REVISTA ARKIN / ED.84º

56. EL ÁRBOL DE NAVIDAD 58. UNA VIDA 60. BITÁCORA DEL PATRIMONIO 62. BVLGARI KUALA LUMPUR 64 SILLA CARNAVAL 66 GREEM CAFÉ 68 CASTILLO DE COCA 70. LING LING 72. LEGAL 74. HOLLYWOOD REGENCY 76. LA MEMORIA DE LAS CASAS 78. CRISTO REY 80 . LA ILUMINACIÓN MÁS BONITA 82. DESHUMANIZACIÓN DE LA ARQUITECTURA 84. DESING DISTRICT 86. BAÑO PÚBLICO DEL LUJO 88. AL THUMAMA - ESTADIO 90. FORUM CULTURAL GTO 92. ARQUITECTURA Y VIDA COTIDIANA 94. CASA PLÚMULA 96. LEGADO DE LA ARQUITECTURA MODERNA 98. ROYAL MANSOUR 100. MATERIALES RECICLADOS

DICIEMBRE

2022

13” Revista Arkin, publicación (cada 35 días) editada en León, Guanajuato. Tels. (477) 347 4184. Revista Arkin no asume responsabilidad alguna por información y fotografias proporcionadas por los anunciantes y/o editores. Dicha información se asume como confiable de acuerdo a las fuentes de donde se obtiene. Se prohibe la reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso expreso de Arkin.

“AÑO

DIRECTOR GENERAL DIRECCIÓN DISEÑO DIRECCIÓN EDITORIAL DIRECCIÓN PROYECTOS ARQUITECTÓNICOS COORDINACIÓN ADMINISTRATIVA COMERCIALIZACIÓN

DISTRIBUCIÓN Y VENTA A PROVEEDORES

Arq. Abraham J. Liceaga Vargas Lic. Gabriel Aguirre Liceaga L.C.C. Mónica Muñoz Carmona Arq. Miguel A. Bravo Patiño Lic. Selene Abagy Pérez Lic. Georgina Pérez Meza Juan Antonio Gonzáles Robles

ING. GABRIEL FALCÓN ANAYA

Vicepresidente Regional Zona Centro-Occidente de la FEMCIC ING. JOSÉ LUIS AYALA RAMÍREZ

Presidente Junta de Honor Colegio Estatal de Ing. Civiles de Gto. ARQ. BENJAMÍN MANUEL MENDOZA GUTIÉRREZ

Consejero en el Observatorio Legislativo del Congreso Local ARQ. DANIEL VENEGAS MARES

Consejero del Consejo Consultivo de la Unidad de Costos de la SICOM ARQ. FRANCISO JAVIER SCHWICHTENBERG AGUADO

Ex presidente del Consejo Nacional de la Industria del Conocimiento A.C. ARQ. JUAN FRANCISCO MARQUEZ BARROZO

Presidente del Consejo Nacional de la Industria del Conocimiento A.C. (CNEMCO) ING. SAMUEL SOTO ÁVILA

Presidente del Colegio Estatal de Ingenieros Civiles de Guanajuato. ARQ. MARIO GARCÍA DEL REAL

Presidente del Colegio Estatal de Arquitectos de Guanajuato ING. ARTURO DURÁN MIRANDA. City Manager de León

Juan Bonilla Olmos, Guillermo Chávez Ochoa, FORUM Cultural Guanajuato, Alejandro Guzmán Ramírez, Salvador Zermeño Méndez, Adriana Delarue Uscanga, Ernesto Ortíz, Carlota Meneses Sánchez, Fátima Lilian Figueroa H., Amín Bello, Israel Jiménez, José Luis Galiano, Teresa Vargas Hernández, Liliana León.

Elegidos por los expertos en color y los pronosticadores de tendencias de varias marcas de pintura, desde el blanco hasta el tono frambuesa, parece que ahora lo que se busca es más libertad en el color.

Desde lo vivido por la pandemia, los colores neutros van en declive, por lo que los nuevos colores del 2023 que los expertos están prediciendo que van a dominar el siguiente año sugieren que ahora lo que se busca en el color parece mucho más abierto.

Desde un color frío que nos aleja suavemente del tono dominante del año pasado hasta un tono sobresaturado que celebra el color en su máxima expresión, los colores del 2023 pondrán en perspecti va una gama de tendencias de diseño y estados de ánimo. Puede que no haya un único tema estético, pero como sugiere la elección de Behr de Blank Canvas, la historia del color que define el año será lo que tú decidas hacer. Estos son los colores:

Vining Ivy de Glidden y PPG

Representando una transición relativamen te sutil que se aleja de los verdes neutros que definían el 2022, Vining Ivy se sitúa con éxito en la línea entre el verde y el azul incorporan do elementos como si se tratara de una joya. Vining Ivy sugiere que los consumidores no están listos para conformarse con un solo color cuando las posibilidades del presen te se sienten tan abiertas. La cualidad es que este color es tanto verde como azul.

Raspberry Blush de Benjamin Moore

Blank Canvas de Behr

La elección de Blank Canvas por parte de Behr representa un enfoque con dos opciones: un viaje hacia un futuro más colorido, o uno de calma neutra y monocromática como se ve en los interiores modernos orgánicos de tendencia. A pesar de las implicaciones de su nombre, Blank Canvas ofrece una visión lúdica y más cálida del blanco tradicional. Erika Woelfel, vicepresidenta de color y servicios creativos de Behr, considera que Blank Canvas es "el color artístico perfecto para que la gente empiece a expresar su creatividad".

Redend Point de Sherwin-Williams

Un color beige-azulado con una sensación desértica, Redend Point se sitúa en el centro tanto del espectro neutro como de la tendencia emergente hacia los tonos tierra energizantes. Sue Wadden, directora de marketing de color de Sherwin-Wi lliams, hace referencia a las nociones de "empatía y cultura del cuidado" por lo que es lógico que Redend Point se adapte bien a su entorno. "Es una gran opción que juega bien con otros neutros", dice Wadden. "Si lo pones junto al beige, Redend Point parece realmente un color. Pero por sí lo pones solo, se comporta como un neutro".

Terra Rosa de Dunn-Edwards

Como su nombre indica, Terra Rosa también está en el reino de los tonos terrosos, combinando el rico terracota con un poco de rosa quemado. Parte de la paleta Life in Poetry de la marca, el color se mantiene más que bien como base dominante, mientras que su tono apagado lo convierte en un acento de buen gusto y atempo ral para casi cualquier paleta de colores.

Raspberry Blush de Benjamin Moore

Raspberry Blush es la elección directa y sin disculpas de Benjamin Moore para su Color del Año 2023. Cálido y vivo, está diseñado para crear una impresión instantánea tanto en grandes como en pequeñas dosis, añadiendo un toque de emoción y felicidad a cualquier espacio. "Creo que definitivamente hay un factor sorpresa", dice la directora de marke ting y desarrollo de color de Benjamin Moore, Andrea Magno. "Simplemente volvimos al color una y otra vez y encontramos diferentes cosas que realmente nos encantaron".

Redend Point de Sherwin-Williams

Vining Ivy de Glidden y PPG

Raspberry Blush de Benjamin Moore

El metro es un medio de transporte que moviliza a millones de personas. El diseña dor industrial mexicano Daniel Rodríguez Escobar ganó el iF DESIGN AWARD 2017 por el diseño del metro de Qatar. Su reto fue ¿cómo lograr un diseño atractivo, respetuoso con la cultura y funcional sin incrementar demasiado los costos?

Daniel, trabaja como Industrial Design O ice Manager en la compañía japonesa Kinkisharyo, y radica desde hace más de 20 años en Osaka, Japón. Él ha sido el encargado de diseñar el metro de Doha, en Qatar, donde se lleva a cabo el Mundial de Fútbol. Por este proyecto recibió premios internacionales, como el Red Dot Design Award y el iF DESIGN AWARD 2017.

En el caso del metro de Doha, fue un gran reto ya que había que iniciar desde cero pues la mayor urbe de Qatar está en desarrollo: “si diseñas un metro para Londres, Berlín o Tokio hay antecedentes, hay un estilo definido, hay ciertas reglas que debes seguir, y con ellas puedes entender lo que tienes que hacer; en este caso, nosotros somos los que íbamos a definir estas reglas”, comentó Daniel.

Tomó en cuenta que Qatar se encuentra en Medio Oriente, cerca de El Cairo, Dubai y Kuwait; que es un territorio pequeño (con una superficie equivalente a la del estado de Querétaro), está en pleno desierto y rodeado de agua; su única gran ciudad es Doha. Sin embargo, cuenta con uno de los ingresos per capita más altos del mundo y tiene la tercera reserva de gas natural más grande del mundo, cuenta con petróleo y ha invertido en diversos negocios.

Era muy importante que el diseño del metro reflejara la cultura de Qatar. Los cataríes son un país islámico muy cuidadoso de sus tradicio nes. Daniel Rodríguez Escobar, quien ya había diseñado trenes en Medio Oriente, revela que a diferencia de El Cairo y Dubai, para la compañía Qatar Rail era muy importante incluir detalles de su cultura en la creación de su metro.

Para el diseño exterior se eligió el concepto de “Al Faras”, que son unos caballos árabes muy valorados en el ámbito de la equitación por su rapidez e inteligencia, de hecho, este tren será muy rápido y no necesitará de un conductor. Observó la arquitectura de Qatar y vio que no hay una sola ventana rectangular, todas tienen arcos y líneas curvas muy suaves, entonces, integró eso en el tren. Para no elevar los costos, se inspiró en patrones geométricos para que las ventanas fueran únicas combinándolas con un gráfico muy especial.

Para su diseño interior debía verse y notarse la calidad de sus vagones; son 3 vagones y el frente no tiene cabina, no hay conductor. El barandal está pensado para que las personas de cualquier estatura puedan agarrarse sin ningún problema. El tren está dividido en tres zonas según el costo. En la cultura musulmana, una persona común no puede entrar a las casas así porque sí, todos los edificios de oficinas, tienen una sala de reuniones en el que todos los asientos dan hacia el centro, de manera que todos se ven las caras para fortalecer la sensación de comunidad. Ese fue el diseño que se tomó en cuenta para la sección “Gold Club”.

Recientemente, Daniel Rodríguez Escobar habló sobre cómo se plantea un proyecto de diseño y lo que implica en el 2do Foro “El Valor del Diseño”, organizado por el Departamento de Diseño de la IBERO, y lo importante que es tomar en cuenta la cultura del lugar en un producto que formará parte de la vida cotidiana de una ciudad.

El FIG es el evento de aerostación más importante de México que se realiza en la ciudad de León, Guanajuato. Este año celebrará su 21 edicion.

Este 2022 el Festival Internacional del Globo regresa del 18 al 21 de noviembre para vivir este espectáculo en el Parque Ecológico Metropolitano de León. Desde su inicio este festival ha llenado el cielo de colores, y después de 21 años sigue robando corazo nes. En 2004, fueron 40 globos los que pasearon por el cielo y en el 2006 sumaron 80.

Este evento forma parte de las celebraciones más importantes del país como el Bicentena rio de la Independencia de México y el centenario de la Revolución Mexicana, eventos en los que el Festival Internacional del Globo se unió con el lema “200 años, 200 Globos”.

Así como aumentaba la cantidad de globos, la convocatoria también se acrecentó con participantes de todo el mundo que llegaron para mostrar increíbles globos de colores y formas fascinantes, vistiendo de gala el cielo de León. Actualmente el FIG está posicio nado entre los tres festivales más impor tantes y reconocidos internacionalmente.

Este 2022, el Festival Internacional del Globo espera recibir a más de 400,000 visitantes, de los cuales el 65 por ciento serán procedentes de otros estados de la república y además contará con la presencia de países como Suiza, España, Colombia, Canadá, Reino Unido, Bélgica, Lituania y Luxemburgo, que se reunirán en el centro del país en uno de los eventos de aerostación más prestigiosos a nivel mundial.

El FIG no sólo es un evento de globos aerostáticos, también nos brinda la oportu nidad para disfrutar de un increíble día al aire libre, además de contar con actividades para toda la familia, exposición cultural, espacios para hacer compras de lindos souvenirs y lugares para comer ricos antojitos disfrutan do de un agradable ambiente; espectáculos y conciertos de artistas de todo el mundo.

Puedes disfrutar de la transmisión gratuita del FIG a través de las redes sociales Twitter, Instagram, Facebook y canal de YouTube del evento. ¡Anímate a vivirlo!

GuanajuatoMexico

La noción de placer es comúnmente concebida como la de algo que excita los sentidos, represen tada por una estimulación transitoria que nos lleva a la satisfacción de un deseo; aunque este no sea siempre el caso, ya que el placer también puede manifestarse a través de una saciedad perdurable.

Según Gilles Lipovetzky, el placer viene ligado a los siguientes fenómenos:

• La sensualidad representada por la seducción a través de la apariencia y el atractivo visual.

• La estimulación provocada de manera sistematiza da a través de estímulos mercadológicos transitorios.

• La satisfacción expresada en los distintos comportamientos y actitudes hacia un materialis mo caracterizado por la posesión de los objetos como único medio para alcanzar la felicidad.

En la actualidad, nos movemos en una sociedad caracterizada por una cultura del “placer y el consumo” basada en la omnipotencia de la imagen.

En este sentido, Zygmunt Bauman afirma la existencia de una “cultura del exceso”, caracterizada por la abundancia de signos y productos culturales muy superiores a la capacidad de asimilación de cualquier miembro de la sociedad: deseo, distinción social, avidez de consumo, afirmación de identidad; representan impulsos poderosos que orientan el comportamiento de los distintos grupos sociales que fluyen en la escena urbana.

De tal suerte la arquitectura y las formas urbanas se convierten en objeto de la competencia del gusto, de la desestimación de la ciudad real a favor de una ciudad espectáculo, una ciudad disfrazada donde atraer y seducir es esencial.

Aunque este no es un fenómeno nuevo, ya en el movimiento barroco la condición urbana es esceno gráfica y los edificios son usados como escenarios donde la gente se ofrece como espectáculo a la ciudad, y la ciudad como espectáculo en sí misma.

Hacia el siglo XVIII aparece la idea del “embelleci miento” de la ciudad en el que los monumentos son los puntos focales del tejido urbano y la arquitectura se subordina al éxtasis geométrico de las perspectivas visuales, mediante la apariencia “limpia” “sensual” y “ordenada” de las fachadas.

Por: Dr. Alejandro Guzmán Ramírez, Académico

En este sentido para Rousseau en el contrato social, la ciudad es sinónimo de simulación teatral donde la experiencia urbana se distingue por los disfraces que cada uno lleva puestos. La ciudad se ofrece, así como espectáculo a la gente y la gente a su vez se ofrece como espectáculo a la ciudad.

Para Giandomenico Amendola la ciudad ha sido y es al mismo tiempo espejo, disfraz y simulacro:

• Espejo en cuanto es un instrumento capaz de reproducir – de reflejar- fielmente la realidad, dado que es la ciudad la que hace visible la estructura social, las relaciones de poder y de clase, los conflictos y las prácticas sociales.

• Es disfraz por su capacidad de ocultar, disimular, inventar y marcar una separación entre imagen y realidad; se vive una especie de realidad secundaria, donde se ilusiona y nos ilusionamos, una realidad escenográfica y manipulada pero no por esto menos real para el ciudadano espectador y consumidor de ambientes y escenarios.

• Es simulacro en medida que la representa ción social y urbana busca ser más atrayente, gratificante y totalizadora.

En este sentido, el territorio urbano es un organismo hibrido sobrecargado de signos y estímulos, es vibrante para atraer y estimular continuamente al habitante urbano que vive en un exceso de signos y de opciones. Pero por otro lado están aquellos quienes excluidos del consumo no tienen posibilidad de elección dado que para ellos todo está dado y condicionado.

La sobrecarga de estímulos que hace años era considerada una patología urbana ahora es un factor indispensable en la experiencia urbana. Aunque cabe mencionar que, en un mundo saturado de signos, los significados tienden a desaparecer y a devenir irrelevantes.

Si en los siglos anteriores nos encontrábamos ante la transfor mación de la cuestión urbana en propuestas esencialmente de índole estético, en la actuali dad el laborioso mecanismo de la simulación llega a su punto culminante cuando la cultura es dominada por el “consumo” en el que el individuo se traslada a un cuadro social distinto al que pertenece y aspira a un estilo de vida que se experimenta de manera efímera a través de la ropa, la alimentación, el mobiliario y la arquitectura.

Es así como los elementos de la representación social nos llevan esencialmente a una puesta en escena; en un estado donde el individuo se ve envuelto entre un mundo de ser auténtico y un mundo de la apariencia y la inautenticidad.

