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 XXVI Encuentro Latinoamericano  de Estudiantes de Arquitectura

CONFERENCIA DE LA  MASTER EN  MUSEOLOGIA E HISTORIA DEL ARTE,  ARQUITECTA

 INES CAMPOS GARCIA ­ CALDERON 1


Arquitectura de Hoy  ¿Patrimonio del Mañana?

Buenas   noches   con   todos.   Quiero   empezar   saludando   y   agradeciendo   a   las  autoridades   de   la   Universidad   Privada   del   Norte,   representada   por   el   Decano   de   la  Facultad   de   Arquitectura,   Arquitecto   Marcos   Angulo   Cisneros,   a   la   Coordinadora  Latinoamérica   de   Estudiantes   de   Arquitectura,   al   Comité   Organizador,   a   la   Arquitecta  Mercedes Armas Gallardo, Coordinadora General del XXVI ELEA, a la Arquitecta Laurita  Lezama Calvo, Coordinadora Académica del XXVI ELEA, por la invitación al evento. Al  Colegio   de   Arquitectos   del   Perú   ­   Regional   Lima,   particularmente   al   Señor   Decano  Arquitecto Oscar Fernández Cárdenas, por el auspicio para participar en este encuentro. Es muy grato para mí regresar a un escenario de un ELEA y aún más grato que sea  en mi país, después de 11 años de haber entregado mi cargo como presidenta de la CLEA  y tener la oportunidad de poder compartir nuevamente nuestras culturas, conocimientos y  vivencias. Hoy les presentaré a modo de un recorrido académico y vivencial el tema: 

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Arquitectura de Hoy ¿Patrimonio del Mañana?  ¿A qué llamamos arquitectura de hoy? Cuál es el lapso histórico que enmarca la  arquitectura actual, es decir desde cuándo consideramos aquellas obras que puedan ser  calificadas como de hoy ¿desde finales del siglo XIX? ¿Desde la primera década o desde  los primeros años del siglo XX?  El movimiento  Art Nouveau, que se inicia en Bruselas,  ¿es  arquitectura de  hoy? Definitivamente  es  diseño de vanguardia, como  lo es aquella  prolífica  expresión de  Jugendstil, iniciado en la colina Mathildenhöhe, en Darmstadt, y  como también lo es aquellos movimientos que derivaron contemporáneamente, es decir el  Modernismo Holandés, y la Secesión, entre otros, sin olvidar las creaciones salidas del  grupo de arquitectos de De Stijl, Bauhaus y el Estilo Internacional, en la primera mitad  del XX. ¿Debemos considerar a estos movimientos de vanguardia como de arquitectura de  hoy?   Considerados   exclusivamente   con   rigor   cronológico,   estos   movimientos  probablemente   caerían   bajo   el   calificativo   de   anacrónicos;   sin   embargo,   ni   el   más  recalcitrante purista académico se atrevería a dar tal calificativo a una obra que hasta hoy  en día sigue inspirando pautas de diseño en los arquitectos actuales, pues la vanguardia  se define precisamente por su cualidad de ser extra­temporal o fuera de su tiempo, pues  propone   una   nueva   cosmovisión,   adelantándose   de   este   modo   a   su   tiempo.  Adicionalmente, basta una mirada a estas obras para reconocerlas como muy actuales. Mi respuesta a las interrogantes arriba planteadas es que las obras arquitectónicas  de los movimientos citados, así como las de otros creadores que no pertenecieron a éstos,  definitivamente   constituyen   lo   que   se   puede   calificar   como   arquitectura   de   hoy;   no  solamente como precursoras sino como miembros plenos del diseño contemporáneo. Entre   los   precursores   de   la   nueva   arquitectura   nos   topamos   con   H.P.   Berlage,  considerado como “Padre del Modernismo Holandés”, cuyo diseño y construcción de la  Bolsa   de   Valores   de   Amsterdam  fue  realizado   entre  1884  y  1903  y   marca   el   hito  fundamental del inicio de una renovación profunda de la arquitectura holandesa. 

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Si bien es cierto que Berlage con esta obra todavía utiliza elementos del románico  y   el   gótico   flamenco   también   utiliza   como   punto   de   partida   un   análisis   constructivo  novedoso,    poniendo en franca evidencia los elementos utilitarios, para obtener efectos  decorativos   nunca   vistos   antes   de   la   construcción   de   esta   obra.   Berlage   utiliza   los  materiales expuestos como son el ladrillo, la piedra y el hierro que conciben una estructura  sólida y que expresa seguridad. La idea de Berlage se basaba en que las estructuras de  las edificaciones debían mostrarse desnudas, sin añadiduras.

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En Bélgica fue Víctor Horta quien impulsó el movimiento Art Nouveau, del que fue  también   su   mayor   exponente.   Su   primer   edificio   Art   Nouveau   fue   el  Hotel   Tassel,  diseñado en 1893. Horta logra organizar las funciones del hotel dentro de lo que era una  tradicional casa de ciudad con terraza, de frente muy angosto y de tres pisos, y de utilizar  en la fachada un leguaje arquitectónico que permite entender qué tipo de función cumple la  edificación. 

