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INDICE ARTISTA: Zhang Xiaogang 张晓刚

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INDICE ARTE CONTEMPORANEO CHINO 4Q

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DOSSIER: ARTE POVERA

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ARTISTA: JUAN ZAMORA

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SERVICIOS DE ARTANTIDE.ES

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EVENTOS Y CITAS DEL ARTE CONTEMPORANEO

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ARTISTA: Zhang Xiaogang 张晓刚 Zhang nació en 1958 en Kunming, la capital de la provincia de Yunnan, en el suroeste de China. Los padres de Zhang eran funcionarios del gobierno y fue el tercero de cuatro hijos. Zhang tenía ocho años en 1966, cuando empezó la Revolución Cultural. Después de regresar a casa desde el campo, Zhang se matriculó en la recién reabierta Academia de Bellas Artes de Sichuan. Después de su graduación, Zhang regresó a su casa, incapaz de asegurar un puesto de profesor. Trabajó en la construcción, mientras esperaba una asignación de trabajo del gobierno, en cambio obtuvo un trabajo en Yunnan como diseñador de arte para un grupo de danza. Durante este tiempo, Zhang leía filosofía, en particular las obras del filósofo existencialista francés JeanPaul Sartre. También admite estar muy deprimido. Según el libro de la crítica de arte Karen Smith Nine Lives: El nacimiento de las vanguardias artísticas de la Nueva China, Zhang estaba preocupado por los problemas de relación y, en 1984, fue hospitalizado por beber en exceso. Su sala estaba al lado de la morgue del hospital y la estancia en el hospital de dos meses tuvo un profundo impacto en el arte de Zhang. Durante gran parte de la década siguiente, muchas de sus obras fueron la exploración de temas de la vida y la muerte. En 1984, comenzó a dibujar bocetos para The ghost between black and white, representando las pilas de madera para la cremación, los huesos, la muerte personificada, y los condenados al infierno. Obras posteriores fueron igualmente oscuras - llenas de fantasmas, cuchillos afilados, miembros amputados, cadáveres y figuras en pensamiento profundo o inconsciencia. Las imágenes de Buda y Jesús aparecieron a veces también. * Zhang Xiaogang, "Kunming," Óleo sobre papel, 1987

Durante el octavo plan quinquenal de China (1991-1995), Zhang y algunos artistas formaron un grupo artístico llamado "Neo Figurative-Southwest Art Research Group”, también conocido como la Escuela de Sichuan. La Escuela de Sichuan se caracteriza por el interés de sus adeptos en una mezcla intuitiva de la mística, el surrealismo, el arte popular, y la psicología. Zhang describe el arte de la provincia de Sichuan, como "muy diferente del arte cargado de la atmósfera política de la capital, Beijing [y]... mucho más surrealista y sutilmente psicológico que su homólogo del norte”. De hecho, él cita los principios del siglo XX, al surrealista belga René Magritte como una gran influencia en su trabajo menos por las semejanzas visuales que por la aproximación poética del pintor a la realidad: "[Magritte] me enseñó a interpretar nuestra pesada historia desde una cierta distancia ". "¿Y cómo experimentar la realidad caprichosa a la que tenemos que enfrentarnos?. He aprendido, al mismo


