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INNOVANDO EL ARTE 4 NovaDesing/ Junio, 2013


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16 TOP DIEZ

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10 CONTENIDO 08

Las 4 Tipografías + Populares Tipografías amadas y odiadas

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Carteles y Composiciones

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Interesante colección.

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Como crear un Portafolios Organiza tus ideas

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TOP 10

TAMBIÉN:

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El minimalismo

22

Diseñador Famoso

24

Técnicas Visuales

26

La Psicología del Color

Errores de un diseñador Freelance

El arte de la nada

Saul Bass

Estudio de las técnicas en el diseño

Historia y Concepto

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EDEMAS DE: 28

Street Art

HABLAMOS SOBRE:

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Lar Retórica Visual

42

Evento

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Diseño 3D

44

lustración

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Paginas Web

Arte callejero.

Concepto Estrategia y su uso en el diseño gráfico zbruhs y 3d max

Exposh Boom Cartoon

Illustrator y Photoshop

Nuestras recomendaciones en Paginas Web

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EDITORIAL NovaDesing, es una revista de diseño grafico en donde se espresa material informativo referente a las nuevas tendencias en el diseño y los recién salidos avances tecnológicos. Este numero esta dedicado a los ilustradores y diagramadores que les gusta diseñar pero no tienen la iniciativa o la inspiración para iniciarse en el diseño vectorial y digital es por eso que se creo diferentes articulos para tratar de explicar de manera instructiva los pasos a seguir para crear un buen diseño de ilustración tipo comic-manga. Nos centramos en el diseño vectorial en donde se tomo como programa pilas adobe Illustrator que es un programa de diseño muy intuitivo y perfecto para crear este tipo de elementos graficos.

Editor Gerente Redacción Consejero Editorial Dirección y Edición Venezolana

LUIS SIMON LUIS SIMON ap0ple-studio.ca JOSE MAGALLANES LUIS SIMON

Fotógrafo Director de Arte

LUIS SIMON LUIS SIMON

Acesor Técnico CD-ROM

LUIS SIMON LUIS SIMON

Director Comercial Jefe de Ventas

LUIS SIMON LUIS SIMON

Director de Producción Redacción, Administración y de parlamento de publicidad

Diseñador Grafico Web Designer Escritor Reasearch

URB, POCATERRA, MANZANA 25, CASA N°2 TEL. 0412-7544929 FAX: 0241-4317099 LUIS SIMON LUIS SIMON LUIS SIMON LUIS SIMON

Editor

Luis Simon Oficina en Carabobo Urb, Pocaterra, Manzana 25, Casa N°2 Tel. 0412-7544929 Fax: 0241-4317099

*Esta Revista utiliza material de las revistas “Arte y Diseño Ordenador”, publicada bajo la licencia de MC EDICIONES así como “Avanced Photohop” y “Web Designer” Publicadas bajo la licencia de Imagine Publishing Limiten. Todos los derechos reservados del material licenciado pertenecen a MC EDICIONES y Publishing Limited y no pueden ser producidos, total o parcialmente, sin el consentimiento previo de image publishing limited. C(2013) image publishig limid, C(2013) MC EDICIONES 8 NovaDesing/ Junio, 2013


PAPELERÍA MEMORY’S

Todo en Material Grafico Artisco y Piezas de Maqueta Carabobo, Valencia, Bolívar Nte, C C Multicentro E Viñedo, 3, D-11, El Viñedo, 0241-8240015

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Las 4 tipografías ARIAL Un aria es una pieza musical creada para ser cantada por una voz solista sin coro, habitualmente con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una zarzuela. Antiguamente, era cualquier melodía expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un cantante. Un aria es similar al mundo de las Suite al ser una pieza de carácter cantábile, de movimiento lento. Siendo ternaria o binaria y con profusa ornamentación. En todo caso, es una composición teatral o musical de finales del Renacimiento compuesta para ser ejecutada por un solo intérprete. La palabra significa aire en italiano; su plural en español es arias (arie en italiano). Durante el siglo XVII, en la época de la ópera barroca, el aria se escribía en forma ternaria (A-B-A), al cual se le conocía como aria da capo (aria desde el principio) debido a la repetición de la primera parte al final del aria. El aria luego “invadió” el repertorio operístico con sus tantas variantes (Aria cantabile, Aria agitata, Aria di bravura, entre otras). A mediados del siglo XIX, las óperas se convirtieron en una secuencia de arias, reduciendo el espacio disponible para los recitativos.s ut

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Times New Roman Es una tipografía del tipo serif encargada por el periódico The Times (Londres) en 1931 y diseñada por Stanley Morison junto a Starling Burgess y Victor Lardent. Fue publicada por primera vez por Monotype Corporation en 1932. Aunque no es utilizada actualmente por The Times, se encuentra muy extendida para la impresión de libros. En sistemas de tipografía digital, Ti mes New Roman suele ser la primera tipografía codificada y se utiliza para examinar la calidad del sistema de tipografías digitales. Por esto, los diseñadores de software y organizaciones comerciales tienen especial cuidado con ella. Times New Roman ha influido en el desarrollo de varias tipografías serif antes y después del comienzo de la era digital. Un ejemplo notable es el tipo Georgia.

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CONOCIDAS Comic Sans CALIBRI Odiada por millones por su errores estructurales el la sintaxis propia de la misma, la Comic-Sans es un tipo de letra en formato digital, diseñado por Vincent Connare en 1994 para Microsoft Corporation. Su intención original era imitar las letras de un cómic para situaciones informales, y fue originalmente pensada para Microsoft Bob.1 Ha sido incluida en Microsoft Windows desde la aparición de Windows 95, inicialmente como parte de las familias tipográficas suplementarias, incluidas en Windows Plus Pack. Ha sido desde entonces uno de los tipos de letra más populares y usados en software de Microsoft. Su uso, tan expandido en ámbitos en donde no fue planificado, ha sido muy criticado.

A pesar de ser una tipografía relativamente nueva a ganado popularidad los ultimos años, Calibri es un tipo de letra paloseco de la familia Humanist, conocida por ser la nueva tipografía predeterminada en la suite Microsoft Office 2007. Sustituye a Times New Roman (en Microsoft Word) y a Arial (en PowerPoint, Outlook y Excel). Calibri es uno de los seis nuevos tipos de letras occidentales (romano, griego y cirílico) de la colección de ClearType que se incluyen con Microsoft Windows Vista. Calibri es la primera tipografía paloseco utilizada por defecto en el procesador de textos Microsoft Office Word. Las anteriores versiones de Microsoft Word utilizaban Times New Roman por defecto. Calibri fue diseñada para Microsoft por Lucas de Groot para aprovechar la tecnología de renderizado ClearType propiedad de Microsoft. La tipografía ganó un premio en la categoría de tipografías del sistema en la Type Design Competition del 2005, del Type Directors Club. Incluye caracteres del latín, de escrituras extendidas, griegas, y cirílicas latinas. Según un estudio de Wichita State University, Calibri era la tipografía más popular para el correo electrónico, la mensajería instantánea y las presentaciones. También obtuvo buenos resultados para el uso en texto de páginas web. El estudio consistía en solicitar a los participantes que puntuaran ejemplos de texto con diferentes tipografías.

