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MARIO MARINI Monocromos

Noviembre - Diciembre 2006

C/ Isabel II, nยบ 24 Local, Boadilla del Monte. Madrid. Tfno: 91 632 53 58, Fax: 91 632 53 59 info@arteinversion.com www.arteinversion.com


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Monocromo IV IV.. 2005. (Fragmento izquierda). TĂŠcnica mixta/tela. 210 x 165 cms.


MARIO MARINI -SOMBRAS Y L UCES DEL MONOCROMO–. LUCES

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En el libro titulado «Dialéctica de lo Estético», del ensayo dedicado por Arnold Hauser a la Sociología del Arte, afirma el autor que «La creación artística es un prototipo del proceso dialéctico, con sus antagonismos: el subjetivismo del impulso creador espontáneo y las resistencias objetivas de la realidad con las que ineluctablemente choca». Si a esta reflexión le antecede la teoría hegeliana de que «el mundo se mueve gracias a la contradicción», no cabe duda de que esa tensión entre ideas, actitudes o hechos opuestos constituye la esencia dialéctica objeto-sujeto de todo proceso de creación. Partir de este análisis, quizá en exceso filosófico, para tratar de profundizar en la obra de Mario Marini, nos conduce a terrenos fangosos difíciles de sortear. Sin embargo (y asumo el riesgo), en estos trabajos recientes del pintor madrileño: grandes formatos en técnica mixta sobre lona plástica titulados genéricamente «Mono-cromos», es imposible eludir esa relación dialéctico-paradójica presente desde el mismo momento en el que el artista ultima su obra como el resultado de una evolución guiada por factores contradictorios (racionales e irracionales, íntimos y universales, primarios y derivados). Dualismos esenciales en los que el juego con la belleza (del que tan a menudo hablaba Reinhardt) y esa batalla de lo ideal pensado contra lo real encontrado, están de alguna manera presentes en las telas que componen la nueva serie de Mario Marini. Jugar con la belleza, desmitificar el arte, supone vencer al miedo que el pintor, humano por excelencia, padece ante el lienzo en blanco. Enfrentar voluntad e impulso arrebatador en una sola y rotunda acción, desenca-denante de ese flirteo antes aludido, que finalmente derivará en la obra de arte acabada o no. Pero, ¿cuál es el elemento diferenciador entre un monocromo y un pedazo de tela teñida que, por extensión a la obra de Marini, distingue lo meramente artesanal de lo artístico? Pues bien, no sólo se trata de una cuestión protocolaria, donde las fases ejecutivas adoptan su singularidad lingüística para lograr unos resultados concretos (el objeto específico llamado cuadro); es sobre todo, y en ello deberíamos detenernos con especial insistencia, el poder cautivador, las experiencias sin precedentes que provoca la contemplación de


cada pintura, la sutileza individual y cósmica de una luz que resplandece palpitante de vida interior, emitiendo sonidos, calidades, brillos e insondables opacidades. Efectos imposibles de conseguir sin un verdadero espíritu creativo más allá de la mecánica tradicional del arte. 6

Hablar de Mario Marini sin mencionar su intensa labor como grabador experimental, sería olvidarse de una parte fundamental de su consolidada trayectoria plástica. Sin embargo, ¿qué conservan estas obras independientes, incluso opuestas en sus respectivos discursos autónomos, de aquellas aguatintas y oxigrafías… ¿cuánto hay en estos espacios, hoy más pictóricos que gráficos, de esa naturaleza ineludiblemente manual que define al Marini grabador? La respuesta no está en el aire, sino en la manera previa de tratar la superficie de la tela, a base de un proceso que se asemeja al empleado en el grabado en ese derramar para luego quitar materia y dejar sólo lo imprescindible que, una vez aplicado el pigmento, proyectará al exterior todo un sugerente mundo de luces, sombras y formas informes. La introducción del color vivo o mitigado, unificador de cada obra en su inmaterialidad abstracta, supone no sólo la gran novedad estética en el trabajo de Mario Marini, es además la clave para entender ese giro hacia la espiritualidad que inspira el monocromo y para asimilar el ámbito de meditación en que se transforma la superficie de la tela cuando es inundada por un solo tono. Sin embargo, la plenitud del color en estas dieciocho grandes piezas, dista mucho de la objetividad o asepsia carente de subjetivismo expresivo con la que los propulsores del monocromo: Fontana, Klein, Kapoor o el mismo Reinhardt, concebían la pintura (algunos de ellos ni siquiera firmaban sus obras). Es más bien la idea de pluralidad dentro de la unidad, el concepto de diversidad dinámica y gestualidad abstracto expresionista dentro de un todo, la que define el contenido de estos trabajos, donde una vez más, la escritura de la propia historia, lo autobiográfico y singular prima sobre lo neutro e impersonal del arte concreto o postpictórico. Para ello se requiere un cambio en las condiciones formales que exige la acción mitad azarosa mitad deliberada, de la propia materia sobre el plano del soporte. Y en este sentido la presencia emocional del autor es determinante. Contemplar una a una las pinturas recientes de Mario Marini, nos conduce a un misterioso viaje hacia territorios inexplorados. Adentrarse en estos paisajes