tiempo, cómo, usando un "interiorizado" lenguaje para describir nuestra vida, mostrar la preocupación por los corazones que se suelen olvidar y construir un “reino ilusorio” para nuestras almas para descansar de vez en cuando." En 1989, participó en la Exposición Chinese Avant-garde en el Museo Nacional de Arte de China. Muchos artistas contemporáneos chinos perdieron la esperanza en la década de los 80 y Zhang fue uno de ellos. Sus pinturas, muestran los brazos y las piernas amputadas y cadáveres, revelando su ansiedad. Él dijo: "No veo ninguna esperanza. Quiero encontrar a alguien que sienta lo mismo que yo. Creo que la sociedad no me entiende ni a mí ni a las personas como yo. No puedo encontrar un lugar en la sociedad y estoy triste y deprimido. " La serie Bloodline (Lazos de sangre) Zhang dejó de pintar en 1992 y viajó a Alemania por tres meses, donde visitó numerosos museos de arte de Europa y se familiarizó con la obra de algunos artistas contemporáneos como Gerhard Richter. Él creció desencantado con su imitación de la pintura occidental, sin embargo, dándose cuenta de la imposibilidad de lograr la satisfacción real vis-à-vis de los pintores de épocas anteriores debido a su desconexión cultural con los maestros occidentales ya fallecidos. Cuando regresó a China en el segundo semestre de 1992, Zhang empezó a seguir un nuevo estilo. En ese mismo momento, una oportunidad nació cuando Johnson Chang, el conservador influyente de la Hanart TZ Gallery de Hong Kong, viajó a Chongqing y compró 20 pinturas de Zhang, quien en ese momento ganaba sólo US$ 24 cada mes en la enseñanza de Bellas Artes en la Academia de Sichuan. Inmediatamente después de la venta, Chang empezó a representar a Zhang. A mediados de la década de 1990, Zhang descubrió una caja de fotografías de la familia en casa de su madre que se convertirían en la base de su serie Bloodline. Las fotos que sirvieron de inspiración de Zhang eran retratos formales de estudio: fotos de tres cuartos de miembros de la familia vistiendo severos, como uniformados, homogeneizados en el género trajes Zhongshan. Desprovistos de afecto psicológico, los sujetos parecían más públicos que privados a Zhang. Parecían asemejarse a cualquier otra familia china del tercer cuarto del siglo XX y simbolizar la colectivización de la vida privada.

*Zhang Xiaogang, Bloodline: Big Family series


Zhang comenzó a pintar sus propias interpretaciones de las fotos en una gama de colores derivados de la dura escala de grises de la fotografía en blanco y negro. Versiones a escala monumental, de Zhang de la foto-imagen instantánea mundanal lo vinculan con las preocupaciones de los concurrentes del movimiento Political Pop. La serie Bloodline también se nutre de la pintura tradicional china. Delinear realísticamente los párpados, barbillas afiladas, y tonos de piel de la fisonomía china, Zhang crea una raza de ciudadanos que están visualmente y genéticamente vinculados a sus antepasados. Contrasta la noción tradicional confuciana del linaje de la familia y el linaje construido comunista que vinculaba a todos los ciudadanos chinos durante la Revolución Cultural. Obra Nueva La nueva serie de Zhang, Lost Memories y Memorias, comparte con Bloodline su preocupación por la historia y la memoria. En este caso, se centra en lo colectivo, no en lo individual, la amnesia. Las obras de esta serie proclaman la necesidad de perder o abandonar los recuerdos con el fin de hacer frente a la realidad actual que cambia rápidamente. Zhang trabaja en un antiguo talleralmacén en las afueras de Pekín. Hablando de sus hábitos de trabajo con Barboza, Zhang explicó que "gran parte del tiempo... yo simplemente me encierro en mi estudio... sobre las dos, tratando de concentrarme. Cuando empiezo a pintar no puedo dejarlo... [Me gusta trabajar] bien entrada la noche, fumando cigarrillos chinos Honghe, beber té de hierbas y escuchando la música de Buddha Café o Air’s 'Talkie Walkie'. "Como es el caso de muchos de los top artistas contemporáneos, la presión para producir mucho excede el número de cuadros que pueden producir: "soy un pintor lento. Tardo aproximadamente un mes para terminar una sola pieza. Para ahorrar tiempo, a menudo trabajo en varias piezas al mismo tiempo. Algunas de las obras me han llevado más de dos años." Como descrito en el catálogo para la venta de la Colección Estella en Sotheby’s: "En términos de valor icónico puro, no hay una sola otra serie de pintura contemporánea china que posee el poder de Zhang Xiaogang firmando Bloodline: la gran familia.... Dibujando basándose en las convenciones de composición tomadas de principios del siglo XX del retrato fotográfico y imbuido del lenguaje pictórico visual de una tradición socialista, la decoloración, estas imágenes distintivas se han convertido en nada menos que la taquigrafía visual para toda la categoría conocida como "el arte contemporáneo chino". "Este aspecto hace que el trabajo de Zhang sea identificable al instante. Algunos comentaristas desprecian a estos estilos como el arteequivalente de la publicidad "marcas", mientras que otros consideran la producción


