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DIRECCIÓN GENERAL Y EDITORIAL

Guillermo González Taboada Jimena Leiguarda DIRECCIÓN COMERCIAL

Francisco Miranda-Cesar COORDINACIÓN GENERAL

Sofía Suárez DISEÑO GRÁFICO

Polly Miranda, González Taboada/Guevara Worldwide Partners Buenos Aires Keep Rolling Publishing DIRECCIÓN GENERAL

Francisco J. Miranda-César . francisco@keeprolling.com.ar DIRECCIÓN EDITORIAL

Jimena Leiguarda . jimena@keeprolling.com.ar EDICIÓN

Florencia Otero . florencia@keeprolling.com.ar PRODUCCIÓN Y REDACCIÓN

Mariana Meggiolaro . mariana@keeprolling.com.ar Rosario Oyhanarte . rosario@keeprolling.com.ar DIRECCIÓN DE ARTE

Sofía Taboada . staboada@keeprolling.com.ar DISEÑO

Mariano Viegas Gago . mariano@keeprolling.com.ar MARKETING

Sofía Suárez . sofia@keeprolling.com.ar Luciano Stella . luciano@keeprolling.com.ar ADMINISTRACIÓN

Luisa Diaz Valdéz . luisa@keeprolling.com.ar AGRADECIMIENTOS

Guillermo Alonso, Gonzalo Vidal, Cristina Andreone, Rodolfo Schmidt, Tomás Fox, Patricia Fraccione, Belén González Taboada, Fernando H. Guevara, Anne Smurra, Diego Ferrari, Mariela Ivanier, Urban PR, Levi’s (Buenos Aires), Paloma Alarcó, Gema Sese, Botoa Lefe (Madrid), Domitila Bedel (México DF), Emily Meyer (Pittsburgh), Clare Chapman, Cecily Carbone, Victoria & Albert Museum Press Office (Londres), Claudia Noronha (Rio de Janeiro), Jordi Ballart, Edgar Cherubini, Anna de Cassin, Coralie Desmurs, (Paris), Geraldine Simonet (Mons)

Av. Ortiz de Ocampo 3050 1˚ loft 101. CABA, Tel. 4804.0403 info@keeprolling.com.ar | www.keeprolling.com.ar Preimpresión e impresión Mundial SA Cortejarena 1862, CABA, Argentina. Tel: (+ 54 11) 4303 3141

Distribución CABA y GBA: Vaccaro Sanchez Moreno 794, Tel.: 4342.4031 Interior y Exterior: D.I.S.A. Luis Saenz Peña 1836, Tel.: 4305.0114


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DIEGO ROA

El alma del niño azul ANDY WARHOL

La sopa no se enfría PABLO SIQUIER

Esperando al nuevo Siquier ANISH KAPOOR

Lo inmenso nos inspira CARLOS CRUZ-DIEZ

Retrospectiva del futuro SERGEI POLUNIN & CO.

¿Ballet? Sí, por favor SANTI POZZI

El sueño de Santi Pozzi GUILLERMO ALONSO

1825 días en el Museo CLAUDIO RONCOLI

El rock salvó mi vida POR EL MUNDO

edición impresa | enero 2014


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edición impresa | enero 2014 Cuando esta primera edición de Art Democracy esté en la calle, nuestra página en Facebook habrá superado largamente los 200.000 seguidores y nuestro Twitter rondará los 28.000. Lo que comenzó siendo un hobby, con el propósito de promover el arte contemporáneo argentino y latinoamericano dentro de un contexto de arte internacional, se transformó primero en una de red de contactos global y más tarde en la posibilidad cierta de escalar a una plataforma de difusión inédita para la creación en esta parte del mundo. Un canal de información alentado por artistas, galeristas y también por algunos curadores, críticos y hasta directores de museos y fundaciones a quienes agradecemos su amplitud de criterio por ver con simpatía una iniciativa que ingresó sin prejuicio alguno en el territorio de su especialidad. ¿Qué hicimos para despertar el interés de una cantidad respetable de gente en más de treinta países? Sencillamente, incorporar la visión de un grupo de observadores inquietos sobre el vasto, riquísimo, dinámico e imprevisible arte contemporáneo. La visión de un grupo de amantes del arte, con la frescura propia de quienes se han sumergido en él con pasión y honestidad.

o. e n á r o p m e t n o c e t r a l e re b o s a d ia ic ju e r p s e d a d U n a m ir a Como observadores, somos parte de la enorme cantidad de público que ha invadido los museos alrededor del planeta, que se sorprende con el arte irreverente que gana las calles. Que googlea artistas, muestras, perfomances. Que siente el placer de conectarse con una variedad de expresiones que hasta los 90 solo trascendían entre sectores más reducidos. Hay en ese sentido una revolución en marcha, el arte se ha democratizado como nunca antes. Y en esto no solo tienen un rol fundamental los nuevos medios, sino también algo que es inherente a quienes vivimos en esta era, bombardeados por información de todo tipo, me refiero al hecho de haber encontrado en el arte un descanso a tanta racionalidad, a tantas presiones cotidianas. Sencillamente un bálsamo, una gratificación para el espíritu. Este proceso de democratización del arte es esencialmente imperfecto y su riqueza reside precisamente en la diversidad de visiones. En esta democracia conviven artistas que han llegado y exhiben su talento en los principales escenarios del mundo con los que están despuntando y luchan por sobrevivir. Esta democracia incluye en su condición de creadores a pintores, escultores, fotógrafos, videoartistas, diseñadores y grafiteros. También a arquitectos, músicos, cantantes, compositores, bailarines, escenógrafos, actores, directores de cine y teatro. Art Democracy es, en las redes sociales, una ventana abierta a ese inagotable mundo de creación. Y ahora, con esta revista inicialmente orientada a Latinoamérica, instala otro espacio de observación sobre la obra y los protagonistas de nuestro tiempo, ofreciendo una visión seguramente parcial e imperfecta, pero teñida de una personalidad que esperamos te resulte interesante. Muchas gracias por compartir esta aventura y que disfrutes lo que sigue! Guillermo González Taboada EDITOR

Facebook / Art Dem o c ra c y | Twi t t e r / A r t D e m o cracy | P int erest/A rt Democracy | linkedin. com/gro u p s / L a ti n -Ame ri c a n -Art


< Foto: Rodolfo Schmidt

Diego Roa Un día apareció su perfil en uno de lo clásicos recipientes naranjas de la ciudad. enseguida plantó su mirada en un viejo paredón céntrico. De a poco, el misterioso niño azul comenzó a invadir Buenos Aires y, aunque su fama crecía aceleradamente, pocos sabían quién estaba detrás. Llegó arteba 2013 y la incógnita quedó develada. Meses atrás, en el llamado Barrio Joven de la feria arteBA –una de las más importantes de América Latina– el stand de la galería Fiebre –liderada por dos tipos audaces, Tomi Fox y Rodolfo Schmidt– se convirtió en un must see. Allí entre un puñado de interesantes obras de artistas emergentes, resaltaba una serie de retratos de niños de un desconocido para el establishment del coleccionismo local. Los niños azules de un tal Diego Roa corrieron de boca en boca y al segundo día la serie ya estaba sold out. Hace un par de años, casi 700 imágenes de uno de esos singulares niños azules habían invadido las calles de Buenos Aires. Descubrir al autor de esa intervención urbana le llevó meses a algunas marcas que andan siempre indagando las tendencias y tienen un ojo puesto en el street art.

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Pero la historia comienza bien al sur del continente, en la ciudad argentina de Río Gallegos, donde 15 años atrás un Diego Roa de 15 años salía con sus amigos a pintar y ensayar sus graffitis. No era un principiante: a los 8 ya se pasaba horas en su habitación dibujando personajes de comics y videojuegos. Con el tiempo su técnica fue evolucionando y el primer niño azul nació en el baño de un bar, como síntesis de una serie de personajes que dibujó por años en los que por lo general, empleaba 4 colores. Finalmente se decidió por el azul, un color que le gustaba y creó a su emblemático niño. En el camino recibió apoyo de todos lados. Su familia y sus amigos, lo alentaban a seguir creciendo.

