MiraBA 197

SUMARIO

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 20 PAPÁ POR SIEMPRE (Mrs. Doubtfire) con Campi y Dani "La Chepi" / Pág.22 NAVIDAD SINFÓNICA; El reloj de la Navidad / Pág.24 CLÁSICA DE SUR; Novena Sinfonía de Beethoven / Pág.26 EL ARTE DE DIRIGIR; Entrevista a Nicolás Isasi. Dos décadas dedicadas al arte / 32 ÁNGEL RUIZ; Susurros de ida y vuelta / Pág.36 EL DECLIVE: ¿Borrón y cuenta nueva? / Pág.38 LOS PIMPINELA; Noticias del Amor / Pág.42 AINDA; Se presenta en Teatro Argentino de La Plata / Pág.44 LITERARIAS / Pág.58 MUSEOS / Pág.44 ARTES PLÁSTICAS / Pág.70 CARTELERA / Pág. 104 MÚSICA / Pág. 150 CINE.

MiraBA les desea

Felices Fiestas

MiráBA 4

Revista Mir á BA N. 197 DICIEMBRE 2025. Revista Mir á BA es una publicaci ó n mensual de inter é s general.Director: Á ngel Lu í s D í az. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar

Propietario: Angel Lu í s D í az. Ciudad Aut ó noma de Buenos Aires. Rep ú blica Argentina. Versi ó n digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los art í culos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opini ó n de la editorial y/o direcci ó n. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducci ó n total o parcial del material gr á fico o escrito publicado originalmente en la Revista Mir á BA con expresa menci ó n de la fuente. Revista Mir á BA en Internet: www.miraba.com.ar Contacto redacci ó n: redaccion@miraba.com. ar Publicidad: publicidad@miraba.com.ar Suscripci ó n digital: suscripcion@miraba.com.ar

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NOTICIAS SANDRA MIHANOVICH

“Como la primera vez x 40”

A cuarenta años de su lanzamiento, su disco Como la primera vez sigue resonando con la misma fuerza y emoción que marcó a toda una generación.

Su vigencia permanece intacta, no solo en sus letras, melodías y arreglos, sino también en el mensaje profundo de autenticidad que transmite.

PRESENTACIÓN:

Viernes 26 diciembre 21 h.

Teatro Devoto

Av. Lincoln 3815 CABA. Entradas a la venta por Ticketek

Sandra celebrará este aniversario con un concierto muy especial de despedida del año en el Teatro Devoto, el 26 de diciembre a las 21 h, donde revivirá la magia de aquel repertorio inolvidable

como “Quereme por un rato así vivo mañana”, “Tengo ganas de estar bien”, “Ahora tengo que pensar un poco en mí” junto a todos sus grandes éxitos en una noche de pura emoción y celebración.

Una cita imperdible para recordar y celebrar juntos.

PRENSA

Lola Barredo lolabarredo@gmail.com

NOTICIAS

Finalizó el 40 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Con una ceremonia de premiación en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium y la proyección del film mexicano “Las locuras” finalizó el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que en su edición número 40 volvió a vestir de cine la ciudad.

La ceremonia, que se realizó en la tradicional sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium dependiente del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, contó

con la presencia de autoridades del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, del INCAA, artistas, personalidades y trabajadores vinculados a la industria cinematográfica, quienes fueron los encargados de entregar los Premios Astor a los ganadores de esta edición.

El encuentro de cierre dio fue el pasado sábado 15 de noviembre a las 21h. con la entrega de premios, donde resultó ganadora de la competencia oficial “ Calle Málaga ” de Maryam Touzani.

Una vez finalizada la ceremonia de premiación a las 23 se proyectó la película mexicana “ Las locuras ”, dirigida por Rodrigo García. Un film que abraza la intensidad y la autenticidad de las emociones humanas cuando son llevadas al límite. Seis mujeres, en procesos de autodescubrimiento marcados por el encierro, la autocensura y la presión social y familiar, se cruzan inesperadamente durante un día lluvioso en la Ciudad

NOTICIAS

Marisol de la Fuente fue elegida “Wine Communicator

of the Year 2025”

Por primera vez una voz argentina conquista Londres.

Su estilo claro, cercano y educativo la llevó a ser distinguida frente a referentes de Hong Kong, Reino Unido y Canadá, marcando un hito para la comunicación del vino en español.

La sommelier y comunicadora argentina Marisol de la Fuente fue reconocida por la International Wine & Spirit Competition (IWSC) como “Wine Communicator of the Year 2025”, convirtiéndose en la primera hispanohablante y la primera argentina en obtener este prestigioso galardón. El premio, considerado uno de los más relevantes del mundo del vino, distingue a los comunicadores que logran acercar el vino a nuevos públicos con autenticidad, creatividad y excelencia. A la fecha esta distinción fue entregada a referentes de Inglaterra, Australia, Escocia, EEUU, Hong Kong y Alemania. (iwsc.net/ additional-awards/talentawards/wine-communicator) por lo que este premio marca un hito para nuestra región.

Un logro histórico

Marisol de la Fuente, con más de 25 años de experiencia en el ámbito del vino y la comunicación, ha logrado romper barreras: siendo argentina y trabajando en

español, ha alcanzado un galardón que hasta ahora había sido inaccesible para comunicadores hispanohablantes. Este reconocimiento no solo es un triunfo personal, sino un triunfo para la industria del vino en Argentina, para los comunicadores del Nuevo Mundo y para todos aquellos que creen en derribar muros en el ámbito del vino.

Este año, Marisol se impuso

entre destacadas figuras globales de la comunicación del vino, como Emilie Steckenborn (Hong Kong), Helen McGinn y Helena Nicklin (Reino Unido) y Natalie MacLean (Canadá), quienes completaron la lista de finalistas del premio IWSC Wine Communicator of the Year.

Instagram solsommelier/ www.youtube.com/c/ Solsommelier

NOTICIAS

Ya está online el PICA PICA #1 de la Fundación Teatro Picadero

Ya está disponible en la web de la Fundación y en su canal de Youtube la primera edición de PICA PICA, el ciclo de conversaciones que reúne sobre el escenario del Teatro Picadero a personalidades del arte y la cultura y a referentes de distintas áreas del conocimiento (política, economía, medios, academia y ciencias), para charlar, crear y poner en juego ideas, agendas y estrategias.

A lo largo de 4 encuentros (que tendrán frecuencia mensual a partir de octubre), el ciclo busca conformarse como un espacio vibrante, crítico y creativo para poner de manifiesto puntos de vista y trazar estrategias en un contexto de avance de las derechas, cambios de paradigmas, transformaciones sociales y disputas de sentido.

A fines de octubre se realizó el primer encuentro que giró en torno al rol del Estado en la Cultura, y del que participaron: el autor y director teatral Mauricio Kartun, la periodista Noelia Barral Grigera, Augusto Costa (Ministro de Producción, Ciencia e Innovación Tecnológica de la provincia de Buenos Aires), la economista y miembro del Consejo Asesor de la Fundación Teatro Picadero Mercedes Marcó del Pont, y el director, productor y guionista cinematográfico Mariano Llinás. Sebastián Blutrach (Presidente de la Fundación, productor y empresario teatral) ofició de moderador.

En noviembre se concretó el segundo PICA PICA y el tema propuesto por el equipo de la Fundación Teatro Picadero es: Concentración vs. diversidad

en la creación, circulación y explotación cultural. ¿Qué soberanías, narrativas y formas de producción están en disputa?

Cada encuentro de PICA PICA estará disponible en el Canal de Youtube de la Fundación, en su sitio www. fundacionteatropicadero. com.ar y en el IG @ fundacionteatropicadero.

Pica Pica busca ser un espacio para imaginar nuevos horizontes que permitan proyectar futuros posibles.

Fundación Teatro Picadero www. fundacionteatropicadero. com.ar @fundacionteatropicadero

Luciana Zylberberg Prensa info@lucianazylberberg. com.ar

NOTICIAS

BROADWAY EN GALA EXCLUSIVA DE VALERIA MAZZA

En su última semana en Buenos Aires, las estrellas de Broadway pasaron por la gala de Valeria Mazza a beneficio del área de pediatría del Hospital Austral.

El elenco encabezado por Alice Ripley y J. Robert Spencer estuvieron presentes para apoyar la causa y despedirse de Buenos Aires luego de una exitosa temporada de NEXT TO NORMAL IMMERSIVE.

Valeria Mazza y Alejandro Gravier fueron, una vez más, los perfectos anfitriones de la Gala a beneficio del área de Pediatría del Hospital Universitario Austral, del cual la top model es madrina. Y los asistentes a esta exclusiva gala en el Palacio Duhau Park Hyatt Buenos Aires tuvieron la oportunidad de disfrutar de estrellas de Broadway en Buenos Aires.

Alice Ripley interpretando un tema del musical LES MISERABLES

La ganadora del Tony Alice Ripley (protagonista de grandes éxitos como Les Miserables, Sunset Boulevard, Side Show, Little Shop of Horrors, Tell me on a Sunday, Gentlemen Prefer

Blondes, Show Boat, Sweeney Todd, Into the Woods, entre otras) y el nominado al Tony J. Robert Spencer (protagonista del musical Jersey Boys), brillaron interpretando temas de los musicales Les Miserables y Jersey Boys, respectivamente.

J. Robert Spencer interpretando un tema del musical JERSEY BOYS

Luego se sumaron al escenario los tres jóvenes actores argentinos que se destacan en Next to Normal Immersive (Ema Giménez Zapiola, Axel Munton y Valentín Zaninelli) y todos juntos emocionaron a los presentes con el emblemático tema “Light”.

Valentín Zaninelli, Ema Giménez Zapiola, J. Robert Spencer, Alice Ripley, Axel Munton interpretando LIGHT

“Next To Normal Immersive”, la propuesta innovadora y disruptiva que transformó el aclamado musical de Broadway (revolucionario por su valiente y original abordaje sobre salud mental) en una experiencia inmersiva sin precedentes, adaptada especialmente por sus autores Brian Yorkey y Tom Kitt.

Desde su estreno, este espectáculo ha revolucionado la forma en que el público vive el teatro, desdibujando las fronteras entre actores y espectadores y se ha convertido en un verdadero éxito de críticas y ventas, agotando localidades en todas las funciones.

BMZ Comunicaciones marcelo@

REABRIÓ LA SALA DE EXHIBICIONES DE LA SEDE ALSINA DEL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES

Del lado impar de Alsina, la vereda está distinta. A mitad de cuadra, llama la atención una vidriera amplia e iluminada. Desde afuera impacta el color amarillo. En el interior, flores y formas orgánicas, en enormes inflables plásticos, cuelgan del techo. No tratan de parecer naturales, por el contrario, se muestran en toda su artificialidad.

Involuntariamente, la gente que pasa gira la cabeza hacia el interior. Algunos se detienen y observan desde afuera. Otros se suman a quienes ya están adentro. Tal vez ese gesto automático

fue el que imaginó Clorindo Testa cuando en 1995 proyectó la sala que hoy lleva su nombre y permaneció en desuso durante más de diez años. Lo que atrae la mirada de los transeúntes es la inauguración de la exposición Flores: un jardín suspendido, una instalación de sitio específico curada por Pedro Bedmar Rodríguez y con obra de Pablo Curutchet.

“Esta inauguración —dijo Tulio Andreussi Guzmán en las palabras de apertura— trae consigo dos motivos para celebrar. El primero es la exposición misma. El

segundo es la reapertura de la emblemática sala de exhibiciones de la sede de Adolfo Alsina 673 ”. Luego comentó que el Directorio había tomado la decisión de manera unánime de que la sala llevara el nombre de Clorindo Testa y el anuncio fue largamente aplaudido por todos los presentes.

La historia es así: Clorindo, por entonces director de Arquitectura del Fondo Nacional de las Artes, junto con Francisco Bullrich donó el proyecto arquitectónico para construir una sala destinada a promover la creación artística en todas

sus formas y favorecer el acceso público al arte contemporáneo. El plano original que dibujó está exhibido en uno de los muros. Mientras funcionó, la sala albergó casi un centenar de muestras individuales y colectivas y se convirtió en un lugar de encuentro, experimentación y visibilidad para artistas de distintas generaciones y lenguajes, provenientes de todo el país. Con los años se convirtió en biblioteca, mesa de entradas y hall de acceso; se taparon los vidrios con vinilo, se obstaculizó la vista desde afuera y se oscureció el interior.

“Tal vez me hayan escuchado decir que el Fondo Nacional de las Artes es un organismo vivo que late al ritmo de la excelencia de la cultura —continuó Andreussi secundado por Teresa Bortagaray de Testa, viuda de Clorindo— y realmente

me causaba infinita tristeza ver el estado de descuido de la sala”. Y añadió: “ Espero que este sea el comienzo para que este espacio vuelva a brillar. Les digo a los artistas contemporáneos que el Fondo Nacional de las Artes está para acompañarlos en la realización de sus sueños. Es una herramienta poderosa para financiar sus proyectos. Cuenten con nosotros”.

A su turno, Bedmar, español de nacimiento y cordobés por adopción, agradeció al Fondo por estimular la creación de proyectos curatoriales y comentó: “Conocí a Pablo de manera casual en un viaje en colectivo y me interesó mucho su obra. Cuando me enteré del concurso pensé inmediatamente en esta pieza de sitio específico que se convierte en un lugar óptimo para sacarse selfies. La obra pone de relieve el mundo artificial en el que vivimos, un mundo en el que no

conectamos con el verdadero sentido de la vida: el amor, la creatividad, el juego, el movimiento, el contacto con los otros”.

Pablo Curutchet, por su parte, recordó su vínculo con el Fondo: “En 2006 gané una Beca Creación que me permitió desarrollar proyectos a gran escala. Volver al Fondo me conecta con esa parte de mi historia y es muy emocionante”.

Se exhibe además una pieza del propio curador, Pedro Bedmar, un libro de artista que el público puede manipular con guantes. Las fotografías, fotografías intervenidas con pintura, pinturas y textos poéticos plasmadas en sus páginas contrastan, de alguna manera, con la idea que propone la instalación principal.

Estuvieron presentes en la reapertura de la sala Joaquina Testa y autoridades de la Fundación Clorindo Testa; la Directora Nacional de Museos, María Paula Zingoni; miembros del Directorio del Fondo Nacional de las Artes y un numeroso público que celebró la iniciativa.

Flores: un jardín suspendido puede visitarse hasta el viernes 20 de febrero de 2026, de lunes a viernes, de 10 a 16 h, en Adolfo Alsina 673 (CABA), con entrada gratuita.

12 SALÓN NACIONAL DE ARTES VISUALES

Se entregaron los Premios Nacionales a la Trayectoria Artística 2025.

Las obras de los ocho ganadores del certamen, realizado como parte del 112 Salón Nacional de Artes Visuales, pasan a integrar la colección del Museo y se exhiben hasta el 15 de febrero.

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado 4 de noviembre la exposición que reúne las obras de los ocho galardonados con el Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2025: Perla Benveniste, Juan José Cambre, Eduardo Costa,

Daniel García, Vechy Logioio, Oscar Smoje, Julie Weisz y Marcos Zimmermann.

Este galardón, organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación en el marco del 112. Salón Nacional de Artes Visuales, que lleva adelante el Palais de Glace, reconoce el recorrido y la contribución de estos creadores argentinos, cuyas obras pasarán a integrar la colección del Museo.

“Nos da mucha alegría entregar este premio a estos

artistas que admiramos muchísimo. No es solo un premio honorífico, sino que también representa una ayuda real de dinero que colabora con su vida cotidiana y para que puedan seguir produciendo. A la vez las obras donadas enriquecen notablemente el acervo de nuestro querido Museo”, expresó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat, durante la concurrida ceremonia de entrega de diplomas.

En el acto de premiación participaron y acompañaron

a los artistas Leonardo Cifelli, secretario de Cultura de la Nación; Liliana Barela, subsecretaria de Patrimonio Cultural; autoridades del Bellas Artes; Cristina Santa Cruz, directora del Palais de Glace; miembros del jurado; colegas y personalidades de la cultura.

“Es un orgullo acompañar la inauguración de esta muestra que celebra la obra y el legado de estos ocho artistas, cuyas trayectorias dejan una huella profunda en la historia del arte argentino”, afirmó Cifelli al tomar la palabra.

El primero en recibir el diploma fue Smoje, quien agradeció a las autoridades y recordó una frase del escritor Alberto Laiseca: “¿Para qué sirve el arte? El arte sirve para bancar todo lo otro. Sin imaginación morimos”.

Por su parte, Zimmermann manifestó: “Es un honor ser parte de este grupo de artistas extraordinarios. Si uno mira para atrás, la trayectoria creo que no es solamente el esfuerzo de uno, es también el apoyo de mucha gente”. Cambre también agradeció al jurado y señaló: “Lo que más me gusta es el grupo que eligieron: estoy muy contento de estar con los otros siete”.

“Me siento muy honrado de estar en compañía de estos grandes artistas. Y espero que

en las próximas ediciones de este premio se amplíe la lista de seleccionados porque son muchos los artistas argentinos que tienen una trayectoria extraordinaria”, indicó García.

“Este año cumplí ochenta, y la verdad que este es un reconocimiento que no tiene precio para mí, es maravilloso”, comentó emocionada la fotógrafa Julie Weiz. En la misma línea, Benveniste comentó: “En mi trayectoria hay un camino, que es el del arte. Empecé a los 25 años, ahora tengo 82 y nunca paré de trabajar. Eso me enorgullece”. A su turno, Logioio expresó: “Me encanta que la obra se aloje en este museo, que está estupendamente bien”.

LAS OBRAS EXHIBIDAS

De García puede verse la pieza histórica “Camilla”, de 1990, lienzo montado en una estructura de madera que el artista presentó ese año en la exposición “Despojos y otras pinturas” en la Biblioteca Argentina de Rosario. De Juan José Cambre se exhibe “Sin título (Vasija)”, de 1997, acrílico sobre tela de gran formato representativo de la serie en la que sintetizó este recipiente hasta llegar a la abstracción. De Oscar Smoje se presenta “Ruptura exterior” de 1984, pieza clave de su producción en la que incorpora a la tela papeles, paletas usadas y otros

elementos de su taller.

Otra de las obras que forman parte de la muestra es “Fashion Fiction I: The Installation”, célebre instalación creada por Eduardo Costa en 1966, en la que incluye una oreja de oro de 24 quilates sobre una fotografía de una revista de moda. De Perla Benveniste se exhibe una caja cinética (“Sin título”, 2024) realizada con acrílico, acetato y luces, mientras que de Vechy Logioio se muestra la escultura en bronce “Desde el jardín”, de 2013, caracterizada por sus formas abstractas y orgánicas.

En cuanto a la fotografía, de Julie Weisz puede verse el “Autorretrato 3”, de su serie de “Máscaras” creada en 1995, y de Marcos Zimmermann se presenta su ensayo fotográfico “Los argentinos”, de 2018, integrado por varias piezas.

La exposición “Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2025” puede visitarse hasta el 15 de febrero de 2026 en la sala 33 del primer piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30 h.

Museo Nacional de Bellas Artes

www.bellasartes.gob.ar IG: @bellasartesargentina

ESTRENA EL 16 DE ENERO

"PAPÁ POR SIEMPRE" (Mrs. Doubtfire)

Con Campi y Dani “La Chepi”

El clásico cinematográfico de los 90’s, desembarca en Buenos Aires. Con Campi y Dani “La Chepi” como protagonistas, “Papá por siempre” se estrenará el 16 de enero de 2026 en el Teatro Liceo, y contará con la dirección de Ariel Del Mastro y la producción artística de Flor Bertotti. Entradas a la venta por Plateanet

El emblemático personaje interpretado por Robin Williams que conquistó al público en los años 90 vuelve a la escena, esta

20 MiráBA

vez sobre el escenario del Teatro Liceo. “Papá por siempre”, versión teatral de la icónica película Mrs. Doubtfire, tendrá su estreno en enero del 2026. Con una gran producción nacional y un elenco destacado, esta comedia musical promete una experiencia única para toda la familia que combina risa, ternura y música en vivo.

La adaptación argentina, con dirección general de Ariel Del Mastro, dirección de actores a cargo de Marcelo Caballero, la dirección vocal

de Seba Mazzoni, dirección musical de Alberto Favero y diseño escenográfico en manos de Jorge Ferrari prometen llevar al teatro una de las películas más icónicas del cine: la aventura de Daniel, un papá que tras perder la custodia de sus hijos decide transformarse en la Señora Doubtfire hasta recuperarlos mientras nos roba el corazón a todos.

Dani “La Chepi”, quien por primera vez desplegará su talento en un musical, interpretará a Miranda, la madre trabajadora y cariñosa

que todos recordamos.

Albana Fuentes, tras el éxito de La Sirenita, regresa al escenario para dar vida a Lydia, la hija mayor, mientras que Pablo Albella, más conocido como @ holaestapablo, debuta en el género musical interpretando a André. Todos ellos acompañarán a Martín “Campi” Campilongo, encargado de dar vida al icónico protagonista con su inconfundible humor y sensibilidad. El elenco se completa con un grupo de niños y niñas seleccionados en un proceso de audiciones que refleja el espíritu y la energía de los grandes musicales familiares.

Con Flor Bertotti en la producción artística y Juan Manuel Caballé, Federico Amador y Morris Gilbert al frente de la producción general de la obra que recupera el espíritu de la versión original protagonizada por Robin Williams, Sally Field y Pierce Brosnan, pero con una impronta local, moderna y emotiva. Una propuesta para toda la familia que combina humor, ternura y orquesta en vivo con dirección musical a cargo del maestro Alberto Favero quien hace su regreso a los escenarios argentinos luego de 10 años.

“Papá por siempre” promete convertirse en uno de los estrenos más esperados del verano porteño, llevando al escenario un clásico del cine con una puesta única, un elenco destacado y una producción nacional de primer nivel.

SOY PRENSA soy.prensaa@gmail.com MiráBA 21

EL RELOJ DE LA NAVIDAD

Una noche mágica para celebrar en familia el espíritu de la Navidad con un show audiovisual único.

El sábado 20 de diciembre , a las 20.30 h, el Auditorio de Belgrano -Virrey Loreto 2348 CABA- volverá a transformarse en un escenario de ensueño para recibir a “Navidad Sinfónica – El Reloj de la Navidad”, el espectáculo que desde hace

cuatro años, cada diciembre, reúne a familias enteras para vivir la magia del espíritu navideño.

Con una gran orquesta sinfónica en vivo y más de 40 artistas en escena , esta producción combina música y teatro, junto a un gran despliegue escénico para revivir los clásicos navideños más queridos y contarnos un cuento que invita a creer y compartir.

La historia, escrita y dirigida por Chacho Garabal, comienza en la Fábrica de Juguetes y Sorpresas de Santa, donde algo inesperado sucede: el Reloj que marca la cuenta regresiva hacia la Navidad se ha detenido. Sin su sonido, no habrá campanas y sin campanas, no habrá Navidad.

Los Jugueteros se embarcarán entonces en una aventura contrarreloj para reactivar el mecanismo mágico. En su camino conocerán a personajes legendarios como la Befana, la sabia amiga de los Reyes Magos que les señalará el rumbo hacia el Pesebre, y al misterioso Relojero, quien les enseñará una valiosa lección: la Navidad se hace entre todos y para todos.

Acompañados por la gran Orquesta del Multiverso, bajo la dirección de la

talentosa Maestra Clara Ackermann y la dirección de arte y coreografías por Flavia Pereda, el público podrá disfrutar de versiones sinfónicas de clásicos como “Jingle Bells”, “Santa Claus llegó a la ciudad”, “Rudolph, el reno”, “Believe”, “Una dulce Navidad” y “Tus deseos”, entre muchas otras.

Antes de comenzar la función, a partir de las 20 h, Santa recibirá a los invitados en el hall del Auditorio para escuchar los deseos de los más pequeños y tomarse

fotos con las familias, dando inicio a una velada llena de ilusión y alegría.

Tras su estreno en 2022 y sus exitosas presentaciones en Buenos Aires y Ciudad de México, Navidad Sinfónica celebra su cuarta temporada invitando al público a un viaje mágico que se encamina a convertirse en una nueva tradición para fin de año.

PRENSA

Lola Barredo PR lolabarredo@gmail.com

Clásica del Sur cierra su Temporada 2025 con una de las obras cumbres de la música universal.

Novena Sinfonía de Beethoven

La Compañía Artística Clásica del Sur cierra su exitosa Temporada 2025 con la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, una de las obras más ambiciosas de la historia de la música y de las más amadas por el público.

Novena Sinfonía de Beethoven

Novena Sinfonía de Beethoven 6 y 7 de diciembre a las 20:00

Palacio Cangallo - Juan D. Perón 1242

Sede Gran Logia de la Argentina de Libres y Aceptados Masones

Entrada: $25.000 - Alias para venta y transferencias: CLASICADELSUR.MP

Con un elenco de destacados solistas y 110 artistas en escena, integrantes de la Orquesta Sinfónica Clásica del Sur y el Coro Clásica del Sur, la compañía corona un año que la tuvo como protagonista de una elogiada puesta de la ópera Carmen en el Teatro Avenida; dos funciones agotadas del Mefistófeles de Arrgo Boito; un ciclo de cuatro presentaciones a sala llena de Carmina Burana y una versión del Réquiem de Verdi que convocó multitudes en tres iglesias porteñas y colmó

de público la Catedral de San Isidro.

Las funciones de la última sinfonía del gran compositor alemán, sin duda uno de los más importantes de la historia de la música, serán el sábado 6 y el domingo 7 de diciembre a las 20:00 horas en el Palacio Cangallo sede de la Gran Logia de la Argentina de los libres y Aceptados Masones, bajo la dirección musical y general del maestro César Tello, con producción de Juan Carlos Montamat.

Una obra universal que trascendió el paso del tiempo

Compuesta entre 1822 y 1824 y estrenada en Viena el 7 de mayo de 1824 bajo la dirección de Michael Umlauf, la Sinfonía N.º 9 en re menor, Op. 125, fue la última obra de este tipo escrita por Beethoven y se convirtió en un símbolo de la humanidad, la libertad y la fraternidad entre los pueblos.

En el marco de apertura hacia la humanidad que caracterizó las últimas obras del compositor alemán, la necesidad de una comunicación cada vez más directa lo llevó a sumar el sonido de las voces al instrumental.

El cuarto movimiento de la Sinfonía, que incluye la célebre “Oda a la Alegría”, con texto de Friedrich Schiller, marcó entonces un hito en la historia de la música al incorporar por primera vez la voz humana dentro de una obra de carácter sinfónico, uniendo coro, solistas y orquesta en un mensaje de esperanza universal.

Si bien la composición tomó solo los últimos dos de los 12 años que separan la obra de su predecesora, lo cierto es que Beethoven ya había expresado en 1793 su intención de componer un arreglo de la Oda a la alegría, de Schiller. En ese sentido, el primer intento tuvo forma de canción, en

1798; en 1808 escribió la fantasía Coral, que llegó a ser una pieza de estudio del final de la Novena Sinfonía. y en 1815 el compositor apuntó las pirmeras notas de lo que se convertiría en el tema del scherzo de la obra.

Aunque debido a su sordera, el creador no pudo dirigir el estreno de la obra, sí supervisó hasta donde pudo los ensayos, aunque finalmente fue Umlauf quien dio las instrucciones a los músicos para que no tomaran en cuenta las marcaciones del compositor, que aún sin oírlos pudo sifrutar de los aplausos de la audiencia, a la que saludó al finalizar la interpretación.

Desde entonces, la obra se ha interpretado como himno en momentos clave de la historia, y su melodía final fue adoptada además como Himno de la Unión Europea, consolidando su vigencia como una celebración del espíritu humano.

FICHA

Solistas

Virginia Guevara

Laura Domínguez

Nicolás Sánchez

Bruno Sciaini Santoro

Dirección musical y general:

Maestro César Tello

Compañía Clásica del Sur

Producción general:

Juan Carlos Montamat

Orquesta sinfónica y Coro Clásica del Sur

Sobre Clásica del Sur

La Compañía Artística

Clásica del Sur, dirigida por el Maestro César Tello, desarrolla desde hace años un proyecto de difusión y actualización del repertorio sinfónico y operístico, con producciones que buscan acercar la música clásica a nuevos públicos sin renunciar a la excelencia interpretativa.

Tras los éxitos de El Réquiem de Verdi y La flauta mágica, esta versión de la Novena Sinfonía de Beethoven reafirma el compromiso de la compañía con una propuesta artística que combina emoción, accesibilidad y profundidad estética.

Arte prensado

Prensa y comunicación

Eduardo Slusarczuk/ eduardo.slus@gmail.com

Maestro César Tello

EL ARTE DE DIRIGIR

NICOLÁS ISASI, DOS DÉCADAS DEDICADAS AL ARTE

En medio de la producción de la ópera Gli Eroi Spartani que estrena el próximo 13 de diciembre en el Teatro de Vila Real en coproducción con la Fundação da Casa de Mateus, con el apoyo de la Embajada de Grecia en Portugal, la revista MiráBA habló con Nicolás Isasi que celebra con este proyecto 20 años como director.

MF: ¿A qué edad supiste a qué te ibas a dedicar?

IN: “Desde chicos mirábamos muchas películas, junto a mi hermano Mariano, creábamos historias y personajes desplegando juguetes que ocupaban todos los espacios para jugar durante horas sin parar. Esas ciudades y personajes a veces permanecían días extendidos en los pisos de todo el departamento hasta que los volvíamos a guardar. Ahí ya pensaba en escenas y espacios, personajes o situaciones dramáticas que podíamos pasar todo el día e improvisando entre los dos. Con mamá íbamos siempre a ver muchas obras de teatro, conciertos, exposiciones de arte o películas. Siempre me despertó gran interés el mundo artístico y sabía que quería hacer algo relacionado a ello. A los 12 años, cuando estudiaba saxofón en el conservatorio, ya tenía decidido que quería dedicarme a la dirección. Me fascinaba el mun-

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do cinematográfico al igual que ahora”.

MF: ¿Qué es lo que más te atrae de ser director?

IN: “Siempre me atrajo el mundo del detrás de escena. Observar tras bastidores aquello que se está preparando, armando, construyendo. Dirigir es una profesión apasionante, soy una

persona genuinamente curiosa que observa mucho cada detalle. Creo que para ser buen director primero hay que ser un buen espectador. También es una profesión muy rara y complicada, difícil de explicar en pocas palabras, porque como director uno encara una posición de gran responsabilidad: es la cabeza principal de todo

Nicolás Isasi - Gli Eroi Spartani - Crédito de foto André Macedo.

aquello que se ve y cómo se va a ver, articulando todas las áreas y roles. Con el paso del tiempo, debo decir que pese a todos los estudios que uno pueda tener, dirigir es algo muy personal y difícil de sostener porque requiere de mucha paciencia, de saber llevar adelante un eje o columna vertebral artística, buscar la esencia de cada escena, la psicología de los personajes, sus sentimientos y acciones. Implica mucho esfuerzo, trabajo en equipo, y un poder creativo que debe renovarse y mantenerse permanentemente. Hoy no soy el mismo director de hace veinte años cuando arrancaba. Uno evoluciona, cambia y aprende constantemente. Los recursos humanos y materiales son fundamentales para poder crear. Sobre todas las cosas, trabajar con buenas personas. Para

mí es muy importante el equipo humano a la par del artístico. He tenido la oportunidad que me acompañen reconocidos profesionales y muchas veces trabajé con personas fuera del ámbito operístico o cinematográfico, que te escuchan, se involucran, opinan o aportan ideas, algo que considero muy enriquecedor. Me preocupo por formar excelentes equipos en un buen ambiente laboral, donde se compartan momentos y anécdotas, que luego me recuerdan constantemente lo bien que la pasaron en tal o cual proyecto. Eso, como director, es un elogio muy grande porque son períodos cortos de tiempo, pero de muchas horas de convivencia y exigencia que se traducen en buenos resultados. El objetivo final es crear una obra con la mayor calidad posible para el

público, que es el partícipe necesario para que el arte cobre sentido”.

MF: ¿Cómo comenzaste en el mundo de la música y luego a la dirección escénica de ópera?

IN: “Siempre hubo buena música en casa. No sólo música académica, sino también rock, tango, pop. Tengo el recuerdo de estar dibujando a los 4 años en el living de casa mientras mi papá estudiaba medicina escuchando Elton John. A mis abuelos les gustaba el tango al igual que a mi bisabuelo, quien también era un cineasta amateur, filmando y editando videos familiares. Toda esa influencia me llegó a través de mi madre y mi bisabuela, con la que viví hasta los 23 años. Durante la adolescencia escuchaba mucha mú- u

Nicolás Isasi en un ensayo de la ópera As Damas Trocadas (2023). MiráBA 27

sica, ahí conocí el jazz, blues, rock y cada día descubría algo nuevo. Luego entré en el conservatorio, donde conocí a los grandes compositores de la música académica. Alrededor de los 13 o 14 años fue que comencé a ir al Teatro Argentino de La Plata a ver ópera, primero con mi abuela, y después empecé a ir solo. En la Universidad del Cine, mientras cursaba, descubrí que existía la figura del director escénico. Pero tuve que esperar hasta los 21 años para poder hacer los exámenes de ingreso a la carrera de dirección escénica de ópera en el Teatro Colón”.

MF: ¿Cómo abordás la interpretación de una obra nueva?

¿Qué buscás en la partitura?

IN: “El abordaje es distinto para cada obra o proyecto. A veces comienza con una imagen, una palabra, un acorde. Como director estoy interesado en contar historias y espacios que inspiren, emocionen, conmuevan o despierten la curiosidad de todo tipo de públicos. Hago un trabajo de investigación muy extenso antes de cada proyecto: pruebas, bocetos, maquetas, dibujos y luego también incorporo cosas que surgen en el camino. Una melodía que te cautiva o, por lo contrario, un pasaje musical que te perturba; porque allí está la base del drama, de lo que le está pasando a los personajes que son con los que el público se identifica. Una cierta coloratura en la línea de canto puede llegar a ser tanto una carcajada de felicidad como un mar de lá-

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grimas, dependiendo del marco sonoro y el contexto argumental. Luego viene la unión con el texto, que justamente aporta o resignifica aquella melodía. La ópera tiene ese entramado tan complejo que me hace pensar en varias capas simultáneas. A veces un tipo de ritmo me transporta a los movimientos de un personaje, o me abre posibili-

dades para una indicación espacial. Luego el tempo, la métrica, los compases de silencios en la línea de canto son muy importantes para las transiciones de iluminación, escenografía y de los personajes mismos. Uno ensaya muchísimo, pero como pasa en el cine, también acontecen improvisaciones o errores durante la misma toma que ter-

Nicolás Isasi durante el Ensayo General del Dúo Final en el Teatro Helikon de Moscú (2019).

minan funcionando en la clave de ese personaje, y quedan de forma improvisada mejor que aquello ensayado. En la ópera a diferencia del teatro, como decía mi maestra Ponchi Morpurgo, la música rige el tiempo de los movimientos por lo cual todo tiene que estar muy ensayado como mecanismo de relojería. La ópera una vez que arranca es igual que un tren, sigue hasta el final y hay que estar en el andén justo para subirse al vagón indicado”.

MF: ¿Cómo desarrollás tu concepto artístico para una ópera en particular? ¿Cuál fue la obra más desafiante que has dirigido?

IN: “Ahora diría esta producción que estamos haciendo. Pero creo que cada proyecto siempre trae sus propias dificultades.

El período de ensayos o rodaje, tanto en cine como en ópera puede ser de unas pocas semanas, pero el trabajo interno de preparación, estudio, análisis, pensamiento, diseño, requiere de meses. Y en el caso del cine, hasta ver el resultado final, podemos hablar de años. De hecho, todavía tengo proyectos que fueron filmados en Argentina esperando la post-producción. En el caso de Gli Eroi Spartani, es una obra que no tiene ningún registro sonoro previo, lo que hace mucho más difícil el trabajo. Pensar que esta es la primera versión completa después de 237 años de su estreno es algo curioso y un gran desafío, que también se refleja en el

estudio y colaboración junto al Maestro Ricardo Bernardes, con quien ya estamos realizando nuestro tercer proyecto operístico conjunto, con artistas provenientes de Portugal, España, Brasil y Argentina. Recién en los ensayos comenzaremos a encajar las piezas como si se tratara de un rompecabezas para iniciar el gigantesco armado. En este momento, nos encontramos en el proceso final de realización de escenografía y de utilería, con escudos y hasta un barco estilo ateniense con la ayuda del equipo de restauración y realización de la FCM liderado por Osvaldo Monteiro. Una vez que los cantantes tienen sus partes estudiadas, pensamos en el texto, en aquello que le está pasando o diciendo el personaje, cómo dialoga con otros por ejemplo en un dúo o trío, escuchar el acompañamiento, la orquesta completa. Es un proceso lento pero que cada día cobra

forma y sentido. Finalmente, el día del estreno, todos aquellos detalles debidamente estudiados, bocetados, pensados, las ideas de puesta, las luces, el maquillaje, forman parte de una totalidad. Es ahí donde el público podrá apreciar el rompecabezas armado”.

MF: ¿Cuál fue tu ópera prima? IN: “En cine fue por el año 2005 con mi primer cortometraje profesional, VECINOS, donde participaron varios amigos, vecinos de mi edificio y miembros de la familia. Entre ellos, incluso actuó por primera vez mi bisabuela por aquel entonces de 91 años, en un papel protagónico que fue sumamente elogiado. Ese corto fue una gran oportunidad de experimentación porque era la primera vez que escribía un guion y filmaba un cortometraje desde cero. Todo ese rodaje fue genial y la pasamos muy bien. En el equipo, tenía colegas u

Nicolás Isasi en el taller de Escenografía de la FUC (2022). MiráBA 29

de estudio con los cuales hoy sigo trabajando, como es el caso de Daniel Di Paola, que actualmente trabaja en España, con quien realizamos las animaciones que se proyectarán en el próximo estreno. En ópera, fue por el año 2012, con Le Nozze di Figaro de Mozart para Ópera Joven, mientras estudiaba en el Colón. Fue una oportunidad única de llevar a cabo una puesta en escena ligada al mundo del cómic. Recuerdo que, la gran complejidad además de la obra en sí, fue comenzar a dirigir varios elencos en simultáneo. Teníamos dos o tres cantantes principales para cada personaje porque era un espacio de experimentación para jóvenes que tenían la oportunidad de estudiar, ensayar y preparar roles.

