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July 17 – September 29, 2019


Floorplan First Floor Amanda Bradley, From One Sea, 2019. Black and white photographs printed on mesh, dimensions variable. Courtesy the artist

The first floor vitrine is located just past the front entrance, on the left side wall.

Second Floor 1 Amanda Bradley, Carried by the horizon, 2019. Diptych, archival pigment prints, 11 × 17 inches, each. Courtesy the artist 2 Jamilah Sabur, Mnemonic alphabet (S/Saudade), 2019. Neon, transformer, print on cotton rag, Honduran mahogany, enamel, framed, 44 × 54 × 3 inches. Courtesy the artist and Nina Johnson Gallery 3 Cristine Brache, There’s no place like home 2019. Singlechannel color video with sound, 5 minutes 50 seconds, looped. Courtesy the artist and FIERMAN, NY 4 Amanda Bradley, Before a new year, 2017. Archival pigment print, 11 × 17 inches. Courtesy the artist 5 Jesse Chun, voiceless consonants, 2019. Airport speaker, wire, audio. Dimensions variable, 1 minute 43 seconds, looped. Courtesy the artist 6 Jesse Chun, enunciating silence and, 2019. Graphite, silicone, wood, paint, dimensions variable. Courtesy the artist 7 Paloma Izquierdo, 305888-4659, 2019. Vertical PVC blinds with printed advertisement, approx. 92.5 × 41 inches. Courtesy the artist

Gallery 8 Cristine Brache, Colonial style Domino table (self-portrait), 2017. Porcelain, silicone, curly maple, dried oxeye daisies, glass, 33 × 33 × 45 inches. Courtesy the artist and FIERMAN, NY

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Bathing, 2018. Archival inkjet print from scanned negative, 14 × 12 inches.

Buying Lobster, 2015. Archival inkjet print from scanned negative, 15 × 15 inches.

Car Wash, 2017. Archival inkjet print from scanned negative, 15 × 15 inches.

Hair Flip, 2019. Archival inkjet print from scanned negative, 23  × 20 inches.

Mom’s Feet (River), 2017. Archival inkjet print from scanned negative, 20 × 20 inches.

Small Boats, 2014. Archival inkjet print from scanned negative, 12 × 12 inches.

All works courtesy the artist and Spinello Projects

10 Agustina Woodgate, SIMPLIFIED WORLD, 2014. Sanded pull-down map, 51 × 68 inches. Courtesy the Collection of Anthony Spinello 11 Natalia Lasalle-Morillo, holguín, hialeah, 2018. Multichannel video installation with screens, fabric and sound, approx. 30 minutes, looped. Courtesy the artist

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9 Michelle Lisa Polissaint, Back Balcony View, 2019. Archival inkjet print from scanned negative, 14 × 12 inches.

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It will never become quite familiar to you Angelica Arbelaez In It will never become quite familiar to you, eight artists with ties to the United States as well as countries in the global south mine their own personal histories, connections and relationships to their homelands, as a way to explore the intersections of their cultural heritage. At the center of this exhibition is a series of introspective inquiries and self-explorations that manifest via sculpture, photography, sound and film. These explorations navigate through intimate spaces, and speak to a shared cultural perspective that is rooted in diasporic and immigrant narratives. Some of the artists were born in the United States to immigrant parents, and others were born throughout the global south and arrived in the U.S. as young children or adolescents. As such, they possess a perceptive awareness of what it means to be from more than one place, and what that lived experience entails. For these artists it is an ongoing process where self-identification and self-definition are constantly being questioned, not only by their own preconceived notions, but also by historical, sociopolitical and environmental conditions. As a result, arbitrary criteria—whether of their own making or imposed by others— are established and then applied to their thoughts, actions, the shape of their bodies, the color of their skin, and the way they speak, which inevitably makes a precarious process even more convoluted. The artists in this exhibition conjure deeply intimate narratives and seek to understand how their relationships to where they’re from shape their sense of identity; but while these narratives start from a very specific and singular perspective, they eventually take on shared and collective meaning.