Dr. Alejandro Guzmán Ramírez Académico – Investigador Departamento de Arquitectura. División de Arquitectura, Arte y Diseño. Universidad de Guanajuato - alejandroguzman06@gmail.com

El año pasó volando y, casi sin darnos cuenta, estamos casi a punto de cerrar este año. La Navidad es una época del año en que la gente suele reservar dinero para realizar regalos a sus seres queridos. Aumentan los ingresos de las marcas de decoración navideña. Precisamente, por las reuniones familiares, las empresas alimen ticias logran también una ganancia notable cuando convencen a los consumidores de llevar determinados productos a sus cenas y festejos.

Para conseguir captar clientes potenciales, hay que comprender en qué consisten los objetivos de la campaña navideña.

El principal objetivo de la campaña navideña es ganarse la fidelidad de nuevos clientes. Es el momento perfecto para que las nuevas marcas se den a conocer. Es la mejor fecha para impulsar tu empresa. Y las campañas de marketing saben muy bien como centrarse en todo aquello que llega a los corazones de los consumidores. Incluso, la familia se convierte en el centro de esta fiesta.

La campaña navideña: Desde antes, ofréceles a tus clientes tus productos clave para el invierno o da ideas de regalos que, en ciertos casos, pueden convertirse en tendencia.

Renovación del catálogo de productos con antelación: Actualiza tu catálogo para que sea más atractivo. De esta manera los clientes potenciales se interesarán y estarán atentos en nuevos lanzamientos y tendencias.

Campaña emocional: Es la que se centra en temas afectivos, que lleguen a los corazones, especialmente, en Navidad. Recuerda que estas fechas son muy especiales porque se celebran en familia y porque mucha gente se acuerda de las necesidades de terceros.

Promociones y descuentos: Ten en cuenta que muchas personas tienen asociado enero con una subida de precios. Puedes arriesgarte y hacer una gran oferta para el cierre de año, con el fin de llamar a los más rezagados que no compraron regalos.

Prepara contenido para redes sociales: Estas plataformas se transformaron en un canal de comunicación masivo con clientes y potenciales. Dado que tienen una enorme capacidad de exponer las marcas y mostrarlas al mundo a través de contenido entretenido. 1.- prepara un calendario de contenidos. 2.- Realiza encuestas. 3.- aprovecha el potencial del video. ¡No lo olvides! El contenido de calidad es la clave.

Pauta, si está dentro del presupuesto: Si está dentro de las posibilidades, intenta promocionar tu empresa y tus productos a través de algún servicio de publicidad pago. Facebook Ads, Instagram Ads o las campa ñas de Google Ads son excelentes opciones. Esto te dará un extra de visibilidad en muy corto tiempo.

Acuérdate de tus mejores clientes: Una venta especial, un descuento único para ellos, un pequeño regalo con alguna compra que hagan. Es un buen momento para consolidar la relación y, de este modo, vender no solo productos, sino también tu marca. Así, puedes generar más ventas, pero también les recordarás a tus clientes por qué te eligieron en primer lugar.

Por lo tanto, es muy importante tener en cuenta que el marketing navide ño tiene como base los sentimientos que mueven a las personas durante esta época tan familiar. Adelantarse a la fecha e ir ofreciendo ideas de regalos forma parte de la estrategia de ventas.

El Burning Man anual de Nevada realizado en el Black Rock Desert, después de una pausa debido a la pandemia. Desde el 28 de agosto hasta el 5 de septiem bre, el festival de este año exploró el tema de "Walking Dreams", celebrando a los soñadores que canalizan el poder de los sueños y la imaginación, tanto en forma literal como figurativa. Y como todos los años, los pabellones que se instalaron en el desierto exploraron el tema de manera creativa e inesperada.

De esta manera muchas de las instalaciones abordaron temas de ecología y sustentabilidad. Incluso, algunas de las instalaciones se construyeron con materiales reutilizados. Cada año, el festival Burning Man otorga una serie de subvenciones, financiadas con los ingresos de la venta de entradas, con el fin de financiar parcialmente proyectos artísticos específicos.

Aquí les mostramos la instalación globular que realizaron Bjarke Ingels y Jakob Lange, socios del estudio de arquitectura danés BIG. En danés, SKUM significa espuma y el diseño se hizo con un material inflable similar al que se usa en la construcción de globos aerostáticos. Por lo tanto, esta escultura imita la espuma, nubes o formaciones de universos lejanos.

Durante el día, la estructura proporcionaba sombra y por la noche, se iluminaba por dentro con "caídas de rayos" que respondían al ruido exterior. "Cuando se produce un sonido, ya sea natural o artificial, en las cercanías de SKUM, los rayos cesan y solo vuelven a comen zar una vez que regresa la serenidad tranquila", dijeron los diseñadores. SKUM, como la espuma, es a la vez físico y etéreo.

Por la noche, SKUM se ilumina con rayos dentro de la estructura. Cuando se produce un sonido, ya sea artificial o natural, en las cercanías de SKUM, los rayos cesan y sólo vuelven a comen zar una vez que regresa la serenidad tranquila.

© Bjarke Ingels - Jakob Lange

Las famosas casas Futuro encontraron otros fines, desde una oficina de reclutamiento de la Marina hasta un puesto de hambur guesas. Con el paso de los años, muchas fueron abandonadas, y en casos afortunados fueron restauradas por arquitectos o adquiridas por museos y galerías de arte moderno para el público.

John Lautner estrenó su Chemosphere, que desafiaba la gravedad, y el arquitecto finlandés Matti Suuronen diseñó la casa Futuro: una casa de vacaciones prefabricada con carcasa de plástico que parecía un platillo volador. El diseño extravagan te de La casa Futuro fue concebido inicialmente como un refugio portátil para esquiadores por su capacidad para calentarse rápidamente, se presentó en 1968. Los fabricantes produjeron 100 de ellas, sin embargo, en 1973 un embargo petrolero hizo que el precio del petróleo se disparara, cesando la producción. Hoy solo quedan 68 de estas casas con diseño extravagante.

¿En dónde podemos encontrar y ver estas casas hoy en día? La casa Futuro Donaldson lleva el nombre de su propietario Milford Wayne Donaldson, y se encuentra entre los pinos de las montañas de San Jacinto, en California. La Marston Park, en Reino Unido, se encuentra en un claro de Somerset y se alquila como casa de vacaciones. En Nevlunghamn, en Noruega, un empresario compró esta estructura espacial en 1971 y desde entonces, su familia la utiliza como casa de verano. En el jardín de la Pinakothek der Moderne de Múnich, tiene una de las principa les galerías de arte moderno y contemporáneo de Europa.

En Australia, encontramos otra casa Futuro como parte del Planetario y Observatorio de Canberra, que hoy en día funcio na como espacio de estudio y reunión o tutoría dentro del campus de la Universidad de Canberra. Allí en ese país, en Deep Creek, se encuentra otra en el Hotel de cinco estrellas Naiko Retreat, que funciona como spa para los huéspedes.

El Museo Boijmans Van Beuningen adquirió su casa Futuro en 2007, donde recibió un trabajo de restauración dirigido por la conservado ra de arte moderno Lydia Beerkens y Polyproducts en Werkendam.

© Lotte Stekelenburg

Por: Staff Arkin

Son exploraciones arquitectónicas que utilizan Midjourney, un generador de texto a imagen de IA. El propósito de este proyecto de arte es volver a investigar la geometría islámica usando principios matemáticos más recientes. Las posibilidades que brinda este tipo de software para crear espacios imposibles son impresionantes.

Hassan Ragab es el arquitecto egipcio que aplicó estos conceptos sobre la fachada del edificio mameluco en El Cairo. Esto se implementó a través de la integración entre la cuadrícula hexagonal básica, las geometrías espaciales paradójicas y los fractales 3D. Para él es importante expan dir la práctica de la arquitectura más allá de las barreras físicas de nuestra realidad.

Aquí, muestra la riqueza de la geometría islámica, permitiendo agregar capas de complejidad utilizando conceptos matemá ticos más nuevos, lo que da como resultado relaciones geométricas que podrían haber sido muy difíciles de visualizar sin las herramientas de IA (Inteligencia Artificial).

Para Hassan fue todo un desafío generar una arquitectura no occidental, y desafiar los límites de lo que podría crearse utilizando elementos de las partes islámicas en El Cairo.

Estos bocetos son parte de un gran proyecto de arte en curso, que tienen el objetivo de explorar el potencial del uso de generadores de texto a imagen de IA para tratar con el patrimonio arquitectónico, así como para revisar y desafiar nuestra percepción de las nuevas tecnologías y edificios culturales. Además, con ello se preten de abordar un problema importante con el arte de la IA, que es su sesgo hacia estilos de arquitectura más modernos y futuristas.

Aquí la tecnología nos ayuda a expandir nuestra imaginación y sistemas de so ware como la Inteligencia Artificial consiguen desvanecer los límites entre la realidad, el pasado y el futuro.

Un proyecto que representa un concepto innovador en torres de oficinas. Realizado por el despacho WOWA en Shanghái, promueve la integración urbana buscando facilitar la interacción social.

El despacho WOWA en Shanghái fue el encargado de realizar el proyecto Hills and Valleys. Esta obra, prProyectos esenta una evolución de la tipología de torre de oficinas convencional que responde al clima subtropical de Shenzhen. Promueve la integración urbana, procurando facilitar la interacción social y propone una combina ción programática emocionante que transfor ma el rascacielos en una micro ciudad vertical altamente habitable, humana y sostenible.

El cliente requería un punto de referencia de 250 metros de altura para el distrito Xili/Nanshan de Shenzhen, con una amplia variedad de tamaños de planos de planta flexibles que atendieran a grandes oficinas centrales, así como a empresas más pequeñas. Esta flexibilidad permite que la torre fomente un ecosistema empresarial saludable, diverso y vibrante, que puede adaptarse a las demandas cambiantes de las empresas y las culturas laborales.

El edificio tiene la forma del carácter chino ”品”, con tres torres unidas a un núcleo central en forma de T. Toda la huella de la torre y el vestíbulo de recepción se elevan al segundo piso, devolviendo al público una plaza urbana subtropical cómoda, protegida y porosa a nivel del suelo.

Inspirándose en el paisaje natural y los parques de montaña del distrito, doce “colinas” de siete pisos de altura se integran en la torre. Se proyectan fuera de la fachada y flotan en los tres lados del edificio, sus siluetas perfiladas por la vegetación.

Dentro del rascacielos, estas colinas se convierten en “valles” biofílicos con ventilación natural que albergan ricas comodidades, paisajes exuberantes y cascadas. Sirven como espacios comuni tarios accesibles con una programación diversa como cuidado de niños, cafeterías y espacios de reunión social. Los espacios verdes crean un microclima confortable con luz natural y aire fresco, ofreciendo a los usuarios un respiro de sus escritorios.

Los tres bloques de torres se separan entre sí y varían en tamaño, maximizando la iluminación natural, la ventilación natural y las vistas. El sistema de muro cortina con montantes de aluminio con recubrimiento de polvo verticales profundizados enfatiza la verticalidad de los bloques, dotando al edificio de una imagen icónica elegante, al mismo tiempo que lo protege del sol.

Desde octubre del año pasado se comenzó a cons truir en León el Hospital MAC, un proyecto comprende además de la clínica, un edificio con 304 consultorios, una torre de oficinas y un centro comercial.

Hospitales MAC (Médica Avanzada Contigo) es una cadena de Hospita les de tercer nivel, nacida en Celaya, Guanajuato. Cuya misión es brindar servicios integrales de salud con calidez, calidad, profesionalismo y precios justos, apoyados en personal calificado y tecnología de vanguardia. Actualmente se cuentan con 12 hospitales MAC a nivel nacional, 6 en construcción y más de 1,200,000 pacientes atendidos.

Con estos 3 nuevos desarrollos médico-hospitalarios y comerciales, MAC tendrá 10 complejos en el país. Los nuevos se suman a los 7 que actualmente están en operación en Aguascalientes (sur), Celaya, Guada lajara, Irapuato, Mexicali, Puebla y San Miguel de Allende.

Hospitales MAC, liderado por Miguel Khoury, ha alcanzado un crecimiento que ahora los pone entre los mejores grupos hospitalarios del país siendo una empresa reconocida por sus colaboradores, proveedores, pacien tes, familiares, médicos, inversionis tas e inclusive los bancos que con confianza le extienden amplias líneas de crédito a la empresa.

El hospital tendrá 43 habitaciones privadas, cuatro unidades de terapia neonatal, cuatro pediátrica, cuatro para intensiva, igual número para intermedia y quirófanos y dos más para cirugía ambulatoria y misma cantidad para tococirugía. La sala de emergencias contará con seis camas además de servicios como medicina nuclear, endosco pia y posibles clínicas para o almo logía o enfermedades crónicas como diabetes, obesidad, tiroides...

El terreno es de 10 hectáreas, albergando 56 mil m2 de construcción. Según comentó Miguel Isaac Khoury Siman, Director General de hospitales de Grupo MAC, “estamos ubicados en una zona privilegiada porque no hay competencia a este lado de la ciudad, vamos dirigidos a todos los segmentos socioeconómicos por la accesibilidad de nuestra política de precios”.

El hospital cumple con todas las normas sobre construcción de este tipo de proyectos y que el grupo MAC es una empresa celayense, con más de 12 años de experiencia en la construcción, administración y oferta de servicios de salud en Guanajuato y otros estados.

El despacho de arquitectos Herzog & de Meuron y el paisajista Piet Oudolf están colaborando para crear los Jardines Calder, donde se albergarán y exhibirán obras de arte del famoso escultor esta dounidense Alexander Calder.

“He hecho varias cosas al aire libre: todas ellas reaccionan al viento, y se parecen a los veleros en que reaccionan mejor a cierta clase de brisa. Es imposible hacer una cosa que funcione con todos los tipos de viento. También solía impulsar algunos de mis móviles con pequeños motores eléctricos, y aunque ahora he abandonado eso hasta cierto punto, me sigue gustan do la idea, porque se puede producir un movimiento definido en vez de irregular… aunque en ocasiones también me gusta esto. Mediante la impulsión mecánica, se puede controlar la cosa como la coreografía de un ballet y superponer varios movimientos: un gran número, incluso, por medio de levas u otros artefactos mecánicos. Sin embargo, combinar uno o dos movimientos sencillos con diferentes períodos produce realmente los mejores efectos, porque, aunque sencillos, son susceptibles de infinitas combinaciones”. -Alexander Calder

Recientemente se dio a conocer el lugar que albergará las obras del artista escultor Alexander Calder, y que estarán en el centro de Filadelfia. Ubicado entre Vine Street y Benjamin Franklin Parkway el sitio de 6,500 m2 albergará un edificio de dos pisos, del cual la mitad se desarrolla bajo tierra. En vez de realizar un típico museo, el equipo decidió transformarlo en un jardín como una alternativa atractiva para la gente.

© Herzog & de Meuron - Piet Oudolf

Este proyecto busca la interacción del arte, la arquitectura y la gente. La construcción de 1,673 m2 es parcialmente subterránea, tallando las galerías bajo tierra. Es por eso que los diseñadores eligieron tallar el suelo en lugar de construir arriba volúmenes. De este modo, el espacio se convirtió en una secuencia de diferentes galerías. El camino llevará al visitante a través de espacios inesperados, nichos y jardines, como si fueran galerías abiertas, y contemplaran jardines hundidos o vestigios. Además de los espacios típicos para la exhibición de arte, el equipo de diseño entendió cada rincón, escalera y corredor como una oportunidad para colocar arte y crear una experiencia diferente.

Alexander Calder (1898- 1976), fue un ingeniero y escultor estadouniden se conocido por ser el inventor del móvil y precursor de la escultura cinética. La forma, el color y el movimiento fueron siempre los aspectos más evidentes de su trabajo artístico durante el siglo XX. "¿Por qué el arte debe ser estático? Al mirar una obra abstracta, ya sea una escultura o una pintura, vemos un conjunto excitante de planos, esferas, núcleos, sin significado alguno. Sería perfecta, pero siempre es inmóvil. El siguiente paso en la escultura es el movimiento", comentó en una ocasión Calder.

Según el New York Times, la iniciativa de los jardines comenzó cuando Alexander S.C. Rower, nieto de Calder y presidente de la Fundación Calder, se reunió con Piet Oudolf, famoso paisajista y reconocido por su trabajo en el High Line de la ciudad de Nueva York.