Foto: Germán Bahler

Foto: Adri Godis Photography

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“En la calle, mi novia se fijaba que no viniera nadie. Si veía luces azules, me decía: ‘¡Viene la policía, dame un beso!’”. Diego Roa

Foto: Miguel Marino

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ELLOS “Conocí a Diego Roa cuando ví un chico que él pintó con estilo figurativo y cierta carga noir, en un tacho de basura cerca de mi casa. Lo que él estaba haciendo era democratizar el arte, sacarlo a la calle. Con sus pinturas y personajes solitarios, Diego mira a una ciudad que suele esquivar la mirada.” Juan Ortelli Director editorial en Rolling Stone

“Creo que Diego Roa es un romántico. Su obra me remonta a una infancia constante... sus misteriosos niños azules me atrapan visualmente y despiertan a mi yo–niño, para luego desafiame emocionalmente...” Javier Obando Fotógrafo (On the corner)

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LO VEN ASÍ


Eligió la calle como su primera sala de exhibición y quizá guiado por la intuición decidió no firmar sus trabajos allí, ni siquiera con un seudónimo. El efecto fue contundente. Al encanto que trasmitían sus niños azules se sumó el misterio y no sólo los cool hunter, sino también algunas personas que podían ayudarlo a evolucionar en su carrera, se empeñaron en descubrir quién estaba detrás de esos niños mágicos.

La historia reciente era de esperar. Su súbita fama como referente del street art, su estilo, sus personajes, fueron requeridos por más de una marca orientada al target joven. Incluso uno de esos personajes apareció estampado en las remeras de un conocido diseñador, sin autorización, lo que lo ha puesto en guardia contra el manejo de algunas empresas. Lo cierto es que Diego Roa y su espíritu de artista están para mucho más. Cómo el mismo ha dicho en algún reportaje: “...Mi próximo paso es la evolución de estos dibujos, quizá otros formatos, nuevas formas y composiciones. O quizá algo totalmente diferente...” El alma del niño azul está inquieta.

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Andy Warhol

En 1962, cuando Warhol pintó las 32 variedades de sopas Campbell´s instaló la idea de que todo es relativo y que aún lo más cotidiano puede transformarse en arte. Como era de esperar, esa trasgresión encendió el fuego y, al calor de esa visión, el aún incipiente arte pop tomó temperatura y se mantiene –bien caliente– hasta nuestros días.

En estos días, en el museo de Bellas Artes de Mons, Bélgica, está por finalizar con gran éxito la muestra Andy Warhol. Life, Death and Beauty. Para este próximo junio, el Museo ThyssenBornemisza de Madrid anuncia su exhibición Mitos del Pop, la exposición más importante que se haya realizado sobre el pop en los últimos 20 años en España y una de las mayores en Europa. En 2015, según se rumorea, la Tate de Londres presentará una muestra inédita – Global Pop – sobre el pop en el mundo; ¡con excepción de Inglaterra y los Estados Unidos!

< Andy Warhol, Self-Portrait, 1986, ™ AWF

Andy Warhol, Campbell’s Soup II, 1969, ™ AWF

Si bien muchos señalan al inglés Richard Hamilton y su obra “Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing” como el origen del pop, las archifamosas latas de Andy –y todo lo que siguió– contribuyeron decisivamente a desacralizar la visión del arte y lograr que el gran público se interesara por la obra de sus contemporáneos.

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En noviembre último, durante las subastas de Christie´s en Nueva York, “Silver Car Crash (Double Disaster)”, un Warhol de gran tamaño (2,5 x 4 metros) fechado en 1963 de la serie Muerte y Desastre batió el récord del artista en una venta pública: 104,5 millones de dólares fueron necesarios para que esa obra oscura pasase de las manos de un coleccionista privado europeo a las de un comprador anónimo, presumiblemente de Rusia o Medio Oriente. Indudablemente la temperatura que Warhol ha sido capaz de levantar está lejos de disminuir y menos aún en las salas de remates.


Lo cierto es que el que en algún momento fuera un exitoso ilustrador profesional para convertirse luego en gurú de la modernidad, ha dejado una herencia fenomenal: su visión artística, la forma de producir y promover su arte, las amistades y relaciones que cultivó, son parte de ese cóctel que influyó decisivamente tanto en el público como en el establishment del arte y ese efecto duró claramente hasta hoy. El año pasado, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, que fue creada según el deseo expreso del artista luego de su muerte en 1987, anunció que venderá el total de la colección remanente, cercana a los 20.000 trabajos. La Fundación se ha fondeado con la venta del legado artístico de Warhol que originalmente ascendía a 100.000 piezas. Con el beneficio obtenido, la fundación creó el Museo Andy Warhol y otorgó subvenciones a artistas.

Andy Warhol, Fabis Statue of Liberty, 1986, ™ AWF

“Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener” Andy Warhol Andy Warhol, Guns, 198 , ™ AWF

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Andy Warhol, Cow, 1966, ™ AWF

Mientras esto ocurre, otra situación promete más fuego en torno a Warhol: según se dice, la mayoría de sus trabajos en los ‘70 fueron realizados fuera de su propio estudio, en talleres que el artista nunca visitó. Él simplemente enviaba los templates para que con ellos se hicieran las pinturas e impresos y luego firmaba los trabajos terminados cuando les eran devueltos. Como era previsible, cuando la fama de Warhol alcanzó las nubes, se presume que de esos mismos lugares podrían haber surgido nuevas “obras originales”, sin el consentimiento del propio Andy.

Andy Warhol, Knives, 1981-82, ™ AWF

Pero esta es otra historia o más bien consecuencia de la principal: usualmente solo los grandes han desvelado a los falsificadores. Y Andy Warhol no podía ser la excepción, más aún cuando se trata de quien lideró uno de los mayores giros en la visión del arte en el último siglo.

ELLA “La fórmula mágica de Warhol abre la posmodernidad: Imágenes sobre imágenes + dosis generosas de cinismo y superficialidad, sin olvidar unos ligeros toques de tradición.”.

LO VE ASÍ

Andy Warhol, Dollar Sign, 1981, ™ AWF

PALOMA ALARCÓ Chief Curator of Modern Painting Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

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Pablo Siquier

Pablo Siquier, fotografiado para Art Democracy por Achi Pirovano.


La complejidad y la rigurosidad de su obra –esas intrincadas construcciones en blanco y negro– tienen en Pablo Siquier su contracara: el personaje es simple, descontracturado, simpático y cordial. Mientras Buenos Aires sigue sumando SUS espléndidos murales, él se prepara para dar un nuevo salto en su carrera. 0810, aluminio, 14 x 13 m, 2008, Edificio Los Molinos, Faena Group, Buenos Aires

Para todo artista que ha sido celebrado por un período de su obra muy definido, la decisión de cambiar radicalmente suele encerrar una buena dosis de angustia. Tampoco debe ser fácil tomar ese camino cuando el éxito sigue llamando a la puerta y la demanda es permanente. Sin embargo, Siquier dice que llegó el momento y está dispuesto a saltar. “Seguramente va a ser color –esa definición inspiró la tapa de Art Democracy– y no va a ser solamente geometría”. Toda una revelación para quien ha basado su obra en la abstracción geométrica y el blanco y negro. Pero antes de entrar en tema, en las páginas siguientes algunas obras y dichos de uno de los referentes del arte argentino en la actualidad:

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“Cuando trabajo en una obra si no están saliendo las cosas como yo quiero, en lugar de optar por simplificar, tiendo a resolver por la vía de la complejidad y eso en determinado momento hace que necesite más espacio para que los elementos puedan tener lugar. Los dibujos en 3D son muy difíciles de construir, llevás horas trabajando y no podés saber verdaderamente cómo va a resultar. Te imaginás una obra pero luego desarrollarla y renderizarla, consume mucho tiempo. Resuelta la obra, en la etapa final que significa materializarla en la escala deseada, es donde comienza el trabajo de mis asistentes”.

1008, carbonilla sobre pared, 350 x 550 cm, 2010, colección Grupo INSUD, Buenos Aires

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1115, vinilo, 12 x 25 m, 2012, Tecnópolis, Buenos Aires

“La geometría en lugares públicos es amable para la gente y también lo es para la política. No hay elementos escabrosos ni conflictivos como puede haber en la figuracion” Pablo Siquier

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1310, carbonilla sobre pared, 3 x 10 m, 2013, Galer铆a Bar贸, San Pablo, Brasil


“Existe una afinidad entre el espacio público y la abstracción geométrica. Hay una larga tradición de murales de base geométrica en distintas partes del mundo. Y eso ha sido inspirador. La hay en Francia. La hay, extraordinaria, en Venezuela. Como ejemplo, la Ciudad Universitaria de Caracas es una especie de catálogo, hay murales de Albers, de Vasarely, de Max Bill y desde luego de figuras centrales del constructivismo latinoamericano como Soto y Cruz-Diez”.