As these personal explorations transpire, complicated histories are uncovered, colloquial ways of communicating are examined, language is deconstructed, and itinerant journeys are taken in order to gain a clearer perspective on notions of home, tradition, conformity and belonging.

Domestic objects The objects, keepsakes and furniture found in our homes easily fall into the background of our daily lives. Their presence becomes ancillary and they begin to gather dust, until they’re finally unearthed and returned to our field of vision. For Cristine Brache, these items are never lost in the periphery, they are treasured artifacts that hold the intimate narratives of her upbringing and her family’s Caribbean history. In Colonial-style Domino table (self-portrait), a set of playing cards, which have replaced the domino pieces on top of the table, are rendered in porcelain and feature four queens of hearts with faces in the artist’s likeness.


The domino table, a quintessential staple in most Caribbean households, sits on four colonial-style legs. Delicately scattered across the table are porcelain oxeye daisies meant to evoke a game of “He loves me, he loves me not,” but in this case the “he” is replaced with “I.” Echoed by her use of porcelain, the artist points to the vulnerable nature of her identity and how despite feeling out of place within her family’s cultural history, she still attempts to seek moments of self-love and reconciliation. While Brache imbues domestic objects with emotional weight, Paloma Izquierdo turns her attention to the broader conceptual and social power of these objects. For her piece, a set of vertical blinds hangs near the gallery windows with an advertisement written in Spanish. The advertisement outlines a price list for various clothing items, fake jewelry, perfumes, and duffle bags that residents in Miami can send to their family members living in Cuba. This particular type of advertisement is one the artist frequently encounters on her daily commutes throughout Miami. The way these services are promoted taps into a distinct grassroots network of advertising that’s been created by an immigrant community for an immigrant community. Outside of this network, advertisements proliferate through digital means via our smartphones or television sets, but when rendered physically they come in the form of signs on the street, junk mail, magnets on a refrigerator, or branded clothing items. In Izquierdo’s piece, she’s interested in how advertisements enter the domestic space, and exaggerates this action by imagining a world in which advertising insidiously slips into every object we encounter—domestic or otherwise. This darkly prophetic gesture speaks to the artist’s interest in transculturation, a term coined by Cuban cultural theorist Fernando Ortiz, which describes what happens when two or more cultures

converge. In this case, Izquierdo proposes a possible outcome when a more capitalistic method of advertising converges with a grassroots one.

The limits of language For conceptual artist Jesse Chun, the way a language is taught, specifically English, reveals how education can be complicit in effectuating the hierarchical systems that privilege some languages over others. The artist draws from her own experiences as an English as a second language student, and appropriates the pedagogical tools used in these courses as a way to deconstruct systems of cultural power. In enunciating silence and, Chun created silicone sculptures based on letter toys used to teach children English. The toys are traditionally rigid and made of plastic, but here Chun has rendered them in a way that plays with their plasticity and references the body. They are malleable, knotted, tongue-like and placed methodically across a faintly painted gridded table, which elicits feelings of subjugation. Chun continues these exercises in illegibility with voiceless consonants, an audio installation that collages sound clips of various consonants sourced from YouTube tutorials. The soundtrack starts with breathy inhalations and quick, staccato sounds. As the consonants continue to build, the intensity picks up and the layering of sounds becomes denser, leaving the viewer immersed in a cacophonous soundscape. By distorting the


elementary tools and functions of language, Chun begins to make broader connections between linguistics and the human body. Jamilah Sabur’s Mnemonic alphabet series also seeks to underscore the complexities of language by reflecting on its limitations, specifically, the words we find ourselves trying to translate, but cannot. Sabur embraces multilingualism by using the English alphabet as a framework to cull a collection of words in different languages, such as Creole, French and German, words which attempt to articulate indescribable feelings. The words and their corresponding first letter are fashioned into neon signs and paired with an image from the artist’s personal archive that visually fills in the gaps in meaning that language cannot. For this iteration of the series, the letter S stands for saudade, and is accompanied by two identical portraits of the artist’s cousin. Saudade is a Portuguese word that describes a feeling of profound longing, especially for something that’s been lost. This word embodies the underlying ethos of this exhibition: When a person’s relationship to their heritage feels distant, there could be a deep longing for it, a nostalgia for something they may have never really known.