“Veo mis jardines como esculturas vivas donde el cambio es constante. El sitio es como un lienzo para trabajar y cada planta tiene una personalidad que necesita trabajar con las demás. La composición del jardín es variable y evolucionará con las estaciones. Para los Jardines Calder, el diseño hortíco la también debe servir a las obras de arte. Espero que la gente se tome el tiempo para detenerse y pensar aquí, experimentar estos elementos juntos y tener una reacción emocional que permanezca con ellos mucho después de su visita. No es lo que ves, sino lo que sientes”, comentó Piet Oudolf.

© Herzog & de Meuron - Piet Oudolf

basadas en los veintidós arquetipos arcanos mayores, formadas a partir de hormigón, mosaicos de azulejos cortados a mano y toneladas de espejos de colores. Niki se inspiró en lugares como el Parque de los Monstruos de Bomarzo (Italia), el Palacio Ideal del Cartero Cheval en Hauterives (Francia) y especialmente el Parque Güell de Antoni Gaudí.

turas", "cimientos" y "hogar" aparezcan en una lectura de tarot. Las cartas tradicionales representan torres, castillos e iglesias. A veces, las tarjetas se describen como llaves, a veces como puertas de enlace.

En el Jardín, la artista logra plasmar y transmitir la conexión entre todas estas preocupaciones, brindando a los/as visitantes la oportunidad de iniciar su propio camino espiritual o filosófico con el arte como guía.

En Querétaro, este museo está ubicado en una casa que data del año 1760, es la materialización de un proyecto con más de una década de planeación, cuyo objetivo central es el desarrollo cultural de la ciudad.

La estrategia de reutilización del edificio existente, parte de recuperar la estructura original y realizar modificaciones menores que permitie ran la adaptación del inmueble a su nuevo uso y optimizar la operación del museo. De este modo, las que antes fueron habitacio nes, ahora son galerías que resguardan importantes obras de arte.

La galería principal se crea gracias a los elementos de acero que sostienen la nueva cubierta, una estructura ligera que no afecta la integridad de la estructura original. Un patio, distintivo de las casas queretanas de la época; conecta e ilumina a todas las galerías. Arte, arquitectura e historia interactúan conjugando todo en una atmósfera atemporal. Parte de la obra y colección personal del artista ha sido trasladada a las instalaciones del museo, ahí la gente puede tener acceso gratuito a las exposiciones y programas que ofrece la fundación.

Cuenta con salas de exposición, un área de servicios para el museo, una tienda y una terraza desde la cual se contempla el paisaje. El acervo permanente está basado en la colección privada del artista, con algunos cuadros que se rescataron y otros tantos conservados a través del tiempo; todos ellos convergen en este espacio acogedor e íntimo que mezcla sutilmente elementos históricos robustos con estructuras ligeras, recuperando las cualidades espaciales de la antigua construcción que ha sido intervenida para adecuarse a una dinámica pública y cultural.

Por: Staff Arkin

ARQ. MEXICANA /

Ubicado en el centro histórico de la ciudad de Querétaro, el museo busca acercar el arte a la población en general, en donde se exhibe una interesante muestra de obras que ilustra la carrera del afamado pintor Santiago Carbonell.

© Ariadna Polo

© Ariadna Polo

Fernando Campana junto con su hermano Humberto crearon Estudio Campana, allí los hermanos concebían desde objetos y muebles hasta instalaciones y obras de arte que muchas veces borraron la frontera entre el diseño tradicional y la funcionalidad.

Fernando estudió arquitectura en la Escue la de Bellas Artes de Sao Paulo, en Brasil en 1979 y en 1983 vivió la experiencia de ser asistente y monitor en la XVII Biennal de Arte Internacional de Sao Paulo, para posteriormente fundar Estudio Campana.

Los hermanos defendieron la idea de que sus obras eran “objetos llenos de irismo y concien cia ecológica”, esto es, que crecían a la par de las necesidades de los usuarios, por eso dentro de sus diseños destacan la libertad, la dignidad humana y la creatividad, pues sin ello no habría una sola pieza diseñada por ellos.

Muchas de sus obras se encuentran en el Centro Pompidou y el Musée Des Arts Décoratifs, en París; el MoMa, en Nueva York; el Museo de Arte Moderno de São Paulo; y el Vitra Design Museum, en Weil am Rhein, Alemania; entre otros espacios.

En Revista ARKIN, les rendimos tributo a Fernan do y Humberto Campana, mencionando una de sus icónicas piezas como el sillón Cocoon de la Colección Objets Nomades, el cual refleja una combinación de tecnología de vanguardia y la peletería heredada de Louis Vuitton. Contem plemos la estructura de fibra de vidrio, delicada mente perforada, apreciando como se forjaron en piel de becerro, lisa en el exterior y acolchada en el interior. Los cojines se amoldan para hacer de este sillón un refugio agradable y envolvente, o sea, el lugar perfecto para relajarse todo el día.

¡Descansen en paz los hermanos Campana!

Estudio Campana

En el corazón de Tulum, IK LAB desarrolla experiencias culturales inmersivas para la creciente comunidad local y visitantes internacionales que fomentan la consciencia de la naturaleza y su rico legado espiritual.

En el corazón de Tulum, una de las ciudades de la costa caribeña mexicana, hay una galería de arte sin precedentes, la cual presenta destacados artistas internacionales y también organiza exhibiciones de arte contemporáneo de vanguar dia. En IK LAB se desarrollan experiencias cultura les inmersivas para la creciente comunidad local y para visitantes internacionales que fomentan la creatividad, la conciencia y la visión de este lugar.

Con un diseño ecológico, IK LAB busca proporcionar un espacio para que las mentes creativas interactúen con la arquitectura visionaria de la propia galería. Al igual, su concepto pretende capturar la esencia de la abundante naturaleza de la península de Yucatán y su rico legado espiritual para proyectarlo hacia un nuevo futuro como inspiración y modelo para las comunidades más allá.

La caminata hasta la entrada implica una sensación de equilibrio y agilidad. Pasar de la galería al Domo es un viaje. El visitante está rodeado por el sonido de una cascada natural. Esta lluvia se convertirá más tarde en lluvia de metal.

Los visitantes se elevan a otra dimensión cuando entran por las puertas de madera y vidrio de IK Labs, alcanzando 4 metros de altura. Visualmente, la perspectiva y la escala misteriosa del espacio crean una sensación de gran infinitud mientras sus curvas fomentar el calor y la protección.

Estando descalzos, se invita al visitante a interactuar con el piso como un organismo vivo. Hay un elemen to de sorpresa cuando uno pasa del contraste de cemento pulido, frío y liso, al cálido y crudo piso de madera "Bejuco". Todo el sonido externo se silencia mientras caminan y avanzan; el eco amplifica las dimensiones surrealistas del espacio.

Las grandes y geométricas cúpulas se iluminan mágicamente con 2 ventanas redondas, que dan hacia la jungla. Este majestuoso espacio redefine la experiencia de visitar la galería blanca y el cubo blanco, ya que fortalece la relación orgánica entre el arte y su ambiente físico del entorno. La estructura se convierte en un viaje inolvidable. Hecho por humanos, este proyecto visionario es un tributo a nuestro suelo, pero también un recordatorio de que los humanos son solo hechos por la naturaleza.

Paulo Trejo es arquitecto por la Universidad de La Salle Bajío, trabaja de manera independiente, y es especialista en Diseño Arquitectónico con gran experiencia. Por su gran trayectoria es nuestro invitado para la sección de Perfil de Arquitecto.

Paulo Trejo estudió la licenciatura en arquitectura en la Universidad de La Salle Bajío, y también allí realizó la maestría en Diseño Arquitectóni co. Trabaja de manera independiente y tiene más de 20 años de experiencia en administración y construcción de obra. Además, ha colaborado en distintos proyectos del ramo que incluyen urbanización.

El Arq. Paulo Trejo trabaja diseñando y proponiendo soluciones eficientes en cada proyecto que realiza. Entre sus obras destacan: la extensión de almacén y renovación de fachada en planta industrial, el edificio corporativo de 5 niveles, el Edificio Nova con diseño contem poráneo para oficinas de 4 niveles, y el proyecto de Edificio Justo Sierra de 3 niveles , ubicado en la calle Justo Sierra zona centro de León Gto.

Así como también otros proyectos y servicios de naves, manteni mientos industriales como elaboración de piletas de 150 m3 a 400m3, canaletas, colectores de agua, pisos abrillantados, desbasta dos, óxidos y epóxicos, pavimentación, andenes de carga, rampas de circulación vehicular para estacionamiento en sótano, Asimismo, proyectos de casa habitación, departamental y campestre; proyec tos comerciales: locales para la industria del calzado y ámbito financiero, almacenes y de diseño interior.

1.- ¿Cuándo supiste que querías ser arquitecto?

Calculo que fue cuando tenía aproximadamente 11 o 12 años en la época en que, junto con mi familia, visitábamos de manera recurrente la casa de una tía, su hijo (mi primo mayor) estudiaba arquitectura y en cierto momento me topé con una de sus maquetas de algún proyecto universitario; recuerdo que al verla me llamó poderosamente la atención su escala y su volumetría y fue ahí cuando supe de la profesión, su parte creativa y al saber que podría ver materializada una obra arquitectónica a partir de imaginación ¡me pareció algo mágico!

Honestamente no sabía hasta donde llegaría con mis estudios, pero lo que si tenía claro es que, de elegir un camino profesional, solo tenía una alternativa o quizá dos, porque también quería ser futbolista.

2.- ¿Tiene influencia de algún arquitecto o diseñador? Las influencias vienen de muchos lugares y muchos arquitectos o diseñadores. Incluso las ideas muchas veces parten del origen de alguien más o similar, en ese sentido considero que nadie es único desde esa perspectiva, sin embargo, una de las firmas que más admiro es Diller Scofido + Renfro.

3.- ¿Qué opinas sobre la arquitectura mexicana? Que constantemente evoluciona. La aportación de grandes arquitec tos mexicanos como Luis Barragán, Agustín Hernández, Abraham Zabludovsky y Ricardo Legorreta, entre otros, marcaron una manera de plasmar elementos, conceptos y colores derivados de la época prehispánica y colonial de nuestra historia como país; a esta tendencia se le clasificó como arquitectura mexicana y tuvo gran auge, sin embar go, la globalización, las nuevas tecnologías y aún más los nuevos so ware nos han influenciado a generar y aportar otras perspectivas, que de alguna forma distan del estilo clasificado como mexicano, pero que no dejan de formar parte de la llamada arquitectura mexicana.

4.- ¿En qué proyecto está trabajando actualmente? En estos momentos mi principal proyecto es crecer y no dejar de actualizarme. De manera específica estoy trabajando en el diseño de un edificio corporativo y la extensión de su fachada, así como asesorando a un particular para el desarrollo de un proyecto de edificio de oficinas en la zona centro, uno que implica procesos de conservación con la aprobación del INAH. Y en el proyecto de una casa habitación en el fraccionamiento Cañada; aquí se resaltan las formas simples, el uso de la madera como elemento cálido y el concreto aparente generando solidez y armonía.

5.- ¿Qué consejo les daría a los jóvenes arquitectos? Mi consejo principal es que primero definan a donde quieren dirigirse dentro del ámbito de la arquitectura, entre más claro sea mejor y con ello aprovechar más el tiempo, y posteriormente planear “el cómo” llegar al objetivo, buscar salirse de la zona de confort, buscar inspiración y nuevas experiencias que alimenten la creatividad y amplíen sus horizontes.

Ante un entorno económico de desaceleración, alta inflación, mayores tasas de interés y una elevada incerti dumbre causada por diferentes factores mundiales, México estima para 2023 un crecimiento del 1.2% según el fondo monetario internacional mientras que la SHCP espera un 3%, seguimos con una elevada tasa de interés del 9.25% y una inflación actual del 8.70%, está última se espera tenga una disminución, aunque hasta 2024-2025.

El Gobierno Federal estima gastar 8 billones 299 mil 647 millones de pesos en el 2023, y cubrirlos mediante ingresos presupuestados de 7 billones 123 mil 474 millones de pesos que representan un 85.83%, el 14.17% restante lo obtendremos del endeudamiento por 1 billón 176 mil 173 millones de pesos.

México es un país que obtiene sus ingresos mediante un modelo de desarrollo apalancado principalmente en la recaudación de impuestos y aportaciones de las empresas que representan casi un 70% del total de los ingresos.

El presupuesto de egresos para 2023 se enfoca principalmente al Desarrollo social con un 47%, desarrollo económico 18.90%, Gastos de gobierno 5.89 y Gastos no programables por 28.21% (participa ción a estados y municipios, deudas y pagos de años anteriores).

En esta lámina podemos analizar mejor las cifras de los egresos: temas de seguridad y de justicia con un 3.26% del total de egresos, ciencia y tecnología ni siquiera el 1%, la salud muy similar a la educación, y donde mayor dinero se destina a temas sociales por un 21.10%.

Los números son fríos y plasman una realidad del reparto de los dineros en nuestro querido México, no esperamos reformas importantes en temas fiscales pero si una mayor fiscalización a las empresas, tome sus propias conclusiones estimado lector y siempre con la mejor disposición de sacar adelante a nuestras empresas y por consecuencia al desarrollo de nuestro país.

Es el elegante y sólido edificio de estilo francés construido por don Esaúl González como fábrica de ropa de mezclilla, teniendo posteriormente varios usos: lo mismo sirvió de escenario de los bailes de postín, que, de escuela, así como de fábrica de sombreros y de pinturas.

Construido en planta rectangular de aproximadamente 30.00 m x 13.00 m con una altura de 9.30 hasta el desplante de la techumbre y de 13.24 hasta las cumbreras. El edificio se encuentra intervenido y con adaptaciones posteriores, pero aun así conserva sus muros los cuales están hechos de los primeros tabiques rojo recocido en medidas de 0.44x0.24x0.09 m. Cuenta con una techumbre hecha a base de armaduras de madera, con listones del mismo material entre ellas, que soportan las laminillas de asbesto que tiene como recubri miento final, dispuestas éstas a manera de escamas, sujetas con traslape entre sí para evitar filtracio nes. Con cumbrera estructurada en madera en el parteaguas a base de un caballete de lámina galvanizada. Cuenta con un paso de gato longitudinal central de madera y cuatro transversales, unidos a la estructura general en su interior.

En el año 2016 se nos pide realizar una propuesta de intervención ya que existen filtraciones de agua entre los asbestos que han dañado la estructura y composición del techo.

Por: Dra. Teresa Vargas Hernández

Se inician los procesos de estudio para poder determi nar la estabilidad de la madera compositiva ya que se encontraba afectada por varios agentes de deterioro.

Los trabajos de restauración siempre deben entenderse como multidisciplinarios, ya que cada caso debe estudiar se y analizarse por separado, involucrando a los especialis tas que se requieran según el caso. En este, en particular, mencionamos tres de los análisis que se llevaron a cabo, apoyándonos en dos institu ciones de estudio, esto para diagnosticar el estado que presentaban los materiales que conformaban la estructu ra, tanto del techo como los elementos que la cubrían:

Identificación microbiológica.

Los hongos y bacterias crecen en ambientes con humedad permanente o persistente, humedad relativa (HR) arriba del 55% y temperatura mínima de 25° C.

Identificación entomológica.

La evidencia de daño por insectos xilófagos en diferentes elementos del sistema de cubierta hizo indispensable la identificación de dichos parásitos con el fin de proponer un método de erradicación y control adecuado Análisis estructural. Este estudio consistió en un análisis no destructivo de las condiciones de la madera del sistema de armadu ras. Para tal fin se contó con el apoyo del Laboratorio de tecnología de la madera de la Facultad de Ingenie ría en tecnología de la madera de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (UMSNH).

La documentación y el estudio fue más profunda, llegando a analizar hasta los tornillos y elementos metálicos que la conformaban, todo esto para definir las acciones de liberación, reintegración y procesos de fumigación en el momento de la intervención.

Menciono parte del equipo que estuvo trabajando en el seguimiento y cierre del proyecto:

MRSM Silvia Yadira Montesinos.

Dra. en Arq Carolina Escobar Zavala.

Dra en Arq. Teresa Vargas Hernández.

Dr. Alberto Flores Martínez - Departamento de Biología DCNE Campus Guanajuato.

Ing. Sergio M. Escobedo Torres - FITECMA Facultad de Ingeniería en Tecnología de la Madera Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo.

El equipo de Lutron, trabajó en conjunto con Jeremy Ames, y Brandon Melton de RL Studio. Ben Calleja, fundador de Livit Design y jefe de la Oficina de Experiencia, creó el Restaurante V, donde el menú, la decoración y el ambiente se evalúan y perfeccionan continuamente.