desconocidos, descubrir o al menos intuir las derivas que han ido guiando al autor hasta los límites abismales de tan inquietantes universos, se nos antoja tarea fascinante. Se adivina, bajo la piel acuosa de estas texturas, un inusitado acercamiento a aquello que podría ser recuerdo, ensoñación, imagen más surrealista que verdadera de esa naturaleza contaminada metafóricamente por «fluidos humanos». Un magma en cuyas impurezas están las huellas del tiempo. Bajo la rica semántica polifónica de estas piezas nuestros sentidos captan una amalgama de ritmos y sonidos visuales que van desde lo más sencillo hasta lo más complejo, desde la calma grave hasta la exaltación aguda. Más que la pulcritud virginal del origen, más que los elementos primordiales de la naturaleza para explicar el fluir de la vida, lo que emana de esta obra es la filosofía hölderliniana de la duda y la fragilidad e incluso de la angustia frente a lo existente; es el orden dentro del caos, próximo al sentimiento romántico de lo sublime y no tanto al dominio racionalista. Pinturas «all-over», resueltas a base de llenados y vaciados de materia, barnices y resinas, pigmentos oleosos, óxidos,… finalmente sepultados, cubiertos por capas de color puro. El aumento considerable de las dimensiones del cuadro añade vigor a una obra valiosa no ya por la extraordinaria calidad plástica que destila, sino por aquello que, sumergido bajo los océanos o inmensidades telúricas, se nos aparece evocación de ese poema puro, trágico y tierno a la vez que bien pudiera tener su eco en uno de los cantos de madurez de Federico Hölderlin (El Espíritu del Siglo), aquel a quien el tiempo, su propio tiempo, no supo ni quiso reconocer como poeta: ¡Dios de estos tiempos, bastante has reinado ya sobre mi cabeza, en tu sombría nube! Por donde mire todo es violencia y angustia, todo se tambalea y desmorona . Como un niño he bajado a menudo los ojos buscando una cueva donde no me alcances.

Amalia García Rubí.

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Monocromo I. 2005. (Fragmente derecha). TĂŠcnica mixta/tela. 210 x 165 cms.


MARIO MARINI : «MONOCHROME LIGHTS AND SHADOWS»

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In Arnold Hauser’s essay dedicated to the sociology of art in Dialéctica de lo Estético he claims that «artistic creation is a prototype of the dialectic process with its antagonisms: the subjectivism of a spontaneous creative impulse and objective resistances to reality which they inevitably conflict with.» If this reflection is preceded by the Hegelian Theory that «the world moves thanks to contradictions,» there is no doubt that this strain between opposite ideas, attitudes, and facts constitute the essence of subject-object dialectics in the entire process of the creation. Setting off from this analysis, perhaps excessively philosophical, in order to study Mario Marini’s work in depth, one must be prepared to enter a difficult area to deal with. However (I take the risk), in these recent works by the painter from Madrid, as seen in great forms through mixed techniques in plastic canvas generically titled «Mono-Cromos», it is impossible to avoid the present dialectic-paradoxical relation from the very moment in which the artist finishes his work as a result of an evolution lead by contradicting factors (both rational and irrational, intimate and universal, and primary and derived). These are essential dualisms in which a play between beauty (commonly spoken about by Reinhardt) and the battle of the ideal versus a found reality, are in some way present on the tweed composed by Mario Marini’s new collection. Playing with beauty and demystifying art means that the artist, a human being, must conquer the fear before a blank canvas. To mix will and captivating impulse in one round action, unleashing that implied flirtation mentioned before, will obtain a finished work or not. However, what is the element that differentiates a monochrome and a piece of dyed canvas that, by Marini’s works’ extension, distinguishes what is merely craftwork from an artistic work of art? Well, it is not only a ceremonious question, where the carried out phases adopted by linguistic singularity in order to obtain specific results (the specific object called ‘painting’); it is above all, and in which we should pause with special insistence, a captivating