Solo que como director recuerdo fue un desafío enorme”.

MF: ¿Qué sentís sobre los premios internacionales o menciones honoríficas por tus trabajos?

IN: “Creo que uno dirige por vocación, no por los premios. Sin embargo, a lo largo de estas dos décadas estoy muy satisfecho porque muchos de mis trabajos fueron premiados en distintos festivales de cine. Cuando veo hacia atrás, son más de 80 producciones teatrales, operísticas y cinematográficas, con equipos sumamente talentosos que han sido premiados en todo tipo de áreas como mejor film, actuación, banda sonora, guion, etc. Haber llegado a la semifinal mundial del certamen NANO

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Nicolás Isasi en Nano Ópera Rusia (2019).

OPERA para jóvenes directores de ópera en Rusia en 2019 fue otro logro importante. Me avisaron que había quedado seleccionado con un par de semanas de anticipación y de repente, tuve que poner todo en pausa: trabajos, compromisos, proyectos; ponerme a estudiar las óperas con las que iba a concursar y preparar todo para un viaje de 30h al otro lado del mundo. Sin embargo, uno de los reconocimientos más importantes para mí, fue haber sido uno de los artistas participantes en el PQ 2024 Symposium: Technologies in Theatre, Performance and Exhibition Design organizado por la Cuadrienal de Praga de Diseño de Espectáculos y Espacios. La Cuadrienal de Praga es una plataforma única en el mundo y la de mayor relevancia respecto al diseño escenográfico. Saber que esa escenografía que realicé en mi debut europeo como director, relacionada a los laberintos borgeanos haya sido seleccionada fue algo inolvidable. Pude presentar parte del proceso creativo realizado en los jardines del Palacio de Mateus junto a otros colegas y público en general. Incluso una anécdota genial ocurrió con un exalumno de la universidad que estaba estudiando en Chekia y se acercó para asistir a la presentación en vivo. Saber que un alumno de hace años, vuelve a escuchar al profe aunque sea por un instante en otra parte del planeta y sin obligación, sin dudas fue también un gran premio”.

VUELVE AL TEATRO PICADERO ÁNGEL RUIZ CON “SUSURROS DE IDA Y VUELTA”

ANGEL RUIZ luego de haber protagonizado un gran éxito con el musical “Miguel de Molina al desnudo”, regresa a la Argentina para presentar y por sólo una única función su nuevo espectáculo SUSURROS DE IDA Y VUELTA acompañado por el maestro Bru Ferri, el próximo 11 de Diciembre de 2025 a las 22 h. en el Teatro Picadero (Pje Enrique S. Discépolo 1857) CABA.

Una velada de música, emoción

y encuentro. A lo largo de mi camino artístico, siempre he sentido una necesidad urgente de adentrarme en aquellas canciones que me tocaban el alma, tanto por sus notas como por sus palabras. Al escucharlas, percibía que me llamaban, que apelaban a un sentimiento guardado en algún rincón profundo de mi ser, esperando salir. Y al cantarlas, experimentaba una explosión de bienestar que recorría mi cuerpo, como si de pronto me

reconociera en su hogar, en un lugar seguro, libre, donde todo encajaba. Al ir conformando este repertorio emocional, me di cuenta de que, en su mayoría, las canciones provenían de autores españoles y argentinos. Y al estar en Buenos Aires, entendí la razón de esa conexión.

De repente, me sentí en casa; aquellas emociones que las canciones me habían despertado, ahora, como por

arte de magia, encontraron su lugar en mí, un lugar ya conocido.

La música es el mayor de los puentes imaginables, capaz de unir dos mundos que, aunque parezcan distantes, siempre han estado unidos por una complicidad llena de respeto, reconocimiento y fascinación mutua.

Este recital es un homenaje a esos autores de ambas orillas del Atlántico, que, con sus canciones, han aportado luz y felicidad a mi camino.

ÁNGEL RUIZ

Ángel Ruiz es uno de los intérpretes más versátiles y completos del panorama escénico español. Actor, cantante, autor y director, ha hecho de la escena su territorio natural, moviéndose con igual soltura entre la comedia y el drama, el verso y el musical, la zarzuela y la creación contemporánea. Su presencia sobre el escenario —intensa, precisa y siempre llena de

verdad— lo ha convertido en una de las voces más respetadas y queridas por el público, la crítica y la profesión.

Como cantante, ha recorrido casi todos los géneros imaginables: la copla, el cuplé, el bolero, la canción latinoamericana, el pop o la música ligera. En todos ellos imprime su sello, esa mezcla de emoción, ironía y elegancia que lo caracteriza.

Su faceta como dramaturgo y creador ha dado frutos memorables. Miguel de Molina al desnudo, espectáculo unipersonal escrito e interpretado por él mismo, lo consagró como autor e intérprete, recibiendo los principales galardones teatrales dentro y fuera de España: el Premio MAX, el Premio de Teatro Musical, el Premio de la Unión de Actores, el Premio Hugo de Buenos Aires y el Premio del Festival de Almada (Portugal), entre otros.

A lo largo de su extensa trayectoria ha trabajado con directores de la talla de Declan Donnellan, Andrés Lima, Mario Gas, Miguel del Arco, Emilio Sagi o Félix Estaire, protagonizando montajes tan diversos como Luces de Bohemia, La vida es sueño, La Tabernera del puerto, Follies o El Rey de la Farándula espectáculo de su autoría y dirección que actualmente se encuentra en gira tras su estreno en el Festival de Teatro Clásico de Almagro—. En televisión, ha participado en numerosas series y programas,

destacando su interpretación de Federico García Lorca en El Ministerio del Tiempo, papel que le valió el reconocimiento de la Unión de Actores. Ángel Ruiz es, en definitiva, un artista total: un contador de historias que entiende el teatro y la música como lugares de encuentro y emoción compartida, donde el arte y la vida se confunden hasta hacerse una sola cosa.

BRU FERRI

Bru Ferri es un músico inclasificable, un creador que habita el territorio donde se cruzan la música, el teatro, el movimiento y la emoción. Pianista, cantante, compositor, improvisador y director musical, su trabajo trasciende géneros y disciplinas para construir un lenguaje propio, donde lo escénico y lo sonoro se funden en una misma respiración.

Graduado en Piano Jazz por el Conservatorio Superior del Liceu de Barcelona, ha desarrollado una intensa carrera que lo ha llevado a actuar en nueve

países de tres continentes, siempre con la curiosidad como brújula. Forma parte del centro de creación Konvent PuntZero, espacio de referencia en la experimentación artística catalana, y ha publicado cinco discos de música original, además de componer para teatro y cine.

Su trayectoria se extiende por numerosos proyectos en los que alterna el papel de pianista, cantante, compositor o actor.

Entre ellos destacan el Bru Ferri Trío junto a Marc Miralta y Juan Pastor, Neus Borrell & amp; Bru Ferri, Orpheus y La Conferencia de los Pájaros con la compañía Insectotròpics, o el Cor del Solstici de Silvia Pérez Cruz. En el ámbito teatral, ha sido intérprete y creador en producciones como Prostitución de Andrés Lima, Viatge d’Hivern de Magda Puyo o Pes Mort de Elena Martinell, siempre moviéndose entre la música y la interpretación con una naturalidad que convierte cada obra en una experiencia viva. Actualmente, es director musical y compositor de El Rey de la Farándula de Ángel Ruiz y de La Conferencia de los Pájaros, de la compañía Insectotròpics, cuyo estreno tendrá lugar en el festival BellSquare de Londres ese mismo año.

Bru Ferri representa una nueva generación de artistas totales: inquietos, versátiles, sin fronteras entre las artes. Su música, siempre al servicio de la emoción, invita al espectador

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a escuchar con los oídos... y también con el alma.

SUSURROS DE IDA Y VUELTA en el Picadero

Más que un concierto, Susurros de ida y vuelta es una reunión. Una cita íntima entre artistas y público donde las canciones viajan, se entrelazan y se transforman en conversación.

La intención es huir de la distancia que a veces separa al escenario de las butacas y convertir el espacio en un salón compartido, en una casa abierta donde los artistas invitan a los espectadores a sumergirse en un ambiente cálido, cómplice y cercano.

De un lado y otro del Atlántico llegan las melodías: canciones de España y Argentina, de

México o de Cuba… historias que cruzan mares y se reconocen unas en otras, unidas por la emoción y la palabra.

En Susurros de ida y vuelta, el público no asiste: participa. Forma parte de la escena, se sienta cerca, respira junto a los músicos, comparte anécdotas y silencios. A veces incluso se adentra físicamente en el escenario, como si entrara en el salón de casa de unos amigos que cantan y cuentan sin más guion que el de la emoción.

Los artistas, desde la improvisación y la sinceridad, comparten también sus propias vivencias, recuerdos y reflexiones, abriendo las puertas a un encuentro irrepetible, vivo y lleno de verdad.

Cada función será distinta, porque cada público lo es. Cada “ida” tendrá su “vuelta”. Y en ese ir y venir de voces, miradas y susurros, nacerá la magia de lo compartido.

SUSURROS DE IDA Y VUELTA

Única función: jueves 11 de diciembre 22 h. Teatro Picadero: Pje Enrique S. Discépolo 185CABA

Entradas: por Plateanet www. plateanet.com o boletería del teatro

PRENSA

Raúl Casalotti -SMWPress raulcasalotti@smwpress.com

“EL DECLIVE”: ¿BORRÓN Y CUENTA NUEVA?

Por : Irene Bianchi

“El Declive”, escrita y dirigida por Nelson Valente, colmó la capacidad del Teatro “El Escape”, La Plata, el viernes pasado. Y bien que mereció esa sala llena.

Se trata de una comedia negra que divierte y a la vez incomoda e interpela al espectador. Dos parejas de mediana edad comparten una tarde de domingo, matando el tiempo entre chismes y charlas intrascendentes, hasta que al dueño de casa – un tipo gruñón y mandónse le salta la térmica y despotrica sin filtro contra su “amigo”, criticándolo despiadadamente porque éste, médico de profesión, admite sin cargo de conciencia que aborrece su trabajo. Eligió esa carrera tal vez por un mandato familiar, pero a esta altura de su vida confiesa que odia a sus pacientes, aborrece ir al hospital, y lo único que le da “felicidad” es irse de pesca de vez en cuando con sus amigos.

Ese disparador ocasiona una turbulencia inesperada. De pronto, se caen las máscaras, y los cuatro hablan y gritan a calzón quitado, desnudando sus emociones como nunca lo

habían hecho antes. Surgen preguntas existenciales.

¿Son felices en sus relaciones de pareja, o permanecen juntos por comodidad, por conveniencia, por temor a intentar algo nuevo? ¿Se aman o siguen por rutina?

¿Son felices como individuos con las elecciones que hicieron? ¿Desearían haber hecho otra cosa, haber sido otros, haber tenido otra vida? Dejar lo viejo es caer al vacío en un peligroso declive, bancarse la soledad, la incertidumbre, lo desconocido.

Éstos son los temas que

aborda Nelson Valente, en un contexto cotidiano, de gente común y corriente, que sigue como está por inercia, sin cuestionarse nada; gente que elige permanecer en su zona de confort antes que arrancar de cero nuevamente.

Excelentes las actrices y actores del “Banfield Teatro Ensemble” (“El loco y la camisa”). Lide Uranga, la anfitriona, compone un personaje que genera enorme ternura y empatía. Sutil, ingenua, casi una niña por momentos, una mujer dominada por su marido (Enrique Amido), un hombre autoritario y machista, que será quien destape luego una

olla pestilente que salpicará a todos por igual. Capo lavoro de ambos.

El amigo médico (Carlos Rozas), callado y apocado en un principio, protagoniza una feroz catarsis que dejará a todos con la boca abierta, forzando a los demás a sincerarse también. Una transición inesperada.

Silvia Villazur, la amiga, dice todo con su rica gestualidad. Menos es más. Huelgan las palabras.

Los cuatro componen un equipo compacto y homogéneo. Personifican a hombres y mujeres

con quienes resulta fácil identificarse. Y la pregunta que inevitablemente surge en la cabeza del espectador es: ¿Soy verdaderamente feliz? ¿Amo a la persona con quien estoy? ¿Me arrepiento de la profesión o trabajo que elegí? ¿Me animaría a patear el tablero y hacer lo que realmente me gusta?

Esta muy recomendable obra de Nelson Valente, con asistencia de dirección de Martha Gnarini y producción de Gabriela Ledo, seguirá en cartel en 2026 en “El Camarín de las Musas”, Mario Bravo 960, CABA.

https://irenebianchi.com.ar/

PIMPINELA HABLÓ DE TODO Y ANUNCIÓ SU GIRA ARGENTINA 2026

“Noticias del Amor”

Joaquín y Lucía Galán brindaron una conferencia de prensa y contaron cómo será su regreso al país para presentar su nuevo espectáculo “Noticias del Amor”

Después de un 2025 en el que volvieron a confirmar que son un fenómeno de permanente vigencia, agotando funciones en Estados Unidos, España, México y el resto de América Latina, y emocionando

a públicos de distintas generaciones, Pimpinela brindó una conferencia de prensa en el Sofitel Buenos Aires Recoleta este miércoles 19 de noviembre. Frente a periodistas y a creadores de contenido de todo el país, Lucía y Joaquín Galán anunciaron la gira argentina 2026 de su espectáculo “Noticias del Amor”.

La primera fecha en Argentina será el 10 de enero en el

Polideportivo Mar del Plata y el cierre del tour será con su vuelta al Movistar Arena en Buenos Aires el domingo 18 de octubre, coincidiendo con el Día de la Madre. Las entradas para este show estarán a la venta el próximo martes 25 de noviembre a las 16 horas en www.movistararena.com. ar , mientras que los tickets para disfrutar a Pimpinela en Mar del Plata estarán disponibles en TuEntrada. com próximamente.

La Gira Argentina 2026 también recorrerá Rosario, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, San Juan, Neuquén, Salta y Tucumán en fechas que se anunciarán en breve.

PRESENTACIONES:

Polideportivo Mar del Plata 10 de enero

Entradas próximamente a la venta

Movistar Arena 18 de octubre

Entradas a la venta desde el 25 de noviembre a las 16 horas en www. movistararena.com.ar Hasta 6 cuotas sin interés con tarjetas VISA de Banco Galicia

Antes de dar comienzo a este reencuentro con el público argentino, los hermanos Galán decidieron cerrar el 2025 con este anuncio y vivir un momento especial con los medios. No fue

una conferencia de prensa tradicional: el evento se convirtió en una charla a corazón abierto que reveló el lado B de los hermanos Lucía y Joaquín, ese territorio en el que los miedos, las decisiones, la vulnerabilidad y la soledad se mezclan con la fuerza escénica que los caracteriza.

El host del evento, el periodista Javier Fabracci, abrió el juego a esta conversación diferente en la que Pimpinela recorrió su historia y habló acerca de cómo manejan esa dualidad entre el éxito y lo que pasa en la vida debajo del escenario. “Hay que estar muy preparado para eso. El contraste es muy grande. Cuando terminás un concierto en un estadio de miles y miles de personas con la adrenalina arriba, te llevan al hotel, y de golpe tenés la comida ahí. Cada uno del staff, que somos 26 personas viajando, se va a hacer su vida y te quedás solo.

Entonces, tenés que estar muy preparado. Hay carreras más difíciles que otras, pero uno expone mucho su cuerpo, sus emociones, y considero que es muy importante”, dijo Lucía. “Yo pienso que nosotros tuvimos la suerte de venir de la época donde cada escalón te lo ganabas a través del tiempo y de ir madurando”, dijo Joaquín: “Si bien, también es cierto, que ‘Olvídame, pega la vuelta’ fue una canción que tuvo una repercusión muy rápida en un año y medio. A los dos años de salir la canción, estábamos cantando en el Radio City, en Nueva York, algo impensable para esa época. De todos modos atravesamos esos años 80 con calma, yendo y viniendo, mostrando al dúo en todos los países”.

También hubo un momento para que cada uno de los Galán dijera qué era lo que lo molestaba del otro. “Ha ido mejorando mi hermano. u

El muchacho antes era muy impuntual y yo soy muy puntual, entonces era todo un tema. Teníamos que estar para irnos a alguna entrevista o algo similar y era yo la que estaba abajo en el lobby siempre esperando y ahí surgían las conversaciones, las canciones sin música y con otra letra”, comentó entre risas Lucía. “Yo creo que siempre veo el lado más positivo. Peleas de hermanos es inevitable, pero la mejor noticia para nosotros es que, viendo cómo se llevan otros hermanos, nosotros somos realmente maravillosos”, respondió Joaquín.

“Salimos de gira en el 82 y nunca paramos. No es que ahora vamos a salir de gira de nuevo: acabamos de llegar hace una semana de México, Dominicana, Panamá y de España. Yo creo que tenemos un entusiasmo que hace que el día a día sea productivo, sea creativo”, señaló Lucía sobre cómo es arrancar un tour por todo el país luego de 43 años de trayectoria. Para Joaquín, la vida de los hermanos es una gira permanente: “Así lo planteamos al principio y es un estilo de vida, no es que sintamos que salimos a trabajar, es nuestro estilo. En nuestro estilo de vivir en familia y de recorrer tantos sitios”.

“Esa relación de hermanos se siente a la hora de de

estar de gira”, fue lo que destacó Joaquín de Lucía. “Y en lo profesional, valoro mucho el rendimiento de ella en concierto, la entrega, la ductilidad, la magia para subirse a un escenario y conectar con la gente”. Por su parte, Lucía dijo: “Nos divertimos mucho. Tenemos mucho humor parecido. Entonces, hay momentos de mucho cansancio, momentos de mucho estrés, porque son por ahí shows seguidos en distintas ciudades, y trabajar con alguien tan cercano es muy importante”.

Cómo es Noticias del Amor, el espectáculo que Pimpinela presentará en toda la Argentina

El nuevo espectáculo “Noticias del Amor” es una experiencia diferente a cualquier otro concierto. Es un viaje musical y visual con los grandes éxitos del dúo que invita a recorrer cómo cambiaron el amor y las relaciones de pareja a través de las décadas. Con una puesta en escena

innovadora, los hermanos se convierten en presentadores de noticias que, en tono de comedia, recrean las eternas discusiones de pareja mientras emocionan a seguidores de todas las edades con su estilo único, mezcla de música y teatro.

El estreno de la gira 2026 en Argentina será el 10 de enero en el Polideportivo Islas Malvinas de Mar del Plata, antes de iniciar un extenso recorrido nacional previsto desde abril, que incluirá fechas en Rosario, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, San Juan, Neuquén, Salta y Tucumán. El tour “Noticias del Amor ” finalizará en octubre con funciones en el Movistar Arena de Buenos Aires. Las entradas para este concierto saldrán a la venta el 25 de noviembre.

Maria Peluffo prensa@mariapeluffo.com Ph. Chule Valerga

VIDEO Resumen - “Noticias del Amor” Tour 2025

Ainda

Se presenta en Teatro Argentino de La Plata

Ainda llega a la ciudad de La Plata en el marco de su gira nacional presentación de “Fuimos Los Dos”, su más reciente trabajo de estudio. El álbum -que ya conquistó al público con canciones como “No es amor” y “Tu Soledad y La Mía” un punto de madurez emocional y sonora en la trayectoria del dúo.

La cita será el viernes 5 de diciembre, 21h. en la Sala Piazzolla del Teatro Argentino Entradas por Livepass Comprando con tarjetas del Banco Provincia tenes 4 cuotas sin interés

Ainda vuelve a las raíces del dueto con “Fuimos los dos”, su nuevo álbum que refuerza la esencia de la banda como un diálogo constante entre dos voces, explorando la complicidad y la narrativa compartida. El título mismo, tomado de una frase de “Éramos lo más” sintetiza esta idea: una historia contada a dos voces, donde cada canción es un reflejo de ese intercambio íntimo y genuino.

La búsqueda sonora de “Fuimos los dos” está marcada por una producción inspirada en la década del 70 y la incorporación de arreglos orquestales que le dan una

atmósfera cinematográfica. Más allá de las letras, que juegan con matices y sutilezas, es la riqueza instrumental y la producción detallada lo que define la identidad del disco. Desde el inicio del proceso en España a principios de 2023, Ainda exploró diversas formas de composición: colaboraciones con amigos, creaciones individuales y canciones surgidas en

conjunto. “Tu Soledad y la Mía” y “Lo Importante” fueron las primeras piezas en consolidar la identidad del álbum, dando el puntapié a un trabajo que se fue construyendo de manera orgánica.

¨Fuimos los dos¨

Producido por Nico Cotton y Nico Btesh y con arreglos

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orquestales de Leo y Luna

Sujatovich, “Fuimos los dos” es el proyecto más ambicioso de Ainda hasta la fecha. Con más de 25 músicos involucrados y una producción meticulosa, la dificultad de coordinar tantas agendas se vio recompensada con un resultado que superó las expectativas: un disco que no solo mantiene la esencia del dúo, sino que la potencia a través de una instrumentación grandiosa y una narrativa emotiva. Con este lanzamiento, Ainda reafirma su lugar dentro de la escena musical, apostando por la emotividad y la profundidad sonora en cada detalle.

Esmeralda Escalante y Yago

Escrivá formaron Ainda hace más de diez años y desde ese entonces su música los llevó a importantes escenarios de Europa, Latinoamérica, Estados Unidos y el interior de Argentina. Reconocidos desde sus comienzos por las armonías y la combinación de sus voces, Ainda ha sabido reinterpretar el formato dúo y adaptarlo a diferentes situaciones en el vivo.

Cada año que pasa es una nueva aventura y un espacio donde Esmeralda y Yago se pueden explayar y jugar a distintos niveles. “Intentamos sentirnos muy libres, poder ser sinceros y jugar con esa

honestidad haciendo canciones”.

“Ainda es un proyecto que nos llevó mucho de viaje para conectar con gente, lugares y músicas diferentes a nosotros.” Es un proyecto que también creció mucho a la par de bandas amigas y colegas, lo cual se refleja en todas las colaboraciones de su disco Te Quiero (2023). Fueron convocados por Jorge Drexler para abrir sus shows en Buenos Aires y San Pablo, con quien lanzaron el single “Primavera” en 2019. También, durante 2022 y 2023, fueron los artistas invitados en la última gira del reconocido músico español Leiva, con quien también colaboraron en “Tu soledad y la mía”, uno de los singles adelanto de su último álbum.

Por su tercer disco Animal, estuvieron nominados a los Premios Gardel en la categoría “Mejor álbum pop alternativo”. Ya llevan grabados seis discos de forma independiente: UNO

(2013), SEGUNDO (2015), ANIMAL (2018), MILLONES (2020), TE QUIERO (2023) y, el más reciente, FUIMOS LOS DOS (2025), una obra que recupera la esencia del dúo y la idea del diálogo entre dos voces, con una producción de Nico Cotton y Nico Btesh, inspirada en la década del 70 y con arreglos orquestales de Leo y Luna Sujatovich.

El lanzamiento de “Fuimos los dos” encuentra a Ainda en un momento de consolidación y crecimiento dentro de la escena musical. Con este disco, el dúo reafirma su identidad sonora y su búsqueda artística, explorando nuevas texturas y llevándolas al vivo con un espectáculo que promete una experiencia envolvente y emotiva.

PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

VIDEO No es amor - Ainda (Fuimos los dos)

El pequeño manual del guionista - Marc-Olivier Louveau

A la salida del cine, Saúl Feldman

De la idea al guion: una guía lúcida y práctica para convertir la inspiración en estructura, y la estructura en emoción

Cómo se transforma una idea

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en un guión que emocione, sorprenda y permanezca? Con un enfoque claro y práctico, El pequeño manual del guionista es una guía esencial para quienes sueñan con escribir para la pantalla chica o la

pantalla grande. Marc-Olivier Louveau, guionista, script doctor para cine y autor de ensayos, novelas y cuentos, desentraña en este libro los secretos del arte de escribir guiones combinando teoría y

ejercicios que permiten aplicar de inmediato lo aprendido, y acompaña al lector en cada etapa del proceso creativo: desde la construcción de personajes profundos y complejos que impulsan la trama hasta la organización de la historia mediante herramientas estructurales que aseguran un flujo coherente y emocionante. Además, ofrece técnicas avanzadas para perfeccionar diálogos, crear giros narrativos memorables y desarrollar historias que conecten profundamente con la audiencia.

Lejos de fórmulas rígidas, este libro invita a asumir la escritura como un arte que se perfecciona con la práctica y la perseverancia, hasta lograr guiones sólidos y emocionalmente resonantes. Una obra indispensable para estudiantes de cine, guionistas en formación y creadores de historias audiovisuales que buscan una voz propia.

El libro forma parte de la colección La biblioteca de la mirada, dirigida por Guido Indij, que agrupa libros que, desde géneros diversos, proponen al lector reflexionar críticamente sobre el mundo que lo rodea. Su objetivo es político: devolver protagonismo al rol del receptor y señalar, de las más diversas maneras, los mecanismos de la percepción en una sociedad saturada de imágenes e información.

El pequeño manual del guionista, Marc-Olivier Louveau

ISBN: 978-950-889-488-5

Páginas: 256

Formato: 16 x 23 cm

Encuadernación: Rústica

El pequeño manual del guionista es una guía esencial para todo aspirante a escritor de cine. Con un enfoque claro y práctico, Louveau desentraña los secretos del arte de escribir guiones, combinando teoría y ejercicios que permiten aplicar de inmediato lo aprendido. El libro acompaña al lector en cada etapa del proceso creativo: desde la construcción de personajes profundos y complejos que impulsan la trama, hasta la organización de la historia mediante herramientas estructurales que aseguran un flujo coherente y emocionante. Ofrece además técnicas avanzadas para perfeccionar diálogos, crear giros narrativos impactantes

y desarrollar historias que conecten con la audiencia. Con un estilo accesible y motivador, este manual invita a comprender que la escritura es un arte que se perfecciona con la práctica y la perseverancia.

Una obra indispensable para quienes desean transformar sus ideas en guiones sólidos y emocionalmente resonantes; un compañero confiable en el camino hacia la creación cinematográfica

Marc-Olivier Louveau

Marc-Olivier Louveau es guionista y script doctor para cine, autor de ensayos, novelas y cuentos, y director de ficciones de aventura filosófica como Koan de primavera, El té en el fondo de la tetera y El despertar del monje. Experto en Wu Dao, arte marcial sino-vietnamita, fundó su escuela en París en 1994 y dirigió el documental Los hijos del cielo (2000). Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente.

la marca editora prensa@lamarcaeditora.com www.lamarcaeditora.com

Soy la peste, Ariel Magnus

¿Y si la literatura del porvenir ya no necesitara humanos?

Como antaño los viajeros temían al soplo invisible de la enfermedad, el lector del nuevo milenio se enfrenta al vértigo de una voz que no es humana y, sin embargo, reclama su lugar en la literatura.

En Soy la peste, Ariel Magnus propone un experimento malsano, un juego de espejos entre la tradición literaria y la tecnología: una experiencia de contagio estético en la que Goethe, Hofmannsthal y las memorias del mariscal de Bassompierre se entrelazan con la irrupción de una máquina capaz de narrar.

La inteligencia artificial no aparece aquí como una simple herramienta, sino como heredera: retoma la tradición, la tensa hasta el límite y la reinventa en un relato que respira pasión, peligro y misterio.

Magnus, uno de los narradores más singulares y prolíficos de la literatura argentina contemporánea, ha construido una obra tan prolífica como inquieta, atravesada por el humor, la ironía y la experimentación formal. Publicó más de quince libros, entre ellos Un chino en bicicleta (Premio Internacional “La otra orilla”, traducido a siete idiomas), El desafortunado (finalista del Premio Biblioteca Breve, traducido a seis idiomas) y La vasectomía. En el catálogo

de InterZona editora, publicó títulos clave de su trayectoria como Cazaviejas, Continuidad de Emma Z., Nazis y judíos y ahora Soy la peste, reafirmando una colaboración editorial que combina experimentación, humor y riesgo estético.

Con Soy la peste, Magnus lleva esa vocación de riesgo al extremo: un laboratorio donde la tradición dialoga con la inteligencia artificial y la literatura se convierte en campo de contagio. En este libro, el autor y la máquina se enfrentan, o se funden, en un duelo estético entre lo clásico y lo inédito, entre la palabra consagrada y el murmullo de una nueva voz que no descansa ni en la vigilia ni en el sueño.

¿Es esta obra un renacimiento o una amenaza? ¿Un homenaje o un virus infiltrado en el canon? Solo al entregarse a su lectura el lector podrá decidir si la peste ha regresado para destruir… o para fundar la literatura del porvenir.

La peste tiene hoy otro nombre: inteligencia artificial. Como antaño los viajeros temían al soplo invisible de la enfermedad, el lector del nuevo milenio se enfrenta al vértigo de una voz que no es humana y, sin embargo, reclama su lugar en la literatura. Este libro es un desafío y un juego: una experiencia de

contagio estético donde Goethe, Von Hofmannsthal y las memorias del mariscal de Bassompierre se entrelazan con la irrupción de una máquina capaz de narrar.

En este experimento malsano, la IA no es simple herramienta, sino heredera: retoma la tradición, la tensa hasta el límite y la reinventa en un relato que respira pasión, peligro y misterio. Cada página es un duelo entre lo clásico y lo inédito, entre la palabra consagrada y el murmullo de un nuevo autor que no descansa ni en la vigilia ni en el sueño.

¿Es esta obra un renacimiento o una amenaza? ¿Un homenaje o un virus infiltrado en el canon? Solo al entregarse a su lectura el lector podrá decidir si la peste ha regresado para destruir… o para fundar la literatura del porvenir.

Soy la peste, Ariel Magnus

ISBN: 9789877901344

Páginas: 120

Formato: 12 x 18 cm

Encuadernación: Rústica c/ solapas

Ariel Magnus (Buenos Aires, 1975) publicó Sandra (2005), La abuela (2006, traducido al alemán), Un chino en bicicleta (2007, Premio internacional de novela “La otra orilla”, traducido

Lanzamiento Editorial Planeta

"Praga París", Sergio Faraudo

¿Podemos escapar a lo que el destino trazó o existe un instante capaz de torcer su curso?

A veces, basta un encuentro, una mirada o una palabra para alterar el mapa de lo inevitable. Esta es una invitación a perderse en los pliegues del tiempo, donde el pasado y el futuro se confunden, y el amor —frágil y poderoso a la vez—

se atreve a escribir su propia verdad. Porque quizá el destino no sea una línea recta, sino un susurro que cambia de dirección cuando el corazón se anima a escuchar.

Esta novela nos convoca a adentrarnos en los laberintos del tiempo, donde las certezas se desvanecen y los hilos invisibles del azar se entrelazan con los del deseo. Allí, donde cada elección resuena como un eco en el porvenir. El amor surge como una fuerza indómita, capaz de desafiar lo inevitable y reescribir, quizá, aquello que parecía ya escrito en las estrellas, recordándonos que hasta el destino más firme puede temblar ante el poder de un sentimiento verdadero.

En su primera novela con el sello Planeta, Sergio Faraudo nos acerca a los destinos de seis jóvenes universitarios que se entrelazan y resuenan a través del amor, la pérdida y

a siete idiomas y reeditado en 2016), Muñecas (2008, Premio internacional de novela corta “Juan de Castellanos” y llevada al teatro)Cartas a mi vecina de arriba (2009), Ganar es de perdedores y otros cuentos de fútbol (2010)...

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la revolución. Desde los cafés bohemios de París hasta el fervor transformador de Praga en 1989, las vidas de Giovanni, Eva, Beatrice, Jaslo, Benji y Donato convergen en medio de despertares personales y políticos.

Mientras sus caminos se unen y se separan, moldeados por deseos ocultos y el peso del pasado, se ven atraídos hacia Baiona, un pueblo fortaleza español donde los hilos del destino revelarán el poder perdurable de la conexión.

Praga París. De ideales y amores es una exploración conmovedora de la identidad, la búsqueda de significado y las fuerzas silenciosas que nos unen a través del tiempo y la distancia.

“Esta historia me buscó y me encontró, casi por azar, sumergido en los eventos de la caída del Muro de Berlín y en los convulsionados años de París u

y Praga. En respuesta a esas vivencias que me desbordaron nace esta ficción que decidí compartir con los lectores” expresa Faraudo.

Personajes con compromiso social y con sensibilidad artística se reinterpretan a la nueva luz del contexto en el que viven. Jóvenes del ayer, adultos del hoy que siguen imaginando y actuando para expandir el campo de lo posible.

SOBRE EL AUTOR

SERGIO FARAUDO, originario de Santa Rosa, La Pampa, Argentina, es abogado con un

posgrado otorgado por la Orden de Abogados de París y un máster en Economía y Ciencias Políticas en la Escuela Superior de Economía y Administración de Empresas. Cuenta con una amplia experiencia en dirección de empresas en Francia, España, Brasil y Argentina y es un reconocido orador en temas de liderazgo y cultura. Practica yoga, disciplina de la cual es instructor certificado. Escribe novelas y adaptaciones teatrales. La primera parte de esta novela se llevó al escenario durante tres temporadas en salas de Buenos Aires. Sus vivencias durante los años de estudio en París en la década de

1980 lo inspiraron a escribir esta obra.

FICHA TÉCNICA

Autor Sergio Daniel Faraudo. Fecha Publicación 01/10/2025

Páginas 136

Idioma Español

ISBN 9789504993513

Formato 15,00 x 23,00 cm. Presentación Rústica con solapas

PRENSA

Florencia Pérez Roldán www.prcomunicaciones.com.ar florencia@prcomunicaciones. com.ar skype: floperezroldan

Conferencia & Presentación del Libro

“Los Hilos

Invisibles

” con Manu Colombo

13 de diciembre 19.30 h. en Lola Membrives

¿Y si muchas de las decisiones que tomás… no fueran del

todo tuyas? ¿Y si hubiera hilos invisibles que te atan, te frenan o te empujan sin que lo sepas?

En esta conferencia, Manu Colombo, coach ontológico y sistémico, creador del método MOV, presenta su primer libro, “Los Hilos Invisibles”; y nos invita a un encuentro profundo y transformador.

Es fundador de Manu Colombo Mov, una comunidad de transformación que ha impactado a más de 70.000 personas en el mundo hispanohablante. También fundó y dirige View Connection, una

escuela de coaching – con certificación internacional – por la que han pasado más de 2000 alumnos.

La Conferencia Los Hilos Invisibles, es una charla que va mucho más allá de una presentación. Una experiencia para el cuerpo, las emociones y el alma. Un espacio para descubrir los mandatos, miedos y fidelidades que nos habitan. Y también para soltar, para elegir distinto, para volver a conectar con el deseo.

Con historias reales, ejercicios en vivo y preguntas que

incomodan… y liberan.

Porque lo que no se ve, nos maneja. Pero lo que se mira, se puede transformar.

Una conferencia que te va a mover.

Un libro que te va a espejar. Un momento para comenzar a seguir tu propio destino. Firma de libro

Manuel Colombo estuvo como invitado en el Festival Argentina Libre, el despertar del corazón del León, el pasado sábado 27 de septiembre en San Miguel de Tucumán. Donde se vivió una gran experiencia.

Además, el 25 de noviembre,

Manu fue uno de los oradores destacados en el Emprende Fest, que se realizo en el Centro de Convenciones de Buenos Aires. En su charla, invitará a los emprendedores a mirar más allá del modelo de negocio, explorando los hilos invisibles detrás de nuestras decisiones, para emprender con propósito, autenticidad y conciencia.

Manuel Colombo, único argentino invitado a compartir escenario con Daniel Goleman en Buenos Aires

Manu Colombo fue convocado como único conferencista argentino para participar del evento internacional que

marcará un antes y un después en el liderazgo consciente: la visita del Dr. Daniel Goleman a Buenos Aires, en 2026.

En su conferencia magistral titulada “La revolución de lo invisible”, Goleman —autor de Inteligencia Emocional y referente global en empatía, mindfulness y liderazgo ético— nos invitará a revalorizar lo que nos hace profundamente humanos en un mundo cada vez más dominado por la inteligencia artificial: la conciencia, la conexión genuina y la capacidad de sentir.

En esa misma línea, Manu compartirá su mirada sobre los hilos invisibles que condicionan nuestras decisiones y vínculos, integrando su experiencia con el coaching ontológico y la mirada sistémica. Esta invitación reconoce el impacto del método MOV, y posiciona su mensaje como parte de una conversación global sobre cómo liderar (y vivir) desde la autenticidad.

Redes sociales:

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YouTube: Manu Colombo

LinkTree: @manucolombomov www.manucolombo.com

Prensa:

Lic. Marcela Nuñez marcela@mncomunicacion.com. ar

Instagram: @mncomunicacion

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Web: www.mncomunicacion. com.ar

Manuel Colombo

Las Gemelas, El Sueño. Dos voces

/The Twins, The Dream. Two voices

Ursula K. Le Guin

y

Diana Bellessi

Entre 1969 y 1975, Diana Bellessi recorrió a pie el continente americano. Llegó a Estados Unidos sabiendo apenas una canción de Bob Dylan en inglés, idioma que aprendió gracias a sus compañeras obreras de una fábrica y a algunos libros de gramática. Este es el mito de origen de la poeta-traductora, quien pocos años más tarde traería al español las voces de mujeres poetas estadounidenses como Muriel Rukeyser, Adrienne Rich y June Jordan.

A mediados de los 70, conmovida por las historias de Ursula K. Le Guin, Bellessi se animó a enviarle por correo un regalo y una pregunta. El regalo, una cajita con capullos de plátano de perfume intenso. La pregunta, What are you doing to me? Le Guin respondió con otra ofrenda, una pequeña rama del desierto de Oregon. Así comenzó la correspondencia que se sostuvo durante tres décadas y que incluyó tres encuentros.

