... Frederic Hoarau - poète humaniste

Antoine ROUSSELLE

STREET ART

Vendredi2,Samedi3etDimanche4à15h Lundi 5 à 11h, sur les Allées Paul Riquet

A. ROUSSELLE interviendra en direct sur les containers en compagnie de Ralph PORON, SECTO et Chris STOUVENEL contact@antoine-sur-le-web.info www.antoine-sur-le-web.info

Antoine ROUSSELLE


TIEN WEN - Monumental 2014 résine et terre + oxydes 95 x 95 x 95 cm

TIEN WEN - Vase Clos - 2013 Céramique Raku, enfumage

TIEN WEN 1985 - Diplômée de l’Université nationale des Arts de Taïwan, 2007 « Puro Arte 07 » - FIAC - Vigo, Espagne. Taipei. Etudes supérieures d’Art et de Design, NTUA, Taïwan Solo Show - Galerie Jung – Séoul, Corée du Sud

EXPOSITIONS ( Sélection ) 2017 « Accords Majeurs » - Paris, France 2016 « Avec ou sans préméditation » - Paris, France. Résidence au Shigaraki Ceramic Cultural Park, Shiga - Japon. 2014 « French Art Tour » - AAF - Shanghaï, Chine. 2013 Salon « Révélations » - Grand Palais, Paris, France. Collection Piet Moget - Lieu d’Art Contemporain (L.A.C), Sigean, France 2011 Art’nim 11 - Galerie Cinequanon (London-UK), Nîmes, France. St’Art 11’ - Galerie Geneviève Mathieu – Strasbourg, France. 2009 « Hors Série » - Galerie Ephémère, AAF , Paris. Salon d’Art contemporain, L’isle sur Sorgue, France. Arténim’09 - Galerie Laik (Koblenz, DE), Nîmes, France. 2008 « Espace Création AAF » - Maison et Objets - Paris, France. « The furniture and the Contempory object » - Salon de l’Odéon - Paris, France. 1ère biennale internationale de la céramique d’art contemporain - S.E.L. Sèvres. ‘’Les artistes au Jardin’’ Chez Pol Chambost - Périgord, France.

« invitation au voyage » , Galerie Embargo, Paris 2006 Carrousel du Louvre, AAF, Paris, France. ...

GALERIES:

exposition annuelle >2013 : Galerie Caroline Tresca - Paris, France exposition annuelle >2006 : Galerie Laïk - Koblenz, Allemagne dépôt permanent >2004 : Galerie «Z» - Aigues Mortes, France

COLLECTIONS PUBLIQUES: 2011 Lieu d’Art Contemporain (L.A.C) - Collection Piet Moget, Sigean, France 2009 Centre culturel de Tursan, Cité de la Faïence, Samadet, France 2003 Ville de Montpellier, France

COLLECTIONS PRIVEES: 2013 Louis Vuitton, Architecture Department, Japan zone. 2007 Galeria « arte in galeria », Lisbonne, Portugal Collections privées (sculpture céramique) en: France, Monaco, Suisse, Allemagne, Luxembourg, Pays Bas, Belgique, Angleterre, Espagne, Portugal, Liban, Etats-Unis, Japon, Corée, Taïwan, Chine.

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L’ rt en boîte 2 édition ème

Tien Wen naît et grandit à Taïwan. Elle évolue dans une société taïwanaise bouleversée, en recherche d’identité, profondément marquée par la triple présence chinoise, japonaise et occidentale. Diplômée de l’Académie Nationale des Beaux-Arts de Taiwan, elle participe comme comédienne à plusieurs créations théâtrales, réalise de nombreux reportages photographiques et fréquente les milieux de la danse contemporaine et du cinéma. Dès 1987, elle cherche une voie d’expression artistique qui lui convienne et profite de l’assouplissement du régime nationaliste pour voyager. Elle choisit la France « comme un pays de référence culturelle et artistique » et étudie le français à l’université Paul Valéry de Montpellier.

