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MEDIOS DE LAS ARTES PLÁSTICAS: ESCULTURA Autor:

Lic. Víctor Fernando Alemán Díaz. Profesor de Artes Plásticas del Instituto de Educación Media Superior del D.F. Plantel Bernardino de Sahún. Contacto: victorfad640124@yahoo.com.mx

Propósito:

Conocer las cualidades básicas de la escultura a través de la historia. Conocer los materiales, técnicas y características más importantes de la escultura.

Descriptores:

1. Estilos escultóricos. 2. Técnicas de escultura. 3. Tipos de escultura.


ÍNDICE

Pág.

¿Qué es la escultura? ................................. 2 Lectura: “la escultura” Las técnicas de la escultura.........................9 El modelado. La talla. La construcción. El vaciado. Tipos de escultura.........................................15 Exenta. Relieve. Miguel Ángel Buonarroti. “La piedad”. Italia.

¿Qué es la escultura? La escultura La escultura es un género o disciplina de las Artes Plásticas. Son obras con un volumen tangible, es decir, tienen tres dimensiones: largo, ancho y profundidad. Son cuerpos que también se manifiestan en el espacio real. Al igual que las pinturas, una escultura se integra por elementos plásticos como el punto, la línea, el plano, el volumen, la textura y el color. El punto lo podemos encontrar el las superficies texturizadas, la línea en los cantos de las obras geométricas, o en otro caso, algunas pueden ser lineales, también llamadas filiformes, y generalmente están realizadas en algún tipo de alambre. Los planos en la escultura pueden darse también de dos maneras: ya sea como la superficie de una de las caras o como elementos o módulos que integran una escultura también llamada planiforme o planimétrica, generalmente se trabajan con placas de metal soldadas y pueden estar pintadas o no. Muchas obras del constructivismo fueron realizadas a manera de planos. El volumen es el elemento primario más importante y representativo de la escultura y está incluido en todas.

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El color se utilizó en la escultura desde la antigüedad, los egipcios y los griegos ya lo hacían, y en la actualidad se emplea sobre todo en aquellas construidas en metal y cerámica. La escultura está formada por los mismos elementos compositivos que la pintura, así que tiene entre otros: peso visual, líneas de fuerza, simetría y ritmos que se descubren entre sus volúmenes, luces y sombras en sus colores, según sea el caso. Muchas de las obras figurativas tienen el peso visual acentuado en los rostros, las líneas de fuerza se encuentran en la dirección de diversos elementos individuales o en conjuntos de ellos y están igualmente en las abstractas. Un buen número de obras de la antigüedad son simétricas, como algunas del antiguo Egipto y de las culturas prehispánicas: la Tolteca, Mexica y Olmeca, por ejemplo: las Cabezas Olmecas, los Atlantes de Tula, la Coatlicue. Obras abstractas arte moderno también son simétricas, como “El Caballito” del escultor Sebastián.

Sebastián. “El caballito” México.

“La Venus del Milo”. Grecia.

Gran cantidad de obras tienen entre sus formas ritmos creciente y decreciente, uniforme y alterno; las luces y las sombras se alternan por efecto de los volúmenes de las mismas. La escultura está realizada para ser apreciada en los 360°. En algunos casos, la parte frontal es más importante y los costados y la parte trasera pierden fuerza e interés, pero sólo sucede en las particularmente rígidas, fuera de ellas, tanto en las figurativas como en las abstractas, suele conservarse el interés de ir descubriendo los perfiles mientras se hace el recorrido alrededor de ellas, descubriendo también los juegos de luz y sombra así como los de concavidades y convexidades.

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La escultura, al igual que la pintura, también pasó por múltiples estilos y vanguardias artísticas. Existió escultura prehistórica, en el neolítico y paleolítico, escultura antigua como la de Egipto y Mesopotamia; escultura clásica proveniente de Grecia y Roma, escultura precolombina, como la de los aztecas, los toltecas y los mayas.

Agesander, Atenodoro y Polidoro de Pérgamo. “Laocoonte”. Grecia.

La escultura medieval representa cristos, santos o vírgenes, en su mayoría elaborados por autores anónimos y tallados en piedra o madera policromada, realizados para colocarse en nichos de las iglesias góticas o románicas. Durante el Renacimiento en obras como “El David” o “La Piedad” de Miguel Ángel, se plasmaron temas de la mitología grecolatina o religiosos, pero con un claro sentido humanista y naturalista, es por ello que se observa en ellas un excelente conocimiento de la anatomía humana, aunada a la expresión propia del artista. Estas obras eran colocadas en el interior de las iglesias o en plazas públicas.

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Miguel Ángel. “El David.” Italia.

