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A GALERIA GENERAL GÜEMES: UN RINCON OCULTO DEL MUNDANAL RUIDO

La caótica y hermosa Buenos Aires esconde una galería con un mirador que vio pasar entre sus departamentos y salones a Antoine de Saint-Exupéry, Carlos Gardel, Pepe Biondi, Juan Lamela creando las imágenes del “Martín Fierro”, Julio Cortázar, quien no sólo compró allí sus primeros pantalones largos, sino que la describe e inmortaliza en su cuento “El otro cielo”, se filmó “La Aventura del Pasaje Güemes” (película muda), “Gatica” de Leonardo Favio y “Evita” de Alan Parker, se instaló la histórica Radio Libertad y dicen que Bernardo de Irigoyen era habitué de su famoso café… Para aquél agitado y distraído transeúnte de la peatonal Florida de la capital Argentina, la Galería Güemes puede significar una más de las tantas que hay en el microcentro porteño, sin embargo, el que disponga de un momento para el asombro, descubrirá un tesoro histórico y arquitectónico, un refugio para los amantes buscadores de las bellezas y curiosas historias.

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a Galería General Güemes se inauguró el 15 de diciembre de 1915, y con sus 87 metros de altura se convirtió en el edificio más alto de la Argentina, hasta que años después llegó el Palacio Barolo para custodiarla desde arriba. En su piso 14 tenía una confitería de 600 m2 con vista a casi toda la ciudad, un balcón donde tocaba la orquesta y 4 pisos más arriba los visitantes descubrían la punta del mirador, que posibilitaba observar en 360° “la vieja y fea ciudad de Garay, chata, rectilínea, de casas sin gusto y como hechas para demolerlas a la brevedad posible…”, como describía la Revista Técnica y Arquitectura del año 1916, en un artículo dedicado al esplendor, la riqueza y la opulencia de la galería. En el Mirador de la galería funcionaba un binocular de gran tamaño, en el que se depositaban 25 centavos y se podía ver hasta la costa uruguaya. Los curiosos esperaban su turno para subir y desde allí contemplaban el crecimiento de la capital. Durante mucho tiempo fue el punto más alto del país hecho por el hombre y el faro encendido en su cúpula servía de referencia a las embarcaciones del Río de la Plata. La Galería Güemes posee 6 pisos de oficinas, 6 de departamentos, ascensores, incluso más rápidos que los actuales, sistemas contra incendios, bombas de agua, refrigeración, calefacción y ventilación forzada, y un sistema de tubos neumáticos servía de correo interno del edificio, hoy ya en desuso. “Cuando la construyeron era una modernidad y una ciudad en sí misma”, relata su Gerente General actual Humberto Magistrelli. “En ese Petit Hotel, vivió entre el año 29 y el 30 Antoine de Saint-Exupéry, que se alojaba en un departamento del piso 6°, ya que en la esquina estaba el edificio de la aeropostal de los franceses y él trabajaba para ellos. Acá escribió su novela “Vuelo Nocturno”, y cuenta el imaginario popular que se trajo una foca del sur y la puso de mascota en la bañadera”, narra Magistrelli. 04

Vista de la galería desde los balcones del primer piso

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Asimismo, el 27 de febrero de 1917 el “Zorzal Criollo”, Carlos Gardel, cantaba en el teatro que funcionaba como “burlesque” y se cruzaba allí con Moira Star, una de las vedettes más populares del lugar, que salía a pasear por la galería con la excusa de comprar cigarrillos, con un atuendo más que sugerente, alborotando al público masculino y provocando así la venta de más localidades. También Pepe Biondi actuó como payaso en el escenario del teatro, que hoy engalanan los espectáculos organizados por Piazzolla Tango. Entre los locales más tradicionales se encuentra Bonafide, que en 1917 abrió un espacio destinado a la venta de café e instaló la primera máquina tostadora, hecho inédito para la época, y cuentan que allí degustaba el café cotidianamente Bernardo de Irigoyen, político de trascendencia en la escena nacional. Esta galería mezclaba, y continúa haciéndolo, el aroma del exquisito café con los habanos y los perfumes, como bien lo describió Julio Cortázar en sus cuentos. A la tradicional perfumería Ruiz y Roca, que ocupa un lugar desde 1950, se sumó la Cigarrería Ko' E' Yu que ofrecía y ofrece los mejores cigarros y habanos de la ciudad. En 1964, el pintor Juan Lamela, quien tenía su estudio en una de las oficinas del piso 14, creó las imágenes más tradicionales del “Martín Fierro”. “Pensando en hechos memorables más actuales, no podemos olvidar que en 1993 Leonardo Favio filmó aquí “Gatica, el mono”, y en 1996 Madonna y Antonio Banderas, tenían aquí sus camerinos para la película Evita, filmándose algunas escenas en nuestra galería”, comenta su encargada Celia Osler. “Por otra parte, la Galería Güemes es uno de los ejemplos más representativos del Art Nouveau de Buenos Aires, el arquitecto italiano Francisco Gianotti comenzó su trabajo en 1913 por encargo de los salteños Emilio San Miguel y David Ovejero, dueños de una gran fortuna y propietarios de la casona de 06

1830 que había en el terreno. La construcción debió afrontar varios problemas y sus propietarios quedaron en bancarrota, por el costo de la obra que subió de 10 a 15 millones de pesos fuertes, fatalidad agravada por el hundimiento del barco que traía los mármoles italianos para la fachada sobre Florida, ocasionado por un submarino alemán que lo torpedeó durante la Primera Guerra Mundial”, explica el gerente.

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El nombre de la Galería rinde homenaje al máximo héroe de la provincia de Salta, General Martín Miguel de Güemes. El 15 de diciembre de 1915, la inauguración fue organizada por el Círculo de la Prensa y a ella asistieron el Presidente de la Nación, Victorino de la Plaza y descendientes del prócer salteño.

Julio Cortázar en El otro cielo, (Todos los fuegos el fuego, 1966)

En la actualidad de la mano de Humberto Magistrelli y de Celia Osler, la Galería está recuperando progresivamente su antiguo esplendor. “Estamos dándole visibilidad, volviendo a descubrirla. Desde febrero del 2008 hay luz natural, y la gente mira un poquito más. Por la calle San Martín está la fachada original y estamos esperando que Patrimonio Histórico nos de el OK para el inicio de la obra de restauración”, relata Magistrelli. En el año 2008 recibieron el Premio Nacional a la mejor intervención en obras que involucren el Patrimonio Edificado – Restauración y puesta en valor de obras de más de 1000 metros cuadrados, otorgado por la Sociedad Central de Arquitectos. Además, arreglaron todo el mirador y hoy forman parte del circuito “Miradores de Buenos Aires”. “Pueden venir a visitarnos a través del paseo miradores de la dirección de Patrimonio Histórico que depende del Ministerio de Cultura de la ciudad. Se los recomiendo, podrán ver desde Quilmes a San Isidro, la costa uruguaya y todas las cúpulas previas y posteriores a la galería. Hay un auditorio para 50 personas y en el verano de noche se ve el Barolo iluminado, lo que la convierte en una noche inigualable”, concluye el gerente Humberto Magistrelli.

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“…el Pasaje Güemes, territorio ambiguo donde ya hace tanto tiempo fui a quitarme la infancia como un traje usado. Hacia el año veintiocho, el Pasaje Güemes era la caverna del tesoro en que deliciosamente se mezclaban la entrevisión del pecado y las pastillas de menta, donde se voceaban las ediciones vespertinas con crímenes a toda página y ardían las luces de la sala del subsuelo donde pasaban inalcanzables películas realistas… …Recuerdo sobre todo olores y sonidos, algo como una expectativa y una ansiedad, el kiosco donde se podían comprar revistas con mujeres desnudas y anuncios de falsas manicuras, y ya entonces era sensible a ese falso cielo de estucos y claraboyas sucias, a esa noche artificial que ignoraba la estupidez del día y del sol ahí afuera. Me asomaba con falsa indiferencia a las puertas del pasaje donde empezaba el último misterio, los vagos ascensores que llevarían a los consultorios de enfermedades venéreas y también a los presuntos paraísos en lo más alto, con mujeres de la vida y amorales, como les llamaban en los diarios, con bebidas preferentemente verdes en copas biseladas, con batas de seda y kimonos violeta, y los departamentos tendrían el mismo perfume que salía de las tiendas que yo creía elegantes y que chisporroteaban sobre la penumbra del pasaje un bazar inalcanzable de frascos y cajas de cristal y cisnes rosa y polvos rachel y cepillos con mangos transparentes. Todavía hoy me cuesta cruzar el Pasaje Güemes sin enternecerme irónicamente con el recuerdo de la adolescencia al borde de la caída… “

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Fotos: 01. Detalle de la entrada de los ascensores 02. Antiguo teatro que funcionaba como “burlesque” hoy Piazzolla Tango 03. Cúpulas

Guemes general gallery Situated in the Florida st., heart of the Bs. As. micro-center, this gallery has historic and architectonic qualities of high value. It was opened in 1915, at the moment, the higher building of the country, with 87m. till the inauguration of the Barolo palace. It walls were witness of the presence of Antoine de Saint Exupery (who writes there his novel night fly ), Carlos Gardel, Pepe Biondi, Juan Lamela (who creates there the images of Martin Fierro ) and Julio Cortazar (who writes about the gallery in his book the other sky ). Besides, in the gallery were filmed movies like the adventure of Guemes st. , Gatica, the monkey of Leonardo Favio and Evita of Alan Parker. This building had have coffee-bars, theatre, perfume-store, cigarette-store, offices and some studies, a belvedere where you can see the Uruguay shore and even a petit hotel. As an icon of the art nouveau in Bs. As., today this building has 6 floors with offices and 6 of departments. We re giving it a better view, coming back to discover it says Humberto Magistrelli, it general manager. 07


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N RIOPLATENSE QUE CON SUS CONSTRUCCIONES DESLUMBRA A LA ARGENTINA Un sábado por la mañana, el arquitecto Carlos Ott, uruguayo que se considera sudamericano y sobre todo rioplatense, conversó con Argentina Class. El Estadio Arena San Isidro, el Hotel Boca Juniors, la extensión del MALBA, los aeropuertos internacionales de Ushuaia y del Calafate, hoteles en el sur, el magnífico edificio porteño Libertad Plaza, condominios en Nordelta y otras obras llevan su firma y su impronta, por ello conocerlo y saber qué piensa es casi un deber para intentar descubrir y comprender la arquitectura argentina y mundial.

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l Estadio Arena San Isidro será un edificio polivalente que, por su óptimo rendimiento acústico, permitirá realizar diferentes tipos de shows: música, desfiles de moda, obras de teatro, eventos deportivos como tenis, básquet, etc. Estará emplazado en los jardines del Jockey Club de la zona norte de Buenos Aires, con capacidad para 15 mil espectadores y una superficie construída de 50 mil metros cuadrados. Poseerá la arena, o sea el estadio propiamente dicho, un salón para dos mil personas capaz de trabajar independientemente de la arena, locales comerciales, estacionamientos, áreas públicas y un puente peatonal. Muchos consideran al Arena como una “nave metálica para el entretenimiento”, a propósito de esta apreciación Ott explica: “No puedo decir que un proyecto empieza con una imagen, en realidad el desarrollo y el análisis de las necesidades va engendrando la forma, por supuesto que el arquitecto pone un toque personal. En este caso los requerimientos internos de la sala fueron definiendo desde el interior la volumetría que hay que construir. La idea era bastante clara: construir en un lugar excepcional, como es una arena en un parque, donde gran parte de los espacios públicos exteriores a la sala fueran vidriados para permitir la vista hacia el entorno y también para que desde afuera no fuera una caja negra, o sea que se vea la actividad en lo foyeres y los espacios aledaños. Debo destacar que el Arena está 08

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Fotos: 01. Vista aérea Estadio Arena San Isidro. (Render) 02. Interior Estadio Arena San Isidro. (Render) 03. Interior Estadio Arena San Isidro. (Render)

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en un terreno que requiere un trabajo casi quirúrgico, porque hay que construir minimizando el impacto a los árboles que existen, pensamos que algunas especies van a ser transplantadas dentro del mismo sitio”, describe Carlos Ott. Por otra parte Carlos Ott realizará en Buenos Aires la extensión del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires -MALBA-, “con Eduardo Costantini hemos estado trabajando en el proyecto de la extensión del museo, que requiere más salas de exposiciones, salas de atención al público, espacios para curaduría, que serán construidos en el subsuelo”, narra el arquitecto. Además, El Club Boca Juniors dispondrá del primer hotel cinco estrellas referido a un club de fútbol, “en el caso del hotel de Boca estamos ya poniendo los cristales en la fachada sobre la calle Tacuarí de Buenos Aires, y este proyecto se ha ganado primero a los fanáticos de Boca Juniors, pero espero que también a los porteños y a los argentinos”, cuenta Ott.

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Pero la vinculación de Ott con la Argentina es estrecha desde hace muchos años. Podemos observar su genio y figura en los aeropuertos internacionales de las ciudades de Ushuaia y El Calafate, condominios en la zona Nordelta, el edificio Libertad Plaza, entre otros. “Como uruguayo la argentina es nuestro hermano grande, los vemos con mucho afecto y a veces con un poquito de envidia positiva, en el buen sentido, queremos ser un poco como los argentinos. Tengo la gran fortuna de haber visitado gran parte de vuestro país y creo que Argentina es un país vanguardista en arquitectura, en ciencias, en pintura, en música, soy un melómano y me gusta mucho la ópera Bomarzo que lamentablemente no se da mucho (ópera en dos actos de Alberto Ginastera, basada en la novela de Manuel Mujica Láinez)”, reflexiona el maestro Carlos Ott.