de Zhang como la materialización y visualización de finales del siglo XX, la psique china. Otro ejemplo de su técnica es el trabajo de abajo de The Sanya Collection utilizando materiales tradicionales chinos como el pincel, tinta y papel xuan.

Subastas La venta en la primera subasta de una obra de Zhang se llevó a cabo en 1994 en China Guardián por 25.300 RMB (4.000 $)). Desde entonces, más de 200 de sus pinturas se han vendido en subasta. Marzo 2006 marcó el inicio de un aumento exponencial de los precios de sus lienzos. En 2006, Big Family (1995) se vendió por 760.000 dólares en Sotheby’s en Nueva York, marcando la primera vez que una obra de arte contemporáneo chino se había vendido por más de 1 millón de RMB. En 2008, la venta de Sotheby en Hong Kong en abril de ese año, el trabajo de Zhang establece un nuevo récord cuando su Bloodline: Gran Familia nº 3 fue de HK $ 47.367.500 (US$ 6.061.619), el precio más alto jamás pagado por una pintura de un artista asiático vivo. Eso, antes, que en abril de 2011 su obra anterior Forever lasting love alcanzó 9.000.000 $ en Sotheby’s.


Análisis de precio con nuestra base de datos

Los precios de Zhang Xiaogang dependen en gran medida del año de creación, por lo tanto dependiendo si son de antes o alrededor de 2000, son mucho más valorados que las obras recientes. En cualquier caso, la tendencia sigue siendo creciente y los precios se recuperaron bien desde la parte inferior de 2009, duplicando su precio desde entonces. De acuerdo con nuestro índice no se paga menos de 700.000 - 1.500.000 $ para un Bloodline serie de tamaño normal, dependiendo del año de la creación. (Se excluyen la prima del comprador en subasta). Como citado anteriormente, los 9.000.000 $ siguen siendo un récord para un artista chino contemporáneo.

Parte del texto ha sido obtenido de: http://www.artspeakchina.org/mediawiki/index.php/Zhang_Xiaogang_%E5%BC%A0 %E6%99%93%E5%88%9A


INDICE ARTANTIDE ARTE CONTEMPORANEO CHINO 4Q 2011

Finaliza el año 2011 con las últimas subastas de noviembre en Hong Kong por Christies y Sothebys, además de las de Beijing por las casas de subastas chinas. Si bien es verdad que el mercado ha sido dominado por el arte moderno y tradicional chino, llegándose a pagar 42M$ por una obra en tinta, los artistas contemporáneos reconocidos han vuelto a los precios ante crisis de 2008. Con resultados dispares, pero con un gran apetito por los trabajos históricos de estos artistas. Finales de noviembre la crisis de la deuda soberana aumentó y ello se reflejó en una disminución del apetito de los coleccionistas. Incluso con ello los precios están a un gran nivel y continúa su potencial de revalorización. De hecho 100eu invertidos en 2006, cinco años después representan 1.600eu. En cambio los mismos 100eu invertidos en las bolsas de Europa o EEUU serían 80eu en Europa y 120eu en EEUU