Miguel Ángel. “Piedad Rondanini.” Italia.

La escultura Barroca también representó temas religiosos como “El Éxtasis de Santa Teresa” de Gian Lorenzo Bernini, o mitológicos como el “Milón de Trotona” de Pierre Puget; con mayor movimiento y ritmos arabescos y espirales ascendentes en su composición. La escultura Neoclásica retoma elementos de los estilos de la antigua Grecia y Roma, como las esculturas de “Napoleón Bonaparte” y de su hermana Paulina o el “Apolo coronándose” de Antonio Canova. Con el Romanticismo se da un giro hacia obras de temas emotivos pero también de ideales de libertad y la lucha social, como es el caso de “La Marsellesa” de François Rude.

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Antonio Canova. “Paulina Bonaparte.”

Neoclásico.

En el Realismo se retoman los temas sociales, pero sin el idealismo ni el sentido épico del Romanticismo, como es el caso de los retratos un tanto satíricos de Honorato Daumier. También en el Impresionismo se produjeron obras sobresalientes, como las de Degas o de Rodin. Hubo escultura de vanguardia como la Surrealista de Salvador Dalí o Max Ernst; Cubista: Pablo Picasso o A. Archipenko; Abstracta: los constructivistas rusos Tatlín, o el escultor biomorfista Jean Arp; Dadaísta: “La fuente” de Marcell Duchamp, y escultura Minimalista: la de Flavin o Donal Jud, entre otros.

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Rodin. “El caminante.” Impresionismo

Picasso. “La Cabra” Cubismo.

Marcell Duchamp. “La Fuente.” Dadaísmo.

En México existe una gran tradición escultórica heredada de nuestros antepasados prehispánicos, por lo que no es extraño que en la actualidad existan escultores destacados a nivel internacional como Sebastián en la abstracta, y Javier Marín en la a figurativa antropomorfa (con forma humana), este último ha expuesto en dos ocasiones en la Bienal de Venecia, una de las más prestigiadas e importantes a nivel internacional.

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Arte Mexica. Xochipilli.

Javier Marín. “Cabeza de mujer.

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Las técnicas de la escultura El modelado El modelado es un proceso aditivo, es decir, al que se le puede ir agregando poco a poco el material para dar forma a la obra; se trabaja con materiales blandos, plásticos o maleables como el barro, cera, plastilina, terracota, yeso semifraguado, etc. Se hace necesario que estos materiales estén soportados por una estructura interna o armazón de alambre. Este proceso permite rectificar o corregir la forma en cada una de las etapas del proceso y, si es necesario, volver a comenzar. La escultura en cerámica requiere que el modelado se realice en hueco y de un grosor uniforme, para poder ser cocida en un horno; si no fuese hueca, la obra se fragmentaría además de que no podría cocerse por dentro. La obra no admite ningún soporte interior de otro material, aunque admite refuerzos internos del mismo material siempre y cuando tenga un nivel de humedad similar al de la construcción exterior.

Javier Marín. “Mujer Reclinada” Modelado en plastilina, obra en proceso

La talla La talla es un proceso sustractivo al que sólo se le puede quitar material sin poder añadírselo de nuevo, al material en estado sólido primero se le realizan cortes , después se pasa a la etapa del cincelado, talla o labrado, y por último se le da pulimento o abrasión.

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La forma y dimensiones de la escultura están contenidas dentro del bloque y descubrir la obra oculta dentro de el es labor del escultor que mediante su creatividad y su talento, va descubriendo poco a poco la misma, al ir desbastando pacientemente capa tras capa de material.

Augusto Rodin. “El Beso” Talla en mármol.

Existen diversos materiales susceptibles de ser tallados, pero algunos de ellos resultan más importantes para el arte por la calidad y trascendencia de las obras que fueron realizadas con ellos; tal es el caso del mármol, en particular el blanco, porque con éste fueron realizadas muchas obras clásicas en las antigua Grecia y Roma, como la “Venus de Milo” (100 a.C.), “El Discóbolo” de Mirón (450 a.C.), la versión romana del “Laocoonte” (150 a.C.). “El David” de Miguel Ángel (1501-1504) o “Apolo y Dafne” de Gian Lorenzo Bernini (1647-1652), por mencionar sólo algunos ejemplos. También se puede tallar la madera, algunas de las más usadas han sido la caoba, el cedro, el fresno, el ébano, el nogal, el abedul, el pino, el boj y el roble. Tallas de menores dimensiones semipreciosas para la joyería.

se realizan en marfil y en piedras preciosas y

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Bernini. “Apolo y Dafne.” Mármol.