“Con respecto a la arquitectura específicamente debo decirles que cuando se hizo el Colón en el Centenario de la Argentina, se estaba construyendo una de las salas más grandes del mundo, después hicieron el Cavanagh a la vanguardia de la arquitectura de los años 30, en los años 60 el estudio Sembra construía el Banco de Londres y América del Sur, las obras de Mario Roberto Álvarez (autor del Teatro San Martín) o la Biblioteca Nacional de Buenos Aires de Clorindo Testa, son arquitecturas emblemáticas en la vanguardia de la arquitectura internacional, así que los argentinos saben muy bien y aceptan muy bien”, explica Ott. Carlos Ott graduado en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Uruguay, es autor de numerosos y destacados proyectos arquitectónicos en varios países del mundo. Se hizo famoso en la construcción de la Ópera de la Bastilla, inaugurada el 14 de julio de 1989, fecha del bicentenario de la Revolución Francesa, es autor también del Nacional Bank de Dubai, el Aeropuerto Carlos Curvelo de Punta del Este, torres residenciales, hoteles y centros comerciales en Canadá, China, Francia, Alemania, India, Malasia, Panamá, Puerto Rico, República Dominicana, Singapur, Sri Lanka, Estados Unidos, Uruguay y los Emiratos Árabes Unidos. Es dueño de una compañía que cuenta con varias oficinas en el mundo: Quebec, Toronto, Shanghai, Dubai y Montevideo.

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Fotos: 04. Hotel Boca Design Suites. C.A.B.A., Bs. As, Argentina 05. Plaza Libertad Office Building. C.A.B.A., Bs. As, Argentina 06. Yoo Nordelta. Provincia de Buenos Aires, Argentina 07. Artech Condominium. Aventura, Florida, EE. UU. 08. Playa Vik. San Ignacio, Maldonado, Uruguay 09. Arq. Carlos Ott 10. Diamond Tower. Colombo, Sri Lanka 11. San Isidro Arena. San Isidro. Prov. de Bs. As., Argentina 12. Ampliación del museo Malba. C.A.B.A., Bs. As, Argentina

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“Ser latinoamericano sin dudas influencia en mis obras... ... pero ser latinoamericano y venir del Río de Plata creo que nos da mucho coraje”.

Being Latin American, without doubts, have influence in my plays.. . .but being Latin American and come from Rio de la Plata i think that gave us a lot of courage.

Este hombre, encantador, simpático, modesto le cuenta a Argentina Class: “Soy uruguayo, hijo de un arquitecto, estudié en Uruguay, me recibí y tuve la gran suerte, que el gobierno de Estados Unidos me concediera una beca, que me permitió elegir la universidad que yo quise donde hice dos maestrías. Después de estos estudios me quedé trabajando en Estados Unidos, luego en Canadá y en otros lugares. Y ser latinoamericano sin dudas influencia en mis obras.Yo me considero sudamericano rioplatense porque hay mucha similitud entre el porteño y el montevideano, o el uruguayo y el argentino, y venir del Río de Plata creo que nos da mucho coraje, porque con todas las desventajas que podemos tener, tenemos muchas ventajas, una cultura general muy grande, estamos inmersos sobre lo que pasa en todos lados del mundo, y no nos damos cuenta pero eso nos da una ventaja sustancial”, agrega. La influencia de su padre arquitecto, quedó marcada a fuego en Carlos Ott: “Mi padre decía que no hay que construir altura en Punta del Este, estamos construyendo demasiado me decía, tenemos que tener mucho más cuidado, yo en el momento le decía que no y ahora cada vez le doy más la razón. Ese sería me consejo para cualquier arquitecto. Tenemos que ser conscientes del impacto que la humanidad le da a este planeta, que por ahora es el único que tenemos, y no podemos hacer agujeros en el barco que estamos flotando”, concluye Carlos Ott. Para finalizar uno se preguntaría qué le falta construir a Carlos Ott, y él contesta con ansias “nunca me tocó hacer un edifico religioso, y eso me encantaría, lo tengo pendiente. Me gustaría hacer una sinagoga, una mezquita, una iglesia. Claro que cada vez somos menos religiosos y tengo menos chances”.

L´Opera de la Bastille. París, Francia

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Carlos Ott, Architect making more beauty and bigger the light blue and white country. Carlos Ott is from Uruguay, but he says he is from South America and above all from Rio de la Plata. The architectural pieces with his sign and stereotype like the Arena San Isidro stadium, the Boca Juniors hotel, the extension of the MALBA museum, the international airports of Ushuaia and Calafate, hotels in the south of the country , the Libertad Plaza building in Bs. As. and others, are pieces that daze cause of it design and it vanguard esthetics. It is distinguish the Arena San Isidro stadium, multi-function building that is able to lodge very different kind of events like music, fashion shows, theatre plays, sport events, etc. It is situated in the Jockey Club of the city of Bs. As. And it shelter 15.000 spectators in 50.000 m2. Other of the distinguish pieces of Ott is the extension of the Bs. As. Latin-American art museum (MALBA) which comprehend more exposition rooms, public attention rooms, etc. Ott says that our country has been vanguard not just in the architecture, in other branches of the art too, like painting and music. Carlos Ott graduates in the Architecture Faculty of the Uruguay University, he s author of a lot of distinguish architectural projects in different countries of the world. We have to be conscious with the impact that humanity is giving to the planet, is the only one we have and we can t make holes to the boat where we re floating in he says. Today, the architecture has to be seen through an ethical point of view . Arq. Carlos Ott

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A ESENCIA DE LO SUPREMO Sus majestades el queso y el dulce de leche Un camino de adoquines custodiado por gigantescos árboles y una profusión de coloridas flores, escoltan al viajero curioso para sumergirse en el mundo exquisito de los quesos y dulces de leche, en un rincón perdido en la inmensa provincia de Buenos Aires.

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na mañana soleada, fresca, que invita al día de campo, encontró a un equipo de Argentina Class en la histórica estancia La Chavense, reconocida por su dulce de leche degustado por famosos personajes argentinos, sus quesos y un curioso museo de antigüedades y maquinarias agrícolas de todos los tiempos. El aroma al queso invade todo el lugar, una especie de antigua despensa llamada “El Rincón de María” es el ámbito de bienvenida para los que lleguen al pueblo Adolfo González Chávez sobre la ruta Nacional N° 3, a la altura del kilómetro 450, y deseen probar las exquisiteces que allí se fabrican. Roberto Jorge, su dueño desde hace más de 40 años, es el anfitrión ideal para un recorrido por la historia de estos dulces y quesos, motivo de orgullo argentino. “He sido yo el que le dio la forma actual y logré el progreso, pero los artífices han sido mi padre y mi madre quienes tuvieron el coraje y la valentía de lanzarse a la aventura. Los dos provenían de Siria y se conocieron en la Argentina”. La Chavense, como fabrica de quesos, fue fundada en noviembre de 1945, por Don Ricardo Forel un inmigrante austríaco que llegó al país para asesorar en la instalación de industrias lácteas. En 1962, la fábrica pasó a ser propiedad de la sociedad Antonio Jorge y Antonio Hermida, siguió con la fabricación exclusiva de dulce de leche hasta que en el año 1970 incorporó quesos y otros derivados.

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Fotos: 01. Entrada a la fábrica 02. Artista local Alejandro “Pocho” Martinez 03. Roberto Jorge 04. Roberto Jorge junto a sus piezas de museo

En los 70’ Roberto Jorge, hijo de Antonio y María Elías Catub, se traslada con su familia a González Chaves para trabajar junto a sus padres atravesando no pocas vicisitudes. Esta familia de inmigrantes y aventureros que querían salir de su vida humilde, hoy lograron tener campos, tambos y camiones propios, ampliar la fábrica, extendiendo la producción pero manteniendo la elaboración artesanal y natural. En su larga historia, la fábrica recibió la visita de personajes y personalidades argentinas e internacionales, vinculados a la cultura, la política y los deportes (Daniel Scioli, Marcelo Tinelli, Marquitos Di Palma, entre otros), y sus productos estuvieron en las mesas más prestigiosas, por ejemplo como la de la señora Mirtha Legrand. 01

Actualmente la elaboración de los quesos poseen la mano del joven maestro quesero Javier Giménez, quien emigró desde Tandil para trabajar en la fábrica. Proviene de una familia de queseros, su abuelo fue tambero, su tío y su padre son maestros queseros, “anduve por varias fábricas pero ya eché raíces acá con mi familia”, cuenta Javier. “No hay sardo como el de la chavense, y eso es por el estacionamiento que le damos, hoy tenemos 18.000 hormas esperando el tiempo adecuado para comenzar a venderlas, ya llevan dos años de estacionamiento y en muchos lados lo venden a los tres meses, pero nosotros no”, enfatiza el maestro quesero.

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Además, sacaron un primer premio con su queso pategrás, Premio SRB, 50° Exposición ganadera, comercial e industrial, categoría queso semiduro con ojos. El pategrás es un queso de pasta semi-dura, semicocida, moldeada, prensada, salada y madurada, es de pasta compacta firme, de consistencia elástica, con ojos bien diseminados, con un sabor dulce que es su característica, tanto como su aroma suave, limpio y agradable. “Me gusta hacer este queso, soy muy estricto”, explica Javier. Entre los desafíos para el futuro Javier propone continuar con sus típicos quesos cuya masa se mezcla con ají, pimienta, albahaca y a la griega que le agregan pimienta, nueces, ají y orégano. “Pero quiero hacer un gruyere de 90 kilos, gigante, para poner en la puerta y que la gente venga y se saque fotos al lado”, anhela Javier.

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La Chavense tiene estacionados al vacío quesos de los años 2005, 2006 y 2010. “Un queso se puede almacenar hasta 7 años, con buen frío y envasado al vacío”, manifiesta el joven maestro quesero. Además, en el primer piso de la fábrica se realiza el dulce de leche que envasan en cajas de cartón de kilo, medio kilo y hacen dulce de leche heladero y el repostero.Vale la pena recordar, aunque Uruguay y Chile protesten, que el dulce de leche es tan argentino como el Tango, Fangio, Gardel y Maradona.

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En el museo histórico de la Nación, y en un manuscrito de puño y letra de Juan Manuel de Rosas, se cuenta el origen del famosísimo dulce de leche. Narra la historia que en 1829, en la estancia de Cañuelas, se reunieron Rosas y su archienemigo Juan Lavalle. Como Lavalle llegó antes de lo pactado, se recostó en una cama y se quedó dormido, rendido por el extenuante viaje. Una criada que preparaba al fuego la "lechada" (leche con azúcar) matutina, para cebarle mate de leche a su patrón, al ver la actitud del enemigo del "Restaurador", alborotada fue a dar aviso a los guardias. Al llegar Rosas, dejó que Lavalle descansara un buen tiempo más, y cuando éste despertó, pidió que les cebaran el mate de leche. En ese momento la criada tomó conciencia que no había prestado más atención de la leche azucarada que continuaba hirviendo desde temprano. Cuando fue a buscarla encontró que se había convertido en una sustancia espesa y marrón oscura. Llorosa fue a plantearle a Rosas lo sucedido, don Juan Manuel probó lo que había en el recipiente aún humeante, le agradó el gusto y lo convidó a su enemigo político. De ahí en más se conoció este fruto de la casualidad como Dulce Criollo, nombre con que lo bautizó Rosas y que más adelante iba a ser conocido como Dulce de Leche, pilar de la industria láctea argentina. Su espaldarazo y presentación al mundo ocurrió casi 100 años después, en 1921, cuando se celebró en Washington la Primera Exposición Regional de Lechería.

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Un museo novedoso en el medio de una estancia

“El Rincón de María”, atendido por Paulina Ruiz, vinculada desde muy joven a la Chavense, donde se pueden adquirir los productos lácteos y una gran variedad de otros productos caseros como fiambres, dulces, conservas, alfajores, empanadas, entre otros, también forma parte de un extraño museo, fruto de la avidez de Roberto Jorge como buscador y coleccionista incansable de objetos históricos.

ARTISTAS ARGENTINOS

Argentinian Artists

En este espacio se recorta un pedazo de la historia Argentina, plagado de discos, fonolas, teléfonos antiguos, tachos de leche, máquinas de escribir, potiches, lámparas, jarrones, entre otros. En el exterior, la historia del trabajo en el campo argentino se muestra a través de esquiladoras del año 1906, sulkys y carros antiguos, desnatadoras, cosechadoras, esquiladoras, buzones restaurados y embellecidos por el artista local Alejandro “Pocho” Martinez, quien cuenta con su propio taller en uno de los depósitos de la fábrica, y su mano experta de artista restaurador se une el fanatismo del coleccionista para dar un marco novedoso a esta visita al mundo de los quesos y los dulces de leche.