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Carteles y Composiciones E

n esta sección de carteles y composiciones les trae,os los nuevos diseños de los estudiantes del instituto “U.I.T. Antonio José de Sucre” que nos exponen su arte atreves de diseños inspirados en el futurismo, nuevas tendencias modernas utilizando como principal motor de inspiración la tipografía

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El arte inspirado en estas obras expresan distintos sentimientos el objetivo de estos estudiantes era aplicar sus horizontes atreves del mundo tipogrĂĄfico y poder expresar un sentimiento o mensaje de manera Ăşnica y original.

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Como crear un Organiza tus y strucctura tus proyectos de manera limpia ordenada y profesional.

C

uando las compañías contratan diseñadores gráficos, para posiciones de corto término o a tiempo completo, esperan más que un currículum que detalle la educación y experiencia. Si tú envías una carta de presentación y un currículum, está preparado para presentar tu portafolio de diseño gráfico si te llaman para una entrevista. Algunos empleadores también podrían pedir portafolios electrónicos antes de comenzar a contactar a los candidatos para las entrevistas. Asegúrate de que tu portafolio de diseño gráfico muestre de forma precisa tu habilidad y talento.

Una de las herramientas fundamentales que cualquier profesional del diseño gráfico tiene para dar a conocer su trabajo, es su Portafolio. Se tratará básicamente de una recopilación de trabajos realizados anteriormente para diferentes clientes, que se agrupan para servir como ejemplo de nuestra forma de trabajar a la hora de conseguir nuevos encargos. Un buen Portafolio será el mejor escaparate para un diseñador gráfico a la hora de promocionarse. Vamos a ver una serie de pautas básicas a seguir para tener un Portafolio de calidad.

En primer lugar, debemos tener en cuenta que si nos queremos vender como buenos diseñadores gráficos, no bastará con mostrar trabajos de calidad. El mismo Portfolio debe tener un diseño cuidado. Esto es algo importante, ya que si no cuidamos la presentación de nuestro escaparate, no conseguiremos transmitir una sensación de profesionalidad y cuidado por los detalles.

RELEVANCIA CARACTERISTICA ESENCIAL

* En venezuela toca salir a la calle con toda la aptitud positiva posible para generar confianza en los clientes ya que es necesario que ellos vean en ti un recurso viable y seguro para promover sus ideas

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Se deve organizar los proyectos con suma relevancia mientras reúnes los elementos que incluirás en tu portafolio de diseño gráfico, considera las piezas que son relevantes para la posición a la cual estás aplicando. Por ejemplo, si una compañía está buscando un diseñado gráfico para crear una marca visual, incluye ejemplos de membretes, tarjetas de presentación y diseños de logos. Los empleadores potenciales quieren ver que puedes producir piezas de diseño que llenen sus necesidades inmediatas y futuras.


Portafolios? ESTILO TE DISTINGUE ENTRE OTROS Diseñar piezas de marketing para los mayores de 50 y el mercado juvenil, por ejemplo, requiere diferentes estilos y habilidades de diseño, así que los empleadores revisarán los portafolios de diseño gráfico para ver si los estilos y la estética de un diseñador resonarán con sus mercados objetivo. El estilo también podría incluir la forma en que combinas la tipografía e imágenes para crear una pieza de diseño terminada. El estilo puede varían entre proyectos lo importante es que se demuestre originalidad, ingenio y creatividad.

TIPS de Utilidad

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Ir bien vestido al momento de enseñar un portafolios a un cliente demuestra mucho de la imagen personal y profesional. Ser organizado y meticuloso en el orden de los proyectos a la hora de presentarlos. Tener un portafolios Web para fortalecer el impreso o fisico.

En los ultimos años algunos diseñadores se an propuesto crear portafolios web en donde almacenar sus proyectos y tener acceso a estos en cualquier momento.

Un Portfolio no debe ser una simple galería de imágenes. Es imprescindible un apartado en el que hablaremos de nosotros, nuestra experiencia profesional, conocimientos, información de contacto... En definitiva una especie de carta de presentación que ayude a nuestro visitante a conocernos mejor. En cuanto a la creación, podemos optar por alguna de las soluciones online para alojar nuestro Portafolio. Suelen ser herramientas que permiten una personalizarnos básica, aunque muchas veces suficiente para aportar algo de nosotros al diseño. Como ejemplos podemos citar Deviantart, Carbonmade, Shown’d, o FlavorsMe. Se trata de servicios que generalmente ofrecen una versión gratuita y otra de pago, aunque la mayoría de las veces, sobre todo para Portfolios sin grandes pretensiones, la opción gratuita puede ser más que suficiente. Otra posibilidad que tendremos a la hora de crear nuestro propio Portfolio puede ser crear un blog en alguno de los servicios existentes en la red. NovaDesing/ Junio, 2013 15


COMO ESCOJER UN CONCEPTO PARA UN PORTAFOLEOS DE ESTUDIANTE

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o mejor es hacer un estudio de FODA personal para poder alancazar un estudio completo de nuestras virtudes y poder plamar esto en modo de un mensaje ordenado y estructurado pariendo de esto se realiza una guia indicada que nos llevara al concepto que mas se apegue a nuestras necesidades:

F: Fortalezas O: Oportunidades D: Devilidades A: Amenazas

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ciones online para alojar nuestro Portfolio. Suelen ser herramientas que permiten una personalización básica, aunque muchas veces suficiente para aportar algo de nosotros al diseño.

l realizar un portafolio estudiantil, se corre el riesgo que el mismo no refleje todos los logros del estudiante; enfatizando algunas áreas y olvidando otras experiencias importantes en el proceso de enseñanza y aprendizaje.Esto se debe a que los logros alcanzados se ven desde el punto de vista del estudiante, y puede suceder que el mismo decida solo mencionar los mejores y dar una falsa imagen del proceso educativo.En el portafolio profesional ocurre algo similar , y se deja de lado a la hora de autorreflexionar , los fracasos y las frustraciones.(Angweles Emiliozzi).

Como ejemplos podemos citar Deviantart, Carbonmade, Shown’d, o FlavorsMe. Se trata de servicios que generalmente ofrecen una versión gratuita y otra de pago, aunque la mayoría de las veces, sobre todo para Portfolios sin grandes pretensiones, la opción gratuita puede ser más que suficiente. Otra posibilidad que tendremos a la hora de crear nuestro propio Portfolio puede ser crear un blog en alguno de los servicios existentes en la red utilizando una plantilla adecuada.