TIEN WEN - Vase Clos - 2016 - Céramique Raku & enfumage

En 1990, Elle découvre le travail de la terre comme pratique artistique totale. A la suite d’un stage de construction de fours et cuisson au bois avec Loul Combres, céramiste et spécialiste des cuissons monumentales, elle s’aménage un atelier dans une ancienne roseraie, à Maurin, au sud de Montpellier et y développe depuis ses propres formes. L’histoire de Tien Wen est celle d’une femme passionnée par les formes et la matière, douée par instinct. Elle se laisse guider dans son travail de création par un sens qui lui est propre et sans préméditation. Elle crée à l’intuition suivant les lignes qui se dessinent devant ses yeux et lui offrent la vision parfaite de ce que sera l’oeuvre, ses mains la traduisant en transformant la matière. L’artiste cherche à faire ressentir à son public la douceur et l’apaisement dans la contemplation de son travail, sa quête fait davantage appel à l’émotion plutôt qu’au rationnel et au superflu. Le travail de Wen trouve son accomplissement dans la perfection des lignes et la douceur des formes. Elle se définit «Sculpteur avant tout», ne faisant nul obstacle à l’utilisation de divers matériaux et n’excluant aucune possibilité ni aucune perspective, tel le travail du bronze, projet pour lequel elle nourrit des ambitions créatrices déjà précises à son esprit.

tienwen0831@gmail.com www.tienwen.asimage.com

TIEN WEN


Tilby VATTARD - Série « Arbres » - 40 x 60 cm

Tilby VATTARD PARCOURS: 2001-2016 Photographe indépendant - Montpellier 1996-2001 MASTER/DNSEP & DNAP - Institut d’Arts Visuels - Orléans

EXPOSITIONS: 2015 Galerie Tete - Berlin Galerie Artyfact - Paris 2014 Quinzaine photographique Shoot - Chamonix Mont-Blanc 2013 Prix PHPA - Galerie Esther Woerdehoff - Paris Festival « Itinéraire des photographes voyageurs » Galerie Arrêt sur l’image - Bordeaux Galerie Chantal Mélanson - Annecy Galerie La Belle Juliette - Paris 2011 Bourse du talent #48 - Paris La Grande Ourse - Villeneuve lès Maguelone Nuits de Pierrevert - Pierrevert Festival Supernova - Montpellier Festival Circulation(s) - Paris

2010 FIAF - Pescara, Italie Galerie Chantal Mélanson - Annecy Nuits de Pierrevert - Pierrevert Galerie Chantal Mélanson - Annecy 2009 Galerie Chantal Mélanson - Annecy Galerie Coté-Cour - St Jean de Védas MJA de Toulouse - Toulouse Galerie Chantal Mélanson - Annecy Nuits de Pierrevert - Pierrevert FIIE - Arles Galerie Chantal Mélanson - Annecy 2006 Galerie Coté-Cour - St Jean de Védas Galerie Passère - Forcalquier Galerie Chraemai - Durfort 2004 Festival “Quartiers libres” - Montpellier Festival des Boutographies - Montpellier Galerie Reflex - Montpellier 2003 Centre d’art contemporain - Forcalquier

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L’ rt en boîte 2 édition ème

Tilby VATTARD - Série « Abris » - 70 x 70 cm

Tilby VATTARD - Série « Abris » - 70 x 70 cm

Né en France en 1976, c’est en Provence et à Tahiti où il grandit que Tilby apprend à aiguiser son regard sur la nature qui l’environne. Une fois obtenu le diplôme de l’Institut d’Arts Visuels d’Orléans, il choisit de s’installer dans le sud de la France baigné de lumière méditerranéenne. Tilby VATTARD - Série «Refuges» 76 x 76 cm

Ses premiers travaux photographiques illustrent des compositions aux entrées multiples, empreintes d’un langage dominé par la matière et le paysage. Aujourd’hui, c’est davantage l’intuition qui guide le travail de l’artiste. La fugacité du moment, la suggestion de l’instant suffisent à eux seuls pour signifier l’image, et la photographie épurée de toute construction devient alors “un langage en soi”. Des thèmes chers au photographe jalonnent son parcours : la présence de la nature, du sacré, la rencontre de l’ombre et de la lumière - clairs-obscurs qui ne sont pas sans rappeler la peinture Flamande, la Renaissance italienne.