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power, experiences without precedents that provoke contemplation in each painting. They have individual and cosmic subtlety of a glittering light of interior life, emitting sounds, standards, brightness and unfathomable opaqueness. These results are impossible to attain without a real creative spirit far from the traditional art techniques. To talk about Mario Marini without mentioning his intense work as an experimental engraver would be to forget a fundamental part of his consolidated background in plastic ar ts. However, what is it that these independent works of art hold, even opposite from their respective selfcontained discourses, in that inevitably natural style that defines Marini as an engraver? The answer is not in the sky, but in the way that the surface of the canvas is previously treated, by a process similar to the one employed by the engraver in which he spills in order to later remove material in order to leave the essential. Once the pigment is applied, a world of light, shadow and asymmetrical shapes will be exteriorized. The infusion of lively or mitigated colors, unifying in each work in its abstractedness, supposes not only a great aesthetic novelty in Mario Marini’s work, it is also the key in order to understand the spin towards the spirituality that inspires the monochrome. Also, in order to assimilate the area of the meditation in which the surface is transformed when overflowed by one tone. Nevertheless, the fullness of the color in these eighteen master pieces, moves us away from the objectivity or the lacking sterilization of the expressive subjectivity with the prime movers of monochrome art: Fontana, Klein, Kapoor, or even Reinhardt, who perceived art (some never even signed their works). We are before the idea of a plurality within the unity; the concept of dynamic diversity and abstract expressionistic gesture within a whole, which defines the content of these works of art, where once more, the recording of history, autobiography, and singularity precedes what is neutral and impersonal of concrete art and postpictorial art. To that end, a change in the formal conditions that demand a half unfortunate and half deliberative action of the material over the canvas. In this sense the emotional presence of the artist is determinant.


To contemplate one of the Mario Marini’s recent works takes us on a mysterious journey towards unexplored territories. Treading into these unknown sceneries, discovering, or at least intuiting, the airs that have guided the painter to abysmal limits of disquieting universes, entices a fascinating task. One can guess, under the water skin of these textures, an uncommon approach towards that which could be a memory, a dream, surrealist image instead of real of a nature metaphorically tainted by human fluids. One can find a magma in which one can find the impurities of the passing of time. Under the rich polyphonic semantics of these works of art our senses capture an amalgamation of rhythms and visual sounds that run from the simplest to the most complicated, from grave calmness to acute exaltation. What pours out from this work of art, more than the original virginal tidiness and prime elements of nature in order to explain the flow of life, is the Hölderlian philosophy of doubt and fragility and even angst versus the existing; it is order within chaos, similar to the romantic feeling of the sublime instead of rationalist thought. «Allover» paintings resolved from filling and emptying material, varnishing and resins, oil pigments, rust, all buried and covered by layers of pure color. The enhancement of the considerable dimensions ot the painting renders vitality to a valuable work, not only because of the extraordinary plastic quality that it distills, if not for that which, submerged under oceans and immensities of canvas, an evocation of a pure poem appears. At the same time, both tragic and tender, this poem could be an eco of the songs of maturity by Friedrich Hölderlin (The Spirit of the Century), he who time, his own time, did not recognize him as a poet:

¡ God of these times you have reigned over me in your shadow cloud! Everywhere I look there is violence and angst, everything tumbles and salls. I have shut my eyes like a child looking for a cave where you can’t reach me.

Amalia García Rubi

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Monocromo XIV XIV.. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 140 x 210 cms.


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Monocromo III. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 200 x 210 cms.


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Monocromo V V.. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 210 x 150 cms.


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Monocromo XVII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 100 x 100 cms.


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Monocromo IV IV.. 2005. Díptico. Técnica mixta/tela. 210 x 330 cms.


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Monocromo VIII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 140 x 140 cms.


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Monocromo XI. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 100 x 100 cms.


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Monocromo VII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 140 x 140 cms.


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Monocromo I. Díptico. 2006. Técnica mixta/tela. 210 x 330 cms.


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Monocromo XII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 100 x 100 cms.


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Monocromo VI. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 210 x 150 cms.