Es necesaria una mirada crítica de parte de quien realiza el portfolio como quien lo solicita, para que el portfolio no sea una mera acumulación de trabajos que se miran ordenadamente.

La tercera opción, y más complicada será crear nuestro Portfolio desde cero, y alojarlo en algún servicio de hosting. Seguramente sea la mejor opción para diseñadores Web, ya que el mismo Portfolio será una muestra de lo que realmente somos capaces de hacer.

En cuanto a la creación, podemos optar por alguna de las solu-

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Para terminar 2 Consejos:

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Respalda, en serio. Guarda todo lo que hagas, digital o analógico. Nunca sabes cuando te podrá ser útil. Soy la peor persona para decir esto, después del incidente en primer semestre, perdí no uno, sino dos discos duros llenos de trabajos escolares y algunos proyectos profesionales. Podemos pensar “bueno, casi todo lo que hago es una basura”. Ese el modo default de pensar de los diseñadores. Pero me ha pasado que encuentro un archivo viejo en una cuenta de FTP o en un Gmail (no hecho con intenciones de respaldo sino de transportación), y pienso “bueno, no era taaan malo, sólo necesitaba mover la foto un poco más a la izquierda, cambiar la tipografía, tirarlo a la basura y llamar a un diseñador de verdad para que lo rehiciera”.

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Explica el contexto Creo que la mayor parte de los portafolios de los diseñadores no tienen texto porque se basan en los portafolios impresos de toda la vida. La diferencia entre el portafolio impreso es que generalmente vas a estar frente al cliente o posible empleador explicando verbalmente el contexto del trabajo. En un portafolio digital no hay nadie quien lo haga. No todo tiene que ser un caso de estudio, explica el problema y tu proceso para resolverlo, adicionalmente a Google le gusta el texto, así que tienes más oportunidades de quedar bien posicionado en algún keyword. A mi portafolio llega bastante gente preguntando si todavía hago anuarios interactivos (ya no los hago), pero es un excelente método de encontrar clientes nuevos si trabajas como freelance.


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ERRORES

Comunes de un diseñador Freelance

asi toda persona busca el perfeccionamiento en sus labores diarias, y cada día muchos queremos ser mejores en lo que hacemos para ofrecer más servicios a nuestros clientes en el caso de los diseñadores gráficos freelance, y lograr superarnos como personas y profesionales a medida que pasa el tiempo.

*Diccionario Freelance: Se denomina trabajador freelance o freelancer (o trabajador autónomo, cuenta propia o trabajador independiente) a la persona cuya actividad consiste en realizar trabajos propios de su ocupación.

TOP Z E I D

Como diseñadores gráficos es necesario buscar mejorar en casa una de nuestras habilidades, no sólo para atraer más clientes e impresionar a los que tenemos sino también para adquirir una mayor confianza y poder así afrontar cada proyecto con mucha mas madurez. Todo diseñador gráfico famoso empezó en el anonimato y para poder llegar a la cima fue necesario un proceso de aprendiza y perfeccionamiento, y para esto debe haber un hambre en querer aprender, de estudiar y sobre todo de practicar lo que ya se sabe. No importa si eres Carecer de confianza un diseñador novato o un gran experto personal. en el área la clave de triunfar en el diseño gráfico es siempre estar aprendiendo Esto es algo muy común en todo disey perfeccionando nuestras habilidades. ñador que se lanza al ruedo de ser un freelance. Pueden ser muchos motivos Por eso en esta ocasión quiero compar- que nos lleven a dudar de nuestras capatir con ustedes algunos consejos para cidades pero lo cierto es que sino creeperfeccionar nuestras habilidades en el mos en nosotros mismos será imposible que otros crean en nuestras capacidadiseño gráfico. des. Por lo tanto hay que vencer el temor y entrar confiados a cada reunión que tengamos.

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No cobrar lo suficiente.

Una de las razones por la cual empresas buscan diseñadores gráficos freelane son los costos . Esto no significa que para ganar clientes tengamos que regalor nuestros trabajos por el contrario debemos asegurarnos de cobrar la justa recompensa por nuestra labor. Debes valorar tu trabajo para no dañar tus finanzas y el precio en el mercado.

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Falta de comunicación con los clientes.

Uno de los principales errores que comente todo freelance es no mantener una comunicación adecuada con los clientes. Por eso es necesario estar periódicamente comunicándonos vía e-mail y telefónicamente para demostrar interés por el mismo y por el trabajo que se esta realizando. Por lo general la mayoría de clientes necesitan que les estés recordando lo que necesitan enviar y que chequeen el material para sus aprobaciones; así que no tengas miedo de escribirles.

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Dejar de lado a los clientes pequeños.

Nunca debemos dejar de prestarle atención a esos clientes que pueden parecer pequeños pues nunca sabremos en que momentos tienen un buen trabajo para nosotros. Además si queremos mantenernos económicamente debemos aceptar trabajos de los cuales podamos sacar ganancias justas según el tiempo invertido en ellas y sobre todo nunca sabemos cuando este cliente pequeño crecerá y nos invite a seguir trabajando con ellos y ser parte de su crecimiento.

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Cobrar por hora

Lo mas correcto para todo diseñador gráfico freelance es cobrar por proyecto debido a que es menos presión y mas fácil de explicar al momento de cobrar, a la vez de que debemos tomarnos suficiente tiempo para elaborar buenos trabajos.

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Importante. Si eres culpable de algunos de estos errores es necesario realizar los ajustes en nuestros

No pedir el pago inicial.

Uno de los puntos claves es el pago por adelanto de cierto porcentaje de nuestro trabajo para evitar luego contra tiempos por pagos o que el cliente a mitad de camino no quiera terminar el proyecto y se retire sin nada que perder. El pago inicial es primordial

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Decir SI a todo.

Todos queremos impresionar a nuestros clientes pero esto no significa que a todo lo que ellos nos pidan vamos a decir SI. Por lo general el cliente va a querer mas de lo que contrato sin querer pagar mas y esto no se puedo permitir ya que se pueden crear malos hábitos y pensar que siempre será así. Debes mantener tu punto de vista y llegar siempre a un punto de consenso donde nadie salga perjudicado.

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hábitos y dar el 100% de nosotros para poder tener el éxito que esperamos.

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Incumplir un contrato.

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No establecer plazos para los trabajos.

Otro de los errores mas comunes es pasar por alto las fechas de entrega del proyecto. Tienes que asegurarte de los plazos para no quedar mal y que tu como diseñador seas consciente del tiempo que te tome realizar el trabajo para evitar molestias al cliente. Esto tienes que ponerlo por escrito en un contrato.