Tilby VATTARD

Ses travaux plus récents s’immiscent dans le monde urbain, un Orient poétique d’Istanbul à Bénarès où la vie humaine émerge subtilement. Cette apparition de l’Homme dans les images de Tilby semble compléter les séries des Refuges, en apparence désertes de toute vie. Le photographe se situe ainsi souvent à la frontière entre deux mondes, le réel et l’imaginaire, le sacré et la banalité du quotidien, comme si, par cette ambiguïté dans son travail, dont l’Invisible serait le fil conducteur, il voulait nous faire apparaître “l’Âme du Monde”. Béatrice Paquereau

Chargée des expositions au “Carré d’arts” de Nîmes

tilby@tilby.fr www.tilby.fr

Tilby VATTARD


ZARNO - Photomatons - Pâte Fimo et récupération.

ZARNO Après 2010 : ARTISTES A SUIVRE (11) - CHATEAU H à St Julia (11) - CHATEAU VARGOZ à Sérignan (34) - DES MOTS AU BORD DE L EAU au Somail (11) - FESTIVAL ART SINGULIER à St Felix du Lauragais (31) - FESTIVAL SURREALIZM à Carcassonne (11) - FESTIVAL BAZARROCK à Aubenas (07) - FESTIVAL LES USTENSIBLES à Kingersheim (68) - LA CAFET ARAGO LYCEE ARAGO à Perpignan (66) - ART CACHE EUROCULTURES à Albas (11) - FESTIVAL ROCK LES BAINS à Plombières (88) - LA SOQUETTE à Nevers (58) - FESTVAL REMUS à Ferrals (11) - LE CHAI à Capendu (11) - LE LABYRINTHE DE LA FOLIE en Ardèche (07) - FESTIVAL PLEIN CHAMP Montagne Noire (11).

Avant 2010 : FESTIVAL DU FILM FANTASTQUE à Gerardmer (88) - FESTIVAL DU CHIEN A PLUMES à Langres (51) - FESTIVAL ARTS SCENICS a l’Isle s/ Tarn (81) - FESTIVAL CINE SANS FILET à Alet les bains (11) - LA FANZINOTHEQUE à Poitiers (86) - LE NOUMATROUFF a Mulhouse (68) - LA SOUPE AUX CAILLOUX à Betchat (09) - LE GRAND CAFE FRANÇAIS à Aubenas (07)- LE JARDIN DE LA TOUR à Carcassonne (11) - LE MAKI à Angouleme (16) - GALERIE DIASTOL SYSTOL à Verdun (55) - Le ST ROC à Montpellier (34) - FAC CHAMPOLLION à Rodez (12) - MAISON DES POTES à Narbonne (11) - GALERIE GLARDON à Carcassonne (11) - ESPACE GIBERT à Lezignan (11) - BOTIGA à STE AFFRIQUE (12) - MEDIATHEQUE de Bram, de Labecede en Lauragais, de Castelnaudary,… LE GRENIER A SONS a Cavaillon (84) - GALERIE ZAND ART à Carcassonne (11) - MJC a Oust, Moussan, Portel Corbières,Narbonne, Oust… LA POUDRIERE ARSSEN à Narbonne (11) - L’ARTICHAUT à Nancy (54).