Las Gemelas, El Sueño es el libro que surge de esa amistad. Por primera vez desde su aparición en 1996, Rara Avis presenta este libro de culto, hasta ahora prácticamente inconseguible, en su versión bilingüe original bajo una nueva edición corregida y ampliada, que incluye un texto escrito por Bellessi exclusivo para

la ocasión, junto con material adicional. Este libro es el testimonio de un intercambio amoroso y creativo que nos invita a pensar la traducción como acto de amor. Allí, ambas escritoras juegan al lenguaje, a la poesía y a la experiencia de traducirse, conectadas a través de la hermandad de los ríos Klamath y Paraná. Allí, también, queda de manifiesto la fascinación de la gran escritora norteamericana por nuestra poeta argentina, por quien confiesa: “¿Cómo no iba a amarla?”.

me envió como regalo. Dice: “Para mi puma de oro, 1998”. En medio de un paisaje verde hay una osa y una puma. Éramos ella y yo. Dos seres de especies muy distintas que, sin embargo, se encontraron, se quisieron y se acompañaron desde los dos extremos del continente. Un puente maravilloso tendido de norte a sur y de sur a norte, un puente digno de las historias extraordinarias que Ursula K. Le Guin contaba y que vivirán mientras el mundo exista. ¡Hasta siempre, Osita!

SOBRE LAS AUTORAS

COLECCIÓN RARA AVIS #9

Colgado en la pared de mi estudio, guardo como un tesoro un bordado hecho por ella que

Poeta, escritora y traductora. Estudió filosofía en la Universidad Nacional del Litoral. Recorrió a pie el continente americano. Su obra, amplísima, ha sido intensamente publicada, leída y estudiada en, al menos, ocho idiomas.

Recibió diversas becas y distinciones, como la Beca Guggenheim (1993), los premios

Diana Bellessi (Argentina, 1946)

Konex 2004, 2014 y 2024, premio Trayectoria en Poesía del FNA (2007), premio XXXII Internacional de Poesía Ciudad de Melilla (España, 2010), por Variaciones de la luz; el Premio Nacional de Poesía, por Tener lo que se tiene (2011). En 2012 se filmó El jardín secreto, un documental sobre su vida y su obra, dirigido por Cristián Costantini, Diego Panich, Claudia Prado.

Otros de sus libros destacados son: Destino y propagaciones; El jardín; Lo propio y lo ajeno; La rebelión del instante; y Contéstame, baila mi danza. Selección y traducción de poetas norteamericanas contemporáneas.

Ursula K. Le Guin (Estados Unidos, 1929-2018)

Escritora de ficción, poeta y ensayista, publicó veintiún novelas, más de un centenar de relatos, así como numerosas obras de literatura infantil, ensayos y traducciones a lo largo de casi siete décadas. Es reconocida como una figura clave de la literatura estadounidense y como una referencia central en los campos de la literatura fantástica, la ficción especulativa y la ciencia ficción.

Con una prosa elegante, imaginativa y prolífica, desarrolló numerosos mundos alternativos, que le sirvieron para explorar temas

Esperando a Godard

Michel Vianey

El diario perdido de la nouvelle vague

En el invierno de 1965, Jean-Luc Godard invita al periodista Michel Vianey a acompañarlo durante el rodaje de Masculino femenino. Lo que comienza como una cobertura se transforma en un libro inclasificable: una mezcla de diario, autoficción y ensayo, donde Vianey capta el pulso de un cine en plena revolución y el retrato íntimo de su creador más esquivo.

Esperando a Godard no es una crónica de rodaje ni un documento histórico, sino el registro de una mirada que

se deja contaminar por el objeto que observa. En sus páginas, Godard —rebautizado Edmond— aparece como un personaje inquietante y fascinante: inaccesible tras sus anteojos negros y, al mismo tiempo, vulnerable. París vibra al fondo, entre cafés, rodajes y discusiones sobre el sentido del arte y la política, mientras el narrador intenta comprender la energía que anima esa “insubordinación creativa” que fue la nouvelle vague.

Con prosa fragmentaria y precisa, Vianey logra trasladar al lenguaje

y problemas filosóficos, literarios, sociales y políticos. Leída y traducida en todo el mundo, recibió numerosos reconocimientos, entre ellos ocho premios Hugo y seis premios Nébula. Sus libros más importantes son La mano izquierda de la oscuridad, Los desposeídos: una utopía ambigua y El nombre del mundo es Bosque. Algunos pertenecen a sus varias sagas o series (Terramar, Ekumen, trilogía Anales, Orsinia y Alagatos).

Se definió a sí misma como feminista, anarquista y taoísta.

Prensa Rara Avis rensa@raraaviseditorial.com.ar

lo que Godard hacía con la cámara: romper las reglas para buscar una forma más viva de verdad. El resultado es un libro que dialoga con el espíritu de su época y lo trasciende: una meditación sobre la creación, el aislamiento y la obstinación de un hombre que “no conoce otra historia que la del conflicto permanente entre la especie y el individuo”.

Michel Vianey (1930–2008) fue un periodista, escritor y cineasta francés reconocido por su mirada aguda y su estilo vivaz. Trabajó en L’Express y Le Nouvel Observateur, y que u

fue copresentador del célebre programa televisivo Bibliothèque de poche (1966–1970), dedicado a la difusión literaria. Como cineasta, destacó en el género policial con películas como Un assassin qui passe (1981), Un dimanche de flic (1983) y Spécial police (1985). Autor de novelas como Élégie pour saxo y La Trahison, fue parte de una generación que supo leer el cine como un modo de pensamiento.

En esta traducción de Guillermo Piro para interZona editora, Esperando a Godard devuelve al presente un testimonio perdido que palpita entre la lucidez del ensayo y la fiebre del rodaje. Una obra redescubierta que revela el reverso íntimo del mito Godard y restituye la respiración de una época en la que el cine todavía ardía.

Esperando a Godard, Michel Vianey

ISBN: 978-987-790-133-7

Páginas: 176

Formato: 13 x 21 cm

Encuadernación: Rústica c/ solapas

Editorial Planeta lanza

“Casa con pileta”

La primera novela de Patricia Salinas

Identidad, memoria y los ecos que persisten en la vida cotidiana

Casa con pileta, la primera novela de la socióloga y psicóloga

Patricia Salinas, llega para interpelar a lectores y lectoras desde un territorio íntimo y, al mismo tiempo, profundamente ligado a la historia reciente argentina. Una obra que combina suspenso, búsqueda personal y la herencia ineludible de la memoria colectiva.

Patri, una mujer que acaba de ser madre, descubre que fue adoptada. Aquello que parecía firme —su familia, su trabajo, su mundo— comienza a resquebrajarse. La compra de una casa con pileta le da una momentánea sensación de estabilidad, pero pronto emerge una revelación inquietante: a metros de su nuevo hogar funcionó uno de los centros clandestinos de detención más siniestros de la última dictadura

Michel Vianey

Michel Vianey (1930-2008) fue un periodista, escritor y cineasta francés reconocido por su mirada aguda y estilo vivaz. Trabajó como periodista en L’Express y Le Nouvel Observateur.

Fue copresentador y productor artístico del programa televisivo Bibliothèque de poche (1966–1970), dedicado a la literatura y la difusión de los libros de bolsillo.

Como cineasta, destacó especialmente en el género policíaco con películas como Un assassin qui passe (1981), Un dimanche de flic (1983) y Spécial police (1985).

Es autor de varias novelas como Élégie pour saxo y La Trahison.

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militar, el Pozo de Quilmes.

Las preguntas se vuelven inevitables:

¿Es hija de desaparecidos?

¿Es hija de algún militar?

¿De un represor?

A medida que avanza en su búsqueda, Patri se cruza con personajes que complejizan su camino: una ex compañera de escuela militante de izquierda, un abogado ex montonero, vecinas negadoras, una familia inglesa

en decadencia. Un barrio que guarda secretos. Un contexto que oprime. Y una institución de salud mental que promete ofrecerle aquello que siempre ha buscado: una identidad.

“Casa con Pileta fue mi compañera durante varios años de escritura y de reescritura, ha sido un trabajo enorme que se ha iniciado hace doce. Como buena madre retentiva que he sido, (mi hijo nació en la semana 42), siempre supe que en “Casa con pileta” había una fuerza de la que está hecha por la cual todavía lucho con la verdad: esa casa ya no es mía y tiene vida propia. Habitarla y transmitir sus mensajes fue para mí un viaje de mucha luz, es una criatura muy luminosa, por sí misma”, señala la autora.

Casa con pileta surge como una necesidad vital: la escritura como única herramienta para nombrar lo que estalla por dentro. Salinas

construye un relato donde las palabras funcionan como procesadora, como arma y como salvación.

En esta historia sobre una chica mujer en busca de su identidad, hay una vaca , un castor una mantarraya y en un momento la casa se llena de peces . Abundan las imágenes dadas a la propia imaginación . Y juega con el surrealismo hecho q los lectores agradecen ya que le da un marco refrescante a la historia más trabajosa que es la de la búsquedas de identidad.

Es una novela compleja , con un lenguaje ficcionado ya que es según la autora fruto de su propio análisis. “De los lectores recojo que todos me han dicho que terminan ellos mismos preguntándose sobre quienes son ellos , sobre su propia identidad . La identidad es un concepto nada sencillo ojalá se trasluzca en la novela”, relata Salinas.

SOBRE LA AUTORA

Patricia Salinas nació en la provincia de Buenos Aires. Es licenciada en Sociología y Psicología por la Universidad de Buenos Aires, con especialización en fenomenología social y psicoanálisis. Trabajó en el Equipo de Violencia Familiar del Hospital Dr. Cosme Argerich y presidió la dirección del sello editorial IUNMA. Actualmente ejerce la práctica clínica en su consultorio y se desempeña como asesora en temas de derechos humanos. Se formó en talleres literarios con Tamara Kamenzsain y Alberto Laiseca.

Casa con pileta es su primera novela. Vive en la ciudad de Quilmes.

Más información en:

https://www.planetadelibros.com. ar/

FLOR CARROZZA

Prensa y Comunicación

https://florcarrozza.webnode.es/ https://www.instagram.com/ florcarrozza.prensa/

LANZAMIENTO DE “BUENO NADA”

EL PRIMER LIBRO DE ADRIAN BAR PIONERO DEL ROCK NACIONAL

MANDÍBULA PRODUCCIONES

presenta, en un evento exclusivo para prensa y amigos,

“BUENO NADA” de Adrián Bar el jueves 4 de diciembre 18 hs. en la Biblioteca del Congreso de la Nación (Adolfo Alsina 1835 CABA).

-La vida me dio este nombre y tal cual quedará “BUENO NADA”.

-Sé que tengo la edad del universo, ni quince, ni treinta, ni setenta, siempre fueron más de mil.

-El dragón que habita en mí, disfruta de la que dicen, es mi última encarnación en esta tierra, como si me importara. ADRIAN BAR

“BUENO NADA” DE ADRIÁN BAR

Adrián Bar, músico, compositor, pionero del “Rock Nacional” hoy en su rol de escritor nos presenta su primer trabajo literario, donde recopila relatos, algunos biográficos, poesía y letras de canciones, algunas ya grabadas y otras que nacieron de la nada, sin destino. A través de Mandíbula producciones sale a la luz “BUENO NADA” con prólogos de Katja Alemann y Lula Bertoldi y texto de contratapa de Daniel Ripoll.

El libro se consigue en https:// mandibula.com.ar/producto/ bueno-nada-adrian-bar/ Adrián Bar originario de Villa Bosch, partido de Tres de Febrero, guitarrista y compositor, es considerado uno de los pioneros del “Rock Nacional”, fundador de Orions Beethoven, Orions y Triciclos Clos. Fue el primero en fusionar la música clásica con el Rock. Una de sus composiciones “Toda la noche hasta que salga el sol tocando en una banda de Rock and Roll” es considerada por el público en general y por todos sus colegas como un verdadero himno, el ideal fundamental de todo rockero. Adrián Bar también se destacó participando de los festivales más importantes de la época como “Festival Pinap”,

del festival “BA. Rock” en todas sus ediciones organizados por la Revista Pelo. Produjo el festival “Rock Del Sol a la Luna” en el estadio de Estudiantes de Buenos Aires en Caseros. Fue reconocido y premiado en múltiples ocasiones, como por ejemplo: Disco de Platino con su tercer álbum denominado “Volando Alto”, fue elegido durante varios años entre los mejores guitarristas del país por la revista “Pelo” y su público, en 1984 la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo reconoce como uno de los pioneros del Rock Nacional, en 2015 el Partido de Tres de Febrero lo nombra “Ciudadano Ilustre”, en 2017 le otorgan varios premios a su obra y trayectoria, entre ellos el de “A.M.I.” (Asociación de Medios Independientes), en 2018 en el Teatro Gran Rivadavia se le otorga una mención y el premio especial “Mariposas de Madera”, en el año 2019 en el Teatro Gran Rex se le otorgó nuevamente el premio “Mariposas de Madera” a la trayectoria. Con Triciclos Clos fusionó el humor y el teatro con el rock y en las trasnoches de la mítica radio Rock and Pop llevaron a cabo el programa “El Show de los Triciclos Clos” por dos temporadas consecutivas. A lo largo de su carrera compartió escenarios y estudios de grabación con los músicos

más importantes de la historia del Rock Argentino como por ejemplo Pappo, Charly Garcia, Luis A. Spinetta, Vox Dei, Valeria Lynch, Juan C. Baglietto etc etc etc. En el año 2017 se realiza la última presentación de Orions

"

en el Teatro Ocean de Santos Lugares.

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Calma el fuego"

Nueva

novela de María Inés Bedia.

Un padre, sus cuadernos y una hija que busca entender

Con una prosa íntima y precisa, María Inés Bedia abre en Calma el fuego un territorio donde la memoria familiar se vuelve escritura y el duelo se convierte en lenguaje. La novela sigue la búsqueda de una hija: recuperar los cuadernos que su padre escribió durante su internación en un hospital psiquiátrico. Nadie sabe dónde están, nadie conoce lo que guardan, pero cada página ausente promete develar una verdad sobre ese hombre escindido entre la lucidez y la sombra.

El relato es, a la vez, una investigación afectiva y un ejercicio de supervivencia: cómo narrar al padre, cómo descifrar sus silencios, cómo hacer literatura de aquello que duele. Entre recuerdos, escenas de infancia, preguntas sin respuesta y papeles perdidos, la protagonista se enfrenta a la complejidad de un vínculo marcado por la fragilidad y la intensidad.

Como señaló Juan Diego Incardona, “Calma el fuego es

un ejemplo de cómo la memoria se convierte en literatura… una búsqueda capaz de ordenar el caos del pasado y darle nombre al dolor innombrable”.

Calma el fuego, María Inés Bedia

ISBN: 978-987-4198-71-6

Páginas: 240

Formato: 13 x 21 cm

Encuadernación: Rústica c/ solapas

Publicada por Factotum Ediciones dentro de la colección Fictio, Calma el fuego confirma la potencia literaria de María

El libro se consigue en https://mandibula.com.ar/ producto/bueno-nada-adrian-bar/ NR Prensa

Norberto Martinez nrpress@yahoo.com.ar

Inés Bedia (Campana, 1981), abogada por la Universidad de Buenos Aires, docente de talleres literarios y autora de No destruya las señales (La Crujía, 2023). Su recorrido personal y profesional está atravesado por una profunda relación con la memoria y los derechos humanos: trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios de lesa humanidad. En 2024, esta novela resultó finalista del Premio Hebe Uhart de Novela, organizado por Ediciones Bonaerenses, consolidándola como una de las voces más intensas y reveladoras de la narrativa argentina contemporánea.

María Inés Bedia nació en Campana, provincia de Buenos

Aires, en 1981. Es abogada por la Universidad de Buenos Aires y docente de talleres literarios. Trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios

de lesa humanidad. En diciembre de 2023 se publicó No destruya las señales, su primer libro, por la editorial La Crujía.

Calma el fuego fue finalista del

Premio Hebe Uhart de Novela 2024, organizado por Ediciones Bonaerenses.

Factotum prensa@factotumediciones.com

La increíble silla de mi abuela y sus cuentos de tiempos de hadas Frances Browne

Una silla que viaja sola, un almohadón parlante y el desborde imaginativo de Frances Browne: siete cuentos que aún hoy desobedecen la realidad.

Una silla con ruedas, un almohadón que habla y una niña que atraviesa reinos imposibles a toda velocidad: así empieza este libro desobediente que, en pleno siglo XIX victoriano, ya desafiaba la lógica del mundo adulto.

En La increíble silla de mi abuela y sus cuentos de tiempos de hadas, la protagonista solo necesita pronunciar las palabras mágicas: “Silla de mi abuela, cuéntame una historia”, para que el almohadón comience a relatar cuentos de hadas, gigantes, enanos, tritones y princesas caprichosas. Así se despliega esta serie de relatos que hicieron célebre a Frances Browne, una autora que escribió a contracorriente: quedó ciega a los 18 meses por viruela, pero aprendió a leer y a narrar escuchando a sus once hermanos.

Poeta y novelista irlandesa, apodada “la poeta ciega de Ulster”, Browne supo transformar

MiráBA 56

la oralidad en imaginación pura y construyó mundos tan vívidos que, más de un siglo después, siguen poniendo en jaque a la realidad. Vivió de su escritura en Londres y Edimburgo, publicó en las revistas más prestigiosas de la época y tejió con palabras universos que parecen salidos de una superproducción audiovisual. Desde 2021, su ciudad natal, Stranorlar, le dedica un festival literario en su honor.

La obra forma parte de la colección 7-107 de interZona editora, que recupera textos que nunca dejan de decir lo suyo: pioneros del fantasy que, escritos entre fines del siglo XIX y principios del XX, siguen encantando por su potencia imaginativa y por su capacidad de volver precaria,y por lo tanto transformable, la idea misma de “realidad”.

Esta nueva edición en español, traducida por Laura Estefanía e ilustrada por Oscar Senonez, revive el hechizo de un clásico del fantasy que, aunque escrito hace casi 170 años, todavía tiene la osadía de recordarnos que la imaginación puede —y debe— salirse de los rieles.

La increíble silla de mi abuela y sus cuentos de tiempos de hadas, Frances Browne ISBN: 978-987-3874-97-0

Páginas: 144

Formato: 14 x 22 cm

Encuadernación: Tapa dura

Frances Browne (16 de enero de 1816 - 21 de agosto de 1879) fue una poeta y novelista irlandesa, mejor recordada por su colección de cuentos para niños, Granny’s Wonderful Chair.

interZona editora prensa@interzonaeditora.com

FONDO NACIONAL DE LAS ARTES GANADORES DEL CONCURSO DE LETRAS 2025

El Fondo Nacional de las Artes (FNA) anunció a los ganadores del Concurso de Letras 2025 en las categorías Novela, Poesía, Cuento y Ensayo/No Ficción. En esta edición se recibieron doscientas obras más que el año anterior, lo cual significa un crecimiento de más del 13%.

La convocatoria contempló tres premios por cada una de las cuatro categorías, por un total de 9 millones de pesos que se distribuyeron entre los doce premiados. Además, el jurado reconoció a tres autores con menciones honoríficas no dinerarias.

Patricio Zunini, director de Letras del FNA, señaló: “Los concursos son parte del compromiso histórico del Fondo Nacional de las Artes con la producción literaria de la Argentina y la convocatoria de este año así lo evidencia. Hemos recibido 1.700 trabajos de diversas provincias, con gran variedad de estilos, géneros y generaciones de autores”. Y añadió: “ Desde el FNA acompañamos la vocación artística e intelectual. Confiamos en que la labor de los jurados de cada categoría ha logrado captar el signo y la calidad artística de este tiempo”.

Los jurados —integrados por Cecilia Fanti, Marina Closs y Marcos Almada (cuento);

Pablo Gianera, Agustina Ibañez y Valeria Castelló-Joubert (ensayo); Silvia Hopenhayn, Iosi Havilio y María Lobo (novela); y Ariel Schettini, Geraldine Palavecino y Mercedes Halfon (poesía)— destacaron la importancia de este certamen como una oportunidad para descubrir nuevas voces y premiar la originalidad y la excelencia en el estilo, la estructura y el desarrollo de ideas, sin importar el género.

LOS PREMIADOS

Novela

1º Premio: Malén Peñalba (Buenos Aires) por Casa rodante .

2º Premio: Ariel Pablo Naon (CABA) por La soledad de los monstruos.

3º Premio: Mariana Viñas (CABA) por Todas las casas.

Poesía

1º Premio: Antonella Romano (CABA) por Hoja de Sala.

2º Premio: Natalia Ileana Belenguer (Neuquén) por Tejidas de Fábrica.

3º Premio: Tom Maver (CABA) por War Baby. Menciones Honoríficas: Gabriel

Payares (CABA) por Beduinos y Francisco Castro Videla (Buenos Aires) por PokolInfierno. Cuento

1º Premio: Matías González (CABA) por La aventura burocrática.

2º Premio: Cristian Daniel Godoy (CABA) por De qué vive la gente.

3º Premio: Alisa Lein (Santa Fe) por Prueba hidráulica. Mención Honorífica: Sebastián Grimberg (Santa Cruz) por Los Cerros.

Ensayo / No Ficción

1º Premio: Alejandro Damián Gómez Monzón (Buenos Aires) por Cómo matar a un cantautor y otros ensayos sobre Fandermole.

2º Premio: Gabriela Milone (Córdoba) por La pasión según Saussure. Apuntes para una lingüística indisciplinar.

3º Premio: Nicolás Turdera (Buenos Aires) por Gardelitos, la historia de un clan desde adentro.

Equipo de Comunicación Fondo Nacional de las Artes prensa@fnartes.gob.ar

MUSEOS

Museo de Arte Popular José Hernández

Bioartesanías: el futuro ya llegó

Entre lámparas de micelio, carteras de mango, tejidos de hongos, “Bioartesanías: el futuro ya llegó” reunirá a creadores de ocho países en un laboratorio artístico que fusiona los oficios tradicionales con materiales sustentables.

El sábado 8 de noviembre a las 19 h, en el marco de La Noche de los Museos 2025, se inauguró en el Museo de Arte Popular José Hernández (Av. del Libertador 2373) la exposición colectiva “Bioartesanías: el futuro ya llegó”, una propuesta que resignificará los oficios y las tradiciones en la exploración de nuevos materiales y procesos sustentables.

En un mundo donde los límites entre ciencia, arte y artesanía se desdibujan, la muestra invitará a reflexionar sobre cómo los saberes tradicionales pueden dialogar con la biotecnología para construir un futuro más equilibrado con el ambiente. La exposición propondrá al público repensar la relación con la naturaleza y descubrir el potencial de los materiales vivos y regenerativos en los procesos de creación. También planteará el interrogante sobre si todavía es posible hablar de artesanías.

Carteras de mango o nopal, cuencos de palta, tazas con borra de café, collares de mandarinas, chalecos de hongos o lámparas de micelio de yerba revelarán cómo los materiales cotidianos y orgánicos pueden transformarse en objetos inesperados. Desde tejidos cultivados con hongos

hasta piezas elaboradas con kombucha, frutas o plantas, estas creaciones pondrán de relieve la relación entre la artesanía, la innovación y la conciencia ambiental. Artistas y hacedores de Argentina, Ecuador, Chile, Paraguay, España, México, Colombia y Alemania propondrán así una mirada crítica y creativa sobre la forma de producir y habitar

el mundo, integrando estética, funcionalidad y sostenibilidad.

Además, el público podrá ser parte del proceso creativo, asumiendo el rol de artesanocientífico para explorar biomateriales, experimentando con materiales vivos y comprendiendo los vínculos entre el hacer manual y la investigación.

Así, el sábado 8 de noviembre a las 21 h, durante La Noche de los Museos, el público podrá participar de una visita guiada y una charla con las investigadoras Mirta Bialogorski y Paola Fritz, junto a los expositores presentes, y disfrutar de un taller de Biopin con la docente Romina Falcón.

Los expositores participantes en “Bioartesanías: el futuro ya llegó” son: Agustina Ruiz, Constanza Nolé, Camila Castro Grinstein, Elia Gasparolo, Hebe Argentieri, Lara Fernández Vallone, Florencia Lataste, Melina Ortiz, María Victoria Muniagurria, Paula Isola y Silvio Tinello (Argentina); Alejandro Weiss, María José Besoain, Valentina Ehrenfeld, Nury Lagos Sierra y Jimena Urrutia (Chile); Ninoska Fernanda Merchan Arce (Ecuador); Taina Campos, Paolo Arámbula, Antonio Amador Mandujano Mariscal, Abril Atonal Tonantzin, Noelani Ponce Hernández, Mariana Espinos Velasco, Jesica Vianey Fabila Olivera, Diana Paola Cabañas Guerrero, Hanna Zeltzin Durán

Méndez, Víctor Marroquín Covarrubias y Carolina Prieto Ortiz (México); Heidi Jalkh, Leonardo Majul y Angie Dub (Argentina/Colombia); Paula Camiña Eiras, Enrique Táboas y Loana Flores (España); Verónica Alegre, Miriam Esquivel, Diego Esquivel, Sandra Brosutti y Martina Maura (Paraguay); Lucía Díaz y Juan Giménez (Argentina/Alemania).

“Bioartesanías: el futuro ya llegó” podrá visitarse hasta el domingo 23 de agosto de 2026 con una amplia programación de actividades mensuales para grandes y chicos. Hubo encuentros dedicados al biocuero de mango y maíz (jueves 13 de noviembre) y un taller virtual de cultivo de gírgolas. En diciembre habrá un seminario sin costo de introducción a los biomateriales, con María Victoria Muniagurria, y estará presente el Laboratorio de Biomateriales, Biofabricación y Buen Vivir de Valdivia con

Labva-Chile, en una charla y demostración a cargo de sus coordinadores Alejandro Weiss, María José Besoain y Nury Lagos (Kaloficha). Esta exhibición fue ganadora de la Convocatoria Ensayar Museos 2023 - 80 años de la Fundación Williams.

Museo de Arte Popular José Hernández - MAP Avenida del Libertador 2373

Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado.

Entrada : $10.000: Público general | $2.000: Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, ex combatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

Museo Nacional de Bellas Artes “Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en Argentina”

Por primera vez se reúnen más de 180 piezas provenientes de colecciones egipcias públicas y privadas de nuestro país.

Una multitud asistió el pasado martes 18 de noviembre a la inauguración en el Museo Nacional de Bellas Artes de la muestra antológica “Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en Argentina”, que por primera vez reúne en el Pabellón de exposiciones temporarias cerca de 180 piezas de instituciones públicas y privadas relacionadas con esta antigua civilización.

Con curaduría de los prestigiosos investigadores

Sergio Baur y José Emilio Burucúa y el asesoramiento académico de los especialistas

Diego M. Santos y Marcelo Campagno, la exhibición refleja el interés histórico y artístico que el Antiguo Egipto despertó en la cultura de nuestro país.

En el acto de inauguración

Andrés Duprat, director del Bellas Artes expresó: “Esta muestra ofrece una lectura histórica y crítica sobre la recepción del Egipto antiguo en nuestro país y celebra, así, la notable presencia que esa civilización tiene en la Argentina, en sintonía con el renovado interés que evidencian

la reciente apertura del Gran Museo Egipcio en El Cairo y la exposición Egipto divino, del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York”.

Y agregó: “A la vez, esta exhibición constituye un evento inédito tanto para el Museo Nacional de Bellas Artes como para el público argentino, pues se presentan por primera vez en la historia de la institución piezas egipcias que van desde antes del año 3000 a. C. hasta el siglo VI d. C. Este invaluable legado cultural, integrado por máscaras, joyas, sarcófagos, papiros, estatuillas y amuletos pertenecientes a distintas dinastías faraónicas, se despliega aquí en diálogo con obras literarias, fílmicas y artísticas de los siglos XX y XXI, cuyos autores encontraron

inspiración, desde nuestro país, en el imaginario del antiguo Egipto”.

Con una enorme concurrencia de público, el acto de apertura contó con la presencia del secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli; la subsecretaria de Patrimonio Cultural, Liliana Barela; el embajador de Egipto en la Argentina, Yasser Mahmoud Abed y otras autoridades diplomáticas; directores y representantes de las distintas instituciones que cedieron obras a préstamo para la exposición; el presidente de Amigos del Bellas Artes, Julio César Crivelli; artistas y personalidades de la cultura.

Al tomar la palabra, José Emilio Burucúa, co-curador

de la muestra comentó: “Es muy gravitante la presencia de la Argentina en la egiptología, ya en el siglo XIX con los investigadores que coleccionaban libros sobre Egipto que después terminaron en la Biblioteca Nacional. Un interés que se ahonda en el siglo XX por viajeros como María Teresa Ayerza y Alfredo González Garaño, cuyas fotos de su viaje a Egipto en 1926 fueron la columna vertebral de esta muestra”.

En tanto, Sergio Baur, el otro curador de la muestra, expresó: “La historia de Egipto

se entrelaza con la historia política y cultural del país. Creo que esta exposición es como esos antiguos gabinetes de investigación. Espero que sean felices visitándola y adentrándose en el mundo de Egipto en la Argentina”.

“Estoy convencido de que esta exposición contribuirá a enriquecer la cooperación cultural y académica entre Egipto y Argentina”, manifestó por su parte el embajador Abed. Para finalizar, Cifelli destacó:

“Esto es algo inédito en el país; quiero agradecer a las entidades públicas y privadas que

colaboraron para la realización de esta magnifica exhibición”.

SOBRE LA EXPOSICIÓN

En la sala puede verse, por primera vez reunido como conjunto, gran parte del patrimonio vinculado con el u

Egipto antiguo que se encuentra en el país, integrado por máscaras, joyas, sarcófagos, papiros, estatuillas y amuletos pertenecientes a distintas dinastías faraónicas, en diálogo con obras literarias, fílmicas y artísticas de los siglos XX y XX y un vasto corpus de documentos, libros, revistas, afiches y fotografías.

Todas las piezas exhibidas pertenecen a las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Ciencias Naturales de La Plata, el Museo Nacional de Arte Oriental, la Colección Fortabat, el Museo Xul Solar, el Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil, el Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti, la Academia Nacional de Bellas Artes, el Archivo General de la Nación, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el Museo de Calcos y Escultura Comparada Ernesto de la Cárcova, el Palais de Glace, el Museo Mitre, la Biblioteca Argentina Dr. Juan Álvarez de Rosario, la Biblioteca de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, el Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo, la Academia Argentina de Letras, el Teatro Colón, la Fundación Borges y la Biblioteca Nacional.

La muestra toma como punto de partida el archivo documental y fotográfico reunido por Ayerza y González Garaño –hoy parte del acervo de la Academia Nacional de Bellas Artes–, que registra el viaje que el matrimonio

argentino realizó por Egipto en 1926, en una época marcada por el impacto mundial tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922.

La exposición también refleja

la fascinación que el Antiguo Egipto despertó en intelectuales, artistas y científicos argentinos (figuras como Dardo Rocha, Lucio V. Mansilla, Oliverio Girondo, Xul Solar, Manuel Mujica Láinez o Jorge Luis

Borges, entre otros), quienes incorporaron imágenes y símbolos de esta civilización en sus creaciones. En el presente, artistas contemporáneos como Facundo de Zuviría, Eduardo Costa y Karina El Azem resignifican ese legado desde lenguajes actuales.

El interés por Egipto en el país también dio lugar a un desarrollo académico de relevancia internacional, con la conformación de una escuela argentina de egiptología, impulsada por el historiador Abraham Rosenvasser, quien sentó las bases de una línea de investigación sostenida en las universidades de Buenos Aires y La Plata. Así, como parte de la muestra, se exhibirán piezas audiovisuales, imágenes, croquis y dibujos de expediciones arqueológicas históricas y activas en la actualidad. También se proyectará en sala el documental «De la Nubia a La Plata”, escrito y dirigido por Ricardo Preve, que narra la misión liderada por Rosenvasser entre 1961 y 1963 en el complejo Aksha.

“Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en Argentina” puede visitarse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo hasta el 1.° de marzo de 2026, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30 h.

El Museo Nacional de Bellas

Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes–, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.

www.bellasartes.gob.ar

IG: @bellasartesargentina prensa@mnba.gob.ar

EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES REABRE SU SALA “ARQ. CLORINDO TESTA”

CON LA MUESTRA

“FLORES: UN JARDÍN SUSPENDIDO”, GANADORA DEL

CONCURSO DE PROYECTOS CURATORIALES 2024

El Fondo Nacional de las Artes (FNA) anuncia la reapertura de su histórico espacio expositivo en la sede de Adolfo Alsina 673 , concebido en los años 90 por los arquitectos Clorindo Testa y Francisco Bullrich. Esta puesta en valor se celebra con la inauguración de Flores: un jardín suspendido, proyecto ganador del Concurso de Proyectos Curatoriales 2024.

La convocatoria se realizó

con el objetivo de premiar dos propuestas curatoriales que marcaran la reactivación de este sitio clave para el arte contemporáneo argentino. En su momento, se recibieron cincuenta propuestas que fueron evaluadas por el jurado integrado por Ana Inciarte, Wustavo Quiroga y Emanuel Díaz Ruiz.

El proyecto Flores: un jardín suspendido, del artista, escritor

Sala Arq. Clorindo Testa.

y gestor cultural Pedro Bedmar Rodríguez (Córdoba), fue elegido para iniciar el ciclo. La muestra presenta una instalación del artista Pablo Curutchet (Buenos Aires) compuesta por cuatro esculturas blandas inflables de gran formato que reinterpretan la figura de la flor como símbolo de vida, ciclo y belleza efímera.

La instalación invita al espectador a hacer una pausa

en medio del vértigo visual cotidiano y a reflexionar sobre el vínculo actual con la naturaleza, la esencia y lo real. En el doble significado de la palabra “suspendido” —como colgante y como detenido—, la obra transforma la sala en un jardín artificial donde conviven flores de nylon amarillo fosforescente y delicadas piezas cerámicas. Lejos de constituir un homenaje decorativo, la propuesta plantea una crítica al predominio de lo artificial sobre lo orgánico en la vida contemporánea.

“Este jardín colgante carece de aroma, una ausencia que introduce la tesis central de la exposición: la dualidad

contemporánea entre lo orgánico y su sustitución por el artificio. Son flores que jamás serán visitadas por abejas, pero sí por el lente de una cámara: abiertas a la selfie, pero cerradas a la experiencia sensorial -explica el curador-

Flores: Un jardín suspendido invita a cuestionar nuestra relación con la esencia en una era de gran impacto artificial. El premio del FNA significa un profundo reconocimiento a mi labor y la inestimable oportunidad de dialogar con un público mucho más amplio”.

La muestra podrá visitarse del 19 de noviembre a las 17h hasta el viernes 20 de febrero de 2026,

de lunes a viernes de 10 a 16 h, en Adolfo Alsina 673 (CABA), con entrada gratuita.

LA RECUPERACIÓN DE LA SALA “ARQ. CLORINDO TESTA”

Desde el inicio de la actual gestión, el Fondo Nacional de las Artes se propuso recuperar la sala de exposiciones de su sede de Alsina 673. Este espacio es considerado un sitio emblemático para el arte contemporáneo argentino, habiendo marcado el pulso de la escena artística local durante las décadas del 90 y 2000.

La sala, inaugurada el 27 u FLORES, un jardín suspendido.

de abril de 1995 bajo la presidencia de Amalia Lacroze de Fortabat, se basa en el proyecto arquitectónico donado por los entonces directores del FNA, Clorindo Testa y Francisco Bullrich. Su propósito fundacional fue promover la creación artística y facilitar el acceso del público al arte contemporáneo.

A lo largo de su historia, la sala albergó muestras individuales y colectivas que resultaron fundamentales para la trayectoria de numerosos artistas, además de acoger propuestas que exploraron nuevas miradas curatoriales y formatos interdisciplinarios.

SOBRE LA EXPOSICIÓN FLORES: UN JARDÍN SUSPENDIDO

TEXTO CURATORIAL

El eje de la muestra reside en la flor, símbolo de la vida y la belleza efímera. El jardín colgante carece de aroma, introduciendo la tesis central: la dualidad contemporánea entre lo orgánico y su sustitución por el artificio.

La instalación de Pablo Curutchet transforma la sala. Las flores de nylon inflado en amarillo fosforescente alertan sobre la hegemonía del “brillo sin contenido”, reflejo del distanciamiento social respecto a la naturaleza. Este jardín sintético es una

postal crítica: flores que jamás serán visitadas por abejas, pero ideales para una selfie. El espectáculo de la imagen artificial prevalece, revelando la primacía de la pantalla.

En este contexto, el libro de artista La energía del movimiento actúa como contrapunto minimalista. Con fotografía química, poesía y el cuerpo como esencia, el libro ancla al espectador en una pausa táctil e íntima. La cuestión va por más contacto real, más química física, más danza, más creación, más juego, más humanismo y, sobre todo, más amor.

Pedro Bedmar Rodríguez nació en Madrid y está radicado en Córdoba desde hace más de dos décadas.

Es artista visual, escritor, curador y gestor cultural. Su obra fusiona fotografía, pintura y escritura, con énfasis en el surrealismo, la introspección y las dinámicas

sociales y naturales. Ha expuesto en instituciones de Argentina, España, Francia y México. Próximamente publicará su libro de artista La energía del movimiento (Aki Editorial).

Pablo Curutchet (Buenos Aires, 1976) se formó en la Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta (Córdoba).

Su obra, centrada en la relación entre lo monumental y lo efímero, incluye esculturas, instalaciones e inflables a gran escala. Ha realizado intervenciones urbanas y exhibiciones en espacios como el MALBA, Museo Caraffa, MAC Salta, Fundación OSDE y Marte Upmarket (Montevideo).

Ha recibido el Premio Alan Faena, fue becario del Fondo Nacional de las Artes, TRAMA y Fundación Antorchas.

Fondo Nacional de las Artes Adolfo Alsina 673, CABA prensa@fnartes.gob.ar

Pablo Curutchet

Pedro Bedmar Rodríguez

Comida, hierro y agua

protagonizan las salas principales del Recoleta

Quedaron inauguradas tres muestras en el complejo principal de salas del Centro Cultural Recoleta: Cronopios J y C con la muestra colectiva titulada “Políticas del sabor ” , “Visión imposible ” de Mariano Ullúa en sala J y “Fronteras Blandas” con obras de Jimena Croceri, Carlos Gradín y María Candelaria Traverso en la sala C.