Trabajar con pereza.

Creo que esto es uno de los errores mas comunes para un diseñador freelance. Que como tienen la libertad del tiempo una vez que tienen el contrato se despreocupan del proyecto y se distraen en cosas menos importantes y al final estar dando carreras para terminar algo que seguramente quedaría mejor si se invirtiera el tiempo necesario. El consejo aquí es que antes que chatear en facebook o estar realizando X cosa termines primero el proyecto que tienes pendiente para que así de forma mas relajada puedas disfrutar de tiempo libre de verdad verdad.

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EL MINIMALISMO El Arte Nihilista, El Arte De La Nada

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“Menos es más”. Esta frase del

arquitecto alemán Mies Van Der Rohe se ha convertido en la máxima definición del minimalismo. El diseño minimalista es el diseño en su forma más básica, es la eliminación de elementos pesados para la vista. Su propósito es hacer que sobresalga el contenido. Desde el punto de vista visual, el diseño minimalista está destinado a ser calmado y llevar la mente del observador a lo básico de la pieza. Por lo tanto, los diseños minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados de la simplicidad -no simpleza- de los recursos gráficos que se deben emplear para lograr desarrollos consecuentes, sin distracciones. Diseño Minimalista es mostrar sólo lo importante o lo realmente funcional. Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Minimalismo y Diseño Gráfico El diseño gráfico minimalista sigue las características propias del estilo: la abstracción, la economía de lenguaje, purismo estructural y funcional, orden, reducción, síntesis, sencillez y concentración.La reducción de las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión es una de las bases de los diseñadores de este movimiento.

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Poster Minimalistas En el mundo del diseño existe la tendencia minimalista que se ha innovado cada vez mas atreves de los ultimos puesto a que es una técnica sencilla de y fácil de interpretar

E

l término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Se habla de minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones, principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto que no querían sugerir nada más allá de sí mismos.

E

l minimalismo como tendencia grafica en el diseño es ampliamente utilizado ya que su simplicidad muestra

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DISEÑADOR FAMOSO:

Saul Bass

Aliquam ac erat at neque accumsan tristique. Praesent id tempor nisl. Maecenas elit nunc, porttitor non tincidunt nec, scelerisque vel dolor. Suspendisse consectetur mauris vitae odio semper euismod. ue un reconocido di- llarse creativamente. Abrió los para otros directores. Luee su propio estudio en 1950, go dirigió varios cortometra-

F

señador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.

dedicado principalmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954).

A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en Nueva York y después en el Colegio de Brooklyn. En éste último fue su maestro Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al Bass siguió su camiestilo Bauhaus de Moholy y al no en el mundo del diseño constructivismo ruso. en el cine. Martin Scorsese lo Después de trabajar reconocía ampliamente. Coen varias agencias de diseño laboró con Alfred Hitchcock y de Nueva York, Bass traba- hasta participó en la famosa jó de forma independiente película Psicosis durante la como diseñador gráfico (o “ar- escena de la ducha, de la que tista comercial” como común- se dice que él fue el responmente se les llamaba). Deci- sable del Story board, aundió mudarse a Los Ángeles en que Hitchcock nunca lo reco1946, debido a que en Nueva noció. Junto con su segunda York encontraba muchos im- esposa, Elaine (1961–1996; pedimentos para desarro- deceso; 2 hijos), diseñó títu-

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jes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV. Después regresó al diseño gráfico comercial. Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984. Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los años 90. Saul Bass falleció en 1996.


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TECNICAS VISUALES E

l Contenido y la Forma, siempre ligados, siempre complementados, Deben llevarnos a una respuesta conciente sobre el resultado que esperamos o el mensaje que queremos transmitir.

P

ara ello, el comunicador hace uso de todo Recurso Que favorezca su labor y de todo ConoCimiento Teórico que le fundamente, es decir, los trabajos Arbitrarios no senen respaldo o validez alguna.

Distorsión / Realismo

Entrem las muchas técnicas visuales, hay quienes recomiendan hacer uso del contraste y comparación, de manera que se genere Tensión o Unidad según sea el caso. Simetría Angularidad / Representación / Complejidad Distorsión

• • • • •

Simetría / Asimetría

Orden / Dispersion

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/ Asimetría Redondez Abstracción / Sencillez / Realismo

Tensión / Estabilidad


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Psicologia del color

Historia y Fundamentos

Es importante conocer el origen del concepto basico de la psicologia del color desde su raiz, y conceptualización de la idea misma.

L

a psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar el efecto del color en la percepción y la conducta humana. Desde el punto de vista estrictamente médico, todavía es una ciencia inmadura en la corriente principal de la psicología contemporánea, teniendo en cuenta que muchas técnicas adscritas a este campo pueden categorizarse dentro del ámbito de la medicina alternativa. Sin embargo, en un sentido más amplio, el estudio de la percepción de los colores 28 NovaDesing/ Junio, 2013

Constituye una consideración habitual en el diseño arquitectónico, la moda, la señalícela y el arte publicitario. Orígenes Si bien la psicología del color tuvo además incidencia en la psicología humana desde tiempos remotos, circunstancia que se expresaba y sintetizaba simbólicamente. Entre muchos ejemplos, en la antigua China los puntos cardinales eran representados por los colores azul, rojo, blanco y negro,1 reser

vando el amarillo para el centro. (por tanto, el amarillo fue tradicionalmente el color del imperio chino). De igual forma, los mayas de América central relacionaban Este, Sur, Oeste y Norte con los colores rojo, amarillo, negro y blanco respectivamente. En Europa los alquimistas relacionaban los colores con características de los materiales que utilizaban, por ejemplo rojo para el azufre, blanco para el mercurio y verde para ácidos o disolventes. Base de la psicología del color El precursor de la psicología del color, sin embargo, fue el poeta y científico alemán Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832). que ralizo un estudio llamado psicología del color que se opuso a la visión meramente física de Newton, proponiendo que el color en realidad depende también de nuestra percepción, en la que se halla involucrado el cerebro y los mecanismos del sentido de la vista.


Teoría de los colores de Eva Heller (a partir del estudio de Goethe ).