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Monocromo XVIII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 140 x 140 cms.


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Monocromo XV XV.. 2005 TĂŠcnica mixta/tela. 60 x 100 cms.


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Monocromo II. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 200 x 210 cms.


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Monocromo IX. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 100 x 100 cms.


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Monocromo X. 2005.TĂŠcnica mixta/tela. 100 x 100 cms.


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Monocromo XIII. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 140 x 210 cms.


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Monocromo XVI. 2005. TĂŠcnica mixta/tela. 60 x 100 cms.


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Mario Marini. Valencia 1955

EXPOSICIONES INDIVIDU ALES INDIVIDUALES «SOLO EXHIBITIONS» 2006

Espacio ArteInversión. Madrid. Galería D’art Maria Villalba i Badia, Barcelona.

2005

Galería Dolores de Sierra. Madrid.

2004

Galería «Nuevoarte», Sevilla.

2002

Galería Rina Bouwen. Madrid. Galería D’art Maria Villalba i Badia Barcelona. Galería «Hoy y Mañana», Altea, Alicante.

1999

SAGA’99 Arte Estampa, Paris, Francia.

1997

Portalea Ayuntamiento, Eibar.

1996

Fundación Colegio del Rey, Casa de la Entrevista, Alcalá de Henares, Madrid.

1994

Galería Tres en Raya, Madrid.

1992

Galería Nerva, Madrid.

1990

Galería Arteara, Madrid.

1988

Café Galería El Ratón, Madrid.

EXPOSICIONES COLECTIV AS COLECTIVAS «COLLECTIVE EXHIBITIONS» 2006

Galería María Villalba i Badía, Barcelona.

2005

Galería Dolores de Sierra. Madrid.

2002

10 años de galería: Galería Rina Bouwen, Madrid.

2001

Museo Sungsan Art Hall en Chang Wong, Corea del Sur. Museo Nacional de arte. La Paz. Bolivia. C. de Formación de la Agencia Española de Cooperación. Sta. Cruz de la Sierra. Bolivia. C. C. Recoleta. Buenos Aires. Argentina. C. C. de España. Asunción. Paraguay. Museo Torres García. Montevideo. Uruguay.

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2000

Casa de la Entrevista, Alcalá de Henares, Madrid. Capilla del Oidor, Alcalá de Henares, Madrid. Estampa 2000, Arte Estampa Ediciones, Madrid. Centro de Arte Lía Bermúdez Maracaibo. Venezuela. Museo de Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez Caracas. Venezuela.

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Centro cultural de España. Lima. Perú. Museo de Arte Universidad Nacional Bogotá. Colombia. Centro Cultural de España. Santiago de Chile. 1999

Casa del Cordón. Burgos. Sala Damiá Forment, Valencia. Fundación Caja Vital Kutxa, Vitoria-Gasteiz. Okupgraf 99, Deba, Guipúzcoa. Galería Michéle Guérin Limetz-Villez, Paris, Francia. Crucero del Hospital Real de Granada.

1998

Estampa’98, Arte Estampa Ediciones, Madrid.

1996

Kim Nae Hyum Art Gallery, Seúl, Corea. Deung Jan Gallery Souwon, Corea. Carmen de la Guerra, Estampa, Madrid. Galería Act Okinawa, Japón.

1995

Galería Bat Arco, Madrid. Art-Chicago’95, Chicago, Illinois, EEUU. Galería Bat Alberto Cornejo, Madrid. II Encuentro de Arte Valle del Genal, Ronda, Málaga. Galería Bat Alberto Cornejo, Estampa, Madrid.

1994

Galería Bennassar Estampa, Madrid.

1991

Casa del Cordón, Burgos. Galería Gris y Negro, Madrid. Galería Momediano, Madrid.

1990

Galería Nóes, Madrid. Galería Bereshith, Toledo. Ateneo de Madrid.

1987

Colegio de Arquitectos de Huelva. Participación Muestra Viva Lavapiés, Madrid. Centro Cultural Caleidoscopio, Móstoles, Madrid. Centro Cultural Nicolás Salmerón, Madrid.

1983

Colegio Virgen del Cortijo, Madrid.


PREMIOS: «AWARDS» 2006

Mención de honor, premio de grabado, Ayuntamiento de Pinto, Madrid.

2005

II Mención, modalidad B, premio de grabado de Ayuntamiento de Pinto, Madrid.

2003

Mención premio de grabado Galería Nuevo Arte ,Sevilla.