En Cronopios “Políticas del sabor” ofrece una gran muestra colectiva, curada por Larisa Zmud, integrada por una diversidad de obras de artistas

Políticas del sabor. Exposición colectiva.

nacionales e internacionales de la talla de Marta Minujín, Narcisa Hirsch, Grupo Escombros, Clemente Padín, Víctor Grippo, Lucía Reissig, Gabriel Chaile, Marcela Sinclair, La Chola Poblete, Ignacio Tamborenea, Hoco Huoc, Tiziano Cruz, Gabriel Baggio, Las Deudas, Andrés Piña y Cozinha

Ocupaçao 9 de Julho de Brasil, PAISAnaJE de España, Floating University de Alemania, e INLAND - Campo Adentro de España y el Museo del Puerto de Ingeniero White de Buenos Aires.

La muestra propone un recorrido

exploratorio de la cocina como territorio político y poético donde arte, feminismos y prácticas comunitarias se entrelazan para imaginar modos de vida sostenibles. “Políticas del sabor” cruza arte contemporáneo —a partir de experiencias colectivas y obras de artistas de distintas épocas— y cocinas comunitarias como prácticas de imaginación y resistencia invitando al visitante a asomarse al acto de cocinar como una forma de pensar, cuidar y transformar lo común.

Por su parte, en la sala J, Mariano Ullúa presenta

“Visión imposible” , con curaduría de Carla Barbero, una gran instalación escultórica desarrollada especialmente para el CCR que da continuidad a la investigación del artista en torno al modelado de hierro dulce, un material industrial trabajado como si fueran líneas en el espacio, desplazando el dibujo hacia el plano tridimensional. Su práctica combina distintos medios y materiales recuperados atravesados por un particular sentido del humor.

En la sala C se expande con “Fronteras Blandas”, exposición colectiva a cargo de los artistas Jimena Croceri (Cutral-Có,

1981), Carlos Gradín (Buenos Aires, 1980) y María Candelaria Traverso (Córdoba, 1991) con la curaduría de Javier Villa. Esta tríada imagina cómo restablecer los vínculos que tiene el humano con el agua. A través de cartografías poéticas diversas, la abordan como recurso vital y

común, pero también como una presencia activa e indomable capaz de articular cuerpos, comunidades y memorias.

Las tres exposiciones podrán visitarse, con entrada libre y sin costo para argentinos y residentes, de martes a viernes de 12 a 21 h, sábados, domingos y feriados, de 11 a 21 h, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

Programación completa en: http://www.centroculturalrecoleta. org/

PRENSA: Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar

“Por un Mundo Sustentable” (pinturas, dibujos)

Muestra de Laura Speroni

Por un mundo sustentable es la muestra de Laura Speroni que se inauguró el pasado viernes 21 de noviembre a las 19hs. en la Bolsa de Comercio de nuestra ciudad -calle 48 Nº 515 entre 5 y 6-.de La Plata.

“Por un Mundo Sustentable” (pinturas, dibujos)

Muestra de Laura Speroni

Bolsa de Comercio de La Plata calle 48 Nº 515 entre 5 y 6 de La Plata

Hasta el jueves 11 de diciembre de lunes a viernes de 9 a 17h. Entrada libre y gratuita

Con curaduría de la Lic. Cuca Aramburú, la artista presenta una selección de 15 obras, -pinturas, dibujos - que en conjunto dan muestra de su percepción del mundo. Un mundo por momentos apocalíptico, que, al mostrarlo

estructurado, mecanizado, se vuelve más habitable. Una red protagonista que, según su creadora, irrumpe en la superficie blanca, para terminar, conteniendo a un círculo abarrotado donde, aunque sea por momentos podemos hacer pie. Una red que por su destino necesita tiempo para fortalecer su tejido, crecer pacientemente hasta por fin abrazar y sostener un mundo sustentable.

La muestra se podrá visitar con entrada libre y gratuita hasta el jueves 11 de diciembre de lunes a viernes de 9 a 17h.

Para contactarse con Laura Speroni, escribir a speronilaura@hotmail.com

Las entrañas de la tierra (Pastel)

Fronteras - Traverso-.

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ARTISTAS

Cartelera TEATRO

EN ESCENA CROMAÑÓN NOS PASÓ A TODOS

Declarada de interés cultural por la Legislatura Porteña en 2019

“Cromañón nos pasó a todos” regresa en su cuarta temporada para profundizar, desde el presente, el diálogo entre memoria, juventud y tiempo.

A veinte años de la tragediamasacre de Cromañón, la obra vuelve a plantear interrogantes necesarios sobre el modo en que

la sociedad recuerda, procesa y resignifica uno de los hechos más dolorosos de su historia reciente.

Las funciones se realizarán los días 6 y 13 de diciembre a las 22:00 horas en El Sabato Espacio Cultural (Uriburu 763, CABA).

Las entradas pueden adquirirse en la boletería del espacio y también a través de la plataforma Alternativa Teatral.

Escrita y dirigida por Gustavo Moscona, la propuesta continúa explorando una forma de teatro documental que interroga la experiencia colectiva sin caer en la naturalización del pasado.

La puesta combina distintos lenguajes escénicos para trabajar con sensaciones, estados y voces que se entrelazan en un territorio donde lo íntimo y lo social se encuentran.

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La obra construye un recorrido no lineal, articulado a través de fragmentos que revelan momentos de vida atravesados por el impacto de Cromañón. Cada escena habilita un modo distinto de pensar lo ocurrido: cómo se transforma el tiempo después de un trauma, qué permanece, qué vuelve y qué huellas siguen marcando a las generaciones que fueron contemporáneas a ese hecho.

La propuesta escénica, concebida como un dispositivo vivo, subraya el carácter irrepetible del teatro: lo que sucede allí no puede ser visto desde la distancia ni repetido como un registro. El acontecimiento ocurre con y para quienes están presentes.

CUARTA TEMPORADA ÚNICAS DOS FUNCIONES SÁBADOS 6 Y 13 DE DICIEMBRE

– 22:00 H.

EL SABATO ESPACIO

CULTURAL

URIBURU 763, CABA

ENTRADAS EN BOLETERÍA O EN

Alternativateatral.com.ar

SINOPSIS

“Cromañón nos pasó a todos” es una performance que cruza teatro, sonido, poesía e imagen para explorar la memoria de la tragedia desde un lenguaje sensible y fragmentado. Las escenas atraviesan distintos tiempos y estados, donde pasado y presente se confunden, la vida y la muerte dialogan, y la juventud aparece como una energía que persiste aún en ausencia. La obra convoca a un ejercicio de memoria viva, que rehúye la resignación y busca transformar el recuerdo en acto.

FICHA TÉCNICA

LAPLATA CABA

Elenco: Silvina Arditi, Alejo Tofé, Alicia Mendoza, Ana Mancini, Camila Berguier, Carla Ricca, Catalina Albanese, Coco Gómez, Gabriel Crespo, Gerardo Centurión, Gustavo Leiva, Jazmín Duarte, Julieta Robino, Pablo Olarticochea, Tomás Romano, Valentino Curcio, Zalo Maidana.

Dirección general: Gustavo Moscona

Puesta en escena: Mariela Bonilla Fotografía: Mario Carrasco

Producción: Graciela Pieresko Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

Redes Sociales: Aylém González (0KM Prensa)

0KM Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com,

Temporada verano 2026 UN POYO ROJO

NUEVAMENTE EN ENERO EN BUENOS AIRES

El suceso escénico internacional vuelve a Argentina a partir del 6 de enero de 2026 en el Teatro Metropolitan con 10 únicas funciones. La obra argentina de teatro físico que lleva un recorrido internacional sin precedentes, con 15 años ininterrumpidos, con más de 1000 funciones en 30 países alrededor del mundo vuelve a la Calle Corrientes, con funciones martes y jueves

SINOPSIS

Un cruce entre la danza, el deporte y la sexualidad. Una obra que, a partir del lenguaje corporal explora los límites del lenguaje contemporáneo, en

respecto del movimiento y sus posteriores interpretaciones. Una provocación, una invitación a reírnos de nosotros mismos y, a su vez, reconocer nuestra totalidad.

Un poyo rojo, mezcla de acrobacia y comicidad. Naiff, kitch, poncif, o cualesquiera que sus múltiples lecturas pueda arrojar, sin embargo un impactante abanico al respecto de las posibilidades físicas y espirituales del ser humano.”

“Increíbles bestias de escena” Figaroscope (FRA)

“Hilarante, tecnicamente alucinante”

Brodway Baby (ING)

“Lo mejor del mejor teatro físico de humor”

Helsingin Sanomat (FIN)

“Hilarante obra maestra”

Montreal Theatre Hub (CAN)

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes:

Alfonso Barón, Luciano Rosso

Coreógrafos:

Nicolás Poggi, Luciano Rosso & Alfonso Barón

Diseño de Luces: Hermes Gaido

Dirección: Hermes Gaido

Producción:

MiráBA 72

72 MiráBA

Poyo Rojo/T4 Jonathan Zak & Maxime Seugé

FUNCIONES:

Teatro Metropolitan

Desde el Martes 6 de enero

Martes y Jueves

HISTORIA DE LA COMPAÑÍA

El proyecto nace en el año 2008 para la creación casual de un número de varieté que se realizó en el Centro Cultural Laboratorio, en Bs. As. Sus creadores iniciales, Luciano Rosso y Nicolás Poggi, compusieron un dúo con pequeños matices cómicos para poder encontrar en el movimiento formas de contar diferentes tipos de relaciones entre dos hombres, utilizando elementos de danza y también de teatro.

Este dúo surge de diferentes propuestas de movimiento mezclando partenaire contemporáneo de alto impacto y secuencias de dúo. Después de mostrarlo por primera vez surgieron otros espacios porteños donde presentar el trabajo como Ciudad Cultural Konex, Teatro del Perro, Teatro Martinelli y Circo del Aire entre otros.

En abril quedaron seleccionados para participar del festival “Ciudanza” en espacios urbanos y con la colaboración de Hermes Gaido, director actual de la compañía, rearmaron la pieza.

También fueron seleccionados en el Festival de Teatro de Rafaela

(2009 y 2010), Santa Fé y en el Festival El Cruce en la ciudad de Rosario en septiembre del ‘09. En Julio de 2009, reciben un subsidio de PRODANZA para facilitar la composición de la obra completa.

En abril de 2010 estrenan en el Espacio Cultural Pata de Ganso, una pieza de 45 minutos de duración con una fuerte reacción positiva del público. Ya con la obra completa, quedan seleccionados por la Red de Teatros Alternativos de España, para girar por tres ciudades (Madrid, Barcelona y Valencia) en el marco del 1o Circuito Iberoamericano de la Red durante el mes de noviembre de 2010. En 2011 retoman el trabajo junto a Alfonso Barón realizando 3 temporadas a sala llena y siguen girando por varias provincias de Argentina durante 2012 y 2013.

Siguiendo con las temporadas ininterrumpidas de trabajo por su país de origen y latinoamérica, ya en 2015 comienzan su 7a Temporada en Buenos Aires y se lanzan a su primer Gira Mundial de 6 meses que incluye países de distintos continentes como Uruguay, Bolivia, Francia, Italia, España, Suiza, Alemania y Nueva Caledonia. En agosto de 2016 viajan a Europa para realizar una gira de 86 funciones que comprende

LAPLATA CABA

programación de prestigiosos teatros como el “Rond Point” en Paris e importantes festivales internacionales de gran renombre en varias ciudades de países europeos como Francia, Italia, Bélgica, Suiza y España.

La compañía Un poyo rojo además de dictar workshops en sus giras, dirigieron en el 2015 un espectáculo llamado “LIFE BAG” con egresados de la Scuola Dimitri (Francia, Suiza) con la cual giraron y realizaron varias representaciones en países como Suiza, Alemania y Francia.

En 2017, Un Poyo Rojo fue invitado a presentarse con un mes de funciones en el prestigioso Fringe Festival de Edimburgo, y prosiguió su gira internacional en Europa, que tiene contemplada seguir este 2018, extendiendo una gira a Canadá y a Sudamérica.

Desde entonces hasta hoy, Un Poyo Rojo ha realizado múltiples espectáculos alrededor del mundo, en el marco de festivales o dentro de la programación habitual de los teatros. En los últimos 3 años se ha presentado en Francia, Suecia, Noruega, España, Italia, USA, Serbia, Argentina, Alemania, Canadá, Colombia, Bélgica, Portugal, México, Luxemburgo, entre otros.

PRENSA

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

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La compañía italiana Teatro del Sangro presenta Rosaura alle dieci

Versión teatral de “Rosaura a las diez” de Marco Denevi.

Dirección Stefano Angelucci Marino y Rossella Gesini

Traducción y adaptación Stefano Angelucci Marino

Rosaura a las Diez es la historia de un crimen narrada por cinco protagonistas diferentes, cada uno aportando una pieza al rompecabezas, cada uno con su propia voz, hermosamente distintiva. Consciente o inconscientemente, los cinco mienten, pero consciente o inconscientemente, los cinco dicen la verdad.

La obra es en italiano y cuenta

con subtitulado en español.

Con el apoyo del Ministero della Cultura, Istituto Italiano di Cultura di Buenos Aires.

FUNCIONES EN CABA

Viernes 5/12 - Sábado 6/12Domingo 7/12 a las 20 hs.

Teatro Belisario Corrientes 1624-

Entrada general $22.000 / $12.000 Jubilados / $20.000

Estudiantes / 2x $38.000

Compra online www.alternativateatral.com

ACERCA DE LA OBRA

Publicada en 1955, “Rosaura a las diez” de Marco Denevi es considerada una de las mejores novelas argentinas y fue traducida a varios idiomas.

La primera novela de un escritor largamente olvidado merece un

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nuevo protagonismo.

Un misterio por resolver, cinco puntos de vista diferentes, cada uno creíble, ninguno definitivo. Cinco máscaras antropomórficas, títeres, gárgolas y sombras distinguen la versión teatral e italiana inédita que se apoya en un código expresivo nacido de los murales y los “bamboloni” (muñecos grandes) de la Boca, el famoso barrio porteño de fuerte influencia italiana.

Angelucci Marino y Rossella Gesini continúan desarrollando su propio estilo distintivo a lo largo de los años: narrar, sin retórica ni clichés, la historia de emigrantes, de italianos “sin patria”, divididos en corazón, lengua y cultura.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:

Autor:

Marco Denevi

Traducción y adaptación:

Stefano Angelucci Marino

Actúan:

Rossella Gesini (Matilde, Rosaura y Eufrasia),

Stefano Angelucci Marino (Milagros, Camilo Canegato y David Reguel)

Vestuario:

Vize Ruffo

Iluminación:

Ettore Nigro

Marionetas y mascarones: Brina Babini

Máscaras:

Brat Teatro

Asistente de dirección:

Paolo Del Peschio

Stage Manager:

Agustín Rodríguez

Producción general: Teatro del Sangro - Green

Factory

Producción local:

Flor Galano y Agustín Rodríguez

Prensa:

Valeria Franchi

Dirección:

Stefano Angelucci Marino y Rossella Gesini

Duración del espectáculo: 65 minutos

Redes sociales: @teatrodelsangro @stefanoangeluccimarino

Stefano Angelucci Marino

Actor, director, dramaturgo y

organizador del TEATRO DEL SANGRO (1998) y del TEATRO STABILE D’ABRUZZO. Desde 2015, es el director artístico y organizativo de las giras internacionales en Argentina, Uruguay y Paraguay (las únicas giras internacionales del TSA entre 2015 y 2025).

Rossella Gesini

Actriz y organizadora del TEATRO DEL SANGRO (1998) y del TEATRO STABILE D’ABRUZZO. Desde 2015, es directora artística y organizativa de las giras internacionales en Argentina, Uruguay y Paraguay (las únicas giras internacionales del TSA entre 2015 y 2025).

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Después de una larga gira, llega a la Argentina desde Montevideo, Uruguay

Los Sepultureros

Versión insolente de Hamlet de W. Shakespeare

2 Únicas funciones 4 y 5 de Diciembre

Por orden del príncipe noruego que se ha hecho con la corona danesa, Los Sepultureros de Hamlet deben enterrar a los muertos de la popular tragedia. “Los fiambres”, como los llaman ellos, despiertan secretos y reflexiones. Por accidente, el destino de la patria podría quedar en manos de dos miserables que se debaten entre salvar a la patria o sucumbir a la misma codicia que la hundió. El ciclo vicioso del poder se renueva, tan trágico como cómico, en esta reescritura insolente del clásico.

FUNCIONES:

Jueves 4 y Viernes 5 de Diciembre, 21:30 h.

Teatro El Tinglado

Mario Bravo 948

Entrada general $20.000 / jubilados y estudiantes con descuento

Compra online: www.alternativateatral.com o en boletería del teatro

ACERCA DE LA OBRA:

“Los Sepultureros” es una propuesta que reabre el espejo de Hamlet para confrontar las paradojas del poder, la codicia y la fragilidad humana. A través de la mirada corrosiva de dos personajes ambiguos, la obra nos sumerge en un mundo posttrágico en el que los vestigios del pasado se cruzan con el presente. En una suerte de “spin-off” de la tragedia, la vigencia de Shakes-

peare y Maquiavelo se fusionan en una propuesta mordaz que nos recuerda la imprescindible –aunque dolorosa– tarea de desenterrar los errores del pasado para evitar repetirlos.

FICHA TÉCNICO/ARTÍSTICA:

Dramaturgia:

Rodrigo Spagnuolo (basado en Hamlet de W. Shakespeare)

Elenco:

Sebastián Silvera Perdomo y Daniel Plada

Música original: Nico Varela

Diseño de iluminación: Nicolás Amorín

Diseño de escenografía: Johana Fonseca

MiráBA

Diseño de vestuario:

Catalina Peraza

Utilería: Sebastián

Silvera Perdomo

Entrenamiento de bufón:

Daniel Chestak

Fotografía:

Reinaldo Altamirano

Diseño gráfico: Federico Gallardo

Producción: La Gaviota

Prensa:

Valeria Franchi

Gestora cultural:

Marisa Spera

Producción ejecutiva: Ale Mistral

Dirección: Rodrigo Spagnuolo

Duración: 70 minutos

Redes sociales:

@teatrostella @danielplada

@rodrigospagnolo

@alemistral

@speramarisa

Rodrigo Spagnuolo (Dramaturgo y Director)

Autor y director teatral y cinematográfico. Residió en España (2001-2009), donde se desempeñó como actor, dramaturgo y director de la compañía Polizón Teatro con más de mil funciones en salas de todo el país. Tras su regreso a Uruguay, fundó la compañía Granja de Piratas, con la que estrenó espectáculos aclamados como Magia

Calandria y Electroacústica, realizando giras en Argentina y

Colombia y obtenido 10 Premios Florencio de la crítica. En el área cinematográfica es creador de trabajos como la serie La Huella de Sepé, el largometraje Welkom y guionista y consultor de guión para producciones internacionales.

Daniel Plada (Actor)

Actor, dramaturgo y director, y miembro de Institución Teatral La Gaviota. Ha actuado en obras como Barranca abajo, Bodas de sangre, Malevos, La nona, Dibujitos desanimados, El enfermo imaginario y Peter Pan, Telarañas de Eduardo Pavlovsky —obteniendo el Premio Florencio a Mejor Actor— , La vis cómica, Queridos cuervos y Perro muerto en tintorería. Autor y director de obras como Sin Título, Las Corsitas y Caperucita Feroz — Premios Florencio a la mejor puesta en escena alternativa—. En 2022 realizó una gira por España con la Compañía La Gaviota y dirigió Contra el amor de Esteve Soler (coproducción La Gaviota-Comedia Nacional). En 2023 dirigió Bodas de sangre. Este año participó como actor

CABA

en la súper producción de Alicia en el País de las Maravilla y en Calibre 45 de Sergio Blanco.

Sebastián Silvera Perdomo (Actor)

Actor y director y escenógrafo integrante de la Institución Teatral La Gaviota. Ha participado en más de 40 obras y ha actuado en destacados escenarios y festivales de América Latina y Europa. Fue galardonado con el Premio Florencio en varias oportunidades al Mejor Actor en unipersonal por Yago (2019). Como actor y director, ha obtenido múltiples reconocimientos, incluyendo el Florencio al Mejor Espectáculo Infantil por El principito (2008) y 2 Florencios por Peter Pan (2023). Ese mismo año dirigió Telarañas (8 nominaciones y 2 premios Florencio).

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

VIDEO LOS SEPULTUREROS - trailer de la obra -

Mirá

“HAY QUE APAGAR EL FUEGO”

DE CARLOS GOROSTIZA

Con Pocha de Filippi, Roberto Pierucci y Luis Saenz, dirigidos por Ariel Zappone

Llega a El Jufré Teatro Bar la obra de Carlos Gorostiza “Hay que apagar el fuego”. Las funciones serán los domingos 09, 16, 23 de noviembre y 07 de diciembre a las 16 h en esta sala de la calle Jufré 444, CABA y las entradas ya están a la venta en Alternativa Teatral.

El elenco de “Hay que apagar el fuego” está conformado por Pocha De Filippi, Roberto Pierucci y Luis Saenz, dirigidos por Ariel Zappone.

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SINOPSIS:

La historia transcurre entre Cayetano, Libertad y Pascual, tres personajes que comparten sus frustraciones y desilusiones. Libertad mantiene una relación con Pascual, amigo de Cayetano, quien la compensa económicamente. Mientras tanto, Cayetano, su esposo, llega a casa herido después de haber apagado un incendio como bombero voluntario, con un ascenso a cabo y la convicción de que su sacrificio es por el «prójimo››. Su mujer

le llega a sugerir que incendie la fábrica donde trabaja para provocar un cambio. La tensión crece cuando Cayetano, aparentemente desconociendo la relación entre su esposa y su amigo, los hace participar de una rifa para una nueva autobomba y los hace realizar un «simulacro de incendio››.

El arte magistral de Gorostiza nos convoca, a través de esta comedia dramática, para hablarnos del amor, la solidaridad, la crisis de valores, la resignación. La obra fue

estrenada en el año 1982, dentro del movimiento de Teatro Abierto.

HAY QUE APAGAR EL FUEGO de Carlos Gorostiza

Actúan: Vestuario: Sandra Martinez

Diseño de escenografía: AZ Imagen

Diseño de imagen: AZ Imagen

Asistencia de dirección:

Franco Albrecht

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Coordinación: Gabriel Romio

Dirección general: Ariel Zappone

FUNCIONES

Domingos 09, 16 y 23 de noviembre y 07 de diciembre a las 16 h EL JUFRÉ TEATRO BAR

Jufré 444 - CABA - Argentina

Teléfonos: +54 11 3022 1091

Web: http://www.eljufre.com.ar

Entradas a la venta en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral

Duración: 50 minutos

PRENSA: Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones

FB BMZComunicaciones

TW BMZComunica

IG BMZComunicaciones

Pocha De Filippi

Luis Saenz

Roberto Pierucci

MiráBA

COMPANY

El próximo 8 de enero de 2026, la calle Corrientes vuelve a vibrar con la llegada de COMPANY, la obra maestra de Stephen Sondheim, en una gran producción de Club Media que contará con dirección general y protagónico de Fer Dente.

Tras cuatro años sin subirse a un escenario, Dente regresa con uno de los títulos más emblemáticos del teatro musical moderno. Con big band en vivo, un elenco de lujo y una puesta moderna y sofisticada, Company invita a reflexionar sobre las relaciones, la soledad, el amor y la búsqueda de conexión en tiempos donde el compromiso parece una rareza.

El elenco reúne a figuras destacadas de la escena:

FER DENTE (Bobby) –ALÉJANDRA RADANO (Joanne) – DIEGO JARAZ (Larry) – LAURA SILVA (Sarah) – HERNÁN KUTTEL (Harry) –VANE BUTERA (Amy) – FELIPE FORASTIERE (Paul) – ANDREA MANGO (Jenny) – SEBASTIÁN HOLZ (David) – DENISSE COTTON (Susan) – SACHA BERCOVICH (Peter) – PAZ GUTIÉRREZ (Kathy) –MARIEL

PERCOSSI (Marta) – MARTINA LOYATO (Abril) – LALI VIDAL (Swing) – URIEL BRUK (Swing).

Entre ellos se destaca la participación de Alejandra Radano , una de las grandes figuras del teatro musical argentino, quien interpretará a Joanne: una mujer brillante, sarcástica y magnética, cuya mirada implacable sobre el amor y el matrimonio aporta algunos de los momentos más memorables del espectáculo.

Ambientada en una gran ciudad, la historia gira en torno a Bobby , un hombre encantador que, al cumplir 35 años, se enfrenta a sus propios miedos sobre la intimidad y los vínculos. A través de una serie de escenas y canciones que revelan la intimidad de sus amigos casados y sus propias relaciones, Company se convierte en un retrato lúcido, irónico y profundamente humano sobre los vínculos modernos y el

deseo de no estar solo.

Con canciones icónicas como “Being Alive”, “The Ladies Who Lunch” y “Another Hundred People”, Company se consagró como una de las piezas más influyentes del género y un clásico absoluto del repertorio de Sondheim.

Esta versión —con orquesta en vivo, un elenco de excelencia y únicas ocho semanas de funciones— promete ser uno de los grandes acontecimientos teatrales del verano porteño.

Fer Dente protagoniza y dirige el clásico de Broadway que llega este verano a el Teatro Nacional Sancor seguros con Alejandra Radano y un elenco de primer nivel. 80 MiráBA

Bajo la dirección de Fer Dente, Company se propone emocionar, provocar y celebrar aquello que nos une: la necesidad de compartir la vida con otros.

COMPANY

Estar solo es fácil, estar con

alguien… no.

Estreno: 8 de enero de 2026

Teatro El Nacional Sancor

Seguros

Av. Corrientes 960 ÚNICAS 8 semanas

Entradas en venta por Plateanet. com

Equipo Creativo:

Dirección General: Fer Dente

Dirección Coreográfica: Vanesa

García Millán

Dirección Vocal: Eugenia Gil Rodríguez

Dirección de Actores: Laura Oliva

Dirección Musical: Damián Mahler

Diseño de Escenografía:

Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de Sonido: Gastón Briski

Diseño de Luces: David Seldes

Diseño de Vestuario: La Polilla

Producción: Club Media

Presenta y acompaña: AXION

COMPANY

Música y letras de: Stephen Sondheim

Libro de: George Furth

Originalmente producida y dirigida en Broadway por Harold Prince

Orquestaciones de Jonathan Tunick

COMPANY se presenta mediante un acuerdo especial con Music Theatre International. (MTI). Todos los materiales de ejecución autorizados también son suministrados por MTI.

423 West 55th Street, 2nd Floor, New York, New York 10019 USA www.mtishows.com

Traducción del libreto: Ignacio García May

Traducción de las letras: Roser Batalla

TEATRO DEL SOHO.

LAPLATA CABA

CaixaBank, Traducción original de la versión española del Teatro del Soho CaixaBank dirigida por Antonio Banderas

PRENSA Lola Barredo PR lolabarredo@gmail.com

MiráBA 81

LUCIANO ROSSO PRESENTA EN BUENOS AIRES “APOCALIPSYNC”

Tras haber realizado más de 1000 funciones en más de 30 países con el fenómeno internacional Un Poyo Rojo,

el talentoso actor y performer Luciano Rosso presenta nuevamente APOCALIPSYNC, su espectáculo unipersonal, una experiencia íntima, delirante y profundamente humana. Solo 6 únicas funciones desde el 7 de enero de 2026 en la sala

82 MiráBA

Picasso del Paseo La Plaza.

Estrenado en Europa —en inglés y francés— y aclamado por la crítica y el público en el Teatro de Rond Point de París, Suecia, Rumania, Serbia y el Festival de Avignon, APOCALIPSYNC desembarca en el verano porteño.

Nacido durante la pandemia, APOCALIPSYNC propone una mirada tan divertida como emotiva sobre el aislamiento, la creatividad y la locura cotidiana.

Luciano Rosso da vida, con su inigualable expresividad corporal y talento escénico, a una cuarentena de personajes tan excéntricos como entrañables, que lo acompañan en un viaje hilarante a través de la soledad y el ingenio.

En escena, combina danza, clown, contorsionismo y su sello distintivo: el lipsync, logrando un espectáculo desbordante de humor, energía y poesía visual. Un retrato exagerado y conmovedor de las múltiples formas que encontramos para no aburrirnos, incluso cuando el mundo parece detenerse.

FICHA ARTÍSTICA

Un espectáculo de: Luciano Rosso

Intérprete: Luciano Rosso

Co-dirección: Luciano Rosso y María Saccone

Diseño de vestuario y escenografía: Luciano Rosso y Oria Puppo

Diseño de luces: Oria Puppo

Diseño gráfico: José Saccone

Producción y distribución: T4 / Maxime Seugé & Jonathan Zak

SOBRE EL EQUIPO CREATIVO

Luciano Rosso

Bailarín, actor, director y coreógrafo, formado en danza clásica, contemporánea, africana, jazz y hip-hop. Estudió actuación con Osqui Guzmán, Daniel Casablanca, Hermes Gaido y Paco Redondo, entre otros, y se formó en música y voz con Magdalena Fleitas y Tom Viano.

Integró El Choque Urbano y co-creó los espectáculos Urraka y Un Poyo Rojo, con el que recorrió el mundo y acumuló millones de reproducciones en YouTube.

Durante el confinamiento de 2020, junto a Miguel Israilevich, dio origen a APOCALIPSYNC_ en formato virtual, y en 2021 estrenó su versión teatral en el Festival Off Avignon, Francia, con enorme repercusión.

María Saccone

Licenciada en Antropología Social y Cultural (UNSAM), especializada en Gestión Cultural. Se formó en dirección teatral (UP) y en actuación y clown con destacados maestros. Ha trabajado como directora, co-directora y productora en diversos espectáculos, y como productora independiente en eventos masivos para Fuerza Bruta, Ozono Producciones, Zenzei Producciones, el Ministerio de Cultura de la Nación y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Junto a Luciano Rosso, codirige la versión teatral de APOCALIPSYNC_.

PRENSA

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

MiráBA

MARTES 9 Y 16 DE DICIEMBRE

TRIFECTA

Unipersonal de Diego Freigedo

Dirección de Ernesto Nesti Dominguez

Después del éxito de su primera temporada en el circuito off, “Trifecta” llega a Calle Corrientes para continuar su recorrido dentro del teatro comercial. El talentoso Diego Freigedo, con destacada trayectoria en “Toc Toc”, se luce ahora en su unipersonal más audaz, profundo y conmovedor. No te pierdas las últimas dos funciones del año de “Trifecta”, la comedia de Diego Freigedo, dirigida por Ernesto Nesti

Dominguez, los martes 9 y 16 de diciembre a las 20 h. en el Teatro Premier.

SINOPSIS

Antoine es actor. Tras un accidente, se ve atrapado en la escenografía de un teatro. Mientras intenta encontrar una salida, se cruza con Miguel, un técnico que parece saber más de lo que está dispuesto a revelar.

Entre recuerdos, delirios y verdades incómodas, Antoine emprende un viaje surrealista por su pasado para descubrir la verdad sobre sí mismo. A través del humor, la poesía y una narrativa tan brutal como sensible, Trifecta explora la identidad, el ego y la eterna búsqueda del aplauso.

FUNCIONES: Martes 9 y 16 de diciembre, 20 hs.

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Lugar: Teatro Premier, sala

Premier Live

Av. Corrientes 1565, CABA

Entradas: $25.000 / Desc. 20% y cuotas con BBVA – Desc. 20% grupos +12 personas / Plateanet o en boletería

Duración: 70 min.

ATP (+7 años)

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Dramaturgia:

Diego Freigedo

Actúa: Diego Freigedo

Diseño de iluminación: Ernesto Nesti Dominguez

Vestuario: Jackie Mongomery

Contenidos RRSS:

Adrián Cardoso

Prensa:

OCTAVIA Comunicación

Asistente de producción:

Paz Garcés

Producción: NST

Dirección: Ernesto Nesti Dominguez

DIJO LA PRENSA

Adriana Schottlender, “Parece que viene bien”, Radio Ciudad AM 1110: “Es destacable la actuación de Diego Freigedo, que cambia constantemente de ritmo, actitud, gestualidad, sentimientos… todo con maestría y excelencia actoral. Recorre el escenario con plasticidad y es un asombro verlo en escena.” (min. 5:29)

BIO Diego Freigedo

Diego Freigedo es actor y docente de teatro. Egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático. Trabajó en el circuito teatral comercial, oficial e independiente. Actualmente dicta clases y es parte del elenco de la obra “Toc-Toc” desde el año 2014, en Buenos Aires y en Gira Nacional. Obras en las que trabajó: “La tempestad” de W. Shakespeare, dirección Claudio Hochman, Teatro San Martín, gira por España y Portugal. “El zorro”, dirección Claudio Hochman, Teatro San Martín. “Mucho ruido y pocas nueces” de W. Shakespeare, dirección Oscar Barney Finn, Teatro San Martín.

“El conventillo de la Paloma”, Dir. Santiago

Doria, Teatro Cervantes.

BIO Ernesto Nesti Dominguez

Ernesto Nesti Dominguez es director de teatro y de casting, coach y maestro de actuación. Es reconocido como el primer maestro argentino acreditado para enseñar “The Chubbuck Technique” -el método psicológico de actuación creado por Ivanna Chubbuck, quien ha entrenado a Halle Berry, Sylvester Stallone, Brad Pitt, Sharon Stone, Charlize Theron, and Jon Voight, entre otros-. Es socio de Wez casting y NST.

Instagram: @trifectateatro

PRENSA OCTAVIA

María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar

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QUIEN ASESINÓ A BEATRIZ?

El fenómeno de los juegos de escape llega al teatro con una propuesta única e inmersiva: “Quién Asesinó a Beatriz?”, una experiencia interactiva donde el público se convierte en detective y debe resolver un crimen en vivo. La obra invita a vivir el suspenso desde adentro, combinando el juego, la dramaturgia y la adrenalina del teatro participativo.

En cada encuentro, los asistentes forman equipos, buscan pistas, resuelven enigmas y descubren secretos ocultos hasta develar el misterio que rodea la muerte de

Beatriz. Una propuesta distinta, ideal para disfrutar en grupo, que mezcla entretenimiento, investigación y gastronomía.

Entradas: $17.999 (promo por transferencia $16.000). Disponibles por WhatsApp. Promociones especiales para grupos y cumpleaños. Menú a la carta, con opciones vegetarianas, veganas y sin TACC.

SINOPSIS

Un asesinato. Varios sospechosos. Una única pregunta: ¿Quién asesinó a Beatriz?

El público se convierte en protagonista de un thriller en vivo, investigando en tiempo real a través de enigmas, pistas y desafíos que transforman la función en una experiencia inmersiva e inolvidable.

LA PREGUNTA X

Johnny y Bárbara te invitan a una experiencia distinta: una parodia inmersiva de los clásicos programas de TV, con música, humor, desafíos y competencia en vivo. En equipos de 4 a 6 jugadores, el público se enfrenta

a una sucesión de rondas temáticas —de cultura general, cine y series, música e imagen— hasta llegar al gran desafío final: responder “La Pregunta X”.

Entre risas, canto y adrenalina, el set de TV cobra vida y el público se convierte en protagonista. En cada encuentro, los asistentes forman equipos, buscan pistas, resuelven enigmas y descubren secretos ocultos hasta develar el misterio que rodea la muerte de Beatriz. Una propuesta distinta, ideal para disfrutar en grupo, que mezcla entretenimiento, investigación y gastronomía.

SOBRE ENIGMAX

Un equipo de apasionados por diseñar experiencias que sorprenden, emocionan y dejan huella.

Detrás de cada juego, historia y puesta en escena estamos nosotros: Mariano y Sebastián, dos amigos que combinamos nuestro amor por la narrativa, el diseño y la diversión para crear propuestas únicas.

LAPLATA CABA

Junto a un equipo multidisciplinario, desarrollamos experiencias lúdicas que mezclan escenografía, tecnología, actuación y participación real. Porque creemos que jugar es una forma poderosa de conectar con los demás, con uno mismo y con lo inesperado.

En Enigmax, no solo diseñamos juegos: creamos momentos que no se olvidan.

Empezamos con una sala de escape y terminamos construyendo mundos inmersivos que hoy se disfrutan en teatros, empresas, colegios y eventos de todo tipo.

0KM Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com

Luisa de Luciana Cervera Novo

(Basada en la vida de Luisa Cervera Novo)

“Si tuviera que elegir, volvería a nacer mujer. Volvería a nacer mujer una y otra vez, hasta que serlo no duela ni un poquito…”

Compañía: Grupo Matrioshka

Dirección: Natalia Pascale

Sinopsis:

Luisa es una mujer que emigra de España a la Argentina a principios del siglo XX, con su hijo pequeño en brazos y un puñado de sueños, que ni la guerra ni su padre le pudieron arrebatar. Expulsada de un país en ebullición y en su condición de pobre, madre soltera, joven y mujer, Luisa se reinventa en el exilio, donde irá forjando su destino con el amor y la lucha como banderas.

La obra nos cuenta la historia de Luisa, desde una mirada con perspectiva de género, feminista, pluralista y defensora de los derechos humanos.

“Porque mi libertad es superior a mi amor. O mejor dicho, mi amor está en mi libertad”

Basada en la historia real de Luisa Cervera Novo

• V Festival de Teatro de Larroque, Entre ríos (Marzo, 2023)

• Declarada de interés legislativo por el Honorable Concejo Deliberante de Lanús

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• Reconocimiento de la subsecretaría de derechos humanos de la Prov. de Buenos Aires, de la mesa de trabajo del Ex Pozo de Banfield y de la Municipalidad de Lomas de Zamora

• Declarada de interés municipal y cultural por el Honorable Concejo Deliberante de Alte. Brown

• Declarada de interés cultural por el Honorable Concejo Deliberante de Lomas de Zamora

• Declarada de interés educativo por el Concejo escolar de Lomas de Zamora

Ficha Artística:

Actúa: Luciana Cervera Novo

Músico en escena: Agustín Mulet

Voces en off: Matías Bertiche y Taty Almeida (Madres de Plaza de Mayo – Línea fundadora)

Dramaturgia: Luciana Cervera Novo

Diseño escenográfico: Ayelén Betti

Realización escenográfica:

Daniel Betti - Ayelén Betti

Diseño y realización de vestuario: Anita Figueroa

Diseño de iluminación: @fiero. fuego

Música original: Agustín Mulet

Asesoramiento musical: Germán Fernández

Diseño gráfico: Ayelén Betti

Foto y video: @fiero.fuego

Producción general: Grupo Matrioshka

Asistente de dirección: Soledad Ayardi

Dirección: Natalia Pascale

Duración: 55 min

Contacto: grupomatrioshka@gmail.com

Facebook: LUISA – Obra teatral

Instagram: @luisa.obrateatral

ANTECEDENTES DE LA OBRA Y EL GRUPO

El grupo Matrioshka surge en el año 2017 con el estreno de “Los sueños de Matrioshka”, obra escrita y dirigida por Luciana Cervera Novo, interpretada por Jimena Rey y Natalia Pascale, con música original y en escena de Germán Fernández y asistencia de Santiago Cirio. La obra fue estrenada en el teatro La Lunares donde realizo 2 temporadas (Caba - 2017/2018) y una tercera temporada en Paraje Artesón (Caba - 2018/2019).