¿

Cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón? Según el estudio de Eva Heller (1948-2008) es la relación con nuestros sentimientos y demuestra cómo ambos no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son mera cuestión de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraízadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores, como dichos y saberes populares, su utilización en el diseño de productos, los diferentes ‘test’ que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, los nombres y apellidos relacionados con colores, (el grado de erosión, corrupción o deterioro por factores naturales o artificiales ) etc. Esta diversidad se convierte en una herramienta fundamental para todas aquellas personas que trabajan con colores: Artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas, entre otros. No son los métodos ni las posibilidades curativas de los medios empleados lo que aquí nos interesa incluso teniendo en cuenta las ‘Terapias’ con colores conociendo que estos pueden compensar las carencias sentidas a partir de su uso.

tran difícil el expresar ‘sentimientos’ en sus obras, por medio del lenguaje del “color”, dónde la ‘distracción’ no tiene ningún efecto duradero. Así como un ‘color’ o ‘mezcla de color’ favorito que es tan sólo un criterio, no puede estar asociado a la idea de ‘belleza’ pues el concepto ‘favorito’ es subjetivo. El color es una herramienta de comunicación útil a lo funcional por ejemplo la estética y la ‘belleza’ es un ideal cultural cuya herramienta puede ser la estética. Quien escoge un color para: ‘belleza’ no piensa necesariamente en el ‘color’. Conclusión Sólo se ve lo que se sabe que hay. Esta interpretación psicológica a partir del estudio de Eva Heller no solo nos explica que el acto de pintar en general favorece la concentración; ya que quien pinta tiene que ordenar sus ideas sobre lo que pinta distinguiendo lo esencial de lo suprefluo, antes se ha de conocer (por ejemplo: mediante el efecto de un ‘color’ se comprende que depende del ‘conocimiento’ previo). ‘si’ gusta o ‘no’ gusta, pero que afecta a todos (emisor-medio-receptor) no solo es interpretar el medio.

Las terapias con color no tienen efecto secundario, pero tienen el efecto de no producir ningún resultado, ningún efecto y cuanto más ‘Mágicos’ sean su supuestos efectos más probable es su ineficacia. Subjetivamente el ‘color’ ha de permitir no solo a través de su simbolismo hacer comprender, entender o comunicar mejor dentro del marco artificial o reducir temor tanto de lo no artificial como de los artificial. Especialmente por que no solo muchas personas sino ‘artistas’

Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia mental Simboliza, la profundidad inmaterial y del frío. Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas Se lo considera con una personalidad extrovertida, que vive hacia afuera , tiene un temperamento vital, ������������ ambiPuede ser frio o calido dependiendo de su tono representa la calma o del reposo terrestres propios. Es un poco mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos.

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Street Art V

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, PostGraffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en el 2013 El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante en la actualidad siglo 21 ya es posible todo, incluso dibujar en transitados, pretende sorprender a forma experta 3D.

los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje.

No es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña “Obey” (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

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El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado y en pocas palabras destruyendo es por eso que ahora se les corrige con un buen castigo si es que los llegan a ver. Este arte a tomado raices culturales muy fuertes en todos los pasise creando lasos expresivos y artiscicos muy creativos y originales. En venezuela en el museo de diseño de caracas hasta se exponen hobras de diseño de arte callejero.

“Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento “nato” se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua y la naturalez”.


El “Arte Callejero” es símbolo de expresión urbana que refresca la actitud social por medio de cualquier superficie.

Técnicas y estilos El estarcido (stencil) y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.Los normógrafos (reglas perforadas que permiten reproducir las letras del alfabeto normalizadas) se basan en la técnica del estarcido que en este caso se enfocan al graffiti, una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. Los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada.

M

uchas estrategias con diversas ideologías pero la misma teoría “El Arte”, muchos pintan, otros dibujan, algunos solo rayan por rayar por poner algo que no tiene sentido a veces pero simplemente es arte plasmado en diversas estructuras, ya sea en un papel, en lienzo,en el suelo, en cristales, en frutas, e.t.c, incluso con papel de baño, porque al final de cuentas se trata de creatividad de ser únicos y de poder expresarse, tener el poder de demostrarnos lo que hacen.

TIPS

1

Siempre hacer grafitis con el permiso del dueño del sitio donde se valla a implantar el arte. Ya que puede ocasionar problemas legales e incluso puedes estar detenido 64 horas en la cárcel.

2

Tener una basta cantidad de grafitis esto te ayudara a tener gran variedad de colores a implantar en tos horas

3

Practicar.. Estos es imprescindible para ser un buen grafitero y poder evolucionar en este intrincado mundo del arte callejero.

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Nikita Nomerz

Genial lo que puede hacer este hombre.

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Arte realizado en las Calles alemanas de M端nich

Street Art

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P

Se potencia el mensaje cuando le receptor asume una posicion Activa

Los recursos empleados sobre las imágenes a manera de comunicación son las Figuras Retóricas.

La retórica puede aportar a la comunicación visual un método de creación.

CARACTERISTICAS

RETORICA DE LA IMAGEN

Estas formas de retórica son aplicables desde la Oralidad y la Composición Visual, siendo esta última un poco más delicada por cuanto implica una primera Recepción del mensaje Inmediata y una interpretación y Comprensión del mismo.

artienendo del concepto de Lenguaje Visual, se hace necesario acceder a la idea de Retórica, desde la forma efectiva del uso del lenguaje inicialmente y cómo emplearlo para persuadir, influir o agradar.

Retórica: Esel énfasis o sentido Argumentativo de los elementos.

Sintáxis: Se trata sobre la disposición de lo elementos, la arquitectura de los mismos • 

Morfología Hace referencia a aquellos elementos que constituyen una composición

Dentro del Manejo de la Imagen en Comunicación, tema que hemos abordado en continuos ejercicios,cabe destacar conceptos que llevarán a un mejor entendimiento del tratamiento de la imagen en cuanto a estrategia de comunicación.

CONCEPTO

• • • • •

Equilibro • Tensión • Peso Visual Atracción • Figura / Fondo Relaciones Semáticas • Contraste Color • Valoración • Proporción Luces / Brillos

La respuesta del espectador estará dada por la configuración de los elementos desde la Sintáxis Visual:

Dentro del Manejo de la Imagen en Comunicación, tema que hemos abordado en continuos ejercicios,cabe destacar conceptos que llevarán a un mejor entendimiento del tratamiento de la imagen en cuanto a estrategia de comunicación.

Sintaxis Composición

RETORICA VISUAL


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El anclaje del texto y de la imágen hace posible dicha orientación de la lectura e interpretación destacando el sentido necesario.

Dado que la imágen es Polisémica, y están cargadas de contenido retórico, en mayor o menor medida, los comunicadores deben preveer la interpretación del mensaje por parte del receptor y orientarlos a la “lectura” Linguística y Visual que se requiere teniendo presente tanto el contexto como la subjetividad del público.

*

El significado es aquel contenido que le asignamos a la imagen. Estos dos términos no funcionan uno sin el otro.

El significante, se refiere a la representación en SI de lo que vemos.

EL SIGNIFCANTE Y EL SIGNIFICADO

Las figuras retóricas son esos recursos Que actuan sobre las imágenes, en las cuales tenemos dos sentidos de interpretación, el propio de la imagen y el figurado, aunque el mensaje que comunica la imagen puede transmferirrse sin necesidad de la figura retórica, esta sirve para reforzar la idea, hacerla más pregnante y eficaz, en conclusión actua como ESTRATEGIA.