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The essence of supreme. Their majesties cheese and milk jam (dulce de leche) A sunny morning find the Argentina class team in the historic residence La Chavense recognized for the milk jams y the cheeses they make and for a curious antiques and farm machines museum of every times. This place is situated in the Adolfo Gonzales Chavez village on the national route n 3 km 450, and it owner Roberto Jorge is the perfect host to make a review through the history of these jams and cheeses, proud of the argentines. The creators were my father and mother, both were from Syria and they met in Argentina says Roberto. La Chavense was founded in November of 1945 by Ricardo Forel. In 1962 it passes to the direction of Antonio Jorge and Antonio Hermida with an exclusive fabrication of milk jam till in 1970 incorporates cheeses and derivatives. At 70 s Roberto Jorge moved to Gonzales Chavez along with his family and actually they have their own fields and trucks, and they have enlarge the factory keeping the hand-made and natural elaboration. The prestige of La Chavense is seen by the visit of very important figures (Daniel Scioli, Marcelo Tinelli, Marquitos Di palma, and others) and cause that their products were in the most prestigious tables. Also, they count with the hand of the cheese master Javier Gimenez who came from a family of

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cheese masters. Another point for La Chavense prestige, is the long parking of the cheeses (2, 3, 4, 5 years) and the diverse prices won for it famous pategras cheese. In the first floor of the factory it s done the milk jam, and then packed, and they make ice cream and pastry milk jam. This jam born in 1829 and this is it history. Juan Manuel de Rosas was going to meet with his enemy Juan Lavalle. Lavalle come before of what they agreed so he fell asleep. A housemaid that was preparing on the fire the lechada (milk and sugar) to make a mate de leche to her pattern, when she saw the enemy in bed, she go running too tell to the guards. When Rosas arrived, he let Lavalle sleeping for a while and when Lavalle woke up he ask for a mate de leche. The housemaid remembered that she had forgot the milk and sugar on the fire. And when she go to look for it, the lechada was a thick and brown substance. That was the born of the Milk Jam.

A newfangled museum in the middle of a residence El Rincon de Maria attended by Paulina Ruiz, is a place where you can buy the milk products and others like stiff, jams, preserves, meat pies, etc. and it is also part of a weird museum, fruit of Roberto Jorge as a collector and restless searcher of historic objects

Artemio Alisio. “Después del diluvio”

Artemio Alisio. “After the flood”


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ID MORTALES EL VINO SAGRADO

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fines del año pasado, cuando la presidenta de la Nación, Cristina Fernández de Kirchner, declaró al vino como “bebida nacional”, todos los medios de comunicación se hicieron eco de la noticia, las crónicas de este evento sin precedente en el país se plagaron de frases que, al leerlas de corrido, suenan sólidas y correctas, pero que sin embargo, con una reflexión un poco más profunda, es probable que la mayoría genere ciertas incertidumbres. Sólo por citar algunas cabe recordar: “el vino es parte de nuestra idiosincrasia”, “el vino es sinónimo de reunión y de la mesa de todos los días de los argentinos”, “el vino es la bebida que nos identifica”, “el vino es un producto alimenticio más de nuestra canasta familiar”, “el vino es un símbolo de argentinidad”…

El vino como bebida nacional, más fundamentos que dilemas

Pero cabe preguntarse si todos los argentinos reconocen o sienten que el vino es parte de la argentinidad, tal como sucede con el dulce de leche o el mate, e inclusive qué se entiende por argentinidad. Según el sociólogo Luis García Fanlo “la Argentinidad es una invención que surgió a principios del siglo XX e incluye una serie de hábitos, costumbres, valores, virtudes, maneras de pensar y de actuar típicamente argentinas”. En su libro “Genealogía de la Argentinidad” expresa: “Teníamos que inventarnos una nacionalidad, construir un argentino ideal, adaptado al orden social. Es por eso que la argentinidad está estructurada como un régimen de verdad que define quién es argentino, qué es ser argentino, cómo es ser argentino y cómo se puede llegar a serlo… y claro, todos sus contrarios” Pero más allá del decreto presidencial que lo afirma, y que sirve para darle impulso a esta industria argentina, desde el punto de vista de la argentinidad: ¿es el vino la bebida nacional Argentina?. El vino como consumo popular o más masivo lo traen los inmigrantes hacia finales del siglo XIX. Este hecho-costumbre logra provocar una tensión interesante en algunos de los pensadores de los postulados de la argentinidad que, aún en aquellos tiempos, hablaban de civilización y barbarie. Entonces, al ser el vino un símbolo de civilización (el modelo era Europa) era necesario incorporarlo dentro de este marco. Sin embargo, tuvieron que pasar muchos años hasta que una firma presidencial lo declarara como tal. En algún momento hubo un intento para que el vino se convirtiera en un consumo popular; de hecho lo fue entre las décadas del 60 y del 80, en las cuales los mensajes desde la gráfica y la televisión apuntaban a la familia, un elemento fundamental como valor importantísimo de la argentinidad. Cabe recordar las publicidades de Resero Blanco Sanjuanino, Peñaflor, Crespi y el inolvidable personaje que hacía el actor Hugo Arana, Bordolino, y la historia de un amor de clases… Sin embargo, los avatares de la economía y los cambios de gobierno que indefectiblemente produjeron una movilidad social en muchos argentinos, hicieron que el vino se convirtiera en un objeto suntuoso y accesible para pocos. La sofisticación y el boom del nuevo siglo también produjeron que muchos lo vieran como un bien que estaba fuera de su alcance, como si no fuera argentino… Con este planteo, parecería que este desconocimiento del vino como propio pasaría porque aún los argentinos no se enorgullecen lo suficiente de lo que producen… Quizás para que el vino esté dentro del concepto de argentinidad tiene que sí o sí ser aceptado afuera. El sociólogo García Fanlo manifiesta que “el argentino no se reconoce como tal y necesita de la mirada del otro para reafirmar su argentinidad, mejor aún si ese otro es extranjero, civilizado y culto. Es por eso que somos argentinos a través de objetos o de otras personas que idolatramos siempre y cuando los veneren en otros países”. Esta coyuntura viene de la época de Bartolomé Mitre, en la que muchos pensadores repetían hasta el hartazgo que la Argentina tenía un destino de grandeza, pero el mundo no la tenía en cuenta, lo que generó en el ciudadano común la idea de conspiración global hacia la patria. 20

Fotomontaje: Alexandra Manuello

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“Es por eso que ante cualquier eventual y mínimo reconocimiento del más-allá-de-las-fronteras, además de reafirmar ese destino de ser los mejores, se afianza el sentido de argentinidad”, concluye el soicólogo. Pero también hay prácticas ritualizadas que todo “buen” argentino tiene que realizar para reconocerse a sí mismo y ser reconocido como tal. Por ejemplo, el asado, y aunque no hay nada mejor que comer esa carne a la parrilla con un tinto nacional, el vino aún no ha logrado ser un identificador de la argentinidad per se.Y a esta altura del análisis vale la pena preguntarse qué necesita el vino para ser un factor identificador de la argentinidad. No mucho más que producir un discurso que se asocie a las prácticas que comúnmente sirven como “identificadores de argentinidad”, pero también al estilo de vida y forma de entender y comprender el mundo de los argentinos. Además, ser afirmado y distinguido desde el exterior, quizás asociado a alguna personalidad reconocida como típicamente argentina, y a la vez, modificar el discurso actual que lo asocia a un consumo de elite, en el sentido de que requiere ciertos saberes para disfrutar con más plenitud una copa de tinto, blanco, rosado o espumante. El discurso de la argentinidad siempre se presentó como unificador y homogeneizador de prácticas comunes, al alcance de todos y no exclusivamente a lo económico, sino también en términos culturales.Y tal vez ahí sí se pueda vociferar al unísono “al gran vino argentino salud”.

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Wine as national drink. More foundations than dilemmas. On November 24th of 2010, the president Cristina Fernandez declare the wine National drink but, Is true that every argentine recognize or feel the wine as an important part of the argentinity ? The argentinity (argentinidad) appears in the xx century, and is a lot of habits, customs, values, ways of think and act, typically argentines. Is the construction of an ideal argentine. From the point of view of the argentinity , is wine our national drink? Wine came with the immigrants finishing the xix century and as a civilization symbol (cause it comes from Europe) it was necessary to incorporate it in our culture. There was a try to became wine in a product of popular consumption, between the 60 s and 80 s, nevertheless, cause of changes in the economy and government, wine became in a luxury object with access to just a few people. To be accepted inside of the argentinity concept, a product has to be accept outside of the country. This is a big problem cause the argentine doesn t recognize himself as an argentine and he needs the support of another to confirm his argentinity . What does the wine need to be an identity factor of the argentinity ? Not much than produce a speech associate to the practices that identified to the argentinity , but also to our way of living and understanding.

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N LUJO POSIBLE: SOBRE TE Y OTRAS HIERBAS

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ntre incontables hebras de té de todos los colores y aromas, con el cuidado y la ternura con que se trata aquello que se ama, Inés Bertón, acomoda la vidriera de su distinguida casa de té, escondida entre los recovecos de la lujosa Galería Promenade de la Avenida Alvear en pleno corazón de la señorial Recoleta. Con apenas arrimarse a la puerta de entrada, se pueden sentir las fragancias de los blends de Tealosophy; su marca, su niña mimada. Se respira un aire exquisito y se descubre el cultivo a mano, con paciencia, respetando el proceso natural de cada elemento. Una vez finalizada la cuidadosa elección, los ingredientes se combinan artesanalmente, por eso cada uno conserva intactas sus propiedades que conectan al observador con la cultura, el esfuerzo y el trabajo de quienes conviven con las hebras de té. Inés tiene 35 años y es una reconocida blender de té con sello argentino, emprendedora, apasionada e inquieta. Aunque prefiere autodefinirse como una buscadora de té -el segundo producto de mayor consumo en el mundo, después del agua-. Hace años que recorre el planeta al encuentro de nuevos sabores. Su trabajo es comparable al del enólogo en el vino, pero ella lo resume en una frase: “Follow your nose” (Sigue tu olfato). Para entender Tealosophy es necesario remontarse a los 21 años de Inés Bertón, trasladarse a Nueva York y atravesar la puerta de la pequeña casa de té, ubicada debajo del Museo Guggenheim, en donde trabajaba por ese entonces. Allí se refugiaba Inés en sus momentos de descanso y disfrutaba armando sus propios blends, que luego –según contó- muchos otros clientes pedían. Su creatividad y disfrute del té fueron rápidamente advertidos por los dueños de ese rinconcito de infusiones neoyorkino, quienes le ofrecieron trabajar con ellos. Proveniente de una familia tradicional de abogados e hija de una educación privilegiada, le resultó harto complicado explicarle a su padre que se iba a dedicar a mezclar té. Pero hurgando en su baúl familiar, se encuentra que la raíz de su hacer presente estaba plasmada en su ADN. “Tengo la suerte de venir de una casa de ricos perfumes. Mi madre es buena cocinera y mi tía, también. En mi casa siempre estaba presente el olorcito a ricas comidas. Pero de chica pensé que me iba a dedicar a la pintura. Toda la vida estuve ligada al arte e incluso fui a un colegio que promovía mucho lo artístico”, explica Inés. Pero al adentrarse en su historia se descubre su combinación más perfecta: olfato y creatividad bien entrenados, más el gran valor de permitirse seguir sus instintos, elementos básicos del cimiento que explican el éxito de Tealosophy. Durante gran parte del año, su trabajo consiste en cosechar la materia prima a mano en los rincones más remotos del planeta. Trae las vainillas de Madagascar, los cacaos de Venezuela, los cítricos del mediterráneo, las especias de Birmania, los frutos rojos de la Patagonia, y así sucesivamente. Luego comienza la tarea de diseño de los blends. En Tealosophy se puede encontrar un Green Geisha, que es 24

Fotos: 01. Inés Bertón 02. Tealosophy

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té verde con ananá caramelizado y maracuyá, un Real food, a base de mango, papaya, pétalos de girasol, especias, canela, cardamomo, jengibre y pimienta, o un Plum Rose, un empalagoso colchón de té negro, ciruelas y pétalos de rosa, por mencionar sólo algunos. Tealosophy es una especie de “viaje con Tealosophy”, porque a medida que se van abriendo las latas, se viaja por el mundo a través de los aromas de sus frutos típicos. Su perspicacia y perseverancia la llevaron trabajar con las firmas más reconocidas del mercado nacional e internacional. Además desarrolló un sensible olfato qué fue más allá de su aplicación estrictamente profesional en su “métier”, y pudo expandirse por los brazos de los sentidos, hasta lograr incluso editar un fino trabajo musical junto a la Warner Music, ambientando diferentes variedades de té. Desde la meticulosa preparación de mezclas personalizadas para regalos, pasando por el desarrollo de productos para distinguidas marcas y el diseño de los blends de las cartas de exclusivos y exquisitos restaurantes de todo el país, hasta la impensada exportación de té a Siria, todo, casi todo, parece caber en el horizonte promisorio que vislumbra esta emprendedora joven argentina. Entre sus perspectivas de negocio relata: “Mi inmediato objetivo es abrir mercado en Sao Pablo, Brasil. Y estamos considerando otras plazas tanto en el exterior como en el interior del país”. Aunque ya rechazó muchas solicitudes de franquicias y medita cada paso que da fuera de la argentina, porque ante todo intenta preservar la calidad y la filosofía con que se construyó ese proyecto: la de hacer un té honesto. Detrás de lo que parece el desarrollo de un curioso e insólito negocio, no hay otra cosa que la valentía de seguir la intuición y la genialidad de encontrar en los recursos de la propia tierra un medio de subsistencia. Ahí radica el arte de Inés Bertón: promover el té, no como un producto de consumo suntuoso e inalcanzable, sino como un delicado ritual, que implica crear y compartir un momento y ritualizar a través del té algo tan primigenio como la hospitalidad.