Durante los años 2018 y 2019, el grupo realizó gira por distintos espacios de la zona sur del conurbano: Teatro Arteenpie (Quilmes), Centro cultural Péretz (Lanús), Teatro Doña Rosa (Quilmes).

En el 2018 la obra participó de las Fiestas Regionales de Teatro Independiente (Mención otorgada por el jurado a Germán Fernández por su destacada labor como intérprete musical en la obra).

En el 2019 fue seleccionada para participar en el Festival de teatro Independiente de Almirante Brown.

Durante el año 2020, comienzan los ensayos de la última producción del grupo, con la obra “Luisa”,

LAPLATA CABA

escrita e interpretada por Luciana Cervera Novo, con dirección de Natalia Pascale, asistencia de Soledad Ayardi y producción de Analía Mayta.

La obra se estrenó el 13 de noviembre del 2021 en Ítaca complejo teatral (Caba), realizando su primera temporada. Durante el año 2022 reestreno su segunda temporada (Marzo a junio) y una tercera temporada (Octubre) en el mismo espacio teatral (Ítaca complejo teatral, Caba)

Realizamos funciones con charlas debate junto a Teresa Laborde en el ex CCDTYE Pozo de Banfield, con Ana María Careaga y Victoria Montenegro en la función 45 de Luisa por los 40 años de democracia y con Armh Argentina (Asociación para la recuperación, divulgación y dignificación de la Memoria Histórica en relación al genocidio cometido en España por el franquismo)

Desde el año 2022, la obra comenzó funciones de gira con presentaciones en: Teatro Otromundo, Témperley; Espacio de debate y cultura LA CASA, Claypole; Centro cultural Israelita Péretz, Lanús; Teatro Bajosuelo, Tandil; Centro cultural Artenpie, Quilmes; Espacio de memoria, ex CCDTyE Pozo de Banfield; C.C Julián Centeya, Caba; Macu, Municipio de Lanús; La comuna, Caba; Cepeac Brown; Casa de la provincia de Bs As; Mardorla, Temperley; Biblioteca popular Rafael Obligado, San Pedro, Bs As; C. Cultural Fauna, u

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Banfield, Suteba Alte. Brow; La calle larga, Avellaneda; Biblioteca Fiorentino Ameghino, Guillón; C.C El Galpón, Quilmes; C. Cultural Violeta Parra, Lomas.

Prensa

“Acompañada en vivo por el exquisito aporte del músico Agustín Mulet –compositor de la música original de la obra– y dirigida con delicadeza y sensibilidad por Natalia Pascale, Luciana construye un espectáculo que bordea el biodrama. Transita la historia de su bisabuela con una comodidad, una nobleza y una hidalguía que conmueven. Canta, baila, dialoga, se emociona y emociona.” Stella Matute

“Luciana Cervera Novo, descendiente de “Luisa”, que realiza un trabajo impecable y sin fisuras con la sensible y precisa dirección de Natalia Pascale. El acompañamiento de Agustín Mulet en guitarra y la música original terminan de lograr el clima íntimo y profundo que el texto requiere. Una joyita del teatro independiente” Sergio Sapio para La Mirada O

“Impecable interpretación de Luciana Cervera Novo quien se lleva todos los laureles por su impecable hermenéutica” Foro de Baires

PRENSA

Natalia Pascale natypascale@hotmail.com

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“Premio Estrella de Mar 2023” nominado “Mejor actor comedia” Cristhian Quiroga “Premio Estrella de Mar 2022” nominada “Mejor comedia”

La comedia más aplaudida de los últimos tiempos “5Gays. com” con libro y dirección de Rafael Pence. Luego de 6 años consecutivos en Av Corrientes, 3 Temporadas en Mar del Plata Protagonizada por Cristhian Quiroga, Pablo Zagar, Julian Belleggia, Federico Llerena, Francisco Castells, con Tomas Ventos y Matias Lujan

PH: Nacho Luna Dei - Prensa: Alfredo Monserrat. - Fotografía: Camila Fernandez. - Productor ejecutivo: Agustin Salas. - Idea Cristhian Quiroga.

Las funciones se realizan en el Teatro Multiescena. Av Corrientes 1764. Caba. Entradas en venta: www.plateanet.com y en el teatro Duración de la obra: 80 Minutos. Entradas: $20.000.

SINOPSIS

Cinco amigos gays se reúnen en casa de uno de ellos para celebrar la despedida de soltero del que va a casarse con una mujer. Cada uno de los cinco responde a patrones, edades y mentalidades distintas, y afrontarán la situación igualmente desde sus diversas perspectivas.

Las situaciones surgen de la combinación de cinco personajes muy diferentes, representativos de distintos estilos de vida que adoptan una

postura personal ante la decisión que ha tomado uno de ellos. Este quinteto, un grupo de hombres locuaces y muy diferentes que reaccionará, y con cada personaje de manera distintiva, ante la noticia de la inminente boda, que algunos tacharán como traición, desmesura o hasta triste desesperación. Todo esto mostrado a través de un texto ágil, inteligente, irónico y lleno de humor, que sorprende y divierte desde el principio hasta el final.

Se estrenó en Bs. As. en 2005 con gran éxito. Arrollador éxito en España, Italia, Portugal, Uruguay.

PRENSA Alfredo Monserrat

SE RENUEVA SEX

VUELVEN! DIEGO RAMOS, JULIETA ORTEGA y se suma NICOLÁS RIERA

Libro y dirección: JOSE MARIA MUSCARI

SEX nunca se queda quieto y sorprende con una nueva versión para los últimos meses del año.

El fenómeno teatral creado y dirigido por José María Muscari, con producción de Paola Luttini y coreografías de Mati Napp sigue haciendo historia en Buenos Aires. Con más de 800.000 espectadores desde su estreno, “SEX” se mantiene

6 AÑOS - 800 MIL ESPECTADORES 92 MiráBA

como uno de los espectáculos más exitosos y disruptivos de la última década, conquistando al público noche tras noche en el Gorriti Art Center.

Durante noviembre y diciembre, el show recibe a una pareja emblemática que regresa al elenco: Diego Ramos y Julieta Ortega y a ellos se suma el talentoso Nicolás Riera a esta experiencia teatral única que

combina erotismo, humor, música y performance en un formato inmersivo que el público elige vivir una y otra vez.

SEX es una experiencia que no tiene rótulos. Sex es un show compuesto por talentos que actúan, bailan, cantan y que toman su propio cuerpo como objeto de arte. SEX apuesta a la diversidad artística, física y conceptual. Adabel Guerrero es otra de las

figuras que más temporadas lleva en el show y una de las más aplaudidas con su número de pole dance. Valeria Archimó y Licha Navarro aportan talento y seducción mientras que Franco Torchia, una de las últimas incorporaciones, aporta una mirada inclusiva, tanto sobre la diversidad como el deseo sexual. Flor Anca, Luca Martin, Maxi Diorio, Brenda Mato, Srta. Bimbo son algunos de los talentos que deslumbran cada semana en este show tan exitoso. El show se renovó con los espacios de circulación por diferentes zonas de Gorriti Art Center como la ZONA ROJA, que es exclusiva para espectadores VIP que abo-

CABA

nen un upgrade y donde verán lo más hot que brindan los integrantes del show y el CUARTO OSCURO en el primer piso. Diego Ramos forma parte de SEX desde el primer ensayo hace casi 6 años y estuvo en cada una de las funciones y en todos los formatos convirtiéndose en el actor con más permanencia ininterrumpida en una obra de teatro de la cartelera teatral actual.

Sex es un show con cercanía y exclusivo que se presenta de

jueves a domingo en Gorriti Art Center (Juan B. Justo 1617).

La experiencia fue vista por más de 800 mil personas en estos 6 años. Durante este tiempo el espectáculo pudo vivirse en formato inmersivo, virtual, 360, autos, gira nacional e internacional y temporadas de verano en Mar del Plata y Carlos Paz.

¡8va. TEMPORADA! “EXTRAÑOS HÁBITOS”

Autor: Hugo Daniel Marcos y Dirección: Adrián Di Stefano

El pasado sábado 7 de Noviembre a las 21:30 h. debutó la comedia “EXTRAÑOS HÁBITOS” con Libro de Hugo

Daniel Marcos y Dirección de Adrián Di Stefano. Actúan: José Quiroga, Guido Di Stefano, Maggy de Luca, Ayelen Amil, Leslie Tamara

Vera, Bárbara Pagotto y Germán Vitri. Fotografía y Diseño Gráfico: Diego Murciego. Diseño de Arte: Kiara Sorella.

Prensa: Alfredo Monserrat.

Asistencia Técnica y de Dirección: Valeria Saavedra.

Producción Ejecutiva: Quiroga/Di Stefano y Producción General: Extraños Hábitos y Teatro Colonial.

FUNCIONES

Viernes de Noviembre y diciembre a las 21:30 h. Teatro Colonial.

Avenida Paseo Colón 413. San Telmo. CABA.

“En el año del 40 Aniversario de su reapertura.”

Duración de la obra: 70 minutos.

Entrada General: $15.000.Venta en el teatro y por https://www.alternativateatral. com.ar/

SINOPSIS:

“Un joven prepara en su departamento de soltero una

velada especial. La visita de una nueva amiga que conoció. El portero del edificio y su esposa se imaginan lo que allí va a ocurrir y no quieren perderse detalle. Pero lo que el joven no se imagina, es que un amigo muy “particular” disfrazado de cura, su hermana y otra amiga

que no esperaba, pero que es su preferida, harán de esta velada, la más brillante, disparatada y divertida comedia que llevarán a una carcajada permanente.”

PRENSA: Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

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¡Luego

NAVIDEÑO”

Jorge “Carna”

Crivelli es Papá

El 21 de Noviembre se estreno “Espiritu Navideño” de Lucía Rubio con idea y producción de Shirley Souza. Dirección: Damian Lomba. Protagonizada por Jorge “Carna” Crivelli, Alexander Pérez, Greta Risa, María Clara Natalucci, Marco

López, Agustina Depauli y María de la Paz Costas

Las funciones se realizarán de Jueves a Domingo a las 18 h. en el teatro “La Casona”. Av. Corrientes 1975. CABA. Entradas en venta en el teatro y por Plateanet. Entradas desde $20.000-. Duración de la obra: 60 minutos.

“ESPÍRITU NAVIDEÑO”

Teatro La Casona Av. Corrientes 1975. CABA. De jueves a domingos 18:00 h.

SINOPSIS:

Espíritu Navideño es la historia de Martina, quien se acuesta a dormir como todas las noches. Pero una noche en particular, es sorprendido por el Elfo de Papá Noel. Juntos viajan hasta el mundo de los duendes para conocer la fábrica donde se produce la magia de la Navidad. Una historia sobre el espíritu navideño, la amistad y la familia, a través de la enseñanza de valores, que transporta a niños y

Noel

adultos a un mundo maravilloso en el que todo puede ocurrir.

Jorge “Carna” Crivelli es un humorista, actor y productor argentino.

Comenzó su carrera en la televisión en el programa “Video Match” junto a Marcelo Tinelli, donde se hizo muy popular. Sus últimas presentaciones “Sinvergüenzas” donde fue nominado como mejor actor de temporada en Carlos Paz (2025), participando del elenco de Mamma Mia donde además de actor, incursiona en el canto y baile.

Shirley Souza, Productora Artística, Comunicadora, Gestora Cultural Luego de varios años de viajar entre Uruguay y Argentina, decido

quedarme en este hermoso país. Ex Gerenta de Sala Teatro Metro en Montevideo, Directora de Sala Amigos del Arte – ADA. Este año cumple 25 años de carrera y decide producir en Argentina, siendo Espíritu Navideño su primera producción general. Ha trabajado con varios artistas argentinos, Miguel del Sel, Chiqui Abecasis, Hugo Arana, Moria Casan, Graciela Alfano, Iliana Calabro, Carna Crivelli, Alejandro Fiore, Gladys Florimonte, entre otros. Uruguayos como Claudia Fernández, Mónica Farro, Andrea Ghidone, Virginia Dobrich, entre otros.

Redes: @actividadesnavidenas

PRENSA Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

MiráBA 95

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

DE LUNES A VIERNES A LAS 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.

Entrada al sobre Happy Hour Descuento en tragos.

LOS LUNES A LAS 20.30

LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

MiráBA

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

LOS MARTES A LAS 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y mas! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Miércoles 3 a las 21 MARIANO SARRA SEXTETO

El sexteto del pianista y compositor Mariano Sarra realiza la última presentación del año con un repertorio de composiciones originales que evocan el espíritu del jazz de los años ‘60, la improvisación libre y la música contemporánea.

Dentro del grupo, el equilibrio entre determinación e indeterminación del material sonoro constituye un elemento central, en tanto los puntos establecidos de partida y llegada son reiteradamente atravesados por instancias de improvisación e interacción colectiva. Franco Espíndola trombón, Lucas Goicoechea saxo Camilo Salvatierra clarinete bajo, Gonzalo Mazzutti contrabajo,

Guillermo Harriague batería

Mariano Sarra piano y composición.

Jueves 4 a las 21 REBELOT + LA 86 TANGO

UNA NOCHE A PURO TANGO CON REBELOT Y LA 86!!

La 86 Tango es un quinteto formado por Amanda Margoni voz, Joaquín Domínguez guitarra, Agus Matera piano, Juan Pazos contrabajo y Ezequiel Chami bandoneón. Rebelot es una agrupación de tango fusión con repertorio de tango tradicional y contemporáneo, creado y liderado por Camila Castellani voz y Emilia de Vedia piano a las que se sumaron Diego Suarez batería, Mateo Vega guitarra y Augusto Battistella bajo, para completar el quinteto que van a escuchar.

Viernes 5 a las 21

LEO MASLÍAH

Leo Maslíah presenta un ramillete de músicas y

canciones viejas y nuevas, aburridas y entretenidas, profundas y superficiales, originales o comunes, sencillas y complicadas, justificadas o arbitrarias

Sábado 6 a las 17

SEVILLA 1551- TERTULIA MUSICAL PARA LAÚD, VOZ, VIHUELA, PERCUSIÓN Y DELICIAS DEL NUEVO MUNDO

Un encuentro íntimo y evocador que recupera músicas del Siglo XVI interpretadas en vivo con instrumentos de época. Sonidos, textos y sabores de un mundo en transformación que llegan hasta nuestros días. Silvina Sadoly voz y percusión, José Papotto vihuela de arco, Sebastián Strauchler laúd renacentista y dirección, Anabel Ares narraciones y colaboración artística.

Sábado 6 a las 21

ALMALUSA / CASA DE FADOS 10° TEMPORADA

Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género.

Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo. Almalusa Ha sido declarada de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

Domingo 7 a las 20.30

DANIELA BASSO CANTA BRASIL

Daniela Basso presenta un show acústico con lo mejor del samba y la bossa nova, recorriendo clásicos de Noel Rosa, Cartola, Ary Barroso y la obra de Jobim. Una noche íntima para disfrutar de la esencia de la música popular brasileña. Con Leandro Marquesano piano, Diego Wainer bajo y músicos invitados.

Miércoles 10 a las 21 EXPERIENCIA LA ORQUESTA COCINA DE AUTOR + JAZZ

Los segundos miércoles de cada mes presentamos con gran éxito en el Espacio Experiencias LA ORQUESTA, una combina- u

MiráBA 97

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

ción de show de jazz y pop en vivo con una propuesta diferente de cocina de autor, en donde la música se intercala y se complementa con la comida. En esta cena vas a poder disfrutar de 5 tiempos en los que progresa la sofisticación de los platos y los vinos, junto a la intensidad de la música, buscando así activar todos tus sentidos. En la cocina: Misael Noe. Pastelera invitada Vicky Paste. En el show el Quinteto de Jazz integrado por Sebastián Marcial Alvarez saxo Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.

Jueves 11 a las 21 GABRIELA GRABOWSKI CANTA

La cantante y compositora argentina Gabriela Grabowski, actualmente radicada en España, aterriza en Buenos Aires para presentar su nuevo proyecto solista. De formación clásica académica, pero con su muy arraigado espíritu rockero alternativo, en sus canciones fusiona con naturalidad pop, jazz, indie y música clásica, creando un lenguaje propio y cautivador. Sus canciones son profundas, de sonido completamente acústico, exploran la belleza de lo efímero, envuelven al oyente en una experiencia sonora auténtica y emocional. Su banda conformada por voz, piano, violín y violonchelo es el reflejo claro de esta fusión de los mundos clásico y popular.

Gabriela Grabowski voz y composición, Clarisa Falcone piano, Álvar Llusá Damiani violín, Pablo D‘Elía cello.

Viernes 12 a las 21 TERTULIA ITALIANA

MARTA ROSSI Y GIOVANNI PANELLA

En un agradable ambiente porteño una velada dedicada al arte, la música y la poesía.

Marta Rossi y Giovanni Panella acompañarán al público a través de escenas de ópera lírica, delicadas notas musicales de la refinada música de cámara, para concluir con las canciones italianas de principios del siglo XX.

Marta Rossi soprano, Giovanni Panella piano.

Sábado 13 a las 17

HARD BOP LEGACY 4TET

JAZZ CON INVITADOS

El cuarteto integrado por Sebastián Marcial Álvarez saxo / Dante Carniel piano / Fran Nava contrabajo / Camilo Zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.

Domingo 14 a las 20.30 CONSTANZA BIS presenta: UN

DÍA CUALQUIERA

EP ADELANTO DE SU PRÓXIMO ÁLBUM METAMORFOSIS

En un concierto especial de fin de año, la cantautora argentina Constanza Bis se presenta para compartir en vivo Un día cualquiera, el nuevo EP que anticipa lo que será su próximo álbum Metamorfosis. El show propone un recorrido íntimo y a la vez vibrante por su universo

musical: canciones propias en castellano y portugués, piezas de discos anteriores, composiciones inéditas y versiones de la música popular brasileña que han marcado su camino artístico y dialogan con sus nuevas canciones. Con una sonoridad que entrelaza reggae, pop melódico y samba brasileño, la artista despliega melodías luminosas y contagiosas donde sus letras se vuelven viaje, abrazo y celebración. Será una noche para cerrar el año, renovar deseos y anticipar una nueva etapa creativa que desembocará pronto en la publicación de Metamorfosis. Acompañan a Constanza, Martín Rivero en piano, Sergio Morán en batería y Jonathan Biloni en bajo.

Miércoles 17 a las 21

SINATRA A MI MANERA RICARDO TAYLOR + TRÍO Las canciones más emblemáticas de Frank Sinatra y los temas de la era dorada del jazz en la voz de Ricardo Taylor junto al trío formado por Nacho Castoldi piano, Fermín Suárez contrabajo y Camilo Zentner batería.

Jueves 18 a las 21

TUCUNA DE BUENOS AIRES

MONONA TUCUNA TANGO

Monona Tucuna vuelve a La Biblioteca Café donde hace años dio sus primeros pasos musicales, en esta ocasión con músicos de excelencia como Miguel Pereiro piano y dirección y Daniela Schuster en cello, transitarán tangos clásicos y olvidados además presentarán temas de su nuevo disco.

Viernes 19 a las 21 DIVAS!

MARISA INI, ROMINA SCHWEDLER, SUSANA

SÁNCHEZ LAGANÁ Y EDITH MARGULIS.

De Madonna a Tita Merello, de Edith Piaf a Liza Minelli, ellas, con su brillante individualidad iluminan la época que les toca vivir. Son las más bellas? Las más talentosas? Las mas grandes artistas? Puede ser, pero son su encanto y su personalidad irrepetible lo que las hace inmortales. Esta noche Romina Schwedler, Edith u MiráBA 99

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

ción de show de jazz y pop en vivo con una propuesta diferente de cocina de autor, en donde la música se intercala y se complementa con la comida. En esta cena vas a poder disfrutar de 5 tiempos en los que progresa la sofisticación de los platos y los vinos, junto a la intensidad de la música, buscando así activar todos tus sentidos. En la cocina: Misael Noe. Pastelera invitada Vicky Paste. En el show el Quinteto de Jazz integrado por Sebastián Marcial Alvarez saxo Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.

Jueves 11 a las 21 GABRIELA GRABOWSKI CANTA

La cantante y compositora argentina Gabriela Grabowski, actualmente radicada en España, aterriza en Buenos Aires para presentar su nuevo proyecto solista. De formación clásica académica, pero con su muy arraigado espíritu rockero alternativo, en sus canciones fusiona con naturalidad pop, jazz, indie y música clásica, creando un lenguaje propio y cautivador. Sus canciones son profundas, de sonido completamente acústico, exploran la belleza de lo efímero, envuelven al oyente en una experiencia sonora auténtica y emocional. Su banda conformada por voz, piano, violín y violonchelo es el reflejo claro de esta fusión de los mundos clásico y popular.

Gabriela Grabowski voz y composición, Clarisa Falcone piano, Álvar Llusá Damiani violín, Pablo D‘Elía cello.

Viernes 12 a las 21 TERTULIA ITALIANA

MARTA ROSSI Y GIOVANNI PANELLA

En un agradable ambiente porteño una velada dedicada al arte, la música y la poesía.

Marta Rossi y Giovanni Panella acompañarán al público a través de escenas de ópera lírica, delicadas notas musicales de la refinada música de cámara, para concluir con las canciones italianas de principios del siglo XX.

Marta Rossi soprano, Giovanni Panella piano.

Sábado 13 a las 17

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HARD BOP LEGACY 4TET

JAZZ CON INVITADOS

El cuarteto integrado por Sebastián Marcial Álvarez saxo / Dante Carniel piano / Fran Nava contrabajo / Camilo Zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.

Domingo 14 a las 20.30 CONSTANZA BIS presenta: UN

DÍA CUALQUIERA

EP ADELANTO DE SU PRÓXIMO ÁLBUM METAMORFOSIS

En un concierto especial de fin de año, la cantautora argentina Constanza Bis se presenta para compartir en vivo Un día cualquiera, el nuevo EP que anticipa lo que será su próximo álbum Metamorfosis. El show propone un recorrido íntimo y a la vez vibrante por su universo

musical: canciones propias en castellano y portugués, piezas de discos anteriores, composiciones inéditas y versiones de la música popular brasileña que han marcado su camino artístico y dialogan con sus nuevas canciones. Con una sonoridad que entrelaza reggae, pop melódico y samba brasileño, la artista despliega melodías luminosas y contagiosas donde sus letras se vuelven viaje, abrazo y celebración. Será una noche para cerrar el año, renovar deseos y anticipar una nueva etapa creativa que desembocará pronto en la publicación de Metamorfosis. Acompañan a Constanza, Martín Rivero en piano, Sergio Morán en batería y Jonathan Biloni en bajo.

Miércoles 17 a las 21

SINATRA A MI MANERA RICARDO TAYLOR + TRÍO Las canciones más emblemáticas de Frank Sinatra y los temas de la era dorada del jazz en la voz de Ricardo Taylor junto al trío formado por Nacho Castoldi piano, Fermín Suárez contrabajo y Camilo Zentner batería.

Jueves 18 a las 21

TUCUNA DE BUENOS AIRES

MONONA TUCUNA TANGO

Monona Tucuna vuelve a La Biblioteca Café donde hace años dio sus primeros pasos musicales, en esta ocasión con músicos de excelencia como Miguel Pereiro piano y dirección y Daniela Schuster en cello, transitarán tangos clásicos y olvidados además presentarán temas de su nuevo disco.

Viernes 19 a las 21 DIVAS!

MARISA INI, ROMINA SCHWEDLER, SUSANA

SÁNCHEZ LAGANÁ Y EDITH MARGULIS.

De Madonna a Tita Merello, de Edith Piaf a Liza Minelli, ellas, con su brillante individualidad iluminan la época que les toca vivir. Son las más bellas? Las más talentosas? Las mas grandes artistas? Puede ser, pero son su encanto y su personalidad irrepetible lo que las hace inmortales. Esta noche Romina Schwedler, Edith u MiráBA 101

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

Margulis, Marisa Ini y Susana

Sánchez Laganá evocan a las grandes divas de ayer, de hoy y de siempre. Acompaña Simón Martins en piano.

Sábado 20 a las 21

PARLAMI D’AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA - Octava

Temporada

Porque el amor nos salva, nos eleva, nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones populares italianas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá, el tenor Rodrigo Charmiello, el violinista Simón Martins y el pianista Ezequiel Dalairac nos pasean por las épocas de Modugno, Mina, Dalla o a recrear momentos de

102 MiráBA

Cinema Paradiso o Il Postino.

Acompáñennos a soñar con el amor!

Viernes 26 a las 21

PIAZZOLLA PROFUNDO KARINA D’ARINO Y EL COLECTIVO CITANGÓ

Piazzolla Profundo es un proyecto musical creado en 2023 que propone una relectura íntima y contemporánea de la obra de Astor Piazzolla, integrando tango, jazz y lenguaje escénico. El proyecto está conformado por la cantante

Karina D’Arino y el Colectivo de Improvisación CITangó, integrado por el pianista y arreglador Adrián Mastrocola, el contrabajista Pablo Motta y el baterista Hernán Fernández, todos con sólida trayectoria dentro del tango y

jazz argentino. La propuesta recorre un repertorio curado de piezas vocales e instrumentales, trabajadas en formato de trío más voz, con arreglos originales y una interpretación profundamente expresiva.

Desde su creación, el proyecto ha tenido presentaciones en espacios culturales de Buenos Aires y Chile. Vamos a contar con un invitado de lujo: el bandoneonista Daniel Ruggiero que nos va a estar acompañando, sumándose a los temas más representativos … será un encuentro a pura emoción

Sábado 27 a las 17 VIVI FALABELLA CON AMIGOS

Con baladas, jazz, boleros, pop, folk y canciones de todos

los tiempos Vivi y sus amigos desean en este día festejar con todos los presentes en la querida Biblioteca Café, tocando y cantando para despedir el año con música en pos de un augurioso 2026.

Sábado 27 a las 21 LEONARDO PASTORE A SOLAS

El cantor Leonardo Pastore despide el año en La Biblioteca Café en un concierto íntimo con su guitarra y su invitada muy especial Maria Cecilia Aquino en el que recorre las obras que

están en su memoria emotiva de intérprete muy conocedor de todos los repertorios.

Domingo 28 a las 17 THREE RAVENS DE PÁJAROS E HISTORIAS DE LA VIEJA INGLATERRA

Ravens Ensamble: Daniela Bonfanti flauta travesera

Tamara Bolla viola da gamba, violín, viola, arpa y voz presentan obras de la Antigua Inglaterra desde el medioevo hasta el siglo XVIII. Dowland, East, Robinson, Ravencroft entre otros.

Domingo 28 a las 20.30 RECORDANDO A ELIS REGINA

MARIANA CLUSELLA Y MARIANA GRISIGLIONE

Un recorrido por los temas emblemáticos de la carrera de quien fuera la mas aclamada y reconocida cantante brasileña de todos los tiempos. En estas versiones íntimas acompañan a Mariana Clusella y Mariana Grisiglione , Leandro Marquesano en piano y Diego Wainer en contrabajo.

MiráBA

Música

LA PORTUARIA LLEVA SU SHOW AL TEATRO ÓPERA LA PLATA

La Portuaria una de las bandas fundamentales en la escena musical argentina llega al Teatro Ópera La Plata el próximo sábado 13 de diciembre.

Entradas a la venta por sistema Livepass y boletería del teatro Comprando con tarjetas de Banco Provincia tenes 4 cuotas sin interés

Tras 15 años de silencio en estudio, La Portuaria volvió con “El animal humano”, una canción que reafirma el sonido que los convirtió en referentes ineludibles del rock argentino.

“El animal humano” (primer single de un nuevo disco) es mucho más que un tema: es una botella lanzada al mar, un rezo

mántrico cargado de imágenes, ironía y reflexión. En un mundo atravesado por tensiones ecosociales e históricas, el amor — como fuerza única, irrepetible e intraducible— se revela como la única salida posible. Desde esa pulsión nace esta canción, que aborda cuestiones profundas con ligereza poética y una sonrisa cómplice. La canción llega con

un videoclip de fuerte impronta visual con dirección de Ariel Sanna y producción de Sebastián Cáceres.

Fiel a su esencia, La Portuaria optó por una producción sin artificios ni ediciones digitales. Todo suena tal como fue tocado, reivindicando la imperfección humana como valor estético y ético, casi como un dogma artístico. Esa decisión radical potencia la verdad emocional de la música y conecta con la raíz más cruda del grupo.

“El animal humano” marca un regreso poderoso, vital y necesario, que celebra la vida, el amor y las posibilidades reales de transformación.

La Portuaria irrumpió en la escena a finales de los ’80, fusionando rock con elementos de jazz, funk y ritmos latinos para crear un sonido único y distintivo. Con letras poéticas y urbanas, su música exploró el amor, la vida

en la ciudad y la introspección, marcando un rumbo experimental dentro del rock nacional.

Su discografía incluye trabajos clave como Rosas Rojas (1989), Escenas de la vida amorosa (1991), Devorador de corazones (1993), Huija (1995), Me mata la vida (2001), Hasta despertar (EP, 2002), 10.000 Km (2003), Río (2005) y La Vaca Atada (2008).

Entre sus canciones más recordadas se encuentran Selva, El bar de la calle Rodney, Nada es igual, 10.000 Km, Baby, A través de tus ojos, Hoy no le temo a la

muerte —con la participación de David Byrne— y una celebrada versión de Perfidia.

Su colaboración con Byrne marcó un hito internacional y consolidó su prestigio. Hoy, su legado sigue vivo como ejemplo de innovación y búsqueda sonora en la música argentina.

PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

VIDEO

La Portuaria - El animal humano (Video Oficial)

YASAR lanza COMBUSTION

y se prepara para su show en el Teatro Ópera el 6 de diciembre.

La banda YASAR comienza una nueva etapa con el lanzamiento de su tercer disco de estudio, COMBUSTIÓN, un álbum que marca la madurez artística del proyecto y un nuevo pulso dentro de la escena del rock electrónico argentino.

Luego de un intenso recorrido por los escenarios del país, con presentaciones en Buenos Aires, Mar del Plata, Bariloche, Jujuy y Neuquén, además una función agotada junto a Viktoria Jáuregui en Ciudad de Gatos, La Plata, ante más de 550 personas, llega el estreno completo de COMBUSTIÓN.

El álbum ya contaba con cuatro adelantos: Abrázame, Pensar que llega acompañado de un videoclip, Fuego y Kerosene y SED, este último siendo el cuarto.

Cada uno de estos lanzamientos anticipó la potencia, la sensibilidad y la diversidad sonora que atraviesan el nuevo trabajo de estudio. El nuevo material es distribuido por el sello para músicos independientes Ojo Emergente, y reúne nueve canciones originales compuestas por el grupo integrado por Lucas Naim (voz), César Altamirano (guitarra), Federico Del Río (teclados), Juana Olmo (percusión electrónica), Nehuén Díaz (bajo) y Morena Pantucci (batería), quienes, a través de su pasión y creatividad, han dado vida a un sonido que resuena profundamente en su público.

En lo sonoro, el disco combina rock electrónico, pop experimental, rap y cumbia, en una fusión que refleja la energía viva de la escena platense actual. “El objetivo fue lograr un sonido orgánico y pulsante, donde conviven la electrónica, las guitarras distorsionadas y las capas vocales con un fuerte trabajo en la producción rítmica y la puesta visual. En sus letras,

COMBUSTIÓN explora los límites entre la pasión y el caos, la búsqueda de identidad, el vínculo entre cuerpo y tecnología y la intensidad emocional del presente.” dice Lucas el cantante.

La producción musical estuvo a cargo de YASAR y Ojo Emergente y fue grabado entre los meses de abril y agosto de 2025.

El lanzamiento oficial de COMBUSTIÓN tendrá su show presentación el viernes 6 de diciembre en el Teatro Ópera

La Plata, será una propuesta de trasnoche, de fiesta electronica, enmarcada con djs de primer nivel com BORJA para el opening y DJS PAREJA para terminar la noche, evento donde YASAR desplegará su nueva puesta en escena, con visuales, performance y sonido envolvente que regalará a todos los presentes una noche inolvidable. Entradas disponibles en: Livepass

Escucha COMBUSTIÓN en todas las plataformas.

SOBRE YASAR

YASAR es una banda de rock electrónico creada en 2020 en la ciudad de La Plata, Argentina. Con una propuesta artística propia, disruptiva y potente, el grupo se destaca por la combinación entre música, teatralidad, visuales y una identidad sonora contemporánea. La banda está integrada por Lucas Naim (voz y composición), César

Altamirano (guitarra), Federico

Del Río (teclados), Juana Olmo (percusión electrónica), Nehuén Díaz (bajo) y Morena Pantucci (batería).

En vivo, YASAR despliega un espectáculo intenso de. música electrónica y rock. Las luces y el baile contagioso con el publico son parte escencial de su show. Su organización es autogestiva y colectiva, con un equipo de más de 15 personas que abordan todas las áreas del proyecto: arte, técnica, comunicación, prensa, producción, iluminación y performance. En su sonido confluyen recursos del rock, la electrónica, el rap, el pop y la cumbia, dando como resultado

una estética fresca y experimental que los posiciona dentro de la nueva generación del electro-pop argentino.

“YASAR no es solo una banda, es una experiencia colectiva que enciende, sacude y transforma.”

Show en vivo: YASAR presenta COMBUSTIÓN Viernes 6 de diciembre – 20 h. Teatro Ópera La Plata Entradas: Livepass

PRENSA & DIFUSIÓN: @toneprensa hola@toneprensa.com.ar

VIDEO YASAR | PENSAR

Lucas Heredia inicia la celebración de 15 años de música con dos conciertos muy especiales.

El cantautor cordobés revisita las canciones de su discografía completa en formato banda junto a “La Sinfín” tanto en Buenos Aires como en Córdoba sumado a invitados referentes de la canción de autor de ambas escenas.

Sábado 29 de noviembre 21h en Cultural Thames, Thames 1426, Palermo, Buenos Aires. Anticipadas Buenos Aires

Viernes 5 de diciembre 21h en Platz Espacio Cultural. Av. Maipú 350, Córdoba Capital. Anticipadas Córdoba por Antesala

El presente de Lucas Heredia lo encuentra con momentos altos en su carrera y con ganas de compartirlos. Desde su participación en los homenajes a María Elena Walsh y Joan Manuel Serrat en el Palacio Libertad, hasta su paso por el streaming Olga en El día del revés y el Charly Day. También su reciente gira por Colombia y su inminente segunda visita a Chile. Este 2025 coincide con el decimoquinto aniversario del primer disco de estudio Adentro hay un jardín, que fuera el puntapié inicial de su trayectoria solista con excelente recepción por parte del público y de la prensa especializada.

Por primera vez en mucho tiempo, Heredia vuelve a presentarse en

banda junto a Bruno Cravero en teclados, Exequiel García en batería y Nacho Ramia en bajo. “La Sinfín” lo acompañará en estos dos conciertos iniciales de lo que será un 2026 de celebración.

Por otro lado, Un temblor (2024) es el último disco solista del cantautor cordobés. A un año de

su lanzamiento, también habrá oportunidad de escuchar estas canciones en vivo.

Con lo mínimo indispensable, las once piezas reivindican la intimidad y la cercanía como mecánica esencial del hecho artístico y transformador. Estas obras habitan una despedida y transmutación de una vida que

se quiebra para dar paso a un nuevo tiempo.

Sobre Lucas Heredia

Lucas Heredia es músico, compositor, productor y cantante de la Ciudad de Córdoba, Argentina. Es multi instrumentista y docente.

Durante años ha formado parte de distintas agrupaciones artísticas de gran relevancia en la escena nacional y es considerado por la crítica como un referente de la canción de la escena regional. En 2008 lanzó su carrera como solista con eje en la canción de autor fusionando estilos diversos como la música popular rioplatense, latinoamericana, el folclore, rock, pop y el jazz, entre otros.

Tiene seis trabajos discográficos editados: Adentro hay un jardín (2010), Luz de cerca (2012), Puentes invisibles a dúo con el rosarino Julián Venegas (2014), Sinfín (2017), Los nacimientos (2021) y el más reciente Un temblor (2024), el cual fue preseleccionado para el Latin Grammy 2025 en la categoría mejor disco de autor.

Además, grabó los EPs Versiones al paso (2011) y Lo mínimo indispensable (2021) además de varios singles y colaboraciones.

En 2015 grabó como vocalista en Fander de Jorge Fandermole, referente fundamental de la trova rosarina y la canción latinoamericana.

En 2021 realizó un concierto con versiones sinfónicas de su música con la Orquesta Sinfónica de Córdoba en el Teatro San Martín, el escenario más importante de la escena cordobesa y el segundo más importante luego del Teatro Colón.

Durante su carrera ha realizado colaboraciones con artistas consagrados de la escena latinoamericana y recorrido escenarios de Sudamérica y Europa.

Ha compartido escenario y grabaciones con León Gieco, Aca Seca Trío, Juan Carlos Baglietto, Carlos Aguirre, Jorge Fandermole, Lisandro Aristimuño, La Bomba de Tiempo, Santiago Vazquez y Raly Barrionuevo

entre otros.

En la actualidad también se desempeña como productor artístico y arreglador para producciones y colaboraciones para Alemania, España, Canadá.

Como docente lleva adelante el taller de canto “La voz habitada”, apuntes para la arquitectura de la sonoridad propia en el canto como herramienta de liberación y expresión, trabajo con el que ha recorrido Europa y Sudamérica y del cual deriva una recopilación escrita en proceso de publicación.

Integra La orquesta emergente formación que cruza el lenguaje académico y el rock en un híbrido de banda y octeto de cuerdas y vientos. Con ella reversiona discos fundamentales de la música popular argentina.