Ben Calleja confió en el equipo de Lutron para diseñar una solución de control de iluminación que no solo funcione para este espacio, sino que pueda reproducir se fácilmente en sus futuros proyectos. Eso sí, sin dejar de garantizar que cada proyecto siga siendo único y memorable.

Así, las escenas de iluminación preesta blecidas se configuran a través de la app, dando a Calleja un control total de la iluminación donde y cuando lo necesite. De manera automática, cada escena de iluminación se activa en el momento justo, con desvanecimientos lentos entre cada cambio de escena para que los clientes estén rodeados exactamente de la luz adecuada cuando el ambiente cambia el tiempo de la comida a la cena.

El innovador V en Los Ángeles, California, es la introducción de Calleja a su concepto de marca "V" de comida fast-fine en el mercado estadounidense, con un ambiente informal emparejado con un entorno de alta gama y una decoración ecléctica. El restaurante causó sensación de inmediato, recibiendo el premio Eater L.A. 2019 al diseño del año.

© LUTRON

El recinto era una joyería abandonada de los años 20, con ventanas tapiadas y sin acceso a la luz del día, pero Calleja tuvo una conexión instantánea con la arquitec tura histórica y el denso y bullicioso barrio del centro de Los Ángeles (DTLA).

Aquí el menú, la decoración y el ambiente son los elementos esenciales. El equipo de la planta no debe preocuparse por las luces, la música, el aroma o el menú, sino que debe centrarse al 100% en la experiencia del cliente. La iluminación tiene la tarea de causar todo el impacto sin restarle importancia a la experiencia de inmersión del restaurante.

Para crear la luz perfecta, el sistema Vive Wireless de Lutron es flexible y se integra fácilmente con la tecnología de IA patentada por Livi; Lutron ayudó a personali zar un diseño de control de la iluminación que estuvo a la altura de cada reto.

La solución Vive funciona a la perfección en las remodelaciones utilizando el cableado existente, trabajando en torno a las características de diseño origina les e icónicas. El control inalámbrico ofrece la combinación perfecta de flexibili dad, programación sencilla, reducción del cableado (una gran ventaja en este espacio) y la capacidad de ampliación para el restaurante.

V DTLA es un espacio que funciona todo el día, y la iluminación permite que la atmósfera cambie sutilmente, aunque de forma espectacular, a lo largo de toda la jornada sin que sea evidente para las personas que se encuentran en el espacio. De esta manera otorga una especie de oasis, con colores vivos y llamativos, telas exuberantes y muebles cómodos que ofrecen a los clientes muchas opciones para escapar del mundo exterior.

Livit Design y RL Studio están trabajando ahora para incorporar tecnologías inalámbricas de ultima generación, como los controles dinámicos Lutron Athena y la iluminación Ketra en los futuros locales V.

Sin duda este trabajo colaborativo aportó un diseño luminoso que potencia la experiencia gastronómica.

© LUTRON

Casa Mirador, de color rosa flamingo, fue diseñada por los arquitectos Alex Possenbacher y Lorena Contreras, esta villa de lujo cuenta con obras de artesanos locales, una infinity pool curvilínea y los característicos interiores blancos.

Costa Careyes, en Jalisco, es un desarrollo turístico para disfrutar de la vida en la bahía que da lugar a bellas playas cobijadas por el mar del Océano Pacífico, además de impresio nante vegetación y de hoteles que le conforman.

A diferencia de otros complejos turísticos, Careyes carece de hoteles all inclusive. No hay interés en aumentar la densidad de la población a expensas de la vegetación y la naturaleza. Con villas privadas, suites, casas más pequeñas y playas vírgenes en las que se puede nadar, Careyes continúa construyen do una comunidad segura y vibrante que permite conectarse con su voz interior y la naturaleza, sin perder de vista el reto de sostener en equilibrio el trabajo, la familia, la vida social y los viajes.

Este lugar es conocido por su arquitectura y diseño poco ortodoxos: las villas con techo de palapa, curvilíneas y atrevidas, incluyen colaboracio nes entre creativos italianos y mexicanos, tiene un espíritu boho. Aquí los festivales e instalaciones artísticas son solo algunos de los atractivos de este destino de más de 8 mil hectáreas fundado a finales de los años 60.

La más reciente Villa es Casa Mirador, la cual se ubica en Paseo de los Pintores #3, en Careyes. Con su peculiar y hermoso color rosa flamingo y blanco que la diferencia del resto. Cuenta con 4 dormitorios, 5 baños, y es ideal para recibir hasta 8 invitados. Aquí todas las recámaras cuentan con terrazas privadas con vista al mar. Se encuentra a poca distancia de la playa Rosa Beach, sin embargo, la estrella del lugar es la piscina infinita climatizada de más de 25 metros y con agua salada.

DR. SALVADOR ZERMEÑO MÉNDEZ

El gozar es existencial, y el abordar problemáticas tan importantes para la región otorga un disfrute en la resolución de las mismas y en la trascendencia social y cultural de dichos proyectos, comprendiendo que la responsabilidad es inmensa y que el resultado esperado implica ante todo el rescate de una joya arquitectónica del país con la máxima eficiencia y los mínimos recursos.

Formación y Puestos

-El Dr. Salvador Zermeño Méndez es Arquitecto por la Ibero León.

-Maestro en Conservación del Patrimonio Arquitectónico por la Universidad de Guanajuato.

-Maestro en Historia por la IBERO México.

-Doctor en Artes Visuales por la Universidad Politécnica de Valencia, España.

-Director del despacho de restauración “Salvador Zermeño Méndez y Asociados”.

-Director de servicios de la UDL.

-Anteriormente fue Presidente del Instituto Cultural de León, jurado y tutor de Artistas Visuales en el Instituto Estatal de Cultura.

-Ponente en los Foros de Historia y Critica de la Arquitectura de la UNAM.

-Fungió como Consejero Técnico del Instituto de Planeación del Estado de Guanajuato, del Centro Histórico y como presidente del Consejo de Certificación de Asesores en Investigación de la Universidad de León, por parte de la Secretaría de Desarrollo Económico de Guanajuato.

Premios Recientes:

-Premio a la Conservación del Patrimonio Edifica do del Estado de Gto. en el ámbito de investiga ción en el 2007.

-Obtiene la beca a creadores en el área de artistas plásticos en el año 2008 por el Estado de Guanajuato.

-Premio al Mejor Proyecto Arquitectónico del 2009.

-Mención Honorifica por la Plaza de Gallos en el 2019.

-Primer Lugar por el proyecto de restauración del Templo del Inmaculado en el 2020.

-Mención Honorifica en Vivienda Social en el 2021, por el Colegio de Arquitectos de León, Gto.

-Medalla y Mención de honor en la Bienal de Arquitectura Regional en el 2021.

Su Despacho:

El despacho del Dr. Salvador Zermeño nace en 1988 y se especializa en la restauración de edificios históricos, investigación y arquitectura contempo ránea. Con un argumento científico apuesta por salvaguardar el valor del patrimonio con la finalidad de conocerlo, apreciarlo y protegerlo, como legado para mantener su memoria histórica. Siempre están actualizados en las nuevas tenden cias con seminarios de análisis, reflexión y critica de las vanguardias, situados en tratados, cartas de conservación, legislación vigente, teorías de la arquitectura y un soporte filosófico dentro del pensamiento contemporáneo, pasando de la tradición a la creación de arquitectura innovadora.

Los servicios que proporcionan:

-Proyectos de restauración del patrimonio edificado. -Proyectos de reciclaje e integración de arquitectura contemporánea al patrimonio edificado. -Proyectos de arquitectura contemporánea. -Proyectos de arquitectura del paisaje, construcción y planes maestros de centros históricos.

Filosofía y Soporte Argumentativo: Hacer posible lo imposible, pensando lo impensado, intentando ir de lo conocido a lo desconocido, siendo atento, responsable, inteligente, aventurándome y apasionándome, con la presencia, prudencia y paciencia necesaria para resolver problemas comple jos con la máxima eficiencia y los mínimos recursos. Soportados en la arquitectura del conocimiento y la arquitectura como orientación existencial, superan do así la modernidad, para una búsqueda de una programática atmósfera espacial que proyecte una vida significativa situados en la belleza y la justicia.

Obra Reciente: -2016 Proyecto de Restauración del Casino de León, en el que se eliminó la suciedad de la flora nociva, como hongos, musgo y líquenes en canteras, además de la oxidación de las vigas de acero y las bóvedas escarzanas.

-2017 Restauración de la fachada de Presidencia Municipal para la cual se restituyeron y consolidaron aplanados, cambiando las canteras en mal estado en balaustradas del remate, jambas y platabandas, restaurándose puertas, ventanas y vigas de madera.

-2016- 2019 Plaza de Gallos. Un proyecto emblemá tico del Municipio, una joya única a nivel nacional por sus características de esquema, tipología y estilo que integró a una gran cantidad de especialis tas para resolver el problema en tiempo récord, convirtiéndose en uno de los retos más grandes.

Primera etapa: se consolida la estructura del Hotel desarrollando un nuevo proyecto para el redondel permitiendo la recuperación de su funcionamiento histórico original y el salvaguardar la estructura original del mismo con la recuperación de la techumbre de tijera de viguerías de madera, así como la estabilización estructural de sus grandes arcos de 20 metros de longitud.

Segunda etapa: en el Hotel de la Plaza de Gallos se adecuaron 3 salones de ballet, oficinas y la restaura ción integral de la fachada principal. El proyecto de

Tercera Orden adjunta a Parroquia del Sagrario, León Gto.

Teatro de la Ciudad, Purísima del Rincón Gto.

reciclaje se basó en el esquema histórico de origen que consta de dos túneles escénicos de entrada para la yuxtaposición de clases sociales y un recorrido perimetral a través de arcos, restaurando las gradas originales para seguir proporcionando espectáculos rescatando el escenario frontal y el concéntrico oval, basándose en el esquema de las distintas historias de usos del inmueble como teatro, plaza de toros, espacio para mítines políticos, arena de box y arena de lucha libre, el cual tendrá la escuela de teatro y danza del Instituto Cultural de León así como otras actividades culturales que incluyen el Festival Internacional Cervantino, el FIC (Festival Internacional de Arte Contemporá neo), teatro, danza, etc., funcionando como una sala versátil de espectadores.

-2016 Proyecto y restauración del Museo Hermenegildo Bustos en el municipio de Purísima que alojará los bienes artísticos del internacional y reconocido artista. Allí se alojarán las salas permanentes en las crujías del inmueble en un gran patio de proporciones monumentales, en el que se integró el reciclaje de las dos escuelas primarias de niños y niñas construidas, en 1862 y 1938 con la proporción y balance al integrar las crujías y las fachadas de estilos neoclásicos y neocoloniales.

-2016 Restauración de una casona porfirista en el Centro Histórico de León para construir el Hotel Emiliano restructuran do los muros de adobe, restaurando las habitaciones y fachada principal e integrando la estructura metálica reversible.

-2016 y 2018 Proyecto y construcción del conjunto Plaza Purísima conformado por el proyecto del Teatro de la Ciudad, la Universidad Virtual del Estado de Guanajuato, un centro cultural en una casona del siglo del XIX, que alojará la muestra de manifes taciones artísticas de la Judea y de artesanías locales, además de locales comerciales, logrando la integración y unidad urbanística a través del equilibrio integral entre la “masa” de sus volúmenes, regulada por la proporción de sus estructuras formales conjugan do adecuadamente las morfologías de los edificios y los patrones de diseño por una tipología situada en los códigos predominan tes en las edificios históricos del centro de Purísima del Rincón. El Teatro de la Ciudad con un diseño arquitectónico contemporá neo, integrando solidos volúmenes platónicos como el prisma rectangular, el cilindro, el cubo y con un exterior por superficies blancas y planos geométricos verticales dialogando con los volúmenes de la UVEG e integrándose a esta casona del siglo XIX.

-2018 Restauración de los templos en la ciudad de León. El Templo del inmaculado al retirar el esmalte colocado de modo inadecuado en los años 30´s en la fachaleta de tabique, además de cambiar canteras pulverizadas y exfoliadas de sus portadas; en el templo de las Tres Aves Marías se consolidó la cantera de la portada principal degradada y en el tambor del capulín de las torres, restaurando el frontón y la barda atrial que se encontraban muy deteriorados; en la Parroquia del Sagrario se restauraron portada principal y lateral, además de las bóvedas y cúpula y se desarrolla el proyecto del Señor de Salud del Barrio Arriba. Así como también el Templo de la Columna del Cristo Roto en la ciudad de Purísima del Rincón.

-2018 Proyectos de restauración para las presidencias municipales de León Gto., Purísima del Rincón y la Piedad Michoacán, además se reciclaron edificios para oficina clínica y consultorios para médicos que se ubicarán en varias casonas del Centro Histórico.

Se concluyen los proyectos de restauración del Archivo Histórico, Antigua Cárcel de Mujeres, el cual se equipó con aire acondicionado para el mantenimiento de los documentos del fondo colonial; las cámaras de seguridad, el manejo de digitalización de toda la información histórica.

Se prepara la restauración de Catastro, primer edificio federal adecuado a principios del siglo XX que comparte instalaciones con el edificio de correos. El proyecto compren de restaurar techumbres, crujías y fachada.

-2020 Restauración del puente desarrollado por Luis Long en Jalpa de Cánovas construido en 1906 para Brani .

-2022 Se desarrolla el proyecto de restauración de una casona donde tuvo una breve estancia Benito Juárez en la ciudad de Purísima del Rincón, desarrollando a su vez la restauración y dignificación de la tumba de Luis Long y el proyecto y construcción de su mausoleo, además de la portada principal del Panteón San Nicolas y el nuevo diseño de sus andadores para rehabilitarlo como espacio público.

Libros publicados:

-“Lecturas Básicas de la Investigación” de Ed. Mc. Graw Hill.

-“Investigación para la vida”; “El ABC de investigar”, “Metodolo gía de la conservación y restauración del patrimonio arquitec tónico” todos ellos por editorial Pearson.

-“Identidades leonesas” por ed. Tlacuilo; coautor en la enciclo pedia León Cinco Siglos entre Viento y Marea.

-Coautor del libro “La Arquitectura de David Muñoz y su Legado”, editado por la UNAM, además de las memorias publicadas por el la UNAM del foro de crítica e Historia de la arquitectura.

Museo Hermenegildo Bustos Purísima de Bustos Gto.

UVEG, Purísima del Rincón Gto.

Hotel Boutique Emiliano, León Gto.

Redondel - Plaza de Gallos León Gto.

Fachada de Presidencia Municipal, León Gto.

Puente Luis Long, Jalpa de Canovas Gto.

Sí, increíble que una casa prefabricada esté hecha con cartón. La ligereza de una casa Wikkelhouse permite su instalación en el terreno en apenas 24 horas sin cimen tación. El cartón es un material mucho más resistente de lo que pueda parecer a simple vista, y también más sostenible sobre todo si procede del reciclaje; además, es 100% biodegradable.

Estas casas son construidas con 24 capas de cartón, aisladas con una capa de lino y acabadas por dentro con madera. Todo el proceso de fabricación es sostenible, pues cada capa está adherida con un pegamento ecológico y la superposición permite crear un gran aislamiento termo acústico. Las casas se forman a partir de módulos de 1.2 metros de profundidad y 5 metros cuadrados de superficie.

El cartón con estructura de panal alveolar ofrece una gran resistencia. De hecho, la firma garantiza una durabilidad mínima de la vivienda de 50 años, aunque con un buen mantenimiento es posible que aguante más tiempo.

Cada Wikkelhouse ofrece una máxima flexibilidad y adaptación a las necesidades de cada usuario a lo largo del tiempo. Cada segmento pesa solo 500 kg, lo que confiere al conjunto una gran ligereza que se traduce en otra ventaja: la ausencia de cimentación y la posibili dad de instalar la casa en el terreno en apenas 24 horas.

El precio es variable, ya que se basa en la cantidad de segmen tos que elija el cliente. La versión más sencilla, con tres segmen tos, se vende desde 40,000 euros + IVA, transporte e instalación. De momento, las viviendas Wikkelhouse sólo están disponibles en algunos países europeos como: Holanda, Bélgica, Francia, Luxemburgo, Alemania, Reino Unido y Escandinavia.

Finalmente, las fiestas favoritas de la temporada han llegado y es momento de darle la bienvenida a la Navidad sacando la decoración y el tradicional arbolito navideño.

Se acercan las fechas navideñas y después el cierre de año. Sin embargo, pese a que nos han vendido la idea de que la Navidad es la época más feliz del año, en la que estamos obligados a sentirnos contentos y disfrutar de los festejos, algunas personas manifiestan desánimo, nostalgia, apatía y melancolía.