LAS FIGURAS RETÓRICAS

Punto, Línea, Plano, Contorno, Dirección, Color, Tono, Textura, Escala, Dimensión, Movimiento.

Elementos Básicos del Diseño:

Morfologìa Visual


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Tipogramas

Composición que se hace con un juego spográfico que se fortalecedesde la parte sintáctica.

Suprime parte de la imagen que puede ser sobreentendida, se relaciona con la figura ELIPSE que es la contraria a la repeSción.

Recurso estrictamente gráfico con elcual podemos captar la atención en un elemento, usando recursos con el Color, las texturas, la iluminación, tamaño

Acentuativas

Privativas

Alteración del orden de las cosas, Visual o verbal.

Transpositivas (hipérbaton)

FIGURAS SINTÁTICAS

En esta se le atribuyen cualidades animadas o de personas a los animales u objetos inanimados.

Personificacion o Prosopopeya

Se da un cambio en la forma como se presenta el mensaje por uno menos común, se incluyen aspectos fuera del orden normal de las cosas, ello enriquece y aporta elementos propositivos.

Metáfora

FIGURAS SEMÁNTICAS

Serie de elementos relacionados progresivamente, secuencia relacionada con el Sempo y desarrollo de una situación parScular.

Secuenciales

Contraposición de dos situaciones, pueden ser de causa efecto.

Anhtesis


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Reiteración y enfasis que fortalece el significado

Repetitivas

Es una comparación exagerada en sentido positivo o negativo, un aumento o disminución de elementos en relación con un punto de comparación.

Hiperbole (no hay semejanza, puede ser por Sempo, causa efecto, lugar, función, relación.

Metonimia

Consiste en emplear expresiones o frases que envuelven contradicción, o que va opuesta al senSdocomún.

Paradoja


DISEÑO EN 3D El término gráficos 3D por computadora (o por ordenador) se refiere a trabajos de arte gráfico que son creados con ayuda de computadoras y programas especiales. En general, el término puede referirse también al proceso de crear dichos gráficos.

V

Un gráfico 3D difiere de uno bidimensional principalmente por la forma en que ha sido generado. Este tipo de gráficos se originan mediante un proceso de cálculos matemáticos sobre entidades geométricas tridimensionales producidas en un ordenador, y cuyo propósito es conseguir una proyección visual en dos dimensiones para ser mostrada en una pantalla o impresa en papel. En general, el arte de los gráficos tridimensionales es similar a la escultura o la fotografía, mientras que el arte de los gráficos 2D es análogo a la pintura. En los programas de gráficos por computadora esta distinción es a veces difusa: algunas aplicaciones 2D utilizan técnicas 3D para alcanzar ciertos efectos como iluminación, mientras que algunas aplicaciones 3D primarias hacen uso de técnicas 2D.

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Software de gráficos 3D Es el conjunto de aplicaciones que permiten la creación y manipulación de gráficos 3D por computadora. Estas aplicaciones son usadas tanto para la creación de imágenes como en la animación por computadora. Aplicaciones para gráficos 3D: 3DMAX: Es un programa de diseño 3D Es el líder en el desarrollo 3D de la industria del videojuego y es muy utilizado a nivel amateur.


El Render Se llama redender o renderización al proceso final de generar la imagen 2D o animación a partir de la escena creada. Esto puede ser comparado a tomar una foto o en el caso de la animación, a filmar una escena de la vida real. Generalmente se buscan imágenes de calidad fotorrealista, y para este fin se han desarrollado muchos métodos especiales. Las técnicas van desde las más sencillas, como el rénder de alambre (wireframe rendering), pasando por el rénder basado en polígonos, hasta las técnicas más modernas como el scanline rendering, el trazado de rayos, la radiosidad o el mapeado de fotones. El software de rénder puede simular efectos cinematográficos como el lens flare, la profundidad de campo, o el motion blur (desenfoque de movimiento).

Creación de gráficos 3D: Modelado La etapa de modelado consiste en ir dando forma a objetos individuales que luego serán usados en la escena. Existen diversos tipos de geometría para modelador con NURBS y modelado poligonal o subdivisión de superficies. Iluminación Creación de luces de diversos tipos puntuales, direccionales en área o volumen, con distinto color o propiedades. Esto es la clave de una animación.

MAYA: es quizá el software más popular en la industria, Es utilizado por multitud de importantes estudios de efectos visuales en combinación con RenderMan.

ZBrush: es un software de modelado 3d , escultura y pintura digital que constituye un nuevo paradigma dentro del ámbito de la creación de imágenes de síntesis gracias al original planteamiento de su proceso creativo . ZBrush se encuentra actual-

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3Dmax

Uno de los Mejores Soffware en 3d.

Exquisito programa de diseño 3D perfecto para los emprendedores en este nuevo mundo del diseño. Autodesk 3ds Max (anteriormente 3D Studio Max) es un programa de creación de gráficos y animación 3D desarrollado por Autodesk, en concreto la división Autodesk Media & Entertainment (anteriormente Discreet). Creado inicialmente por el Grupo Yost para Autodesk, salió a la venta por primera vez en 1990 para DOS. 3ds Max, con su arquitectura basada en plugins, es uno de los programas de animación 3D más utilizado, especialmente para la creación de video juegos,

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anuncios de televisión, en arquitectura o en películas.Un gráfico 3D difiere de uno bidimensional principalmente por la forma en que ha sido generado. Este tipo de gráficos se originan mediante un proceso de cálculos matemáticos sobre entidades geométricas tridimensionales producidas en un ordenador, y cuyo propósito es conseguir una proyección visual en dos dimensiones para ser mostrada en una pantalla o impresa en papel.

Aparte de las numerosas herramientas de modelado y mapeado que ya tenía en versiones anteriores, Graphite incluye diversas herramientas totalmente nuevas para operaciones como: 1) Reaplicación veloz de topología. Edición poligonal granular. 2) Escultura con una gran variedad de pinceles. 3) Transformaciones de bloqueo para cualquier superficie. 4) Creación de vértices de formas libres. 5) Modificación y creación de selecciones inteligentes. 6) Dibujo rápido de superficies y formas. 7) Transformaciones rápidas.