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A possible luxury. About tea and other herbs. Ines Berton arranges the cupboard of her distinguished tea house in the luxury Promenade gallery of the manorial Recoleta neighborhood. Just getting near of it you can feel the delicious fragrances of the Blends of Tealosophy , her brand. The ingredients she select are very honest and those are hand-cultivate and the combination of it is by hand too. Ines is 35 years old; she s enterpriser, passionate and restless. She defines herself as a tea searcher , but she s an acknowledged argentine blender of tea. She goes over the planet looking for new tastes with one phrase: follow your nose . When she was 21 years, Ines was working in the Guggenheim museum of New York, and in her rest times she shelter in a little tea house situated under the museum. Her creativeness with the combination of blends was the key to get a job in this tea house of N.Y.

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Although she came from a lawyers traditional family, the root of her job was in her DNA. My mother is a good cooker and my aunt too says Ines. Getting in, in her history, made us discover her perfect combination: smell and creativeness. The success of Tealosophy explains since, her dedication and delicate hands with the hand-cultivating of ingredients (in the most distant places of the world), to the creative hand-combinations. She makes personalized blends, develop products to distinguished brands, export tea to Syria and she wants to open her market in Sao Pablo-Brazil, but she thinks a los every step outside of Argentina because she tries to preserve the quality of making a honest tea. She wants a fine and luxury taste but possible, promoting the tea as a delicate ritual. The art of Ines lies in the courage of follow her intuition, and creativeness of find in our land resources, our way of subsistence. 00


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RGENTINA: DESDE LEJOS Y HACIA ADENTRO

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Fotos: 01. Neuquén 02. Parque Nacional Lanín, Patagonia 03. Isla Cambacuá, Entre Rios 04. Tigre desde el aire, Buenos Aires 05. Tilcara, Jujuy 06. Camino al salar, Jujuy 07. Misiones 08. Colón, Ente Rios

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Fotógrafo: Lluis Miras Las tomas del Lanín, Misiones y Neuquén, de autoría de nuestro fotógrafo, son propiedad de SonyMusic España.

Lluis Miras, un barcelonés curioso e inquieto, fotógrafo por vocación, recorrió interminables caminos argentinos, tal vez buscando sin buscar, pretendiendo darle “otra mirada” a ese derrotero. Bien dicen que las fisonomías geográficas se asemejan a los rostros de los lugareños o viceversa, como si en ellos las texturas de la tierra marcaran surcos de proyección en sus rostros, en sus manos, y juntos, hombre y naturaleza, culminan en la mentada “identidad y pertenencia”. Lluis Miras nos dice: “A veces la inmensidad deja de ser tal, cuando tan solo en un pequeño punto de su espacio aparece, aunque diminuto, el hombre. Pero me pregunto, si no estuviera ese hombre, ese punto a veces ínfimo, la inmensidad sería tal?. Argentina Class desde la visión de Lluis Miras, viajó por diferentes regiones del país, plasmando en cada una de sus tomas la fusión HOMBRE-LUGAR, que habla y dice por sí misma. ENG

Argentina: from away to inside. Luis Miras, a Barcelona citizen, curious and restless vocational photographer, visited lots of Argentinean roads, looking without looking, pretending to give an other look through his third eye. It is says, that the geographic appearance is just like villagers faces or vice versa like in its, the textures of land, draw furrows of projection in their faces, in their hands, as a extensive continue, what together, man and nature, fall in the identity and tenure. Miras says, sometimes the immensity stop being, when just in a little spot of its space seems even very little the man, one man, but I ask myself: without that man, without that little spot, the immensity still being it? Argentina Class, from the third eye of Luis Miras, travelled to different regions of the country appearing in every one of his photos where the fusion MAN-PLACE talks by itself.

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Fotos: 01. Jardines del palacia durante una visita nocturna 02 y 03. Jardines 04. Galería

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L PRIMER PALACIO DE LA ARGENTINA: LA RESIDENCIA DE JUSTO JOSE DE URQUIZA, “UN HOMBRE MODERNO” Un paseo por la residencia palaciega del Gral. Urquiza, una historia de innovaciones tecnológicas, pasiones, amores y muerte… 02

El Palacio San José - Museo - y Monumento Histórico Nacional ¨Justo José de Urquiza¨, está ubicado cerca de la ciudad entrerriana de Concepción del Uruguay, es un espacio de encuentro vivo con la memoria argentina, que permite una relación con el presente y que construye identidad y ciudadanía, invita a disfrutar del conocimiento y de la belleza, es un lugar para el descanso creativo y el aprendizaje colectivo. “Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que la vivienda del General es la primera construcción en el país que se considera Palacio como residencia de una persona. Además, el término palacio en el Río de la Plata empieza a utilizarse con la casa de Urquiza y él a fines de su vida supo que el periodismo de la época llamaba a su residencia Palacio San José”, explica el arquitecto Minatta. La Construcción del Palacio implicó 20 años de trabajo casi constante, y comenzó en 1848, año en que Urquiza, después de haber tenido tres períodos de gobernación, había tranquilizado a la “provincia de todos los verdes”, logrando su pacificación y ordenando su administración. El Palacio fue una vivienda, un centro productivo, un centro político y administrativo de todos los bienes del general.

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rasladarse al siglo XIX y entrar una noche a la casa del General Justo José de Urquiza y su familia, sentir y vivir una experiencia palaciega, con las fragancias, aromas y sonidos de la época, mirando como al descuido la hija del general olvidó un libro sobre el piano, o un invitado arrojó su vestimenta sobre la cama, puede convertirse en una experiencia tan intensa como apasionante. “Una noche en la casa del General” es la propuesta que el Jefe de Diseño, Montaje y Mantenimiento Edilicio del Palacio San José, Arq. Guillermo Minatta, propone desde hace varios años para aquellos turistas avezados y curiosos, amantes de la historia y las experiencias sensoriales. “Contamos la historia desde una perspectiva diferente. La visita nocturna que organiza el museo es una recreación de una noche de época, se lee desde la exaltación de los estímulos a los sentidos. Realmente uno se siente adentro de una casa palaciega del siglo XIX y nota la presencia de la familia Urquiza en cada detalle que ve, en cada aroma, cada objeto, cada sonido. No es una visita de mera descripción, sino entrar a vivir como se vivía ese palacio.Y tal como en la época, se pone en buen clima en verano”, relata Minatta. 32

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En un principio el futuro Palacio San José, de arquitectura típica del pos colonialismo, sobria, poseía una serie de 18 habitaciones que rodeaban a un patio cuadrado con dos torres miradores, de puertas y ventanas sólidas. “Vamos a ver viviendo a Urquiza en el palacio a partir del año 1850, y la figura descollante que fue el general para todo el período que va hasta el año 1870, su crecimiento político, militar y económico, transcurre desde su residencia de San José. Pero en ese pensar en el movimiento nacional, hace que Urquiza en 1851 vuelva a viajar mucho dentro de la provincia y a Uruguay, ya organizando directamente el derrocamiento de Rosas, armando el ejército grande, cruzando el río Paraná y va a terminar el 3 de febrero derrotando a Rosas. A partir de esa derrota genera un ordenamiento nacional, crea la Constitución de 1853, y entonces lo vemos volver a su casa inicial en 1854”, explica el arquitecto Minatta. Con el asentamiento del general Urquiza en San José se comienza a producir la segunda construcción en el palacio con la convocatoria del arquitecto Jacinto Dellepiane, primer arquitecto italiano que va a intervenir, realiza el segundo patio, la ornamentación del jardín en la entrada principal y la ornamentación general de las salas y galerías. También construye un tercer patio donde existía la parte productiva de la casa, con espacios destinados a pulpería, capilla, panadería, depósito de carruajes, entre otros. Dellepiane le proporciona al palacio su impronta italianizante, incorpora también arcos de medio punto, enmarcado de puertas y ventanas, y le comienza a dar el aire palaciego.

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Fotos: 05. Salones 06. Comedor 07. Habitaciones 08. Cúpula de la capilla 09. Dormitorio de niños 10. Cocina 11. Dormitorio de niños 12. Dormitorio de visitantes

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“Esta intervención de Dellepiane finaliza en 1857. Luego llega a la ciudad de Concepción del Uruguay a pedido de Urquiza el arquitecto Pedro Fosatti, “se encarga de la construcción de la Iglesia Catedral de la ciudad, la nueva pirámide de la plaza central que se llama Francisco Ramírez en homenaje al caudillo entrerriano, el muelle en el saladero Santa Cándida, revisa los planos de Dellepiane dándole al palacio el carácter y la forma definitiva, y construye su capilla. A partir del 1862, Urquiza ya está tranquilo en la casa y empieza la construcción del lago del palacio. Fue su excentricidad, el complemento de la casa como lugar de paseo y esparcimiento.Y podemos asegurar que toda la política y las grandes decisiones desde 1860 hasta la muerte de Urquiza, asesinado en uno de los salones del palacio por López Jordán en 1870, pasaron por esas magníficas habitaciones de la estancia San José”, reflexiona Minatta. Con Fosatti se incorporaron las baldosas de mármol traídas de Italia, se adquirían pigmentos para murales, compra de esculturas y demás ornamentos, tierra romana (especie de cemento), el polvo de mármol, productos que se importaban debido al crecimiento de Urquiza como exportador de carne vacuna salada, grasa, cebo y cenizas como abono. No se sabe exactamente cuántas personas vivieron en el palacio, pero como era un casco de estancia mucha gente cultivaba la huerta, los frutales, trabajaba en la panadería, que llegó a tener 250 trabajadores. En la argentina de 1850 la quinta del palacio abastecía a media provincia e incluso a Buenos Aires, de ahí salían las verduras y las frutas, se vendían especies exóticas de árboles, etc. Además de ser un hombre poderoso política, económica y militarmente, según Minatta “Urquiza fue un hombre moderno, y prueba de esto son los adelantos tecnológicos que se incorporan a esta vivienda: agua corriente, destinar una habitación especialmente como sala de baños, eso era insólito en Argentina, dos retretes que están concebidos como “baños secos” y la utilización de las aguas de lluvia”. El sistema de agua corriente del Palacio San José, constituye el primer antecedente que hay escrito y documentado, de la instalación de agua corriente en una vivienda en la Argentina. “Consistía en un malacate a fuerza de mula, un motor semi sumergible y un tanque 34

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de agua que permitía hacer llegar el agua hasta la sala de baños y la cocina”, explica el arquitecto. “Además la incorporación en el segundo patio de dos retretes que están concebidos como “baños secos”, esto se logró porque contiguo a esos retretes estaba una habitación con la máquina de gas de hidrocarburo, la cual en combustión genera un gas que es conducido por cañitos de cobre a distintos lugares con las lámparas que se iluminan. Si bien esto no era un novedad porque Buenos Aires ya tenía la iluminación pública con este sistema, lo que sí se incorpora como novedad es que tanto los retretes como la sala de máquina estaban sobre un sótano común, en ese sótano se depositaba la ceniza del hidrocarburo y eso actuaba como pozo negro seco”, subraya Minatta. El Palacio como era en vida de Urquiza, está tal cual se puede ver hoy. La casa está conformada por 38 habitaciones de la residencia principal estructuradas alrededor de dos patios (Patio de Honor y Patio del Parral) a la que se accede por el Jardín Francés. Siete dependencias de servicio distribuidas en los jardines posteriores, la capilla con su cúpula decorada por Juan Manuel Blanes y el lago artificial se extienden a través de un eje de simetría este - oeste. Está emplazada en un área de 40 hectáreas de parques de un total de 120 que integran el predio. Tanto Mitre como Sarmiento, fueron personalidades que visitaron a Urquiza en el palacio. “Cuando asume Sarmiento como presidente, que militaba en al partido unitario y pese a ser contrarios a muerte políticamente, Urquiza lo reconoce como la autoridad máxima del país, y lo invita a venir al palacio. Para demostrarle que el interior no era bárbaro, Urquiza, conocedor y amate de la belleza y el lujo, y que vivía rodeado de belleza y lujo, cuida todos los detalles en la visita presidencial. Sarmiento queda sorprendido porque nunca se imaginó que en el interior del país podía existir un lujo mayor al de Buenos Aires”, relata Minatta.