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Horta   utiliza   el   hierro   como   si   fuese   un  filamento   orgánico,   tanto   en   elementos  ornamentales como utilitarios y/o estructurales, como son las escaleras, los balaustres y  las   columnas,   así   como   también   en   tragaluces   centrales   recubiertos   de   vitrales   que  permiten el ingreso de luz natural al corazón de las edificaciones. Asimismo, la decoración  interior es detallada e integrada a la edificación. 

Estos elementos los repite Horta en el diseño y construcción, entre  1898  y  1901,  de su  Vivienda­Taller,     considerada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año  2000, conocida hoy como el Museo Horta, en donde se muestra que el diseño interior va  de la mano con el confort.   

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En Austria, un grupo de arquitectos y artistas de Viena, como Otto Wagner, Joseph  Maria Olbrich y Gustav Klimt, fundan la Secesión en  1897. Este movimiento fue  llamado  así   porque   se   aparta   del   diseño   académico,   proponiendo   una   renovación   artística   de  reinterpretación   de   los   estilos   del   pasado   ante   el   avance   de   la   producción   industrial.  Aunque   la   Secesión   es   también   considerada   dentro   del   modernismo   típico   de   la  arquitectura del cambio de siglo, así como también lo es el Art Nouveau, es preciso resaltar  que presenta marcadas diferencias con éste; así la decoración es menos naturalista  y más  estilizada y abstracta. 

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Los   diseñadores   del   grupo   utilizan   la   tipografía    y   la   pintura   como   elementos  dominantes en la composición arquitectónica, así como la sobriedad formal, más cercana  ésta a lo que serían los movimientos vanguardistas de las nuevas generaciones del nuevo  siglo,   como   De   Stijl   o   Bauhaus.   El   edifico   insignia   de   este   movimiento   es   diseñado   y  construido por J.M. Olbrich en 1898 para impartir las ideas y albergar las exposiciones del  grupo de seguidores del movimiento. Este edificio, más conocido como El Repollo de Oro,  está   diseñado   basado   en   el   orden,   la   simetría   y   la   geometría   pura.   Olbrich   utiliza   el  cuadrado y el cubo repetidamente. 

Asimismo,   en   la   fachada   encontramos   dos   lemas,  Ver   Sacrum  (en   el   paño  izquierdo) que significa Primavera Sagrada (que era el nombre de la revista que difundía  el pensamiento de la Secesión) y sobre el pórtico de la entrada, Der Zeit ihre Kunst, der   Kunst   ihre   Freiheit  que   significa  Del  tiempo  su  arte,  del   arte   su  libertad,  lema   que  simplifica la idea fundamental del movimiento,  como lo era también el carácter social de  acercamiento a las clases trabajadoras que debía tener la arquitectura.

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En sus comienzos, ni Art Nouveau ni Jugendstil fue el nombre común del estilo, el  cual   adoptó   diferentes   etiquetas   en   su   difusión   en   centros   artísticos.   Ambos   nombres  provienen, respectivamente, de la galería Maison de l’Art Nouveau, inaugurada en Paris  en 1895 por el comerciante alemán de arte Samuel Bing, y la revista Jugend (Juventud) de  Munich   (Juventud:   revista   muniquesa   semanal   ilustrada   de   arte   y   estilo   de   vida),  fundada por Georg Hirth en 1896, una de cuyas ediciones de ese año muestra la cubierta  decorada con motivos Art Nouveau. Ambas, galería y revista, promovieron y popularizaron  el estilo.

En  1899,   por   invitación   de   Ernst   Ludwig,   Gran   Duque   de   Hesse,   el   arquitecto  autodidacta  de  Hamburgo,  pintor  de  profesión, Peter  Behrens,  miembro  de  los círculos  artísticos   y   del   Jugendstil   en   Munich,   se   convirtió   en   el   segundo   miembro   de   la  recientemente establecida Colonia de Artistas de Darmstadt, donde en la Mathildenhöhe  construyó su propia casa  y concibió el contenido completo de la misma (mobiliario, toallas,  pinturas, cerámica, etc.). Behrens fue uno de los líderes de la reforma arquitectónica del  cambio de siglo y fue un importante diseñador de fábricas y edificios de oficinas en ladrillo,  9


acero y cristal. En 1907, Behrens y otras diez personas (Joseph Maria Olbrich entre ellas),  más   doce   empresas   se   reunieron   para   crear   la   Organización   Alemana   de   Trabajo  (Deutscher Werkbund). Miembros de la  Werkbund  estaban concentrados en mejorar el  nivel general del gusto en Alemania por medio de mejorar el diseño de objetos y productos  cotidianos.   Behrens   es   considerado   el   primer   diseñador   industrial   de   la   historia   por   su  trabajo   para   la   firma   alemana   AEG   (Allgemeine   Elektrizitäts   Gessellschaft),   para   quien  diseñó   no   sólo   el   edificio   de   su  Turbinenfabrik  (Fábrica   de   Turbinas,   construcción   de  1910,   de   ladrillo,   acero   y   cristal,   de   líneas   sobrias   y   diseño   moderno),   sino   que   como  consultor   artístico   de   la   empresa,   diseñó   su   identidad   corporativa   completa   (logotipo,  diseño de productos, publicidad, etc.)