# ALLÉES PAUL RIQUET


L’ rt en boîte 2 édition ème

Zarno est un “patamodeleur rékupékréateur”. Il modèle et retranscrit sa vision de notre société avec humour et dérision. Son univers polychrome, alliant matériel de récup’ et pâte à modeler, est le reflet baroque du monde qui nous entoure. Détournement d’objets et visions des choses et des situations dans une veine satirique, rock’n’roll et grand guignolesque. Qui n’a jamais pris plaisir à modeler la matière et recréer le monde à l’image de son propre idéal ? C’est d’un geste sûr que Zarno transforme ainsi le Fimo* à l’image du monde de ses rêves jusqu’à celui de ses pires cauchemars. Rien n’est laissé au hasard et c’est toute une personnalité qui trouve une seconde vie dans ses personnages, fruits de la maîtrise du geste, d’ingéniosité et d’imagination. Du Cyberpunk au psychédélique « Discoman », tous s’unissent autour d’un créateur aux mille facettes, seul maître de cet univers multi chrome. Pour ce qui est des outils, tout y passe. C’est ce que l’on appelle l’art de la récupération : boulons, moteurs d’aspirateurs, ressorts et ampoules, autour desquels Zarno modèle la matière (Fimo* ou argile) selon l’humeur et la musique ambiante. Chaque personnage, aussi expressif que coloré, est ensuite mis en scène, dans un décor construit en conséquence (armature de four, vieille télé seventies, écran d’ordinateur…). Certains sont dotés de mécanismes permettant le mouvement et l’éclairage des scènes. Zarno vous invite à visiter sa galerie et, comme lui, à vous évader vers cette énième dimension dont seule votre imagination détient les clefs. Également auteur d’affiches et de pochettes de disques … et réalisateur de film d’animation. Il crée à l’instinct sur l’instant, laissant l’inconscient prendre le dessus le temps de la réalisation. S’inscrivant dans une mouvance alternative, il revendique un art populaire où le sérieux ne se prend pas au sérieux.

ATELIERS PÉRISCOLAIRES EXPOSITION DANS LE HALL DU THEATRE

ZARNO INTERVIENT EN AMONT DE LA MANIFESTATION AVEC DES GROUPES SCOLAIRES DONT LES TRAVAUX SERONT EXPOSES DU 3 AU 5 JUIN 2017 zarno@orange.fr www.zarno-patamodeleur.fr www.kavale-corbieres.com

ZARNO


EXPOSITION «Petits Mousses» L’ensemble des travaux réalisés par les enfants lors des ateliers de pratiques artistiques, sous la direction de l’artiste ZARNO, seront exposés dans le Hall du Théâtre pour la durée de l’art en boîte 2ème Edition.

L’inauguration de cette exposition aura lieu le Samedi 3 Juin à 12h00 Les travaux des enfants seront orientés vers la production fabrication de cartes postales «petits mousses» à l’aide de pâte à modeler et de matériaux de récupération.

# HALL DU THEATRE


L’ rt en boîte 2 édition ème

ZARNO Projet de carte postale « Petit Mousse » Pâte Fimo et récupération. C’est la réalisation de ce projet qui sera proposée aux enfants.

Dans le cadre des Ateliers de Loisirs Périscolaires (ALP) de la Ville de Béziers , ZARNO, Pâtamodeleur, interviendra auprès d’enfants des groupes d’accueils de loisirs périscolaires lors de 6 séances de 1h15 chacune.

Ces ateliers seront conduits les :

27 et 28 avril - 4 et 5 mai 11 et 12 mai

auprès de 18 enfants âgés de 9 à 11 ans et issus du groupe Casimir Péret. En plus des enfants concernés par les ateliers périscolaires, des groupes d’enfants des ALP Havel, Roland, Herriot et Oiseaux se déplaceront le vendredi 2 juin sur le festival

Animation Périscolaire


PREMIERE CHANCE En marge de la sélection artistique proposée sur les Allées Paul Riquet, Arena Events a souhaité offrir l’opportunité d’exposer à un(e) artiste n’ayant encore jamais présenté ses travaux. Un vingt-et-unième container est donc installé à l’occasion de cette première chance sur la place de la mairie. Cette année, c’est Guylaine BARTHELEMY qui bénéficiera de ce «coup de pouce» et qui pourra ainsi aller à la rencontre du public et proposer aux visiteurs de partager son travail.