Muchas veces la temporada y el casi cierre de año, nos hace valorar los logros y fracasos, es la época para cerrar ciclos y tener proyecciones a futuro, que pueden venir cargados de temores. Sin embargo, podemos cambiar el chip hacia lo positivo si procuramos un estilo de vida sana durante el año, buscando sentido en tu ocupación. Además, siempre podemos encontrar razones para estar agradecidos.

La historia del árbol navideño- ¿De dónde viene esa costumbre? Según los historiado res viene del paganismo centro europeo. Era una manera de rendirle culto a los dioses de los bosques, aquellos con poderes mágicos a quienes les pedían que regresara el sol durante las fechas de invierno. Los romanos adornaron las calles durante las Saturnales, pero fueron sobre todo los celtas quienes decoraron los robles con frutas y velas durante los solsticios de invierno. Por otra parte, no olvidemos que, desde tiempos inmemoriales, el árbol ha sido un símbolo de la fertilidad y de la regeneración.

Los evangelizadores cristianos acabaron con estas costumbres paganas, ante la imposibilidad de erradicarlas mejor lo adoptaron y transformaron con el paso del tiempo. Así, su historia se remonta al siglo VIII cuando Bonifacio taló un roble dedicado a Thor en la región de Hesse, y durante el Evangelio ofreció un abeto, árbol que significaba la vida eterna adornándolo con manzanas y velas. El abeto representa la vida eterna porque sus hojas siempre están verdes" y porque su copa "señala al cielo". Las manzanas representaban el pecado original, y las velas la luz de Jesucristo. Desde entonces los hogares acostumbran a poner su árbol y llenarlo de adornos y luces durante la Navidad. Ahora cada familia decide la temática que quiere darle con adornos. Incluso, ya sea por falta de espacio o tiempo, se puede jugar con la idea abstracta del árbol, el objetivo es jugar con la creatividad. De hecho, en México solemos poner un nacimiento además del árbol navideño para celebrar el nacimiento del niño Jesús.

Un árbol de Navidad lleno de color

Si el color verde tradicional de tu pino navideño ya no te genera emoción y te parece aburrido, estas opciones de árboles de Navidad de colores son ideales para darle un estilo tan único y diferente y convertirlo en el protagonista principal en esta temporada navideña.

1.- Rose Gold: El color Rose Gold aporta mucha originalidad y glamour, si buscas elegancia y lujo para tu árbol de Navidad este color es perfecto ya que es un color que tiene tonalidades neutras aportando ternura, alegría y suavidad sin perder la sofisticación.

una imagen invernal perfecta y aporta mucha luz y deja que tu decoración sea la que sobresalga. El color blanco simboliza la inocencia, luz y pureza para estas fechas.

3.- Negro: Si deseas que tu decoración navideña sea muy elegante puedes complementarla con un árbol de Navidad en color negro que sin duda aportará mucho glamour, festividad y sofisticación. Tener un pino en este color ayudará a que la decoración sobre él tenga mucho protagonismo creando un ambiente muy contemporáneo. El color negro es un tono muy versátil que logra armonizarse con facilidad a otros materiales y texturas que puedes poner sobre tu arbolito.

4.- Morado: Tener un árbol de esta tonalidad será una gran elección ya que es un color con mucha versatilidad perfecto para cualquier combinación. Aportará estilo y dará un toque de color a la sala o al espacio en el que lo coloques. El morado simboliza la fantasía y la magia.

5.- Plata: Neutralidad, armonía, calidez y serenidad inundarán el ambiente si tu elección es colocar un árbol de Navidad en color plata, una opción que sin duda este color en tu pino le dará al ambiente de sofistica ción y lujo. El color plata es muy favorable y versátil.

ORO Y PLATA, EL PERFECTO MIX AND MATCH

Otra tendencia que triunfará durante esta Navidad 2022 consiste en decorar el árbol de Navidad con adornos en dos colores: oro y plata. Se trata de una mezcla que aporta elegancia y sofisticación sin renunciar a la sencillez.

AZUL Y DORADO

Otro mix que veremos en los adornos de esta Navidad es el azul y el dorado. El azul otorga calma y sosiego, y el dorado le da ese toque entre tradicional y glam.

El proyecto “Una Vida” es un oasis tropical escondido en las selvas de Tulum, Quintana Roo, a 10 minutos de las playas caribeñas y en la zona sur de la ciudad.

El sitio cuenta con una gran decoración y tiene una excelente ubicación en la jungla fuera de la zona hotelera demasiado concurrida. Es la combinación perfecta de un hotel boutique de alta gama y un negocio cálido y familiar.

Previo a la realización del proyecto se tomó en cuenta que la mayor parte de los árboles existentes, se conservaran para reducir el impacto en el terreno, así como brindar un ambiente integrado a la naturaleza. Es así como se hizo un análisis de la separación y asentamiento de los volúmenes.

En el extremo más fino del terreno se ubican las áreas de mantenimien to, así como un temazcal. Después comienza el juego de volúmenes de los bloques llamados Chacá y Chechén, en cuya zona inferior, el área común se conecta con el volumen de acceso al conjunto. En el otro extremo del terreno remata la Villa Ceiba, quedando este espacio para un uso más privado y con mayor amplitud. Los volúmenes se ordenan de manera paralela entre sí y se aíslan para permitir el flujo de aire, aprovechando así la ventilación para refrescar los ambientes. Además, de esta forma se evita un solo bloque pesado, comprometido y desvin culado del contexto. Por otra parte, la vegetación abundante y los árboles, generan la sombra necesaria para amortiguar el calor caribeño.

La idea del proyecto es como si fuera una aldea en medio de la jungla, con un estilo rústico, en la que se utilizaran materiales de la región como la piedra y la palapa que aportan un estilo natural en el exterior, pero que a su vez en el interior dan calidez y pureza para el confort del huésped.

Conceptualmente se buscó unir de forma abstracta en el diseño tres elementos relacionados con los ciclos naturales y el contexto: raíces, tierra y árboles. Es por ello que los bloques (compuestos por diferentes módulos) reciben el nombre de los árboles caracte rísticos de la zona: Chacá, Chechén y Ceiba.

Los bloques Chacá son los conjuntos más pequeños, formados por un módulo de recámara y un módulo de cocina-sa la-comedor. Los bloques Chechén constan de tres módulos: dos módulos de una recámara y un módulo de cocina-sala-comedor. Ambos repiten su distribución en planta baja y planta alta para amortiguar la huella en el terreno.

Los módulos permiten tener flexibilidad de forma que se puedan agregar recáma ras según la necesidad del huésped, evitando así limitar el mercado a un segmento en particular (parejas, familias, etc). En este proyecto cada material tiene su rol: la piedra local da un toque rústico y salvaje; el cemento pulido con chukum da una sensación limpia y austera; y la madera ayuda a fundir el conjunto en la selva. Aquí, la vegetación es pieza fundamental en este proyecto, ya que le da el carácter, la privacidad y la vida a la imagen del lugar.

StudioÁrea:Arquitectos 1050 m² Año: 2016

© Pablo García Figueroa

Hoy en día casi todo mexicano podemos presumir de haber asistido a una posada alguna vez en nuestra vida.

En México, la palabra posada se utiliza con más frecuencia para hacer referencia a las festividades decembrinas que preceden a la Navidad, que a aquello que dio el nombre a tales fiestas: la petición de alojamiento.

Debemos preguntarnos ¿a qué se debe la popularidad e importan cia de las famosas posadas mexicanas? ¿de dónde provienen?, ¿por qué?, ¿cuándo? Así que procedamos a responder las interrogantes.

¿De dónde provienen? Si bien la Navidad ha sido para el mundo cristiano una fecha importante desde los primeros siglos del cristianismo, en México la celebración de la natividad de Cristo es precedida, hasta el día

de hoy, por una serie de rezos y festividades que son practicados durante nueve días y culminan la noche del 24 de diciembre, conocidas mundialmente como las posadas mexicanas.

Estos ritos remontan su origen a las misas de aguinaldo que introdujeron los agustinos en Nueva España desde el siglo XVI, y que durante la Colonia fueron adquiriendo rasgos distintivos y únicos, hasta volverse un fenómeno novohispa no por excelencia, que sobrevivió a la indepen dencia y llegó al siglo XIX totalmente arraigado en la tradición de los mexicanos. Se celebraban las misas de aguinaldo antes de amanecer.

Cronistas agustinos, como Juan de Grijalva, relataron que los religiosos de su Orden celebraban estas misas con villancicos, catequesis especiales, enseñanza cívica y la hospitalidad para atraer a los indígenas y darles algo mejor que lo que tenían.

Las misas de aguinaldo se celebraban en el atrio de las iglesias, comenzaban el 16 de diciembre y terminaban el 24 con la misa de gallo o de medianoche. Recordando que los nueve días estaban simbolizando los nueves meses que llevó en seno al Niño Jesús.

Las posadas comenzaron a celebrarse poco después de la llegada de los primeros evangeli zadores en el siglo XVI para hacer remembranza al peregrinaje de María y José, buscaban hospe darse para esperar el nacimiento del niño Jesús.

¿Quién de ustedes estimados lectores tienen recuerdos agradables de la práctica de las posadas? ¿Cómo disfrutamos al comer naran jas, cacahuates, tejocotes, dulces o ponche?

¿Quién no desafinó al entonar la canción? Toquen las panderetas, ruido y más ruido porque las profecías ya se han cumplido, si, si ya se han cumplido. -Felices Fiestas.

Por:

“… Entren santos peregrinos, reciban este rincón que, aunque es pobre la morada, os la doy de corazón…”

Dra. Carlota Laura Meneses Sánchez Universidad de Guanajuato cmeneses@ugto.mx

Bvlgari en Kuala Lumpur se abrió en el 2018, con una nueva fachada que connota el patrimonio de la marca de lujo y experimenta con materiales tradicionales. Esta fachada de hormigón y resina está impregnada de luz dorada para crear una fachada con vetas de mármol. A su vez, el escaparate es el primero de una serie de diseños de fachadas MVRDV para la marca .

Desde su creación, Bvlgari ha marcado el ritmo del estilo italiano con un espíritu innovador y creativo que se inspira en la belleza atempo ral del arte romano, a la vez que le da un toque contemporáneo distintivo.

© Daria Scagliola and Edit - Stijn Brakkee

Precisamente, el diseño de MVRDV se inspira en la herencia de la marca de lujo. La cornisa de via Condotti es un conjunto de elementos que se utiliza de forma asimétrica en diferentes lugares del mundo, y su icónica fachada de mármol ahora se reinventa y reinterpreta mediante experimentos con materiales. De esta manera, se convierte en una fachada que por el día es sorprendente pero orgánica, y por la noche logra un efecto mucho más dramático.

Esta fachada innovadora se desarrolló a partir de un proceso de investigación en colaboración con la Technical University Del y Tensoforma, quienes trabajaron en la producción de fachadas, otorgando un resultado que fue un nuevo producto para la tienda. El hormigón reforzado con vidrio (GRC) se cortó de acuerdo con el patrón, se rellenó con resina y luego se iluminó con luces LED de color ámbar. Una lámina de acero inoxidable actúa como una base para la resina, con juntas de panel ocultas e integradas en el patrón de la vena. Ya sea durante el día o por la noche, la fachada Bvlgari logra un efecto translúci do y emana un cálido resplandor ámbar.

El nuevo catálogo para futuras fachadas de escaparates de Bvlgari se convierten en prototipos para ser adoptadas a nivel mundial, y que sean reconocidas e identifi cadas al instante, eso sí, con ese estilo que las hace únicas en cualquier contexto. Bajo ese enfoque se ofrecen infinitas posibilidades que combinan detalles sofisticados con materiales de alta calidad.

© Daria Scagliola and Edit - Stijn Brakkee

Esta elegante silla es una notable pieza de diseño a cargo de los diseñadores argenti nos Guido Lanari y Jesica Vicente, con un uso limitado por el material en cuestión. Está inspirada en las fiestas latinoamerica nas tradicionales, buscando reflejar la esencia de sus pueblos: “El espíritu cálido y festivo que los identifica”. Esta silla refleja el carácter lúdico de las fiestas y lo plasma en el movimiento visual generado por la torsión de la cinta espacial que define su estructura.

Es muy acogedora y cómoda. La tira única de la madera contrachapada que comprende el armazón de la silla se cierra con un segmento en forma de C, lo que refleja tanto la silueta de perfil de la silla, así como el nombre de Carnaval. Esta “C” es acampanada y funciona de una manera similar a las juntas en forma de mariposa en la carpintería tradicional y se utiliza para reforzar las divisiones en la madera y unir dos secciones paralelas de madera.

El balanceo resultante de su tipología (rocking chair) fortalece el concepto “movimiento generado por el usuario”. La concreción de su materialidad es a través de la madera como alegoría de la naturaleza, y el uso de colores vibrantes como expresión sensorial. Además, propone una experiencia de compra innovadora, ya que el usuario puede elegir el tipo de madera, el color del marco, y el color de los elásticos. Esta capacidad de personalización es resulta do de una analogía con la generación de disfraces propios para los carnavales.

Por: Staff Arkin

© GUINDO LANARI / JESICA VICENTE

© GUINDO LANARI / JESICA VICENTE

Ante la competencia de las grandes cadenas y los locales pequeños, esta cafetería pretende atraer especialmente a un público joven. Para esto es fundamental un interiorismo completamente diferente y novedoso. Se encuentra ubicada en el barrio de Yeonnam, en el distrito de Mapo (concretamente, en el 223-14 de la calle Yeonnam).

¿Te imaginas meterte en las páginas de un comic? Pues aquí es fundamental generar esa sensación como de entrar en un cómic en blanco y negro. La decoración está pensada para que tengamos el impacto visual de estar en un lugar en dos dimensiones (de hecho, también se la conoce como la 2D Café).

Por: Staff Arkin

Una cafetería que triunfa en Seúl, Corea. Es como una ilustración en blanco y negro, que brinda una impactante sensación visual y confirma que el interiorismo ya no se entiende sin las redes sociales.

Para conseguir esta sensación, y hacer este juego óptico, absolutamente todos los elementos del local son de color blanco y se resaltan los bordes de todo el mobiliario de negro, así como las columnas, el techo y cualquier objeto que forme parte de la decoración.

Los detalles que tiene de interiorismo y decoración son impresionantes. Solo los clientes y los pasteles que allí sirven tienen una nota de color, pues hasta los objetos electrónicos son de color blanco. Desde luego, lo que más llama la atención es el suelo, que juega también con el mismo efecto, creando la sensación de que estamos pisando un suelo de tablillas colocadas en forma de espiga. Al igual, las paredes hacen lo propio simulando un enladrillado, como si de una chimenea se tratara.

La propietaria de este café es Eun-Jin Lee, quien también es diseñadora de la firma convertida ahora en franquicia. Cada objeto es elegido con minuciosidad, así las tazas en las que se sirven los cafés son también de color blanco con líneas negras, salvo las que sirven tamaños más grandes, que simulan botes de pintura de color rebosante, también sobre fondo blanco. Los platos de porcelana blanca están diseñados a juego, y solo las charolas dan un toque diferente, al imitar botes de pintura con asas de madera. El lugar, te permite disfrutar de una rica variedad de tartas clásicas (Red Velvet, zanahoria…) y todo tipo de cafés expresos y té.

La tematización de las cafeterías tanto en países como Corea del Sur y Japón, se toma muy en serio. De hecho, es casi obligatorio que se acompañe de una decoración única, que permita ofrecer algo diferente en redes sociales. Sólo a las grandes cadenas se les permite no tener este tipo de oferta. Hay que destacar tanto en la decoración como en la presentación del producto. La calidad del mismo, aunque es buena, suele ser lo tercero en importancia.

Incluso, el diseño de Greem Café se ha exportado a Oriente Medio, donde ya han abierto una cafetería. ¡Sin duda es toda una vivencia estar y entrar en Greem!

Se trata de un hermoso castillo construido en el siglo XV que es un gran referente del arte gótico-mudéjar de tipo defensivo y residencial, todo un prototipo perfecto de castillo señorial.

Cuando hablamos del arte mudéjar hay que ubicar que se trata de un estilo arquitectónico propiamente de España, influencia do por la tradición islámica. Así, el estilo híbrido gótico-mudéjar se desarrolló sobre todo en el Alentejo durante los siglos XV y XVI.