El trabajo de Behrens para AEG fue la primera demostración a gran escala de la  viabilidad y vitalidad de las iniciativas y objetivos de la Werkbund. De  1907  a  1912, tuvo alumnos y asistentes, entre los cuales estuvieron  Ludwig  Mies   van   der   Rohe,  Le   Corbusier,  Adolf   Meyer,  Jean   Kramer  y  Walter   Gropius  (quien  posteriormente se convirtió en el primer director de Bauhaus). Behrens fue un pionero en  todo lo que hizo en la primera mitad del siglo XX y sus ideas fueron divulgadas por todo el  10


mundo por sus alumnos, especialmente por Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier. La  creación del concepto de identidad corporativa tuvo influencia directa en otras empresas de  la post 2aGM como la compañía Braun o McDonald’s.

Otro miembro del Art Nouveau o Jugendstil, cofundador de la Secesión Vienesa,  contratado en  1899  por Ernst Ludwig von Hesse para integrar la Colonia de Artistas de  Darmstadt, fue el antes mencionado arquitecto Olbrich, quien junto con otros artistas de  renombre   (como  Behrens)   y   figura   central   del   grupo,  participó   en   el   planeamiento   y  ejecución   de   edificios   en   la   Mathildenhöhe,   donde   diseñó   la  Casa   Ernst   Ludwig  (construida   como   taller   común),   la   casa   del  administrador   de   la   Colonia,  la   Torre   de   Bodas , el edificio de Exposiciones y otros.

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CITA BENEVOLO “Si se considera el conjunto de los movimientos europeos que  pretenden una renovación de la arquitectura de su tiempo..., observamos que en todos  ellos,   por   encima   de   un   vocabulario   formal   no   siempre   coincidente,   se   hallan   unos  presupuestos   conceptuales   y   una   intención   definidora   en   alto   grado   compartidos.   Las  propias   denominaciones   de   tales   movimientos   hablan   de   un   deseo   común   de  ruptura,   libertad, juventud y novedad, capaz de imprimir a la arquitectura de un tiempo nuevo un  carácter nuevo. Esta intención y esta búsqueda de una modernidad creemos que debe  situarse como dato significativo por encima de cualquier aceptación que éste pudiera tener  y la influencia que fuera capaz de alcanzar.”1 FIN DE CITA Durante la Primera Guerra Mundial se genera en Europa un clima artístico especial.  Diferentes movimientos artísticos y arquitectónicos surgen como reacción a la guerra. En  los   Países   Bajos,   el   movimiento   De   Stijl,   en   Alemania,   la   Bauhaus,   en   Rusia   el  Constructivismo, entre otros. Estos movimientos marcan un nuevo concepto en donde las  formas son más lineales, la decoración más estilizada y sobria y el lenguaje arquitectónico 

 Benévolo, l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 330.

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se   vuelve   aún   más   geométrico   y   funcional.   Pero   se   continúa   con   la   idea   de   la   obra  arquitectónica con el diseño interior y la decoración como un todo.

 De Stijl fue fundado, primero como movimiento en 1917 y luego como revista en  1918,  por un grupo de artistas y arquitectos, encabezado principalmente por los pintores  Theo van Doesburg y Piet Mondriaan y luego los arquitectos J.J.P. Oud y Cornelis van  Eesteren.   El   movimiento   se   mantuvo   activo   aproximadamente   hasta  1931.   Sus  lineamientos generales estaban basados en la colaboración integral entre los diferentes  profesionales – pintores, escultores, poetas, arquitectos – desde la concepción del diseño  hasta   el   prototipo   final   y   la   idea   del   Neo­Plasticismo   de   Mondriaan,   que   planteaba   lo  universal sobre lo individual ya que lo individual según él había perdido su importancia.  Abstracción, precisión, geometría, búsqueda de la pureza y la austeridad artística, estudio  de las leyes naturales para lograr representar la realidad de la naturaleza fueron principios  motores   del   movimiento.   Las   primeras   expresiones   de   De   Stijl   fueron   mayormente   en  pintura, escultura, muebles, y posteriormente en arquitectura.