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The first palace of Argentina: the residence of Justo Jose de Urquiza. A modern Man Going back to the XIX century and entering one night to the house of General Justo Jose de Urquiza and his family, feeling and living this experience with the fragrances, smells and sounds of those times, looking how without care the daughter of the general leaves a book over the piano, or some guest throws his coat over the bed, it could become in a intense and passionate experience. One night at the general s house is the proposed. The nocturnal visit that the museum organized is a recreation of those times. You really can feel inside of that palace of the XIX century and you can notice the presence of the Urquiza family in every single detail. The San Jose Palace-museum- and National historic monument Justo Jose de Urquiza , is situated near of the city Concepcion del Uruguay, Entre Rios, is a space where you can met with the argentine memory and it build identity and citizenship. The palace was constructed in 20 years. It is conformed by 38 rooms of the principal area structured around of 2 gardens. And it is located in a 40 ha. of the 120 ha. That integrates the property. 35


Los amores del General: Realidades y Mitos El imaginario popular nos cuenta que el general Justo José de Urquiza tiene como 100 hijos, miles de mujeres y que su esposa Dolores Costa escondió el cadáver del general, celosa de que las amantes y enamoradas vayan a llorar y rendir tributo en la tumba de su marido. Guillermo Minatta, quien no sólo está a cargo de ciertos aspectos del palacio, sino que dedicó gran parte de su vida a investigar a Urquiza y aportó el haber comprendido la construcción cronológica total del palacio relata: “Urquiza no era promiscuo, era enamoradizo. No yuxtapuso mujeres, una después de la otra”, sonríe. Y Minatta relata: “Urquiza, joven soltero y vigoroso, tuvo una hija con una primera amante, esta mujer se casa con un militar, por eso la nena no lleva el apellido del general. Luego tiene con Segunda Calvento 4 hijos varones, no se casó con ella pero tuvieron 8 años de relación. Los hijos llevan el apellido Calvento porque Urquiza estaba siempre en campaña y los bautizaban con el apellido de la madre. Al tiempo, el hermano de Urquiza se casa con una López Jordán (curiosamente apellido trágico para el general) y Urquiza se enamoró de la cuñada del hermano, de ahí nace su hija Anita. Pero como el hermano estaba furioso por el escándalo familiar, Justo José estuvo presente en el parto y bautizaron a su hija con su apellido, siendo la madrina la propia hermana de Urquiza. La mamá de Anita, nunca más tuvo relación con el general, pero siempre llevaba a la nena para que esté junto a él, por eso quizás Anita es una de sus hijas más queridas. Después hay una seguidilla de mujeres, y una morocha divina llamada Juanita Sambrana, de familia humilde, le dio dos hijos más, a la cual se le pasaba mensualidad. Luego más mujeres, algunas conocidas socialmente otras no…. Y llega por fin Dolores Costa. Con Dolores tiene dos hijas antes de casarse, luego tiene su hijo varón y se consolida como la esposa del general Urquiza. Un dato curioso es que en ese momento su hijo más querido Diógenes de Urquiza, que había estudiado derecho en la ciudad de Buenos Aires, estaba por recibirse y la facultad no otorgaba títulos a hijos bastardos, entonces si Urquiza se casaba con Dolores su hijo pasaba a ser un bastardo. Por ello posterga su casamiento y le pide al gobierno que arreglen su situación, que legitimen sus hijos porque él se quiere casar con Dolores. Fueron a buscar en la realeza europea cómo solucionarlo y encontraron la manera de legitimar los 11 hijos que había tenido previo a Dolores Costa. Luego de casado tuvo 12 hijos más. Todos heredaron por igual, eran la familia chica y la familia grande”. Con respecto a la historia del ocultamiento y desaparición del cadáver del general, Minatta cuenta que hay parte de verdad y parte de mentira, como en toda historia vinculada al imaginario popular. “La parte falsa es que Dolores por celos y amor, escondió el cadáver para que las mujeres no lo encuentren. La historia real es que Dolores Costa escondió el cadáver detrás de una pared falsa en la catedral de la ciudad, ya que cuando matan a su marido, Sarmiento manda la intervención a la provincia, López Jordán se escapa, los urquisistas están desparramados, y Dolores tenía terror de que secuestren el cadáver. Por eso solicita que lo saquen del cementerio y lo pongan en la iglesia, negocia con el cura y con dos albañiles y no lo ponen en la bóveda donde está hoy, sino que lo ponen en la bóveda familiar y construyen encima una pared. Dolores les hizo prometer al cura y a los dos albañiles que nunca dijeran nada. La viuda muere, el cura muere, uno de los dos albañiles se va a Europa y muere en el camino, pero cuando se estaba muriendo el otro albañil, en su lecho de muerte les cuenta a sus dos hijos la historia del cadáver de Urquiza. El hijo lo relata en la iglesia, la iglesia se contacta con el gobierno y encuentran los restos de Urquiza, los cuales descansan hoy en la bóveda”.

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A TENDENCIA DE UNA TRADICION

La Escuela Argentina de Moda, forjadora de creativos diseñadores que, como embajadores del buen gusto y la inventiva, desparraman talento argentino por el mundo. Aquí, através de la palabra y el pensamiento de su mentora Myriam Nuñez, Argentina Class propone conocer un poco más de la trastienda de este “laboratorio de la creativa”.

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“Un creador no necesita demasiados recursos económicos a la hora de crear algo, sino imaginación y pasión por su profesión”.

A creator doesn´t need a lot of economic resources when he needs to create something, he just needs imagination and passion for his profession.

A menos más, es mi lema, un creador no necesita demasiados recursos económicos a la hora de crear algo, sino imaginación y pasión por su profesión. Argentina es un escenario emergente, en este aspecto, todo se realiza por ciertas necesidades de carencia de materiales, llegando a obtener diseños reinventados, reciclados y nuevos. Nada se copia, utilizamos la inventiva, y por ello estamos dentro de los “negocios del diseño argentino”, con una apuesta a productos que sean necesarios y que respondan a un usuario potencial, pero manteniendo un estilo más autóctono y regional, mixturando este concepto con el arte del diseño. Muchos turistas se quedan maravillados por nuestras artesanías, ahora bien, incluirlos en los productos de moda, como verdaderas piezas exclusivas, destacando la idiosincrasia de un país a través de los jóvenes talentos de la moda nacional, es nuestra meta. Nuestros alumnos se dotan de esta impronta para desarrollar su estilo y afrontar desafíos comerciales en el mercado competitivo, siendo esta la herramienta ideal como marca de diferenciación”, relata Myriam. Reinventar, tramar, texturar, crear la tendencia

La inserción laboral depende del carácter emprendedor que tiene ese diseñador, “no creo que sin carácter y actitud alguien llegue a algún puerto comercial, por eso no perder los intereses artísticos y estilísticos de un buen diseño, pensado morfológicamente con un sentido de uso y que la moda que se propone sea inédita pero funcional, está relacionada con los aspectos sociales y culturales de las diferentes regiones a las que se puede dirigir un producto de autor argentino, explica la directora de la escuela.

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Myriam Nuñez

“el concepto es gestar diseños con nuestra identidad, no ser literales, sino crear diseños en los cuales se olfateen nuestras raíces sin ser figurativos explícitamente”

The concept is to gestate designs with our identity, not being literally, just create designs in which you can smell our roots without being figurative explicitly.

La Mentora La trayectoria artística de Myriam Nuñez comienza a los 8 años, con una formación en los conservatorios de arte que se conjuga con su gestión educativa desde el año 1994. Es la fundadora de la Escuela Argentina de Moda (1996), de la Carrera de Diseño de Indumentaria y Textil, y del Nivel Terciario (2007) que otorga el título de “Diseñador Superior en diseño de moda”. Asimismo, creó el concepto DISEÑO, MODA Y ARTE, con un reconocimiento nacional e internacional por sus laboratorios de texturas, y la marca de ropa “Texturas argentinas”, el arte de crear moda nacional. Autora del libro “Diseño, Moda e Identidad”, 200 años de moda, arte y cultura, edición 2010, por el cual recibió menciones especiales con un gran reconocimiento de las entidades gubernamentales y actualmente preseleccionado como mejor libro del año. Presentó sus colecciones en varias ediciones del BAAM, Sheraton Hotel, fue dos veces invitada al Fashion Week, Ecuador y representante del diseño argentino en el concurso “The International Design”, en Milán. Invitada como conferencista en Centroamérica, llevó su laboratorio de arte textil para representar el arte argentino en la moda. Los trabajos de sus alumnos fueron presentados en el mundo, desde París hasta la Pasarela de Punta del Este, en el Conrad. Ganó varios premios internacionales, lo que le permitió viajar por el mundo con el diseño argentino. Viajó a La Domus de Milan, a Paris, Vision Premiers, entre otros. Organizó varios concursos declarados de interés nacional.

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El leit motiv de la escuela implica capacitarse todo el tiempo, estudiar pero desde un escenario social, cultural y desde ese estudio "tocar tejidos, reinventarlos todo el tiempo, armar tramas y texturas que sean verdaderas obras de arte pero comerciales", especifica Myriam Nuñez, “es importante que sean necesarias y un grito hacia la anti moda”, agrega. Desde esta concepción los diseñadores de la Escuela Argentina de Moda proponen estilos, no moda, y en ese trayecto se busca crear el estilo al diseñar la moda de los argentinos, para un público local e internacional. Los premios que ganaron más de 70 alumnos en la institución, certifican la teoría de la directora. “El diseño con un valor agregado en la lámina textil a través de nuestra identidad, generar diseños vanguardistas de la mano de un usuario que los pueda usar sin olvidarnos de nuestras materias primas, como el cuero de vaca, literalmente usada, o reinventada a través de laboratorios textiles, es nuestro modo de trabajo”, cuenta Nuñez. La Visión de la Argentina en el contexto mundial de la moda

“Buenos aires fue declaro por la Unesco en el 2005 Ciudad del diseño, desde allí creo que no hay más nada que decir. Somos una ciudad que propone todo el tiempo un estilo, somos anti moda, los argentinos proponen un estilo que hoy dicta la tendencia. Así, los alumnos egresados de la escuela de moda, poseen una impronta muy a lo argentino, son trasgresores, inéditos propulsores de estilos nuevos que se proponen desde el concepto gestar diseños con nuestra identidad, no ser literales, sino crear diseños en los cuales se olfateen nuestras raíces sin ser figurativos explícitamente, crear láminas textiles en laboratorios, tanto de investigación como textiles. Una vez realicé una colección con telas desteñidas, compradas en once después de una tormenta en donde se había provocado

una inundación. Les aseguro que fueron las mejores texturas de mi vida, el sin fin de manchas, tramas y dibujos logrados a partir de la misma naturaleza”, relata Myriam. ¿Cómo se gesta una tendencia? La directora, luego de reflexionar manifiesta: “En el 2000 aparece la fórmula, los Cool Hunters, cazadores de tendencia, hoy agrego a través de mi experiencia, el concepto de investigadores sociales, que observan una sociedad y distinguen un pronóstico a analizar para elaborar una tendencia. El Bicentenario argentino fue un claro ejemplo. Sin ser una moda, las vidrieras se impregnaron de colores y sombreros regionales, la moda rígida del tango salió a luz en vestidos negros y rojos, acompañados por zapatos comprados en tanguerías, y muchos adolescentes vestían con remeras de Gardel, pantalones ajustados tipo chupín, muy a lo compadrito”. 41


ARTISTAS ARGENTINOS

Argentinian Artists

Asimismo Myriam Nuñez cree que la Argentina gesta la tendencia y que a través del diseño de moda se marcan todos los aspectos sociales y culturales. “El diseño de cada región nos identifica y la cultura en la moda está ligada a muchos jóvenes talentos que se responsabilizan en crear sistemas de moda ante la sociedad en la cual estamos insertados. Por otro lado creo imposible lograr un objetivo importante sin la fusión entre empresas, entidades e instituciones. Desde nuestro aporte, el último trabajo que hemos realizado, fue un desfile a beneficio de fundación Huésped, gracias al aporte de 14.000 preservativos otorgados por la empresa PRIME y nuestra institución que aportó el diseño de los alumnos para realizar las ocho vestimentas en el evento más importante del verano en Mar del Plata Moda Show. Aquí vemos un claro ejemplo en donde participamos cuatro entidades para un mismo fin”, explica Nuñez.

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The trend of a tradition Argentina is an emergent scenery, every thing is done cause of the lack needs of materials arriving to reinvented designs, recycled or new. We have to make the products that we need but keeping a local style. We include our hand-craft in to the fashion products, as very exclusive pieces, distinguishing the idiosyncrasies of a country, through de young fashion national talents. The vision of Argentina in the fashion world context Bs. As. Was declared by the Unesco on 2005 City of design , there is not anymore to say. We re a city that proposed the style the hole time, we are anti-fashion, the argentines proposed the style which is the trend. The graduated students of fashion, have a very argentine way, they are lawbreakers, unpublished and propellants of new styles, which are proposed from the concept of make designs with our identity, not being literally, just create designs which you can smell our roots without being figurative. How do you do a trend? On 2000 appear the Cool hunters , they hunt trends, today I add through my experience social investigators who observe a society and difference a forecast to analyze to elaborate a trend . Says Myriam Nu ez. The mentor The artistic trajectory of Myriam Nu ez begins at 8 years, with a formation on the art conservatory and her education management since 1994. She is the founder of the Argentine School of Fashion (1996), of the design of clothing and textile career, and of the tertiary level (2007) which gives the title of superior designer in design and fashion. Myriam won a lot of international prices, what allowed her to travel around the world with the Argentine design. She travelled too the Domus in Milan, to Paris, Vision Premiers and others. She also organized some national contests.

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Helmut Ditsch. “Hielo”

Helmut Ditsch. “Ice”


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El primer partido que se jugó transcurrió en la Plaza de Mayo (en ese momento llamada “la manzana de las luces”) durante la celebración por la Beatificación de San Ignacio de Loyola, patrono de la ciudad de Junín (provincia de Buenos Aires). Entre los hombres de a caballo que hicieron punta, los primeros galardonados con el título honorífico de 10 tantos (valoración que se le otorga a los jugadores sobresalientes) se puede mencionar a Liborio Cosentino, Miguel Di Pascuale, Alejandro Yaven, Osvaldo Inschauspe, Martín Salaberry, Luis Mapis, Bautista Risso, Hugo Bellinzoni, Martín Bellinzoni, Diego Trino, Pedro Trino, entre otros. Y entre los pateros contemporáneos figuran Nicolás Taberna (35), Ariel Tapia (36) y Dante Spinacci (58). Ariel y Dante, fueron los últimos Campeones del Abierto Argentino de Pato. Desde la Federación Argentina de Pato y Horseball afirman que este deporte se está practicando y que actualmente hay 25 campos de Pato en el territorio bonaerense, dos en la provincia de Santa Fe, tres en La Pampa y cinco en Córdoba, además de dos asociaciones provinciales, una en Tucumán y otra en Jujuy, que nuclean a las canchas y a los jugadores de esas provincias. El dato curioso es que, paradójicamente, mientras en la provincia de Buenos Aires se concentra el 75% de los campos de juego (y es el terreno desde donde surgieron el 100% de los mejores jugadores de Pato de la historia), en la Ciudad Capital de la Argentina, el lugar en donde nació este deporte, no existe ninguno.