PRENSA

Florencia Meluso Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com

VIDEO

Inundación - Lucas Heredia

NINA VENTRE PRESENTA

“MÍRAME”

Iniciando una nueva etapa con influencias K-Pop!

Luego de su paso por La Voz 2025 y de ser distinguida como Personalidad Destacada de la Cultura en La Plata, Nina Ventre da inicio a una nueva etapa -

Nina Ventre presenta “Mírame”, un single que marca el comienzo de su nueva era artística dentro del emergente movimiento A-POP, una corriente que fusiona la energía y disciplina del K-POP con el pop argentino.

La artista se destaca como la primera solista argentina en llevar el concepto del A-POP a su propio universo: una propuesta fresca, cute, empoderada y real, donde la autenticidad y la performance cobran protagonismo. Coreo-

grafías exigentes, estética cuidada y letras más personales que reflejarán su búsqueda por encontrarse consigo misma.

“MÍRAME” narra un amor intenso, con un estribillo contagioso y guiños a artistas como KATSEYE y Tate McRae. Este lanzamiento inaugura un nuevo capítulo en su carrera, consolidándola como una de las figuras emergentes más prometedoras del pop argentino.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales y marca el inicio de una nueva era que combina música, estética y performance.

En esta primera etapa, la canción

se presenta con un visualizer oficial, mientras que el videoclip —que incluirá la coreografía completa— se estrenará próximamente.

NINA VENTRE LANZAMIENTO MÍRAME

Disponible en Spotify – Amazone Music – Deezer – Apple Music Instagram.com/reel/ DPfFofWiXy9/

PRESENTACIÓN EXCLUSIVA

Antes de su lanzamiento oficial, Nina presentó “Mírame” de forma exclusiva el 3 de octubre en un show en vivo dentro del MICA (Mercado de Industrias Culturales

Argentinas), sorprendiendo al público con una performance que anticipó su nueva era A-POP.

GIRA DE COLEGIOS

En paralelo, Nina continúa fortaleciendo su vínculo con el público joven: este año protagonizó una gira por colegios de La Plata, donde fue ovacionada por cientos de estudiantes. Los videos de esas presentaciones ya superan los 2 millones de reproducciones en TikTok y más de 1 millón en Instagram, reflejando su creciente impacto digital.

MÁS ACERCA DE NINA VENTRE

Valentina Ventre, conocida artísticamente como Nina Ventre, es cantante, compositora y performer de pop nacida en La Plata el 8 de noviembre de 2002. Desde pequeña se formó en canto, piano, baile y teatro, y a los 11 años ya se subía a los escenarios frente a cientos de personas.

En 2019 comenzó a publicar sus primeras canciones en plataformas digitales,

acumulando más de 500 mil visualizaciones en YouTube y construyendo una comunidad que fue creciendo junto con su música. En 2022 abrió el show de Lit Killah en el Estadio Atenas de La Plata y viajó a Los Ángeles para grabar material audiovisual en Hollywood, dando sus primeros pasos de proyección internacional.

Un año más tarde lanzó su primer álbum de estudio Tu Barbie, acompañado por la Gira de Colegios y un show sold out en el Teatro Bar de La Plata. Durante 2024 expandió su carrera a España, participó en festivales como Blin Blin, además de estrenar singles como One Shot, Te Fuiste y La Moto.

El 2025 la encontró con nuevos lanzamientos (Humedad, En Mi Peak y 100KM junto a Cange) y gran exposición mediática tras su paso por La Voz Argentina. Su presentación en el certamen televisivo quedó grabada en la memoria de los espectadores: los cuatro coaches giraron su silla durante la audición a ciegas y, en una jugada estratégica, Miranda

bloqueó a Lali, episodio que generó debate en redes sociales y convirtió a Nina en tendencia en redes sociales. El video de la audición a ciegas fue tendencia en youtube y superó el millón de reproducciones.

Ese mismo año fue distinguida como Personalidad Destacada de la Cultura en La Plata, por El Honorable Concejo Debilerante de La Plata en la sesión especial del 12 de septiembre, reconocimiento que celebra su presente y potencia su futuro.

Con un proyecto que combina estética Y2K, glamour pop, el K-POP, coreografías y letras auténticas, Nina se inspira en referentes como Britney Spears, Tate McRae, Emilia, y los IDOLS del K-POP con el objetivo de llevar su propuesta a la escena internacional.

PRENSA

Romina Girardi rominagirardiprensa@gmail.com

VIDEO

Nina Ventre - Mírame (Video Lyric)

Sofía Rei vuelve a tocar en Argentina

Después de tres años, Sofía Rei vuelve a presentarse en Buenos Aires. La cantante y compositora argentina radicada hace más de dos décadas en Nueva York es una de las voces más innovadoras de la escena global. Nominada al Grammy, aclamada por el New York Times, colaboradora de John Zorn y una de las pocas artistas argentinas invitadas a participar en el prestigioso Tiny Desk Concert de NPR, Rei combina raíces sudamericanas, electrónica y experimentación vocal con una libertad que la distingue en el mundo. Su versatilidad la llevó también a trabajar con Bobby McFerrin y Marc Ribot, por citar algunos nombres.

Única fecha en Buenos Aires: Jueves 18 de diciembre a las 20.30h

La Tangente (Honduras 5317 –Palermo, CABA) Entradas en venta en www. latangente.com.ar

El jueves 18 de diciembre en La Tangente, Sofía recorrerá algunas canciones de Umbral, su álbum tan elogiado que presentó en el país en su última visita, y también ofrecerá un adelanto del proyecto en el que viene trabajando hace varios años. “Folk & Futurismo es el nombre que encontré para describir el cruce entre la música que tiene su raíz en el folk sudamericano y caribeño con las tecnologías

digitales que manejo, la música electrónica que tanto me atrae”, cuenta Rei, quien planea además plasmar estos conceptos en un disco que verá la luz en la primera mitad de 2026.

La acompañarán el guitarrista y productor del Caribe francés

JC Maillard (Angélique Kidjo, Richard Bona), con quien comparte una larga sociedad creativa, y el multiinstrumentista argentino Manu Sija, una de las figuras más singulares del folklore contemporáneo. Como invitada especial, La Charo sumará su voz y su energía ritual.

Será una noche para descubrir por qué Sofía Rei es una artista

de culto en el mundo y una joya imprescindible de la música argentina actual. Su música es un viaje entre la tradición y el futuro: una experiencia sensorial donde conviven el ritual, el pulso y la invención.

Como parte de esta visita al país, Sofía Rei tiene programado un show en Córdoba, en el marco del Divino International Music Festival: la cita es el domingo 14 de diciembre en Pez Volcán junto a JC Maillard y Lucas Dorado.

Ha dicho la prensa internacional:

*“Salvaje, ecléctica y casi alucinatoria mezcla de géneros y naciones… Fiel a la misión de

derrumbar las fronteras” (The New York Times, Estados Unidos)

*“Sublime” (Songlines Magazine, Reino Unido)

*“Es una exploración fascinante de su proceso creativo, al mismo tiempo que una cápsula de historia de las tradiciones musicales del extremo sur del continente americano” (NPR Alt. Latino, Estados Unidos)

*“Sofía Rei combina las tradiciones musicales sudamericanas con el pop experimental y la música electrónica. La mezcla de tradición y modernidad se expande en una propuesta que mezcla iconografía tradicional con ‘santos robóticos’, plantas exuberantes y looperas a pedal” (NPR Tiny Desk Concert, Estados Unidos)

Más sobre Sofía Rei: Educada dentro de la tradición de la música académica, y a la vez ardiente investigadora de las complejidades de la música folclórica sudamericana, lleva editados seis álbumes de manera independiente: Ojalá (2005); Sube Azul (2009); De tierra y

oro (2012); El Gavilán (2017, en el que reversiona canciones de Violeta Parra), Umbral(2021) y Coplas escondidas (2023, junto a Jorge Roeder).

Grabó también cinco discos junto al reconocido músico, productor y arreglador John Zorn. En 2011 recibió una nominación al Grammy como cantante del proyecto Aurea junto al pianista Geoffrey Keezer, en la categoría Latin Jazz. Participó, entre otros, del global FEST 2021, del que se desprende su segunda participación en el ciclo de conciertos NPR Tiny Desk, en esta oportunidad bajo el formato (Home) Concert. En 2020 fue co-curadora junto a Pablo Aslan de Jazz Across The Americas. Argentina - Tribute to Lalo Schifrin, Arturo O’Farrill & the Afro Latin Jazz Orchestra, evento del que también participó como artista.

Este año fue parte del Ruidosa Fest, en el icónico Lincoln Center de Nueva York: un evento profundamente feminista que lleva adelante Francisca Valenzuela, que destaca las

voces de mujeres latinas en la música. Más que un concierto, constituyó una plataforma de empoderamiento, diversidad y celebración de la identidad latina femenina, con la participación de artistas como Snow Tha Product, Empress Of, Camila Fernández y J Noa. La presencia de Sofía Rei en este festival refuerza su compromiso con la música latina contemporánea y la promoción de espacios inclusivos y creativos para mujeres artistas.

Como docente, se desempeña actualmente en el NYU Tisch Clive Davis Institute, donde desarrolló la cátedra “Nuevas perspectivas en la música latinoamericana”. Desde ese lugar, continúa la tarea de descubrir la inmensa diversidad de estilos tradicionales latinoamericanos e integrarlos a las nuevas tecnologías y tendencias. Más info en www. sofiamusic.com

PRENSA

Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

VIDEO

Sofía Rei ”Un Mismo Cielo”

Seba Macchi Colectivo Baldío presenta su disco

Grita en mí

PRESENTACIÓN

Domingo 7 de diciembre | 21 h Galpón B | Cochabamba 2536 (CABA)

Invitados/as: Tavo Cortés (Sig Ragga) - Melina Moguilevsky

Entradas disponibles en: https:// www.passline.com

El domingo 7 de diciembre, a las 21 h., Seba Macchi Colectivo Baldío presentará Grita en mí, su nuevo álbum, en Galpón B. El concierto contará con la participación especial de dos invitados/as de lujo: Tavo Cortés, integrante de Sig Ragga, y Melina Moguilevsky.

SOBRE EL DISCO]

Grita en mí es el séptimo trabajo discográfico de Sebastián Macchi (piano, voz y composiciones) y el primero grabado —y cimentado en ronda— junto al Colectivo Baldío, la formación que completan Gonzalo Díaz (batería), Luciana Insfrán (teclado y coros), Marcelo Gastaldi (guitarra eléctrica) y Fernando Silva (bajo eléctrico). Se trata de un álbum que revela notables influencias del rock nacional –con ecos de la obra de Luis Alberto Spinetta, Charly García y Fito Páez– pero en un continuo y delicado diálogo con otras sonoridades: la música del Brasil, ciertos aires del jazz o la canción del Litoral. Seba Macchi Colectivo Baldío convida, sin lugar a dudas, un universo sonoro

rotundamente propio y potente.

“Para este disco nos propusimos plasmar el sonido natural del grupo –revela el pianista–. Una identidad de banda ligada claramente a expresiones rockeras, pero sin alejarnos del trazo de la canción íntima ni de aquel pulso del paisaje de la ribera que invita a una sensibilidad contemplativa”. Y explica el proceso: “Grabamos en simultáneo tomas completas y sin cortes. Buscamos registrar un estado de música viva, habitada en cuerpo y alma”.

Pero la riqueza de este material no se detiene aquí. Las nueve canciones compuestas por el pianista paranaense despliegan también una poesía exquisita: el escenario costeño y sus urbes, el ecocidio, la infancia, la virtualidad, la belleza, el

dolor, el amor y la muerte son temáticas que asoman entre sus versos para resonar profundo y urgente. “Mensajes que insisten con su grito de vida –señala el artista– en medio del naufragio de la sociedad o lo que ya se fue…”.

FICHA TÉCNICA

Seba Macchi Colectivo Baldío GRITA EN MÍ (2025)

1. Para despertar

2. Estrella del plata

3. De humo y humedales

4. Flores efímeras

5. Sangres y elementos

6. Corazón azul y flor

7. A pesar del ecocidio

8. Vida vida

9. Envés

Todas las canciones fueron compuestas por Sebastián Macchi.

Músicos/as:

Fernando Silva: bajo eléctrico

Gonzalo Díaz: batería

Luciana Insfrán: teclados y voces

Marcelo Gastaldi: guitarra eléctrica

Sebastián Macchi: voz, piano y composiciones

Grabado en Godzila Estudio (Rosario) por Mariano Actis.

Mezclado y masterizado en Mate Místico (Villa María) por Matías Pérez.

Arte de portada y diseño gráfico: Ignacio Vidal

Producción general: Intemperie sin fin

ACERCA DE SEBASTIÁN MACCHI

Sebastián Macchi es un pianista, compositor y cantautor argentino. Su música trasluce impresiones del paisaje fluvial del Paraná y nombra realidades del lugar desde una mirada universal y sin fronteras estilísticas, donde conviven el folclore, el jazz, la MPB, el rock y la música académica hasta el horizonte abierto de la canción.

Lleva editados siete trabajos discográficos en Argentina

(Shagrada Medra) y en Japón (Inpartmaint Inc.): Luz de Agua - Poemas de Juan L. Ortiz/ Canciones (2005); Lucas Nikotian /Sebastián Macchi (2013); Otras canciones (2015), junto a Claudio Bolzani y Fernando Silva; Piano Solito (2017); Aguasílabas (2019), en trío junto a Carlos Aguirre y Gonzalo Díaz; Melodía Baldía (2022) y el reciente Grita en mí (2025), junto al Colectivo Baldío. Publicó además un libro de partituras con la transcripción completa del álbum Luz de agua - Poemas de Juan L. Ortiz/ Canciones (2023).

Muchas de sus composiciones, cabe destacar, fueron grabadas por prestigiosos artistas y agrupaciones como Aca Seca Trío, Trío Familia, Cecilia Pahl y Mario Gusso, entre otros. Ha realizado numerosas giras artísticas por Argentina y otros países como Japón, Estados Unidos, Dinamarca, Alemania, Italia, España, Portugal, Brasil, Chile y Uruguay.

Participó también en discos y proyectos de relevantes músicos como Nicolás Ibarburu, Carlos Aguirre, Jorge Fandermole, Silvia Iriondo, Coqui Ortiz, Cecilia Pahl

y Luis Barbiero, entre otros. Y, en el rol de producción artística, en álbumes de Claudio Bolzani, Taylor Mackall y Belén Herrera. En la actualidad conforma un dúo junto a la violinista catalana Laura Urteaga (con quien registró recientemente en Italia una serie de piezas de perfil académico con el nombre de Abismario) y lleva adelante el proyecto solista Divino Profano, en donde versiona desde el piano canciones de Luis Alberto Spinetta, Charly García y Fito Páez.

www.sebastianmacchi.com.ar Instagram /sebastianmacchi. musica Facebook /sebastianmacchi. musica

YouTube Sebastián Macchi

Bandcamp sebastianmacchi1

Spotify Sebastián Macchi

PRENSA

Jimena Pautasso | Prensa jimenacomunica@gmail.com runrun pa firma.png

VIDEO

Sebastián Macchi - Colectivo baldío/ “Corazón azul y flor, chau”

ROLO SARTORIO PRESENTA EN VIVO SU NUEVO ÁLBUM “1973”

El vocalista de La Beriso llega con su proyecto solista y el estreno del videoclip de su single “Saltar”

18 DE DICIEMBRE - LA TRASTIENDA

Entradas a la venta por Passline

Rolo Sartorio, líder de La Beriso, quien viene de despedir el año con un Estadio Obras agotado, anuncia un show muy especial en La Trastienda el próximo 18 de diciembre, donde presentará oficialmente “1973”, su primer álbum solista. Será una noche íntima y poderosa en la que el

artista recorrerá las canciones de su nuevo proyecto. Hoy, además, se estrenó el videoclip de su más reciente single, “Saltar”.

“Saltar es una canción que habla de animarse a despegar de un lugar en el que uno no quiere estar. Puede ser una pareja, un trabajo o cualquier situación que nos haga mal. Se trata de cambiar la forma de vida, de salir de lo tóxico y animarse a buscar algo mejor. Siempre es salir hacia un lugar más sano, no hacia el vacío”, explica Rolo sobre el tema.

Con una propuesta personal, emocional y profundamente honesta, el cantante muestra en “1973” una nueva faceta de su universo creativo, donde las letras cobran protagonismo y el sonido combina la esencia del rock argentino con una sensibilidad más introspectiva.

Grabado en los estudios del Abasto Monsterland y producido por el propio Sartorio, “1973” reúne 13 canciones inéditas — entre ellas “Perdido en Buenos Aires”, “Sin saber por qué” y “Fantasmas”— que reflejan distintas etapas, emociones y

búsquedas del artista.

Tras consagrarse como una de las voces más reconocidas del rock nacional junto a La Beriso, Rolo Sartorio abre ahora un nuevo capítulo con nombre propio, reafirmando su conexión con el público y su capacidad de reinventarse sin perder autenticidad.

ACERCA DE ROLO SARTORIO

Nació en Avellaneda (Provincia de Buenos Aires, Argentina), más precisamente en el barrio de Entre Vías, el 27 de enero de 1973. Desde su adolescencia soñó con ser futbolista y cantante de rock, disciplinas en las que dio sus primeros pasos hasta encontrar definitivamente su camino en la música.

En 1998 fundó La Beriso junto a un grupo de amigos músicos, proyecto que lo llevaría a convertirse en uno de los referentes más convocantes del rock argentino. Con la banda, lanzó ocho discos de estudio y tres en vivo, que marcaron distintas etapas de crecimiento y consolidación, y que tras 25 años de trayectoria, ha pasado por escenarios históricos como River Plate, el Estadio Único de La Plata y Vélez Sarsfield.

A lo largo de su carrera grabó más de diez discos, muchos de ellos distinguidos con galardones como Disco de Oro y Disco de Platino, además de

múltiples nominaciones en la industria musical. Su camino lo llevó a compartir escenario y canciones con artistas de renombre como Víctor Heredia, Andrés Calamaro, León Gieco, David Lebón, Enanitos Verdes, Juanse, Coti, Los Auténticos Decadentes, Cacho Castaña, Los Pericos, Dyango, Pepe Aguilar y Leiva, además de participar junto a La Beriso en los shows de The Rolling Stones y Guns N’ Roses en Buenos Aires.

En 2018, junto a la Editorial Planeta, publicó su primer libro, “Pararte y dar pelea”, donde relató en detalle su infancia, los comienzos en la música y el recorrido lleno de desafíos que debió atravesar para llegar a convertirse en la voz de una de las bandas más populares del país.

Con “1973”, Rolo Sartorio abre un nuevo capítulo en su vida artística, demostrando una vez más su capacidad para reinventarse y seguir conectando con el público desde la autenticidad y la emoción.

LISTA DE TEMAS - 1973

Sin saber por qué Fantasmas

Saltar

Perdido en Buenos Aires

El arrepentido

Intento

No me hables

Veneno

Ya no sé Excesos Momentos

Verónica

Dios te bendiga

PRENSA C+G Prensa info@cygprensa.com.ar

VIDEO

Rolo Sartorio - Saltar - 1973 (Video Oficial)

Pigmentos del Sol presenta videoclip en vivo de “Todo Alrededor”

Un llamado de atención para nuestra atención

La banda tigrense Pigmentos del Sol presenta en sociedad el videoclip de su canción “Todo Alrededor”, un registro grabado en vivo en el Teatro Municipal Pepe Soriano, de la localidad de Benavídez.

“Todo Alrededor” es una canción con un mensaje profundo y actual, que engloba el concepto musical de la banda. Rock Argentino con versatilidad sonora y una semilla de conciencia, el sello de Pigmentos del Sol que se destaca en cada estrofa. “Pasan los nadies como invisibles, como si fueran parte del paisaje. Todo sucede alrededor, mientras

abrimos una notificación. Todo sucede alrededor, mientras cambiamos de canción. Suben los plásticos al nivel del río, se congelan corazones en el frío, lo retórico del odio se hace piel ¿Será que dejamos de latir?

La canción reza el suceso cotidiano de estar hiperconectados a una red, a un algoritmo, a una nube, mientras alrededor todo pasa y pareciera que nada pasa.

Pigmentos del Sol no sólo nos trae canciones con mixturas rockeras sino también mensajes para reflexionar. Algo que nos conecte más allá.

SOBRE LA BANDA

Pigmentos del Sol es una banda oriunda de Tigre que se define musicalmente como Rock Alternativo de Industria Argentina, que juega con diferentes cambios rítmicos y matices dentro del rock y el funk. La misma está compuesta por Claudio Profilo en voz y guitarra, Guille Profilo en primera guitarra, Martín Caserta en bajo y Braian Rodriguez en batería.

Su base de influencias se encuentra dentro del Rock Nacional, con bandas y músicos como Divididos, Spinetta, Charly

García, Sumo, Las Pelotas, Jauría o Científicos del Palo; en ellos encuentran rock potente que a la vez tiene sustancia lírica, cualidades que han tomado como referencia en sus composiciones. Desde este aprendizaje, Pigmentos del Sol busca la mixtura sonora para lograr una impronta personal.

Sus letras son un reflejo de nuestro tiempo. Giran en torno a la relación entre los medios y sus audiencias, la influencia de la post verdad en el relato público y la era de la inmediatez. Buscan que cada canción tenga un mensaje que invite a la reflexión. Abordan la introspección personal, pero también bucean en la literatura y la filosofía; un ejemplo de esto es su canción ‘Somos’, la cual se encuentra inspirada en un cuento de Rodolfo Walsh, el cual no llegó a publicarse, pero se lo conoce a partir de la fusión de relatos colectivos de quienes pudieron leerlo antes de la desaparición del autor. Esta historia conmovió

mucho al cantante y compositor de la banda quien, siguiendo la historia de dicho cuento, continuó la composición colectiva a manera de mantener la memoria viva. A su vez su último EP, Polución, dialoga con textos escritos por el filósofo contemporáneo Byung-Chul Han. Partiendo de una música potente y cambios de ritmos que invitan al cuerpo a vibrar, el viaje sonoro persigue como objetivo final que la letra deje una semilla de conciencia.

Con el deseo de un crecimiento constante en lo musical y con la aspiración de un reconocimiento en la escena independiente, Pigmentos del Sol continúa componiendo y produciendo su obra.

Este 2025 el objetivo fue el lanzamiento de un EP de cuatro canciones grabadas en vivo en el Teatro Pepe Soriano de Benavídez, en el mes de junio pasado. A su vez, se editaron cuatro videoclips que acompañan estas producciones.

Tres de esas creaciones ya se encuentran disponibles en la plataforma de YouTube de la banda mientras que la última se lanzará en noviembre. Con este material el grupo busca capturar su energía explosiva en vivo, y un sonido que definitivamente desafía etiquetas.

“Pigmentos del Sol” es un nombre que actúa como cápsula de la fuerza y la poesía de nuestra música. El Sol es la potencia y la conexión espiritual ancestral de nuestra región, mientras que los Pigmentos representan la psicodelia, los matices y las atmósferas que buscamos crear de manera sonora. Es un nombre que tiene una poética versátil que permite al rock jugar con diferentes ritmos y texturas sin perder su fuerza”.

HISTORIA MUSICAL DE PIGMENTOS DEL SOL

Pigmentos del sol es un sueño de dos hermanos, Claudio (voz y guitarra de la banda) y Guillermo Profilo (primera guitarra), quienes buscaban a través de la música generar una herramienta para expresar artísticamente sus cosmovisiones, ideas y sentires en general. Este sueño se consolidó presentándose en vivo por primera vez en febrero del 2017. En esta presentación, además de exponer su música, trabajaron la performance y los espacios sonoros, estas expresiones artísticas se fueron simplificando, ya que com- u

prendieron que en la poesía y la musicalidad de la banda de rock convergía toda la fuerza y expresividad que buscaban compartir con su público.

En 2019 lanzaron su primer disco “El arte de no ser ficción” (editado en formato físico en el 2020, gracias a ser seleccionado por INAMU), el cual expresa como el arte en general es una herramienta que nos permite ver y transitar la realidad de otra manera, ya que la reflexión en la cual nos sumerge la obra nos extrae de la “ficción” a la cual nos busca someter el sistema, manipulandonos. En las letras de este álbum podemos encontrar lecturas críticas a los medios masivos de comunicación, reivindicación de los pueblos originarios, y un homenaje a Spinetta en el último track, titulado “Al flaco”. Esta canción posee un pasaje instrumental en el cual a través de la primera guitarra, se presentan citas de melodías “spinetteanas”, además de una letra sensible dirigida al músico argentino.

En 2021 se grabó una Live Session en los Estudios ION. Esta producción contó con dos canciones nuevas “Me cuelgo, me olvido” y “Todo el tiempo”, además, se reversionó uno de los temas del primer disco, “Ficción”, en el cual se incluyó una cita a Sumo a partir de “El cieguito volador”. Estas nuevas canciones “Me cuelgo, me olvido” y “Todo el tiempo” tienen

un tinte introspectivo; la primera habla de esas charlas que tenemos con nuestro propio ser mientras todo sigue sucediendo al lado nuestro, invitándonos a recordar que estamos acá, vivos. Mientras que la segunda canción, “Todo el tiempo” fue compuesta en plena pandemia, y reflexiona sobre aquellas cosas que dejamos de hacer sin ser conscientes que hubo un día que las hicimos por última vez, sin tomar dimensión de que quizás no volveríamos a hacerlas.

En 2022 publicaron un nuevo single junto a un videoclip, “Basta de Pastillas”. Esta canción reflexiona sobre la salud mental y nos invita a hacer esas cosas que nos hacen bien.

Luego, en 2024 publicaron “Polución”, un EP compuesto por cuatro canciones, grabado en estudio, y producido junto a Seba Quintanilla. La portada fue ilustrada por la artista visual Flor Bassi, quien se encarga de la identidad visual de la banda desde sus inicios.

La tapa de “Polución” ilustra la conceptualización de sus canciones. Estas navegan en reflexiones en las cuales se inspiró Claudio Profilo, quien escribe y compone las canciones de Pigmentos del Sol, a partir de haberse encontrado con lecturas del filósofo coreano ByungChul Han y sus pensamientos en torno a la sociedad del cansancio.

PRENSA:

SG PRENSA Y DIFUSIÓN Susana Galarza-Agente de Prensa. sgprensaydifusion@gmail.com

VIDEO

Todo Alrededor - Pigmentos del Sol - En vivo en el Teatro Municipal Pepe Soriano

YE estrena los videos de La Sopa Primordial

Grabados en Buenos Aires y con la participación de Diego Frenkel, los clips muestran la interpretación libre de cada canción del nuevo EP de la banda.

El grupo YE presenta los videos de Mapa en el Cielo, Como Barcos, Cuando me vengas a buscar y Montecarlo, canciones de su nuevo EP producido por Diego Frenkel y León Frenkel Bonard

Los clips fueron dirigidos por Pipi Tristán y realizados junto al colectivo Síntesis Dinamita. No siguen un guion ni una narrativa lineal: cada video es una interpretación libre del director sobre la canción, dejando que el público descubra su propia lectura.

“Hablamos con Pipi sobre ideas generales y criterios básicos, pero no definimos historias. Queremos que cada uno encuentre su propia interpretación, igual que sucede con las letras”, explican desde YE.

La Sopa Primordial cuenta con invitados como Sebastián Schachtel (Las Pelotas), Miguel Tallarita (Indio Solari) y Juana Mariash, y fue grabado en Zar y Cortázar Estudios, mezclado por Mariano Oliva y masterizado por Justin Weis en Trakworx (EE.UU.), con arte visual de Joaquín Chas

La Sopa Primordial es una metáfora de lo originario: un caldo de posibilidades donde todo está por nacer. Cada capítulo aporta texturas, atmósferas y estados de ánimo distintos, consolidando un universo sonoro propio, con influencias de rock, pop, funk y soul.

YE está integrada por Pato Migliore (voz y guitarra), Gury Migliore (teclados), Ari Moreira (guitarra), Bruno Migliore (bajo) y Gustavo Peña (batería). Con La Sopa Primordial, la banda reafirma su identidad ecléctica y su presente creativo.

YE nació de una historia compartida entre hermanos y amigos músicos que transitaron distintos proyectos —entre ellos Viaje a Venus, referente de los 90, producido por Daniel Sbarra— y que hoy confluyen en una búsqueda sonora más madura y experimental. Con influencias de rock, pop y

electrónica, el grupo combina melodías precisas, letras introspectivas y una impronta estética propia que se expande con cada nuevo trabajo.

PRÓXIMAS PRESENTACIONES

El viernes 5 de diciembre, YE se presentará en el Centro Cultural San Isidro, (Av. del Libertador 16138) compartiendo escenario con Suéter. La banda llevará al escenario su obra conceptual La Sopa Primordial, proponiendo un viaje sonoro de cuatro capítulos que trasciende el formato de disco y se vive plenamente en vivo.

Entradas disponibles en Passline

Nara Briega Prensa & Comunicación IG: @narabriega narabriega@gmail.com

VIDEO COMO BARCOS (Ye)

DYANGO PRESENTA SU ÁLBUM: “SU AMIGO DYANGO, VOL. 1”

Dyango presenta su álbum “Su Amigo Dyango, Vol. 1”, un recorrido artístico marcado por la amistad, la admiración y el amor por las canciones, en el que el legendario cantante español reversiona junto a talentosos músicos invitados parte de sus grandes clásicos.

La Producción Ejecutiva del álbum es de Típica Records con la colaboración de Sony Music Publishing Argentina e incluye el corte y video de promoción “Esta Noche Quiero Brandy” (con Jordi), y todas las canciones anticipadas: “Si La Vieras Con Mis Ojos” (con Rodrigo Tapari) “Por Volverte a Ver” (con Angela Leiva), “Cuando quieras donde quieras” (con Santiago Cruz), “Yo mañana” (con Cardellino), “Si yo fuera él” (con Uriel Lozano), “Por ese hombre” (con

Ainda), “Amor de tango” (con Javier Calamaro), “El primer beso” (con Marcos Llunas), siendo parte de este Volumen 1.

“Esta Noche Quiero Brandy” es una emotiva canción en modo casi de polka que une las voces de Dyango y su hijo Jordi, dos generaciones conectadas por la sensibilidad y el amor a la música.

El tema, un clásico del repertorio romántico de Dyango, destaca por su melodía elegante y una interpretación llena de sentimiento.

Las voces se complementan con ternura y complicidad, creando un diálogo que va más allá de lo familiar.

“Esta Noche Quiero Brandy” es una historia de amor y pérdida que refleja cómo, ante

el sufrimiento, el ser humano busca refugio en los recuerdos, la amistad y pequeños gestos que le ayuden a seguir viviendo.

TERCERA Y ÚLTIMA PRESENTACIÓN EN BUENOS AIRES:

Luego de agotar dos funciones en el Teatro Gran Rex en los meses de septiembre y octubre, Dyango se prepara para la tercera y última función

en Buenos Aires el día 3 de diciembre a las 21:00hs. Últimas entradas a la venta en www.tuentrada.com

Un viaje musical inolvidable para rememorar todos sus clásicos en una celebración y homenaje de su música y su trayectoria donde habrá muchas sorpresas.

La gira comenzó en Buenos Aires, en el Teatro Gran Rex y se extendió por:

- 5/9 | Teatro Gran Rex, Buenos Aires -

- 6/9 | Teatro El Circulo, Rosario

-

- 9/9 | Auditorio Juan Victoria, San Juan -

- 11/9 | Arena Maipú, Mendoza- 13/9 | Festival de la empanada, Famaillá, Tucumán

- 16/9 | Teatro Provincial, Salta -

- 18/9 | Teatro Mercedes Sosa, Tucumán -

- 20/9 | Teatro Colonial,

Avellaneda -

- 25/9 | Quality Arena, Córdoba

- 27/9 | Teatro San Carlos, Junín

- 30/9 | Teatro Municipal, Olavarría -

- 2/10 | Teatro Gran Rex, Buenos Aires -

- 4/10 | Teatro Gran Ituzaingó -

- 7/11 | Hard Rock Café, Santo Domingo, República Dominicana

- 13/11 | Teatro Jorge Eliécer

Gaitán, Bogotá, Colombia

- 21/11 | Teatro Caupolican, Santiago de Chile

- 23/11 | Teatro Radio City, Mar del Plata

- 3/12 | Teatro Gran Rex, Buenos Aires - ÚLTIMAS ENTRADAS!

PRENSA

María Nolte mnolte@indigopress.com.ar

IG: @merynolt

Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar

IG: @tavella.nicolas

VIDEO

Dyango & Jordi - Esta Noche Quiero Brandy (Video Oficial)

MARTY D lanzó su versión de Zamba de Amor en Vuelo

- La joven artista renace en sus raíces, fusionando el folklore con el urbano -

MARTY D lanzó su versión de Zamba de Amor en Vuelo

- La joven artista renace en sus raíces, fusionando el folklore con el urbano -

Después del lanzamiento de “Zamba para Olvidarte”, Marty D presenta “Zamba de Amor en Vuelo”, una interpretación profundamente emotiva que marca el último adelanto de su próximo EP de 6 canciones, donde la artista continúa su búsqueda por fusionar las raíces del folklore argentino con la estética sonora del pop urbano.

La canción, compuesta por

Jorge Milikota y popularizada por Tamara Castro, tiene un valor especial para Marty D: fue su padre quien se la hizo escuchar por primera vez, despertando en ella una conexión única con la sensibilidad y la fuerza interpretativa de Tamara, a quien considera una de sus grandes inspiraciones.

En esta versión, Marty D logra un equilibrio entre lo ancestral y lo contemporáneo, manteniendo la esencia poética de la zamba mientras incorpora una producción moderna y envolvente. En este nuevo trabajo, el productor Seba Choque se sumó al equipo

de Gmusik para aportar su mirada del folklore, sumando instrumentos reales y matices tradicionales que refuerzan las raíces de la artista.

El videoclip fue filmado en la Quebrada de las Señoritas (Jujuy, Argentina), un escenario majestuoso que refleja el espíritu del norte argentino y acompaña visualmente el recorrido emocional de la canción.

Con este lanzamiento, Marty D reafirma su identidad como una de las voces jóvenes más prometedoras del nuevo folklore, una artista que se atreve a tender

puentes entre generaciones y estilos, llevando la esencia de la música de raíz al presente.

INFORMACIÓN TÉCNICA

Interpretación de la versión:

Marty D

Producción musical versión:

G Musik & Seba Choque

Video:

Rafita Gallucci y Nacho

Bangher

Agradecimiento especial:

Comisión Municipal de Uquía

Composición original:

Jorge Milikota

Interpretación original:

Tamara Castro

ZAMBA PARA OLVIDARTE

El video de la versión folklore urbano de Zamba para Olvidarte, interpretada por Marty D, fue grabado en las Salinas Grandes, Jujuy, donde los paisajes inmensos refuerzan la sensación de desamor y nostalgia.

Algo más acerca de MARTY D

Marty D es una artista independiente de 21 años nacida en Córdoba Capital. Comenzó su trayectoria musical a los 10 años subiendo contenido digital y a los 14 años lanzó su primera canción, Me Amo Como a Nadie, una balada contra el bullying.

A lo largo de su carrera, exploró diversos estilos y géneros hasta definir su identidad artística en su nuevo proyecto de folklore urbano, que combina tradición y

sonido contemporáneo.

Ha tenido destacadas presentaciones en la industria musical, incluyendo su participación como telonera de TINI en el Estadio Mario Alberto Kempes en noviembre de 2022 y la apertura para Bauti Mascia en el Teatro Gran Rex en septiembre de 2024.

En 2023, Marty D lanzó su primer álbum, Marty D Baby, centrado en la música urbana. Como artista independiente, asumió

múltiples roles en la producción del disco. Aunque la experiencia fue enriquecedora, sentía que no reflejaba por completo su esencia ni el mensaje que deseaba transmitir.

En 2025 participó en La Voz Argentina, donde llegó hasta las audiciones a ciegas, sumando esa experiencia a su camino artístico independiente.

Criada en un entorno familiar de folklore —sus padres son bailarines—, Marty D comenzó a tocar la guitarra y a componer a los ocho años, donde aprendió sus primeras zambas. Su objetivo artístico es transmitir con el corazón sus experiencias y aprendizajes, llevando la esencia del folklore al mainstream y mostrando que este género puede ser actual, fresco y relevante para nuevas generaciones.

PRENSA rominagirardiprensa rominagirardiprensa@gmail.com

VIDEO

Marty D - Zamba para Olvidarte (Folklore Urbano)

Love of lesbian regresa a Buenos Aires para presentar su último álbum de estudio:

"Ejército de Salvación"

Love of Lesbian regresa a Buenos Aires luego de tres años para presentar “Ejército de Salvación”, su décimo álbum de estudio publicado por el sello Warner Music Spain en 2024, un alegato a la amistad y la hermandad. Un homenaje y agradecimiento a aquellas personas que con “un gesto, un abrazo o una simple palabra se convierten en impulso y refugio y nos salvan, porque todo el mundo tiene algo de lo que salvarse, pero encontrar la fuerza para hacerlo no siempre es fácil”.

“Ejército de salvación” flyer_love_of_lesbian

Miércoles 10 de diciembre –puertas: 19:00hs

Teatro Vorterix – Av. Federico

Lacroze 3455

Entradas a la venta en allaccess. com.ar

Entradas a la venta aquí

Producido por Ricky Falkner, el dúo Santos&Fluren y grabado en La Casamurada y Blind Records, en “Ejército de salvación” predomina un sonido luminoso, colorido, un pop-rock coreable que nos remite a sus primeros discos. A su vez, brillan sutilmente loops y samples que profundizan en caminos iniciados en los últimos años. Una mezcla perfecta

que, además, se expande con las colaboraciones de Amaral, Rigoberta Bandini, Zahara, Leiva y Jorge Drexler.

Y, en un homenaje a esas personas que siempre han estado ahí, la banda catalana no podía no volver a países como Colombia, Perú, Chile o Argentina, que han mostrado su apoyo incondicional desde la primera visita al continente latinoamericano en 2011.

La gira por Latinoamérica arrancó el pasado 29 de noviembre con un concierto muy especial y gratuito en la Feria Internacional del Libro

de Guadalajara (México) y continuará en Colombia (3/12), Perú (6/12), Chile (9/12) y Argentina (10/12).