ARTE POVERA Con “Arte Povera” se indica un movimiento artístico que se desarrolló entre Roma y Turín, que reconoce sus raíces en la segunda mitad de los años 60. Germano Celant, el teórico que ha seguido de cerca las expresiones artísticas del grupo acuñando la expresión "arte pobre", explica su filosofía con unas pocas palabras: Figura 1 Gilberto Zorio dice que el “Arte Povera” se manifiesta principalmente "por reducir hasta los mínimos términos, empobrecer los signos, para reducirlos a sus arquetipos. " Esta es la razón por la que los artistas prefieren los materiales llamados pobres como la tierra, madera, hierro, trapos, plásticos, desechos industriales, el agua o la luz. En el contexto de la búsqueda artística de esos años enfocada en la nueva tendencia conceptual, la corriente del “Arte Povera” se inserta sin rupturas pero con una propuesta diferente. El uso de materiales no tradicionales, naturales y a menudo orgánicos manifiesta la voluntad de tomar posesión de los valores primarios eliminando lo superfluo y facilitando interpretaciones conceptualmente diferentes a la manera tradicional de analizar una obra de arte. El usuario puede entender y apreciar el arte pobre sólo si entiende la idea subyacente, el énfasis de los elementos principales y, sobre todo, el deseo de establecer un diálogo continuo entre el sujeto, el espectador y el medio ambiente. No es sorprendente que los artistas más representativos de este movimiento prefieren producir instalaciones, a veces muy impresionantes, y no limitarse a la superficie de un lienzo o una tabla. La instalación y la performance de la misma manera, permiten insertarse de manera natural en el ambiente y mantener una conversación espontánea con todo lo que le rodea. La intención es dar un paso atrás hacia las experiencias primigenias, minimizando los aspectos pictóricos, descartando el enfoque colorista y técnico para conseguir al revés un vitalismo natural que no se quiere imponer de ninguna manera. El clima que se obtiene es generalmente frío, neutral y aséptico. Dentro de esta corriente pueden destacar dos directrices fundamentales a las cuales los artistas se refieren interpretando con diferentes lenguajes el “Arte Povera”. Un grupo de artistas dirige sus investigaciones al flujo primordial de la vida, concentrándose sobre el objetivo de capturar Figura 2 Michelangelo Pistoletto


el espacio, la materia y la vida real; un ejemplo es la obra de Michelangelo Pistoletto. El otro grupo prefiere ver la obra como una reducción, una eliminación de la redundancia para obtener la esencia de la materia teniendo algún punto de contacto en algún punto con los principios del Minimal Art de los Estados Unidos, y es el caso de Mario Merz. El escenario histórico y político en ese momento estaba lleno de contradicciones y tensiones: era la época de las revueltas estudiantiles y obreras que revindicaban la igualdad social. El “Arte Povera” queda al margen de todo eso deseando capturar todo el flujo de la vida primordial, la más verdadera, la única certeza que no es refutable. Las obras a menudo no son consideradas como obras terminadas, sino como procesos que se cumplen en la transformación de los materiales que intervienen en la misma obra, que se contaminan el uno al otro y cambian su existencia con la transformación de su entorno. La idea que surge es la de un organismo vivo real que cambia con el paso del tiempo. El encanto de este tipo de arte se revela en sus significados crípticos, en la participación de materiales cuya presencia nos es familiar pero al mismo tiempo están ensamblados de una manera misteriosa pero sencilla. Son obras auténticas por los materiales y reservadas en su conversación con el espectador. Se trata de un arte que hace de la pobreza una riqueza al alcance de todos. Formaban parte del grupo que Germano Celant denomina "Arte Povera": Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolmi, Pascali Pino, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto Emilio Puni y Gilberto Zorio. Uno de los más populares, sin embargo, en la mayoría de ferias de arte contemporáneo en Italia es Mario Merz originario de Turín: contaminado por la poética del informal después de las primeras experimentaciones encuentra su dimensión artística con el uso de luces de neón. La luz y su radiación tienen una fascinación especial sobre el artista que elabora su concepto y forma. Merz no se limita a un uso “mínimal” de los tubos fluorescentes lineales, siempre prefiere hacer hincapié en el motivo de la espiral a testimoniar la fuerza vitalista en una forma sencilla pero a la vez vivaz y activa. También trabaja en la apreciación de las formas estéticas puras, componiendo obras con las cifras de las series de Fibonacci que resultan de la suma de las dos figuras anteriores. En los veinte años de actividad de este artista se puede ver la fidelidad absoluta a pocos temas elegidos: además de las series de Fibonacci, Merz se dio a conocer por sus construcciones de iglús, estructura extremadamente sencilla, primitiva, pero de comprobada solidez y con formas suaves y básicas. Merz construyes sus iglús con diferentes materiales como el yeso, cera, arcilla, vidrio o estructuras de hierro y los presenta como si se tratara de cofres que contienen los tesoros de la cultura del pasado y el futuro, llenos de vitalidad.