Reimaging borders Our geographical and political understanding of the Earth are hard-wired by the borders that enclose the countries where we live. As history will indicate, immigrants and diasporic peoples have an in-depth understanding and contentious relationship with these boundaries. Given the current political unrest spanning the globe, borders are once again a point of tension, and are relied on heavily by the powers that enforce them. Agustina Woodgate’s Simplified World presents a bold proposition: Can we imagine a world where the dividing lines of our homelands did not exist? The

artist attempts to answer this question by displaying a pull-down planisphere map that has been sanded down to produce a new landscape that is ghostly, blurred and indecipherable. Woodgate possesses a deep understanding of the power borders hold and the systems that put them in place. Not only do borders differentiate here from there, but they also delineate who

holds power. In essence, they are a politicized form of othering. By dulling the edges of these borders, Woodgate reveals their arbitrary nature and speculates on an alternative reality where they do not exist. In her ongoing series From One Sea, Amanda Bradley considers a more personal interpretation of how places can be connected, not just by the borders they share, but by the histories they hold within us. Located inside the Oolite Arts vitrine space, the installation includes six large black and white photographs printed on mesh and set against a deep navy background. The photographs are soft, grainy images of Caribbean seascapes taken off the coast of places including Belize, Puerto Rico and the British Virgin Islands. For the artist, the sea is a keeper of history, and the connective tissue that ties together distant places that have personal meaning for her. She conveys this connection by pairing different seascapes from the series and aligning them at the horizon line. For Bradley, photographing in black and white facilitates a way to


“democratize” the visual characteristics of the sea and provides an archival quality to the work. By virtue of this and through the poetic gesture of joining together different horizons, the artist begins to create new historical narratives.

Itinerant journeys When personal explorations of cultural heritage come to a head, they often create an impulse to return or reacquaint oneself with the places left behind. For her second piece in the exhibition, Cristine Brache embarks on a retrospective journey across time. In There’s No Place Like Home, the artist strings together a collection of VHS footage of herself as a child along with members of her family. The film cuts between scenes of childhood merriment, warm embraces, and tender moments of fleeting joy, while the phrase “There’s no place like home” is repeatedly recited by the artist. The notable phrase comes from the 1939 film The Wizard of Oz, where Dorothy, the young protagonist, repeats “There’s no place like home” in order to return to her family in Kansas after a fanciful adventure through the Land of Oz. Here the phrase serves a didactic purpose, but for Brache it is a poignant reflection on nostalgia, the passing of time, and the heartbreaking fragility of memory. In her series If Home Was Home, Michelle Lisa Polissaint returns to her parent’s hometown of Vieux Bourg

d’Aquin, Haiti where she contemplates the intimacies of place and confronts the cultural legacy of her Haitian heritage. Since 2014 the artist has been photographing her trips to Haiti as a way to familiarize herself and build a relationship with a homeland she’s felt distant from. Polissaint visualizes this tension through the intimate portraits of her family, the spaces they occupy, and the rich activities of daily life throughout the small town. Her physical proximity to the subjects she photographs articulates what she finds familiar and unfamiliar, but as the series grows, the viewer witnesses Polissaint’s restraint slowly unravel. Her catalog of quotidian scenes—small boats tied to a still shoreline, a car being washed with the help of a flowing river—reveal her willingness to approach the unfamiliar with uninhibited curiosity. At its most poetic, the series takes on a diaristic quality that traces the nascent relationship that Polissaint seeks to nurture and cultivate. Like Polissaint, Natalia LasalleMorillo chronicles journeys between familiar and unfamiliar spaces, but in the case of her video installation, holguín, hialeah, the journey is not her own. holguín, hialeah—which is part of a larger series by the artist titled Retiro—centers on Alvis Hecheverría, a woman who, at the age of 81, left her hometown of Holguín, Cuba after