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En 1924 Gerrit Rietveld, uno de los miembros más reconocidos del movimiento, fue  comisionado   por   Truus   Schroeder   para   hacer   una   vivienda,   ubicada   en   la   ciudad   de  Utrecht, para ella y sus 3 hijos. Esta casa se convirtió en la primera manifestación de las  ideas   de   De   Stijl   a   gran   escala.   El   diseño   y   la   construcción   se   realizaron   de   forma  simultánea. El diseño permitía que la construcción tuviera la maleabilidad de adaptarse a  los requerimientos de sus habitantes, es decir que los ambientes se podían transformar  según   su   uso   en   el   momento,   gracias   al   carácter   experimental   de   la   vivienda   y   a   la  habilidad   de   diseño   y   construcción   de   Rietveld,   arquitecto   de   oficio   y   carpintero   de  profesión. Rietveld y Schroeder, desarrollaron el diseño conjuntamente. En principio eligen  empezar desde un cubo macizo que posteriormente van destajando hasta convertirlo en  una estructura liviana y llena de luminosidad. El concepto de espacio ya no está definido  dentro de un cubo, Rietveld utilizó un nuevo concepto espacial mediante líneas rectas y  planos rectangulares en sus variados elementos arquitectónicos y estructurales que están  ensamblados   en   una   composición   balanceada.   Al   mismo   tiempo   cada   elemento   es  autónomo dando énfasis a la fluidez y continuidad del espacio.

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La casa se levanta sobre una planta de 7x9m y está organizada en dos pisos,  alrededor de la caja de escaleras al centro de la vivienda. La estructura principal consiste  en concreto reforzado, parantes y postes de acero. Una de las paredes se yuxtapone a la  pared de ladrillos de la de edificación contigua, los otros tres frentes son abiertos mediante  planos en diferentes lineamientos y también mediante balcones. Rietveld utiliza los tres  colores primarios además del negro, el blanco y el gris. El primer piso está diseñado según los reglamentos para lograr así el permiso de  construcción. Los espacios están organizados alrededor de un hall.  En el segundo piso está ubicada la zona íntima que consiste en un estar familiar y  tres   dormitorios,   que   durante   el   día   conformaban   un   solo   espacio   y   durante   la   noche,  mediante paredes deslizantes, el espacio se divide para dar privacidad a cada uno de los  ocupantes de la casa.

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La RietveldSchroederhuis, como se le conoce en Holanda, contenía en su interior  muebles diseñados  y fabricados por el arquitecto­carpintero, que también presentaban las  mismas características espaciales y colores de la casa. Rietveld   y   Schroeder   buscaron   de   diseñar   hasta   el   mínimo   detalle   para   las  necesidades de la familia en su momento y también anticiparon la posibilidad de cambio  según los años y el uso que se le iba dando. Schroeder habitó la casa por casi 60 años y  durante   ese   tiempo   ésta   se   fue   transformando   sin   modificar   su   estructura   básica,  lográndose un balance armónico entre el valor funcional y el indiscutible valor artístico de la  obra. En 1976 la UNESCO la declara Patrimonio Mundial y hoy funciona como un museo  bajo la protección de la Comuna de Utrecht y el Centraal Museum de la ciudad.

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En  1919  Walter   Gropius,   arquitecto   de   profesión   y   oficio,   funda   la  Bauhaus  (literalmente Casa de Construcción), en Weimar, que a diferencia de De Stijl que nace en  un ambiente neutral, aquélla se creó en un momento de crisis, cuando Alemania pierde la  Primera Guerra Mundial. Esto origina que los arquitectos y artistas en diferentes campos  vean la necesidad de empezar de nuevo, con una idea nueva. El   fundamento   esencial   de   la  Bauhaus,  fue   crear  un   sistema   que   les  permitiera,  tanto a maestros como alumnos, poder enfrentar los problemas bajo una nueva forma de  pensar. El sistema de enseñanza no era como lo conocemos nosotros, de relación vertical  entre profesor y alumno, era uno donde los estudiantes colaboraban con los maestros para  lograr los objetivos y aquéllos eran libres de plantear sus propias soluciones. Uno de los  aspectos muy importantes en la línea de pensamiento de la Bauhaus fue crear no sólo una  colaboración entre diseñador y artesano, sino que  pasado el  tiempo tanto  el diseñador  como el artesano pudieran ser hábiles en ambos oficios o profesiones, cosa que sucedió  cuando la Bauhaus se trasladada a Dessau en  1925, con Gropius nuevamente como su  director. Otro aspecto importante fue lograr la industrialización del arte, idea propuesta por  Gropius   que   fue   rechazada   rotundamente   por   los   artistas,   tanto   aquéllos   de   la   propia  Bauhaus como los de la sociedad. Adicionalmente, también fue muy importante la idea de  17


construir   con   sistemas   de   prefabricados   y   diseñar   el   contenido   o   enseres   de   las  edificaciones, es decir desde los utensilios y artefactos hasta el mobiliario. Para llevar a  cabo esta idea, Gropius convoca a diferentes personalidades, hoy muy reconocidas en el  mundo del arte y la arquitectura, como Laszlo Moholy­Nagy, Paul Klee, Lyonel Feininger,  Marcel Breuer y Ludwig Mies van der Rohe, entre otros. Las clases se impartían libremente  según el criterio de cada maestro pero siempre basándose en los lineamientos generales. Gropius enfatiza que la Bauhaus  CITA GROPIUS  “no fue un intento de  crear un   estilo o un dogma, por el contrario, estábamos en contra de ello, lo que se quería crear  era un proceso de investigación abierto, que está abierto aún ahora. Porque no era esta o  aquella personalidad, sino que tratamos de encontrar medios objetivos para informar a las  nuevas generaciones sobre cómo resolver éstos problemas.”2 FIN DE CITA En la Bauhaus  se buscaba que cada quien fuera libre­pensador capaz de proponer su propia solución,  caso excepcional en la historia.

