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O p e n

4 A.M. T h e

C i n e m a


Ă?ndice

4 A.M. Director general

Alejandro Mendiola

Director editorial

Antonino reynoso

Director de marca

Alejandro Cisneros

Director ejecutivo

Saul Azuara

CorrecciĂłn de estilo

Alejandro Cisneros

Editor en jefe

Antonio reynoso

Asesores publicitarios

Alejandro Mendiola

Colaborador Extranjero

Jules Fournier


Your Name Dir. Makoto Shinkai

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JAPÓN

Baraka Dir. Ron Fricke

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Estados Unidos

Amelie Dir. Jean Pierre Jeunet

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FRANCIA

El Violín Francisco Vargas Quevedo México

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Temporada de patos Dir. Fernando Eimbcke MÉXICO

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YOUR NAME ““Un razón visual para creer en un destino, una visión para soñar con el amor”

Es una película de animación japonesa estrenada en el año 2016, escrita y dirigida por Makoto Shinkai, animada por CoMix Wave Films y distribuida por Tōhō.

¿Te has preguntado alguna vez sobre tu destino?, ¿Has dejado de creer en el amor por vivir la vida desde puntos ciegos?, o dime, ¿Crees en aquélla historia oriental del hilo rojo, que dice que todos tenemos a un gran amor atado a nuestro meñique, y que pese a la distancia, tiempo y/o espacio algún día sonreirá a tu lado?; lo sé, Taki y Mitsuha tampoco.

La historia nos narra las vivencias de dos personas completamente extrañas, bajo el mismo cielo, en tiempos y distancias distintas, que por cuestión de suerte o destino, experimentan un suceso muy especial que los lleva a conocerse pese a las pocas posibilidades de que esto fuese posible.

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Mediante una trama controladora, foleys que te permiten percibir cada sensación acompañados de

silen-

cios que te mantienen en tensión, una animación muy bien lograda y un sonido envolvente que te permite entrar en ambiente con soundtracks que trasportan tu mente y sentidos a otro mundo, Your name, te hace estremecer desde principio a fin, contando con tiempos de distención que provocan una mayor tensión justo en los momentos necesarios para hacer que percibas al cien por ciento el ambiente y provoque una empatía sin igual hacia los personajes.

Con una narrativa sencilla, la historia que cuenta Makoto es fácil de llevar, ya que implementa (pese a que es animación), muy bueno movimientos de cámara, paneos, encuadres que van desde el clouse up hasta los full shot, una colorimetría súper adecuada para dar énfasis en aspectos pequeños, como la psicología de los personajes, o la semiótica de los objetos; lo que provoca que vayas con la película sin perder ni un solo detalle, ya que el ritmo te mantiene en constante movimiento y no permite

que el espectador llegue a un momento de aburrimiento.

Makoto, no solo logra impactar con una historia simple, sino que logra trasmitir en su totalidad la fascinante y sencilla pauta cursi de dos adolescentes que se intercambian cuerpos, enamorando a sus espectadores al tal grado ser una de las películas más buscadas en el 2016, generando una pauta clara para las producción de animación futuras.

Personalmente, puedo definir a la película como: “Un razón visual para creer en un destino, una visión para soñar con el amor”

Luis Alejandro Cisneros Razo

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Your Name Dir. Makoto Shinkai JAPÓN


BARAKA

Es una película/documental que muestra la evolución de la vida en el planeta con los seres humanos, utilizando la cinematografía realista.

“La historia de la vida, a través del tiempo”

La historia comienza con varias tomas de paisaje, en donde se muestran las montañas y la tierra que el ser humano no ha podido cambiar con sus construcciones. La toma del video y la música llevan el mismo ritmo, la música te lleva a lo largo del video con sus movimientos rápidos y lentos.

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El documental cuenta cómo las personas en su constante evolución van buscando una fuerza mayor, rezándole a los dioses, y haciendo tributos para ellos. Después se muestra que los humanos ganamos más control sobre la naturaleza, pero en el control que vamos teniendo, nos estamos convirtiendo en un sistema complejo, a quienes no les importa modificar el mundo en donde viven, siendo tan egoístas que ni los demás seres vivos que viven en el planeta quedan exentos de esto.