“La abstracción geométrica en lugares públicos es amable para la gente y también lo es para los políticos que tienen que tomar la decisión de instalarla. No hay elementos escabrosos ni conflictivos como puede haber en la figuración. Pareciera ser que, no solo aquí sino en muchos lugares del mundo, existe un matrimonio de conveniencia entre la geometría y el poder político y económico” -sonríe-. Sin buscarlo, fueron apareciendo una serie de pedidos en distintos lugares de Buenos Aires y así hay obras mías en el subte, en el Teatro General San Martín, ahora en el Parque Thays y también en el portal del Faena, que si bien fue una decisión privada, su visibilidad pública es máxima”.

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En 2012 y 2013 estuviste trabajando en algunos proyectos importantes, entre ellos algunos grandes dibujos que no son tan habituales. ¿Ese proceso también está agotado? Aún no hice todos los dibujos de carbonilla que tenía que hacer, el dibujo perfecto todavía no lo logré, así que me quedan cosas para decir a partir de esos dibujos. Cuando hice la estructura de hierro que se exhibió en el Centro Cultural Recoleta -que luego fue adquirida por el Gobierno de la Ciudad para ser instalada en el Parque Thays, muy cerca de la estatua de Botero- esa estructura dio pie a una serie de dibujos diferentes. Esos dibujos son producto del trabajo en el programa 3D para darle forma a la estructura. Los objetos virtuales que fueron surgiendo en ese proceso, finalmente concluyeron en una nueva serie de dibujos. Son dibujos de gran tamaño, de tres y cuatro metros. Me siento muy cómodo trabajando en esa escala. Más allá de esta serie de grandes dibujos de carbonilla que todavía está alumbrando, afortunadamente mi gusto por la escala encontró una forma de ser canalizado a partir de los encargos que recibí para desarrollar arte en espacios públicos.

Hace un par de años te pregunté si estabas analizando darle un giro a la estética que viniste desarrollando con tanta profundidad en todo este tiempo, me contestaste que sí, pero cuando quise ir un poco más allá me diste sólo el título “Seguramente va a ser color”, dijiste muy firme. ¿En qué anda, cómo sigue Siquier? Llegué a un punto de saturación, sí, de saturación. Estoy aburrido de lo que estoy haciendo, tantos años de límites autoimpuestos te secan el cerebro.

La respuesta contundente y sin filtro me sorprende. Voy por más, directo al punto: ¿Y cúales van a ser los disparadores de ese cambio?

¿Vivís esta etapa de cambio, este salto que querés dar, con cierta angustia o con alegría? No siento angustia porque la necesidad del cambio es la única voz que escucho y estoy en un momento de mi carrera que entiendo que el cambio que se produzca va a ser bien recibido.

Como te dije, hay dos cosas de las que estoy seguro: una es que en ese cambio el color va a ser fundamental y la otra es que no todo va a ser geometría. En mi cabeza ese proceso ya comenzó y va mutando, aunque todavía no se haya probado en la tela. Inexorablemente en el paso de mi cerebro al mundo real es donde se va a dar la batalla. Cualquier cambio que vaya a producir en mi obra necesariamente tiene que involucrar el color, ya que el blanco y negro lo considero agotado. De cualquier manera siempre existe la posibilidad de que se me ocurra un cuadro bueno en blanco y negro, aunque en ese caso sería un retorno puntual. Me pasó luego de esa etapa de cuadros grises en los 90, con el tiempo rescaté algun boceto que lo encontré bueno y me dí el gusto de hacerlo, pero decididamente la posibilidad de renovación y aire fresco para mi cabeza proviene de romper algunas constantes de mi trabajo de los últimos años.

No me refiero a la angustia porque la obra vaya a tener éxito comercial. Me refiero a algo anterior y más íntimo, a la angustia de no poder encontrar en un tiempo razonable ese nuevo lenguaje, que la búsqueda se prolongue y no te conforme… Esa angustia sí, es real y existe. Y creo que va creciendo con cada etapa. Naturalmente es muy diferente a la libertad con la que uno como artista comienza su carrera. Pero hay otra cosa y es que, debido a los compromisos, uno tiene poco tiempo de investigación, de experimentación. Un buena forma es probar, pintar un cuadro y que falles, esa instancia en todos estos años no la pude tener. No podía rechazar proyectos, no había posibilidad de probar algo nuevo ya que toda la energía estaba concentrada en superarme dentro de un mismo contexto, que una nueva obra fuera mejor a la anterior pero siempre dentro de un mismo contexto, entonces no conté con la posiblidad de ese campo experimental y ese tiempo aún no llegó del todo, pero es inexorable que ocurra. La experimentación pasa por liberarse de una gran cantidad de constantes. Quiero pasarla bien, quiero disfrutar de esa experimentación. Todos estos años, en particular los últimos de permanente producción fueron algo duros para mí.

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Tus galeristas, Orly Benzacar en Argentina, Silvia Arrozés en Uruguay, Baró en Brasil, Sicardi y Von Hartz en Estados Unidos, ¿te contienen en este proceso, o pueden convertirse en un ligero factor de presión? ¿Crées que vas a tener la necesidad de aislarte durante este proceso de experimentación?

Las chicas, como yo les digo, siempre me han dejado hacer lo que quería hacer, empezando por Ruth Benzacar que fue una de la primeras personas que creyeron en mi trabajo. Faltaba poco para una muestra y no sabía lo que iba hacer. En realidad yo tampoco lo sabía (se ríe). Un día le dije que iba a hacer unos dibujos con carbonilla en la pared de la galería, pestañeó, habrá pensado “¿qué diablos vendo?” pero me apoyó en todo sentido, hice la muestra que quería hacer y todo se fue encaminando para bien. Todas mis galeristas me han apoyado sin reservas, aún a sabiendas de que hay series que quizás no vayan a tener el mismo éxito que otras, pero siempre han respetado mi visión.

No, creo que no. Pasa por otro lado, sencillamente por no aceptar proyectos grandes, por tener un año tranquilo de exposición, no encarar ninguna muestra individual, en definitiva decirle no a cualquier compromiso profesional significativo. Con eso solo me arreglaría. Además mis pequeños, Olivia y Gerónimo, no me permitirían aislarme mucho (se ríe) y Elisa, mi mujer, tampoco. En realidad no pasa por un tema de concentración, puedo trabajar disperso, para que te des una idea muchos de los cuadros que conocés –tan secos y duros- los produje escuchando a Fernando Niembro de fondo (Niembro es un popular comentarista deportivo en la Argentina).

el Siquier que viene Síntesis de una charla informal con Guillermo González Taboada, editor de Art Democracy

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“En su última muestra en San Pablo, encontramos un Siquier que sin escapar del sistema matemático y geométrico, vuelve a experimentar con el trazo libre y el uso de la carbonilla, conectandose con su propia subjetividad. Este nuevo cuerpo de obra de este genial artista, combina una precisión y un primitivismo que flirtea con el surrealismo”.

“Me gusta la pintura de Siquier. Me interesa mucho, me interesa más cuando rompe la simetría, me interesa un poco menos cuando se hace muy simétrico. Esa relación que tiene de construcción de la línea móvil y demás, la entiendo desde mi perspectiva del caos” YUYO NOE

Flavia Masetto

Referente de la Nueva Figuración argentina

Art consultant

N E V O L S O L L E

ASÍ

0401, acrílico sobre tela, 190 x 120 cm, 2004, Colección Esteban Tedesco, Buenos Aires

Si bien para poder sumergirse en el proceso de experimentación del que surgirá su nueva obra, Siquier ha decidido restringir al máximo sus compromisos profesionales durante el 2014, deberá sin embargo dedicarle algun tiempo a algunos trabajos en marcha. Precisamente en Miami y para el grupo Faena que controla en Buenos Aires el Faena Arts Center, para el que Siquier realizó especialmente dos espléndidos murales, uno de los cuales ilustra el comienzo de esta nota.

1201, hierro, 3 x 14 x 4 m, 2012, Colección Espacio Público, Parque Thays, Buenos Aires

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ŠJillian Edelstein 2012

Vista interior de Leviathan, 2011, PVC, 33.6 x 99.89 x 72.23 m, Monumenta 2011, Grand Palais, Paris Foto: Dave Morgan, Courtesy the artist and Monumenta 2011, French Ministry for Culture and Communication

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Anish Kapoor

Reconocido como uno de los más influyentes escultores contemporáneos, Anish Kapoor despierta el interés del público masivo con sus obras A gran escala.