Figura 3 Mario Merz

Otra personalidad importante y significativa para el grupo es la de Michelangelo Pistoletto. En 1978 escribió un texto titulado "La división y la multiplicación del


espejo" en el que declaró: "Si el arte es el espejo de la vida yo soy el fabricante de espejos". Esta es sin duda la frase que mejor representa su concepto del arte como el marco de la vida real, capaz de poner al descubierto, de manifestar algunos aspectos naturales y poco observados de la vida misma. Sus obras son placas de acero inoxidable pulido hasta obtener el efecto espejo sobre las cuales el artista aplica imágenes: el espectador reconoce su figura y su entorno. Pistoletto implica físicamente los espectadores en la obra misma que están observando estableciendo una comunicación directa entre la obra y la vida, en línea con el principio vitalista más general del “Arte Povera”. Hablando de sus espejos Pistoletto dice: "el resultado no puede ser una hipótesis. El resultado es verdadero. Desde Turín llega otro nombre, el de Gilberto Zorio que hace de la energía el protagonista de su trabajo. Elige las formas simples como la canoa o la estrella, algo que lo hizo reconocible, reconociendo en ella una proyección de una imagen definida del cosmos: una forma básica que incorpora muchos misterios. Zorio crea a menudo instalaciones, también de tamaño muy considerable, para subrayar la importancia del vínculo con el entorno fortaleciendo su poder energético a través de las dimensiones. La búsqueda de Zorio también incluye fluorescencia reacciones químicas hasta llegar a niveles muy sofisticados creando así un contraste entre la estética del arquetipo y la del desarrollo tecnológico. Giuseppe Penone, sin embargo, desempeña un trabajo paciente de Figura 4 Giulio Paolini documentación antropomórfica, a partir de su propia piel y huellas, mide cuidadosamente los nudos de los troncos de los árboles o de otros fenómenos vegetales, obligando al espectador a una reflexión profunda sobre las formas estéticas familiares pero poco observadas. Además de los artistas tratados anteriormente, al “Arte Povera” pertenecen otras importantes personalidades, como Pier Paolo Calzolari, Anselmo Giovanni, Luciano Fabro, Giulio Paolini y Alighiero Boetti. Calzolari, opta por hacer uso de materiales efímeros, sujetos a una rápida transformación en el tiempo, como el hielo, el humo negro de las velas, fuego, arena, hojas de tabaco, cera, sal, plomo, grasas u ollas de agua. Construye instalaciones precarias que están en la frontera entre la obra, la instalación y la performance. Su arte está lleno de referencias a la poesía, de silencios y sonidos encerrados en estructuras complejas en línea con la filosofía del “Arte Povera”, interactúan con el entorno convirtiéndose en ello. Giovanni Anselmo, después de dejar la pintura en el 1964, combina materiales orgánicos con otros no-orgánicos, prefiriendo los que pertenecen al mundo de la agricultura: así que la madera y piel de los animales están compuestos en un solo trabajo como el granito y la ensalada. Es un artista que trabaja mucho sobre el concepto de los opuestos mediante la elección de casar materiales y conceptos totalmente diferentes sin elaboraciones forzadas, haciendo