L PATO CABALLO Y HOMBRE EN CELESTE Y BLANCO

“¡El pato! Juego fuerte del hombre de la pampa que marca las costumbres de un pueblo varonil.Para avispar los nervios, para tender los músculos como el convulso joven en el dolor febril”.Bartolomé Mitre.

El paso de los años y el contacto con la modernidad aggiornó la forma de juego del Pato, que hoy comparte muchas de sus características con el Polo. Sin embargo, su cultura y su espíritu permanecen intactos. Quienes lo practican no ganan dinero, por el contrario, destinan importantísimas sumas propias que sólo se ven compensadas a través del placer que les provoca el juego. El Pato no se juega, se vive, se respira, como se respira a campo, como se respira a “nuestro”.

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estreza y tradición se fusionan en un campo de juego. Ocho jinetes se baten en duelo bravío, cuatro por cada equipo, pugnando por asestar de un tiro certero el mítico “pato” en una anilla de un metro de diámetro, clavada en la punta de un poste de dos metros cuarenta de inmensidad. Se estima que este deporte ecuestre tiene más de 400 años de antigüedad. Al menos es lo que se deduce de diversos escritos que datan de 1610, en donde se da testimonio de esta rauda práctica a caballo. De inicios bárbaros, rudos y faltos de reglamento, el Pato surgió en La Pampa Argentina y vivió épocas de censura y de apogeo. En sus inicios se lo practicaba en forma irregular hasta que en 1937, Alberto de Castillo Posse redactó su primer reglamento transformándolo en deporte. En 1941 se fundó la Federación Argentina de Pato y más tarde, en virtud del arraigo a aquella tradición, un decreto de 1953 del entonces presidente Juan Domingo Perón, lo declaró Deporte Nacional. Tal vez la historia pendular e intermitente que signó a este popularísimo deporte hípico tantas veces cercenado, explique la inexistencia de información estadística completa y fiel, como la falta de un reconocimiento justo de cuáles han sido los pateros más destacados desde sus inicios. No obstante, se puede rescatar parte de esta tradición.

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¨The Pato¨ (duck). Man and horse in lightblue and white. Eight horse-riders, four for each team, trying to point by a good shot, the duck in a ring of 1 m. diameter up in a 2.4m. pillar. It is esteem that this sport have more than 400 years, appeared in La Pampa Argentina and it lived times of censure. It kept quietly till 1937, when Alberto de Castillo Posse writes the first rules and regulation becoming it in a sport. In 1941 it was found the Argentine Federation of Pato (duck) , which promotes the game. Finally in 1953, the president Juan Domingo Peron, declares The Pato the Argentinean national sport. The paused History of pato , explains the less of a complete and faithful statistical information, nevertheless is known that the first game of pato was played in the Plaza de Mayo in Bs. As. The most important pato players actually are Nicolas Taberna (35), Ariel Tapia (36), and Dante Spinacci (58). Actually there are 25 pato fields of game in Bs. As., 3 in Sta. Fe and 5 in Cordoba. The way of playing pato , today shares a lot of things with the polo , nevertheless it culture and spirit stay the same.

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Fotos: 01. Natalia en “El lago de los cisnes” 02. Mosaik 03. Ave María 04. Balanchine, la sonámbula 05. Meditación 06. Balanchine

Natalia Magnicaballi: “Natasha”

AS DE DEUS ENTRE LA BOCA Y EL MUNDO

Natalia Magnicaballi es en la actualidad una de las principales bailarinas del mundo, nació en Buenos Aires, integró el Ballet del Teatro Colón, bailó junto a Julio Bocca, y hoy es figura principal en el Arizona Ballet y Suzanne Farrell Ballet. Los principales medios masivos y especializados del mundo la han reconocido por su trayectoria artística. Con Natalia, Argentina Class hizo un repaso de su historia y de su vida cotidiana…

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Empecemos por los comienzos, cómo fue nacer en una familia humilde que residía en el barrio porteño de la Boca y comenzar a apasionarte por el ballet. ¿Por qué elegiste la danza desde tan chica? ¿Tuvo influencia la familia en esta decisión? La verdad es que siempre digo que la danza me eligió a mí, más que yo a la danza. Cuando comencé era muy pequeña, mi mamá me llevó a hacer danza al sótano de mi escuela primaria por primera vez, en ese entonces, bailar era como un juego para mí. Luego, poco a poco, fue como una fuerza más grande que yo la que me empujó cada vez más y más hacia la danza y nunca pude parar de bailar. Mi familia no influyó en la decisión de seguir bailando, pero si fue fundamental todo el apoyo que me dieron siempre para que pudiera seguir haciéndolo. ¿Cómo fueron esos primeros años de formación, tanto para vos como para tu familia? Algo que comenzó como un juego, se fue tornando completamente formal, con una disciplina muy estricta, o sea que dejó de ser un juego para ser una profesión.A los nueve años ya participaba en espectáculos de ballet y la opera del Teatro Colón. En muy poco tiempo, el contraste fue muy grande con la vida a la que estaba acostumbrada en la humildad de mi familia, donde todo era mucho más simple que el lujo del Teatro Colón, todo dorado y de pana.Yo tenía que adaptarme sí o sí a esa nueva realidad. Tengo entendido que uno de tus primeros maestros fue Wasil Tupín ¿Qué influencia tuvo él en tu carrera y en tu técnica? El maestrito, como yo lo llamaba cariñosamente, y su esposa, Mercedes Serrano, fueron indispensables en mi carrera. Sin su visión posiblemente yo no hubiera podido desarrollarme en una carrera tan difícil y costosa como ésta, ya que ellos creyeron en mí y en mis aptitudes para la danza y me brindaron, en forma completamente gratuita (como becaria), una formación académica valiosísima, en complemento a la del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Formación a la que de otro modo me hubiera sido imposible acceder. Fue el maestrito quien me apodó “Natashita”, luego “Natasha”, que es como la mayoría de la gente me conoce en Argentina. ¿Nos harías una reseña de esa etapa de formación en Argentina? En Argentina siempre tuvimos muy buenos maestros, fuí afortunada de tener a varios de ellos. A los 6 años tomé mi primer contacto con la danza en el sótano de mi escuela primaria. A los siete comencé con Tupín y Serrano. A los 9 audicioné entre más de 200 aspirantes e ingresé al ISA, junto a un total de 16 aspirantes más. Los exámenes de ingreso eran sumamente exigentes. Desde los 9 años tuve el privilegio de comenzar a trabajar profesionalmente junto al Ballet Estable y la Opera del Colón en varias producciones y durante el resto de mi carrera continué perfeccionándome con reconocidos maestros nacionales e internacionales. A los 19 años te convertiste en la bailarina principal junto a Julio Bocca & Ballet Argentino. Contanos tus apreciaciones de esa época y cómo es bailar con Julio. Entré al Ballet Argentino de Julio Bocca a los 16 años luego de trabajar 2 años como solista con el Joven Ballet, mientras terminaba de cursar mi carrera en el ISA. Junto al Ballet Argentino tuve la oportunidad de bailar en los principales teatros del mundo y desde muy temprana edad. A los 19 tuve el honor de bailar como partenaire de Bocca en varios de los principales ballet clásicos, como Paquita y El Corsario, y en renombradas obras neoclásicas como El Joven y la Muerte de Roland Petit. Bailar con Bocca es intenso, la enorme experiencia que él siendo aún tan joven ya poseía y transmitía fue muy enriquecedora para mí.

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“El contraste fue muy grande con la vida a la que estaba acostumbrada en la humildad de mi familia, donde todo era mucho más simple que el lujo del Teatro Colón”

The contrast was too big with the life I used to have with my humble family, where everything was so much simple than the luxury of the Colon theatre

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¿Cómo se te ocurrió radicarte en los Estados Unidos? ¿Viajaste con propuestas concretas? ¿Es difícil vivir en el exilio? Tenía más de una propuesta y acepté la que me extendió la Sra. Suzanne Farrell, considerada la principal figura de la danza de los Estados Unidos por muchas décadas.Yo ya tenía un gran respeto como artista por ella y me entusiasmó mucho cuando me enteré que el Kennedy Center (Washington, DC), el principal teatro de los E.E.U.U. y Centro Cultural Nacional del país, le había encomendado formar y dirigir la compañía estable de ballet de ese teatro. Desde muy chica viví muchos más años fuera de Argentina que en mi país.Viví también en Italia y hoy en día en Estados Unidos vivo en dos ciudades al mismo tiempo. Vivir en diferentes lugares ha formado siempre parte de mi carrera y de mi vida. Estoy muy agradecida con las oportunidades que esta carrera me ha brindado en términos de viajar y conocer distintos lugares. ¿A qué compañías de Ballet pertenecés en la actualidad? Soy primera bailarina del Suzanne Farrell Ballet, la compañía de ballet estable del Kennedy Center, y primera bailarina de Ballet Arizona, la principal compañía del suroeste del país.

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¿Cómo te descubrió Suzanne Farrell? Fue en el NewYork City Center, uno de los principales teatros de NewYork, donde me había visto bailar antes con Bocca. AC

He escuchado por allí que ensayás 12 horas diarias, cómo es tu rutina de trabajo y cómo te repartís al ser figura principal en el Ballet Arizona y Suzanne Farrell Ballet, dos compañías que están a tanta distancia una de la otra… Requiere mucha disciplina física y psíquica. Un día habitual de ensayos son 8 horas y cuando hay funciones se extiende hasta 12 horas diarias. Programo con un año o más de anticipación mi trabajo con las dos compañias y muchas veces, cuando las temporadas coinciden en fechas, bailo con una compañía, corro al aeropuerto después de la función y subo a un avión por 6 horas, para bailar con la otra compañía en la otra punta del país al día siguiente. También te fuiste a Italia a trabajar en Artballeto. ¿Cómo fue esa época? ¿Trabajabas a su vez en Estados Unidos? La época de trabajo con Aterballetto fue hermosa, fue trabajar mano a mano con un coreógrafo de la talla de Mauro Bigonzetti, creando obras nuevas para mí. Durante ese período continue también viajando entre un continente y otro y cumpliendo con mis compromisos artísticos en Estados Unidos, que habían comenzado en 1999 con el Suzanne Farrell Ballet. Sabemos que te casaste con un admirador tuyo, cómo complementás la vida artística y la personal. Así como él es admirador mío, yo soy su admiradora, él es mi inspiración en la vida. Nos complementamos muy bien. Andy es un emprendedor serial, que también se hizo muy de abajo y entre sus actividades es productor artístico (ahora mismo esta trayendo a Joaquín Sabina por primera vez a los Estados Unidos), por lo que conoce y entiende perfectamente mi profesión. Cuando nos conocimos ninguno tenía 20 años cumplidos, así que en muchísimas cosas crecimos juntos. Los entendidos y los medios especializados como la revista internacional Dance Magazine te consideran como una de las principales bailarinas del mundo para ver en la actualidad. ¿Cómo te sentís al respecto? Es muy lindo para mi ver que el trabajo que realizo sea reconocido, me da mucha alegría poder generar eso con mi arte.

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“Una de las cosas más importantes en la vida es permitirse, no condicionarse, no ponerse ni aceptar rótulos. Uno se crea sus propios caminos”.

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One of the most important thing in life is to allow to yourself and not to condition to yourself, you don t have to put or accept tags. Every one creates it own roads

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Te hemos visto en fotos con rutilantes estrellas internacionales como Kevin Spacey, Robert Redford, Julio Bocca (lógicamente), y nos preguntamos cómo será nacer en Argentina, en una familia modesta, y luego codearse con esta gente. ¿Cómo lo vivencias? Yo creo que una de las cosas más importantes en la vida es permitirse, no condicionarse, no ponerse ni aceptar rótulos. Uno se crea sus propios caminos constantemente, en cada paso que damos y decisión que tomamos.Y sí, por supuesto, creo que estos artistas, como tantas otras personas reconocidas por sus méritos, sirven de ejemplo y referente para pensar qué hacen o hicieron bien para llegar a donde están hoy, haciendo lo que les gusta hacer. ¿Qué obras incluye tu repertorio y qué papeles principales? Mi repertoire es muy extenso. Por ejemplo, mi repertorio “Balanchine” incluye los roles principales en: Tzigane, Don Quijote, Duo Concertant, Divertimento No. 15, Apollo, Slaughter on Tenth Avenue, Agon, Serenade, La Valse, Who cares?, Variations for Orchestra, Pas Classique Espagnol from Balanchine’s Don Quixote, A Midsummer Night’s Dream, Bugaku, Meditation, Clarinade, Ballade, Liebeslieder Walzer, Donizetti Variations, Diamonds, Rubies, La Sonnambula, Episodes, Monumentum Pro Gesualdo, Movements for Piano and Orchestra, Allegro Brillante, Four Temperaments, Stravinsky Violin Concerto y Prodigal Son. Dentro de mi repertorio clásico puedo mencionar los roles de Odette/Odile en El lago del los Cisnes, Kitri / Mercedes en Don Quijote, Medora en El Corsario, Swanilda en Coppelia, El Hada Ciruela Azucarada en El Cascanueces,Titania en Sueño de una Noche deVerano, Julieta en Romeo y Julieta y el rol principal en Raymonda Act.III, Paquita, La Sylphide y Giselle. Por otro lado, también he bailado y/o estrenado como figura principal obras de renombrados coreógrafos modernos, contemporáneos y neoclásicos, entre ellos Jerome Robbins, Maurice Bejart, Jiri Kylian, Mauro Bigonzetti, Roland Petit, Dwight Rhoden, ChristopherWheeldon, Oscar Araiz, Paul Mejia, Mauricio Wainrot e Ib Andersen. ¿Cuál es tu papel favorito para interpretar y por qué? Realmente son varios y muy diversos. Puedo mencionar entre las obras clásicas Lago de Los Cisnes (por la dualidad interpretativa que requieren los dos personajes: Cisne Negro y Cisne Blanco) y Romeo y Julieta (por la profundidad y emotividad del rol), entre otros.Amo bailar prácticamente todo el repertorio Balanchine. Siento que sus obras transportan al artista y al público a diferentes mundos, por la riqueza y diversidad de las mismas. Mis ballets favoritos de Balanchine sonTzigane, Agon, Serenade, La sonámbula y Don Quijote, para mencionar algunos. Entre las obras contemporáneas puedo destacar “Un tranvía llamado deseo”, de MauricioWainrot, que bailé junto al Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín (por la elaboración del personaje de Blanche Dubois en el manicomio). 49


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No sé si pudiste ver la reciente película “El Cisne Negro”, la cual muestra al ambiente de la danza como muy duro, competitivo, lleno de exigencias rayanas en enfermedades como la bulimia o la anorexia. ¿Sentís que es así el ambiente de la danza? En la danza, como en casi toda actividad donde el físico puede ser visto como un objeto estético y juega un rol protagonista casi siempre, lamentablemente existe un potencial de riesgo hacia el desarrollo de enfermedades vinculadas a la mala alimentación y la sobre exigencia física, que muchas veces es aumentado por el nivel de rigor y expectativa de la propia carrera. Creo que la película, sin dejar de ser ficción, refleja varias características de esta carrera, lamentablemente ahondando en ciertos estereotipos, y en ningún momento se ocupa de mostrar todo lo lindo y sano que hay en este arte.