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“La escala es una herramienta. No se trata de qué tan grande una cosa es, sino de lo significativa que resulta. Lo inmenso nos inspira a todos” Anish Kapoor

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< Vista exterior de Leviathan, 2011, PVC, 33.6 x 99.89 x 72.23 m, Monumenta 2011, Grand Palais, Paris Foto: Dave Morgan, Courtesy the artist and Monumenta 2011, French Ministry for Culture and Communication

No es necesario ser un amante del arte para sorprenderse y sentirse conmovido frente a las esculturas de Anish Kapoor. Sus trabajos de dimensiones imposibles han logrado atraer nuevos públicos al escenario del arte. Las descomunales esferas de goma traslúcida que compusieron su “Leviathan” en el Grand Palais de París, en 2011, representan una suerte de clímax de ese concepto de gigantismo estético que detiene al espectador en el tiempo y lo envuelve en una atmósfera única. “La escala es una herramienta. No se trata de qué tan grande una cosa es, sino de lo significativa que resulta. Lo inmenso nos inspira a todos”, le decía Anish Kapoor durante una charla al curador Marcello Dantas, en San Pablo.

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Kapoor es hoy un mimado del establishment del arte a nivel mundial. Sobre la evolución de su obra opinó Hans Ulrich Obrist, codirector de la Serpentine Gallery de Londres: “Kapoor ha recorrido un largo camino. En los años ochenta ya era conocido e interesante, pero su crecimiento como artista ha sido lento y sostenido. Empezó haciendo objetos de polvo rojo y poco a poco inventó un lenguaje nuevo. Con el tiempo, lo más novedoso ha sido su cambio de escala, sus dimensiones se han ido haciendo mucho más amplias”.

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Nacido en Bombay en 1954, de padre hindú y madre judía, Anish Kapoor es uno de los más sorprendentes y exquisitos artistas de nuestro tiempo. Criado en la India y más tarde educado en Inglaterra, donde asistió al Hornsey College of Art y a la Chelsea School of Art & Design, Kapoor comenzó a cobrar fama en los años 80 y desde entonces no ha parado de cautivar gracias a la originalidad y a la fuerza que transmiten sus obras.

Memory, 2008; Corten Steel, 4.48 x 8.97 x 14.5 metres Foto: Mathias Schormann

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A su talento, Anish Kapoor le suma posiciones firmes. El año pasado, en Londres, no dudó en protagonizar un video en el que bailó el “Gangnam Style” junto a otras personalidades de la cultura para reclamar libertad de expresión en China y en solidaridad con Ai Weiwei, quien por entonces sufría arresto domiciliario por haber parodiado la misma canción, contrariando a las autoridades.

“El arte es una de las últimas cosas materiales que siguen siendo misteriosas” Anish Kapoor

< Tall Tree and The Eye, 2009, Stainless Steel, 1300 x 500 x 500 cm, Leeum, Samsung Museum of Art Foto: Kim Hyun-Soo

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Ascension (Red), 2009, Digital print for ‘Contemplating the Void’, Guggenheim Museum, New York, 2010 >

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Máximo referente de la generación de artistas que representan la denominada “Nueva Escultura Británica” junto a Tony Cragg, Stephen Cox y Richard Deacon, es de esperar que en un tiempo no muy lejano Anish Kapoor haga su presentación en sociedad en Buenos Aires. Allí lo esperan algunos espacios excepcionales, con las dimensiones suficientes para inspirar su imaginación y un público multitudinario que seguramente lo recibirá con aplausos.

“El rojo es el color de interior de nuestros cuerpos. De alguna manera, lo que va de adentro hacia afuera es rojo”. Anish Kapoor

Shooting into the Corner, 2008-2009, Mixed media, De Pont Museum of Contemporary Art, 2012 Foto: Peter Cox

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< Orbit, 2012, Steel, 115 metres, Olympic Park, London, Collaboration with Cecil Balmond, Arup AGU Foto: Dave Morgan

El genio de Kapoor encontró en el ingeniero Cecil Balmond un aliado extraordinario, alguien con la capacidad de interpretar y respetar el imaginario del artista, plasmando en estructuras viables la inspiración original. Balmond colabora con Kapoor desde 2002, cuando emplazaron “Marsyas”, una escultura de PVC y acero, en la Tate Modern. En 2012 asistió a Kapoor en la que quizá ha sido su obra más polémica: la ArcelorMittal Orbit, la gigantesca torre-escultura inaugurada con motivo de los Juegos Olímpicos en Londres, calificada por sus detractores como “la Torre Eiffel después de un ataque nuclear” o el “Godzilla del arte público”. Kapoor, que vive y trabaja en Londres y ganó en 2011 el codiciado Premio Turner, señaló que también la Eiffel de París fue objeto de críticas descarnadas en un principio y definió su torre como “rara y algo rebelde”. “Habrá quienes la amarán y quienes la odien, y eso está bien”, agregó.

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LO VE ASÍ “Sus esculturas interactivas provocan y a la vez generan silencio. El arquitecto, el pensador y el escultor son una persona. Kapoor es uno de los mayores artistas vivos en el mundo.” Daniele Crippa Creador del Museo del Parco, Portofino

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Chromosaturation, Casa de las Américas, La Habana, Cuba, 1999 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

La obra de ese prestidigitador del color que es Cruz-Diez parece no estar anclada ni en el pasado ni en el presente, más bien nos remite al futuro, a algo que nuestra percepción nos indica está por suceder.

Carlos Cruz Diez

Investigador incansable de los efectos ópticos del color, Cruz-Diez es un artista fundamental de nuestro tiempo. En las páginas que siguen vas a ver una pequeña selección de sus obras que –como todas las selecciones- quizá resulte un tanto arbitraria, pero también vas a encontrar sus respuestas –profundas- a una serie de preguntas que desde Panamá tuvo la amabilidad de respondernos y que abren una ventana sobre sus comienzos, su pensamiento y sobre algunos momentos clave de lo que él define como “mi aventura cromática de tantos años”.

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Transchromie à 4 éléments, 2010, París, 66 x 16 x 16 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Color Aditivo Panam Círculos 2, 2010, Panamá, 60 x 80 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

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“He insistido en hacer del color una vivencia, con un impacto afectivo que se sobrepusiese a cualquier otro artificio del acto de pintar. Para lograrlo, emprendí una larga reflexión nutrida de lecturas encaminadas a entender el porqué de muchas cosas y tratar de adquirir una noción universal del arte y de mi tiempo”.

Couleur Additive, Édition Denise René n.1, 1971, Paris, 75 x 75 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Carlos Cruz-Diez, “Reflexión sobre el color”, Caracas, 1989

Cruz couleur additive Diez Physichromie 1619, 2009, París, 80 x 180 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Induction Chromatique Double Fréquence, Casa Daros, Brasil, 2011 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

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Physichromie 1660, 2010, París, 100 x 200 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013


Couleur Additive Denise B, 2007, París, 180 x 80 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Color Aditivo Serie Caracas D1, 2010, Panamá, 80 x 80 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Physichromie 1606, 2009, París, 80 x 160 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Jaune Additif Projet, 1998, París, 20 x 20 cm © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

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Transchromie, Pinacoteca do Estado São Paulo, Brasil, 2012 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Transchromie, en una residencia privada, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Transchromie, Museo Universitario Arte Contemporáneo - MUAC, México, 2012 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

idos, 2010

, Estados Un de Manhattan en una tienda 13 20 , ris Transchromie Pa p, -Diez / Adag © Carlos Cruz

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Transchromie, Museo de Arte Latinoamericano MALBA, Buenos Aires, Argentina, 2011 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013


“El color se me reveló como un importante medio de estímulo a la percepción de la ‘realidad’. La ‘realidad’ de hoy, nuestra noción de realidad, que no es la misma que tenía el hombre del siglo XII, para quien la vida era el tránsito a la eternidad. Nosotros, por el contrario, creemos en lo efímero, sin pasado ni futuro; todo se modifica y se transforma en el instante. La percepción del color nos revela esas nociones. Pone en evidencia el espacio, la ambigüedad, lo efímero, lo inestable, siendo además un soporte de mitos y afecto”. Carlos Cruz-Diez “Reflexión sobre el color”, Caracas, 1989

Cruz Transchromie Diez

Transchromie © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Transchromie, Modulación sustractiva, Academia Merici, Caracas, 2013 © Foto: Oly Velasco

atoire, Mécanique Alé Transchromie 8 x 60 x 60 cm 2010, París, 21 Paris, 2013 -Diez / Adagp, © Carlos Cruz