 Peter, J., The Oral History of Modern Architecture, H.N. Harris: 2000, p. 181.

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El edificio más representativo de la Bauhaus, es el edificio que alberga a la escuela  en   Dessau,   comisionado   por   la   Comuna.   Mientras   Gropius   se   encarga   del   diseño  arquitectónico,   el   diseño   integral,   la   decoración   y   la   ejecución   son   realizados   por  colaboración entre maestros y estudiantes. Esta edificación comprende 5 áreas dedicadas  a   la   escuela,   los   talleres,   a   la   administración,   a   la   vida   comunitaria   y   finalmente   una  edificación de 5 pisos destinada a las habitaciones­talleres de los estudiantes.  Aunque   ésta   es   una   edificación   de   escala   monumental   para   una   ciudad   como  Dessau, la estructura es liviana por el tipo de materiales que se utilizan, como la cortina de  vidrio que se utiliza especialmente en la fachada de los talleres, el metal para los bordes de  las ventanas y balcones y la pintura blanca en las paredes.

Gropius   logra   evitar   acentuar   la   individualidad   de   cada   área   con   las   fachadas  corridas, que no se detienen en los extremos de los muros sino que continúan por un  elemento de paso como los balcones en las esquinas de las habitaciones­talleres. Este edificio se convirtió en CITA DROSTE “la meta ideal del ideario de la escuela,  la   cooperación   de   todas   las   artes   en   la   construcción,   se   había   realizado   con   radiante  claridad y modernidad; las discutidas ideas del nuevo construir y del nuevo vivir se habían 

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transformado   sin   compromisos   y   resultaban   convincentes.”3  FIN   DE   CITA  La   obra   es  cconsiderada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año 1996. La Bauhaus es trasladada por presión Nazi a Berlín bajo la dirección de Hannes  Meyer en 1930 y posteriormente por Ludwig Mies van der Rohe hasta 1933, año en que la  escuela   es   clausurada   definitivamente   por   Hitler,   por   ser   según   él,   fuente   de   “arte  degenerado”   (entartete   Kunst).   Después   de   1934,   una   gran   cantidad   de   maestros   y  estudiantes emigran a Inglaterra, Francia y Suiza en Europa, mientras otros se mudan a  EE.UU., en donde por un lado se funda la  Nueva Bauhaus  en Chicago, siguiendo los  lineamientos de Dessau y bajo la dirección de Moholy­Nagy, en tanto que otros maestros  como Mies van der Rohe y Gropius se hacen cargo de diferentes escuelas de arquitectura.  Así,   Mies   van   der   Rohe   es   nombrado   director   del   Departamento   de   Arquitectura   del  Instituto   de   Tecnología   de   Illinois,   y   Gropius   del   Departamento   de   Arquitectura   de   la  Facultad de Diseño de Harvard. En EE.UU. se acoge las enseñanzas de estos maestros  pero desde la perspectiva del estilo y la tecnología y no la de su ideología. Después de 1984, el llamado estilo Bauhaus fue dejado de lado y la arquitectura de  EE.UU.   se   ve   invadida   por   reminiscencias   del   pasado,   con   elementos   tales   como   las  columnas dóricas y los frontones similares a los de los templos griegos. Sin embargo esta  aparente desaparición del estilo Bauhaus no era tal. 

 Droste, M., Bauhaus, 1919 ­ 1933, B.Taschen: 1993, p. 123.

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Muchos   arquitectos   reconocidos   como   Frank   Gehry,   Richard   Meier,     I.M.   Pei,  Norman   Foster,   Arata   Isozaki,   Mario   Botta   y   Jean   Nouvel    entre   otros,   continuaron  redefiniendo, reinterpretando y re­estudiando el modernismo de la Bauhaus.

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A partir de 1925 hasta 1965 aproximadamente se gesta y difunde el llamado Estilo  Internacional,    que se encuadra dentro de lo que es la arquitectura funcional o racional,  que propugna una forma de diseñar universal, desprovista de cualquier ornamento y rasgo  regional.