the passing of her husband and moved to Hialeah, Florida. Lasalle-Morillo collages several layers of melancholic introspection as Alvis reminiscences about her marriage and children, and retraces the events that led to her eventual departure. Set in multiple destinations, the film oscillates between sweeping panoramas of the Cuban landscape, the crowded streets of Miami’s Calle Ocho, and solitary moments in Alvis’ home. Alvis’ uncertainty with her place in the world echoes many of the narratives told within this exhibition. It reveals that no matter what stage of life one is in, it is still possible to experience a sense of distance, loss and longing for the places one calls home. It will never become quite familiar to you finds many of the exhibiting artists at pivotal junctures within the explorations of their cultural heritage. The exhibition’s title references a line from Henry David Thoreau’s memoir, where the author describes the daily walks he takes from his home in the woods. He follows the same path each time, but remarks that despite having extensive knowledge of the trail, he still manages to encounter things that are unfamiliar to him. Rather than focusing on the unattainability of resolved familiarity, this exhibition endeavors to offer

an opportunity to treat these narratives as ongoing dialogues that grow richer and more nuanced as they are shared. When viewed from this perspective, the artworks can serve as a springboard for broader studies of cultural heritage, and a call for thorough and thoughtful research that expands the scholarship surrounding diasporic histories, their roots in colonialism, and how these experiences affect the way contemporary worldviews form. For the artists in this exhibition, and anyone who may identify with their experiences, their explorations and relationships will continue to develop and grow in ways that present new visual languages, and hopefully offer a sense of collective solace and understanding.


Suggested Resources The following resources are recommended for those who wish to learn more about the themes explored in this exhibition. This list was compiled by the exhibiting artists and curator.

Bachelard, Gaston The Poetics of Space, 1994 (reprint edition)

Hall, Stuart Familiar Stranger: A Life Between Two Islands, 2017

Castañeda, Ernesto A Place to Call Home: Immigrant Exclusion and Urban Belonging in New York, Paris, and Barcelona, 2018

Hanauer, Kimi, et al. Sentiments: Expressions of Cultural Passage, 2018

Chow, Rey Not Like a Native Speaker: On Languaging as a Postcolonial Experience, 2014

Shukla, Nikesh, Chimene Suleyman The Good Immigrant: 26 Writers Reflect on America, 2019

Danticat, Edwidge “We Are Ugly But We Are Here” (The Caribbean Writer, Volume 10), 1996

Stepick, Alex, Guillermo Grenier, Max Castro, Marvin Dunn This Land Is Our Land: Immigrants and Power in Miami, 2003

Glissant, Édouard Poetics of Relation, 1990

Curated by

Angelica Arbelaez Featuring works by Cristine Brache Amanda Bradley Jesse Chun Paloma Izquierdo Natalia Lassalle-Morillo Michelle Lisa Polissaint Jamilah Sabur Agustina Woodgate

Graphic Design Topos Graphics Copy Editor Laura Sue Wilansky Text by Angelica Arbelaez


924 Lincoln Road Miami Beach, FL 33139

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Exhibitions and programs at Oolite Arts are made possible with support from the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade Mayor and Board of County Commissioners; the City of Miami Beach Cultural Arts Council; the Miami Beach Mayor and City Commissioners; the State of Florida, Florida Department of State, Division of Cultural Affairs, the Florida Arts Council; the National Endowment for the Arts; the Lynn & Louis Wolfson II Family Foundation, The Jorge M. PĂŠrez Family Foundation at The Miami Foundation; the Al & Jane Nahmad Family Foundation and the John S. and James L. Knight Foundation. Additional support provided by Walgreens Company.


Nunca te será muy familiar

Julio 17 – Septiembre 29, 2019


Distribución de la Galería Primer Piso Amanda Bradley, From One Sea, 2019. Fotografías en blanco y negro impresas en malla, Dimensiones variables. Cortesía de la artista

La vitrina del primer piso se encuentra justo después de la entrada principal en la pared lateral izquierda.