Al final hay tomas en donde muestran lugares con restos de las antiguas civilizaciones, mostrando como los seres humanos somos un paso más en el tiempo de la tierra. “Poco a poco los humanos van a ir desapareciendo”, esta sería la aseveración principal; el documental muestra cómo la muerte es el proceso que todos tienen aún después de formar un sistema y de alcanzar una automatización en la vida. Antonio Reynoso

Baraka Dir. Ron Fricke Estados Unidos

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AMÉLIE “Le fabuleux destin d’Amélie Poulain”

es una película francesa de Jean Pierre Jeunet distribuida en 2001 en Francia, teniendo un éxito importante en en este país y afuera de él. La película cuenta la vida de Amelie desde su infancia, hasta un encuentro que va a cambiar el rumbo de la misma. La película de Amelie no cuenta realmente una historia precisa, pero habla sobre todo de fragmentos de vida que gravitan cerca de Amelie, pareciendo un poco aburrida para muchas personas, pero la manera de contar los momentos hace que todo el interés de la película se encuentre precisamente en la historia de las historias. La película empieza y termina con la voz de un narrador que presenta a los personajes y explica sus personalidades, lo que resienten, viven y transcurren en sus vidas. En el personaje de Amelie, el narrador se enfoca en los detalles sobre las personas y sus costumbres, lo que nos permite definirlos, y entender lo extraño que son. El personaje de Amelie también es muy especial y tiene solo un objetivo a la mitad de la película: aportar felicidad a la gente cerca de ella; este propósito va también a llevarla a buscar su propia felicidad con el amor que ella construye a través de un desconocido a quién nunca le ha hablado. Después de haber visto esta película, yo tenía

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un sentimiento extraño. No sabía realmente qué pensar de lo que había visto, y cuando fui a ver las críticas, vi que no era el único. Generalmente, la gente ama u odia la película, pero no hay punto medio.Esto se explica primero por su estilo, muy francés en cuestión de montaje, música y sonido.

Como lo dije antes, la película se enfoca en los detalles con planos a detalle, o solo con un aumento de un sonido que no debería escucharse tan fuerte, por ejemplo, con el sonido de la mano de Amelie paseando en los granos para que el espectador tenga una

apreciación visual y sonora del placer según ella; eso nos permite conocer la mente de personajes que normalmente no tendría nada de especial sin estas precisiones. Hay dos temas musicales principales que son utilizados en la película, uno de piano que es más melancólico y uno de acordeón que es más feliz. Estos dos temas musicales son también muy importantes porque permiten, a veces, exprimir lo que sienten los personajes también cuando no expresan nada. Tienen una connotación muy francesa por los instrumentos (acordeón, sobre todo) y los ritmos elegidos. El estilo de los planos y


de los decorados (en Montmatre, una zona muy conocida y muy cara de París donde en realidad Amelie no podría vivir con solo su trabajo) son muy franceses e idealizan la película en su contexto, lo que no ha gustado a mucha gente porque además de su historia, su estilo y su ubicación, hacen que la película parezca, para algunas personas, un poco cursi. La historia de amor entre Amelie y el desconocido de las cabinas de fotos fue la parte más incomprendida por muchos espectadores. Creo que yo la entendí y que puedo explicarla por una razón: soy francés y desde niño, soy influido con películas francesas; como dijo Carlos Monsiváis, “los mexicanos aprendieron a través del cine a ser mexicanos”. Es exactamente lo mismo para los franceses, nosotros amamos contar historia de felicidad o comedias, y sobre todo amamos las películas de amor, que muestran relaciones

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peligrosas, prohibidas o casi imposibles entre dos personajes atípicos. Aquí tenemos un ejemplo perfecto: Amelie siente algo por una persona que solo ha visto algunas veces, sin realmente prestar atención a ella, pero enamorándose de sus detalles, como lo hiciera en la vida normal. Amelie va a intentar atraer su atención, pero va también a tener miedo de un encuentro, que el hombre se decepcione de ella, o que ella no sepa cómo reaccionar en su presencia (lo que pasa cuando el hombre llega al café); el hombre también está en esta posición, pero cuando llega el momento, la relación se hace naturalmente. Este miedo de lo desconocido, del amor peligroso, existe en muchas películas de la nueva ola francesa, de las que JeanPierre Jeunet se inspira mucho. Una parte de mi cultura cinematográfica fue formada por estas películas también, y es necesario de ver algunas para entender una


parte del cine francés actual y pasado. Amelie es una comedia romántica que quiere mostrar un aspecto feliz de la vida, hasta idealizar casi todos los aspectos que la forman, es decir: “amamos u odiamos le película”, pero una cosa es cierta, esta película no deja indiferente a nadie, sentimos todos algo después de haberla visto. Por eso podemos decir que la película ha logrado su propósito.