Desde esa primera visita el grupo ha cruzado el “charco” hasta en diez ocasiones. Su éxito en este periodo de tiempo en Latinoamérica se cimenta sobre todo en México, donde han actuado en más de 20 ocasiones, entre ellas con dos sold outs en el Auditorio Nacional y cerca de 12.000 personas en el Palacio de los Deportes de CDMX, aunque no hay que olvidar los pasos

dados en Argentina (5 shows), Colombia (4 shows), Chile (3 shows) y Perú (2 shows).

Actualmente, la banda se encuentra inmersa en una gira por los principales festivales de España con aforos que, en la mayoría de los casos, superan las 20.000 personas. Antes de viajar a Latinoamérica, además, Love of Lesbian llenará por tercera vez en su carrera el Movistar Arena de Madrid, con capacidad para 15.000 personas. Será el próximo 1 de noviembre.

PRENSA

María Nolte mnolte@indigopress.com.ar

IG: @merynolt

Nicolás Tavella

IG: @tavella.nicolas

Natalia Fiore nfcomunicacion@gmail.com

IG: @natufiore

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Love of Lesbian - Ejército de salvación (Videoclip Oficial)

LA BELLA EPOCA lanza

Cazador Cazado

Su nuevo disco y lo presenta el sábado 8 de noviembre en Parque Patricios.

La Bella Epoca regresa a los escenarios con su nuevo disco de estudio titulado Cazador Cazado. El álbum fue presentado el pasado sábado 8 de noviembre en Parque Patricios en un formato único. La banda llegó tocando al punto de encuentro (René Favaloro y Pepirí) en su escenario móvil que partió desde La Casa que Vibra a las 20 h. (Trole y Cnel. Pagola). Desde su sala de ensayo y donde se grabó el disco, recorrió las calles del barrio en caravana hasta llegar al parque.

La Bella Epoca es una banda

de rock originaria del barrio de Pompeya que nace en 2007 bajo el nombre de La Belle Epoque, pero que se modifica en 2015 tras un cambio en su formación. La esencia del grupo está basada en una forma de vida autogestionada. Su espíritu musical está influido por el rock de los años 70, nutrido por géneros como el funk, heavy metal, jazz, hard rock y blues, formando así su propio estilo en constante movimiento y dominado por la improvisación.

Desde sus inicios se caracteriza por producir sus propios shows Cada uno tiene una

artística diferente. En 2017, lanza Despierta la fuerza, su álbum debut a través del sello independiente La Casa que Vibra. Grabado, mezclado y masterizado por Chino Bandiera, producido por Gustavo “Chizzo” Napoli, Germán Lentino y La Bella Epoca. En 2021, sale a la luz, un disco apoyado sobre un rodaje fílmico-musical llamado Delante de tus ojos que se encuentra en el canal de YouTube.

En la actualidad, la banda presenta Cazador Cazado, su flamante material de estudio grabado en la propia sala y

producido por Germán Lentino. El trabajo contiene ocho temas nuevos. Cada uno cuenta con su propio videoclip y conforma un universo visual que acompaña la historia sonora y estética del disco.

La Bella Epoca mantiene un compromiso inquebrantable con una forma de trabajo y una imagen en la que preserva lo artístico, pero por sobre todo lo humano. Sus mecanismos de expresión, difusión y desplazamiento les permitió ser autogestivos e independientes. No es sólo una banda musical, La Bella Epoca fabrica con sus manos la autogestión. Construyó un escenario móvil rodante con el que brinda recitales en movimiento por distintas ciudades del país; como así también la posibilidad de utilizar el mismo escenario de modo fijo en espacios al aire libre.

El show lanzamiento de Cazador Cazado con el escenario móvil tendrá lugar en Parque Patricios, misma locación donde desde hace varios años se realiza el Parque Patricios Rock. Sumado a eso, la agrupación se moviliza

en el “Pantrok”, un colectivo casa rodante, con el que gira por las rutas del país llegando a distintos pueblos y provincias del territorio produciendo todo evento de forma absolutamente autónoma.

La Bella Epoca está integrado por:

Maximiliano Machi Gaiardo (batería y voz principal) Matías Moggia (guitarra) Mauro Rojas Matas (bajo) Cristian Pola García (saxo).

El arte gr á fico y visual

de la banda: es decir la escenograf í a, el arte de sus lanzamientos, la puesta en escena y las visuales est á n a cargo de Flor Moggia.

Más info en: linktr.ee/labellaepoca instagram.la_bella_epoca_rock YouTube:@labellaepocaoficial

PRENSA

Diego Perri perridiego69@gmail.com

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La Bella Época - CAZADOR CAZADO (full album)

Carolina Winograd presenta su disco de tangos

“Hoy más que

ayer”

El nuevo disco marca su regreso al tango desde una voz libre, encendida y sin fecha de vencimiento.

Después del impacto de su libro Vivir sin fecha de vencimiento (Editorial Planeta, 2025), Carolina Winograd vuelve a la música con un trabajo que trasciende géneros y etiquetas. “Hoy más que ayer” (Aqua Records) no es un regreso: es una declaración.

El disco continúa la conversación que su libro abrió —esa invitación a vivir con conciencia, coherencia y libertad—, pero esta vez lo hace desde el cuerpo, la voz y la emoción. A través del tango, Winograd atraviesa los grandes temas de la vida adulta: el deseo, la pérdida, la culpa, la lealtad, la libertad y el tiempo. No desde el drama, sino desde la lucidez

de quien entendió que el dolor puede ser un lugar de paso, pero nunca de residencia.

Cada tema del disco es un universo emocional. El bandoneón no acompaña: dialoga, provoca, contiene. La guitarra y el contrabajo construyen atmósferas que sostienen la emoción, abren silencios, tensan y liberan. En ese diálogo entre pausa y vértigo, Carolina canta sin escudos: la emoción está al frente, limpia, cruda, sin artificios ni especulaciones.

“Nos pasamos la vida temiendo envejecer, cuando lo único que envejece es lo que dejamos de hacer, de sentir, de soñar. Por eso el tango no tiene fecha de

vencimiento”, asegura Carolina.

Hoy más que ayer es un álbum íntimo y magnético, donde cada tango respira una verdad distinta. Garúa se vuelve plegaria, Qué buena fe un manifiesto de dignidad y esperanza, Martirio una herida que revela miseria emocional y la falta de amor propio, El Motivo una cachetada de decadencia, y La última grela una rebelión en carne viva.

El disco no busca nostalgia: busca conciencia. Es un puente entre la artista y la mujer que hoy elige cantarse viva, sin condicionamientos ni estereotipos.

“En cada tango hay una mujer que se reconoce y que puede

elegir seguir atada al pasado o capitalizarlo entendiendo que el ayer no tiene por qué definirnos ni condicionarnos toda la vida”, sostiene la cantante.

Con este disco, Carolina Winograd reafirma su esencia como artista integral. Escritora, cantante y creadora, habita cada disciplina con la misma entrega. En “Hoy más que ayer” se condensa una mirada vital: la verdadera revolución no está en mantenerse “joven, lisa y firme”, sino en poder vivir con coherencia, libertad, menos crítica y más permiso —como el tango, sin fecha de vencimiento.

Acerca del Corte de difusión LA ÚLTIMA GRELA

Una relectura visceral y contemporánea del tango de Piazzolla y Ferrer. Carolina Winograd lo convierte en un manifiesto sobre la libertad femenina, la coherencia y el precio de dejar que la vida solo nos pase y nos pese.

La última grela no habla solo de las trabajadoras del amor: habla de todas las mujeres que se corrieron de la norma, las que —todavía— son señaladas, condenadas, ridiculizadas o denostadas. Pero también habla de la otra entrega —la más peligrosa—: la de quienes, por miedo a perder, se entregan a la costumbre. Siguen en relaciones que las drenan, en lugares donde ya no crecen o no las valoran. Y esa renuncia, tan común como

invisible, es la que más enferma y nos apaga por dentro: la que transforma la ilusión en hastío, la pasión en rutina, el deseo en silencio.

Habla de esa derrota silenciosa que llega cuando dejamos que los días se repitan sin alma; cuando complacemos a todos menos a nosotras mismas; cuando la culpa se vuelve hábito y la frustración, rutina.

En su interpretación, Carolina no busca compasión ni nostalgia: canta para despertar. Para recordarnos que cuando no tomamos las riendas, la vida nos pasa por encima. Su voz no actúa: encarna. Y en cada verso vibra la fuerza de una mujer que eligió no

resignarse, y que lleva como bandera encender a las demás a toda edad.

FICHA TÉCNICA

Arreglos, dirección y producción musical:

Florencia Amengual

Dirección artística y voz: Carolina Winograd

Músicos:

Florencia Amengual (bandoneón) Lionel Mortola (contrabajo y guitarra temas 5, 6, 7 y 10)

Coros: Hernan Blanco y Lionel Mortola tema 7

Grabado mezclado y masterizado en El Cubo Estudio

Ingeniero de grabación: Hernán Blanco

Diseño del arte:

Sol Portillo y Carolina Winograd

Producción general: Carolina Winograd

Sello: Acqua Records

FLOR CARROZZA

Prensa y Comunicación .instagram.florcarrozza.prensa/

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Carolina Winograd - La última grela

Laura Tuny: estrena su nuevo sencillo

“Yo Decido”acompañado de su videoclip oficial

Laura Tuny lanza su nuevo single “Yo Decido”, una propuesta fresca y vibrante que reafirma su estilo pop tropical. Con una sólida trayectoria en la música y la actuación, Laura continúa consolidando su camino artístico con este material, que llega acompañado de un videoclip dinámico y lleno de energía.

*Yadam Gonzalez (Ganador del Grammy como compositor y productor por “Patria y vida” –Canción del año 2021 – y como coautor junto a Fonseca y Juan Luis Guerra de “Si tú me quieres”, mejor canción tropical 2023). También productor de Diego Torres.

Sobre “Yo Decido”:

La canción tiene que ver con el amor propio, con quererse más a uno mismo. A muchas personas les pasa que no toman las decisiones de su vida, sino que deciden los otros por ellas. Pasa en el trabajo, en las amistades, en las relaciones. Esas personas terminan haciendo o diciendo lo que deciden los demás. A veces se dan cuenta, a veces no. En el caso de esta canción, la protagonista decide elegirse a ella primero, terminar una relación amorosa, tomar las riendas de su vida, recuperar el tiempo perdido y seguir adelante.

Música y Letra: Laura Tuny &

Yadam Gonzalez

Producción: Yadam Gonzalez* & Luis Robles para Lemon Tree

Entertainment

Guitarras: Claudio Ruiz

Teclados y Programación: Luis Robles

Percusión: Pavel Roma

Grabado en: Estudios SoundLab y Lemon Tree, Miami. Estudios Sagitarius, Buenos Aires.

Sobre Laura Tuny:

Laura Tuny es una artista

multifacética que inició su carrera profesional con tan sólo seis años. Ha participado desde entonces en grandes producciones: -Integró el coro ‘Cantaniño’. -Grupo “Agüita Clara”, versión infantil de “ABBA”.

-Laura interpretó el personaje de Etelvina en ‘Señorita Maestra’, (telenovela) uno de los ciclos más recordados y exitosos de la televisión argentina.

Continuó su carrera como actriz

en programas de televisión como::

– “El camionero y la dama”, -“Clave de sol”, -“Los otros y nosotros”, -“El Palacio de la Risa”, -“Alta Comedia”, -“Los Benvenutto”, -“Inconquistable corazón”, -“Poné a Francella”, -“El Sodero de mi Vida” y otros.

Su pasión por la música hizo que comenzara a escribir canciones

En 2004 lanzó su álbum debut, “Mi Sello En Tu Piel”. Una adictiva fusión de ritmos latinos y Hip Hop, con temas de su autoría, mostrando el sentir y pensar de una mujer fuerte e independiente. Luego lo lanzó en México y participó de los masivos festivales de radio EXA en las ciudades más importantes de ese país, junto a artistas como Camila, Diego Boneta, Reik, Moderato y Paty Cantú.

Abriendo una nueva etapa en su carrera musical, en 2008, Laura Tuny presentó «MI CAUSA». Un segundo álbum de carácter optimista y positivo, el cual contiene el exitoso tema «La vida llega» que fue cortina del programa de TV «Quinceañeras» de Canal 13.

Como compositora, escribió e interpretó la canción de la película americana «Golden Winter» y el tema infantil «Hiporopopó» de “canciones de la granja”.

Filmó como actriz en Hollywood su primera película en inglés:

«Age Of Dinosaurs» y “Tu momento», un tema suyo, formó parte del film «Sharknado 3»

En 2016 lanzó su tercer disco: «LO NUESTRO», 10 canciones de contagiosos ritmos como la cumbia y el merengue mezclados con el Pop.

Se presentó en el Tayrona Music Fest en Santa Marta (Colombia) y también en diferentes lugares de Argentina.

En 2024, Laura lanzó “Darlo Todo”, su nueva música, de la mano del multi premiado productor Yadam González (Ganador del Grammy como compositor y productor por “Patria y vida” – Canción del año 2021 – y como coautor junto a Fonseca y Juan Luis Guerra de “Si tú me quieres”, mejor canción tropical 2023). También productor de Diego Torres.

La canción “Darlo Todo” es una declaración de amor y el deseo de que ese amor perdure en el tiempo. Fusionando el pop con sonidos tropicales, Laura nos trae un ritmo muy sabroso para bailar, para sentir y para compartir.

Siguiendo con su estilo Pop

Tropical, en este 2025, Laura lanza su nuevo sencillo titulado “Yo Decido”, el cual es acompañado por su videoclip oficial.

Redes sociales:

Instagram: @lauratuny

TikTok: @lauratuny

Youtube: Laura Tuny

Facebook: Laura Tuny

Spotify: Laura Tuny info@lauratuny.com https://lauratuny.com

PRENSA: Lic. Marcela Nuñez marcela@mncomunicacion.com. ar

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Laura Tuny - Yo Decido

Gustavo Nasuti presenta su nuevo álbum

Siete años

PRESENTACIÓN:

Nasuti llevará su séptimo trabajo discográfico en formato grupo al escenario de Casa Sonora. Viernes 5 de diciembre, 21h. Rondeau 173, Ituzaingó. Entradas a través de Whatsapp 11 5583 0726 (alias casa.sonora)

Sobre Siete años

El disco consta de nueve músicas, de las cuales siete son composiciones propias. “El loco Antonio” de Alfredo Zitarrosa y “Gurisito” de Daniel Viglietti son las otras dos piezas elegidas de dos grandes referentes uruguayos.

Siete años fue el tiempo transcurrido desde que comenzaron a tocar con esta formación hasta el momento de entrar al estudio. La idea de ciclo está muy presente en la concepción de las músicas. Estructuras que se repiten como mantras. El concepto está asociado a la filosofía antroposófica de los septenios, esos ciclos de siete años en los que el ser humano cambia de etapa en su vida.

En la música conviven tanto la sutileza del sonido muy cuidado con las rusticidades más crudas ligadas al universo de la improvisación. Hay lugar para la milonga, los ritmos

rioplatenses y la nostalgia. Las composiciones reflejan el lenguaje personal de Nasuti, en esta oportunidad enriquecidas por el aporte de Waldemar Garín, Mariano Gamba, Ramiro Rey y Gabriel Loto. En palabras de Gustavo, “Hay un sonido grupal de gran identidad y mucha comunicación, es decir, una gran familia sonora”.

FICHA TÉCNICA

Gustavo Nasuti Grupo

Mariano Gamba: saxofones y voz

Waldemar Garin: violin, guitarra y voz

Ramiro Rey: bajo Gabriel Loto: batería y objetos

Gustavo Nasuti: composición, arreglos, piano, guitarra, acordeón, bombardino y voz

Grabado en noviembre de 2022 en estudio Casa Frida Grabación, mezcla y masterización Hernán Caratozzolo

Grabaciones adicionales en estudio El limonero, técnico

Claudio Turica

Diseño de portada: Guillermo Cácharo

Foto de tapa: Facundo Jalil

SOBRE GUSTAVO NASUTI

Gustavo Nasuti es guitarrista, pianista, compositor, arreglador, multiinstrumentista y docente

nacido en la provincia de Buenos Aires. Es egresado del Conservatorio Provincial de música de Morón.

Tiene siete trabajos editados en diferentes formatos de los cuales se destacan Cuarteto Monserrat (2002), Hermanos cósmicos con 1000hongos (2007), Antiguas presencias (2009) como solista, Todos los tiempos ahora (2015) y el flamante Siete años (2025) con el grupo.

Tocó su música en Brasil, Uruguay, España, Bélgica, Alemania y Finlandia.

Como intérprete, acompañó (en vivo y en estudio) en guitarra, acordeón o piano a Juan Falú, Tata Cedrón, Andre Marques, Mono Fontana, Pinocho Routín, Hugo Fattoruso, Silvia Iriondo, Miriam García, Claudia Tomás, Emilio de la Peña, Araca La Cana, Alberto Muñoz, Coco Romero, Lucio Capece, Zelmar Garín, Mariano Gamba, Vicente Correa, Sergio Merce y Soema Montenegro, entre otros. También participó de varias ediciones del Festival

Internacional Guitarras del Mundo.

Con más de 30 años de experiencia en la docencia, brindó cursos y talleres en Argentina, Uruguay y Finlandia, además de ser profesor titular en distintas instituciones públicas de la provincia de Buenos Aires.

En la actualidad se presenta en conciertos con sus distintos proyectos, en formato solista, con su grupo, con el dúo Nasuti - Gamba y con su cuarteto. Paralelamente, lleva adelante el espacio cultural Casa Sonora, que se ha transformado en un lugar de encuentro para la música popular independiente en la zona oeste del Conurbano Bonaerense.

PRENSA

Florencia Meluso - Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com

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El loco Antonio (A. Zitarrosa) Gustavo Nasuti Grupo + Carlos Aguirre

Llega la Novena Sinfonía de Beethoven

En una experiencia sinfónico visual inédita

La obra maestra del repertorio clásico sube a escena con una puesta que integra toda su potencia orquestal y coral con el uso del mapping y la “presencia” del genial compositor alemán.

22 de noviembre y 5 de diciembre a las 21:00 Teatro Marín - Av. Del Libertador 17115

Entradas a la venta por Ticketek (Promo 2 x 1)

La Compañía Artística Clásica del Sur presenta por primera vez en la Argentina una experiencia visual y sinfónica inédita, con proyecciones, mapping y la presencia del mismísimo Ludwig van Beethoven en escena, en

torno a la Novena Sinfonía del genial compositor alemán, una de las obras más monumentales de la historia de la música y de las más amadas por el público.

Con un elenco notable de voces solistas y 110 artistas en escena, integrantes de la Orquesta Sinfónica Clásica del Sur y el Coro Clásica del Sur, las funciones serán los viernes 22 de noviembre y 5 de diciembre a las 21:00 horas en el Teatro Marín de San Isidro (Av. del Libertador 17115), bajo la dirección musical y general del maestro César Tello, con producción de Juan Carlos Montamat.

Una obra universal que

trascendió el paso del tiempo

Compuesta entre 1822 y 1824, la Sinfonía N.º 9 en re menor, Op. 125, fue la última sinfonía escrita por Beethoven y se convirtió en un símbolo de la humanidad, la libertad y la fraternidad entre los pueblos.

Su cuarto movimiento, que incluye la célebre “Oda a la Alegría”, con texto de Friedrich Schiller, marcó un hito en la historia de la música al incorporar por primera vez la voz humana dentro de una sinfonía, uniendo coro, solistas y orquesta en un mensaje de esperanza universal.

Desde su estreno en Viena en

1824, la obra se ha interpretado como himno en momentos clave de la historia, y su melodía final fue adoptada además como Himno de la Unión Europea, consolidando su vigencia como una celebración del espíritu humano.

Una experiencia escénica y visual única

Tras su exitosa asociación para las recientes presentaciones del Réquiem de Verdi, en esta nueva producción Clásica del Sur propone una puesta que combina la fuerza orquestal y coral con la dimensión visual contemporánea que aporta Philharmonic Pictures, con la participación del artista visual Daria Kotyukh y la dirección visual de Dmitrii Ermolin, en un marco creativo y tecnológico que se completa con un sorprendente aporte teatral que pondrá al mismísimo compositor alemán

sobre el escenario en tiempo presente.

Una fusión de imagen, luz, sonido y actuación que amplifica la potencia emocional y simbólica de la obra, creando una experiencia inédita que renueva el encuentro entre el público y el legado de Beethoven.

EQUIPO ARTÍSTICO

Dirección musical y general:

Maestro César Tello

Dirección visual: Dmitrii Ermolin

Artista visual: Daria Kotyukh

Compañía Clásica del Sur

Producción general: Juan Carlos

Montamat

Solistas

Eugenia Coronel Bugnon

Laura Domínguez

Nicolás Sánchez

Bruno Sciaini Santoro

Coro y orquesta Clásica del Sur

Sobre Clásica del Sur

La Compañía Artística Clásica del Sur, dirigida por el Maestro César Tello, desarrolla desde hace años un proyecto de difusión y actualización del repertorio sinfónico y operístico, con producciones que buscan acercar la música clásica a nuevos públicos sin renunciar a la excelencia interpretativa.

Tras los éxitos de El Réquiem de Verdi y La flauta mágica, esta versión de la Novena Sinfonía de Beethoven reafirma el compromiso de la compañía con una propuesta artística que combina emoción, accesibilidad y profundidad estética.

Arte prensado

Prensa y comunicación

Eduardo Slusarczuk

NUEVO DISCO: Fransia presenta

«Fuentes secretas»

Su cuarto disco editado de forma independiente.

La artista nos comparte una obra íntima y arriesgada que se atreve a mirar hacia adentro para encontrar sentido en medio de la locura . No es sólo un conjunto de canciones, sino un viaje de autodescubrimiento donde la vulnerabilidad se convierte en motor creativo y la fe se revela como una fuerza interior.

“Para mí eso es lo más grandioso de la fe: que no se trata de algo que está ahí afuera, en lo que hay que creer o rezar. La fe te lleva a conectar con un poder

que se encuentra dentro tuyo . No hay que tomárselo literal sino verlo más allá y saber utilizarlo a nuestro favor. Por eso dicen que Dios se encuentra dentro tuyo. Porque dentro tuyo están las respuestas, las fuentes secretas, la inspiración y las ganas de vivir”, plantea FRANSIA.

En esa línea, la artista profundiza en que “las fuentes secretas son el lugar de donde surge este disco. Secretas porque a través de él me confieso”. Se trata de un espacio simbólico donde lo místico y lo cotidiano se tocan.

Cada canción es una llave: una forma de entrar en contacto con lo invisible, con lo que todavía no tiene nombre.

El primer single adelanto fue “Tu Boquita” y llegó a modo de conjuro en clave pop. La canción es una invocación a las fuerzas del amor y la conexión verdadera. Luego conocimos “A veces”, un tema en el que la propia artista se sumerge en la fragilidad y la paranoia urbana, con Buenos Aires como espejo emocional. Entre ambos extremos, la entrega y la incertidumbre, el

disco propone un diálogo entre el deseo, la curación y la búsqueda de sentido.

La obra no pretende escapar del cuerpo ni prometer una trascendencia distante: se trata de aceptar la biología y el desorden mental, y desde ahí buscar un camino posible. Ponerle música a lo que duele y transformarlo.

“Las personas deben colocar a la paz mental como una de sus mayores metas. El castigo de toda mente desordenada es su propio desorden”, sentencia FRANSIA.

Esa tensión, entre sombra y alivio, entre fe y pecado, atraviesa todo el disco.

“Mis aflicciones malignas luchan contra mis goces buenos” aparece como el pulso interno de Fuentes Secretas, una frase que expone el corazón del proyecto: la lucha constante entre la oscuridad y el deseo de vivir.

Hay una espiritualidad en la estructura misma de las canciones, un diálogo entre lo terrenal y lo divino. Su imaginario se apoya en símbolos y gestos

que evocan protección, en una religiosidad que no busca dogma sino experiencia. San Agustín actúa aquí como una guía: su vida pecadora y santa, marcada por la búsqueda entre los placeres y la redención, inspiró a FRANSIA a ver el canto como una forma de oración, una manera de elevar lo humano hacia lo sagrado.

El disco deja una advertencia que suena como una oración universal:

“Todas tus oraciones serán escuchadas y antes de pedir has de pensarlo dos veces”. Una frase que invita a mirar hacia adentro, a entender que los

poderes, la fe, las bendiciones, la inspiración, las fuentes secretas siempre estuvieron ahí, esperando ser escuchados.

Con todo, podemos decir que “Fuentes Secretas” no busca respuestas fáciles: desciende hacia los pliegues más íntimos del alma, donde la locura y la belleza se rozan, y de ese encuentro nace algo parecido a la verdad.

PRENSA

Cecilia Diaz (agencia CEd) cecilia@agenciaced.com

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Fransia - A veces (Videoclip Oficial)

BERET PRESENTA SU TERCER ÁLBUM DE ESTUDIO

"LO BELLO Y LO ROTO"

El artista sevillano regresa con su esperado tercer álbum de estudio, Lo Bello y lo roto: un proyecto profundamente íntimo y emocional que consolida su lugar como una de las voces más sensibles y honestas de la música en español. Compuesto y producido entre España y Argentina, este disco explora la belleza que aparece en lo imperfecto y la fuerza que surge de nuestras propias fracturas.

Compuesto por 13 canciones, Lo Bello y lo Roto une los siete adelantos que ya conquistaron a su público junto a seis temas totalmente inéditos. Como tema que acompaña al lanzamiento del álbum, destaca “Nadie más te la cree”, una canción directa y visceral en la que Beret desnuda la frustración que nace cuando las palabras pierden valor y las emociones ya no encuentran refugio. Un tema que representa a la perfección el espíritu del disco: sincero, vulnerable y profundamente humano.

El álbum también cuenta con colaboraciones de primer nivel que expanden su universo creativo. Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se unen a Beret para aportar nuevas texturas y miradas. Entre ellas destaca “SUPERHÉROES” junto a Mr. Rain, una pieza que ya se perfila como uno de los himnos inevitables del proyecto.

Lo Bello y lo Roto es un viaje emocional en el que Beret combina lo crudo y lo delicado con un equilibrio excepcional. Su sonido abraza el pop contemporáneo sin renunciar a la profundidad lírica que lo distingue, construyendo un puente entre la vulnerabilidad y la fortaleza, entre lo que se rompe y lo que nos vuelve a unir.

Pensado también para los amantes del formato físico, el álbum está disponible en vinilo, CD Digipack y edición especial en CD BOX. Con este lanzamiento, Beret invita a mirar

de frente esas cicatrices que cuentan historias y a descubrir la belleza que habita incluso en nuestras sombras.

Con más de 6 millones de oyentes mensuales en Spotify y una comunidad sólida en España y Latinoamérica, Beret continúa consolidándose como una de las voces más influyentes de su generación.

Lo Bello y lo Roto confirma que el artista sigue escribiendo la banda sonora emocional de millones de personas.

PRENSA

María Nolte mnolte@indigopress.com.ar

IG: @merynolt Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar

IG: @tavella.nicolas

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Beret - Nadie más te la cree (Videoclip Oficial)

Caetano Evon presenta su álbum debut Medias Gruesas de Lana

Contiene 10 tracks que transitan un carácter coloquial y despojado, introspectivo y emotivo, con canciones que exploran la identidad personal, los vínculos y la nostalgia a través de la lente de la ternura.

Sus influencias musicales van desde El mató..., María Pien, Francisca y Los Exploradores, Luca Bocci, Chechi de Marcos, Tarsitano, Franchi, El Chacal y Juanito El Cantor entre los nacionales, a Sufjan Stevens, Elliot Smith, Julia Jacklin, Medium Build, Andy Shauf y Jake Minch entre los internacionales.

“Mi misión es abrir mi corazón, entregarme desarmado, y que eso viaje en la canción y abra tu corazón. Revalorizar la ternura y la transparencia. Que te ayude a duelar, a llorar, a dar más abrazos, a que mandes ese mensaje de amor que venís posponiendo. Sentir que este disco puede ser un lugar seguro al que si necesitás ir está ahí, no te va a juzgar, no te pide nada. Creo mucho en la fuerza de la introspección. Alguien que logra juntar el coraje para descubrirse, para revisar su historia personal, sus miedos, va a ser más empático, más amoroso, más compasivo.”

Caetano Evon

Con este primer trabajo, Evon se inserta en la escena musical desde la originalidad de sus

melodias y composiciones demostrando un nuevo sonido en el que nos convida a mirar hacia adentro, a transitar nuestros silencios de un modo diferente.

Bío Caetano Evon:

“Escritor amateur, ex músico de jazz y cantante principiante. Soy pianista pero estoy peleado con el piano. Soy argentino pero nací en Estados Unidos. Largué el conservatorio para escribir canciones tiernas y crudas y

sinceras. Escribo porque lo necesito, porque quiero, porque me nutre, porque siento que lo mejor que puedo regalarle a otra persona es una canción.”

Después de diez años estudiando clásico y jazz en el Conservatorio Manuel de Falla, Caetano decidió dejar la música académica para apostar por sus propias canciones. Su camino como solista tomó impulso tras asistir al taller de composición de Edgardo Cardozo, quien lo alentó a grabar su primer disco.

Durante el día, es profesor de piano; por las noches, artista emergente que dedica su tiempo a componer, grabar y gestionar los desafíos de llevar adelante un proyecto independiente.

PRENSA

Claudina Sánchez claudinasanchez@gmail.com

VIDEO caetano evon - quiero verte

Kid Pochoclo presenta su primer disco “Gotas de Luna” Un experimento de música ambiental.

“Gotas de Luna” es el álbum debut del artista argentino Kid Pochoclo, preparado durante dos años y medio de improvisaciones en vivo. Después de cada sesión, se remiró y se recortó la porción que mejor sonaba. Por alguna razón misteriosa, lo que más destacaba de ese listado fueron las canciones ambientales y relajantes.

“Gotas de Luna” reúne las once mejores piezas de esa compilación. Fueron re-editadas y remasterizadas en estudio profesional para lograr el sonido de un disco, pero manteniendo la frescura de las grabaciones originales hechas en su canal de stream.

FICHA TÉCNICA

Compositor, interpretación y producción: Lean Falcón.

Ingeniería de sonido: Eloy Brollo.

Arte de tapa: Martín Oroná.

Diseño gráfico: Marcelo Guerrero.

Kid Pochoclo es un proyecto que nació durante la pandemia en 2021, creado por el músico, compositor y streamer Leandro Falcón. Encerrado con instrumentos, Kid se dedicó a contactar animadores que hayan subido sus trabajos sin

música y ofrecerles agregarles composiciones de un minuto. Ya terminado el encierro, empezaron los streams musicales, con la idea de improvisar música sin consignas, con muchos instrumentos y máquinas de loops.

El disco acaba de salir, pero los streams continúan con regularidad semanal en Twitch y en simultáneo en YouTube, Instagram, Facebook y TikTok.

https://kidpochoclo.com/ https://instagram.com/ kidpochoclo Spotify https://kidpochoclo.bandcamp. com/

LUCAS SEOANE PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

VIDEO viajar ligero

MANGO PARA ARMAR LLEGA

INSPIRADO EN EL CÓMIC 78 KM.

Continuando con las propuestas, MANGO PARA ARMAR comparte su nueva canción inspirada en el cómic 78 Km/h.

“Estamos atravesando un buen momento, tocando a full y pensando en sacar nuestro primer disco a fin de año. La experiencia con este tema fue tremenda, sentimos que dimos un salto enorme”.

La letra representa lo más crudo de la banda compuesto hasta ahora. Musicalmente, destacan los riffs poderosos de las guitarras y sintetizadores con sonidos de trompetas, que le dan un toque explosivo a los estribillos y el final.

“Como está inspirada en el cómic 78 Km/h, decidimos hacer un videolyric que reflejara bien la idea de la historia y escapara de lo convencional. El proceso creativo se alineó gracias a Nicole y Michelle de Mesri Producciones.

MANGO PARA ARMAR es un proyecto emergente de CABA nacido a mediados del 2014. Con muchos ensayos, algunos cambios internos, canciones propias y covers, demuestra de qué está hecho debutando de local.

Entre el 2016 y 2017 continúa brindando conciertos, a la par

de que graba dos canciones. A comienzos del 2018 sufre nuevas modificaciones y decide hacer un parate para reflexionar acerca de su futuro.

El 2021 lo encuentra motivado para materializar su primer EP HOMÓNIMO y presentarlo en San Telmo. Durante el 2022 publica “Parte de Enemigo”, y a fines del 2023 “El Diario del Pastor”. Ambos sencillos le permiten realizar una cantidad importante de shows y crecer junto al público.

La nueva formación no sólo

trae aire fresco, diálogo creativo y una energía distinta; sino que también los dos primeros cortes de su próximo álbum: “Brumario” y “78 Km”. Además de estar disponibles a través de las plataformas habituales, podrán disfrutarse el jueves 20 de noviembre, a las 20 hs, en Imaginario Cultural (Guardia Vieja 3799, Almagro) como parte del ciclo de bandas amigas de los Fedes.

MANGO PARA ARMAR ES:

Tomás Egüez (voz)

Lucas Valencia (guitarra y teclados)

Matías Egüez (guitarra)

Mauro Bogarin (bajo)

Lucas Lambertti (batería)

PRENSA

Nancy Hougham nancyhougham@hotmail.com

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Mango para Armar - 78 Km (lyric video)

PAULINA TORRES

abre el “Festival de Diciembre del Tasso”

Paulina Torres presenta ANTÍDOTO - Música popular latinoamericana

Paulina Torres es una cantautora argentina y del mundo que combina música de raíz latinoamericana con un estilo contemporáneo en un viaje musical íntimo. Presentará en este concierto temas nuevos y temas de su autoría en donde la canción es puente entre culturas.

Se presentará en el Torquato Tasso con su banda completa abriendo el tradicional Festival de Diciembre en el Tasso el día 3/12/2025

“Festival de Diciembre del Tasso”

Miércoles 3 /12 – en el Torquato Tasso

Defensa 1525 – San Telmo

Apertura de Sala 20h. Show 22h. Entradas en pre-venta disponibles:

Paulina Torres Voz

Pablo Figueroa Guitarra y Arreglos.

Camilo Zentner Batería

Leo Páez Contrabajo y Bajo

Caty Glüzmann Piano Leandro Brignone percusión

Música invitada:

María De Vittorio Saxo. Management: Carolina Sánchez

Artista integral con experiencia como actriz, cantante, bailarina y directora. Es docente del Profesorado de Teatro, Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD) También da clases de canto y técnica vocal para la actuación en su espacio privado. Actualmente se la puede ver en actuaciones de sus conciertos solista y como actriz de Teatro Musical en la compañía Los Amados, así como en sus participaciones en cine-teatro.

Sus producciones musicales, discos y sencillos, se encuentran subidas a las plataformas digitales Spotify, YouTube, y otras.

DISCOS:

CD Atardeceres de acordeón (2015)

CD Josha Bó (2023)

REDES:

Instagram: @paulinatorresac fbk – Paulina Torres www.paulinatorres.com.ar

PRENSA

Sonia R. Cabral

Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com

IG: @soniacabralprensa

FB: Sonia Cabral

VIDEO ATARDECERES DE ACORDEÓN desde y a través de PAULINA TORRES

BIO - PAULINA TORRES:

The Estigma presenta su nuevo material

“Vae Victis”

«Vae Victis» es el nombre del nuevo disco de la legendaria banda santafesina, que se presento en vivo en la ciudad de Santa Fe el pasado sábado 22 de noviembre acompañados por The Stigma las banda rosarina «Sabotaje» y los locales de «La estafa continúa», en un noche imperdible a puro hardcore, punk, grunge y rock alternativo.

La banda santafesina The Estigma vuelve a irrumpir en la escena hardcore con “Vae Victis”, su nuevo álbum de estudio editado por DK Records, ya disponible en todas las plataformas digitales.

«Vae Victis» encarna una mirada cruda y contemporánea sobre el vacío disfrazado de confort, la explotación normalizada y el consumo como anestesia colectiva. Desde su título - en latín, “ay de los vencidos”el disco funciona como una declaración de principios y una denuncia artística que dialoga

con la decadencia de los tiempos modernos.

En su canción homónima, cuyo video ya esta disponible en Youtube, The Estigma retrata la autocomplacencia del individuo moderno que “adora sus cadenas” mientras sonríe frente al brillo falso del mercado. El video fue realizado por el artista digital Nokoko Art con inteligencia artificial.

Luciano D’Ascenzo (voz), Rodrigo Tibalt (guitarra y coros), José Alfageme (bajo y coros) y Emanuel Collosa (batería) dan vida a un sonido que atraviesa el Hardcore Crossover, el Punk Rock y el Thrash, reafirmando una trayectoria de más de 25 años de coherencia artística y resistencia cultural. En este trabajo se suma José Hernández (Xnida) en sintetizadores y Benicio Collosa junto a la banda en coros, aportando nuevos matices a la potencia característica del grupo.

El disco fue grabado, editado,

mezclado y masterizado entre los meses de Diciembre de 2024 y Abril de 2025 por Bruno Leurino en la ciudad de Santa Fe; y el arte de tapa estuvo a cargo de Darío Suárez (a.k.a. Dardo Malatesta)

Desde su irrupción en 1998, The Estigma se mantuvo fiel a una premisa que los define: “insistir, persistir, resistir y nunca desistir”. En este nuevo capítulo, la banda reafirma su compromiso con una expresión que no busca complacer, sino despertar. Vae Victis no es solo un disco: es una advertencia, un espejo, y una invitación a no resignarse al ruido.

Instagram: theestigmaoficial/ Facebook: theestigmaoficial Youtube:@theestigmaoficial

FUENTE: DYM PRENSA Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com

VIDEO

The Estigma - Vae Victis (feat. Xnida) from the album “Vae

“Aguas Internacionales”

El rock patagónico de Denis Davies.

El músico patagónico Denis Davies, a quien conocemos por ser parte de Falsa Cubana, lanzó “Aguas Internacionales”. Se trata de un trabajo discográfico de canciones propias y una versión especial de La Rueda Mágica (esa histórica canción de Fito Paez que contó con las voces de Charly García y Andrés Calamaro en su versión original incluida en El Amor Después Del Amor).