Su historia se remonta poco después de la Reconquista, (cuando los reyes católicos expulsaron a los califatos árabes) en España coexistiendo las dos culturas: árabes y cristianos de manera pacífica integrando sus costumbres y cultura. Este proceso cultural y social, que comenzaría a finales del siglo XIII y se prolongaría hasta el XV, combinaba la tradición islámica local, con la cultura castellana en la que estaba presente el arte gótico.

El Castillo de Coca, de tipo defensivo y residencial, es todo un prototipo perfecto de castillo señorial castellano ubicado en el municipio de Coca en Segovia. Además, es uno de los ejemplos más hermosos de la arquitectura gótico–mudéjar española. Fue construido en el siglo XV, por orden de Don Alfonso de Fonseca, arzobispo de Sevilla. Actualmente era propiedad de La Casa de Alba, sin embargo, fue cedido al Ministerio de Agricultura.

Esta construcción, edificada entre 1473 y 1493, imaginativa y original realizada con ladrillo, se levanta sobre un profundo foso y destaca por sus magníficos rasgos mudéjares geométricos. A finales del siglo XV se convirtió en residencia señorial y fue marco de innumerables fiestas a las que llegaron a asistir destacadas personalidades como la marque sa de Moya, Beatriz de Bobadilla o Jean Jou roy, el cardenal francés.

A principios del siglo XVI, los Reyes Católicos garantizaron la herencia del castillo al hermano de don Alonso, Antonio de Fonseca, capitán de gran prestigio de los reyes, quién se encargó de ampliar las defensas del castillo. Muchas de las decoraciones del castillo se atribuyen a los maestros de obras sevillanos que allí trabajaron en el año 1512. En su construcción se utilizó la piedra caliza en piezas decorativas, además de las columnas del patio de armas y las aspilleras, que eran aberturas verticales ubicadas en los muros para disparar flechas. Destaca el profundo foso y sus dos recintos amurallados con torreones, que forman el sistema defensivo del castillo. El recinto inferior, cuya planta es cuadrada, tiene cuatro torres, una en cada esquina. La torre de mayor tamaño es la Torre del homenaje, en cuyo interior se encuentra una estrecha escalera de caracol hecha de ladrillo, que da acceso a diferentes estancias como la capilla o la sala de armas. Desde lo alto de la Torre del homenaje se logra distinguir los castillos de la localidad de Cuéllar y también de Íscar.

Se utilizaba el estuco como decoración para cubrir el ladrillo y se pintaban dibujos geométricos, predominando los colores rojos, negro y azul sobre el blanco del estuco. El castillo posee tanto en sus muros exteriores como en sus estancias interiores, uno de los más formidables conjuntos en pintura mudéjar de España.

Poco después, en 1645 se convirtió en la prisión del duque de Medina Sidonia, quién había sido acusado de quererse proclamar rey de Andalucía. Tiene mucha historia este recinto… Más adelante, la Casa de Alba pasó a ser propietaria del castillo mediante alianzas matrimoniales.

No obstante, hasta 1928 fue declarado Monumento Histórico Nacional por la Dirección General de Bellas Artes y desde ese momen to es parte del Tesoro Artístico Español.

Por: Staff Arkin

ARTE

El proyecto estuvo a cargo del despacho de arquitectos de Sordo Magdaleno. El concepto se remonta a los bares tradicionales japoneses, cuya intención es crear una atmósfera seductora y relajada donde las bebidas son el corazón de la experiencia y la comida funciona como un comple mento artesanal para acompañar a los cócteles.

El restaurante Ling Ling define su esencia por medio de su decoración con el objetivo de que todos los asistentes disfruten consumiendo en un espacio que evoca a la arquitectura mexicana y las estructu ras orientales. Además, incorpora áreas verdes en un panorama donde la iluminación y la vista de 360 grados de la ciudad son los protagonistas.

El mobiliario está hecho a la medida. De hecho, el concepto de interiorismo del restau rante partió de la idea de crear un espacio que recordara los grandes patios y terrazas característicos de la arquitectura mexicana. Uno de los mayores desafíos en el diseño del proyecto fue cómo generar la sensación de estar en un patio en el piso 56. Cada espacio y habitación responde directamente al deseo de mejorar las vistas y experiencias que se ofrecen.

Por: Staff Arkin

© LGM Studio

Ahí la vista de la ciudad es la principal protagonista. Se colocaron 2 luminarios monumentales. El primero, un plafón que da la bienvenida a los comensales en el vestíbulo y el segundo un candil de 5 metros que está suspendido sobre la mejor mesa de la terraza, desde donde se puede tener una vista panorámica de la ciudad. El plafón de casi treinta metros cuadrados requirió 14,400 metros de fibra de henequén deshilado, una serie de lámparas de luz led con atenuación cálida revestidas en distintos diámetros con una estructura de fierro pintado a las cuales se les colocó una protección térmica antiflama, dichas lámparas formaron la estructura principal de este gran luminario.

Por supuesto, la propuesta culinaria tiene influencias japonesas, tailandesas, vietnamitas, coreanas y cantonesas.

© LGM Studio

© LGM Studio

© LGM Studio

Por: Lic. Israel Jiménez LEGAL /

A poco más de año y medio que entró en vigor la reforma a la Ley Federal del Trabajo, y con ella la modificación de múltiples leyes que prohibieron la subcontratación de personal mejor conocido como el outsourcing, uno de los sectores que más se ha visto impactado por tal prohibición, es sin duda alguna la industria de la construcción a nivel nacional, no solo por el tamaño de la industria y lo que representa económi camente en México, sino por el modus operandi bajo el cual dicha industria se ve en la necesidad de operar.

Parte de este modo de operación, se centraba en la posibilidad de que las empresas de la industria, subcontrataban tanto mano de obra como servicios especializados; en el primero de los casos, la tercerización de personal resultaba óptima por diversos factores, uno de ellos la alta rotación y poca estabili dad del personal operativo, que contrastaba con la necesidad de protegerlos de accidentes y enfermedades profesionales.

Hoy en día, la industria de la construcción, como otras tantas que igualmente fueron impactadas por la entrada en vigor de la regulación de la subcontratación de servicios especializados, como lo fue la industria tecnológica y la automotriz, busca de la mejor manera alinear sus procesos de subcontratación a los requerimientos legales establecidos por las diversas normas, así como a los criterios u orientaciones aportados por la autoridad laboral al sector, que en muchos de los casos resultan igualmente confusos y poco alentadores; ante ello muchas empresas han optado por modificar sus objetos sociales, por solicitar REPSES y celebrar contratos de manera indiscriminada, sin tener un dictamen legal que le permita identificar la situación particular de su empresa. Cabe señalar que a lo largo de estos casi dos años, nuestra firma legal ACCE ABOGADOS los abogados de los empresarios, ha dictaminado y administrado las obligaciones de subcontratación de diversas empresas del sector, y ha llegado a la firme conclusión de que no puede haber una solución generalizada, sino que se debe atender a la particularidad y necesidad de cada empresa u organización.

Sin minimizar el alto impacto que las normas de subcontrata ción han tenido en la industria, existe una clave que ha benefi ciado a muchas empresas de la construcción y que le ha permitido operar la subcontratación de servicios en el marco de la legalidad, dicha clave la hemos denominado “RED O CADENA DE REPSES”, misma que consiste en primer término, en eliminar de las empresas el síndrome de la “todología”, es decir, romper el paradigma de querer hacer de todo en la industria, en segundo término, identificar la actividad real de la empresa, ya que no es lo mismo tener como actividad la construcción, que tener como actividad la prestación de servicios complementa rios para la construcción, puesto que mientras la primera construye o edifica, la segunda complementa con instalación, remodelación, cancelería, colocación de piso, renta de maqui naria, pavimentación, entre otras y ésta a su vez, puede hacerse llegar de servicios aún más especializados, como lo son, el trabajo en alturas, la instalación eléctrica, etc.; generando con ello una red de REPSES que conviven entre sí, que no se invaden y que sobre todo no poner en riesgo la operación de las empre sas constructoras y de sus proveedores especializados.

Nacido en la Edad de Oro de Hollywood en la década de 1930, este estilo de interiorismo es un reflejo del brillo y el glamour que se apoderaron del cine imitando los lujosos espacios que se representaban en la pantalla.

Las tendencias de diseño de interiores están siempre influenciadas por la cultura popular, y el estilo Hollywood Regency es un claro ejemplo de esto. Este estilo incorpora elementos atemporales y acentos de opulencia que reflejan la época del cine de oro.

El estilo Hollywood Regency se centra en ideas de maximalismo, opulencia y grandeza. Debe crear una divertida mezcla entre el color y la textura. No se trata solo de exagerar, sino que también hay una atención minuciosa a los detalles con elegantes materiales.

Los esquemas de color de Hollywood Regency se componen de tonos vibran tes, paletas de blanco y negro o una combinación de ambos. Los principales materiales que se utilizan son la piedra pulida, el terciopelo, la piel y la seda, además del brillo, los acentos metálicos y las superficies lacadas brillantes.

El dorado es el protagonista del estilo Hollywood Regency así que experimen ta con los tonos metálicos y transporta tu hogar a la época del cine de oro.

© Atelier Tymovski

También, se destaca por las originales piezas que llenan de personalidad el espacio. Para esto puedes comprar piezas de época en tiendas de segunda mano como un antiguo candelabro o un sillón con estampado animal.

El objetivo es reflejar opulen cia y personalidad, por lo que los colores en tonalidades de joyas como verde esmeralda, azul lapislázuli y rojo rubí son la mejor opción para agregar acentos de color al espacio sin dejar de lado la época dorada.

Los estampados son un pilar fundamental ya que muestran estilo y lujo. Por lo que puedes experimentar con estampa dos brillantes y atrevidos en los cojines, cortinas y hasta las alfombras convirtiendo tu hogar en un set de Hollywood.

Además, puedes incorporar muebles con espejos, paredes de espejos y hasta mosai cos de espejos. Para darle un toque opulen to al espacio y además te ayudará a jugar con la luz natural que entra en tu hogar.

La época del antiguo cine de Hollywood se destaca por el uso de una gran mezcla de corrientes culturales y artísticas y esto se refleja directamente en el estilo Hollywood Regency. Es por eso que puedes transformar tu espacio en algo ecléctico donde las decoraciones se mezclen, los estampados se complementen y los materiales se combinen.

Candelabros de cristal, cantinas de vidrio, sillones de piel y pisos de terciopelo, el lujo y la opulencia… Juega con los acentos y la decora ción de tu espacio basándote en los sets de tus películas favoritas de la época de oro. Lo más importante de este estilo es jugar con el lujo y dejar que la personalidad del espacio brille.

Las poblaciones, colonias, ciudades, ranchos pueblos, son huellas de la civilización humana, huellas colecti vas que forman parte de la identidad de las sociedades. Explican los orígenes y motivos que provocaron los poblamientos y las historias de sus habitantes. ¿Se han dado cuenta de que decimos ciudad para referirnos a la población que la habita?

En las calles, puentes, cauces, lomas, caminos, y en todas las construccio nes, como casas, edificios se van impregnando memorias, las memo rias de sus usuarios, habitantes, en espacios de uso público o en las casas que resguardan familias, al hábitat lo convertimos en la extensión de la piel de la tierra.

Los espacios públicos se nutren de recuerdos colectivos y de los deseos compartidos de olvidar intencional mente algunos momentos indeseables para la colectividad que los recorre.

Los recuerdos que se resguardan en las casas no dependen de la voluntad de sus moradores para conservarse, los recuerdos y los olvidos individua les son la estructura más sólida de las casas. En ese sentido pertenecemos en cierto modo a las casas que hemos habitado. Pertenecemos a la memoria de las casas que hemos habitado. Si, las ciudades y espacios públicos resguardan recuerdos colectivos, mientras que las casas comparten recuerdos íntimos.

Las obras que constituyen a las ciudades las recorren en varios sentidos, por ejemplo en el tiempo atraviesan las vidas de sus habitantes, el caso emblemático para la ciudad de León es el rio de los Gómez, caudal de recuerdos, cauce de vidas, hoy está convertido en una vialidad, en la memoria colectiva ha sido límite entre barrios, y narrador de su origen y su historia, un ejemplo de ello esta en la cartografía antigua de la ciudad y en las obras civiles que le han sido realizadas a lo largo de la historia, puentes, cauces, bordos, muros de cal y canto, y hasta gaviones, en tiempos recientes, decorado en temporadas por artistas urbanos, unas veces por encargo de la autoridad y otras de manera furtiva.

“Estoy dispuesta a creerte, pero no puedo recordarlo porque para ti yo no soy yo. Soy otra que alguien ha imaginado. Soy, quizá, la última imagen en la mente de un moribundo. Soy la materialización de algo que está a punto de desvanecerse; un recuerdo a punto de ser olvidado…” Salvador Elizondo.

Las edificaciones son consideradas patrimonio tangible, por ser sólidas, aunque su elemento más sólido es la memoria que resguardan, en ocasiones descuidamos ese detalle o lo ignoramos, el patrimonio puede tener un precio, un valor de cambio, sin embargo, su valor no suele estar relacionado con el precio, sino con el derecho a la memoria, a recordar y a poder ser recordados.

Las ciudades se renuevan, sus construcciones pueden ser sustituidas por nuevas, o reciclarse, o restaurarse, o reinventarse, su conjunto muestra la identidad que como sociedad proyectamos a través de nuestras ciudades, y en ocasiones olvidamos nuestra fragilidad, la de ser los recuerdos que estamos decidiendo desechar.

La idea de la construcción del santuario inició por la devoción al Sagrado Corazón de Jesús, devoción que se convirtió en la idea del monumento a Cristo Rey, por el voto que hacen los obispos en 1914, de entronizar el Sagrado Corazón de Jesús en un templo nacional para pedir por la paz y conservar la fe en nuestra nación.

se ubica el santuario votivo nacional de Cristo rey, perteneció a la hacienda de Chichimequillas, propiedad del abogado constituyente José Natividad González Castorena, el cual autorizó la construcción del primer monumento a Cristo Rey en los terrenos donde se asienta actualmente la ermita expiatoria; fue impulsor del proyec to y amigo del obispo don Emeterio Valverde y Téllez, fue peticionario de la autorización para la construcción del monumento. El predio donde se construyó el monumento actual, perteneció a doña Carmen Macias Torres, nieta de Natividad Macias, quien realizó la donación a mediados de los noventa del siglo XX, cuando las asociaciones religiosas estuvie ron en condiciones de poseer bienes.

Poco después de que el obispo Valverde y Téllez celebró una misa en el cerro, el sacerdote Eleuterio de María Santísima Ferrer promovió colocar una placa conmemorativa, lo cual fue aceptado y se acordó añadir una imagen del Sagrado Corazón de Jesús, el 12 de marzo de 1920 se coloca la primera piedra. En octubre, durante las celebraciones del 25 aniversario de la coronación de la Virgen de Guadalupe, se decide hacer más monumental y se inicia el 11 de febrero de 1923, para la colocación de la primera piedra se invitó al nuncio apostólico monseñor Ernesto E. Fillipi, por lo cual fue expulsado del país. Se detuvo la construcción del monumento por ordenes del gobierno del presidente Plutarco Elías Calles por considerarse como un desafío a su autoridad, el 30 de enero de 1928, el monumento fue dinamitado.

Arq. Guillermo Chávez Ochoa Especialista en reconstrucción de arte sacro, constructor, escultor y diseñador de Cruz de Cantera y el Carmen.

Terminado el conflicto cristero, el obispo de Guadalajara, José Garibi Rivera gestionó con el gobierno de Manuel Ávila Camacho la reconstrucción del monumento, así, el obispo Valverde y Téllez colocó la primera piedra el 11 de diciembre de 1944. El proyec to fue encargado a los arquitectos mexica nos Nicolas Mariscal Piña, quien fue el autor del proyecto arquitectónico y su yerno el arquitecto José Carlos Ituarte González, quienes lo construyeron. El templo actual está diseñado como pedestal para la hermosa estatua de Cristo Rey de 20 metros de altura y 80 toneladas de peso en bronce, su estructura metálica fue diseñada para resistir vientos de más de 200 kms./hora; siendo la escultura de Cristo más grande del mundo en este material, realizada por el escultor mexicano Fidias Elizondo. Fue elaborado en la fundición artística S.A. de la ciudad de México del sr. Pablo Portilla Lascuráin, siendo director de esta el sr. Joaquín Contreras Aldana, quien dirigió todo

el trabajo de fundición, el bronce se obtuvo de donaciones realizadas por personas de todo el país. Esto ocasiono que el trabajo se retardara varias veces por la falta del material, e hizo que se tardara varios años. Del 10 de diciembre de 1945 hasta el 17 de agosto de 1949 la primera parte en ser terminada fue la cabeza, la cual fue enviada en una gira misionera a todo el país. Valverde y Téllez, murió en 1948 cuando la construcción ya iba muy avanzada. Se inaugura el 1 de diciembre de 1950, bendecida por el obispo Don Manuel Martín Del Campo Padilla. El arquitecto Mariscal había construido antes en la Catedral de la ciudad de León, una capilla dedicada a la misma advocación, a un costado del presbiterio, y J.Carlos Ituarte G. construyó el Templo Expiatorio del Sagrado Corazón de Jesús, en la misma ciudad.