El Estilo Internacional es producto principalmente de tres factores muy importantes  de la época. El primero es el eclecticismo de diversos estilos arquitectónicos del siglo XIX,  en donde se toman elementos formales de diversos estilos sin consideración a la relación  entre función y forma de la edificación. El segundo es el avance de la industrialización en  Europa y en EE.UU., que generó la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos  hasta entonces desconocidos, como el edificio de oficinas o el bloque de departamentos.  El último factor es el avance en la técnica de los materiales y en la de la construcción. La  invención del concreto armado y las aleaciones de acero conllevarían nuevas posibilidades  estructurales de la edificación, en mayor altura y más espaciosas. Las características principales del Estilo Internacional son, en el aspecto formal, la  ortogonalidad y el empleo de superficies lisas, en el aspecto visual, la ligereza y el uso de  voladizos y en el aspecto constructivo, las nuevas técnicas y materiales – como el concreto  armado – que permiten la configuración de amplios espacios interiores.

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Entre   los   arquitectos   más   renombrados   que   siguieron   este   estilo   se   encuentran  Gropius,  J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler, Alvar Aalto, y Frank Lloyd Wright.  Finalmente cabe mencionar a dos duplas de arquitectos, la primera, Le Corbusier y Pierre  Jeanneret,  quienes   hicieron   un   gran   aporte   a   la   arquitectura   habitacional   internacional  cuando   presentaron   los   5   puntos  de   la   nueva   arquitectura   –   pilotes,   techos   y   jardines  colgantes, planta libre, fachadas corridas y ventanas corridas – al CIAM realizado en 1929.

 Esta nueva arquitectura es representada en  Villa Savoye en  Poissy entre  1928 y  1931,  En 1964 fue clasificada como monumento histórico en vida de sus creadores.  La  segunda dupla está conformada por Ludwig Mies van der Rohe y Philip Johnson, quienes  en colaboración diseñan y construyen el Edificio Seagram,  New York, entre 1954 y 1958.  El mayor aporte en el diseño fue incluir una gran plaza a escala urbana situada entre el  edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida y la gran estructura de acero de  esta edificación de gran altura.

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Los   grandes   arquitectos   europeos   que   emigraron   a   EE.UU.   trabajaron   en  colaboración   con   los   técnicos   estadounidenses   para   impulsar   los   principios   del   Estilo  Internacional,   “principios   que   fueron   aceptados   dentro   de   la   sociedad   norteamericana,  organizada y progresista, con tanto éxito que el modelo de edificio por ellos propuesto,  sigue siendo el emblema del espíritu corporativo estadounidense.”4 Con la culminación de la Segunda Guerra Mundial se inicia un vasto movimiento de  revisión   de   los   aportes   recibidos   y,   en   muchos   casos   se   obtienen   resultados   de   valor  internacional, desligados aparentemente de los movimientos europeos y estadounidenses  y capaces de estimular experiencias tanto en el Viejo como en el Nuevo Mundo. El movimiento moderno llega a Latinoamérica a través de sus arquitectos que viajan  a Europa y EE.UU. y regresan con el nuevo conocimiento adquirido, y la migración de los  grandes  maestros europeos hacia  EE.UU. y posteriormente a Latinoamérica, desde los  años  20   hasta   los tiempos de   la   post  2ª  GM,  y  logra   implantarse   por la   necesidad   de  buscar nuevas soluciones ante el crecimiento económico y demográfico, la industrialización  y la coyuntura económica del mercado internacional, durante las décadas de los 40 y 50.

 http://es.wikipedia.org/wiki/Estilo_Internacional

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Los   primeros   signos   del   pensamiento   de   vanguardia   en   la   arquitectura   moderna  Latinoamericana   los   notamos   en   la   práctica   profesional   y   en   aspectos   formales.   En   la  práctica   profesional,   encontramos   el   predominio   del   trabajo   en   equipo,   la   división   del  trabajo y la inclusión de arquitectas en los equipos. En el aspecto formal CITA BENEVELO  “se iniciará en los años 30 y 40, en muchos casos a partir de la enseñanza de arquitectos  que han estudiado en Europa y EE.UU. y que aportaron a sus respectivos contextos la  novedad   de   un   lenguaje   vanguardista   e   internacional,   como   por   ejemplo   Carlos   Raúl  Villanueva, en Venezuela, 

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Bonet en Argentina,   Duhart en Chile, Candela en México, entre otros.” 5  FIN DE  NOTA  El referente más notorio es la arquitectura de Le Corbusier, especialmente en su  etapa monumental. En donde realiza edificios de arquitectura civil en base de un brutalista  uso de concreto reforzado, que será la mayor fuente común a la mayoría de los primeros  arquitectos modernos latinoamericanos. Otros referentes pero en menor medida son los  diseños de Gropius, Mies van der Rohe, Wright y Aalto.

En   Latinoamérica   la   recreación   y   contextualización   del   Estilo   Internacional,   logra  interesantes   y   atrevidas   experiencias   en   la   búsqueda   de   una   interpretación   propia   del  lenguaje racional, insistiendo en los aspectos formales, en la técnica constructiva y en la  integración de la Arquitectura Moderna a las diferentes culturas propias de cada país. En el  caso del Perú, la arquitectura muestra en general tres tendencias; la internacionalista, con  experiencias de arquitectos como por ejemplo Luís Miró Quesada Garland

 Benévolo,l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 769. 