Environnement Chromointerférent, Guangdong Museum of Art Guangzhou, China, 2010 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Cruz Chromointerférence Diez “No soy poeta, ni escritor, ni historiador, ni filósofo. Sólo soy pintor. Por eso pensé que investigando un mundo eminentemente ‘pictórico y perceptivo’, como lo es el del color, podría encontrar una vertiente que fuera expresión de mi tiempo y no hubiese constituido motivo de reflexión para otros artistas”. Carlos Cruz-Diez, “Reflexión sobre el color”, Caracas, 1989

Environnement Chromointerférent, Miami, Art Museum Miami, Estados Unidos, 2012 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

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férent, Jeonbu nt Chromointer ris, 2013 Environneme iez / Adagp, Pa -D uz Cr s rlo © Ca

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Environnement Chromointerférent, Art Museum Miami, Estados Unidos, 2012 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

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Chromosaturation, Hayward Gallery, Londres, Reino Unido, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013 Foto: © Linda Nylind

Cruz Chromosaturation, The Museum of Fine Arts, Houston, Estados Unidos, 2011 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Chromosaturation, Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Alemania, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013 Photo: © Ursula Sprecher

Chromosaturation, Hayward Gallery, Londres, Reino Unido, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013 Photo: © Linda Nylind

Chromosaturation, Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Alemania, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013 Photo: © Ursula Sprecher

ELLOS “Artistas como CruzDiez demuestran que la geometría no es decorativa sino un verdadero campo de investigación y experimentación formal”. RODRIGO ALONSO Curador Independiente

“Cruz-Diez, a quien conocí personalmente, es un genial artista producto de la explosión modernizadora de Venezuela en los 50´. Vanguardista, experimentador, refinado, es un profundo analista del arte y su rol en la sociedad moderna. Si me piden ubicarlo en el contexto de los argentinos, lo pondría entre Lozza, Tomasello y Le Parc” Ricardo Esteves Empresario y consultor, fue miembro del board latinoamericano del MoMA.

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LO VEN ASÍ


Chromosaturation Diez Chromosaturation, Americas Society’s Art Gallery, Nueva York, Estados Unidos, 2008 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

Chromosaturation, Galeries Nationales du Grand Palais París, 2013 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013

“Creo que todo artista que pretende modificar un discurso precedente tiene que escribir mucho y explicarlo”. “La gente acepta siempre las técnicas tradicionales del arte, cuando uno va en contra tiene que orientar y explicar el porqué. Ya lo hicieron los constructivistas, hay que ver lo que escribió Malevich, lo que escribió Klee, y yo he seguido esa vía. Cuando empecé a exponer mis obras, la gente no entendía nada. Es lo que sucedió con las “Cromosaturaciones”, es decir, las ambientaciones de color que hice en 1965, aunque no las pude exponer hasta 1968 en Grenoble. Como no había objetos ni formas, la gente pasaba de largo y no se detenía. Somos adoradores de la forma y la gente, al no encontrar ninguna ni hallar nada que mirar, se iba. Por eso sentí la necesidad de explicarlo, porque el arte es para ellos, para su placer. Y es que la gente mira, pero no ve”. Carlos Cruz-Diez, “Reflexión sobre el color”, Fundación Juan March, Madrid 2009

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Art Democracy agradece a Carlos Cruz-Diez sus detalladas respuestas.

DiezparaCruz-Diez Carlos Cruz-Diez, París, 2010 © Carlos Cruz-Diez / Adagp, Paris, 2013 Photo: © Luz Perez-Ojeda

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¿En que momento o circunstancia decidió dedicarse por entero a su arte? Es una motivación que viene desde la infancia. De niño, mi mayor placer era inventar juguetes, dibujar y hacer tiras cómicas. A los 13 años mi tío me regaló una pequeña cámara de cine con la cual hacía films de aventuras con los compañeros del barrio. También fabriqué una cámara de fotografía de las que llamaban “minutero”, porque las fotos se revelaban al instante dentro de la misma cámara. Imprimía pequeños periódicos que distribuía entre los alumnos de la escuela, es decir, me fascinaba todo lo que era la imagen y su multiplicación. A los 17 años le dije a mis padres que no quería seguir estudiando en el Liceo, sino ser artista. Ellos se fascinaron con mi propósito y me apoyaron a desarrollar mi vocación.

¿Cuál fue el mayor elogio que recibió por su trabajo? Al principio recibí demoledoras críticas, que por haberme basado en un análisis de la historia y creer profundamente que yo tenía la razón, no afectaron mis propósitos. Me daba la impresión de estar viviendo en una sociedad de ciegos. Hoy en día, no me puedo quejar, las nuevas generaciones disfrutan de lo que he descubierto y puesto en juego. ¿Qué mayor elogio que el que me brindan los jóvenes de hoy?

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¿Tuvo algún momento de duda o se sintió desalentado en esos primeros años? Si así fue, ¿cómo lo superó? Mi pasión por el arte era muy grande y lo que sentía no era desaliento, sino inconformidad con los resultados que obtenía. Era el primero y el último en entrar y salir de la Escuela de Arte. Me inscribí en numerosos cursos de Arte Puro y Artes Aplicadas. A los dos años comencé a dudar viendo a los alumnos de cursos más avanzados sufriendo y desalentados con el hecho de pintar, mientras que para mí era placer y alegría. Pensé que si hacer arte era sufrir, posiblemente yo no sería artista. Me retiré de los cursos de Arte Puro, como se llamaban, y me dediqué al diseño, la ilustración y a estudiar para ser profesor de Educación Artística. Años más tarde, entendí que la angustia que sufrían mis compañeros, era la ardua tarea de encontrar su propio discurso, su propia verdad. ¿A qué artistas admira y quiénes considera que influenciaron su trabajo o fueron una motivación para su carrera? Pase mucho años de desconcierto y dudas buscándole razón al compromiso que me había impuesto. ¿Qué era ser un artista? ¿Qué era el arte y cuál papel jugaba en la sociedad? La búsqueda de esa respuesta, me obligó a una disciplina de lecturas y análisis de la historia. Mi discurso plástico no es lo que vulgarmente llaman un estilo, es mi análisis de cómo el color ha sido utilizado en el arte a través de los siglos. El punto de partida de mi reflexión tuvo otra estructura, por lo cual, no podría decir cuál artista en particular me ha influenciado, porque son muchos. En general, todos los artistas que a través de la historia han inventado el arte. Yo, dentro de mis posibilidades, quería seguir su ejemplo: inventar la pintura, inventar el arte.

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¿Cuál fue la obra, si es que hay una, o cuál el período a partir del cual Cruz-Diez sintió que había encontrado su propio lenguaje? La “Phisichromie Nº 1”. Ella fue el resultado de 20 años de experimentos y búsquedas, unas exitosas y otras fracasadas, pero que no habían logrado satisfacer mis propósitos. En el año 1951 cayó en mis manos el libro Teoría de los Colores de Johann Wolfgang Goethe, el cual despertó mi interés por el mundo fascinante del color. En 1954 logré mis primeras experiencias cromáticas con unas estructuras participativas, con la intención de ser instaladas en la calle. Estas búsquedas culminaron en 1959 con la creación de la serie Physichromies, estructuras que llevan el color al espacio, haciéndose y deshaciéndose continuamente ante nuestros ojos.

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¿Y cuál fue la crítica que usted considera más acertada? Se han escrito excelentes análisis sobre mi obra, pero, si hubiera que señalar alguno, sería “Cruz-Diez y las tres etapas del color moderno” del crítico francés Jean Clay, escrito en 1968. Su importancia radica en haber sido el primer crítico europeo que entendió el discurso y lo situó históricamente. También los críticos e historiadores Alfredo Boulton y Ariel Jiménez han hecho análisis fundamentales para comprender mi aventura cromática de tantos años. El color es un factor esencial en sus trabajos. ¿Cuanto de investigación y cuanto de intuición –si se puede poner en esos términos- hay en el camino hasta lograr ese protagonismo del color en cada obra? La obra de un artista es la confluencia de muchos factores. A veces es la intuición pura, otras es el conocimiento o la combinación de ambos y no hay que descartar el azar, que de tiempo en tiempo mete su mano. En mi caso, yo comencé por el deseo inaplazable de decir cosas pintando. Creía indispensable dejar testimonio de lo que veía. Luego tomé el camino de la reflexión y del conocimiento, para darle forma y sentido a mis condiciones sensibles innatas, que había traído de fábrica… Me di cuenta muy temprano de que para utilizar eficazmente las condiciones con las que nacemos, hay que estructurarlas. La sensibilidad, la intuición poética, el oído musical, la eidética en estado bruto, sin un hilo conductor, es muy difícil que nos conduzcan a la invención del arte.