La construcción La construcción es la realización de una escultura uniendo o ensamblando varias partes o módulos, estos pueden ser de un solo material o de distintos materiales. Esta forma escultórica toma gran fuerza en el siglo XX gracias a las aportaciones de la ciencia y la tecnología. En la construcción se pueden utilizar tanto los materiales tradicionales como piedra, madera y metal, como materiales más novedosos como resina poliéster, pvc, espuma rígida de poliuretano, lámparas de neón, etc. La moderna tecnología permite estructurar, montar o ensamblar materiales diversos y con características de textura, resistencia y pesos variables, ampliando así enormemente las posibilidades de esta técnica escultórica. Una de las corrientes que más ha utilizado esta técnica es el constructivismo, la cual surge en Rusia entre 1914 y 1915 , terminando aproximadamente en 1525 y es representada por escultores como Vladimir Tatlín, Malevich, El Lissitzky y Naum Gabo. Ellos realizaban construcciones en diversos materiales como madera, metal y plásticos, preferentemente. En México la obra de Sebastián, mencionado anteriormente, es de tipo

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constructivista y su obra urbana ha sido hecha con lámina de acero, pigmentada con pintura automotiva.

Calder. “Le Hallebardier.” Construcción.

El vaciado Más que una técnica escultórica, es un medio de reproducción de obras en materiales distintos al modelado original; normalmente presenta una resistencia y durabilidad mayor. Algunas veces este original se pierde completamente para dar origen a varias copias mediante un molde, y en otras técnicas sólo se puede reproducir una sola copia. Vaciar significa verter una sustancia o material en estado líquido dentro de un molde, para luego extraerlo en estado sólido. Se pueden vaciar diversos materiales como el yeso, la cera, el barro, el bronce, o las resinas sintéticas por mencionar algunos. También la joyería elabora algunos artículos vaciando el oro y la plata con la técnica de la cera perdida. El vaciado a la cera perdida es el método más tradicional para el vaciado en bronce, en este procedimiento se realiza, a partir del modelado original, un primer molde que puede ser de yeso para una sola o pocas copias o bien caucho sintético de silicón, un molde flexible que permite muchas más reproducciones. De este primer molde se saca una copia en cera a la que se le colocan tubos de cera que servirán para los canales de colada y los respiraderos, de esta manera penetra el bronce y salen las burbujas de aire, así la obra no tiene huecos. Posteriormente es cubierta de un material refractario que resiste el calor del soplete, se calienta hasta que la cera es quemada en su totalidad, por esta razón el procedimiento se llama “a la cera perdida”. Más adelante se vierte el bronce en la cavidad que resultó de quemar la cera y tomará la forma de la escultura, enseguida se realizan los acabados y pulimento al bronce para luego darle alguna coloración con la pátina, lograda a base se óxidos y el calor del soplete.

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Con este procedimiento fueron realizadas obras como “El Pensador” de Augusto Rodin, así como obras clásicas de Grecia y Roma.

Ramificaciones para respiraderos antes de vaciar el bronce.

Escultura, vaso, coladas y respiraderos para el vaciado en bronce con técnica de la cera perdida.

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Vaciado en bronce. “Marte de Todi.” Anónimo. Escultura de la antigüedad etrusca.

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Tipos de escultura Exenta También se le llama de bulto redondo y se utiliza para denominar a las esculturas cuya forma y volumen es percibido por todos sus lados, es decir, se puede apreciar en “redondo” ya que no oculta ninguna de sus caras, ni está adosada a ningún tipo de superficie. Si representa una figura humana se denomina estatua y en función de la parte del cuerpo representada, la escultura exenta se clasifica en: Busto: si representa la cabeza y la parte superior del tórax. Medio cuerpo. De tres cuartos. De cuerpo entero. Torso: si falta la cabeza, piernas y brazos. En función de su posición se clasifica en: Sedente: sentada. Yacente: acostada. Orante: de rodillas. Ecuestre: a caballo. también puede denominarse: coloso: si es de grandes proporciones. Grupo o conjunto escultórico: si consta de varias estatuas y otras figuras.

Relieve Se utiliza este término para denominar a las esculturas cuya forma está realizada sobre una superficie, el volumen no es percibido por todos sus lados, sino que únicamente destaca por la cara frontal de la superficie a la que se encuentra adherida. Según el volumen que sobresale del plano se clasifica en: Altorrelieve: si la figura(s) sobresale más de la mitad de su grueso. Medio relieve: si sobresale la mitad de su grueso. Bajorrelieve: si sobresale menos de la mitad. Hueco relieve: si no sobresale del plano de fondo sino que se hunde en éste.

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TÉCNICA: ESCULTURA