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,Teodoro Cron, Paul Linder y Manuel Ganoza; la localista con la obra de Luis Ortiz  de Zevallos y Enrique Seoane, entre otros y una tercera tendencia que se sitúa entre las  dos   primeras,   donde   la   respuesta   al   racionalismo   de   la   arquitectura   moderna   es   la  arquitectura brutalista, tal como sucede también en el Ecuador.

Los ejemplos de obras significativas son muchos e imposibles de citar en esta corta  disertación, de modo que sólo mencionaré algunos de ellos. El Ministerio de Educación y   Sanidad de Brasil  que fue un proyecto de  concurso público de  1935, encargado a una  comisión conformada entre otros por Lucio Costa, Oscar Niemeyer y A.E. Reidy. En 1936,  Le Corbusier fue invitado a participar y replantear el proyecto. Al año siguiente el proyecto  definitivo quedó listo basado en las sugerencias de Le Corbusier, que incluía los 5 puntos  de la nueva arquitectura además del brise­soleil. En este edificio, como se verá en otros  ejemplos, se optó por la inclusión de esculturas, entre ellas una de Jacques Lipchitz, y  revestimientos cerámicos.

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La  Ciudad Universitaria de la UNAM  (Univ. Nac. Autónoma de México),  Ciudad   de México, de 1946, proyecto convocado por concurso público. En 1947 el concurso fue  ganado por dos estudiantes de arquitectura, nombres que no he conseguido encontrar. Se  formó   la   Comisión   Técnica   Directora,   la   cual   designo   a   los   arquitectos   directores   del  proyecto,  Enrique del  Moral,  Mario  Pani Darqui,  Domingo García  Ramos  y  Mauricio M.  Campos, quienes se encargarían de designar al conjunto de arquitectos e ingenieros que  participarían en la ejecución del mismo. Más de cien arquitectos e ingenieros de entre los  más destacados del país se unieron a la obra. Resaltan los nombres de  Luis Barragán,  Carlos Lazo Barreiro,  Juan O'Gorman,  Enrique Yáñez,  Pedro Ramírez Vázquez,  Enrique  de la Mora, Enrique Guerrero Larrañaga, José Villagrán García y, como gerente de obras,  Luis Enrique Bracamontes. También participaron artistas como Diego Rivera y David Alfaro  Siqueiros.   El   proyecto   se   convirtió   en   un   laboratorio   de   búsqueda   de   una   arquitectura  nacional, en un intento de vincular la arquitectura arcaica con la moderna. Finalmente se  optó por la integración artística, intentando sintetizar la arquitectura con la escultura y la  pintura   con   grandes   superficies   de   mosaicos.  Considerada   Patrimonio   Mundial   por   la  UNESCO desde el año 2007. 31


La  Ciudad Universitaria de Caracas, Campus principal de la Universidad Central 

de Venezuela, cuyos trabajos se empezaron en  1950  y se desarrollaron durante toda la  década. Carlos Raúl Villanueva es la figura encargada de diseñar el conjunto que consta  entre otros edificios del Estadio Olímpico de  1950, el Aula Magna de 1952, la  Escuela   de   Arquitectura  y   la  Piscina   Universitaria  de  1957.   Todo   el   conjunto   constituye   la  síntesis de la propuesta de Villanueva en cuanto a las artes figurativas, creando espacios  en los que la arquitectura, la escultura y la pintura estén presentes. CITA BENEVOLO “En  la   Facultad   de   Arquitectura   se   configura   un   espacio   elástico,   sub­divisible   o  integrable,  según los requerimientos cambiantes, mediante la intersección de elementos móviles. En  el Aula Magna las esculturas suspendidas de Calder, colocadas según asesoramiento de  ingeniero Newman, han creado una sala acústicamente perfecta. En los restantes edificios  y espacios libres de la Universidad se combinan murales de Léger, Vasarely, Manaure y 

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Navarro, y esculturas de Arp y Laurens.”6  FIN DE CITA  Considerada Patrimonio Mundial  por la UNESCO desde el año 2000.

El  Centro Cívico y Comercial de Lima,   construido de  1964  hasta  1971, dirigida  por un equipo de arquitectos conformado por J. García Bryce, J. Crousse, J. Paéz, M.A.  Llona,   A.   Córdova,   G.   Málaga,   O.   Núñez,   S.   Ortiz,   R.   Pérez   León   y   A.   Williams.   Este  conjunto es un ejemplo de las características esenciales de la arquitectura peruana más  monumental. Entre los mayores aportes está el uso del concreto armado expuesto, que  hasta el momento de su construcción era el sistema estructural que mejor se comportaba  en caso de sismos y que conduce a una arquitectura estéticamente de avanzada; como el  concreto pre­tensado en los techos artesonados de la torre de 34 pisos y los pavimentos  exteriores con una retícula de concreto pulido y una trama de canto rodado. El conjunto se  desarrolla a partir de volúmenes con ligeros volados que se articulan a través de patios.  Otro aporte en cuanto a la práctica profesional es que, por la envergadura del proyecto que  tiene un área de 110,000 m2, requirió un concurso arquitectónico inédito en nuestro medio 

 Benévolo, l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 792.