Jules Fournier

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Amelie Dir. Jean Pierre Jeunet FRANCIA


EL VIOLÍN Historias de nuestro México

“El violín, el más pequeño y agudo de los instrumentos de cuerda y arco, desempeña un importante papel en la orquesta”

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con una escena final impresionante, atreviéndome a decir que es uno de los finales más emblemáticos del cine mexicano.

El hecho de que esta cinta se filmara en blanco y negro contribuye a lograr la ausencia, una decadencia absoluta. No hay violencia visual ni gráfica explícitamente.

Está

sugerida.

No

hay sangre ni enfrentamientos. Y sin embargo, hay una guerra que no se ve. Todo el tiempo prevalece una violencia silenciosa. Todo es un pesar; los planos llenos de vida, muchos de ubicación, los cuales te centran en el lugar y te describen cómo pasan los hechos; la cámara en mano te hace parte del filme y pues ¿cómo no hacerlo?, somos película

escrita

y

dirigida

por

Francisco Vargas, es probablemente el mejor filme mexicano de los últimos diez años y el más premiado. Esta cinta tiene como ejes temáticos la violación de los derechos humanos, la represión, la injusticia y la miseria, así como también echa una mirada al ejército como brazo armado de un Estado y de un gobierno que en lugar de cambiar las condiciones de vida de los pueblos las provocan,

Un filme crítico de esto, debería hablar de hacer buenas historias sobre nuestro México, no todo es la comedia y caras bonitas porque

parte de esa violencia día tras día en El Violín Francisco

no se ve la realidad del país, de mi Vargas Quevedo México México. En palabras del Sr Emilio ¨el Indio¨ Fernández: “Se hace un cine tan corriente, tan grosero, que es inaguantable, no se puede llevar a una familia a ver el cine que se está haciendo aquí en México”; y desde mi perspectiva, este filme es uno de los que se salva de esa crítica, ya que

es una excelente historia y

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nuestro vivir. Este cine es verosímil, las personas que salen en la película y no son actores te dejan ese sentimiento de que en cualquier momento yo y tú podríamos estar ahí.

La utilización del blanco y negro fue también para que el filme tuviese una apariencia documental y que no se quedara en una simple historia más; te deja la sensación de que esto que se mira es real y se vive en este país.

Alejandro Mendiola


TEMPORADA DE PATOS “Los patos no emigran por necesidad, solo que de vez en cuando necesitan un cambio”

Temporada de patos es un filme que cambio mi forma de pensar sobre el cine mexicano, cuando pensé que todas las películas eran similares, pude apreciar algo distinto a lo que nos tienen acostumbrados.

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con las mismas personas que están ahí.

Pero aun cuando sonaría como una película pesada para el

espectador, el suceso del apagón es lo que impulsa al desarrollo de los

personajes, lo cuales con el trascurso

de la película van generando

empatía en el espectador, ya que

conoces sus deseos, disgustos y

motivaciones, dando a conocer que

cada uno de ellos es muy diferente al

otro.

Saúl Azuara

Una forma original de contar un

día normal; la trama es muy simple:

dos niños que se juntan a jugar videojuegos se quedan sin luz

mientras su vecina por necesidad

de utilizar el horno, pasa el tiempo

con ellos en el departamento y

un pizzero (que de una entrega

normal), se vuelve parte del grupo,

ya que los niños no quieren pagar;

la unión de estas personalidades crea una trama entretenida con

cambios argumentativos originales e

inesperados.

El director uso muy bien la falta de sonido para representar la falta

de luz, así como jugó con lapsos

cortos de música en situaciones muy específicas, creando la sensación

de alargamiento del tiempo, esto,

apoyado de la simbología del grifo

que marca cada segundo, siendo personalmente un gran acierto

del director, ya que ese grifo nos

recuerda que no hay nada más en la

casa con que entretenerse, más que

Temporada de patos Dir. Fernando Eimbcke MÉXICO

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4 am open the cinema numero 3  

Numero 3

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