Segundo Piso 1 Amanda Bradley, Carried by the horizon, 2019. Díptico, impresión con pigmento perdurable, 11 × 17 pulgadas, cada uno. Cortesía de la artista 2 Jamilah Sabur, Mnemonic alphabet (S/Saudade), 2019. Neón, transformador, impresión sobre trapo de algodón, caoba Hondureña, esmalte, enmarcado, 44 × 54 × 3 pulgadas. Cortesía de la artista y Nina Johnson Gallery 3 Cristine Brache, There’s no place like home 2019. Video en color de un solo canal con sonido, 5 minutos, 50 segundos. Cortesía de la artista y FIERMAN, NY 4 Amanda Bradley, Before a new year, 2017. Impresión con pigmento perdurable, 11 × 17 pulgadas. Cortesía de la artista 5 Jesse Chun, voiceless consonants, 2019. Grafito, silicona, madera, pintura, Dimensiones variables. Cortesía de la artista 6 Jesse Chun, enunciating silence and, 2019. Grafito, silicona, madera, Dimensiones variables. Cortesía de la artista 7 Paloma Izquierdo, 305888-4659, 2019. Persianas verticales de PVC con publicidad impresa, aprox. 92.5 × 41 pulgadas. Cortesía de la artista

Galería 8 Cristine Brache, Colonial style Domino table (self-portrait), 2017. Porcelana, silicona, arce rizado, margaritas secas, vidrio, 33 × 33 × 45 pulgadas. Cortesía de la artista y FIERMAN, NY 9 Michelle Lisa Polissaint, Back Balcony View, 2019. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 14 × 12 pulgadas.

Bathing, 2018. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 14 × 12 pulgadas.

Buying Lobster, 2015. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 15 × 15 pulgadas.

Car Wash, 2017. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 15 × 15 pulgadas.

Hair Flip, 2019. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 23 × 20 pulgadas.

Mom’s Feet (River), 2017. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 20 × 20 pulgadas.

Small Boats, 2014. Impresión de inyección de tinta perdurable de negativo escaneado, 12 × 12 pulgadas.

Todas las obras cortesía de la artista y Spinello Projects

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10 Agustina Woodgate, SIMPLIFIED WORLD, 2014. Mapa desplegable lijado, 51 × 68 pulgadas. Cortesía de la Colección de Anthony Spinello 11 Natalia Lassalle-Morillo, holguín, hialeah, 2018. Videoinstalación multicanal con sonido proyectado sobre tela, aprox. 30 minutos. Cortesía de la artista


Nunca te será muy familiar Angelica Arbelaez En Nunca te será muy familiar, ocho artistas con nexos a los Estados Unidos y a países en el sur global extraen sus historias personales, conexiones, y relaciones a sus respectivas patrias como modo de explorar las intersecciones de su herencia cultural. En el centro de esta exposición hay una serie de indagaciones introspectivas y autoexploraciones que se manifiestan a través de la escultura, la fotografía, el sonido y el vídeo. Estas exploraciones navegan espacios íntimos y hablan de una perspectiva cultural compartida que está arraigada en las narrativas de la diáspora. Algunas de las artistas nacieron en los Estados Unidos y son descendientes de padres inmigrantes, mientras otras nacieron a lo largo del sur global y llegaron a los Estados Unidos en su niñez o en su adolescencia. Como tales, poseen una conciencia perceptiva de lo que significa pertenecer a más de un lugar y lo que esta experiencia conlleva. Para estas artistas, esta experiencia es un proceso continuo en el cual la autoidentificación y la autodefinición se cuestionan constantemente, no sólo por sus propios preconceptos sino también por condiciones históricas, sociopolíticas y ambientales. Como resultado, se establecen criterios arbitrarios—ya sean impuestos por ellas mismas o por otros—y luego estos se aplican a su manera de pensar, a sus acciones, a la forma de sus cuerpos, al color de sus pieles y a la manera que hablan; lo cual inevitablemente hace de un proceso ya precario uno aún más complejo. Las artistas en esta exposición evocan narrativas profundamente íntimas y buscan entender cómo la relación que tienen a su lugar de procedencia da forma a su sentido de identidad. Aunque estas narrativas nacen de una perspectiva

específica y singular, eventualmente toman un significado compartido y colectivo. A medida que estas exploraciones personales transpiran, se descubren historias complicadas, se examinan modos coloquiales de comunicación, se deconstruye el lenguaje y se toman travesías itinerantes para obtener una perspectiva más clara de las nociones de hogar, tradición, conformidad y pertenencia.