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¿Hay algún lugar en el mundo en el que le gustaría especialmente realizar una intervención urbana? No tengo un lugar preferente, porque todo espacio urbano es interesante para intervenir, pero requiere de un minucioso análisis de circunstancias. Hay que analizar su ubicación, la escala, volumetría, coloración, las condiciones de luz y las visuales. De lo contrario, se convierte en un agregado más a la contaminación visual de las grandes urbes. Las obras de arte integradas a la calle deben ser un mensaje de alivio al espíritu del robotizado y obediente peatón que cada día está obligado a transitar el mismo camino sin que su entorno le aporte nada.

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¿En qué está trabajando actualmente? ¿Cuál es su próximo desafío? Felizmente estoy trabajando en varios retos en América y Europa, que espero lleguen a buen término. ¿Qué sugerencias le haría a quien se inicia como artista? Muchas veces he dicho que no es conveniente dar consejo a los jóvenes, porque lo que uno pueda decirles siempre estará fuera de su tiempo. Lo mejor, es que cada quien se arriesgue a correr su propia aventura, como en mi caso y el de todos los que me precedieron.

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Angel Corella y el Barcelona Ballet.

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Diego Radivoy escribe para Art Democracy

Parte I

Diego Radivoy, emprendedor argentino. Junto a Liana Vinacur y Martin Boschet -exdirector ejecutivo del Teatro Colón-, titulares de la productora ARS, ideó la primerA Gala de Ballet de Buenos Aires, que desde entonces reúne a primeros bailarines y solistas de las grandes compañÍas del mundo. Mientras este espectáculo anual va camino A convertirse en un clásico, Diego Radivoy nos introduce al backstage del ballet de hoy y A sus principales figuras. 59


Enero de 2012, con un portazo de esos que hacen eco en la historia, Sergei Polunin, aquel que con solo 19 años fuera el más joven bailarín principal de la historia de la Royal Opera House de Londres, y a los 21 imagen publicitaria de todo el teatro, le decía de la manera más irreconciliable posible, adiós a una de las cinco grandes compañías de ballet del mundo. Claramente no estamos hablando de cualquiera. Si toda revolución necesita un caudillo, aquí tenemos la perfecta composición posmoderna de l’enfant terrible. Eximio bailarín, formado como gimnasta en la escuela de Ucrania hasta los 8 años y luego desde los 13 en la Royal, ya si para ser bailarín, se ha vuelto además un icono fashion en los círculos que marcan tendencia en la moda. Sergei Polunin fue innumerables veces buscado para producciones fotográficas por su imagen de rock star, evidenciada en los prolíferos tatuajes que decoran sus brazos y su cuerpo con inscripciones que van desde la bandera de Chechnya, la palabra “death” hasta incluso cuatro cicatrices autoinflingidas a la altura del corazón que simulan el desgarro de algún animal salvaje. Definitivamente Polunin ostenta el apreciado mérito extracurricular de estar muy distante de la imagen del bailarín clásico a la que el público viene acostumbrado. Ya sea en Vogue, en la nota de tapa de The Economist o también en la tapa del último número de CR, la muy requerida revista de moda neoyorquina de Carine Roitfeld, en cuya portada Polunin tuvo el raro privilegio de ser fotografiado nada menos que por el mítico director de cine Gus Van Sant. Ya sea para verlo bailando, posando o para preguntarle sobre él, la prensa y los medios se han ocupado en extenso de su historia de vida. Bruce Weber, el más famoso fotógrafo de moda, fue el disparador de todo esto al pensar en Polunin para protagonizar su campaña de Dior Homme Paris (luego vinieron Kenzo, DKNY y varias más). Sexo, drogas y rock and roll en sus tweets, ya sea abajo o arriba del escenario, nada afecta su prestigio ni el inigualable placer de aquellos que lo han visto bailar. A la distancia, la Royal Opera House de Londres, con la esperanza de que regrese un día como en la parábola del hijo pródigo, lo mantiene inamovible en su pagina web junto a los demás primeros bailarines de su compañía.

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Es así, el fashion descubrió la potencialidad oculta en la esbeltez de los bailarines, en su desarrollado sentido de la postura y en esa flexibilidad que desafía las reglas anatómicas, y que sintetizan una alianza perfecta entre estética y arte. La moda, sin duda, es hoy una aliada indiscutida para que la danza cautive nuevos espectadores. Y este join venture tácito suma nuevos socios a diario: H&M eligió como protagonista de su última campaña americana a la bella y estilizada bailarina rusa Polina Semionova; y Armani de Italia eligió a la megaestrella de la Scala de Milan Roberto Bolle como modelo exclusivo. La maquinaria del marketing global ya está en movimiento... Noviembre de 2011, Vladimir Kekhman, el muy controversial tycoon vendedor de bananas, descubrió que tenía una nueva misión en la vida: el ballet. Fue así que se las arregló para ser nombrado director de un olvidado teatro de San Petersburgo, posición que logró sin mayores méritos que el haber comprometido una inversión de más de $30 millones de dólares con la no velada intención de convertirlo en el segundo teatro más prestigioso del mundo. No le alcanzó con la fastuosa renovación edilicia. En el mundo de hoy no basta con invertir millones, además hacen falta ideas. Fue entonces cuando, logró lo inimaginable, convencer a la pareja de mejores bailarines del Bolshoi, Ivan Vasiliev y su mujer Natasha Osipova –ambos premios Benois de la Danse a los mejores del mundo en el 2009– para que se desaferren de aquello que todo joven bailarín ruso tiene como meta máxima de su carrera y se animen a abandonar el Teatro Bolshoi para convertirse en las nuevas estrellas del renovado y rebautizado Mihailvosky Theater. No bastó, también consiguió a Vladimir Sarafanov, premio Benois al mejor del mundo en 2006 y máxima figura del Teatro Mariinsky, segundo más prestigioso teatro de Rusia, otrora conocido como el Kirov. Y para coronar este coup d’état al orden ruso importó por primera vez en cien años a un extranjero como director artístico, el elegido fue uno de los coreógrafos de moda del momento, nada menos que el español Nacho Duato. Daniil Simkin, bailarín ruso habitual del circuito internacional de ballet de gala. ©EnricoNawrath

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Cuando se le pregunta a Vladimir Kekhman cuál fue el secreto de su exitosa recolección de talentos, él no tiembla en afirmar: “Simplemente les pagué a las estrellas como lo que son... estrellas”. Claro que no desconoce la considerable influencia de además haberles entregado un departamento en propiedad a cada uno. Honrando la justificada creencia popular de que los mejores ajedrecistas son rusos, la respuesta del Bolshoi no se hizo esperar demasiado desde Moscú, y se trajo nada menos que a David Hallberg, primer bailarín del American Ballet Theatre de NY. Este inesperado gambito logró que desde CNN hasta el periódico Pravda le dedicaran páginas, editoriales e informes al histórico enroque artístico que culminó con un americano siendo el bailarín principal del Bolshoi por primera vez en la historia. De aquellas décadas de la Guerra Fría solo cenizas quedaban en el que supo ser el principal teatro soviético. David Hallberg ostenta sobresalientes méritos como bailarín y además también un mérito extracurricular: si bien es originario de Dakota del Sur, por su aspecto perfectamente podría haber nacido a cuadras de la plaza roja en Moscú. Es bien claro, ya bastante arriesgado era traer un bailarín americano a Rusia como para además traer a uno que no lo pareciera.

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fly?” ke the music en “Can I ma Sergei Polunin uce Weber, 2012 Br una película de

Sergei Polunin, buscado por su imagen de “Rock Star” para producciones de moda y campañas publicitarias.

“¿Ballet? Sí, por favor”, Parte II, en la próxima Art Democracy 62


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Intervención sobre el poster “The Enigma of Kaspar Hauser” de Santiago Pozzi, para Red Vic Movie House, 2011.


Santi Pozzi Desde su cuarto de adolescente en las afueras de Buenos Aires hasta la mítica cuna del rock poster en San Francisco, el sueño de Santi Pozzi jamás se detuvo. La historia inspiradora de un chico talentoso, elogiado por los mejores.

Chuck Sperry, cofundador de The Firehouse Kustom Rockart Co. en la foto con Santi Pozzi.