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que   obligó   a   la   formación   de   consorcios   y   equipos   de   trabajo   especialmente   para   el  proyecto.

Otro   ejemplo,   reconocido   internacionalmente,   es   el  Conjunto   Residencial   San   Felipe, , construido de  1964  a  1966, de los arquitectos Enrique Ciriani (primera etapa),  Vásquez y Smirnoff. Este conjunto es uno de los más importantes que se han hecho en el  país,   siendo   esta   obra   uno   de   los   ejemplos   de   vivienda   masiva   para   la   clase   media.  También   es   importante   mencionar  el  Proyecto   Experimental   de   Vivienda   (PREVI)  de  1966,   en   donde   participaron   arquitectos   internacionales   preocupados   por   la   vivienda  evolutiva   y   social,   como   Atelier   5,   Kikutake,   Maki   y   Kurokawa,   Stirling,   Van   Eyck   y  Alexander   entre   otros,   y   como   ejemplo   de   arquitectura   institucional,  La   Biblioteca   Nacional del Perú,  de Francisco Vella, Augusta Estremadoyro, Guillermo Claux y Walter  Morales, 2006.

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“En la segunda mitad del siglo XX se fueron produciendo tanto nuevos desarrollos  del movimiento moderno en sus múltiples posibilidades, como alternativas críticas. En las  últimas   décadas   del   siglo   se   produjo   incluso   un   radical   cuestionamiento   del   concepto  mismo   de   la  modernidad  a   través   de   su  deconstrucción,   y   que   en   arquitectura   fue  interpretado a través de los movimientos denominados  deconstructivismo  y  arquitectura  postmoderna,   que   no   son   ni   mucho   menos   las   únicas   posibilidades   expresivas   de   un  período, que llega hasta el siglo XXI, caracterizado por la abundancia y variedad de obras,  estilos y creadores”. La  deconstrucción  fue un método propuesto por el filósofo francés  Jacques   Derrida   –   alumno   dilecto   y   luego   disidente   de   Martin   Heidegger   –   cuyo  fundamento es la crítica a los conceptos de verdad y de teoría y se centra en una crítica  radical de la razón y de la metafísica propias de la cultura occidental. Lo curioso del caso  es que, según algunos, Derrida, profesor de la Sorbona, se mostraba ante su auditorio  35


como burgués educado y formal. La otra corriente mencionada, el post­modernismo, que  aparece como crítica a Mies van der Rohe, considerado el padre del  modernismo quien  sostenía el principio de la simplicidad en el diseño, sintetizado en su expresión “less is   more” (“menos es más”) y parafraseada por el movimiento en “less is bore” (“menos es  aburrido”)   –   plantea   a   través   de   sus   seguidores   la   inclusión   en   el   diseño   de   una  parafernalia   de  estilos anacrónicos,  que   nos  recuerda   al   neoclasicismo,  que   regresa   al  origen como intento de recuperar el vigor creativo perdido después de concluido el barroco.

Luego de un corto recorrido por el fenómeno de la arquitectura actual, desde sus  orígenes en el Art Nouveau hasta la herencia de la Bauhaus y el Estilo Internacional, a la  interrogante planteada como tema del presente ensayo, es decir que si la arquitectura de  hoy   se   constituirá   en   patrimonio   del   mañana,   debo   ponerme   una   pregunta   antes   de  proponer una respuesta, i.e. ¿es toda la obra de una comunidad de ayer, patrimonio de  hoy?   Confío   que   resulta   claro   para   todos   que   sólo   las   creaciones   de   un   puñado   de  individuos   ha   merecido   el   reconocimiento   cultural   e   histórico   de   ser   patrimonio   de   la  humanidad. Cuando  la  manera  de  resolver un  problema  se  vuelve  reiterativa, es decir,  cuando  todos los  individuos de un  tiempo  proponen  la  misma solución  a un  problema,  36


siendo las diferencias entre un planteamiento y otro únicamente combinaciones arbitrarias;  en otras palabras, cuando cada nuevo proyecto es una copia del entorno a la cual se le ha  cambiado su aspecto formal, como un vestido copiado con tela y color diferentes; cuando  el   diseñar   se   ha   convertido   en   un   proceso   puramente   mecánico,   donde   la   supuesta  creatividad sólo busca ser  diferente  sin darse cuenta que su manera de pensar es lugar  común, entonces la expresión nunca llegará a considerarse una obra única. Sólo algunos  individuos que hayan sentido profundamente que en ellos ya murió la antigua cultura – es  decir,   la   expresión   homogénea   de   una   comunidad   agotada   –   inquietados   por   su   afán  creativo, podrán producir obras de valor único, obras que serán patrimonio del mañana.

¡Gracias por su atención!   Arq. Inés Campos García­Calderón Master en Museologia e Historia del Arte

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CONFERENCIA CONEA INES