Objetos Domésticos Los objetos, mementos y muebles en nuestros hogares caen fácilmente al segundo plano de nuestra vida diaria. Su presencia se vuelve auxiliar y comienza a recolectar polvo, hasta que finalmente se desentierran y regresan a nuestro plano de visión. Para Cristine Brache, estos objetos nunca se pierden en la periferia, al contrario, son artefactos atesorados que guardan narrativas íntimas de su crianza y de la historia caribeña de su familia. En Colonial-style Domino Table (self-portrait), un juego de cartas reemplaza las piezas de dominó en la mesa. Este juego de cartas, reproducido en porcelana, presenta cuatro


imágenes de la reina de corazones con caras que se asemejan a la de la artista. La mesa de dominó, un elemento prototípico en muchos hogares caribeños recae en cuatro patas de estilo colonial. Un grupo de margaritas reproducidas en porcelana están delicadamente dispersadas en la mesa con la intención de evocar un juego de “él me quiere, él no me quiere” pero en este caso, “él” ha sido reemplazado por “yo”. Con el repetido uso de la porcelana, la artista señala la naturaleza vulnerable de su identidad y cómo, a pesar de sentirse fuera de lugar dentro de la historia cultural de su familia, ella aún busca momentos de amor propio y reconciliación. Mientras Brache imbuye objetos domésticos con peso emocional, Paloma Izquierdo gira su atención al poder más amplio, conceptual y social de estos objetos. En su obra, un juego de cortinas verticales cuelga cerca de las ventanas de la galería. Estas cortinas llevan impreso un anuncio que muestra el precio de artículos de ropa, joyas de fantasía, perfumes y maletines de mano tipo “gusano” que residentes de Miami pueden enviar a sus familiares que residen en Cuba. Este tipo de publicidad en particular es una que la artista encuentra frecuentemente en sus tránsitos diarios a través de Miami. La manera en que estos servicios se promueven activa una distintiva red comunitaria de publicidad que se ha desarrollado por y para una comunidad inmigrante. Fuera de esta red prolifera la publicidad digital a través de nuestros smartphones y televisores, pero al reproducirse físicamente, se manifiestan como carteles en la carretera, correo basura, imanes para el refrigerador, o artículos de ropa de marca. En la obra de Izquierdo, su interés es cómo estos anuncios entran el espacio doméstico; ella exagera esta acción al imaginar un mundo donde la publicidad se desliza insidiosamente en cada objeto que nos encontramos

(ya sea o no doméstico). Este gesto profético dialoga con el interés que tiene la artista en la transculturación, término acuñado por el teorista cultural cubano Fernando Ortiz que describe lo que ocurre cuando dos o más culturas convergen. En este caso, Izquierdo propone un resultado posible cuando un método más capitalista de publicidad converge con uno de base comunitaria.

Los límites del lenguaje Para la artista conceptual Jesse Chun, el modo en que se enseña un idioma, particularmente el inglés, revela cómo la educación puede ser cómplice en la efectuación de sistemas jerárquicos que privilegian ciertos idiomas sobre otros. La artista utiliza su propia experiencia siendo estudiante de inglés como segundo idioma y apropia las herramientas pedagógicas utilizadas en estos cursos para deconstruir sistemas de poder cultural. En enunciating silence and, Chun crea esculturas de silicón basadas en letras de juguete utilizadas para enseñar inglés a niños. Tradicionalmente, estos juguetes son rígidos y hechos de plástico, pero Chun los ha reproducido de tal modo que juega con esta plasticidad, haciendo referencia al cuerpo. Son maleables, anudados, asimilan lenguas y están colocados metódicamente en una mesa cuadriculada, así provocando sentimientos de subyugación. Chun continúa estos ejercicios de ilegibilidad con “consonantes sin voz”, una instalación