# PLACE DE LA MAIRIE


L’ rt en boîte 2 édition ème

Guylaine BARTHELEMY - « Conscience sensuelle »

Guylaine BARTHELEMY - « Conscience sensuelle »

Illustratrice de formation, je m’initie tardivement à la sculpture, aux Beaux-Art d’Edimbourg. C’est une révélation, je découvre un mode d’expression sensuel et libérateur. Après trois années de bonheur pluvieux, je reviens en France et m’inscrit dans un atelier de sculpture où je continue à modeler lorsque mon activité d’illustratrice m’en laisse le temps. J’attendrai encore quelques années avant de pouvoir m’y consacrer pleinement ! Depuis deux ans bientôt, j’ai lâché mes pinceaux pour retourner à la Terre…

Guylaine BARTHELEMY, «Solitude étoilée»

Deux années de transformation, pour sortir doucement de « l’intention », pour ne plus avoir besoin de savoir où je vais mais d’être là où je suis et de laisser faire mes mains. Elles savent où aller, où creuser, où rajouter, où se poser, quelle courbe, quel mouvement accompagner… c’est instinctif, intuitif, jouissif ! Guylaine Barthélemy

barthelemyguylaine66@gmail.com

Guylaine BARTHELEMY


Vendredi 2, Samedi 3 et Dimanche 4 à 15h Lundi 5 à 11h, sur les Allées Paul RIQUET

Antoine ROUSSELLE interviendra en direct sur les containers en compagnie de Ralph PORON, SECTO et Chris STOUVENEL

DUOS STREET ART En fond, Antoine ROUSSELLE, The Graph Side Of Life #00 (détail)

Je suis un artiste peintre muraliste de 35 ans, déterminé, qui met ses pinceaux au service de l’embellissement du monde qui nous entoure. Je souhaite créer la surprise avec le trompe l’oeil et autres oeuvres murales, en apportant du rêve, de l’humour, de la culture, en racontant des histoires, en soulignant l’identité d’un lieu et en offrant des points de repère aux habitants et aux touristes. Convaincu que l’art mural urbain est une démarche sociétale positive, il me tient à coeur de réaliser uniquement des oeuvres non violentes. La revendication et la dénonciation ne sont pas mes domaines d’application. Je ne souhaite que susciter la surprise, l’émerveillement et le bien-être, avec ces oeuvres monumentales. Mon art est au service des gens, c’est pourquoi mes travaux sont toujours différents et pensés pour un lieu et ses occupants.

Raphael PORON

Raphael PORON, Fresque monumentale, 90m2, Béziers.


SECTO, The Swimming Dead

SECTO Je m’appelle GOUASMI Damien, je suis street artiste et j’utilise dans mon travail le pseudonyme de SECTO. J’ ai un brevet des metiers d’art. Peintre décorateur à la base, j’ étais plutôt prestataire de service. Puis j’ai eu l’envie et le besoin de développer mon univers, et revendiquer d’avantage un statut d’auteur. Les thèmes que j’aborde sont entre autres: le monde du travail, l’écologie, l’instinct animal, le chamanisme, et la double vue. Je suis un grand fan de culture populaire, ( films, séries, jeux vidéo...) et j’y fait souvent référence afin d’appuyer mes propos. J’ai exposé à l’ espace kiffo à Frontignan où j’ai également décoré les gymnases Soubrier et Roger Arnaud.

A partir de collages d’affiches arrachées sur les panneaux citadins, à l’aide de bombes de peintures, en réorganisant des phrases ou des mots façon slogan, le tout a l’aide d’un cutter pour créer des pochoirs, mon univers artistique prends ses influences dans la culture Pop-Art et emprunte dans les grandes lignes l’esprit (et/ou) les codes du Street-Art .

Christophe STOUVENEL, Sans titre, Collage

Ce travail de recomposition, fonctionne un peu comme si vous aviez arraché dans la rue une affiche lacérée ou un un Tag pour l’accrocher sur votre mur , et permettre ainsi a cette réinterprétation de passer de l’Art urbain a l’Art de salon devenant en quelque sorte du « Home-Art » . Toutes mes créations sont siglées «KIKI», nom que j’utilisais enfant pour signer mes dessins.