2002

Premio adquisición . III Certamen de pintura Torrelodones.

2001

67º Salón de Otoño de Madrid.

2000

Medalla de Grabado «Espina y Capo».

1999

Mención Especial, Premio de Grabado Máximo Ramos, El Ferrol, La Coruña. 66º Salón de Otoño de pintura, Premio Ayuntamiento de Madrid.

1998

Premio de Adquisición, Premio de Pintura Arganzuela, Madrid. Medalla de Honor XIII Premio de pintura BMW, Madrid.

1997

Premio Asociación de Amigos del museo de Grabado. Español Contemporáneo, Marbella, Málaga.

1996

1º Premio de Pintura Ciudad de Alcalá, Madrid.

1995

Mención Especial, Premio de Pintura Ciudad de Alcalá, Madrid.

1988

Premio del público. Café Galería El Ratón, Madrid.

CONCURSOS «CONTESTS» 2004

II premio de grabado galería «Nuevo Arte» , Sevilla.

2002

X Premio Nacional de Grabado, Marbella,Málaga.

2001

1º certamen de pintura Fundación Wellington. Madrid. II certamen de pintura Torrelodones. Madrid. Premio Nacional de Grabado Calcografía Nacional , Madrid. Premio de pintura Fco. De Goya , Madrid.

2000

67º Salón de Otoño, Madrid. Premio de Pintura Fco. De Goya, Madrid. Premio de Grabado Lucio Muñoz, Madrid.

1999

Premio de Grabado Lucio Muñoz, Madrid.

1999

Premio de Grabado Carmen Arocena, Madrid. Premio Nacional de Grabado Calcografía Nacional, Madrid.

1998

VI Premio Nacional de Grabado, Marbella, Málaga.

1997

Premio Nacional de Grabado Calcografía Nacional, Madrid.

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1997

V Premio Nacional de Grabado, Marbella, Málaga.

1996

Premio Nacional de Grabado Calcografía Nacional, Madrid. IV Certamen de Grabado Caja Madrid. IV Premio Nacional de Grabado, Marbella, Málaga.

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1995

Premio de Pintura Fco. De Goya, Madrid. Premio de Pintura Ciudad de Alcalá de Henares, Madrid.

1994

Premio de Pintura Fco. De Goya, Madrid.

1993

Premio de Pintura Fco. De Goya, Madrid.

1992

Selección Premio de Grabado Carmen Arocena, Madrid. Premio de Pintura Ciudad de Alcalá de Henares, Madrid.

1986

Selección Premio de Pintura Fco. De Goya, Madrid. Selección Premio de Fotografía Kaulak, Madrid. Selección III Salón de Pintura Joven, Madrid. Selección XIV Certamen Nacional Caja Madrid. Selección III Salón de Pintura Univ. Politécnica de Madrid.

OBRAS EN INSTITUCIONES Y COLECCIONES «WORKS IN INSTITUTIONS AND COLLECTIONS» Museo Ateneo de Madrid. Biblioteca Nacional de Madrid. Colección Fundación Colegio del Rey, Alcalá de Henares, Madrid. Museo de Grabado Español Contemporáneo, Marbella, Málaga. Portalea Ayuntamiento de Eibar, Guipúzcoa. Colección Caja Madrid. Junta Municipal de Arganzuela, Madrid. Kim Nae Art Gallery, Seúl, Corea. Museo Calcografía Nacional, Madrid. Colección BBVA, Madrid. Colección Arte España, Madrid. Colección Ayuntamiento de Madrid. Colección Sungsan art Hall Chang Wong, Corea del Sur. Museo Municipal de Arte Moderno de Madrid.


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Este catálogo se terminó de imprimir el 2 de noviembre de 2006 Festividad de San Fernando. Título del libro:

MONOCROMOS.

F otografías: Fotografías: David Gómez Lozano, Merche Olcina. T extos: Textos: Amalia García Rubí. Traducción: Gywn Pfender. Dirección artística: Roberto Ferrer en el diseño y maquetación. Fotomecánica e impresión: Artes Gráficas Imagen S.A. Encuader nación: Encuadernación: Ramos. Tirada: 1.000 ejemplares.

Edita: ArteInversión.

Especial agradecimiento: Marta Via Ballesteros y Queca Levenfeld.

DEPÓSITO LEGAL: M-00000-2006


MARIO MARINI. MONOCROMOS