de audio que compagina sonidos de varias consonantes procedentes de tutoriales de YouTube a modo de collage. La pista de audio comienza con inhalaciones y sonidos rápidos en staccato. Al acumularse los sonidos de las consonantes, la intensidad acelera y el sonido se vuelve denso, sumergiendo al espectador en un paisaje sonoro cacofónico. Al distorsionar las herramientas elementales y las funciones del idioma, Chun logra hacer conexiones más amplias entre la lingüística y el cuerpo humano. La serie Mnemonic alphabet de Jamilah Sabur también subraya las complejidades del lenguaje al reflexionar acerca de sus limitaciones, apuntando específicamente a las palabras que intentamos traducir, pero no podemos. Sabur abraza el multiculturalismo al utilizar el alfabeto inglés como marco de referencia para entresacar una colección de palabras en diferentes idiomas, entre estos el criollo haitiano, el francés y el alemán. Las palabras que utiliza Sabur intentan articular sentimientos indescriptibles. La artista luego moldeó estas palabras y la primera letra correspondiente de cada una en letreros de neón y emparejó esto con imágenes de su archivo personal, llenando con un signo visual esa brecha que el lenguaje verbal no puede llenar. Para esta iteración de la serie, la letra S representa la palabra saudade, y a esta le acompañan dos retratos idénticos de la prima de la artista. Saudade es una palabra portuguesa que describe un anhelo profundo, especialmente por algo que se ha perdido. Esta palabra encarna el ethos subyacente de esta exhibición: cuando la relación que una persona tiene a su herencia se siente distante, puede haber un anhelo profundo por ella, una nostalgia por algo que quizá nunca han conocido.

Reimaginando Fronteras Nuestro entendimiento geográfico y político de la Tierra está programado por

las fronteras que encierran los países en que vivimos. La historia indica cómo los inmigrantes y los pueblos de la diáspora tienen un entendimiento profundo y una relación contenciosa con estas fronteras. Dada la inestabilidad política actual en nuestro planeta, las fronteras son nuevamente un punto de tensión regidas grandemente por los poderes que las imponen.

La pieza Simplified World de Agustina Woodgate presenta una propuesta audaz: ¿Podemos imaginar un mundo donde las líneas divisorias de nuestras patrias no existen? La artista intenta contestar esta pregunta mostrando un mapa planisferio desplegable que ha sido lijado para producir un nuevo paisaje fantasmal, borroso e indescifrable. Woodgate posee un entendimiento profundo del poder que las fronteras sostienen y de los sistemas que las ponen en su lugar. Las fronteras no sólo diferencian el aquí del allá, sino que también delinean quién tiene el poder. En esencia, son una forma de politizar al otro. Al atenuar los bordes de las fronteras, Woodgate revela la naturaleza arbitraria de éstas y especula una realidad alterna donde no existen. En su serie en desarrollo From One Sea, Amanda Bradley considera una interpretación más personal de cómo los lugares pueden conectarse, no sólo por las fronteras que comparten, sino también por las historias que guardan entre nosotros. Localizada dentro del espacio de vitrina


de Oolite Arts, la instalación incluye seis fotografías de gran escala en blanco y negro impresas en malla y colocadas contra un fondo azul marino oscuro. Las fotografías son paisajes marinos tomadas en las costas de lugares como Belice, Puerto Rico y las Islas Vírgenes Británicas. Para la artista, el mar es un guardián de historias y es el tejido conector que une lugares distantes que tienen un significado personal para ella.

Ella transmite esta conexión emparejando diferentes paisajes marinos de la serie y nivelándolos con la línea del horizonte. Para Bradley, tomar fotografías en blanco y negro facilita una manera de democratizar las características visuales del mar y provee una calidad de archivo al trabajo. Por virtud de esto, y a través del gesto poético de unir diferentes horizontes, la artista crea nuevas narrativas históricas.