El ing. residente y responsable operativo de la construcción fue Carlos Olvera Pérez del santuario de Cristo Rey, el cual fue edificado al estilo del art déco. La disposición de la planta del santuario es de forma circular, la cual centra el ábside bajo la gran estatua, sobre una plataforma circular recubierta de mármol rodeada de tres escalones, sobre ésta se encuentra dispuesto el altar principal realizado en bronce en el cual están esculpidos los símbolos de los cuatro evangelistas, los tetramorfos; el toro de Lucas , el águila de Juan, el ángel de Mateo, el león de Marcos ubicados en cada esquina, sobre del altar se encuen tra la corona dorada y en un andador rodeando el presbiterio otra imponente corona de espinas fabricada en bronce, en su techo, la gran bóveda está conformada a base de anillos y nervaduras, forradas por mosaico bizantino en varias tonalidades principalmente en oro y en los vanos, cubiertos con placa de ónix translúcidos a manera de vitrales, que le dan al espacio una sensación de misticismo.

El santuario se encuentra ubicado en la cúspide del Cerro del Cubilete y el partido arquitectónico está dispuesto con el templo al fondo rodeado por portales, a manera de brazos, encerrando una pequeña plazoleta, creando un espacio magnifico para poder observar el monumento en toda su gloria, en donde acoge todo el año a múltiples peregrinos. La simbología representada por el conjunto escultó rico, dos ángeles reposan sobre un hemisferio que simboliza al universo, con sus meridianos y sus paralelos terrestres, esta semiesfera reposa sobre ocho columnas de concreto, las cuales representan a las ocho provincias eclesiásticas de México. Los ángeles arrodillados le ofrecen al monarca dos coronas: una la del martirio y la otra la de la gloria.

Las vistas que se ofrecen del bajío guanajuatense son espectaculares. Realmente es un verdadero atractivo turístico el que ofrece este hermoso lugar.

© Santa Claus Village

Si bien la densificación de las ciudades y la consiguiente construcción de apartamentos verticales trae consigo evitar la especulación del suelo y disminuir la extensión territorial aprovechando la infraestructura y equipa mientos existentes, plantea a su vez el distanciamiento social, pues vivir en un cuarto piso, aleja del ejercicio, la socializa ción, el contacto humano, la protesta, la reflexión y la crítica social, en pocas palabras vivir en departamentos es hacer política desde la comodidad de las redes sociales.

Para Baudelaire el contacto cercano de los humanos aunado a un navegar a la deriva con el pulso de la ciudad produce un gran placer, siendo el goce estético de fluir y perderse en la ciudad, el flâneur, el andante a la deriva va descubriendo sueños oníricos en lugares inesperados, donde la sorpresa de lo diferente, alcanzan la familiaridad, aspecto que ayuda a vivir en vecindad, en las ya desaparecidas vecindades, dónde el patio principal era el centro vital de sus existencias.

Vivir en torres, suspendido en el espacio, da esa sensación de poder, de dominio del horizonte, en un individualis mo que deja atrás la vida en comunidad, los habitas verticales si bien ayudan a densificar la ciudad, están de moda con Airbnb, dejando ganancia a corporaciones inmobiliarias que lucran con el turismo volátil de negocios y que a su vez van encareciendo los servicios de los barrios; las nuevas ilusiones departamentales para clase media alta reducidas a Lo s dormitorio juegan al complemento del gimnasio, alberca, áreas de relajación constituyendo una vida para el culto a la vanidad, alejada del contacto generacional. Y los departamentos empobrecidos para clases populares alejados de las manchas urbanas, sin servicios juegan al distanciamiento social. Los departamentos alejan la vida social de las personas de la tercera edad, su mundo se acaba y ellos dejan de ser el centro del Hogar, perdiéndose su mirada profunda y sus modos de sobrevivir a este mundo, dejando de estar en contacto con generaciones jóvenes que ausentes van a la deriva en tránsito y contingencia, azar existencial del sin sentido humano.

Ya Rem Koolhaas en el libro Delirios de Nueva York, construye la ciudad vertical, oculta los “desechos” de los barrios, en identidades superpues tas, deslocalizadas de usos de suelo mezclados sin un sentido racional, pese a la retícula ortogonal de damero que Nueva York tiene. Claro que bajo otra óptica desarrollar una ciudad de modo vertical ofrece una extensión territorial compacta, y conecta a una alta concentración de personas con todos los servicios, centro de trabajo y recreación. Hace que nuestros impuestos puedan tener máxima asertividad con la mayor eficiencia empleándose en infraestructura, servicios y equipamientos que alcance a cubrir a toda la población, para el desarrollo integral humano dentro de un paisaje humanizado, con el mínimo de recursos. Así los recursos se pueden enfocar en lograr una mayor calidad y calidez de vida integrando zonas verdes absorbentes sustentables y espacios comunitarios inteligentes, viviendas verticales a dobles o triples alturas para diseños multifacéticos en metros cúbicos conformando atmósferas arquitectónicas y vistas sorprendentes. Por lo que entre más edificios verticales de vivienda existan en la ciudad se logran comunidades sociales y ambientalmente sustentables, como articuladores del crecimiento con usos mixtos integrando los centros de trabajo, estudio, recreación y servicios, ofreciendo seguridad y protección para el disfrute de la vida. Los edificios verticales de usos mixtos configuran una concentración dentro del territorio, por lo tanto, una ciudad vertical humanizada invierte menos dinero y esfuerzos en otorgar servicios a sus ciudadanos y ellos invierten menor tiempo en llegar a sus centros de trabajo que pueden estar dentro del complejo vertical, generando un colectivo comunitario muy exclusi vo con arraigo e identidad, que de clase a personalidades que están deseosos de hacerse famosos en los ambientes que tú desarrolles.

Los módulos tridimensionales en departamentos de clase alta se piensan en donde existan dobles y triples alturas, departamentos de 6 a 9 m de altura darán una sensación de conquista, dicha elevación jerárquica y de poder, para conformar espacios flexibles de múltiples ambientes que pueden cambiar y adaptarse a cada comunidad en específico, con mezzanines intercalados, rompiendo con la idea de espacios comparti mentados, procurando tener amenidades en distintos niveles. Si lo vertical en arquitectura densifica, Nueva York con su estructura financiera o en Dubai la ciudad con mayor crecimiento en el mundo, representando el poder del petróleo. Los rascacielos simbolizan el poder financiero de los negocios, el panóptico de la era interactiva de la tecnología y la interacción energética del mundo de la conectividad y las redes; la Torre Reforma de Benjamín Romero nominada como uno de los mejores cinco, por el óscar de los rascacielos (International Highrise Award 2018), un prisma de concreto que se quiebra hacia adentro, abriéndose con una fachada de cristal con terrazas publicas aéreas. A su vez la Torre BBVA Bancomer de Rogers Stirk Harbour + Partners + Legorreta -2016, mezcla la alta tecnología de Rogers con la arquitectura emocional de Legorreta, logrando un estilo internacional muy mexicano. De tal modo que la verticalidad tiene sus contradicciones en el alejamiento de lo social y en el manejo del poder simbólico que trae los rascacielos, aspectos a repensar y resignificar en la búsqueda del balance del vivir en comunidad con calidad de vida y el mero negocio del capitalismo inmobiliario agresivo.

Salvador Zermeño Méndez, Director del Centro de Investigaciones de la UDL. Director del despacho especializado en restauración Restauro Arquitectos. chavazermeno@live.com.

Dr.

Con un estilo ecléctico y espacios al aire libre, el Distrito del Diseño se basa en la visión de un "ecosistema creativo", donde las empresas y los individuos pueden interactuar e intercambiar ideas de forma sinérgica.

El nuevo Centro Creativo construido en el corazón de la península de Greenwich, el Design District de Londres, ha abierto sus puertas al público y se ha propuesto convertirse en un destino destacado para la comunidad creativa de la ciudad.

El proyecto consta de 16 edificios diseñados por un colectivo de ocho estudios de arquitectura de renombre y cuyo paisajismo corre a cargo de Schulze+Grassov. Su objetivo es reunir a empresas emergentes e innovadoras, artistas y emprendedores de numerosos sectores, generando un nuevo y vibrante barrio.

Los ocho principales estudios encargados de dar forma al Design District fueron Barozzi Veiga, 6a Architects, Mole Architects, Architecture 00, Selgas Cano, HNNA, Adam Khan Architects y David Kohn Architects. Cada estudio diseñó de forma indepen diente dos edificios con distintas propuestas estéticas, creando un conjunto diverso de arquitecturas y espacios que reproduce la atmósfera de un barrio desarrollado de manera orgánica.

Inaugurado en septiembre del año pasado. Este proyecto contempla espacios de trabajo, estudios y talleres asequibles, así como instalaciones deportivas, un mercado de alimentos y espacios dedicados a actividades de ocio y cultura. Los primeros usuarios del nuevo centro proceden de una gran variedad de entornos, entre ellos se encuentran diseñadores, compañías de espectáculos, una empresa social para mujeres refugiadas, sellos musicales, y una organización sin ánimo de lucro LGBTQ+.

Además, ahí encontramos a una de las instituciones de formación profesional más influyentes del Reino Unido, la Universidad de Ravensbourne, que se ha instalado en uno de los edificios diseñados por Barozzi Veiga, y en cuya construc ción se albergará el departamento de posgrado.

Por: Staff Arkin

©Taran Wilkhu

©Taran Wilkhu

En este lugar hay un nuevo baño público que transporta a los cansados compra dores a un santuario palaciego que parece sacado de una película, repleto de vida vegetal, con siete zonas de descanso y restauración diseñadas por la empresa X+Living de Shanghai. El diseño de este proyecto rinde un homenaje a la cada vez más lejana primavera en el marco de la actual crisis medioambiental.

Las formas derivadas de un jardín primaveral se interpretan desde el momento de entrar en el pasillo frontal del lavabo, denominado Experience Hall. Las formas blancas y negras se asemejan a las alas de las mariposas, el techo está dorado con adornos en forma de abeja y las flores blancas brotan de una fuente en el centro de la sala. A ambos lados del pasillo, Xiang utilizó paredes de doble piel; el papel tapiz verde forma la primera piel, cubierta por una rejilla curva de oro champán como segunda. Ahí, las palmeras y las plantas tropicales sobresalen mientras que las lámparas inspiradas en las flores se alinean en las paredes como plantas trepadoras.

En el interior del baño, los visitantes encuen tran una sala de estar, compuesta por un conjunto de sofás de peluche diseñados a medida que parecen un racimo de flores que invitan a la gente a sentarse y descansar mientras esperan a sus amigos y familiares. A la izquierda hay un aseo accesible con puertas de inducción automáticas, lavabos ilumina dos y lavabos de mármol verde inspirados en las fuentes de los jardines, que forma parte de un ala que incluye una habitación para niños y una sala médica. Los urinarios del baño de hombres están hechos con elegancia y estilo.

En la sala de lactancia, se escondieron las luces en el techo para suavizar la iluminación creando una atmósfera relajante. También se empleó cuero y madera, redondeando todos los bordes y esquinas para seguridad de los usuarios. En la sala médica, las paredes con motivos de colcha añaden textura y dan un efecto acolchado.

La sala es también el punto de separación de los lavabos del área de hombres y mujeres. En ambos lavabos hay zonas para vestirse. En los vestuarios hay pequeños sofás y bases de recarga inalámbrica para mayor comodi dad durante los largos periodos de descanso.

La idea es atender las necesidades de los usuarios. El generoso uso de las plantas, venera das desde hace tiempo por sus poderes recons tituyentes, crean un entorno recuperador.

Diseñado por el estudio de arquitectura X+Living, con sede en Shanghai, se localiza en el sexto piso del lujoso centro comercial Deji Plaza del distrito de Xuanwu.

Por: Staff Arkin

Este es el sexto de los ocho estadios que son sede de la Copa del Mundo en Qatar. Su diseño recrea las gahfiyas, una gorra tradicio nal tejida que usan hombres y niños en Oriente Medio.

Qatar 2022, un evento esperado por los apasionados del fútbol soccer. Recordemos que el paisaje de Qatar es uno de los más atrevidos y sorprendentes a nivel estructural con imponentes y fastuosas edificaciones.

Así, el Estadio Al Thumama se une a la lista de estadios finalizados para la copa del mundo y debuta con la Final de la Copa Emir disputada entre el Al Sadd y el Al Rayyan, siendo el sexto de ocho edificaciones sedes del Mundial.

© Ibrahim M Jaidah

La construcción de este icónico edificio estuvo a cargo del arquitecto Ibrahim Mohamed Jaidah, director y arquitecto en jefe del Arab Engineering Bureau (AEB Qatar) con sede en Omán, firma líder multipremiada en diseño, establecida en 1966 como el primer estudio consultor de arquitectura e ingeniería en el estado.

Este reconocido arquitecto es una de las mentes árabes más prolíficas, pues ha sido acreedor a numerosas condecoraciones, entre ellas, el premio Ciudades Islámicas, los Premios de la Organización de la Ciudad Árabe y el Premio al Fomento del Estado.

El Estadio Al Thumama sobre sale de las otras sedes de la Copa del Mundo por una arquitectura escultural que recrea el diseño de las gahfiyas, la cual es una gorra tradicional tejida que usan hombres y niños en Oriente Medio. Por lo tanto, se trata de una pieza indumentaria tradicional de la región a nivel funcional e histórico, un símbolo de dignidad e independencia. Además, lleva el nombre de un árbol autócto no que crece en la zona. Tiene una capacidad de 40 mil espectadores.

Este proyecto comenzó el 20 de agosto de 2017 y, además de la dirección por parte de AEB Qatar, contó con la participación de TIME Qatar en la gerencia y colaboraciones de Al Jaber Engineering LLC y Tekfen Construction, mientras que la ingeniería estructural estuvo a cargo de Schlaich Bergermann Partners y Thornton Tomasetti. Ubicado en Al Thumama, a seis kilómetros del centro de Doha, este estadio fue condecorado con el Premio al Proyecto Futuro MIPIM de los MIPIM Awards en 2018 gracias a su originalidad.

De hecho, los planes para el Al Thumama son muchos más que alojar partidos de la Copa Mundial ya que posteriormente alojará una rama de la Clínica Deportiva Aspetar y un hotel boutique que reemplaza rán las gradas superiores. Se trata de proporcionar múltiples usos a esta joya arquitectónica para que permanezca siempre activa.

De igual manera, el exterior también será intervenido, pues el recinto que rodea al estadio será convertido en un centro comuni tario con múltiples instalaciones deportivas, entre ellas, balonma no, voleibol, baloncesto y natación, además de pistas para correr y andar en bicicleta que rodearan al inmueble.

Cuenta con tecnología de enfriamiento de última generación, que permitirá que el lugar aloje eventos durante todo el año. Su recinto incluye instalaciones deportivas, incluidas pistas de ciclismo y atletismo, y amplios espacios verdes, en beneficio de la comunidad local.

El proyecto también contempla la activación económica del lugar, pues pretende incluir centros comerciales minoristas, que ayuden a posicionar a la zona como un punto de encuentro clave para el comercio, el deporte y la interacción social. Asimismo, se convertirá en un punto focal para la comunidad y un recordatorio positivo constante de la primera Copa del Mundo en el Medio Oriente y el mundo árabe ¡Impresionante! ¿No te gustaría conocerlo?

© Ibrahim M Jaidah

El Museo de Arte e Historia de Guanajuato, presenta la exposición temporal Hacer mundos. Un acercamiento para leer la Colección FEMSA, en el marco del Festival Internacional Cervantino en su edición 50.

Bajo la curaduría de José Alberto Díaz Suárez, la muestra tiene como idea central abordar los distintos tipos de imaginación propuestos por la escritora estadounidense Ursula K. LeGuin (1929-2018) en el texto Hacer mundos, a la vez que busca destacar la importancia del acto de imaginar como antesala al cambio o como deseo de cambiar el statu quo.

En el citado ensayo, la autora reflexiona acerca de la imaginación fantástica y su capacidad de crear mundos desde cero; de la imaginación política y cómo toma elementos de nuestro mundo y los modifica para crear utopías y distopías; así como de las creencias o lo que imaginamos para poder vivir en este mundo bajo el concepto de imaginación religiosa.