parecer que la unión haya ocurrido de manera natural hasta llegar a una fusión bien proporcionada. Anselmo se ha servido también de la fotografía para fijar acciones creativas irrepetibles y proyecciones para subrayar detalles reales o conceptuales. Luciano Fabro participa activamente en el grupo de Celant desde 1967 y comenzó a proponer soluciones compuestas de cristales, espejos y metal. Posteriormente dirige su reflexión hacia la intención de comunicar, a través de materiales pobres, incluso conceptos más complejos y desarrolla series de obras en este enfoque. Con la serie Italia (desde 1968) describe la península a través de diferentes materiales (bronce, vidrio, piel, cuero, oro, etc.) con alusión irónica a la situación política y económica del país, con la serie Perchas (1976-82), que explota la posibilidades expresivas de los paneles de tela que cuelgan de las paredes, mientras que la serie Efímeros (1985-89) consta de composiciones de elementos geométricos en movimiento sobre todo hechos en mármol y metal. La relación entre el espacio, el espectador y una obra de arte está siempre en el centro de la investigación artística. Alighiero Boetti es conocido por sus bordados. La superficie se divide en secciones en las que el artista juega con letras, colores intercambiándolos y combinándolos. La elección del material, el tejido, tiene un sabor de artesanía y los colores muy brillantes resaltan la luminosidad del hilo y del juego del acostar las letras. Con Giulio Paolini, el discurso es más complejo. Es un artista que manifiesta líneas en común con la poética del “Arte Povera” pero el significado de las obras las empujas hacia el concepto opuesto. Evita el uso de los tradicionales medios artísticos, en línea con otros "poveristas", pero, sobre todo desde los años 80, enriquece su expresión incluyendo referencias literarias y mitológicas: el repertorio iconográfico se extiende a retratar imágenes cósmicas. Paolini reflexiona sobre el papel del arte, la función del artista y sobre la manera de percibir del espectador. La representación se convierte en un campo de investigación en sí misma, capaz de enviar mensajes como el arte verdadero. En general, entonces, los artistas de este movimiento han sido capaces de utilizar los materiales básicos, pobres pero para poder llegar a conceptos y reflexiones mucho más ricas. Figura 5 Giusep p e Penone


JUAN ZAMORA

El artista que vive en Madrid en su nota biográfica reporta: su obra se basa en trabajar con conceptos muy complejos a partir de herramientas muy sencillas y primitivas como son el dibujo, el acto de correr y su propia voz. Juan esta formado en la universidad Complutense de Madrid, la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander, El AKI de Holanda, la Universidad Europea de Madrid (donde actualmente trabaja como Profesor de arte, diseño y arquitectura); y el centro ISCP de Nueva York.

El mundo de Zamora está poblado de monstruitos de aspecto naïf construidos con trazos sencillos y salpicados de color. La mayoría permanecen quietos sobre el papel. Protagonizan escenas que contrastan con su aparente inocencia: se agreden, se tocan los genitales, menstrúan... Aquí y allá otros personajes se mueven en pequeñas pantallas de vídeo y proyecciones. Zamora no se apoya en la tecnología buscando animaciones espectaculares. Quiere que sus creaciones conserven la "entidad de dibujos", por eso proyecta sobre cuadernos, buscando la ilusión de que un apunte casual cobre vida de repente. Zamora invita a imaginar una razón para los misteriosos comportamientos de sus criaturas y recorrer su mundo con la cabeza en las nubes.


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MOMA NEW YORK - CINDY SHERMAN hasta 11/06 MACBA - COLECCION MACBA. MUNTADAS. THE FRAMES: THE FORUM hasta 20/05 -VOLUMNE! OBRAS DE LA COLECCION FUNDACION LA CAIXA hasta 23/04 IVAM -ROBERTA Y JULIO GONZALEZ 14/03 – 17/06 -VIVIR EN LA ARQUITECTURA. A-cero: Joaquín Torres & Rafael Llamazares hasta 20/06


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