Caracteristicas: MODELADO Y MAPEADO Herramientas de modelado Graphite 3ds Max 2010 eleva a un nivel absolutamente superior las reconocidas herramientas de modelado poligonal de 3ds Max. Con más de 100 herramientas nuevas para modelado poligonal avanzado y diseño de formas libres, las herramientas de modelado Graphite potencian la creatividad y la libertad artística. Como además se encuentran en una sola ubicación central, es más fácil encontrar la herramienta idónea para cada tarea. Los usuarios también pueden personalizar la visualización de las herramientas u ocultar el panel de comandos y modelar en el modo experto. Analizador de mallas xView La nueva tecnología de análisis de mallas xView permite validar los modelos 3D antes de exportarlos o renderizarlos. Le muestra interactivamente dónde pueden residir los problemas para ayudarle a tomar decisiones importantes. Con esta nueva herramienta, probar los modelos y mapas resulta mucho más veloz y eficaz. Es posible probar y consultar caras volteadas, caras superpuestas, vértices no soldados, mapas ausentes, IDs de objeto e IDs de material. Los usuarios también pueden agregar sus propias pruebas y consultas específicas.

Animación Los objetos se pueden animar en cuanto a: Transformaciones básicas en los tres ejes (XYZ), rotación, escala y traslación. Forma: Mediante esqueletos: a los objetos se les puede asignar un esqueleto, una estructura central con la capacidad de afectar la forma y movimientos. Dinámicas: Para simulaciones de ropa, pelo, dinámicas rígidas de objeto. Explorador de materiales: El nuevo Explorador de materiales le permite gestionar sin miedo a la complejidad de las escenas, porque aumenta la productividad y revoluciona la forma de interactuar de los artistas con los objetos y materiales en 3ds Max.

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ZBRUSH - ZBRUSH ZBRUSH EL MODELADOR 3D DEL MOMENTO ZBrush es un software de modelado 3d , escultura y pintura digital que constituye un nuevo paradigma dentro del ámbito de la creación de imágenes de síntesis gracias al original planteamiento de su proceso creativo .

ZBrush se encuentra actualmente en la versión 4R3. La actualización será gratis para los usuarios registrados. Zbrush comenzó como un original programa que permitía crear pinturas digitales e insertar en ellas objetos 3D, que podían ser simples primitivas originadas en el propio programa, o podían ser importadas en formato “obj”. Poco después, la versión 2.5 canalizó la clave diferencial de este software de un modo más claro al ser usado en fase beta por los artistas de Weta digital para detallar y esculpir diferentes personajes de la segunda y tercera entrega de “El señor de los Anillos”. El descubrimiento de Zbrush como un software capaz de esculpir detallados modelos de un modo semejante a pintar en los mismos facilitó su popularización entre los artistas 3d de las industrias del cine, videojuego e ilustración. Esto ha empujado a los desarrolladores de la aplicación a poner énfasis en esta faceta en cada actualización. 42 NovaDesing/ Junio, 2013


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EVENTO:

Cada año los estudiantes del “I.U.T. Antonio Jose de Sucre” realizan un evento de arte y diseño llamado “EXPLOSH BOOM CARTOON” ¡enterate de todo!

¿que Es? El Exphos Boom Cartoom es un evento lúdico que se celebra desde el año 2005 en la localidad valenciana de Cuart de Poblet, y que se caracteriza por unir el mundo del cómic a otras formas de expresión artística y cultural modernas: videojuegos, dance, deporte y ocio alternativo. Se trata de un evento que busca ante todo la participación de los asistentes. Según sus organizadores, el objetivo es demostrar “que un evento asociativo puede estar al mismo nivel que un evento comercial, con sus mismas ventajas y sin muchos de sus inconvenientes”.

Características Una de las características principales del Explosh es su gran cantidad de actividades, muchas de ellas poco habituales en otros eventos del sector, entre los que se incluyen eventos musicales, actuaciones de cosplay veraniego, competiciones deportivas y pruebas absurdas o de índole humillante. Se suelen desarrollar competiciones dentro del evento para destacar qué participante ha ganado en el mayor número de actividades, y durante todo el evento se suceden espectáculos desarrollados por el equipo de organización.

¿Donde se Realiza? El evento ha modificado sus fechas, localización y número de días en cada edición desde su creación. Desde el año 2008 el recinto se asentó en el I.E.S. Río Turia, pasando a celebrarse el segundo fin de semana de julio. En el año 2009, el evento recibió el título de MegaSalón del Manga, alargándose hasta los tres días de celebración. En la edición de 2012, el evento se trasladó al Pabellón La Constitución, ubicado en el mismo municipio. Sin embargo no resultó adecuado por su falta de espacio al aire libre y la ubicación del escenario, por lo que en 2013 el evento regresa al I.E.S. Río Turia. El Exphosh es gestionado por las profesoras Rosalina Lara y Jimine Barreno. La financiación corre a cargo de los patrocinantes del exphos y de los mismos estuduantes. La participación del “I.U.T. Antonio Jose de Sucre (Instituto en donde estudian diseñadores) es patente en las actividades y el formato del evento, muy enfocados al entretenimiento.

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Un poco de Historia Las convenciones anime fuera de Japón comenzaron en la década de 1980 dentro de las convenciones multigénero y en las convenciones de ciencia ficción, en donde el anime tenía una cabida limitada. A pesar que muchos programas japoneses que se emitían eran muy populares, la penetración directa del mercado de videos anime en Norteamérica y Europa llegó a finales de la década de 1980. A partir de ese momento, las convenciones anime en Norteamérica y Europa tomaron algunas características de las convenciones en Japón tales como el uso de un gran hotel con un salón de reuniones, abarcando uno o dos días , más dentro de un fin de semana, invitando a la miembros de la industria del video, de la moda alternativa y cosplay, comerciantes vendiendo diversas mercancías y otros disfrutando del evento .


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ILUSTRACION

Vectorizado manga por photoshop y Illustrator

INTRODUCCION

o

bras de arte de carácter impresionantes de combinan los diseños fuertes que se encuentran en el cómic y el manga con una fluidez de la línea de trabajo y la sutileza del sombreado que lo empuja más allá de los límites que normalmente se asocian con esa forma.

Ilustradores revelan sus técnicas para acelerar el trazado de dibujois en Illustrator, y cómo producir líneas de trabajo de barrido. También detalla cómo se agrega profundidad utilizando gradientes de construir sombreado en ambas áreas internas y Líneas.

El proceso de búsqueda puede ser muy aburrido y consume mucho tiempo. Yo uso la herramienta Pincel ( B ) para acelerar realmente el proceso de seguimiento, así que sólo puedo dibujar a mano alzada, como si yo estaba usando la pluma de un verdadero artista en el papel - y los resultados son algunas líneas de trabajo muy fluido. Primero, sin embargo, tuve que crear un nuevo pincel con las propiedades adecuadas. Dibujé una línea delgada con extremos afilados, lo arrastré al panel Pinceles y luego seleccionado cepillo de aire como el nuevo tipo de cepillo.