Hasta mediados de los años 60, en los Estados Unidos, los posters para anunciar recitales de rock eran similares a los que se usaban para anunciar las grandes bandas de jazz o sea del tipo boxing style: tipografías sencillas de distintos tamaños, sobre un fondo de color. Nada más lineal y aburrido. Pero algo se estaba cocinando en la costa oeste, más precisamente en San Francisco. Allí se había iniciado la moda de los dance-concerts –precursores de los happenings– en los que actuaban grupos locales. La popularidad de estos encuentros de “música, baile y luz” fue tal que comenzaron a sumarse a ellos muchos de los famosos rockeros de entonces. Estos eventos eran algo más que conciertos, eran encuentros multitudinarios, el embrión mismo de la cultura hippie. En ese caldo de cultivo aflora un estilo de gráfica que influenciaría por décadas la promoción de la música, del poster y del diseño gráfico en general.

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Ilustración de cubierta para el libro de Charly García, Charly en el país de las alegorías, de Gourmet Musical Ediciones

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ouse Kustom

The Fireh cofundador de Ron Donovan, zzi. Po nti Sa n co en la foto

Rockart Co.

En esa cultura se criaron Ron Donovan y Chuck Sperry. El primero de ellos es considerado el bad boy de los creadores de posters de rock desde que fundó en 1985 “We are not Gentlemen”, una conjunto de “saboteadores” del arte que hicieron base en el California College of Arts and Crafts. En los últimos 25 años Donovan creó cientos de vanguardistas posters de rock que se diseminaron por el mundo. Chuck Sperry desarrolló su particular estilo gráfico a lo largo de 20 años y como Donovan es uno de los referentes máximos. El trabajo de Sperry ha inspirado a una nueva generación de artistas, creadores y serigrafistas del poster a nivel mundial. Ron Donovan y Chuck Sperry fundaron la famosa aunque hoy disuelta Firehouse Rockart Co., meca de los diseñadores de posters de todo el mundo. Hasta ellos, en 2011, llegó un chico de Lomas, en las afueras de Buenos Aires, llamado Santi Pozzi. Santi había estado antes en California, gracias a un tío que lo recibió durante una temporada, cuando no tenía idea de lo que iba a hacer de su vida. Fue entonces cuando vio en San Francisco una muestra de Victor Moscoso y otros afichistas zarpados de los 60, que trabajaban para The Doors y bandas por el estilo. El impacto fue profundo y de regreso a Lomas, Santi empezó a desarrollar su sueño. Comenzó estudiando diseño gráfico, se anotó en un curso de serigrafía, investigó obsesivamente y en un cuarto de la casa de sus abuelos instaló un tallercito amateur que sería el origen de su Imprenta Chimango. El arranque de Santi en The Firehouse fue como tenía que ser. Ron y Chuck pusieron a Santi a barrer, pintar el baño y lavar los shablones pero, a la vez, lo guiaron para hacer lo suyo. Al poco tiempo estaba trabajando en los posters de Primus y Crystal Castles. Un día Ron se fue a tomar una cerveza y lo dejó a cargo de los afiches de un tal Eric Clapton. Fueron tres meses que difícilmente vaya a olvidar.


El sueño de Santi continuó en Buenos Aires. El contacto con Ron y Chuck –que luego disolvieron la mítica The Firehouse– lejos de extinguirse se afianzó. Invitado por Santi, Chuck vino para dar una conferencia sobre la creación de posters de rock y, poco después, Pearl Jam le encargó un poster para un concierto que daría aquí. Chuck le propuso a Pearl Jam cocrear ese poster con Santi, elogiando de una manera inusual su trabajo.

Mientras todo esto sucedía, el nombre de Santi corrió rápidamente entre los productores y figuras del rock argentino. Y los trabajos se multiplicaron. La Imprenta Chimango es hoy el referente indiscutido del poster de rock en esta parte del mundo. De allí han salido magníficos trabajos, como el de Lito Nebbia y la Perla Irregular o la cubierta del libro Charly en el país de las Alegorías, el libro de Mara Faravetto editado por Gourmet Musical Ediciones que propone “un viaje por las letras de Charly García”. El sueño de Santi está más vivo que nunca y continúa...

ELLOS “Santi ha aprendido y adoptado los principios de la tradición de pósters de San Francisco, y su trabajo lleva este enfoque consigo hasta Argentina, donde él puede mezclarlo con sus imágenes nativas y motivos visuales para articular una nueva percepción”. CHUCK SPERRY Cofundador de The Firehouse

“Fue grandioso trabajar con Santi. Él realmente aprendió un montón mientras imprimía el primero de tres posters de Eric Clapton en 2011. Sus creaciones mientras trabajamos en Firehouse eran cada vez mejores. Hay un gran futuro por delante para él”.

LO VEN ASÍ

RON DONOVAN Co fundador de The Firehouse

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D Í A S

E

Los cinco años de Guillermo Alonso frente al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de la Argentina dejaron una estela que perdurará en el tiempo. Su gestión tiene el sello del profesionalismo y la entrega personal. Almorzamos con él en el espléndido AlgodOn Mansion -el hotel boutique de la calle Montevideo en Buenos Aires- y durante la charla se hizo evidente que lo suyo ha sido visión de futuro y una enorme pasión.

“Me presentaron a Guillermo Alonso hace algunos meses, cuando aceptó presentar el libro de Josefina Robirosa (Rafael Cippolini / Vasari / Art Democracy) Aquel fue un encuentro breve y hasta ese momento solo lo conocía por su actividad pública y algunas referencias. Me impresionó entonces como alguien sólido y con una gran autoridad, en su rol de director del MNBA. En la charla que mantuvimos en Algodon descubrí que además es un tipo sencillo, cálido, con una genuina pasión por el arte. Alguien que expone sus opiniones con absoluta firmeza, sin dejar de ser amable en ningún momento. Abogado, 48 años, dos hijos, Guillermo Alonso respondió sin pedir ningún off-the-record”. Guillermo González Taboada

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N

E L

M U S E O

Una entrevista de Guillermo González Taboada / Art Democracy, Buenos Aires ¿Recordás cúal fue la primera vez que te conmoviste frente a una obra de arte? Es una pregunta que me hacen de manera recurrente y nunca puedo responderla, lo cual me hace pensar que mi pasión por las obras de arte está muy en el origen de mi vida, y probablemente sin que yo haya racionalizado nunca al respecto. Pienso de esta manera porque sí recuerdo perfectamente mi deslumbramiento con la lectura, que fue a los 11 años con una serie de obras de Shakespeare, Sófocles y O’Neill, que me impactaron muy fuertemente.

Más allá de tu conocimiento y vinculación con el arte, ¿qué te llevo a aceptar concursar por el cargo de director del MNBA? Me pareció muy interesante que se llamara a un concurso en el que había que presentar un proyecto de gestión ante un jurado de destacadas personalidades internacionales. Fue muy estimulante hacerlo y tener la oportunidad de discutirlo con ellos. Esa fue la principal razón, además de mi entusiasmo y honor por ejercer ese cargo que disfruté tanto.

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¿Cúal era el principal desafío del MNBA cuando asumiste como director? Sin duda preservar la integridad de la colección que estaba amenazada por una serie de litigios judiciales. La Corte Suprema había ordenado al MNBA devolver una valiosísima donación. Paralelamente, los herederos de la colección Guerrico reclamaban la restitución por incumplimiento de los términos de esa donación. Mi primera medida, fue resolver la exhibición de esa colección, lo que desactivó el conflicto. Posteriormente, se obtuvo un fallo de la Corte Suprema que dio la razón al museo –y sentó nueva jurisprudencia al respecto- sobre el litigio de la colección Girondo. Esos fueron dos logros fundamentales, ya que difícilmente el Estado podría recuperar obras tan valiosas para el patrimonio público.

Como director del MNBA, ¿cuál crees que fue tu mayor logro y cúal tu mayor fracaso? En el siglo XX, los museos de todas las grandes ciudades del mundo se convirtieron en hitos de la vida cultural y turística. Eso no pasaba en Buenos Aires y entendí que era prioritario recuperar el esplendor del edificio, de tal modo que permitiera lucir adecuadamente la colección. Impulsé importantes reformas en la planta baja, en el primer piso, y en el pabellón de exposiciones temporarias, que fueron muy bien recibidas por el público en general. Se editó el catálogo razonado del MNBA, producto de una extraordinaria investigación, y se llevó adelante un programa de muestras temporarias muy destacadas. Uno ejerce el cargo en un período de tiempo limitado, y di lo mejor de mí para obtener estas transformaciones, siempre quedan cosas pendientes, pero creo que ninguna puede ser considerada como fracaso.

¿Volverías a dirigir un museo en la Argentina o en otra parte del mundo? ¿Qué condiciones pondrías para tomar nuevamente esa responsabilidad? No lo sé. Y la única condición que me he puesto en cada desafío que he tenido en mi vida es que el proyecto me entusiasme y me estimule intelectualmente.