ARTISTAS ARGENTINOS

Argentinian Artists

¿Qué consejos les darías a la jóvenes bailarinas argentinas? A todos los jóvenes les diría que sigan sus sueños, que se puede, y que recuerden que lo que vale la pena, en general, siempre implica un esfuerzo. ¿Cómo vislumbrás tu futuro? ¿Volverías a vivir en la Argentina? Dónde, geográficamente, no sé, porque depende de circunstancias familiares también, pero siempre dentro del arte.

The art from La Boca neighborhood, to the world Natalia Magnicaballi: ¨Natasha¨ as she is called in Argentina Natalia Magnicaballi is, actually, one of the principal dancers of the world, she was born in Bs. As., was part of the Colon theatre ballet, she dance with Julio Bocca and today she is the most important figure in the Arizona ballet and Suzanne Farrell ballet. The principal and specialized mass media have recognized her cause of her artistic trajectory. With Natalia, Argentina class made a review of her history and her life day by day. -Let s start for the beginnings, how do you feel to be born in a poor family of La Boca and start to passionate with ballet? Why did you choose dance when you were so little? Do your family influence on you, to get that choice? The truth is that I always say that dance pick me, more than me to dance. When I start I was so little, my mom took me to dance into my primary school basement, for the first time, in that moment, dancing was a game for me. Then, little by little, was like a strength bigger than me, the one that push me more and more to the dance, and I never stop dancing anymore. My family don t influence in the decision of still dancing but it was very important all the support they always gave me to still doing it -How were the first years of your formation, to you and to your family? Something that starts as a game, then start to get completely formal, with a strict discipline, so it was not a game anymore, it was a profession. At 9 years old, I already participate in shows of ballet and in the Colon theatre opera. In a very short time, the contrast was too big between the life I had with my poor family, where everything was very simple than the luxury of the Colon theatre. I had to adapt, yes or yes, to that new reality.

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-We know that you get married with one admire of you, how do you complement your artistic life with your personal life? As he is my admirer, I m her admirer; he is my inspiration in the life. We complement very well. Andy is a serial enterpriser that also become in it from the under, and he is an artistic producer too so he knows and understand perfectly my profession. When we met no one were bigger than 20 years so in a lot of things we grow up together. -We ve seen you in pictures with very famous international stars like Kevin Spacey, Robert Redford, Julio Bocca (obviously) and we ask, how is to be born in a modest family of Argentina and then meet people like those? I think that one of the most important things in life is not to condition yourself and no to accept tags. Every one creates their own roads all the time, with every step and every decision we choose. And yes, of course I think that these artists like a lot of other famous people, are a very good example to think what they made fine to get where they are, making what they love to do. -Which is your favorite role to play and why? They are more than one and really different, I can mention some classics like swan lake (cause of the contrast between characters, the white swan and the black swan), Romeo and Juliet (cause of the deeply and emotion of the role), and others. I love to dance the whole repertory of Balanchine. I feel that those plays take to the artist and to the public to different worlds, cause of the richness and diversity of its. My favorite ballets of Balanchine are: Tzigane, Agon, Serenade, The Sleepwalking and Don Quixote. Between the contemporary plays I can distinguish A streetcar name desire of Mauricio Wainrot that I danced with the Contemporary ballet of the San Martin theatre.

-At 19 years, you become in the principal dancer next to Julio Bocca and Argentine ballet. Tell us your appreciations about that time and how do you feel dancing with Julio? I get in Argentine ballet of Julio Bocca at 16 years old, then of been working 2 years as a soloist with the Young ballet while I was finishing my career at the ISA. Next to Argentine ballet I had the opportunity to dance in the most important theatres of the world. At 19 years I had the honor to dance as a partner of Bocca in some of the principal classic ballet like Paquita and El Corsario and in neoclassic plays like El Joven y la muerte de Roland Petit . Dance with Bocca is very intense, the huge experience that he had even being so young, and that he transmit, enrich me a lot.

-The recent movie Black Swan shows the dance ambient as a really hard place, very competitive and full of requirements that decay in diseases like bulimia and anorexia. Do you feel that it is like that? In dance, as in almost every activity where the physic is seen as an esthetic object, unfortunately there more risk to have some problem relation with a bad feeding and the physic overuse. I think that the movie, without stop being fiction, shows some characteristics of the career, unfortunately deepening in some stereotypes and never shows all the beautiful and healthy things that this art have.

-What ballet companies do you actually belong? I m first dancer of the Suzanne Farrell Ballet, the steady ballet company of Kennedy center, and first dancer of Arizona Ballet, the principal company of the southwest of the country.

-What advice would you give to the young argentine dancers? To all young people I would say to follow your dreams, that it is possible, and remember that the things that we really want always need effort.

Kosice

Kosice


Paula Rivero junto al capot Porche y a uno de sus cuadros más queridos

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Paula Rivero Artista plástica

MOCIONES QUE FLORECEN DESDE EL ARTE

La mezcla perfecta de colores y texturas junto a las huellas imborrables de las palabras, quizás alguna vez pronunciadas o nunca dichas a través de los sonidos, se funden en la magnífica obra de este mujer argentina, que busca desde su mundo interior la irrupción de las emociones, las certezas y las incertidumbres, en una narrativa de la condición humana a través de las artes plásticas.

“En este momento acaba de finalizar una exposición que hice en Nueva York como parte del circuito “Gallery Night” de Manhattan, presentada por el Consulado General Argentino en NuevaYork, y la denominé "Armaduras y Corsets". Son todos cuadros con figuración y en cada uno estoy representado un corset como un símbolo que muestra la opresión de la mujer desde lo físico y desde lo social. Pero también muestro la liberación, ya que el corset es el antecesor de la lencería y hoy se usa como algo estético y sensual, es como que la mujer se liberó desde otro lugar, y también uso el término armadura ya que ese corset puede funcionar como un escudo para poder animarte y salir a dar batalla. Este concepto no lo cierro con una sola muestra, todavía tengo mucho para seguir trabajando, y luego sí lo presentaré acá en Argentina”.

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os lazos familiares, los exilios, la maternidad, las ausencias, el encuentro del amor, la soledad, los ancestros incas y aztecas, los hijos, los colores, las historias, olores y sabores de países como México, Perú, Uruguay y Argentina, están entrelazados en la vida y en la obra de Paula Rivero, joven argentina de 38 años, que encontró a través de la pintura la forma de expresar sus vivencias y concepción del mundo. Paula nació en Argentina, pero desde chica vivió en Italia, Centroamérica y Latinoamérica, para volver a radicarse en la Argentina definitivamente en el año 1994, a los 22 años de edad, “soy de acá y estoy súper orgullosa de ser argentina”. Pero en ese cambio brusco y doloroso Paula también pintaba “de ese período tengo una obra en casa que se llama Ausencia, es una negrita que tiene la mirada perdida. Ahora me doy cuenta de que tengo obras de cada período de mi vida y noto qué estaba pasando por mi interior en cada momento”, relata Paula. La artista empezó su carrera a la temprana edad de 14 años en Uruguay, y su primera exposición fue a los 17 en su nuevo país de residencia, México, donde vendió su primer cuadro. “En 25 años pasé por muchas etapas con la pintura, los primeros años eran como una obsesión por descubrir técnicas, entender cómo se lograban efectos, pinté figurativo muchos años. Después empecé con una búsqueda de encontrar mi estilo, pero hoy que doy clases lo enseño desde otro lugar, trato de ahorrar un poco el camino, estuve tanto años peleando por encontrar lo que haría, que hoy creo que si uno se mira hacia adentro, brota lo que hay, entonces no es tanto una obsesión de la búsqueda”, explica Paula. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de México D.F., y ya en Argentina ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Arte Prilidiano Pueyrredon, donde se recibió de Profesora Nacional de Pintura. “En Bellas Artes descubrí el arte abstracto, y por algunos temas fuertes de la vida que me tocaron, un día sin querer empecé a escribir en mis cuadros, como una manera de desahogo, de escribir cosas que no quería que se lean pero me hacía bien. Cuando termine bellas artes estaba mezclando la figura humana con la escritura y empezó a dejar de ser un desahogo mío para convertirse en un elemento plástico dentro de la obra. No son grafismos sin sentido, respeto muchísimo cada palabra y todas tienen un contenido, el espectador seguramente puede ver un grafismo, pero me ha pasado que gente en exposiciones se para en frente de la obra y se shockea con lo que lee”, cuenta la artista. 52

“En 25 años pasé por muchas etapas con la pintura, los primeros años eran como una obsesión por descubrir técnicas, después empecé con una búsqueda para encontrar mi estilo”

In 25 years I passed through a lot of stages with the painting, the first years were like an obsession to discover new techniques, then I started with a search to find my own style.

Además Paula protagonizó el lanzamiento del Fashionhaus Hotel, en South Beach, Miami, en el que inspira, ambienta y da nombre a todo un sector exclusivo del predio. Inclusive, una habitación lleva su nombre, y se convirtió en la única artista plástica convocada para estar en ese hotel que concentra distinguidos creativos de todo el mundo. Asimismo, esta artista participó de la intervención artística en los capots de los autos Porsche, junto a artistas de la talla de Marta Minujín, Páez Vilaró, Clorindo Testa, Polesello, Antonio Seguí, entre otros. “Me pidieron que participe a raíz de una obra que me querían comprar y yo no la vendo, es una colección de todos artistas consagrados, así que para mí es un honor. Esta muestra ya se presentó en Argentina, ahora viaja al museo de Porsche en Stuttgart, Alemania, va a estar expuesto ahí dos meses y es la primera vez que en este museo se presentan obras de arte. Después va Uruguay y seguirá viajando por el mundo”, cuenta Paula. Pero los desafíos para esta joven, madre de dos nenas y que reparte el trabajo con su maternidad y con clases semanales en su taller de Belgrano, no terminan. Durante este mes de junio se inaugura un Mural en el nuevo Shopping de Tigre, “son 810 piezas de 15x15, pero todo el conjunto generan 5 metros por 3,60 metros, y tiene un desafío especial porque al ser en la intemperie decidí hacerlo con azulejos, ya que era la única manera de preservar en el tiempo 53


Trabajo sobre mosaicos para el mural del Shopping de Tigre

algo que iba a hacer con muchas ganas. El primer día empecé un poco estructurada, pero ya al segundo me solté y es increíble lo que fui logrando. Fuera del espacio del taller me hablaban de otra cosa, pero mi cabeza seguía acá con el mural. Hay personas en tamaño real, y para pintarlo estaba parada arriba de las piezas, fue una ceremonia y un ritual, era hacer equilibrio, rompí un montón de piezas, pero quedé contentísima con el resultado y me abrió la cabeza para otros proyectos que tengo”, comenta Paula. Esta inquieta y talentosa mujer está preparando un proyecto para hacer una muestra para ciegos, “los quiero incluir porque me gusta el concepto que implica un más allá de lo que se ve, cuando uno cierra los ojos y se conecta desde otro lugar sentís las cosas, y yo creo que hay que bajar al sentir, estamos en una etapa en que es todo tan visual, por eso quiero una muestra para conectarse desde el tacto desde el sentir, y los ciegos físicos nos pueden enseñar mucho a ver desde otro lugar, desde ese sentir”, explica la artista. Trabajo de pinturas sobre jeanes para la marca “Chocolate”

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Paula Rivero muestra su preocupación por la condición humana y la plasma en sus obras de riquísimo contenido visual y emotivo.