Después de 15 años en el ruedo como músico, productor y compositor, (además de múltiples roles entre Buenos Aires y su Trelew natal), Denis da un paso al frente para dar forma a su nuevo proyecto que para este disco sumó a profesionales como Rodrigo Paz como coproductor artístico y a Mario Breuer como encargado de mastering.

Son canciones rock que hacen foco en un sonido tan fresco como el viento sureño. Lo que escuchamos es rock y pop, viento y mar, explorando guitarras y sintetizadores en un estilo íntimo y crudo.

Criado en un hogar donde la música convivía con cámaras fotográficas y cassettes de VHS, Denis acompaña sus canciones con videoclips que aprovechan las impactantes locaciones de la Patagonia: valles, playas desiertas y el Observatorio Astronómico

más austral del mundo.

En su recorrido suma seis discos editados en banda, decenas de producciones y colaboraciones, giras y la experiencia de compartir escenario con artistas como Bersuit, Kapanga, Gaspar Benegas, Sergio Colombo, Andando Descalzo, Miguel Mateos y Campedrinos, entre otros.

En vivo, sus shows van de la intimidad de un fogón

acompañado solo de su guitarra a un formato full banda junto a Juan Sampini en batería (FC), Rodrigo Paz en guitarras (FC), Belén Paz en coros, Nicolás García Padin en bajo y Melisa Iralde en teclados.

PRENSA

Cecilia Diaz (agencia CEd) cecilia@agenciaced.com

VIDEO

Denis Davies - Idiota

LA BANDA DE GRILLO Y LA CUMBIA REVERSIONAN EL CLÁSICO

“PORQUE TE AMO” EN CLAVE DE FIESTA!!

La Banda de Grillo une fuerzas con La Cumbia, una agrupación histórica del género tropical argentino, para dar vida a una explosiva reversión del clásico “Porque te amo” . En esta nueva versión, el grupo cordobés le imprime su sello característico fusionando el ska con la cumbia fiestera, logrando un sonido fresco, potente y completamente bailable.

El tema rescata uno de esos himnos populares que acompañaron generaciones en fiestas y celebraciones, con una producción moderna que mantiene intacta su esencia emocional. La colaboración entre ambos proyectos celebra la unión de estilos, generaciones y una misma pasión por la música que hace bailar, gracias a Almenara Network.

VIDEO Grabado íntegramente en estudio, refuerza el espíritu de unión y celebración que transmite la canción, con una estética limpia, iluminación cálida y planos dinámicos que capturan la energía de ambas bandas en acción.

MÁS SOBRE LA BANDA DE GRILLO

La agrupación nació en Villa Carlos Paz (Córdoba) en 2014

bajo el liderazgo de Grillo (Darío Grupenmajer), se consolidó como una de las bandas más vibrantes del país. Su estilo mezcla cuarteto, cumbia, ska y rock, con un sonido que combina potencia, alegría y una puesta en escena que convierte cada show en una verdadera fiesta.

A lo largo de su carrera compartieron escenario con Ulises Bueno, La Konga, Los Caligaris, La Beriso, Kapanga

y muchos más, destacándose por su energía y conexión con el público.

PRENSA ANGIE KAB angiekab@gmail.com IG: @heygocomunicacion web: heygocomunicacion.com

VIDEO

La Banda de Grillo ft @ LaBarraOk - Un millón de rosas (Official Video)

Albert Pla estrena Perdónenme

Una ranchera experimental junto a Sebastián Teysera

El catalán dedica esta canción a dos de sus tierras más queridas: Argentina y Uruguay

Albert Pla regresa al mapa musical rioplatense con una nueva canción que vuelve a tender puentes entre España y el sur. Tras haber conquistado al público argentino con obras como Miedo y sus presentaciones en el Teatro Regio, Coliseo y Margarita Xirgu, el artista catalán se reencuentra con esta parte del mundo a través de Perdónenme, una ranchera experimental que comparte con Sebastián Teysera —voz y alma de La Vela Puerca—. Una colaboración que une dos universos intensos, poéticos y viscerales, donde el humor, la ternura y la memoria se confunden en una misma melodía.

Perdónenme

Una ranchera, dos tierras y muchas memorias: así suena el nuevo single de Albert Pla. Se trata de una canción compuesta junto a Raül Refree y dedicada a dos pueblos especialmente queridos: Uruguay y Argentina. El provocador artista comparte Perdónenme, un homenaje a los amigos, paisajes y olores que lo han acompañado en sus estancias en estos lugares, con Sebastian Teysera, cantante de la emblemática banda La Vela Puerca.

Con esta colaboración, Pla también rinde una oda al rock y a los cantautores de ambas orillas del Río de la Plata, por las que siente una especial debilidad.

La historia de Albert con Teysera y su banda uruguaya, La Vela Puerca , merece ser contada: los uruguayos casi arruinan un concierto suyo al que acudieron como público; él decidió vengarse en un par de veces y, una vez saldadas las cuentas, se prometieron que ‘mañana’ harían algo juntos. Ese ‘mañana’ se ha convertido en hoy, dos décadas más tarde, con esta ranchera experimental en la que también han contado con Alfred García al bajo, los vientos y la batería, y las guitarras y la voz de Refree. Una juntanda histórica.

Perdónenme

La creatividad y tecnología

aplicada al video clip: El lanzamiento (29 de octubre, 2025) llega acompañado de un videoclip para el que el artista y agitador ha contado con sus fieles escuderas: Mariona Omedes (Nueve Ojos) y la inteligencia artificial. A partir de dos únicas imágenes reales - una foto de Albert y otra de Sebastián- todos los demás elementos han sido generados artificialmente. El resultado: un teatro y un caos en movimiento que, según el propio Pla, sólo permite esta técnica.

La canción ha sido producida por Judit Farrés y grabada en el estudio Caballo Grande de Barcelona. Para la portada, Pla ha vuelto a colaborar con el artista vasco Julen Alberdi.

Perdónenme llega poco antes del concierto de fin de gira ‘Rumbagenarios’ , el espectáculo que lo ha mante.

PRENSA: Tone Prensa hola@toneprensa.com.ar

VIDEO

Albert Pla y Sebastián TeyseraPerdónenme (Videoclip Oficial)

PAULA MORENA presenta su nuevo single Sentirte de nuevo

Disponible en todas las plataformas digitales

La cantante Paula Morena vuelve a emocionar al ritmo de la cumbia con una nueva canción cargada de sentimiento y nostalgia: “Sentirte de nuevo”, una historia en la que el amor, aunque se oculte, sigue estando presente.

La letra habla de ese momento en el que alguien asegura que ya no ama, pero su mirada lo traiciona y revela lo contrario. A través de un sonido fresco y romántico, Paula logra transmitir esa lucha entre el orgullo y el deseo de volver a sentir, de reencontrarse con lo que nunca se apagó.

“Esta canción me conecta con ese sentimiento que muchos vivimos alguna vez en nuestra infancia: cuando te gusta alguien y sabés que también le gustás, pero él no se anima a decirlo. Por vergüenza, por el qué dirán o porque teme que sus amigos se rían. Esa mezcla de ternura, orgullo y deseo es lo que quise contar en esta historia.” – Paula Morena

Sobre Paula Morena

Cantante nacida en Tucumán. Desde pequeña se vio impulsada por su amor por el canto y la música.

Su carrera abarca géneros como soul, gospel, salsa, cumbia

y funk, con una sensibilidad artística forjada a lo largo de los años.

Integró proyectos como el Argentina Gospel Choir, fundó la banda Black Soul y en 2020 lanzó Paula Morena y La Gran Sureña, una big band con fuerte identidad artística. Actualmente, Paula Morena

continúa su camino como solista, desarrollando producciones y lanzamientos de canciones propias con todo el ritmo latino, con un estilo definido y un sello musical característico que la distingue.

Como artista, Paula Morena se define por su capacidad de emocionar, inspirar y generar una conexión auténtica con el público.

En el escenario, es una fusión de pasión, sencillez y alegría que invita a celebrar la vida a través de la música.

Seguila en sus redes y plataformas: https://linktr.ee/paulamorenaok

AGW prensa + difusión agwprensa@yahoo.com.ar

VIDEO PAULA MORENA/Sentirte de nuevo (Video Oficial)

“MITRA, apaga la luz para poder ver”

Con Desirée Salgueiro, actriz clave del nuevo cine de género argentino.

La actriz Desirée Salgueiro @ desiree.salgueiro reconocida por su papel de Jimena Ruiz en “Cuando acecha la maldad” (ganadora de Sitges 2023, actualmente en Netflix), protagoniza “MITRA, apaga la luz para poder ver”, ópera prima del director misionero Diego Bellocchio, que tendrá su estreno mundial dentro del 40° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en la Sección Hora Cero.

Inspirada en un caso real de femicidio ocurrido en Misiones, Mitra combina terror social y terror sobrenatural para hablar de la violencia intrafamiliar y de género, desde una mirada poética, ancestral y sensorial.

Ambientada en el universo selvático de Misiones, la película propone una experiencia inmersiva donde el bien y el mal coexisten en lo humano y lo espiritual.

“Nos pareció fundamental hablar de la violencia intrafamiliar desde el cine, porque eso también es terror: el terror de lo cotidiano, de lo real”, explica el director Diego Bellocchio.

Con una destacada trayectoria en el cine fantástico y de terror, Desirée Salgueiro actuó en: “Cuando acecha la maldad” (Demián Rugna) – Netflix. “Corpórea” (Cristian Bidone) – rol protagónico, mención

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especial a Mejor Actuación en el BARS 2024.

“Nocturna, la noche del hombre grande” y “Nocturna, donde los elefantes van a morir” (Gonzalo Calzada).

“Luciferina” (Gonzalo Calzada).

“La Plegaria del Vidente” (Gonzalo Calzada).

Además, se desempeña como coach de actores en producciones de cine y TV como “Ringo, la serie”, “Limbo, hasta que lo decida” (Star+ / Disney), “Monzón” (Space / Flow), “No dormirás” y “Resurrección”.

Mitra representa su primer protagónico absoluto, consolidándola como una voz femenina central dentro del nuevo cine de género argentino, un territorio donde el terror se cruza con lo simbólico y lo político.

SOBRE LA PELÍCULA

Título: Mitra, apaga la luz para poder ver

Dirección: Diego Bellocchio

Guion: Diego Bellocchio y Yamila

Barnasthpol

Producción: Montecine (Misiones), Coruya Cine (Buenos Aires), Mimesis (Mendoza)

Elenco: Desirée Salgueiro, Bárbara Hobecker, Martín Tchira, Sabrina Melgarejo y Ezequiel

Rodríguez

Fotografía: Gustavo Biazzi y Marcelo Lomuto

Dirección de arte: Makarena

Bordón

Música original: Gastón Dacosta

Mitra participó en el Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes 2023 y fue seleccionada en el segmento “Coming Soon” del Festival de Sitges 2024.

Bio completa Desirée Salgueiro: llega al cine en el año 2009 para interpretar el personaje de Marta Villagra en la película de género policial negro, “La Plegaria del Vidente” de Gonzalo Calzada. Compartió su trabajo junto a Gustavo Garzón, Valentina Bassi, Vando Villamil, Victoria Carreras, Juan Minujin y Rodolfo Ranni. La Plegaria del Vidente se estrenó comercialmente en julio del 2012 con gran repercusión de la prensa y el público.

Luego participa en la película de género fantástico “La Corporación” del director Fabián Forte, estrenada comercialmente el 27 de febrero de 2014 y luego en “Naturaleza Muerta” dirigida por Gabriel Greco, estrenada comercialmente el 5 de marzo de 2015. u MiráBA 151

En el año 2016 vuelve a trabajar con el director Gonzalo Calzada en “Luciferina”, película de terror, en donde interpreta al personaje Clara. Estrenó comercialmente el 22 de febrero de 2018. Posteriormente graba para la película “Nocturna, la noche del hombre grande” lado A y el lado B (filmada en 16mm), thriller psicológico con elementos fantásticos, del mismo director,

donde interpreta a Elena uno de los personajes centrales de la historia de los protagonistas Pepe Soriano y Marilú Marini. Estrenó comercialmente en septiembre de 2021.

A comienzos de 2022 filma la película “Cuando acecha la maldad” escrita y dirigida por Demián Rugna, con el personaje de Jimena Ruiz,

en la que se convirtió en una de las escenas icónicas de la película y es la imagen del afiche. Se estrenó en 2023 y resultó ser la película de género más vista en toda la Argentina. Recorrió casi todo el mundo, con estrenos en más de 600 salas en Estados Unidos, 200 salas en Francia, proyectándose en todo Iberoamérica, Europa y más. Fue ganadora del premio a mejor película en el prestigioso festival de Sitges, siendo la primera película latinoamericana en llevarse ese premio en la historia del festival. También se llevó el mismo premio en Chainsaw Awards (Fangoria), Morbido, Fantasmagoria, etc.

En el mismo año filma como protagonista “Corpórea”, escrita y dirigida por Cristian Bidone, con el personaje Carolina. Recorriendo numerosos festivales en distintos

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países. Y llevándose una mención especial por su actuación en el BARS en 2024.

Entre 2022 y 2023 filma su primer protagónico absoluto con el personaje Lucía en la película de género folk-horror llamada “Mitra, apaga la luz para poder ver”. Escrita por Diego Bellocchio y Yamila Barnasthpol y dirigida por Diego Bellocchio, filmada íntegramente en Misiones. Que tendrá su estreno en el 40° Festival de Mar del Plata.

Recientemente protagonizó el short film fantástico “El Espejo” de Lionel Cornistein. Proyecto que se encuentra en post producción.

Paralelamente se desempeña como coach de actores, dando clases de actuación frente

a cámara y a partir del año 2014 hasta la fecha trabaja de forma privada en diferentes producciones de cine y TV. Algunos de sus trabajos son “Ringo, la serie”, “Limbo, hasta que lo decida” en la primera y segunda temporadas, ambas para Star+, Disney, la serie “Monzón” emitida por Space y Flow, en cine “Nocturna, la noche del hombre grande”, película de género, “Luciferina”, película de exorcismos, “No

dormirás”, película de género y “Resurrección”, película de época sobre la fiebre amarilla, entre otras.

@desiree.salgueiro

TEHAGOLAPRENSA

https://www.tehagolaprensa.com. ar/blog/

VIDEO Mitra apaga la luz para poder ver TRAILER

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Los Años Nuevos

Protagonizada por Iria del Río y Francesco Carril

La serie española llegará a MUBI este 3 de diciembre en Latinoamérica, Norteamérica, Reino Unido, Irlanda, Australia, Nueva Zelanda, Países Bajos, Turquía e India

MUBI, la distribuidora global de películas, plataforma de streaming y productora, ha adquirido la serie española de 10 episodios LOS AÑOS

NUEVOS para su distribución en Latinoamérica, Norteamérica, Reino Unido, Irlanda, Países Bajos, Turquía, Australia, Nueva Zelanda e India, como parte de un acuerdo multiterritorial con la plataforma española de streaming Movistar Plus+. La

serie se estrenará en MUBI con dos episodios el 3 de diciembre, seguidos de un nuevo episodio cada semana.

Del director ganador del Premio César, Rodrigo Sorogoyen (Las Bestias), llega esta serie que sigue a Ana (Iria Del RíoApocalipsis Z: El principio del fin) y Óscar (Francesco Carril - Tres despedidas) desde su primer encuentro, la noche en que ambos cumplen treinta años, a lo largo de diez vísperas de Año Nuevo. Ella vive en un piso compartido, no le gusta su trabajo y cambia de amigos con frecuencia. Él es médico y tiene su vida resuelta, hasta que se conocen y se enamoran. Durante diez años consecutivos, cada episodio captura una noche que revela la evolución del amor;

la serie es un análisis honesto del compromiso moderno y de la elección de pareja, año tras año.

Los Años Nuevos fue creada por Rodrigo Sorogoyen, Paula Fabra y Sara Cano, una serie que tuvo su Premiere Mundial en el marco del 81° Festival de Cine de Venecia. Una producción que más tarde ese año, fue lanzada en España vía Movistar Plus+ con gran éxito en la crítica, varios periodistas locales calificaron la película como la mejor serie del año.

Fabrizia Palazzo, Manager de Distribución en Movistar Plus+ International comenta, “Nos complace enormemente que Los Años Nuevos sea la primera serie española en una plataforma comprometida u MiráBA 155

con el cine independiente. Tener la oportunidad de llegar a espectadores de tantos territorios diferentes es una gran oportunidad para nuestro contenido original.”

Los Años Nuevos fue producida por Domingo Corral, Fran Araújo de Movistar Plus+, así como por Eduardo Villanueva, Nacho Lavilla y Rodrigo Sorogoyen de Caballo Films.

Rodrigo Sorogoyen, director nominado al Óscar®, es un realizador y guionista español muy solicitado. Su obra ha recibido numerosos galardones, entre ellos seis Premios Goya, y sus películas se han estrenado mundialmente en festivales como el de Festival de Cine de San Sebastián, Festival

de Cine de Venecia, Festival de Cine de Cannes y Festival de Cine de Tokio. Entre sus trabajos más destacados se encuentran la dirección de películas como Que Dios nos perdone (2016),

El reino (2018) y Las bestias (2022), esta última estrenada en Cannes y galardonada con varios premios internacionales, como el César, el Lumière a la

Mejor Película

Extranjera y el Gran Premio de Tokio. Sorogoyen cofundó la productora internacional Caballo Films en 2011.

Esta última adquisición refuerza el creciente enfoque de MUBI en la presentación de series junto con películas en su plataforma de streaming. Entre los títulos exclusivos más recientes de 156 MiráBA

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MUBI se incluyen las series Mussolini: Hijo del Siglo de Joe Wright, Hal & Harper de Cooper Raiff, Self-Portrait as a CoffeePot de William Kentridge y la Trilogía The Kingdom de Lars von Trier. Para conmemorar el 35.º aniversario de su estreno, MUBI lanzó en territorios selectos Twin Peaks (1990), la visionaria serie de culto de David Lynch y Mark Frost, y Twin Peaks: A Limited Event Series (2017). MUBI también anunció recientemente el lanzamiento de Blossoms Shanghai, de Wong Kar-Wai, en varios territorios para 2026.

SOBRE MOVISTAR PLUS+

Movistar Plus+ es la empresa líder de entretenimiento audiovisual del Grupo Telefónica

en España. Su propuesta incluye producciones originales innovadoras y el mejor contenido deportivo premium, películas, series, documentales y programas, además de las mejores funcionalidades y acceso bajo demanda para que los usuarios disfruten viendo la televisión donde, como y cuando quieran. La oferta de Movistar Plus+ también incluye algunos

de los principales operadores internacionales con los que hemos establecido alianzas estratégicas en España, como Netflix, Disney+, Prime Video y DAZN, junto con las plataformas españolas ATRESPlayer, Mitele y FlixOlé.

VIDEO

LOS AÑOS NUEVOS | Tráiler Oficial | Diciembre 3 en MUBI

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INSTANTE AMOR, FRAGILIDAD Y SEGUNDAS OPORTUNIDADES

Con Pablo Yotich, Manuela Viale, Alejandro Fiore y Magui Bravi

El tráiler oficial de INSTANTE ya se encuentra disponible, anticipando una película profundamente humana que atraviesa los temas más universales: la vida, la enfermedad, el amor y la esperanza.

Protagonizada por Pablo Yotich, Manuela Viale, Alejandro Fiore y Magui Bravi, la cinta propone una mirada luminosa y emotiva sobre aquellos encuentros que llegan cuando todo parece tarde… y lo transforman todo. Rodada entre Buenos Aires, La Plata y Madrid, la película cuenta con el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia u MiráBA 159

de Buenos Aires y es una producción de CHE CONTENIDOS.

SINOPSIS

Dos historias se entrelazan en el instante en que la vida cambia para siempre. Entre diagnósticos, despedidas, terapias y nuevas oportunidades, cuatro personas descubren que el amor no siempre llega cuando lo esperamos… pero siempre llega cuando lo necesitamos.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Pablo Yotich, Manuela Viale, Alejandro Fiore, Magui Bravi, Juan Paya, Selene Moscardi, Luly Drozdek, Tupac Larriera, Lorena Acuña, Pablo Sorensen, Mónica Salvador, Gabriel Almirón, Mosquito Sancineto, Charly Issa, Griselda Rappi, Nazareno Lavoratto, Julieta Presutto, Francisco Roca, Agustín SalasCele Bello Género: Drama romántico Dirección: Daniel Silveira

Codirección: Pablo Bustos

Dirección adicional en Madrid: Álvaro Galarza Lima

Producción: CHE CONTENIDOS

País: Argentina — España

Formato: Largometraje

Idioma: Español

Estreno: Febrero 2026

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa) kevin.0kmprensa@gmail.com

VIDEO INSTANTE - TRAILER OFICIAL

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Tres tiempos, la ópera prima de Marlene Grinberg que recibió una mención del jurado en [40] Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, confirma su estreno para el 11 de diciembre.

La ópera prima de Marlene Grinberg es una obra íntima sobre los roles materno-filiales. La danza surge como liberación frente al peso de lo no dicho, en una puesta en escena delicada que resalta el silencio, los cuerpos, las miradas. El film explora la intimidad familiar. Con delicadeza visual y un cuidado trabajo sonoro, la película reflexiona sobre la herencia femenina inmersa en el paisaje patagónico.

SINOPSIS

En una casa entre las montañas frente a un lago espejado viven Emma y su nieta adolescente Alicia. Emma le inculca su pasión por la danza y la

cría como una madre, pero Alicia es presa de su crianza controladora. La llegada inesperada de Bárbara, madre de Alicia e hija de Emma altera la rutina de su pequeño mundo. Durante la convivencia emergen tensiones, deseos y secretos; y poco a poco, como en un juego de espejos, los roles de las tres generaciones de mujeres se desdibujan, se intercambian y se resignifican.

BIO DIRECTORA

Marlene Grinberg es directora y guionista argentina. Graduada en Diseño de Imagen y Sonido de la UBA.

Trabaja en la industria del cine desde 2012 en las áreas de dirección y guión (trabajó con directores como Pablo Fendrik, Jeanine Meerapfel, Sebastián Borensztein, Martin Piroyansky, entre otros). Realizó los cortometrajes Mi reina (Festival de Montevideo, Ventana Sur), Hoy empieza otra vez (Bafici, La mujer y el cine) y Todas mis Lolas (Marché du film, Primeiro Plano Brasil). Y co-dirigió el documental Me gusta cuando hablas” (Fidba). Tres tiempos es su ópera prima.

PALABRAS DE LA DIRECTORA

Me interesa explorar el límite de “lo real”, donde los roles se desdibujan, el pasado irrumpe en el presente y las ausencias se vuelven presencias. “El otro lado del espejo” funciona como espacio simbólico donde se resignifican vínculos, mandatos y lugares comunes. Desde esa óptica concebí el universo de u MiráBA 163

Tres tiempos en clave de cuento, donde los personajes emergen desde arquetipos familiares para romperlos, cuestionarlos y habitarlos en primera persona.

Mi primer contacto con el arte fue a través de la danza, comencé a estudiar danza a mis cuatro años. Puedo decir que mis grandes maestras de vida son bailarinas. De ahí nace la voluntad de querer contar una historia a través del movimiento de los cuerpos. La vida en relación a la danza. Bailar la vida.

0¿Qué significa ser madre? Ser o no ser madre marca nuestra vida como mujeres. Y más aún, nuestras vidas están determinadas por las etiquetas de nuestra familia. Incluso antes de ser madres, hijas o abuelas, somos mujeres. De ahí la idea del espejo invertido de las generaciones.

FICHA ARTÍSTICA- TÉNICA:

Elenco

Mara Bestelli

Florencia Dyszel

Violeta Postolski

Fernado Contigiani

Guión:

Marlene Grinberg

Directora:

Marlene Grinberg

Productores:

Esteban Lucangioli y Araquen

Rodriguez Pelícano Cine

Director de foto: Mariano Suarez

Directora de Arte: Marina Raggio

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Vestuario:

Flavia Gaitan

Maquillaje:

Carolina Oclander

Coreografías:

Diana Szeinblum

Asistente de Dirección:

Milagros Hormazabal

Sonido Directo:

Victoria Franzan

Diseño de Sonido:

Federico Moreira (La Mayor

Sonido Uruguay)

Música Original:

Guillermina Etkin

Montaje:

Natacha Valerga

Co productora francesa:

Clementine Mourao Ferreira

Co productor uruguayo: Federico Moreira

Co productor chileno: Daniel D’Avila

Tres tiempos

(100 min; Argentina, Chile, Francia, Uruguay; 2025)

FESTIVALES

[40] Festival Internacional de

Cine de Mar del Plata 2025 (Competencia Argentina)Mención especial del jurado

[54] Festival Internacional

Molodist 2025 (Competencia internacional, Kyiv, Ucrania)

[40] Festival Iberoamericano de Trieste 2025 (Trieste, Italia)

[13] Festival Internacional Rizoma 2025 (Competencia iberoamericana, Madrid, España)

La película participó en la etapa de Work in progress en Labex WIP Argentina (primer premio) y First Cut Lab Trieste online organizado por Matthieu Daras.

También participó durante su desarrollo en el Bal Lab de Biarritz; el taller de guión de la Eictv en Cuba; el Lab Guión de Colombia y el Patagonia Film Lab Argentina (primer premio).

PRENSA:

Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com

VIDEO

Trailer de “Tres tiempos” de Marlene Grinberg, Competencia Argentina en el 40 Festival Int. de MDP

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ESTRENO

Perros de Gerardo Minutti.

Desde el 20 de nov. en Gaumont Con Néstor Guzzini y Marcelo Subiotto.

Tras presentarse en los festivales de Málaga (donde obtuvo el premio a mejor actriz de reparto), San Pablo y en la Cinemateca uruguaya, participa en la Competencia Latinoamericana del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Perros, ópera prima de Gerardo Minutti, una comedia negra que cuenta con un elenco de intérpretes destacados de Uruguay y Argentina. Perros tendrá su estreno en salas en Caba y el país el 20 de noviembre.

PERROS

Un filme de Gerardo Minutti

Bonilla

Uruguay-Argentina / Ficción/ 2024 / Español / 102 min / DCP / Color @perros_pelicula

ESTRENO EN CABA: 20 DE NOVIEMBRE

Sinopsis

Los Saldaña tienen nuevas tareas para el verano: cuidar el perro y la casa de los Pernas, sus vecinos. La casa es un pequeño lujo que provoca la envidia del barrio y los Saldaña, abusando de sus deberes de caseros improvisados, vivirán sus propias vacaciones en ella. La desaparición inesperada del perro será el disparador para un enfrentamiento violento, miserable y psicológico entre ambas familias.

Dice Gerardo Minutti Bonilla: “Perros es una historia sobre el vínculo entre dos familias vecinas, cuya convivencia, en apariencia correcta, deja entrever pequeñas miserias que forman parte de lo cotidiano. Esas miserias, tan comunes como inevitables, muchas veces nos definen.

La película explora nuestros lazos más cercanos: la familia, los vecinos, la comunidad.

Pone en juego la forma en que elegimos relacionarnos, una dinámica donde los secretos, las omisiones y las mentiras ocupan un lugar central.

Es una historia que habla de la construcción de nuestros modelos de referencia, de cómo nos medimos en relación con nuestro entorno y de la constante presencia de lo aspiracional. La mirada del otro y todo lo que eso genera.

En el fondo, ‘Perros’ indaga en ese costado imperfecto, gris y turbio de la condición humana, pero que, incluso en su oscuridad, guarda destellos de luz.”

NOTAS Y CRÍTICAS

“Perros llega a ciertas hipótesis atrapantes. La película va moviendo piezas de ajedrez y anticipando sutilmente lo que podría ser un estallido. (…) u MiráBA 167

Como los perros, también los hombres son domesticados y, aun así, su animalidad persiste” Juan Recuero, Brecha

“un momento bello e inusual para el cine uruguayo: un plano secuencia en el que el matrimonio avanza en la oscuridad de la casa, sólo usando una linterna o encendiendo exclusivamente cada habitación en la que se adentran para evitar que los otros vecinos de la cuadra los descubran” Agustín Acevedo, La diaria

“...esa mirada un tanto incómoda y perturbadora que sobrevuela todo el relato, destila honestidad, buen gusto y cabal conciencia de lo que se quería contar y cómo hacerlo.” Pablo Delucis, Cartelera.com.uy

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“Perros plantea una mirada sobre un conflicto de clases, pero una particular y original porque se da dentro de la interna de una clase social, no entre clases sociales extremadamente separadas.” Marcelo Bonaldi, Rev. Film

“Filmada con notable precisión en el encuadre y un uso dramático de la oscuridad por el director de fotografía, Matías Lasarte, la película irá adentrándose finalmente en esos cacareos entre hombres de una virilidad que ya no convence ni a ellos mismos.” Pablo Staricco, Búsqueda.

“Los petardos que lanzan los chicos del vecindario, la creación de una patrulla ciudadana que vele por la seguridad del barrio y las constantes apariciones de un mecánico taimado,

terminarán por desviar el relato hacia los códigos de una comedia negra, corrosiva, que nos obliga a identificarnos con tipos mucho más oscuros de lo que aparentan, unos movidos por la envida, otros por la soberbia. Perros es una película muy cabrona.” Enric Albero, El español

FESTIVALES Y PREMIOS

-Competencia Oficial del Festival de Cine de Málaga (España)

- Premio a Mejor Actriz de Reparto María Elena Pérez

-Competencia de Nuevos

Realizadores del Festival

Internacional de Cinemateca

Uruguaya

-Competencia de Nuevos

Directores de la Muestra de Cine de San Pablo (Brasil)

-Sección Latido Americano del Festival Cineuropa de Santiago

de Compostela (España)

FICHA TÉCNICA

Con: Néstor Guzzini, Marcelo Subiotto, Maria Elena Pérez, Noelia Campo, Roberto Suárez, Catalina Arrillaga, Manuel Tate, Soledad Pelayo y Antonella

Senra

Dirección: Gerardo Minutti

Bonilla

Guion: Gerardo Minutti Bonilla

Producción: Cinevinay & Cimarrón Cine

Productores: Sandino Saravia Vinay, Hernán Musaluppi, Santiago López, Diego Robino y Lilia Scenna

Producción Ejecutiva: Patricia Celesia y Rodolfo Iriñiz

Fotografía: Matías Lasarte

Arte: Ana Giovanoni

Montaje: Manuel Ferrari

Dirección de Producción: Florencia Scarano

Vestuario: Verónica Mosquilo

Dirección de Sonido: Catriel

Vildosola

Sonido Directo: Rafael Álvarez

Música: Hernán Segret

Bio Gerardo Minutti Bonilla

Es Licenciado en Comunicación

Social. Periodista cultural durante 10 años.

En 2018 filmó el cortometraje de ficción Hogar, que recibió la Mención Especial del Jurado

en el Festival de Biarritz Amérique Latine (Francia), fue seleccionado en la Competencia Oficial Iberoamericana en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (México).

En 2024 dirigió Perros, su primer largometraje de ficción, estrenado en la Competencia Oficial del Festival de Málaga (España).

Luciana Zylberberg Prensa info@lucianazylberberg.com.ar

VIDEO Perros | Tráiler Oficial | Estreno en Uruguay 25 de setiembre

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No la abraces. No la guardes. No la despiertes. No la ames.

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA

“Necesitaba esto. Esta película es una locura”

Una de las películas más comentadas del terror japonés,

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA, llega por fin a los cines de Latinoamérica. Dirigida por Shinobu Yaguchi, reconocido por éxitos como Waterboys y Swing Girls, la cinta marca un cambio significativo en su filmografía al adentrarse por primera vez en el género del thriller psicológico con elementos de horror.

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA cuenta la historia de Kae Suzuki (Masami Nagasawa) y su esposo Tadahiko (Koji Seto), una pareja que enfrenta la pérdida de su hija de cinco años, Mei. Afligida, Kae encuentra en un mercado de antigüedades una muñeca que guarda un parecido inquietante con su hija fallecida, lo que la ayuda a sobrellevar el duelo. Años después, cuando la pareja tiene una nueva hija, la muñeca reaparece en su vida cotidiana, una serie de sucesos inexplicables comienza a perturbar la calma familiar. A pesar de sus intentos por deshacerse de la muñeca, esta siempre regresa.

Uno de los aspectos más destacados de la producción es la creación de la muñeca Aya, diseñada por Kakusei Fujiwara (Dummy Head Designs), especialista en efectos prácticos y maquillaje FX. Inspirada en las muñecas tradicionales japonesas del periodo Edo y en técnicas modernas de modelado, Aya fue elaborada con especial atención al detalle, incluyendo una asimetría facial que genera expresiones cambiantes según el ángulo de la cámara. Para el rodaje se emplearon dos versiones de la muñeca: una altamente detallada para primeros planos y otra más ligera para escenas de movimiento. u MiráBA 171

El rodaje incluyó locaciones naturales distintivas de Japón, entre ellas la isla Chirin-ga-jima, en la prefectura de Kagoshima, un sitio que se conecta con tierra firme únicamente cuando baja la marea, contribuyendo a la atmósfera claustrofóbica de la película. Además del trabajo técnico y visual,

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA pone especial énfasis en la representación emocional de la pérdida, lo que aporta un trasfondo dramático a un relato lleno de suspenso.

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA ha sido exhibida en festivales como el Far East Film Festival de Italia y el New York Asian Film Festival, donde fue parte de la

programación oficial. También ha recibido reconocimiento en Japón, incluyendo una nominación a mejor dirección de arte en los Premios de la Academia Japonesa. En cuanto a su desempeño comercial en Japón, la película se estrenó el 13 de junio de 2025 y logró una recaudación de 12 millones de dólares, superando el millón de espectadores en salas japonesas.

Con un equipo creativo liderado por un director de prestigio, un elenco reconocido y una producción que combina artesanía tradicional japonesa con narrativa contemporánea,

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA llega a las pantallas latinoamericanas para ofrecer

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una experiencia cinematográfica que promete convertirse en el terror del año.

DOLLHOUSE: MUÑECA

MALDITA, en cines de argentina desde este jueves 6 de Noviembre.

FICHA TÉCNICA

Título Original: ドールハウス (Dollhouse)

País: Japón

Idioma: Japonés

Versiones: Dobladas y

Subtituladas

Duración: 109 minutos

Género: Horror

Año: 2025

Dirección: Shinobu Yaguchi

Elenco: Kôji Seto, Tetsushi Tanaka, Ken Yasuda

SINOPSIS:

Tras la pérdida de su pequeña hija, una mujer encuentra en un mercado de antigüedades una muñeca idéntica a la niña.

Al principio la muñeca servirá de consuelo para sobrellevar el duelo, pero pronto su presencia se vuelve aterradora

y hostil, como si se tratara de un demonio aferrándose a su presa.

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VIDEO

DOLLHOUSE - MUÑECA

MALDITA - Trailer Oficial (SUB)

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PERFECT BLUE (パーフェクトブル)

La obra maestra de Satoshi Kon el anime que cambió la historia del cine

La obra maestra de Satoshi Kon, PERFECT BLUE (パーフェクトブル), llega a salas de Latinoamérica en una versión remasterizada en 4K, ofreciendo a los espectadores una experiencia visual única. Este thriller psicológico animado sigue a Mima Kirigoe, una joven idoru

(cantante pop idolatrada) que decide dejar su carrera musical para convertirse en actriz. Sin embargo, su transición hacia una vida más adulta se ve amenazada por el acecho de un fan obsesivo y la presión de su propia imagen pública, sumergiéndose en un mundo donde la línea entre realidad y fantasía se desdibuja peligrosamente. Dirigida por Satoshi Kon, artista

canónico dentro de la animación japonesa fallecido hace más de una década, PERFECT BLUE marcó su debut como director y sentó las bases de un estilo meta-narrativo único que también exploraría en obras como Millennium Actress y Paprika, donde sueños y realidad se entremezclan, y nada es lo que parece. Animación venerada por cineastas de alto calibre como Darren Aronofsky y Christopher Nolan (el primero inspiró múltiples escenas de El Cisne Negro en esta película), PERFECT BLUE recibió reconocimientos en festivales como Sitges y Fantasia International Film Festival, consolidando a su director como un visionario del séptimo arte.

Desde su estreno en 1997, PERFECT BLUE ha sido aclamada tanto por la crítica especializada como por la u MiráBA 175

audiencia. Su enfoque atrevido sobre la identidad, la fama y la obsesión ha generado opiniones apasionadas: mientras algunos destacan la complejidad de su narrativa y la intensidad de su montaje, otros se sorprenden por la manera en que la película logra mantener al espectador en constante tensión. En plataformas como Rotten Tomatoes la película mantiene

una valoración sobresaliente, siendo considerada un imprescindible para cualquier amante del cine de animación y del thriller psicológico. Hoy forma parte del 1 Million Club en Letterboxd.

Con esta remasterización en 4K, PERFECT BLUE no solo ofrece imágenes más nítidas y vibrantes, sino que también

permite redescubrir cada detalle de una historia que sigue siendo sorprendentemente contemporánea. Su combinación de suspense, estética noir y profundidad temática hace que tanto quienes ya la conocen como quienes la vean por primera vez puedan disfrutar de una experiencia intensa y única.

Un imprescindible del cine,

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donde fama, identidad y obsesión se entrelazan en una historia que no se olvida fácilmente. PERFECT BLUE, desde el 13 de Noviembre en cines locales.

“Un thriller animado apasionante”

Chicago Reader

“Extraña, elegante e inteligente” Empire Magazine

“Delirante y perspicaz” Sight and Sound

FICHA TÉCNICA

Título Original: (パーフェクトブル) (Perfect Blue)

País: Japón

Idioma: Japonés con subtítulos

Duración: 81 minutos

Género: Animación

Año: 1997

Dirección: Satoshi Kon

SINOPSIS:

Una cantante pop que abandona su carrera para convertirse en actriz de televisión, descubre que sus antiguos colaboradores

comienzan a aparecer asesinados. Atormentada por los sentimientos de culpa, la presión de su nueva vida y la presencia de un fan obsesivo que la acecha, la joven se ve arrastrada a un estado de paranoia en el que los límites entre realidad y ficción se desdibujan, llevándola a cuestionar su propia identidad.

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VIDEO PERFECT BLUE - Trailer Oficial (LAS | SUB)

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