Christophe STOUVENEL


Qui? Quoi?

Ou?

Quand?

Arena Events, ses partenaires et mécènes présentent: L’art en boîte 2eme édition Festival d’Art Contemporain réunissant plus de 25 artistes présents sur les lieux en coeur de ville de Béziers, ouvert à tous les publics et entièrement gratuit. En centre ville, sur les allées Paul Riquet, et sur la place de la Mairie, Dans et autour de 21 Containers maritimes ancrés sur la voie publique

Du 2 Juin au 5 Juin 2017, pour le Week-End de Pentecôte, Tous les jours de 11h à 19h, (sauf lundi 5 >17h30) Inauguration le 3 Juin à 11h30.

Comment?

Parcours pédestre en centre-ville. L’ensemble des containers galeries et des expositions sont accessibles à pieds

Résumé pratique


dupré&dupré Galerie Art Contemporain. Galerie d’art actuel, située rue des anciens combattants à Béziers, Dupré & Dupré Gallery se spécialise dans la scène émergente tout en ouvrant sa programmation à des artistes établis. Elle met en avant une nouvelle génération d’artistes contemporains français et internationaux en y associant des regards croisés avec la scène locale dont cette nouvelle vague d’artistes utilisant des matériaux modestes, non conventionnels ou de recyclage, parmi les plus originaux de l’avant-garde plastique. Www.dupre-et-dupre.com

La Mouche, Lieu d’art contemporain. La Mouche est un espace dédié à la création contemporaine. Attentive au redéploiement de l’action culturelle à l’échelle locale, Francine BUESA offre ainsi aux artistes l’opportunité de retisser du lien social sur la trame concrète des œuvres et des questions qu’elles soulèvent en chacun. www.lamouche-art.com

L’association les Ecluses de l’Art a pour objectif de soutenir la création émergente et de sensibiliser les publics à l’art contemporain. L’association s’appuie sur les partenaires institutionnels afin de proposer une offre exigente et de qualité, respectueuse des publics et des artistes. C’est dans cet esprit que les ateliers de pratiques artistiques proposés à l’école Casimir Peret et en lien avec le festival ont été pensés. Actuellement, un partenariat avec la ville, lui permet de proposer des expositions, résidences, ateliers, cours ou autres animations artistiques au sein des jardins de la Villa Antonine, ancienne résidence d’été du sculpteur Injalbert à Béziers.

L’ association de production, médiation, et de diffusion culturelle

Kavale des Corbières

se présente comme un acteur du développement culturel de son territoire audois mais également de tous les territoires où la Culture s’impose comme une seconde et nécessaire nature. Démocratiser la Culture, soutenir la création, défendre les droits et la rémunération des artistes, développer l’accès du plus grand nombre aux biens culturels, promouvoir une éducation artistique afin que l’Art éveille l’être humain et qu’il l’emmène vers une construction collective : voici quelques-unes des idées qui kavalent dans l’esprit de KDC. www.kavale-corbieres.com

Partenaires


Le mécénat culturel sur cet événement est supporté par l’association Interference

Mécènes


Mécènes


Contact Organisation: LĂŠlia Valloir, Arena Events lelia.v@arena-events.fr 06 52 76 88 52 Contact Presse: J-M Benech art-en-boite-presse@asimage.com 06 08 47 29 04


Art en boite 2017 dossier de presse  

L'ART EN BOITE - 2017 Du 2 Juin au 5 Juin 2017, à Béziers-Hérault-France, 25 artistes contemporains exposent leur travaux dans et/ou autour...

Art en boite 2017 dossier de presse  

L'ART EN BOITE - 2017 Du 2 Juin au 5 Juin 2017, à Béziers-Hérault-France, 25 artistes contemporains exposent leur travaux dans et/ou autour...

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