Emotions flowering from the art Paula Rivero, plastic artist The wonderful work of this argentine woman looks from her interior world, the irruption of the emotions, the convictions and the uncertainties. Paula Rivero is 38 years old and she find through the painting, the way of express her conception of the world. She was born in Argentina but when she was a little girl she lived in Italy, center America and Latin America and she came back to Argentina in 1994 at 22 years. I m from here and I am super proud of being Argentinean . But in that big and painful change, Paula also paints her pain. I ve got paintings for each period of my life and I can see what was happening inside of me in every moment , says Paula. She starts her career at 14 years old. During her first years she had an obsession to discover new techniques, after that she start to look for her own style. Today, I think that, if you look inside of you, it comes what it is there . Paula explains. She studied graphic design in Mexico and in Argentina she graduated as a national professor of paint. One day, not at purpose, I start to write in my pictures , from this day the writing become in a plastic resource in her work.

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Pintura de la seria “Armaduras y Corsets”

At this moment she just finished an exposition she made in N.Y title armors and corsets . Paula was a protagonist in the launching of the Fashionhaus hotel in Miami, where she inspires and gives her name to an exclusive area of the building. She also participated in the artistic intervention of the Porsche cars with an oher distinguished artists. Actually, this young mother of 2 girls, is participating in the creation of a mural(5m x 3.6m) in the new Tigre shopping center and she s also preparing an installation to blind people.`


Fotos: 01. Daniel Barenboim 02. Zubin Metha 03. Carmina Burana 04. Iñaki Urlazaga al frente de su compañía Ballet Concierto 05. Plácido Domingo

Daniel Barenboim deslumbró esa tarde a más de 50.000 personas que asistieron al concierto gratuito ofrecido por el director y pianista argentino en la Plaza de la República junto al Obelisco, al frente de la Orquesta West-Eastern Divan, originada por Barenboim y el intelectual palestino Edward Said en 1999 con jóvenes músicos árabes e israelíes. La orquesta interpretó bajo la batura de Barenboim la Overtura Leonore III y la Quinta Sinfonía de Beethoven.

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Argentina se viste de música y ballet

ESDE EL OBELISCO PORTENO HASTA EL ULTIMO RINCON DEL PAIS

Al tiempo, en el mismo escenario porteño, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, bajo la dirección y coreografía de Mauricio Wainrot ofreció Carmina Burana, la obra de Carl Orff compuesta entre 1935 y 1936. Sus ritmos –muchos de ellos con reminiscencias folklóricas– su fuerza y su lirismo han impulsado a numerosos coreógrafos a realizar diversas versiones de la obra. El desarrollo que se presentó fue en forma cíclica, y se dividió, como la pieza musical, en cinco escenas principales: Fortuna, Primo Vere, In Taberna, Cour D’Amours y Fortuna.

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“Wainrot apostó aquí a la riqueza del vestuario, esencialmente en los colores, y una coreografía que tiene una gracia, y una creatividad, inimitable.Y esto es producto de su creador, Mauricio Wainrot. Si a mí me piden que elija hoy un ballet en la Argentina, sin dudas elijo el contemporáneo del San Martín, arriba del estable del Colón y demás”, reflexiona el periodista Wullich.

De la mano del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, primero arribó a la Argentina el maestro indio Zubin

Mehta al frente de la Orquesta Filarmónica de Munich con la joven Mayuko Kamio como violín solista, y ante más de 30.000 personas, entre porteños y turistas, se interpretaron obras de Johann Strauss Jr., Fritz Kreisler, Max Bruch, Antonín Dvorák, Johannes Brahms, Pablo de Sarasate y Piotr Ilyich Tchaikovsky, de este último la Obertura 1812, op. 49, con la participación de 15 músicos de la Orquesta Típica El Porvenir, muy aplaudidos por los espectadores. “Después vino el genio Daniel Baremboim, que fue un poco más masivo que Zubin Metha, y acá influyen dos factores: primero que es argentino, y cuando alguien es argentino, cuando tenemos un embajador en el mundo de semejante talla como Barenboim, o como lo puede ser Marta Argherich, como lo fue Julio Bocca, cada uno en su disciplina, es maravilloso y la gente hasta siente el deber de apoyarlo. Pero no solamente es un profesional colosal, como director de orquesta y como pianista, sino que además él trae en su mochila un mensaje maravillosos de paz, ya que pudo unir en aras de la música y de la cultura a músicos palestinos e israelíes, históricamente enemistados”, agrega Wullich.

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Previamente había actuado la Orquesta Típica El Porvenir, que participa de Tango Buenos Aires 2010 y fue calurosamente aplaudida por el público en sus interpretaciones de Libertango, de Ástor Piazzolla, y clásicos de distintas épocas como Gallo Ciego, Verano porteño y La trampera, con la participación de Pablo Agri como primer violín.

Junto al periodista Martín Wullich, Argentina Class propone un breve repaso por los últimos espectáculos que convocaron multitudes en el centro porteño y millones a través de emisoras de televisión. El maestro indio Zubin Mehta al frente de la Orquesta Filarmónica de Munich con la joven Mayuko Kamio como violín solista, el genial director y pianista argentino Daniel Barenboim, al frente de la Orquesta West-Eastern Divan, originada por él y el intelectual palestino Edward Said en 1999 con jóvenes músicos árabes e israelíes, la presentación del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, que bajo la dirección y coreografía de Mauricio Wainrot ofreció Carmina Burana, obra de Carl Orff, el bailarín y coreógrafo Iñaki Urlazaga al frente de su compañía Ballet Concierto, que dirige Lilian Giovine, y la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón bajo la batuta del maestro Luis Gorelik deslumbraron con La Traviata de Verdi, y por último el tenor español Plácido Domingo, acompañado por la soprano argentina Virginia Tola y una orquesta dirigida por el maestro Eugene Kohn e integrada por profesores de la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica Nacional y la Orquesta del Teatro Argentino de La Plata.

as nochecitas estrelladas de una convulsiva Buenos Aires se silenciaron expectantes durante algunas noches irrepetibles de música y danza. Multitudes apuradas llegaban al obelisco, para acomodarse en la gigante Avenida 9 de julio, algunas de pie, otras en sillas, sillones o directamente en el pavimento, olvidados de incomodidades, abandonados del estrés y el mundanal ruido. “Debemos agregar la gente que tuvo la oportunidad de seguir los espectáculos en sus casas –acota Martín Wullich, periodista, locutor, especializado en arte, encargado de las transmisiones del canal C5N, ya que la señal ha decidido desde la reapertura del Colón darle mucha cabida a la cultura, y la cultura que se hace masivamente, que se hace llegar a todos, no una cultura elitista. Es pensar en el país federal, y esto no es casual, es una línea que tenía hace rato su dueño Daniel Hadad, desde el momento que fue propietario de la radio Amadeus y organizaba espectáculos masivos al pie del Monumento a los Españoles, y que tuve el honor de conducir”.

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La Overture Leonore III es la segunda obertura compuesta por Beethoven, en 1806 para la ópera Fidelio, (Op. 72), basada en la obra de Jean-Nicolas Bouilly, que relata el intento de Leonora, disfrazada como Fidelio, de entrar en la prisión para poder salvar a su marido de una segura condena a muerte por razones políticas. La Sinfonía nº 5 en Do menor (Opus 67) es considerada una de las composiciones más populares y conocidas de la música clásica y una de las sinfonías más interpretadas. Fue escrita a lo largo de cuatro años, hasta que Ludwig van Beethoven la estrenó en 1808 en el Theater an der Wien en un monumental concierto de cuatro horas.

“Luego vino una presentación muy inusual y también muy multitudinaria de Iñaki Urlezaga. Este genio se despachó con una puesta en escena exactamente igual a la que había hecho en el teatro Coliseo de La Traviata de Verdi, trasladó toda esa escenográfica que era maravillosa, la coreografía, los cantantes, la iluminación, todo a la 9 de julio, fue una puesta en escena maravillosa, y sin haber dejado nada librado al azar”, explica Martín Wullich. La puesta que Iñaki Urlezaga hizo de La Traviata se sustentó en 84 bailarines y 70 músicos en escena, a lo largo de un desarrollo de dos horas y media con 2 actos, 4 cuadros y 3 escenografías. Para cerrar este ciclo de espectáculos gratuitos en el Obelisco, más de 120.000 argentinos y turistas extranjeros disfrutaron de una notable actuación del tenor español Plácido Domingo, acompañado

por la soprano argentina Virginia Tola y una orquesta dirigida por el maestro Eugene Kohn e integrada por profesores de la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica Nacional y la Orquesta del Teatro Argentino de La Plata. El concierto fue organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y la Fundación Beethoven.

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Pantallas de grandes dimensiones permitieron una mejor visualización del espectáculo y desde varias horas antes y a favor del excelente clima de este jueves, ya comenzaron a llegar al lugar los poseedores de las localidades gratuitas para ocupar las 22.000 sillas dispuestas frente al escenario. Esa capacidad de espectadores fue superada ampliamente con la enorme cantidad de público que siguió arribando al lugar y se ubicó en las adyacencias con sus propias sillas y reposeras.

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“La multitud en la presentación de Plácido y Virginia se conjugó porque aquí también había una argentina, pero además particularmente había un señor, queridísimo por la Argentina, con un carisma notable, que habla y encanta en el literal y estricto sentido de la palabra. A sus 70 años sigue teniendo la voz intacta, notable, brillante y por otro lado darse el gusto de dirigir él mismo a la orquesta”, relata Martín Wullich. Martín Wullich Locutor, periodista, piloto comercial y vuela helicópteros desde 1991. Se acercó a la música clásica a la temprana edad de 7 años de la mano de su abuela, quien lo llevó por primera vez al teatro Colón. Hoy es uno de los críticos de arte más entendidos en el mundo del periodismo.

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El repertorio ofrecido por el notable tenor y músico español, al que la revista Newsweek consideró El Rey de la Ópera y el mejor tenor de todos los tiempos, comenzó con La Traviata, de Verdi, a cargo del coro y la orquesta estable del Teatro Colón, tema al que le sucedieron El Cid, por Plácido Domingo; Louise, Virginia Tola; Die Walkure,

Argentina gets dress with music and ballet

From the Obelisco to the last corner of the country. Next to the journalist Martin Wullrich, Argentina class proposed a little review through the last massive shows in the center of Bs. As. The Indian master Zubin Mehta in front of the Philharmonic orchestra of Munich with the young violinist Mayuko Kamio as a soloist, the big director and pianist Daniel Baremboim in front of the West-eastern Orchestra created by him and the Palestine Edward Said in 1999 with young Arabic and Israeli musicians, the presentation of the San Martin theatre contemporary ballet with the direction and choreography of Mauricio Wainrot, the dancer and choreographer I aki Urlezaga in front of his company Ballet concierto which is directed by Lilian Giovine and the Colon theatre philharmonic orchestra by the hand of the master Luis Gorelik. At last the spanish tenor Placido Domingo, join with the argentine soprano Virginia Tola with an orchestra directed by the master Eugene Kohn and integrated by the professors of the steady orches58

tra of Colon theatre , the philharmonic of Bs. As. , the symphonic national orchestra and the argentine theatre orchestra from La Plata . The nights full of stars of Bs. As, stay quiet expecting during some unique nights of music and dance. Crowds of hurry people arrived to the obelisco , to get comfortable in the giant avenue 9 de Julio , some standing, others in chairs, couches o just on pavement. People have also the opportunity to follow the shows at their homes. says Martin Wullrich, The channel has decided since the reopening of Colon theatre to cover up the culture and the massive culture to every one, not an elitist culture. Martin Wullrich Announcer, journalist, commercial pilot and he fly helicopters since 1991. He gets in the classic music at just 7 years old thanks to his grandmother who takes him for the first time to Colon theatre. Today he is one of the art critical more understanding in the journalism world.

de Wagner, Plácido Domingo; Adriana Lecouvre, Virginia Tola; Andrea Chenier, Plácido Domingo; La forza del destino,Virginia Tola y coro; Simón Bocanegra, por Placido Domingo con Virginia Tola; y la obertura de La forza del destino, por Plácido Domingo, tema con la que concluyó la primera parte del concierto. La segunda parte comenzó con Rigoleto, de Verdi, por Plácido Domingo Con Virginia Tola; Aída, Plácido Domingo; El Barberillo de Lavapiés, por Virginia Tola y coro; Maravilla, por Plácido Domingo; Doña Francisquita, coro; My Fair Lady, La del Manojo de Rosas, por Plácido Domingo; My Fair Lady, por Virginia Tola, para concluir con La Tabernera del Puerto, por Plácido Domingo. La tercera y última parte, que incluyó tangos y músicas populares de otros países, arrancó con El día que me quieras, por Plácido Domingo y Virginia Tola; tema al que le siguieron Contigo en la distancia, Virginia Tola; Júrame, Plácido Domingo; La viuda alegre, Lippenschweigen, por Plácido Domingol y Virginia Tola;Volver, Plácido Domingo; Melodía de Arrabal,Virginia Tola; Cuesta abajo, Plácido Domingo; A media luz,Virginia Tola; Mi Buenos Aires querido, Plácido Domingo con Virginia Tola; y para cerrar, un bis con El día que me quieras, a dúo.

Paula Rivero. “Armaduras y Corsets”

Paula Rivero. “Armor and Corsets”


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A MUSA DE LAS MUSAS Crepúsculo suave ante los pies eternos de la mítica San marco. Música y silencios, góndolas que reposan hasta la aurora en que volverán a pasear una y mil veces más el amor de los enamorados. Un profundo e imaginario sendero con aroma a capuchino que se detiene en la Plaza. Un Gran canal de bonanza y sí…, es la perpetua musa veneciana.



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