Trayectos Itinerantes Cuando exploraciones personales de herencia cultural llegan a un punto crítico, impulsan un deseo de regresar o de familiarizarse nuevamente con estos lugares que hemos dejado atrás. En su segunda pieza de esta exposición, Cristine Brache embarca en una travesía retrospectiva a través del tiempo. En There’s No Place Like Home, la artista ensarta una colección de cintas de VHS de su niñez con los miembros de su familia. El film corta entre escenas alegres de la infancia, abrazos

cálidos, y momentos tiernos de felicidad pasajera mientras la frase “There’s No Place Like Home,” es recitada repetitivamente por la artista. Esta frase notable viene de la película del 1939 El Mago de Oz en el momento en que Dorothy, la joven protagonista, repite “No hay lugar como el hogar” para poder regresar a su familia en Kansas luego de una aventura fantasiosa a través de la tierra de Oz. Aquí la frase sirve un propósito didáctico, pero para Brache es una reflexión conmovedora de la nostalgia, el pasar del tiempo y la desgarradora fragilidad de la memoria. En su serie If Home Was Home, Michelle Lisa Polissaint regresa al pueblo de sus padres de Vieux Bourg d’Aquin, Haití, donde la artista contempla las intimidades del lugar y confronta el legado cultural de su herencia haitiana. La artista lleva fotografiando sus viajes a Haití desde el 2014 como un modo de familiarizarse y de construir una relación con una patria de la cual se ha sentido distante. Polissant visualiza esta tensión a través de retratos íntimos de su familia, de los espacios que sus familiares ocupan, y de las actividades del día a día en el pequeño pueblo en que residen. Su proximidad física a los sujetos que fotografía articula lo que ella encuentra familiar y no familiar, pero mientras se desarrolla esta serie, el espectador presencia cómo la contención de Polissant


se desenlaza lentamente. Su catálogo de escenas cotidianas—botes pequeños atados a la costa, un carro lavado con la ayuda de un río que fluye—revela su complacencia al acercarse a lo no familiar con una curiosidad desinhibida. En su punto más poético, esta serie toma una calidad de diario que traza la relación naciente que Polissant busca nutrir y cultivar. Como Polissant, Natalia Lassalle-Morillo relata trayectos entre espacios familiares y desconocidos, pero en el caso de su instalación de video holguín, hialeah, el trayecto no es suyo. holguín, hialeah— video que forma parte de una serie más grande de la artista titulada Retiro—se enfoca en Alvis Hechevarría, una mujer que, a los 81 años de edad decide irse de su pueblo natal de Holguín, Cuba luego de la muerte de su esposo, y mudarse a Hialeah, Florida. Lassalle-Morillo crea un collage de varias capas de introspección melancólica mientras Alvis recuerda su matrimonio y sus hijos, trazando los eventos que llevaron a su partida eventual. El video toma lugar en múltiples localidades y oscila entre amplios panoramas del paisaje cubano y momentos solitarios en la casa de Alvis. Revelando que aún es posible sentir la distancia, la pérdida y el anhelo por los lugares que llamamos hogar, sin importar en qué etapa de la vida uno esté.

Nunca te será muy familiar encuentra a las artistas de esta exposición en coyunturas cruciales dentro de las exploraciones de su herencia cultural. El título de la exposición se refiere a una línea de una novela de Henry David Thoreau, donde el autor describe los trayectos diurnos que toma en su casa en el bosque. Él sigue el mismo camino cada vez, pero comenta que a pesar de conocer el camino extensivamente, aún encuentra elementos no familiares, o desconocidos. En vez de enfocarse en la inaccesibilidad de una familiaridad resuelta, esta exposición ofrece una oportunidad de tratar estas narrativas como diálogos continuos que se enriquecen y se matizan al ser compartidos. Vistas desde esta perspectiva, las piezas en esta exposición pueden servir como un trampolín a estudios más amplios acerca de la herencia cultural y hacen un llamado para una investigación más atenta y profunda que amplíe el estudio que rodea la historia de la diáspora, sus raíces en el colonialismo y cómo estas experiencias afectan cómo se forma la cosmovisión del mundo. Tanto para las artistas como para quien sea que se identifique con sus experiencias, lo que han explorado y lo que han relacionado se seguirá desarrollando y creciendo de manera que presente nuevos lenguajes visuales y, con suerte, ofrezca un sentido colectivo de consuelo y entendimiento.

Profile for Oolite Arts

It will never become quite familiar to you  

This publication serves as a complement to the exhibition "It will never become quite familiar to you." With an essay by the exhibition’s cu...

It will never become quite familiar to you  

This publication serves as a complement to the exhibition "It will never become quite familiar to you." With an essay by the exhibition’s cu...

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