Nunc tempor luctus interPara comenzar esta pieza en Photoshop, he utilizado la herramienta Pincel ( B ) para dibujar una simple figura de una mujer. Luego esbocé elementos adicionales como el pelo y la mano dibujo que representa al espectador a grandes rasgos en azul, para que pudiera mantener la figura clave frente y el centro sin que se siente abrumado por estos elementos. Una vez que esto se terminó, he usado un pincel fino negro para crear líneas de trabajo sobre la base de estos elementos adicionales listos para el rastreo en Illustrator. En Illustrator, He importado (Archivo> Colocar ) el boceto y dejé caer su opacidad al 30%. Entonces creé una nueva capa en la parte superior de la misma y comencé el trabajo de seguimiento. El Pincel de manchas ( Shift + B ) es mi primera elección de la herramienta para crear la línea de trabajo clave más gruesa, “más duro” con diferentes anchos para una sensación handdrawn. Sin embargo, si quisiera líneas suaves, todavía tenía la herramienta Pluma tradicional ( P ) para cuidar de él.

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Cuando se trabaja en los elementos oculares como las cejas y las pestañas, es fundamental contar con un alto nivel de detalle en el mismo. Cuanto más se tiene, más elegante que se ve. Para crear estos pequeños detalles, utilice el nuevo pincel que acabas de crear. Es mucho más rápido que la herramienta Pluma.


He utilizado este nuevo pincel para trazar el resto de la línea de trabajo, una vez más el cambio a la herramienta Pluma para las líneas suaves que necesitaba.

Para el anillo en la mano del artista, quería aplicar un patrón de escamas de pescado en él. Si dibujo esta directamente sobre la forma redonda del anillo, nunca hacerlo bien, así que utilicé la herramienta Distorsionar envuelve para manejar esto.

Puse el patrón en la parte superior del anillo, y cuidadosamente se lleva los puntos de manera que siguió a la forma del anillo y parecía envolver a su alrededor. Esencialmente estoy tratándolo como papel de envolver. Una vez que estaba en su sitio, he creado una máscara de recorte para limitar dentro del anillo.

Cuando se completó la línea de arte, que parecía muy plana. He añadido en algunos matices negros para aumentar el “peso” de la pieza - aumentar el contraste entre el blanco y negro en la composición.

Para iniciar este proceso, dibujé un patrón de es-

A continuación, he seleccionado Objeto> Distorsión de envolvente> Crear malla , insertando 2 para ambas filas y columnas.

A continuación fue el colorido pulg Puesto que el concepto de esta pieza es sobre una chica que juega con las pinturas dentro de un dibujo, he utilizado un color de piel clara y tonos orgánicos para los lápices y pinceles, luego dos colores contrastantes fuertes, azul y púrpura, para ella pinturas y pelo NovaDesing/ Junio, 2013 47


A continuación fue el colorido pulg Puesto que el concepto de esta pieza es sobre una chica que juega con las pinturas dentro de un dibujo, he utilizado un color de piel clara y tonos orgánicos para los lápices y pinceles, luego dos colores contrastantes fuertes, azul y púrpura, para ella pinturas y pelo

La pieza todavía se veía un poco plana, por lo que se le añadio detalles para el crear profundidad visual. Tambien reemplacé el fondo blanco con un gradiente de negro a oscuro y purpura que le apliqué gradientes de sutiles al otro lado de cada uno de las áreas coloreadas de pintura y el cabello. La mano del artista había desaparecido, por lo que I hecho que sea azul, utilizando un gradiente con un gama muy limitada.

El dibujo ahora parecía una obra de arte cómico. Esto fue debido a la fuerte color negro de la línea de trabajo - sobre todo en torno al personaje. No era mi primera intención de dar a esta pieza tan una mirada, por lo que sustituyó a la línea de trabajo que he creado con el Pincel de manchas en el Paso 2 para suavizar la ilustración.

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La mano azul en la parte inferior aún parecía bastante separada del resto de la composición, por lo que añadió, en algunos toques de azul y negro para equilibrar.


Con todo el trabajo vectorial hace ahora, que copió y pegó todo el dibujo, y se importa en Photoshop. Luego aplica un desenfoque gaussiano ( Filtro> desenfoque> desenfoque Gaussiano ) de 5 a algunas zonas al azar, sólo para darle un poco de un toque de ilusión a él.

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Paginas web que no puedes dejar de ver: Las mejores paginas que encontraras en la web de arte y diseño estan aqui buscalas ahora para que adquieras nuevos conocimientos.

Geometry Daily Este diseñador alemán se dedica a hacer formas geométricas, una cada día y diferente. El resultado son preciosas exploraciones en formas y colores.

We Love Typography Una extensa galería de clases de tipografía, muy útiles para cualquier diseñador en busca de la “tipo” perfecta en un proyecto.

Para ver mas visite: http://welovetypography.com/

Para ver mas visite: http://geometrydaily.tumblr.com/

Looks Like Good Design Con un tono de humor (el autor te permite “vote shit”, “share this shit” y “like this shit”) este diseñador suizo tiene un interesante blog interactivo..

Para ver mas visite: http://lookslikegooddesign.com/ 50 NovaDesing/ Junio, 2013


ALEXARTS

FORMTROOPERS

Mas que dibujtios

Página de Alexei Abramov, diseñador gráfico de nacionalidad rusa. Diseña páginas web, ilustraciones y gráficos para todo tipo de negocios y personalidades.

De los diseñadores Toke Blicher Møller y Jeppe Bingestam, quienes crean soluciones gráficas en variadas plataformas.

Exelente blog en donde participan varios diseñadores esto ahce que el blog siempre se mantega actualizado ademas de ser moderno pero ala ver vanguardista. utilizan un sistema de noticias en donde pblican lo ultim que ha salido al mercado en el diseño tambien pormocionan eventos y diseño artistico para enriqueser el comosimiento de todas las personas que deseen visita la pagina y asu vez ganar nuevos administradores que la mantengan. http://www.mas-que-dibujitos.com/

Para ver más visite: http://alexarts.ru/en/index.html

Swissmiss Blog suizo, donde parece que salen muchos buenos diseñadores, que se centra en diseños minimalistas. Arquitectura, gadgets, juguetes para niños… variedad de objetos con diseños muy cuidados.

Para ver más visite: http://www.formtroopers.com/

PETE HARRISON Desde Gran Bretaña, este diseñador digital ha trabajado para importantes empresas y marcas, como Nike,, Microsoft, MTV, Marlboro, Unicef, Peugeot, entre muchas otras Para ver más visite: http://peteharrison.com/

Para ver más visite: http://www.swiss-miss.com/

novadesing inovacion en el diseño y la mejor interface para encontrar publicaciones web sebre el diseño

Para ver más visite: http://www.novadesing.com/

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Nova Desing Prueba  

Diseño Grafico

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