La exhibición integra alrededor de 110 obras de arte moderno y contemporáneo, dispuestas en un prólogo y cuatro capítulos, en un ejercicio literario:

1- Prólogo (Umbrales)

2- ¿Dónde se traza la línea entre imaginar y soñar?

3- Hacer un mundo nuevo

4- Hacer nuevo al mundo, y

5- Hacer este mundo.

Se presentan obras que opor sí mismas gozan de un imaginario inigualable, pero que en conjunto alcanzan una lectura que posibilita a las personas visitantes que se conviefrtan en lectoras y lectores de este libro colectivo que incluye a destacadas y destacados artistas de trayectoria internacional: Miquel Vilá, María Girona, Claudio Bravo, Nahúm B. Zenil, Mario Cravo Neto, Naomi Siegmann, Wifredo Lam, Gabriel Figueroa, Juan Soriano, Aristeo Jiménez, Raquel Forner,

Rodolfo Morales, Leonora Carrington, Luis Benedit (y su hijo Tomás), Agustín Lazo, Alfredo Castañeda, Liliana Porter, Joy Laville, Julio Galán, Ángela Gurría, Kati Horna, Antonio Ruiz «El Corzo», María Izquierdo, Fernand Pierre, Circe Irasema, Leonor Fini, Francisco Toledo, Fernando de Szyszlo, Pedro Friedeberg, Felipe Mujica, Rafael Gomezbarros, Carlos Amorales, Rubén Gutiérrez, Nemesio Antúnez, Hugo Leonello Núñez, Carla Rippey, Antonio Días, Sergio Camporea le, Graciela Pecanins de Rivero, Magdalena Fernández, Estrella Carmona, Pedro Figari, Juan O'Gorman, Roberto Matta, Carlos Cruz-Diez, Kazuya Sakai, Fernanda Brunet, Pedro Reyes, Betsabeé Romero, Dario Escobar, Tomás Sarraceno, Alfredo Jaar, Santiago Cárdenas, Claudia Fernández, José Gurvich, Francis Alÿs, Iñaki Bonillas, Meyer Vaisman, José Clemente Orozco, Aristeo Jiménez, Flor Garduño, César Paternosto, Ricardo Rocha, Joaquín Torres-Gar cía, Olga de Amaral, Gabriel de la Mora, Nuria Menchaca, César López, Cinthya Soto, Gabriel Orozco, Donna Conlon, Cildo Meireles.

Existe una estrecha colaboración entre el equipo de Arte y Cultura de Fundación FEMSA y el Museo de Arte e Historia de Guanajuato. Esta alianza ha hecho posible la presentación de piezas de la Colección FEMSA en la ciudad de León, lo largo de los últimos diez años.

Desde 1977, la Colección FEMSA busca preservar, documentar, consolidar, promover y difundir el arte moderno y contemporáneo latinoamericano, como parte del compromiso de la empresa por el desarrollo integral de sus personas trabajadoras, familias y las comunidades en donde se desarrollan. Actualmente es reconocida como una de las colecciones corporativas más importantes a nivel internacional. Su acervo, conformado por más de 1200 obras, ofrece un recorrido que ilustra la evolución, pluralidad y riqueza de la producción artística en América Latina durante los siglos XX y XXI. Mediante un activo programa de exposiciones, préstamos individuales de obras, publicaciones y diversas actividades académicas y educativas, FEMSA comparte su Colección con las más diversas comunidades de México y el extranjero, cumpliendo su objetivo de promover la difusión de la cultura y el fomento a la apreciación artística. La Colección FEMSA forma parte de la Fundación FEMSA, la cual genera impactos positivos en personas y comunidades mediante proyectos de inversión social para la sostenibilidad.

No te pierdas esta exposición en la Sala Luis García Guerrero del Museo de Arte e Historia de Guanajuato, en la ciudad de León. Permanencia: hasta el 29 de enero de 2023.

Horarios del Museo

Martes a viernes: 10:00 a 17:00 h. Sábados, domingos y días festivos: 11:00 a 18:00 h.

Admisión del Museo

Sala de Cultura Regional, Sala de Esculturas, Jardín de las Esculturas y exposiciones extramuros sin costo.

Sala Luis García Guerrero y Sala Feliciano Peña: $25.00

Precio preferente: $15 a estudiantes y maestros, con credencial vigente de cualquier institución educativa, adultos mayores con credencial del INAPAM. Personas con credencial MI IMPULSO GTO.

Acceso sin costo a maestros y estudiantes en grupo; personas con discapacidad que porten credencial del DIF, INGUDIS o institución gubernamental del sector salud.

Domingos y días feriados sin costo.

Fecha de publicación: 01/01/21

Este libro nos muestra una serie de planteamientos relativos a la arquitectura y vida cotidiana en México desde diversas perspectivas. Articula tanto el espacio público como al privado desde sus cualidades sociales hasta íntimas, generando así una secuencia muy dinámica donde el hilo conductor gira en torno a la habitabilidad, memoria, adaptabilidad y resiliencia, como resultado de procesos de orden temporal, espacial, funcional, estético y tecnológicos que inciden en la construcción de hábitos, costumbres y valores que van definiendo apropiaciones y estilos de vida.

Las aportaciones que se muestran en esta obra, nos introducen a reflexiones sobre la habitabilidad y el papel de la arquitectura como constructora social y difusora cultural; viendo su espectro de aplicación en temáticas de corte histórico relacionadas con la vida lacustre en la Cuenca de México en la época novohispana; habitabilidad del espacio público y privado en un centro de minas: Zacatecas en el siglo XVIII; en la modernización de la vida cotidiana; la cocina, como causa y efecto de la modernidad durante la primera mitad del siglo XX en la arquitectura habitacional; diálogos de habitabilidad del espacio doméstico y arquitec tura habitacional histórica y su preservación ante nuevas propuestas habitacionales. Y, en un plano más contemporá neo, lo referente a la didáctica de otras arquitecturas: Frida Kahlo y la construcción del espacio interior arquitectónico no normativo; el espacio cotidiano del habitar a partir de Especies de espacios de Georges Perec; hedonismo y estoicidad de la arquitectura cotidiana en México; la domesticación de la metrópoli y habitabilidad y vida cotidiana en el espacio público ante desastres.

Autores: Elisa Marcela García Casillas, y Alejandro Jiménez Vaca. Ediciones Navarra

Esta casa en Oaxaca demuestra el poder del adobe en la construcción. Es una obra de Espacio 18 Arquitectura y es mucho más que una residencia.

La propietaria, una artista plástica mexicana necesitaba reconvertir su casa de 70 m2 ubicada en el barrio San Felipe del Agua, Oaxaca, en un espacio que funcionara como taller de cerámi ca, dormitorio y área de ocio. También quería mantener los muros de adobe que ya estaban hechos, así como un inmenso árbol flamboyán.

Fue entonces que Espacio 18 Arquitectura creó Casa Plúmula. Añadió ciertos elementos extras, como una estructura ligera de acero; incorporó acero, madera de pino y ladrillo rojo; instaló un calentador solar, sistema de captación de aguas pluviales a través de filtros, e iluminación led para lograr un proyecto sustentable. La casa se integra a su entorno y mantiene la esencia del adobe. El árbol flamboyán que ya vivía en el terreno se mantuvo para crear las vistas de la casa.

El proyecto al igual, aportó monocromía funcional pues la cocina está integrada con la madera y el adobe. Además de aportar maravillosas vistas con mamparas plegables que difuminan el límite entre el interior y el exterior.

Así, lo rústico se encuentra con la mística de materiales muy auténti cos generando rincones privados y cálidos, y convirtiéndose a su vez, en un recinto rústico moderno. Por lo tanto, los espacios de Casa Plúmula son versátiles y acogedores.

Se aprovechó el espacio hacia arriba para completar el programa requerido. Sin embargo, el concepto siempre fue hacer de ella un espacio de contemplación y un lugar ideal para el crecimiento personal.

Staff Arkin

© Camila Cossi

© Camila Cossi

Uno de los arquitectos más sobresalien tes del siglo XX, por el carácter de sus obras Agustín Hernández Navarro, trascendió de este mundo terrenal, el 10 de noviembre del 2022, dejando un legado en la Arquitectura modernista simbólica mexicana, (1924-2022). Estudió arquitectura en la UNAM, universidad en la que se desempeñaría como profesor desde 1957. También fue jefe de Taller Vertical Agustín Hernández, en la Univer sidad Anáhuac del Norte desde 1994.

Desde 1964, Hernández Navarro fue miembro de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos (SAM) y del Colegio de Arquitectos de México, así como miembro académi co de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos desde 1977.

Entre otros nombramientos que ostentó se encuentra el de vicepresidente de la Academia Mexicana de Arquitectura de 1979 a 1980; Académico Emérito número I de la Academia de Arquitectura de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos desde 1983; Miembro de Número de la Academia de Artes de México en 1991; miembro asociado del American Institute of Architects en Estados Unidos, en 1993, y Creador Emérito del Sistema Nacional de Creadores desde 1994.

Por el carácter de sus obras e inconfundibles proyectos que cambiaron el espacio y el paisaje arquitectónico de manera excepcional y diferente, ha sido encasillado por algunos autores en la arquitectura emocional, pero su obra se centra más en la valoración de elementos de la cultura local en una práctica absolutamente moderna, con una interpretación de las proporciones y formas de la arquitectura prehispánica, encontrando su propio estilo y una forma de expresión personal, influenciado por el brutalismo y haciendo el uso del simbolismo.

Taller de Arquitectura - Hernández Navarro

Por: Mtra. Adriana Delarue Uscanga.

Sus diseños le valieron premios como el primer premio en la II Bienal de México, el “PCI” (Estados Unidos), al mejor diseño de precolados (Conjunto Calakmul), en 1997. El primer premio del Urban Land Institute, en Estados Unidos y el primer lugar del Premio Nacional de Arquitectura, en 1998.

Creador de obras icónicas, como el Museo de antropología e historia, la Casa de Amalia Hernández (1971) que proyectó para su hermana bailarina y fundadora del Ballet Folklórico de México; el Heroico Colegio Militar (1976) que se inspira en las zonas arqueológicas de Monte Albán y Teotihuacán, La casa en el aire (1991), Conjunto Calakmul (1997).

Una de sus obras más reconocidas son el edificio para su Taller de Arquitectu ra, ubicado en una barranca de una zona boscosa de 40 mts de altura, en el que juega como acostumbra con la geometría y desafía la gravedad con la relación de los elementos de tensión y compresión en un imponente edificio de concreto, en donde, la relación del volumen que se apoya en el terreno y el invertido que se eleva hacia el cielo.

El prisma normal se sienta en el terreno y trabaja a la tensión, mientras que el prisma invertido que se eleva hacia el cielo, trabaja a la compresión.

Logró a través de elementos como la utilización estratégica de la luz natural llevada al dramatismo del claroscuro, acentuando los volúmenes; generan do un lenguaje único en términos de expresión arquitectónica, provocan do la monumentalidad en los espacios proyectados y la combina ción de los materiales utilizados, reinterpretando las formas del pasado.

“Mi camino siempre ha sido el de buscar la originalidad, lo desconocido y de provocar sorpresa. Eso es creativi dad. No podría repetirme porque no creo en los estilos. El estilo existía y era justificado cuando había un sólo sistema constructivo, un sólo material, pero ahora tenemos una gran cantidad de sistemas y de materiales para crear”.

Agustín Hernández Navarro. “Descanse en paz”.

Un oasis palaciego creado por más de 1,500 artesanos, como una oda a la arquitectura tradicional marroquí.

Este spa se encuentra dentro del Hotel Royal Mansour Marrakech, un retiro tranquilo muy cercano a la medina, con 1.6 hectáreas de exube rantes jardines privados ubicados entre senderos. Así el huésped puede disfrutar de un acceso rápido a los íconos culturales de la ciudad, desde los jardines Majorelle hasta la Plaza Jemaa el-Fna.

En el Royal Mansour, las habitaciones y suites del hotel han sido reempla zadas por riads de superlujo, diseminados alrededor de una medina rodeada de callejones floridos y puertas enigmáticas. Cada riad está decorado de manera única, y su distribución varía de los 140 m2 a los 1,800 m2.

Este espacio cuenta con el Spa Royal Mansour de 2,500 m2, localizado dentro de la propiedad, tiene 13 salas de tratamiento con tres suites privadas, dos hammam y una piscina watsu. La entrada al spa, con su

celosía blanca de hierro forjado, rinde homenaje a la arquitectura Mashrabiya. Se pueden apreciar líneas entrecru zadas que originan formas estrelladas y poligonales, un juego geométrico que ha traspasado la funcionalidad para convertirse en el lenguaje de la arquitectura musulmana.

¡Este SPA es de gran belleza! Fue concebido como un santua rio totalmente dedicado a los sentidos. Lo más destacado del Royal Mansour Spa es el Hamman, la joya de la corona de la tradición del bienestar marroquí, una herencia milenaria que celebra el arte del baño, el cuidado personal y la purificación.

Aquí los huéspedes pueden sumergirse en un conjunto de tres habitaciones de mármol crema con diferentes temperaturas que brindan un viaje marroquí único destinado a liberar toxinas, estrés y ansiedad. Los tratamientos de hamman se adaptan a las necesidades específicas de cuidado de la piel de cada huésped, utilizando ingredientes naturales de Marruecos.

Además, el espacio ofrece una variedad de actividades guiadas por expertos, que incluyen sesiones de entrena miento personal, aquafitness, meditación guiada, boxeo, yoga y pilates.

El Hotel Royal Mansour Marrakech fue inaugurado en 2010, y es la propiedad exclusiva del Rey de Marruecos, se compone de 53 riads de lujo individuales en tres pisos, cada uno con su propia terraza privada y piscina en la azotea. ¡Sin duda es todo un deleite sensorial!

Por: Staff Arkin,

Cuando consideramos el bajo porcentaje de los materiales de construc ción que son recuperados teniendo en cuenta los materiales que tras concluir su ciclo de vida son enviados a vertederos o bien la cantidad de materia prima que debe ser extraída para la producción de nuevos materiales, podemos darnos cuenta que nos enfrentamos a una gran problemática: el sector de la arquitectura, la industria de los materiales y la construcción están contribuyendo enormemente a la generación de residuos y extracción masiva de recursos naturales no renovables.

Así, cuando hablamos de la construcción de un nuevo edificio, nos referimos al proceso que inicia con la extracción de las materias primas involucradas para la producción de todos los materiales necesarios en la realización del proyecto, y luego la puesta en obra hasta los últimos acabados. De este modo, el uso de energía durante el proceso de construcción podría ser tanta como la requerida para los siguientes 10 o 20 años de operación del edificio.

En un esfuerzo por revertir ese proceso de construcción y diseño desde “cero”, el concepto del reciclaje o “upcycling” ha ido ganando importancia en los últimos años. Diseñadores, arquitectos, artistas e investigadores han puesto sobre la mesa esta problemática; han reflexionado sobre qué pueden hacer para diseñar a partir de las “preexistencias” y cómo es posible reincorporarlas en sus proyectos.

Esto implica iniciar el proceso de diseño y construcción y preguntar nos: ¿qué podemos hacer a partir de los materiales existentes? y, ¿qué posibilidades existen de recuperar los que por otros fueron considerados como desechos?

Desde luego se deben buscar todas las alternativas posibles para recuperar lo que es tratado como desecho. Y pensar cómo retransformar, reconfigurar o combinar con otros materiales reciclados para ser reincorporados a un nuevo “ciclo de vida”, incluso con un uso distinto al que originalmente fue destinado.

Aunque en la actualidad diseñar, construir y desarro llar nuevos materiales a partir de los desechos es una posibilidad, no deja de representar todo un reto. Principalmente para aquellos que continúan contem plando como única alternativa los materiales tradicio nales, puesto que implica invertir el proceso de concepción; son los materiales existentes lo que define el diseño, y no el diseño quien define los materiales.

Recordemos que también nos toca contribuir a reducir el impacto ambiental de nuestro quehacer diario, y no pensar que ese tema es tarea de ambientalistas o de personas dedicadas a salvar la ecología. Estamos cerca de llegar al momento en que no será posible seguir con la producción de los materiales que hasta ahora nos resulta tan sencillo y asequible conseguir, y para entonces, llevaremos ya mucho tiempo de retraso en pensar cómo podemos solucionar nuestras deman das. Ojalá se cuente con la consciencia e iniciativa para incentivar nuestra creatividad más allá de la línea que empieza en el diseño y la producción desde cero.