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¿Qué importancia reviste a tu juicio el coleccionismo local? ¿Creés que hay una manera en especial para incentivar ese coleccionismo? Argentina tiene históricamente muy buen nivel de coleccionismo y también de filantropía. Prueba de ello es la colección del MNBA que reúne, entre otras, las colecciones: Santamarina, Guerrico, Hirsch, Bemberg, Di Tella, etcétera. Uno observa similitudes con los procesos de importantes instituciones internacionales, es decir, familias y coleccionistas compran y luego donan. Así han surgido los principales museos americanos. Creo que en algún momento, en nuestro país, este comportamiento perdió su dinámica por la decadencia de las instituciones. El año pasado el MNBA recibió la donación de la colección de fotografías de Rabobank, en un gesto de gran inteligencia de la compañía que permitió retomar ese impulso que ojalá continúe.

“Cada vez hay más gente en los museos, las muestras baten récords de público y la gente destina más tiempo de su vida a la actividad cultural”

Desde mi punto de vista, lo fundamental para incentivar al coleccionista, es el rol de las instituciones (concretamente los museos) que deben incrementar sus colecciones, ya sea con fondos propios o donaciones, pero siempre liderando intelectualmente el proceso. Por otra parte, se debe legislar teniendo en cuenta normas que incentiven y faciliten a las personas, empresas e instituciones la adquisición de obras de arte como se ha hecho con mucho éxito en otros países, concretamente: ley de mecenazgo, leyes de coleccionista público y privado y, a su vez, eliminar los impuestos hoy vigentes para las obras de arte que ingresan al país.

Guillermo Alonso

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¿Cómo ves el mercado del arte en la Argentina? Con un enorme potencial dentro y fuera del país.

¿Creés que el arte se ha convertido en una moda y que hay gente que se acerca al arte simplemente por afán de figuración o pertenencia a un grupo social? Probablemente, pero esto no es lo relevante a mi modo de ver. Lo que es trascendente, comprobable y está estudiado en todo el mundo es que cada vez hay más gente en los museos, que las muestras baten récords de público, y que la gente destina más tiempo de su vida a la actividad cultural. Ese es el fenómeno interesante.

Almorzamos con Guillermo Alonso en el espléndido Algodón Mansión -el hotel boutique de la calle Montevideo de Buenos Aires- donde algunas piezas notables de arte contemporáneo, como el Hoffmann que cuelga en su restó, han encontrado su lugar.

¿Cúales son los tres jóvenes artistas argentinos a los que le ves más futuro? Jorge Macchi, Matías Duville y Leandro Erlich seguramente forman parte del grupo más destacado de jóvenes artistas argentinos.

¿Qué creés que tiene y qué le falta al arte argentino para trascender en el mundo? El arte argentino tiene todas las condiciones y, en muchos casos, trascendencia internacional. Lo que falta es una inteligente política cultural, ausente en nuestro país. Citando dos casos cercanos: México y en años más recientes Brasil, han llevado políticas en este sentido, con extraordinarios resultados.

¿Qué te ves haciendo dentro de cinco años y cuál creés que será tu relación con el arte por ese entonces? No tengo la menor idea. Espero estar siempre vinculado al mundo del arte y la cultura.

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Claudio Roncoli escribe para Art Democracy

Claudio Roncoli ha exhibido en varios países de LatinoAmérica y tambiÉn en Miami y Nueva York. Su “pop” ha cosechado una gran cantidad de seguidores, especialmente entre el público más joven. pero ademÁs, Este excreativo publicitario volcado al arte desde hace más de 10 años tiene otra pasión: el rock. Y aquí cuenta cÓmo su particular vínculo con la música lo salvó de la caída. llamado Destroyer, y si bien mi inglés no era pefecto, podía intuir que de algo sobre destruir o divertirse estos cuatro muchachos hablaban. Pero no quiero detenerme solo en este grupo sino en las miles de bandas que fueron acompañando toda mi vida hasta el día de hoy, tal vez ahora con la tecnología los grupos sean miles de miles ya que internet nos facilitó ampliar nuestra discoteca digital.

¿Pensaron cual fue el primer grupo de rock que llegó a sus oídos? ¿A qué edad? ¿Y el segundo? A mis tempranos cinco años no solo llegó a mis oídos el primer grupo de rock sino también a mis ojos, y como si fuera poco se rumoreaba de ese grupo que aplastaba pollitos en el escenario. Sí, era Kiss, la banda que ingresó a mi cerebro directamente por los ojos cuando ví por primera vez un álbum de rock, un vinilo

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El rock salvó más de una vida, no solo la mía, porque una canción puede transportarnos a un momento determinado, o a una experiencia pasada y tal vez hasta olvidada. Escuchar Pink Floyd me recuerda mis días de vida solitaria, cuando pude dejar el nido de mis padres y emigrar a un departamento de casi un ambiente en pleno barrio de Once. Escuchar Sueño Stereo, el séptimo y último álbum de estudio de Soda Stereo, es rememorar toda la década del ochenta cuando la adolescencia estaba librada de celulares, MP3 y YouTube. Tener un walkman era algo así como ser un astronauta por las calles, si bien no estábamos pisando la luna, era como si lo estuvieramos haciendo. Kiss, Soda Stereo, The Police y Charly García era el cuarteto más ecléctico que me acompañó de los cinco a los 15 sin parar, esa mezcla sea tal vez la culpable de mis collage en gran formato en el cual intento decir algo que nos pasa a todos sin perder la impronta personal y la identidad que nos caracteriza a cada uno de nosotros. El rock salvó mi vida cuando un tarde de mucho calor, mi amigo Adrián y yo volvíamos de andar en bicicleta por San Isidro. En la puerta de mi casa Adrián se despidió y me dijo: “…paso 18:30 y nos vamos al baile…”. Faltaba poco para terminar la secundaria y los bailes que organizábamos con el centro de estudiantes eran moneda corriente en el gran patio de nuestra escuela. Sinceramente no recuerdo si había Dj, pero sí muchos cassettes y vinilos acumulados en cajas de cartón que cada uno llevaba para hacer más interesante la propuesta musical en la pista de baile (con “New Sensation” de INXS mis pies no paraban), pista improvizada con luces prestadas y celofanes de color para cada lamparita, en especial celofán rojo para los lentos al ritmo de ‘’Still loving you’’ interpretado por Scorpion.

Adrián no llegó, pero sí el llamado de otro amigo diciendo que Adrián había muerto. No entendía nada, primero me reí pensando que me hacían una broma pesada, pero luego, cuando la verdad fue un trago amargo, sentí desesperación e impotencia. Con solo 15 años, Adrián y un par de pastillas, más un baño de agua fría, hicieron que desapareciera por completo de este planeta. Era mi primer velorio, recuerdo haber prometido nunca más en la vida ir a ninguno (mi promesa sigue en pie). Rumores de su tristeza de padres separados, de un padre ausente y un padrastro que mejor no recordar, hicieron poner en el pentagrama una nota muda, un silencio de horas interminables. U2 con “Sunday Bloody Sunday” y todo su disco entero Under A Blood Red Sky de 1983 era lo único que podía escuchar, ese era su grupo favorito entre otros. La música fue para mí el mejor refugio para intentar comprender la muerte, para entender por qué los jóvenes y los niños también deben morir a veces. SUMO, otro grupo preferido de Adrián y al cual me costó tiempo entender, fue también parte de nuestras locuras cuando nos escapábamos del colegio. SUMO era la banda de sonidos de nuestras aventuras junto a otros compañeros, y cuando a veces en alguna tarde escucho el tema “No duermas más” (Divididos por la felicidad, 1985), Luca me canta: “I’d like to buy a little bike, now and drive over and see you, but...” El rock salvó mi vida, mantuvo viva la de Luca y la de Adrián, pese a su infierno familiar. Piensen qué hizo el rock por ustedes y estoy seguro de que se sorprenderán.

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Madrid

Si estás girando por allí, no te lo pierdas.

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MADRID

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LONDRES

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edición impresa | abril 2014

En 1968 (1968!) durante la Bienal, tiñó las aguas del Grand Canal de Venecia para denunciar el avance desmedido de la civilización sobre la naturaleza. Si Uriburu hubiera nacido en los Estados Unidos o en Europa, su enorme cuerpo de obra “en défense de la nature”, seguramente habría trascendido mundialmente y hoy valdría millones. Imagen: “Girafe et Chrysler Building”, Nicolás García Uriburu, París, 1973. ¿Qué puede suceder con algunas vanguardias latinoamericanas en los próximos años?

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Una mirada desprejuiciada sobre el arte contemporáneo.

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